Kuryokhin Center Catalogue Award 2010 by Natasha Ergens

ПРЕМИЯ СЕРГЕЯ КУРЁХИНА 2010 В ОБЛАСТИ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА THE SERGEY KURYOKHIN MODERN ART AWARD 2010

Дорогие друзья!

Dear friends!

Петербург — один из крупнейших центров мировой культуры, город с богатейшими традициями, открытый всему новому и передовому. Не случайно именно у нас был рождён замечательный проект — ежегодная премия, отмечающая достижения в области современного искусства. Она носит имя Сергея Курёхина — музыканта и композитора, человека, оказавшего огромное влияние на развитие российской и петербургской культуры. Таланту Сергея Курёхина мы обязаны появлением новейших направлений в музыке. Его творчество во многом предопределило форму и содержание музыкального искусства XXI века. Организаторы премии стремятся соблюдать принципы, сформулированные Сергеем Курёхиным, — новаторство, креативность и импровизацию. Уверена, что премия Сергея Курёхина откроет в этом году новые имена и продемонстрирует яркие тенденции в артпространстве. Желаю всем лауреатам и номинантам премии творческого вдохновения и удачи!

St.-Petersburg is one of the largest cultural centers in the world, a city rich with traditions, and open to all things new and modern. It was no accident that we became the birthplace of a wonderful project — an annual award, which commemorates the achievements in the field of contemporary art. It bears the name of Sergey Kuryokhin — a musician and composer, a man who had a profound impact on the cultural development of Russia and St.-Petersburg. It is to Sergey Kuryokhin's talent that we owe the appearance of the latest trends in music. His work has in many ways determined the shape and content of the XXI century musical art. The organizers of the award seek to follow the principles formulated by Sergey Kuryokhin — innovation, creativity and improvisation. I am sure that the Sergey Kuryokhin Award this year is going to reveal new names and show exciting tendencies in art community. I wish creative inspiration and good luck to all the nominees and winners of the award!

Губернатор Санкт-Петербурга В.И. Матвиенко

Governor of Saint-Petersburg V.I.Matvienko

Dear friends!

Дорогие друзья!

It is no exaggeration to say that, in many ways, contemporary Russian art came from Kuryokhin's “Pop-Mechanics”. He was an innovator in the highest sense of the word. This phenomenon stood out because of its inner freedom, the polyphony and the colossal emotional message, which are fully inherent in today’s cultural community. The first Sergey Kuryokhin Award ceremony showed how interesting and diverse the art content of today is. Not surprisingly, another position was added to the list of nominations — “Public Art”. Undoubtedly, we shall witness the birth of something truly new and creative. In one of his interviews Kuryokhin said that he could only be stopped by an armed tank. I sincerely wish to all the participants — artists, musicians, producers, curators — to have the same enthusiasm, inspiration, creativity, and excitement!

Можно без преувеличения сказать, что современное российское искусство во многом вышло из «Поп-Механики» Сергея Курёхина, который был инноватором в самом высоком смысле этого слова. Внутренняя свобода, полифоничность и огромный эмоциональный посыл отличали это явление и в полной мере присущи нынешнему культурному сообществу. Первая премия Сергея Курёхина показала, насколько интересен и многообразен сегодняшний арт-контент. Неудивительно, что список номинаций пополнился еще одной позицией — «Искусство в общественном пространстве». Несомненно, мы станем свидетелями рождения чего-то по-настоящему нового, креативного. В одном из интервью Курёхин сказал, что его можно будет «только танком остановить». От всего сердца желаю участникам — художникам, музыкантам, продюсерам, кураторам — такого же энтузиазма, вдохновения, творческого азарта!

Commitee for culture chairman A.N.Gubankov

Председатель Комитета по культуре А.Н. Губанков

о центре

Центр Современного Искусства им. Сергея Курёхина создан в Санкт-Петербурге осенью 2004 года. Центр носит имя выдающегося музыканта и композитора конца XX века Сергея Курёхина. Основная цель — объединить талантливых представителей современного искусства, выступающих вне рамок мэйнстрима поп-культуры и предоставить им возможности презентации совместного и индивидуального творчества. На сегодняшний день в Центре проводятся ежегодные международные фестивали: Международный Фестиваль Сергея Курёхина SKIF. Международные фестивали SKIF проводятся Благотворительным Фондом Сергея Курёхина с 1997 года. Первые два прошли в 1997 и 1998 годах в Нью-Йорке, с 1999-го фестиваль ежегодно проводится в Санкт-Петербурге. За время существования в SKIFе приняли участие как мировые звёзды авангардной музыки Terry Riley, Peter Broetzman, Keshavan Maslak, Frank London и многие другие, так и огромное количество молодых музыкантов из России и других стран, исполняющих необычную, экспериментальную музыку. В 2011 году состоится пятнадцатый SKIF. Фестиваль электронного искусства «ЭлектроМеханика». Международный мультимедийный фестиваль, представляющий различные грани электронного аудиовизуального искусства: экспериментальную и танцевальную музыку, видеоарт, инсталляции и перформансы. За шесть лет на фестивале выступили Amon Tobin, Mouse on Mars, Ryoji Ikeda, Gudrun Gut, Ben Frost и др. World music фестиваль «Этно-Механика». Продолжая традиции SKIF, «Этно-Механика» приветствует в этнической музыке эксперимент и оригинальность: здесь отлично сочетаются алтайское горловое пение кай и саамский йойк, сибирский рок и французский хип-хоп, йоухикко и балканский бит, байлефанк, кумбия и узбекский поп. Участники фестиваля это и Orange Blossom, и Mari Boine, Alexander Balanescu в дуэте с Эвелиной Петровой, Alamaailman Vasarat и Socalled, Инна Желанная, Буготак, Чейнеш и др. Начиная с 2008 года ежегодно проходит фестиваль любительского кино «Мегаполис». В 2010 впервые состоялся Фестиваль видеоарта «Видеоформа» с участием Ольги Шишко и Карины Караевой из Москвы, Глюкли и Цапли, группы Provmyza, директора голландского фестиваля Impakt Арьена Донневинда. Также в 2010 году состоялась первая церемония вручения Премии Сергея Курёхина в области современного искусства за 2009 год. Помимо фестивалей, в Центре проводятся концерты, выставки, мастер-классы, кинопоказы. Особое внимание уделяется медиа-искусству. Сайт: www.kuryokhin.net

Sergey Kuryokhin Modern Art Center was founded in 2004. The center is called in honor of the XX century outstanding musician and composer Sergey Kuryokhin. The main purpose of the Center is to unite talented modern art representators who are performing behind the boundaries of mainstream pop culture and to give them the possibilities of joint and individual art presentation. Nowadays the following international festivals are held at Sergey Kuryokhin Modern Art Center: Sergey Kuryokhin International Festival “SKIF” The festival has been organized since 1997. First two festivals were held in New York. Since 1998 the festival is annually held in Saint-Petersburg. During these years a lot of famous avanguarde, rock, jazz musicians (such as Terry Riley, Peter Broetzman, Keshavan Maslak, Frank London, Faust and many others) as long as many young musicians from Russia and other countries playing extraordinary experimental music of all kinds have performed at the festival. On 2011, 13-14th will be held SKIF XV with participation of SWANS, The Ex, Gonjasufi, Alan Howarth, Arnold Dreyblatt Ensemble and many others Electronic art festival “Electro-Mechanica” “Electro-Mechanica” is an international art festival which represents various sides of electronic audio visual art: experimental and dance music, videoart, installations and performances. During six years at the festival performed Mouse on Mars, Biosphere, Amon Tobin, Ryoji Ikeda, Alva Noto, Gudrun Gut, Ben Frost etc/ World music festival “EthnoMechanica” Keeping on with traditions of SKIF world music festival “EthnoMechanica” welcomes experiment and originality in ethno music. Here you can hear perfect combination of Altai throat singing kai and Saam ioik, Siberian rock and French hip-hop, jouhikko and Balkan beat, baile-funk, kumbia and Uzbek pop. At the festival performed Orange Blossom, Mari Boine, Alexander Balanescu and Evelina Petrova, Alamaailman Vasarat, Inna Zhelannaya, IvaNova, Bugotak etc. Since 2008 home-video festival Megapolis is held annually. In 2010 for the first time was organized video-art festival Videoforma with participation of Provmyza, Olga Shishko and Karina Karaeva curators, Glyukla & Tsaplya, director of Holland festival Impakt Arjon Dunnewind. In 2010 the Sergey Kuryokhin Modern Art award was established. Besides the festivals some concerts, exhibitions, master classes, film shows are held. Special attention is being paid to the media arts. www.kuryokhin.net

about center

о премии

about award

Sergey Kuryokhin Modern Art Center in association with Sergey Kuryokhin Charity Foundation presents an annual contemporary art award. The award aims to broaden the modern art boundaries. Due to the Sergey Kuryokhin Modern Art Award it became possible to include such a significant modern art segment as multimedia and music projects. The award is given to artists, curators, musicians, who develop in their creative activities revolutionary ideas, that were partly formed in 90-es and Sergey Kuryokhin played not the last role in this process. The search for new forms of interaction, provocative spirit, focus on performance, improvisation and unpredictability of creative result — these are the main principles Sergey Kuryokhin’s “Pop-Mechanics” was based on. Originality of the Award consists in the fact that it develops synthesis of different art genres, that was embodied in the creative activity of Sergey Kuryokhin and became apparent in such nominations as “Gran-Prix” “Pop-Mechanics”, “Poetic performance” and “Public art”. For the fisrt time the Award was presented in March, 2010 and became a bright event in the sphere of contemporary art. Multimedia performances and installations of the nominees turned the first ceremony into a festival that along with the press-conference with the participation of the members of the Board of trustees and the Jury attracted vivid attention of the audience and mass media. Laureates of the first Award became: multimedia project of DakhaBrakha band, curators Agatha Iordan and Elena Oleinikova (B.U.Kashkin Fest curator project), Petr Beliy (installation “Silence”), Andrey Bartenev with performance inspired by Korney Chukovsky’s poem “Moidodyr”, music project “Uniquetunes”, singer Sainkho Namchylak, Boris Raiskin. The special prize “For the contribution to modern art” received a legendry composer from Saint-Petersburg Oleg Karavaichuk. Nominations of Sergey Kuryokhin Modern Art Award: Gran Prix “Pop-mechanics” (synthetical project with live musical part) Best curator project Best visual art project ( traditional art, installation, animation, videoart) Best poetic performance Best public art project Besides those there will be independent awards Ethno-Mechanica (best world-music project) Electro-Mechanica (best electronic audio visual project) The project is supported by Сommittee for culture of Saint Petersburg.

Центр Современного Искусства им. Сергея Курёхина совместно с Благотворительным Фондом Сергея Курёхина представляет ежегодную Премию в области современного искусства. Премия вручается художникам, кураторам, музыкантам, которые в своем творчестве развивают революционные идеи, сформулированные еще в 90-е годы Сергеем Курёхиным. Поиск новых форм взаимодействия искусств, провокационность, ориентация на перформанс, импровизацию и непредсказуемость творческого результата — на этих принципах «Поп-Механики» основана Премия Сергея Курёхина. Ее уникальность заключается в развитии синтеза искусств, воплощенного в творчестве Сергея Курёхина, и в появлении таких номинаций, как «Гран-при «Поп-Механика», «Лучший поэтический перформанс» и «Искусство в общественном пространстве». Впервые Премия была вручена в 2010 году за проекты 2009 года и сразу же стала ярким событием в области современного искусства. Мультимедийные перфомансы и инсталляции номинантов превратили первую церемонию вручения Премии в фестиваль, который, наравне с пресс-конференцией с участием членов Попечительского совета и жюри Премии и привлекли к себе большое внимание общественности и СМИ. Лауреатами Премии Сергея Курёхина за 2009 год стали: мультимедийный проект «ДахаБраха», кураторы Агата Иордан и Елена Олейникова (проект «Б.У. Кашкин fest») , Петр Белый (инсталляция «Тишина»), Андрей Бартенев с перформансом по мотивам стихотворения К.Чуковского «Мойдодыр», музыкальный проект «Uniquetunes», певица Саинхо Намчылак, Борис Райскин. Специального приза «За заслуги в развитии современного искусства» был удостоен легендарный санкт-петербургский композитор Олег Каравайчук. Премия за 2010 вручается в следующих номинациях: Гран-при «Поп-Механика» (синтетический проект с участием живой музыкальной составляющей) Лучший кураторский проект Лучшее произведение визуального искусства (традиционные виды искусства, инсталляция, объект, видеоарт) Лучший поэтический перформанс (синтетическое произведение с поэтической составляющей) Искусство в общественном пространстве (проекты public art, land art, граффити) Наряду с номинациями будут присуждены следующие почётные премии: Этно-Механика (лучший world-music проект) Электро-Механика (лучший электронный аудиовизуальный проект) Проект поддерживает Комитет по культуре СанктПетербурга.

о премии

ПОПЕЧИТЕЛЬСКИЙ СОВЕТ

BOARD OF TRUSTEES

Антон Губанков председатель Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга

Anton Gubankov chairman, Committee for Culture of Saint-Petersburg

Михаил Пиотровский директор Государственного Эрмитажа

Michael Piotrovskiy director, The State Hermitage museum

Владимир Гусев директор Государственного Русского Музея

Vladimir Guseev director, The State Russian Museum

Альберто Сандретти коллекционер русского искусства XX века

Alberto Sandretti collector of Russian art of 20th century

Елена Коловская директор фонда культуры и искусства «ПРО АРТЕ»

Elena Kolovskaya director, The St Petersburg PRO ARTE Foundation for Culture and Arts

Леонид Бажанов директор ГЦСИ

Leonid Bajanov NCCA Artistic Director

Михаил Царёв Президент клуба коллекционеров современного искусства, генеральный продюсер Фестиваля Актуальной Анимации и Медиа-искусства Linoleum, учредитель «Michael Tsarev Art Projects».

Michael Tsarev President of the Contemporary Art Collectors Club, general producer of the International Fest of Contemporary Animation & Media-Art Linoleum, founder of “Michael Tsarev Art Projects”.

Сергей Соловьев режиссер

Sergey Soloviev film director

Николас Ильин Вице-президент по международному развитию GCAM GROUP

Nicolas Iliyn vice-president, Global Culture Asset Management Group

Александр Полесицкий генеральный директор «Европейской Медиа Группы»

Alexander Polesizkiy general director, “European Media Group”

about award

JUDGES

ЖЮРИ

Alexander Borovskiy, head of new trends, The State Russian museum

Александр Боровский, заведующий отделом новейших течений Русского музея

Joseph Backstein, commissioner, the Moscow biennale of contemporary art

Иосиф Бакштейн, комиссар Московской биеннале современного искусства

Vasiliy Cereteli, executive director, Moscow museum of modern art

Василий Церетели, исполнительный директор Московского музея современного искусства

Marat Guelman, member of Civic Chamber of the Russian Federation; director, PERMM

Марат Гельман, член Общественной Палаты, директор музея современного искусства PERMM

Olga Shishko, director, “MediaArtLab”

Ольга Шишко, директор МедиаАртЛаб

Olesya Turkina, senior research fellow, The State Russian museum

Олеся Туркина, ведущий сотрудник Государственного Русского музея

Aslan Chekhoev, founder of the New Museum

Аслан Чехоев, учредитель проекта «Новый музей»

Andrei Tropillo, producer

Андрей Тропилло, продюсер

Alexander Kan, music critic

Александр Кан, музыкальный критик

Michael Trofimenkov, cinema critic

Михаил Трофименков, кинокритик

Alexander Cheparukhin, producer

Александр Чепарухин, продюсер

Vsevolod Gakkel, musician

Всеволод Гаккель, музыкант

Artemiy Troitskiy, music critic

Артемий Троицкий, музыкальный критик

ORGANISATION COMMITTEE

ОРГКОМИТЕТ

Anastasia Kuryokhina, art director, Sergey Kuryokhin Modern Art Center

Анастасия Курёхина, художественный руководитель Центра Современного Искусства им.Сергея Курёхина

Victoria Ilyushkina, artist, curator

Виктория Илюшкина, художник, куратор

Dmitriy Ozerkov, project “Hermitage 20/21” curator

Дмитрий Озерков, куратор проекта «Эрмитаж 20/21»

Irena Kuksenaite, artist, galerist

Ирена Куксенайте, художник, галерист

Natalia Padabed, music producer

Наталья Подобед, музыкальный продюсер

Sergey Bugaev (Africa), artist

Сергей Бугаев (Африка), художник

Konstantin Ilyin, chief editor of Audioformat magazine

Константин Ильин, главный редактор журнала «Аудиоформат»

о премии

ОЛЕСЯ ТУРКИНА

ПРЕМИЯ СЕРГЕЯ КУРЁХИНА Существует немало премий, посвященных памяти выдающихся художников. Так, самая престижная британская премия носит имя Уильяма Тёрнера, французская премия для молодых художников посвящена Марселю Дюшану, российская премия названа именем Василия Кандинского. В таком посвящении заключается не только дань памяти тем, кто изменил представления об изобразительном искусстве, но, прежде всего, надежда на будущее, попытка оценить тех, кто отважно ищет новое, показать, что и сегодня можно перевернуть мир, заново изобрести его, создать неведомый еще язык. Премия Сергея Курёхина связана с легендарной личностью одного из главных петербургских героев конца ХХ века, гениального композитора и пианиста, автора музыки к кинофильмам и основателя звукозаписывающей фирмы, органи-

SERGEY KURYOKHIN AWARD There are many awards dedicated to the memory of distinguished artists. Thus, the most prestigious British award bears the name of Joseph Mallord William Turner, the French award for young artists is dedicated to Marcel Duchamp, Russian award is named after Wassily Kandinsky. Such dedication not only serves as a tribute to those who changed our perception of art, but above all, it contains a hope for the future; an attempt to recognise those who bravely search for new things, to demonstrate that even today one can change the world, reinventing it, creating a hitherto unknown language. Sergey Kuryokhin Award is linked to one of most prominent characters of the late-twentieth-century St.-Petersburg, a brilliant composer and pianist, author of film scores, founder of a recording company, head of a Centre for Space Research, a cacti collector, publisher and booklover. In

about award

breadth and universality of his interests he can be compared with Marcel Duchamp – an artist, organiser of exhibitions, the founder of the Soci Anonyme, a passionate chess player. But the most important in this comparison is the fact that, like Duchamp, who opened a new way of creating and contextualasing art, Kuryokhin left us with something more than individual music works and cultural artifacts. He became an inventor of new meanings. Sergey Kuryokhin award is unique, as it is specifically focused on the synthesis of art that emerged in one of Kuryokhin's most brilliant creations, the “Popular Mechanics” orchestra. Unlike the other Russian awards, such as “Innovation” and Kandinsky Prize, aside from traditional awards for best work of visual art and best curatorial project it has a number of specific nominations, as “Public Art” and “Live poetic art performance” (по сути правильный перевод, но мне кажется, что нужно посоветоваться с носителем языка, чтобы лучше звучало) not to mention the prestigious music awards “Ethno-Mechanica” and “Electro-Mechanica”. But perhaps, the originality of the Sergey Kuryokhin Award is best seen in the Grand Prix — “Pop-mechanics”. The futuristically loud name “Pop-mechanics” first emerged in mid-1980's, revolutionising and completely changing the cultural life of Leningrad (St.-Petersburg) and Russia in general. People learned in advance of these shows, which were always surrounded by extraordinary rumours — such as possible appearance of live tigers on stage, or performances by Edita Piekha, Vanessa Redgrave, Boris Shtokolov or Song and Dance Ensemble of the Soviet Army. Kuryokhin used to walk around the city and excitedly talk about the surprises that were coming in the next “Pop-mechanics”: inviting of the left radical writer Eduard Limonov, dedicating “Pop-mechanics” to mystic Aleister Crowley, sado-masochistic scenes to be enacted by the artists, appearance of a naked harpist, or how he himself would hover near the ceiling in the Oktyabrskiy Concert Hall, wearing an authentic Ichthyander costume from the legendary film “The Amphibian Man”. But these stories, which revealed the upcoming mysteries, did not take away the novelty and excitement of “Pop-mechanics”. Each “Pop-mechanics” was unique, as it was created by Sergey Kuryokhin literally in front of the audience, depending on the location of the performance, the audience and the line-up. The atmosphere of “Pop-mechanics” was largely determined by its inextricable link with the arts. The days of futuristic opera “Victory over the Sun” saw the New artists tearing up the collectively painted curtains on stage, the group's founder Timur Novikov marching with a huge inflatable dragon on his shoulders, Sergey Bugaev Afrika (elected as President of the Globe) eating flowers and interacting with a live goat, the Necrorealism crawling after their founder Eugene Yufit, Yuri Circul (Krasev), wearing naval uniform, reciting his songs... The image of “Pop-mechanics” changed over time, from the dark humor of dadaist scenes to post-ideological performances; from the futuristic costumes by Sergey

затора своего Центра космических исследований и собирателя кактусов, издателя и библиофила… По широте и универсальности интересов его можно сравнить с Марселем Дюшаном, художником, организатором выставок, создателем Безымянного общества, страстным любителем шахмат... Но самое важное в таком сравнение заключается в том, что, как и Дюшан, который открыл новый способ создания искусства, его контекстуализации, Курёхин оставил нам нечто большее, чем отдельные музыкальные сочинения и культурные артефакты, став изобретателем новых смыслов. Премия Сергея Курёхина уникальна. Она принципиально сосредоточена на синтезе искусств, который проявился в одном из самых ярких созданий Курёхина оркестре «Популярная механика». По сравнению с другими российскими премиями, такими, как «Инновация» и «Премия Кандинского», наряду с традицинными наградами за лучшее произведение визуального искусства и кураторский проект в ней есть такие необычные номинации, как «Искусство в общественном пространстве» и «Поэтический перформанс», не говоря уже о таких почетных музыкальных номинациях, как «ЭтноМеханика» и «Электро-Механика». Но, пожалуй, лучше всего неповторимость Премии Сергея Курёхина проявляется в Гран-при — «Поп-Механика». Футуристически звучное имя «Поп-Механика» появилось в середине 1980-х годов, революционизировав и окончательно изменив культурную жизнь Ленинграда (Санкт-Петербурга) и России в целом. Об этих концертах, окруженных фантастическими слухами, например, о возможном появлении на сцене живых тигров, или от том, что в представлении задействованы Эдита Пьеха или Ванесса Редгрейв, Борис Штоколов или Ансамбль песни и пляски Советской армии, узнавали заранее. Курёхин ходил по городу и с увлечением рассказывал о тех сюрпризах, которые предстоит увидеть на ближайшем выступлении «Поп-Механики», будь то о приглашении лево-радикального писателя Эдуарда Лимонова или о посвящении «Поп-Механики» мистику Алистеру Кроули, о садо-мазохистких сценах, которые разыграют художники, или о появлении обнаженной арфистки, наконец, о том, как он сам будет парить под потолком БКЗ Октябрьский в подлинном костюме Ихтиандра из легендарного фильма «Человек Амфибия». Но эти рассказы, раскрывавшие будущую тайну, не лишали «Поп-Механику» новизны и неожиданности. Каждая «Поп-Механика» обладала неповторимостью и создавалась Сергеем Курёхиным буквально на глазах у зрителей в зависимости от места представления, аудитории и состава участников. Атмосфера «Поп-Механика» во многом определялась и тем, что она неразрывно была связана с искусством. Как во времена футуристической оперы «Победа над Солнцем» разрывали на сцене коллективно расписанный ими занавес Новые художники, шествовал с огромным надувным драконом на плечах основатель группы Тимур Новиков, поедал цветы и взаимодействовал с живым козлом принявший титул Председателя Земного шара Сергей Бугаев Африка, ползали по-пластунски вслед за отцом движения Евгением

о премии

Юфитом некрореалисты, декламировал свои песни, облеченный в военно-морскую форму Юрий Циркуль (Красев). Облик «Поп-Механики» менялся со временем от черного юмора дадаистких перформансов до постидеологических представлений, от футуристических костюмов Сергея Чернова, вдохновленных промышленной свалкой и «Механическим балетом» Фернана Леже до героев античных мифов, разыгранных художниками неоакдемистами Олегом Масловым и Виктором Кузнецовым. В 2004 году в Русском музее прошла выставка «Сергей Курёхин. По следам «Поп-Механики», на которой были показаны фрагменты декораций, костюмы, картины, воспроизведенные на пластинках, фотографии. Они стали драгоценными свидетельствами одного из самых значительных современных культурных феноменов. «Поп-Механика», пронизанная энергией своего создателя и завораживающей силой популярных мелодий, маршей и ритмов, мифологизировала «время перемен». Совмещение рока, джаза и классической музыки, карнавальный принцип переворачивания, коллаж из законченных музыкальных блоков — все это и многое другое, со временем ставшее частью современной музыкальной культуры, впервые воплотилось в «Поп-Механике». Курёхин говорил, что «Поп-Механика» это не группа, а способ мышления. Он не просто уловил тончайшие, доступные его слуху общественные колебания, но и стал их совершенным резонатором. «Поп-Механика» деконструировала Большой рассказ о культуре, о музыкальной и социальной однородности, показав как в нем одновременно существуют множество повествований о тоталитарной, популярной, маргинальной культуре. Ее принцип можно назвать структурированной свободой. Курёхин импровизировал на сцене, манипулируя готовыми музыкальными формами. «Поп-Механика», по словам ее создателя, на протяжении почти пятнадцати лет эволюционировала, от метода «наложения» (коллажа) к методу «вычитания» (монтажа)*. Эта эволюция сближает Сергея Курёхина с Джоном Кейджем, еще одним революционером ХХ века, перевернувшем представление о музыке, философии и искусстве, с которым Курёхин сделал перформанс «Водная симфония» и которому посвятил одно из своих последних сочинений. Премия Сергея Курёхина проходит во второй раз. Вот уже пятнадцать лет как Курёхина нет с нами. За это время не только началось осознание его роли в нашей культуре, но был создан Цетр Современного Искусства имени Сергея Курёхина и учреждена специальная премия, которая вручается за синтез искусств и поиск новых смыслов, за революционное бесстрашие, которому одному под силу изменить мир. * Один из самых серьезных теоретических и одновременно парадоксальных текстов Сергея Курёхина “Морфология Популярной механики”, был опубликован незадолго до его смерти в журнале “Кабинет”, №11, 1996. В 2001 году этот текст был переиздан в: “Кабинет: Картины мира II”, СПб, “Скифия”, 2001, с. 310-317

Chernov, inspired by industrial landfills and Fernand Leger's “Mechanical Ballet”, to the heroes of ancient myths, played by neo-academic artists Oleg Maslov and Viktor Kuznetsov. In 2004, the Russian Museum organised and exhibition entitled “Sergey Kuryokhin. Following the footsteps of Popmechanics”, which showed parts of decorations, costumes, reproductions of pictures on the vinyl, and photos. They became the precious evidence of one of the most important contemporary cultural phenomena. “Pop-mechanics”, bursting with its creator's energy and the captivating power of popular tunes, marches and rhythms, mythologised the “time of change.” The combination of rock, jazz and classical music, carnival principle of “turning”, collage made of finished blocks of music — all this and many more things, which eventually became part of modern musical culture, first appeared in “Pop-mechanics”. Kuryokhin said that “Pop-mechanics” was not a band, but a way of thinking. He did not merely catch the sound of the finest social changes, but also became their perfect resonator. “Pop-mechanics” took apart the Great Story of culture, of the musical and social homogeneity, showing how in it there were many simultaneous stories of the totalitarian, popular, and marginal cultures. Its principle can be formulated as “structured freedom”. Kuryokhin improvised on stage while manipulating finished musical forms. “Pop-mechanics”, according to its maker, had evolved for almost fifteen years, departing from the method of “blending “(collage) and coming to the method of “subtraction “(montage)*. This evolution aligns Sergey Kuryokhin with John Cage, another twentieth century revolutionary, who transformed the idea of music, philosophy and art. With him Kuryokhin created the performance “Water Symphony”, and later dedicated to him one of his last works. Sergey Kuryokhin Award is presented for the second time. It has been fifteen years that Kurkhin is no longer with us. In this time, as we have started to become aware of his cultural legacy, a Centre of Contemporary Art in his name was established, as well as a special award, which commemorates the synthesis of various forms of art, the search for new meanings, and the revolutionary courage — the only kind that can change the world. Olesya Turkina * One of Kuryokhin's most serious theoretical and, at the same time, paradoxical texts, “Morphology of Popular Mechanics”, was published not long before his death in “Cabinet” magazine, #11, 1996. The text was re-published in 2001, in “Cabinet: Pictures of the world II”, St.-Petersburg, “Skifia”, 2001, p.310-317.”

about Sergey Kuryokhin

ВИКТОР ТИХОМИРОВ

В ОЖИДАНИИ ПОДРОСТКА Если допустить, что среди нас водятся инопланетяне, то Сергей Курёхин был из их числа. Легче всего именно инопланетным происхождением объяснить необычную природу его обаяния. Фантастическое обаяние было главным качеством Курёхина, направленным вовне. Когда он входил в помещение, все осознавали, что жизнь их до этого мгновения была — не жизнь. И запах приносил с собой Куреxин свежий и легкий. Радость входила вместе с ним, даже посреди нeотложных дел или важного, напряженного спора. Курёхин всегда оказывался важнее любого дела, он мог заставить всех всe бросить, чтобы следовать за ним, с надеждой, что он приведет куда-то, в гораздо лучшее место. Если он звoнил то всегда как с другой Планеты, все его живо интересовало, хоть и расстались вроде только что. Обычные человеческие качества Курёхина разрастaлись за пределы возможного. Узнав от кого-то, что меня «душат» бандиты за свой разбитый «мерс» и требуют диких денег, он звонил каждый час, предлагая для срочной продажи различное имущество: гитару, пульт, синтезатор, и прочую музыкальную аппаратуру и все свои деньги, пока не узнал, что я выкрутился. Один из его директоров, некто Рапопорт, однажды ловко воспользовался этим качеством, переведя заработанные Курёхиным деньги (50 тыс. у. е) на свой счет и сказав лишь перед увольнением: «Ну ведь ты не убьешь меня изза денег, Сережа?». Курёхин толькo плюнул ему вслед и забыл навсегда. Это ли не поступок инопланетянина? Несмотря на легкомысленный вид и легкость в разговоре (мог, как подросток, всерьез хвастаться квадратными носками ботинок и невиданными солнцезащитными очками), он обладал удивительно обширной эрудицией, в самых неожиданных областях. Нет, слабо сказано. Эрудиция его, как и обаяние, были запредельными, инопланетными какими-то. Раз на Ленфильме он при мне убеждал одного редактора в необходимости периодической телепередачи об истории джаза и, сидя верхом на столе, выдал столько сведений вообще о музыке и о джазе, конечно, пересыпая речь именами, географическими названиями и историями, что хватило бы на сериал сразу, если б его тут же и записать. А однажды он назначил в моей мастерской встречу со студентами философского факультета ЛГУ (по их просьбе, конечно). Те пришли с пивом и со второго слова принялись сыпать философскими терминами и именами, желая указать музыкантишке его место. В следующие пять минут Курёхин в короткой, пылкой ре-

о Cергее Курёхине

чи доказал, что досконально знает все, о чем те лишь слышали, и знания его простираются до границ, неразличимых оппонентами. Процитировав напоследок по главе из каждого упоминавшегося студентами философа и поняв, что все это для слушателей внове, Сергей впал в редкое для него (проявляемое ну разве что по отношению к очень уж тупым девицам-журналисткам) раздраженное состояние, поднялся и вытолкал всех вон, за шивороты, в сопровождении тумаков, обзывая «козлами» и «пидорастами». Посрамленные светила философии будущего смиренно скатились с лестницы, бережно храня недопитое пиво. Что и говорить о «популярной механике» по форме и содержанию выдающей инопланетное сознание и присутствие. Ведь только пришелец мог до такой степени не знать иерархий и приоритетов между артистами разных стилей, направлений и жанров, чтобы догадаться всех их смешать, запустив меж ними еще и животных в одном ряду с экстремальными политиками. И какой нужно было иметь авторитет? И навещая его в больнице, я был уверен, что раз он так шутит, то будет жить вечно … Обязательно нужно запомнить его лицо и улыбку, для представления о человеке, который был получше нас с вами. Но, может, он еще как-нибудь вернется? Текст опубликован в журнале “Красный 100%” 04 (12) апрель 2004

about Sergey Kuryokhin

ВИКТОР МАЗИН

ИНОПЛАНЕТЯНИН Пересказать всё Он знает, что говорит. Он знает людей. Знает, что они любят ведомое. Глядя на знакомое, они с ликованием узнают себя. «Мы так и знали», — счастливо говорят они. Курёхин знает: распространение информации — дезинформация. Знает: его рассказ о тигре будет передаваться из уст в уста, пока тигр не превратится в стадо антилоп и хор танкистов. Которые заставят любителей эстрады принять свободную джазовую импровизацию, знатоков авангарда прислушаться к пению Эдуарда Хиля, а фанатов «Алисы» смириться с изыском скрипичного квартета. Пока «все нормальные» люди гадают о будущем, Курёхин его пересказывает. Планета, с которой он падает — детство. Так ребёнок может пересказывать фильм своими словами и в лицах. Или то, что будет, как то, что было. Вот Курёхин выходит на сцену, с видом учёного мужа пересказывает либретто, смешивая персонажей, континенты, эпохи. Глядя на серьёзные лица слушателей, начинает давиться от смеха, продолжая показывать: вот настоящая история, а вся наша логика мест и времён — лишь тюрьма, в которой томится воображение. На стадии либретто дзен-концерт и заканчивается. Ошарашенная публика приходит в себя. Больше чем популярная механика Сергей Курёхин — космический человек. Он заставляет мир вращаться, упорядочивая его. Он знает, что жёсткий порядок и гармония, к которым так стремятся люди, — смерть. Поп-Механика — механика соединения жанров + группа «Кино» + Сергей Летов + Ванесса Редгрейв + Алла Пугачёва + Вест Бам + Ансамбль песни и пляски Советской армии + куры + Курёхин. Это соединение, — да, кошмар для любителей стерильного жанра. Да, эта механика — популярная. Да и сам Сергей Курёхин вне системы, вне определений. Консерваторский критик скажет: Курёхин — ненастоящий пианист. Металлист-ортодокс скажет: джазмен какойто! Джазмен добавит: попс! Но все они чувствуют: Курёхин всегда больше того, что о нём говорят. И все они, критик, металлист и джазмен вместе выходят на сцену. Чтобы вопреки всем либретто и пересказам, вопреки репитициям произошло непредвиденное Событие, Хао-космос, в разноголосице которого различим голос каждого. Никакой патетики! Курёхина отличает ироничная рефлексия. Не столько чистота модернистской программы, сколько

о Cергее Курёхине

непрограммируемость жизненного события. Современное искусство рождается на глазах. На глазах и умирает. Разрушается подобно мандале. Сохраняясь в сердцах и умах. Так сберегается согревающая память о настоящем празднике. О том празднике, который выходит за рамки жанра. «Популярная Механика» — Пределы Жанров. За такие пределы любит Курёхин японцев, которые любое заимствование доводят до совершенного предела, и неважно, идёт ли речь о дзен-буддизме, искусстве бонсаи или литературе Юкио Мисимы. В этих пределах человек сталкивается с нечеловеческим в себе. Об этом столкновении мечтает инопланетянин Сергей Курёхин. Хочу всё знать Творчество Сергея Курёхина не ограничивается «Популярной Механикой». Один из его уроков мне так никогда и не усвоить, дело в том, что Курёхин — агент социального. Именно так: не социальный агент, а агент социального. У него постоянные переговоры. Он всё время сводит людей с людьми, непрерывно что-то организует — свой фортепьянный концерт, приезд японских «самый оголтелых» техно-панков, новую звукозаписывающую студию, интеллектуальное издательство, центр космических исследований... Между тем он успевает навестить друзей, обойти книжные магазины в поисках редкой книги, позаботиться о кактусах. Его увлекает земная жизнь во всех проявлениях. Его интересует физика микрочастиц и живопись «Новых диких», русская религиозная философия и различные школы семиотики, психоанализ и эстетика авангарда, музыка Моцарта и Кейджа. Не забывает он навестить и штаб национал-большевиков. Его отношение к ним такое же, как и к бюрократам-демократам: интерес, любопытство, дистанция. Он — инопланетянин. Он приходит, чтобы узнать и понять, а не чуждаться. Экстремизм — обычное проявление отчаяния и предела. Курёхин удивляется, почему опять все вместе? Почему опять пошли строем? С какой кстати люди стали вдруг демократами и рыночниками? Почему все апеллируют к «цивилизованным» странам Запада? Ведь политики очевидно манипулируют целыми странами и народами в своих финансовых играх. Адский политический карнавал не прекращается ни на минуту. Спасение землян — в мифах. В мифах находят они себя. И готовы поверить в альтруизм капиталистов и коммунистов, в добрые намерения патриотов и либеральных демократов. Они готовы даже поверить в то, что Ленин был грибом. Затуманенный разум ничего не различает. Взгляд Курёхина помогает прояснить. Текст опубликован в журнале “Красный 100%” 04 (12) апрель 2004.

ГРАН-ПРИ «ПОП-МЕХАНИКА»

GRAND PRIX “POP-MECHANICS”

гран-при «поп-механика»

grand prix “pop-mechanics”

THE ST. PETERSBURG PRO ARTE FOUNDATION FOR CULTURE AND ARTS BLAUBART. THE MURDER BOOK Opera in 2 acts. With the support from the: Ford Foundation, Goethe-Institute, Verlag Neue Musik Premiere took place on April 25 and 26, 2010, in the St. Petersburg Planetarium. In June 2011 the performance will be presented in Perm at the festival “Live Perm”. Libretto: Dea Loher. Music, idea: Vladimir Rannev. Director: Pavel Semchenko. Music director and conductor: Fedor Lednev. eNsemble of the PRO ARTE Foundation. Video: Oleg Mikhailov, Maria Godovannaya. Lighting designer: Vadim Gololobov. Costumes: FNO. Producer: The PRO ARTE Foundation. Executive producer: Ekaterina Puzankova THE CAST: Heinrich Blaubart — Nikolay Romanov; Anna, Judith, Tanya, Eva, Christiana — Irina Andryakova; Blind girl — Alexandra Makarova; Julia — Elena Maximova; Factotum — Maxim Didenko; Vocal tercet: Lubov’ Sharomova, Daria Goloushkina, Anastasia Mursalova The legend about Blaubart (Bluebeard) was interpreted by many artists, writers and composers — at different times Charles Perrault, Maurice Maeterlinck, Jacques Offenbach, Kurt Vonnegut, Paul Dukas, Bela Bartok, Max Frisch, Franz Hummel, Oskar Kokoschka and many others were addressing this theme. The opera “Blaubart. The Murder Book” is based on the version by a German writer Dea Loher, who moves the story into our days. Multimedia performance created by the PRO ARTE Foundation combines music, literature text, stage action and video. The uniqueness of the project is its conception of the “homeless opera”, i.e. of staging opera in an unusual space.

ФОНД ПРО АРТЕ СИНЯЯ БОРОДА. МАТЕРИАЛЫ ДЕЛА Опера в двух действиях. При поддержке Фонда Форда, Культурного центра имени Гёте в Санкт-Петербурге, издательства Verlag Neue Musik. Премьерные показы оперы состоялись 25 и 26 апреля 2010 в Петербургском Планетарии. В июне 2011 спектакль будет представлен на фестивале «Живая Пермь». Либретто: Деа Лоэр. Музыка, идея проекта: Владимир Раннев. Постановка: Павел Семченко. Музыкальный руководитель и дирижер: Фёдор Леднёв. eNsemble Фонда ПРО АРТЕ. Видео: Мария Годованная, Олег Михайлов. Художник по свету: Вадим Гололобов. Костюмы: ФНО (Фабрика Найденных Одежд). Продюсер постановки — Фонд «ПРО АРТЕ». Исполнительный продюсер — Екатерина Пузанкова. ДЕЙСТВУЮЩИЕ ЛИЦА: Генрих Блаубарт— Николай Романов; Анна, Юдит, Таня, Ева, Христиана — Ирина Андрякова; Слепая — Александра Макарова; Юлия — Елена Максимова; Фактотум — Максим Диденко; Вокальный терцет: Любовь Шаромова, Дарья Голоушкина, Анастасия Мурсалова Легенда о Синей Бороде значительно старше известной сказки Шарля Перро. Уже шесть веков она оказывается востребована европейской культурой. К этому сюжету обращались писатели, композиторы и художники разного времени, среди которых Макс Фриш, Оскар Кокошка, Курт Воннегут, Морис Метерлинк, Жак Оффенбах, Поль Дюка, Бела Барток, Франц Гуммель. Опера «Синяя борода. Материалы дела» основана на версии немецкого драматурга Деи Лоэр, которая переносит действие сюжета в наше время. Уникальность проекта — в концепции «homeless opera», т.е. идее переместить оперное представление из театра в необычное пространство. Мультимедийный спектакль, созданный ПРО АРТЕ, объединяет музыку, комментирующую литературный текст, «ритуальные» действия на сцене, традиционные для театра АХЕ, и видеоряда, проецируемого на купол Планетария.

гран-при «поп-механика»

ПРОВМЫЗА

PROVMYZA

ТРИ СТРУННЫХ КВАРТЕТА ДЛЯ ОДНОГО ВИДЕО

THREE STRING QUARTETS FOR ONE VIDEO

Видео HD, три оригинальных музыкальных произведения для одного видео, струнный квартет (2 скрипки, альт, виолончель). Премьера проекта — руинированное пространство гостиницы конца XIX века (ныне проект «Еда и культура»), Нижний Новгород, 27 февраля 2010 г.

HD video, 3 original musical piece created for one video, string quartet (2 violins, viola, cello). First performed at partly ruined space of the XIX century hotel in Nizhniy Novgorod, February, 27th 2010.

Первый проект в рамках программы «Синтетика», спродюсированный и показанный Приволжским филиалом Государственного центра современного искусства. Новая видеоработа «Смятение» художников группы «Провмыза», созданная специально для проекта, была предложена трем композиторам (Алексей Шмурак, Георгий Дорохов, Алексей Наджаров) как поле для музыкальной рефлексии. Сводя к минимуму динамику произведения, художники дают возможность зрителю изучить, как меняется реакция толпы от удивления до любопытства, от тревоги до смятения, как выплывают на поверхность гендерные различия специфики чувственных переживаний, мужские и женские поведенческие мотивы. Женская и мужская ментальность подвергаются в видеоработе испытанию. Девушки не выдерживают напряжения, их переживания заканчиваются пассивной формой «забвения себя» — обмороком. Эмоции юношей переходят в стремительную агрессию по отношению к кусту как к живой форме, назначенной ими для уничтожения. Формально подчиненные правилам саундтрека (хронометраж, посекундное совпадение с видео), фактически три струнных квартета, написанные для одного видео, стали отражением различного прочтения визуального произведения, его сюжета, эмоционального настроения, метафор, сюжетных акцентов. Презентация проекта состоялась, как специальное событие в руинированном пространстве гостиницы XIX века (барочный интерьер) и представлял собой трехчастный показ видеоработы «Смятение» на большом экране в сопровождении трёх различных саундтреков в живом исполнении Московского Ансамбля Современной Музыки. Куратор: Алиса Савицкая. В арт-группу ПРОВМЫЗА входят Галина Мызникова и Сергей Проворов. Спектр интереса художников к различным жанрам и техникам современного искусства весьма широк, начиная с саунд-поэзии и заканчивая интернет-проектами. Однако наиболее известны публике и профессионалам их работы в области видеоискусства, где, несмотря на постоянный и интенсивный творческий поиск, им удаётся выдержать собственный своеобразный стиль. Произведения художников были представлены в павильоне России на 51-ой Венецианской Биеннале, KustFilmBiennale (музей Людвига, Кёльн), Hors Pistes (Центр Жоржа Помпиду, Париж), Biennial of Moving images (Центр Сен-Жерве, Женева) и др.

First project in the frames of the “Synthetic” program of The National Centre for Contemporary Arts (Volga region), started in the year 2007. Specially made new video work “Confusion” by artists of the “Provmyza” group was suggested to three composers (Georgy Dorokhov, Aleksey Nadzharov,Aleksey Shmurak) as foundation for musical reflection. Minimizing dynamics of the work, the artists present an opportunity for a spectator to observe change of heroes’ reaction from surprise to curiosity, from concern to confusion, as well as gender differences of perception, male and female behavioral patterns. Mentalities of men and women are being tested. The girls cannot handle the tension; their confusion ends in a passive form of ‘self-oblivion’, an extreme form of anxiety — a faint. The boys’ confusion transforms itself into fast-growing aggression towards the bushas animal form for annihilation. Interacting with video art and placing it in contrast to cinematographic narrative, “Confusion” turns to theater subject. Esthetics and composition of the work resembles a classic theater performance and at the same time challenges it, turning young people, initially spectators, into main heroes. Formally following rules of a soundtrack (timing, precise juxtaposition of sound and video), three string quartets composed for one video actually became a reflection of different perceptions of a visual work, its plot, emotional state, metaphors, plot emphasis. Presentation of the project — three consecutive premiere screenings of the “Confusion” video work which are accompanied by three different soundtracks performed by the Moscow Contemporary Music Ensemble. Curator: Alisa Savitskaya. Art group PROVMYZA was organized in 1998 by Galina Myznikova and Sergey Provorov. The artists live in Nizhny Novgorod, Russia. Since 1993 Myznikova and Provorov have created a large number of projects which demonstrate a wide range of the artists’ interests and their inclination to creative experiments. Among them there are experimental films and installations, which took part in numerous international festivals and exhibitions around the world. The artists’ works have been shown at the 51st Venice Biennale, the Russian Pavilion; the “KunstFilmBiennale”, the Ludwig Museum, Cologne; “Hors Pistes”, George Pompidou Centre, Paris; Biennale of Moving Images”, the Saint-Gervais Centre and others.

grand prix â&#x20AC;&#x153;pop-mechanicsâ&#x20AC;?

гран-при «поп-механика»

grand prix “pop-mechanics”

ANNA MIKHAILOVA

АННА МИХАЙЛОВА

METAMORPHOSES

МЕТАМОРФОЗЫ

Idea, direction, music Anna Mikhailova. 4D Arts (4 dimension and more),75 min. First performed in Moscow, 2010.

Перформанс-концерт. Идея, режиссура, музыка — Анна Михайлова. Визуально-аудиальный синтетический проект, решенный взаимодействием разных видов искусств — музыка, анимация, перформанс, кино, театр, театр теней, видеоарт, танец, 75 мин. Премьера состоялась в 2010 году в театре ШДИ, в Москве.

Metamorphoses is an audio-visual project multiple layers: transformation process is shown by synthesis of elements — video/picture, music/sound, moving/ plastique/ kinetic sculpture, word, performance/ stage action, story/ plot, technology... Multimedia performance placed in a different spaces. It consists of multiple installations, performances that are all preparation for the main show. This mystery play as a genre can be called cyber-punk opera, play/performance, live played movie, contemporary dance in a retrospective of the photo. Important is that definition of the main genre is not changed by calling it cyber-punk opera, play/performance etc. All this titles just give a clear picture to this huge multilayer organism of influence — a new key how to see this transformation process. Every part influences another part and continues the whole process of transformation. This project consists of performances form 2 to 20 minutes long, installations and a big multidimensional multimedia shows.

Метаморфозы — это визуально — аудиальный синтетический проeкт. Процесс превращения, проявленный синтезом элементов — видео/ картинка, музыка/звук, движение/ пластика/ кинетическая скульптура, слово, перформанс/сценическое действие, история/ сюжет, технология. Метаморфозы — многосоставной проект: мультимедийные перфомансы, показанные в разных по масштабу, направлению и назначению местах, ведущие к главной мистерии, захватывающей магией своего превращения, говорящей языком этого превращения. Эта мистерия по жанру может быть охарактеризованна как кибер-панк опера, спектакль — перформанс, кино, сыгранное в живую, современая пластика в фотографической ретроспективе и т.д. Важно, что то или иное его определение не ставит в рамки процесс восприятия, а в очередной раз подчеркивает важность целого организма — огромного многоуровнего механизма воздействия, захватывающего внимание зрителя — воспринимателя своим, каждый раз новым превращением и соотношением элементов. И каждый элемент влияет на другие части, уровни целого, продолжая процесс превращения. Как часть данного проекта, помимо отдельно существующих перформансев, продолжительностью от 2 минут до 20, инсталляций, существуют и отдельные многосоставные мультимедийные действа, применяющие законы своего многомерного (4D и более) языка.

гран-при «поп-механика»

ТЕАТРО ДИ КАПУА

TEATRO DI CAPUA

МЕДЕЯ. ЭПИЗОДЫ.

MEDEA. EPISODES.

Панк-Опера.01:40:00. Санкт-Петербург, 2010. Постановка: Джулиано Ди Капуа. Автор монологов: Лёха Никонов, поэма «Медея». Сценография: Павел Семченко (театр «АХЕ»), Медея — Илона Маркарова Музыка: «Uniquetunes», «Последние Танки В Париже», Андрей Сизинцев (Театр АХЕ). Духовое трио: Эмиль Яковлев (Remolino), Леон Суходольский (Uniquetunes),Сергей Смирнов.

Punk-Opera. 01:40:00. Saint-Petersburg, 2010. Idea & realization: Giuliano Di Capua. Monologues author: Leha Nikonov. Set design: Pavel Semtchenko (AKHE). Medea: Ilona Markarova. Music:Uniquetunes, P.T.V.P., Andrey Sizincev Woodwind trio: Emil’ Yakovlev (Remolino), Leon Suchodolsky (Uniquetunes), Sergey Smirno.

Миф — это спектакль? Колхида и Древняя Греция, Грузия и Россия. История повторяется. Медея — апофеоз матриархата. Женщина, покинувшая родину и разрушившая свою жизнь ради любви. О ней написано множество пьес и везде она — детоубийца. Отталкиваясь от факта, что Еврипид приписал убийство детей Медее за взятку для очищения доброго имени Коринфа, культовый панк-поэт Лёха Никонов специально для спектакля «Медея. Эпизоды» написал поэму «Медея», монологи из которой и составляют литературный дискурс спектакля. История колхидки Медеи, изгоняемой из Коринфа за колдовство и история современной эмигрантки, выдворяемой из-за отсутствия отметки в паспорте — в чем разница?

“Medea. Episodes” by Teatro Di Capua is “on the edge” mixture of theatre performance (Ilona Markarova as Medea and stage director Giuliano Di Capua), monologues by legendary russian poet Leha Nikonov, high-contrast music show with Uniquetunes (post-rock/electronic), PTVP (punk), A. Sizincev (noise) and Woodwind Trio (Georgian songs) with live video art and P. Semtchenko (AKHE) set design. Myth — is a performance? Colchis and ancient Greece, Georgia and Russia. History repeats itself. Medea is apotheosis of matriarchy. She left motherland and spoiled her life in the name of love. Many plays about Medea testify her as filicide. Starting out from the fact that Euripides assign Medea with killing her children venally to fine the decent name of Corinth, cultic punk-poet Leha Nikonov wrote a poem “Medea”, special for Medea. Episodes” performance. This monologues compose the literary discourse of performance. The story of Medea, expelling from Colchis for witchcraft and the story of modern emigrant, deporting from a country on account of stamp in the passport… What’s the odds?

grand prix â&#x20AC;&#x153;pop-mechanicsâ&#x20AC;?

гран-при «поп-механика»

grand prix “pop-mechanics”

LE CIRQUE DE SHARLES LA TANNES

HIP-HOPERA “СOPS ON FIRE”

ХИП-ХОПЕРА «КОПЫ В ОГНЕ»

Сreated: 2009-2010, genre — performance, musical, hip-hopera, 90 min.

Время создания: 2009-2010 год, жанр — спектакль, мьюзикл, хип-хопера, продолжительность: 90 мин.

“Cops on Fire” is the rowdiest act in lifestyle russia that has — for the first time since the fall of the berlin wall — brought together theatre and hip-hop, film and live funk, seasoned aesthetes and youthful romantics. Packed theatre halls, the hippest music venues, wildest parties and a contagious lifestyle. The “Cops on Fire” show is a fusion of theater culture and contemporary urban music. The genre of the show is “Hip-Hopera” (hip-hop + opera). Hip-Hopera = live hip-hop arias + original decorations + stage tricks and choreography by professional artists. “Cops” deemed one of the most promising music projects of 2010 according to Afisha magazine, Moscow's definitive culture bi-weekly. Also, “Cops” received the “Steppen Wolf” award (established by the renowned russian music critic and journalist Artemiy Troitskiy) in the category “Something!”. Le Cirque De Sharles La Tannes — directors, actors and artists that already have one well-known project on their cv — the “Crystal World” play based on a short story by the same name by Victor Pelevin, as well as staging of the “Casting” play. How2make — a well-known muscovite music collective, which is comprised of such eclectic artists as DZA (Alexander Holenko), Mujuice (Roman Litvinov), Miiisha (ex-Larik Surapov). today how2make produces CD-s, goes on roadshows in europe, hosts parties at such nightlife landmarks as club “Solyanka” and “16 tonnes”. Proknockers is a music tandem of two eccentric musicians Raz-Dva and Super-Sanya.

«Копы в огне» — самое громкое событие, впервые в России объединившее театр и хип-хоп, кино и живой фанк, взрослых эстетов и юных романтиков. Полные театральные залы, крупнейшие музыкальные фестивали, шумные вечеринки и заразительный lifestyle. Спектакль «Копы в огне» — результат взаимодействия театральной культуры и современной молодежной музыки. Жанр спектакля — «хип-хопера» (хип-хоп + опера). Хип-хопера = живые хип-хоп арии + оригинальные декорации + трюки и хореография профессиональных танцоров. «Копы» — один из самых многообещающих музыкальных проектов 2010 по мнению журнала «Афиша». Получили премию Артемия Троицкого «Степной Волк» в номинации «Нечто». Le Cirque de Sharles La Tannes — независимая творческая группа, объединение актеров, режиссеров, музыкантов и художников. Группа была образована в 2006 году выпускниками школы-студии МХАТ. Первый известный проект группы — спектакль «Хрустальный мир» по одноименному рассказу Виктора Пелевина. How2make — известное московское музыкальное объединение, в которое входят такие артисты как Dza (Александр Холенко), Mujuice (Рома Литвинов), Миша (экс Ларик Сурапов). Сегодня how2make выпускают диски, ездят с гастролями по Европе, проводят вечеринки в клубе Солянка, 16 Тонн etc.

ЛУЧШИЙ КУРАТОРСКИЙ ПРОЕКТ

BEST CURATOR PROJECT

лучший кураторский проект

best curator project

KATYA BOCHAVAR

КАТЯ БОЧАВАР

GOGOLFEST-2010. VAP (VISUAL ART PROGRAMME)

ГОГОЛЬFEST-2010. VAP (ВИЗУАЛЬНАЯ АРТ-ПРОГРАММА)

GOGOLFEST is the first multidisciplinary international arts festival in Ukraine, and has the potential for global success. The festival unites modern visual, plastic and audio-visual arts, music, theatre, modern dance, literature, cinema, and also embraces a large-scale educational program. The GOGOLFEST-2010 Visual Art Program, which was supervised by Katya Bochavar, has stressed the many-sided nature of the A.Dovzhenko film studio, and included sitespecific installations, video art, performance art, sound art, children's studio, as well as lectures and master classes. Relying on the idea that the film studio is, above all, the space for creativity, Bochavar transformed this unique place into a cultural landscape in which the externals of the life of the film studio are imposed to and intertwine with the works of artists, which were created especially for the festival space. Thus, the visitors of GOGOLFEST-2010 were immersed in the integrated art environment. Each of them could get unique experience while exploring the festival space. This year, the characteristic features of the visual program of the festival were the separate curator projects presented at the festival in cooperation with the international cultural organizations such as PinchukArtCentre (Kiev), the Moscow museum of modern art (ММСИ), Museum of Modern Art PERMM (Perm), Multimedia complex of actual arts (Moscow) and others.

ГОГОЛЬFEST — первый в Украине мультидисциплинарный некоммерческий международный фестиваль современного искусства, не имеющий аналогов в мире. Фестиваль объединяет современные визуальные, пластические и аудиовизуальные искусства, музыку, театр, современный танец, литературу, кино, а также представляет масштабную образовательную программу. Визуальная программа ГОГОЛЬFEST-2010, которую курировала Катя Бочавар, подчеркнула многоликую природу киностудии им. А.Довженко и включила site specific инсталляции, video art, performance art, sound art, детскую студию, лекции и мастер-классы. Основываясь на мысли о том, что киностудия — это, прежде всего, пространство для творчества, Бочавар трансформирует это уникальное место в единый культурный пейзаж, в рамках которого внешние проявления жизнедеятельности киностудии накладываются и переплетаются с работами художников, созданными специально для площадки фестиваля. Таким образом, гости ГОГОЛЬFEST2010 были погружены в единую арт-среду. Каждый из них смог пережить неповторимый опыт, исследуя пространство фестиваля. Характерной чертой визуальной программы этого года стали отдельные кураторские проекты, представленные на фестивале в сотрудничестве с международными культурными организациями, такими как PinchukArtCentre (Киев), Московский музей современного искусства (ММСИ), Музей современного искусства PERMM (Пермь), Мультимедийный комплекс актуальных искусств (Москва) и другими.

лучший кураторский проект

АННА ФРАНЦ | МАРИНА КОЛДОБСКАЯ | СОФЬЯ КУДРЯВЦЕВА | СЕРГЕЙ ТЕТЕРИН | ВИКТОРИЯ ИЛЮШКИНА 4-Й ФЕСТИВАЛЬ КИБЕРНЕТИЧЕСКОГО ИСКУССТВА КИБЕРФЕСТ 2010 Место проведения: Молодежный центр Государственного Эрмитажа (Зимний дворец), Гос. Музей истории СанктПетербурга в Петропавловской крепости (потерна и каземат Государева бастиона), ЦСИ им. С. Курёхина, галерея Борей, Арт-холл POLIGRAF (наб. р. Карповки, д. 1), Галерея Экспериментального Звука (Пушкинская, 10), 19-26 ноября 2010 г. КИБЕРФЕСТ — это первый в России международный фестиваль кибернетического искусства (т.е. искусства, соединяющего живую, биологическую, телесную субстанцию с технической, компьютерной). Проект реализован Медиа лабораторией CYLAND, Санкт-Петербургским филиалом Государственного центра современного искусства и некоммерческой организацией St. Petersburg Arts Project. Фестиваль КИБЕРФЕСТ 2010 прошел под девизом Домашние тараканы и был посвящен осмыслению домашнего быта и обихода в условиях дигитальной цивилизации. Художники в своих работах переосмысляли парадоксы и безумие искусственного интеллекта, заключенного в окружающих людей «умных» машинах. Участниками фестиваля стали более 70 художников из 11 стран. На экспозиции были представлены интерактивные инсталляции и объекты, аудио-визуальные перформансы, программы видеоарта, медиапроект в городской среде, воркшопы и лекции художников. Участники КИБЕРФЕСТ/CYBERFEST 2010: Александра Дементьева, Анна Франц, Маня Алексеева, Борис Казаков, Людмила Белова, Елена Губанова, Сергей Денисов, Олег Елагин, Владимир Козин, Марина Колдобская, Сергей Комаров, Алексей Грачев, Сергей Тетерин, Евгения Коновалова, Вова Лило, Александр Позин, Олег Родионов, mikhael a crest arxenekrohen, Антон Чумак, Дмитрий Шубин, Deftaudio, Анастасия Максимова, Laura Dragul, Scott Sona Snibbe, Ryan Wolfe, Данила Франц, Лидия Кавина, Боб Китляр, Александра Житинская, Dj Shahash, David Rothenberg, PinkPinkSorbet, Andrew Demirjian, Georgi Begun, Jan-Peter E.R. Sonntag, Costantino Ciervo, Katherine Liberovskaya, Keiko Uenishi, Reynold Reynolds, Андрей Устинов, Ольга Юргенсон, Никола Найсмит, Саймон Вулхам и Дэвид Мосс, Лор Проувост, Чинзия Кремона, Тесса Гарланд, Доминик Рей и др.

ANNA FRANTS | MARINA KOLDOBSKAYA | SOFIA KUDRYAVTSEVA | SERGEY TETERIN | VIKA ILYUSHKINA THE 4TH INTERNATIONAL CYBER ART FESTIVAL CYBERFEST 2010 The State Hermitage Museum (Youth Educational Center), The State Museum of History of St. Petersburg in Peter and Paul Fortress, Center for Contemporary Arts n.a. Sergey Kuryokhin, Borey Gallery, Art Hall POLIGRAF, Gallery of Experimental Sound (GES), 19-26 of November 2010 CYBERFEST is the 1st International Cyber Art Festival in Russia devoted to the art based on biological and technical substation. The project released in collaboration with CYLAND MediaLab, NCCA Saint-Petersburg, and St. Petersburg Arts Project. CYBERFEST 2010 was dedicated to understanding of domestic life and everyday practice in digital civilization. There is a constant flow of new things appearing to serve the customers — more complex and advanced household appliances, utensils, furniture, tools, clothes, communication channels, hygiene products and so on. On the one hand, everyday life improves, on the other — technical progress formulates new challenges to the human being. There are changes in speed, limits of intimacy, possibilities of communication, and above all — in fundamental notions of real and imaginary, live and not live. 70 artists from 11 countries participated in the Festival. The exhibition included interactive installations and objects, audio-visual performances, video art program, media project in urban space, workshops and lectures. Participants of CYBERFEST 2010: Alexandra Dementieva, Anna Frants, Manya Alexeeva and Boris Kazakov, Lyuda Belova, Elena Gubanova, Sergey Denisov, Oleg Elagin, Vladimir Kozin, Marina Koldobskaya, Sergey Komarov, Alexey Grachev, Eugenia Konovalova, Vova Lilo, Alexander Pozin, Oleg Rodionov, mikhael a crest sator ArXeNeKrOHeN, Anton Chumak, Dmitry Shubin, Deftaudio, Laure, Drogoul, Ryan Wolfe, Scott Sona Snibbe, CYLAND medialab, Anastasia Maksimova, Daniil Frants, Lydia Kavina, Sasha Zhitinskaya, Bob Kitlyar, PinkpinkSorbet, Andrew Demirjian, Georgi Begun, Jan-Peter E.R. Sonntag, Costantino Ciervo, Katherine Liberovskaya, Jesse Cohen, Keiko Uenishi, Gregoire Zabe, Sonicself, SMOTR.net, Olga J rgenson, Reynold Reynolds, Andrey Ustinov, Nicola Naismith , M4SK 22 , Laure Prouvost, Cinzia Cremona, Tessa Garland, Simon Woolham, Dominique Rey, Dj Shahash, Sergey Teterin, David Rothenberg, Andrey Ustinov, and others.

best curator project

лучший кураторский проект

best curator project

KARINA KARAEVA | JESPER NORDAHL

КАРИНА КАРАЕВА | ЙЕСПЕР НОРДАЛЬ

NEW GRAVITY

НОВАЯ СЕРЬЁЗНОСТЬ

National Center of Contemporary Art (Moscow), 7th of December 2010 — 23th of January 2011. What gender means in contemporary art? The exhibition project New Gravity/Interesting Thing defines the form of visual and acoustic message which lays between the artist and a gender and belongs to this or that national, sexual, social, political group. The positional function of the artist ceases to be taken into account when the modality of his expression is as objective as it can be. Selflessness of the artist almost always concerns introspection attempt. This introspection in an exhibition format leaves for rigid borders of gender distinction and turns to self-critical possibility to show the relation to concrete to the man's or female statement. The Russian and Swedish artists investigate a phenomenon gender as supranational, extending in the tradition on subculture territory, including video and musical forms. Works of Annika Larsson using installation of a musical clip testifies to it in own protogenic value. The Knife expressively shows possibilities of clip consciousness in the conditions of certain gender pop culture. The Russian artists: Elena Klimova, Vladimir Seleznev, Elena Kovylina, Pavel Kostomarov and Antoine Cattin anyhow duplicate the certain situation possessing including a gender accessory. For example, Elena Klimov investigates place topography, locus solus which definition in its statement gets the characteristic, allowing to extend it in sensual space. Original indifference is inherent in characters of a film of Pavel Kostomarov and Antoine Kattina “Transformer”. These heroes any more don't possess any sex — directors investigate a phenomenon of an antianthropological visual narration. As a whole the exhibition project is directed on revealing of unevident questions in gender culture and possibility of visualization of a concrete social-national problematics in contemporary art.

Государственный Центр современного искусства (Москва), 7 декабря 2010 — 23 января 2011года. Чем является гендер в современном искусстве? Выставочный проект «Новая серьезность/Интересная вещь» определяет форму визуального и акустического сообщения между художником и гендером, которая принадлежит к той или иной национальной, половой, социальной, политической группе. Самоотверженность художника почти всегда относится к попытке самоанализа. Этот самоанализ в формате выставки выходит за жесткие границы гендерного различения и превращается в самокритическую возможность продемонстрировать отношение к конкретному мужскому или женскому высказыванию. Российские и шведские художники исследуют феномен гендера, который играет важную роль в визуальной и музыкальной субкультуре. Работы Анники Ларссон, использующей монтаж музыкального клипа свидетельствует об этом в собственном первозданном значении. Группа The Knife выразительно демонстрирует возможности клипового сознания в условиях определенной гендерной поп-культуры. Российские художники: Елена Климова, Владимир Селезнев, Елена Ковылина, Павел Костомаров и Антуан Каттин так или иначе дублируют определенную ситуацию, обладающую в том числе гендерной принадлежностью. Например, Елена Климова исследует топографию места, locus solus, определение которого в ее высказывании приобретает характеристику, позволяющую распространить ее в чувственное пространство. Своеобразная индифферентность присуща персонажам фильма Павла Костомарова и Антуана Каттина «Трансформатор». Эти герои уже не обладают ни одной половой принадлежностью — режиссеры исследуют феномен антиантропологического визуального повествования. В целом выставочный проект направлен на выявление неочевидных вопросов в гендерной культуре и возможность визуализации конкретной социо-национальной проблематики в современном искусстве.

лучший кураторский проект

АННА БУЙВИД

ANNA BUYVID

СОЛЬ

SALT

II Московская международная Биеннале молодого искусства «Стой! Кто идет?». Галерея актуального искусства «RuArts». 10 июля — 1 августа

2nd Moscow International Biennale for Young Art “Qui Vive?” RuArts Gallery. July 10 — August 1

Соль — фундаментальное понятие, охватывающее как физические, так и ментальные аспекты. Соль — символ жизненной энергии, мистический элемент, суть и вкус. В проекте «Соль» молодые художники интерпретируют понятие, единое по своей сути. Выставка объединяет в одной экспозиции произведения актуальных художников различных жанров и направлений. Каждый проект или произведение отвечает за одну из соляных ипостасей. Авторы создавали свои работы специально для выставки, касаясь всевозможных интерпретаций понятия «соль»: от библейского сюжета об обращенной в соляной столб жене Лота в скульптуре Георгия Кеймаха, до языческого солярного культа, выраженного группой SYN в абстрактной свето-звуковой лазерной проекции. В фотограммах Николая Ищука раскрывается материальность этого элемента, в инсталляции на основе реакций химических солей Александра Ефремова можно выявить концепт трансформации. Смысловая соль — в живописи Ирины Дрозд, а соль невидимая — в инсталляции Саши Лютого. Японский художник Рё Шимицу разбирает тему соли, как сути, через национальную идентичность. Все авторы подходят к вопросу скорее иносказательно, оставляя непосредственно соль за скобками, их произведения предстают размышлениями на различные соляные темы с определенной долей минимализма. Тем не менее, столь широкое понятие позволило в каждой работе объединить сразу несколько визуально-смысловых подтекстов.

SALT is the fundamental concept covering both physical, and mental aspects. Salt is a symbol of vital energy, a mystical element, an essence and taste. In the project called Salt young artists interpret concept in common essence. The exhibition unites works of actual artists of various genres and tendencies. Each project is responsible for one of salty forms. Authors created their works specially for the exhibition, concerning every possible interpretations of concept “salt”: from an iconographic scene about Lot's wife turned into a salt pillar in George Keimakh's sculpture, to the pagan solar cult expressed by SYN group in an abstract light and sound laser projection. Materiality of the element reveals in Nikolai Ishchuk's photograms, in installation based on reaction of chemical salts by Alexander Efremova it is possible to reveal transformation concept. Semantic salt — in Irina Drozd's painting, and salt invisible — in installation by Sasha Lyuty. Japanese artist Ryo Shimitzu assorts a salt theme, as essences, through national identity. All authors approach to a question more likely allegorically, leaving directly salt behind brackets, their products appear as reflections on various salt forms with a certain share of minimalism. Nevertheless, so wide concept has allowed to unite in each work at once some visually-semantic implied senses.

Участники: Ирина Дрозд, Александр Ефремов, Дарья Иринчеева, Николй Ищук, Георгий Кеймах, Саша Лютый, Поля Мошенская, Елена Попова, Ольга Трейвас, Рё Шимицу, Роман Эсс, Группа SYN (Юлия Ковалевская, Евгений Чернышев, Такахиро Кидо), Аня Буйвид

Artists: Roman Ass, Irina Drozd, Alexander Efremov, Daria Irincheeva, Nikolai Ishchuk, Georgiy Keymakh, Sasha Lyuty, Polya Moshenska, Yelena Popova, Ryo Shimizu, SYN Group (Evgenie Chernishev, Julia Kovalevskaya, Takahiro Kido), Olga Treiwas, Anya Buyvid

best curator project

лучший кураторский проект

best curator project

ALEXANDER DASHEVSKIY | MARINA KOLDOBSKAYA

АЛЕКСАНДР ДАШЕВСКИЙ | МАРИНА КОЛДОБСКАЯ

ЧБ

Moderniat gallery (Saint-Petersburg), 14th October — 28th November 2010 Artists: Marina Alexeeva, Petr Belyi, Ilya Gaponov & Kirill Koteshov, Valery Grikovsky, Alexander Dashevskiy, Anya Zholud, Marina Koldobskaya, Vladimir Kozin, Vitaly Pushnitsky, Andrei Rudyev, Petr Shvecov. Garish like the wrappings of imported commodities, the cheerful art outrage of the late 80s and mid-90s tended to slop over any boundaries imposed either by exhibition rooms or professional unions or geography or genre. Art wanted to address the public directly in an absolutely free manner. That drive and irony would hiss away any obstacles, regulators or limitations. Artists were enthusiastically invading the realms of design, politics, fashion, image-making, glossy magazines, and mass media. As the pulse of the time was slowing down, those social illusions evaporated. The artistic ambitions were shriveling as the world’s attention to Russian art declined. Appropriators themselves turned into the objects of appropriation. The art was no longer setting the fashion in the adjacent realms. On the contrary, the evolving market would use the status of art as a marketing or PR tool. Since the mid-2000s the state has been closely interfering with the citizens’ lives and limiting their freedoms, especially the freedom of expression, thus making the feedback impossible; art and show business have become impossible to separate; society has grown numb. Disappointed with the ability of art to influence the reality, artists were forced to shift the center of gravity to the inner space. For some of them this was an incentive to study private domestic territory, the territory independent from the outer space. Others would escape the looming stagnation by indulging in memories, either public or individual. The third type would put off on inner emigration seeking for universal values and principles that cannot be affected by time, fashion, and politics. The rejection of colour has become a valid symptom of this transition from the public to the private. The realm of colour is being dominated by advertising and glamour. Skimping on pictorial means, such as colour, is putting an artist away from show business and into the territory of aesthetics. The glance at the past becomes blackand-white vision. Most of Russian artists were studying colour perception in times when there were no motley billboards, gaudy clothes, and shining cars. Besides, the dull grey is really the best colour to convey what is going on here and now. Alexander Dashevskiy

Галерея «Модернариат» (Cанкт-Петербург) 14 октября — 28 ноября 2010 Художники: Марина Алексеева, Пётр Белый, Илья Гапонов, Кирилл Котешов, Валерий Гриковский, Александр Дашевский, Аня Жёлудь, Марина Колдобская, Владимир Козин, Виталий Пушницкий, Андрей Рудьев, Пётр Швецов. Современное искусство вступало в СССР — Россию как передовой отряд демократических свобод и либерализации жизни страны. Художники с радостью впитывали новые виды искусства. Отечественное культурное сообщество чаяло слияние с мировым, стремилось перенять язык, темы, стать частью большой инфраструктуры. Раскрашенный в цвета импортных упаковок, веселый художественный произвол конца 80-х — середины 90-х стремился выплеснуться за любые границы — залов, профессиональных союзов, географических привязок, жанров. Искусству хотелось прямого контакта со зрителем, полной свободы. Ирония и драйв повсеместно с шипением растворяли любые препоны, регуляторы, ограничители. Художники с радостью вторгались на территорию дизайна, политики, моды, имиджмейкерства, глянцевых журналов, средств массовой информации. По мере того, как пульс времени ослабевал, демократические иллюзии развевались, художественная активность падала вместе с интересом мира к российскому искусству, апроприаторы становились объектами апроприации. Искусство быстро перестало задавать тон в смежных областях, наоборот — нарождающийся рынок стал пользоваться статусом искусства в качестве маркетингового и PR-инструмента. С середины 2000-х усиливающееся вмешательство государства в жизнь граждан, ограничение свободы, в первую очередь свободы высказывания, отсутствие обратной связи с властью, сращивание искусства с шоу-бизнесом, пассивность социума, разочарование в возможности искусства воздействовать на окружающую действительность вынуждало художников перемещать центр тяжести во внутреннее пространство. Для одних это послужило стимулом исследовать домашнюю, приватную, независимую внешней среды территорию. Для других, спасением от надвигающегося застоя оказалась сфера воспоминаний, индивидуальной и культурной памяти. Третьи отправились во внутреннюю эмиграцию в поисках универсальных ценностей или начал, не подверженных действию времени, моды и политики. И для многих симптомом перехода из общественного в частное стал отказ от колорита. Цвет узурпирован сферой рекламы и индустрией глянца. Экономия изобразительных средств, в том числе цвета, отдаляет художника от границ шоу-бизнеса и фиксирует эстетическом пространстве. Взгляд, устремленный в прошлое, так же становится черно-белым зрением. В тот период, когда не было ни билбордов, ни яркой одежды, ни сияющих машин закладывались основы цветовосприятия большинства российских художников. И вообще, серый, в роли качественного прилагательного, описывает текущий момент лучше всего. Александр Дашевский

лучший кураторский проект

АНДРЕЙ КУДРЯШОВ | ЮЛИЯ ЦУРКАНУ

ANDREY KYDRYASHOV | JULIA TSURKANU

ВРЕМЕНА ГОРОДА. ОНЕЖСКИЙ ТРАКТОРНЫЙ.

FOUR SEASONS. ONEZHSK TRACTOR WORKS

Фотографы: Юрий Пальмин (Москва), Наталья Ульянова (Москва). Проект реализован в партнерстве с компанией «Охта Групп» (Санкт-Петербург), Академией Фотографии (Петрозаводск) при поддержке Администрации Петрозаводского городского округа. Сентябрь 2010 года.

Photographers: Yurij Palmin (Moscow), Natalia Ylianova (Moscow) This project is implemented in collaboration with “Okhta Group” Company St. Petersburg, and Petrozavodsk Photo Academy with Petrozavodsk District Administration assistance. September, 2010.

Проект «Времена города. Онежский тракторный» — первый в России арт-проект, решающий конкретную социальную задачу: реабилитация промышленной зоны в центре города Петрозаводск. Онежский тракторный, бывший Александровский завод— и историческое пространство, и символ города, и памятное место, крепко связанное с совсем недавней историей. В то же время сегодня — это застывшая зона, слепое пятно Петрозаводска, доступ к которому для горожан многие годы закрыт. В основе фото-проекта — три связанные между собой и с этим уникальным местом темы: Память, Реальность, Будущее. Юрий Пальмин, визуализирующий «настоящее», сделал несколько серий — внешность цехов и других зданий, перспективы интерьеров, детали, обнаруженные на территории завода. Наталья Ульянова работала с «прошлым», фотографируя ветеранов ОТЗ на фоне наглухо закрытых ворот цехов, в которых работали ее герои. За «будущее» отвечали архитекторы — на выставке, которая открылась в октябре 2010 г., были представлены конкурсные проекты реконструкции территории. На фотографиях Пальмина даже в деталях — картины величественного безмолвия. Все композиции негерметичны, открыты — они «как бы» готовы впустить в себя еще один элемент — фигуру человека, вопия о ее отсутствии. По сути, Пальмин зафиксировал не просто сегодняшнее состояние завода, «реальность», а длящееся состояние брошенности этого места. Портреты Натальи Ульяновой — прямое продолжение и, в то же время, опровержение фотографий Пальмина. В его «безлюдье» она вписывает персонажей — так, что остро чувствуется искусственность ситуации. Странное ощущение оставляет экспозиция — словно прошла перед твоими глазами чья-то долгая жизнь. Без пафоса и выспаренной декламации, но — авторам проекта удалось уловить образ смены эпох.

Four seasons. Onezhsk Tractor Works is the first art project in Russia that aims at dealing with a specific social task, namely: rehabilitation of industrial area in the Petrozavodsk city centre. Former Alexandrovsky Factory, Onezhsk Tractor Works is a historic space, as well as the city symbol closely linked with the city’s recent history. At present, however, it is a blind spot of Petrozavodsk. City inhabitants haven’t been able to access the area for many years. This area is the city’s real trauma and pain to the citizens of Karelia’s capital city. Three interrelated themes, connected with this unique place lay the foundation of this photo project: Memory, Reality, and Future. Yurij Palmin visualized the Present. His work is a series of photographs depicting the interior of production facilities and other buildings, interior outlooks, parts found at the factories premises. Natalia Ylianova visualized the Past. She depicted the veterans of Onezhsk Tractor Works at the forefront of the closed production facilities gates, where these people used to work. The Future was depicted by architects — factory reconstruction design projects were presented at the exhibition, which opened in October 2010. The works of two photographers were exhibited in one of the factories’ production facilities where they unexpectedly gained a new dramatic meaning. Palmin’s work depicts majestic silence. atalia Ylianova’s portraits represent direct continuation and at the same time contradiction of Palmin’s images. She places people into his solitude, so the whole situation gains a falsely look. Visiting this exhibition leaves a very awkward feeling of experiencing someone’s long life passing by. The authors were able to depict the image of changing times, this statement goes without being too enthusiastic about this project

best curator project

ЛУЧШЕЕ ПРОИЗВЕДЕНИЕ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА

BEST VISUAL ART PROJECT

лучшее произведение визуального искусства

МАКСИМ СВИЩЕВ

MAKSIM SVISHIOV

ЗАЛ ОЖИДАНИЯ

LOUNGE

Композитор: Александр Белков. Компьютерная анимация, 17:46 мин. Презентация проекта состоялась в галерее «XL», Москва, май 2010 года.

Composer Alexander Belkov. Сomputer animation, 17:46 min. First show took place on May 2010 in “XL” gallery, Moscow.

Прежде всего, для меня самолет — это одушевленный предмет. Механизм, предназначенный для полета, метафора желания человека летать, быть свободным. Полета души. Ему не дают летать, его разрушают, деформируют, трансформируют, но он борется.Человек — машина, если он забыл о душе. Кубик. Коробочка. Равнодушие — важный момент современности. Для меня особое значение имеет смотровое окно. Это некий экран с хорошим обзором. Места почти, как в кинотеатре. За окном происходит трагедия, но никому нет дела, по большому счету, очередной экшн, ничего особенного. Зал ожидания...Это ожидание, что тебя будут мять, уничтожать или ты улетишь, наконец— то, освободившись от давления, или не сможешь, превратившись в куб. Для меня то, что происходит с самолетом, — это внутренняя борьба с самим собой. При внешнем спокойствии. Для меня разрушение в работе не главное. Это элемент испытания, проверки на прочность. Для меня важна концовка. Все действующие лица удаляются, растворившись в свете. И те, кто разрушал и кого разрушали, и все декорации, и разрезающий тишину звук улетающего самолета. Но игра продолжается. Она должна продолжаться.

First of all, for me, plane is an animated object. Mechanism for the flight is a metaphor for human desire to fly, to be free. Soul flight. Human is not allowed to fly, he's being broken, distorted, transformed, but he is still struggling. The man is a machine, if he has forgotten about the soul. A cube. A box. Indifference is an important moment of our time. For me, the observation window is very special. It is some certain screen with a good visibility. Seats are almost like at the cinema. Outside the window there is a tragedy, nobody cares about, by and large, a regular action, nothing special. The waiting room ... This expectation of being crushed and humiliated: either you depart, at last, freed from the pressure, or remain, becoming a cube. For me, what happens with the airplane, is an inner struggle with yourself. With outward calm. For me, the destruction in the work is not important. It is an element of test, check on durability. For me, the ending is crucial. All characters leave, dissolving in the light. And those who destroyed also whom destroyed, both all scenery, and a sound of the departing plane cutting silence. But the show goes on. Show must go on.

best visual art project

лучшее произведение визуального искусства

best visual art project

HAIM SOKOL

ХАИМ СОКОЛ

MYOPIA

БЛИЗОРУКОСТЬ

10 light boxes 65х90cm, 1 light box 142х175cm. First show took place on April 2007 in Anna Nova gallery, Saint-Petersburg.

10 лайтбоксов 65х90см, один лайтбокс 142х175см. Презентация проекта состоялась в галерее «Анна Нова», Санкт-Петербург, апрель 2007 года.

What is most interesting to me in a material is that which is no longer there. The absences, the lacunae, empty spaces, silences and holes are what draw me in most, as the main object of the senses. (It so happens that in Hebrew the word shekhikha — “oblivion” is made up of the same root consonants as the word khashikha— “darkness”). It follows that the less material there is in the material, i.e. the less there is of the actual material, the more interesting is the object. This is the reason why I gravitate mostly toward shards, slivers and fragments. I am interested in traces, imprints, smudges, flecks, and incidental clues with which I can reconstruct (remember? invent?) the original narrative. Not an image, but a place for an image. I roam through these slivers with a myopic eye. Nearsightedness smoothes the details, blurs the lines, forces me (sometimes painfully) to look closer, straining the muscles in my eyes. In other words, myopia is always a sense of loss. That which is impossible to see clearly, is compensated by feeling or memory. An object seen through a myopic eye is always peculiar, imperfect or awkward. Myopic art requires time. It is the art of deceleration, “a stop in the desert”. In other words, the audience does not run, stumbling and panting with a pain in the side, chasing the artist who sprinted into the avant-garde. Just the opposite, it is if the viewer is being evacuated. It is impossible to see the object from a distance. And it isn’t a matter of size. It is imperative that you are standing very close, getting lost in the object or in its chronotope.

Меня интересует в материале прежде всего то, чего в нем уже нет. Именно отсутствие лакуны, пустоты, молчание, дыры притягивают меня больше всего, как основной объект переживания. (Кстати, на иврите слово «шехиха» — «забвение» — состоит из тех же корневых согласных, что и слово «хашиха» — «тьма, темнота».) Следовательно, чем меньше материального в материале, т.е. чем меньше самого материала, тем интереснее для меня объект. Поэтому я все больше тяготею к осколкам, обрывкам, кусочкам. Меня интересуют следы, отпечатки, подтеки, пятнышки, косвенные улики, по которым я могу восстановить (вспомнить? придумать?) первоначальный нарратив. Не образ, а место для образа. Я блуждаю по этим обрывкам близоруким взглядом. Близорукость сглаживает детали, размывает черты, заставляет (порой мучительно) вглядываться, напрягая мышцы глаз. Иными словами, близорукость — это всегда чувство утраты. То, что невозможно разглядеть, компенсируется чувством или памятью. Объект под близоруким взглядом всегда странен, несовершенен, неуклюж. Близорукое искусство требует времени. Это искусство замедления, «остановка в пустыне». То есть зритель не бежит, спотыкаясь, задыхаясь и мучаясь от боли в боку за художником, который ускакал в авангард, а, наоборот, как бы едет в эвакуацию. Объект невозможно увидеть издалека. И дело вовсе не в размере. Необходимо подойти вплотную, как бы потеряться в объекте или в его хронотопе.

лучшее произведение визуального искусства

ПРОВМЫЗА

PROVMYZA

ТРИ СЕСТРЫ

THREE SISTERS

Видеоинсталляция, оригинальный формат DV CAM, 05:00 мин. Cоздана при поддержке ГЦСИ, Приволжский филиал, в 2007 году. Премьера проекта — руинированное пространство Арсенала середины XIX века (Приволжский филиал ГЦСИ, Нижний Новгород), Нижний Новгород, 2007 год.

Video installation, original format DV CAM, 05:00 min. First performed at partly ruined Arsenal (NCCA RF Volga Region) of the XIX century in Nizhniy Novgorod, 2007. Was done with the support of NCCA RF Volga Region.

Одна из современных художественных интерпретаций Чеховской пьесы «Три сестры», суть которой заключается в перформативной поведенческой стратегии трёх маленьких девочек, находящихся на грани нервного срыва и балансирующих на большой высоте.В основе четко прослеживается чеховский подтекст, построенный на двух основных российских традициях: фантазии народных сказок, с одной стороны, и «отстранении», эффекте абсурдного дадаизма, с другой. Подобно трём сёстрам из чеховской пьесы, дети стоят перед выбором. Но право выбора оказывается иллюзорным. Они вынуждены сделать шаг вперед, так как физически устоять на большой высоте невозможно. Всё должно закончиться драмой... В видеоработе фокусируется внимание на детях как хрупком объекте, подвергающемуся подавляющему немотивированному воздействию современного агрессивного мира. Заточенная в границах одиночества наедине с собой , их жизнь исчерпывается исключительно этим моментом, неосознанным действием прыжка с огромной высоты. Но детское воображение таково, что их сознание в действительности балансирует на грани «игра-жизнь», превращая реальное отношение со смертью в игру, в игру тактильных взаимодействий, телесно-чувственных отношений между сёстрами. Инсталлирование предполагает размещение проекции на большой высоте, репрезентируя психологический аспект чувства опасности за детей.

Similarly to three sisters from Chekhov's play, children face to a choice. They are given right to play degree of their decision importance, fraught with serious consequences. It is a certain theatrical performance for children, an aspect of competitive spirit and, at last, an element of entertainment. But children's imagination is those that their behaviour actually balances on the verge of «game-life». It becomes more similar to performance. The presented artistic interpretation of Chekhov's play is contained in performance behavioural strategy. Children play performance, which is similar to theatrical game and on the contrary. Characters are passive, relative, as if time and place of their existence would settled exclusively by the moment of the action directed on them. In the Three Sisters project from Chekhov's play, children face to a choice. They are given right to play degree of their decision importance, fraught with serious consequences. It is a certain theatrical performance for children, an aspect of competitive spirit and, at last, an element of entertainment. But children's imagination is those that their behaviour actually balances on the verge of “game-life”. Three sisters are a seductive and immersive contemporary video that based on a literary pre-text (Chekhov) combines two russian traditions — one deriving from the fantastic folk fairy tales and the second one with the ostranienie (V-) effect of the absurd, bizzare dada— based avantgarde.

best visual art project

лучшее произведение визуального искусства

best visual art project

DMITRIY TESELKIN

ДМИТРИЙ ТЕСЕЛКИН

CONSTRUCTOR

КОНСТРУКТОР

Installation, from 20х20х20 cm. to 20cm х5х5m. From 2008 to 2010 was exhibited 9 times in Russia and abroad.

Инсталляция, от 20х20х20 см., до 20см х5х5 м. С 2008 по 2010 проект экспонировался 9 раз в России и за рубежом.

The scale project mentioning important in the modern art world theme — arts as a factory, infinity of reproduction of forms, correction of works under the requirement of curators and gallerists. And important, factorie-style manufacturing of artists...Some kind of the critical statement expressed to series of objects. The objects presented in exhibition projects of various character. The project is over 40 000 author's modules. All modules are hand-made, as a labor-sacrifice, necessary for a sense of ownership... At present there was 9 exhibitions of different rules and places, as a support of this idea. Besides this series characterises a certain way of the active artist. About the statement of the author, this material is capable to satisfy any сurator and exposition requirements, it is a universal art material, which can be used for manufacture of any object of art, from a picture to total installation.

Масштабный проект, затрагивающий важную в современном художественном мире тему — фабричности производства искусства, бесконечности репродуцирования форм, подстраиваемости под требования кураторов и галеристов. А так же фабричности производства художников... Своего рода критическое высказывание выраженное посредством серии объектов, представленных в выставочных проектах различного характера. Свыше 40 000 авторских модулей. Все модули изготовлены автором вручную, в качестве трудовой жертвы, необходимой для ощущения причастности к созданию произведения. На данный момент идея осуществлена в ходе 9 выставок. По утверждению автора, «Конструктор», способен удовлетворить любые кураторские и экспозиционные требования, являясь универсальным художественным материалом, способным превратиться в любой объект искусства, от картины до тотальной инсталляции.

лучшее произведение визуального искусства

НИКОЛАЙ КОПЕЙКИН

NIKOLAJ KOPEJKIN

НОЧЬ НА ИВАНА КУПАЛУ

THE NIGHT OF IVAN KUPALA

Из серии «Слоны Петербурга», 180х270 см, холст, акрил, 2008

From the project “Elephants of Petersburg”, 180х270 cm, acryl on canvas, 2008

Прежде чем попасть в Санкт— Петербург осенью 1736 года, слоны пешком протопали через всю Россию с юга на север. Шли в специально сшитых кожаных тапках соответствующего размера, чтобы не повредить ноги на русском бездорожье. Необычная для южных гостей природа, обычаи местного населения, новая пища — все это послужило приобщению слонов к культурным традициям русского народа.

Before the elephants arrived in St. Petersburg in autumn of 1736 they had to cross the whole Russia from the south to the north. Not to damage their legs on their road to the capital they wore specially made leather slippers. The unusual nature, food and folk customs gave the southern guests access to cultural traditions of Russian people.

best visual art project

лучшее произведение визуального искусства

best visual art project

INAL SAVCHENKOV

ИНАЛ САВЧЕНКОВ

MECHANICAL THEATRE

МЕХАНИЧЕСКИЙ ТЕАТР

2х3 m, oil on canvas, 2004-2011.

2х3 м., холст, масло, 2004-2011гг.

Characters of this picture were drawn from sketches of 1986-1990th years which together made up the “Mechanical theater”. This picture is a scenery to a film “Models and designs”. Member of the New Artists group (1982). Engaged in painting, films and cartoons (from 1986). Founded the School of Engineers of Art based on a group of young artists interested in the recording of audio-visual information and the psychology of art (late 1980s). Inal Savchenkov addresses a different image in each period of his stylistically diverse career. In the early 1980s, the main heroes of his graffiti-like pictures were large-headed, amorphous beings recalling comic-book villains. The image of a wolf appeared in the late 1980s — a wolf on a block of ice, a wolf tracking a bear, a wolf guarding a dream. The wolf is an archetypal image in West European culture — a totem animal and the star of numerous fairytales, myths and legends.

Персонажи сюжета этой картины писались с эскизов 19861990-х годов, которые вместе и составили «Механический театр». Эта картина — декорация к фильму «Модели и конструкции». Член группы «Новые художники» (1982). С 1986 помимо живописи занимается кино и мультипликацией. В конце 1980-х объединяет вокруг себя на основании интереса к проблемам перекодировки аудиовизуальной информации и психологии искусства группу молодых художников в « Школу инженеров искусства». Для каждого из периодов разнообразного по стилю и направлениям творчества художника характерно обращение к определенным образам. Так, с начала 1980-х «главными героями» выполненных в стиле граффити картин являются большеголовые аморфные существа, напоминающие героев зловещих комиксов. С конца 1980-х появляется образ волка: волк на льдине, волк, идущий по следу медведя, волк, охраняющий сон. Образ волка — один из архетипических для западноевропейской культуры. Волк — тотемное животное, герой многочисленных сказок, мифов и легенд, порожденный коллектив мифотворчеством.

ИСКУССТВО В ОБЩЕСТВЕННОМ ПРОСТРАНСТВЕ

PUBLIC ART

искусство в общественном пространстве

public art

ELENA GUBANOVA | IVAN GOVORKOV

ЕЛЕНА ГУБАНОВА | ИВАН ГОВОРКОВ

VANYA, GO HOME.

ВАНЯ, ИДИ ДОМОЙ.

Sound installation. 2007. The project was shown as part of the St. Petersburg annual festival “Modern Art in a Traditional Museum” (PRO ARTE Institute together with Pulkovo Observatory Astronomical Museum). In the 1960s radio-astronomy discoveries initiated a new stage of space study. Unique devices for receiving radio signals from distant galaxies, stars and the sun were built. Due to these observations the space of the Universe became more visible and real. But it did not become closer. In the sound installation “Vanya, Go Home” the artists try to interprete the anticipation of the radio signals from the distant galaxies, which the Big Pulkovo radiotelescope (that still impresses everyone with its size) was built to detect. There is a stool (the most common and well-known object) in the glade, just under the antenna of the radiotelescope. A spectator walks up to it, sits down, and puts on headphones which are nearby. He is expecting a cosmic miracle. Apparently the sound in the headphones is to be received with the antenna. However, what he hears is not the abstract cosmic noise, but an unexpectedly real human voice. A woman’s voice is saying over and over “Vanya, go home”. That is the voice of Ivan Govorkov’s mother and the way she called him home from the window of their house on Vasilyevsky Island when he was a little boy. Despite the specificity of the sentence addressed to Vanya, every adult can remember a similar situation from his own childhood. Transforming the space and comparing the big antenna with a person sitting on the small stool amidst the glade, facing the horizon, the artists reveal the differing scales of the cosmic and the casual. They emphasize feelings of a lonely small man in the enormous Universe and offer to return to the individual space, the only real and always inhabited one.

Звуковая инсталляция. 2007. Проект был показан в рамках Санкт-Петербургского ежегодного фестиваля «Современное искусство в традиционном музее» ( институт ПРО АРТЕ совместно с Астрономическим музеем Главной (Пулковской) Обсерватории). В 60-х годах ХХ века открытия радиоастрономии положили начало новому этапу изучения космоса. Были построены уникальные приборы для приёма радиосигналов далёких галактик, звёзд и солнца. Благодаря этим наблюдениям, пространство Вселенной стало более видимым и реальным. Но не более близким. В звуковой инсталляции «Ваня, иди домой» художниками интерпретируется ожидание радиосигналов с далёких галактик, для приёма которых был построен Большой Пулковский радиотелескоп, который до сих пор поражает своими масштабами. На поляне, прямо под антенной радиотелескопа стоит табурет (самый привычный и знакомый всем предмет). Зритель подходит к телескопу, садится и надевает наушники, лежащие рядом. Он ожидает космического чуда. По всей видимости, звук в наушниках должен улавливаться самой антенной. Однако, совершенно неожиданно, зритель слышит не абстрактный шум космоса, а реальный человеческий голос. Женский голос в наушниках повторяет только одну фразу «Ваня, иди домой». Это голос мамы Ивана Говоркова. Именно так она звала его домой из окна дома на Васильевском острове, когда Ваня был маленьким. Несмотря на конкретность фразы обращённой к Ване, похожую ситуацию из своего детства может вспомнить любой взрослый. В своей инсталляции художники акцентируют ощущения человека, одинокого и маленького в огромной Вселенной, показывают разный масштаб космического и обыденного и предлагают вернуться в свое личное пространство, единственно реальное и всегда обитаемое.

искусство в общественном пространстве

АЛЕКСАНДР ПЕТРЕЛЛИ

ALEXANDER PETRELLY

ГАЛЕРЕЯ «ПАЛЬТО»

«OVERCOAT» GALLERY

Проект реализуется с 1996 года.

Project exists from 1996 to present day.

Галерея «Пальто» — задумана и создана совместно с группой «Перцы» в 1996 году. Проект успешно функционирует по сегодняшний день. Экспозиционное пространство галереи не переходит границ приватного: это подкладка пальто Александра Петрелли. Владелец галереи всё своё (и даже чужое) носит с собой и может перемещаться, как ему заблагорассудится. Образ человека в пальто в ожидании достойного зрителя, которому можно доверять, был навеян спекулянтом из магазина радиотехники в фильме «Иван Васильевич меняет профессию». Галерист, как обладатель некоего «дефицита» — одна его ипостась. Другая же — эксгибиционист, внезапно распахивающий полы пальто. Но, вопреки ожиданию, в собственном интимном пространстве он демонстрирует не свое сокровенное, а чужое. Художник и галерист в одном лице, Александр Петрелли никогда не выставляет собственные работы. Но сам его «выход» является артистическим жестом, перформансом. Политика галереи определяется не только отбором работ, но и местом их репрезентации, будь то вернисаж, артярмарка, preview. То есть, сочетание выставки в «Пальто» с выставкой «снаружи» — тоже есть творческий акт. Как и выбор «своих» зрителей из публики, которых галерист делает своими соавторами.

“Overcoat” gallery was conceived and produced in collaboration with “Peppers” art group in 1996. Since this time, it exists as an active project. The lining of the overcoat serves as exhibition space, thus enclosed within the borders of the private space. The gallery's owner takes whatever he owns (and what others own) wherever he goes, and he can go anywhere he likes. The image of a man in an overcoat looking for a worthy spectator he can trust was influenced by a character in the movie “Ivan Vasilievitch changes occupation”, a speculator in a radiophonic shop. One of the modes of his existence is as a gallerist, a person who possesses something rare and valuable. The other mode is that of an exhibitionist, who suddenly throws his coat open. However, instead of enclosing observers in the spectacle of his privacy, he shares the privacy of others. This way an exhibitionist becomes an exhibitor. Alexander Petrelli is at once a gallerist and an artist, but he never represents his work. The act of going out and showing art is an artistic gesture in itself, a performance. The gallery's strategy is based not only on choice of artefacts, but also on the locus of their representation, be it a gallery opening, art fair or a preview. Combining the show in the Overcoat Gallery with the show outside is also a kind of a creative act. The gallerist selects those “in the know” in the crowd and makes them his accomplices.

public art

искусство в общественном пространстве

public art

MARINA ALEKSEEVA | BORIS KAZAKOV

МАРИНА АЛЕКСЕЕВА | БОРИС КАЗАКОВ

MINIBUS

МАРШРУТКА

Project presentation at the festival Cyberfest, November, 2010.

Презентация проекта в рамках фестиваля Киберфест, ноябрь 2010 года.

Each person in a city once used this type of transport. The minibus is recognizable. Any trip in this minibus differs from another similar — mood, people, light, smell, sound…etc. In our case the minibus salon fills video broadcast from within — outside through car windows. Thus mood inside we see outside in the concentrated way. Different animation fills salon windows. Sometimes the bus seems to be filled with water, and there are different fantastic things, in other windows in a considerable quantity persons of people are carried by. Sometimes in any of windows the animated plot entirely is located. As in each glass we see simultaneously absolutely different event to watch plots long enough time as in life all occurs at once, confusing… is possible.

Каждый человек в городе хоть раз пользовался этим видом транспорта. Маршрутка узнаваема. Любая поездка внутри этого микроавтобуса чем-то отличается от другой подобной — настроением, людьми, светом, запахом, звуком… и т.д. В нашем случае салон маршрутки наполняет видео, транслирующееся изнутри — наружу через окна автомобиля. Таким образом настроение внутри мы видим снаружи в концентрированном виде. Самая разная анимация наполняет окна салона. Иногда автобус как бы заполняется водой, и там происходят разные фантастические вещи, в других окнах в большом количестве проносятся лица людей. Иногда в какое-нибудь из окон целиком помещается мультипликационный сюжет. Поскольку в каждом стекле мы видим одновременно совершенно разное происходящее, то следить за сюжетами можно довольно долгое время, поскольку, как в жизни все происходит разом, сбивая с толку…

искусство в общественном пространстве

ПАВЕЛ ШУГУРОВ

PAVEL SHUGUROV

АРТ-СООБЩЕСТВО «33+1»

ART СOMMUNITY «33+1»

ПЕРСОНАЖИ

CHARACTERS

Июль-август 2010 года. Проект представляет собой 7 цементных рисунков во Владивостоке и 5 — в Екатеринбурге, изображающих местных исторических и мифологических персонажей.

July-August, 2010. The project represents 7 cement drawings in Vladivostok and 5 — in Ekaterinburg, representing local historical and mythological characters.

Сюжеты во Владивостоке: Китаец-водонос, Японский городовой, Наташа и интервент, Поэт Славик Крыжановский, Опиумный король, Художник Кирилл Шебеко, Американский фотограф. Сюжеты в Екатеринбурге: Бабка Синюшка из сказов Бажова, Старик Букашкин, Дети перестройки, Советский инженер, Тополь Потап. Особенности проекта: в игровой форме уличного квеста привлечь публику с гостевых центральных улиц в неблагоустроенные пространства дворов, раскрыть в визуальных образах их историю и мифологию; продемонстрировать необычную, бюджетную и устойчивую к российскому климату технологию. «33+1» — арт-сообщество, объединяющее художников из трех российских городов (Владивостока, Кемерова, СанктПетербурга). Мы предпочитаем делать проекты для родного города, именно так можно надеяться на действительно содержательное, эффективное искусство. Если мы делаем проект в незнакомом пространстве, сначала мы знакомимся с историей и мифологией данной места — по книгам, через Интернет и, что очень важно, через непосредственное общение с местными жителями. Потом внимательно изучаем архитектурную среду — пытаемся понять закономерности, которые закладывал архитектор. Вдохновившись этим, участники нашего сообщества делают концептуальные предложения. В ходе открытого обсуждения между художниками выбирается одно решение, которое потом детально разрабатывается. Основное для «33+1» при создании произведений городского искусства — выразить уважение людям, которые будут жить рядом с этими произведениями. Уважение высказывается не только сюжетом работы, но и умением профессионально «входить» в конкретную архитектурную среду. Наша задача — спровоцировать и настроить общение незнакомых людей, ибо общение — это сущность общества. Поэтому мы не держимся за единый метод реализации проектов. Метод разрабатывается для каждого конкретного случая. Реакция — главный критерий оценки нашего искусства. Мы недовольны однородно плохими высказываниями так же, как однородно хорошими. Полярная реакция разных слоев общества есть суть диалога и лучшая оценка для нашей деятельности.

Plots in Vladivostok: the Chinese-water carrier, the Japanese policeman, Natasha and the interventionist, Poet Slavik Kryzhanovsky, the Opium king, Artist Cyril Shebeko, the American photographer. Plots in Ekaterinburg: Grandma Sinjushka from сказов Bazhov, Old man Bukashkin, Children of reorganization, the Soviet engineer, Topol Potap. Features of the project: in the game form of a street quest to involve public from guest central streets in uncomfortable spaces of court yard, to open in visual images their history and mythology; to show unusual technology, budgetary and steady against the Russian climate. 33+1 is an organization which unites public artists in three Russian cities: Vladivostok (Russian Far-East near China and Japan), Kemerovo (in the middle of Siberia) and St. Petersburg (in Europe). Artists of 33+1 prefer to create projects for hometowns, because it is an effective way to do something very intimate, substantive, and impressive. But if we create something in unknown space, we can at first find information about the history and mythology of this place in books and on the internet; and most importantly with immediate contact with local inhabitants. After we see into our chosen environment close up, we try to understand the ideas of the architectural engineer and other regularities of space. Inspired by this the members of 33+1 originate their concepts. During an open discussion between artists, a collective decision of the best sketch will be determined, and an elective draft will be developed in detail afterwards. The main ideas of each public art project by the artcommunity 33+1 are representations of respect for the people who will be living near this piece. This respect is expressed by a subject of work, by styles of pictures and by professional interaction with specific architectural environments. Our basic concern is to instigate and to sensitize unknown people to communication, because communication is the essence of social unity. Therefore we don’t keep to one and only one method of realizing projects. A unique method is created for each specific case. The public reaction is the main evaluation criterion of our art. We are dissatisfied if all comments to our piece are bad and similarly we are dissatisfied if all comments are good. Polar reactions from different groups of society are the base for dialogue and are the best appraisal for us.

public art

искусство в общественном пространстве

public art

PARAZIT GROUP

ПАРАЗИТ

ACTION SECTION

АКЦИОНИРУЮЩЕЕ БОЛЬШИНСТВО

ACT

АКТ

Participants: Semyon Motolyanets, Petukhov Dmitriy, Zelenetskiy Iliya, Shishkin Aleksandr, Stepanov Maxim, Panin Igor, Nikiforov Yriy. Video installation, 7 videos, each video has it's own duration (04:41; 02:19; 02:38; 02:00; 02:23; 04:56; 02:16 minute). First show took place at Cyberfest, 2010, autocratic intrusion into an exposition. Saint-Petersburg.

Участники: Семен Мотолянец, Дмитрий Петухов, Александр Шишкин, Юрий Никифоров, Игорь Панин, Максим Степанов, Илья Зеленцкий. Видеоинсталляция, 7 видео, каждое видео имеет свою продолжительность (04:41; 02:19; 02:38; 02:00; 02:23; 04:56; 02:16 мин.). Презентация проекта — Киберфест, 2010 год, самовольное вторжение в экспозицию. Санкт-Петербург.

There are seven objects with TV-sets in the dark room. Ray of light is illuminating each of them. Some of these TV-sets are standing on old chairs, other on newspaper tables or matress. There is an old iron on one the TV-sets. Video on each screen is looped. First video: young man in white underwear clothes is sawing the table. His movements are like movements in sexual act. Second video: young man with hand drill which is fastened to his penis region is drilling the old chair seat in the poor cellar. Third video: man with garden scissors, they are fastened to his penis region too, is cutting a foam rubber. Fourth video: old man on the table is cutting an old soviet chair in the workshop. Fifth video: young man with metal saw is trying to saw the old iron in his house. Sixth video: young man with energy is drilling the wardrobe. Seventh video: man in white clothes and black hat on his head with perforator is breaking the brick which is lying on the floor. Ambiguos interpretation of the act, hidden in the physical action of the characters, leaves a wide range of this video. Looped video again makes us return to the same process. A small screen of the TV-set should create a special intimate atmosphere.

В темном помещении точечный свет освещает семь телевизоров. Некоторые телевизоры стоят на старых стульях, другие — на журнальных столиках или на поролоне, на одном из телевизоров стоит старый утюг. На каждом экране идет видео в закольцованном режиме. 1 видео — молодой человек в белом нательном белье (кальсонах) пилит столик электролобзиком, движения его схожи с половым актом. 2 видео — молодой человек при помощи ручной дрели, прикрепив её в области паха, сверлит сиденье старого стула. Вокруг — убогий интерьер подвала. 3 видео — мужчина, все в том же белом, используя садовые ножницы, прикрепленные в области полового органа, кромсает поролон на лестничной клетке. 4 видео — мужчина с сединой в волосах в белом, примостившись на столе, разрезает ножовкой старый советский стул — вдоль. В интерьере промышленной мастерской. 5 видео — представляет юношу в белом, пилкой по металлу (привязанной в области половых органов) пытающегося распилить старый утюг. Действие происходит в домашнем интерьере. 6 видео — энергичный молодой человек в белом сверлит стенку шкафа дрелью движением от лобка. 7 видео — мужчина в белом и черной шапке — перфоратором, торчащим из ширинки разбивает лежащий на полу кирпич. Неоднозначное прочтение акта, скрытого в физическом действии персонажей, оставляет диапазон для трактовки данного видеоряда. Закольцованное видео вновь и вновь приводит к повторному процессу. Маленький экран телевизора должен придать некую камерность и интимность происходящему.

искусство в общественном пространстве

ГРУППА «PPROFESSORS»

PPROFESSORS GROUP

RED PEOPLE. ПЕРМЬ.

RED PEOPLE. PERM.

Презентация проекта — Пермь, площадь перед Законодательным Собранием Пермского края, пространство перед входом и крыша Органного концертного зала. 2010 год. Санкт-Петербург, в рамках проекта «Культурный альянс. Пермь-Санкт-Петербург» Центр Современного Искусства им. Сергея Курёхина. 2010 год.

First show took place in Perm, the area before Legislative Assembly of the Perm edge, space before an entrance and a roof of a concert hall. 2010. Saint-Petersburg, within the limits of the project “The Cultural alliance. Perm-St.-Petersburg” Sergey Kuryokhin Modern Art Center.

«Сидящий» — конструкция из оргстекла и алюминиевого профиля с внутренней подсветкой. «Две фигуры на самокатах», «Сидящий на стуле» — конструкции из деревянного бруса, покрашенные алкидной эмалью. «LOVE» — конструкция из фанеры на каркасе из бруса, покрашенная алкидной эмалью Красные человечки и скульптура LOVE, установленные у здания Законодательного Собрания и Органного концертного зала в самом центре Перми, являются продолжением большого проекта «Red People. Арт-конструктор». На выбор места ушло несколько месяцев. С одной стороны, угловатые объекты визуально перекликаются с «модульной» архитектурой 70-80 гг. прошлого века. С другой — соседство с социально значимыми объектами (здание Законодательного Собрания) и объектами культуры (Органный зал) стало интересным контекстом для интерпретации самих объектов. Например, тот факт, что скульптуры оказались на площади перед Законодательным собранием, вызвал переполох среди местных депутатов, которые неожиданно восприняли минималистичные объекты как карикатуру на себя. Появление Красных человечков в Перми вызвало ожесточенные дискуссии на самых разных уровнях — от заседания Законодательного собрания, посвященного арт-объектам, до многочисленных обсуждений в СМИ и блогах, от полного неприятия и актов вандализма — до очередей из желающих сфотографироваться на фоне скульптур. Красный человек живет своей отдельной жизнью — он стал частью пермской мифологии: его интерпретируют зрители — о нем снимаются анимационные ролики, создаются графические работы и литературные опусы. «Red People» — это модульная система, конструктор, посредством которого собирается антропоморфный объектперсонаж. Такой конструктор позволяет не только манипулировать композиционными элементами, но и проникать за временные рамки, границы течений и жанров в искусстве. Являясь универсальным модулем, своего рода «вирусным объектом», «красный человек» может действовать практически в любом контексте, при этом, будучи в этот контекст не просто помещен, а полностью интегрирован.

“Sitting” — a design from plexiglas and an aluminum profile with internal illumination. “Two figures on skateboards”, “Sitting on a chair” — designs from the wooden bar, painted with enamel. “LOVE” — a design from plywood on a skeleton from a bar, painted with enamel. The Red People and LOVE sculpture installed outside the Legislative Assembly and the Organ Concert Hall in Perm are a continuation of the major project Red People. ArtConstructor. Several months were spent in selecting the site. On one hand, the angular objects visually connect with the “modular” architecture of the 1970s and 80s. On the other hand, locating them alongside socially important structures (the building of the Legislative Assembly) and cultural buildings (the Organ Concert Hall) provides an interesting context in which to understand the objects themselves. For example, the fact that the sculptures were on the square in front of the Legislative Assembly caused a furore among the local deputies who surprisingly regarded these minimalist objects as caricatures of themselves. The appearance of the Red People in Perm caused heated debates on every possible level — ranging from the session of the Legislative Assembly that deals with art objects to numerous discussions in the media and blogs, and resulting in both utter rejection and acts of vandalism as well as queues of people wishing to be photographed standing beside the sculptures. Red Man lives a life of his own — he has become part of the mythology of Perm: he is widely interpreted by those who see him, animated films have been made about him and graphic works and literature have been created. About the project “Red People. Art Constructor”. The Red People project is a modular system that is used to assemble an anthropomorphous character. This kind of constructor allows the user not only to manipulate the elements of the composition but also to go beyond the temporal framework and the borders of movements and genres in art. As a universal module, a kind of “viral phenomenon”, Red Man can work in practically any context, and it is not only positioned in the context but rather is completely integrated therein.

public art

ЛУЧШИЙ ПОЭТИЧЕСКИЙ ПЕРФОРМАНС

BEST POETIC PERFORMANCE

лучший поэтический перформанс

best poetic performance

YURI LEIDERMAN | ANDREY SILVESTROV

ЮРИЙ ЛЕЙДЕРМАН | АНДРЕЙ СИЛЬВЕСТРОВ

BIRMINGHAM ORNAMENT. FRAGMENT #36

БИРМИНГЕМСКИЙ ОРНАМЕНТ. ФРАГМЕНТ №36

Video format HD, 03:00 min. First performed at Rotterdam festival in 2010.

Фильм снят в формате HD, 03:00 мин. Впервые демонстрировался на Роттердамском фестивале в 2010г.

Overall, the idea is to make ethnicities, politics, races, nations — to make all of them turn into non-existent objects… …akin to ovals, boxes, blobs, wardrobes! You might think he’s really “someone”, really a “representative of the people”, but really just a representative of skirting boards, of coffee rings, nothing more. Overall, political invectives that should be perceived solely as poetic invectives. Overall, spreading geopolitics across geology and poetics. Like a question-Eskimo, dancing and waving his ribbons in the air, turns and changes on a pillar, becomes a questionHolocaust. In fact, “geopoetics” is a kind of a Holocaust seen as a choir, as an ensemblement, as an Eskimo. Ooh, the dancing Holocaust — how can you even think of something like this?! You can think of anything!

В общем, это идея сделать так, чтобы этнос, политика, расы, народы — чтобы сами они превратились в несуществующие объекты … …подобно овальцам, коробкам, комочкам, шкафам! Вроде действительно «персонаж», действительно «представитель народа», но на самом деле лишь представитель углов у плинтусов, или кофейных подтеков представитель. В общем, политические инвективы, коих следует понимать исключительно как поэтические инвективы. В общем, размазать геополитику по геологии и поэтике. Будто вопрос-эскимос, пляшущий со своими лентами, переворачивается на столбике, становится вопрос-холокост. Собственно говоря, «геопоэтика» это и есть холокост, понимаемый как певческий ансамбль, как энсамблент, как эскимос. О, пляшущий холокост — можно ли такое подумать?! Все можно подумать!

лучший поэтический перформанс

НАТАЛЬЯ ПЕРШИНАЯКИМАНСКАЯ / ГЛЮКЛЯ

NATALYA PERSHINAYAKIMANSKAYA / GLUKLYA

ПОСЛЕДНИЙ РУБЕЖ

THE LAST RESISTANCE

Шестичасовой поэтический перформанс, при участии Томаса Касебачера. Вена, Кунстхалле, Брют, 12 декабря 2010.

Poetic performance, 6 hours, with the participation of Tomas Kasebacher, Vienna,Kunsthalle, Brut. First show took place on December 12th, 2010.

Структура перформанса представляет собой сражение двух социальных позиций, двух текстов, двух тел. Главная идея — конфликт художника и cистемы. Очевидно, что в сегодняшней ситуации всеобщего наступления правых сил иметь четкую позицию и принципы является насущной необходимостью для художника. Один текст (Глюкля) представляет из себя поэтический текст, сконструированный нарратив от лица утопического сознания художника рефлектирующего на тему событий в России и месте художника в обществе. Второй (Томас) — инструкции о способе разрешения конфликтных ситуаций, найденные в интернете. Cопостовляя правила разработанные для менеджеров с целью успешного управления работниками корпорации с поэтическим повествованием художника о бедах России мы выявляем актуальный конфликт утопического сознания и реальности. Судьба искусства зависит от того какую позицию выберают художники. Бросятся ли они в обьятья рынка или предпочтут «Вечное сопротивление». Действие происходит в специально созданной для перформанса инсталляции состоящей из 3 матрасов, издающих характерный звук встревоженных пружин при ударе тела о них. Мы создали правила для нашего эксперимента: когда ктото из партнеров уставал, он имел права нажать на кнопку, что означало перерыв. Нажатие кнопки сопровождалось звуковым эффектом сирены и светомиганием. Тот кто был инициатором отдыха оставался в проигрыше и другой партнер получал галочку. Именно тот игрок имел право прервать перерыв, кто инициировал перерыв. Мы также хотели дойти до подлинного уровня переживания в этой работе, чему способствовало время (3 часа первый день и 3 часа второй) и открыто можем вам поведать, что наши тела были покрыты синяками в конце этого лабороторного исследования об истинной природе человеческой коммуникации. Наш перформанс является логическим продолжением предыдущих исследований ФНО «Утопический профсоюз безработных». Во время этой работы мы брали интервью у молодых людей с целью выяснения природы их позиций и утремлений. Мы были крайне удивленны их полному неведению относительно понятия «равенство» в отношениях и тем более каким-либо представлениям об идее сопротивления и ее необходимости.

The performance is structured as a confrontation between two social positions presented by two written narratives as well as a physical confrontation between the participants. The participants do battle over the main idea of the performance, the conflict between the artist and the system. Needless to say, in the current political climate of a full frontal assault by the right wing it has become essential for the artists to clearly define their social stance and principles. In the course of the performance the two participants physically confront each other while reading text passages. Participant number one (Gluklya) represents the utopian consciousness of an artist. She reads a narrative about current events in Russia and the place of an artist in society. Participant number two (Thomas) reads corporate guidelines on conflict resolution at the work place. The juxtaposition of the corporate manual designed to effectively manage the employees and the poetic narrative by an artist describing Russia’s ills is highly symbolic and serves as a metaphor for the fundamental conflict underlying the modern-day society. Artists are faced with a creative/moral dilemma whether to surrender to marketplace forces or to take a stand of “eternal resistance”. Performance takes place within a specially designed set that consists of three mattresses, a desk, and two microphones. Once faced with an impact of falling body mattresses produce a sound of metal springs set into motion. The set of rules was created for the performance. The participants had an option to interrupt the action by pressing the red button. The button would set off the alarm accompanied by blinking lights. The first participant to press the button loses a point while his/her opponent gains one. Our performance is a logical continuation of the previous performance study under the title FFC “Utopian Trade Union of Unemployed). As we were conducting the research for the project we interviewed a group of young men and women to identify their social positions and aspirations. To our surprise we discovered how little they knew about the idea of “equality” as a necessary component of a relationship, or else of the idea of resistance.

best poetic performance

лучший поэтический перформанс

best poetic performance

IGUAN THEATRE

ТЕАТР ИГУАН

LOVE IN THE SUPERMARKET

ЛЮБОВЬ В СУПЕРМАРКЕТЕ

Project presentation — festival “Madrid en danza”, april 2009.

Презентация проекта состоялась на фестивале «Madrid en danza», Мадрид, апрель 2009 года.

Performers: Nina Gasteva & Misha Ivanov — Iguan theatre Authors : Nina Gasteva and Misha Ivanov — Iguan theatre, Natalya Pershina-Yakimanskaya (Gluklya) and Olga Egorova (Tsaplya) — Factory of found clothes, , Dina Husein, sociologists — Svetlana Yaroshenko and Olga Chepurnaya Performance “Love in the supermarket” investigates the influence of young russian capitalism on Romantic Love. It is a collaborative creation of the artists Gluklya and Tsaplya, choreographers Nina Gasteva and Misha Ivanov, Dina Husein, sociologists Svetlana Yaroshenko, Olga Chepurnaya. What’s hapenning to the soul in the time of market relations? Is it true that a man and a woman meet each other in the supermarket? And universal dependence on purchasing — is the condition of individual freedom? Does it mean that we are offered to replace the eye of the Dear Other by the idea of self-sufficiency? To accomplish the projcet we conducted social research, made a series of intervention-performances in the supermarkets of St-Petersburg and Yaroslavl. “Love in the supermarket” participated in the festivals: Contemporary artists of dance theatre /St-Petersburg/, AtrContact /Helsinki/, Madrid el Danza /MADRID/, I-dance /Istanbul/, Diversia / Moscow/, Art of Movement /Yaroslavl/

Авторы-исполнители: Нина Гастева, Миша Иванов — театр Игуан. Авторы-исследователи: театр Игуан, Наталья Першина-Якиманская (Глюкля), Ольга Егорова (Цапля) — Фабрика найденных одежд, Дина Хусейн, социологи Светлана Ярошенко и Ольга Чепурная Перформанс «Любовь в супермаркете» исследует влияние молодого русского капитализма на романтические отношения. Это совместная работа театра Игуан (Нина Гастева и Миша Иванов), художественного объединения «Фабрика найденных одежд», хореографа Дины Хусейн а также социологов Светланы Ярошенко и Ольги Чепурной. Что творится с душой человека в эпоху рыночных отношений? Правда ли, что современные мужчина и женщина встречаются в супермаркете? И универсальная зависимость от покупок — это обязательное условие индивидуальной свободы? Не означает ли это, что взгляд возлюбленного как взгляд Драгоценного Другого, который необходим как воздух нам предлагают заменить идеей сугубой самодостаточности..? При создании проекта были проведены социологические исследования, а также серия перформансов-интервенций в супермаркетах города Санкт-Петербурга и Ярославля. Перформанс «Любовь в супермаркете» был показан на фестивалях в Москве, Ярославле, Костроме, Красноярске, Хельсинки, Стамбуле и Мадриде.

лучший поэтический перформанс

СЕРГЕЙ ТЕТЕРИН

SERGEY TETERIN

ПОЭТОФОН

POETOPHONE

Объект 45х35х28 см, аудиоинсталляция 23 мин. 3 сек., видеозапись VHS 240 мин., живые чтения. Премьерный показ публике состоялся 11 июня 2010 в книжном магазине «Пиотровский» в Перми.

Object 45х35х28 cm, audioinstallation 23:03, VHS video 240 min. First show took place on June 11th, 2010 in “Piotrovsky” book store, Perm.

ПОЭТОФОН (от греч. — поэт и — голос, звук) — авторское художественное устройство, которое сконструировал пермский медиахудожник Сергей Тетерин в 2010 г. Премьерный показ публике состоялся 11 июня 2010 в книжном магазине «Пиотровский» во время фестиваля «Живая Пермь». Поэтофон представляет собой аппарат для астральной связи с русскими поэтами-футуристами, а именно: Бурлюком, Маяковским, Крученых, Каменским. Во время первой презентации (т.н. «водружении») поэтофона над аудиторией витал дух пермяка-футуриста Василия Каменского, вызванный с помощью устаревших, но всё ещё действительных технологий записи VHS. Все участники и зрители премьерного показа поэтофона смогли услышать голоса легендарных русских футуристов и увидеть пролетающую над ними тень Василия Каменского. Пролетая над головами зрителей, Каменский играл на гармони и выкрикивал футуристическое заклинание-стих (неразборчиво).

POETOPHONE (from greek — poet and — voice, sound) — original art device, constructed in 2010 by media artist from Perm — Sergey Teterin. First show took place on 11th June 2010 in “Piotrovsky” book store, Perm, Lunacharskogo street, building 51A. Poetophone represents a device for the astral connection with russian futurist poets: Burliuk, Mayakovsky, Kruchenykh, Kamensky. During the first presentation of poetophone, there was a reading of famous five-cornered book “Tango with cows” and the ghost of futurist from Perm — Vasily Kamensky hovered over the auditory, invoked with the help of an obsolete, but still operational technology of VHS recording. All participants and spectators of the first poetophone show could listen to the voices of legendary russian futurists and see the flying shadow of Vasily Kamensky over them. While flying over the heads of audience, Kamensky played accordion and yelled futurist chants-poems (undecipherable).

Список речей поэтофона (всего 12 треков): Василий Каменский — Соловей (1916) 02:22 Алексей Крученых — Дыр Бул Щыл (1912) 00:11 Алексей Крученых — Отрава (1920) 02:48 Алексей Крученых — Боен-Кр (1922) 01:33 Алексей Крученых — Роман по телефону (1951) 01:45 Василий Каменский — Как я живу (1959) 07:12 Владимир Маяковский — Послушайте! (1914) 00:58 Владимир Маяковский — Необычайное приключение (1920) 01:49 Владимир Маяковский — А вы смогли бы? (год записи неизвестен) 00:32 Владимир Маяковский — Гимн судье (1920) 02:25 Владимир Маяковский — Военно-морская любовь (1920) 01:01 Давид Бурлюк — Закат-маляр (год записи неизвестен) 00:27

List of poetophone speeches (12 tracks): Vasily Kamensky — “Nightingale” (1916) 02:22 Aleksey Kruchenykh -“Dyr bul shchyl” (1912) 00:11 Aleksey Kruchenykh — “Poison” (1920) 02:48 Aleksey Kruchenykh — “Boen-Kr” (1922) 01:33 Aleksey Kruchenykh — “Roman on Telephone” (1951) 01:45 Vasily Kamensky — “How I live” (1959) 07:12 Vladimir Mayakovsky — “Listen!” (1914) 00:58 Vladimir Mayakovsky — “An extraordinary adventure” (1920) 01:49 Vladimir Mayakovsky — “And Could You?” (the year of recording unknown) 00:32 Vladimir Mayakovsky — “Hymn to judge” 02:25 Vladimir Mayakovsky — “Navy love” (1920) 01:01 David Burliuk — “Sunset — painter” (the year of recording unknown) 00:27

best poetic performance

ЭТНОМЕХАНИКА

ETHNOMECHANICA

этномеханика

ГУРЗУФ

GURZUF

Gurzuf — музыкальный проект аккордеониста Егора Забелова и барабанщика Артёма Залесского. Проект был создан в 2005 году. Не смотря на то, что участников всего двое, музыка поражает своей насыщенностью и мощностью звучания. На концерте Gurzuf ломается стандартное восприятие аккордеона как фолькового инструмента. Кто сказал, что тяжёлого рока или хип-хопа на аккордеоне не бывает? За время своего существования группа приняла участие в различных музыкальных фестивалях, отыграла сольные концерты на сценах России, Украины, Литвы, Латвии, Польши, Германии, Бельгии, Голландии, Испании, Португалии, Франции, Швейцарии и Англии. Весной 2007 года на тон-студии «Мосфильма» был записан дебютный альбом «Несуществующее кино». В 2006 году группа признана «Открытием года» и «Профессионалами года». «Мне кажется, что музыка Gurzuf, намного глубже воздействует на слушателя, чем я себе это представляю. Дает человеку возможность найти ответы на волнующие его вопросы, подпитывает почву размышлениями». Е. Забелов gurzufband.com

“Gurzuf” is a music band of an accordionist Egor Zabelov and a drummer Artem Zalessky. The band was created in 2005. There are two players in the band but still their music amazes us by its richness and power. “Gurzuf`s” concerts break standard image of an accordion as a folklore musical instrument. Who said there can be no hard rock or hip hop accordion version? The band has been taking part in different music festivals, has performed solo concerts on Russian, Ukrainian, Lithuanian, Latvian, Polish, French, Belgian, Netherlands, German, Swiss, Spanish, Portuguese and British stages. Their first album “Non-existent movie” was recorder in spring 2007 on the record studio of Mosfilm. In 2006 the band was awarded “Breakthrough of the year” and “Professionalism of the year”. “I think, the “Gurzuf`s” music influences every listener much deeper that I can imagine. It gives one possibility to find answers to the stirring questions, inspiring mediations”. E. Zabelov gurzufband.com

ethnomechanica

VOLGA

ВОЛГА

A unique ethno-electronic project “Volga” appeared in 1997 on a vocalist and folklore researcher Angela Manukian’s and internationally acknowledged electronics specialist and multi-instrumentalist Alexei Borisov’s (Notchnoi Prospekt band) initiative. As well the band’s line-up includes a famous guitarist Roman Lebedev (ex — Metal Corrosion) and Uri Balashov, artist and inventor of selfmade instruments and Grammy winner (artwork for Frank Zappa “Civilization III” album, 1996). “Volga” is a fanciful blend of postindustrial electronics and archaic percussion coupled to the boundless and finely nuanced voice of Angela Manukian chanting old ritual songs of Russia in her melodic interpretation. Volga is a well-known band in Russia and abroad and has also participated in different international music festivals. “Volga” has toured in Germany, France, Finland, Thailand, Slovenia, its songs one can hear on BBC and Resonance FM (UK), Radio France and Radio Nova (France), on the radio in Italy, USA, Canada, Australia, Japan and Finland. The music of „Volga” project is based on the synthesis of dance rythmes with traditional slavic polyrythm with ambient and noise, acoustic percussion and pure melodies. The words of the songs include authenetic XII-XIX century songs, collected by Angela Manukian all over Russia. The live shows of the project are often completed by the video of Moscow VJ Roman Anikushin. Since 1997 the band released 6 albums, the last one was released in England. Volga’s tracks, that often appear in different charts are included to many foreign and Russian compilations. www.volgamusic.ru

Уникальный этно-электронный проект «Волга» появился в 1997 году по инициативе певицы и исследователя фольклора Анжелы Манукян и электронного музыканта и мультиинструменталиста Алексея Борисова (группа «Ночной Проспект»). Также в состав коллектива вошли гитарист Роман Лебедев (экс -»Коррозия Металла») и Юрий Балашов, художник, изобретатель музыкальных инструментов, лауреат премии Grammy за оформление альбома Фрэнка Заппы «Civilization III» (1996). «Волга» — причудливая смесь постиндустриальной электроники и славянской полиритмии, сплавленной с гипнотическим вокалом Анжелы Манукян, исполняющей древнерусские ритуальные песни в собственной мелодической обработке. Участники коллектива хорошо известны не только в России, но и за рубежом. «Волга» выступала с концертами в Германии, Франции, Финляндии, Таиланде, Словении, а ее песни звучат в программах Би-Би-Си и Резонанс ФМ (Великобритания), Радио Франс и Радио Нова (Франция), в радиоэфирах Италии, США, Канады, Австралии, Японии и Финляндии. Музыка Волги базируется на синтезе танцевальных ритмов с традиционной славянской полиритмией — в сочетании с атмосферным эмбиентом и нойзом, акустической перкуссией и чистыми мелодиями. Слова песен — аутентичные тексты XII — XIX веков, собранные Анжелой Манукян по всей России. Выступления проекта как правило сопровождаются видеорядом московского VJ Роман Аникушин.. С 1997 г. группа выпустила 6 альбомов, последний — в Англии. Ее трэки, неоднократно попадающие в зарубежные чарты, входят в сборники как западных, так и отечественных лэйблов/ www.volgamusic.ru

этномеханика

БАЙМУРАТ AKA ДЖИММИ

BAIMURAT AKA JIMMY

Баймурат, он же Таджик Джимми — певец-самородок с очевидным талантом и несокрушимой верой в свою счастливую звезду, не прилагал никаких усилий, чтобы вскарабкаться на вершину. Закончив музыкальную школу в родном кишлаке неподалеку от Душанбе, он служил в армии, пас овец и пел на свадьбах. Потом нужда заставила его отправиться на заработки в Россию. Работая строителем, сапожником и грузчиком, Баймурат продолжал петь прямо на рабочем месте, и одно из этих выступлений записал на телефон и выложил в интернет другой рабочий-мигрант. В коротком ролике жизнерадостный и энергичный человек виртуозно исполнял песню про Джимми из индийского кинофильма «Танцор Диско»: безупречно владея ритмом, играючи переходя от мужского тембра к женскому, он изображал классический индийский дуэт. За несколько месяцев ролик посмотрели тысячи пользователей. Настоящая слава пришла к Баймурату мгновенно, когда его пригласили выступить на разогреве англо-азиатской группы «Asian Dub Foundation». Публика встретила его овациями, на следующее утро Asian Dub Foundation поставили ссылку на его клип на своем сайте и скоро о нём узнали во всём мире. В 2010 году Баймурат принял участие в фестивале «ЭтноМеханика» и не смог не только «зажечь» публику, но и устроить джем с большинством участников: Socalled, Опа Новый Год и Ваней Жуком и с музыкантами Джими. Сейчас Баймурат готовит концертную программу, объединяющую world music и его любимые произведения — классические болливудские хиты. Репертуар включает наивные, искренние и иногда комические версии народных песен и поп-хитов всего азиатского спектра: он одинаково хорошо поет на таджикском, узбекском, казахском, киргизском и на фарси.

Baimurat also known as Tadzhik Jimmy is a musician of natural gifts, who believes in his lucky star. He didn't make much effort to become famous. He finished a music school in a small village he was born near Dushanbe (Tadzhikistan), went to the army, was a shepard, performed songs at weddings. Then hard financial circomstancies made him move to Russia. Working as a builder, shoemaker, loader, Baimurat continued to sing, one of other migrant workers made a video of Baimurat singing at work and loaded it to the Internet. In a short video cheerful and energetic man masterly performs a song about Jimmy from Indian film “Disco dancer”: he perfectly holds the rhythm and switches from male timbre to female, imitating an Indian duo. For a few months this video was seen by thousands of Internet users. True fame he win after his performance as a supporter of English-Asian band Asian Dub Foundation. He received a great ovation and the next morning Asian Dub Foundation put a link of his video at their website and people all over the world saw it. In 2010 Baimurat participated in EthnoMechanica world music festival and could not only inflame the audience, but jam with most of participants of the event: Socalled, Opa Noviy God, Ivan Zhuk and musicians of Jimi Tenor. Now Baimurat is preparing a concert programme, including world music and his favourite classical Boliwood hits. His repertoire consists of na ve, sincere and sometimes comical versions of famous Asian folk and pop songs: he perfectly sings on tadzhik, uzbek, kyrgyz, kazakh and farci languages.

ЭЛЕКTРОМЕХАНИКА

ELECTROMECHANICA

электромеханика

ILLUMINATED FACES

Проект Illuminated Faces — детище одного единственного участника, уроженца города Кирова Романа Цепелева. За два года Роман заработал себе солидное портфолио. В 2006-м на питерском лейбле «Extra Music» вышел его дебютный CD под названием «Roadbag», получивший хорошую прессу, а годом спустя Роман стал победителем ежегодного конкурса «Red Bull Music Academy». Организаторы конкурса сравнили треки Illuminated Faces с музыкой таких эйсид даб пионеров как Gerald и Andy Weatherall. На счету музыканта числится работа с Mark Pritchard (Warp) и Marco Passarani (Peacefrog), выступление на фестивалях «Пикник Афиши», «СтереоЛето», «Электро-Механика». К несомненным достоинствам Романа можно отнести широкий музыкальный кругозор — он охотно экспериментирует с ломаными ритмами, сентиментальными мелодиями и атмосферными амбиентными ландшафтами. Обозвать все это своеобразие одним тэгом задача не из легких. Слишком предсказуемо для experimental, слишком красочно для Minimal techno, нерадикально для IDM, черезчур бодро для ambient. Впрочем, не вписываться в границы определений — вовсе не порок.. www.myspace.com/illuminatedfaces

Illuminated Faces is a brainchild of only one person — Roman Tsepelev from Kirov. For two years Roman formed considerable music portfolio. In 2006 his first CD “Roadbag” was released on St. Petersburg label “Extra Music”, and got a good press. A year later Roman became a winner of an annual “Red Bull Music Academy” contest. Promoters of the contest compared Illuminated Faces tracks with the music of such acid-dub pioneers like Gerald and Andy Weatherall. Roman played with Mark Pritchard (Warp) and Marco Passarani (Peacefrog), performed at Picnic Afishy, Stereoleto, Electro-Mechanica festivals. Broad musical outlook is unquestionable Roman's merit — he willingly experiments with broken rhythms, sentimental melodies and airy ambient landscapes. To describe Roman’s music with one tag is a difficult task. Too predictable for experimental, too colourful for minimal techno, not radical enough for IDM and too energetic for ambient. However, when one is not fitting the ready definitions — it’s not a sin. http://www.myspace.com/illuminatedfaces

electromechanica

ZELANY RASHOHO

Zelany rashoho began to play together at school. In 2000 they started to perform at clubs of Saint-Petersburg and different festivals, cooperating with Nikolay Kopeikin (NOM), Nikolay Rubanov (Aukcyon) and many others. For a short period of time the band became well-known for improvising expressive music, their discography includes five improvisatory release, limited edition was published by “Drugaya kultura” association. Their gigs consisted of “electronic music, played with guitar” became high spot of electronic and experimental parties. At the beginning of 2000-es the band changes the guitar psychedelics for the electronics.. If we need a short definition, it can be called “electronic jazz”. Pseudo-analogue keys, nervous beats, contrabass, guitar, saxophone and it seems any moment they are ready to start improvising. Everything is played live without sequensors and computer design. Totally different people attended the band’s shows that successfully combined still popular in Russia IDM with minimal techno and acid-jazz. Four years ago musicians decided to quit the stage to record their first album and just recently they came back. Their sound has been totally changed. Less saxophone and guitar, that has been practically replaced by the electronics, sometimes appear an atmospheric female vocal and only rhythm-section continues to affect swing of our bodies. http://www.myspace.com/zelanyrashoho

Zelany rashoho стали играть совместно еще со школы. В 2000 году начали играть по клубам города, выступали на всяческих фестивалях, работали совместно с Николаем Копейкиным (НОМ), Николаем Рубановым (АУКЦЫОН) и многими другими. За короткое время коллектив приобрел репутацию, экспрессивно - импровизационной команды, в дискографии имеется пять импровизационных релизов, издававшихся ограниченным тиражом ассоциацией «Другая культура». Их выступления, состоявшие из «электронной музыки, сыгранной на гитаре», были гвоздем электронных и экспериментальных вечеринок. В начале двухтысячных группа отказывается гитарной психоделики в пользу электроники.. Если описать новое направление кратко, то это, пожалуй, «электронный джаз». Псевдоаналоговые клавиши, нервные ритмы, контрабас, гитара и саксофон в любую секунду, кажется, готовы сорваться в импровизацию. Причём все сыграно вживую, без секвенсоров и компьютерной обработки. На группу, удачно соединившую все еще популярный тогда в России IDM с минимал техно и эйсид-джазом, ходили совершенно разные люди. Четыре года назад музыканты приняли решение уйти со сцены для записи своего первого альбома и вернулись только сейчас. На альбоме группа звучит совершенно по-новому. Конъюнктурных партий саксофона стало меньше, гитара уступила значительную часть пространства электронике, местами появился атмосферный женский вокал и только ритм-секция все так же воздействует на колебательные движения тела. http://www.myspace.com/zelanyrashoho

электромеханика

ЁЛОЧНЫЕ ИГРУШКИ

EU (ELOCHNYE IGRUSHKI)

Ёлочные Игрушки (или EU) — группа, созданная Александром Зайцевым и Ильей Барамия осенью 1997 года. Оба участника группы живут в пригороде Санкт-Петербурга городе Ломоносове. В 1999-2000 году на лэйбле Perforated records коллектив выпустил свой первый одноименный альбом на кассете, а позже и сплит-кассету «Rhythm Manipulation» совместно с проектом Tenzor. Осенью 2000 года московский лейбл «Arttek» выпустил первый альбом Елочных Игрушек «EU_SOFT». Летом 2000 года на английском лейбле PAUSE_2 вышел первый виниловый сингл EU «WIENN/SREZ». В январе лэйбл Pause_2 Recordings, с которым музыканты постоянно работают, выпустил альбом EU «Reframing». Новая работа питерского коллектива собрала самые благожелательные отзывы ведущих музыкальных изданий Великобритании и континентальной Европы (в первую очередь Германии, Италии и Франции) и попала в эфир BBC Radio 1 на John Peel шоу. В 2001 году Ёлочные Игрушки выпустили ограниченным тиражом на лэйбле Pause_2 «TUNER EP», куда вошли 6 новых трэков и составили сборник русской электронной музыки «Ru.Electronic» для английского лэйбла Lo recordings. В 2003 году Ёлочные Игрушки выступили на фестивале Club Transmediale'03 в Берлине, на фестивале Seats'n'Beats в Антверпене и на фестивале Spring Chill в Лондоне. После этого группа сконцентрировала свои усилия на в работе над проектом 2H Сompany и совместной работе со Стасом Барецким. Поэтому их следующий альбом «Дикие Ёлочные Игрушки» вышел в 2006 году на лейбле «Снегири». В 2007 году в рамках проекта 2h Company написали музыку для одноактного балета «Ринг», поставленного в Мариинском театре и в Пермском театре оперы и балета. В 2008 записали совместный альбом с московским поэтом Андреем Родионовым, вышедший в издательстве НЛО. Записали совместный альбом с битбоксером Сергеем Галуненко (Галун «Болтун») В 2010 году группа выпустила новый альбом «Сегодня ты становишься ракетой». www.eumusic.spb.ru

EU ( or Elochnye Igrushki) — Ilya Baramiya and Alexander Zaitsev duo from Saint Petersburg, Russia. This duo was born in 1997 fall. Both members live in Lomonosov, Saint Peterburg's suburb. In 1999-2000 the team released their first cognominal album by the label PERFORATED records on the tape and then splittape “Rhythm Manipulation” together with Tenzor project. In 2000 fall the Moscow label “Art-tek” released the first album of EU “EU_SOFT”. In 2000 summer english label PAUSE_2 released first EU vinyl single “WIENN/SREZ”. The record has been announced the best single of the week in english powerful New Musical Express opininon and has been twice included in the play list of the most famous “talent discoverer” BBC Dj John Peel. In January Pause_2 Recordings label which musicians constantly cooperated with released EU album “Reframing”. New work of Saint Petersburg duo gained the most benevolent opinion of the leading music labels of Great Britain and continental Europe (Germany, Italy and France first of all) and got in the air of BBC radio at John Peel show. In 2001 Pause_2 released EP's “TUNER UP” (limited edition) which contained 6 new tracks and also EP composed collection of Russian electronic music “Ru.Electronic” for English label Lo recordings. In 2003 EU performed at Club Transmediale'03 festival in Berlin, at Seats'n'Beats festival in Antwerp and at Spring Chill in London. After that the band concentrated on their work with 2H Company project and co-work with Stas Baretsky. That was why their next album “Wild E.U.” was released in 2006 by “Snegiri” label. In 2007 EU together with 2H Company recorded music for one act ballet “Ring” which had been performed at Mariinsky theatre and at Perm opera and ballet theatre. In 2008 EU recorded album together with Moscow poet Andrey Rodionov which was released by UFO label. They recorded album together with beatboxer Sergey Galunenko (Galun “Chatterbox”). In 2010 the band released a new album “Today you are becoming a rocket”. www.eumusic.spb.ru

премия Cергея Курёхина 2010

НАД ПРЕМИЕЙ РАБОТАЛИ: Анастасия Курёхина — художественный руководитель Екатерина Предко — координатор Дарья Никифорова, Елизавета Петровская, Екатерина Устимова — production Виктория Илюшкина — куратор выставки Коммуникационное агентство «Republico» — PR & дизайн

НАД ЦЕРЕМОНИЕЙ ВРУЧЕНИЯ ПРЕМИИ РАБОТАЛИ: Независимая творческая группа Le Cirque de Sharles Tannes Саша Пас — художественный руководитель Юрий Квятковский — режиссер Miiisha — композитор Алексей Цеглов — технолог Алексей Розин — продюсер Янук Латушка — видео художник Вера Малышева (RVA) — мэппинг, программинг

НАД КАТАЛОГОМ РАБОТАЛИ: Анастасия Курёхина, Екатерина Предко, Дарья Никифорова, Елизавета Петровская — составители Олеся Туркина, Виктор Тихомиров, Виктор Мазин — авторы статей Светлана Бондаренко — дизайн, верстка В каталоге использованы фотографии Тимофея Никулина, Светланы Самойло, Александра Стрельца, Александра Чмеля, Ирины Рыжих, Алексея Тихонова (журнал «Собака.ру»), фото из архива ЦСИ им.Сергея Курёхина. Также выражаем благодарность друзьям Премии Сергея Курёхина: Александру Маличу, «Лицедеям», Александру Ляпину, «Ким и буран», Елене Дрозденко, Данилу Вачегину, Вячеславу Карманову, Максиму Никитину, Юрию Миттельману, Петру Крупину, Дмитрию Кушеварову, Марии Викторовне Тороховой. Оргкомитет Премии и Андрей Тропилло вынуждены сообщить, что в связи с рейдерским захватом студии «Антроп» и его завода по записи CD выпуск диска по Премии откладывается на 2-3 месяца до урегулирования вопроса. Диск можно будет заказать по почте или скачать cодержимое на сайте www.kuryokhin.net.

ORGANISERS OF SERGEY KURYOKHIN AWARD 2010 Anastasia Kuryokhina — director Ekaterina Predko — project coordinator Daria Nikiforova, Elizaveta Petrovskaya, Ekaterina Ustimova — production Viktoria Ilyushkina — curator of the exhibition Communications Bureau Republico — PR & design

THE CEREMONY WAS CREATED BY: independent creative group Le Cirque de Sharles Tannes Sasha Pas — art director Yriy Kvyatkovskiy — stage director Miiisha — composer Алексей Цеглов — technologist Алексей Розин — producer Янук Латушка — videoartist Вера Малышева (RVA) — 3D mapping, programming

PREPARING OF CATALOGUE PROMOTED: Anastasia Kuryokhina, Ekaterina Predko, Daria Nikiforova, Elizaveta Petrovskaya — compilers Olesya Turkina, Viktor Tikhomirov, Victor Mazin — authors of the articles Svetlana Bondarenko — design, lead out Photos are from Sergey Kuryokhin Modern Art Center archive, Timofey Nikulin, Svetlana Samoylo, Alexandr Strelec, Aleksandr Tchmel, Irina Ryzhih, Alexey Tihonov (Sobaka.ru). Special thanks to friends of Sergey Kuryokhin Award: Alexandr Malictch, Licedei, Alexandr Lyapin, Kim & Buran band, Elena Drozdenko, Danil Vachegin, Vyacheslav Karmanov, Maksim Nikitin, Yriy Mittelman, Petr Krupin, Dmitriy Kushevarov, Maria Victorovna Torokhova. Organization committee of Award and Andrey Tropillo declares that the release of the Award DVD is postponed for 2-3 months due to the capture of Antrop studio and a CD recording company. After the release it's possible to get it by e-mail or download at www.kuryokhin.net.

Sergey Kuryokhin Award 2010

SPECIAL THANKS TO:

ОСОБАЯ БЛАГОДАРНОСТЬ

Governor of Saint-Petersburg Valentina Matvienko

Губернатору Санкт-Петербурга Валентине Ивановне Матвиенко

Vice governor of Saint Petersburg Alla Manilova

Вице-губернатору Санкт-Петербурга Алле Юрьевне Маниловой

Committee for culture of Saint Petersburg: Anton Gubankov, Natalia Pakhomova

Комитету по культуре Правительства Санкт-Петербурга и лично: Антону Губанкову, Наталье Пахомовой

New museum: Aslan Chekhoev «Новому музею» и лично: Аслану Чехоеву Michael Tsarev Art Projects, International Festival of Actual Animation and media-art Linoleum Festival, ANCO “Animaton community”: Michael Tsarev Moneta Impianti (Milano): Alberto Sandretti

Michael Tsarev Art Projects, Международному Фестивалю Актуальной Анимации и Медиа-искусства Linoleum Festival, АНО «Анимационное Сообщество» и лично: Михаилу Царёву Компании «Монета Импьянти» (Милан) и лично: Альберто Сандретти

Echo Moskvy. Sankt-Petersburg: Tatyana Kaglyak Hotel Marriott Courtyard St.Petersburg Vasilievsky: Patrick Noter

Радиостанции «Эхо Москвы» в Санкт-Петербурге и лично: Татьяне Кагляк Отелю «Marriott Courtyard St. Petersburg Vasilievsky» и лично: Патрику Нотеру

Cafe PUBLIKA: Eduard Muradyan Кафе «ПУБЛИКА» и лично: Эдуарду Мурадяну I.S.P.A. company: Irina Bezrukova Компании «I.S.P.A.» и лично: Ирине Безруковой Klimatprof company: Andrey Dyubkin

Компании «Климат проф» и лично: Андрею Дюбкину

Holding company Ladoga: Tatina Tan

Холдинговой компании «ЛАДОГА» и лично: Татьяне Тэн

Zona Zvuka company: Konstantin Sirotko

Компании «Zona Zvuka» и лично: Константину Сиротко

Artchronika magazine: Milena Orlova

Журналу «Артхроника» и лично: Милене Орловой

Сommunications business agency “Dp Media”: Victoria Kulibanova

Коммуникационному бизнес-агенству «Dp Media» и лично: Виктории Кулибановой

Huligan magazine: Igor Zinatulin

Газете «Деловой Петербург» и лично: Олегу Третьякову Журналу «Хулиган» и лично: Игорю Зинатулину

Internet-tv channel Iskusstvo TV: Оlga Razina Интернет-телеканалу «Искусство ТВ» и лично: Ольге Разиной Be-in webportal: Inna Gordian Порталу Be-in и лично: Инне Гордиян Peterburgskiy avtosalon: Michael Klypa

Журналу «Аудио Формат» и лично: Константину Ильину

Audio Format magazine: Konstantin Iliyn

Журналу «Петербургский салон» и лично: Михаилу Клыпе

Socio-political newspaper Saltt: Ivan Kolpakov

Российской общественно-политической газете «Соль» и лично: Ивану Колпакову

Ravesnab printing company: Artem Slepenkov, Artem Solomatin

Типографии «Рейвснаб» и лично: Артёму Соломатину, Артёму Слепенкову

Zvukohod company: Alexey Tulin

Компании «Звукоход» и лично: Алексею Тулину

Petr Beliy for creation of Prizes for nominations of Sergey Kuryokhin Award 2010

Петру Белому за создание Призов для номинаций Премии Сергея Курёхина 2010

Отели сети Марриотт. В самом центре Петербурга