ERRR no. (11) | abril-mayo 2011 | un elefante bonsรกi this magazine is free.
Bonsái. Abel Ibáñez Galván Dirección | Edición | Diseño abel@errr-magazine.com
Andrea Belmont Edición | Fotografía andrea.belmont@errr-magazine.com
Publicidad | Distribución abel@errr-magazine.com Fotografía de portada: Markus Linnenbrink www.errr-magazine.com | facebook.com/the.errr.magazine No. de certificado de reserva de derechos al uso exclusivo del título 04-2008-091713151200-102. Todos los derechos de imágenes son propiedad de sus autores y no podrán ser reproducidas sin el permiso de éstos.
Un elefante bonsái. El artista es aquel de quien los artistas dicen que es un artista. O bien: el artista es aquel cuya existencia en cuanto artista está en juego en ese juego que llamo campo artístico. O, incluso, el mundo del arte es un juego en el cual lo que está en juego es la cuestión de saber quién tiene derecho de decirse artista y, sobre todo, de decir quién es artista. Pierre Bourdieu El sentido social del gusto
Dos elefantes bonsĂĄi. Quien conoce al enemigo y se conoce a sĂ mismo disputa cien combates sin peligro. Quien conoce al enemigo pero no se conoce a sĂ mismo vence una vez y pierde otra. Quien no conoce al enemigo y no se conoce a sĂ mismo es derrotado en todas las ocasiones. Sun Zi El arte de la guerra
Buen bonsái. fotografía #1: yo, comiendo una galleta que sabe a comida para perro. fotografía #2: yo, comiendo comida para perro. fotografía #3: un perro lamiendo un taladro. fotografía #4: un perro mordiendo un cerebro. fotografía #5: un perro masticando vitaminas. fotografía #6: un perro que parece gallina y una gallina que parece ardilla. fotografía #7: un perro se avienta contra un auto en movimiento. fotografía #8: bote comiendo fresas gigantes. Abel Ibáñez Galván Texas, MA
UNTITLED | Yuli Sato
montreal, canada, 1990 | estudiante, fotógrafa | yulibow@gmail.com | www.yulisato.com | “forgive me please but do repeat what you’ve said / while its fresh in your head / the way those consonants stretched / before you forget / wait there thats it just / at the split of your lips / before your tongue gives to lisp / wearing that sweet sinful slip / spins a crippling ellipse / a swell of strings sing neath / the pleats of my dress / and speeds what beats neath my breast / into the song they suggest / taps traces of wet / (oh wait that shape did make conducting the wave) / they phrase this endless refrain / and for the next several days / im braced neath the waist / creased of these sheets / in half a sleep it seems to speak through me / the sweet symphony / might simply be the sound of space between / conceived of where we meet / might your proximity then cease to restrict / that which exists of such bliss / where that it rings of all things / with strict consonance / bless me with breath lest we forget / what you said / to loose this noise in my head / for that in flesh unto death / might we seamlessly blend / and should i pass away / i pray a tape be lain upon my grave / and these sweet remains may play that melody / to say whats left between these knees at ease.”– four words, parenthetical girls
TIDY UP | Franziska Sinn
berlin, germany, 1979 | fotógrafa | www.franziskasinn.de | “hate runs through my blood / what matter are words in love / but my heart always left above / i’ve gotta believe you now / i thought i’d never be sure about / but girl, i’m black and blue / so beaten down for you / well, i’m beaten down and blue / don’t break away / i’ll waste away / don’t break away / lay me out across the grey / hours i should have kept at bay / i had no choice to get away / i can’t escape my own mistake / even more when it’s sweet to the taste / red stairs lead astray / i look up and see for faith / but girl, just lean over and say / “lay me down” / and hear me out / take my crown / submerse me down / but wait / i make my last request / yours could be the best / but i need to rest / well i’ve been broken down / so much has lost it now / i just wanted to say / girl, don’t you worry ‘bout a thing / girl / baby, please.” – out getting ribs, zoo kid
STALLION | Laura Macías Barrera / / WAREHOUSE
tijuana, méxico, 1983 | director creativo de warehouse multimedia lab. | lauramaciasmx@gmail.com | www.youtube.com/user/lamabamx “when can we get together again? / nevermind, i’ve lost you / how can i tell if I love you anymore / nevermind, i know i do / call you closer to my arms / you’ll feel better when you’re warm / do you like it when you leave your house? / do you like it when you’re in a town? / that you love / like one i live in / like one i live in / it’s my body’s plan / i feel another / timer / will my love / slow down / it’s my body’s plan / make another telephone call / think of you and me.” – talamak, toro y moi
ERIKA | Cassandra Gutiérrez Oosthuysen
ciudad de méxico, 1990 | estudiante de arquitectura | casserrez@gmail.com | casserrez.tumblr.com | “the world was on fire and no one could save me but you / it’s strange what desire will make foolish people do / i never dreamed that i’d meet somebody like you / and i never dreamed that i’d lose somebody like you / no, i don’t want to fall in love (this world is only gonna break your heart) / no, i don’t want to fall in love (this world is only gonna break your heart) / with you (this world is only gonna break your heart) / what a wicked game to play, to make me feel this way / what a wicked thing to do, to let me dream of you / what a wicked thing to say, you never felt this way / what a wicked thing to do, to make me dream of you and...” – wicked game, chris isaak
CINQ PETITS RÊVES | Frederik García
barcelona, españa, 1981 | urban survivor, t-shirt printer | www.frederikgarcia.com | “i saw the ghost of lena zavaroni / vanilla strawberry knickbocker glory / hans christian andersen plays musical statues / to don’t take it out on this world by adams apples / sprinkling hundreds and thousands on a knickerbocker glory / i saw the ghost of lena zavaroni / we’ve got no room for technicolor / emeric pressburger said to diedrich knickerbocker / rows & rows of lightbulbs illuminated in speech bubbles / alternating off & on every time i hit the button / sprinkling hundreds and thousands on a knickerbocker glory / i saw the ghost of lena zavaroni / she had never seen traffic lights, lifts or escalators / or layers of strawberries in the mouth’s of light entertainers / she had never seen traffic lights, lifts or escalators / or layers of strawberries in the mouth’s of light entertainers .”– knickerbocker, fujiya & miyagi
.te.toca.a.ti.pagar.el.pato,vato,no.le.saques. .no.digas.que.te.vale.gato.flaco. .ya.no.jales.que.te.toca.a.ti.pagar.el.pato, .te.toca.a.ti.pagar.el.pato.vato. .no.digas.que.no.tienes.vela.en.este.entierro. .que.ya.sábanas.paquetes.de.hule,loco. .te.toca.a.ti.pagar.el.pato,vato,no.le.saques. .no.digas.que.te.vale.gato.flaco. .ya.no.jales.que.te.toca.a.ti.pagar.el.pato, .te.toca.a.ti.pagar.el.pato.vato. .no.digas.que.no.tienes.vela.en.este.entierro .que.ya.sábanas.paquetes.de.hule,loco. .caite.cadaver,ya.caite.cadáver. .caite.cadaver,ya.caite.cadáver. .caite.cadaver,ya.caite.cadáver. .estaba.echádome.aguas.esa.noche.aquel.carnal .la.chota.no.chotéa,te.catéa.ya.sabrás .el.bisnes.era.chile.por.el.mero.callejón .la.transa.estaba.hecha.pero.el.vato.se.peló .que.aguas,ni.que.aguas.con.la.tira,el.apañón .las.manos.en.la.masa.y.que.al.tambo.caigo.yo .te.toca.a.ti.pagar.el.pato,vato.no.le.saques .no.me.digas.que.te.vale.gato.flaco .ya.no.jales.que.te.toca.a.ti.pagar.el.pato .te.toca.a.ti.pagar.el.pato.vato .no.digas.que.no.tienes.vela.en.este.entierro .que.ya.sábanas.paquetes.de.hule,loco .póngale,póngale,póngale,póngale .póngale,póngale,póngale,póngale .póngale,póngale,póngale,póngalele. .JAIME.LÓPEZ. .Caite.Cadáver.
HOME | Oscar Rubio
ciudad de méxico, 1988 | estudiante, fotógrafo, diseñador web | www.oscardee.com | “i knew a boy that was swallowed by the sky / by the flashing lights / i knew a man that got lost in the big dull blue / and came out alive / i knew a boy / i knew a man who looked a lot like you / i knew a time you could stand still beside / never rushing by / i knew a place you can go where your head could explode into peace of mind / i knew a time / i knew a place that felt a lot like you / i knew a boy / i knew a man who looked a lot like you / just like you / i knew a friend that would hold on to the flames / keep them from burning you / i knew a smile i could see through all of the stars / that the world had thrown.” – man like you, patrick watson
MONJES EN TRANSILVANIA | Osvaldo Sánchez
Osvaldo es curador de Destello, la próxima exposición de la Fundación/Colección Jumex que estará abierta al público desde abril hasta a septiembre de 2011. La exposición pretende revelar en el público la relación entre arte y espiritualidad, arte y ética, arte y naturaleza humana.
– Destello como título surge a partir de una idea de certeza mística de larga tradición, que diserta sobre cómo la participación en y desde la visión nos abre a un conocimiento inédito y certero de aquello que nos está velado; y entiende este acto de revelación inmanente como un antiguo poder de la obra de arte. – La exposición parte de un marco muy específico que es la obra en Colección. A partir de ahí hemos querido trabajar quizá con el segmento menos amplio del perfil de obras en la colección, y a su vez sugerir una reflexión en torno a los entusiasmos prevalecientes en la escena contemporánea. Hay un ánimo sino crítico al menos de cierto cuestionamiento. – Las obras convocadas insisten en la tradición humanista, de inscripción espiritual y en el valor de la vida y sus misterios, como centro de la reflexión humana en el arte. No suena muy contemporáneo, y eso me agrada. – Creo firmemente en la idea que el arte es siempre un síntoma de nuestra fragilidad; y me gusta la idea de no fingir lo contrario. – Creo en la curaduría como una especie de acción poética, como un acompañar la opacidad de las obras sin regalarlas, sino más intentando amplificar sus resonancias. No creo en la
labor curatorial como un tipo de oficio del orden de la producción de historia ni de cánones. Lo veo más como un intento especulativo de producir una experiencia, la experiencia del arte. A veces olvidamos fácilmente que el arte no es historia del arte. – No hay perfil ideal para mí. Aunque sí lo hay para el mercado, o para las instituciones canónicas. Un curador óptimamente debería ser alguien culto, con cierta inquietud; de amplia libertad mental, con alguna fineza por compartir... – El valor de una exposición artística está en la experiencia individual de cada uno de sus espectadores. En lo que una exposición es capaz de provocar, sin discursos. – Me dedico a resistir. A mantener una pasión y una fé en lo que hago. A perseverar en la idea de que la experiencia del arte nos hace, sino mejores, al menos menos aburridos. – Mi carrera (haga lo que haga) empezó cuando era niño, cuando vi a unos monjes en Transilvania hacer estampitas...
Fotografía de Before the Flowers of Friendship Faded Friendship Faded (After Gertrude Stein), 2000 de Wyn Evans. Texto de fuegos artificiales en marco de madera, 1407 x 30 x 12 cm. Fotografía por cortesía de Fundación/Colección Jumex.
DRIPPING | Markus Linnenbrink
Markus nació en Alemania en 1961. Se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Berlín en 1988 y desde entonces su trabajo ha estado exhibido en museos y galerías de todo el mundo. Actualmente vive en Estado Unidos, tiene su estudio en Brooklyn, Nueva York. Su trabajo gira alrededor de esculturas, instalaciones y pinturas. Recientemente colaboró con Swatch en una línea con diseños exclusivos realizados por artistas y diseñadores, en donde también participan Jeremy Scott y Terje Haakonsen. Puedes ver su trabajo en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Arte Israelí de Herzliya, el Hammer de Los Angeles o la Neue Galerie del Museo de Kassel. www.markuslinnenbrink.com
– Me gusta la definición de Joseph Beuys de cada ser humano como un artista siendo que todos tenemos poderes creativos. – Siento que el mundo del arte en Nueva York continúa siendo el más grande del mundo, simplemente porque casi parte de la población mundial está presente ahí, incluyendo arte y artistas de todas partes. Tenemos lugares como el Japan Society, El Museo del Barrio, el Harlem Studio Museum, el Museum for Chinese in America, el Museum of Contemporary African Diaspora Art, todos exhibiendo arte de diferentes partes del mundo. – Con una gran población de mexicanos viviendo en Nueva York, la cultura mexicana es parte de la ciudad, especialmente en Queens y Brooklyn. Si te fijas en las ferias de Miami y Nueva York te das cuenta que cada vez hay más y más galerías mexicanas participando. – Ultimamente muchos artistas mexicanos y artistas de todo el mundo viviendo en México han tenido mucha atención internacional en museos y bienales. Creo que el arte de Centro y Sudamérica está poco a poco atrayendo más atención y no solamente en Nueva York. Espero que esta situación siga así y creciendo de manera que podamos tener acceso a mucho más arte contemporáneo producido en México y otros países de Latinoamerica.
– Cuando puedo ver o sentir la pasión y devoción que me motiva desde el trabajo, sin importar cómo se articule finalmente, entonces es cuando puedo hablar de arte. – Como un pintor que trabaja mucho con el color, uno de mis artistas más apreciados es Matisse. Su trabajo es irresistible. – Mi esposa, que se encarga de la Number35 Gallery, me mostró el trabajo de un artistas mexicano viviendo en Brooklyn, Carlos Sandoval de León, ambos amamos su trabajo, que es acerca de la subcultura gay en un lenguaje de arte minimalista. Nos gusta visitar El Museo del Barrio porque nos da una visión acerca de los artistas centroamericanos y su historia en Nueva York. – Durante mi vida la importancia de ciertos artistas ha ido cambiando. Ahora, lo que aprecio mucho es nuestra situación privilegiada de poder pararnos sobre los hombros de los gigantes, por decirlo así. Con nuestro mundo interconectado podemos saber más acerca de lo que se está creando en el momento en que se está creando en cualquier lugar del mundo, o lo que se ha creado a través de los siglos...
– Ir a museos, galerías y ferias es una buena manera para mantenerme informado acerca de lo que pasa alrededor del arte. Pero mi trabajo no evoluciona a partir de la inspiración tanto como puede crecer a partir de estar el estudio y mantenerme trabajando. – Cuando estoy trabajando me muevo mucho alrededor de la pieza, y si lo hago con música hace que el trabajo se convierta en una especie de danza-permformance. – Cerca del estudio hay un pequeño barrio puertoriqueño y me encanta cuando es verando y todo mundo está afuera y puedes oir la música y las conversaciones en español... – Disfruto del silencio cuando necesito concentrarme y pensar o escribir o leer. Es una cuestión acerca de la capacidad para concentrarse. Cuando era niño podía leer en cualquier situación, incluso en fiestas con todo mundo hablando alrededor. El silencio que uno necesita también puede ser generado en tu propia cabeza. – La música es un potenciador de emociones. Amo la música, sería difícil vivir sin ella. La música me ha ayudado a dejar salir las lágrimas y el sufrimiento y la alegría y la diversión y la energía pura muchas veces.
– Estuve en Baja California, en México, en casa de un amigo. Ahí pude sentir mucho el silencio: no había nada, sólo espacio, cielo, desierto y oceano alrededor, era mágico. Amamos la comida, todos los picantes y pimientos, no hay vida sin jalapeños y habaneros y pimientos poblanos y tacos y guacamole y frijoles y salsa y... – He visto todas las películas de los hermanos Coen, todas son fabulosas. – Si alguien se declara a sí mismo un artista, ¿quién soy yo para decirle que no lo es?
1ª página: AFTERTHEDAYTHENIGHTTHEMORNING 2011, resina epóxica sobre madera 2ª página: LEAVEMETOMORROW(BUKAREST1970), 2010, c-print, resina epóxica sobre madera 3ª página: SUDDENDOORINTOSUMMER (71), 2010, c-print, resina epóxica sobre madera 4ª página: INTERNATIONALACTION STARJACKIECHAN, 2010, c-print, resina epóxica sobre madera Portada: RIGHTTORETURN(DONAUDELTA), 2010, c-print, resina epóxica sobre madera Fotografías por cortesía del artista.
SAN CARLOS CENTRO CULTURAL | Minory León Minory León ha trabajado en el Museo Tamayo como jefa del área de multimedia, en el MUCA como curadora de arte digital, y fue directora general del Museo Federico Silva en San Luis Potosí. Actualmente es coordinadora de San Carlos Centro Cultural (SCCC) de la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la UNAM, recinto que abrió sus puertas a finales del 2010 y está ubicado en Academia 22 en el Centro Histórico de la Ciudad de México.
– Desde siempre he disfrutado estar en ese ámbito, ver las obras, imaginar el mundo de los artistas, escucharlos, entender a profundidad lo que expresan y los medios en los que se apoyan para proyectar sus discursos. Las cosas se fueron dando de modo muy natural. Con el tiempo comencé a preguntarme cómo podía participar de manera más activa y entendí la importancia de dar a conocer las ideas, las expresiones, la extraordinaria diversidad que entretejen las manifestaciones del arte, el diseño, la arquitectura y la ciencia, así como la forma en que éstas en conjunto transforman el mundo. – Fue en la UNAM donde el universo del conocimiento me ayudó a entender la importancia que tiene el intercambio del arte con otras disciplinas y donde pude apreciar cómo el arte se conecta con tantos aspectos de la realidad. – He tenido la oportunidad de trabajar con gente sensible, despierta y divertida: colabora-
dores de primera fila con los que he construido proyectos de manera conjunta. Ha sido un camino de descubrimiento y de sorpresa: hay personas muy valiosas, que se preocupan por impulsar proyectos inteligentes y enriquecedores, a las que te vas encontrando en el camino. – El primer paso para estar en posibilidades de conceptualizar, construir y compartir, es entender el origen, la historia de un espacio y de su comunidad, leer con detenimiento la plataforma que tienes para elaborar una propuesta afín. En este caso, la clave fue valorar el significado histórico, cultural y patrimonial de la Academia de San Carlos: no se trata simplemente de mirar hacia atrás, sino de apreciar los más de dos siglos que tienen las antiguas galerías de SCCC. – El reto de dar paso a las colecciones que durante todo ese tiempo se configuraron como herramienta educativa para generaciones enteras de artistas nacionales y, a la vez, abrir espacios a las manifestaciones artísticas actuales, fue algo que terminó por diseñar de modo natural las bases de este proyecto de nueva creación, de gran relevancia para el mundo de la cultura en tanto que ofrece un amplio panorama de una de sus principales facetas. – Entre nuestros principales objetivos están los de compartir la riqueza patrimonial que caracteriza a los espacios del recinto, difundir el patrimonio universitario que se concentra en la Academia de San Carlos y retransmitirlo a través de manifestaciones artísticas actuales, a las que debemos servir como plataforma. – Es importante entender a SCCC como un proyecto que suma y que ofrece distintos aspectos: en un espacio con historia propia y gran belleza arquitectónica, encontrarás desde artistas de la talla de Durero o Rembrandt hasta las más recientes producciones de artistas contemporáneos mexicanos de gran calidad, en un dialogo que traza una línea de tiempo sorprendente. – Las siguientes exposiciones a inaugurar presentan muchos atractivos. Se trata principalmente de dos muestras. La primera surge de nuestras colecciones: es una exposición sobre el pintor Pelegrín Clavé, quien le da nombre a una de nuestras galerías. En ella se abordará su aportación a la Academia en el contexto de la historia de las antiguas galerías, donde hoy se encuentra SCCC; la otra muestra es un diálogo con la creación actual en el campo del dibujo, representada por la obra de los maestros contemporáneos de la disciplina. Fotografía de Minory León por cortesía de SCCC.
FLUIR | Shadi Charbel
Shadi nació en México y patina desde que tenía quince años. Ahora tiene veintisiete, vive en Barcelona aunque en México tiene una tienda y una marca de tablas llamada Deza. Pertenece al equipo de skate de DC Shoes y es de los principales exponentes del deporte a nivel internacional. Seguramente lo veremos el 30 de abril en México Patina, el 1er Campeonato Nacional de Skateboarding de la AMPA (Asociación Mexicana de Patinadores).
– El mejor consejo para alguien que empieza a patinar es que patinen y disfruten lo que la patineta les pueda ofrecer personalmente más que económicamente. – Los patinadores empiezan a formar parte de la industria, esto es una prueba de que el skate en México está en crecimiento, y ese detalle es el que va a hacer que todo tome la direccion y desarrollo adecuado. – Sin duda el mejor nivel de skate está en Estados Unidos. Esto se debe a que ahí comenzó este deporte y ahí empezó la industria. Los mejores patinadores de todo el mundo pasan por ahí porque hay lugares para practicar este deporte en forma.
– Patinar se convierte en un tipo de vida aunque no lo sea todo. Yo he invertido casi todo mi tiempo en esto y de aquí me han surgido amigos, viajes, experiencias malas y buenas. Con el paso de los años vas madurando y te das cuenta que todo eso más importante que la patineta misma, aunque nunca se puede negar que todo surge por el simple hecho de estar arriba de un patín. – En realidad me la paso bien a donde sea que vaya, no tengo ningún lugar favorito. Si me pongo a pensar en el tipo de lugares que a mí me gustan para patinar no encontraría ninguno [en México], me adapto a lo que hay como todos le hacemos, simplemente porque no hay eleccion. – El evento del AMPA puede marcar el comienzo de una nueva etapa tomando en cuenta que la gente que lo está llevando acabo le dé la dirección y la proyección adecuada. Creo que este tipo de concursos son básicos para mostrarle a la gente de qué se trata patinar. – Cuando era mas joven recuerdo que eventos como el del AMPA me daban una motivación inmensa para progresar patinando sin importar el premio, en estos eventos es donde la gente se junta y se motivan unos con otros y se promueve el crecimiento de esta generación con las nuevas. Estoy seguro que en cada uno de estos eventos surgen nuevos patinadores... todos vamos a estar ahí. – Estar en el momento adecuado con la gente adecuada. Así todo fluye como tiene que fluir, siempre y cuando tengas la base clara. Y esa base eres tú arriba del patín.
Fotografía por cortesía de DC Shoes.
OJOS | Regina G. Solórzano / Juan Carlos García Guerrero Regina García Solórzano fue directora de Ojos que no ven, cortometraje con el cual se tituló de la carrera en Centro de Diseño Cine y TV y que fue mostrado en la Cineteca. Actualmente trabaja en varios proyectos cinematográficos y en distintas productoras. Juan Carlos García Guerrero tiene un estudio en donde se dedica a hacer imagen corporativa, decoración de espacios, fotografía, video, entre otros. Fue el director de fotografía para el cortometraje Ojos que no ven.
REGINA GARCÍA SOLÓRZANO – El director de cine principalmente es quien encamina a la producción, a los actores, al rodaje entero conforme a su visión creativa sobre la historia. Es quien decide hacia qué rumbo conducir la filmación. – He aprendido que ser un buen director va mucho más allá de tomar una postura de liderazgo: es también un trabajo de gran apertura, de aprender a recibir propuestas pero al mismo tiempo defender la visión propia siempre y cuando beneficie al proyecto. Una constante búsqueda y exigencia a uno mismo. Si tenemos una idea en la cabeza, entonces no hay que desistir hasta que salga tal cual la tenemos pensada. – Mi principal miedo fue la dirección de actores, sobre todo por el tipo de historia que escribí, siempre en la delgada línea de convertirse en un melodrama, lo cual me aterraba. Pero al final uno de mis grandes aprendizajes fue justo en eso, en saber encaminar a un actor a la situación que yo quería, con mucha paciencia y a veces también cuando notaba que ciertas acciones se estaban dando en el momento soltar la rienda y dejar que sucedieran. – Otra de las grandes tareas de un buen director es saber elegir a la gente que lo rodea y que
sabes que por su trabajo beneficiarán al proyecto. – En el cine no hay niveles de importancia, al final un error de maquillaje te cuesta lo mismo que un actor mal dirigido, así como una buena preproducción se cae con una mala edición o un mal diseño sonoro. Todas las áreas son igual de importantes; si falta comunicación, al final uno lo ve en la película. Como director uno debe mantener todo el barco al mismo nivel. JUAN CARLOS GARCÍA GUERRERO – Somos los ojos del director, hacemos tangible su visión a los ojos de los espectadores. Por ejemplo, un director te dice más o menos como quiere que se vea la escena, y tú ya le haces una propuesta visual que, junto con tus conocimientos técnicos, complemente su visión y que aporte además a la historia. – El director de arte es la mano derecha del fotógrafo y su objetivo es entregar una agradable experiencia óptica al público. Con el director de arte tiene que existir un gran diálogo para poder armar una propuesta visual coherente. – Como director de fotografía siempre se va a notar tu estilo, pero también se debe de notar la comunicación entre director y fotógrafo; esa cierta autoría complementaria. – Partimos de la base que en el cine no existe un rodaje libre de problemas, y este no fue la excepción. El rodaje se realizo a casi dos horas de la ciudad, entonces si algo del equipo fallaba pues teníamos que improvisar. – Teníamos que estar cazando el sol, esperando la hora perfecta para realizar la toma. Cuando ya la teníamos, había que apurarse porque si no variaba la luz. – Trabajar en equipo lo es todo, en el cine no existe el concepto de la “One Man Band”. El secreto de un trabajo cinematográfico bien realizado, es el saber delegar las responsabilidades y la comunicación entre el equipo. A pesar de que el proyecto se rige por la visión del director, o en este caso la directora, todos deben de aportar al proyecto.
Still de la película Ojos que no ven, (2010) de Regina García Solórzano (México).
ALL BLACK | Mini Cooper
El color negro convierte todo lo que toca en un clásico, y no es la excepción en el caso del Mini Cooper All Black con sus interiores y exteriores en diferentes tonos de negro, computadora a bordo, bluetooth con interfase para USB Audio, botón deportivo, línea cromada exterior, rines en color negro, y otros detalles exquisitos. Te presentamos un playlist con recomendaciones para que disfrutes algunas canciones teñidas de negro a bordo de tu Mini.
SIDE A
SIDE B
1. Paint it black, Rolling Stones 2. Black dog, Led Zeppelin 3. Back in black, AC/DC 4. Black night, Deep Purple 5. Blackbird, The Beatles 6. Black Peter, Grateful Dead 7. Baby’s in black, The Beatles 8. Lady in black, Uriah Heep 9. Black gold, Nina Simone 10. Black diamond bay, Bob Dylan 11. Man in black, Johnny Cash 12. I’m black and I’m proud, James Brown 13. Black cow, Steely Dan 14. Black magic woman, Santana 15. Black water, The Doobie Brothers 16. Black star, Elvis Presley 17. Black survivors, Bob Marley
1. Black tambourine, Beck 2. Black out, Pavement 3 Black math, The White Stripes 4. Black hole sun, Soundgarden 5. Black Star, Radiohead 6 The deepest blues are black, The Foo Fighters 7. Supermassive black hole, Muse 8. Black celebration, Depeche Mode 9. Black, Pearl Jam 10. Black eyed, Placebo 11. Black cadillacs, Modest Mouse 12. Black book, Blur 13. Black mags, The Cool Kids 14. Black cowboy, Eek-A-Mouse 15. Back to black, Amy Winehouse 16. 7 Shades of black, Smashing Pumpkins 17. Black & White blues, Nirvana
1985 | Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Zona Sísmica. Ciudad de México, 1985 estará abierta al público hasta agosto 2011, de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas, en la sede del Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT), ubicado en Ricardo Flores Magón No. 1, colonia Nonoalco-Tlatelolco, al lado de la Plaza de las Tres Culturas. La entrada cuesta 20 pesos, con descuentos para estudiantes y maestros. El domingo el acceso es libre. Para más información, visita www.tlatelolco.unam.mx.
El 19 de septiembre de 1985, a las 7:19 de la mañana, la Ciudad de México cambió para siempre. “El terremoto ocurrido ese día afectó la vida de millones de mexicanos e incluso modificó la fisonomía de la ciudad y el estilo de vida de sus habitantes. A partir del sismo, la ciudad se convirtió en un hervidero de ideas y acciones, un torrente de energía donde
la gente fue capaz de hacer la diferencia”, comentó Ana Elena Mallet, curadora de la exposición, junto con Dulce María López Vega. Este sismo afectó el centro de la ciudad así como una franja importante de colonias pobladas de patrimonio histórico; Roma, Condesa, Cuauhtémoc y Juárez, además de la franja de San Antonio Abad. Muchos de los grandes edificios construidos durante el periodo moderno se vinieron abajo. Los lujosos hoteles Regis, D´Carlo y del Prado ubicados en la zona de la Alameda Central se derrumbaron, los multifamiliares de Nonoalco Tlatelolco y el Juárez tuvieron severos daños y en ellos fallecieron muchas familias. “Septiembre de 1985 implica un antes y un después en la historia de la ciudad y en su conformación social y simbólica. A partir de aquel momento surgieron leyes de construcción, planes de protección civil, alarmas antisísmicas, además de toda una serie de medidas que cambiarían el rostro y la percepción de la Ciudad de México”, declaró Mallet. “A 25 años de lo sucedido esta exposición busca más que conmemorar la tragedia, generar una serie de reflexiones sobre lo que a partir de la destrucción devino en construcción”, agregó la especialista. “No es casual que esta exposición se realice en el CCUT. La zona donde estamos ubicados fue una de las principales afectadas por el terremoto, pero también fue el área donde fuimos testigos de la grandeza de la solidaridad humana y la voluntad de salir adelante de sus habitantes, lo que permitió avanzar en la reconstrucción”, dijo el etnólogo Sergio Raúl Arroyo, director general del CCUT. La exposición mostrará al público cómo está conformado geológicamente el territorio de la ciudad de México. En tanto, a través de un registro gráfico con imágenes de archivo, videos, recortes de prensa y obras de fotoperiodistas se hará un recuento de los terremotos anteriores que han afectado a la ciudad de México (1910, 1957, etcétera). Para documentar el derrumbe, se cuenta con un registro visual, auditivo y gráfico de 1985 a los ojos de la prensa, la crónica, los fotorreporteros, las víctimas y los escritores.
Fotografía de la serie Arquitectura Colapsada, 1985, de Bob Schalkwijk. La decoración que Carlos Mérida realizara para el Multifamiliar Juárez sumó 4,000 m2. La crítica especializada la consideró el mejor ejemplo de integración plástica jamás hecho. Fotografía por cortesía del CCUT y presente en la exposición “Zona Sísmica”.
CANTERA | Renata Becerril
Cantera es una exposición que reune más de 80 piezas con lo más representativo del diseño mexicano contemporáneo, curada por un equipo de investigadores de Centro de Diseño Cine y TV y Ana Elena Mallet. El proyecto fue posible gracias al apoyo de ProMéxico. Renata Becerril fue la encargada de hacer el diseño de esta genial exposición inaugurada el día 17 de marzo y abierta al público hasta el día 29 de abril en las instalaciones de Centro de Diseño Cine y TV.
– Cantera está integrada en su mayoría por piezas de pequeña escala debido a la naturaleza de los espacios de exhibición. Sin embargo, incluimos secciones de mobiliario de diseñadores ya expuestos o colaboradores de la exposición, aunque no representan de ninguna forma la diversidad y riqueza del diseño de muebles en nuestro país. – Se buscó que las piezas fueran propositivas, que manifestaran una búsqueda por nuevos usos de materiales, exploraciones formales, y revaloraciones culturales y de identidad.
– No se ha pensado en itinerar la exposición. Esta iniciativa es parte de una estrategia integral que incluye la edición de un directorio de diseñadores mexicanos y la difusión del mismo en el exterior. – Existe un gran entusiasmo entre los jóvenes diseñadores y un enorme potencial en términos de la generación de una identidad local que motiva a muchos. Hay también un creciente interés por generar proyectos colaborativos que alimentan el desarrollo del diseño en México y su proyección en el exterior. – Entre las piezas que llamán más mi atención están los bancos Cesta desarrollados por un colectivo de alumnas de la escuela demuestran que las técnicas tradicionales no son estáticas, por el contrario, pueden reinventarse en nuevas formas que distan de ser nostálgicas. Materiales naturales como la palma y el tejido dominado por artesanos de Guerrero son traducidos a un lenguaje contemporáneo. – La colección Filia - Memories from Earth, de la ex alumna Olga Olivares, demuestra el poder del diseño para promover una conciencia ambiental: chalecos, chamarras, gorros, zapatos y bolsas para niños, representan animales endémicos de México en peligro de extinción. – El nombre de la exposición, Cantera, expresa por un lado la generación constante de talentos, y por otro una imagen poética de traducir la materia en objetos únicos. – Considero al diseño una disciplina que genera objetos o imágenes, no diseñadores. Hay piezas que por su aportación y relevancia hacen más visibles a algunos diseñadores sobre otros, así es que más que hablar de diseñadores mencionaría objetos que han probado ser atemporales: los vasos y contenedores de vidrio que Nouvel Studio ha desarrollado internamente o comisionado, las piezas de cerámica que Arta Cerámica produce en conjunto con diseñadores, entre otros.
Fotografías de detalle de Dots, de Bang Buro / Rita Jiménez Pons / Jerónimo Reyes Retana. Poster en serigrafía, forma parte de la exposición Cantera. Fotografía por Andrea Belmont.
I’M FREE | Andy Davis
Andy nació en California y se ha dedicado al surf, al arte y al diseño durante toda su vida. Su trabajo ha sido expuesto en galerías en Estados Unidos, Japón, Francia, Australia, España, entre otros. Por su estilo sencillo pero muy divertido, Andy ha colaborado con marcas internacionales como Ruca Clothing, Roxy, Quiksilver, Northface, Sanuk, The Gap... su más reciente colaboración fue con Vans, quien lanzó tenis, playeras y sandalias. En esta edición de ERRR te regalamos un poster exclusivo con un diseño especial de Andy. Visita www.mynameisandy.com
– Mi arte es soñar despierto. – Me pierdo en el proceso de la pintura y el dibujo; es la única parte de mi vida que nunca ha estado sujeta a reglas. – Cada persona que ve mi trabajo tiene una interpretación distinta de lo que significa y así me gusta que sea.
Texto tomado y traducido de la biografía publicada en su sitio web. Fotografía por cortesía de Vans.
ONE SUNNY DAY P.D. I won’t tell the story the way it happened.
P.D. I’ll tell it the way I remember it.
P.D. Sometimes the water is yellow. Sometimes it’s red.
P.D. The color in memory depends on the day.
P.D. It was as if it had never been.
P.D. There was just my memory of it.
P.D. It’s tragic, you’re already in love.
P.D. I’ll see you when you wake up.
Fotografías por Andrea Belmont Las P.D. son citas del guión de la película Great Expectations (1998) escrito por Mitch Glazer basado en la novela del mismo título de Charles Dickens.