Bol 91

boletín mensual de teatro

www.pasodegato.com

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año 9, número 91 agosto 2013 Distribución gratuita de 80 000 ejemplares

CARTELERA TEATRO Síguenos en:

The Jöker Jack.

La última carcajada de Heath Ledger

CENTRO CULTURAL HELÉNICO

Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn

30 agosto-22 noviembre Obra y dirección: Javier Márquez Con Rafael Pimentel, Óscar Serrano Cotán y Laura Muñoz La última noche de vida del actor Heath Ledger. Acosado por el insomnio, la sobremedicación y por la fama, Ledger adelgaza la línea entre la realidad y el delirio.

FORO LA GRUTA

Vi, 20:30 h / $180*

La vida inútil de Pito Pérez

19 agosto-9 septiembre De José Rubén Romero Dirección: José Manuel Álvarez Con Manuel Guízar Obra cumbre de la literatura mexicana que refleja la vida provinciana del México posterior a la Revolución a través de un personaje real.

TEATRO HELÉNICO

Lu, 20:30 h / $200*

La noche justo antes de los bosques

45 minutos de diván o de cómo el tiempo es caro Ciclo Ópera prima De Chabaud, Olguín y Guiochins Dirección: Abril Lara Con Carmin Flores y Amaranta Getino Dos mujeres en terapia psicológica tienen 45 minutos para hablar de todo

lo que afuera no pueden decir : sentimientos como rencor, ira, envidia y el miedo a la soledad. El terapeuta sólo escucha, pero eso parece no importar.

FORO LA GRUTA

Mi , 20:30 h / $150*

12 agosto-28 octubre De Bernard-Marie Koltès Dirección: Zaide Silvia Gutiérrez Con Abraham Vallejo Un joven trata de hablar con un desconocido al que aborda en la calle. Platicar de sí mismo, de su universo, de su orfandad humana, parece ser la única salida ante la dificultad de existir y las ganas de vivir.

Proyecto Siberia

Muerte en directo

FORO LA GRUTA

FORO LA GRUTA

TEATRO HELÉNICO

Lu, 20:30 h / $150*

Ma, 20:30 h / $150*

Ma, 20:30 h / $200*

www.conaculta.gob.mx

Dramaturgia: Alejandro García Dirección: Mariana García F. Con Gisela García Trigos, Marco Norzagaray, Edson Martínez, Valentina Martínez Gallardo, Daniel Meza y Adrián Román.

Basada en Crimen y castigo de Dostoievski, nos guía por una geografía mental asfixiante de laberintos y culpa.

www.mexicoescultura.com

13 agosto-17 septiembre Obra y dirección: Guillermo Heras Con Zaide Silvia Una actriz convoca al público para cometer una “muerte en directo”. Analiza, cuestiona e ironiza sobre la situación actual de los actores. Una comedia negra que al buscar la muerte nos muestra la vida.

*Descuento a maestros, estudiantes, Maestros a la Cultura, Sépalo e INAPAM

boletín mensual de teatro año 9 número 91 Agosto 2013

Directorio www.pasodegato.com

Dirección Jaime Chabaud

Boletín Mensual de Teatro: Paso de Gato, año 9, n. 91, agosto 2013 es una publicación editada por José Sefami Misraje.

Eleuterio Méndez 11, Col. Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120, México, D. F., Tels.: (0155) 5688 9232, 5688 8756 y 5601 6147, www.pasodegato.com Editor responsable: Jaime Chabaud.

Núm. de Certificado de Reserva al Título ante la Secretaría de Educación Pública: 04-2005-0530150-53700-106.

Núm. de Certificado de Licitud de Título: 13212.

Núm. de Certificado de Contenido: 10785. Ambos otorgados por la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación.

Núm. de la Dirección General de Medios Impresos 005-151.

Prohibida su reproducción total o parcial. Impresión: Grupo Infagon, S. A. de C. V. Tel.: (0155) 5640 9266, este número se terminó de imprimir en julio de 2013, con un tiraje de 80 000 ejemplares.

Los artículos publicados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la posición del boletín. o

y José Sefami

Edición Hugo Wirth Corrección Delicia Cebrián y José Pulido Mata

Diseño gráfico Galdi Y. González y Erick Rodríguez

Difusión Luis Santillán Asistencia general María de la Paz Zamora y Verónica Cruz

Distribución Noé Nieves (jefe), Adriana Nájera, Sergio Sánchez y Daniel Castanedo

Publicidad y Ventas boletin@pasodegato.com 5688 9232 ext. 105

WORK IN PROGRESS 3

Carnada Más rápidos y más furiosos Mariana Tejeda

S

iempre es difícil para un escritor crear personajes verosímiles del sexo opuesto, se cae fácilmente en generar caricaturas o deformidades, mezcla de los reclamos y proyecciones que cada escritor lleva dentro. Bárbara Colio, en cambio, no sé si por observación o por experiencia, parece conocer al detalle a los hombres y es capaz de crear desde la ficción hombres reales, multidimensionales, rudos, tiernos, machos, encantadores y fuertes.

Inspirado en Rey Lear de Shakespeare, Bárbara crea Carnada, una historia de masculinidad, herencia y rencillas familiares en un contexto de autos de carreras tuneados, velocidad y arrancones. De algún modo, Carnada le da un aire a Cuerdas, quizá porque cuenta la historia de tres hermanos y la relación con el padre, quizá porque la dramaturga vuelve a hacer mancuerna con Richard Viqueira en la dirección. Lo que es seguro es que, a nivel emocional, Cuerdas era un muy bonito juego de niños comparado con la profundidad de las heridas que genera y toca en Carnada.

Pocas cosas son tan disfrutables como unos arrancones de testosterona en escena y el montaje de Carnada. Además de un texto maravilloso, tiene un elenco de formidables actores que derraman talento y virilidad en escena. El patriarca es Luis Rábago, que encarna a un hombre viejo con un pie en la decadencia, que vuelve a casa a recibir el amor y respeto que cree merecer de sus hijos. Rábago es un actor experimentadísimo con una trayectoria indiscutible, y lo reafirma trabajando cada día, dejando de lado cualquier divismo para entregarse al texto, a sus compañeros y al personaje de la manera más bella. El hijo mayor es Everardo Arzate, un hombre hecho, con hijos propios, que en ningún momento deja de ser un niño herido por el abandono de su padre. Los ojos del actor en todo momento tienen el brillo y el dolor de esa infancia, y es evidente el gran trabajo actoral que respalda esa mirada cargada de ternura y desolación. Octavio Michel Grau es el hijo de en

medio, un cocainómano violento y atrabancado.

Qué suerte tiene este personaje de estar dotado de los pequeños detalles gestuales y de la corporalidad que agrega Octavio para tensar todas las situaciones. El hijo pequeño es Adrián (El Potro) Aguirre, el hijo bastardo de una prostituta, el odiado por sus hermanos y el más noble y amado por su padre. El camino de Adrián, aunque por edad es más breve que el de sus compañeros, está lleno de éxitos y de una buena estrella que lo ha acompañado desde su debut, recién egresado, como Willy Protágoras, en la obra de Wajdi Mouawad dirigida por Hugo Arrevillaga. Finalmente, y no por eso menos importante, los textos más dolorosos y tremendos de la obra, los que además se dirán en medio de las risas del público, son los del bufón o, en este caso, un muerto que el patriarca de la familia lleva sobre su conciencia y que es interpretado por Héctor Holten, un personaje hermoso que juega en escena y se divierte con sus globos de payaso, y una radio de bulbos que cuelga de su cuello. Y canta maravillosamene durante un momento mágico en el que muy probablemente llueva sobre el escenario El porqué del título Carnada sería contar demasiado, y este nuevo montaje de la Compañía Nacional hay que verlo y experimentarlo en carne propia.

Carnada de Bárbara Colio. Dir. Richard Viqueira.

Con Luis Rábago, Everardo Arzate, Octavio Michel Grau, Adrián Aguirre y Héctor Holten. Estreno mundial en la Fira Tàrrega el 6 de septiembre de 2013.

Estreno en el D. F. El 27 de septiembre en el Teatro de las Artes del cna.

Pero los empecinados con suerte podrán verla en las funciones de prueba para su estreno en el festival que tendrá lugar del 13 al 27 de agosto en el salón de ensayos del cna.

4 Crítica

Lucía Leonor Enríquez

E

l final es un monólogo teatral basado en un texto de Beckett en la que el escritor irlandés refleja las postrimerías de la vida decadente y sin sentido de un vagabundo. A través de su periplo Beckett construye los olores, los paisajes, las acciones insulsas, el dolor y el aburrimiento de un mundo absurdo y en decadencia.

Este proyecto teatral, impulsado por Por Piedad Teatro, marca el debut de Ana Graham como directora y le permite a Arturo Ríos encarnar por vez primera a un personaje beckettiano. A cargo del universo lumínico y del espacio que habita el vagabundo se encuentra Víctor Zapatero, renombrado creador que difícilmente necesita presentación.

La suma de estos connotados creadores es sin duda una promesa de una experiencia teatral poderosa. En palabras de la directora, la apuesta de esta obra está sobre la reflexión en el lenguaje, en la capacidad del actor de conjurar el universo de un hombre a través de sus sentidos, y por supuesto, y en primer plano, en el texto de Beckett, que es, sin duda, inmisericorde ante la condición humana, y retrata sin velos su podredumbre y miseria. Todos los elementos están ahí para que El final sea una de esas obras de las que uno sale sacudido porque se ha revelado en toda su crudeza la propia naturaleza. Y ya sea que uno quede aturdido por el golpe o que, mejor aún, esa experiencia detone alguna otra acción que nos mueva del punto en el que estamos o que, al menos, nos permita mirar con claridad nuestra dimensión y el espacio que ocupamos, aunque sea por un instante… Sí, todos los elementos están ahí y, sin embargo, no se dio el convivio. Que Arturo Ríos es uno de los mejores actores de nuestro

El final de Samuel Beckett. Dir. Ana Graham.

Con Arturo Ríos. Teatro El Granero del Centro Cultural del Bosque. Reforma y Campo Marte, s/n (Metro Auditorio). Lunes y martes, 20:00 hrs.

Foto: cortesía de la compañia

¿Y al final?

país, ni quién lo dude, pero en esta ocasión las palabras sólo están dichas y la memoria no está sino para recordarlas y repetirlas, sin matices, sin dolor… ¿Dónde quedó la fuerza de las palabras? Uno escucha las imágenes, pero no se generan, no se construyen, ¿dónde queda el hombre al que se están comiendo las ladillas? ¿Dónde está el ser humano que se hunde en su propia mierda? Al final, la gente ovaciona y aplaude de pie. Acaso sea un error esperar un terremoto y lamentar que ni siquiera ocurriera una mínima turbulencia. Como siempre queda el beneficio de la duda, ¿acaso presencié una mala función?, pero al final la decisión es del público.

6 Crítica

Salomé

El cartero de Neruda Jimena Zermeño

L

a vida está llena de preguntas para las que tenemos que inventar una respuesta, de Luis Santillán muertos a los que tenemos que dar un final auricio García Lozano cita las Elegías de de huecos que tenemos que llenar nodigno, Duino de Rainer Maria Rilke, “La bellesotros mismos. En muchas de esas ocasiones za no es sino el nacimiento de lo terrible”, y tenemos a la mano la literatura como la meagrega, “Salomé es una pieza profundamente moria de un recuerdo que quizá no tenemos bella, donde se encarna el horror”. Y es cierto. pero necesitamos. El cartero de Neruda es un La puesta en escena que orquesta está diseñabuen ejemplo de esto. da para contener un equilibrio de movimiento Mario Jiménez es apenas un joven pescaconstante entre la belleza y el horror. En comdor que huyendo de las faenas matutinas de plicidad con Jorge Ballina, modifica la terraza la pesca, comienza a trabajar como cartero en propuesta por Wilde y erige como espacio la zona de baños, un área aparentemente improIsla Negra, una comunidad de pescadores del bable, inadecuada, pero totalmente provocalitoral chileno a la que tendrá que llegar todos dora para contar una historia que preexiste los en días en bicicleta. Corre el año de 1969 y en el imaginario colectivo. Reduce a lo mínimo Isla el Negra sólo hay una persona capaz de leer espacio del Teatro Helénico, y su trazo escéniy escribir, por lo tanto, es la única en recibir co es una coreografía de cuerpos cómodos en correspondencia: Pablo Neruda. un lugar incómodo; el espacio, poco a poco, sin un solo movimiento físico, devela su imSe proponía, en algún momento en que el portancia, su consistencia para contener el devate le pareciera de buen humor, asestarle seo, el capricho y la sangre. La zona de baños, el libro junto con la correspondencia y agenextraña en principio, conforme la historia se ciarse el autógrafo. […] El cartero cargaba las desarrolla, se muestra como un gran acierto, Foto: proporcionada por la compañía Odas elementales con la esperanza de reunir una gran aportación. Mario Marín del Río cuidía coraje. Tanto lo trajinó, tanto lo mada el detalle mínimo para crear el vestuario, algún la des muy alejado de la lectura lineal tradicional; noseó, tanto lo puso en la falda de sus pantextura de las telas, las aplicaciones, los tonos, el Herodes de esta puesta en escena conserva talones bajo el farol de la plaza, para darse las particularidades de cada uno, para crear las características del tetrarca, pero está matiaires de intelectual ante las muchachas que lo personajes a partir del vestuario. zado por temores, creencias, dimensiones que ignoraban, que terminó por leer el libro. Con La adaptación de García Lozano y su tralo enlazan de una manera más orgánica con los ese antecedente en su currículum, se considucción en la escena rompen el molde condemás personajes y con el espectador. Leonarderó merecedor de una migaja de la atención vencional de Salomé; aprovecha la reiterada do Ortiz-Gris es un actor constante, comprodel vate. repetición de Oscar Wilde para construir cametido, explora en la creación de Jokanaán, y rácter en los personajes. En lugar de una mujer su calidad está en escena.

Así comienza la historia de la dista amistad entre fatal experta en bailes sensuales, la protagoEl momento del baile mucho de lo que nista es una mujer caprichosa, acosada, acosun poeta y su cartero.ver, La ynovela uno esperaría es ésede la Antonio síntesis de toda tumbrada a ser tratada como la hija de Skármeta reyes la gira puesta en escena.

Lozano logra que entorno a estaGarcía relación que se que no conoce el desprecio ni el rechazo. desarrolla Irene su entre Salomé a través de una los sorprenda, años 69 y 73, años que sin lectura Azuela matiza el capricho de Salomé, lo duda pone marcaron particular, su equipo de trabajo, tanto creatideymuchas maneras la historia en proporción al universo que habita; algunos vosEntre comopersonajes actores, hacen experiencia de de Chile. llenosque de lacarisma, momentos que pueden parecer desproporcio- presenciar la obra sea recomendada. entre poesía y entre una gran cantidad de nados en realidad responden a la acción, a la oraciones subordinadas cargadas de adjetivos, condición del personaje. Hay, en contraste, dos Salomé se teje un muy simple envuelta en la momentos que aún son débiles en el trabajo de historia Oscar Wilde.

Dir. Mauricio García esperanza y tensión una Azuela, época. El cartede Azuela, uno de ellos es la fuerza que requieLozano.

Con de Irene José Sefami, ro de es la Ortiz-gris estampa de yun momento re Salomé para dominar la escena cuando se Neruda Leonardo Aída López, enresiste al baile y el otro es cuando su petición tre otros. TEATRO HELÉNICO. AV. REVOLUha sido cumplida; sin embargo, es probable CIÓN, 1500. COL. GUADALUPE INN. Viernes, que con el paso de las funciones desaparezca 20:30 hrs.; sábados, 18:00 y 20:30 hrs., esta debilidad. José Sefami propone un Hero- y domingos, 18:00 hrs.

M

Crítica

7

No queremos otros mundos.

Queremos un espejo Angélica Rogel

A

principios del siglo xx el escritor y dramaturgo Karel Čapek escribió la obra R.U.R. (Rossum’s Universal Robots), obra que plantea el tema de la rebelión de las máquinas y que dio origen a la popular palabra “robot”. Con un inicio tan contundente de la dramaturgia en el campo de la ciencia ficción, se esperaría que el género hubiera tenido mayor exploración escénica. Pero esto no ha sucedido, posiblemente porque el lenguaje cinematográfico se apoderó del género, constriñéndolo a vivir de superproducciones.

Bajo este panorama se estrena en el Foro El Bicho La velocidad del zoom del horizonte, obra escrita por David Gaitán y bajo la dirección de Martín Acosta. La mancuerna director/ dramaturgo se sumerge en las poco exploradas aguas de la ciencia ficción, apostando por la inteligencia del lenguaje, tanto dramático como escénico, y dejando de lado cualquier parafernalia innecesaria. A final de cuentas la ciencia ficción es sólo un punto de partida para tocar lo realmente profundo: el conflicto moral de la humanidad.

La velocidad del zoom del horizonte plantea la historia de siete personajes que están encerrados en una nave espacial, dispuestos a celebrar el cumpleaños de Esmirna. Pero la convivencia, los juegos y el lenguaje son extraños.

Poco a poco vamos entrando en su universo, entendiendo por qué este festejo ocurre todos los días y la gran incertidumbre que viven los habitantes de aquella nave.

David Gaitán utiliza como base la novela Solaris de Stanislaw Lem. Retoma el océano protoplasmático que Lem utilizó para estudiar el origen de las relaciones afectivas y los límites del conocimiento científico, como retoman “los visitantes”, los cuales provienen del subconsciente de cada uno de los navegantes, creando una dramaturgia propia que se vale del falso documental y la yuxtaposición de escenas para desarrollarse.

Escénicamente, Martín Acosta se aleja de estéticas futuristas, de efectismos, y crea en un pequeño espacio todo un universo. Nos deja ver los pasillos de la nave, los pequeños cuartos, las pantallas y hasta el exterior. Todo lo anterior haciendo uso de un mínimo de elementos y una iluminación contundente, además del acertado vestuario de Mario Marín del Río, que en algunos casos remite a superhéroes de antaño.

El elenco sabe jugar y entiende el lenguaje que el montaje requiere. Así que puede disfrutarse del trabajo de todos los actores, incluyendo al mismo David Gaitán.

La velocidad del zoom del horizonte de David Gaitán. Dir. Martín Acosta.

Con Tomás Rojas, Úrsula Pruneda, Raúl Villegas, Esmirna Barrios, Christopher Aguilasocho, Antonio Alcántara, David Gaitán y José Romero. Foro El Bicho.

Colima, 268, esquina Insurgentes. Col. Roma. Viernes, 20:30 hrs.; sábado, 19:00 hrs., y domingo, 18:00 hrs.

Foto: proporcionada por Foro El Bicho

8 DE ESTRENO

Espectáculo multidisciplinario de DANZA-CALIGRAFÍA-MÚSICA JAPONESA Texto y fotos: Arturo Tames Mai-Sho-Gaku. Trazos de fuego, de Irene Akiko Iida “Porque sólo saber no le bastó, fue que a su mente con letras forjó.”

Mai-Sho-Gaku. Es un espectáculo teatral que surge a partir de la colectividad de influencias artísticas orientales. Como su nombre lo refiere, Mai-Sho-Gaku —Mai: “danza”, Sho: “caligrafía”, Gaku: “música”— se caracteriza por su particular construcción teatral, en la cual confluyen dos estilos dancísticos propios de Japón: kabuki buyo y butoh. Estilos que, inmersos en la vibrante percusión del tambor ­—taiko—, acompañada de música étnica que la adorna, así como del elegante trazo de la caligrafía —shodo—, penetran la sensibilidad de la audiencia a través de un espectáculo único. Visualmente poderoso y avasallador, este espectáculo se presenta lleno de abstracción y

riqueza visual en la que sucede la lucha interna que pretende liberar la conciencia cautiva de un joven monje artista.

Es el bonzo quien por medio de la disciplina shodo (el arte de escribir ideogramas), convoca a las “fuerzas elementales”, provocando al escribir que se encarnen los opresores de su mente, que no son otros que sus propios miedos y debilidades.

Con la creación de este espectáculo se reúnen diversos aspectos del teatro kabuki, nacido hace más de 400 años y reconocido en la actualidad como patrimonio cultural de la humanidad, y de la danza butoh, surgida en la posguerra tras la caída de la bomba atómica en las ciudades de Hiroshima y Nagasaki. Esta última corriente dancística es considerada como una de las expresiones de arte contemporáneo japonés más influyentes a nivel internacional.

DE ESTRENO 9

Sobre los personajes Elemental del agua. (Energía negativa y pasiva de aspectos psicológicos, emocionales y subconscientes.)

Elemental del fuego. (Energía positiva y activa de aspectos espiritual y mental y concientes.)

Fujin y Raijin. Dioses del viento y del rayo.

(Guardianes del pórtico o torii.)

Sumi. La tinta china o “negro de tizne”.

(Fusión y metamorfosis del “fuego y el agua”.)

Fude. (El pincel.) Representado a la manera del teatro kabuki, por medio de Shishi —el león dorado—, que con su distintiva peluca hará las veces de un pincel animado que habrá de materializar el pensamiento y sentir del bonzo.

Creativos Dirección: Irene Akiko Iida.

Con Irene Akiko Iida y Arturo Tames.

Bonzo calígrafo Shodoka: Yolox Medina.

Música e interpretación: Alejando Méndez y Nahoko Kobayashi.

Iluminación y escenografía: Sergio Écatl y Esaú Corona.

Vestuario: Elisa Kato.

Productora ejecutiva: Zulema Mercado.

MAI-SHO-GAKU Del 8 al 25 de agosto Foro Sor Juana Inés de la Cruz.

Centro Cultural Universitario Insurgentes Sur 3000.

Jueves y Viernes: 20:00 hrs.

Sábados: 19 hrs.

Domingos: 18:00 hrs.

Duración: 90 min.

Precios: Jueves, $30.00.

Viernes, sábados y domingos, $150.00.

Descuento 50% con credencial vigente a estudiantes, maestros, INAPAN y jubilados ISSSTE e IMSS.

10 FOOD INSPECTOR

La Excéntrica

Cocina de recuerdo Natalia de la Rosa

Luego del éxito de los chefs Alfredo Chávez e Israel Montero con Kaah Siis, continúan con La Excéntrica, en compañía del chef Diego Sobrino. La propuesta culinaria es casual y el ambiente que se respira es relajado, ideal para una tarde de tragos con amigos. Visita la revista Appétit en: http://revistappetit.com

D

ecir que un restaurante es bueno porque utilizan “productos de calidad” ya no comunica mucho, pues. En teoría, la calidad de la materia prima debiera ser obligada.

No obstante, hoy en día el origen, manejo y transformación de los ingredientes —desde su cosecha, crianza o pesca, hasta el plato que se presenta en la mesa— marca diferencias entre productos y formas de hacer cocina. A este respecto, la propuesta gastronómica de La Excéntrica busca prescindir de intermediarios en beneficio del comensal, pues compran directo de pequeños productores para asegurar la frescura de los ingredientes, la cual se traduce en platillos de sabores intensos y elegantes.

Diego Sobrino describe el trabajo de La Excéntrica como “cocina de recuerdo”, pues la carta está compuesta de platos que apelan

a una tradición familiar, pero elaborados con técnicas contemporáneas, como su cochinita pibil y su barbacoa, las cuales se cocinan al vacío para obtener carnes más tiernas y jugosas.

El menú está diseñado para compartir, de forma tal que puedes ordenar tercios de porciones para degustar varios platillos.

Te recomendamos el aguachile verde de ca-

marón y los ostiones en su concha, o bien, si visitas en grupo, opta por alguna de sus tablas de quesos y charcutería. Algunas de sus especialidades son el sándwich de mejillones, la hamburguesa de pato y foie, así como su barbacoa de cordero, la cual se acompaña de salsa de hormiga chicatana, consomé y tortillas hechas a mano. Un platillo que no te puedes perder son los callos de hacha al chiltepín: los preparan con cebolla morada, pepino y un toque de chile, que realza su sabor a mar, preserva su textura fresca y suave. En verdad una delicia.

La mixtología de La Excéntrica se caracteriza por el juego de sabores en sus tragos.

Empieza con el romero des champs, con romero, ralladura de jengibre, toronja y ginebra; un drink sutil y de moda, pues el jengibre ya es muy socorrido en la coctelería por las notas picantes que aporta. El fresón lo elaboran con limón mediterráneo, albahaca, jugo de piña y ron, el cual también es una buena opción para alargar la tarde.

La Excéntrica $$ (+/- 350) Schiller, 333, Col. Polanco.

Tel.: 2624 0361

12 MÚSICA

Los Jaigüey Reyna Domínguez

C

uando uno hace tiempo, regularmente las acciones no son importantes. En realidad se hace cualquier cosa, así es al menos para la mayoría de nosotros. Sin embargo, existen tres personas que, mientras hacen tiempo, llevan a cabo una importante acción: hacer música.

Haciendo tiempo mientras hacen música, eso digo yo de Poncho Figueroa, Gustavo y Ricardo Jacob, mejor conocidos como Los Jaigüey, quienes, este 2013, y después de cuatro años, lanzaron su segunda producción discográfica: Haciendo tiempo, conformada por nueve variados temas, que van de la nostalgia a la denuncia, acompañados de una amplia gama de ritmos que impiden que se encasillen. ¿Y de dónde salieron Los Jaigüey? Se conocieron cuando se realizó un disco tributo a Rockdrigo, que después fue llevado al zócalo de la ciudad de México. Les latió seguir haciendo música juntos y empezaron a tocar de manera improvisada en el café de unos amigos en Tepoztlán.

Cuando les pregunto por el nombre me cuentan que surgió a partir de una tocada en el salón Pata Negra, y que al igual que habían estado improvisando musicalmente, el nombre surgió también de la misma forma; aunque explican que proviene de la película Lost Highway de David Lynch y que también es un juego de palabras de la mexicanísima expresión “¡Ay güey!”.

Su proceso de creación es sui géneris en el caso específico de este disco. Antes de cualquier

canción ya tenían el nombre de esta producción y a partir de ello nombre empezaron a crear el material. Al saber que iban a participar en el Vive Latino, del que fueron parte este 2013, fue que se dieron a la tarea de sacar el disco.

Fuera de todo convencionalismo, esta banda sabe que aunque ser parte del festival significó una gran oportunidad para dar a conocer su nuevo material, deben seguir trabajando. Porque además, el rock en nuestro país no tiene el gran apoyo que debería tener, y por ello no se duermen en sus laureles, pues seguirán teniendo presentaciones en diversos foros, a las que además dan una personalidad distinta. Así podemos ver el espíritu musical inagotable de estos tres músicos que participan también en distintos proyectos fuera de Los Jaigüey; ya sea con jaraneros, como es el caso de Poncho, o bien como Gustavo y Ricardo, que musicalizan cine silente.

Su música, me dicen, tiene visión humanista, canciones en las que narran historias que nos son conocidas, ya sea por el contexto que cuentan o porque son temas inherentes al ser humano.

Una banda peculiar que vale la pena escuchar en alguno de los foros en los que se estará presentando o bien en su disco Haciendo tiempo.

Boletín mensual de teatro: Paso de Gato, y Los Jaigüey regalan un disco a las dos primeras personas que escriban a: promociones@pasodegato.com

14 NIÑOS

Tejiendo sueños Silvia Chávez l amigurumi es una técnica de origen japonés que consiste en tejer pequeños muñecos. Los amigurumis toman forma de animales principalmente, como osos, conejos, gatos o perros, pero también se suelen crear muñecos de variadas formas.

“Es crear muñequitos con un sentido espiritual porque son únicos, ninguno es igual a otro aunque sea el mismo personaje, pues son hechos a mano. Imposible me salgan dos igualitos”, señaló Agua Galván, quien bajo el sello Aguarrumis confecciona todo tipo de diseños.

Desde la secundaria aprendió tejido, pero el reto llegó cuando su hijo mayor le solicitó un pulpito que vio en Internet y se puso a hacerlo.

“Me salió muy feo”, dijo; sin embargo su pequeño quedó feliz y así es como Agua decidió perfeccionar la técnica, pues quedó maravillada con la expresión de su primogénito.

“La reacción, sobre todo de los niños de entre cuatro y 10 años cuando lo tienen en sus manos, me emociona tanto que se ha convertido en una de las razones por las cuales continúo este oficio, el cual gracias a mi hermana alcancé a ver como una manera de obtener ingresos extras. Ella fue quien me hizo el primer pedido”, manifestó Agua, quien desde hace cuatro años se dedica profesionalmente a la creación de amigurumis.

Hace muñequitos desde cinco centímetros hasta un metro, y los más exitosos son los osos, aunque también hace colecciones; por ejemplo de personajes pertenecientes a Disney, a Star Wars, The Big Bang Theory, aunque estás ya las solicitan adultos.

“Hay gente que me pide su muñequito, me da una foto y conforme a ella los hago en miniatura, son los personalizados. También hay quienes me solicitan haga a su mascota, y es precisamente donde se les da un sentido espiritual, emocional”, concluyó Agua Galván, quien teje sueños y algo más.

Síguela en facebook.com/Aguarrumis o pide tu muñequito o recuerdos de bautizo baby shower en el 044 55 9194 4803 o en: akua_13 @hotmail.com

Foto prop. por Aguarrumi

E

Boletín mensual de teatro: Paso de Gato, y Aguarrumis te regalan amigurumis si eres de los primeros en enviarnos tus datos de contacto a promociones@pasodegato.com

16 Casa de citas

Más de lo que te imaginas Jimena Zermeño

V

ivimos, o intentamos vivir, dentro de los parámetros de lo normal y cuando algo, aunque sea una ligereza, sale del camino de la normalidad nuestra conducta puede ser tachada de muchas maneras: una de nuestras favoritas es la perversidad. Así, 12 escritores fueron convocados para hacer una antología de cuentos que giren entorno a lo perverso. En Más de lo que te imaginas el lector se topa, no con las ideas comunes de la perversidad: sexo y violencia, sino con una exploración del placer en sus más diversas y extrañas manifestaciones.

En “Madre Tierra”, de Erika Mergruen, este placer tiene la forma de puños de tierra mojada, mientras que para los personajes de David Miklos en “Alta Tensión” son recuerdos y una pequeña lagartija que no sabe que se acerca su fin. “Manuel y Lorenzo”, dos hombres que se reúnen esporádicamente para hablar de sus sofisticados y pavorosos pasatiempos son el vehículo que Alberto Chimal ocupa para hablar de la perversión y los nuevos medios que existen para explotarla.

En “Con varios objetos”, Rowena Bali nos muestra a una mujer-casi-virgen-medio-pecadora, que se embaraza y tendrá que hacerse cargo de los productos de sus pecados. Y si un embarazo no es suficiente perversión para un libro, Pablo Raphael cierra con una maravillosa historia de la relación más perversa de todas, la de madre e hijo; Damián es un hombre de 32 años que como cualquier otro ha

tenido que enfrentarse e incluso revelarse a su madre, su única particularidad es que nunca ha salido del vientre de ésta, una eternamente embarazada.

Por otro lado, Raquel Castro nos obsequia una muestra del fetichismo en su máxima expresión cuando los personajes de “Siempre fiel” hacen una visita al Vaticano para saciar su alma católica de una particular manera, que por ser tan absurda y al mismo tiempo cercana a la realidad, nos causa un escalofrío, después de claro, sacarnos una carcajada.

Me acerqué a uno de los puestos que había en la plaza y le compré uno de los santopadres de recuerdo, de esos que traen cuerda en la espalda, la jalas y dicen “El aborto es un pecado” “Condenación a la eutanasia” y, por supuesto, “México, siempre fiel”.

Así pues, el estado de ánimo de los cuentos pasa por lo oscuro hasta llegar a lo irrisorio, de modo que el lector se puede identificar con cualquiera de ellos, sobre todo al darse cuenta de que lo perverso no está tan lejos de nosotros, no es lo que le pasa al primo del amigo de un vecino, si no que es pan de cada día, pues tal vez sea lo perverso la regla y no la excepción.

Boletín mensual de teatro: Paso de Gato, y Ediciones Cal y Arena regalan ejemplares de Más de lo que te imaginas a las primeras personas que escriban a: promociones@pasodegato.com