ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
No.4 Año 1, Abril de 2022
paradojaeditorial@gmail.com
PINTURA
René Magritte
PINTURA
Manuel Felguérez
FOTOGRAFÍA
Eniac Martínez
PINTURA Saturnino Herrán Saturnino Herrán creía que el arte sería el motor de transformación social de México y no la violencia derivada del movimiento revolucionario. Debido a ello, estaba convencido de que su quehacer en el mundo era pintar tanto como le fuera posible. Irónicamente, murió a la temprana edad de 31 años, reclamando a la vida el deseo de seguir plasmando sus ideas con pintura.
REPORTAJE
Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México
Al inaugurarse en 1964, como parte del programa de institucionalización de la cultura que caracterizó al gobierno de Adolfo López Mateos, el Museo de Arte Moderno adquirió la calidad de emblema oficial de la modernización del país. Por aquellos años, se abrieron también el Museo Nacional de Antropología, el Museo Anahuacalli, la Pinacoteca Virreinal (edificio que aloja ahora al Laboratorio de Arte Alameda), el Museo de Historia Natural y el Museo de la Ciudad de México. Pese a que, en un principio, las salas del MAM adoptaron un amplio perfil historicista, pronto confiaron en la renovación y, por ende, en una imagen actualizada del arte nacional que cuestionaba el discurso de la identidad nacional heredado de la Revolución, mediante la primera gran exposición dedicada a Rufino Tamayo, quien a la sazón encarnaba la revocación de los códigos del muralismo y la Escuela Mexicana, la desprejuiciada apertura a los criterios en boga a nivel mundial. En efecto, las vanguardias que el MAM promovía se han convertido, con el paso del tiempo, en el canon (el cosmopolitismo de las décadas de
1920-30, la internacionalización de las generaciones posteriores, en especial la Ruptura), de manera que, en consonancia con las circunstancias de la cultura global y digital, su función se orienta hoy a focalizar aquellas tendencias y narrativas de los lenguajes de avanzada que impulsan la escena de las artes visuales, dentro y fuera de México, y a analizar su genealogía en relación a las tradiciones en que se insertan.
El perfil inclusivo del MAM dicta en consecuencia una línea curatorial centrada en el acceso prioritario a las ramificaciones del arte moderno que sintetiza la trama de su acervo, y que atiende de manera simultánea los fenómenos estéticos más relevantes en los diversos campos de la creación actual.
HORARIOS Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Último acceso a las 16:30 horas. Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic
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EDITORIAL
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Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia. Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com
E
n el mes de abril ARTDiseño ha crecido y aumentado su número de páginas gracias a sus colaboraciones para utilizar este espacio para la difusión de todos los artistas y creadores que han trabajado diferentes modos de expresión plástica, también hacemos siempre un homenaje de los creadores únicos quienes en recientes años ya han fallecido como Manuel Felguérez, Vicente Rojo, Pal Kepenyes y Eniac Martínez. Es digno de apreciar las diversas formas de creación así como las diferentes maneras de pensar de todos los artistas que exponen sus conceptos a través del tiempo con conocimiento de su vida y que es los que hace de sus procesos creativos tan significativos para enriquecer nuestra compresión de las realidades que los envuelven. Tenemos el gusto que en cada una de nuestras publicaciones de difundir en las contraportadas los diferentes museos nacionales e internacionales mostrando en lo general el acervo de sus colecciones permanentes de diversos artistas con obras más significativas que algunas de ellas tienen fama y se han convertido en expresiones plásticas icónicas de la humanidad. Es tarea de esta publicación hacer valer las diversas personalidades del arte así con una pequeña muestra de una de sus obras para hacer del conocimiento sus creaciones más recientes. Nos llena de satisfacción el que se han acrecentado el número de seguidores en las redes sociales que les interesa nuestro contenido en ARTDiseño, esto hace más sencillo el desarrollar contenido con gusto sabiendo de antemano que será aprovechado para aumentar sus conocimientos culturales.
Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos
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Tomás Sánchez / Meditader Óleo sobre tela 99.7 x 121.9 cm
Abel Almenara / Fata Pvdica Óleo sobre madera
Gabriela Cano Román / Renata Óleo sobre tela
Daniel Orbe / Delirio Óleo sobre tela 80 x 100 cm Andrés González Hernández Pirámide Dzibilchaltún Yucatán
Daniel Zamudio / Teloluapan Guerrero Óleo sobre tela 95 x 80 cm
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Andrés Aguilar / Autorretrato Carbón sobre papel 43 x 46 cm
PINTURA
Manuel Felguérez
C
omo un reconocimiento a su trayectoria y aportación artística, en 1998 se fundó el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez cuyo acervo, en buena parte, fue donado por el propio artista. Otros espacios culturales también llevan su nombre: la Galería de Arte Electrónico del Centro Nacional de las Artes, La Galería Metropolitana en la Rectoría de la UAM, la Casa Municipal de Cultura de Valparaíso, Zacatecas, y la Biblioteca del Hotel The Sebastian en Vail, Colorado, E.U.A. Nace en Valparaíso, Zacatecas, en 1928, y a los siete años de edad se traslada con su familia a la Ciudad de México. Desde niño Manuel, demostró inclinación por las artes, pero no es, sino hasta los 19 años, durante su primer viaje a Europa, cuando descubre que lo más importante en el mundo era el arte; es entonces que decide iniciarse como escultor. En 1949 viaja por segunda vez a Francia para estudiar al lado de Ossip Zadkine en la Academia de la Grande Chaumiére en París, en donde también frecuenta el taller de Brancusi. Sus experiencias al lado de Zadkine en Paris y de Zúñiga en México, así como su constante investigación y experimentación, le dan seguridad en el manejo de materiales y técnicas, no sólo en el campo de la escultura, sino en la pintura y el muralismo; y lo llevan a encontrar su propio lenguaje. Desde su primer exhibición en 1958, Felguérez ha participado en innumerables exposiciones individuales y colectivas en México y el mundo. Su obra se exhibe de manera permanente en importantes recintos museísticos y culturales de México, así como en países de Europa, Asia y América, además de múltiples colecciones privadas. Desde 1956 se desempeñó en el ámbito académico; impartió clases en la Universidad Iberoamericana, participó en la elaboración del proyecto de creación de la carrera de Artes Visuales, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (1970), donde fue maestro e investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas. Fungió como investigador huésped en la Universidad de Harvard (1976) y como profesor invitado en la Universidad de Cornell, en los Estados Unidos. Incursionó también en el campo de la escenografía como parte del grupo de Teatro de Vanguardia dirigido por Alejandro Jodorowsky. A lo largo de su trayectoria, Manuel Felguérez ha sido merecedor de diversos premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que destacan: el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India, (1968); la beca de la Fundación Guggenheim y el Gran Premio de Honor de la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil, (1975); el Premio Nacional de Artes de México (1988); el nombramiento como Creador Emérito por el Sistema Nacional de Creadores de Arte del CONACULTA (1993), La Encomienda de la Orden Isabel La Católica, del Gobierno Español (2006); el grado de Doctor Honoris Causa por la Universidad Autónoma Metropolitana de la Ciudad de México (2009) y la Medalla Bellas Artes (2015).
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PINTURA
René Magritte Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina. Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912, su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. De acuerdo a la leyenda, Magritte, quien entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, con su vestido cubriendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo una de sus obras más conocidas, Les Amants, pero el propio Magritte desechaba dicha interpretación del cuadro.
Realizó sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del Impresionismo. Entre 1916 y 1918, estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920, junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky, László Moholy-Nagy, Lyonel Feininger y Paul Joostens en una exposición en el Círculo Real Artístico. Su obra del período 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran influencias del Cubismo, del Orfismo, del Futurismo y del Purismo.
En 1922 ve una reproducción de La canción de amor, cuadro de Giorgio de Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de este pintor. En 1922 contrajo matrimonio con Georgette Berger, una amiga de su juventud, que le sirvió de modelo para alguna de sus obras. En obras como La túnica de la aventura (1926), expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa. En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París. En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con
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Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y espíritu de debate. En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París. En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.
PINTURA
Saturnino Herrán Saturnino Herrán nació en la ciudad de Aguascalientes, el 9 de julio de 1887. Sus padres fueron José Herrán y Bolado y Josefa Guinchard Medina. Su padre fue un hombre polifacético, quien fungió como tesorero general del estado de Aguascalientes, pero al mismo tiempo era profesor de teneduría de libros en el Instituto de Ciencias de Aguascalientes. Asimismo, Don José se caracterizaba por ser un inventor y literato espontáneo; parte de su tiempo la invertía construyendo artilugios mecánicos, los cuales no tuvieron suficiente éxito, como lo indica Federico Mariscal.
Saturnino se casó con Rosario Arellano en 1914, con quien tendría a su único hijo, el químico José Francisco Herrán Arellano. Su esposa fue modelo en una de sus obras representativas, Tehuana. En 1907, Herrán trabajó copiando los frescos de Teotihuacán para el antropólogo Manuel Gamio, y poco después comenzaría a representar el pasado indígena en su obra pictórica. Para Fausto Ramírez, será esta etapa en la que Saturnino Herrán reafirma su personalidad artística al asimilar los modos de expresión y modelos modernistas. En palabras de José Emilio Pacheco, se puede denominar “criollismo o colonialismo vernacular”. La crítica de arte Teresa del Conde lo catalogó como "maestro del modernismo mexicano" a pesar de su corta trayectoria y su temprana muerte.
Sus primeros estudios los realizó en el Colegio de San Francisco Javier y en 1901 ingresa a la preparatoria en el Instituto de Ciencias de Aguascalientes; ahí conoce a Pedro de Alba, y reencuentra a sus amigos de la infancia, Ramón López Velarde y Enrique Fernández Ledesma. El 18 de enero de 1903 fallece su padre, lo cual significó un duro golpe moral, pues contaba solo con quince años de edad. Ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes -antes Academia de San Carlos- en 1904, en el momento en que la institución había cambiado sus planes de estudio, bajo la dirección en las clases de dibujo y pintura impartidas por Antonio Fabrés.
En La Tehuana, que es un retrato de su esposa Rosario Arellano, se resalta el traje típico de las mujeres del Istmo de Tehuantepec, sobre todo el tocado que llena casi todo el lienzo. Herrán pinta en esa época alegorías indígenas mezcladas con el estilo indigenista que lo caracterizaba. Herrán planeó realizar una exposición individual de su obra, pero debido a los acontecimientos políticos de la década, muchos proyectos culturales se vieron frustrados. Aunado a esto, la vida familiar fue compleja, primero por el parto complicado de su esposa que puso en riesgo su vida, lo que aplazó una posible exhibición individual hasta noviembre de 1918, dos meses después de su muerte.
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PINTURA
Vicente Rojo
“En mis obras más recientes quiero mostrar un conjunto de escenas íntimas, de instantes luminosos y de leves destellos con la intención de que mi obra pueda sentirse como un canto o un susurro…”
Nació en 1932 en Barcelona, ciudad en la que hizo estudios de escultura y cerámica. En 1949 llegó a México, donde estudió pintura y tipografía, realizando durante más de cincuenta años una extensa obra como diseñador gráfico, pintor y escultor. Colaboró, además, en la fundación de editoriales, suplementos culturales y otras publicaciones. A lo largo de su carrera, Vicente Rojo llevó a cabo numerosas exposiciones individuales y participó en incontables muestras colectivas en todo el mundo. Su pintura se agrupa en cinco series principales: Señales, en la cual trabaja con formas geométricas básicas; Negaciones, surgida de su intención de que cada cuadro negara al anterior y al que le seguiría; Recuerdos, nacida de su intento de abandonar una infancia difícil; México bajo la lluvia, concebida un día que vio llover en Tonantzintla, y Escenarios, compuesta de miniseries y que es un repaso de sus temas anteriores y una suma de los mismos. A partir de 1980 comenzó a alternar la pintura con la escultura, en un intento por enriquecer su trabajo, en cuyo centro alienta la intención de reflejar, “como en un juego de espejos, dos soledades, la del creador y la del posible espectador”.
Carrillo Gil (México, 1990), en el Klingspor Museum (Francfort, 1992), en el Museo Casa de la Moneda (Madrid, 1996), en el Museo Nacional Reina Sofía (Madrid, 1997), en la Tecla Sala (Barcelona, 1997), en el Círculo de Bellas Artes (Madrid, 1997) y en el Museo José Luis Cuevas (México, 1998 y 2001), entre otros. Le fueron otorgados el Premio Nacional de Ciencias y Artes, el Premio México de Diseño, y la Medalla al Mérito en las Bellas Artes (España). En 1992 la Asociación Internacional Icograda le otorgó el premio de Excelencia en Diseño Gráfico, y en 1993 fue designado Creador Emérito por el Sistema Nacional de Creadores de Arte. En 1998 la Unam le otorgó el doctorado honoris causa. En 2006, el gobierno español le otorgó la Condecoración de la Encomienda de la Orden de Isabel La Católica; en 2011 el Instituto Nacional de Bellas Artes (inba)
Su obra se ha mostrado en exposiciones colectivas en el Museo Universitario de Ciencias y Arte (México, 1973), en la Universidad de Texas (Austin, 1978), en el Museo de Arte Moderno (México, 1981 y 1996), en la Biblioteca Nacional (Madrid, 1985), en el Museo de Arte
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le otorgó la “Medalla Bellas Artes”, por su vasta práctica dentro de las artes visuales. En 2012, en el marco de la XXIII Feria Nacional del Libro, de León, Gto., le fue otorgado el “Reconocimiento Compromiso con la Cultura”, en tanto que en el marco del Festival Internacional Cervantino, le fue otorgada la “Presea FIC” por sus contribuciones a la cultura, y en la Bienal Internacional del Cartel le fue otorgada la “Medalla José Guadalupe Posada”, y El Gobierno de la Ciudad de México, por su parte, le otorgó la “Medalla al Mérito Cultural Carlos Monsiváis”, por su destacada trayectoria. Rojo perteneció al grupo de artistas denominados de ruptura, aunque él consideró que era más bien de continuidad; renovador de la forma y del color, hizo variantes de un mismo tema y logró que toda su obra fuera igual al mismo tiempo que diferente; como editor contribuyó a la calidad de la industria editorial mexicana y creó con sus discípulos la más original generación de diseñadores. Vicente Rojo Almazán falleció el 17 de marzo de 2021 en la Ciudad de México, a los 89 años de edad.
PINTURA
Harry Holland Pintor Contemporáneo Realista Figurativo Es ampliamente reconocido como uno de los mejores exponentes del arte figurativo realista en la Gran Bretaña. Usando sus clásicas técnicas para lograr el realismo figurativo contemporáneo en sus pinturas, incorpora motivos mitológicos y elementos de la tragedia para dar sentido enigmático atemporal. La historia natural de su arte hace una narrativa personal de su arte hacia el observador. Sus pinturas exploran las verdades universales que a menudo son
difíciles de articular en nuestra experiencia y entendimiento humano. Durante su vida se ha dedicado al arte estableciendose con una alta influencia académica con un delicado toque de modernidad. Nacido en Glasgow en 1941 pasó su juventud en varias partes de la Gran Bretaña asentandose definitivamente en Londres. Tuvo sus estudios iniciales en el St. Martin´s School of Art dón de tuvo su primera exhibición en 1969. Y en 1973 se mudó a Cardiff, Gales dónde vive entre el río y el mar que lo inspira a pintar hoy en día.
Lo humano como el ideal
Debe ser ya evidente que la noción de la realidad que sustenta el arte, en el sentido filosófico de la palabra, empírica. La realidad es una construcción de nuestros sentidos, un plano que surge lentamente a medida que sondeamos nuestros sentimientos, trazamos los contornos de nuestras sensaciones, medimos las distancias y las altitudes de la experiencia. El plano cambia a medida que nuestros instrumentos registradores son más precisos. Una nueva clase de instrumento puede producir un plano completamente nuevo, y aquellos de nosotros que somos escépticos siempre consideramos la última edición del plano como provisional.
Pero si tratamos de trazar ese plano de la realidad, de captar su forma y sus características internas, empezamos a adivinar, a falsificar. Interviene, entre nuestra realidad experimentada y nuestra representación de esa realidad, una fundación mental a la cual los psicoanalistas han dado el nombre de super-ego, una forma o estructura consiente que se da a la vida del sentimiento y del deseo, de otro modo amorfa. A esta creación conciente la llamamos idialísmo. En sus etapas más primitivas no es más que la articulación del sentimiento en imágenes coherentes y la combinación de estos elementos para aprender o representar estados de sentimientos más complejos o momentos de intuición más intensos, y para dar a éstos unidad y significación .
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Un deseo siempre presente de estabilizar el área de la conciencia, de definir comportamientos precisos de la conciencia intelectual, estimula el pensamiento y conduce al desarrollo evolutivo de una cultura de todos los mitos, supersticiones e ideales. Pero esta cultura es siempre un fenómeno superficial; sustentándolo se halla el más vasto inframundo del sentimiento subjetivo inaprehendido, la conciencia personalo colectiva de las modernas psicologías de profundidad. Fue sin dudad inavitable que tarde o temprano el hombre tratara de comprender y representar la fuente subjetiva de todas las imágenes y simbolismos que crea en su esfuerzo por construir una realidad externa, que tratará de descubrir y representar el Yo. Había dos posibilidades: descubrir lo que es único en cada individuo, su subjetividad, o descubrir lo que era común a todos los seres humanos, su humanidad. En el proceso, la conciencia de lo universal precedió a la conciencia de lo particular, y sería relativamente fácil encontrar razones para apoyar esta prioridad; por ejemplo, la urgente necesidad de la solidaridad de grupo en u n a m b i e n t e t o d a v í a predominantemente hostil a la raza humana.
PINTURA
Osvaldo Reyes A Osvaldo Reyes, se le consideraba un exponente del realismo social, que en algunas ocasiones se aproxima al surrealismo y al realismo simbólico. Forma parte de la generación del 40 y ha recibido una fuerte influencia de la pintura mexicana y francesa. Uno de los críticos más conocidos de Chile, el profesor Víctor Carvacho, lo definió como “un pintor original, a la chilena, académico, que como todos los artistas genuinos ha sabido escapar a esa academia”. Nacido en Santiago en 1919, Reyes es hijo de un obrero ferroviario y una vendedora en pequeñas empresas. La temprana muerte de su padre lo llevó a trabajar desde los 10 años para ayudar a mantener a su madre y siete hermanos, sin dejar de estudiar. En la escuela primaria destacaba por su talento como dibujante, que después desarrolló en la Escuela Normal y floreció en la Escuela de Bellas Artes. Después de pintar el mural “La Ronda”, inspirado en el poema homónimo de Gabriela Mistral, bajo la dirección del pintor Laureano Guevara, ganó una beca del gobierno de México y de la Universidad de Chile, que le permitió ir a ese país a estudiar con los grandes muralistas. “La ronda”, una obra de gran movimiento, colorido y luminosidad, donde las niñas bailan descalzas, se conserva hasta el presente en la “Ciudad del Niño” en Santiago. En México tuvo maestros eminentes: David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, Federico Cantú, Francisco de la Maza, José Gutiérrez y Raúl Anguiano.
Estudió en la Escuela de Pintura y Escultura de la Universidad Nacional Autónoma de México, creada por Diego Rivera, e invitado por la Premio Nobel de Literatura Gabriela Mistral vivió un período en su residencia de Veracruz como su asistente. La poetisa chilena también influyó en su desarrollo artístico. Al regresar a Chile, desarrolló la docencia y el muralismo. Dos premios chilenos de Arte, Anita Cortés y Laureano Guevara, fueron también decisivos en su formación, así como Armando Lira, Oscar Gacitúa, Armando Sánchez y Augusto Eguiluz. Hasta poco después del golpe militar de 1973, que derrocó el gobierno del Presidente Salvador Allende, fue director de la Escuela Experimental Artística en Chile. Despedido de su trabajo por los militares, debió partir por segunda vez en su vida a México, esta vez con cuatro de sus cinco hijos y su esposa y compañera de toda su vida, Carmen Espinoza. Allí se desempeñó durante 10 años en la Academia San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1988 se trasladó a Canadá, país que ha adoptado como su segunda patria, al igual que su familia. Allí se dedicó con más intensidad a la labor artística, en su taller en Toronto, desarrollando el óleo y el dibujo a tinta china, fundamentalmente. Es expositor permanente en la Galería de Arte de Ontario y ha presentado sus obras en la Universidad de York, de Toronto.
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También participó en la muestra “Memoria y Esperanza de los Derechos Humanos en Chile. A 30 años del golpe militar”, organizada por el Museo de la Solidaridad Salvador Allende en Santiago Chile. En su obra hay en especial retratos, paisajes rurales y urbanos y naturalezas muertas. La propuesta plástica actual de Reyes está centrada en la necesidad de preservación de la naturaleza amenazada por el estilo predador del desarrollo. La vegetación, del color de la esperanza, amable y magnificente, es el pilar de su paradigma estético. El gran pintor mexicano Raúl Anguiano fue elocuente para describir en 1987 la labor de Reyes: “He seguido de cerca la evolución de Osvaldo Reyes y veo claramente que su estilo personal lo sitúa entre los maestros latinoamericanos como Guayasamin, Amelia Pérez o Portinari, con un toque de modernidad que lo emparenta con Léger y los expresionistas alemanes. Claro que su larga estadía en México como pintor y profesor le ha agregado los rasgos gráficos de los maestros mexicanos en su pintura”. La talentosa pintora chilena Carmen Cereceda, que fue asistente de Diego Rivera y cuya obra ha sido elogiada en México, donde reside, y que practicara la docencia en Canadá, sostiene que “Osvaldo Reyes tiene un estilo dentro del expresionismo, de marcados rasgos simbólicos latinoamericanos”. A su juicio, a Reyes se le produce “espiritualmente un contraste entre la realidad y la fantasía en su proceso creativo, generando lo que observamos en su obra: una síntesis entre estos dos polos”.
ESCULTURA
Pal Kepenyes Pal Kepenyes (Kondoros, Hungría, 8 de diciembre de 1923 - Acapulco, 28 de febrero de 2021) fue un reconocido escultor, creador e investigador del arte mexicano de origen húngaro. Desde 1959 y hasta su fallecimiento residió en Acapulco, Guerrero, donde tuvo su Casa Estudio. Desde su infancia era un “solitario”, ya que —a decir del Maestro Kepenyes— «apreciaba más los juguetes hechos por mí mismo, que a mis compañeros». Por lo dijo que a los nueve años, descubrió que el era escultor, así que se dedicó a desarrollar su talento. Después de la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Escuela de Artes Decorativas, en Budapest, como un paso previo para ingresar a la Academia Superior de Bellas Artes, donde ingresó y fue alumno del insigne maestro Béni Ferenczy.
Fue prisionero de guerra del régimen estalinista, estuvo dos años en incomunicación y tres en trabajos forzados, como el describe "humillado y hambriento, una sombra, sin nombre, un número, sin espejo, sin pluma, sin libros ni papel, únicamente yo" sobrevivió en esos años diseñando figuras y obras que posteriormente creó. Finalmente en 1956 con la gloriosa Revolución Húngara recuperó su libertad y tuvo que salir de su país, llegó a Francia y estudió en la Escuela Superior de las Bellas Artes, en la Rue Bonaparte, en París, al mismo tiempo que trabajó en la Fábrica de Sevres. Vivía en la Cité Univercité de París, en la casa de las provincias. Fue ahí donde conoció a estudiantes de
varias partes del mundo, entre ellos los mexicanos que le dieron la oportunidad de conocer el arte y la cultura de México de aquella época. En 1959 llegó a México, des cubriéndolo como un país vasto, libre y con enormes posibilidades, se dedicó a conocer su cultura y sitios arqueológicos y tomó la nacionalidad mexicana el 27 de octubre de 1975.Su obra incluye desde miniaturas y joyas escultóricas, hasta piezas monumentales en distintas ciudades de México: El Pueblo del Sol, en Acapulco; El Baile, en Atizapán, Edo. de México; La Familia, en Monterrey, Nuevo León; "Kofiapa", Embajada de Hungría en la Ciudad de México. Además de Esculturas monumentales en Hungría y Texas, Estados Unidos. Sus creaciones han recorrido el mundo, visitando países como París, Londres, Tokio, Berlín, Canadá, Estados Unidos, Austria, Holanda y por supuesto, México, en donde tiene una exposición permanente en su Casa Estudio. Con más de noventa años sigue creando proyectos y piezas nuevas, siempre en compañía de su esposa Lumi Dehesa.
La famosa escultura “El Pueblo del Sol” es monumento metálico, de ocho metros de diámetro y 17 toneladas de peso, colocado en el Bulevar de las naciones de Acapulco en marzo de 1993, como encargo del entonces Gobernador del Estado José Francisco Ruiz Massieu (1987-1993). Su obra se compone de series como "Conciencia del Secreto", "Secuencias acumuladas", "Sens metapales" "Los Vivos", "Animalescos" y "El Mundo Roto"; maneja además todos los
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formatos de tamaños con gran precisión y detalle, desde esculturas en miniatura y joyería escultórica hasta obras monumentales. En su estilo procura elaborar el trabajo de manera artesanal, con el mínimo de maquinaria o tecnología, transmitiendo así la idea y concepto del objeto. En su obra se pueden apreciar representaciones románticas, lúdicas y sociales de la historia, el hombre y la naturaleza, que es contada por los metales yuxtapuestos, las composiciones geométricas, mecánicas o multiformes fuera de lo común. Es indudable que su temática radica en el hombre, su multidimensionalidad y su relación e interacción con el espacio y los demás seres con los que cohabita, es decir, el mundo y sus infinitas posibilidades.
ESCULTURA
Jorge Alfaro Estudió en la Escuela nacional de pintura, escultura y grabado “La esmeralda” de 1981 a 1983, continuo con su formación en el Instituto de artes plásticas de Taxco (con maestros de La Esmeralda) de 1985 - 1986. Estudió escultura en barro en el taller de capacitación de los trabajadores de Estocolmo Suecia en 1999. Ha participado en diversas exposiciones tanto individuales como colectivas; su última exposición individual fue en La Gran Galería de Acapulco (2015) con la instalación “INEFABLE”. Expuso en el centro cultural mexiquense bicentenario de Texcoco, Estado de México, con la instalación “HOMO PETUS” (2014); ha expuesto en la Galería Ixcateopan de Acapulco (1994 y 2014). En el Poliforum cultural Partenón, Acapulco, Gro. (2007); En la universidad americana de Acapulco, gro. (1993 y 2008). Recientemente participo en la exposición colectiva “Guerra en el paraíso” (2019) en La Quebrada Espacio de Arte. Expuso su obra en la inauguración del Museo de las Siete Regiones, en Acapulco, Gro. (2018); ha participado en varias ediciones en el marco del Festival de la NAO, en la casona de Juárez y museo histórico fuerte de San Diego (2009, 2010, 2011, 2012, 2013, 2014 y 2018); colectivas independientes en la Galería Ixcateopan, Acapulco, Gro. (1994, 2009
y 2017); En el museo fuerte de san Diego de Acapulco, gro. (1993 y 1994); En la Galería Dolores Olmedo, Acapulco, Gro. (1992 y 1994); En la casa Borda y el museo William Spratling de Taxco, Gro. (1986); En la casa de cultura Jesús Reyes Heroles de la ciudad de México (1993); En la casa del Lago de la UNAM, Ciudad de México (1987). Ha sido beneficiario del PECDAG en 2008 y 2017. Es docente de artes plásticas de la Escuela de iniciación artística G-65 del INBA. Ha impartido infinidad de talleres de escultura, entre los que destacan: Taller de escultura en barro cocido en el CERESO de Acapulco durante 2012 y 2013. Taller de barro cocido durante las Caravanas culturales por la paz en dos municipios del estado de guerrero en 2014. Impartió talleres de escultura en barro cocido en siete estados de la zona centro, dentro del programa FORCAZC de CONACULTA, en 2012 y 2013, entre muchos otros. Fue consejero general del consejo municipal de cultura y miembro de la comisión de planeación del PECDA Guerrero durante 2009 y 2010. Actualmente es miembro del Colectivo Mira Cultura, que promueve actividades culturales en el Fortín Álvarez, de la colonia La Mira, así como la difusión de este patrimonio histórico en Acapulco de Juárez, en el Estado de Guerrero.
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Fotografía
Damian Siqueiros Damian Siqueiros es un fotógrafo de origen mexicano que vive en Montreal. Su trabajo es multidisciplinario efectuado a través de la dirección artística, escenografía, maquillaje y diseño de modas. Su fotografía está inspirada en grandes maestros del arte como Caravaggio o Rembrandt. Decidió dedicarse a la pintura clásica cuando terminó sus estudios, luego ganó una cámara en un concurso de investigación en la universidad, y fue cuando Damian Siqueiros comenzó a transponer la estética de la pintura a la de la fotografía. Inspirado por las intensas escenas creadas por los grandes maestros de la pintura como Rembrandt, su enfoque pictórico lo llevó a crear conjuntos, disfraces y maquillaje que le permitieron suavizar sus aspiraciones e inducir una inclinación histórica en temas contemporáneos.
"La belleza salvará al mundo", dijo Dostoievski. La belleza es algo que Damian busca sin descanso, imagen tras imagen, porque considera que multiplica el poder transformador que es inherente al arte. Un firme defensor de la igualdad de género y de la diversidad sexual que él considera esencial en la construcción de un mundo mejor, sus disparos provocan fuertes reacciones en nosotros e invitan a la discusión. La danza y el circo, temas que se repiten regularmente en su trabajo, ilustran temas sociales y exploran la condición humana desde un punto de vista emocional. Gracias a su prestigiosa colaboración con los Grands Ballets Canadiens y con la revista Elle a su colección con los coreógrafos Sidi Larbi Cherkaoui y Margie Gilis en América del Norte y Europa, Damian Siqueiros se cuenta ahora como uno de los artistas más importantes de su generación. En 2010, ganó el Premio Coup de Coeur de Banque Scotia en Montreal y mostró su primera retrospectiva en Nueva York en 2017.
Personajes de
Guillermo del Toro
Diferentes imágenes del cineasta Guillermo del Toro de las filmaciones de terror.
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DISEÑO
Germán Montalvo
El fuerte de Montalvo son los carteles, aunque el mismo dice que no es un ‘cartelista’, aunque no es el único ámbito en el cual ha incursionado, también ha estado metido en el interiorismo y el diseño de objetos. Su participación en la docencia, siendo un profesional del diseño antes que un académico, denota un compromiso íntegro con el desarrollo del diseño en México.
Germán Montalvo nació Veracruz, México en el año de 1956, estudio hasta los 11 años y llego a instrucción primaria, acudió a la escuela de iniciación artística en el Instituto Nacional de Bellas Artes, a los 13 años fue invitado a formar parte del departamento de publicidad de los laboratorios Grossman, en donde ya estaba entrando en la carrera de diseño gráfico, después de un año Montalvo ya estaba dentro del departamento de diseño en el cual hacia trabajos para el gobierno de turno. En 1971 fue a estudiar en Milán, Italia en la Escuela del Libro y ahí aprendió la forma de usar el color y gracias a eso es que los libros en los que ha trabajado son bastante sobrios en el diseño.
Montalvo únicamente terminó la educación básica (primaria). Al culminarla, a los 11 años, acudió a la Escuela de Iniciación Artística número uno del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), formación que combinaba con trabajos de dibujo y rotulismo. A los 12 o 13 años, fue invitado a trabajar al departamento de Publicidad de los laboratorios Grossman, donde tuvo su primer contacto con el diseño gráfico. También representó su primer acercamiento con la tipografía. Al cabo de un año, Montalvo se incorporó al departamento de Diseño, que hacía trabajos para la Oficina de Prensa de la Presidencia durante el mandato de Luis Echeverría Álvarez.
A su regreso a México, tras ver una exposición de carteles en la Casa del Lago, buscó enrolarse en la Imprenta Madero, donde trabajó durante diez años bajo las órdenes del artista español Vicente Rojo. En 1981, participó por primera vez en una exposición colectiva en la Società Umanitaria; y en 1983 presentó su primera exposición individual. En 1987, produjo su primera muestra internacional de carteles para el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana, Cuba. En 1994, se convirtió en becario del Sistema Nacional de Creadores de Arte. En 1996, fue nombrado profesor de Arte y Diseño Contemporáneo en la Universidad de las Américas Puebla. Fue miembro de la Alianza Gráfica Internacional (AGI) y en 2017 era parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Sus carteles y diseños han sido utilizados por diversas instituciones como el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Secretaría de Educación Pública, la Universidad Nacional Autónoma de México, la Universidad Autónoma Metropolitana y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (hoy, Secretaría de Cultura). A pesar de su trabajo constante en el área del cartel, Montalvo no se
A los 14 o 15 años, fue invitado a colaborar en la elaboración de los libros de texto gratuitos de la SEP, que dirigía Mariana Yampolsky, específicamente en el área de Ciencias Naturales. Por recomendación de Yampolsky, Montalvo logró ingresar a la Scuola del Libro, Società Umanitaria (Escuela del Libro de la Sociedad Humanitaria) en Milán, Italia. En 1977, a la edad de 21 años, obtuvo el grado de asistente y una mención como mejor estudiante.
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considera cartelista ya que su formación en Italia lo hace ver el diseño de una forma circular y multidisciplinaria. Su obra plástica es parte de la Colección de Arte UDLAP. En 2016 inició una serie dedicada al mapa de México y una serie de ensambles en varias técnicas.
ARQUITECTURA
Luis Barragán 120 Aniversario de su natalicio Nació el 9 de marzo de 1902 en el seno de una próspera y católica familia de hacendados de Jalisco. Era hijo de Juan José Barragán y Ángela Morfín. Pasó su niñez al lado de su padre en el barrio de Santa Mónica de Guadalajara, su ciudad natal. Tuvo seis hermanos, tres mujeres y tres hombres. Solía pasar sus vacaciones y prolongadas estancias en la hacienda de Corrales, ubicada en las inmediaciones de La Manzanilla de la Paz, Jalisco. La experiencia infantil de esas estancias en el campo, en el entorno rural mexicano, en la naturaleza serrana donde se encontraba la hacienda familiar, dejaría una profunda huella que se reflejaría en su creación artística dando como resultado la «definición de un estilo mexicano universal». Estudió en la Escuela Libre de Ingenieros de Guadalajara, donde conoció y entabló una profunda y perdurable amistad con personajes como Rafael Urzúa Arias y Pedro Castellanos. Su interés por la arquitectura, según afirmaba él mismo, había nacido fundamentalmente de la influencia del arquitecto Agustín Basave, uno de sus maestros.
Posteriormente tiene un encuentro con las culturas mediterráneas, tanto europeas como musulmanas, que influyeron en su arquitectura (en especial con las ciudades mediterráneas, la jardinería y el uso expresivo del agua y con la Alhambra de Granada). Conoció a Le Corbusier en 1931, cuando asistió a sus conferencias en París y tuvo la oportunidad de conocer su obra. A su regreso, la Escuela Libre de Ingeniería no entregaba más títulos de arquitectura, por lo que, aun habiendo cumplido con los requisitos, no pudo obtener su título oficial como arquitecto. Durante el resto de su vida firmó, alternativamente, como ingeniero, como arquitecto o como arquitecto paisajista.
Su obra arquitectónica y escultórica ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Nuevo León; el Museo Tamayo Arte Contemporáneo; el Palacio de Bellas Artes en México D.F.; y en el Instituto Politécnico Nacional.
Entre 1919 y 1923, Luis Barragán estudió ingeniería civil en la Escuela Libre de Ingeniería de Guadalajara siguiendo los cursos opcionales para obtener simultáneamente el grado de arquitecto bajo la tutela de Agustín Basave. Recibió su título en 1923. Viajó a Francia y España de 1925 a 1926, al llegar a París asiste a la Exposición de Artes Decorativas de 1925. Una de las imágenes que más le impresionó en esa época fue la foto de un jardín diseñado por Ferdinand Bac, que en ese año había publicado un libro titulado Jardins enchantés, y se inició entonces una relación personal entre ambos.
Fue nombrada Patrimonio Mundial por la UNESCO en 2004. Construida en 1948, y habitada por el mismo arquitecto hasta 1988, la casa-estudio de Barragán constituye en claro ejemplo de síntesis entre la arquitectura moderna y elementos tradicionales. Es acaso la obra más conocida del arquitecto nacido en Guadalajara. El uso de los colores, los espacios abiertos y la luz como un elemento integral de la obra, recursos típicos de la arquitectura barraganesca, alcanzan aquí una de sus cumbres. «Mi casa es un refugio, una pieza emocional de arquitectura, no una pieza fría de conveniencia», declaró alguna vez Barragán.
Entre 1927 y 1936 ejerció su práctica profesional en Guadalajara remodelando y proyectando casas, con un estilo derivado de las influencias de la arquitectura mediterránea como de las locales. Su primera obra en forma fue la remodelación de la casa de Emiliano Robles León, notable abogado tapatío, y cuya casa se situaba en la esquina de las calles Pavo y Madero, en pleno centro de la ciudad de Guadalajara. En dicha remodelación, destacó el trabajo de la madera en barandales y puertas, diseñadas por el mismo Barragán, así como el patio central, dotado de una fuente. Encantado por el resultado de la obra del joven arquitecto, el Lic. Robles León le encargó posteriormente el proyecto para diversas casas para renta, así como el de su casa de descanso en Chapala. En parte gracias a la buena fama que adquirió con estas obras, Barragán ganó fama en la ciudad y los encargos se multiplicaron.
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PINTURA
Berthy Hernández Berthy Hernández nació en Valle del Río, Municipio de Coyuca de Benítez, Gro. Siempre tuvo inquietudes hacia el dibujo desde niña. En la adolescencia siempre soñó con ser pintora y en la edad adulta pudo cumplir con este sueño. En 1999 inició tomando talleres de dibujo, y pintura en la ciudad de Lázaro Cárdenas, Michoacán. Realizando algunas muestras. En 2008 se integró a la Promotoria CEBRA en Acapulco y asistió regularmente a los talleres de dibujo, pintura, escultura, grabado, técnica de materiales, composición, creatividad y Alebrijes, entre otros. Ha participado en setenta exposiciones colectivas y seis individuales en Michoacán, Acapulco, Iguala, Taxco y Chilpancingo. Asistió a un Diplomado en Historia del Arte impartido por Conaculta. Así también como teatro y periodismo. Autora de 25 de las 54 cartas de la Lotería Guerrerense.
Ha participado como jurado en diversos certámenes artísticos. Participante y creadora del “Mural de mosaicos en el Barrio de Petaquillas” en ciudad de Acapulco. Autora del diseño y decorado en pintura del Hongo en la Gran Plaza de Acapulco. Tallerista en la misma Promotoria desde 2009. A sido maestra de dibujo, pintura y diseño en el IMDA, UAA, Colegio Nautilus, Centro Cultural Faro Zapata, Colegio Ibero Americano, Instituto México y a personas particulares. Invitada a participar en la Iconografía de Elena Garro en el marco de la Feria de la Bandera en Iguala, Guerrero. Creadora y participante de el “Chaneque” en el Décimo Desfile y Concurso de Alebrijes Monumentales convocados por el MAP y exhibidos en la CDMX. Autora de algunas pinturas para el libro “Pasiones en la Red” de la escritora Heidi Kranz. Asistió a un Diplomado de Artes Visuales “El Ego, la Evolución y la Decadencia” INBA en el Centro Cultural Faro Zapata. Miembro del H. Jurado calificador del “XLlV Concurso Municipal de Esculturas en Arena” del puerto de Acapulco.
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FOTOGRAFÍA
Eniac Martínez El artista Eniac Martínez Ulloa (Ciudad de México, 1959-2018), quien en su obra fotográfica inmortalizó los distintos rostros de México. Para el artista la vida fue un via-je y una manera de vivir, en sus ensayos fotográficos describió innumerables comunidades de la República y de otros países. Documentó en un libro la situación de los ríos Bravo, Suchiate y Lerma, en el que trabajó con los ejes: la vida del río, la vida del hombre en el río, la muerte del río y la muerte que causa el río.
México y luego asistió a los talleres de Pedro Meyer; ahí cambió la pintura por la fotografía y de manera paulatina se fue adentrando en ese arte desde el que descubrió mundos diferentes. Su primer proyecto fue Camino largo a Tijuana, filme de Luis Estrada, al que se sumaron otras películas como Vivir mata, Before night falls, Babel y Arráncame la vida, aunque lo suyo siempre fue la fotografía de calle y el desarrollo de iniciativas personales.
Fotoperiodista en La Jornada Eniac Martínez, quien se inició como fotoperiodista en La Jornada, muestra en Ríos cómo un afluente genera vida y también cómo se han descuidado en el país y algunos terminan como basurero. Martínez consideraba nociva la relación del hombre con el río, debido a que muchas fábricas cercanas a un cauce tiran desechos.
Alguna vez recordó que en Babel fue donde comenzó a ‘‘vivir la calle” cargando una cámara todos los días y asi desarrolló el ojo fotográfico para descubrir las formas en que funcionan los planos. Colaboró en proyectos con Diego Luna, Alejandro González Iñárritu, Emmanuel Lubezki y Alfonso Cuarón. Creador de discursos sobre diversos temas y lugares Eniac Martínez plasmó sus sentimientos en imágenes, contaba sus propias historias y creaba discursos sobre diversos temas y lugares.
Se entregó a la fotografía. En una entrevista dijo que su primer libro Mixtecos requirió cuatro años de investigación y revela el fenómeno migratorio en la Mixteca Alta y Baja de Oaxaca. ‘‘Fue un proyecto que realmente me enamoró de la fotografía documental; estar en la calle aprendiendo de los temas con los que se trabaja. Así, lo que más me gusta de los fotógrafos es cuando el tema está arriba del fotógrafo, no cuando éste está arriba del tema.” El encuadre panorámico fue un sello de su trabajo, pues estaba convencido de que la imagen debía ser evocativa y dar cabida al mayor número de lecturas.
Una de sus últimas exposiciones fue Caminos recorridos. Cuatro proyectos, montada en el Museo Archivo de la Fotografía, donde juntó por primera vez 107 imágenes capturadas a lo largo de 30 años de trabajo en las que figuraban rutas antiguas, litorales, ríos y basureros donde el protagonista era el hombre como viajero y la vida como camino.
El autor de los ensayos fotográficos Mixtecos, Litorales, Camino Real Tierra Adentro y Ríos fue distinguido en 2017 con la Medalla al Mérito Fotográfico que otorga el Instituto Nacional de Antropología e Historia. Eniac Martínez estudió en el Instituto Superior de Arte de La Habana, Cuba, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de
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PINTURA
Sergio Garval
CARÁCTER FUERTE EN PINTURA APASIONADA. SERGIO GARVAL NACIÓ EN GUADALAJARA EN 1968, Y ES EN ESTA CIUDAD DONDE RESIDE Y TRABAJA.
Egresado de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara. En 1994 obtuvo una beca del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco. En 1999 cursó una residencia de estudio en la School of Visual Arts de Nueva York. En 2003 obtuvo una beca de Jóvenes Creadores del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, y miembro del Sistema Nacional de Creadores del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de 2007 al 2010. Su primera exposición individual fue “Pasajeros” en la Galería Jorge Martínez de la Universidad de Guadalajara en 1994, y desde allí ha participado en más de 40 exposiciones individuales y más de 150 colectivas en galerías y museos de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia, entre los que destacan: el Museo Raúl Anguiano en Guadalajara, Museo de Arte Contemporáneo de Morelia, el Museo Francisco Goitia y Pedro Coronel de Zacatecas, la Casa Museo Diego Rivera de Guanajuato, en la galería de la Secretaria de Hacienda.
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DANZA
Serafín Aponte Serafín Aponte originario de Chilpancingo, Guerrero, 1963, inició su carrera en la Ciudad de México en 1982. Se unió a grupo de danza Barro Rojo, fundado por Arturo Garrido con una expresión singular y diferente a lo convencional. Aquella experiencia hizo de Aponte uno de los creadores escénicos mexicanos más reconocidos, marcando una manera poderosa de estar en el escenario. Para él, su cuerpo era algo más que la exposición de la técnica es como una herramienta para decir algo relevante, entendiendo el poder del cuerpo, como lenguaje del ser humano. Coreógrafo que siempre ha trabajado sus expresión personales, pero sin egocentrismo, sino que siempre busca la comprensión del espectador. En 2007 participa en el Festival Internacional La Nao. En 2013 empezó a dar clases de danza y a formar nuevos alumnos en su estado Guerrero, hasta que el huracán “Manuel”, arrasó con las instalaciones donde daba clases.
Es entoces que utilizó plazas, calles y parques, para la danza, enfrentando crisis y adversidades en su estado. En Acapulco estableció su proyecto artístico. Desde entonces, ofrece clases en la Casa de la Cultura, en la Costera Miguel Alemán. Sus esfuerzos han dado frutos entre los jóvenes interesados arte escénico y de la danza, las capacidades expresivas de los cuerpos se manifiestan, a través del arte. Serafían Aponte fue reconocido por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) por su esfuerzo, también ha recibido homenajes en Guerrero. Consolidando un centro de formación de nuevos creadores de la danza; dejando un legado y sembrando entre los jóvenes el arte de la experiencia humana.
ellas. Piezas artísticas que expresan sentimientos sobre lo humano, a partir del drama y la tragedia. Su experiencia se enfoca a la formación de nuevos coreógrafos que ahora ofrecen sus propias propuestas jóvenes con formación en danza. Serafín Aponte ha enriquecido sin duda el arte de la escena mexicana. Su labor dentro del arte dancístico mexicano es de gran trascendencia y que es un claro ejemplo que: “la danza es necesaria”.
Es creador de un repertorio con más de 60 coreografías como Buscando tierra, En el lugar de los muertos, Retrato de Inocencio X y El universo visto por el ojo de una cerradura, son los títulos de algunas de
En este espacio se apoya el trabajo que hacen los creadores locales que puedan generar proyectos y donde participen diferentes actores del arte de nivel nacional e internacional. Calle Quebrada No. 25 Centro CP 39300, Acapulco de Juárez, Guerrero. Tel.: 744 688 43 00 laquebrada.ea@gmail.com
Espacio para la difusión del arte y la cultura. Del artista y su obra. Fomento y promoción de actividades culturales en el estado de Guerrero.
Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com
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El Museo de Orsay se ubica en una antigua estación de tren que fue inaugurada en el año 1900 con motivo de la Exposición Mundial de París. La estación contaba con un elevado tráfico de trenes hasta 1939. Desde finales de la Segunda Guerra Mundial la estación fue quedando en abandono y en 1960 se planeó derruirla. Fue en el año 1977 cuando la estación se libró de su fatal destino gracias a que se planteó la transformación del edificio en un museo, que se vería inaugurado en 1986. En la actualidad el edificio aún conserva el antiguo encanto de la estación de trenes que albergó en el pasado. El Museo de Orsay contiene pinturas impresionistas y post-impresionistas, además de una gran colección de escultura, artes decorativas y elementos arquitectónicos.
En las salas laterales de la planta baja del extenso edificio se muestran obras pertenecientes al periodo de 1848 a 1870, mientras que en la zona central se pueden ver llamativas esculturas. En la planta superior se muestran las obras pertenecientes a la época floreciente entre 1874 y 1886, donde se pueden encontrar las obras de grandes maestros como Renoir, Cézanne, Gauguin o Monet. En esta planta se pueden ver algunos elementos decorativos además de una preciosa sala de fiestas decorada con todo lujo de detalles.
Al contrario que otros museos demasiado extensos y complicados de recorrer (como el Museo del Louvre), el Museo de Orsay resulta cómodo de visitar y sus exposiciones son muy completas. Todo esto unido al ambiente especial que le otorga el antiguo edificio de la estación de trenes, hace que para nosotros sea uno de los mejores museos en París.