ARTDiseño ART
Revista Mensual de Arte y Cultura
No.3 Año 1, Marzo de 2022
paradojaeditorial@gmail.com
GRÁFICA
István Orosz
PINTURA
Raúl Anguiano
FOTOGRAFÍA
Mariana Yampolsky
PINTURA RAFAEL CAUDURO Rafael Cauduro, pintor desde siempre que ha ido recogiendo experiencia y destrezas para proponer nuevas formas de aprovechar las paredes, nuevos materiales para explicar el paso del tiempo, todo con una capacidad de dibujante tan alta que engaña a la vista con sus juegos de realismo en perspectiva.
REPORTAJE
Museo Nacional de Arte Ciudad de México
El Museo Nacional de Arte (MUNAL) de México se encuentra en el Centro Histórico de la Ciudad de México, en un edificio marcado con el número 8 de la calle Tacuba, en la plaza Manuel Tolsá. Alberga una colección representativa de arte mexicano, desde la era virreinal hasta la década de 1950. El edificio es el Palacio de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas. Su arquitectura es ecléctica, muy común a principios del siglo XX, pero es predominantemente neoclásico y renacentista. Se destinó al Museo Nacional de Arte en 1982, y se restauró en 1997.
Es fácilmente identificable por la gran estatua ecuestre de Carlos IV de España, quien fue un monarca español justo antes de que México ganara su independencia. La estatua, comúnmente conocida como El Caballito, originalmente estaba en la plaza del Zócalo, pero se movió a diferentes lugares. Según la placa en su base, México la conserva no como señal de alabanza a un rey español, sino por su calidad como obra de arte.1 Llegó a esta plaza en 1979. Las salas permanentes del Museo Nacional de Arte otorgan al visitante un vistazo a cinco siglos de historia del arte en México, con trabajos de artistas como Andrés de la Concha, José Juárez, Sebastián López de Arteaga, Cristóbal de Villalpando, Miguel Cabrera, Manuel Tolsá, Santiago Rebull, Felipe S. Gutiérrez, Juan Cordero, José María Velasco, Saturnino Herrán, Ángel Zárraga, Alfredo Ramos Martínez, Gerardo Murillo (Dr. Atl), María Izquierdo, Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros.
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HORARIOS Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Último acceso a las 16:30 horas. Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic
EDITORIAL
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Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valla Peralta Frank Cortez
E
s siempre un gusto compartir un nuevo número de la revista ArtDiseño y sobre todo difundir la gran diversidad de expresiones artísticas que existen en los repertorios de los creadores, con diversos conceptos para representar realidades, algunas de ellas ajenas a nuestra cultura así como diferentes en la concepción de nuestro entendimiento, pero siempre nos dan frecuentemente una descripción de sus sentimientos y capacidades creativas para ejemplificar sensaciones de imágenes vívidas de su entorno y de su época en las que les tocó vivir, que siempre han enriquecido el acervo del conocimiento de la humanidad. De esta manera ahora nos muestran el camino para conocer más el espíritu humano que constantemente trabaja para ser escuchado y razonado de lo que tiene que expresar, así como la comprensión de la belleza y la ejemplificación de sus sentimientos, apreciaciones y conceptos que nos llenan a emociones particulares apreciados de diferente manera por cada observador. Es enriquecedor el conocer más de sus trayectoria desde sus inicios a sus conclusiones de vida, para entender más el porqué de sus conclusiones en sus lenguajes visuales así como las representaciones y funcionalidades de su arte.
Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL
ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia. Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com
Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com
En este espacio se apoya el trabajo que hacen los creadores locales que puedan generar proyectos y donde participen diferentes actores del arte de nivel nacional e internacional. Calle Quebrada No. 25 Centro CP 39300, Acapulco de Juárez, Guerrero. Tel.: 744 688 43 00
El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos
laquebrada.ea@gmail.com
Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos
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Omar Ortíz Sunset in DUMBO Brooklyn New York, oleo sobre lienzo.
Eros y Psique (copia de Gerard François Pascal Simón)
Berthy Hernández, Óleo sobre tela 1.20 x .80 mts
Aníbal Angulo Don Quijote y su fiel Rocinante de la UABCS. La Paz, BCS. 2022
Obra de Jesús Anaya Roque Utoías y otros sueños
“Quimera de los Sueños” Oleo sobre tela Obra de Aza Evans
“La Última Cena” obra de Gerardo Ríos Óleo sobre lienzo 1.50 x 1.00 mts
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PINTURA
Rafael Cauduro
P
intó su primer mural a los 15 años en una pared de su recámara, justo arriba de la cómoda. Pero esa obra no fue la que marcó su vocación de artista, sino que ya era un aviso contundente que Rafael dejó al mundo y a su familia. El mensaje era su decisión de entregarse a ese poderoso impulso artístico que ya le definía y al que jamás se resistiría. Y lo cumplió. Nació en la Ciudad de México 1950. A través de la pintura, la escultura y el dibujo, Rafael Cauduro se ha posicionado como uno de los artistas contemporáneos de México más relevantes a nivel mundial. Estudió arquitectura y diseño industrial en la Universidad Iberoamericana. Su producción artística incluye: pinturas de gran formato, murales, escultura y vidrio, en lugares como la Suprema Corte de Justicia de la Nación, el Centro Cultural Los Pinos y el sistema de transporte colectivo Metro de la Ciudad de México. En 1972 Cauduro se dedicó de lleno a la producción como pintor y logró tener su primera exposición en la Casa del Lago en 1976. Su obra se presenta por primera vez en el Museo del Palacio de Bellas Artes en 1984. Tal vez el hecho más importante en la vida de Rafael Cauduro sea que los Magistrados de la Suprema Corte de Justicia de la Nación le hayan aceptado un mural que critica precisamente la injusticia institucional. Está en las paredes de las llamadas “Escaleras de los Magistrados”, porque es por donde ellos suben y bajan todos los días. Y cada vez pasan junto a esas imágenes que algo les provocará en su fuero interno, como los más altos jueces de la nación. Rafael Cauduro, pintor desde siempre que ha ido recogiendo experiencia y destrezas para proponer nuevas formas de aprovechar las paredes, nuevos materiales para explicar el paso del tiempo, todo con una capacidad de dibujante tan alta que engaña a la vista con sus juegos de realismo en perspectiva. El más reciente de los proyectos grandes en su lista es el “Edificio Cauduro, Vivir en el Arte”. Se trata de una construcción ubicada en el corazón de la Colonia Condesa, una de las que tiene más vida en comunidad: cafés, parques, enormes árboles, librerías, cultura, viviendas de techos altos, ventanas a la banqueta, etc. En la fachada de esta casona por remodelarse, de principios del siglo pasado, el pintor se desbordará en arte una vez más.
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GRÁFICA
István Orosz
Artista húngaro nacido en 1951, István Orosz estudió Diseño Gráfico en Budapest y durante muchos años trabajó en el mundo del teatro como diseñador de escenarios y actor ocasional. Posteriormente se dedicó al diseño de carteles, donde utiliza entre otros elementos ilusiones ópticas y anamorfosis. Actualmente es profesor invitado de la Universidad de Artes y Diseño de Budapest y miembro de la Academía de Arte de Hungría. "Calvary" (1995). Se trata de un templo de columnas imposible pues, siendo estas paralelas, el punto del techo donde empiezan algunas de ellas no está en la vertical del punto del suelo donde terminan. Además, el caballo está "troceado" con unos trozos sobre las columnas y otros detrás de ellas (al estilo de "Le blanc-seing" de René Magritte).
En las últimas dos décadas, cuando se realizó la mayor parte del trabajo que aquí se muestra, las actividades del diseñador de carteles, grabador, ilustrador y director de cine. Muchos motivos, características estilísticas, soluciones técnicas aparecieron en todos los medios y, para Orosz, aparentemente no causaron ningún problema para cruzar las fronteras de los diferentes géneros. Cuando diseñaba un cartel, a menudo lo hacía con la precisión de un ilustrador; cuando ilustraba un libro, lo hacía con el humor narrativo de los cineastas; si estaba animando películas, a veces usaba el enfoque de varias capas para el huecograbado, y para las impresiones, a menudo elegía la forma simplificada e icónica de representar carteles.
"Window" :una doble ventana imposible pues la orientación de su parte superior es contraria a la de su parte inferior.
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Si simplemente lo llamamos diseñador de carteles en base a sus impresiones funcionales, reduciremos su campo de actividad, nos acercaremos más a la verdad si lo asociamos con "cartel" como una forma de pensar.
PINTURA
Raúl Anguiano Nació en Guadalajara, Jalisco, México en 1915, artista plástico, muralista y grabador, uno de los últimos exponentes del Muralismo Mexicano. En su adolescencia inició su formación en la Escuela al Aire Libre de Guadalajara, donde con otros artistas organizó el grupo de Jóvenes Pintores Jaliscienses. Dos años después llega a la ciudad de México y en 1934 se une a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios. Mienbro fundador del Taller de la Gráfica Popular en 1938, el cual fue creado como un centro colectivo de trabajo, donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos. El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941, en Estados Unidos estudió y enseñó pintura. Fue fundador del Salón de la Plástica Mexicana y maestro en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de México. Inició su labor como muralista con el fresco denominado “La rducación socialista” en la Escuela Carlos A. Carrillo de la ciudad de México. Su trabajo mural pertenece a la segunda generación de muralistas, junto a González Camarena, Juan O’Gorman entre otros. Entre sus múltiples exposiciones destacan las realizadas en el Palacio de Bellas Artes, México y en el Museo de Arte de San Francisco, Museo de Arte Moderno, INBA, Retrospectiva de Obra Gráfica en el Museo Nacional de la Estampa, INBA, ha recibido numerosos premios, entre ellos se destacan, el Premio del Salón Panamericano de Arte en Porto Alegre, Brasil, Condecoración de la República Italiana con el Grado de Commendatore, Roma, Premio Nacional de las Artes 2000, México, entre otros.
La espina, 1951, óleo. Colección Museo de Arte Moderno.
La mano que dibuja, mano maestra, organizó el órden que a veces destruye y las líneas de los dibujos estuvieron de acuerdo en todo, el sentimiento que hay en esas líneas es el más noble y el más hermoso. Esas líneas se quedaron para siempre. Carlos Pellicer
Título: Riniceronte Grabado en Madera 26x 37 cm
Título: Viva Zapata ¡CABRONES! 1989 Serigrafía y collage 107 x 82 cm
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DISEÑO
Paul Rand
"Hay una gran diferencia entre diseño abstracto sin contenido y diseño abstracto con contenido. Se puede ser un gran manipulador de la forma, pero si la solución no es la más apta, no tiene sentido”
Paul Rand nació en Peretz Rosenbaum, 1914-1996, fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute, el Parsons School of Design y la Liga de estudiantes de arte de Nueva York. Fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo. Desde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística que no pasó desapercibida debido a su despreciable y aberrante estilo. Fue Director de Arte de la revista Esquire en 1935 y de Apparel Arts -GQ- 1941 y de las portadas para el "Directions Cultural Journal" entre 1938 y 1945. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. “Piensa en términos de necesidad y función." Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus empleados como la persona con "peor genio en el mundo". Rand puede presumir de la fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las ideas y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambió. Más que ser un gruñón fue un revolucionario del diseño en Estados Unidos, gracias a su trabajo, que comenzado como un oficio, terminó como toda una profesión. Fue un gran defensor, líder y hasta inspiración del movimiento modernista, el cual era casi una religión para él. Un buen ejemplo a retratar es el siguiente: “Durante la ceremonia de su retrospectiva en el Cooper Union en octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Rand replicó:"Yo sigo vivo".”
Utilizando ésta simplicidad del modernismo, y con el uso geométrico limpio de espacio en blanco, creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más reconocibles, como IBM, Westinghouse, United Parcel Service, American Broadcasting Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite), reconocidos en todo el mundo. Fue autor de varios libros sobre diseño. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut. Rand siguió el camino del diseño en gran parte hasta los noventa.
En 1984 le concedieron la medalla del "Type Director´s Club" presentándolo como a uno de quienes "han hecho contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la tipografía". Rand fue incluido en el "New York Art Directors Club Hall of Fame" en 1972. Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro. "Él fue un canal a través del cual el arte y el diseño modernos europeos Constructivismo ruso, De Stijl holandés y el alemán Bauhaus- fueron introducidos al arte comercial americano". Con esto se puede ver que Rand exploró dentro del vocabulario formal, por así decirlo de los movimientos de vanguardia europeos. Dio lugar a un estilo gráfico único que
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fue caracterizado, como ya se mencionó, por la simplicidad, y el acercamiento racional a las soluciones del problema. La influencia de las vanguardias europeas en su trabajo cambió el arte comercial norteamericano, creando los principios formales del viejo continente “con la gracia y el humor nativo”. Obviamente su “entrenamiento” en el arte comercial en New York hizo que comprendiera rápidamente lo que necesitaba el mercado, y así era como brindaba estas soluciones más adecuadas que las que ofrecía la “estética estándar” tan antifuncional que se solía utilizar.
ESCULTURA
Jorge Marín Con más de 30 años de trayectoria, es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo figurativo en México. A lo largo de su carrera, su labor artística ha sido multifacética, lo que le ha permitido abarcar distintas disciplinas y trabajar con diversos materiales; sin embargo, su búsqueda plástica lo llevó al bronce y, desde entonces, lo hizo su signo distintivo. Dado su proceso, este material posibilita dar a los detalles anatómicos y a las texturas, la perfección de la materia viva. Así, con sus bronces, ha incursionado en diferentes dimensiones escultóricas, que abarcan desde la miniatura hasta la escultura monumental, formato que ha exhibido tanto en México
como en el extranjero, apoderándose del espacio público, generando un diálogo inédito entre la obra de arte y el espectador. Obras suyas atestiguan el movimiento de millones de mexicanos y han incorporado el arte a la vida cotidiana. Por ejemplo, El Vigilante, gigantesca escultura a media avenida en la entrada al municipio de Ecatepec o Plaza de Alas, ubicada entre cerros del parque La Marquesa. Ha participado en más de 300 exposiciones colectivas e individuamente, su obra ha sido expuesta en museos de países como Francia, España, Portugal, Alemania, Inglaterra, Bélgica, Hungría, Rumania, Rusia, Letonia, Noruega, Turquía y Azerbaiyán; en países asiáticos como Singapur, Indonesia, China, Hong Kong, Tailandia, Kuwait, Líbano y Emiratos Árabes Unidos; con presencia también en el continente americano, exponiendo en Estados Unidos, Canadá, Costa Rica, Panamá, El Salvador, Guatemala y, por supuesto, México.
El descubrimiento de la belleza
La percepción ordenada, la coherencia de visión, debe haber sido una necesidad biológica, un desarrollo estrictamente evolutivo, de un funcionamiento sensomotor. Pero la percepción del orden en el nivel intelectual es una cosa completamente diferente, y el proceso por el cual se desarrolló debe haber sido intuitivo en el hombre primitivo. Es por eso que el artista no tenía conocimiento de las cosas, sino sólo de relaciones. En una obra de arte, el artista abandona la corriente de relaciones. Lo que existe no es ya el objetivo, sino el objeto disuelto en un esquema que fija algunos de sus aspectos arbitrarios. Sabemos ya que esto no es completamente cierto en el
Escultura llamada Alma Imperial en la Ciudad de Acapulco en la Zona Diamante 2021.
Jorge Marín conserva una visión futura que lo impulsa a salir rápidamente del estado de satisfacción después de cada proceso escultórico, lo que le ha permitido seguir indagando en la experimentación plástica en un ejercicio de introspección infinita. Jorge Marín es hacedor de seres alados, balsas, animales y cuanta forma le sirva para inquietar conciencias a través del arte, para promover la reflexión acerca de nuestras sociedades.
La belleza es el segundo gran principio del arte; el primero es la vitalidad, establecida en el periodo paleolítico. La vitalidad como la belleza son autosuficientes como principios estéticos. Por muchos siglos el espíritu humado pudo expresar su conciencia de la realidad por medio de estas dos formas de la sensibilidad, la vitalidad y la belleza.
arte prehistórico y veremos también que no es tampoco completamente cierto en algunos tipos de arte moderno. Pero sí lo es en la composición: la palabra misma sugiere una reunión de partes. Durante siglos de desarrollo estético la composición habría de ser la esencia de la obra de arte. El arte se concibió como un proceso de composición. Ahora nos preguntamos ¿Qué es la composición? Leyes de armonía y proporción con unidad y serenidad, sino el paradigma de ese ideal intelectual al que los antiguos griegos llamarían to kalon, y que nosotros llamamos belleza. Durante el curso del periodo neolítico había aparecido Era, por lo tanto la primera conciencia de la belleza.
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El ser humano habría de usar desde luego estos principios creadores para expresar una gran variedad de sentimientos y concepciones y algunas veces como en el arte griego de las últimas épocas, el artista parece hallarse inquieto e insatisfecho con sus medios de expresión sintiéndose encerrado en los muros de sus limitaciones. La belleza nunca ha perdido su posición como la manera con la que el ser humano expresa sus intuiciones de tal forma que elevan su ser sobre el caos y la accidentalidad circundantes. Pero la serenidad alcanzada de este modo no basta, siempre queda un atosigante sentido de lo numinoso de un mundo más allá del mundo de la sensación inmediata, de un reino trascendente. La aprehensión de ese reino del terreno de la conciencia humana sería la siguiente exploración a la aventura.
Cortázar, las artes y la dualidad surrealista
Por: Héctor Cabrera Lerma
“La cultura revolucionaria se me parece como una bandada de pájaros volando a cielo abierto; la bandada es siempre la misma, pero a cada instante su dibujo, El orden de sus componentes, al ritmo del vuelo van cambiando, la bandada asciende y desciende, traza sus curvas en el espacio, inventa de continuo un maravilloso dibujo, lo borra y empieza otro de nuevo, y es siempre la misma bandada y en esa bandada están los mismos pájaros, y eso a su manera es la cultura de los pájaros, Su júbilo de libertad en la creación, su fiesta continua (. . .)” Julio Cortázar Discurso en la recepción de la Orden Rubén Darío. 1983
Precisamente, Cortázar invita a sus lectores a ingresar en un universo dual, que avanza en una búsqueda por el descubrimiento de la identidad de sus personajes, del narrador y de sí mismos. Cortázar era un hombre curioso por naturaleza que se asombraba continuamente de lo cotidiano, pero también de las más importantes obras de arte que se presentaban en los principales museos de Europa.
Para nadie es desconocido que Julio Cortázar, que nació el 26 de agosto de 1914 en Bruselas (Bélgica), y falleció el 12 de febrero de 1984 en París (Francia), fue un gran amante de la música y las artes plásticas, al grado que afirmaba que para él escribir era una “operación musical”. Es reiterado su homenaje al jazz, en su gran novela Rayuela y en su cuento El perseguidor, por ejemplo, y sus referencias a músicos como Scubert, Mozart y Johann Sebastian Bach, entre otros. De igual forma son importantes sus observaciones sobre las artes visuales, en especial la fotografía y la pintura.
La influencia de la pintura es notable en su obra, sobre todo el surrealismo, que desempeña un papel notable en su formación, pero más que los escritores surrealistas, los pintores son el núcleo de esa influencia. En muchas ocasiones, Cortázar confesó que le hubiera gustado ser pintor, pero se rindió después de los decepcionantes efectos que le causaron sus primeros brochazos. Después de Rayuela, su obra máxima, son cada vez más frecuentes sus textos para los cuales posteriormente se hicieron ilustraciones y aquellos inspirados por obras plásticas. Pero Cortázar no utiliza el arte para comentarlo, analizarlo o explicar su importancia, más bien, le sirve como punto de arranque para hurgar por sus recovecos personales, descubrir sus preferencias, su visión del mundo, su estética y su compromiso político.
Hablaba de la influencia del surrealismo en su obra. De hecho fue atraído a dicho movimiento después de leer Opio, escrito por el célebre autor francés Jean Cocteau. Pero, ¿por qué el surrealismo? Mientras el discurso realista se propone volver conocido lo desconocido, aclarar y resolver cuestiones, el surrealismo sugiere la imaginación libre y acepta lo desconocido como estímulo de creación, es decir, acepta lo ignorado por la realidad común, el sueño es su principal categoría. En la literatura surrealista, el doble carácter de los sujetos y la doble historia, promovida por la doble vida de los personajes y de los lectores, se muestra la posibilidad de existencia en otro plan, todo es posible, lo ilógico remite a una liberación íntima y familiar. Cortázar representa con maestría ese doble surrealista y edifica una literatura que rompe con las leyes de nuestro mundo previsible y adopta medidas nuevas de tiempo, espacio y existencia, que desencadenan enredos y conflictos de identidad entre sus personajes, que aparecen a través de sueños, de transformaciones, de sus dobles personalidades y crea un impacto existencial en los lectores que se adentran en sus relatos.
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Foto Rogelio Cuéllar y Andrés Álvarez Pech
Comentó, por ejemplo, su asombro al recorrer durante varios días la sala dedicada al arte egipcio del museo del Louvre, y también el descubrimiento de unos pequeños animalitos mexicanos en los acuarios del Jardín de las Plantas de París, llamados Axolotl, que luego plasmaría en uno de sus cuentos, del mismo nombre, sin ocultar que le causaban terror.
Fotografía
Mariana Yampolsky Fotógrafa mexicana nacida en Chicago en 1925. Después de haber estudiado arte en la Universidad de Chicago, viajó a México donde ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. En 1954 se naturalizó mexicana. Fue una de las primeras mujeres en formar parte del Taller de Gráfica Popular. Por encargo de Hannes Meyer, realizó los retratos de algunos artistas del taller para integrarlos en la publicación del libro Doce años del Taller de Gráfica Popular. Siempre comprometida socialmente, encontró su voz a través del arte. Fue fundadora y profesora del Centro de Enseñanza de Lenguas Extranjeras del IPN; coeditora del Fondo Editorial de la Plástica Mexicana; colaboró con el Centro de Investigación de la Artesanía y con la Comisión Nacional de Libros de Texto Gratuito; también fungió como editora de la colección Colibrí de la SEP. Fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Fue coeditora, junto con Leopoldo Méndez, de Lo efímero y lo eterno del Arte Popular de México, compilación de la vida, danza, ceremonias y creatividad de la gente del campo. Sus imágenes fueron publicadas en los libros: La casa canta, La casa en la tierra, La raíz y el camino, Tlacotalpan, Estancias del olvido y The Edge of the Time. Murió en mayo de 2002.
Surrealista
Luis Buñuel
Diferentes imágenes del cineasta Luis Buñuel de la filmaciones con estilo surrealista.
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PINTURA
Víctor Hugo Rodríguez Polanco
Artista plático que nació el 16 de septiembre de 1956 en Ometepec, Guerro. Sus estudios primarios los cursó en la Escuela Federal Vicente Guerrero, y el primer año de secundaria, en la Escuela Federal Cuauhtémoc, ambas en su ciudad natal. Posteriormente se trasladó con su familia, al puerto de Acapulco, donde concluyó sus estudios. Su vocación por la pintura la manifiesta desde su infancia. En 1981 inicia profesionalmente sus tareas artísticas. Las técnicas que practica son variadas: dibujo a lápiz, pastel, acuarela, tinta china y óleo, esgrafiado sobre tela. Sin lugar a dudas su trabajo como dibujante ha sido su pasión logrando excelentes retratos representativos y características de su estilo sabiendo de antemano al ver una de sus obras que pertenece a el.
Con detalles asombrosos que logra a través del arduo trabajo de horas dedicadas para lograr su cometido visual. Sus temas son casi siempre retratos regionales con rostros de rasgos indígenas o de estilo muy mexicano como paisajes y escenas tradicionales. Ha expuesto su arte en las Jornadas Alarconianas y en la Feria de la Plata, en Taxco; en la Galería Dolores Olmedo del Centro de Convenciones, en el Centro de Cultura y en el Parque Ignacio Manuel Altamirano, en Acapulco; exposición 50 Pintores de Guerrero, en ese puerto; en Ometepec; en Italia; en Chicago, durante la Primera Semana de Guerrero (1998); Casa Guerrerense, en el D. F.; y, en la Galería Rudic, de Acapulco.
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ARTE
Pedro Friedeberg
Nación en Florencia, Italia en 1936 y llegó a México a la edad de tres años. Estudió Arte y Arquitectura en México, Boston y París. Conoce al artista Matías Goeritz desde 1957, su maestro en la carrera de arquitectura en la Universidad Iberoamericana. Ha realizado más de 100 exposiciones individuales en galerías y museos de Nueva York, París, Chicago, Guanajuato, Guadalajara, entre otros. Es pintor, escultor y diseñador de muebles insólitos, también ha hecho escenografías. Su obra se halla en museos importantes y colecciones
particulares de Estados Unidos, Europa, Canadá, Israel, Iraq, y en el Musee D’es Arts Decoratifs Du Louvre, en París, Francia. Ha obtenido premios en Bienales como la de Sao Paolo, Tokio, Argentina, Puerto Rico y Colombia. Renombrados críticos de Itali, Alemania y Holanda como geniañ su obra de Pedro Friedeberg. Lleva más de sesenta años haciendo arte en México, cuya nacionalidad adoptó desde joven.
“Yo pienso poco ya que aparte de ser atrasado mental, estoy muy ocupado dibujando, pintando, escribiendo, esculpiendo y cuidando a mis perros. Además me divierte que los demás piensen por mi y me fascina en qué estado tan curioso los seres pensantes han dejado al mundo”. Pedro Fiedeberg
ARQUITECTURA
Agustín Hernández Navarro Nació en la Ciudad de México en 1924 y realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura, obteniendo su título profesional el 29 de junio de 1954. Su tesis de fin de carrera, atrevida, innovadora y original, marca lo que será su vida como arquitecto. Encasillada por algunos autores como arquitectura emocional pero su obra se centra en la valoración de elementos de la cultura local en una práctica absolutamente moderna de la disciplina debido a su forma de pensar. Por ese entonces, el estilo internacional tomo mucha fuerza, tanto en diseñadores como en empresarios y clientes. Fue así como inició entonces Agustín Hernández dentro de la corriente estilística en boga, encontrando paulatinamente una forma de expresión más personal.
Por otro lado, realizó una serie de residencias en la Ciudad de México, donde experimenta con diversos módulos tanto en diseño de plantas como en alzados; de este modo surge la casa Silva (1969), casa Hernández (1970), casa Álvarez (1976), casa Neckelman (1979), entre otras. Dentro de la arquitectura escultórica, se puede señalar a Agustín Hernández como el arquitecto más audaz y renovador, insertado dentro de un acercamiento a los valores plásticos de la cultura mexicana, en especial aquellos que provienen del pasado precolombino. En su arquitectura también se percibe una inspiración en el pasado a través de construcciones modernas en las que el simbolismo desempeña un papel primordial, en ocasiones hace uso de glifos e imágenes prehispánicas para desarrollar elaboradas
Su placer por adentrarse en las raíces del pasado mexicano lo ha llevado a crear edificios como el del H. Colegio Militar, inspirado en las zonas arqueológicas de Monte Albán y Teotihuacán.
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conceptualizaciones en un vaivén de asociaciones culturales y técnicas que dan como resultado construcciones cargadas con un profundo sentimiento espiritual y espectaculares ardides tecnológicos. Entre los premios que ha obtenido se encuentran la Presea III Bienal de arquitectura 1987, Sofía, Bulgaria; Presea Bienal 89, Buenos Aires, Argentina; 1.er Premio Medalla de Oro II Bienal de Arquitectura Mexicana 1992; 1.er Premio Primer Concurso Nacional del Acero AHMSA 1996; Premio Nacional IMEI al Edificio Inteligente por el Corporativo Calakmul 1996; Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, 2003; Medalla de Oro XI Trienal InterArch 2006, Sofía, Bulgaria.
ESCULTURA
Juan Olaguíbel Juan Fernando Olaguíbel Rosenzweig nació en Guanajuato, México, 1896-1976, fue un escultor mexicano, autor de una obra extensa que se observa en diferentes puntos de la Ciudad de México (la Diana Cazadora, la Fuente de Petróleos) y de otras ciudades mexicanas (Monumento al Pípila). Se formó en la Academia de San Carlos (1911) bajo la influencia del Dr. Atl y las corrientes de la época, cruzando la tradición de la escultura clasicista con la moderna. Su vida está cubierta de aventuras y, relacionado estrechamente con Jose Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Dr. Atl, participó en el complejo proceso cultural de la Revolución en la primera década con la fundación del diario La Vanguardia; luchó con las armas junto a Salvador Alvarado en Campeche, donde estableció relaciones con Miguel Ángel Fernández.
partes del cuerpo dejando al descubierto otras para capturar los detalles. Finalmente posó totalmente desnuda hasta que la pieza estaba terminada, así era posible corregir cualquier punto. El 10 de octubre del año 1942 se inauguró la pieza de la Diana Cazadora en la avenida Reforma. Helvia no asistió a la develación debido a que había tenido una cirugía y se encontraba recuperándose. Cuando finalmente la verdadera Diana la Cazadora ve su cuerpo hecho monumento queda sumamente sorprendida. Al mismo tiempo, muchas mujeres de aquella época no estaban de acuerdo con dicha estructura, les parecía demasiado provocadora. Fue inspirada en el cuerpo de una jovencita de 16 años que trabajaba como secretaria en Petróleos Mexicanos (Pemex). La joven Helvia Martínez Verdayes fue invitada por los creadores de la escultura para posar y que su cuerpo fuera el molde que daría vida a la escultura que actualmente es un punto de referencia para los capitalinos. La estatua original se encuentra en el municipio de Ixmiquilpan, en Hidalgo. Otra copia fué colocada en el puerto de Acapulco.
La Diana Cazadora Pasaron 50 años hasta que Helvia Martínez Verdayes decidió dar a conocer su identidad y puntualizó el cómo sucedió al publicar el libro El secreto de la Diana Cazadora. A mediados de los años 30 estaba Ávila Camacho como presidente, él fue quien le ordenó a Javier Rojo Gómez, alcalde de la Ciudad de México en aquel entonces, que realizara diferentes instancias para favorecer la estética de la ciudad. Por lo que se buscó la creación de fuentes y monumentos para que la adornaran. Tanto al escultor Juan Olaguíbel como a Vicente Mendiola se les encargó el proyecto. La idea era retratar al mito romano de la cazadora, por lo que Mendiola le pidió a Helvia para que posara como modelo. La entonces adolescente aceptó hacerlo solo por vanidad, así lo describe ella, pero con la condición de que no se diera a conocer su nombre públicamente; ni si quiera exigió un pago, lo único que exigió es que su identidad quedara en secreto.
No se le pagó absolutamente nada por posar, y solo pidió que se mantuviera en secreto que ella había sido quien había posado para dicha escultura, pues no quería causar controversia en la sociedad, que en ese tiempo veía muy mal actos como el desnudo. La identidad de Helvia se mantuvo en el anonimato por varias décadas, hasta que en 1992, ella misma reveló su identidad en su libro "El secreto de la Diana Cazadora", en donde cuenta su historia. Posteriormente se daría a conocer que ella también había posado para la creación de la Fuente de Petróleos. La escultura se inauguró el 10 de octubre de 1942, en la Puerta de los Leones, en la entrada del Bosque de Chapultepec, en donde se encontraba originalmente la glorieta con la escultura.
La modelo explicó años después que durante la realización de la escultura ella no posó totalmente desnuda. Tuvo una sesión fotográfica en donde se le cubrieron algunas
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No. 3 Año 1, Marzo de 2022
La estatua de bronce midió siete metros y tuvo un peso de cuatro toneladas. El impacto en la sociedad, en su mayoría con una ideología conservadora, provocó que se le mandara a poner un taparrabo, pues como ya se comentó, los desnudos no eran bien vistos. Helvia Martínez Verdayes murió el sábado 12 de febrero de 2022 a los 100 años de edad, ella alcanzó reconocimiento debido a que fue la modelo para la escultura de la Flechadora de las Estrellas del Norte, mejor conocida como La Diana Cazadora, emblemática de la avenida Reforma en la Ciudad de México.
PINTURA
Konrad Klapheck Nació en Düsseldorf, Alemania en 1935 es un pintor y artista gráfico cuyo estilo pictórico combina los rasgos del realismo, el surrealismo y el Pop Art. Las pinturas que empezó a exponer en los años cincuenta, a menudo de gran tamaño, son precisas, representativas, y aparentemente realistas descripciones de equipo técnico, maquinaria y objetos cotidianos, pero extrañamente alienados y compuestos nuevamente, de manera que se convierten en iconos o monumentos. Sus temas a través de los años han incluido (en orden de introducción) máquinas de escribir, máquinas de coser, grifos y duchas, teléfonos, planchas, zapatos, llaves, sierras, neumáticos, timbres de bicicleta y relojes. Desde alrededor de 1992 – 2002 se ha dedicado a pintar a amigos, colegas, y celebridades de la escena artística internacional. Es también profesor en la Kunstakademie Düsseldorf.
Espacio para la difusión del arte y la cultura. Del artista y su obra. Fomento y promoción de actividades culturales en el estado de Guerrero.
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No. 3 Año 1, Marzo de 2022
El Reina Sofía es el vértice sur del conocido como Triángulo del Arte de Madrid, que incluye a otros dos célebres museos: el Prado y el ThyssenBornemisza. Forma parte del denominado Paisaje de la Luz, paisaje cultural declarado Patrimonio de la Humanidad el 25 de julio de 2021.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, conocido comúnmente como Museo Reina Sofía, es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo, con sede en la ciudad de Madrid. Tomó como sede el antiguo Hospital General de Madrid, gran edificio neoclásico del siglo XVIII situado en la zona de Atocha, cerca de la estación homónima de tren y de la Estación del Arte de Metro. Este hospital fue diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, y actualmente se le conoce como edificio Sabatini en honor a este arquitecto italiano. El museo como tal fue inaugurado en 1992, si bien el edificio ya había albergado exposiciones temporales en años previos. En septiembre de 2005 se ampliaron las instalaciones de la institución con la apertura del edificio Nouvel en el inicio de la Ronda de Atocha.
En la colección permanente del museo destaca un núcleo de obras de grandes artistas españoles del siglo XX, especialmente Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, representados ampliamente y con algunas de sus mejores obras. Son muy relevantes también las colecciones de arte surrealista (con obras de Francis Picabia, René Magritte, Óscar Domínguez o Yves Tanguy, además de los ya citados Miró y Dalí), del cubismo (que a la colección Picasso añade nombres como Juan Gris, María Blanchard, Georges Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger o Albert Gleizes), y la presencia de artistas de la Nueva Figuración, como Francis Bacon o Antonio Saura.
Junto a estos autores hay muchos otros de diversas tendencias tan destacados como Lucio Fontana, Yves Klein, Diego Rivera, Alexander Calder, Roberto Matta, Mark Rothko, Antonio López García, Antoni Tàpies, Miquel Barceló o Sam Francis. El número de visitantes ha ido aumentando progresivamente hasta convertirse en el museo más visitado de España y uno de los más visitados del mundo. Estos datos y la activa política de adquisiciones le han situado en un puesto de privilegio entre los museos internacionales de arte contemporáneo. Según The Art Newspaper, basándose en datos facilitados por los propios museos, el número de visitas en 2016 fue de 3,646,598, récord histórico, situando al Reina Sofía como el museo de arte más visitado en España y el decimoprimero a nivel mundial, consiguiendo superar al MoMA y al Prado.