ArtDiseño Feb 2022

ARTDiseño ART

Revista Mensual de Arte y Cultura

No.2 Año 1,Febrero de 2022

paradojaeditorial@gmail.com

PINTURA

Francisco Toledo

ESCULTURA

Henry Moore

FOTOGRAFÍA

Graciela Iturbide

PINTURA JUAN O’GORMAN Sus primeros contactos con el aprendizaje de la pintura fueron a través de su padre. Es un interesante camino que el artista emprendió a lo largo de su vida como arquitecto, muralista y pintor con cualidades singulares que ahora son un ejemplo característico del arte en México como la fachada de la biblioteca de la UNAM y tantos murales que son parte de la historia gráfica de la nación mexicana, no podemos dejar aislado su acervo cultural que significa un momento en el tiempo que perdura asta nuestros días.

REPORTAJE

La Casa Azul es el Universo Íntimo de Frida Kahlo. En esta bella residencia, vivió la artista la mayor parte de su vida; inicialmente junto a su familia y años después, con Diego Rivera. Asimismo, interesantes visitantes mexicanos y extranjeros se hospedaron en este lugar, atraídos por la cautivadora pareja de artistas.

Frida quiso dejar su casa como Museo, para el aprendizaje y disfrute de su amado México. Por eso, posterior a su fallecimiento, Diego organiza aquí, el Museo Frida Kahlo.

La museografía, quedó a cargo del museógrafo, profesor y gran poeta tabasqueño Carlos Pellicer, amigo muy cercano a la pareja. La administración del Museo se confió al Fideicomiso de los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo, adscrito al Banco de México y constituido por el mismo Rivera en 1957.

Desde la inauguración del Museo en julio de 1958, en la Casa Azul se expone el ambiente en el que Frida se inspiró para su creación, así como sus objetos personales. Junto a pinturas de ambos artistas, se muestran notables obras de

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arte popular, esculturas precolombinas, fotografías, documentos, libros y mobiliario. El hermoso jardín es parte esencial de la Casa Azul; al cruzarlo, se accede a la exposición de Los Vestidos de Frida.

HORARIOS Martes 10:00 a 18:00 Miércoles 11:00 a 18:00 Jueves a domingo 10:00 a 18:00

EDITORIAL

EDITORIAL

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Revista Mensual de Arte y Cultura

paradojaeditorial@gmail.com

Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL

COLABORADORES Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valla Peralta Frank Cortez

E

l mes de febrero comienza con diversos objetivos a cumplir y con muchos logros dentro del ambiente del arte, en este número de la revista ArtDiseño hacemos siempre homenaje a quienes han partido recientemente así como a los que han dejado huella significativa y enriquecedora en el haber cultural del mundo con ejemplos que hacen de nuestro entendimiento más satisfactorio con ideas, como también en conocimientos de singulares innovaciones que complacen nuestros sentimientos y apreciaciones en el planeta en que vivimos con apasionantes aspiraciones por el gusto de la vida en si.

Por ello nuestro objetivo es siempre divulgar diversas creaciones y conceptos que los creadores artísticos han hecho con miras a dejar siempre una marca indeleble de la creatividad humana, que de esta manera hace más placentera la existencia ante diversas complicaciones a las que siempre nos enfrentamos tratando de ser mejores como seres humanos, tal ves sea ésta, una de las pocas maneras de expresar abiertamente nuestro sentir ante ellas.

Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL

ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia.

Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com

Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com

En este espacio se apoya el trabajo que hacen los creadores locales que puedan generar proyectos y donde participen diferentes actores del arte de nivel nacional e internacional.

Calle Quebrada No. 25 Centro CP 39300, Acapulco de Juárez, Guerrero.

Tel.: 744 688 43 00

El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos

laquebrada.ea@gmail.com

Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos

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PERSONALIDADES

Murales efímeros en Demina Artlab a cargo de Annia Barraza, Manuel Maciel Campos y Luis Vargas Santa Cruz en el centro de Acapulco.

Escultura Monumental Alas de la Nación de Artista Raúl Fombona en la ciuadad de Iguala Febrero 2021.

Ver Morir Fotografía: Carlos Alberto Carbajal Arcos

Bella escultura geométrica “Abrazo” Arquitectos Carlos B. Zetina Rancho San Juan, Atizapán, Edo. de Méx.

Magnífica Escultura Monumental del General Vicente Guerrero, de 5 metros de altura, bronce a la cera perdida, del escultor Victor Maldonado, ubicada en la entrada de la ciudad de Iguala.

Excelentes grabados con temáticas mexicanas del artista Oswaldo Santos Pita originario del Estado de Guerrero, el cual se ha convertido en uno de los mejores grabadores en la República Mexicana reconocido como un maestro refinado y exigente para lograr su estilo.

PINTURA JUAN O’GORMAN

E

se paisaje rural que el niño O´Gorman vivió durante esos años de

infancia permaneció en los recuerdos del pintor, que atribuía a

aquellos colores y formas una influencia de primer orden en su obra

que lo llevó a reflexionar, muchos años después, acerca de la importancia del medio físico y geográfico en su pintura y a decir que por la influencia del

paisaje y la geografía de Guanajuato, él se sentía más pintor de paisajes que

de cualquier otra cosa , escribió Roberto Vallarino en el texto O´Gorman Desde el azogue del autorretrato múltiple, editado para su publicación en Juan O´Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios, Fomento Cultural Banamex, 2005.

Luego de una actividad muy intensa se retira de la arquitectura de manera paulatina a partir de 1935, a los 30 años de edad. En 1937 trabaja de manera intensa como muralista, desde la perspectiva del pintor, actividad a la que O´Gorman consagró la mayor parte de su vida y por la que será reconocido.

Su inquietud por incursionar en el campo pictórico surgió paralelo a su experiencia arquitectónica, pues entre 1924 y 1925 decoró los muros de tres pulquerías: Los Fifis, Entre Violetas y Mi oficina, retomando la tradición del arte popular mexicano.

Conjuntamente a su labor como muralista, concibe su obra de caballete, representando el paisaje de México, el retrato y aquellas obras denominadas fantásticos-realistas en donde utiliza el signo objetivo para representar una poética que emana de fuentes oníricas y fantásticas.

En la elaboración de sus composiciones utilizó preferentemente dos técnicas: el temple o pintura a emulsión, para obtener colores luminosos y duraderos (que aprendió de Antonio Ruiz, El Corsito); y el fresco, para sus murales.

Su producción pictórica refleja inquietudes sociales y nacionalistas. Fue el inventor de formas nuevas a través de creaciones arquitectónicas y, al mismo tiempo, el continuador del puntillismo.

En sus obras de caballete, los especialistas destacan Recuerdo de los Remedios (1943), La ciudad de México (1949) y Autorretrato (1950), de la que se han realizado trabajos particulares. En dicha obra aparece en diferentes actitudes al mismo tiempo, explica Raúl Flores Guerrero en su texto sobre Juan O’Gorman en el libro Pintores mexicanos, en la que se da perfecta cuenta de su personalidad y de las características de su estilo.

Allí están, en la estructura y en la ejecución de la pintura, no sólo figurativa, sino implícitamente, la ordenada composición del arquitecto, la línea concisa y firme del dibujante, la maestría del pintor, la afición biológica del naturalista y la original fantasía de un artista verdaderamente notable en el panorama de la pintura mexicana del siglo XX.

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PINTURA

Francisco Toledo

Francisco Benjamín López Toledo (Juchitán, Oaxaca, 17 de julio de 1940-5 de septiembre de 2019) es un artista plástico mexicano que también tiene una destacada labor como activista de izquierda, luchador social, ambientalista, promotor cultural y filántropo, ha apoyado numerosas causas enfocadas a la promoción y conservación del patrimonio artístico mexicano, orientada al libre acceso a la formación artística y el cuidado del medio ambiente.

Francisco Toledo es considerado uno de los mayores artistas de México, cuenta con amplio reconocimiento internacional. Es un experto impresor, dibujante, pintor, escultor y ceramista.

Su arte refleja un gran aprecio por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza como monos, murciélagos, iguanas, sapos e insectos.

En su escultura tiene dos formas de expresión, una donde representa cosas del mundo natural, específicamente bestiarios de distintos animales y otro donde se despega totalmente de la realidad. “Fragua, de ese modo, un universo que ata cabos con lo real y, simultáneamente, despliega la

metáfora”. Esta última se deja ver en su obra gracias a que representa figuras humanas y de otros animales en una forma de apareamiento ya sea explícito o simbólico. La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno con la naturaleza.

En sus cuadros se representa mucho la androginia Toledo usa la modernidad y la vanguardia de otras civilizaciones, especialmente la europea, para sus obras y muestra un sentido de lo fantástico muy desarrollado al crear criaturas antropomórficas que son a la vez monstruosas y juguetonas, personajes que incluye en sus papalotes, libros de artista, máscaras, piezas de joyería y complejos grabados.

Debido a sus obras, se dice que Toledo pertenece a la Generación de la Ruptura aunque no haya pertenecido históricamente a la misma.

A los 14 años inició sus estudios artísticos en el taller de grabado de Arturo García Bustos. Posteriormente ingresó al Taller Libre de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanías, del Instituto Nacional de Bellas Artes

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(INBA), en la Ciudad de México. En 1959 exhibió sus obras en la Galería Antonio Souza y en el Fort Worth Center, en Texas. En 1960 viajó a París, donde profundizó en técnicas de grabado, conoció museos, galerías, artistas y escritores que cambiaron su visión del arte, regresó a México en 1965 con una nueva perspectiva ideológica y estética que incorporará en sus obras.

Su obra se caracteriza por el toque irreverente, provocativo y transgresor que le imprime. Desarrolló su carrera como artista independiente, no se involucró con las temáticas nacionalistas que representaban la Escuela Mexicana. Aunque se le ha asociado a la Generación de la Ruptura surgida en los años 50, él sostiene que mantiene su carácter de artista autónomo.

El artista zapoteco se ha dedicó a promover y difundir la cultura y las artes de su estado natal, Oaxaca, donde residía. Con apoyo de otras instituciones fundó en octubre de 1997 el Taller Arte Papel Oaxaca, instalado en la antigua planta hidroeléctrica "La Soledad", en San Agustín Etla. Dentro de este contexto, fundó Ediciones Toledo.

PINTURA

Alberto Gironella Ciudad de México, 1929-1999. De padre catalán y madre yucateca, estudia Letras Españolas en la Universidad de México, en el año de 1948 funda “Clavileño”, revista de literatura y arte, con Luis Rius y Arturo Soto; y en 1951, funda la revista literaria “Segrel”. A los veinte años publica poemas, y comienza su novela “Tiburcio Esquila”, que no llega a publicar, aunque enseguida se inclina por la plástica, donde alcanza gran éxito. En 1952 funda su Galería Prisset, con los pintores Héctor Xavier y Vlady y expone su primer cuadro “La condesa Uta”. En 1953 se establece un tiempo en Guanajuato, dedicandose por completo a la pintura. En el año de 1959 durante un viaje a Nueva York se inspira en el retrato de Diego Velázquez, para pintar su primera reina Mariana. En 1960 toma parte activa en el movimiento internacional Phases, afín a los principios del Surrealismo y la pintura de lo imaginario y recibe el premio de la Bienal de Pintura Joven en París. En 1961 viaja a Europa, toma contacto con los movimientos artísticos parisinos. Regresa a México en 1962, un año después realiza la escenografía para “La Ópra del Orden” de Alejandro Jodorovsky. En 1968 le conceden la beca Guggenheim y produce una serie de litografías para el libro de Carlos Fuentes “Terra Nostra”. En el discurso plástico de Gironela hay temas fundamentales: la muerte, el fenómeno de la putrefacción de la materia, y el transcurrir del tiempo. Una de sus características es la libertad con que construye sus cuadros, en los que se encuentra la plástica y las letras. Resultado de la relación constante y cercana que el artista tuvo con la literatura, sus configuraciones -tanto pintura como ensamblados- remiten, a escritores y a poetas universales. Gironela manipula los objetos y los descontextualiza para construir otras realidades artísticas.

...Alberto Gironela es un “poeta de imágenes y no de palabras” y él mismo confesó que, “lo mío es un loco intento de pintar el tiempo”.

Octavio Paz. Título: Zapata con balazos 1988 Serigrafía y collage 107 x 82 cm

Título: “Retrato de Octavio Paz” 1985

Título: “Reina de Yugos” 1976

Título: “Mariana de Austria” 1967

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Título: Viva Zapata ¡CABRONES! 1989 Serigrafía y collage 107 x 82 cm

ESCULTURA

Henry Moore Henry Spencer Moore (Castleford, Inglaterra, 30 de julio de 1898-Much Hadham, Inglaterra, 31 de agosto de 1986) Henry Spencer Moore fue un escultor abstracto inglés que produjo unas características esculturas en bronce y mármol que se pueden ver hoy a lo largo y ancho del mundo. Es pues una de las figuras más importantes de la escultura moderna y una de las más populares dentro del arte público.

Moore primero siguió estilo romántico típico de la época victoriana, pero posteriormente fue desarrollando un estilo propio, que se asemejan a abstracciones de la figura humana formadas por espacios vacíos y formas onduladas. Algunos afirman que están inspiradas en los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Henry Moore realizaba varios bocetos y dibujos antes de crear cada escultura.

Fueron importantísimos para su proceso de creación y suponen obras de arte en sí mismos. Incluso cuando empezó a padecer artritis, continuó dibujando.

LECTURA

Los colores del poeta

La palabra del poeta establece por vez primera la realidad.

Podríamos decir que la realidad es como un tapiz en proceso de fabricación cuyo diseño sólo se hace inteligible a medida que el tejedor añade toques de color.

Estos toques de color son las palabras del poeta o las imágenes del artista, y quizá sólo decir que el poeta hace poco a poco del mundo externo una realidad visual por su habilidad de “despertar al

Tras la Segunda Guerra Mundial las esculturas de Moore se volvieron cada vez más grandes, que podemos calificar de arquitectura escultórica.

Henry Moore con Rufino Tamayo en su visita a México Xochicalco 1927.

Sus principales influencias fueron las estatuas toltecas y mayas (que había visto en el Louvre y lo introdujeron en la abstracción), varios artistas renacentistas y góticos, pintores primitivos como Giotto y por supuesto Miguel Ángel, su gran ídolo.

Moore le daba a sus esculturas títulos bastante sencillos, sin sombra de pedantería o prepotencia (Wall Relief no. 1, Reclining Figure, Family Group, The Archer).

sensual de su sueño de muerte, y transportar al pedestre y al vano a nobles alturas”. Pero ¿por qué, entonces traer a colación el intelecto? Las Sanciones vivas pueden comunicarse sin auxilio del intelecto; y ¿por qué hablar de los “poderes progresivos...de la especie entera?; ¿Por qué finalmente, usar la palabra “creación”, si “revelación” 0 “descubrimiento” habrían sido más apropiadas?

Hay dos posibilidades, y creo que las dos estuvieron presentes en el espíritu de los poetas románticos: la idea de que el poeta revela una realidad ya existente en un plano trascendental, y la de que crea en cierto modo una realidad completamente nueva.

El poeta habla de su propio espíritu de con formativo de su imaginación, y no tenemos más que ir a la fuete del poeta para encontrar que la noción de su formación es muy general: podría implicar la formación de una lengua, la simbolización de un sentimiento y, más particularmente la materialización de

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las intuiciones trascendentales. Pero lo que se implica en verdad es un proceso de gestación real y no metafórico; el poeta nunca se cansa de insistir en la “diferencia esencial” entre “la habilidad conformada del talento mecánico y el poder conformado de su imaginación, que es “el poder vital productivo, creador del genio inspirado. ¿En que sentido es creador el hombre?

“Crea” una imagen poética, o una frase musical que es también una imagen en el sentido que nosotros damos al término, o una composición de formas y colores, que lo es también. Pero estas imágenes son tomadas del mundo visible, que no fue creado por el hombre; la frase musical está construida por notas que son también sonidos naturales, o sonidos producidos por objetos existentes; y la composición pictórica, aun siendo, como decimos ahora, abstracta o no figurativa, es siempre una composición de colores naturales, de formas tomadas de la naturaleza. Aun las formas geométricas tienen sus prototipos en las plantas, cristales y otros fenómenos naturales.

Fotografía

Graciela Iturbide Graciela Iturbide nació en 1942 en la Ciudad de México. En 1969 ingresa al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Autónoma de México para convertirse en directora de cine. Sin embargo, pronto fue atraída por el arte de la fotografía practicada por Manuel Álvarez Bravo, quien estaba enseñando en la misma universidad. De 1970-71 trabajó como su asistente, acompañándolo en viajes a través de México.

A principios de los años 70, Iturbide viajó a través de Latinoamérica, en particular a Cuba y Panamá.

En 1978 Iturbide fue comisionada por el Archivo Etnográfico del Instituto Nacional Indigenista de México para documentar la población indígena del país. Iturbide decidió fotografiar el pueblo Seri, un grupo de pescadores nómadas en el desierto de Sonora al noroeste de México y cercano a la frontera con Arizona.

En 1979 fue invitada por el artista Francisco Toledo a fotografiar el pueblo de Juchitán, el cual forma parte de la cultura zapoteca en Oaxaca, en el sureste mexicano. La serie iniciada en 1979 y continuada hasta 1988 tuvo como resultado la publicación del libro Juchitán de las Mujeres en 1989.

Entre 1980 y 2000, Iturbide fue invitada

a trabajar en Cuba, Alemania Oriental, India, Madagascar, Hungría, París y los Estados Unidos, produciendo un importante número de trabajos.

Ha expuesto individualmente en el Centre Pompidou (1982), el San Francisco Museum of Modern Art (1990), el Philadelphia Museum of Art (1997), el Paul Getty Museum (2007), la Fundación MAPFRE, Madrid (2009), el Photography Museum Winterthur (2009) y la Barbican Art Gallery (2012), entre otros. Iturbide ha recibido el premio de la W. Eugene Smith Memorial Foundation, 1987; el Grand Prize Mois de la Photo, Paris, 1988; la Guggenheim Fellowship por el proyecto ‘Fiesta y Muerte’, 1988; el Hugo Erfurth Award, Leverkusen, Alemania, 1989; el

International Grand Prize, Hokkaido, Japón, 1990; el premio Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, 1991; el premio Hasselblad, 2008; el Premio Nacional de Ciencias y Artes, Ciudad de México, 2008; el Doctor honoris causa en Fotografía por el Columbia College Chicago en 2008; y el Doctor honoris causa en Artes por el San Francisco Art Institute en 2009.

Continúa viviendo y trabajando en la Ciudad de México.

Actualmente prepara una exposición de su obra reciente en el Museo Amparo en Puebla, la cual se llevará a cabo en febrero de 2013.

Gabriel Figueroa

Diferentes imágenes de Gabriel Figueroa de la filmaciones de películas donde participó como cinematógrafo.

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Diseño

Shigeo Fukuda

Diseñador gráfico, escultor y creador de ilusiones ópticas tan sorprendentes que harían las delicias de un mago.

Fukuda nació en Tokio en 1932, en una familia dedicada a la fabricación de juguetes, y su infancia se vio marcada por la experiencia de la II Guerra Mundial y la derrota de Japón, una circunstancia que influiría en el carácter pacifista y social de su obra.

Al acabar la guerra, estudió en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde se graduó en 1956.

Fukuda se convierte en un auténtico virtuoso del cartel, ámbito en el que experimenta con las ilusiones ópticas al estilo de M.C. Escher y el volumen, siguiendo la gran tradición japonesa del origami y con un estilo gráfico muy potente, basado en la ilustración en negro sobre fondos de colores fuertes y llamativos.

En 1967 obtiene por primera vez reconocimiento internacional cuando su trabajo es seleccionado como Cartel Oficial de la Exposición de Japón 70. A lo largo de su extensa carrera, Fukuda ha recibido importantes premios internacionales, incluyendo el premio de oro en la Bienal Internacional del Cartel

de Varsovia de 1972, el primer lugar en la Bienal del Cartel de 1985 en Moscú o el Gran Premio de la Bienal del Cartel de 1995 en Helsinki. Además, el creador japonés ha expuesto sus trabajos en Nueva York, Italia, Francia y Japón. Así mismo, sus obras están representadas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en colecciones de Colorado, París y Moscú.

Con respecto a su labor como escultor, aquí Fukuda se deja llevar por sus antepasados jugueteros y crea piezas que aspiran a sorprender al observador, a sacar el niño que todos llevamos dentro; experimentado con las sombras, las luces y los materiales.

Una de sus piezas más conocidas, “Almuerzo con casco” es una auténtica genialidad creada completamente con tenedores, cuchillos y cucharas, que al aplicarle luz proyecta la sombra de una motocicleta.

Además de su labor como diseñador y escultor, también se ha dedicado a la docencia. Fue profesor de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio de 1973 a 2002 (Fukuda falleció en 2009) y en el Departamento de Diseño Gráfico de la Universidad de Yale en 1982 y 1984.

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El estilo de Fukuda está más cerca del compromiso social y ético que de lo puramente publicitario, sin abandonar su espíritu lúdico y con toques de humor. Al respecto, el propio Fukuda afirmaba en Idea Magazine: “Creo que en diseño es necesario un 30% de dignidad, un 20% de belleza y un 50% de absurdo”.

PINTURA

Isabel Trejo

Sin mucho esfuerzo, guiada por la espontaneidad y una fuente inspiración creadora. Isabel Trejo disfruta satisfaciendo una única vocación, el arte de la pintura.

Sus raíces mexicanas hacen que sus lienzos se tornen coloridos y vibrantes expresando en ellos sentimientos y emociones.

Al aprovechar muy bien la potencia y la calidad del color, convierte a sus flores no solo en protagonistas de sus cuadros, sino en el alma misma de su humana vida.

Creadora que se lleva muy bien con las formas, sus criterios compositivos están basados en el uso de claroscuros y de la perspectiva.

Con un estilo elegante y sofisticado, Isabel concibe el uso de texturas diversas a través de colores luminosos y opacos (según la emoción a transmitir) y

pinceladas cortas y gruesas para capturar -al mejor estilo de los maestros impresionistas- la esencia de la representación y no los detalles.

Todo un universo de luces y de sombras se ciernen sobre el observador que contempla las flores y personajes de su fabulación pictórica.

Ninguna flor tiene secretos para Isabel.

Ellas son percepciones del entorno privado de la artista que luego transforma, a través de la alquimia de la pintura, en abstracciones de una existencia intensa y apasionada que devuelve al lienzo convertidas -por obra y gracia de unos trazos libres y dinámicos- en emociones y en palabras no dichas.

ARQUITECTURA

Ricardo Legorreta Vilchis Nacido en la Ciudad de México, 1931-2011.

Recipiente de la Medalla de Oro de la UIA en 1999, Medalla de Oro del AIA en el 2000 y el Praemium Imperiale en el 2011.

De 1948 a 1952 estudió la licenciatura en Arquitectura en la Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México y trabaja en el taller de José Villagrán García hasta 1960, año en que funda su despacho en sociedad con Noé Castro y Carlos Vargas. Su estilo se caracteriza por la aplicación de temas contemporáneos a la arquitectura tradicional de su país.

Llegó a ser uno de los más reconocidos arquitectos mexicanos a nivel internacional.

Su obra es reconocida por amplios sectores de la sociedad debido a la constancia de su trabajo, la congruencia de sus ideas y la permanencia de valores universales en arquitectura.

En la larga lista de edificaciones que componen su carrera incorpora siempre piezas artísticas de talentosos pintores y escultores ya sean mexicanos o internacionales, entre los que se encuentran: Rufino Tamayo, Mathías Goeritz, Alexander Calder, Isamu Noguchi, Rodolfo Morales, Juan Soriano, Pedro Coronel, Pedro Friedeberg, José Luis Covarrubias, Vicente Rojo, Sebastián y Javier Marín entre otros.

La obra de Legorreta se basa en el manejo de las proporciones, en la creación de espacios elementales, en el color intenso y la contundencia de elementos estructurales y arquitectónicos, los cuales son integrados en escasos materiales y una escala monumental.

Su arquitectura es regional y responde a las necesidades de su entorno cultural. A lo largo de su carrera recibió críticas que denotan la referencia de arquitectur de Luis Barragán Morfín.

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El Hotel Camino Real de la Ciudad de México en Polanco, es quizás la obra clásica por excelencia de este arquitecto, y es el primero de una serie de hoteles que proyecta para esta cadena de hoteles. En el proyecto de este hotel cuenta con la colaboración del arquitecto Luis Barragán Morfín. Este lugar es depositario de valiosas obras artísticas del s.XX tales como: en el patio de ingreso Isamu Noguchi cautiva la atención de propios y extraños con su fuente de eterno movimiento, la celosía monumental y símbolo de esta cadena hotelera es obra del escultor y pintor Mathías Goeritz, autor también del gran cuadro dorado a manera de retablo barroco, en el vestíbulo del hotel la gran escultura de acero del estadounidense Alexander Calder, Rufino Tamayo participa con un mural de más de 60 metros cuadrados en tonos grises y violetas, así mismo el pintor oaxaqueño Rodolfo Morales crea dos obras Naïf para este sitio, el artista zacatecano Pedro Coronel perteneciente a los pintores llamados de La Ruptura presenta una obra abstracta de círculos brillantes y el gran viajero José Luis Covarrubias pinta un bodegón para el restaurante.

PINTURA

Ana Barreto

Tuvo su formación académica en la licenciatura en artes visuales, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Con maestría en grabado, cursó también estudios de impresión en offset en Mission Community College en San Francisco, Ca. EUA. Tiene experiencia profesional en cine, pintura mural, gráficos, vitrales, pintura textil.

Elaboró body painting en las películas Dunas, El Patrullero, Paty Chula, La Invención de Cronos, Armed Men, La Reyna de la Noche, La Otra Conquista, Sístole Diastole, Romeo y Julieta, Inferno, Aráncame la Vida, Rudo y Cursi, Expediente atentado.

Story boards: Lykra, Leche Lala, Kellog´s, Buba Loo, Yoplait, Trident, Pétalo, Nestlé, Halls, Lotrimin, Areolineas Azteca, Ecoce, Ventaneando, Yomi.

Story boards/corto y largometrajes: Mejor es que gabriela no se muera, Así del precipicio, Citas, Club de la Eutanasia, Aquí va el himno, En el tiempo de las mariposas, Viaje mas allá del triangulo de las bermudas, Santitos, Huapango de los volcanes, No eres tú Soy yo, El baile de San Juan,iExpediente atentado.

Comerciales de Televisión: Soy Totalmente Palacio (pintura mural), Reality Show TV italiana (murales), Sears, Frutástica, J.C. Penny´s, Francia Copa Mundial Soccer, Mc. Donalds, Destino (tv.

Novela), Embrujada (tv serie), Scotia Bank Inverlat, Bicitaxi Nancy Contreras (calendario de Coca-Cola), Telefónica Movistar (mural pistola de aire), C-light (pintura mural)

Publicaciones e Ilustraciones para calendarios y libros infantiles, Historietas, Tira cómica, Carton político, La Jornada, El Sur, Extra, El Sol de Toluca, Tiempo Latino.

Decoración en Bares, Restaurantes, Residencias (Puerto Aventuras, Q. Roo. Playa del Carmen Q. Roo, Ciudad de México, Monterrey N.L. y Acapulco, Gro., pintura y restauración del H. Ayuntamiento de Acapulco, Gro.; La Deuda Externa, Historieta para el Centro Internacional de Mujeres, N.Y. City, Calendario Hamaca Sutra.

Exhibiciones: Teatro Domingo Soler.

Centro Internacional Acapulco, Primer Salón de la Gráfica en Guadalajara, Jal., Teatro Hidalgo, IMMS, D.F., Escuela de Bellas Artes del Estado de México, Galería de Artes del Libro Feminista, Montreal, Quebec, Canadá.

The Funny Show, San Francisco Arts Comission Gallery, Artist’s Storys, American Conservatory Theatre and the CAPP. Street Gallery Project, San Francisco Ca., EUA., Film Location Expo Santa Monica, Ca., Homenaje a Simone de Beauvoir, Museo Universitario del Chopo.

PasiÓn por Frida, Museo Estudio Diego Rivera.

Expo Cardiaca, la Gran Plaza Acapulco.

Expo Cardiaca, Hotel Omni de Puerto Aventuras, Q. Roo. Expo Cardiaca Xcaret, Q. Roo. Una Mirada al Story Board, la Gran Plaza Acapulco, Gro. Sanando el Vacío, Universidad Americana, Acapulco, Gro. Marcapaso, la Casona de Juárez, Acapulco, Gro.

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PINTURA

Miguel Ángel Sotelo La exposición "Juegos de Guerra, una mirada desde lo contemporáneo ante el olvido" del artista plástico guerrerense Miguel Ángel Sotelo con 28 piezas de 1.20 x 1.20 mts con sus respectivos códigos QR de las mismas dimensiones.

Temas sobre la guerra, presentes desde siempre en la historia del hombre y que se repiten a traves de los siglos. Muestra una instalación interactiva, como un juego de dominó, y que se jugará mientras dure la exhibición, haciendo que la composición de las piezas cambie diariamente.

En la exposición el público tendrá acceso a los códigos QR a través de sus celulares, y podrán enlazar, de acuerdo a

Escultura monumental en papel mache y materiales reciclables de La Catrina en la Playa de Zipolite Oaxaca a cargo de Adolfo Galindo, Malaka Productions 2021.

cada código escaneado, un video, una imagen o un documento histórico, en algún sitio en Internet, referentes a la barbarie de la guerra, a la bomba atómica por ejemplo, a la violencia que el ser humano se ha enfrentado desde hace mucho tiempo.

La exhibición tuvo una permanencia de seis semanas en el Museo de las Siete Regiones de Acapulco, desde el 6 de marzo del 2021.

El Instituto de Arte de Chicago se fundó en 1879, museo y escuela de arte situado en la avenida Míchigan junto al Grant Park, enfrente del lago Míchigan en Chicago. Es uno de los museos de arte más importantes del mundo y seguramente se encuentre entre los tres principales de Estados Unidos, junto con el Metropolitan Museum de Nueva York y el Museo de Bellas Artes de Boston y cuenta con una de las colecciones permanentes más importantes de cuadros del Impresionismo y Posimpresionismo del mundo.

Las colecciones más significativas son las de pintura italiana, flamenca, holandesa y española. Algunos pintores famosos representados son El Greco, José de Ribera, Rembrandt y Frans Hals en muchos otros.

La colección impresionista y posimpresionista es riquísima. Incluye más de 30 pinturas de Claude Monet, incluyendo una de su serie La estación de Saint-Lazare, seis de la de Almiares y algunas de Lirios de agua. Obras importantes de Renoir, tales como Almuerzo en el restaurante Fournaise y Dos hermanas (en la terraza), así como las de Paul Cézanne Los bañistas, Cesta de manzanas, y Señora Cézanne en una silla amarilla, están en la colección. En el Moulin rouge y El circo Fernando, de Henri de Toulouse-Lautrec son otras obras estelares, al igual que las obras de Seurat Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte y de Gustave Caillebotte, Calle de París en día lluvioso.

Las pinturas no francesas que culminan la colección impresionista y del posimpresionismo incluyen una versión de El dormitorio en Arlés y Autorretrato de 1887 de Vincent van Gogh.

La colección del siglo XX incluye el Viejo guitarrista, de la época azul de Picasso, un retrato del pintor malagueño pintado por Juan Gris, y dos inconfundibles obras de Salvador Dalí: el diseño original en gouache del Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista, imagen de la cual derivó un famoso sofá en forma de labios; y el primer ejemplar de la icónica Venus de Milo con cajones (1936), hecho en escayola. El museo también cuenta con ejemplos de Kandinsky, Malevich, Modigliani, Henri Matisse, Giorgio de Chirico y muchos otros.