Catálogo Qubo by Espacio Menosuno

Espacio Menosuno, en su afán por hacerle un hueco a la investigación artística emergente, presenta IN-SONORA en su segunda edición In-sonora II, pretende ser un pequeño itinerario de propuestas sonoras e interactivas, donde lo poético se topa con lo real, al ser reconstruido en la mente del espectador. Tras el éxito de In-sonora en la pasada edición, para esta ocasión E-1 abrío una convocatoria pública en busca de artistas nacionales e internacionales que trabajaran con arte sonoro e interactivo. Dentro de una gran variedad de propuestas, han sido seleccionados los trabajos de los artistas Miguel Álvarez Fernández, Stefan Kersten, Asia Piascik, Jesús Jara y Juan Sorrentino. Sonanismo, de Miguel Álvarez Fernández, Stefan Kersten y Asia Piascik. Instalación sonora interactiva en la que visitante, tras ajustarse un casco y una máscara a la que se conecta un pequeño micrófono, pasa a formar parte de un circuito cerrado en el que él mismo genera y provoca los sonidos que percibe. Sfer (wav_loop), de Jesús Jara. Collage sonoro de entrevistas a presos políticos en Ucles durante la dictadura franquista, (cedidas por ARMH-Cuenca) inmersas en burbujas de cristal. Cuadros Sonoros, de Juan Sorrentino. Bastidores en blanco que mediante la voz reconstruyen en la mente del oyente grandes obras de la historia del arte. Espacio Menosuno calle de La Palma, 28 Madrid, (metro Tribunal - Bilbao) del 28 de septiembre al 8 de octubre del 2006. Performance inaugural del artista Argenis Salazar. + info: insonora2.menos1.com // insonora.menos1.com El artista sonoro sigue siendo un nómada que escapa de las definiciones claras de “artista“. Se pretende que esta muestra sirva para que el espectador conozca este tipo de propuestas, y sobre todo, pueda encontrar a personas y colectivos interesados en el arte sonoro, que están trabajando e investigando sobre él. Para tal fin, la exposición contará también con conferencias, presentaciones y mesas redondas; así como un centro de audición y documentación con numerosas muestras y trabajos de Arte Sonoro.

El Arte Sonoro no es en absoluto nada nuevo dentro de los movimientos artísticos contemporáneos, podríamos fijar incluso la fecha de su aparición y concretarla a raíz de la publicación del “Arte de los Ruidos” en 1913 por Luigi Russolo dentro del Manifiesto Futurista. Estos movimientos vanguardistas Dada y Futurista, hicieron que las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas desapareciesen, el ruido se convirtió entonces por vez primera en un elemento expresivo y no exclusivo, y los sonidos de la vida cotidiana se liberaron. Desde entonces, el arte sonoro ha comenzado una lenta evolución, encontrando en el camino numerosos obstáculos y siempre buscando diferentes alternativas de desarrollo. Vivimos una época en la que los artistas de distintas disciplinas se ven forzados a entrar en comunicación para enriquecerse mutuamente. La conciencia del mundo sonoro que nos rodea ha avanzado a pasos agigantados, gracias a personajes como el polifacético artista John Cage, y a importantes movimientos de vanguardia como Fluxus. Ya en los últimos años, constatamos en muchas exposiciones, muestras, festivales, etc. de Arte Contemporáneo, la presencia del elemento sonoro como elemento plástico, con un papel importante en el desarrollo, discurso o construcción de la obra. El indiscutible acercamiento que se está produciendo entre los distintos lenguajes de expresión, ha generado que cada vez haya una mayor presencia del Arte Sonoro el mundo del Arte Contemporáneo. Teniendo muy en cuenta esta circunstancia, E-1 quiere prestar especial atención a este tipo de propuestas entre la investigación - experimentación y canalización - exhibición del Arte Sonoro emergente, y considerarse un lugar de encuentro abierto a todo creador que utiliza el sonido como principal medio de expresión. El colectivo Menosuno formado por artistas de todas las disciplinas y procedencias, va a colaborar a partir de este número con la revista Qubo en la gestión de esta sección de arte. La cual pretendemos que esté abierta a la colaboración de artistas, colectivos y personas relacionadas con el medio. Si quieres hacernos llegar propuestas, artículos, comentarios o valoraciones, no dudes en escribirnos. qubo@menos1.com. Próximo número: Colectivos Artísticos. + información: espacio.menos1.com // www.menos1.com // www.apadrinaunartista.es textos: Marcos Belmonte y Mikel Arce.

arte

una introducción a los colectivos artísticos ¿Por qué surgen los C.A.? ¿Cuáles son sus condiciones de producción artística? ¿Sus referencias y territorios de actuación? ¿Quiénes son los integrantes de estos C.A.? Esta introducción pretende ser una invitación a revisar sobre lo que son los C.A., a explorar su definición y descubrir su labor. Lo que acontece en este sector del arte actual lo podemos encontrar en www.colectivosenred.org, pero no por no estar ahí, no existe… Hay otros muchos C.A, a los cuales animamos a unirse a esta web, índice de colectivos de distintas disciplinas. Los C.A. son un grupo de personas que trabajan con el fin de hacer una obra común, por esto entendemos que cada equipo de trabajo se une con el objetivo de crear un proyecto concreto y/o promueven proyectos divergentes, siempre según un código que les define. Ilya Kabakov, en El palacio de los proyectos, indica: “el resultado del proyecto lo constituyen el compro-

miso y el entusiasmo de quienes se unen para conseguir un objetivo común. […] Cada persona se reconoce en él y se considera parte necesaria para la ejecución de ese gran todo”. Grupo, red, organización, colectivo son palabras que implican un proceso, muchas veces abierto pues cuenta con posibles permutaciones, que dan lugar a proyectos supervivientes y contínuos, caracterizados por una dinámica de retroalimentación incesante. Los C.A. se componen habitualmente de un núcleo de integrantes que está abierto a colaboraciones. Iria Candela, en ¿Paz y prosperidad? Sobre la revisión crítica del monumento afirma: “Discursos abiertos son la imagen de la memoria y la historia, por tanto del nuevo monumento”. La decisión de trabajar en grupo es una actitud, que podríamos llamar de resistencia. Afrontar la práctica artística centrada en el diálogo-debate

y confrontación de ideas así como de formas de acción. Desarrollar proyectos en relación a un trabajo de arte público y gestión cultural pues suelen implicarse en realidades sociales, elaborar trabajos relacionales y de investigación, a menudo a través de la puesta en circulación libre de la información, desvelando así las estructuras de poder o nuestra manera de estar en el mundo. Muchos C.A. nos hemos percatado de lo complicado que puede resultar hacer un proyecto, por esa razón, trabajar a partir del intercambio, propicia la calidad del contenido y la forma de la propuesta. A grandes rasgos, los C.A. pueden caracterizarse por haber elaborado su particular filosofía-manifiesto (es decir unas directrices de actuación) y crear una vía de comunicación, interacción entre los miembros de la comunidad. Por un lado, desarrollar proyectos de modo colectivo, a través de relaciones de retroalimentación entre creadores y contexto. La estrategia consiste en rechazar las formas tradicionales de permanencia, de difusión y/o de actuación con el objetivo de construir unos mecanismos característicos cómplices con el espectador. Emplear procesos de colaboración que burlan las estructuras imperantes y para ello articula métodos hasta entonces utilizados en otros campos. Negociar con su entorno socio-políti-

co y el proceso que resulta, usualmente, es la obra de arte. Por otro lado, realizar intervenciones artísticas asentadas en un tiempo y espacio concretos con el propósito de desmitificar el mito de la evolución de la obra de arte de modo autónomo y construir así una mirada crítica de la realidad. Reciclar, repensar, redefinir lo que existe. Por la defensa de un debate comunitario sobre la política del espacio público y, por extensión, perseguir una democratización de los medios de comunicación1.

nosotros la dialéctica de los opuestos complementarios. Como creador-espectador reflexiono de este modo sobre mi condición de ser humano. Texto: Bárbara Fetís Diseño: ma+ [arte.diseño] + información: www.colectivosenred.org [Directorio de colectivos artísticos de distintas disciplinas]

Klein, Naomi. “NO LOGO: el poder de las marcas”, Barcelona, Paidos, 2004 1

“Sobre una realidad ineludible: arte y compromiso en Argentina” [exposición], MEIAC del 26 de enero al 03 de abril de 2005; CAB del 14 de abril al 30 de junio de 2005 2

Lippard, Lucy R. “Mirando alrededor: dónde estamos y dónde podríamos estar en Modos de hacer: arte crítico, esfera pública y acción directa.” Salamanca, Universidad de Salamanca, 2001 | Peran, M. Arquitecturas para el acontecimiento Valencia Espai d’ Art Contemporani de Castelló. 3

Resulta relevante el hecho de “ubicarse en el ámbito del arte asumiendo una autoría colectiva, donde se diluye todo personalismo”2. Varios C.A. de España trabajan inventando territorios para la fabricación de experiencia real y motivan un arte de relaciones. En paralelo a los anteriores, otros ya tienen un espacio físico y desde este establecen su red de colaboración. Lippard insiste en que el “Diálogo e intercambio, en un proceso creativo cataliza la reclamación y reapropiación del lugar”3. La asociación y creación de grupos de trabajo es una respuesta frente al sistema imperante. La producción de estos equipos ha estado y está ligada estrechamente a los acontecimientos políticos y sociales. Creación de micropolíticas dentro de macropolíticas. Elegir la acción frente a la contemplación. Instalar mecanismos que el público pueda activar despierta en cada uno de

Si quieres hacernos llegar propuestas, artículos, comentarios o valoraciones, no dudes en escribirnos. qubo@menos1.com. Próximo número: Cómo ser artista. + información: espacio.menos1.com www.menos1.com // www.apadrinaunartista.es

arte

Cómo ser artista Salvo contadas excepciones no se puede vivir del arte, por lo menos busquemos formas de sobrevivir pudiendo seguir creando sin arruinarnos. Hablar de arte y dinero parece ser un tabú heredado de nuestra visión romántica de hacer las cosas por amor al arte y la idea de que el dinero es sucio. No obstante de algo hay que comer, y puede que dejemos de hacer arte. Es un tema delicado este de la financiación, más en estos tiempos en los que el producto es lo que tiene valor económico y muchas prácticas artísticas no tienen como finalidad crear objetos comercializables. Apostando por una vía intermedia entre la pura creación artística y trabajos paralelos que nos den dinero para poder seguir con el arte, este artículo pretende dar algunas ideas y opciones, presentando también al final, un proyecto que proponemos.

“Esto no me da beneficios, es más, me cuesta dinero” Twan Bastiaansen (arte sonoro, instalaciones, animación, dependiente gasolinera 24h)

Si estáis estudiando Bellas artes y os proponéis sustentaros económicamente por medio de vuestras producciones nos os quiero desanimar, es más os deseo suerte! y aquí van unos consejos para vosotros: 1.- En arte para que algo funcione: o muy bonito/ o muy bien hecho/ o mucha cantidad 2.- Los paisajes nevados venden mejor que los estivales 3.- Estate a la última en interiorismo y si pintas abstracción utiliza pigmentos que

combinen bien con las telas de tapizar sofás, cortinas, etc. 4.- Crea trípticos y series que no se puedan adquirir por separado, las obras de 2D se tasan por cm2, conviene formatos grandes y/o panorámicos (adecuados para poner sobre la chimenea) 5.- Hazte nombre prestigioso y un estilo propio identificable a modo de imagen corporativa. 6.- Aprende estás palabras e incorpóralas a tu discurso: No-lugar, ficcionalidad, metarrepresentación, postmodernismo, ente, presencia, otredad, problemática, estrategia, diálogo, multidisciplinareidad. Os animo a que lo intentéis, hay posibilidades, lo dice gente que sabe de qué va el mercado del arte:

“Ahora, las creadoras están más preparadas. Hay igualdad de oportunidades y la que no triunfa es porque no es buena.” Juana de Aizpuru (galerista. 1ª directora de ARCO) Yo Dona Nº40, Febrero 2006

Si vuestra visión es más pragmática, realista o pesimista, según se quiera considerar, la posibilidad es buscar sustento de actividades paralelas al arte, bien sea estando relacionadas, o que bueno no teniendo nada que ver están remuneradas y dejan (cierto) tiempo libre que dedicar a la creación artística.

Sin una relación directa: Camarero, cajero del súper, cadena de montaje, correos... En principio no tienen nada que ver con la práctica artística, aunque siempre habrá algún jefe que intente buscar esa relación: por ejemplo te dirá que al ordenar por colores los artículos de la tienda se práctica la teoría cromática... La ventaja es que el trabajo sea muy mecánico, que no sature a nivel visual, y puedas darle vueltas en la cabeza a algún guión de videoarte. Educación artística: profesor, arte terapeuta, guía museístico... Se suele valorar la posible abundancia de tiempo libre, aprendizaje constante, clara relación (más o menos) con el arte. Es una buena opción a valorar aunque el mercado laboral está complicado, y el trabajo con niños puede cansar bastante. Artes aplicadas: diseño gráfico, vídeos promocionales, fotografía de bodas, artesanía... Estos trabajos parecen muy relacionados y desarrollan la creatividad, aunque quizá sean los menos indicados si se quiere seguir paralelamente con la creación artística; poco tiempo libre, creatividad limitada, cansancio en construir imágenes, deformación profesional no siempre positiva... Producción de pinturas en serie para decoración: (a la manera egipcia, grandes artistas del

siglo XX, flores...) trabajo en equipo, se adquiere oficio, se manda a la mierda el arte.. Teórico: comisario, crítico... Aunque haya que dejar aparcada la producción personal no esta mal de vez en cuando pasarse al otro bando. Organizando exposiciones (o para ser más cool, realizando labores curatoriales) aprendes mucho de cómo funcionan las cosas, y es un trabajo bonito, incluso creativo. También lo pasas mal a veces, y te estresas con los problemas, además implica mucho trabajo! pero se gana mucha pasta. O eso dicen... porque en mi caso sólo conozco la figura del gratiscomisario (y comisariando gratisartistas). Montaje de exposiciones: épocas intensivas, bien pagadas, épocas de inactividad; inseguridad por lo tanto y necesidad de disponibilidad absoluta. Es un trabajo bueno para conocer el sistema del arte por dentro, tomar contacto con fundaciones, coleccionistas, comisarios, artistas...Por otro lado, realizar intervenciones artísticas asentadas en un tiempo y espacio concretos con el propósito de desmitificar el mito de la evolución de la obra de arte de modo autónomo y construir así una mirada crítica de la realidad. Reciclar, repensar, redefinir lo que existe. Por la defensa de un debate comunitario sobre la política del espacio público y, por extensión, per-

seguir una democratización de los medios de comunicación1. Un poco de todo: de freelance, a tiempo parcial, a lo que salga. Libertad de horarios pero inseguridad. Estamos dispuestos (cobrando, o por amistad) a hacer cualquier encargo, una barandilla que nadie quiere hacer, pintar habitaciones, reformas, caricaturas...

“Lo mismo plancho un huevo, que frío una corbata” Verónica (videoartista)

Becas y concursos: En las becas se suele financiar la producción, pero no todo lo demás. Está bien, no pierdes dinero, pero tampoco lo ganas. Hay becas de residente, para que te vayas fuera, lejos, un tiempo aquí y otro allá, conocer gente, ver el mundo que es muy bonito y luego vuelves a casa de tus padres por navidad. Fomentan la competitividad y la individualidad. Las becas introducen el concepto lotería, a ver si este año toca. Y ahora viene cuando presentamos desde la asociación Menosuno el proyecto: Apadrina un artista. Que como cabe esperar no va a solucionar todo lo expuesto anteriormente, pero intenta dar alguna posibilidad más, y sobre todo con un espíritu irónico y sin pretensiones.

A1a (www.apadrinaunartista.es) es una plataforma para poner en contacto a artistas, con un proyecto, y gente que los pueda patrocinar. Los coleccionistas, empresas o fundaciones cumplen el papel de mecenas, y su trato es con los artistas sin que menos1 intervenga. Lo que hacemos como organizadores, es ofrecer herramientas para llegar a un acuerdo por ambas partes y dar a conocer los proyectos a apadrinar. Buscamos por tanto artistas y gente que quieran apoyarlos. Si quieres promocionar el arte con cercanía, puedes ayudar apadrinando un artista. Ya está, ya lo he dicho, no ha sido tan difícil. Texto: Unai Requejo *Ilustraciones están extraídas de los vídeos ADREDE Y APOSTA, de Jorge Núñez y Unai Requejo, 2004. Si quieres hacernos llegar propuestas, artículos, comentarios o valoraciones, no dudes en escribirnos. qubo@menos1.com. Próximo número: Vídeoarte + información: espacio.menos1.com www.menos1.com www.apadrinaunartista.es

videoarte

Una imagen vale más que mil palabras Pertenezco a una generación que nació con la televisión y creció pegada a ella, mal asunto si es verdad que aprendemos por mímesis. Nuestro querido aparato de televisión nos ha servido de ventana al mundo y hemos ido aceptando como modelo de conducta lo que en él aparecía. Por eso cada vez son más los niños/as que quieren ser cantantes, rebosan en nuestras pantallas las personas dispuestas a todo para ser famosos por un día y todo el mundo quiere tener un pelo liso, brillante y libre de caspa. La masa se aglutina en los centros comerciales y a pesar

“Las imágenes televisivas, al igual que la propia guerra, responden a estrategias políticas dirigidas a fomentar opiniones, adhesiones y odios.” Josu Rekalde “La televisión es actualmente el mayor medio de persuasión que nunca haya existido y los políticos gastan en ella hasta el 75% de sus presupuestos (...) Sus anuncios apelan a la emoción de los buenos sentimientos, como dirían los buenos asesores publicitarios -una sensación de optimismo y una sensación de patriotismo- o, en palabras de Ronald Reagan: “Estamos hablando de lo que tiene de bueno América”. Antoni Muntadas

de que cada vez somos más individualistas, caminamos hacía un pensamiento único fabricado por los medios de comunicación de masas. Llega un momento en el que te preguntas dónde está esa sociedad del bienestar o por qué si todos somos iguales existen tantas diferencias y si realmente todo es tan idílico como dice la televisión. Yo empiezo a pensar que nos han fabricado un mundo que se parece tanto a nosotros que pensamos que es el nuestro propio. Pero llego nada menos que con 40 años de retraso, pues hace ya mucho tiempo que los artistas se planteaban ideas como que “La TV es la niñera electrónica de los más jóvenes y el compañero constante de los mayores. Gracias a la televisión la gente sale menos de noche, acepta los productos con más facilidad y participa en acontecimientos que nunca hubiera participado” René Berger, Cimal 1982. Descubrir el videoarte ha sido toda una experiencia. Mi rol bien aprendido de espectadora pasiva ya no sirve frente a la videoinstalación y me veo en la necesidad de moverme en la búsqueda de nuevos espacios, perspectivas y puntos de vista de las imagenes que el artista ha creado. He perdido mi sofá y las imágenes se repiten en un bucle temporal para que pueda revisarlas, tomarme mi tiempo y reflexionar sobre lo que me transmiten. ¡¡El arte puede ser maravilloso!! Si bien es verdad que no todo el videoarte o la videocreación tiene que estar encaminada a la denuncia, existe una gran tradición combativa de ésta forma de expresión artística. Hablar de videoarte es hablar inevitablemente de televisión, y no sólo porque compartan medios técnicos, sino también porque las videocreaciones han intentado hacerse un hueco en el medio. Metropolis de TVE ha constituido uno de esos intentos, eso sí, desde las instituciones y a altas horas de la madrugada o más recientemente los capítulos Feedback TV de arte emergente. Ejemplo de esta tradición beligerante lo constituye el movimiento internacional Guerrilla Televisión. Este concepto fué acuñado por Michael Shamberg y “Raindance Corporation” en un libro del mismo título que sirvió además de manifiesto al movimiento. En el texto se hace referencia a las similitudes entre el vídeo y la imprenta de Guttenberg en cuanto a la difusión de la información, siendo el primero fruto de los avances técnicos de nuestra era. Antoni Muntadas, uno de los videocreadores más importantes de nuestro país, se encuentra en esta línea de creación

crítica y contestataria de los mensajes mediáticos. En las décadas de los años 60 y 70 las protestas por la guerra de Vietnam, los movimientos estudiantiles de mayo del 68 francés, el movimiento feminista o los movimientos de liberación del África negra fueron el caldo de cultivo de una cultura underground utilizando en ocasiones canales alternativos de contra-información, luchando desde dentro contra el propio sistema. Preguntaos ahora si no existen en nuestros días estas mismas problemáticas con otros nombres. Josu Rekalde en su libro “Vídeo. Un soporte temporal para el arte” apunta que en nuestro pais, muchos de los videoartistas migraron hacia los mass media, en su mayoria a la creción publicitaria, para poder subsistir. Ya nos advertía Unai Requejo en el anterior número de Qubo que ser artista y pretender vivir de ello, es una empresa complicada. El sistema los ha engullido practicando la máxima: si no puedes con el enemigo, únete a él. El vídeo ofrece al espectador variadas experiencias estéticas en la forma e intelectuales en los contenidos. Es utilizado en las performances para dejar constancia de experiencias y acciones artísticas. En la videoinstalación, en la que la proyección del vídeo entra en relación con el espacio y otros objetos completando su significado. Las poéticas del vídeo o la videoescultura hacen una utilización de los medios técnicos y el tiempo mucho más plástica. Hablar de todas las peculiaridades del videoarte sería muy extenso y para conocerlo lo más acertado es ver de lo que estamos hablando. Aquí van algunas opciones. Espacio Menosuno apoya la videocreación aportando múltiples propuestas dentro de su programa expositivo anual. Cuentan además con la propuesta Menosuno Canal de Arte. Coordinada por Laurita Siles, pretende la difusión de obras audiovisuales en festivales, televisiones y otros espacios de arte. Los 10 primeros capítulos del Canal de Arte han sido proyectados ya en la Noche en Blanco de Madrid, en Scarpia 06 en Córdoba y más recientemente en el Festival Qubo Cultural Zip de Guadalajara, en la sala Óxido. Pero estos 10 capítulos no son más que el punto y seguido de una clara apuesta por la videocreación. En estos momentos tienen abiertas otras dos convocatorias, una que continúa la anterior: Menosuno Canal de arte, con bloques de 15 minutos de arte proyectable, y la otra, 1 Minuto de Arte, que pretende aunar

imágenes fotográficas con piezas sonoras originales. Podéis consultar las bases en la web. Otra de las apuestas de Espacio Menosuno es DVD Project. Organizado con éxito en Breda, Rotterdam, Munich y Berlín, por Stichting Idee-fixe pretende ser el lugar de encuentro de artistas jóvenes para mostrar videoarte emergente y experimental. Del 23 de Mayo al 03 de Junio formó parte de la Feria Internacional de videoarte LOOP en Barcelona, que desde el año 2003 y mostrando el trabajo de los artistas más recientes, pretende convertirse en un referente mundial de la creación y difusión del videoarte. Con la intervención de más de 40 artistas españoles, holandeses y alemanes, llegará a Madrid a través de Espacio Menosuno del 19 Junio al 1 de Julio. La pelota está en vuestro tejado, yo claramente apuesto por más videoarte y menos televisión.

Bibliografía BAIGORRI, Laura. “Vídeo: Primera Etapa. (El vídeo en el contexto social y artístico de los años 60/70)”. Ed. Brumaria 2005 MARTÍNEZ, Pablo. “Vídeo: el principio. Cuaderno didáctico” Departamento de educación de MNCARS REKALDE, Josu. “Vídeo. Un soporte temporal para el arte” VVAA. “La imagen sublime. Vídeo de creación en España, 1970/1987” Catálogo Menosuno colabora con la revista Qubo en la gestión de esta sección de arte. Pretendemos que sea un espacio abierto a la colaboración de artistas, colectivos y personas relacionadas con el medio. Si quieres hacernos llegar propuestas, artículos, comentarios o valoraciones, no dudes en escribirnos a qubo@menos1.com Próximo número: Acciones, performances y otros apuestas de escena. + información: http://canal.menos1.com // http://dvdproject.menos1.com espacio.menos1.com // menos1.com // apadrinaunartista.es textos: Ana Martín

félix fernández

arte

Arte-Acción Con facilidad la dimensión plana de un soporte común se queda corta para hablar de muchos otros aspectos que tienen que ver con la realidad; el espacio, el tiempo y el propio cuerpo, necesitan de otros medios. Esta necesidad de invadir otros territorios es muy común en la creación contemporánea, será por la urgencia de llegar al otro de una forma más directa – cara a cara – porque a pesar de los avances de nuestra sociedad y de la tecnología, sigue quedando una asignatura pendiente que es la del propio encuentro entre personas, y por ello quizás muchos artistas optan por lanzarse a escena y hablar en primera persona de lo que llevan dentro. Así por ejemplo las primeras obras de Félix Fernández, tenían como principales medios la fotografía y el vídeo y con el paso del tiempo han ido encontrando un componente cada vez más escénico. Ahora trabaja para la presentación de su último proyecto VEXATIO, donde aúna, en un espectáculo audiovisual, de aproximadamente 25 minutos, lenguajes como la danza, la performance, la videocreación y la música. El acercamiento a lo escénico es sin duda distinto tanto en concepto como en las formas.

PAN

La creación plástica a menudo se salta los límites del propio soporte para dar pie a otras formas de expresión. Hemos dejado este espacio para que algunos artistas que proceden de una formación principalmente “plástica” nos hablen del cómo o por qué de su intrusión en escena.

Chinchón & Palancares PAN lo definen claramente; “Existe un tipo de acción que no puede ser representada, que su posibilidad de repetición es nula, y que sucede solo una vez, en ellas las cosas simplemente se presentan, su dramaturgia es completamente destrozada por una especie de tragedioturgia. Su relación no es con el texto, con la historia, o con las posibilidades del lenguaje, aspira simplemente a experimentar ese nerviosismo ritual que no permite el recuerdo y del que se escamotean hasta las imágenes. Sus posibilidades intelectuales pasan por la transformación en loco, en idiota,

en demente. Su única justificación reside exactamente en la necesidad absoluta de su acción. El deseo mira la escena absorto, la necesidad interviene plenamente. Simulacro sacramental vs. oficio ritual: vida proyectada linealmente para el uso espectacular donde todos se identifican o la vida vivida para la reinvención constante. Los más persiguen respuestas, los menos la formulación exacta de la pregunta con la respuesta señalada. Acción constante o representación eventual; mientras los actores memorizan para después gesticular y gustar, los accionistas simplemente se inmolan. La diferencia es tan obvia que sería imposible intentar asimilar la labor de un intérprete a la de un creador; siempre el virtuoso se exhibirá y será aplaudido, mientras el creador laborará insensatamente por puro instinto, en una soledad miserable. El hambre empuja.” Ciertamente el llegar a trabajar con el propio cuerpo es una decisión que se asume casi sin consciencia y por instinto, como si de algo natural se tratara. Andrés Senra, “ En mi aproximación como artista al mundo de lo escénico, mediante la performance, caí en la cuenta de que todo se ha convertido en representación; la muerte en

andrés senra

sergio ojeda

cristian guardia

directo está enmarcada en una sucesión de frames, 25 o 24 por segundo, según seas americano o europeo. La realidad es representación, cada vez más figurativa. La intimidad que te permite la cámara de vídeo convierte la acción en algo privado que en el acto de exhibicionismo de la proyección atraviesa la esfera de lo público. Cuando mis acciones son en directo, la vida me estalla en las manos, sin embargo, lo fascinante de todo esto es que la vida se ha escapado de nosotros mismos (si alguna vez nos perteneció) para ser una teatralización de los acontecimientos. En este sentido, en mis acciones, el hecho de que la obra se complete con la participación del espectador le convierte a él mismo en una representación. Todo es –y ya no puede ser de otra maneratrampantojo; y así está bien, aunque suene a cinismo postmoderno, solo nos queda sentarnos a contemplar el espectáculo.

y proporcional a los cambios o “mutaciones” producidos sobre la propia concepción del “hecho artístico”. Pero he mantenido la esencia: la idea de “representación” en mi caso lleva implícita la dualidad inseparable que supone por un lado la aparente e inocente seguridad y distancia del “simulacro”, y por otro la inevitable perversión al ser éste utilizado como frontera psicológica en la que todo es posible, cuestionándose a sí mismo al convertirse en un mecanismo “detonante” de experiencias que acontecen en un plano más abstracto y psicológico. La “representación” pues, utiliza el “simulacro” como un medidor emocional “más o menos seguro” de nuestras reacciones con respecto a lo “representado”.

la mirada mientras es penetrado y conducido a una realidad excesiva a punto de colapsar. Se convierte en el cómplice de un hecho que se conoce cierto porque esta ocurriendo, y a medida que transcurre pone en evidencia su carácter de construcción, se desplaza el protagonismo a aquello que aun queda por desvelar, quien mira, quien se encuentra aún en el punto inicial de la representación.

De esos espacios, tan sugerentes para el artista, que deja lo escénico entre la realidad y la ficción nos habla, Sergio Ojeda “Posición, distancia e implicación son los parámetros principales que han sufrido una transformación más explícita, obvia y directa a lo largo de mi trayectoria artística en relación con la escena, de forma paralela

No vamos a ocultar el lado casi obsceno que tiene el uso del propio cuerpo, ni la intención de conmoción que conlleva la acción en sí. Igual que en el arte de todas las épocas, en el contemporáneo sigue existiendo la necesidad de decirse, de autorretratarse o de tomar prestadas otras identidades. Cristian Guardia explora el placer pornográfico de la saturación, en el marco de un simulacro se presenta el cuerpo como metáfora, como en un strip tease el asistente posee por

Para el próximo número de Qubo nuestra idea era plantear este mismo tema a artistas que procedieran de lo escénico pero cuyo trabajo actual se encontrara unido a lo artístico. La situación de Qubo nos hace dejar este capítulo en el aire, ojalá podamos llevarlo a cabo pronto. Queremos dar las gracias a la organización, por confiarnos este espacio, a todos los colaboradores por su tiempo y trabajo, y sobre todo a vosotros por seguirnos. Hasta pronto, colectivo menosuno. Texto: los propios artistas y Maite Camacho otografías cedidas por los artistas, excepto la de Cristian Guardia por Maite Camacho. links: www.felixfernandez.org www.albertochinchon.com www.andressenra.com www.sergiojeda.com + info: espacio.menos1.com

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