Corriente Vanguardista by Dayimar CHEN

Corriente Vanguardista

Corriente Vanguardista Director General: Dayimar Chen Contenido: Dayimar Chen Diseño: Dayimar ChenDayimar Chen Director: Autor: Dayimar Chen Portada: Krida Kahlo & el surrealismo considerada una de las más importantes pintoras mexicaDayimar nas ha sido yDiseño: es evaluada desdeChen muchas perspectivas.

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Impresionismo, técnica y estética.

No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron reali-

(Claude Monet, Catedral de Ruan)

zadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez. La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar

a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para definir la forma, su ri-

queza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruan de Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente por el fovismo de Matisse o Gauguin. Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido.

Este recurso fue llevado al máximo por los neo impresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac. La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

Impresionismo de Vicente Van gogh, (La noche estrellada)

expresionismo alemán llega a Bellas Artes MÉXICO

Procedentes del museo de Arte Moderno de Nueva York, 249 piezas de artistas como Otto Dix, Egon Schiele, Vasily Kandinsky, George Grosz y Erin Heckel integran la muestra. Lo que pasaba en el arte en Europa un siglo atrás se relata en la exposición Expresionismo alemán: el impulso gráfico. Son 249 pinturas, grabados, dibujos, libros y obras en papel de la colección del Museo Moderno de Nueva York (MoMa) recinto que las exhibió en 2011; México es la primera escala a donde se llevan, luego estarán Houston y Carolina del Norte. Es una exposición singular, que no hay que dejar de ver, espejo de uno de los movimientos más

importante del arte en el siglo pasado; es la ocasión de estar frente a los grandes respresentantes de ese mismo y algunas de sus magnificas creacions. Hay cuadros en distintos formatos de Dix, Egon Schiele, Vasily Kandinsky, George Grosz y Erin Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Emil Nolde entre otros. Nacido a partir de la necesidad de los artistas de expresar sus emociones, sentimientos o ideas a través de la materia, y caracterizado por una experimentación hasta entonces inédita de la gráfica, el Expresionismo hizo eco de muchas de las ideas del nuevo siglo al tiempo que sus representantes observaron, participaron, representaron, se dolieron, padecieron y exorcisaron los efectos de la

Guerra Mundial en su arte. En las salas del primer piso de Bellas Artes las obras se han distribuído en núcleos que conducen por las etapas, grupos y el contexto sociopolítico del movimiento: estos núcleos son: el Puente ( Die Brücke), Jinete Azul ( Der Blaue Reiter), expresionismo austricático, desarrollo de expresionismo, guerra, sociedad de posguerra, política de posguerra. La puesta en México es muy similar a la de NY, aunque allí se presenta un número menos de óleos y grabados, y no se trajeron esculturas. La exhibición abarca desde el surgimiento del movimiento en ciudades como Dresde, Múnich y Viena y luego su pso hacía Berlín. De entrada refleja como el expre-

sionismo nació a partir de Die Brüecke ( El punte) en medio de, un entusiasmo por el nuevo futuro se plasmó en escenas de bailes, llenas de color. Luego abunda en el interés por las formas abstractas y los colores prismáticos en artistas como el Ruso Vasily Kandinsky en esa idea que alentaba a estos artistas de acabar con el materialismo de la época. Se presenta después la experiencia seductora y sórdida de la vida moderna, los peligros de la nueva ciudad, un ejemplo está en Metrópli de Grosz. En portafolios y obras individuelaes las secuelas son evidentes: Se exhiben aquí 50 de los grabados del portafolio “ La guerra”, de Otto Dix, con algunas de las obras más impactantes en la historia del arte,

en torno a la guerra, donde hay cuerpo moribundos, calaveras, trincheras, gritos, devastación, explosiones y gas. En esos años casi todos ellos crearon obras que como Goya en su momento mostraban los “desastres de la guerra” Grosz satirizó a los soldados alemanes, Beckman representó el drama en la La granada y la pintora Käthe Kollwitz se ocuó del dolor de las viudas, las madres, del suyo. “Estos son los artistas más representativos del Expresionismo, los protagonistas, los que influyeron, los que tuvieron que ver “ destacó Mariana Gonzales Correa, quién coordino en bellas artes l exhibición.

( Fotos de izquierda a derecha) 1. Lo que pasaba en el arte en Europa un siglo atrás se relata en la exposición . 2. Se trata de 249 pinturas, grabados, dibujos, libros y obras en papel de la colección del Museo de Arte moderno de NY. 3. S puede observar obras de Otto Dix, Egon Schiele, Vasily Kandinsky, George Grosz y Erin Heckel integran la muestra. 4. La exhibición abarca desde el movimiento de Dresde hasta berlín. 5. Varios artistas fueron llamados a alistarte en el ejercito y surge el primer cambio de colores

Pintar como fieras el arte del siglo

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término “fauves”, que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas. El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento

condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Fotos ( De izquierda a Derecha) 1. Henry Matisse, Les toits de Collioure, 1905, oil on canvas, Henry Matisse, Open window, 1905 2. . Henry Matisse, La alegrĂa de vivir 3. Rouault, cabeza de Cristo 4. Rouault, Muchacha con espejo, 1906 5. Maurice de Vlaminck. The River Seine at Chatou, 1906

foto grafĂa futuista

l futurismo como movimiento artístico nació en Italia en el periodo de entre las dos guerras mundiales. El ideal de belleza futurista se basaba en la idea de velocidad. El poeta Filippo Tommaso Marinetti fue quien hizo la apología de su estética y el encargado de redactar su manifiesto. Marinetti afirmaba que era necesario prenderle fuego a todos los museos de bellas artes. La idea máxima de

belleza futurista él la encontraba en la rueda de un automóvil, no solo porque era bella, sino porque también era útil. El futurismo busca romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Tenía dos temas dominantes, la máquina y el movimiento. La manera en que los artistas, tanto pintores, como escultores y fotógrafos representaron esa idea de velocidad fue a través de la repetición seriada del mismo objeto. Esta repetición provocaba en el

ojo la sensación de movimiento. En pintura y escultura el máximo exponente futurista fue Umberto Boccioni. Los hermanos Bragaglia, Anton y Arturo, fueron los fotógrafos más representativos del movimiento. Se utilizaron técnicas nuevas como la doble exposición o la distorsión de las lentes y la óptica. También experimentaron con la llamada cronofotografía gracias al revólver astronómico de Janssen.

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Cubismo, una tendencia escencial Entrevista a Romero Britto

El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma. Uno de los innovadores vanguardista de este moviento es Romero Britto; un pintor y escultor Brasilero combina elementos del cubismo estereotipados, el arte pop y la pintura de graffiti en su trabajo. Actualmente vive en Miami, Florida, donde se puede ver su trabajo en muchas partes de la ciudad.

Es un placer poder entrevistar a un artista internacional de tu talla, ¿Cómo surgió tu gusto por la pintura? Cuando era un niño creciendo en Brasil, mi hermano vendía libros. Un día me encontré con algunos de sus libros de pintores clásicos como Caravaggio, Tiziano, Miguel Ángel… me enamoré del color y de la técnica. Has sido definido como Artista pop, Cubista, Graffitero etc. pero personalmente ¿Cómo defines tu estilo de Arte? Yo pienso que lo que hace tan único a mi arte, es esa mezcla un tanto indefinible de Pop, Cubismo, Animación, Graffiti etc, pero en cada imagen se puede encontrar una expresión de la felicidad.

¿Qué quieres expresar con tus obras? ¿Qué te inspira a querer expresarlo? Quisiera que mi trabajo expresara optimismo, esperanza y alegría. Están pasando tantas cosas en el mundo actualmente que yo tomo mi inspiración prácticamente de todo…naturaleza, música, cine, especialmente de mis viajes y de las personas que conozco. ¿Qué quieres expresar con tus obras? ¿Qué te inspira a querer expresarlo? Quisiera que mi trabajo expresara optimismo, esperanza y alegría. Están pasando tantas cosas en el mundo actualmente que yo tomo mi inspiración prácticamente de todo…naturaleza, música, cine, especialmente de mis viajes y de las personas que conozco.

Es claro que tu arte ha influenciado tu manera de vestir ¿Qué prendas y colores son imprescindibles para ti? Soy un gran fan de Dolce&Gabbana y de Louis Vuitton, trato de asegurarme de estar siempre arreglado y presentable, el color es muy importante! Especialmente el amarillo, el rojo y el verde! Podemos ver tus obras en relojes, playeras, tazas etc. ¿Por qué esa variedad? ¿Por qué no abstenerse sólo al lienzo y a la escultura? Yo creo en que el arte es demasiado importante, para no compartilo. No todos pueden costear una pintura original o una escultura única. Por esa razón, es importante que como artista yo haga creaciones para todos, no sólo para un grupo selecto de la sociedad ¿En dónde se ve Romero Britto a mediano y largo plazo? Tengo muchos planes! Actualmente me estoy concentrando en una serie especial para Brasil con motivo de la celebración de próximos eventos como Las Olimpiadas y La Copa Mundial. Y más allá de eso, estaré trabajando sin parar en las piezas para mis exhibiciones de invierno y primavera por toda Europa y Asia.

Ramdon Facts: Dadaísmo 1.El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba “da-da” (“sí, sí”, en ruso y otras lenguas) 2.El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propues-

tas. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación. 3. En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, «Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo», VIII (1924).

4. El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.[cita requerida] No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.» 5. Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.

“Nunca pinto sueños o pesadillas. Pinto mi propia realidad.” -Frida Kahlo 19

Surrealismo & Frida Kahlo Frida Kahlo, considerada una de las más importantes pintoras mexicanas ha sido y es evaluada desde muchas perspectivas. Su obra, polémica en sí, propone disímiles interrogantes. Los colores llegan a sanar viejas heridas, enfermedades, un accidente a los 18 años, lesiones permanentes en la pierna derecha y una vida reducida a camas de hospitales. Esas viejas heridas nunca llegan a cicatrizar, se convierten en parte de su todo y van creando un recinto de no expectativas que la acompaña siempre.

Una fuerte influencia fotográfica es el prematuro referente de una obra donde la imagen de su creadora nos dicta por si misma los avatares de una existencia. Famosa por sus autorretratos Frida añade a sus cuadros una rebeldía personal que transgrede todo aquello que la rodea. Si bien utiliza elementos comunes como la flora y la fauna para irradiar sentimientos folklóricos, existe de forma original un dogma efectista que salta desde su auto referencia para mostrarnos una visión dolorosa de la realidad, impregnada de elementos fantásti-

cos y distorsionados. La denominación de “surrealista” para sus trabajos se basa en una razón principalmente histórica: André Breton definió así su obra en 1938 durante una visita que realizó junto a su esposa Jaqueline en México, en la que Frida y Diego fueron anfitriones de la pareja. Por esa época, acababa de llevarse a efecto la Exposition Internationale du Surréalisme en París, que Breton había organizado junto a otros artistas prominentes del movimiento surrealista: Marcel Duchamp, Paul Éluard, Salva-

dor Dalí, Max Ernst, Man Ray y Wolfgang Paalen. Frida no alcanzó a exponer allí, pero a fines de ese año logró montar su primera exposición individual la galería Levi de Nueva York y André Bretón escribió el prólogo donde reitera su apreciación de la obra de Frida como exponente del surrealismo. En 1939, Frida viaja a París para mostrar sus cuadros junto al fotógrafo Manuel Álvarez Bravo en la Galerie Pierre Colle. Durante este viaje logra impresionar a Picasso y a Kandinsky con sus trabajos. Picasso escribió más tarde a Diego Rivera una carta con grandes elogios para Frida, destacando sus habilidades como retratista: “Ni tú, ni Derain, ni yo somos capaces de pintar un rostro como los que pinta Frida Kahlo de Rivera”. En sus pinturas, Frida se representó en escenarios amplios, áridos paisajes o en frías habitaciones vacías que remarcaban su soledad. Los retratos más intimistas de cabeza o de busto se complemen-

taban con objetos de significado simbólico. En cuanto a los retratos de cuerpo entero se integraban en representaciones escénicas y enmarcaban su propia biografía: la relación con su esposo, como sentía su cuerpo, sus enfermedades consecuencia de su accidente juvenil, la incapacidad de engendrar hijos, su filosofía de la naturaleza y del mundo. Expresó sus fantasías y sentimientos por medio de un vocabulario propio con símbolos que precisan ser descifrados para entender su obra. Estas representaciones rompieron tabús especialmente sobre el cuerpo y la sexualidad femenina. Frida se mostró en sus pinturas coexistiendo tanto con la vida como con la muerte, especialmente en sus frecuentes operaciones quirúrgicas siendo constante la presencia de su dolor. En La columna rota su cuerpo aparece cubierto de clavos. También se muestra como productora de vida y energía, o como fuente de amor

y de sentimientos. El tema de las relaciones y el afecto aparece frecuentemente en su obra, especialmente su gran amor Diego. Pero sobre todo es el personaje que creó de ella misma el motivo principal y protagonista de sus cuadros. Su mensaje con el paso del tiempo sigue manteniendo toda su vigencia como un grito de denuncia contra la opresión.34 En su diario que escribió a partir de sus 35 años, relató sus vivencias tanto de su última década como de sus primeros años. Escribió sobre sus pensamientos, su sexualidad, la fertilidad, sus sufrimientos físicos y psíquicos.