ARTDiseño 5 Mayo 2022

ARTDiseño ART

Revista Mensual de Arte y Cultura

No.5 Año 1, Mayo de 2022

paradojaeditorial@gmail.com

PINTURA

Johannes Vermeer

PINTURA

Rufino Tamayo

ESCULTURA

Jacopo Cardillo PINTURA Leonora Carrington La vida de Leonora Carrington es tan fascinante como su obra. Pintora, escultora y escritora con un interés por la magia, el folklore y el ocultismo, Carrington se adelantó a su tiempo rompiendo no solo con las reglas sociales impuestas a una mujer de la primera mitad siglo XX, sino también desafiando a las grandes figuras del surrealismo con sus decididas opiniones, talento infinito y espíritu inquebrantable.

REPORTAJE

El Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público

El Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público se encuentra localizado en el Centro Histórico de la Ciudad de México, México. El museo se enfoca a la difusión de arte moderno y contemporáneo.

El Antiguo palacio del Arzobispado fue erigido sobre el templo de Tezcatlipoca, una de las más importantes construcciones de la antigua Tenochtitlan. La construcción de esta sede arzobispal inició durante los primeros años de la etapa colonial cuando fray Juan de Zumarraga realizó la compra de algunas propiedades en el centro de la recién trazada capital, para construir en ella la edificación que abría de albergar la residencia del arzobispo de México así como algunas oficinas y una prisión.

Tras las ampliaciones y cambios que tuvo a largo del periodo virreinal, el edificio fue expropiado a mediados del siglo XIX como parte de las leyes de desamortización de los bienes del clero y pasó a formar parte del patrimonio de la Secretaría de Hacienda, misma que estableció en ella sus oficinas conservando la parte central de la edificación y vendiendo el resto a particulares, con lo cual se redujo la superficie del edificio a tan sólo una parte de la dimensión que llegó a alcanzar durante su periodo de mayor esplendor.

Luego de verse seriamente afectado por los sismos de 1985, el edificio fue sometido a un profundo proceso de restauración en el cual fue posible encontrar parte de antigua plataforma del Templo de Tezcatlipoca así como numerosos objetos pertenecientes a la cultura mexica. Al finalizar dicho proceso, el antiguo palacio arzobispal fue destinado a albergar parte de las colección de arte de la Secretaría de Hacienda, una de las más grandes del país.

Público (SHCP) que permite que los artistas paguen sus impuestos con sus propias obras.

Hasta la recaudación del 2009, la colección de Pago en Especie cuenta con 4 mil 924 piezas, y el acervo del museo cuenta con 4 mil 630 bienes.

La colección cuenta con los artistas más representativos del arte en México, ya sea que tengan la nacionalidad mexicana o no.

En la actualidad en este edificio se realizan un importante número de exposiciones temporales, eventos culturales y presentaciones editoriales en el marco de su majestuosa arquitectura.

La colección está basada en el programa Pago en Especie de la Secretaría de Hacienda y Crédito

HORARIOS Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Último acceso a las 16:30 horas.

Cerrado los días 1° de Ene. y 25 de Dic

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EDITORIAL

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Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL

COLABORADORES Héctor Cabrera Lerma Ana Barreto Roberto Buenfil Souza Gerardo Solís Cisneros Aníbal Angulo Rodolfo Zaldate Gabriel Macotela Gloria Ritschel Galindo Jorge Luis Salas González Miguel Ángel Sotelo Javier Verdín Jorge Antonio González Alfaro Carlos Alberto Carbajal Arcos Patricia Soriano Troncoso Guillermo Santa Marina Héctor Massiel Gerardo Sosa Plata Luis Vargas Santacruz Adolfo Galindo Hugo Zúñiga Francisco Javier Díaz Virgen Luis Arturo Aguirre Miguel Jiménez Daniel Zamudio Lilián Casarrubias Aníbal Angulo Guillermo Valle Peralta Frank Cortez ArtDiseño es una publicación mensual digital editada por Editorial Paradoja que se distribuye de manera gratuita en las redes sociales y por correo digital, por medio de la plataforma issuu para su lectura con información general del arte para su difusión y conocimiento creativo de sus creadores sin afanes de lucro con imágenes y contenidos respetando su crédito de creadores y autoría, utilizados solo como referencia.

Tel: 55 9027-2919 paradojaeditorial@gmail.com

I

nicia el mes de Mayo con grandes expectativas y nuevas propuestas que en nuestro entorno se muestran con más fuerza y que alimentan la cultura de nuestras sociedades con expresiones singulares como todos los artistas que realizan intervenciones con murales, combinando diferentes técnicas que embellecen o dan identidad a todos los espacios de muros, columnas, y espacios cotidianos que nos rodean. También en este número hacemos un homenaje con dos páginas de contenido sobre Leonora Carrington que nació el 6 de abril de 1917 en Inglaterra y falleció en la Ciudad de México el 25 de mayo de 2011, recordando momentos de su vida y su gran acervo de obras de arte que ya son un patrimonio mundial creadas la mayoría en nuestro país.

Tenemos siempre el gusto de compartir los trabajos plásticos de diferentes artistas nacionales como internacionales que en la actualidad han llevado un impulso a la creación artística diversa que enriquecen nuestro conocimiento y placer visual al contemplarlas.

En ARTDiseño siempre nos damos a la tarea en nuestras portadas de mostrar diferentes museos nacionales como internacionales que nos ofrecen diferentes colecciones de obras de arte que son reconocidas y apreciadas por todos y podemos visitar.

Es un placer contar con la aceptación y gusto por leer y apreciar nuestras publicaciones, ya que el contenido es pensado para dar a conocer distintos artista que han pasado por la exhibición de su creatividad y estilos artísticos que construyeron para expresar sus ideas de acuerdo a su tiempo y circunstancias que hicieron evolucionar el concepto cultural de humanidad.

También tenemos un breve texto del Acto Creativo en el cual hacemos un análisis de diferentes conceptos dentro del arte que ya por ende lo contenemos en nuestra filosofía y mentalidad para dar conclusiones visuales al observar las creaciones artísticas pero al desglosarlos nos dan conclusiones que nos asombran y que hacen más comprensible nuestro entendimiento de lo que vemos.

Eric Hansen Mena DIRECTOR EDITORIAL

El maestro Hugo Zúñiga en los pasillos del nostálgico hotel Flamingos Foto: Carlos Alberto Carbjal Arcos

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David Ávila / Tiempo Mixta Acrílico y Óleo sobre tela 1.00 x 1.00 mts Alter Os / Mil Máscaras Mural Ciudad de México

Eduardo Urbano Merino / Hacedora de Colibríes Óleo sobre lienzo 1.30 x 1.70 mts

Pablo Cotama/ Río de los perros, mixta 3D

Cix / Streat Art Amsterdam

Elisa Rank / María Félix, Mural Intervención

Adry del Rocío/ Mural Catedral del Futuro

David de León / Viajera y Osa, Mural Intervención, Tulúm Q.R.

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PINTURA

Rufino Tamayo

E

n su producción es posible identificar dos etapas distintas. La primera, que va de la década de 1920 a mediados de la de 1950, tiene una neofiguración cercana al realismo, pero siempre defendiendo o manteniendo la conexión entre sus temas y los problemas sociales.

Puede considerarse que el trabajo de Rufino Tamayo se caracteriza por una voluntad de integración plástica de la herencia precolombina autóctona, la experimentación y las nuevas tendencias pictóricas que revolucionaban los ambientes artísticos europeos a comienzos de siglo. Esta sincretización y ese interés por lo que acontecía en Europa desde el punto de vista artístico marcan diferencia en su trabajo y estilo respecto del núcleo fundamental de los "muralistas", los cuales prefieren mantener una absoluta independencia estética respecto a las tendencias europeas y tener su fuente de inspiración en la herencia pictórica precolombina, marcadamente indigenista.

Nacido en Oaxaca, en el Estado del mismo nombre, hijo de indígenas zapotecas y, tal vez por ello, sin necesidad de reivindicar ideológicamente una herencia artística indígena que le era absolutamente natural, Rufino Tamayo fue un pintor de fecunda y larga vida, pues murió a la provecta edad de noventa y un años, en Ciudad de México, en 1991. Su vocación artística y su inclinación por el dibujo se manifestaron muy pronto en el joven y su familia nunca pretendió contrariar aquellas tendencias, como era casi de rigor entre los jóvenes mexicanos que pretendían dedicarse a las artes plásticas.

El pintor inició su formación profesional y académica ingresando, cuando solo contaba dieciséis años, en la Academia de Bellas Artes de San Carlos. Pero su temperamento rebelde y sus dificultades para aceptar la férrea disciplina que exigía aquella institución le impulsaron a abandonar enseguida aquellos estudios y, a finales de aquel mismo año, dejó las aulas y se lanzó a una andadura que lo llevaría al estudio de los modelos del arte popular mexicano y a recorrer todos los caminos del arte contemporáneo, sin temor a que ello pudiera significarle una pérdida de autenticidad.

En 1926, en su primera exposición pública, se hicieron ya ostensibles algunas de las características de su obra y la evolución de su pensamiento artístico, puesta de relieve por el paso de un primitivismo de voluntad indigenista (patente en obras tan emblemáticas como su Autorretrato de 1931) a la influencia del constructivismo (evidente en sus cuadros posteriores, especialmente en Barquillo de fresa, pintado en el año 1938). Una evolución que había de llevarlo, también, a ciertos ensayos vinculados al surrealismo.

Paralelamente, Tamayo desempeñó cargos administrativos y se entregó a una tarea didáctica. En 1921 consiguió la titularidad del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología de México, hecho que para algunos críticos fue decisivo en su toma de conciencia de las fuentes del arte mexicano. Gracias al éxito conseguido en aquella primer exposición de 1926, fue invitado a exponer sus obras en el Art Center de Nueva York. Más tarde, en 1928, ejerció como profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes y, en 1932, fue nombrado director del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública.

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PINTURA

Johannes Vermeer Existe poca información sobre la vida de Johannes Vermeer, únicamente algunos hechos básicos anotados en registros y documentos legales, así como comentarios sobre él de otros artistas.

Debido a esto, Thoré lo denominó la "Esfinge de Delft".

La fecha de nacimiento no se conoce con precisión, aunque se sabe que fue bautizado como cristiano en la iglesia protestante Nieuwe Kerk de la ciudad de Delft el 31 de octubre de 1632, bajo el nombre de Joannis. Fue el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y Digna Baltens. Su padre procedía de Amberes, y se trasladó en 1611 a Ámsterdam, trabajando como tejedor de seda, oficio entonces propio de la clase media. En 1615 se casó con Digna, nacida en Amberes, trasladándose con el nombre de Vos a Delft, donde abrió en 1641 una

La obra completa de Vermeer es muy reducida; solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas.

fonda llamada la Mechelen en recuerdo a una famosa beffroi (torrecampanario) de Malinas (Mechelen en flamenco) que se encontraba en las proximidades del «halle» o plaza del mercado de la ciudad de Delft. Allí Joannes realizó siendo casi niño los menesteres de comercio; tras el deceso de su padre, en 1652, Joannes heredó el local con los asuntos comerciales de su padre. Además, Reynier Jansz pertenecía oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como Pieter van Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen.

No obstante aunque Vermeer van Delft era de familia protestante, se casó con una joven católica llamada Catharina Bolnes en abril del 1653. Fue un matrimonio desafortunado: además de las diferencias religiosas (muy en ascuas para aquella época), la familia de la esposa era más rica que la Vermeer.

Parece que él mismo se habría convertido antes del matrimonio porque su progenie tuvo nombres del

santoral católico; además -entre otras cosas- una de sus pinturas llamada La alegoría de la fe, refleja la fe en la eucaristía, pero no se sabe si se refiere a la fe de Vermeer o la de su comitente.

Poco tiempo después de las nupcias, la pareja se mudó a la casa de la madre de Catharina, Maria Thins, una viuda de buena condición económica que vivía en el barrio católico de la ciudad.

Vermeer habría vivido aquí con toda su familia durante el resto de su vida. Maria tuvo un rol fundamental en la obra de este pintor: no solo la primera nieta fue llamada con su nombre, también utilizó sus rentas para conseguir la fama de su yerno en el mundo del arte. Johannes y su esposa tuvieron quince hijos, cuatro de los cuales murieron antes del bautizo.

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PINTURA

Roy Lichenstein Nació el 27 de octubre de 1923 en Nueva York, en una familia judía de clase media alta. Fue el primero de los dos hijos de Milton y Beatrice Werner Lichtenstein.

Milton Lichtenstein (1893-1946) fue un corredor inmobiliario exitoso y Beatrice Lichtenstein (1896-1991) una ama de casa que había estudiado como pianista.

Ella acompañó a Roy y su hermana Rénee a museos, conciertos y otros aspectos de la cultura de Nueva York.

Roy demostró capacidad artística y musical desde el principio: dibujó, pintó y esculpió siendo adolescente y pasó muchas horas en el Museo Americano de Historia Natural y el Museo de arte moderno. Tocó piano y clarinete y desarrolló un amor perdurable al jazz, frecuentando los locales nocturnos en Midtown para oírlo. Lichtenstein asistió a la escuela de Franklin para niños, una secundaria privada y se graduó en 1940.

Ese verano estudió pintura y dibujo con Reginald Marsh. En septiembre entró en la Universidad de estado de Ohio (OSU).

Sus primeros ídolos artísticos fueron Rembrandt, Honoré Daumier y Picasso, y dijo a menudo que Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid) era su cuadro favorito.

Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957-1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del viejo oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Brushstroke (Pincelada), escultura en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y Pablo Picasso.

También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.

En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.

Autor prolífico, durante sus últimos años alcanzó mayor presencia y estima en museos de todo el mundo. En España existen ejemplos suyos en el Museo Thyssen-Bornemisza (Mujer bañándose) y en el Reina Sofía.

Una de sus obras se expone en la Kunsthalle de Hamburgo, Alemania: Shipboard Girl (1965).

Roy Lichtenstein es un nombre muy cotizado en las subastas. El 15 de mayo de 2013 una de sus obras, Woman with

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flowered hat, fue adjudicada en la casa Christie's de Nueva York por 43,776,525 euros.

En 1949 se casó con Isabel Wilson, quien anteriormente había estado casada con el artista Michael Sarisky. Después de que él comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958, la pareja vendió la casa de la familia en Highland Park, Nueva Jersey, en 1963 y se divorció en 1965.

Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka, en 1968. En 1966, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York. Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. También tenía una casa en Captiva Island.

Lichtenstein murió de neumonía en 1997 en la Universidad de Nueva York Medical Center, donde había estado hospitalizado durante varias semanas.

Le sobreviven tanto su segunda esposa, Dorothy Herzka, como sus hijos David y Mitchell, de su primer matrimonio.

PINTURA

Yue Minjun Nació en China en 1962, es un artista chino contemporáneo que se representa continuamente así mismo riéndose a carcajadas. Muchos ven en él a un miembro destacado del Movimiento Realista Cínico desarrollado en China a partir de 1989, aunque por supuesto el no se etiqueta en ningún sitio.

Yue Minjun fue muchas cosas mientras desarrollaba su carrera de artista, electricista, extractor de petróleo en alta mar... Pintando y trabajando el mismo tiempo, se acostumbró a un ritmo de trabajo absolutamente agotador. Quizás por ello sus autorretratos tienen siempre ese color rosado.

A lo largo de su carrera fue perfeccionando el arte del retrato, dibujando a sus compañeros de trabajo y a sus colegas artistas.

Etiquetado por los críticos como un miembro muy influyente del movimiento del realismo cínico (con una actitud de cinismo y burla ante la ridiculez del arte, por ejemplo) encontró el éxito con sus características imágenes de gente rosa partiéndose el culo, que llevó al óleo, la acuarela, la escultura o el grabado.

Con la expansión de China a nivel económico, el arte chino también vive un periodo de esplendor en el que incluso se le permitió romper viejos tabúes, aunque por supuesto, en un país sin libertad de expresión y violador de los derechos humanos como es China, eso hay que cogerlo siempre con pinzas.

La risa en los rostros de sus figuras nos habla de multitud de cosas, desde un desafío a las convenciones sociales y culturales, a las directamente políticas, criticando un país que es una absoluta dictadura capitalista disfrazada de comunismo.

El Acto Creativo

P

uede parecer una empresa presuntuosa inquirir acerca de los orígenes de la creatividad mental cuando somos todavía incapaces de definir la química de un simple espasmo muscular. Pero a menudo encontramos en la historia dos métodos opuestos de trabajo: El enfoque “ hacia abajo”, de lo complejo a lo elemental, de la totalidad a sus partes componentes, y el “hacia arriba”, de la parte a la totalidad. El énfasis en cualquiera de estos métodos puede alternar según la moda filosófica, hasta que se encuentra y funden en una nueva síntesis.”

Así comienza el prefacio a la primera edición de El Acto de la Creación Arthur Koestler, ese polifasético inquiridor húngaro nacido a principios de siglo XX. Sus cavilaciones, investigaciones y ejemplos nunca han dejado de llenarme de un azoro sano e ilustrativo.

El segundo es un movimiento con visos de integridad, quizá el intento moderno más coherente de plasmar las artes, los diseños y las artesanías -Bauhaus, que jamás se amedrentó en su filosofía y prosiguió con sus ideales hasta su desaparición física gracias al vandalismo nazi.

Un tercer factor en este rastreo de razones es meramente el tiempo.

Desde el explosivo inicio del siglo, con su multiplicidad de manifestaciones en todos los órdenes de la creatividad, hasta esta lamentable decadencia en la que intentamos sostener pero sin saber hacia dónde dirigimos la perspectiva obligada a la reflexión más que a la crítica.

Cuando a uno le aqueja algún mal, lo que menos importa es saber cómo o porqué lo contrajo; lo que para ello hace falta el análisis, en cualquiera de las formas que sugiere Koestler, o en una que las combine, Este es, pues, un intento de análisis cuidadoso, progresivo y ciertamente incompleto.

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Contenido, función, forma.

El mundo en el cual vivimos es nuestra propia invención.

Es un Mundo creado, y el modo en que se crea está intimamente ligado a la manera de crear culalquier cosa: Un autorretrato de Cézanne, un cepillo de dientes, la cazuela para el mole. El acto creativo variará en intensidad, pero los factores que intervienen en su gestación, proceso y manifestación son similares y continuarán mientras dure esta creación, este mundo.

PINTURA

Sandro Botticelli Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino. A esta misma parroquia de Solferino o Todos los Santos pertenecieron los Vespucci, aliados de los Médicis, y de quienes recibiría encargos.

Fue el menor de los cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, de oficio curtidor, y su esposa Smeralda. Cuando nació, su hermano mayor Giovanni tenía 25 años, y se cree que lo adoptó y lo educó. Giovanni tenía el apodo de Botticello, sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el que tenía este mote. De él deriva el apodo de Botticelli.

En 1458, adquirieron una villa de campo en Careggi, puesto que el negocio de su padre prosperaba. Allí precisamente se instauró la Academia Platónica Florentina. Botticelli recibiría de esta posteriores influencias.

La familia entró en contacto con Giovanni di Paolo, para quien Leon Battista Alberti diseñó el palacio Rucellai, el Santo Sepulcro en la capilla Rucellai y la fachada de la iglesia de Santa María Novella. Debido a la importancia de Alberti, Sandro leyó su tratado De Pictura (1436) detalladamente.

En muchos casos, siguió sus recomendaciones. No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento.

Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio en 1458.

Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibió Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo

control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabó siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, Filippino Lippi.

En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 Sandro volvió a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época data toda una serie de Madonnas influidas por Lippi.

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Basó los temas de sus cuadros alegóricos en el idealismo neoplatonismo de los Médici. Un ejemplo es La primavera, obra de madurez realizada hacia 1478 para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, discípulo de Poliziano y Marsilio Ficino, en la ciudad de Florencia. Tiene inspiración clásica. Pero los personajes presentan la reinterpretación propia del pensamiento renacentista.

Unos de sus cuadros más famosos es El nacimiento de Venus, (1484) de tema mitológico, que forma parte de la misma serie realizada para los Médici, junto con La primavera y Palas y el Centauro. En esta obra, Botticelli consigue poner fin al problema de cómo distribuir las figuras.

Este problema se debe al concepto de hacer del cuadro un espejo de la realidad. Botticelli lo resuelve tomándose libertades con la Naturaleza, para dotar de belleza y armonía a la obra. Esto se aprecia en el tamaño antinatural del cuello de Venus, en la pronunciada caída de sus hombros y en el extraño modo en que cuelga su brazo izquierdo. Así pues, el arte de Botticelli alcanza la plenitud con El nacimiento de Venus.

La primavera y El nacimiento de Venus dieron a Botticelli prestigio como artista. Pero las obras más rentables fueron sus madonas. Obtuvo grandes riquezas gracias a su obra.

PINTURA

Leonora Carrington

N

ació el 6 de abril de 1917 en Clayton Green, una aristocrática mansión del pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra. Cuando ella tenía 3 años su familia se trasladaría a Crookhey Hall, un castillo neogótico rodeado de inmensos jardines y bosques que Carrington inmortalizó en obras como Green Tea. Aunque se educó en el Convento del Santo Sepulcro, en la ciudad de Chelmsford, donde estuvo encarcelado Oscar Wilde, no siguió las pautas educativas de las señoritas de la alta sociedad destinadas al mercado del matrimonio, sino que leía vorazmente y participaba en las charlas que sobre diversos temas organizaban en su casa los jesuitas del colegio de sus hermanos en Stonyhurst.

Su mundo imaginario estaba lleno de gnomos, duendes, gigantes y fantasmas, producto de su educación irlandesa y del contacto con la mitología celta. Desde una edad muy temprana empezó a entrar en contacto con su propio mundo natural que para otros era sobrenatural, y a tener visiones y experiencias con espíritus y fantasmas, lo que le valió la expulsión del Santo Sepulcro y su paso por un sinfín de escuelas, pues detestaba la educación convencional y se aburría mortalmente.

Fue enviada a una escuela de jovencitas, Miss Penrose School for Girls, de Florencia.

En 1936 ingresó en la academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoció a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien volvió a encontrar en un viaje a París y con quien no tardó en establecer una relación sentimental. Durante su estancia en esa ciudad entró en contacto con el movimiento surrealista y convivió con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí.

En 1938 escribió una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participó junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam.

Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, se volvieron colaboradores activos del Freier Künstlerbund, movimiento subterráneo de intelectuales antifascistas.

Leonora Carrington tenía solo 20 años cuando conoció a Max Ernst en Londres.

Entonces el pintor ya contaba con 47 años y con bastante fama como surrealista. La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además estaba casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacían que esta relación no contara con la anuencia de su padre. A pesar de ello, la pareja se reencontró en París y pronto se fueron a vivir a la provincia, al poblado de Saint-Martin-d'Ardèche, en una casa de campo que adquirieron en 1938. Hasta hoy se conserva en la fachada de esta casa un relieve que representa a la pareja y su juego de roles: «Loplop», el alter ego de Max Ernst, un animal alado fabuloso entre pájaro y estrella de mar y su «Desposada del Viento»: Leonora Carrington.

Carrington describió, en su obra autobiográfica (En bas) los pormenores de esta dramática historia. A partir de este momento, André Breton se interesó por la histeria, la locura y otras alteraciones mentales y vio a Carrington como una embajadora de vuelta del "otro lado", una vidente, la bruja que regresaba del inframundo armada de poderes visionarios.

En 1941 escapó del hospital y arribó a la ciudad de Lisboa, donde encontró refugio en la embajada de México. Allí conoció al escritor Renato Leduc, quien la ayudó a emigrar. Ese mismo año contrajeron matrimonio y Carrington viajó a Nueva York. En 1942 emigró a México y en 1943 se divorció de Renato Leduc. En 1944, y en casa de José y Katy Horna, conoció al que sería su segundo esposo, el fotógrafo húngaro Emérico Weisz, "Chiki", mano derecha de Robert Capa durante años.

Tuvieron dos hijos, Gabriel y Pablo.

En México, la pintora restableció lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encontraron en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon,

La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año. En septiembre de 1939, al igual que muchos otros alemanes y austriacos residentes en Francia, Max Ernst, identificado como residente extranjero proveniente de país hostil fue arrestado. Tras su detención e internamiento en el campo de Les Milles, Carrington sufrió una desestabilización psíquica. Ante la inexorable invasión nazi, se vio obligada a huir a España. Por gestión de su padre fue internada en un hospital psiquiátrico de Santander. De este período la pintora guardó una marca indeleble, que afectó de manera decisiva su obra posterior.

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No. 4 Año 1, Abril de 2022

Wolfgang Paalen, Bridget Bate Tichenor y la pintora Remedios Varo, con quien mantuvo una amistad duradera.

En los ochenta Carrington comenzó a fundir esculturas en bronce, sus temas se refieren a las múltiples realidades que confronta la realidad de la vejez. Por otra parte ella tuvo un genuino interés por la alquimia y los cuentos de hadas con los que creció, interés que se percibe en su obra pictórica y escultórica.

Fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en 2005.

Alérgica a los medios de comunicación y periodistas, tras meses de preparación, la periodista Silvia Cherem consiguió "colarse" en su casa con el compromiso de no hacer una entrevista "formal". Su declaración al respecto fue: "Nunca me ha gustado desnudarme como si fuera estrella de Playboy, y mucho menos a los 86 años!". Se consideraba más que surrealista por haber sido compañera sentimental de Max Ernst, defensora de los derechos de la mujer: "Aunque me gustaban las ideas de los surrealistas, André Bretón y los hombres del grupo eran muy machistas. Solo nos querían a nosotras como musas alocadas y sensuales para divertirlos, para atenderlos".

Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo de 2011, y fiel a su aversión a los periodistas, fue enterrada en el Panteón Inglés sin fotógrafos.

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ESCULTURA

Jacopo Cardillo

Mi vida esta hecha de fracasos, para esculpir algo primero hay que romperlo.

Hacer “escultura” también significa poder cambiar la dinámica de un lugar.

Jago , seudónimo de Jacopo Cardillo (Frosinone, 18 de abril de 1987), es un artista y escultor italiano .

Después de haber obtenido el diploma del Liceo Artístico, se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Frosinone , que abandonó antes de terminar sus estudios. Desde 2016, año de su primera exposición individual en la capital italiana, ha vivido y trabajado en Italia, China, América y los Emiratos. Fue profesor invitado en la New York Academy of Art, donde dictó una masterclass y una conferencia en 2018.

Jago ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales como: la Medalla Pontificia (que le confirió el cardenal Ravasi con motivo del premio de las Academias Pontificias en 2010), el premio Gala de l'Art de Montecarlo. En 2013, el premio Pio Catel en 2015, el premio público Arte Fiera di Bologna en 2017 y también recibió la investidura como Mastro della Pietra en MarmoMacc en 2017.

A la edad de 24 años, tras la presentación de la historiadora del arte Maria Teresa Benedetti, fue seleccionado por Vittorio Sgarbi para participar en la 54ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia (Pabellón de Italia - Roma Palazzo Venezia ) siguiente 21 de noviembre 2012 recibe del Papa la Medalla del Pontificado por la construcción de un busto de mármol que representa al Papa Benedicto XVI cubierto con el manto papal, inspirado en el retrato del Papa Pío XI de Adolfo Wildt. Tras la dimisión del Papa, modifica el busto original, representando al Papa emérito sin camisa y titulando la escultura Habemus Hominem , la imagen del representante de Dios volvió a ser hombre.

En 2016 tuvo lugar su primera exposición personal en Roma en la cripta de la Basílica dei Santi XII Apostoli , titulada Memories , una selección de obras realizadas en mármol de Carrara.

En 2018 expuso en el Museo Carlo Bilotti de Villa Borghese en Roma , con la obra Venere y Habemus Hominen, registrando un número récord de visitantes (más de 3.500 solo durante la inauguración).

En el mismo año participó en la Bienal Internacional de Arte Sacro Contemporáneo y Religiones de la Humanidad en Palermo. Expuso en el Armory Show de Nueva York en el mismo año con la obra Donald y en 2019 con Memoria di sé.

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En 2019 en Nueva York completa Veiled Son, esculpiendo un bloque de mármol Danby de Vermont. La obra, inspirada en el Cristo velado de Giuseppe Sanmartino, representa a un niño recostado cubierto por un velo. El 21 de diciembre la escultura se coloca en la Capilla Blanca de la iglesia de San Severo fuori le mura, en el barrio Sanità de Nápoles .

También en 2019, con motivo de la misión Beyond de la ESA (Agencia Espacial Europea), JAGO fue el primer artista en enviar una escultura de mármol a la Estación Espacial Internacional. La obra, titulada "El primer bebé" y que representa el feto de un niño, regresó a la tierra en febrero de 2020 bajo la custodia del jefe de misión, Luca Parmitano.

En noviembre de 2020 Jago creó la instalación "Look Down" en la Piazza del Plebiscito de Nápoles, ahora instalada en el desierto de Al Haniya en el emirato de Fujairah. En octubre de 2021 colocó la obra "Pietà" en el interior de la Basílica de Santa María en Montesanto (Iglesia de los artistas) en Roma.

Fotografía

Carlos Carbajal Arcos / Tixtla Javier Verdín / Tabaco

José Luis de la Cruz

Hafit Juárez / Atardecer Acapulco

Juan Barnard / Tortuga

Jesús Espinosa

Lilian Casarrubias/ Marian

Oliver Nuñez Radilla

Azúl Engelmann

Imágenes de joyas del cine del Siglo XX

Citizen Kane Orson Wells 1941

King Kong Merian C. Cooper Ernest B. Schoedsack 1933

La novia de Frankenstein Fenómenos James Whale 1935 Tod Browning 1932

La quimera del oro Charles Chaplin 1925

El ángel azul Josef Von Sternberg 1930

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Casablanca El gabinete del Dr. Caligari Michael Curtiz 1942 Robert Wiene 1920

Metrópolis Fritz Lang 1927

El viaje a la luna Georges Méliés 1902

DISEÑO

Luis Almeida Nacido en México en 1946, y graduado de la licenciatura de arquitectura en 1979, en la Universidad Nacional Autónoma de México, Luis Almeida es un apasionado, dedicado y analítico profesional, con amplio estudio y conocimiento en semiótica y diseño industrial.

Luis Almeida es algo más que un artista de la imagen: reflexiona, evalúa, apunta en torno de los despliegues del diseño en el desarrollo de la cultura contemporánea. Su trabajo presente en los grandes momentos de la gráfica mexicana, desde las experimentaciones de la Imprenta Madero hasta los planteamientos del periodismo actual: Uno más Uno, El Nacional, La Crónica. Es un apasionado de la imagen y la semiótica; le gusta explorar y descubrir el comportamiento de los signos, la evidencia de cada uno tiene sus códigos de funcionamiento o de lectura. “La imagen con texto” es el tema recurrente de su proceso creativo.

En su juventud fue futbolista del equipo de los Pumas, y uno de sus grandes sueños era ser bailarín. Encontró en la arquitectura, la pintura, el cine y la fotografía la conexión con la creatividad. la misma que lo llevó a comprender y expresar sus ideas, para crear muchas de sus identidades corporativas.

Con 50 años de compromiso con la participación profesional, y ética del diseño, Luis ha recibido el Premio Nacional al Arte Editorial (en 1987, 1993 y 1995), el premio Quorum (en 1977 y 1999), y el premio a! Diseño (en 2000 y 2003). Ha sido maestro por mas de 30 años, y sus trabajos se han publicado en México, Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Francia, Brasil, Argentina, Japón y España. Desde el 2000 trabaja en su estudio de diseño y comunicación en la ciudad de México, donde vive actualmente.

Para Almeida, la difusión cultural siempre ha tenido un enorme significado dentro de su quehacer gráfico. Por eso mismo, ejercicios como el de la revista Saber Ver manifiestan una satisfacción total, ya que ese trabajo llegó a ser considerado por la UNESCO, en París, como la mejor revista cultural de 1996.

Los suplementos culturales publicados en nuestro país, en su parecer deberían facilitar la búsqueda, de abrir apetitos, transformarse en trampolín hacia otras experiencias estéticas: El suplemento debe funcionar como un árbol, dónde las ramas te conecten con otras vivencias.

En una cultura de uso democrático, expansiva y no restrictiva.

En cuanto a la formación del diseñador, opina que los jóvenes deben establecer un compromiso con la comunicación, y no sólo con la expresión estética. Tener un claro conocimiento de la producción y de sus procesos para cuidar la economía del cliente: “El diseñador debe ser un profesionista al servicio de la sociedad y no de su propia persona.”

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ARQUITECTURA

Diego Matthai Nació el 19 de marzo de 1942 en la Ciudad de México, de padres alemanes que emigraron a México justo antes de la segunda guerra mundial. Su padre, Horst Matthai Quelle, fue un filósofo muy importante en su época.

De 1948 a 1960, estudió en el Colegio Alemán Alexander Von Humboldt.

De 1961 a 1965 estudió en la Universidad Iberoamericana, Arquitectura, recibiendo su título en 1966, con Mención Honorífica.

PREMIOS RECIENTES

Ha viajado por Europa y América y es autodidacta en su trabajo. De 1972 a 1979 fue profesor de Diseño Básico en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México con el Dr. Mathias Goeritz.

Como arquitecto ha realizado proyectos de toda índole: Casas habitación particulares, edificios para oficinas y departamentos, tiendas, boutiques, centros comerciales, fábricas, bodegas, laboratorios, interiores de oficinas, casas y departamentos, discotecas, restaurantes, bares, conjuntos urbanos, plazas, etc.

Como diseñador y artista ha realizado esculturas monumentales y urbanas, así como también murales, y desde los inicios de su actividad profesional hasta la fecha, ha puesto especial interés y cuidado en soluciones adecuadas en mobiliario urbano y mobiliario en general, es decir, se preocupa por mejorar y optimizar el diseño de objetos con los que el hombre se enfrenta cotidianamente, obteniendo una serie de muebles-objeto cuyo valor radica en mejorar la calidad de vida de las personas que lo usan.

También ha diseñado joyería, vestuario, accesorios utilitarios y no utilitarios, imágenes corporativas, escenografía de teatro, etc.

Ha tenido 20 Exposiciones Individuales de sus Obras de Arte, tanto en México como en el Extranjero. Así mismo ha participado en más de 150 exposiciones colectivas en todo el mundo. Museos de Estados Unidos, en Nueva York, Chicago, Kansas City, Los Ángeles, Miami, San Francisco, etc., en Europa, y en la República Mexicana cuentan con sus obras.

2009 - 1.er Premio AMDI Categoría Turismo.

2009 - Premio Nacional de Interiorismo 10.ª Edición Categoría Turístico por RestauranteBar Flap’s, México.

2010 - Reconocimiento a su carrera en diseño Interiores. AMDI. 2012 - Medalla de Plata en la XII Bienal de Arquitectura Mexicana en la clasificación de Diseño de Interiores e Integración Plástica con la obra "Corporativo Mary Street Jenkins".

2013 - Mención Honorífica en la categoría Corporate Space Small con el proyecto Fundación Mary Street Jenkins, Puebla, México, otorgado por el IIDA, Miami, FL, USA. 2014 - Presidente de la Sociedad de Interioristas de la Ciudad de México,CAM-SAM.

Sobre él se han escrito más de 600 artículos en libros, enciclopedias, revistas y periódicos de todo el mundo.

Es miembro del Colegio de Arquitectos de México (1967) y de la Sociedad Internacional de Diseñadores de Interiores (IIDA). Es Presidente desde 2014 de la Sociedad de Diseñadores de Interiores Mexicanos (DIM) también es Consejero Editorial de viarias revistas de Arquitectura y Arte.

El Arquitecto ha producido más de 1,500 obras de arte y más de 600 proyectos y obras.

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PINTURA

Areli Eunice “Ya lloraste, muy bien” Ahora, ¿qué vas a hacer? Me decía mi padre ante cualquier problema, real o imaginario. “No digas quiero”, hazlo. Me aconsejaba mi madre.

“Haz lo que te dicte tu corazón, tu razón, tu deseo”. Me decía mi abuelo.

Nací en la Ciudad de México en Coyoacán, concebida en Acapulco, decían mis padres. Única mujer entre tres hermanos y una familia excéntrica que siempre me impulsó a estudiar, a ser; después de llorar, buscar soluciones pragmáticas a cualquier problema real o imaginario. Hace casi cuarenta años llegué a este puerto con títulos y experiencias a cuestas. Fui periodista, empresaria, docente, siempre pintora.

No sé hacer nada a medias, pongo todo el ser en cada situación vivencial o creativa.

Pintar acuarelas ha sido siempre mi medio de expresión natural; lo mismo la literatura que amé desde que comencé a leer con avidez aquellas novelas semanales, así como las historias de Yesenia, Rubí, etc. Tanto que durante años me pagaron por hacer argumentos de novelas de amor en Fotovelas Linda.

Estudié arquitectura en la UNAM, también estudié estampados en tela en la SEP, unos semestres en la Escuela de San Carlos y más tarde, ya viviendo en Acapulco, periodismo. El campo de la docencia me ha llevado a conocer otros rumbos de la pedagogía y el aprendizaje, siempre vinculado al mundo del dibujo, del arte.

Confieso que he vivido, como dice Neruda. Amé fui amada, al modo de Amado Nervo. Poesía, experiencia compartida por medio siglo con mi Roberto, ahora en brazos del ángel del olvido. Mis querencias profundas: mi hija, mis nietos, mis hermanos.

Me ha distinguido el Museo de la Mujer en la CDMX, exhibiendo obra de mi autoría en su acervo permanente; he recibido la medalla Juan Ruiz de Alarcón en las artes; estar en la enciclopedia de Guerrero; tengo obra en exhibición permanente en el Museo de la Acuarela en Toluca, EDOMEX; he expuesto en la ONU en Bonn Alemania; en Miami, Estados Unidos; en el Metro de la CDMX; en la Facultad de Arquitectura de la UNAM; en el Fuerte de San Diego, en Acapulco; en la Secretaria de Economía en CDMX; en el Congreso de la Unión en la CDMX, he expuesto de manera colectiva e individual en diversas galerías del país; cuento con obras en portadas de libros, revistas, carteles, invitaciones impresas y a mano.

Todo ello son una forma de medir el paso por esta vida plena, feliz, completa que se ha ido forjando desde el creer que el mundo es bello, que el arte es lo mejor que me pudo haber pasado y que el haber estudiado arquitectura, periodismo, ramos de la educación,

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estampados, arte, me han dado una visión colorida de la existencia, como mis acuarelas con las que me encuentro y desencuentro, con las que cuento mis infiernos y abismos, mis vuelos y sueños, mis tristezas y alegrías, mis amores y desamores. Mi corazón, mi razón, mi entender la vida, van de la mano con pinceles y acuarelas.

PINTURA

¡El Arte es mi pasión, es mi vida! ¡Amo el arte, vivo para el arte y, por el arte!

Martha Elisa Bojórquez Nació en el Estado de Sinaloa, México el 19 de Febebrero 1955 dedicada al arte desde hace casi tres décadas.

Su amor por la pintura como un medio para expresarse se manifestó desde su infancia. Ama la naturaleza, creció rodeada de ella y su vida se acercaba al mar, a las colinas , a los ríos y los paisajes.

Vive admirando cada día el color en todas sus manifestaciones. Ha trabajado diferentes esxpresiones y estilos plasticos como figurativa, abstracción, máscaras, figuración lúdica, geométrica, fantástica, y lleguó a la abstracción con muchas horas de trabajo arduo en su estudio.

Cristal de Cuarzo Óleo y espátula sobre tela 1.12 X 1.22 mts / 2000

Música con Fumarolas Encáustica, óleo al agua, ensambles de madera a panel de madera / 1.10 X 0.91 mts / 2018

Se diversificó en técnicas, utiliza distintos materiales y logró con ello unificar e integrarlos dando un sentido a lo que está creando en la tela o cualquier otro soporte. En los últimos 20 años los ha dedicado a la abstracción con diferentes técnicas: Encáustica, óleo, acrílico, collage, etc. Su pasión por la pintura sigue viva y le motiva a seguir creando nuevas obras.

Cree firmemente que el arte es esencial en nuestras vidas y todos debemos tener acceso a el, en todas sus distintas manifestaciones.

La Cuarta Opción Óleo y espátula sobre tela 1.00 X 1.10 mts 2001

Corazon de Ámbar Óleo y esgrafiado sobre tela/0.80 X 1.20 mts/2002

web.meboarts.com

Mujer con mirada al Cielo.

Técnica mixta sobre loneta 1.20 X 1.10 Mts. El Nahual y la Luna / Técnica Mixta: Texturas, acrílico, óleo y espátula sobre tela 2.00 X 3.00 mts. (Tríptico) / 2000

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FOTOGRAFÍA

Pablo Ortíz Monasterio Nació en Ciudad de México en 1952 y es el cuarto hijo del cirujano plástico Fernando Ortiz Monasterio y Leonor Prieto. En su juventud, sus padres viajaban frecuentemente y para contar sus experiencias a sus hijos empleaban transparencias. Pablo Ortiz señala que la posibilidad de contar experiencias utilizando las imágenes fue algo que le dejó marcado para siempre. Con 16 años descubrió el trabajo de fotógrafo francés Bernard Plossu y eso fue lo que le decidió a ser fotógrafo. Estudió economía en la Universidad Autónoma Nacional de México, pero entre 1974 y 1976 se trasladó a Londres y estudió fotografía en el London College of Printing. Entre 1977 y 1984 estuvo dirigiendo cursos de formación fotográfica en la Universidad Autónoma de México.

Tras su regreso a México en 1978 realizó reportajes sobre los indios Tarahumara y fue nombrado redactor jefe de los Archivos Etnográficos Audiovisuales.

En 1981 editó un libro llamado "Los pueblos del viento" (1981). Entre 1983 y 1991 trabajó como editor de la colección Río de la luz del Fondo de Cultura Económica donde se publicaron más de 26 monografías fotográficas.

están considerados masculino y femenino. El tercero es una representación popular e idealizada del pasado prehispánico y, finalmente, una crónica sobre la mezcla de los géneros fotográficos. En 2012 publicó un libro titulado "A través de la máscara" junto a Vesta Mónica Herrerías que recoge más de 350 retratos realizados por fotógrafos mexicanos muy conocidos como Romualdo García, Agustín V. Casasola, Manuel Álvarez Bravo, Enrique Metinides o Graciela Iturbide. La reflexión sobre el retrato realiza una indagación sobre las facetas de la máscara y su metamorfosis.

En 2013, Monasterio fue uno de los veinte artistas seleccionados para fotografiar algunos de los principales sitios simbólicos de Rusia. Decidió trabajar en la Akadem Gorodok (Ciudad Académica), donde empleaba diez días en fotografiar cada uno de los elementos que constituía el laboratorio construido por el físico Guersh Búdker que hasta los años 1990 era el sitio más importante y adelantado en asuntos de energía nuclear. El foto-libro contiene 50 imágenes, un texto literario escrito por José Manuel Prieto y un poema de Tito Lucrecio Caro. En las palabras de Monasterio, “Con Akadem Gorodok el lector puede imaginar cómo huele, ve que había polvo, caos, si lee los cuadros con exactitud conseguirá mucha información que denota la experiencia que tuve”.

También coordinó el libro de Frida Kahlo: sus fotos y dirigió tres proyectos editoriales: México indígena con siete títulos; Río de Luz con más de veinte títulos en el Fondo de Cultura Económica; y Luna Córnea con quince títulos en el Centro de la Imagen. En 2016 también escribió un libro llamado “Desaparecen?” sobre el Caso Ayotzinapa.

En 2010, Monasterio presentó un fotolibro llamado Montaña Blanca que comenzó a elaborar en 1992. En este proyecto, empleó 13 años visitando las ciudades próximas a los volcanes Popocatépetl y Iztaccíhuatl para capturar cómo dos fenómenos geológicos tienen un impacto muy fuerte en cultura mexicana. El libro incluye los textos literarios escritos por Margo Glantz, Antonio Saborit y Alfonso Morales y está dividido en lecturas diferentes. El primero trata sobre la leyenda mexicana sobre los orígenes de la raza de bronce término empleado por Amado Nervo, el segundo es una reflexión sobre el género donde indaga en la cuestión del por qué estos volcanes

En 2019 recibió la medalla de Bellas Artes otorgada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) de México. Esta medalla se añade a la medalla al Mérito Fotográfico que recibió en 2014 en el 15º Encuentro Nacional de Fototecas otorgada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

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PINTURA

Roberto Ferri

Fuertemente influenciado por la pintura barroca, es considerado hoy en día el Caravaggio de nuestros días. Profundizando su investigación en la pintura del Romanticismo, Academicismo y Simbolismo, propone una obra con un discurso crudo, provocador y cargada de un erotismo dramático que atrapa a cualquier espectador.

Un pintor moderno que convive en armonía con las antiguas técnicas artísticas de los grandes maestros de la historia del arte, que va desde principios del siglo XVI hasta finales del siglo XIX.

Roberto Ferri (nacido en 1978) es un artista y pintor de Taranto, Italia, profundamente inspirado por los pintores barrocos (Caravaggio, en particular) y otros grandes maestros del Romanticismo, la Academia, y el Simbolismo.

En 1996, se graduó en el Liceo Artistico Lisippo Taranto, una escuela de arte local en su ciudad natal. Comenzó a estudiar pintura por su cuenta y se trasladó a Roma en 1999, para profundizar su investigación sobre la pintura antigua, a partir de finales del siglo XVI en particular. En 2006, se graduó con honores en la Academia de Bellas Artes de Roma.

Su carrera tomó mayor notoriedad por haber sido el encargado de retratar al Papa Francisco. Fueron dos las obras encargadas al artista italiano, que ocupan lugares privilegiados en el Vaticano. Cabe aclarar que no son los primeros trabajos que ha realizado el artista por encargo de la Iglesia ; en 2010 recibió el encargo para realizar 14 telas para representar el Via Crucis por la Catedral de Noto en Sicilia, que fueron expuestas en el Palazzo Grimani de Venecia durante la Bienal Internacional de Arte. Esa muestra desató fuertes polémicas por la imagen de un Cristo atlético y sensual. A las objeciones el artista declaró:

«Cuando te hacen un encargo, en mi opinión, deben darte libertad. Si el cliente conoce al artista y su obra, lo mejor es que dé solo el tema, ya que si quiere obtener lo mejor de él debe dejar al artista en libertad a la hora de crear».

Su obra está representada en importantes colecciones privadas de Roma, Milán, Londres, París, Nueva York, Madrid, Barcelona, Miami, San Antonio (Texas), Qatar, Dublín, Boston, Malta, y el Castillo de Menerbes en la Provenza. Su trabajo fue presentado en el polémico pabellón italiano de la Bienal de Venecia de 2011, y ha expuesto en el Palazzo Cini, de Venecia, en la Bienal Kitsch 2010.

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REPORTAJE

"La Fundación MUMEDI A.C. se crea a principios del año 2002, con el objetivo de promover el diseño gráfico e industrial en el país y despertar mayor interés de parte del resto del mundo en el diseño mexicano, tanto el histórico como el contemporáneo.

La Fundación MUMEDI A.C. se encontró con la imperante necesidad de contar con un espacio permanente donde se pueda exponer la historia del diseño en nuestro país y su trayectoria a través de los años, por lo que trabaja actualmente en el rescate de un inmueble del siglo XVI en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

Dicho edificio se encuentra en lo que antiguamente era la Calle Plateros, hoy Francisco I. Madero, a sólo unos pasos del Zócalo capitalino, sede ideal para recibir un gran número de visitas tanto nacionales como internacionales.”

Francisco I. Madero 74 Centro Histórico C.P. 06000 Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Horarios y costos Lunes a viernes de 10:00 a 20:00 h Sábado y domingo de 9:00 a 21:00 h con visitas guiadas cada media hora Costo de entrada general $55

Espacio para la difusión del arte y la cultura.

Del artista y su obra.

Fomento y promoción de actividades culturales en el estado de Guerrero.

Fortín Álvarez, Colonia La Mira Acapulco Gro. colectivo.mira.cultura@gmail.com

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Galería Nacional de Dinamarca

El museo ocupa dos edificios separados, uno antiguo y el otro moderno. Diseñado por Vilhelm Dahlerup y G.E.W. Møller en un estilo que recuerda el Renacimiento italiano, el antiguo edificio fue construido entre 1889 y 1896.Se emprendió una ampliación, diseñada por los arquitectos Anna Maria Indrio y Mads Møller, de la oficina Arkitektfirmaet C. F. Møller, que fue abierta en noviembre de 1998. El nuevo edificio, de concepción moderna, se erigió en el parque en la parte situado en la trasera del antiguo edificio, al que está conectado por un pasaje cubierto por un techo de vidrio llamado el «Callejón de las Esculturas». En esta "calle", que recorre todo el museo, se organizan regularmente conciertos y espectáculos de danza.

Las colecciones del museo reúnen casi 9,000 pinturas y esculturas, aproximadamente 240,000 obras de arte en papel, así como más de 2600 vaciados en yeso de esculturas de la antigüedad, la Edad Media y el Renacimiento. La mayor parte de colecciones antiguas del museo proviene de las cámaras de arte de los reyes daneses.

La Real Colección de Arte Gráfico contiene más de 240,000 obras: dibujos, grabados, acuarelas, litografías y otras clases de arte en papel, que data del siglo xv hasta la actualidad. Esta colección empezó en la época de Cristián II. En su diario de 1521 el pintor alemán Alberto Durero dice que le dio al rey «las mejores piezas de todos mis grabados».

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En 1843 muchas de estas obras, que hasta ese momento habían sido parte de la colección privada del rey, se exhibieron al público. Luego se trasladaron a la Galería Nacional, en su primer edificio terminado en 1896, junto con la Real Colección de Pintura y la Real Colección de Fundidos.

Aunque un gran número de obras impresas son extranjeras, el arte danés constituye la parte principal de la colección. Esta colección está abierta al público a través del Salón de Grabados, accesible al que pueda reservar con anticipación la entrada.