Art Newspaper Russia by Eugene Tim

Theartnewspaper.ru

№ 2 (21) март 2014

Издается Ежемесячно С 2012 года

Работа ученика Рембрандта обнаружена в Третьяковке — 16

Затонувшие сокровища Екатерины Великой будут подняты со дна — 10

Коллекционер Игорь Цуканов — 30

Такой выставки Франсиско Сурбарана не было давно — 57

фото : vostock photo, Иллюстрация: Игорь Скалецкий

Москва Россия

100 главных

людей в российском искусстве, кого вы должны узнавать в лицо

Читайте на стр. 23

Санкт-петербург Россия

Арест одного искусствоведа может испортить репутацию всем остальным О Елена Баснер арестована по подозрению в мошенничестве с подделкой

ктябрьский федеральный районный суд Санкт-Петербурга 6 февраля заключил под домашний арест искусствоведа Елену Баснер, консультанта шведского аукционного дома Bukowskis, до 2003 года научного сотрудника отдела живописи второй половины XIX — XXI века Государственного Русского музея. Баснер предъявлены обвинения по ст. 159 УК РФ «Мошенничество в особо крупном размере», максимальное наказание — десять лет лишения свободы. След-

tass photo

ствие считает, что она порекомендовала коллекционеру Андрею Васильеву приобрести у издателя Леонида Шумакова картину художника Бориса Григорьева В ресторане (1913) стоимостью $250 тыс. Коллекционер утверждает, что

работа является подделкой, а подлинник хранится в запаснике Русского музея под названием Парижское кафе. Выяснить, какой была роль Баснер при заключении сделки, являлся ли ее отзыв о подлинности картины ошибкой эксперта, заблуждением, или она действительно была посредником при продаже подделки, предстоит следствию. Тем не менее уже сейчас это уголовное дело может негативно сказаться на репутации экспертного сообщества. Читайте продолжение на стр. 4

№ 3 (22) апрель 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Содержание The Art Newspaper Russia представляет два рейтинга: самые дорогие художники России и художники зарубежья из ныне живущих. Если вы до сих пор уверены, что лидером мировых продаж является Джефф Кунс, а российских художников в западной обойме не было и нет, мы готовы с этим поспорить. Языком цифр. — 23

Новости — 4 Manifesta — В Перми погребают останки «культурной революции» — Екатерина Деготь становится арт-директором кельнской Академии мирового искусства — Дом Мельникова будут охранять — Год культуры и выставочные залы — Ольга Шишко о современном искусстве — В Киеве политические интересы перевесили интересы культурной жизни — Искусство, которое запрещает Louis Vuitton — Гуггенхайм едет в Лондон

Музей — 12 Фотосъемка в музее — Еще один филиал Королевского музея изящных искусств в Брюсселе — Израиль возобновил поиск конфискованных нацистами произведений искусства — Коммерческая тайна Британского музея — 80 лет Музею архитектуры — Архив скульптора Вадима Сидура вернулся из Германии — Музеи США готовят посетителям сюрпризы

Издатель Инна Баженова Главный редактор Милена Орлова milena@theartnewspaper.ru Арт-директор Евгений Тихомиров

Реставрация по-фински: библиотека Алвара Аалто обрела прежний вид — Обновление картины Рембрандта — Есть ли шанс спасти Шуховскую башню и может ли она упасть? — V&A разгадывает тайну Мейсена — Вся правда о ночном бдении Поллока — В Ораниенбауме завершена реставрация очередных помещений Китайского дворца — Еще одна неудача в Помпеях

Мнения — 20 Чтобы провозгласить работу шедевром, ее нужно сначала увидеть — Запрет на Бальтюса

Рейтинги — 23

Научный редактор Алексей Петухов Литературный редактор Оксана Андросова Корректоры Екатерина Баранова Ольга Шемякина Ассистенты редакции Александра Крыжко Дарья Палаткина Каролина Сафина assistant@theartnewspaper.ru Переводчики Георгий Кизевальтер Ольга Распопова

Самые дорогие художники России и зарубежья из ныне живущих

Коллекционер — 30

Дизайнер Светлана Заикина Макет Дима Барбанель Сергей Федоров Шрифты Мария Дореули, Дмитрий Растворцев Репро Михаил Шишлянников, Надежда Новоженова

Михаил Абрамов: «Иконы покупать не так просто»

Крупным планом — 32 Крупнейшие мировые выставки на московской Фотобиеннале — Алексей Левыкин: «Хочется быть художественным руководителем, но приходится быть менеджером» — Луковицы дизайна: большая выставка Марселя Вандерса, главной звезды современного голландского дизайна

Дневники — 40 Светская хроника: Москва, Питер, Нью‑Йорк и Лондон

Книги — 42 «Реконструкция. 1990—2000» тянет на летопись — Виктор Мизиано объяснил, как устроен современный мир искусства — Фландрия и Флоренция — Зверев рисует сказки Андерсена — О Малевиче с пылкостью неофита — Арт-спецназ — Золотые табакерки от джентльменов — Быть директором государственного музея — Вся правда об «Охотниках за сокровищами»

Рынок — 46 Специалисты сходятся в одном: за МКААДом жизни нет — Ярмарка Cosmoscow возвращается — Аукцион предметов ар-деко из коллекции Феликса Марсильяка подтвердил тренды — 26-я ярмарка TEFAF в Маастрихте — Коллекционеров в Китае становится все больше, но расширится ли их интерес? — Artvest обновляет весеннюю арт-ярмарку в Нью-Йорке — Пузырь, который лопнет — Колонка Дениса Белькевича — Плагиат, цитирование или творческая пере/обработка? — Частные коллекции в крупных музейных выставках

Генеральный директор Сергей Носов Коммерческий директор Сергей Черкасов Исполнительный директор Зарема Нигмадьянова zarema@theartnewspaper.ru Директор по рекламе Мария Синельникова msinelnikova@theartnewspaper.ru Профильная реклама Лада Артемова lada@theartnewspaper.ru Директор по маркетингу Елена Крылова pr@theartnewspaper.ru

Календарь — 53 Бэкон в Эрмитаже — «Инновация» в ГЦСИ — Северное Возрождение в ГМИИ — Рерих в Русском музее — Немецкое искусство и русский космизм в ММСИ — Виола в Париже — Махараджи в Кремле — Гринуэй в Манеже — Картье-Брессон в Помпиду — Минккинен в Люмьерах — Японская бронза в ГИМе — Итальянский футуризм в Нью-Йорке — Аукционы в апреле

франция Скандальное творение Гюстава Курбе под названием Происхождение мира, где изображены крупным планом женские половые органы, до сих пор шокирует общественность, хотя картине уже почти 150 лет. Недавно Почта Франции отклонила предложение Общества филателистов и филокартистов города Безансон выпустить марки с репродукцией полотна. Идея возникла по случаю запланированной на июнь этого года поездки картины, которая редко покидает парижский Музей Орсе, в музей Курбе в Орнане, родном городе художника. В официальном заявлении представители почтовой администрации мотивировали свой категоричный отказ «нежеланием задеть чувства молодой аудитории». Однако, по данным французской газеты Libération, в приватном разговоре с филателистами чиновники охарактеризовали полотно как порнографическое.

Печать Дмитрий Перкин IT Дмитрий Верещагин Адрес редакции: 119034, Москва, ул. Пречистенка, д. 40/2, стр. 2, тел. +7-495-514-00-16, info@theartnewspaper.ru, theartnewspaper.ru

Свидетельство о регистрации СМИ ПИ № ФС77-49931 от 23 мая 2012 г.

PHOTO KIRA PEROV

Musee d'Orsay in Paris.

Распространение и подписка Елена Мельникова emelnicova@theartnewspaper.ru

Учредитель и издатель: ООО «ДЕФИ» Адрес издателя: 119034, Москва, Пречистенская наб., д. 17, помещ. 1 Ежемесячная газета The Art Newspaper Russia, № 03 (22), 2014 г. Отпечатано в Эстонии. Типография AS PRINTALL, Tala4 11415 Tallinn, 11

В Национальных музеях Гран-пале открылась первая французская ретроспектива Билла Виолы — 56

Апрель–2014

Заместитель главного редактора Екатерина Рыкова rykova@theartnewspaper.ru Редакторы Константин Агунович agunovitch@theartnewspaper.ru Алёна Лапина aljona@theartnewspaper.ru Кара Мискарян kara@theartnewspaper.ru Анна Савицкая savitskaya@theartnewspaper.ru Фоторедактор Александра Левандовская photo@theartnewspaper.ru

Реставрация — 16

В КАДРЕ

Copyright © The Art Newspaper Russia является дочерним изданием The Art Newspaper, которое издается ООО «ДЕФИ» в Москве по лицензии U. Allemandi Publishing Ltd, полностью принадлежащей Umberto Allemandi CSpa (Turin, London, New York, Venice, Rome). The Art Newspaper Russia является частью международной сети, основанной Умберто Аллеманди в 1983 г., и включает Il Giornale dell’Arte, издающуюся в Турине с 1983 г., The Art Newspaper, издающуюся в Лондоне с 1990 г., Ta Nea Tis Technis, издающуюся в Афинах с 1992 г., Le Journal des Arts, издающуюся в Париже с 1994 г., Il Giornale dell’Architettura, издающуюся в Турине с 2002 г. Подписано в печать 23.03.2014 г. Тираж 50 000 экз. Рукописи не рецензируются. Все права защищены. Перепечатка материалов только с письменного согласия редакции.

COURTESY OF JULIAN PAGE FINE ART

лондон Посетители лондонской ярмарки Art14 в марте этого года могли любоваться едкой карикатурой на мэра города Бориса Джонсона. В своем сатирическом творении Король-солнце художник Александр Мазураз изобразил политика с ярко пылающим над головой светилом; по бокам его окружает «ангельская компания — [Руперт] Мердок в образе херувима и серафима», говорит пресс-секретарь лондонской галереи Julian Page Fine Art, которая продает работу, выпущенную тиражом в 100 экземпляров, по цене £400. Стихотворение Люка Райта, сопровождающее выпуск 2012 года, окончательно разоблачает темные делишки Джонсона: «Боря-Бори, старый тори, Глупый модник, Чертов франт, И не пуст его карман! Вечный гость на телешоу, Он пиарится помногу. Ай да Боря, ну и Боря!» Торопитесь купить, ведь работой уже заинтересовался сам Британский музей.

аяччо Складной походный стул, когда-то принадлежавший императору Наполеону, в буквальном смысле не прошел проверку на прочность: он не выдержал вес тучно-

го музейного охранника. Кожаное сиденье 200-летней реликвии, представленной на выставке Наполеон в лагере в Музее Fesch в Аяччо (Корсика), лопнуло, когда работник музея решил, подражая маленькому капралу, на него сесть. Повреждения были настолько существенными, что пришлось вызывать реставратора из Франции, в то время как незадачливому охраннику, похоже, не избежать дисциплинарного взыскания. Возможно, его обяжут соблюдать строгую диету.

венеция Оказывается, знаменитый итальянский скульптор Антонио Канова был еще и неплохим парикмахером — эта любопытная подробность стала известна из писем, обнаруженных в Библиотеке Seminario Patriarcale в Венеции. Яркий представитель эпохи классицизма, он проектировал и финансировал постройку нового храма в своем родном городе Поссаньо на севере Италии примерно в 1809 году, куда регулярно наведывался, наблюдая за этапами строительства здания, а в июле 1819 года там же выступил в амплуа парикмахера. В журнале Burlington говорится, что Канова «пригласил всех девушек и женщин города на пикник в винограднике, где выбрал самую прекрасную в качестве модели: он переделал прическу красавицы «в стиле его собственных статуй». Двою родный брат Кановы Джованни Баттиста Манера в своих письмах к Джузеппе Монико, протоиерею из города Постиома, тоже упоминает о парикмахерских талантах своего знаменитого кузена.

Getty iMaGeS, 2010

Кто сказал, что мир искусства непредсказуем и изменчив? Дереку Бласбергу, модному журналисту, денди, а также приглашенному редактору Harper’s Bazaar и V Magazine, предложили присоединиться к творческой команде Ларри Гагосяна. «Дерек открывает нам новые горизонты в качестве одного из ведущих голосов СМИ, пишущих о моде и искусстве; я полагаю, что он внесет значительный вклад в развитие нашей галереи», — комментирует назначение Гагосян. Бласберг водит дружбу с большими шишками в мире искусства. Нью-Йорк

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

100 главных людей в российском искусстве, кого вы должны узнавать в лицо The Art Newspaper Russia представляет новый рейтинг — 100 персон, обладающих наибольшим влиянием в российском мире искусства. Разумеется, в отличие от рейтингов богатства, где вес участника можно точно измерить в денежном выражении, влиятельность — это понятие субъективное. И потому к нашему рейтингу в большей мере применим олимпийский принцип «главное — не победа, а участие».

Текст

А л е кс е й А л е кс е е в , Д е н и с Бел ь ке в и ч , Ко н с та н т и н А г у н о в и ч

ервое, на что надо обратить внимание, — чтобы привести к единому знаменателю мнов рейтинге присутствуют госслужащие, жество субъективных мнений. Первоначальответственные за культурную сферу, но был составлен лонг-лист участников худомузейщики, аукционисты, галеристы, коллек- жественной жизни — по нашим публикациционеры, кураторы, искусствоведы, но отсут- ям и публикациям других печатных и сетевых ствуют художники и скульпторы*. Мы ни в ко- СМИ. Одной из составляющих общего балла ей мере не хотим сказать, что они не влияют была упоминаемость. Забегая вперед, заметим, на мир искусства. Просто их влияние следует что итоговый результат часто отличался от нее оценивать не только с этих позиций. Эпите- очень сильно. Самыми популярными в СМИ, ты «талантливый», «популярный», «модный», особенно среди неспециализированных, ока«известный» к слову «художник» звучат нор- зывались далеко не те, кто в конечном итоге мально, а сочетание «влиятельный худож- возглавил наш рейтинг. Далее лонг-лист был разослан экспертам, предник» — немного странно, согласитесь. В рейтинг были включены не только граждане ставляющим все специальности, играющие России, не только жители России. Критерием первые роли в данной сфере. Во избежание конфликта интересов каждый эксперт не мог отбора была причастность, а не паспорт. Потом, влиятельность, как уже было сказано, — оценивать своих коллег по цеху. Галеристы не это понятие субъективное. Поэтому при со- голосовали за галеристов, коллекционеры — за ставлении рейтинга мы приложили все силы, коллекционеров, музейные деятели — за му-

зейных деятелей. Влиятельность всех фигурантов эксперты могли оценить по 5-балльной шкале, где «5» — очень большое влияние, а «1» — скорее участие в рынке, чем влияние. Любой эксперт также имел право не ставить кому-то оценку вообще (или поставить «0») и добавить кандидатуры от себя. Из добавленных кандидатур был составлен дополнительный список, также вынесенный на голосование. Кроме экспертов со стороны, голосование было проведено среди сотрудников редакции TANR. Надо отметить, получив результаты голосования, мы увидели, насколько широко в сфере искусства распространен плюрализм. Некоторые фигуранты рейтинга получили все возможные оценки — от «1» до «5». Одна персона, не попавшая в итоговую сотню, была оценена всеми экспертами, кроме одного, на «1», а этим одним — на «4».

После подсчета итогов мы оставили в списке 100 персон, ранжировав их в соответствии с полученным баллом. Эти баллы мы приняли решение не публиковать, опять же в целях борьбы с субъективностью. К тому же, в отличие от упомянутых рейтингов богатства, показатель, например, 4,125 балла в отношении влиятельности не имеет особого смысла. Как и различие между влиятельностью двух персон в 0,1 балла. Много это, мало, может быть, просто так называемая статистическая погрешность? Смысл имеет попадание конкретной персоны в рейтинг вообще, в первую двадцатку, в первую десятку. Неоднократно получалось, что какую-либо персону все эксперты оценили одинаково. В таких случаях одно место в рейтинге делили несколько человек. А теперь перейдем на личности.

Эксперты в алфавитном порядке 1

Баженова Инна Коллекционер, меценат, издатель газеты The Art Newspaper Russia

Волкова Татьяна Медиаактивист, куратор Международного фестиваля активистского искусства «Медиаудар»

Галеев Ильдар Специалист по русскому искусству 1920–1930-х годов, основатель «Галеев-галереи»

Гельман Марат Галерист, сооснователь продюсерской компании «Культурный альянс»

Дудаков Валерий Коллекционер, директор галереи «Новый Эрмитаж»

Кикодзе Евгения Искусствовед, куратор, руководитель отдела «Современная Москва» Музея Москвы

Озерков Дмитрий Заведующий сектором современного искусства Государственного Эрмитажа

Паршиков Андрей арт-критик, куратор выставочной программы парка искусств «музеон»

Петухов Юрий Владелец галереи «2.36»

Сапрыкина Алина Директор Музея Москвы

примечания

1) Составлен лонг-лист участников, в его основе — публикации TANR и других печатных и сетевых СМИ. 2) Подсчитана упоминаемость участников в TANR и других печатных и сетевых СМИ. 3) Рейтинг упоминаемости скорректирован с учетом экспертных оценок и оценок редакции. * Попавшие в рейтинг художники либо занимают посты, либо ведут кураторскую или образовательную деятельность.

№ 2 (21) март 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

Сто главных людей в российском искусстве… 1–10 2

Сергей Капков Министр правительства Москвы, руководитель Департамента культуры города Москвы Секрет успеха Сергея Капкова кажется очень простым: все проекты под его началом — для людей. На первый взгляд это банальность, однако в жанре «для людей», как выяснилось, ничего подобного у нас не создавалось; люди у нас — это «аудитория», «посетители», «электорат» или «референтная группа». Минуя процесс адаптации к российской ментальности, что при другом руководителе растянулся бы на годы,

Капков просто перенес лучшие мировые социально-культурные проекты в Москву и представил их жителям столицы как осознанную необходимость. Оттого и первый вопрос, возникший в культурной среде после опубликованной рядом СМИ в сентябре 2013 года новости о его отставке, был не «кто будет?», а «что будет?». Сергей Капков остался в должности. И в минувшем году поставил очередные рекорды, явив качественные городские проекты — от «Ночи музеев», которая стала самой масштабной в Европе, собрав более 1,2 млн человек, до предновогодней истории «Лучший город зимы». Ну а самым волевым поступком Сергея Александровича — хоть, может, не самым благовидным в глазах общественности, — стал запрет показа спектакля Pussy Riot: A Punk Prayer в московском «Гоголь-центре». Что ни говорите, а выступить против вождя мирового театралиата Кирилла Серебренникова и самой известной миру арт-панкгруппы вряд ли рискнул бы хоть кто-нибудь еще из нашей «первой десятки».

Марина Лошак Директор ГМИИ им. А. С. Пушкина

Рекордная выставка прерафаэлитов (446 тыс. зрителей) открылась еще при Ирине Антоновой, а закрылась при Марине Лошак

В одном лице искусствовед, куратор и эффективный менеджер, Марина Лошак переходила на должность директора Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина, будучи успешным музейным функционером, энергичным и инициативным арт-директором Музейно-выставочного объединения «Столица», то есть Манежа и еще нескольких залов (сумевшим для начала убедить главу Департамента культуры Москвы

Ольга Свиблова Директор Мультимедиа Арт Музея, Москва В 2013 году, поздравляя Ольгу Свиблову с юбилеем, многие СМИ не глядя списали Ольге Львовне десять лет: ну еще бы, столько энергии! Кинорежиссер и сценарист, куратор более 500 художественных выставок в России и за рубежом, автор свыше 200 статей по теории и практике искусства, академик Российской академии художеств, «и герой, и мореплаватель, и плотник» — этот список всегда можно продолжить, и Свиблова ежегодно вписывает в него несколько новых строк. В 2013 году копилка наград пополнилась премией культурного фонда Montblanc, которая присуждается меценатам и покровителям искусства; а в Мультимедиа Арт Музее прошла уже восьмая биеннале «Мода и стиль в фотографии» — прошла, как обычно, успешно. Экспозиция дома Dior и мастеркласс одного из его ведущих фотографов Патрика Демаршелье были одним из центральных событий (вспоминается, что

Михаил Пиотровский Директор Государственного Эрмитажа В апреле 2013 года Михаил Пиотровский решительно выступил против предложения Ирины Антоновой передать часть собрания Эрмитажа в Москву — и сделал это в прямом эфире, во время телемоста с Владимиром Путиным, что слышала вся страна. Позиция директора Эрмитажа сразу снискала уважение, а когда он

Сергея Капкова в целесообразности создания такой структурной единицы). Наблюдая за работой Лошак в Манеже, надо думать, властные люди окончательно утвердились во мнении, что этот человек, как никто другой, способен удержать музей после ухода Ирины Александровны Антоновой. И сделали соответствующий выбор. Однако в самый момент назначения Марины Лошак на должность главным героем была не она: заголовки 1 июля 2013 года сообщали только, что «уволена Ирина Антонова». Медийная активность нового директора началась позже — и кое в чем, как выясняется, Марина Девовна вполне преуспела. В качестве главного из таких невидимых миру достижений нового директора назовем конец эпопеи с Норманом Фостером и его проектом реконструкции музея, предполагавшим накрыть стеклянным колпаком целый квартал. Отказ от услуг звездного архитектора приблизил реальность реконструкции музея — и подтвердил умение Марины Лошак говорить «нет», важнейшее качество руководителя.

отстоял право художественных ценностей остаться в СанктПетербурге — и восхищение. На фоне этого даже грандиозное открытие Главного штаба, эрмитажной новой площадки, чье освоение станет главной частью программы к 250-летию музея, отошло как бы на второй план. (Тем не менее: в России появилась еще одна площадка топ-уровня для экспонирования современного искусства, в связи с чем пошли слухи о закупке работ художников ХХ века в постоянную коллекцию.) Из последних достижений Пиотровского: в декабре было принято решение о передаче Государственному Эрмитажу еще одного здания, Биржи на стрелке Васильевского острова, и он сразу же предложил проводить там международный юридический форум. Дивиденды очевидны: ввиду актуализировавшегося вопроса реституций сейчас директору любого крупного музея, не только у нас, понадобится хорошая юридическая поддержка, а она теперь у Михаила Борисовича станет международной.

Иосиф Бакштейн Комиссар Московской биеннале современного искусства Думаете, когда столица не принимает Московскую биеннале, рейтинг Иосиф а Марковича снижается? Ничуть — становится еще выше! Хотя, казалось бы, куда уж выше: в иерархии российского современного искусства у него ранг и так практически небожителя, чудотворца. В Словаре московского концептуализма приводилась такая «бакштейн-функция» — «универсальный оператор актуальности», другими словами, как Бакштейн скажет, так оно и бу-

когда-то «Мода и стиль» была лишь сюжетом, одним из на самой-самой первой фотобиеннале Свибловой и новенького формата для ее активности под названием «Московский дом фотографии»). Проект «Фотоархивация российской истории», когда будет реализован, сделает из Свибловой не только главного по фотографии сейчас, но и главного по фотографии в веках. Не обошла Свиблову и интрига: ей предложили занять вакантный пост арт-директора музея PERMM, освободившийся после Марата Гельмана. Общественность восприняла новость двояко: с одной стороны, после Гельмана о новой «культурной столице» можно либо навсегда забыть, либо действительно назначить там начальником вторую Свиблову, потому что одной, при всей ее расторопности, не хватит. С другой стороны, у Свибловой репутация сумасшедшей, это любой подтвердит, а может, если что, и она сама на деле доказать — и вот как будто тот самый случай. Но тогда что с Москвой? (Не упадет, понятно, но все-таки.)

В 2013 г. Эрмитаж презентовал новые выставочные пространства в левом крыле здания Главного штаба

дет. В 2013 году основной проект 5-й Московской биеннале впервые прошел в самом крупном выставочном пространстве страны — Центральном выставочном зале «Манеж»; параллельная программа заняла площадки от Третьяковской галереи и Центра современной культуры «Гараж» до атомного ледокола «Ленин» в мурманском порту. Ну а что касается Института проблем современного искусства, основателем и директором которого является один из самых опытных российских кураторов Иосиф Бакштейн, то институт выпустил очередную партию молодых художников и провел новый набор. И это лишь малая часть того, что хочется сказать о Бакштейне; а все достоинства Бакштейна — тайна вообще. Лысина кандидата философских наук и его рюкзачок настолько кажутся константой в столичной тусовке и СМИ, что основная жизнь в Лондоне остается для широкой общественности загадкой: его присутствие как в Москве, так и в первой десятке рейтинга кажется постоянным. И неизбежным.

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

Дмитрий Ханкин Галерист, галерея «Триумф» «Арт-рынок — это я», — сказал раз Дмитрий Ханкин, и ему трудно возразить: во-первых, он успешный галерист, во-вторых, бывший боксер. В 2013 году, когда ушел из жизни Борис Березовский, мало кто вспомнил, что одним из первых пресссекретарей олигарха был именно Ханкин. В калейдоскопе выставок, направлений и имен, фигурирующих в связи с галереей «Триумф» (которой Ханкин руководит совместно с Емельяном Захаровым и Рафаэлем Филиновым), не сразу заметишь:

ага, вот собственно художник галереи — в том смысле, в каком мы говорим «художник галереи», судя о вкусах галериста. Галерист успевает сделать музейную выставку для генерала отечественного современного искусства (Дмитрий Гутов в ММОМА), показать у себя в галерее генерала другого (Александр Бродский), договориться о визите третьего, иностранного... нет, даже генералиссимуса (Бэнкси), взять под крыло еще одного-двух молодых людей из числа перспективных и договориться с главным выставочным залом сделать для них цикл выставок (Большие надежды в Манеже совместно с «МедиаАртЛаб»), даже начать делать, пока наблюдатель все будет решать, какое такое искусство именно представляет на отечественной сцене галерея «Триумф». В свободное время Дмитрий Ханкин пишет статьи от имени колумнистки Китти Оболенской — еще один аргумент в пользу галериста, обидеть которого с недавних пор означает развязать информационную войну. А галериста обидеть может всякий.

7–8

tass photo

Дарья Жукова Коллекционер, основатель Центра современной культуры «Гараж» В апреле 2013 года Дарья Жукова запустила российскую версию международного журнала Garage, созданного на пересечении современного искусства и моды; помимо собственно издания журнала, этот шаг должен был поддержать и упрочить бренд одноименного центра современного искусства, немного затерявшегося в тени мощнейшего бренда Парка Горького, куда «Гараж» переехал годом ранее. «Гараж» открыл там паПавильон «Гаража» в Парке Горького, построенный по проекту японца Шигеру Бана

7–8

Марат Гельман Галерист («Культурный альянс»), ранее директор музея PERMM Вот как умеют только настоящие политики: увольнение Марата Гельмана в июне 2013 года с поста директора Музея современного искусства PERMM в Перми лишь добавило ему очков в персональный рейтинг. Проверка целесообразности траты 250 млн руб. на фестиваль современного искусства «Белые

вильон по проекту Шигеру Бана, первый в России образец международной архитектуры в этом жанре. Онлайн-проект Artsy, совладелицей которого является Жукова, в минувшем году вышел на новый уровень, приняв участие в 17 ярмарках современного искусства, включая Art Basel (в Базеле, Гонконге и Майами), а британский ArtReview поставил Жукову на 86-е место в рейтинге самых влиятельных лиц мира искусства (единственный представитель России). Был еще глупейший скандал, небольшой, но препротивнейший, на ровном месте, с выяснением, является ли проявлением расизма усесться перед фотографом в кресло, что имеет вид чернокожей жрицы любви. Скандальчик случился уже в этом году и по правилам может быть учтен лишь при составлении следующего рейтинга, но посмотришь на цифры, общие с Гельманом очки в рейтинге (из-за каких-то, вероятно, недобранных баллов), и призадумаешься: а не сыграл ли свою роль скандальчик уже сейчас, осадочек не ос тался ли?

Елена Селина Галерист, куратор, галерея XL и XL Projects

Выставка Реконструкция напомнила о лучших образцах русского искусства 1990-х гг.

Трансформация активности одного из лучших российских галеристов приняла в итоге не столь катастрофические формы, как это представлялось весной 2012 года, когда Елена Селина, вместе с Маратом Гельманом и Айдан Салаховой, объявила о смене курса. Теперь ясно, что новый, негалерейный формат и декларируемое снижение прежней, чисто галерейной предприимчивости никак не повлияли на позицию создательницы бренда XL. С галере-

ночи в Перми», инициированная новым главой края, привела к расторжению контракта, но этим все и закончилось. А посещаемость фестиваля (более 1 млн человек), чего за несколько лет добился Гельман, была оценена губернатором Басаргиным и вовсе положительно — так что последнему пришлось выражаться как-то неопределенно насчет «всего того хорошего, что дал краю и городу фестиваль» и что «должно быть сохранено в будущем». Высвободившееся время культуртрегер и политтехнолог потратил на активность в социальных сетях; вести о перемене в личной жизни собрали еще воз и маленькую тележку лайков. Но, видимо, чего-то Гельману не хватало. И он объявил о возвращении к галеристской деятельности. Галерист, даже московский, — это, конечно, не главный баламут, хоть и в масштабах Перми. По очкам сегодня он делит строчку с Дарьей Жуковой, но где мы увидим Марата Гельмана через год? Как это скажется на его рейтинге в следующем году? Да наверняка придумает что-нибудь!

Василий Церетели Директор Московского музея современного искусства Молодой, амбициозный, коммуникабельный, с зарубежным образованием и опытом жизни, c российской бизнес-хваткой и семейной и властной протекцией (что тоже очень как-то по-российски) — короче говоря, понятно, почему исполнительный директор Московского музея современного искусства

ей понятно: она давно превратилась в «статусную» шоу-рум, а основной актив в виде доверия клиентов и любви художников создается и хранится только благодаря личности галериста. «А я больше всего на свете люблю делать выставки», — говорит Селина, которая наконец избавилась от непрестанных упреков, почему это она делает выставки кому угодно, а не у себя в галерее (и наоборот, только у себя в галерее, а не где-нибудь еще), и с особенным азартом занялась любимым делом. Самые запоминающиеся выставки параллельной программы 5-й Московской биеннале современного искусства были придуманы и реализованы именно Селиной: двухсерийная ностальгическая Реконструкция в Фонде культуры «Екатерина», восстановившая некоторые запомнившиеся галерейные проекты ушедшей эпохи 1990-х, а также Невесомость в выставочном центре «Рабочий и колхозница», где поднимался вечный вопрос о зависимости художника от внешних и внутренних факторов в процессе творчества.

gridchinhall

Красные человечки дизайнера Люблинского стали последним, что напоминает в Перми о Марате Гельмане

Василий Церетели в последние годы неизменно пребывает в верхней части рейтингов, подобных нашему. Еще лет десять назад, помнится, были очень популярны разговоры о том, когда же в Москве появится музей современного искусства и каким он будет, а потом разговоры потихоньку заглохли, потому что выяснилось, что музей современного искусства в Москве уже есть, а со временем это стало очевидно всем. В этом — почерк. Пусть звезды с неба хватать и не в натуре исполнительного директора ММОМА, но он из года в год успешно реализует программу развития, повышая рейтинг и посещаемость музея, бомбя публику выставками и выставочными программами, как-то ухитряясь притом участвовать практически во всех комиссиях, заседаниях и жюри по любому профильному поводу. Фактически идеальный музейный топменеджер — в музее, где коллектив очищен от старой гвардии и работает молодая команда, за год реализующая около 80 выставочных проектов на своих четырех площадках.

Зрительница на выставке отца и сына Пузенковых в Московском музее современного искусства

№ 2 (21) март 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

Сто главных людей в российском искусстве… 11–50 11 12 13 14 15 16 17 18 19

Роман Абрамович Основатель Центра современной культуры «Гараж» и коллекционер, которому приписывают самые громкие покупки, в 2013 году приобрел собрание работ Ильи Кабакова. Все ждут, когда же будет закончено новое здание «Гаража» по проекту Рема Колхаса и реконструкция Новой Голландии в Петербурге, за которую взялся меценат. Стелла Кесаева Основательнице Stella Art Foundation и коллекционеру скоро предстоит в третий раз проявить себя на посту комиссара российского павильона на Венецианской биеннале. Прошлогодний Золотой дождь Вадима Захарова, эффектная и дорогостоящая инсталляция в нашем павильоне, пожалуй, лучший символ деятельности этой дамы. Владимир Мединский 2013-й был для министра культуры годом остроумных замечаний вроде «еще не квадратик» (про работу Мондриана до неопластицизма) или что современное искусство — «голый король». Министр явно увлечен историческим прошлым, но это не помешало ему решиться на новацию — объявить 2014-й Годом культуры в России. Зельфира Трегулова Покинуть Музеи Кремля Зельфира Трегулова могла только ради такого поста, как генеральный директор РОСИЗО — ключевой государственной организации в международной выставочной деятельности. В качестве ее дебюта на новом месте можно рассматривать грядущую выставку советского классика Виктора Попкова в Лондоне. Владимир Овчаренко В 2013 году владелец галереи «Риджина» основал аукционный дом Vladey — первый в России специализирующийся на современном русском искусстве. На первых же торгах общая сумма продаж превысила €500 тыс. До этого ни один российский аукцион современного искусства, даже благотворительный, столько не собирал. Екатерина и Владимир Семенихины Хотя чета Семенихиных появляется в Москве нечасто, выставочный зал их Фонда культуры «Екатерина» стал площадкой для едва ли не самого обсуждаемого проекта 2013 года — ностальгической выставки Реконструкция. Московское искусство 1990-х. Вторую часть выставки московская арттусовка восприняла особенно воодушевленно. Шалва Бреус После внезапного закрытия журнала «Артхроника», рупора радикального российского искусства, внимание главы одноименного фонда отдано устройству музея соц-арта в московском кинотеатре «Ударник». Памятник конструктивизма активно обживают номинанты и лауреаты основанной Шалвой Бреусом Премии Кандинского. Екатерина Деготь Самый радикальный членкор Академии художеств, преподаватель московской Школы Родченко показала вместе с Давидом Риффом новые кураторские подходы на первой Триеннале современного искусства в норвежском Бергене. А в конце сезона удивила московскую публику суперконцептуальной ретроспективой Юрия Альберта. Инна Баженова Коллекционер западноевропейской живописи и издатель газеты The Art Newspaper Russia, входящей в самую влиятельную международную сеть арт-изданий. Учрежденная в прошлом году одноименная с газетой ежегодная премия была с энтузиазмом встречена арт-сообществом.

20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31

Михаил Каменский Харизматичный директор представительства Sotheby’s в России и СНГ не зря старается. Картины Роберта Фалька и Петра Кончаловского, которые должны были появиться на аукционе русского искусства в Лондоне, были куплены частным порядком еще до торгов за суммы, многократно превышающие эстимейты. Ирина Антонова Ирина Александровна создала мировую сенсацию, уйдя с поста директора ГМИИ им. А. С. Пушкина, который она занимала рекордные полвека. А напоследок предложила воссоздать в Москве Музей нового западного искусства, посягнув на коллекцию модернистов Эрмитажа, и почти вызвала войну двух столиц. Вот что значит авторитет! Михаил Швыдкой Экс-министр культуры, директор Театра мюзикла в Москве. Сохраняет влияние и на посту специального представителя президента РФ по международному сотрудничеству. Говорят, Марина Лошак стала директором ГМИИ им. А. С. Пушкина не без поддержки своего старого друга, хорошо понимающего законы мюзикла. Алина Сапрыкина Новый директор Музея Москвы взялась превратить сонное царство в место силы. На территории Провиантских складов, где располагается музей, был открыт Центр документального кино, кованые ворота распахнулись перед современными художниками, и началась реконструкция корпусов памятника русского классицизма. Антон Белов Под началом директора Антона Белова «Гараж» превратился не только в один из главных аттракционов Парка Горького, но и в ведущий просветительский арт-центр, чему способствовали яркая конференция по перформансу, многочисленные лекции на любой вкус, издательская программа, а также открытие научной библиотеки. Борис Гройс Преподавая в Европе и США, в России известный философ искусства появляется в основном в «теоретическом» виде. Так, осенью 2013 года увидела свет уже третья публикация классического текста Гройса Стиль Сталин. Его редкого живого появления не стоит пропускать. После его лекций всем все становится понятно. Дмитрий Аксенов В июне 2013 года Дмитрий Аксенов стал единственным владельцем венской ярмарки современного искусства Viennafair. Ярмарка пытается всячески заявить о себе как о событии многозначном и общественном. Отсюда публичные лекции, коллекционерские рауты. Впрочем, и насущными результатами участники вполне довольны. Василий Бычков Директор Центрального дома художника (ЦДХ) в Москве и глава компании «Экспопарк. Выставочные проекты» остается бессменным российским лидером в проведении художественных ярмарок, в том числе таких популярных, как «Арт Москва» и Российский антикварный салон. Вячеслав Моше Кантор Собиратель всего «очень русского, очень еврейского и очень выдающегося» в декабре 2013 года презентовал в ГМИИ им. А. С. Пушкина коллекцию своего музея MAGMA. Экспонатов с громким именем было немало. Чего стоит один только Жук Кабакова — самое дорогое произведение современного российского художника. Ирина Лебедева Директор Третьяковки хотела привлечь больше публики в здание галереи на Крымском Валу с искусством XX века. Выставка «амазонки русского авангарда» Наталии Гончаровой была очень успешна. Старое здание галереи тоже ждут изменения: был утвержден авангардный проект нового фасада, выходящего на Болотную. Наталия Сиповская Доктор искусствоведения, создательница альманаха «Пинакотека» после громкого конфликта заняла пост директора Государственного института искусствознания. Уже в апреле были повышены зарплаты сотрудникам, и есть все шансы, что издание 22-томной Истории русского искусства будет доведено до победного конца. Дмитрий Озерков Заведующий сектором современного искусства Эрмитажа стал вторым лицом музея. Светская активность энергичного красавца идет на пользу музею, меняющему имидж национальной сокровищницы на открытый новациям музей. Это летом 2014 года должна доказать европейская биеннале Manifesta, которая пройдет в Эрмитаже.

32 33 34 35 36 37

Виктор Мизиано 2013 год начался для авторитетного куратора с остроумного предложения давать деньги худшему художнику, а лучшего награждать поцелуем прекрасной дамы. Осенью создатель и бессменный редактор «Художественного журнала» отметил 20-летие главного русскоязычного теоретического издания, посвященного искусству. Владимир Потанин О щедрости члена Попечительского совета Эрмитажа, учредителя Благотворительного фонда Владимира Потанина давно знают и провинциальные российские музеи: в 2013-м 20-летие отметил созданный им грантовый конкурс «Меняющийся музей в меняющемся мире». Николай Молок Директор по развитию некоммерческого фонда Stella Art Foundation, поддерживающего российский павильон на Венецианской биеннале, подтвердил свое академическое реноме историка искусства, выпустив под своей редакцией солидный труд Российские художники на Венецианской биеннале. 1913–2013. Михаил Миндлин Гендиректор Государственного центра современного искусства проявил немало энтузиазма, чтобы отстоять свое детище — проект нового здания центра. Возводить его на Ходынском поле будет ирландское бюро Heneghan Peng Architects. А пока конкурс-премия «Инновация», проводимая ГЦСИ, ютится по съемным залам. Михаил Прохоров Основатель благотворительного Фонда Михаила Прохорова делегировал своей сестре Ирине Прохоровой полномочия по поддержке культуры регионов России. Участие в политической кампании брата, слава богу, не отвлекло ее от культурных проектов, в числе крупнейших из которых — музейная биеннале в Красноярске. Ирина Коробьина Директор Государственного музея архитектуры им. А. В. Щусева предложила смелый план туристического развития центра Москвы, объединенный маршрутом по памятникам архитектуры. Пока эта идея осмысляется, музей получил разрешение и средства на восстановление памятника советского авангарда — дома Константина Мельникова.

Андрей Филатов

Петр Авен

40 41 42 43

Основатель Арт-фонда семьи Филатовых, громко заявившего о своей миссии — покупке и популяризации советской живописи. Намеченные на 2014 год международные гастроли (Венеция, Лондон) выставки советского классика Виктора Попкова, организованной совместно с РОСИЗО, должны стать первым шагом на этом пути.

Председатель совета директоров банковской группы «Альфа-банк», владелец самого значительного собрания русского искусства конца XIX — начала XX века, не предпринимая громких публичных акций, остается негласным, но непререкаемым авторитетом среди российских коллекционеров. Владимир Гусев Директор Русского музея проводит популистскую политику, благодаря которой в 2013 году его музей отличился выставкой картин голливудской звезды Сильвестра Сталлоне. На этом фоне решение о строительстве совместного с Этнографическим музеем фондохранилища осталось почти незамеченным. Екатерина Мак-Дугалл Основательница, cовладелица и директор британского аукционного дома MacDougall’s, специализирующегося на русском искусстве, помимо успешных продаж, поразила воображение профессиональной публики детективом собственного сочинения Бриг «Меркурий», темпераментно повествующем о тайнах аукционного дела. Андрей Толстой Доктор искусствоведения, член президиума Российской академии художеств (РАХ), директор Научно-иссл. института теории и истории изобразительных искусств РАХ, специалист по русской живописи XX века, ранее замдиректора ГМИИ им. А. С. Пушкина, куратор первой в Москве большой персональной выставки М. К. Эшера. Игорь Цуканов Основатель базирующегося в Лондоне фонда Tzukanov Family Foundation и коллекционер второго русского авангарда 1960–1970-х годов заключил на несколько лет партнерское соглашение об организации выставок с лондонской галереей Чарльза Саатчи. Первую выставку Постпоп-арт с участием русских обещают уже этой осенью.

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

Софья Троценко Для основательницы Центра современного искусства «Винзавод» год был непростым: главную московскую галерейную площадку сотрясали скандалы, инициированные одним из арендаторов, Маратом Гельманом. «Винзавод» устоял, Гельман не съехал, а Софья объявила о новом некоммерческом проекте — философской школе.

tass photo

45 46

47 48 49 50

Виктор Вексельберг Владелец самой значительной частной коллекции ювелирных изделий фирмы Карла Фаберже, создатель и глава Попечительского совета Благотворительного культурно-исторического фонда «Связь времен» наконец открыл в СанктПетербурге свой Музей Фаберже, расположенный в отреставрированном дворце. Александр Мамут Владелец сети книжных магазинов в Лондоне, сооснователь московского Института медиа, архитектуры и дизайна «Стрелка», в 2013 году был одним из инициаторов международного конкурса на создание архитектурной концепции нового здания Государственного центра современного искусства в Москве. Юрий Аввакумов «Бумажный» архитектор и куратор сегодня один из ведущих российских экспозиционеров. Его подача наследия Павла Корина на выставке в Третьяковке произвела сильное впечатление: на первый план был выставлен нетронутый гигантский холст. Есть все основания полагать, что и другие музеи будут пользоваться услугами Юрия. Мария Байбакова It girl, то есть образец для подражания для молодых и состоятельных любительниц искусства, Мария Байбакова запомнилась своей галереей Baybakov Art Projects. В прошлом году она появилась в Москве уже в новом качестве — стратегического директора сайта Artspace, онлайн-платформы по продаже современного искусства. Марина Ситнина Вице-президент Газпромбанка и генеральный директор компании «Арт Финанс» управляет корпоративной коллекцией банка, включающей российское искусство 1990–2000-х годов. Прошлым летом выставка из коллекции Dreaming Russia была с успехом показана в венском музее Альбертина. Тереза Мавика Обаятельная итальянка много способствует утверждению русского искусства на международной сцене. Например, в качестве арт-директора фонда Леонида Михельсона «Виктория — искусство быть современным». Фонд провел в Венеции выставку Павла Альтхамера и Анатолия Осмоловского Схождение параллелей.

риа новости

Сто главных людей в российском искусстве… 51–100 51 Зураб Церетели, президент Российской академии художеств 52 Николай Палажченко, куратор, член совета фонда «Винзавод» 53

54 Алиса Прудникова, директор Уральского филиала Государственного центра современного искусства, ответственный секретарь Попечительского совета Государственного центра современного искусства, председатель правления фонда «Новое искусство» (Екатеринбург) 55 Андрей Сарабьянов, искусствовед, специалист по русскому авангарду, главный редактор недавно опубликованной первой «Энциклопедии русского авангарда» 56 Ольга Шишко, куратор, заместитель директора Музейно-выставочного объединения «Манеж», директор «МедиаАртЛаб» (Москва) 57 Николас Ильин, вице-президент компании Global Culture Asset Management Group, арт-консультант 58 Кристина Штейнбрехер-Пфандт, арт-директор ярмарки современного искусства Viennafair (Вена) 59 Лиза Савина, арт-директор AL Gallery, основатель галереи Savina (Санкт-Петербург) 60 Елена Гагарина, директор Государственного музея-заповедника «Музеи Московского Кремля» 61 Александр Боровский, заведующий отделом новейших течений Государственного Русского музея 62

В топ-5 по категориям Марат Гельман вошел в категорию «Музейщики», так как в 2013 году фигурировал в основном как директор музея. Елена Селина отнесена к категории «Кураторы», поскольку выступала в этот период именно в таком качестве.

Топ-5 Коллекционеры, меценаты

Топ-5 Галеристы, деятели арт-рынка

Дарья Жукова

Дмитрий Ханкин

Роман Абрамович

Владимир Овчаренко

3 Стелла Кесаева

Михаил Каменский

Дмитрий Аксенов

Василий Бычков

Шалва Бреус

5 Екатерина и Владимир Семенихины

Топ-5 Музейщики

Топ-5 Искусствоведы, кураторы

Ольга Свиблова

Иосиф Бакштейн

Михаил Пиотровский

Елена Селина

Марина Лошак

Екатерина Деготь

Марат Гельман

Борис Гройс

Василий Церетели

Наталия Сиповская

Анна Свергун, директор пиар-агентства Art PR

Андрей Ерофеев, искусствовед, куратор

63 Леонид Михельсон, учредитель фонда «Виктория — искусство быть современным» 64

Гари Татинцян, владелец Gary Tatintsian Gallery

65 Екатерина Ираги, член экспертного совета ярмарки современного искусства «Арт Москва», владелец галереи Iragui (Москва) 66 Михаил Алшибая, коллекционер современного российского искусства 67 Александра Санькова, директор Московского музея дизайна 68 Владимир Толстой, советник президента РФ, экс-директор музея-усадьбы Л. Н. Толстого «Ясная Поляна» 69 Александра Обухова, руководитель научного отдела Центра современной культуры «Гараж» (Москва) 70 Ярослава Бубнова, куратор, директор Института современного искусства в Софии, член правления Международного фонда Manifesta 71 Айдан Салахова, художник, член-корреспондент Российской академии художеств, преподаватель Института им. Сурикова, основательница Aidan Studio 72 Анатолий Осмоловский, художник, куратор, ректор образовательной программы и исследовательской экспериментальной площадки «Институт «База» 73 Алексей Ананьев, коллекционер советской живописи, основатель Института русского реалистического искусства (Москва) 74 Виктор Бондаренко, коллекционер православной иконы и современного российского искусства 75 Алишер Усманов, основатель фонда «Искусство, наука и спорт»

76 Екатерина Проничева, руководитель Департамента культурного наследия Министерства культуры РФ 77 Елена Тюняева, директор Парка искусств «Музеон» (Москва) 78 Леонид Бажанов, художественный руководитель Государственного центра современного искусства 79 Наталья Самойленко, бывший руководитель Департамента культурного наследия Министерства культуры РФ, директор Государственного музея-заповедника «Царицыно» 80 Георгий Никич, куратор объединения «Выставочные залы Москвы» 81 Сергей Скатерщиков, специалист в области художественного рынка, управляющий директор Skate’s Art Market Research 82 Юлия Шахновская, директор Политехнического музея 83 Антонио Джеуза, специалист по искусству новых технологий и российскому видеоарту 84 Марина Варварина, основательница музея современного искусства «Эрарта» (Санкт-Петербург) 85 Андрей Воробьев, арт-директор Музейно выставочного объединения «Манеж» (Москва) 86 Наталья Григорьева, основатель Фотогалереи им. братьев Люмьер (Москва) 87 Александра Шатских, исследователь русского авангарда 88 Марина Молчанова, директор галереи «Элизиум» (Москва) 89 Маргарита Пушкина, коллекционер современного русского искусства, организатор арт-ярмарки Cosmoscow 90 Алексей Левыкин, директор Государственного исторического музея 91 Кирилл Светляков, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи 92 Наталия Курникова, основательница галереи «Наши художники» (Москва) 93 Елена Титова, директор Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства 94 Алексей Тизенгаузен, международный директор русского отдела аукционного дома Christie’s 95 Валерий Дудаков, Марина Кашуро, галеристы, коллекционеры русского искусства XX века 96 Борух Горин, председатель правления Еврейского музея и центра толерантности (Москва) 97 Юрий Тюхтин, владелец аукционного дома «Совком» (Москва) 98 Олеся Туркина, куратор, критик, ведущий научный сотрудник отдела новейших течений Государственного Русского музея 99 Кристина Краснянская, арт‑директор международной арт‑галереи «Эритаж» (Москва) 100 Андрей Ковалев, арт-критик, историк современного российского искусства

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 2 (21) март 2014

Крупным планом

Премия: борьба хорошего с лучшим Год назад наша газета вручила свою I Ежегодную премию The Art Newspaper Russia. Накануне второй церемонии, которая состоится в начале апреля, нам показалось важным рассказать, как и почему выбираются номинанты. Но, сохраняя интригу, имена лауреатов пока оставим в тайне Текст

М и л е н а О р л о в а , гл а в н ы й р е д а к т о р T h e A r t N e w s p a p e r R u s s i a

ормируя шорт-лист премии, мы просматриваем номера нашей газеты за год, выбирая самые яркие события, о которых писали, советуемся с экспертами в таких специальных сферах, как, например, реставрация, учитываем общественный резонанс того или иного события (скажем, для выставок важным для нас критерием является посещаемость), а далее начинаем спорить. Вот как это происходит.

Книга года: переводы, детективы, энциклопедии Обзор нашей рубрики «Книги», где рецензируются издания самых разных жанров, связанные с искусством, вплоть до детектива из жизни антикваров, который в прошлом году опубликовала Екатерина Мак-Дугалл , глава одноименного аукционного дома, показал, что одними из самых ярких в прошедшем году стали переводы на русский язык замечательных культурологических текстов, в том числе классической книги Сьюзен Сонтаг О фотографии или вышедших почти 30 лет назад записок американского журналиста Эндрю Соломона о советских художниках эпохи перестройки Башня иронии; этими переводами мы обязаны совместным усилиям издательства «Ад Маргинем» и «Гаража». Однако было бы странно давать премию за переводы уже известных книг, хочется поощрить нечто новое, вышедшее в этом году. Вот они, эти самые заметные новинки, лежат на нашем редакционном столе. Тяжеленный том Энциклопедии русского авангарда, выпущенной коллективом авторов под редакцией Андрея Сарабьянова. Очень кропотливый, дотошный труд, суперполезный для специалистов. Но может ли такая книга стать бестселлером у не озабоченного подделками русского авангарда читателя? Вот исследование Екатерины Бобринской о художниках-нонконформистах Чужие? Неофициальное искусство: мифы, стратегии, концепции, тем более ценное, что об этой эпохе подпольного сопротивления догмам соцреализма мало что до сих пор написано. Вот, наконец, изданный к 100-летию Павильона России на Венецианской биеннале аккуратный кирпич сборника статей и документов под редакцией Николая Молока Русские художники на Венецианской биеннале. 1895–2013, разоблачающий многие заблуждения и предрассудки относительно того, как выбирались и выбираются художники для национального участия на главной художественной выставке мира. Черт, эта книга еще и красивая, издана хорошо!

Библиотека Алвара Аалто. 1930– 1935. Выборг

Агатовые комнаты. Архитектор Ч. Камерон Александр Догадин

Морской собор святителя Николая Чудотворца в Кронштадте. Арх. В. Косяков. 1913

Игорь Руссак/РИА Новости

пресс-служба московского банка сбербанка россии

5-я Московская биеннале современного искусства в Манеже

Выставка года: не все очереди хороши

Реставрация года: штаб, собор, библиотека В реставрации более, чем где-либо, чувствуется разница масштабов наших номинантов. С одной стороны, это высоко оцениваемые профессионалами достижения в сфере реставрации отдельных произведений. Например, Государственный научно-исследовательский институт реставрации (ГосНИИР) считает настоящей сенсацией реставрацию «доски» XVI века Хозяйка на кухне из коллекции графа Шереметева, позволившую сохранить живопись неизвестного нидерландского художника. Третьяковка гордится почищенными к идущей сейчас выставке картинами Павла Корина, но ничего новаторского тут вроде нет, просто хорошая реставрация. С другой стороны, это такие мегапроекты, как реставрация Морского собора в Кронштадте, гигантского, пышного и очень нарядного сооружения XIX века в византийском стиле. Хотя в этом случае огромный объем проведенных работ включает в себя и то, что называется реконструкцией. Та же история с явным фавори-

том списка в этой категории: Эрмитаж в конце года презентовал журналистам новые выставочные пространства в левом крыле переданного музею здания Главного штаба. Конечно, самим местоположением в центре Петербурга, на Дворцовой площади, и значимостью имени Эрмитажа этот проект должен был бы встать в ряд громких мировых музейных реконструкций. И встал. Но при всем желании отметить этот грандиозный проект, включающий в себя как классическую реставрацию, так и архитектурные новшества — перекрытие дворов и устройство грандиозной лестницы-амфитеатра во дворе, — мы, как и многие наблюдатели, смущены тем, что в связи с потраченными на него столь же грандиозными средствами (13,5 млрд руб. вместо планировавшихся 5 млрд) заведено уголовное дело о мошенничестве. Музей, как утверждает его директор Михаил Пиотровский, отношения к этому не имеет, но как-то некрасиво получается. Смущает и то, что по тем же мировым меркам сама реконструкция не так изящна и остроумна, как хотелось бы. Но в то же время ничего подобного в нашей стране за последние годы не делалось. В наш список попала и более локальная реставрация из того же региона — Агатовые комнаты Чарльза Камерона в Царском Селе. Здесь все прекрасно, но наши источники сообщают, что после открытия памятника он вновь закрылся. На доделку. Наконец, мы имеем долгую, но все-таки законченную в прошлом году реставрацию памятника мирового модернизма — построенную в 1935 году в Выборге библиотеку великого финского архитектора Алвара Аалто. На фоне конкурентов из списка это сооружение выглядит скромно, однако для нас тут важна тенденция. Средства на реставрацию этого новаторского для своего времени здания были выделены не только благотворительными фондами, но и властями области. И это очень радует, так как памятники модернизма на государственном уровне у нас до сих пор не очень-то и жалуют, в отличие от безусловной классики Царского Села, на которую всегда находятся меценаты.

photo by Eugene Asmolov

Новая лестница-амфитеатр. Главный штаб, Эрмитаж

Яйцо работы фирмы К. Фаберже из коллекции В. Вексельберга

Нельзя сказать, что прошедший год был бедным на выставки. Напротив, в этой номинации наш короткий список был самым длинным. Не будем скрывать, что для нас одним из важнейших критериев успеха является интерес публики. И длина очередей на ту или иную выставку. Но не только, иначе нам пришлось бы назвать победителем агитационную инсталляцию, посвященную 300-летию дома Романовых в Манеже, на которой почти не было произведений искусства. Мы выбирали выставки, где было искусство, причем еще не виденное нашими зрителями. Как, например, первая выставка прерафаэлитов в ГМИИ им. Пушкина, удачно совпавшая с выставкой Тициана. Или занявшая оба этажа Манежа главная выставка Московской биеннале современного искусства Больше света!, исполненная куратором Катрин де Зегер с изяществом музыкального произведения, что нечасто бывает с такого рода большими групповыми международными проектами. Впечатленный увиденным, министр культуры почти повторил легендарную акцию Никиты Хрущева в Манеже, заклеймив современное искусство как «непонятное», что для многих означает практически знак качества. Не зря обруганные Хрущевым в 1960-е художники сейчас признаны нашим главным достоянием из этой эпохи. Газпромбанк популяризировал новейшее русское искусство из своей коллекции за границей, и не где-нибудь, а в знаменитом венском музее Альбертина. А вот эффектная и концептуально выверенная выставка Лисицкий и Кабаков приехала к нам из Голландии и побывала и в Эрмитаже, и в Мультимедиа Арт Музее

Третьяковка впервые показала всю Наталию Гончарову государственная третьяковская галерея

Собрание Ильи и Эмилии Кабаковых, Нью-Йорк, США. Фото:Д. Джеймс Ди

Выставка «Лисицкий и Кабаков» удивила своим дизайном

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом в Москве. Диалог нашего современника Ильи Кабакова с классиком авангарда Эль Лисицким запомнился еще и высочайшим классом выставочного дизайна, что в наших широтах большая редкость. Исключением стоит признать деятельность «Гаража», создающего безупречные экспозиции — как выставка чешского кинорежиссера и художника Яна Шванкмайера, для сюрреалистических объектов которого выстроили особую конструкцию. Именно с этой точки зрения — подачи вещей — явно проигрывает во всех других отношениях эпохальный проект Третьяковской галереи на Крымском Валу — первая полная ретроспектива главной женской звезды русского авангарда Наталии Гончаровой. Тем не менее не слишком удачное размещение и освещение картин не мешает нам признать важность этой выставки как, по сути, первой публикации ее наследия: в галерее считают, что это поможет бороться с многочисленными подделками ее творчества. И считают явно небезосновательно.

Факты о премии ©Центр современной культуры «Гараж», Москва

Центр современной культуры «Гараж» ярко заявил о себе

Музей года: стабильность или новаторство? Такого яркого открытия, как Еврейский музей и центр толерантности, получивший нашу премию в прошлый раз, в 2013 году не случилось. Но и тут в этой номинации нас подстерегает дилемма выбора между «тяжеловесами», какими, без сомнения, являются наши главные музеи, и активными новичками, будь то небольшой частный музей, как Институт русского реалистического искусства в Москве, или на глазах оживающий с приходом нового директора до того незаметный Музей Москвы, или деятельнейший «Музеон», отбивающий публику даже у своего мощного соседа по Крымской набережной, Третьяковки. Мы уже молчим про «Гараж», формально, конечно, не являющийся музеем, тем не менее претендующий на мировой музейный уровень. Если же отрешиться от постоянных коллекций (понятно, что тут всех всегда побьет великий Эрмитаж) и сосредоточиться на бурлении музейной жизни (скажем, частоте вернисажей, наличии всяких лекций, образовательных историй, мастер-классов), то окажется, что вперед выбиваются музеи, связанные с современным искусством: Московский музей современного искусства, радующий выставками ведущих российских художников, или Мультимедиа Арт Музей Москва (МАММ), благодаря своему харизматичному директору Ольге Свибловой и профессиональной команде привлекающий даже самых далеких от искусства людей. У МАММ есть еще козырь — существующая при нем уже несколько лет Школа Родченко, исправно выпускающая перспективных и радикально настроенных молодых художников. Конечно, деятельность школы трудно назвать музейной, но нельзя не отметить, что МАММ работает сразу на двух фронтах: это популяризация современного искусства в массах и это поддержка его самой экспериментальной, авангардной части.

Личный вклад: ярко или длинно? Эта номинация — одна из самых деликатных. Проще всего было бы измерять ее как в экономических изданиях — просто размером этого самого вклада. Но, во-первых, многие наши благотворители и участники рынка предпочитают не афишировать суммы, потраченные ими на искусство или на его поддержку. Вовторых, для нас важен опять-таки общественный резонанс, который возникает вокруг вложения сумм, а это не всегда пропорциональные вещи. Скажем так, громкая покупка на аукционе, несмотря на значительность уплаченной суммы, вряд ли будет служить основанием выдвижения в наш список — если, конечно, потом эта покупка не появляется в открытом для публики музее, как это случилось в прошлом году с выдающейся коллекцией Фаберже, для которой Виктор Вексельберг и его фонд «Связь времен» в конце концов организовали музей в Петербурге, отреставрировав, кстати, для этой цели дворец. Другое дело — деятельность благотворительных художественных фондов, направленных на поддержку искусства. Мы должны отметить яркое выступление России на Венецианской биеннале с инсталляцией Вадима Захарова Золотой дождь, которое поддерживал фонд Стеллы Кесаевой. И конечно, никак не можем проигнорировать ажиотаж вокруг деятельности фонда «Айрис» Дарьи Жуковой и Романа Абрамовича, в прошлом году начавшего осваивать и Петербург — Новую Голландию. Пиар другого благотворительного фонда — Владимира Потанина — не такой активный. Просто потому, что деятельность его распространяется не столько на столицы, сколько на провинциальные российские музеи, ежегодно по конкурсу «Меняющийся музей в меняющемся мире» получающие гранты на развитие. Но представьте себе, что эти скромные музеи получают гранты уже на протяжении 20 лет, и вы поймете, как нашей редакции трудно выбрать тут победителя. �

1 2 3

Deror avi

В ГМИИ им. Пушкина очереди стояли на прерафаэлитов и Тициана

4 5

Мультимедиа Арт Музей, Москва поднимает зрителей на новую высоту МАММ

6 7 8

Музей архитектуры предложил план туристического развития центра Москвы

9 Летняя жизнь во дворе Музея Москвы

Премия The Art Newspaper Russia — единственная в России, которая объединяет разные художественные дисциплины и области. Ее миссия — публично выразить признание героям художественного мира, отметив их достижения за год, и сплотить сам этот мир. Номинации премии соответствуют основным рубрикам газеты: это «Выставка года», «Музей года», «Книга года», «Реставрация года» и «Личный вклад». Последняя связана со сферой художественного рынка в самом широком смысле слова, и тут мы отмечаем людей, внесших личный финансовый вклад в развитие искусства и художественного рынка. Лауреаты получают призы в виде двух стрелок-башен, лондонского БигБена и Спасской башни Кремля, — изготовленные вручную скульптуры Сергея Шеховцова, участника Венецианской биеннале. Выбор лауреатов не ограничен такими рамками, как российское гражданство; победителем может стать и выставка российского искусства за рубежом, и проект, осуществленный иностранцем, но связанный с Россией. Выбор лауреатов осуществляется редакцией коллегиально с учетом мнения экспертов в той или иной области. Первая церемония вручения премии прошла 4 апреля 2013 года в московском Манеже. Режиссером ее выступил Алексей Агранович, ведущим — актер Вадим Демчог. Для одного из номеров музыку написал композитор Владимир Мартынов. В церемонии участвовали ансамбль Татьяны Гринденко, арт-группа «Провмыза». Специальным гостем первой церемонии стал британский музыкант Марк Алмонд. Среди вручавших призы были посол Италии в России Антонио Дзанарди Ланди, директор Sotheby’s Россия – СНГ Михаил Каменский, нынешний директор ГМИИ им. А. С. Пушкина Марина Лошак, комиссар Московской биеннале современного искусства Иосиф Бакштейн и др. Лауреатами первой премии стали: «Выставка года» — Караваджо в ГМИИ им. Пушкина, «Реставрация года» — Арсенал в Нижнем Новгороде, «Книга года» — История русского искусства первой половины XIX века, «Музей года» — Еврейский музей и центр толерантности в Москве, «Личный вклад» — Сергей Скатерщиков и Дмитрий Аксенов за покупку и реорганизацию ярмарки в Вене.

THE ART NEWSPAPER Russia

Венецианская биеннале

№ 06 (15) июль-август 2013

гиганты Венецианская биеннале современного искусства — 2013 Биеннале открыта до 24 ноября

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Венецианская биеннале

лагуны

Старейшая в мире международная выставка (основана в 1896 году) поражает гигантским размахом. Помимо основного проекта, в котором представлено 150 художников из 37 стран, она включает национальные павильоны (в этом году их 88, в том числе павильон России) плюс десятки выставок параллельной программы. Любой критик тут выступает как герой притчи про слона, описывая то ли хобот, то ли хвост. Мы постарались собрать разные мнения о биеннале и представить, насколько это возможно, цельную картину Vostock-photo / © Stefano Rellandini / Reuters

Джереми Деллер. Социалист Уильям Моррис, выкидывающий из венецианской лагуны яхту «Луна» Романа Абрамовича. Павильон Великобритании

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

№ 06 (15) июль-август 2013

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

Мастерские: художникам не стоит ждать милостей Художникам обычно многого не хватает для счастья, причем каждому чего-то своего. Но есть одна тема, которая не оставляет равнодушным буквально никого из тех, кто выбрал искусство своей профессией. Мастерская, студия, воркшоп — на какой манер ни называй личное творческое пространство, суть дела не меняется: без этого пространства жизнь любого художника представляется не просто ущербной, а практически невыносимой. Собственный уголок, хотя бы минимально приспособленный для работы над холстом, видеопроектом или инсталляцией, относится к числу «основных средств производства» в сфере искусства. И именно с обретением такого уголка связаны, как правило, серьезные проблемы у множества авторов Текст Д м и т р и й С м о л е в Иллюстрация И г о р ь С к а л е ц к и й

ричина трудностей понятна: рынок недвижимости никак не учитывает специфику творческих занятий — проще говоря, не предлагает льгот и скидок художникам, чье существование довольно затейливым образом сопряжено с миром товарно-денежных отношений. Возникает что-то вроде замкнутого круга: для достижения материального успеха требуются годы и годы интенсивного труда при переменчивой конъюнктуре, а чтобы создать приемлемые условия для этого труда, необходим надежный источник доходов, наличием которого лишь очень немногие могут похвастать. Интернациональная мода на сквоты (примеры самовольного вселения художников в пустующие здания встречались и в России перестроечного периода) давно ушла в прошлое: городские администрации по всему миру оградили себя от этого явления законодательно. Зато появилось немало легальных возможностей для получения постоянной или временной студии на нерыночных условиях — тут государственные инициативы нередко комбинируются с частными. Увы, не у нас. В России едва ли не единственной структурой, системно распределяющей заветные квадратные метры для творческих нужд, остается Союз художников. Схема предоставления мастерских членам союза не претерпела существенных изменений с советских времен, но работает достаточно уверенно, даже в Москве, где буквально все, казалось бы, направлено на извлечение прибыли. По словам Егора Плотникова, члена правления Товарищества живописцев Московского союза художников, площади выделяются на весьма выгодных условиях. «Художники платят лишь за «коммуналку» плюс небольшой сбор, идущий на оплату труда технического штата МСХ. Не существует даже договоров аренды, есть лишь соглашение о пользовании помещением для творческой работы. Если пункты этого соглашения нарушаются, союз имеет право аннулировать договоренность», — рассказывает он. Правда, реализовать свое право на мастерскую не так-то просто: очередей на их получение никто не отменял. «Сначала надо попасть в так называемый твердый список, то есть встать в очередь, — объяснил Егор Плотников. — Вопросами распределения ведают жилищные комиссии, они имеются в каждой секции. Это выборные органы, туда на общественных началах входят сами художники, а не сотрудники хозяйственных служб или бухгалтерии. Подав заявление на мастерскую, художник должен подкрепить свое формальное право еще и свидетельствами активного участия в творческой жизни союза. Пассивное ожидание может затянуться на годы и даже десятилетия. Нередки случаи, когда состоящие в «твердом списке» сами подыскивают для себя варианты. Кстати, сегодняшний МСХ с охотой идет навстречу молодым художникам. Когда освобождается очередная мастерская, то, к примеру, из двух возможных претендентов выбор часто падает на менее заслуженного. Бывает даже, что интересного и перспективного молодого художника «ведут» буквально со студенческой скамьи — он быстро вступает в МСХ, и мастерская ему тоже достается быстро, если у него стесненные условия для работы. Причем такая поддержка не зависит от того, в какой манере работает автор и кто у него был в педагогах. Союзу важен приток свежих сил». Многим памятны скандальные ситуации 1990-х годов, когда на мастерские, принадлежащие Московскому союзу художников, активно покушались частные предприниматели, норовившие с помощью юридических уловок выселить членов союза из за-

«Это разного рода подвалы, чердаки, пристройки...» нимаемых ими помещений. Сейчас эту проблему можно считать решенной: статус мастерских защищен довольно надежно. Егор Плотников так описывает нынешнее положение вещей: «Часть помещений принадлежит городу Москве и, как правило, относится к нежилому фонду. Это разного рода подвалы, чердаки, пристройки, технические этажи. Сюда же могут относиться и квартиры в жилых домах, которые по каким-то причинам мало годятся для проживания, например затенены сверх нормы. Такие помещения переданы городом в безвозмездное пользование Московскому союзу художников, этот указ был подписан еще Юрием Лужковым. Речь шла о сроке в 25 лет. А другая часть мастерских находится в собственности союза. Сюда входят и кооперативные мастерские, которые строились под эгидой МСХ, и те помещения, которые переводились когда-то в ведение союза. Этот фонд тоже довольно велик». Картина вырисовывается вроде бы оптимистическая, но стоит напомнить, что эта ситуация касается только членов МСХ, а ими спектр столичной «художественной общественности» отнюдь не исчерпывается. Кто-то не желает вступать в союз по принципиальным соображениям, а приезжих туда попросту не примут из-за отсутствия прописки. Выход из положения мог бы найтись в сфере частных инициатив, но у нас они все еще остаются большой редкостью. Почти исключительный случай — маленький студийный кластер на территории Центра современного искусства «Винзавод». О нем рассказывает Софья Троценко, президент Фонда поддержки современного искусства «Винзавод»: «Поначалу в этом проекте участвовали галереи, арендовавшие студии для своих художников, но со временем по разным причинам они отказались от этой идеи. Хотя я убеждена, что для арт-процесса важно, чтобы именно галереи поддерживали своих авторов, но в России эта форма сотрудничества галерей и художников попрежнему не очень развита. Так что в ЦСИ «Винзавод» остались лишь студии, безвозмездно предоставленные нашим фон-

дом. Мы рассматриваем такую практику как институциональную поддержку. Здесь работают авторы, «исторически» связанные с центром: например, Олег Кулик получил студию после работы над проектом Верю!. Однако ситуация постепенно меняется. Скажем, Евгению Антуфьеву студия досталась как лауреату молодежной Премии Кандинского. С будущего года мы вообще планируем ввести систему грантовой поддержки на регулярной основе, собираемся бесплатно предоставлять студию на год победителю молодежной номинации этого конкурса. Склоняемся именно к Премии Кандинского, поскольку для нас определенное значение имеет ее негосударственный статус». Когда не хватает вариантов с постоянным пристанищем, помочь могут и временные меры. Все чаще в России, вслед за западными странами, говорят об арт-резиденциях. И не только говорят: есть и наглядные примеры. Скажем, собственную артрезиденцию площадью 50 м2 поочередно предоставляет художникам Центр творческих индустрий «Пrоект_Fабrика», сейчас здесь обитает Виктор Скерсис. Существует арт-резиденция в Кронштадте, ею владеет петербургский филиал Государственного центра современного искусства. Возможно, осенью появятся арт-резиденции в одном из корпусов Провиантских складов, то есть на территории Музея Москвы (подробнее о музее см. на стр. 9). Впрочем, растущая популярность этого формата не означает, что наблюдается пышный расцвет на благостном, безмятежном фоне. Каждое подобное начинание сопряжено со своими трудностями, например с теми, о которых говорит Ирина Николаева, основатель творческой усадьбы «Гуслицы» в Подмосковье: «Мы открылись в июле прошлого года и с самого начала подразумевали, что в Гуслицах обязательно будут арт-резиденции. На первых порах приглашали сюда пожить и поработать тех, кого рекомендовали наши единомышленники, то есть действовали по схеме «друзья друзей». У нас гостили уже многие художники — и российские, и зарубежные. Но в ближайшее время собираемся изменить принцип приглашения: будем применять более объективный подход. Сейчас создается кураторский совет Гуслиц, в который войдут значимые фигуры в мире искусства — упомяну хотя бы Андрея Бартенева, Олега Кулика, Дмитрия Цветкова. Этот совет будет рассматривать предлагаемые проекты и принимать решения о том, кого звать в арт-резиденцию. Мы сейчас готовы принять до 60 человек, причем не только художников, но и театральных деятелей, в частности приверженцев современной хореографии. Хочется, чтобы наша усадьба была не только территорией для работы, но и местом для встреч творческих людей, которые в повседневной жизни редко пересекаются. Но, конечно, все намерения и планы требуют учета реальности. Скажем, до последнего времени наши гости жили в арт-резиденции бесплатно — теперь же придется подумать об условиях, на которых будем принимать гостей. Я ведь обычный, среднего звена предприниматель, не олигарх, так что лишними деньгами не располагаю. К тому же, ситуация с Гуслицами не предполагает включенности в арт-бизнес, это некоммерческая затея». Понятно, что отдельно взятая арт-резиденция не способна решить «жилищных проблем» даже одного художника, ведь речь в любом случае идет о временном пребывании. Но если возникает институциональная сеть, то растут и суммарные возможности. До идеала далеко, и все же ситуация не без проблесков надежды. �

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 06 (15) июль-август 2013

Крупным планом Передвижная выставка воссоздает историю секретного оружия, созданного в ЦРУ в 1946 году и возмутившего консерваторов

Coutresy Fred Jones Jr. Museum of Art at University of Oklahoma Courtesy Stephen Bernard Browne

Абрахам Раттнер. Желтый стол. 1945

Байрон Браун. Натюрморт в красных, желтых и зеленых тонах. 1945

Courtesy Fred Jones Jr. Museum of Art, The University of Oklahoma Norman

Ралстон Кроуфорд. Производство самолетов. 1946

Творческие происки ЦРУ Текст Л о р е н Р о с с

1990-е годы подтвердились давние подозрения: в 1950–1960-х годах Центральное разведывательное управление США (ЦРУ) тайно отправляло за границу американские художественные произведения, в том числе абстракционистские и экспрессионистские, чтобы обеспечить культурное доминирование Америки в период холодной войны. Первый начальник отдела ЦРУ, проводившего эту кампанию, объяснил, почему операция осуществлялась подпольно: «Трудно было уговорить конгресс разрешить отправку произведений искусства за границу… Чтобы добиться гласности, приходилось соблюдать тайну». Уверенность в отрицательной реакции правительства основывалась на опыте. В 1946 году Госдепартамент США собрал коллекцию для международного турне, чтобы показать, какой свободой пользуются в Америке художники. При этом было заявлено, что «лишь в демократическом обществе, где полное развитие личности не только разрешено, но и поощряется, может быть организована такая выставка». Но проект провалился: средства массовой информации широко освещали протесты общественности и некоторых официальных лиц против такой траты денег налогоплательщиков, программа была свернута, выставка срочно отозвана в США, а куратор уволен. Сейчас реконструкцию этого обреченного на неудачу замысла можно увидеть на передвижной выставке Искусство, которому помешали. Авангардное американское искусство и политика культурной дипломатии, совместно организованной музеями трех университетов — Оберна, Оклахомы и Джорджии. И выставка, и ее каталог иллюстрируют тот характерный момент американской истории, когда тесно соприкоснулись политика и культура.

Маленькие карманы — большие скидки Courtesy Walker Art Center, Minneapolis

Правительственный проект был инициирован удивительным человеком — Джозефом Леруа Дэвидсоном, сотрудником Госдепартамента и бывшим куратором Центра искусств Уокера, имеющим ученую степень по истории искусства. Идея представить американское искусство за рубежом была не нова, но раньше для этого выбирались достаточно консервативные работы. Однако дипломатические представительства за рубежом хотели видеть более авангардные произведения, и поэтому Дэвидсон задумал выставку Авангардное американское искусство с участием ведущих художников, представлявших новейшие художественные направления. Он уговорил принять в ней участие известных людей, в том числе фотографа Альфреда Стиглица и кураторов Музея американского искусства Уитни и Музея современного искусства в Нью-Йорке. Он отобрал работы признанных мастеров (например, Джорджии О’Киф, Джона Марина и Макса Вебера) и подающих надежды художников, таких как Филипп Густон и Бен-Сион, которые активно вы-

ставлялись в престижных музеях и галереях. Если раньше для передвижных выставок работы брали в аренду, то теперь Дэвидсон решил купить их во владение Госдепартамента. Художники и галереи делали ему большие скидки, и при бюджете в менее $50 тыс. он приобрел 117 работ (79 холстов и 38 рисунков), принадлежащих 69 авторам. Выставка Авангардное американское искусство была разделена на три части, которые в течение пяти лет должны были экспонироваться в разных регионах мира. Чуть более половины полотен отправили в Восточную Европу. После остановки в Париже они проследовали в Прагу, Брно и Братиславу, а далее должны были переместиться в Будапешт и в один из городов Польши. Остальные предназначались для стран Карибского бассейна и Латинской Америки. Их отвезли в Гавану и Порто-Пренс, а затем намеревались отправить в Южную Америку. Третья часть выставки — рисунки на бумаге — предназначалась для Китая и Дальнего Востока, но так и не попала туда из-за разразившегося вскоре скандала.

В октябре 1946 года, перед отправкой в мировое турне, некоторые работы были выставлены в Метрополитен-музее и получили положительные отклики критиков, включая Клемента Гринберга, заявившего, что это «лучшая выставка такого типа, когда-либо проходившая в Нью-Йорке». Но ведущие газеты и журналы были не столь добры. Популярный журнал Look в феврале 1947 года выделил два разворота для репродукции семи картин с выставки. Сопроводительный текст, автор

«Лучшая выставка такого типа, когда-либо проходившая в Нью-Йорке», — так отозвался о ней критик Клемент Гринберг которого неизвестен, был в целом нейтральным, но заголовок гласил: «Эти картины куплены за ваши деньги». Консервативная газета New York Journal-Ameri can из холдинга Уильяма Рэндолфа Херста опубликовала ряд разгромных статей, высмеи-

Джозеф Леруа Дэвидсон, представитель Госдепартамента (слева), с сотрудниками Центра искусств Уокера в 1940 г. После гневных протестов против покупки работ для выставки Авангардное американское искусство он потеряет работу

вавших отдельные работы. Не менее консервативный радиоведущий Фултон Льюис-младший, издеваясь над картинами, сказал, что они полностью ускользают из поля зрения и никто в здравом уме не захочет их понять. Сердитые граждане писали письма во власть, возмущаясь такой тратой денег налогоплательщиков. А политики выступали по этому поводу в прессе и на Капитолийском холме. Критика принимала разные формы. Те, кто считал, что художники не смогли создать портрет нации-победительницы, сокрушались по поводу мрачности цветовой гаммы и содержания работ. Другие пеняли на иностранные фамилии художников, многие из которых действительно были иммигрантами. Но больше всего критиков взволновали политические воззрения художников. Особенно много нападок вызвала картина Голод (1946)

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

Coutresy Fred Jones Jr. Museum of Art at University of Oklahoma

Карл Зербе. Вокруг маяка. Ок. 1945

Сол Уилсон. Рыбаки на верфи. Ок. 1946 Coutresy Fred Jones Jr. Museum of Art at University of Oklahoma

О. Луис Гульельми. Выход из подземки. 1946

ночной стоимости, принесла ничтожный доход в размере $5 тыс. Сейчас она оценивается примерно в $14 млн.

Помните, как его зовут? Выставка Искусство, которому помешали — это хороший срез послевоенного искусства. Лишь несколько работ датируются 1920-ми годами, большая же часть картин была написана в 1940-е, а все авторы, кроме одного, на тот момент были живы. Выставка представляла кубизм, прецизионизм, регионализм, сюрреализм и магический реализм. Только абстрактный экспрессионизм еще не набрал силу, хотя мы видим его приближение в работах Адольфа Готтлиба и Уильяма Базиотиса. Несмотря на то что Дэвидсон отбирал работы художников, привлекавших тогда внимание, многие из них с тех пор более или менее забыты: Кэмерон Бут, Рэймонд Брайнин, Хулио де Диего, Франк Клейнхольц, Грегорио Престопино, Наум Чакбасов, Сол Уилсон, Карл Цербе и другие. Глядя на стилистическое разнообразие, хочется задуматься: кого же не хватает? В статье для каталога Марк Уайт, главный куратор Художественного музея Фреда Джонса-младшего при Университете Оклахомы, рассуждает о том, почему не было работ таких американ-

и мировой политикой, но и повсеместными расовыми и гендерными конфликтами. Так, помимо картины Шана, скандал вызвало полотно Ясуо Кунийоси Отдых циркачки (ок. 1925). Художник родился в Японии, но с 1906 года жил в США и был настолько предан новой родине, что во время Второй мировой войны участвовал в антияпонской пропаганде. И если сам автор не подвергся нападкам, то стиль и сюжет его картины вызвали критику. На полотне изображена сидящая полураздетая женщина в черных чулках и маленьком платьице, одна бретелька которого настолько соскользнула с плеча, что почти оголилась грудь. Женщина без тени смущения смотрит своими большими глазами на зрителя и с жеманной улыбкой приоткрывает занавеску, чтобы показать натюрморт из фруктов в чаше. Картина вызвала такое неприятие, что даже президент Трумэн воскликнул на пресс-конференции: «Если это искусство, то я готтентот!» Этот эпизод американской истории кажется очень типичным, так что невозможно не проводить параллели с тем, что происходило впоследствии. Как замечает Уайт, «это был первый залп в культурной войне». С тех пор на протяжении примерно 65 лет в США было много случаев, когда консервативные по-

Courtesy Walker Art Center, Minneapolis

Бена Шана. На ней мальчик с темными ввалившимися глазами протягивает руку за подаянием, и многие решили, что это образ европейского ребенка, доведенного до нищеты войной. На самом деле картина была навеяна фотографией, которую автор сделал в Западной Виргинии. Добавило масла в огонь то, что Шан, придерживавшийся левых взглядов, поместил картину на плакат во время избирательной кампании. Кроме того, выяснилось, что художник, равно как и несколько других участников выставки, попал в список Комиссии по расследованию антиамерикан-

В Америке времен Второй мировой Дэвидсон (на фото в центре) слыл покровителем художников и ценителем изящного. Его легко можно было застать в мастерских живописцев или скульпторов самых разных направлений и взглядов

Jule Collins Smith Museum of Fine Art, Auburn University;Advancing American Art Collection

ц и тата

«Если это искусство, то я готтентот!» Резкий комментарий президента Гарри Трумэна относился к картине Ясуо Кунийоси Отдых циркачки (ок. 1925, справа), но негодование властей вызвала и работа Бена Шана Голод (1946). Причиной стало то, что художник не скрывал своих левых взглядов.

Едва ли не сильнее всех был недоволен президент Гарри Трумэн, который в письме чиновнику Госдепартамента заявил, что эта выставка — «пустое хвастовство ленивых придурков» Courtesy Walker Art Center, Minneapolis

ской деятельности. После этого встал вопрос о необычном стиле, а следовательно, и о профессиональных качествах его работы. Едва ли не сильнее всех поиздевался по этому поводу президент Гарри Трумэн, который в письме чиновнику Госдепартамента, просочившемся в прессу, заявил, что выставка — это «пустое хвастовство ленивых придурков». Конфликт достиг апогея, когда проблему стали обсуждать на слушаниях в конгрессе. Художники и сотрудники музеев пытались спасти проект, но безрезультатно. Угрозы Госдепартамента сократить финансирование ставили под угрозу и другие проекты: «Голос Америки», Фулбрайтовскую программу, сотрудничество с ЮНЕСКО. После слушаний в конгрессе выставку отозвали в США, Дэвидсона уволили, а его должность ликвидировали.

Джозеф Леруа Дэвидсон в постоянной экспозиции Центра искусств Уокера в Миннесоте. Начало 1940-х гг. Свобода мысли позволяла ему даже в разгар антияпонской политики с удовольствием любоваться самурайскими мечами

Возвращенные в США работы были проданы. Поскольку аукционы не были анонсированы публично, картины попали в самые неожиданные места. Приоритет получили университетские музеи, располагавшие небольшими суммами, а не такие гиганты, как Музей современного искусства в Нью-Йорке, Балтиморский музей, Бруклинский музей, Галерея Олбрайта — Нокса. Собственно говоря, три университетских музея, организовавших выставку Искусство, которому помешали, владеют 82 работами из 117. Они получали скидки при покупке вплоть до 95%, и вся коллекция, проданная существенно дешевле ее ры-

ских художников, как Томас Харт Бентон и Грант Вуд. Уайт полагает, что куратор умышленно дистанцировался от эпохи рузвельтовского «Нового курса». Занятно, что внутренняя политика оказалась важнее международной до такой степени, что работы, отобранные для выставки Авангардное американское искусство, противопоставлялись не столько стилям, любимым Гитлером и Сталиным, сколько американскому регионализму, которому благоволил Рузвельт. Грань между культурной дипломатией и пропагандой тонка. Однако кураторы нынешней выставки в своих статьях утверждают, что идеей проекта было не столько утверждение американского господства или империализма, сколько демонстрация послевоенных надежд и антиизоляционистской философии. Они полагают, что проект должен был отразить новый глобализм, так как в нем участвовали художники-иммигранты, в чьем творчестве виден мультикультурализм и влияние различных течений — от американского фолк-арта до русского конструктивизма и немецкого экспрессионизма. Провал выставки был обусловлен не только внутренней

литики и критики объявляли, что искусство не должно получать бюджетного финансирования. Даже совсем недавно, во время президентской кампании 2012 года, кандидат от республиканцев Митт Ромни объявил, что если будет избран, то урежет государственную помощь искусству. Выставка Искусство, которому помешали будет показана в четырех штатах, где Ромни выиграл выборы. Взглянув в прошлое, сочтет ли большинство нынешних посетителей выставки, что гневные протесты против правительственной поддержки искусства в 1946 году были истеричными и надуманными? — Автор — куратор отдела современного искусства Художественного музея Филбрука в Тулсе, штат Оклахома � Выставка «Искусство, которому помешали» Художественный музей Фреда Джонса-мл., Университет Оклахомы До 2 июня

Художественный музей Университета штата Индиана 13 сентября — 15 декабря Художественный музей Джорджии, Университет Джорджии 25 января — 20 апреля 2014 года www.artinterrupted.org

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 06 (15) июль-август 2013

крупным планом

500 архатов и кайдзю: новый Мураками Такаси Мураками прославился своими работами в стиле манга, а теперь вместе с режиссером фильмов о зомби задумывает создать картину о религиозных культах в Японии после цунами, безумной науке и мире сверхъестественного Текст Д жо н а т а н Гр и ф ф и н

Такаси Мураками. Огонь желаний. 2013. Золото. Высота 485 см

акаси Мураками известен в Японии как яркая и многогранная личность: он и художник, и медийный персонаж, и глава компании, и просто знаменитость. В середине 1990-х годов он защитил диссертацию по традиционной живописи нихонга, но потом обратился к современным направлениям японской культуры — аниме и манга, выработав собственный стиль, который он называет «сверхплоским». В апреле этого года Мураками выпустил свой первый полнометражный фильм Глаза медузы. Это произошло как раз накануне открытия большой выставки его работ в лосанджелесской галерее Blum & Poe. И фильм, и выставка Архаты были навеяны страшным землетрясением в районе Тохоку в 2011 году, цунами и ядерной катастрофой в Фукусиме. Эти трагические события совпали с коренным переломом в творчестве Мураками. Художник расстался со своими миловидными персонажами и сфокусировался на создании образов пожилых мужчин гротескного вида, которых он называет архатами (архат — буддийский монах, достигший нирваны). Такие образы и раньше приобретали популярность в японском искусстве после природных катастроф. Первая из работ Такаси Мураками, созданных в новом стиле, 100-метровая картина 500 архатов (2011), стала основным экспонатом выставки Мураками. Эго, проходившей в музее «АльРивак» в Дохе (Катар) в 2012 году.

Вы наверняка отдаете себе отчет в том, что японская культура может озадачить западных зрителей. Подчеркиваете ли вы ее загадочность или пытаетесь представить японскую культуру в более универсальном виде? И то, и другое. Если слишком сильно упрощать, то меня не поймут японцы. Они скажут: «Это для Запада. Похоже на «Нобу»!» «Нобу» — токийский ресторан, однако 80% посетителей там с Запада. Но фильм я как раз старался сделать для японцев. Это фильм для детей? И для 50-летних дураков вроде меня, и для детей. Это ностальгическая картина, японский фильм ужасов. Этот жанр называется «кайдзю», что означает «необычное животное». Когда я был ребенком, мы уже понимали, что перед нами загримированный актер, но нам не хотелось в это верить. Поэтому я старался как можно меньше использовать компьютерную графику. Чудовище в моем фильме имеет молнию на спине, спрятанную в его спинной плавник, и мы все-таки сделали ее на компьютере. Но люди моего поколения видят спинной плавник и думают, что это настоящая молния на костюме монстра. Когда вы начали работать над фильмом? Лет 12–13 тому назад, но сюжет был немного иным. Я хотел, чтобы это была история встречи мальчика и девочки, которых свели вместе сверхъестественные силы. Японцы любят фильмы о сверхъестественном и о чудовищах. Первый набросок к Глазам медузы был похож на персонажа одной из моих кар-

Мураками перед одним из своих Архатов

тин из серии Архаты. Это старый, вонючий монах, который сошел с гор и говорит главным героям: «Эй, что случилось? Почему вы плачете?» Он им не нравится, они говорят, что от него воняет, но он все равно идет за ними. Потом он вызывает чудовище, поскольку он монах и у него есть ключ к другому измерению. Так было сначала, но два года назад, после землетрясения, мы пригласили режиссера Йосихиро Нисимуру, который снял множество фильмов о зомби. После землетрясения мы обращались к разным людям, но все говорили: «Пожалуйста, позвоните через два-три месяца». А Нисимура работать не

БИОГРАФ ИЯ

Такаси Мураками Художник

Дата и место рождения — 1962 год, Токио Живет и работает — Токио Образование — Токийский национальный университет изящных искусств и музыки Карьера — Сотрудничает с галереями Blum & Poe (ЛосАнджелес), Gagosian, Emmanuel Perrotin (Париж) Избранные персональные выставки — 2013 — Архаты, галерея Blum & Poe, Лос-Анджелес 2012 — Цветы и черепа, галерея Gagosian, Гонконг; Мураками. Эго, музей «Аль-Ривак», Доха 2011 — Памяти Ива Кляйна, галерея Emmanuel Perrotin, Париж; галерея Gagosian, Лондон 2010 — Памяти Ива Кляйна, галерея Gagosian, Рим; Мураками. Версаль, Версальский дворец, Версаль 2007 — © Мураками, Музей современного искусства, ЛосАнджелес; Бруклинский музей, Нью-Йорк; Музей современного искусства, Франкфурт-на-Майне; Музей Гуггенхайма, Бильбао Избранные совместные выставки — 2013 — Re: Quest — современное японское искусство с 1970-х, Художественный музей Национального университета, Сеул 2012 — Относительно Уорхола. 60 художников, 50 лет, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; Музей Энди Уорхола, Питсбург 2011 — Мир принадлежит вам, палаццо Грасси, Венеция 2010 — Skin Fruit. Избранное из коллекции Дакиса Иоанну, Новый музей, Нью-Йорк

Такаси Мураками. Красный демон и Синий демон с 48 архатами. 2013. Холст, акрил, золото, платина

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

крупным планом

Courtesy Blum & Poe

Кадры из первого художественного фильма Такаси Мураками Глаза медузы (2013)

прекращал. Он сказал: «Сейчас самое время делать фильм, потому что ни у кого нет работы. Можно пригласить лучших техников, операторов, осветителей — и дешево! Самый удачный момент!» Все остальные были в депрессии, и земля все еще тряслась. Я подумал, что это странная реакция, но сказал: «Хорошо, давайте!» Мы начали работать над сценарием, но я подумал, что не могу вернуться к сюжету 10-летней давности, наблюдая за катастрофой. Надо было связать вымысел с новой реальностью. Как изменился сюжет? Теперь главный герой теряет отца во время цунами. И еще мы решили снимать фильм с живыми актерами. В первую версию вонючий монах вписывался хорошо, но в нормальном художественном фильме такой персонаж выглядел бы странно. Нисимура говорил мне: «Ты же прославился благодаря миловидным персонажам! Вот и сделай еще одного такого». Но я был против, так как хотел расстаться со своей прежней репутацией и перейти на новый этап творчества. Из-за землетрясения? Нет. Это совпало с работой над монахами для Архатов. Но Нисимура потребовал от меня чего-то нового. Он сказал: «Так не пойдет. Фильм называется Глаза медузы, но никакой медузы в нем нет. Делай другие рисунки». Я ответил: «Не буду, потому что это название намеренно бессмысленно». «Я понимаю, но зрители будут искать его обоснование», — возразил Нисимура. Тогда я нарисовал чтото похожее на медуз, но он сказал: «На них неприятно смотреть!» Я сделал новые рисунки, и повторилось то же самое. И так многомного раз. Наконец он сказал: «Хорошо». Это было правильным решением? Думаю, да. Вы не можете контролировать художественный фильм в той же мере, в какой контролируете свои картины и скульптуры. Вам было трудно? Да, первое время было очень трудно. Общение с оператором, сценаристом, актером и актрисой — особенно с актрисой — было очень непростым. Актриса, игравшая мать девочки, весьма знаменита в Японии. А что вы можете сказать про эстетику фильма? Некоторые кадры очень грубые, на них много мусора. Это приближение к реализму? Да, там много мусора из моей студии. Я попросил своих сотрудников сохранять му-

Справа: Такаси Мураками полон новых идей: картина Пом и я: дерево растет из моей головы (2013)

Он расстался со своими миловидными персонажами...

сор. Потом мы все отмыли. Моя студия очень чистая. Я сам не чистюля, но не люблю замусоренное пространство, потому что не могу в нем думать. В такой мастерской, как у Фрэнсиса Бэкона, я работать не могу. Мне кажется, что вы все же допускаете в свои работы грязь и беспорядок. Отчасти. Когда я увидел территорию, пораженную цунами, она вся была покрыта мусором. Так в 1990-е годы мы представляли себе конец света. В японской культуре есть много изображений апокалипсиса, Акира и другие комиксы манга. Но реальность оказалась совсем другой. Я был поражен. Фильм ведь не о побеге, он о реальности? Да. Вас интересует гротеск? Очень. Но раньше не было технических средств для создания гротескных образов. Поэтому я рисовал, например, улыбающееся лицо в цветке: для меня это гротеск. Глаза у многих гротескны. А сейчас есть. Делает ли вас более свободным возраст? Или вы стали больше себя контролировать? Не знаю. И то, и другое. Когда я рисую, это получается очень быстро. Двадцать лет назад мне не нравился Ганс Руди Гигер (швейцарский художник, известный своей работой для фильма Чужой. — TANR), а теперь, пожалуй, нравится. Все имеет границы. Может быть, если бы 20 лет назад я писал картины в стиле моих Архатов, никто не стал бы на них смотреть. Поэтому я занимался концентрированием стилей, плоских и точных. Мой стиль и сейчас точен, но техника теперь другая. Многие из этих работ больше похожи на эскизы, чем ваши ранние картины. Да. Я делаю маленький рисунок, затем увеличиваю его, и он изменяется. «Глаза медузы» содержат критику некоторых видов религиозного культа. Намеренно ли? Да. Мы задались вопросом: как привнести реальность в детский фильм? Наверное, 30% или 40% родителей в Японии принадлежат к какой-нибудь религиозной секте. И после катастрофы появилось очень много таких сект. Религиозное сектантство разрослось как никогда. Играют ли фантастика и эскапизм в Японии бóльшую роль сейчас, чем до землетрясения? Думаю, да. Действительность очень тяжела. Японское правительство изменилось, так как люди хотят верить в лучшее. Но это плутовство. �

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 1 (20) февраль 2014

Крупным планом

SWANN Auction Gallery

east news

Советские плакаты: агитпроп для единоличника Коллекционирование плакатов у нас, несмотря на очевидность занятия, до сих пор в диковинку, а рынок не развит. Все ходовые примеры отечественных плакатов с аукционными достижениями — следствие моды на русский авангард, а все, что до и после него, рынку практически не известно и не интересно. Притом что это значительный потенциал, еще ожидающий своих энтузиастов Текст Е к а т е р и н а Д р о б и н и н а

нтерес к коллекционированию советских плакатов — явление сравнительно недавнее и популярное в большей мере среди иностранцев. Приезжая в Советский Союз, профессиональные дилеры или просто любители покупали почти задаром советские плакаты, в основном киноафиши и политические постеры. Таким образом, почти все они быстро осели на Западе: в Европе и особенно в США, на самом большом в мире рынке плакатов. Именно в Америке сконцентрировано наибольшее количество галерей, в которых можно купить туристический, рекламный, кинематографический или политический плакат советской эпохи. Настоящий всплеск популярности советских плакатов пришелся на конец 1980-х — начало 1990-х. После развала СССР многие дилеры без помех увозили их за границу, где галеристы с удовольствием покупали. Например, владельцы нью-йоркской галереи Chrisholm Larsson Gallery Роберт Крисхолм и Ларс Ларссон рассказывают, что в 1990 году познакомились с русской переводчицей, которая привозила им постеры из Москвы буквально пачками. За год галеристы купили у нее несколько тысяч плакатов!

«Если за оттиск давали $50, то это считалось очень дорого, — ката и заканчивался плакатом Сергея Булкина и Евгении Михеевой рассказывает главный редактор издательства «Контакт-Куль- Выбор. «В 1990-е годы образовалась пауза, плакат исчез с улицы, тура» Александр Шклярук. — Если платили $10–15, это было очень он исчез из культурного контекста, так как исчез и сам СССР. В начале 2000-х ниша была свободной. Она и сейчас свободна, хорошо, потому что он никому не был нужен». Постепенно интерес к советским плакатам достиг такой ве- потому что единственное издательство, которое занимается изличины, что в марте 1994 года аукционный дом Sotheby’s орга- данием книг о плакатах, — это «Контакт-Культура», — говорит низовал торги USSR in Construction (СССР на стройке), где в числе Александр Шклярук. прочего был продан известный плакат Густава Клуциса Выполним Постепенно на рынке появилось много тематических альбомов план великих работ, классический пример конструктивистского с фотографиями советских плакатов, которые стали настольмонтажа. Плакат ушел с молотка за $18 тыс. Годом ранее такой ными книгами галеристов и дилеров. Советское искусство заже плакат приобрела (по неизвестной цене) Национальная га- интересовало не только коллекционеров, но и простых людей. лерея Канады, а в декабре 2012-го на аукционе Sotheby’s за $15 тыс. В 2011 году известный нью-йоркский галерист Тони Шафрази орбыла продана фотография плаката. ганизовал выставку советских авангардных киноафиш. В том В широкие западные массы знание о советском плакате при- же году Институт искусства Чикаго сделал выставку плакатов несла изданная в 1995 году книга американки Сюзан Пак, которая ТАСС, посвященных войне. А летом 2013 года некоммерческая собрала коллекцию авангардных киноафиш 1920–1930-х годов. галерея GRAD (Gallery of Russian Art & Design), специализируюЗатем в 2001 году российское издательство «Контакт-Культу- щаяся на русском искусстве, организовала выставку рекламра» выпустило свой первый альбом с фотографиями Шедевры ных плакатов советского общества «Интурист». Зимой GRAD русского плаката, который начинался с дореволюционного пла- планирует провести выставку киноплакатов Владимира и Георгия

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

История мирового плаката

east news

итар-тасс/архив

Официально история плаката начинается в конце XVIII века с изобретением литографии. Плакаты существовали и раньше, но массовой печати до середины XIX века не было. Первым, кто напечатал тираж плакатов, стал Жюль Шере, нарисовавший театральную афишу с изображением Сары Бернар. Постепенно производство плакатов стало набирать обороты — в 1881 году расклейка плакатов уже регламентировалась законом, а позднее французские власти ввели налог на плакат. Расцвет плакатного искусства связывают с именем Анри Тулуз-Лотрека. Тогда же плакаты стали объектами коллекционирования. В 1881 году в Париже открылся первый магазин дилера Эдмона Саго, в каталоге которого значилось более 2 тыс. плакатов. В 1890-х годах Альфонс Муха начал рисовать плакаты для спектаклей с участием Сары Бернар в стиле ар-нуво. Этот стиль оставался одним из главенствующих в европейской плакатной живописи до начала Первой мировой войны. Военные плакаты рисовать в стилистике ар-нуво было неприемлемо, требовался более простой и понятный стиль. Одним из самых известных европейских плакатов времен Первой мировой стал постер британца Альфреда Лита, изображавший известного военного деятеля, министра военных сил Великобритании Герберта Китченера, который призывал молодых людей вступить в ряды армии. Китченер, указывавший пальцем на смотрящего, стал прообразом знаменитого американского плаката

Джеймса Монтгомери с Дядей Сэмом и плаката Дмитрия Моора Ты записался добровольцем?. В период между двумя войнами уже не было одного основного стиля для художников-плакатистов. В то время как в Европе вовсю царил ардеко (еще в начале века плакаты в этом стиле рисовал итальянский художник Леонетто Капьелло, которого теперь называют прародителем современных рекламных плакатов), в революционной России рождается конструктивизм. Советские киноафиши Александра Родченко, братьев Стенберг, политические плакаты Эль Лисицкого и фотомонтажи Густава Клуциса стали известны за пределами СССР и до сих пор пользуются большой популярностью у западных коллекционеров. (Кстати, фотоколлаж, придуманный Родченко и популяризованный Клуцисом, многими тогдашними критиками воспринимался негативно. Подразумевалось, что фотоколлаж делает тот, кто не преуспел в художественном училище.) После Второй мировой художественного разнообразия стало меньше: в некоторых странах пропаганда и просвещение начали осуществляться преимущественно средствами телевидения, а кроме того, популярность приобрел «интернациональный типографический стиль» (или «швейцарский дизайн»): простая и унифицированная структура, понятный шрифт и черно-белые фотографии вместо ярких иллюстраций. Исключением были американские плакаты, на которые сильно влиял поп-арт, и польские афиши театральных и балетных постановок.

christie's

На странице слева: Валентина Кулагина. Плакат Художественная выставка Советского Союза. 1931; Эль Лисицкий. Обложка журнала СССР на стройке. 1932; вверху по часовой стрелке: Александр Родченко. Реклама ленинградского отделения Госиздата. 1924; Александр Родченко. Реклама Резинотреста. 1923; Владимир и Георгий Стенберги. Афиша фильма Броненосец «Потемкин». 1929

east news

corbis

Photoshot/Vostock-photo

Слева направо: Альфонс Муха. Плакат Сара Бернар. 1896; Курт Деген. Афиша фильма Метрополис. 1926; Жюль Шере. Реклама пудры Диафан. 1898; Леонетто Капиелло. Реклама резиновых изделий Pirelli. 1921

Стенбергов, Михаила Длугача, Александра Родченко, Александра Наумова и других художников, а к годовщине начала Первой мировой войны показать лубочные плакаты этого периода Владимира Маяковского и Казимира Малевича. Однако по мере того как плакаты скупали западные коллекционеры, цены на них росли и к 2000-м достигли таких высот, что непрофессиональные коллекционеры ушли с этого рынка, рассказывает Яков Лурье из американского аукционного дома Mercer & Middlesex Auction из Нью-Джерси, который специализируется только на советских плакатах. «В 1990-х случайных покупателей было больше: тогда цены были ниже, а выбор — шире. Люди приезжали в Россию, покупали плакаты как сувенир, потом возвращались домой, читали про ту эпоху. Им это нравилось — и тогда кое-кто, может, покупал другие плакаты на eBay или у дилеров», — рассказывает Лурье. В результате многие из тех плакатов, которые сегодня выставляют на торги аукционные дома, происходят именно из коллекций западных покупателей. На недостаток предложения сетуют все участники рынка. После того как плакат срывали, его

уничтожали, а не хранили для потомков. Из-за дефицита материала новый плакат часто печатали на старом, а некоторые было просто небезопасно хранить по политическим соображениям. Наибольший шанс найти плакат советской эпохи — заглянуть в собрание Российской государственной библиотеки, куда с тиражей отправляли по нескольку экземпляров. По мнению некоторых экспертов, сейчас на рынке советских плакатов нарастает вторая волна спроса, но, в отличие от 1990-х годов, появляется все больше покупателей из России. «Плакаты вызывают у зрителя ностальгию, а также позволяют понять, как развивались дизайнерские тенденции, — объясняет Софи Черчер, соруководитель отдела «Плакаты XIX–XX веков» аукционного дома Christie’s. — Они производят на зрителя мгновенный эффект, поскольку создавались для этого — чтобы резко отвлекать, провоцировать на действие или быстро передавать мысль». Российские покупатели все больше интересуются киноплакатами, а иностранцы — политическими, отмечает дилер и коллекционер Кирилл Калинин, основатель компании AntikBar, ко-

досье

«Госкино» и плакаты В 1922 году для адаптации западных фильмов к российским реалиям было создано «Госкино» (позднее переименованное в «Совкино»). Иногда проходило до пяти лет, прежде чем американский фильм попадал на советские экраны, зачастую в сильно трансформированном виде. Чтобы картина прошла одобрение цензора, менялись не только ее название, но и фабула (ввиду того, что фильмы были немыми), а художникам-плакатистам предоставлялась большая свобода для творчества. Братья Стенберг вспоминали, что нередки были случаи, когда просмотр фильма был назначен на три-четыре часа дня, а готовый плакат нужно было сдать уже к началу следующего рабочего дня. Несмотря на то что тиражи достигали десятков тысяч, до наших дней дошли единицы плакатов. В Советском Cоюзе их никто не хранил, в отличие, например, от американской киноиндустрии, где они возвращались прокатчикам.

№ 1 (20) февраль 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом торая специализируется на продаже оригинальных постеров. Но самыми дорогими остаются все же киноафиши, потому что «Советский Союз только сейчас получает переоценку, — го- спрос на них определяется не столько интересом любителей ворит он. — Сразу после развала слово «СССР» вызывало от- искусства к фамилии художника, сколько интересом любитерицательную реакцию, а для иностранца это сильный визу- лей кино. альный ряд. Кроме этого, в СССР была строгая цензура и си- Самым дорогим плакатом в истории является именно киноастемный подход к дизайну плаката, а значит, и уровень пла- фиша к фильму Фрица Ланга Метрополис: в 2012 году она была ката был высокий». продана в Лос-Анджелесе за $1,2 млн. Среди советских плакаКуратор небольшой коллекции советских агитационных пла- тистов, рисовавших киноафиши, таких ценовых высот не докатов, хранящихся в Колледже Свортмор в Пенсильвании, Вэн- стигал никто. Самыми дорогими остаются братья Стенберг. ди Чмелевски рассказывает, что основные приобретения для нее Их вместе с другими художниками, недавними выпускниками были сделаны в конце 1920-х — 1930-х годах тремя американ- Вхутемаса — Николаем Прусаковым, Григорием Борисовым, Михаицами, посетившими Советский Союз с миссией квакеров, чей лом Длугачем, Александром Наумовым и некоторыми другими официальный филиал существовал в Москве и был закрыт со- — «Рекламфильм» (подразделение «Совкино») нанял для созветскими властями в числе последних иностранных религи- дания киноафиш. Но не все работы этих художников стоят деозных организаций. По словам Чмелевски, миссионеры были сятки тысяч долларов, их можно купить и дешевле. Например, «серьезными людьми и считали киноафиши фривольными», плакат Стенбергов к фильму Корабль на мели в 2013 году был поэтому покупали только агитационные плакаты. продан за $8 тыс. в Нью-Йорке на специализированном аукциИностранных коллекционеров сегодня интересуют плака- оне галереи Renert’s Gallery. Постер Михаила Длугача к фильму ты в жанре конструктивизма, вне зависимости от тематики. Подвиг во льдах остался непроданным на брюссельском аукциоНапример, Клуцис или Эль Лисицкий создавали политические не (эстимейт €1,8–2,5 тыс.). плакаты, братья Стенберг — киноафиши, а Родченко одина- Американская галерея Vintage Poster из Калифорнии торгует ково хорошо удавалось рекламировать советские соски и вы- плакатами к советским кинофильмам 1950–1970-х годов по куход фильма Броненосец «Потемкин». Впрочем, эти имена инте- да меньшим ценам. Например, плакат к Человеку-амфибии сторесуют не только иностранных коллекционеров. Если како- ит не дороже $800. Практически все советские плакаты в этой му-нибудь аукционному дому удастся найти плакат любого галерее попадают в ценовую категорию от $350 до $800. Владеиз названных художников, то можно наверняка прогнозиро- лец галереи Гарри Джайсон говорит, что его покупатели так или вать, что он уйдет с молотка по цене, в несколько раз превы- иначе связаны с Россией. Обычный американский покупатель шающей эстимейт. этим жанром почти не интересуется, добавляет он, американцы скорее предпочтут спортивные или политические постеры из СССР. Большинство советских киноплакатов действительно интересует только русских покупателей, соглашается коллекционер Валерий Жерлицын. Исключение составляют недорогие афиши В начале октября 2013 года аукционный дом Christie’s продал (от $150), которые «ради хохмы могут купить иностранцы», плакат братьев Стенберг к фильму Генерал за £40 тыс. (почти пусть даже их новый владелец не знает ни имени актера, ни в два раза выше эстимейта). В ноябре 2012 года тот же Christie’s фамилии режиссера, да и сам фильм никогда не видел и не продал плакат Человек с кинокамерой тех же братьев Стенберг за увидит. Иностранным покупателям такие работы «визуально £109,25 тыс. (почти $163 тыс.), а в мае того же года их работа интересны». «Они украшают ими свой интерьер. Вешают… нет, Симфония большого города ушла с молотка за £32,5 тыс. ($49 тыс.). не в гостиную — в бильярдную», — говорит Жерлицын. (Возможно, эти же плакаты были выставлены Тони Шафрази Коллекционер и дилер Кирилл Калинин своих клиентов делит на выставке в Нью-Йорке в 2011 году.) Рекорд Стенбергов по- на три группы: те, кто хочет просто украсить стенку в кварбил даже высокую цену, заплаченную за работу Клином красным тире, — такие покупатели не будут тратить на плакаты более бей белых Эль Лисицкого, проданную в 2012 году на аукционе £2–3 тыс.; дизайнеры интерьеров; непосредственно коллекционеры. Sotheby’s за $182,5 тыс. В последнее время растут цены на плакаты эпохи Второй ми- Александр Шклярук рассказывал, что на книжной ярмарке во ровой войны, говорит Кирилл Калинин. «Сейчас все требуют Франкфурте в середине 2000-х одна дама купила папку с отплакат Первой мировой войны, — добавляет Александр Шкля- печатанными мини-плакатами и сказала, что будет вставлять рук, — потому что в 2014 году юбилей. Потом станут популяр- их в рамки и менять у себя в… спальне. «У вас в России другой менталитет!» — объясняла она. ными плакаты первой пятилетки или индустриализации».

«Из всех искусств для нас важнейшим является кино»

Политический рынок Рынок агитационных плакатов гораздо меньше, причем не только в отношении советской продукции. Как следствие таких ценовых высот агитационные плакаты на аукционах не достигают. Да и среди лотов на аукционах крупных домов они попадаются нечасто — предпочтение отдается кинематографу. По мнению директора лондонской галереи GRAD Елены Судаковой, иностранцы тему советского политического плаката знают уже досконально. «За пределами Советского Союза политические плакаты изучили еще когда он был цел», — говорит она. В 2005 году галерея Тейт Модерн провела выставку агитационных плакатов Дэвида Кинга, владельца одной из самых крупных коллекций советских плакатов на Западе (около 250 тыс. экземпляров). Аукционный дом Mercer & Middlesex Auctions проводит по четырепять торгов в год, посвященных российским политическим плакатам. Работы известных авторов — Виктора Корецкого, Дмитрия Моора, Дементия Шмаринова, Николая Кочергина — выставляются на торги с эстимейтом не менее $1,5–2 тыс. Стартовая цена на лубочные плакаты не опускается, как правило, ниже $5 тыс. Цена на остальные может начинаться с $600–800. Весной 2003 года Swann Auction Galleries на аукционе плакатов Первой и Второй мировых войн продала самый известный плакат Великой Отечественной Родина-мать зовет Ираклия Тоидзе за $748. А плакат Моора Помоги! ушел в 2009 году всего за €600 с молотка немецкого аукционного дома Auktionshaus Dr. Fischer. Даже самые известные работы культовых плакатистов в жанре политической или военной пропаганды: Виктора Корецкого, Виктора Дени, Дмитрия Моора — стоят гораздо меньше культовых работ художников киноафиш. Исключение составляют некоторые работы художников-конструктивистов. Хотя и среди них не все единообразно. Например, пожалуй, самые известные работы Эль Лисицкого USSR Russissche Aussterllung и Клином красным бей белых на аукционе Swann Auction Galleries были проданы за $64,4 тыс. и $35 тыс. соответственно. А его же работа СССР на стройке на аукционе того же заведения пять лет спустя была продана за $1,44 тыс. «Дорогой плакат найти сложно, и их мало, да и интересующихся мало», — говорит коллекционер Серго Григорян, у которого в коллекции более 1,6 тыс. советских политических плакатов. Он рассказал, что на аукционе Музыка, европейские книги и рукописи аукционного дома Sotheby’s летом 2013 года купил восемь плакатов, чьи авторы не были установлены, за £7,5 тыс. (более $11 тыс.). Сам коллекционер знал, что автор одного из плакатов — 1 Мая. В бой за пятилетку, за большевистские темпы, за оборону СССР, за мировой Октябрь — Густав Клуцис. «Один этот плакат стоил бы не меньше 15 тыс.!» — восклицает Григорян. �

Софи Черчер, соруководитель отдела «Плакаты XIX– XX веков» аукционного дома Christie’s

SWANN Auction Gallery

По часовой стрелке: Густав Клуцис. Пятилетку превратим в четырехлетку. 1930; Владимир и Георгий Стенберги. Афиша фильма Человек с киноаппаратом. 1929; Густав Клуцис. Строительство совхозов и колхозов — это строительство социализма в деревне. 1930

Christie's

Какую долю на общем рынке постеров занимают советские плакаты? Как процент общего объема это не очень большая величина, как нам кажется в Christie’s. Но с точки зрения реальных ценовых значений советские плакаты занимают очень важное место. В 2012 году Christie’s провел четыре аукциона, посвященных плакатам, на каждом из которых было выставлено более 200 лотов. И самым дорогим оказался плакат Человек с киноаппаратом, который был продан 5 ноября 2012 года за £109,25 тыс. Почему, на ваш взгляд, коллекционирование советских плакатов в последнее время становится популярным? Советские плакаты уже несколько лет пользуются популярностью у коллекционеров. Их привлекает художественная новизна и стилистика. Кроме того, плакаты играли важную роль в политике и истории кинематографа и дизайна. А это не менее важно для коллекционеров, чем художественная ценность плаката. В последнее время растет спрос на конструктивистские и авангардные плакаты, причем интересуются ими коллекционеры во всем мире. Но плакаты этого периода попадаются очень редко, хотя их печатали большими тиражами. Плакаты висели всего несколько недель, а потом их срывали или клеили другие поверх них. И тот факт, что они такие редкие, тоже привлекает многих коллекционеров. Какие авторы встречаются сегодня реже остальных? Большая удача найти плакаты Александра Родченко или Эль Лисицкого. Они очень редко появляются на рынке, потому что большая часть их работ была уничтожена.

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

Фигуры рынка

аукционный дом «совком»

SWANN Auction Gallery

По часовой стрелке: Павел Соколов-Скаля. Рабочие и работницы... 1948; Олег Савостюк. С Новым годом! 1970; Павел Соколов-Скаля. Харьков советский!.. 1943; Эль Лисицкий. Клином красным бей белых. 1920; Неизвестный автор. Реклама общества «Добролет». 1920-е

Большинство советских плакатов продается не на аукционах, посвященных принтам, где все же выставляются работы художников, не плакатистов: Анри Матисса, Альфонса Мухи, Пабло Пикассо, Марка Шагала и других (хотя, например, литография Эль Лисицкого Клином красным бей белых была продана именно на аукционе принтов), а на букинистических аукционах (так делают российский аукционный дом «Гелос» или Sotheby’s) или на аукционах винтажных постеров (такие проводит Christie’s). Больше всего галерей и аукционных домов, торгующих советскими плакатами, в США. Некоторые, например Chrisholm Larsson Gallery в Нью-Йорке или Vintage Poster в Калифорнии, имеют огромную коллекцию рекламных, туристических, политических постеров и киноафиш, но без громких имен или знаковых работ. А в галерее Weidman в Лос-Анджелесе, напротив, коллекция советских плакатов незначительная, зато обнаружился Лисицкий, Клином красным бей белых. «Плакат — демократичная форма искусства, — говорит Яков Лурье из Mercer & Middlesex Auctions. — Они изначально были направлены на более широкие массы, чем картины, да и стоят дешевле». Аукционный дом Mercer & Middlesex Auctions из

Нью-Джерси проводит торги, посвященные только российским плакатам. Тематические аукционы проводит и нью-йоркская Swann Auction Galleries. Крупные коллекции западных музеев и галерей включают в основном плакаты конструктивистов, киноафиши и военные постеры, оставляя почти без внимания более поздние периоды истории Советского Союза. Однако в некоторых музеях можно наткнуться на неожиданные подборки. Например, калифорнийский Wende Museum собрал коллекцию плакатов с 1970-х годов до развала СССР. В России на советском плакате специализируется аукционный дом «Совком». На его торгах, кстати, можно купить не только плакат, но и его макет, подписанный в тираж, и эскиз плаката. Некоторые коллекционеры предпочитают приобретать только оригинал плаката, с которого позже печатались и тиражировались копии, но, как правило, именно эти плакаты подделывают чаще остальных. Когда речь заходит о культовых плакатах, то на торги может выставиться и фотография оригинала: так, в 2012 году аукцион Sotheby’s продал фотографию Выполним план великих работ Густава Клуциса за $15 тыс.

аукционный дом «совком»

Вы говорите, что в последнее время наблюдается рост на отдельные категории плакатов. Что именно привело к увеличению спроса на них? Спрос на советские плакаты авангарда, значимые работы, родился не вчера. Он существовал последние 30 лет. Но с 2010 года мы в Christie’s наблюдаем гораздо более высокий спрос на них. Я не помню, чтобы он был таким высоким когда-либо раньше! В последнее время было несколько международных выставок Родченко и Эль Лисицкого, и многие поняли, как велико было влияние этих художников в графическом дизайне. Все дело в силе дизайна. Плакатное искусство позволило уже сложившимся художникам, таким как Родченко или братья Стенберг, выйти за рамки привычных форм и создать плакаты, которые сами по себе стали уникальной формой искусства. Художники добились сильного сюрреалистичного эффекта, используя технику фотомонтажа и экспериментов с цветом, повторами, масштабами и типографией. Политические плакаты были призваны убеждать смотрящего, поэтому изображения должны были оказывать воздействие. Некоторые величайшие дизайнеры и художники (среди них Родченко, Эль Лисицкий и Маяковский) считали, что не могут оставаться в стороне. Советские киноплакаты показывали сюрреализм самих фильмов. Я думаю, что кино, которое снимали Сергей Эйзенштейн или Дзига Вертов, было источником вдохновения для художников, оно открыло им глаза на новый мир. Так что в каком-то смысле плакат — это тоже кино. Коллекционеры, которые покупают советские плакаты, — это те, у кого еще свежи в памяти воспоминания о Советском Союзе, или это иностранцы, которым интересна история этой страны? И те, и другие. Некоторые коллекционеры собирают только авангардные плакаты — эти живут в Европе, Америке и, конечно, в России. Некоторые собирают только киноплакаты к экспериментальным фильмам, а некоторые — только политические. Почему цены на киноплакаты настолько выше цен на политические постеры? Кажется, политический плакат никогда еще не устанавливал ценовых рекордов на торгах Christie’s. В данный момент да, спрос выше на киноплакаты. Многих привлекает их дизайн, уникальный для киноплакатов в целом. А спрос на политические плакаты ниже, но это касается не только советских плакатов. Может быть, что следующей тенденцией станет коллекционирование политических плакатов? Предсказать следующую тенденцию очень сложно, но мне кажется, что спрос на политические плакаты с сильной графикой растет.

следней перед Первой мировой войной. Для меня этот плакат — символ дореволюционной России, пропавшей навсегда», — говорит Калинин. «Приходят к коллекционированию по-разному: кого-то «цепляет» дизайн, кому-то интересна определенная тематика. Это в основном энергичные, любознательные люди с многогранными интересами. Коллекционирование — это охота, азартный поиск недостающих и редких трофеев», — добавляет он. В 2010 году Кирилл Калинин основал компанию AntikBar в Лондоне, которая специализируется на продаже оригинальных плакатов (не только советских).

Портреты коллекционеров

Кирилл Калинин Серго Григорян Серго Григорян говорит, что его всегда привлекал именно политический плакат, потому что он интересовался историей. «Я с детства коллекционировал марки. В какой-то момент сосредоточился именно на советских марках. Вот только показать эту коллекцию было весьма сложно: она заинтересовала бы лишь специалистов, а для широкой публики мое увлечение было куда как менее захватывающим. С годами марки занимали меня все меньше; я искал что-то, что было бы интересно как исторический материал и не мне одному», — рассказывает Григорян. Первое время о коллекции речи не было. «Я покупал то, что мне нравилось, и вешал на стену, пока мне не надоедало. Те, кто бывал у меня, видел плакаты, и их цепляло. Тогда я и решил создавать коллекцию», — вспоминает он. Сейчас коллекционер больше интересуется плакатами периода Гражданской войны и антиамериканскими постерами, чем обычными агитационными. Особенно Григорян гордится Клином красным бей белых Эль Лисицкого, Родина-мать зовет Ираклия Тоидзе и Ты записался добровольцем? Дмитрия Моора. «Мне приятно, что в моей коллекции есть плакаты, которые все знают, например Не болтай! Нины Ватолиной или Сектант — кулацкий петрушка Михаила Черемных», — говорит коллекционер. Свое собрание Серго Григорян хранит в Лондоне. Год назад он привозил около полусотни плакатов в Москву — для первой выставки его собрания в России, в московском Петровском пассаже (в Лондоне подобные выставки у Григоряна регулярны). «Я думаю сделать большую серьезную выставку, которая включила бы не только плакаты, но и другое искусство СССР: фильмы, фотографию, живопись и так далее. Это в планах, но пока у меня пробелы в коллекции, так что сначала надо заполнить их», — считает он.

Кирилл Калинин заинтересовался плакатом в 1993 году, когда посетил выставку Густава Клуциса в нью-йоркском MoMA. «Меня поразило то впечатление, которое производит плакат: яркие цвета, композиция. Я начал искать информацию о плакате и графическом дизайне того времени, приобрел несколько работ. В моей коллекции плакаты и печатная графика художников-конструктивистов, а также плакаты и реклама общества «Интурист» 1920–1930-х годов». Летом 2013 года лондонская галерея GRAD (Gallery of Russian Art & Design) провела выставку плакатов из коллекции Калинина See USSR (Посетите СССР). «Для многих англичан, которые пришли на выставку, плакаты «Интуриста» были небольшим шоком. Нашу страну в Британии больше знают по пропаганде: жестким, суровым лицам, призывающим с листа плаката к новым победам в труде и бою. А тут элегантные дамы, кабриолеты, несущиеся по горным дорогам, и такой знакомый им гламур 1930-х годов. Выставка была очень популярна и интересна тем, что показала две картинки СССР — дома и на экспорт», — рассказывает Калинин. «Интерес к поиску и коллекционированию плакатов продолжал расти, и я решил стать дилером, — объясняет свой выбор занятий Кирилл. — Первым в моей коллекции был плакат «Интуриста» 1936 года. Меня поразило, что он выполнен в стиле ар-деко и с точки зрения дизайна не имеет ничего общего с СССР того времени. Вся рекламная продукция «Интуриста» 1930-х была полностью ориентирована на западных клиентов. Для меня эти плакаты представляют альтернативный взгляд на нашу страну тех лет». В коллекции Калинина есть и известные широкой общественности вещи, например афиша к фильму Броненосец «Потемкин» в исполнении братьев Стенберг, и менее популярные ранние плакаты, в частности плакат IV Международной автомобильной выставки 1913 года в Санкт-Петербурге. «Эта выставка единственной из всех получила покровительство императора Николая II и была по-

Валерий Жерлицын Валерий Жерлицын — коллекционер во втором поколении: его родители собирали русских художников, а он продолжил семейную традицию, только живописью не ограничился. Свою коллекцию киноплакатов Жерлицын начал собирать после того, как в конце 1980-х годов купил в одном из московских антикварных магазинов коллекцию плакатов Михаила Длугача, крупного советского плакатиста 1920–1950-х. «Я просмотрел эти плакаты и понял, что они совершенно не уступают Стенбергам. Потом я познакомился с родственниками Длугача и стал уже коллекционировать в основном только его, хотя у меня есть и агитационные, и военные плакаты Советского Союза. А в этом году планирую выпустить альбом Длугача», — рассказывает он. Сын Валерия, Филипп, тоже коллекционирует киноплакаты, но английского производства. Это афиши определенного формата к фильмам, получившим премию «Оскар», полнометражным мультфильмам, культовым голливудским картинам (например, о Джеймсе Бонде или Индиане Джонсе) и русским фильмам, вышедшим в западный прокат. «Когда я был ребенком, то очень любил ходить в кино, а после просмотра просил у работников кинотеатра афиши, — вспоминает Филипп. — Они мне иногда давали эти плакаты, хотя на самом деле должны были их или уничтожать, или отправлять обратно на киностудию. Так и началась моя коллекция».

№ 2 (21) март 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом PDF S/S. 2013. Работа объединения Lucky PDF. Для нового поколения художников ощущение существования мирового сообщества распространилось на сетевое искусство

«Первый взгляд» — www.newmuseum.org/exhibitions/online Rhizome — www.rhizome.org Opening Times — www.otdac.org Оливер Ларик — www.oliverlaric.com Lunch Bytes — www.lunch-bytes.com Юри Паттисон — yuripattison.com Lucky PDF — www.luckypdf.com Харм ван ден Дорпель — www.harmvandendorpel.com Bubblebytе — www.bubblebyte.org Петра Кортрайт — petracortright.com Рафаэль Розендааль — www.newrafael.com

Сетевое искусство В эпоху постинтернета, как считает Бен Люк, художники, занимающиеся цифровым искусством, пересматривают свои отношения с галереями и коллекционерами Текст Б е н Л ю к

сообщество оказалось неспособным быстро адаптироваться к изменениям. Это создало условия для естественного развития нового искусства. «Есть группа людей, встретившихся в Сети и начавших делать что-то самостоятельно, — говорит Виккерс. — Они писали тексты, организовывали выставки и сами решали, как это будет выглядеть. А теперь, в последние полтора года, происходит ее стремительное вхождение в сферу институций». Одной из трудностей, с которыми столкнулись музеи и галереи, было нежелание интернет-художников встраиваться в традиционную модель художественной среды. «На самом деле интернет-искусство возникло в середине 1990-х. Тогда это была группа художников, которые действительно не хотели быть связанными с какими-либо институциями, — говорит Мелани Бюлер, основательница Lunch Bytes, онлайн-платформы и дискуссионного центра, посвященного искусству и цифровой культуре. Художники «воспринимали Интернет как пространство, в котором они могут самовыражаться независимо от институций», — объясняет Бюлер.

Сетевое поколение

Сверху вниз: Харм ван ден Дорпель. Ассамбляж (Все против всего). 2013; Рафаэль Розендааль. jellotime.com. 2007. Снимок с экрана; Петра Кортрайт. RGB, D-LAY. 2011. Кадр из видео

Среди цифровых художников отношение к арт-сообществу остается неоднозначным и сегодня. Участники объединения Lucky PDF, онлайн-произведения которого по жанру располагаются где-то между тележурналом и коллективной выставкой, одновременно выступают как художники, кураторы и продюсеры и заявляют, что их главная цель — снять видеоклип для хип-хоп-исполнителя Канье Уэста. По мнению Виккерса, работавшего с Lucky PDF, такой подход сбивает институции с толку. «Если вы не считаете пространство галереи и вообще арт-среду основным местом для высказывания идей, которые вы пытаетесь донести, то фактически не имеет значения, говорит ли кто-то из вас «я художник», — рассказывает он. — Это один из интереснейших сдвигов, которые мы сейчас наблюдаем, и нынешним институциям его труднее всего понять, поскольку он полностью ломает сложившуюся модель. Как галерея может начать представлять сеть?» Многие из этих сетей возникли как «серф-клубы», сообщества интернет-пользователей, и представляли собой коллективные блоги, в которых художники выкладывали найденные и обработанные онлайн-изображения. Они долгое время были «основной формой для многих художников» и играли ключевую роль в постинтернет-искусстве, говорит Арчи. Среди них был и Club Internet — сайт берлинского художника голландского происхождения Харма ван ден Дорпеля, который приглашал участников со всего мира, курируя международные групповые выставки онлайн-искусства. Аттилия Фаттори-Франкини , основательница онлайн-проекта bubblebyte.org и куратор сайта Opening Times, говорит, что «одной из главных особенностей цифровой революции было делегирование художнику широких полномочий». Юри Паттисон, делавший проект для  bubblebyte.org, говорит, что это ощущение существования мирового сообщества распространилось на постинтернет-искусство, в котором, по его словам, «ско-

LUCKY PDF: OSKAR PROCTOR, 2012; ALL RIGHTS RESERVED. PHOTO: OSKAR PROCTOR; STYLIST: HANNAH R. HOPKINS; MAKE UP ARTIST: LUCY JOAN PEARSONPETRA CORTRIGHT AND RAFAËL ROZENDAAL: STEVE TURNER CONTEMPORARY. VAN DEN DORPEL: COURTESY THE ARTIST AND WILKINSON GALLERY LONDON

о недавнего времени представители художественного мейнстрима относились к интернет-арту неоднозначно. Раннее сетевое искусство нередко оказывалось в изоляции и с трудом пробивалось в основной дискурс арт-сообщества, в то время как нью-йоркский Музей Уитни и лондонская галерея Тейт еще только начинали делать первые заказы интернет-арта. Но когда Интернет со всей неизбежностью вошел в повседневную жизнь художников, институции стали уделять больше внимания искусству, создаваемому в Сети или с использованием ее ресурсов. Пионером в этой области стал Новый музей в Нью-Йорке с его ежемесячными интернет-выставками Первый взгляд. Новое искусство онлайн, систематическим включением цифровых работ в коллективные выставки и сотрудничеством с некоммерческим сайтом Rhizome, посвященным «художественным практикам, связанным с технологиями». В Соединенном Королевстве о растущем значении цифрового искусства свидетельствуют три недавних проекта: AGNES галереи Serpentine — цифровой заказ художнице Сесиль Б. Эванс, онлайн-проект Оливера Ларика Lincoln 3D Scans для музея The Collection в Линкольне, завоевавший ежегодную награду Общества современного искусства за лучший пример сотрудничества музея и художника, а также грядущий запуск Opening Times — специализирующейся на заказах интернет-арта некоммерческой организации, которая будет работать при поддержке английского Совета по искусству. Рост количества онлайн-заказов совпадает с распространением активно обсуждаемого понятия «постинтернет-искусства», изначально сформулированного художницей Марисой Олсон. Оно по большей части предметно и представлено в галереях, но при этом неразрывно связано с языком, формой и контентом Интернета. Эта тенденция в разных контекстах находит отражение в двух выставках: Размышления о безымянных материалах во Фридерициануме в немецком Касселе (завершилась 23 февраля) и Искусство постинтернета, открывающейся в Центре современного искусства Улленсов в Пекине (1 марта — 11 мая). Карен Арчи, вместе с Робином Пекхэмом курирующая выставку в Центре Улленсов и много размышлявшая над вопросами этой новой эпохи в искусстве, признает неоднозначность термина «постинтернет». По ее мнению, его следует понимать, «рассматривая «пост» в значении «вслед за», а «вслед за» в значении «в манере». «Когда я говорю о постинтернет-искусстве, я думаю об искусстве, создающемся с учетом существования сетей, которые производят и передают его», — говорит она. Означает ли это, что мы переживаем момент сдвига в истории искусства? Юри Паттисон, художник, член группы Lucky PDF, входящей в состав участников выставки в Центре Улленсов, считает, что история искусства не может рассматриваться без учета того, какой «невероятной ступени в общей мировой истории» мы достигли: ее, «по сути, можно сравнить с индустриальной революцией, ведь меняется все. Искусство, конечно, тоже полностью изменится, потому что в том, как мы работаем, общаемся и путешествуем, уже произошли колоссальные перемены». Бен Виккерс, первый куратор галереи Serpentine, прицельно занимающийся цифровым искусством, полагает, что арт-

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом рость завязывания контактов» с другими художниками дает огромные возможности. «Если вас заинтересовал какой-либо художник, вы можете найти его сайт и предложить ему сделать совместную выставку, которая получит такой резонанс, которого 20 лет назад можно было добиться, только вложив очень большие деньги», — говорит живущий в Лондоне Паттисон.

Цифровые аборигены Ключевую роль в возникновении такой ситуации сыграла демократизация онлайн-программ. «Раньше язык Интернета был доступен немногим», — говорит Фаттори-Франкини. Характер новейшего цифрового искусства обусловлен «упростившимся для всех нас доступом к процессу создания произведений с точки зрения программного обеспечения». Один из наиболее выдающихся представителей поколения цифровых аборигенов — жительница Лос-Анджелеса Петра Кортрайт, впервые обратившая на себя внимание в 2007 году работой vvebcam 2007. Это автопортрет эпохи YouTube, в котором она занята равнодушным переключением спецэффектов дешевой веб-камеры, в том числе анимированием кусков пиццы. Ролик стал первым в целой серии снятых на веб-камеру видео с использованием бесплатного программного обеспечения из Сети; в подходе Кортрайт принципиально важна случайность ее находок. «Мне действительно нравится этот момент охоты, — говорит она, — и я использую все, что попадается мне под руку». Она пользуется как Mac'ом, так и PC, потому что для PC существует «настолько больше безумных бесплатных программ», «чуть ли не с вирусами, иногда почти страшно устанавливать их», рассказывает художница, «но именно поэтому они лучшие». Как и многие другие, Кортрайт легко переходит от онлайн-произведений к физическим объектам и обратно. На недавно прошедшей выставке Кортрайт в галерее современного искусства Стива Тернера в Лос-Анджелесе были представлены «цифровые картины» — напечатанные на алюминии изображения, обработанные в Photoshop'е, а также снятые на вебкамеру видео и флеш-анимация. Тернер представляет и другого ведущего интернет-художника — Рафаэля Розендааля. По словам галериста, когда он начал работать с ним, «Рафаэль делал сайты, а они существуют в Интернете, и, если кто-то хочет посмотреть их, он может сделать это бесплатно, а если кто-то предпочитает стать обладателем сайта — ведь ключевым фактором в истории искусства зачастую является обладание, — он может купить его». Тернер говорит о Розендаале, что он «понял, что не следует ограничивать его узкой сферой», и теперь при помощи лентикулярной технологии он делает отпечатки, способные передать причудливую игру абстрактных форм с некоторых его сайтов. «Он продолжает заниматься теми же вопросами, теми же проблемами, теми же странностями, — говорит галерист, — но нашел способ экспонировать эти работы в физическом пространстве».

Финансовая сторона Кортрайт и Розендааль нестандартно подходят и к продажам. Первая, затрудняясь определить стоимость своего творчества, пользуется алгоритмом, подсчитывающим количество просмотров ролика на YouTube. Так, когда The Art Newspaper смотрела ее видео footvball/faerie (2009), включенное в выставку Художественного музея округа Лос-Анджелес Футбол, прекрасная игра (2 февраля — 20 июля), оно имело уже 10 626 просмотров и оценивалось в $3131,30. Розендааль же опубликовал на своем сайте контракт, в котором оговаривается, на каких условиях будущие коллекционеры могут использовать его онлайн-работы. Конечно, этот тренд в постинтернет-искусстве — создание физических произведений на цифровой основе — помог многим его представителям привлечь к себе внимание рынка и заключить контракты с галереями. Но, по словам Карен Арчи, некоторые художники все еще настроены скептически. «Частично это связано с тем, что художественное сообщество — это действительно грубая и жестокая среда, и я полагаю, что многие люди, работающие исключительно онлайн, делают это не просто так. Можно предположить, что они не только не хотят быть частью рынка, но и не чувствуют себя способными существовать в нем… Многие из тех, кто решает работать онлайн, смотрят на тех, кто вошел в систему галерей, как на играющих в игру, которая использует и выплюнет их», — поясняет куратор. Арчи сознает, что явление постинтернет-искусства — это «новый хит» в арт-сообществе, и надеется на то, что пекинская выставка поможет ему не превратиться просто в моду. «[Она] создаст преемственность этого вида творчества, и оно прочно войдет в историю и генеалогию знания и труда художника», — говорит она. На выставке такие постинтернет-художники, как Ларик и ван ден Дорпель, представлены вместе с признанными авторитетами, в числе которых Дара Бирнбаум и группа Bernadette Corporation. «Мне по-настоящему важны и нравятся эти произведения, я не хочу, чтобы капризный художественный мир отмахнулся от них», — говорит Арчи. �

Улов из браузера Пять шедевров сетевого искусства

Lincoln 3D Scans, 2013 The Collection, Линкольн и Оливер Ларик www.lincoln3dscans.co.uk Ларик сделал трехмерные сканы произведений из собраний музеев города Линкольн: археологических экспонатов из музея The Collection и скульптур из галереи Ашера — от римских бюстов до средневекового вооружения и даже тазовой кости. Их можно бесплатно загрузить и преобразовывать в перечисленных Лариком бесплатных программах, создавая новые произведения. Работы посетителей сайта можно увидеть там же (на иллюстрации приведена картина Фернандо Фольино). Это часть продолжающегося проекта Версии, в котором Ларик обыгрывает культуру «пиратства», копий и ремиксов интернет-эпохи.

Dorm Daze, 2011 Эд Форниелес www.facebooksitcom.com Самозванный «фейсбук-ситком» Форниелеса, уже приобретенный в качестве экспоната-инсталляции в коллекцию четы Заблудович, — это большой трехмесячный онлайн-перформанс, в рамках которого художник создал автономную сеть на Facebook. Его участники играли вымышленные роли, основанные на аккаунтах настоящих студентов Университета Беркли, разыгрывая мыльную оперу о кокетках, наркотиках, неразделенной гомосексуальной любви и, конечно, о смерти. Бен Виккерс, некоторое время работавший с Форниелесом, говорит о нем: «Иногда его работы абсолютно омерзительны, но они — зеркало нашего общества».

You, the World and I, 2011 Джон Рафман youtheworldandi.com Цифровое видео Рафмана — это современное переложение мифа об Орфее, в котором рассказывается история мужчины в поисках потерянной возлюбленной, которая отказывалась фотографироваться, «предпочитая думать о вещах в том виде, в котором они остались в ее памяти». Поэтому печальный рассказчик пытается найти в Сети изображения, на которых они могли оказаться вместе. При помощи цифровых моделей памятников мировой культуры и фото из Google Earth и Google Street View Рафман показывает мир, который все больше воспринимается как виртуальный и в котором оставляют след даже самые частные аспекты нашей жизни.

AGNES, 2012–2013 Сесиль Б. Эванс serpentinegalleries.org/exhibitions-events/agnes Первый цифровой заказ галереи Serpentine является «спам-роботом» на сайте галереи. «Пожалуйста, отвечайте на мои вопросы, и я смогу помочь вам с вашими», — говорит нам AGNES на видео. После этого вы можете ответить на различные вопросы, в том числе о том, как вы прощаетесь в телефонном разговоре или куда идете, когда хотите побыть в одиночестве. Весьма неловкий момент заключается в том, что затем AGNES просит вас указать свой адрес электронной почты. Виккерс, куратор проекта, говорит, что затея появилась до разоблачений Управления национальной безопасности США и, «собирая о вас личную информацию, Эванс при этом желает вас за это вознаградить».

RELiable COMmunication, 2013 Юри Паттисон для Legion TV reliablecommunications.net Произведение сетевого искусства эпохи после скандала c Управлением национальной безопасности, работа основана на материалах Soviet Coup Archive — цифрового архива, посвященного попытке государственного переворота в СССР в 1991 году. Паттисон говорит, что архив, созданный в Советском Союзе, не подвергался цензуре, так как не считался крупным информационным ресурсом, и «фактически предотвратил переворот, потому что люди свободно распространяли информацию». Паттисон связывает эти материалы с другой знаменитой утечкой — рассказом солдата Челси Мэннинг о раскрытии секретной информации журналисту Адриану Ламо, который в итоге сдал ее властям США.

YURI PATTISON: LEGION TV, LONDON AND THE ARTIST

*Китай — почетный гость ** 27 – 30 марта Гран-Пале Реклама 16+

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 2 (21) март 2014

художник

Дуг Эйткен, автор веселого поезда и других выдумок Калифорниец рассуждает о Дарвине, ДНК, фирменных омлетах с кактусом от Эда Руши, а еще о вечной нехватке времени Текст

ля Дуга Эйткена время течет по-своему. Когда мы беседовали с ним по телефону, как раз завершился его экспериментальный проект От станции к станции/Station to Station, в рамках которого он с десятками других художников и музыкантов пересек всю Северную Америку, совершив путешествие от Атлантического до Тихого океана на поезде, украшенном гирляндами светодиодных ламп. По пути арт-поезд делал остановки в десяти пунктах, где его пассажиры устраивали спонтанные хеппенинги и перформансы. Эйткен, однако, отдыхать не собирается, он уже начал работу над другим крупным проектом. Мне не сразу удалось до него дозвониться: оказывается, шум вентиляторов в его новом рабочем помещении заглушил звонок мобильного. «Вы звонили, но я не смог ответить, потому что был в своей мастерской, она находится дальше по улице, где у меня студия. В этом заводском цеху у меня есть возможность работать над произведениями руками, — объясняет он. — Это просто, словно… ты попадаешь в пространство, где можно что-то буквально мастерить, в котором никого нет, кроме тебя, только грязный пол и полосы света, и ты просто создаешь скульптуру и все. Это помещение словно обнуляет твой прежний опыт, оно располагает к тому, чтобы работать так, будто

Хе л е н С т о и л а с

DOuG AITKEN, STATION TO STATION, 2013, BRIAN DOYLE

в мире нет ничего слишком ценного, и ты не боишься рисковать». Переход от простого к сложному, от неистового к спокойному является главным методом в художественной практике Эйткена, и в результате появляются разнообразные работы: от видео и звуковых инсталляций, украшающих фасады музеев (заметьте, во множественном числе!), до скульптур, основанных на тексто-

«...Ты попадаешь в пространство, где можно что-то мастерить, в котором никого нет, кроме тебя, только грязный пол и полосы света, и ты просто создаешь скульптуру и все. Оно словно обнуляет твой прежний опыт...» вом материале, и хеппенингов, в процессе которых зрители оказываются лицом к лицу с говорливыми аукционистами, профессиональным погонщиком и стриптизершами у шеста. «Я чувствую себя очень комфортно, когда разворачивается сразу несколько событий», — говорит Эйткен. Он описывает свой творческий процесс как нечто живое, разветвленное: «Образно говоря, его можно рассматривать как

Дуг Эйткен (слева) обсуждает проведение проекта От станции к станции в Канзас-Сити

дерево, корни которого произрастают из тебя. Так, у всех людей есть определенные вещи, которые нас притягивают, или вопросы, возникающие вновь и вновь, — и ты понимаешь, что есть какие-то заложенные в тебя основы и они определяют то, чем ты являешься и что ты делаешь. В то же время у этого дерева может быть несколько ветвей, растущих в разных направлениях». Эйткен говорит, что любит давать волю идеям, позволять им развиваться своим путем, не цепляясь за старое. «Вместо того чтобы удерживать что-то внутри себя, ты даешь идее жить, расти, двигаться, пока она не проявится отчетливо». Возможно, именно поэтому его творчество принимает так много разных форм, почти никогда не повторяясь. «Мое творческое сознание подобно Галапагосским островам, оно развивается по законам Дарвина».

Начало Эйткен родился в Редондо-Бич (Лос-Анджелес, штат Калифорния), а живет и работает в нескольких милях дальше, в соседнем городе Венис. После окончания художественной школы в 1990-х годах он главным образом жил и работал в Нью-Йорке — в те тяжелые для арт-

БИОГ РАФИЯ

Дуг Эйткен Художник

Место и год рождения — Редондо-Бич, Калифорния, 1968 Образование — Арт-центр Колледжа дизайна в Пасадене,

бакалавр искусств, 1991 Живет и работает — Лос-Анджелес, Нью-Йорк Сотрудничество с галереями — Regen Projects, Лос-Анджелес; Victoria Miro, Лондон; Eva Presenhuber, Цюрих; 303, НьюЙорк

Крупные выставки 2013 — Electric Earth, Арт-центр Нам Джун Пайка, Сеул;

Station to Station: a Nomadic Happening, Нью-Йорк, Питсбург, Миннеаполис/Сент-Пол, Чикаго, Канзас-Сити, Лейми/Санта-Фе, Уинслоу, Барстоу, Лос-Анджелес, Окленд/Сан-Франциско; 100Yrs, галерея 303, Нью-Йорк 2012 — Moving City, Арль; Song1, Музей Хиршхорна и сад скульптур, Вашингтон; Source, галерея Тейт, Ливерпуль 2011 — Altered Earth, галерея Serpentine, Лондон; I Am in You, Sammlung Goetz at haus der Kunst, Мюнхен; Black Mirror, пространство Deste Project Space, Идра (Греция) 2010 — The Artists’ Museum, Музей современного искусства, Лос-Анджелес; House, галерея Regen Projects, ЛосАнджелес 2009 — Migration (Empire), Художественный музей, Сент‑Луис 2007 — Sleepwalkers, Музей современного искусства, Нью‑Йорк 2000 — Биеннале Уитни, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк 1999 — dAPERTutto, Венецианская биеннале 1997 — Биеннале Уитни, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

художник

ность? Как оно продолжит развиваться одновременно с другими аспектами культуры, сможет избежать кризиса, не перестать быть актуальным, быть менее ангажированным?» Проект От станции к станции вызвал неоднозначную реакцию. Некоторые критиковали его за откровенную рекламу торговой марки Levi’s, которая оплатила все расходы проекта (а суммы были 7-значные), другие наслаждались возможностью близко увидеть и лично познакомиться с такими известными музыкантами, как Бек и Патти Смит. В большинстве городов, где поезд стоял всего день, билеты на представление быстро раскупались. То, что художник вообще смог организовать трехнедельное мероприятие на колесах, посвященное искусству, с разными исполнителями на протяжении всего пути, само по себе уже достойно похвал. «Я считаю, то, что у нас получилось, — это большой успех. Это настоящее чудо, — говорит Эйткен. — Каждый участник проекта внес свою лепту и сделал это по собственной инициативе, потому что все искренне верили в наше общее дело».

Планы

DOuG AITKEN, STATION TO STATION, 2013, YE RIN MOK

рынка, пошатнувшегося от экономического кризиса, годы. «Мне нравилось это тревожное время, — рассказывает он. — Это был интересный период моей жизни, потому что я приехал в Нью-Йорк именно тогда, когда прежний мир искусства рушился, галереи везде закрывались». Хотя у Эйткена не было в городе ни друзей, ни знакомых, вскоре он начал выставляться на престижных площадках: в коммерческой галерее AC Project Room, которой заправляют художники, и в Новом музее современного искусства. «Мои работы во многом были экспериментальны, в них я пытался найти новый язык. С людьми, с которыми я встретился в тот период, мы устраивали показы в пустующих домах, в каких-то заброшенных местах или складских помещениях. На то время сложилось ощущение, что капитализма не было». Эксперименты в ранние годы привели к расширению сферы его интересов, и вскоре Эйткен уже следит за трагическими событиями, охватившими городок Джонстаун в Гайане, где было совершено массовое убийство (Муссон/monsoon, 1995), преодолевает бюрократическую волокиту, чтобы снять фильм об особо охраняемом объекте — алмазных копях в пустыне Намиб (Алмазное море/diamond sea, 1997), и проникает в закулисье Болливуда (В солнце/ into the sun, 1999). На него начали обращать внимание кураторы и галеристы; а вскоре, в 1999 году, пришли мировое признание и слава: на Венецианской биеннале он удостоился «Золотого льва» за свою многоканальную инсталляцию Электрическая Земля/electric earth (1999), погружающую в созданную компьютером среду. (Во многом благодаря Харальду Зееману, мэтру кураторского искусства XX века.) Инсталляция представляет образ молодого человека, который, пританцовывая, бродит по пустынному городу ночью; эта работа Эйткена до сих пор остается визитной карточкой художника. Недавно Электрическая Земля была выставлена на ретроспективе художника в Арт-центре Нам Джун Пайка в Сеуле, художественной премии которого удостоился наш герой. «Если ты связан с произведением искусства, то это почти так же, как если бы у тебя в памяти сохранился ряд картинок, похожих на фотоальбом: опыт твоих отношений с этим произведением, — говорит он. — Некоторые работы со временем умолкают, и ты о них забываешь, а другие становятся частью тебя, твоего ДНК, продолжая возвращаться вновь и вновь. Как ни странно, в моем случае это Электрическая Земля». Для монографии, которая выйдет в марте нынешнего года в издательстве Rizzoli, Эйткену пришлось переосмыслить многое в своем раннем творчестве. «Впервые в жизни я должен был оглянуться и посмотреть назад», — говорит он, хотя признается, что задача оказалась не из легких: это «было словно войти в комнату, где собрались все твои старые друзья, с которыми ты долгое время не виделся, и ты говоришь кому-то из них: «Эй, как дела? Помнишь, как мы ездили вместе в пустыню Намиб?» А он отвечает: «Конечно, помню, старик, тогда еще наш фургон застрял в песке во время съемок».

Здесь и сейчас Для Эйткена, похоже, все вращается вокруг времени и способов его восприятия. Он дает

такое определение искусства: ключевая его составляющая — способность привлекать к соучастию. «В творчестве я лично ценю такие конфликты, которые втягивают меня в происходящее, заставляют сопереживать, будь то картина или перформанс», — говорит он. В его собственных работах, однако, эта тяга к настоящему проявляется в компьютерных инсталляциях и хеппенингах, навеянных творчеством Аллана Капроу, где зритель становится

Поезд От станции к станции в Окленде, на одной из десяти остановок на пути из Нью-Йорка в Сан-Франциско

ники также задались целью извлечь искусство и перформанс из обычной среды: галереи, музея, концертного зала, тем самым предоставив художникам и музыкантам шанс поэкспериментировать. Так и появилась эта разношерстная компания, к которой присоединился ветеран изобразительного искусства художник Эд Руша. Вместо создания привычных картин и рисунков он приготовил омлет из кактуса и накормил им несколько сотен человек в пустыне Аризона. А Олафур Элиассон смастерил тяговое устройство, в котором кинетическая энергия движения поезда преобразовалась в творческую, позволив нацарапать произведение, ставшее результатом почти 5000-километрового путешествия. «Это люди, со стилем работ которых мы уже знакомы, и поэтому От станции к станции для них как платформа, чтобы создавать что-то участником событий. «Язык создания чего-то совершенно иное», — объясняет Эйткен. живого, например участие в хеппенинге, для Он также рассматривает их творчество как меня очень естественен. Через подобные эмо- своего рода манифест, «призыв к оружию». ции проходишь в процессе съемок, — объясня- «В некотором смысле я хотел, чтобы проект ет он. — Вдруг наступает мгновение, миг, когда От станции к станции дал толчок другому двивот-вот произойдет что-то, и это что-то уже не жению, в котором царили бы художники, не случится завтра или послезавтра, оно больше ограниченные средой или местом. Этот проне случится никогда. Меня очень привлекают ект возник из необходимости, он не был пропроекты, в которых есть ощущение необрати- стой прихотью. В современном искусстве сумости времени, лежащее в основе их создания, ществует потребность в новых площадках, нои мысли, что делаются они для определенно- вых ситуациях, нужно выйти из окружающих нас ограничений, рамок». го момента». Его последний проект От станции к станции Эйткен подчеркивает важность эксперименпредставляет собой воплощение этой творче- та со всеми возможными рисками и ошибкаской философии. Идея «кочевого хеппенин- ми. «Нельзя спокойно относиться к той станга» появилась в попытках «создать что-то по- дартизации, которую мы наблюдаем в соврестоянно изменчивое, находящееся в непрерыв- менном искусстве, ведь как же тогда искусство ном движении». Эйткен и его единомышлен- сможет сохранить свою ценность, уникаль-

«Нельзя спокойно относиться к стандартизации, которую мы наблюдаем в современном искусстве, ведь как же тогда искусство сможет сохранить свою ценность, уникальность? Как оно продолжит развиваться?»

Пока участники От станции к станции разъезжали на поезде по США, сопровождавшая их съемочная группа Эйткена вела видеодневник проекта, в который попали некоторые события и инсталляции художников, а также повседневные сцены. Эйткен признается, что, помимо фильмов, любит создавать совместные проекты. Тем не менее на рельсы От станции к станции больше не вернется. «Нет, хватит. Если мы будем еще что-то подобное делать, то это будет оперный театр на Амазонке или теплоход на Средиземном море. Идея проекта в том, что это изменяющееся путешествие, — говорит он. — И мне хотелось бы, чтобы другие делали подобного рода мероприятия, но по-своему. Надеюсь, мы скоро услышим об аналогах». Завершив От станции к станции, Эйткен стал готовиться к кинофестивалю Sundance, который прошел в январе и на котором он представил свой проект, посвященный феномену креативности, — Источник/The Source (2012). Круговая сцена, впервые появившаяся на Ливерпульской биеннале в прошлом году, послужила павильоном для 4-минутных интервью Эйткена с творческими людьми: Девендрой Банхарт , Уильямом Эгглстоном , Жаком Херцогом, Майком Келли, Филиппом Паррено, Паоло Солери, Тильдой Суинтон, Райаном Трекартеном и Джеком Уайтом (многие из них участвовали в От станции к станции). Концепция возникла из бесед Эйткена с близкими и друзьями: «Вы засиживаетесь с кемто допоздна в ресторане, и тут начинается задушевный разговор — о выбранной профессии, месте в жизни, и иногда вы слышите от собеседника что-то, что давно было в вашем подсознании, но не обретало словесной формы, — эта идея вдруг выкристаллизовывается перед вами». А что потом? Как и его творчество, у Эйткена все зависит от одной очень важной вещи. «Мне не хватает времени, его в сутках слишком мало, — заявляет он. — Все это как игра в шахматы. Она движется, она развивается. Но одно остается неизменным. Смысл моей жизни в том, чтобы придавать форму вещам». �

Избранные работы

2007. FREDERICK CHARLES. DOuG AITKEN

«Песня-1»/song1. 2012. Музей Хиршхорна и сад скульптур, Вашингтон

«Лунатики»/Sleepwalkers. 2007. Музей современного искусства, Нью-Йорк

В 2012 году Эйткен окутал по периметру всю внешнюю стену музея яркой светящейся проекцией. Почти два месяца она украшала его фасад от заката до полуночи. Для проекта художник привлек сотрудничающих с ним музыкантов, таких как Бек, Бьорк и Девендра Банхарт. Они исполнили хит 1934 года I Only Have Eyes For You.

После того как MoMA обосновался в новом помещении, стены, огораживающие сад скульптур музея и центральные входы, превратились в кинотеатр. Зрителям показывали фильм Эйткена, в котором приняли участие Тильда Суинтон, Дональд Сазерленд, Райан Доноху, Cat Power и Сеу Жоржи, — взгляд на городскую жизнь с ее стремительным темпом.

1999, INSTALLATION VIEW

«Электрическая Земля»/electric earth. 1999. Венецианская биеннале Работа, прославившая Эйткена, за которую художник получил «Золотого льва» на Венецианской биеннале, кажется относительно скромной по сравнению с его поздним творчеством. Одинокий юноша гуляет, танцует на пустынных безлюдных улицах ночного мегаполиса. Как известно, все гениальное просто, и это произведение 15 лет спустя по-прежнему восхищает публику. — Х. С.

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 07 (16) сентябрь 2013

Крупным планом

Как устроены музеи Великобритании

Где музеи берут деньги, кто в них работает и, наконец, почему они так популярны, рассказывает журналист TANR, посетившая стажировку, организованную Благотворительным фондом Владимира Потанина и Британским советом для победителей конкурса «Меняющийся музей в меняющемся мире» Текст Е л е н а Кр ы л о в а

Несмотря на логично выстроенную сценографию, выставка Дэвид Боуи есть в Музее Виктории и Альберта представляет собой путешествие по чужому сознанию, в котором маршрут и время пребывания зависят только от посетителя: известен случай, когда одна женщина провела здесь восемь часов

В Музей Джеффри следует идти всем, кто хочет разбираться в стилях английских интерьеров. Каждая из 11 комнат оформлена в соответствии с определенным историческим периодом и наполнена практической информацией о нем. Обстановка музея и его деятельность создают ощущение настоящего английского дома: красивого, строгого и уважающего труд

BOGDAN MARAN / EPA / ИТАР-ТАСС

Вход в Музей науки бесплатный, поэтому фанаты науки вместо утреннего обзора прессы могут каждый день заглядывать в зал проекта Antenna, посвященного самым свежим научным новостям

ервое, что удивляет любого путешественника в лондонских музеях, — это бесплатный вход. Он установлен законодательно для постоянных экспозиций национальных музеев с 1 апреля 2001 года. Это нововведение оказалось настолько эффективным, что за первые годы количество посетителей увеличилось в среднем на 50%, на сегодняшний день оно оценивается примерно в 100 млн человек в год. Однако введение бесплатного входа совсем не означает, что государство компенсирует его полностью за свой счет. Поэтому перед музеями еще острее встал вопрос поиска средств на поддержание и развитие деятельности. Практически все деньги музеи Великобритании выигрывают в конкурентной борьбе на грантовых конкурсах, организованных как государственными, так и частными фондами. Даже национальные музеи дополнительно находят примерно столько же, сколько получают от государства, то есть около £240 млн ежегодно. Источниками этого дополнительного дохода являются общественные пожертвования, взносы от корпораций-партнеров и благотворительных организаций и предпринимательская деятельность. Для того чтобы эффективно привлекать спонсорские деньги, музейный менеджмент должен четко понимать, для каких групп населения он работает и какие из них остаются неохваченными. Не последнюю роль играют и грантовые программы, которые поощряют определенные направления музейной деятель-

Sarah Barrington

В каждом музее есть кафе, музейный магазин, а также специальные платные программы: празднование дня рождения, кинопросмотры, спектакли, ночные экскурсии и тому подобное ности. Например, программа «Дети в музее», спровоцированная разгромной газетной статьей и финансируемая Советом по культуре и искусству Англии, позволит Национальному морскому музею в Гринвиче открыть в следующем году новые интерактивные залы специально для детей. Впрочем, этот музей и так находится в десятке лучших детских, по мнению официального туристического гида по Лондону. Тут уже есть огромная игровая карта морских сражений и бесплатные мероприятия каждые выходные для всей семьи.

Музей Джеффри Другой музей, который активно работает с разными группами посетителей, — Музей Джеффри. Сюда следует идти всем, кто хочет разбираться в стилях английских интерьеров и, что особенно интересно, садов. 400-летняя история обстановки дома показана в анфиладе комнат, а садового искусства — в большом внутреннем дворе здания, бывшего дома престарелых для пенсионеров гильдии жестянщиков.

Chris Ridley / courtesy geffrye Museum

Каждая из 11 комнат не только оформлена в соответствии с определенным историческим периодом, но и наполнена практической информацией: документами и даже образцами тканей и обоев. Есть и детский уровень — викторина от мультипликационного героя. В доме и саду очень приятно гулять, читать, обедать и проводить время, что и привлекает 120 тыс. посетителей ежегодно. Музей активно развивает партнерские программы со школами: многие уроки, как-то связанные с экспонатами, проходят в его залах, но особый акцент делается на занятиях в саду с учениками коррекционных школ, пенсионерами, людьми с психическими расстройствами. Поддерживает музей и местную молодежь: для многих он становится первым местом работы, а подросткам из неблагополучных семей помогает поступить в учебные заведения.

Музей науки Музей науки — один из пяти самых посещаемых музеев Великобритании (3 млн посетителей в год) и самый посещаемый среди школьников (400 тыс. в год). Несмотря на рекордное количество посетителей, музей постоянно думает над тем, как привлечь новую аудиторию. Раньше его практически не посещала молодежь. Выяснив, что молодые люди ходят по вечерам в пабы и на дискотеки, менеджмент нашел выход в проведении в стенах музея ежемесячного вечернего фестиваля с пивом, закусками и представлениями. Однако и самую

многочисленную детскую аудиторию в Музее науки находят, чем удивить. Например, есть программа, в рамках которой дети ночуют в спальных мешках в залах музея. В программу включен ужин и завтрак. Проект Antenna, управляемый молодой и энергичной Катриной Нильссон, работает по законам медиаиздания. Каждый день его команда, состоящая из шести человек, отбирает самые свежие научные новости, комментирует и размещает их на сайте и мультимедийных экранах музея. Новости поступают из редакций BBC, Science и Nature оперативно и напрямую, согласно договоренности о партнерстве. На экранах можно увидеть комментарии экспертов, которые команда запрашивает и дополняет в реальном времени в течение дня, а также проголосовать, высказать свое мнение и даже вступить в дискуссию. К слову сказать, эта обратная связь от посетителей важна и для ученых: результаты опросов часто запрашивают у музея для научных статей. Кроме ежедневных новостей, в экспозиции представлены новости месяца с развернутыми комментариями и даже реальными объектами научного интереса, а также регулярные выставочные проекты, рассчитанные на более долгий срок. Например, сейчас идет выставка Обезболивание: будущее облегчения. Визуализировать проблему помогают шесть реальных историй людей с хронической болью, рассказанные и в доступной каждому форме интервью, и в форме научной, понятной только профессионалам, — в виде демонстрации новейшего медицинского обо-

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом рудования. Дети же могут играть в специальную компьютерную игру — уничтожать болевые спазмы одним ударом пальца по экрану. Каждый вечер показы театральных представлений чередуются здесь с показами научных экспериментов, увлекая наукой и оставляя желание вернуться.

Музей Виктории и Альберта Буквально через дорогу от Музея науки находится Музей Виктории и Альберта. Как самостоятельное учреждение Музей науки стал функционировать только в 1893 году, а до этого оба музея были единым целым. Об этом нам кратко, емко и не без иронии рассказал Джеффри Марш, руководитель отдела театра и перформанса и сокуратор, пожалуй, самой громкой выставки за последнее время — Дэвид Боуи есть. Чтобы попасть в пространство музыканта и экстравагантной личности, несуществующего образа и структуры, как говорит о нем Джеффри, билеты нужно купить за два месяца. Выставка полностью сделана из документов и вещей из личного архива Дэвида Боуи, который каталогизирован лучше, чем коллекция Музея Виктории и Альберта. Сам герой на выставку не пришел ни разу, зато по числу посе-

с лишним года, с 1837-го по 1839-й, здесь родились две его дочери и были написаны романы Приключения Оливера Твиста и Жизнь и приключения Николаса Никльби. В 27 лет писатель переехал с семьей за город, а дом долгое время сдавался. В 1923 году его приобрело Братство Диккенса (основано в 1902 году), и уже через пару лет здесь был открыт музей. Он тихо существовал, пока возглавляющий его независимый траст не принял решение о полной реконструкции дома к 200-летию со дня рождения писателя: 60% денег на нее были выиграны в грантовом конкурсе Фонда лотереи «Наследие» (Heritage Lottery Fund), 40% — собраны из других источников (у меценатов и др.). В итоге проект стоимостью £3,1 млн был реализован за четыре года, при этом сам музей был закрыт для посетителей всего на восемь месяцев. Сейчас этот красивый 4-этажный викторианский дом абсолютно не выглядит новеньким ни с улицы, ни внутри, хотя по наличию современных лифтов для маломобильных посетителей и пристройке, заметной из внутреннего двора, становится понятно, что за нетронутыми подлинными стенами скрываются новые музейные пространства. Кстати говоря, мебель, которая практически отсутствовала в музее до реставрации, покупалась на аукционах специально к открытию. Сложно вообразить, каким

Большие надежды музей возлагает на группы школьников, ведь изучение творчества Диккенса входит в школьную программу. Местные жители района Холборна — это тоже многочисленная группа потенциальных посетите-

Сейчас Музей Диккенса занимается подготовкой меню ужинов, а также целого фестиваля еды, основанного на записках писателя, который, как известно, много путешествовал лей. Для них музей может стать местом постоянных встреч. И третья группа — любители Диккенса и старины. Ее можно расширить за счет модной молодежи, ищущей интересный и интеллектуальный досуг. Именно для таких посетителей и будут организованы вечеринки при свечах.

Музей школы оборванцев По-настоящему погрузиться в атмосферу рабочего района Лондона времен промышленной революции позволяет Музей школы оборванцев в Ист-Энде. Самая большая бесплатная

В Музее школы оборванцев современным детям поблажек не делают: сидеть надо прямо, руки держать на коленях, смотреть только на доску — и не дай бог заговорить без разрешения! Несмотря на все строгости, час пролетает незаметно

couretsy Ragged school museum

После реконструкции Музей Чарльза Диккенса увеличился вдвое, обрел коллекцию принадлежавших писателю предметов, новую экспозицию и команду. Сейчас здесь работает семь человек постоянного персонала и несколько десятков волонтеров

courtesy Charles Dickens Museum

В Музее транспорта в Ковентгардене представлена легендарная схема лондонского метро. Разработавший ее Гарри Бек первоначально не получил одобрения лондонского Департамента рекламы. Тогда он предложил свою концепцию парижскому метрополитену. Парижане ее отвергли, а лондонцы в итоге приняли. В результате новая схема была напечатана в 1933 г. рекордным тиражом. Права на логотип и схему принадлежат музею и являются источником его постоянного дохода

Продвижение науки — цель Национального морского музея. В программах активно используются научно-популярная и научная фантастика, старинные и современные фантастические фильмы, инопланетяне, попкультура и, конечно, искусство. Известен случай, когда один из слушателей благодаря музейному курсу астрофизики подготовился и поступил в университет

David Westwood / © National Maritime Museum, Greenwich, London

тителей, которое сдерживает только количество наушников, понятно, что она побьет все рекорды посещаемости. Выставка оснащена лучшим на сегодняшний день образом, с использованием всех возможных медианосителей, а в наушниках посетители услышат именно ту мелодию, которая соответствует определенной зоне. Используя фигуру Дэвида Боуи, кураторы рассказывают про Великобританию последних десятилетий, про историю запретов и освобождения от них, про выход за пределы человеческого сознания, про преодоление общественных табу, про манипуляции со средствами массовой информации и про то, что «мы можем быть героями хотя бы на час». Когда в определенный момент слова песни Heroes звучат одновременно в наушниках всех посетителей, выставка превращается даже не в концерт, а в нечто вроде сеанса групповой медитации. В Музей Виктории и Альберта вход тоже бесплатный, поэтому к вечеру в залах ресторана, расписанных прерафаэлитами, и во внутреннем дворе собираются туристы и местные жители, используя стены музея как еще один прекрасный уголок центрального Лондона.

Музей Чарльза Диккенса Поиск своего пути, своих методов работы с аудиторией тем более важен для небольших независимых и специализированных музеев. Примером этого может быть Музей Чарльза Диккенса. В этом доме Диккенс провел два

образом возможно спустя 200 лет найти и выкупить мебель, принадлежавшую некогда семье писателя, но это же Англия, да и Братство Диккенса существует больше 100 лет, так что приходится изумляться и верить. Кроме рас-

школа для детей из бедных семей была основана в 1877 году протестантом и филантропом Томасом Барнардо в зданиях бывших складов у Риджентс-канала. За более чем 30 лет ее существования несколько десятков тысяч детей бедняков получили здесь начальное образование. Теперь школа стала музеем, который возглавляет независимый траст, созданный местными жителями. Музей активно работает с очевидными для его обстановки темами: обучением и образом жизни викторианской Англии, а также планирует развивать тему духов и привидений. Дело в том, что здание никогда не реконструировалось и поэтому привлекает любителей аномальных явлений. сматривания интерьеров и документов в ви- Музей посещают в основном школьные классы, тринах, некоторые комнаты дома можно услы- для которых проводят настоящие уроки в викшать. Так, столовая наполнена звуками семей- торианском стиле. Детей переодевают в штаного ужина, а в кабинете постоянно читают от- ны на подтяжках, рубахи с чужого плеча, кепрывки великих романов. Повсюду разложены ки и фартуки. Затем провожают в класс, обстаприжизненные издания Диккенса, специально новка которого полностью воссоздана по ридля этого купленные и переплетенные. сункам, а мебель просто хорошо сохранилась. Поскольку экспозиция строится вокруг тща- Там учеников встречает учительница — наемтельно воссозданных интерьеров и подлин- ная актриса, одетая в духе викторианской эпоных вещей викторианского периода, Ниа Ма- хи: в белую блузку и юбку с турнюром. С самокинтош, менеджер образовательных программ, го начала детям становится понятно: здесь не видит большой потенциал и даже модный до шуток. После молитвы они хором повторятренд в проведении в стенах музея мероприя- ют пословицы и скороговорки, пытаются натий, связанных с атмосферой дома. Это и ве- писать витиеватые викторианские буквы на черинки при свечах, и кинопоказы (напри- грифельных дощечках, пересчитывают пенмер, предпремьерный показ Больших надежд сы, фунты, футы, дюймы и дюжины, изучают Майка Ньюэлла осенью 2012 года), и спектакли Британскую империю и ее колонии на ста(Рождественские повести к Рождеству), и костю- ринной карте. В конце, после небольшой размированные ужины, и чтение книг у камина. минки, учительница прощается и идет к две-

Перед новым музейным руководством стоит амбициозная цель — изменить представление о литературном музее как о скучном заведении

ри, но так и не выходит из класса, а снимает очки и улыбается. Все тут же расслабляются и принимаются обсуждать урок в дружеской атмосфере. Детям все очень нравится, и актриса немного огорчается, ведь она так старалась быть строгой и даже суровой. Она показывает и примеряет на всех желающих каркас турнюра, рассказывает о чернильницах, демонстрирует жутковатые орудия наказания: доски для исправления осанки и что-то типа деревянных наручников для непослушных детей. Другое занятие — погружение в непростой быт викторианского времени — проходит также в полностью воссозданной обстановке. Конечно, английские музеи не были бы столь популярным местом для проведения досуга и даже добровольной работы, если бы не современные экспозиционные пространства, оснащенные по последнему слову техники выставки. И все-таки музейный бум Великобритании вызван в первую очередь доступностью музеев для разных социальных групп: людей с ограниченными возможностями, детей, пенсионеров, молодежи, малоимущих. Такое впечатление, что музеи здесь готовы работать семь дней в неделю и 24 часа в сутки, чтобы не оставить ни одному туристу и ни одному живущему по соседству жителю и шанса пройти мимо. �

Музейные гранты и лотерея Основным государственным музейным грантодателем является Совет по культуре и искусству Англии. Опираясь на соглашение с Департаментом культуры, медиа и спорта Великобритании, совет является неправительственной общественной организацией, которая получает бюджетные деньги и отвечает за их распределение на установленные цели. В область интересов совета входят искусство, музеи и библиотеки (как написано на сайте, «от театра до цифрового искусства, от чтения до танца, от музыки до литературы и от ремесел до коллекций»). Стратегия совета, разработанная на 10 лет, называется «Доступность великого искусства каждому» и провозглашает продвижение Англии как международного центра искусств. Каждый год совет придумывает и запускает масштабные программы («основная программа» — £21 млн для 16 выбранных на конкурсной основе музеев-партнеров) и узкоспециальные (например, «Ночь в музее»). В планах совета — финансирование проектов, которые способствуют коммуникации между современными художниками и традиционными музеями. По словам Хелен Купер, старшего специалиста по развитию музеев, совет хочет, чтобы художник не рассматривал музей просто как выставочную площадку, но интегрировался в его коллекцию и работал с ней как с источником вдохновения. Тему навеяла частично финансируемая советом выставка в Британском музее, которую курировал художник Грейсон Перри. Другой важный инструмент финансирования музеев — Фонд лотереи «Наследие». Он тоже является неправительственной общественной организацией при Департаменте культуры, медиа и спорта и отвечает за распределение денег, поступивших от лотереи. Национальная лотерея была организована государством в 1994 году для привлечения денег в здравоохранение, образование, на решение проблем окружающей среды, благотворительность, спорт, искусство и на культурное наследие. В итоге из каждого фунта стоимости лотерейного билета 28 пенсов распределяются на вышеизложенные цели, а остальная сумма идет на организацию лотереи и в призовой фонд. За почти 20 лет существования лотереи таким образом было собрано около £40 млрд. На специальном сайте каждый может посмотреть на карте, какие именно объекты и социально значимые проекты были профинансированы за счет лотереи. За всю историю фонд направил £5,5 млрд на 35 тыс. проектов, связанных с развитием музеев, парков, памятников истории, заповедных мест и всего, что важно сохранить.

№ 09 (18) ноябрь 2013

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом 1988 г. Открытие выставки Freeze. Слева направо: Ян Дэвенпорт, Дэмиен Херст, Энджела Баллок, Фиона Рэй, Стивен Парк, Аня Галлачио, Сара Лукас и Гэри Хьюм

Застывшие во времени

FREEZE: FROM BIENNIALS AND BEYOND, BRUCE ALSTHULER, PHAIDON PRESS, 2013, COURTESY SIMON PATTERSON

Спустя 25 лет после выставки Freeze, организованной Дэмиеном Херстом в Лондоне и послужившей началом движения «Молодых британских художников», современные молодые художники критикуют достижения предшественников Текст Б е н Л ю к

е многие видели эту выставку своими глазами, но, несмотря на это, она является одной из наиболее известных в истории британского искусства. Трехчастная экспозиция Freeze (что вольно можно перевести как Отморозки), организованная Дэмиеном Херстом, открылась в лондонских доках 25 лет назад, 6 августа 1988 года. Там были представлены работы студентов и выпускников Голдсмитс-колледжа. Студенты сами устроили эту выставку, и она стала точкой отсчета для группы «Молодых британских художников». Херст добился, чтобы девелоперские компании Olympia & York и London Docklands Development Corporation (LDDC) профинансировали выставку и публикацию каталога. LDDC также предоставила площадку — заброшенный спортзал, принадлежавший лондонскому порту. Херст и 16 его однокурсников, в число которых входили Гэри Хьюм, Майкл Лэнди и Сара Лукас, превратили здание в элегантную галерею и выставили там достаточно небольшое количество работ. Не менее важным для успеха дела было стремление Херста привлечь всех значительных людей того времени: Нормана Розенталя, в то время занимавшего пост секретаря выставок в Королевской академии художеств, Николаса Сероту, который тогда начал руководить галереей Тейт, и Чарльза Саатчи, чья галерея в северном Лондоне была любимым выставочным пространством студентов. Ходили слухи, что Херст даже лично посылал за ними такси, но это, скорее всего, миф.

закончить обучение, а затем, после нескольких лет работы, ктото мог устроить вам выставку. Но мы обошлись без всего этого и начали работать сами по себе». Куратор и критик Саша Крэддок в настоящий момент возглавляет галерею Bloomsberg New Contemporaries и преподает в нескольких художественных школах. Ей принадлежит единственный в английской прессе обзор выставки Freeze, опубликованный в газете Guardian. Крэддок утверждает, что уверенность в собственном всемогуществе оказалась наиболее долговечным наследием того поколения. «Действительно, тогда были люди,

Это не означает, что они заявили: «Нам нужно высказать важные вещи» — нет, они говорили: «Нам нужно начать продавать наши работы как можно скорее». Это очень предприимчивое поколение: они были детьми Тэтчер

которые ждали, что им предложат выставиться в Lisson Gallery, но эти ребята сказали: «К черту, мы не можем ждать!» Фактически это не означает, что они заявили: «Нам нужно высказать важные вещи» — нет, они говорили: «Нам нужно начать продавать наши работы как можно скорее». Их наследие — такой подход к работе». «В Голдсмитс-колледже всегда поощрялись выставки студентов, — вспоминает Лэнди, — даже внутри здания были пространства, где можно было устроить собственную экспозицию, Эффект от выставки хорошо известен: многие из участников которую потом обсуждали. Я помню, как в 1987 году, на втором стали мировыми звездами в течение нескольких последующих курсе, я снял помещение в Бетнал-Грин и устроил там выставлет. К ним присоединились молодые выпускники других уни- ку вместе с еще одним студентом». Но выставка Freeze достигла верситетов, например Рэйчел Уайтрет и Трейси Эмин. При под- новых вершин самодельности: студенты ремонтировали здание держке Saatchi, Тейт и других галерей, а также восхищенных в порту несколько недель, очищая его от птичьего помета, выСМИ они помогли сделать Лондон столицей современного брасывая старые батареи, возводя и раскрашивая новые стены. искусства. Значимость события невозможно отрицать, поэто- Они создали пространство, которое всем своим видом говориму Freeze — одна из 25 выставок последних 50 лет, включенных ло: «Ты можешь это сделать». в книгу Брюса Альтшулера Биеннале и не только, недавний обзор «Этого у них не отнять, — говорит художница Ванесса Джексон, основополагающих выставок современного искусства. Но как которая преподавала в Школе искусства в Винчестере с 1988 по молодые художники и художественные школы осваивают на- 1997 год, а сейчас работает в Школе Королевской академии. — следие Freeze четверть века спустя? Любой художник скажет, что так началась новая эпоха: люди В 1988 году перед закончившими обучение художниками от- стали более расположены к тому, чтобы снять какую-нибудь крылись новые возможности. «На тот момент только галереи грязную дыру и обустроить ее для выставки. Самокураторства Anthony Reynolds, Maureen Paley, Lisson Gallery и, возможно, Nigel стало очень много, и это не менее ценно. Многие художники Greenwood действительно готовы были выставлять молодых ху- становились кураторами, и теперь наличие кураторов во всядожников, — вспоминает Майкл Лэнди. — Сначала надо было кой группе художников очень важно. Многие студенты Коро-

«Я все могу»

левской академии тоже выставляли свои работы где-нибудь, даже если это место не было самым перспективным». Значимость Freeze была ясна Крэддок, которая в своем пророческом обзоре задавалась вопросом, не изменилась ли сама природа произведений художественных школ: «Теперь они отражают броские слоганы, которые имеют успех в мире коммерции». Действительно, хотя Херст после Freeze вернулся в Голдсмитс, чтобы завершить обучение, многих его коллег быстро расхватали коммерческие галереи: Лэнди и Хьюм стали выставляться в галерее Karsten Schubert, а абстракционист Ян Дэвенпорт — в галерее Waddington. Однако есть немало критиков, которые полагают, что главный коммерческий импульс исходил от Херста, когда в начале 1990-х годов он объединился с Джеем Джоплингом и Чарльзом Саатчи. Дэвид Мабб, руководитель аспирантской программы в Голдсмитс, говорит, что он критически относится к Херсту и его соратникам. «Есть ощущение, что это поколение было очень предприимчивым: они были детьми Тэтчер, — рассказывает он. — Приглашая Саатчи на выставку, Херст напрямую обращался к коллекционеру и отменил таким образом само понятие критической независимости искусства». Ванесса Джексон заметила ощутимый сдвиг в отношении студентов к работе после выставки Freeze. «Очень скоро все стали думать, что они могут продавать свои работы, — отмечает она. — Даже студенты-стипендиаты устраивали выставки, когда заканчивалось их обучение: они приглашали людей, выставляли на стол шампанское и пытались продать свои произведения. Все внезапно осознали, что работа художника может приносить доход». Мабб утверждает, что сейчас в Голдсмитс-колледже преподаватели постарались отойти от идеи производства товаров в искусстве, вернуться назад и вновь утвердить прежние позиции: «Искусство имеет некоторую критическую независимость, а художники не являются производителями товаров для богатых. Мы стараемся подвергать критике «Молодых британских художников». Я не трогаю Лэнди, потому что думаю, что он исключение, но Херста ругали все последние десять или двадцать лет, хотя с финансовой точки зрения он невероятно успешен». Четыре члена художественного коллектива Lucky PDF (Везучий ПДФ) — Джемс Эрли, Джон Хилл, Олли Хоган и Юрий Паттисон — родились всего за два года до Freeze. Сейчас они стоят в авангарде художественного развития, они — представители подрастающего поколения художников, которое активно использует возможности Интернета. Так они себя и называют — «Моло-

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом дые художники из Интернета». Это ключевые фигуры течения, центр которого расположен в Пэкеме, на юго-востоке Лондона. Их перформансы и видеоработы неразрывно связаны с деятельностью международной сети художников и кураторов. Творчество группы Lucky PDF противопоставлено холодным, минималистским и концептуальным произведениям с выставки Freeze. Пестрые, иногда даже беспорядочные, сплавы авангардных перформансов и телевизионных программ очень разнообразны по стилю.

Покорить мир искусства Хилл признает, что, создавая произведения искусства, которые появлялись на телеэкранах в прайм-тайм, «Молодые британские художники» увеличили привлекательность профессии художника, так как публика стала открывать для себя современное искусство. Однако, как отмечает Паттисон, никто не обсуждал «Молодых британских художников» в художественной школе. «Кажется, это преподносилось как нелепый бунт недавних выпускников, — рассказывает Паттисон. — «Молодые британские художники» покорили мир искусства, когда White Cube была молодой галереей и тоже начинала свое победное шествие. Кажется, что они покорили старый мир, однако сами очень быстро стали истеблишментом и частью этого старого мира. Так появился странный вакуум, а тем временем происходили изменения в технологиях. Это сместило наш фокус внимания». Хилл говорит, что группа Lucky PDF не стремится привлекать внимание истеблишмента, как это делал Херст и его соратники. Молодые мастера больше пользуются тем, что Интернет позволяет произведениям искусства дойти до зрителя без участия крупных учреждений. «Попадая в сеть маленьких выставочных пространств, вы не нуждаетесь в том, чтобы большие организации распространяли ваши работы и зарабатывали вам репутацию, — рассказывает Хилл. — Вы экспонируетесь в большом количестве стран, но при этом у вас не было большой выставки ни в одном крупном музее».Конечно, такой подход выглядит столь же самостоятельным, как подход создателей Freeze. «Начальные условия были схожими, — говорит Джеймс Эрли, — они работали вместе из-за того, что им необходимо было сделать групповую выставку, и сами подвигали свое творчество. Но у них была другая аудитория». По иронии судьбы истеблишмент обратил внимание на Lucky PDF: им предложили подготовить проект для лондонской ярмарки Frieze в 2011 году. Кроме того, они выставлялись в Институте современного искусства в Лондоне и на Ливерпульской биеннале в прошлом году.

LUCKY PDF: THE FUTURISTICS 2011; MIRZA: SIMON POLLOCK; CAIVANO: COURTESY OF VICTORIA MIRO; CAIVANO WORK: © VARDA CAIVANO. PHOTOGRAPHY © STEPHEN WHITE; KARLA BLACK WORK: CLAUDIA DE LA PEÑA; BLACK PORTRAIT: RONNIE BLACK; ATKINS WORK: COURTESY OF THE ARTIST, GALERIE ISABELLA BORTOLOZZI, BERLIN AND CABINET GALLERY, LONDON; ATKINS: ©PLASTIQUES

Полное равнодушие Lucky PDF демонстрируют полное равнодушие и даже враждебность к поколению Freeze, в целом характерное для молодых художников. Как полагают Джексон и Крэддок, это просто процесс смены поколений. «Молодые люди совершенно не выносят Freeze, — рассказывает Крэддок. — Я много преподаю в Королевской академии, но упоминать об этом поколении невозможно: они преданы анафеме». Однако Дэвид Мабб утверждает, что молодые художники продолжают приходить в Голдсмитс-колледж именно потому, что его славу создала та золотая эпоха. «Когда вы разговариваете с абитуриентами из Кореи или Китая — на самом деле с любым абитуриентом из

Британские и европейские студенты совершенно не выносят «Молодых британских художников». Упоминать об этом поколении невозможно: они преданы анафеме

Азии, — вы видите, что они по-прежнему говорят о «Молодых британских художниках» с большим энтузиазмом», — поясняет Мабб. Однако британские и европейские студенты совершенно равнодушны к ним и считают, что это вчерашний день. Но существует связующее звено между двумя эпохами — это Марсель Дюшан, чьи идеи легли в основу мировоззрения многих участников Freeze и их учителей Джона Томпсона и Майкла Крейг-Мартина. По мнению Ванессы Джексон, они важны и для сегодняшних молодых авторов. «Дюшан по-прежнему жив», — говорит она, добавляя, что многим студентам Королевской академии в этом году пришлась по душе выставка Невеста и женихи. Дюшан с Кейджем, Каннингемом, Раушенбергом и Джонсом. «Подход Дюшана везде: не только в скульптуре, но и в литературе, в рисунке и в живописи. Он переходит от поколения к поколению. Дюшан никогда не умрет, он всегда будет актуален». В наши дни Королевская академия привлекает большое внимание в среде кураторов, коллекционеров и галеристов. Это отражает серьезный сдвиг в работе художественных школ с 1988 года. Сейчас академия совсем не похожа на то степенное заведение, которым она была во времена, когда Херст и его соратники обновляли Голдсмитс. Из 17 студентов, выпускающихся в этом году, несколько уже активно выставляются: Эдди Пик недавно представил перформанс в Тейт Модерн, сделал выставку в White Cube и в галерее Focal Point в Саутленде; Прем Сахиб и Адам Фарамави представлены на выставке лондонского фонда коллекционера Дэвида Робертса. Римский дилер Лоркан О’Нил, который представляет работы Пика и Сахиба, недавно сказал о последнем выпуске студентов Королевской академии, что «в группе была такая взаимная поддержка, какой я не видел в Лондоне со времен «Молодых британских художников». Ванесса Джексон осторожно относится к подобному сравнению, отмечая, что художники, представленные на Freeze, были главным образом студентами 21–25 лет, в то время как группа из Королевской академии — аспиранты третьего года. «Они уже наполовину профессионалы, когда поступают, и настоящие профессионалы, когда заканчивают обучение», — говорит Джексон. Многие из них несколькими годами старше, чем «Молодые британские художники» времен Freeze, и в их работах это хорошо заметно. Их творчество отличается тонкостью и зрелостью и ощутимо превосходит те стандартные приемы, которые Крэддок увидела в доках в 1988 году. Выставка Freeze была таким важным рубежом в истории британского искусства, что ее последствия наверняка будут обсуждаться еще в течение многих лет. Невозможно рассматривать выставку, отвлекаясь от стремительного восхождения Херста к славе и от напряженных и спорных хэппенингов на выставках, которые он устраивал позже.Однако Майкл Лэнди, который шутит, что «Херст теперь такой неприступный, а я просто обычный старикан», уверен, что его поколение помогло продвижению художников наших дней. «Мы проложили новый путь, и теперь люди не смотрят на молодых художников с предубеждением, — говорит он. — Я считаю, что мы создали платформу для молодежи». �

Анти-Freeze

Пятеро выпускников британских академий последнего десятилетия, которые внесли большой вклад в художественный процесс, по‑разному смотрят на голдсмитских студентов 1988 года

Харун Мирза

Звуковой удар

Образование: Школа искусств и дизайна в Челси, выпуск 2007 года. Лауреат премии «Серебряный лев» Венецианской биеннале 2011 года в номинации «Многообещающий молодой художник».

В основе художественного языка Мирзы лежит звук. На его недавней выставке в Lisson Gallery было несколько инсталляций на тему звука и архитектурного пространства. От управляемых компьютером вертушек, производящих россыпи стаккато и абсурдистских ритмов, до маленьких кружков света, вызывающих звучание из динамиков, — творчество Мирзы представляло собой неожиданное сочетание диджей-культуры, концептуального искусства и минимализма. В последнее время его работы можно было увидеть на выставке звукового искусства Звучание. Современный взгляд, которая проходила в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Варда Кайвано

Художник для художников Образование: Королевский колледж искусств, выпуск 2004 года.

Эта жительница Лондона аргентинского происхождения стала художником для художников: и у Криса Офили, и Питера Дойга есть картины ее авторства. Кайвано принадлежит к числу тех, кто сражался за преодоление эпохи «Молодых британских художников». Ее работы скорее связаны с традицией европейского модернизма, чем с грубыми полотнами американских художников, которые вдохновляли поколение Freeze. Кайвано создает лиричные, но точные абстракции, которые напоминают о пейзажах или интерьерах. Эти картины, часто отличающиеся насыщенной цветовой гаммой, погружают в образный мир. Возможно, их сказочная природа — причина, по которой работы Кайвано были включены в выставку Энциклопедический дворец на Венецианской биеннале (до 24 ноября).

Мэттью Дарбишир

Эффект абсурда

Образование: Школа Королевской академии, выпуск 2005 года.

Инсталляции Дарбишира представляют собой тонкую и забавную критику современного художественного вкуса и иерархии ценностей. Они совмещают в себе элементы высокого искусства с массовой продукцией, соединяя бесценное и бесполезное в одном пространстве, как на недавней выставке художника: Дарбишир собрал набор мебели, оформленной под дуб, и расставил на нем и вокруг него дизайнерские и этнографические экспонаты из коллекции Музея Тайна и Уира. Возникает эффект абсурда, однако он позволяет нам взглянуть на эти предметы свежим взглядом. В этом году Дарбишир применил подобный подход еще раз: для выставки в галерее Hepworth Wakenfield он спроектировал особое окружение для керамики из собрания экстравагантного коллекционера Уильяма Альфреда Измея.

Карла Блэк

Все органы чувств Образование: Школа искусств в Глазго, выпуск 2004 года.

Инсталляции Блэк, грандиозные и очень личные, представляют собой цветные скульптуры, сделанные из повседневных материалов: упаковок косметики и полиэтиленовых пакетов. Ее выставка в Институте современного искусства в Филадельфии, завершившаяся в конце июля, — это масштабная многочастная инсталляция. В центре находился огромный раскрашенный полиэтиленовый пакет, нависающий над полем из пудры и краски с разбросанными яркими бомбочками для ванны. Работы Блэк, похожие на объемную живописную абстракцию, создают многомерный эффект восприятия, где обоняние, осязание и зрение вносят свой вклад в общее целостное впечатление. Сейчас Блэк готовится к выставке в ганноверской галерее Kestnergesellschaft, которая пройдет с 22 ноября по 31 января 2014 года.

Эд Аткинс

Поэтический голос

Образование: Школа изящных искусств «Слэйд», выпуск 2009 года.

В своем творчестве Аткинс совмещает кино и литературу. Хотя его фильмы выглядят очень по-разному, они всегда сочетают завораживающий визуальный ряд и напряженный закадровый текст или диалог. Его видеофильм, показанный на биеннале в Венеции, посвящен парижской квартире Андре Бретона: вся квартира заполнена сюрреалистической бутафорией, книгами и рукописями, а голос за кадром говорит об утратах и приобретениях. На выставке Аткинса в галерее Chisenhale в 2012 году в числе прочего было видео о двух анимированных полупрофессиональными средствами трупах, которые беседовали о любви и сексе. Его работы также можно увидеть на Лионской биеннале (до 5 января 2014 года) и на персональной выставке в Кунстхалле Цюриха (с 31 января 2014 года). — Подготовил Б. Л.

№ 2 (21) март 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Фокус

Книжка-раскраска, книга-картина, книга-выставка, книга-объект В Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина открылась выставка книг, созданных выдающимися художниками-сюрреалистами, из собраний Георгия Генса и Бориса Фридмана. А в Эрмитаже только-только закрылась выставка книг Пикассо, Родена, Матисса, Дюфи и Шагала из коллекции Марка Башмакова. В марте в музее-заповеднике «Царицыно» открывается выставка «Книга художника в Англии», но и русская «книга художника» появляется там на выставках регулярно. До сих пор мало представленный у нас жанр наконец становится музейной темой. И может быть, в ГМИИ им. Пушкина даже появится такая постоянная экспозиция Текст

В и к т о р и я Ко с т о е в а

Первые экземпляры Владелец галереи Амбруаз Воллар впервые встретил автора сборника стихов Параллельно в салоне омнибуса. Поэт был небрежно одет и вез картину кисти Каррьера, размеры которой мешали кондуктору принимать деньги у пассажиров. От одного из них Воллар и узнал имя своего выдающегося современника, поэта Поля Верлена (встреча описана в Воспоминаниях Воллара). Незадолго перед тем Воллар как-то на прогулке листал объемистый томик с надписью «издатель Дидо». «Издатель Воллар» звучит тоже неплохо», — подумал он. По его просьбе Пьер Боннар взялся за Параллельно, выполнив для него литографии: так в 1900 году в Париже была издана первая книга в новом жанре — livre d’artiste. Почему в новом? Ведь можно вспомнить не один прецедент. Например, литографии Делакруа к Фаусту, высоко оцененные самим Гете, или совместную работу Мане и Малларме над сборником поэзии По. Или совсем близкие по времени к затее Воллара книжные опыты Редона, Тулуз-Лотрека и Мориса Дени. Или взять легендарную Ноа Ноа Гогена: будь закончена вовремя и как следует издана, может быть, это она бы теперь считалась примером нового жанра. Но не была издана (точнее, была, но не как следует), а все оттого, что издателя в нужный момент не нашлось. Издатель — фигура ключевая. Ведь это, в общем, его идея, его задача — привлечь к работе не профессионала-иллюстратора и художни-

Анри Матисс. Джаз. 1947. Государственный Эрмитаж, СанктПетербург

И здатели Вслед за Параллельно увидели свет Дафнис и Хлоя того же Пьера Боннара и Сад пыток, иллюстрированный Огюстом Роденом, но в качестве родоначальника жанра livre d’artiste называется все-таки издатель, Амбруаз Воллар. Спустя лет десять, независимо от Воллара, к подобной издательской деятельности пришел другой торговец картинами, Даниель-Анри Канвайлер. То, что инициатором книги являет-

ся не художник или автор текста, а издатель, причем в роли издателя выступает торговецмаршан, фактически изобретающий еще один способ продать своего художника, — это принципиальная, самая характерная особенность livre d’artiste, как определяют жанр поборники строгих дефиниций, — жанра, возникшего на стыке тиражной графики, иллюстрированной литературы и издательской

авантюры, где художник-оформитель выступает как равный автору литературной основы (а нередко и превосходящий его известностью) и возникает такая книга-объект, где оформление ценится больше содержания, картинка важнее текста, а текст часто выступает всего лишь как повод. Вскоре к новому направлению в издательском деле присоединились Альбер Скира, братья Филип и Ан-

дре Гонен, затем сын последнего, Пьер Гонен из Лозанны, Харри Кесслер с издательством Cranach Presse в Веймаре, а в 1940-е годы — Жеральд Крамер в Женеве; livre d'artiste издают Луи Бродер, Жозеф Форе, Эме Магт, Илья Зданевич (Ильязд), Эжен Териад и другие издатели, чьей энергией и усердием к работе над книгой удается привлекать главные художественные силы (впрочем, как и имена второго ряда).

ка книги, а живописца или даже скульптора. И это по воле издателя визуальный компонент книги является теперь как нечто самоценное, от текста почти не зависящее, сюжетной канве параллельное: офорты, монотипии, литографии — практически выставка под книжной обложкой. И если, например, издателю Воллару, который готовит к печати книгу Цирк, вдруг перестает почему-то нравиться текст писателя Андре Суареса — для которого уже готовы великолепные картинки художника Жоржа Руо, — то издатель просто убирает текст писателя (без писателя, оказывается, можно обойтись; бывают и такие книги), и взамен Суареса текст пишет сам Жорж Руо, без которого обойтись невозможно. ( По признаниям некоторых художников, знакомство с текстом было зачастую самым поверхностным; Анри Матисс иллюстрировал офортами вышедшего в 1935 году Улисса Джеймса Джойса, даже не прочитав его.) Подготовка к изданию нередко занимала не один год — а бывало, что десятилетие и больше (Жоан Миро трудился над книгой Адониды 15 лет, а незаконченную книгу Хуана Гриса издали лишь через 30 лет после его смерти). Новаторство опиралось на сложившуюся к середине XIX века культуру книгопечатания: книги издавали на прекрасной бумаге, а в иллюстрациях использовали гравюру и литогра-

Фото: © Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, 2014. Д.А. Боброва, Ю.А. Молодковец, В.С. Теребенин, Л.Г. Хейфец

Издатель — фигура ключевая. Это его идея — привлечь к работе над книгой живописца или даже скульптора. И это по воле издателя визуальный компонент книги является теперь как нечто самоценное

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Фокус фию, а не фоторепродукции — так было во всей книжной графике до второй половины XIX века. Сколько livre d’artiste было издано? Подсчитать вроде не так и сложно. Livre d’artiste, оформленных Марком Шагалом, было 150 и столько же у Пабло Пикассо; издано 120 книг Андре Массона, 250 — Миро. Однако к изданию livre d’artiste были причастны не только чуть ли не все крупные художники ХХ века, но и авторы второго ряда — в общей сложности получим более 150 имен. Оформленных ими книг — не более 9 тыс.

Музейные собрания К 1930-м жанр livre d’artiste снискал признание коллекционеров и стал интересовать музейщиков; дело оставалось за хорошей презентацией. Первая выставка изданий Амбруаза Воллара открылась 15 декабря 1930 года в Париже, в Galerie au Portique, уже в мае следующего, 1931 года, в Пти-пале открылся Salon International du Livre d’Аrt, а перед тем выдающихся авторов собирали в рамках Internationale Buchkunst Ausstellung в Лейпциге в 1927 году. Американской публике подробно представили livre d’artiste спустя пять лет, в 1936 году, на выставке Современные живописцы и скульпторы как иллюстраторы в нью-йоркском Музее современного искусства (МoMA). В числе событий, способствовавших упрочнению музейного статуса livre d’artiste, как и «книги художника», следует также упомянуть выставку 1961 года Художник и книга 1860–1960 годов в Западной Европе и Соединенных Штатах в бостонском Музее изящных искусств, выставки От Мане до Хокни. Современные книги художников в Музее Виктории и Альберта в 1985 году и Столетие книги художника — снова Нью-Йорк, МоМА, 1994 год. В последние годы несколько крупных выставок прошли в Сан-Франциско, Кембридже, Париже и опять же в Нью-Йорке. Лучшее из Старого и Нового Света. Livres d’artistes. 1910–2010 состоялась как раз там, в библиофильском клубе, в 2011 году. Первую крупную выставку в Европе и в России разделяет... сами посчитайте, сколько лет: в 2012 году в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина пока-

п ризнаки Ж анра Библиофильские издания обладают некоторыми общими с livre d’artiste чертами (лимитированный тираж, ручной набор текста, специальные сорта бумаги, авторская графика, высокая стоимость и подписные экземпляры), но есть и особенности: livre d’artiste менее всего похожа на книгу, когда представляет собой несброшюрованные листы инфолио, оформленные в коробки или футляры (впрочем, это не главный и не обязательный отличительный признак; книги, которые к livre d’artiste не относят, тоже могут быть несшитыми и непереплетенными, и наоборот). В то же время livre d’artiste надо отличать от «книги художника» — явления, вопервых, более широкого, а вовторых, представляющего су-

губо художническую, а не издательскую инициативу — почему пуристы и ограничивают историю livre d’artiste только ХХ веком и только именами великих издателей. Если с Амбруазом Волларом, погибшим в 1939 году в автомобильной катастрофе, связывают зарождение жанра livre d’artiste, то со смертью Даниеля-Анри Канвайлера в 1979 году — его конец; другими словами, все, что было издано после смерти Канвайлера, в строгом смысле livre d’artiste не является. В терминах вообще много путаницы. Пользуются термином «аrtist’s book»; есть термины «livre d’art», «livre de peintre» — и его немецкий аналог «malerbuh». «Вопросы начинаются с названия. Следует признать, граница термина размыта, провести ее на прак-

тике удается далеко не всегда, но все же ясно, что, когда художник без участия издателя придумывает и создает книгу, это называется современным термином «artist’s book», — говорит хранитель Эрмитажа Михаил Балан. В общем, возникновение термина следует датировать 1960-ми, когда он стал появляться в работах английского исследователя и коллекционера Уолтера Стракана. (Стракан сам мучился, не зная, как называть предмет своего интереса, но в итоге остановился именно на варианте livre d’artiste.) Он же перечислил признаки жанра: участие художника, «авторские» репродукционные техники и т. д. Со всеми оговорками книги в жанре livre d’artiste появляются и сегодня, в том чис-

ле в России. Так, издательство «Редкая книга из СанктПетербурга», созданное Петром Суспицыным выпустило в свет, среди прочего, порядка 30 изданий, причисляемых издателем к livre d’artiste. Другие игроки рынка современной редкой библиофильской книги — а именно так правильнее классифицировать современную livre d’artiste, — это петербургские издательства «Собрание», «Ручная печать» (издатель Тимофей Марков) и Vita Nova. Все они, в отличие от «Редкой книги», не располагают арсеналом старинных производственных средств и ручным набором, но используют бумагу ручного литья и авторскую графику, высокую печать, выпускают лимитированное количество экземпляров.

Жанр livre d’artiste следует отличать от «книги художника» — явления, во-первых, более широкого и понятия более емкого, во-вторых, представляющего собой сугубо художническую, а не издательскую инициативу зали лучшие образцы livre d’artiste испанских художников ХХ века, это была первая серьезная выставка подобного жанра в России. Вскоре с успехом прошли две выставки в московском Манеже — Издатель Воллар и его художники (ноябрь 2012 года) и Одиссеи (апрель — июнь 2013 года). Выставки, правда иного масштаба, случались и раньше: в 1980 году Эрмитаж показал «книжного» Матисса, а в 1987 году — Шагала. В 2002 году в ГМИИ им. Пушкина прошла выставка Лидия Делекторская — Анри Матисс. Взгляд из Москвы, а в 2005 году в Эрмитаже — Дар бесценный. Посвящается Лидии Николаевне Делекторской, где были показаны 19 книг Матисса, Миро, Аристида Майоля, Пикассо и Анри Лоранса. Но сам термин «livre d’artiste» тогда не прозвучал; соответствующие экспонаты назывались просто «книгами», и представлены они были в контексте более обширной коллекции. Также необходимо упомянуть выставки, что в разное время состоялись благодаря кураторству владельца крупнейшего собрания livre d’artiste Бориса Фридмана: в Московском музее современного искусства, Литературном музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Театральном музее им. А. А. Бахрушина. Несколько десятков изданий livre d’artiste в Эрмитаже есть. Большая их часть хранится в отделении гравюр. Три книги Марка Шагала: одну подарил он сам, другую — его вдова и еще одну — Адриен Магт, сын знаменитого маршана, издателя и коллекционера Эме Магта. Есть все книги Матисса; часть подарила Эрмитажу муза художника Лидия Делекторская, она же помогла музею приобрести вообще первую livre d’artiste Матисса — Стихотворения Малларме. Есть почти все книги Майоля. Три книги Лоранса. По одной — Пикассо, Миро, Фернана Леже, Жоржа Брака, Александра Колдера. Наследники крупнейшего специалиста по истории западноевропейских литератур, кельтолога, медиевиста, шекспироведа и переводчика Александра Смирнова передали в дар Эрмитажу оформленную Соней Делоне поэму Блеза Сандрара Проза Транссибирского экспресса и маленькой Жанны Французской; книгу подарила Смирнову лично Соня Делоне, его давний и преданный друг. Еще есть три книги Анри Лоранса. «В советское время систематически собирать livre d’artiste было невозможно, поэтому коллекция сложилась исключительно благодаря дарам, — объясняет научный сотрудник Эрмитажа Михаил Балан. — Шедевров хватает, но в целом коллекция далека от полноты». Несколько книг livre d’artiste есть и в Третьяковской галерее: они получены в дар от Марка Шагала, когда тот по приглашению Министерства культуры СССР в 1971 году приезжал в Москву. В ГМИИ им. Пушкина хранится дру-

Слева: Октав Мирбо. Сад пыток. Художник Огюст Роден, издатель Амбруаз Воллар. 1902. Собрание Марка Башмакова, Санкт-Петербург

Вверху: Поль Верлен. Параллельно. Художник Пьер Боннар, издатель Амбруаз Воллар. 1900. Собрание Бориса Фридмана, Москва

м еста и ц ены Один из последних крупных аукционов был у Sotheby’s в Париже в марте 2012 года, когда на торги выставлялось 190 изданий livre d’artiste из собрания крупного французского антиквара Бернара Лоли. Помимо крупных аукционов, как Sotheby’s и Christie’s, интерес к livre d’artiste проявляют и в парижском Drouot, и в Bonhams, и в Dorotheum. Другой источник приобретения livre d’artiste — дилеры. «Дилеры отслеживают коллекционеров и много-много лет следят за тем, когда или у них не будет денег, или они перестанут заниматься собирательством, — рассказывает один из коллекционеров livre d’artiste в России Георгий Генс. — Если ты покупаешь книги таким образом,

это, конечно, интересно — общаешься с другими, живешь жизнью многих людей. Но этим нужно заниматься. А поскольку мы еще немножко занимаемся бизнесом, времени не хватает». Сегодня livre d’artiste постоянно растет в цене. К примеру, стоимость книги, изданной Ильей Зданевичем и Максом Эрнстом, начинается от $100 тыс. Джаз Анри Матисса уходит на аукционах за $300–400 тыс., хотя, по мнению Бориса Фридмана, к Матиссу книга отношения не имеет, так как в нее вложены литографии, выполненные по коллажам Матисса, но сам художник не делал эти литографии, и, если бы этот факт был осознан, стоимость книги резко опустилась бы. Впрочем, рекордсменом являются вовсе не

Матисс, а Дафнис и Хлоя и Тысяча и одна ночь, оформленные Марком Шагалом: их стоимость и вовсе доходит до $500 тыс. Такие книги по карману лишь богатым галереям, которые покупают их ради последующей продажи отдельными листами за очень большие деньги. И это главная опасность для рынка livre d’artiste — распродажа графических листов, содержащихся в книге, порознь. Продавая несколько рисунков или офортов, галеристы полностью окупают свои затраты, но книга при этом теряет ценность, которая заключается в целостности издания. «Это беда, потому что если хотя бы один рисунок отсутствует, то книга уже не интересует серьезного собирателя», — ут-

верждает Борис Фридман. Подобный подход может привести к тому, что в будущем такие издания останутся лишь в музеях. Или у отдельных собирателей, не желающих с ними расставаться. Но примеров книг за сотни тысяч долларов — единицы, уверяет Фридман, в среднем цена существенно ниже и зависит от уровня книги, тиража, имени художника. Понятно, что Параллельно Боннара или Бестиарий Рауля Дюфи в любом случае не получится купить дешевле €30 тыс., а Мертвые души Шагала — дешевле $50 тыс. Однако нормальный диапазон — от $2 тыс., это цена за художника первого ряда, если книга не имеет его подписи. Подпись есть — цена достигает $20–30 тыс.

№ 2 (21) март 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Фокус

к оллек ц ионеры Блез Сандрар. Проза Транссибирского экспресса и маленькой Жанны Французской. Художник Соня Делоне-Терк. 1913. Государственный Эрмитаж, СанктПетербург

Марк Башмаков коллекция первых публикаций, автографов, альманахов и журналов. К коллекционированию livre d’artiste подтолкнул поиск книг, иллюстрированных русскими художниками-эмигрантами, что привело к художникам парижской школы первой половины ХХ века, а там и до livre d’artiste было, что называется, рукой подать. Первая книга в этом жанре появилась у Башмакова в 1998 году. «Сборник Верлена Параллельно с литографиями Боннара, изданный Волларом в 1900 году, был без обложки и стоил втрое дешевле, нежели сейчас, — вспоминает Марк Башмаков. — Позже обложку я нашел и купил». Сегодня собрание Башмакова насчитывает около 500 изданий livre d’artiste. Например, есть единственная книга Пикассо, изданная Волларом, — повесть Бальзака Неведомый шедевр с серией офортов и ксилографий. Уникальные экземпляры вообще составляют немалую часть собрания, где есть, к примеру, Гниющий чародей — тройной дебют художника, автора и издателя: первая книга Гийома Аполлинера, первая — Андре Дерена и первое же издание ДаниеляАнри Канвайлера, спродюсированное им в 1909 году. В октябре 2013 года Марк Башмаков отправился в Париж за очередной покупкой. Привез том из цикла статей Зигмунда Фрейда Моисей и монотеизм с иллюстрациями Сальвадора Дали. Тогда же, в октябре, в Двенадцатиколонном зале Эрмитажа открылась Livre d’rtiste. Выставка книг из собрания Марка Башмакова, куратором которой выступил Михаил Балан.

Блез Сандрар. Проза Транссибирского экспресса и маленькой Жанны Французской. Художник Соня Делоне-Терк. 1913. Государственный Эрмитаж, СанктПетербург

Сколько книг у него, коллекционер не называет; говорят, 350–400 экземпляров. Основатель и генеральный директор IT-компании «Микроинформ» пристрастился к собирательству со времен студенчества. И к окончанию института удалось собрать неплохую коллекцию детской иллюстрированной книги. «В какой-то момент я стал будто раздваиваться: и книга нравилась, и изобразительное искусство, и непонятно было, где остановиться», — рассказывает Борис Михайлович. Но он нашел симбиоз одного и другого. Познакомился с первой своей livre d’artiste 15 лет назад — это были Мертвые души с иллюстрациями Марка Шагала. Открытие увлекло с первых же приобретений, и вскоре Борис Фридман прекратил приобретать что-либо еще. «Для меня значимы все книги, каждое издание является произведением искусства и имеет свою ценность», — говорит он. Но прежде всего называет Пикассо, Шагала, Миро, Матисса, Дали, Леже, Руо. В его собрании — сборник Ронсара Кни-

га шалостей с офортами и ксилографией Аристида Майоля, Сад пыток Октава Мирбо с литографиями Родена, Сатирикон с офортами и ксилографиями Дерена, иллюстрированный Шагалом Лафонтен. Эти и другие знаменитые издания, выпущенные в свет Волларом, Борис Фридман в 2012 году представил на устроенной в московском Манеже выставке Издатель Воллар и его художники. А до того были Мастера книжной графики в Литературном музее, Новое слово. История иллюстрирования и современный опыт создания книги художника в Московском музее современного искусства и много еще чего. Кстати, именно на выставке Бориса Фридмана, совместной с Георгием Генсом, в Музее личных коллекций ГМИИ им. Пушкина в 2012 году впервые у нас прозвучало с афиши это название — livre d’artiste. В феврале 2014 года в ГМИИ им. Пушкина открылась выставка Сюрреализм и livre d’artiste, представившая издания Андре Массона, Макса Эрнста, Джорджо Де Кирико, Пикассо и других именитых авторов из собрания Фридмана.

Георгий Генс Основатель, владелец и руководитель группы IT-компаний «Ланит» Георгий Генс как-то раз, в 2004 году, будучи в гостях у Бориса Фридмана, увидел одну из его книг. «Она поразила меня настолько, что я попросил приобрести такую и для меня», — рассказывает Георгий Владимирович. За долгие годы благодаря совместным выставкам — состоялось уже десять выставочных проектов, где экспонировались книги из их собраний, — коллекционерская деятельность обоих стала восприниматься неразрывно друг от друга. Да, собственно, так и есть: Георгий Генс практически не приобретает книги самостоятельно, поручая покупки Борису Фридману. «Фактически я стал куратором его коллекции», — улыбается Фридман. Коллекция Генса пополняется на 20–30 книг ежегодно, но коллекционером Генс себя до сих пор не считает. «Настоящий собиратель должен быть увлечен предметом коллекционирования, изучать этот предмет, знать о нем всё. Если человек при помощи консультантов купил несколько книг, пусть очень хороших, он не коллекционер, а скорее инвестор. Нельзя считать достижением купленную за

большие деньги вещь. Достижение — это когда что-то дорого купил, а потом продал гораздо дороже. Или приобрел чтото такое, чего ни у кого нет». В России есть коллекционеры, владеющие лишь несколькими десятками книг. И собрание livre d’artiste некорректно сравнивать с библиофильским, когда крупным называется собрание в 30–35 тыс. книг; собрание из 200–300 книг в жанре livre d’artiste не сравнить с библиотекой библиофила из тысяч экземпляров, собрание из 10–15 книг livre d’artiste может быть существенно более ценным, чем в 200 или 300 книг. Livre d’artiste вышла из культуры библиофильской книги, но библиофильской книгой ее считать нельзя. А коллекционера livre d’artiste нельзя считать библиофилом, правильнее характеризовать его как коллекционера искусства. «Значимость собрания определяется не количеством книг, а ценностью тех или иных экземпляров», — объясняет Борис Фридман. Петер Штраусс, еще недавно крупнейший коллекционер мира, распродал почти всю свою коллекцию, оставив себе 15–20 самых-самых лучших, самых драгоценных, важных книг, — и ничего.

Фото: © Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, 2014. Д.А. Боброва, Ю.А. Молодковец, В.С. Теребенин, Л.Г. Хейфец

Крупнейшее собрание livre d’artiste еще недавно принадлежало Петеру Штрауссу из НьюЙорка: в собрании, ныне почти распроданном, были все самые ценные и дорогие книги ХХ века. Как и в еще одной известной коллекции, принадлежавшей Риве и Дэвиду Логан (большая часть не так давно была передана в Музей современного искусства Сан-Франциско). Также среди коллекционеров следует назвать имена Вульфа Луциуса и Герхарта Йегера из Германии, Кальдека из Голландии: подобных собраний в России нет ни у коллекционеров, ни тем более у музеев. Обладатель крупнейшего в России собрания — петербургский математик с мировым именем Марк Башмаков. Миллионы школьников учатся по его учебникам и принимают участие в созданном им международном математическом конкурсе «Кенгуру». В феврале 2014 года Марку Ивановичу исполнилось 77 лет; альпинист и увлеченный походник в прошлом, Башмаков и сегодня бодр и подтянут, быстро ходит и до глубоких холодов легко одевается. Путь к livre d’artiste лежал для Башмакова через библиофильскую страсть. А собирать книги, тогда еще будущий ученый, начал в 1950-е годы с русской поэзии: Андрея Белого и Федора Сологуба, Константина Вагинова и Велимира Хлебникова. Из Парижа, где Башмаков проходил стажировку после окончания Ленинградского университета, он привез европейские издания Ахматовой, Волошина, Мандельштама, Гумилева, Клюева; начала складываться

Борис Фридман

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Фокус гая часть собрания Анри Матисса, подаренная Лидией Делекторской своей родине. В отсутствие необходимой инфраструктуры, как рыночной, так и музейной, функции музейщиков берут на себя крупнейшие коллекционеры: участвуют в подготовке и проведении выставок, целиком или почти полностью состоящих из книг их собраний, выпускают каталоги. «Печально, что у российских музеев нет системы покупки livre d’artiste, — говорит обладатель крупнейшего отечественного собрания в этом роде Марк Башмаков. — Если в Помпиду или Метрополитене ищут то, чего не хватает в собраниях, то в русских музеях зачастую равнодушны даже к тому, чего вообще ни разу не видели. Это демонстрирует некое пренебрежение музейщиков к жанру livre d’artiste и минимальное желание его развивать». «Именно частные коллекции позволяют популяризировать жанр livre d’artiste и делать его доступным широкой публике», — считает известнейший в России специалист по «книге художника» петербургский художник Михаил Карасик.

Будущий музей В 2013 году собрание livre d’artiste в Эрмитаже пополнилось книгой Блеза Сандрара и Фернана Леже Конец света, снятый ангелом собора Нотр-Дам (стоимость покупки не раскрывается). Очень вероятно, что в ближайшем будущем ГМИИ им. Пушкина тоже займется развити-

«Прелесть жанра в том, что невозможно прийти посмотреть на livre d’artiste один раз, это довольно тонкий, требующий осмысления и глубокий материал. Съесть сразу все невозможно — тут понадобятся небольшие порции» ем собственного собрания livre d’artiste — и даже представит новые экспозиционные пространства, посвященные этому жанру. Новый директор музея Марина Лошак уже имеет успешный опыт экспонирования livre d’аrtiste: в бытность свою директором московского Музейно-выставочного объединения «Столица» Марина Девовна, казалось, превратила Манеж в постоянную площадку для выставок livre d’аrtiste. Однако летом 2013 года г-жу Лошак назначили директором ГМИИ им. Пушкина. Может, это повысит шансы livre d’аrtiste обрести постоянную выставочную площадку? И, главное, найти свое собственное место в музейно-хранительской системе, где у livre d’artiste до сих пор некое межеумочное положение — не тиражной графики и не книги. «Я большой почитатель жанра livre d’artiste. Мне кажется, это направление сейчас входит в моду, а наши зрители постепенно понимают, с чем они имеют дело, — говорит директор ГМИИ им. Пушкина. — Когда мы делали в Манеже первые выставки, связанные с livre d’artiste, проекты задумывались как серьезная музейная программа. Требовалось много материала, адресованного как раз неподготовленному зрителю. Но даже и неподготовленные зрители, плохо представляющие, с чем именно они имеют дело, все равно довольно быстро становились поклонниками livre d’artiste. Ведь прелесть жанра в том, что невозможно прийти посмотреть на livre d’artiste лишь один раз, это довольно тонкий, требующий осмысления и глубокий материал. Съесть сразу все невозможно — тут понадобятся небольшие порции». Марина Лошак рассказывает, что и на новом месте у нее большие планы по дальнейшей работе с livre d’artiste. К примеру, сформировать собственную коллекцию этого жанра, для чего предполагается наладить соответствующую закупку. «Когда мы будем распоряжаться большими площадями музейного квартала, нам хотелось бы найти в нем и новое пространство для книг — открыть отдел рукописей или музей рукописей, а также понять, где и как мы сможем постоянно показывать livre d’artiste, — делится планами музея его руководитель. — Это может быть и чисто экспозиционное пространство, и фонд открытого хранения». В середине февраля в ГМИИ им. Пушкина открылась выставка Сюрреализм и livre d’artiste. «Мировая премьера», — многозначительно называет эту выставку Лошак. «Сюрреализм вышел из книги, хотя и зародился в поэзии», — говорит организатор выставки Борис Фридман. (Слово «сюрреализм» художники взяли у поэтов, а придумал его Гийом Аполлинер, назвавший свою пьесу 1917 года Сюрреалистическая драма.) На выставке не только собраны основные работы известных художниковсюрреалистов, таких как Жоан Миро, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Джорджо Де Кирико, Андре Массон (которого, к слову, в России еще никогда не выставляли), но и впервые оказались представлены нам художники малоизвестные: Оскар Домингес, Леонор Фини и другие. «Наша выставка — просветительский проект, который позволит узнать и понять художников с новой стороны, проект уникальный, впервые сделанный при помощи интернациональной команды», — подытоживает Марина Лошак. Возможно, что вскоре 50-летнее наше отставание в деле музеефикации livre d’artiste, таким образом, будет ликвидировано. �

« К нига х удожника » в Р оссии В числе ранних примеров «книги художника» можно рассматривать книги русского авангарда — тогда и в этой области были б мы впереди планеты всей, вспомнить хотя бы Наталию Гончарову или многажды лауреата книжных выставок Эль Лисицкого. Но если рассуждать строго, то книга русского авангарда — это одно, а «книга художника» — нечто совсем другое, особенное. Появление жанра «книга художника» надо датировать 1960-ми. «Это случилось вместе с возникновением новой художественной политики, предполагающей в том числе в качестве издателя самого художника. С конца 1960‑х «книга художника» существовала на Западе параллельно livre d’artiste», — объясняет петербургский художник Михаил Кара-

сик, автор более 80 «книг художника», один из лидеров этого направления у нас. К началу 1970-х новое направление оформилось вполне; в американских университетах на факультетах искусств появилась даже соответствующая дисциплина, а университетские музеи начали формировать подобные собрания. К примеру, в Йельском университете сегодня таких целых три: cобственно livre d’artiste, потом «книга художника», а еще «книга художника», сделанная студентами. У нас же до сих пор нет ни одного полноценного музейного собрания. «В чем трудности собирания русской «книги художника» для Русского музея?» — вслух интересуется Михаил Карасик и сразу отвечает: «Она будет разброса-

на между отделами современного искусства, печатной графики и библиотекой. Хранение «книги художника» требует специальных стеллажей, которых пока нет ни в одном музее. Но у нас что, проблемы со столяркой?» Одно из крупнейших собраний «книги художника» в мире, частная коллекция голландских искусствоведов Альберта Лемменса и Сержа-Алеши Стоммельса, содержащая, помимо прочего, около 700 «книг художника», в 2012 году была подарена коллекционерами Музею Ван Аббе в Эйндховене (некоторые произведения из этой обширной коллекции принимали участие в выставке Утопия и реальность. Эль Лисицкий, Илья и Эмилия Кабаковы в Эрмитаже и Мультимедиа Арт Музее в прошлом

Семь заклинаний, молитв и обрядовых песен из поэзии Шумера и Вавилонии. Художник Владимир Цивин. Издательство «Редкая книга из СанктПетербурга». 2000

Вверху слева направо: Иосиф Бродский. Исаак и Авраам. Художник Михаил Карасик, издатель Михаил Карасик. 1994; Иосиф Бродский. Речь о пролитом молоке. Художник Михаил Карасик, издатель Михаил Карасик. 2004

Слева: Ленинградский архитектурный конструктивизм. Художник Михаил Карасик, издатели Михаил Карасик и Творческая мастерская Тимофея Маркова «Ручная печать». 2012

году). Значительным собранием «книги художника» в России владеют супруги Львовские из Петербурга: оба инженеры, Ирина и Александр давно занимаются совсем другими делами: он бизнесмен, она ведет домашнее хозяйство… и заботится о собрании, насчитывающем 130 «книг художника». В основном это работы петербуржцев, таких как Григорий Кацнельсон и Алексей Парыгин; есть почти все издания Михаила Карасика и несколько изданий московских художников — Виктора Гоппе, Петра Перевезенцева. В Москве художники этого направления часто группируются вокруг разнообразных инициатив Михаила Погарского: выставок-ярмарок «Книга художника», альманаха «Треугольное колесо» и т. п. (подробнее см. www.pogarsky.ru).

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 3 (22) апрель 2014

Крупным планом

Среди 200 работ Моисея Наппельбаума, представленных в Еврейском музее, — портреты Анны Ахматовой, Александра Блока, Сергея Есенина, Всеволода Мейерхольда (вверху), Бориса Пастернака, Сергея Прокофьева

Одна из выставок в МАММ рассказывает фотоисторию о Жаке-Анри Лартиге и его первой жене, Мадлен Мессаже, развивавшуюся с 1918 по 1930 год. Невыносимая легкость бытия встречи и первых лет семейной жизни Лартига и Биби сменяется ощущением ускользающего между пальцев счастья и заканчивается их расставанием

Московская Фотобиеннале демонстрирует визуальную силу Московская Фотобиеннале — главный отечественный фотофестиваль и своеобразный отчет Мультимедиа Арт Музея о проделанной работе; в этом году она к тому же десятая, то есть юбилейная. Основные проекты показывают в здании музея на Остоженке и в Манеже, мелкую россыпь экспозиций — по всему городу Текст В и к т о р и я М ус в и к

тбор серий и проектов самых разных жанров и видов довольно хаотичен, зато отечественный зритель может увидеть множество крупных выставок, которые толь ко-только прошли по всему миру. Они при хотливо нанизаны на оси трех тем: в этом го ду это «Великобритания в фокусе», «Звездное небо» и «Сила визуального искусства». И хо тя часть выставок вроде поразивших знатоков Фотографических эссе Александра Слюсарева в не типичной для автора технике печати уже за крылась, большинство экспозиций будет до ступно до конца апреля, а некоторые до июня. Основное внимание приковано к англичанам: 2014-й — перекрестный Год культуры Вели кобритании и России. Главная выставка би еннале — Другой Лондон. Это групповой пор трет английской столицы 1930–1980-х глаза ми иностранцев — работы из полуторатысяч ного собрания коллекционеров Эрика и Луизы Франк. Две трети его, кстати, передается в дар лондонской галерее Тейт, и этот, самый до рогой фотоподарок в ее истории — сенсация двухлетней давности. Экспозицию уже пока зали в Лондоне; для Москвы был сделан спе циальный отбор. Жизнь города, на наших гла зах превращающегося из довоенной столицы империи в свингующий центр модного мира, представлена в снимках фотографов-эмигран тов, беженцев, репортеров и просто туристов Эллиотта Эрвитта, Анри Картье-Брессона, Мартины Франк, Марка Рибу и многих других. Парадоксы английского характера и лондонские анома лии: эксцентричность и чопорность, остров

ная замкнутость и экспансивная, всеядная де мократичность, манерная застегнутость на все пуговицы и готовность принять на борт совре менного Ноева ковчега каждой твари по паре — пропущены сквозь двойное горнило восхище ния и социальной критики, стереотипов и ин дивидуальной манеры каждого автора. Среди других британских выставок Фотоби еннале — проекты эксцентричного Криса Шоу. Его Ночной портье — черно-белая серия, сде ланная в 1990-х, когда бездомный Шоу нанял ся в один из центральных лондонских отелей и фотографировал там из-под полы постояль цев, звезд и проституток. Выхватывающий ку ски реальности взгляд одуревшего от бессон ницы автора, как и полные утонченного сар казма подписи, не назовешь добрыми: остро та современного западного искусства здесь смешана в равных долях с японской фотогра фией а-ля Араки и наблюдательностью доку менталиста, заснявшего голый зад случайно захлопнувшего дверь номера пьяного гостя или уснувшего на посту коллегу. И все же ко шачьей лапой берет за сердце странная мяг кость — своего рода сочувствие к героям та кого же нелепого и ни на йоту не возвышаю щегося над ними автора. В Москве также по казывают снимки трех членов фотообъедине ния Magnum: Земля моего отца — поэтический взгляд на Уэльс Дэвида Херна, Воспоминания Филиппа Джонса Гриффитса — английские зарисов ки, своеобразный контрапункт его военным кадрам из Вьетнама, и Англия, моя Англия Криса Стил-Перкинса. Наконец, стоит отметить Пей-

зажные этюды Саймона Робертса — серию, одно временно вдохновляющуюся Мартином Парром и сделанную ему в пику. За раскрытие второй темы фестиваля, «Сила визуального искусства», отвечает мощный ак корд исторических выставок, которыми Фото биеннале была сильна всегда. Чудесная, напо минающая волшебную шкатулку ретроспек тива Эрвина Блюменфельда — 268 работ 1910– 1960-х — приехала прямиком из Парижа, где она с триумфом прошла в Национальной га лерее Жё-де-Пом. Тот, кто знает Блюменфель да лишь как фотографа моды, будет изумлен: фэшн занимает здесь весьма скромное место. Основное пространство отдано его ранним ри сункам и экспериментам с искажениями и со ляризацией, ню и портрету, архитектурной съемке и злободневным аллегорическим от кликам на происходящее в родной Германии, а также документам и цитатам из автобиогра фии. Многогранность таланта — а, помимо визуальных искусств, Блюменфельд пробовал свои силы, например, в литературе, — напоми нает ренессансных «универсальных гениев», в том числе блестяще найденным стыком меж ду творчеством и коммерцией. В пандан к ретроспективе Блюменфельда представлены выставки Двойник жизни Андре Кертеша и экспозиция работ Андре Штайнера. Оба были очарованы знаками современно сти — чудесами инженерной мысли и техно логий, отражаемыми в приемах, освобожда ющих изображение от гнета традиции: фраг ментации и наслаивании, искажении привыч

ных объектов и текучести формы. Штайнер считал себя, скорее, техником, безгранично веря в прикладную научную работу, которая позволит точно дозировать визуальные эф фекты. Его снимки в жанре ню и спортивные этюды выдают прекрасное знание анатомии, однако кажутся суховатыми. Кропотливая фотофиксация деталей Кертешем и его опы ты пластического преображения реальности поэтизируют современный мир, ежедневно предоставляющий материал для удивитель ных фантазий. Выставка, которую ни в коем случае нельзя пропустить, — Портфолио Дианы Арбус. Она про славилась на весь мир в конце 1950‑х — 1960-х образами надломленных и «неправильных». В отличие от более ранних реформаторов с ка мерой вроде Якоба Рииса и Льюиса Хайна, у Арбус вместо социального оптимизма мы видим ту часть «не-нормы», которая вряд ли может быть изменена. Нынешняя выставка — десять самых канонических фотографий, которые отобрала она сама в 1970-м, за год до самоубийства. Рабо ты Арбус впервые показывают в Москве; кура торы МАММ надеются, что в ближайшие годы удастся привезти и более крупную ретроспек тиву ее работ. Среди других экспозиций фотоклассиков — Американская история Гордона Паркса и ретро спектива Рене Бурри. Оба автора — документа листы «с миссией», заинтересованные в соци альных и политических переменах. Начавший свою карьеру в конце 1930-х — начале 1940-х американец Паркс — борец с расовой дискри

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом Программа Фотобиеннале 2014 года МАММ Андре Штайнер. Фотографии До 20 апреля Джессика Лэнг. Незримое До 20 апреля Другой город. Жизнь города в объективе мировых фотографов. 1930-е — 1970-е До 20 апреля Дэвид Херн. Земля моего отца До 20 апреля Крис Стил-Перкинс. Англия, моя Англия До 20 апреля Ширин Нешат. Не спрашивай, куда ушла любовь До 20 апреля Диана Арбус. Портфолио До 26 апреля Сара Мун. 5Н-5 До 26 апреля Жак-Анри Лартиг. Биби 23 апреля — 1 июня Саймон Робертс. Пейзажные этюды 25 апреля — 25 мая Крис Шоу. Ночной портье. Сорняки Уолласи 29 апреля — 8 июня Эрвин Блюменфельд. Фотографии, рисунки, фотомонтаж До 11 мая ЦВЗ «Манеж» Александр Лапин 2 апреля — 9 мая Оука Лееле. Трансгрессивная утопия 2 апреля — 9 мая Рене Бурри. Ретроспектива 2 апреля — 9 мая Роджер Баллен. Страна теней 2 апреля — 9 мая Филипп Джонс Гриффитс. Воспоминания 2 апреля — 9 мая МГВЗ «Новый Манеж» Гордон Паркс. Американская история До 19 апреля Фонд культуры «Екатерина» Алексей Партола. Призраки 12 апреля — 18 мая Ален Флейшер. Звучащая фотография 12 апреля — 18 мая

фото предоставлены пресс-службой мамм

На выставке Эрвина Блюменфельда множество жемчужин: коллаж Чарли (1920), гротескные Лицо террора и Минотавр, или Диктатор, портрет обнаженной 80-летней модели Кармен Висконти, за 50 лет до этого позировавшей для роденовского Поцелуя, и знаменитая обложка американского Vogue 1945 года А ты сделал вклад для Красного Креста?

минацией, один из участников знаменитой окружающий мир и Вселенную. Рядом впе миссии FSA, а позже многолетний автор жур чатляющие визуализации Затемненных городов нала Life, создавший галерею образов знаме Тьерри Коэна и 83 дня темноты голландца Нильса нитостей вроде Барбары Стрейзанд и Мохаммеда Стомпса — документальный проект об установ Али, а также безвестных, но типических героев ке на альпийском склоне гигантского зеркала, эпохи. Он также прославился фэшн-съемкой, перенаправляющего солнечный свет в зажа документальными и игровыми фильмами (он тую горами итальянскую деревню Виганелла, был первым знаменитым темнокожим режис до этого жившую в темноте в течение почти сером Голливуда) и как сочинитель музыки трех месяцев в году. Все эти экспозиции отве и поэзии. Американская история — большая чают за раскрытие третьей темы Фотобиенна ретроспектива Паркса. Швейцарец Бурри — ле — «Звездное небо». фотограф и режиссер-документалист, один Слияние и пересечение границ разных видов из авторов объединения Magnum (он стал его искусств, обозначаемые сейчас модным сло членом в 1959 году), публиковавший свои ре вом «трансмедийность», представлены Звупортажи в ведущих изданиях эпохи. Наибо чащей фотографией французского фотографа, лее известны его снимки Че Геварры, сделан кинорежиссера и писателя Алена Флейшера. ные в 1963 году. Его интересует стык фотографии, кино, му Изящной виньеткой обрамляют эти ретро зыки, живописи и текста, о чем можно так спективы классиков две другие экспозиции. же узнать из вышедшего в Вильнюсе аккурат Биби рассказывает фотоисторию о Жаке-Анри к московской Фотобиеннале сборника его ра Лартиге и его первой жене. Серия Женщины пре- бот на русском Лаборатория времени. Бывший красны Гарри Виногранда — первая выставка его бодибилдер, чемпион Франции 1997 года Марработ в Москве. сьяль Шеррье работает с фотографией, живопи Сегмент современной фотографии представ сью и своим телом, изучая его изменчивость лен на фестивале в целом несколько скром и собственный нарциссизм (Катастрофа тенее. По нему трудно составить целостное впе ла). Американка иранского происхождения чатление о мировых тенденциях, но интерес Ширин Нешат показывает, как фотография мо ных выставок приехало немало. Помимо уже жет преобразовать городскую среду: ее инстал упомянутых английских серий, это, к приме ляция Не спрашивай, куда ушла любовь изначаль ру, расплывчатые снимки проекта Небеса не но была сделана для станции «Толедо» неа обетованные австрийской художницы Евы Шле- политанского метрополитена и была частью гель — наглядная иллюстрация к работам тео амбициозного проекта Станции искусства под ретиков искусства о конце «эпохи репрезен руководством куратора Акилле Бонито Оливы. тации», о невозможности четко представить Также стоит взглянуть на ретроспективу юж

ноафриканского автора Роджера Баллена (Страна теней), еще одну серию на стыке фотогра фии и живописи — Трансгрессивная утопия Оука Лееле — и новый проект плодовитой Сары Мун 5Н-5. Наконец, любителям творчества звезд будет интересно увидеть персональную экс позицию актрисы Джессики Лэнг. В отличие от предыдущих лет, когда кураторы МАММ показывали амбициозные историче ские проекты (вроде Первоцвета в 2008‑м), рос сийская фотография в нынешнем году пред ставлена в основном современностью, в том числе в рамках параллельной программы. Ис ключение — выставки работ Моисея Наппельбаума Ателье и «русского швейцарца» Ивана Бианки. Ученикам и знатокам творчества недавно ушедшего Александра Лапина адресована экспо зиция в Манеже. Российская же современность представлена талантливыми молодыми авторами, взращен ными «Фотодепартаментом» и Школой Род ченко. Дача/Сад Анастасии Богомоловой — беру щий за живое проект, в котором расположен ные бок о бок снимки ростков, письма бабушек, садовые инструменты и растения в горшках становятся мощным социальным высказы ванием, а Русские интерьеры Анастасии Цайдер — кропотливое, в бехеровском духе исследование общественных пространств. Также зрителей ожидают кадры из новых серий Юлии Борисовой (Заглянуть в нее), проект о трейн-бомберах Алексея Патролы (Призраки), выставка-конструк тор Пропаганда фотографирования группы ЕлиКука и многое другое. �

Ева Шлегель. Небеса необетованные 12 апреля — 18 мая Марсьяль Шеррье. Катастрофа тела 12 апреля — 18 мая Нильс Стомпс. 83 дня темноты 12 апреля — 18 мая Тьерри Коэн. Затемненные города 12 апреля — 18 мая Еврейский музей Моисей Наппельбаум. Ателье 8 апреля — 18 мая ММСИ в Ермолаевском Анастасия Богомолова. Дача/сад До 20 апреля Анастасия Цайдер. Русские интерьеры До 20 апреля ЕлиКука. Пропаганда фотографирования До 20 апреля Выставочный зал «Замоскворечье» Заглянуть в нее До 21 апреля

Подробная информация: mamm-mdf.ru/festivals/ photobiennale-2014

№ 09 (18) ноябрь 2013

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

Предаукционные выставки в ноябре — и в любое время года Предаукционная выставка — особый жанр. За внешним блеском подобных мероприятий стоит расчет и анализ спроса. Как правило, такие выставки имеют гастрольный характер, а подборка экспонатов отражает покупательские вкусы и возможности, как их видят эксперты крупнейших аукционных домов Текст С в етл а н а Я н к и н а

рганизация предаукционных выставок, которые меньше недели занимают пространства лучших московских музеев и старинных особняков, — дело хлопотное и затратное. Но аукционные дома, от старейших до новичков, не скупятся, когда речь идет о знакомстве потенциальных клиентов и прочих любителей искусства с жемчужинами предстоящих торгов, стоимость которых порой исчисляется десятками миллионов долларов. А посещение таких представительных миниэкспозиций уже несколько лет как вошло в список мероприятий светского досуга. На ноябрь таких запланировано два. Christie’s после перерыва в месяц вновь устраивает показ, на этот раз старых мастеров и русских художников, среди которых Питер Брейгель, Илья Машков, Виктор Васнецов и Константин Маковский. На выставку, которая пройдет в недавно отреставрированной и уже полюбившейся аукционному дому усадьбе Муравьевых-Апостолов, привезут также оцененный в $12–18 млн фламандский часослов начала XVI века — книгу с текстом церковных служб из семьи Ротшильдов. Bonhams, дебютировавший в жанре московских предаукционных выставок всего год назад полотнами Василия Поленова, в резиденции посла Великобритании представит топ-лоты запланированных на 27 ноября лондонских торгов. Несколькими неделями раньше топ-лоты уже продемонстрировали Sotheby’s и MacDougall’s. С 1990-х годов в Москве прошли десятки предаукционных выставок. По сути, это был единственный шанс увидеть большинство выставленных на продажу вещей, перед тем как они скроются в частных или корпоративных коллекциях. И этот шанс выпадает не только избранным: после закрытых мероприятий для клиентов и прессы вход на выставки открыт для всех. Аукционные дома всегда заинтересованы в новой аудитории; спектр предложения расширяется, и как следствие предаукционные выставки пополняются новыми разделами, например фотографией. Еще одна тенденция — продажа наиболее ценных и дорогостоящих произведений искусства вне торгов. «Частные продажи являются одним из самых быстро развивающихся сегментов нашего бизнеса. По итогам первой половины 2013 года выручка от частных продаж увеличилась на 13% и составила $711,8 млн, что стало рекордом для всего арт-рынка в целом. Поэтому мы также выставляем произведения, предлагающиеся на частную продажу, будь то живопись или ювелирные украшения, в рамках наших международных предаукционных показов или торгов, — объясняет управляющий директор российского Christie’s Гай Визи. — В Москву мы часто привозим работы для частной продажи. В октябре 2012 года в модном доме Валентина Юдашкина показывали подборку ювелирных украшений и старых мастеров, до этого проводили подобные частные просмотры в отеле Ritz. Весной мы также стараемся в выставки включать вещи, предлагаемые на частную продажу. В этом году мы выставляли Кристофа Амбергера, в 2012 году в доме-музее Муравьевых-Апостолов — Жоану Вашконселуш, в 2011 году в доме Спиридонова — замечательную работу сэра Лоуренса Альма-Тадемы». Соответственно, предаукционные выставки будут и впредь, а предназначенные для частной продажи вещи порой доступны для широкого круга зрителей, если доступ не сузит владелец. � Bonhams, 7 ноября Christie’s, 8–10 ноября

с п ра в к а

Московские показы

Предаукционные выставки крупнейших аукционных домов в столице

©CHRISTIE'S IMAGES limited 2013

Молитвенник Ротшильдов. Ок. 1505. Аукцион Christie’s, Нью-Йорк, 29 января 2014 г. Эстимейт – $12–18 млн

Алексей Харламов. Две девочки, собирающие букет. Аукцион Christie’s, Лондон, 25 ноября 2013 г. Эстимейт – £400–600 тыс.

©CHRISTIE'S IMAGES limited 2013

Первую предаукционную выставку Sotheby’s устроил в Центре международной торговли, перед эпохальным аукционом 1988 года, — с советским авангардом и советским андерграундом. По воспоминаниям Михаила Каменского, в эти дни там царил небывалый ажиотаж, а на последовавших торгах присутствовало более 1 тыс. человек. Следом, уже в 1997 году, Christie’s впервые организовал именно что специальный привоз произведений искусства — картины Дега, Ренуара, Модильяни и Пикассо экспонировались не где-нибудь, а в самом Кремле. После этот аукционный дом представлял штучные произведения вроде Зимнего яйца фирмы Карла Фаберже, а в 2007 году в доме Пашкова провел выставку, которую вспоминают до сих пор. Долгую память обеспечили и эстимейт представленных работ в $300 млн, и их подборка: в одном месте сошлись «ротшильдовское» яйцо Фаберже (за $18,5 млн его приобрел для своего музея Александр Иванов), Энди Уорхол, Наталия Гончарова и современные китайские художники. С кризисом 2008 года интенсивность гастролей с многомиллионными шедеврами снизилась, однако сейчас постепенно возвращается на прежний уровень. Свидетельством тому, в частности, продажа эскиза к Импровизации № 8 Василия Кандинского (Christie’s, рекордные для художника $23,05 млн), а до того картину можно было рассмотреть в подробностях в Мультимедиа Арт Музее. Успешно продавались и показанное москвичам легендарное, но до тех пор мало кем виданное полотно Ильи Репина Парижское кафе, что Третьяковка мечтала заполучить в свою коллекцию (Christie’s, £4,5 млн), и сосновый лесок с раскисшей дорогой в Сумерках Ивана Шишкина (MacDougall’s, £2,16 млн), и Труды Богоматери Николая Рериха (Bonhams, £7,9 млн).

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

мнение

Михаил Каменский

Е кате р и н а М а к - Д у га л л

Аукционный дом Sotheby’s Россия и СНГ

Аукционный дом MacDougall’s

Мы всегда хотели, чтобы выставки максимально посещали и они были публичны. Чаще всего под это подходило музейное пространство, и тут взаимоисключающая задача — создать интимную атмосферу, чтобы показать, как картины реально живут в интерьере. Одна из наших выставок проходила в доме Зубова, а это настоящий жилой дом, и вот там они смотрелись очень хорошо, особенно XIX века, в интерьере, с мебелью. Поскольку мы планировали делать не просто предаукционнные выставки в Москве, но еще и просто выставки, у нас появилось собственное пространство, и стало легче. Мы можем когда угодно приехать, в любое время принять посетителей, не нужно подписывать массу бумаг. Теперь перед каждой выставкой к нам приходит профессиональный осветитель и выставляет свет на каждую работу. Иногда делаются какие-то фильтры, потому что картина должна быть максимально приближена к тем условиям, в которых она писалась. XIX веку не нужен яркий свет, а если работа выполнена на натуре — это другая

Аукционы рассчитаны на то, чтобы привлечь максимальное количество самых разных покупателей — и профессионалов, и любителей: коллекционеров частных и корпоративных, музеев и случайных покупателей, которые приобретают что-то раз в жизни. Лучший способ рекламы, чем предаукционная выставка, сложно придумать. Такая выставка — залог успеха торгов, иначе никто бы их не проводил и не тратил бы такие большие деньги. Коллекции мы формируем, не только идя на встречу существующим вкусам, но и провоцируя появление новой коллекционерской моды, новых трендов. Начинали мы, привозя русский XIX и ХХ век, потом пришло время современного отечественного искусства. На волне экономического подъема 2000-х годов наши выставки и аукционы спровоцировали очевидный рост интереса к современному русскому искусству, который после кризиса 2008 года существенно ослаб. Как следствие мы уменьшили число современных лотов, но продолжаем их привозить, пропагандировать и успешно продавать на торгах. В минувшем апреле мы впервые привезли современную российскую

«Выставки делать необходимо, это пиар-акция и строительство бренда. При этом у меня нет 100%-ной уверенности, что это помогает продажам. Я стараюсь показать вещи потенциальным покупателям, но не думаю в тот момент, готовы ли они к приобретению»

«Включение в выставку какого-то нового сегмента всегда провоцирует дополнительный интерес. Считается, что если аналитики Sotheby’s выделяют новый сегмент в искусстве, значит, на это имеет смысл обратить внимание коллекционерам и дилерам» фотографию, на которую как внутреннего, так и международного рынка не было. Это был сознательный эксперимент и риск с нашей стороны. Мы шли на возможные убытки, понимая, что процент продажи будет невысок. Но включение нового сегмента в выставку всегда провоцирует дополнительный интерес. Считается, что если аналитики Sotheby’s выделяют новый сегмент в искусстве, значит, на это имеет смысл обратить внимание коллекционерам и дилерам. На организацию выставки в России мы в среднем тратим несколько сотен тысяч долларов, из которых 30–40% покрывается за счет спонсорских средств. Деньги идут на страховку, транспорт, аренду, обеспечение безопасности — сумма варьируется в зависимости от стоимости экспонатов и того, насколько сложными маршрутами они едут в Москву. Если повезет, то все можно отправить одним самолетом, но случается и так, что все летит самолетом, а одну крупногабаритную картину приходится гнать через всю Европу отдельной фурой в сопровождении охраны.

история. Стоимость организации выставки установить очень сложно. Сюда входит и транспортировка, и страховка, и реклама, и прием. Все зависит от стоимости работ и планируемого размаха. Выставки делать необходимо, это пиар-акция и строительство бренда. При этом у меня нет 100%-ной уверенности до сих пор, что привоз работ в Москву помогает их продать. Естественно, когда я работаю, то стараюсь показать вещи потенциальным покупателям, но я не думаю в тот момент, готовы ли они к приобретению. Это работа, а не попытка сложить в уме какие-то цифры. Мы собираем нашу коллекцию шесть месяцев, некоторые картины ждем годами, потом они покидают свое замкнутое пространство, выходят в свет, и тут начинается обмен мнениями — самое лучшее для меня время. Когда идет выставка, я смотрю, как посетители реагируют, у какой работы надолго задерживаются. К нам приезжают в любой момент, не регламентированно: занятые люди в своих графиках находят по полчаса и приходят за каким-то открытием. Создается особая атмосфера в этот момент.

corbis/foto s.a.

Независимо от сомнений в эффективности весьма затратных гастролей и презентаций будущих лотов по всему миру, ни один из аукционных домов и не думает о прекращении этой практики

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 3 (22) апрель 2014

Крупным планом

Луковицы дизайна

1 2 6 3

4 5

1. Проект для Рейксмузеума. Группа Droogs. 2. Автопортрет Марселя Вандерса — плакат его выставки Пришпиленные в Музее Стеделейк. 3, 4. Кресло и фарфоровая ваза по дизайну Марселя Вандерса. 5. Шкаф из газетной древесины студии Vij5. 6. Кадр из рекламной кампании товаров группы Droogs

В Музее Стеделейк в Амстердаме открыта большая выставка Pinned Up («Пришпиленные») Марселя Вандерса, главной звезды голландского дизайна. ВНидерландах поддержка и воспитание первоклассных дизайнеров превратились в настоящую индустрию, государственную гордость вроде выращивания тюльпанов

ам факт, что в национальном музее устраивают ретроспективу прикладного художника, может и не удивителен, но удивительно, что музей может составить про грамму дизайнерских выставок на годы вперед, так как в Нидерландах воспитание первокласс ных дизайнеров превратилось в государствен ную гордость вроде выращивания тюльпанов.

С иронией о национальном Один из экспонатов выставки — это плакат, где юный дизайнер изображен с клоунским носом-пимпкой на резинке, но не красным, а золотым. Сейчас, когда ему за 50, Марсель Вандерс сохраняет свой если не клоунский, то ироничный стиль, заставляющий с улыбкой относиться к таким серьезным вещам, как роскошь. В Стеделейке ему отдали несколь ко больших залов, где представлена вся «ли нейка» его произведений — от ножей с вилка ми до выложенного почти византийской мо заикой гоночного автомобиля. Тут и просла вившее его Вязаное кресло (1995) — что-то вроде армированного гамака, и «яичные» вазы для одного цветка, как будто сделанные из скор лупы, и хулиганские вариации на тему дель фтского фарфора: на респектабельных вазо нах синяя роспись пляшет, как на картинах Джексона Поллока. Однако будет заблуждением считать, что Вандерс — это изготовитель всего лишь остроумных штучек. Вместо визита на выставку лучше снять на од ну ночь номер в принадлежащем ему и оформ ленном им отеле Andaz — или хотя бы загля нуть в лобби, чтобы понять, что такое «тотал лук» от Вандерса и компании Mooi. Потому что это не отдельные вещи, а атмосфера, настоль ко далекая от обычной гостиничной функци ональности, что заставляет постояльцев чув ствовать себя этакими Алисами в Стране чудес. Туалетные комнаты оклеены обоями с трак татами Спинозы, лифт со стеклянной стенкой двигается в шахте, имитирующей полки би блиотеки с корешками старинных книг, свет из огромных, почти дворцовых люстр (при ближайшем рассмотрении — из пластика) из быточно театрален, но даже самые вычурные кресла удобны. Главное, что получает тут по стоялец, — это по-рембрандтовски сгущенное ощущение духа места — а что еще туристу на до? Такой же тотальный подход к дизайну ис поведуют и члены группы Droogs, то есть «ра дость», образованной в 1993 году, а ныне смахи вающей на Ост-Индскую компанию по размаху деятельности: они сотрудничают с десятками известных брендов в разных странах, а недав но тоже открыли в Амстердаме свое здание с кафе и гостиницей. Прежде чем что-то поку пать, можно буквально испробовать все товары компании, пожив в гостинице. Не зря основа тельница компании Рут Радакерс попала в чис ло «150 женщин, потрясших мир», по мнению журнала Newsweek. Среди последних разрабо ток — рекламная кампания для Рейксмузеу ма, переносящая классические картины на но вые носители. Скажем, серия тату с мотивами цветочных натюрмортов XVII века. Другая ин тересная идея — «копируй китайское» — гол ландский ответ на китайскую манеру присва ивать лучшее со всего мира. Так появились но вые чайники как будто с витрины музея в Ухане. Но еще больше характеризует это объединение желание заглянуть в будущее: на мебельном са лоне в Милане они представили несколько де сятков пока не существующих дизайнерских фирм разных направлений, которые, по мне нию Droogs, должны появиться в ближайшем будущем, так как в них есть потребность. Воз можно, сотрудники этих будущих фирм будут вербоваться из выпускников эйндховенской Академии дизайна.

Эйндховен — дизайнерская долина До недавних пор город в двух часах езды от Ам стердама был известен разве что своим худо жественным Музеем Ван Аббе, откуда к нам в прошлом году приехала выставка Лисицкий —

Милена Орлова

Кабаков. Исторического центра тут практиче ски не сохранилось, зато существовал целый город внутри города — промышленные корпу са фирмы Phillips. После того как производство было переведено в другие страны, пустующие корпуса стали отдавать художникам, дизай нерам и прочим представителям креативного класса за весьма скромную аренду. В Эйндхо вене появилась и Академия дизайна, а когда тут ежегодно стал проводиться международ ный фестиваль дизайна — Голландская неде ля дизайна (Dutch Design Week, DDW), в которой участвуют — удивитесь этой цифре — 2,2 тыс. дизайнеров, место превратилось в одну из главных мировых «теплиц» по выращиванию прикладных талантов. Сейчас здесь работает несколько сотен дизай неров — и начинающих, и уже интернацио нально признанных. К первым можно отнести студию Vij5, разработавшую странную идею изготовления дерева из бумаги, то есть из ста рых газет. Макулатурные подшивки прессу ются и обрезаются по торцу, что дает эффект рисунка древесины, причем «сорт» древесины зависит от газеты, из которой он сделан. Ска жем, дерево Telegraph или «Коммерсантъ». Из этой газетной древесины потом изготавлива ется все, что положено делать из древесины. Идея странная только на первый взгляд: СМИ поголовно уходят в Интернет, а запасы маку латуры надо как-то утилизировать. Принцип творческой утилизации хлама сде лал знаменитым и самого маститого резиден та Эйндховена, выпускника местной академии Пита Хейн Эйка. Он показывает, с чего началась его карьера. Со шкафчиков для посуды со сте клянными дверцами, которые часто бьются. Дизайн был придуман таким образом, чтоб разбитое стекло было легко заменить новым. Дальше Пит Хейн Эйк начал делать новую ме бель из старых разнокалиберных дощечек, так как старое дерево ему казалось красивее ново го. Бизнес пошел так хорошо, что в 2011 году он выкупил целую фабрику в 10 тыс. м2 в Эйнд ховене, где разместил и свое производство, и шоу-румы, магазины, галереи и мастерские для молодых коллег. Сам Питер Хейн Эйк так же демократичен, как его столы и комоды. Он готов подробно расска зывать о своем ремесле. «Голландия, вы знаете, маленькая страна, места мало; чтобы постро ить новое здание, нужно сломать старое; вот мне и привозят старую мебель, доски и про чее. Вот сейчас экспериментирую со старыми мобильниками и телевизорами, думаю, как их приспособить». В огромном ресторане с потол ками промышленной высоты висят его торже ственные люстры, вполне годящиеся для Ко лонного зала Дома союзов. Оказывается, они также собраны из десятков старых стеклянных абажуров или люминесцентных трубок.

Придумайте нам идею! К выставке в Стеделейке Марсель Вандерс вы пустил талмуд Амстердам — креативная столица, где собрал самые творческие, на его взгляд, идеи, родившиеся в городе за века, — и это от нюдь не только вещи, но и, скажем, идея бир жи и кофешопов. Неудивительно, что Амстер дам продает себя именно как город с дизайнер ским подходом к жизни — чего стоят только графическая игра в слове «Амстердам», напи санном по-английски (I am sterdam — «Я Ам стердам»), и городская организация, носящая это имя и заботящаяся о притоке туристов. Сеть дешевых универмагов Hema также под держивает эту историю, проводя конкурсы для молодых дизайнеров и немедленно запуская в тираж их предложения. Так, например, на их полках оказался секретный кошелек, присте гивающийся к женскому бюстгальтеру. Слово «дизайнерский» поистине стало вол шебным в Голландии: например, студия Идо Гарини занимается «дизайнерской едой». Но на самом деле это не только слова — творческий капитал легко конвертируется в реальный до ход, как это когда-то случилось с вроде бы бес полезными луковицами тюльпанов. �

1.droog for rijksmuseum 2,3,4.Photo: courtesy of the artist 5.vij5 6.photo:erwin olaf

Текст

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Крупным планом

Явления, которые Марсель Вандерс включил в книгу «Амстердам — креативная столица» Эпитафии для одиноких покойников В 2002 году был начат проект, по которому все умершие амстердамцы, не имеющие родственников, получают на похоронах стихотворную эпитафию от штатных поэтов, оплаченную из городского бюджета. Бизнес-класс в самолетах Бизнес-класс придумала в конце 1970-х голландская авиакомпания KLM, учтя потребности часто летавших бизнесменов, для которых первый класс был слишком роскошным, а эконом — неудобным. Прообраз Санта-Клауса Синтерклас Придуман школьным учителем Яном Шейнкманом в середине XIX века. Гипс для сломанных конечностей Изобретен военным доктором Антониусом Матисейном в 1851 году. (В России считается, что гипс изобрел хирург Пирогов.) Городской логотип Iamsterdam Сделан графическим бюро KesselsKramer в 2004 году по заказу города. Слово «эпибрировать» Слово «еpibreren» изобретено журналистом Симоном Кармиггелтом, существует только в голландском языке. Российский писатель Михаил Глуховский предложил его не переводить, а использовать как есть: «эпибрировать». Как пишет автор, слово годится в любой ситуации для любого занятия.

№ 10 (19) декабрь 2013 – январь 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

переменА Мест Примечания. 1 Место в итоговом рейтинге определено исходя из показателей рейтинга публичности и рейтинга обсуждаемости. Попавшие в рейтинг назначений не учитывались в рейтинге отставок. 2 Рейтинг составлен компанией «Медиалогия» на основе упоминаемости персон в российских СМИ в контексте объектов культуры. Период исследования: 1 января — 13 ноября 2013 года. 3 Рейтинг составлен на основе упоминаемости в СМИ и социальных сетях. За 100 принято самое обсуждаемое назначение, показатели остальных выражены в относительных цифрах.

Десять самых громких назначений и отставок в музейной сфере Наш рейтинг самых громких отставок и назначений 2013 года в художественной сфере (точнее, два рейтинга — отставки отдельно, назначения отдельно) заставляет в очередной раз задуматься на тему взаимосвязи скандала и PR Текст А л е к с е й А л е к с е е в

ри составлении рейтинга мы учитывали не только упоминаемость в средствах массовой информации, но и мнение широкой публики. Эта самая публика порой вносила в оценки довольно серьезные коррективы. Так, 29 мая 2013 года губернатор Ульяновской области отправил в отставку областного министра искусства и культурной политики Татьяну Мурдасову. Поводом стало интервью местному телеканалу, в котором у министра вылетело лишнее словечко — вроде и не такое уж

матерное, но плохо совместимое с должностью. Обсуждение этого случая в Интернете было настолько бурным, что в сравнении с ним меркнут все остальные отставки года в культурной сфере, вместе взятые. Число людей, посмотревших ролик с интервью на YouTube и других серверах, вполне сопоставимо с показателем годовой посещаемости Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Впрочем, в итоговом рейтинге отставок госпожа Мурдасова все-таки про-

пустила вперед трех персон. Рейтинг возглавил Марат Гельман, чье пребывание на посту директора музея PERMM было отмечено далеко не одним скандалом (последним по времени стала выставка красноярского художника Василия Слонова, посвященная зимней Олимпиаде 2014 года в Сочи). На 2-й позиции рейтинга — увольнение по собственному желанию Ирины Антоновой с поста директора ГМИИ им. А. С. Пушкина (ее назначение на почетный пост президента того же музея не помешало всеобщему вос-

приятию случившегося как отставки, а не как перехода на другую должность). В связи с этим событием нельзя было не вспомнить о споре ГМИИ с Эрмитажем по поводу картин из бывшего Государственного музея нового западного искусства. Стоит также обратить внимание, что в минувшем году Ирина Антонова и Марат Гельман были лидерами по числу упоминаний в прессе в контексте культурных событий. Уход этих двух влиятельнейших фигур со своих постов, случившийся в один и тот

же год, — безусловный индикатор серьезных подвижек в российской культуре. Приход на место Ирины Антоновой бывшего артдиректора Музейно-выставочного объединения «Манеж» Марины Лошак прошел без скандала, чего не скажешь о некоторых других фигурантах того же рейтинга. Достаточно вспомнить бурную реакцию сотрудников музея-заповедника «Кижи» на назначение их новым директором бывшего губернатора Карелии Андрея Нелидова (1-я строчка в нашем рей-

тинге назначений). 3-е место в рейтинге назначений и 3-е место в рейтинге отставок — результат еще одного скандала, в Российском институте истории искусств в Санкт-Петербурге. И последнее (по счету, но не по значению) замечание, касающееся нашего рейтинга. Сфера культуры в России, похоже, единственная, где достигнуто реальное равенство полов. Разница с «мужскими» рейтингами влиятельности и публичности, касающимися российской политики и бизнеса, заметна здесь сразу. �

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

Рейтинг назначений 1

2 Андрей Нелидов

3 Марина Лошак

4 Ольга Кох

5 Василий Панкратов

Юлия Шахновская

Директор музея-заповедника «Кижи»

Директор Государственного музея изобразительных искусств (ГМИИ) им. А. С. Пушкина

И. о. директора Российского института истории искусств

Председатель Комитета по культуре Санкт-Петербурга

Директор Государственного Политехнического музея

1 148

1 527

472

927

397

Показатель публичности 2

рейтинг публичности 4 2

обсуждаемость назначения 100 рейтинг обсуждаемости 1

7 Татьяна Ившина

Показатель публичности 2 816

18,1

Андрей Бусыгин

И. о. директора музея PERMM

301

10 Елена Олейникова

Директор Музейного объединения «Музей Москвы»

384

Алина Сапрыкина

Глава Департамента культуры и архивного дела Воронежской области

5 10

8 Елена Ищенко

Министр искусства и культурной политики Ульяновской области

8 27,1

3 25,4

Директор музея-заповедника «Архангельское»

268

230

рейтинг публичности 2 6 12 13 17 18 обсуждаемость назначения 3 1,5

5,7

рейтинг обсуждаемости 10

4,9

15,2

11,5

Рейтинг отставок 1

2 Марат Гельман

Ирина Антонова

Директор музея PERMM

Рейтинг публичности 2 2 обсуждаемость отставки 3 2,1 рейтинг обсуждаемости 2

7 Эльвира Аверьянова

Директор музея-заповедника «Кижи»

Наталья Самойленко

Рейтинг публичности 14

0,8

440

10 100

5–10

10 Елена Пантелеева

Директор Центра современного искусства «Винзавод»

283

9 0,1

9 Юлия Зазулина

Министр культуры Новосибирской области

424

Начальник Департамента культурного наследия Министерства культуры РФ

286

Наталья Ярославцева

Министр искусства и культурной политики Ульяновской области

529

Начальник Департамента культурного наследия Министерства культуры РФ

Показатель публичности 2 300 2

3419

5 Татьяна Мурдасова

Директор Российского института истории искусств

0,7

4 Татьяна Клявина

Директор Государственного музея изобразительных искусств (ГМИИ) им. А. С. Пушкина

Показатель публичности 2 1649

Николай Попов

Советник директора музея-заповедника «Кижи» по вопросам реставрации

102

обсуждаемость отставки 3 0,1 0,1 0,1 0,1 0,1 рейтинг обсуждаемости 3 5–10 5–10 5–10 5–10 5–10

№ 10 (19) декабрь 2013 – январь 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг Структура

Туристический кластер «Музей СССР»

Проект

Реконструкция существующих и создание новых музеев Ульяновск, Россия

Расположение Авторы дизайна

Не определено

Общая стоимость проекта 1

$1,015 млн

Срок проекта

Структура

2013–2022

Национальный дворец-музей

Проект

Реконструкция главного здания и создание филиала Тайбао и Тайбэй, Тайвань

Расположение

Авторы дизайна Artech Architects Общая стоимость проекта 1

$1,000 млн

Срок проекта

2005–2015

east-news

Структура

Великий (Большой) египетский музей Великий египетский музей (Музей Гизы)

Проект Расположение Авторы дизайна

Гиза, Египет Heneghan Peng

Общая стоимость проекта 1

$795 млн

Срок проекта

2002–2016

Структура

ГМИИ им. А. С. Пушкина Создание музейного городка

Проект

Москва, Россия

Расположение Авторы дизайна 2

Foster + Partners 2, «Моспроект-5»

Общая стоимость проекта 1

$654 млн

Срок проекта

2007–2018

heneghan peng architects

10 самых дорогостоящих музейных проектов 2013 года Россия стала лидером рейтинга самых дорогостоящих музейных проектов 2013 года. Однако, если курс национальной валюты упадет ниже 33 руб. за доллар, самым разорительным станет музейный мегапроект на Тайване. Если же говорить о резонансе, то лидером окажется Рейксмузеум в Амстердаме Текст А л е к с е й А л е к с е е в

ейтинг возглавил проект создания туристического кластера «Музей СССР» на родине Владимира Ульянова (Ленина). Проект планируется завершить к 100-летию создания СССР, израсходовав на него 33 млрд руб. из федерального бюджета. Планируется, что в комплекс войдут музеи политической и экономической истории СССР, советской армии, моды и дизайна и другие. Ожидается, что кластер будут посещать ежегодно около 1 млн человек (в период существования СССР музей Ленина в Ульяновске, на базе которого и создается музей

СССР, посещало 1,2 млн человек в год). Россию в рейтинге также представляют проект создания музейного городка на базе Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина (4-е место, $680 млн) и реставрация восточного крыла здания Главного штаба Эрмитажа (9-е место, $462 млн, хотя, по мнению Следственного комитета РФ, не вся сумма была потрачена именно на реставрацию). Если курс национальной валюты упадет ниже 33 руб. за доллар, самым дорогим музейным проектом в мире может оказаться другой проект,

пока занимающий 2-ю строчку в рейтинге. Национальный дворец-музей на Тайване, обладающий лучшей в мире коллекцией китайского искусства докоммунистической эпохи, должен обзавестись филиалом, а кроме того, будет проведена реконструкция главного здания, не справляющегося с потоком посетителей (по словам директора музея Чоу Куншина, «потолок здания недостаточно высок, и места также недостаточно»). На реконструкцию выделен эквивалент $1 млрд. Революции не заставили власти Египта отказаться от

идеи создания гигантского музея в Гизе. Мало того, бюджет проекта растет (а сроки его окончания, разумеется, отодвигаются). С нынешним бюджетом в $795 млн он занимает 3-ю строчку рейтинга. На 5-м месте — Лувр в АбуДаби. При этом не учитывается, что, кроме эквивалента $654 млн, в которые оценивается создание нового музея, власти эмирата в течение 30 лет должны заплатить эквивалент €1 млрд за использование бренда «Лувр» и предоставление шедевров из французских музеев во временное пользование.

Строительство Национального музея Катара, проект которого заказан тому же архитектурному бюро Жана Нувеля, что и проект «арабского Лувра», занимает в нашем рейтинге последнюю строчку. Но не надо забывать, какие суммы вкладывает правящая семья Катара в приобретение произведений искусства. Завершившаяся в этом году реставрация Государственного музея (Рейксмузеума) в Амстердаме заняла 7-ю строку в рейтинге, но среди наиболее значимых событий в мире искусства в 2013 году его позиция значительно выше. �

Примечание. В рейтинг включены проекты, начатые, продолжавшиеся или завершенные в 2013 году. Не учитывались девелоперские проекты, в которых музейная составляющая не играла основную роль. 1 Для валют, отличных от доллара, использован обменный курс на 11 ноября 2013 года. 2 Foster + Partners вышли из проекта в 2013 году. 3 Без учета выплат Agence France-Museums.

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

Рейтинг

Структура

Остров Саадият

Структура

Проект

Лувр в Абу-Даби

Проект

Абу-Даби, ОАЭ

Расположение

Авторы дизайна Atelier Jean Nouvel Общая стоимость проекта 1

Срок проекта

$1,015 млн

2013–2015

Культурный округ Западный Коулун Музей визуальной культуры М+

Расположение

Сянган (Гонконг), Китай

Авторы дизайна

Herzog & De Meuron

Общая стоимость проекта

$642 млн

срок проекта

2005–2017

jeannouvel, louvre abu dhabi

Структура

Государственный музей (Рейксмузеум)

Проект

Реконструкция музея Амстердам, Нидерланды

Расположение

Авторы дизайна Cruz y Ortiz Общая стоимость проекта

$508 млн

Срок проекта

2004–2013

Структура

Смитсоновский институт

Проект Национальный музей афроамериканской истории и культуры Расположение вашингтон, сша Авторы дизайна

Freelon Group/Adjaye Associates/Davis Brody Bond

Общая стоимость проекта 1 срок проекта

east-news

Структура

Проект Расположение Авторы дизайна

Санкт-Петербург, Россия Архитектурная мастерская «Студия 44»

Общая стоимость проекта 1

$462 млн

Срок проекта

2008–2013

2003–2015

Государственный Эрмитаж Реконструкция восточного крыла Главного штаба

Около $500 млн

Структура

Проект Расположение

Национальный музей Катара Строительство нового здания Доха, Катар

Авторы дизайна Atelier Jean Nouvel Общая стоимость проекта 1

$434 млн

срок проекта

2010–2014

Ateliers Jean Nouvel & Artefactory

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 10 (19) декабрь 2013 – январь 2014

рейтинг

Книжное ревю Лучшая книга по искусству 2013 года: рекомендации художников, музейщиков, коллекционеров, архитекторов и деятелей культуры Текст И р и н а Ко ч е р г и н а

Выбор редакции The Art Newspaper Russia за 2013 год

1. С. Сонтаг О фотографии (Москва: Ad Marginem Press, 2013)

2. История русского искусства. В 22 томах. Том 14. Искусство первой трети XIX века Ответственный редактор Г. Стернин (Москва: ГИИ; Северный паломник, 2011)

3. Е. Бобринская. Чужие? Неофициальное искусство: мифы, стратегии, концепции (Москва: Ш. П. Бреус, 2012)

4. Линии Галле. Европейское и русское цветное многослойное стекло конца XIX — начала XX века в собраниях музеев России (Москва: Программа «Первая публикация», 2013)

5. Италия — Россия: тысяча лет архитектуры (Москва: Allemandi, 2013)

6. Р. Григорьев Гравюры Рембрандта из коллекции Д. А. Ровинского в собрании Эрмитажа (СанктПетербург: Издательство Государственного Эрмитажа, 2012)

7. Русские художники на Венецианской биеннале. 1895–2013 Автор-составитель Н. Молок (Москва: Stellа Art Foundation, 2013)

8. Н. Семенова Лабас. Серия «Жизнь замечательных людей» (Москва: Молодая гвардия, 2013)

9. Э. Соломон. The Irony Tower. Советские художники во времена гласности (Москва: Ad Marginem Press, 2013)

10. В. Ракитин, А. Сарабьянов Энциклопедия русского авангарда. Изобразительное искусство. Архитектура. В 2 томах (Москва: Global Expert & Service Team, 2013)

С ю й Би н

Э л и Бр од

Д м и т р и й Гу то в

Д же ф ф р и Д е й ч

Михаил Каменский

С е р ге й К а п ко в

Американский художник

Американский коллекционер, основатель музея современного искусства Broad в Лос-Анджелесе

Художник

Американский галерист, арт-дилер

Генеральный директор «Sotheby’s Россия и СНГ»

Министр правительства Москвы, глава Департамента культуры Москвы

С. Бин Книга-основа: От точки к точке (Кембридж: The MIT Press, 2014) Данная книга необычна тем, что не содержит ни одного обычного в нашем понимании слова, даже на титульном листе. Ее содержание — это значки и символы со всего мира, которые я коллекционировал, сортировал и заносил в свои каталоги, сплетая из них повествование — описание одного дня из жизни некоего мистера Блэка, белого воротничка, живущего в джунглях современного мегаполиса. Эту книгу можно читать независимо от того, где вы находитесь и на каком языке говорите: она в равной степени обращена к каждому жителю современного мира. А еще Книга-основа — это воплощение моего видения будущего языков мира, мечта об общении без барьеров и преград.

Галерея Сая Твомбли в Коллекции Менил (Хьюстон) Под редакцией Н. дель Рошьо, Ж. Сильвестера (Нью-Хейвен: Yale University Press, 2013) Из новинок в этом году мы с Эдит отметили Художественную галерею Сая Твомбли. В ней подробно освещается тема менеджмента в сфере искусства, а так как мы затеяли строить собственный музей в Лос-Анджелесе, книга оказалась для нас чрезвычайно полезной. Твомбли — один из наших любимых художников. В начале 1990‑х годов он вместе с Ренцо Пиано спроектировал для своих произведений прекрасный, наполненный светом выставочный зал на территории частного музейного комплекса Менил в Хьюстоне. В книге увлекательно описана история создания этого проекта, а также содержатся потрясающие репродукции лучших работ Твомбли — скульптур и картин 1953–1994 годов.

Б. Виппер Борьба течений в итальянском искусстве XVI века (Москва: Издательство АН СССР, 1956) Про 2013 год ничего не могу сказать, так как очень мало читаю современной литературы. Но в связи с выставкой Тициана в ГМИИ им. А. С. Пушкина я перечитал старую книгу Бориса Виппера Борьба течений в итальянском искусстве XVI века. Лишний раз убедился в том, насколько изумительным по глубине и энергии изложения было советское искусствознание в своих лучших образцах. Эта книга и была моим личным открытием уходящего года.

Д. Бирн Как работает музыка (Сан-Франциско: McSweeney’s, 2013) Одна из лучших новых книг, разбирающих креативные механизмы, принадлежит Дэвиду Бирну, экс-лидеру группы Talking Heads. Используя свой успешный опыт композитора и исполнителя, а также обширные знания в области истории музыки, Бирн предпринял попытку объяснить своему читателю, как рождается и воспринимается этот звуковой феномен. Теоретические наблюдения перемежаются с увлекательными воспоминаниями о тех днях, когда панк-рок только появился в нью-йоркском музыкальном клубе CBGB. Кроме того, Бирн с надеждой смотрит в будущее, утверждая, что в дальнейшем музыка продолжит активно развиваться.

А. Венгеров, С. Венгеров, А. Невский, В. Невская Здесь, под небом своим… Выпуск 1. Отечественная война 1812 года. Библиохроника 1789–1985 годов (Москва: Русский раритет, 2012) Многотомная «Библиохроника», издаваемая под руководством Алексея Венгерова, — уникальный научный труд, не имеющий аналогов. Этот культурологический тезаурус обречен стать хоть и весьма дорогостоящим, но незаменимым пособием для любого интересующегося русской историей и культурой в европейском контексте. Из шести изданных книг я выбрал том, посвященный эпохе 1812 года. Не потому, что он лучше других, а потому, что на фоне отгремевших уже фанфар по поводу этого времени предложенный формат и метод исследования феномена эпохи представляются мне одними из самых добросовестных, честных и умных.

Р. Колхас Нью-Йорк вне себя: Ретроактивный манифест Манхэттена (Москва: Strelka Press, 2013) Прочесть эту книгу мне посоветовали друзья. Книга действительно эпохальная. Нью-Йорк — город-легенда, по-настоящему особенный город. И Москва, как мне кажется, такой же, особенный мегаполис. Читая, я сравнивал опыт Нью-Йорка и московские реалии, их историю и нашу, разные взгляды на их «столицу» и нашу столицу. Не могу сказать, что я почерпнул в книге что-то, что мне уже удалось применить в Москве, но буду надеяться, что все впереди. И отдельное спасибо издателям и переводчикам: наконец-то книга дошла до России.

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

рейтинг

Выбор экспертов

Самые продаваемые книги 2013 года Книжный «Гаража»

1. Р. Колхас Нью-Йорк вне себя:

Ретроактивный манифест Манхэттена (Москва: Strelka Press, 2013) 2. Д. Бергер Искусство видеть

(Санкт-Петербург: Клаудберри, 2012) 3. Ж. Делез Кино (Москва: Ad Marginem

Press, 2013) 4. Д. Сибрук Nobrow. Культура маркетинга.

Маркетинг культуры

(Москва: Ad Marginem Press, 2012) 5. Х. У. Обрист Краткая история куратор-

ства (Москва: Ad Marginem Press, 2012)

Леонид Агрон

Ирина А н то н о в а

Иосиф Б а к ш те й н

А н то н Бел о в

Е кате р и н а Бо б р и н с ка я

Елена Га га р и н а

А н атол и й Гол у б о в с к и й

Бо р и с Гр о й с

Андрей Ерофеев

Ви та л и й Ко м а р

Исполнительный директор Еврейского музея и центра толерантности

Президент Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Куратор, комиссар Московской биеннале современного скусства и

Директор Центра современной культуры «Гараж»

Искусствовед

Директор Государственного музея-заповедника «Московский Кремль»

Журналист

Теоретик искусства, философ

Искусствовед, куратор

Художник

Виктория Броакс, Джеффри Марш Дэвид Боуи — это… (Лондон: Victoria & Albert Museum, 2013)

А. Смирнов Иван Цветаев: История жизни (СанктПетербург: Вита Нова, 2013)

Дж. Литтелл Триптих: Три этюда о Фрэнсисе Бэконе (Москва: Ad Marginem Press, 2013)

Э. Соломон The Irony Tower. Советские художники во времена гласности (Москва: Ad Marginem Press, 2013)

Г. Поспелов О картинах и рисунках (Москва: Новое литературное обозрение, 2013)

С. Амелёхина, И. Бобровницкая, Е. Моршакова Венчания на царство и коронации в Московском Кремле. В 2 частях (Москва: АзБука, 2013)

5-я Московская биеннале современного искусства. Больше света Под редакцией К. де Зегер (Москва — Гент: Институт проблем современного искусства — MER, Paper Kunsthalle, 2013)

MONITOR box (Artplay)

1. С. Серов, К. Дыдо Польская школа

плаката (Москва: Альма-матер, 2008)

2. С. Серов Дан Райзингер. Звезды графическо-

го дизайна (Москва: Альма-Матер, 2008)

3. Ф. Кемп Кино. Всемирная история

(Москва: Магма, 2013) 4. Р. Корк Искусство. Всемирная история

(Москва: Магма, 2012)

П. Осборн Где угодно или нигде: Философия современного искусства (Лондон: Verso, 2013)

Р. Герловина, В. Герловин Концепты (Вологда: Библиотека московского концептуализма Германа Титова, 2012)

L’Internationale. Послевоенные авангарды. 1957–1986 Под редакцией Х. Хёллера (Цюрих: JRP/ Ringer, 2013)

5. А. де Боттон Архитектура счастья:

Как обустроить жизненное пространство (Москва: Классика-XXI, 2013)

Книжный магазин «Москва»

1–2. П. Волкова Мост через бездну. Том 1

(Москва: Зебра Е, 2009); Мост через бездну.

Том 2 (Москва: Зебра Е, 2013) 3. Д. Бергер Искусство видеть

(Санкт-Петербург: Клаудберри, 2012) 4. Самые знаменитые шедевры

прерафаэлитов Составитель А. Пантелеева (Москва: Белый город, 2012) 5. И. де ла Фрессанж, С. Гаше Парижанка

и ее стиль (Москва: Астрель; CORPUS, 2012)

«Библио-Глобус» Designed by Scott Ponik; courtesy of ICI

1–2. П. Волкова Мост через бездну. Том 1

(Москва: Зебра Е, 2009); Мост через бездну.

Том 2 (Москва: Зебра Е, 2013)

3. С. Романюк Переулки старой Москвы:

История. Памятники архитектуры. Маршруты (Москва: Центрполиграф, 2013)

4. А. Ширвиндт Проходные дворы биографии

(Москва: КоЛибри, 2013) 5. С. Ходж Великие художники. Жизнь,

Ирина Ко р о б ь и н а

Олег Кул и к

Ирина Л е б ед е в а

А л е кс а н д р М ел а м и д

Н и кол а й М ол о к

Дмитрий О з е р ко в

Бо р и с О рл о в

Василий Ц е р етел и

С е р ге й Чобан

А н атол и й О с м ол о в с к и й

Директор Музея архитектуры им. А. В. Щусева

Художник

Генеральный директор Государственной Третьяковской галереи

Художник

Искусствовед, директор по развитию фонда Stella Art Foundation

Куратор проекта «Эрмитаж 20/21»

Художник

Исполнительный директор Московского музея современного искусства

Архитектор

Художник

Наталия Гончарова. Между Востоком и Западом (Москва: Государственная Третьяковская галерея, 2013)

Р. Фрост Современное искусство: Путь искусства от Сезанна до нашего времени (НьюЙорк: Crown Publishers, 1942)

Русские художники на Венецианской биеннале. 1895–2013 Автор-составитель Н. Молок (Москва: Stellа Art Foundation, 2013)

Т. Смит Размышления о современном кураторстве (Нью-Йорк: Independent Curators International, 2012)

Дж. Х. Фолк, Л. Диркинг Еще раз о музейном опыте (Калифорния: Left Coast Press, 2012)

И. Седова, В. Седов Архитектура как область борьбы (Берлин: Tchoban foundation, 2013)

М. Бурганова Русская скульптура XVI–XIX веков: Тотьма. Из серии «Русская скульптура XVI– XIX веков» (Москва: Бургановцентр, 2013)

Т. Беццола, Р. Курцмеер Харальд Зееман: Вместе, около, через, потому что, в направлении, несмотря (Цюрих — Вена — Нью- Йорк: Voldemeer — Springer, 2007)

Е. Барабанов Борис Орлов (Москва: Breus Publishing, 2013)

шедевры, направления, стили (Москва: БММ, 2011)

«Фотодепартамент» 1. С. Сонтаг О фотографии

(Москва: Ad Marginem Press, 2013) 2. Д. Бергер Искусство видеть

(Санкт-Петербург: Клаудберри, 2012)

Книг по искусству в России выходит ничтожно мало. За последний год ничего достойного издано не было, так что и называть нечего.

3. Ф. Бонами Я тоже так могу! Почему

современное искусство все-таки искусство (Москва: V-A-C press, 2013) 4. Р. Барт Camera lucida. Комментарий

к фотографии (Москва: Ad Marginem Press, 2011) 5. Р. Колхас Нью-Йорк вне себя:

Ретроактивный манифест Манхэттена (Москва: Strelka Press, 2013)

«КнигиПодарки»

1. С. Сонтаг О фотографии

(Москва: Ad Marginem Press, 2013) 2. Э. Ланди Тайная жизнь великих художни-

ков (Москва: Книжный клуб 36,6, 2011) 3. Любовь к ботанике Под редакцией

Е. Стрельцовой (Санкт-Петербург: Арка,

2013) 4. Р. Шнакенберг Тайная жизнь великих писа-

телей (Москва: Книжный клуб 36,6, 2010) 5. Д. Сибрук Nobrow. Культура марке-

тинга. Маркетинг культуры (Москва: Ad Marginem Press, 2012)

С е р ге й Куз н е ц о в

Марина Лошак

Т и м М а рл оу

Д ж ул и я П е й то н - Д жо н с

Гл е н н Ф у р м а н

Главный архитектор Москвы

Директор Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Британский журналист, теле- и радиоведущий

Содиректор галереи Serpentine в Лондоне, художник

Коллекционер

В. Ракитин, А. Сарабьянов Энциклопедия русского авангарда. Изобразительное искусство. Архитектура. В 3 томах (Москва: Global Expert & Service Team, 2013) Я всегда искренне считала, что все достижения русского авангарда — это важный вклад в копилку не только русского, но и всего мирового искусства. Однако мы не знаем массы подробностей об учениках, а также о мастерах второго круга. А ведь зачастую именно эти детали оказываются крайне важными для понимания всеобщей истории искусства. Данное издание заполняет эти пустоты. Здесь есть как «главное знание», так и те самые необходимые «мелочи», о которых не подозревают даже профессионалы. Материал собирался в течение 12 лет. Коллективу составителей (169 человек!) удалось выстроить настоящую пирамиду Хеопса.

Э. Каро Энтони Каро: Цикл работ «Парк-авеню». Том 1. Каро в музее Коррер. Том 2 (НьюЙорк: Gagosian Gallery, 2013) Два элегантно оформленных каталога были изданы в преддверии масштабных выставок Энтони Каро, организованных в Лондоне и Венеции в честь грядущего юбилея 89-летнего мэтра, недавно скончавшегося от сердечного приступа. На деле эти заказные издания оказались одними из лучших работ, когда-либо написанных об одном из величайших явлений в скульптуре за последние полвека. Майкл Фрид, автор замечательного эссе о творчестве художника в 1960-е годы, добавляет, что Каро «и в 89 лет не покинула несгибаемая воля художника-перфекциониста». Он сам, как и его работы, был полон жизни. Об этом и книга, написанная с невыразимым оттенком грусти по ушедшему гению.

Когда отношения становятся формой: Берн-1969/Венеция-2013 Под редакцией Джермано Челанта (Милан: Fondazione Prada, 2013) Для меня лучшей книгой по искусству этого года стало издание, посвященное смелому эксперименту: я имею в виду реконструкцию эпохальной выставки 1969 года Когда отношения становятся формой изобретателя кураторства Харальда Зеемана, открытой Фондом Prada в Венеции в июне этого года. Удивительно даже не то, что удалось каким-то чудом или найти, или воссоздать почти все ключевые инсталляции и работы того периода, а сама организация выставки, перенесенной из предельно минималистских помещений «белого куба» в роскошные барочные интерьеры дворца Корнер.

Э. Фишль, М. Стоун Плохой парень: Моя жизнь на холсте и вне его (Нью-Йорк: Crown Publishing Group, 2013) Я получил огромное удовольствие от прочтения автобиографии Эрика Фишля, посвященной его жизни и карьере в искусстве. У эпохи «буйных 80-х» много общего с сегодняшним художественным миром. Вообще было забавно читать о суперзвездах того времени, представляя, как будут выглядеть наши теперешние модные художники лет через 30. Истории о дружбе и соперничестве с такими личностями, как Джулиан Шнабель, Росс Блекнер, Дэвид Сале и Питер Хелли, не говоря уж об очаровательной Мэри Бун, делают книгу невероятно увлекательной. Ее можно проглотить за пару дней.

Г. Ревзин Русская архитектура рубежа XX–XXI веков (Москва: Новое издательство, 2013) Книга посвящена периоду работы команды предыдущего мэра и результатам этой работы. Это интересная и полезная антология того времени со всеми плюсами, минусами и странностями, которые тогда происходили, написанная хорошим языком. Я читаю ее отдельными главами по темам, которые интересуют меня в данный момент. Например, в преддверии рассмотрения на Архитектурном совете нового объекта на Арбатской площади я специально освежил в памяти историю, события и реакцию общественности на создание нового здания на месте снесенного Военторга. Для меня эта книга имеет вполне практическое значение.

MMOMA Art Book Shop

1. «кАРТы»: Творческая игра

2. Д. Сибрук Nobrow. Культура марке-

тинга. Маркетинг культуры (Москва: Ad Marginem Press, 2012) 3. Garage: Журнал

4. Oleg Dou: Альбом (Москва: Artguide, 2012) 5. Серия развивающих книг для детей

британского дизайнера PatrickGeorge

«Подписные издания»

1. История красоты Под редакцией У. Эко

(Москва: Слово/Slovo, 2013) 2. В. Папанек Дизайн для реального мира

(Москва: Д. Аронов, 2008) 3. А. де Боттон Архитектура счастья. Как

обустроить жизненное пространство (Москва: Классика-XXI, Арт-транзит, 2013) 4. Д. Кэмерон Путь художника (Москва:

Гаятри/Livebook, 2013) 5. В. Шестаков История американского

искусства: В поисках национальной идентичности (Москва: РИП-холдинг, 2013)

«Республика»

1. А. Лебедев Синематографика (Москва:

Студия Артемия Лебедева, 2010) 2. Г. Коддингтон Grace. Автобиография

(Москва: Синдбад, 2013) 3. С. Сонтаг О фотографии

(Москва: Ad Marginem Press, 2013) 4. Р. Колхас Нью-Йорк вне себя: Ретроак-

тивный манифест Манхэттена (Москва:

Strelka Press, 2013) 5. Д. Леннон Письма Под редакцией Х. Дэвиса (Москва: Слово/Slovo, 2012)

№ 10 (19) декабрь 2013 – январь 2014

THE ART NEWSPAPER Russia

Выставка Cartier в Гран-пале — 28

Роскошь

Багаж знаменитых клиентов Louis Vuitton — 29

Швейцарская часовая марка Audemars Piquet поддержит музыкальный фестиваль «Гитара вокруг мира», первый концерт которого пройдет 8 декабря, в Москве, во Дворце на Яузе. Звездой фестиваля станет известный французский гитарист-виртуоз Фредерик Белинский, потомок литературного критика XIX столетия Виссариона Белинского.

москва россия

Швейцарская часовая мануфактура с 275-летней историей показывает себя в Государственном историческом музее Текст

Е кате р и н а И с то м и н а , Ъ

Часы Petite heure minute paillone в технике горячей эмали и пайоне. Корпус из розового золота 750 пробы

осковская экспозиция Волшебное путешествие (Jaquet Droz Enchanted Journey, 13 декабря – 14 января) — это часть мирового турне исторических и современных часов Jaquet Droz к 275-летию со дня основания марки. До этого выставка уже успела побывать в Шанхае и Гонконге. У Jaquet Droz действительно значительное наследие. Создатель марки Пьер Жаке-Дро был одним из самых прославленных швейцарских часовщиков века Просвещения. Увы, в Москве не покажут его самые главные произведения — автоматоны Рисовальщик; Музыкантша и Пишущий мальчик. Эти удивительные механические куклы, созданные Пьером и его сыном Анри

Жаке-Дро, выставлены в Музее естественных наук города Нешателя. Так как автоматоны очень старые, то они уже давно не покидают стен швейцарского музея. Посмотреть на них в действии можно лишь в Нешателе, старинных кукол заводят каждую среду. Именно эти автоматоны и прославили Жаке-Дро в просвещенной и модной Франции эпохи последних Бурбонов. Подвижных кукол (их тела сделаны из дерева, головы из фарфора, внутри установлены сложнейшие механизмы) неоднократно возили к королевскому двору. Семья Жаке-Дро отличилась не только на узком профессиональном поприще. ЖакеДро были еще и неплохими

бизнесменами: они первыми из швейцарских часовых мастеров еще в начале XIX века стали продавать свои часы в далеком Китае. Поэтому китайская стилистика и сегодня, на самых заслуженных основаниях, присутствует во многих изделиях марки. В одном из залов Исторического музея специально для выставки выстроят большой черный павильон-стенд. Экспозиция, которая будет насчитывать пять частей, организована как лабиринт. И посетителям предстоит путешествие во времени. Jaquet Droz, марка, входящая в состав влиятельной Swatch Group, в этой группе занимает особенное место. Мануфактура Jaquet Droz отвечает за артистизм, художе-

Жаке-Дро стали первыми швейцарскими часовыми мастерами, которые в начале XIX века стали продавать свои часы в Китае ственные ремесла, в то время как родственный дом Breguet в большей степени несет ответственность за сложную механику. Дело в том, что под этой маркой никогда не производили скучных «деловых» часов. Старинные часовые работы Jaquet Droz — это очень щедро украшенные вещи из желтого золота с мелким речным жемчугом, бриллиантами, рубинами и сапфирами. На мануфак-

туре производили не только карманные часы привычных форм, вроде известнейшей «луковицы», но и часы, инсталлированные в шкатулки и вазы. Кроме драгоценных камней, в старинных часах были цветные эмали с характерными сентиментальными сценками. Как часто бывает в нынешних экспозициях модных, ювелирных и часовых домов, историческая часть выставки дополняется современными изделиями. Так будет и в случае с Jaquet Droz Enchanted Journey: две завершающие части выставки — это часы, созданные на мануфактуре за последние три года. Современные часы Jaquet Droz призваны прославлять очень популярную сегодня концепцию реме-

сел Metiers d’Art. Так называют разноцветные эмали, инкрустации перламутром, драгоценными, полудрагоценными и поделочными камнями, маркетри, вышивку, микромозаику, создание миниатюрной ювелирной скульптуры — словом, все, что помогает придать часам, этому инструменту для измерения времени, вид объекта декоративно-прикладного искусства. И именно такими моделями славится современная марка Jaquet Droz. Особенно успешными и харизматичными можно считать часы из коллекции Les Ateliers d’Art. В ней представлены модели с миниатюрными ювелирными скульптурами птиц, которые помещены в центре циферблата. �

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

роскошь санкт-петербург россия

Версаче для Стравинского. В Шереметевском дворце представляют театральные костюмы, созданные великими итальянскими модельерами Текст

Е кате р и н а И с то м и н а , Ъ

Джорджо Армани. Платье танцора фламенко Хоакина Кортеса для спектакля Душа. 2000

огромной парадной анфиладе Шереметевского дворца на набережной Фонтанки проходит выставка Стиль на сцене. Искусство элегантности (до 20 января). Эта экспозиция стала дебютной частью очень популярного петербургского фестиваля «Дягилев. Постскриптум». Модная выставка готовилась известными мастерами своего дела: ее кураторами стали Массимилиано Капелла, итальянский историк искусства и моды, и Наталья Метелица, директор Санкт-Петербургского государственного музея театрального и музыкального искусства, готовившая когда-то легендарную петербургскую экспозицию Ив Сен-Лоран и театр. В сухих цифрах эта эмоциональная выставка звучит следующим образом: 216 экспонатов, то есть 85 костюмов и 131 эскиз, которые поступили в Петербург из российских и зарубежных коллекций. В представленных в Шереметевском дворце именах — так: Джорджо Армани, Джанни Версаче, Балестра, семья Миссони, Альберта Ферретти, Валентино Гаравани, Роберто Капуччи, Лаура Бьяджотти, дом Fendi (то есть давний дизайнер мар-

Массимилиано Капелла Итальянский историк искусства и моды, куратор международных выставок

Наталья Метелица Директор СанктПетербургского музея театрального и музыкального искусства

ки Карл Лагерфельд). Эти дизайнеры создавали не только свои сезонные коллекции, но и действительно роскошные костюмы для балетных и оперных спектаклей, а также для кинофильмов. На самом деле выставка Стиль на сцене. Искусство элегантности, которая была подготовлена при помощи открывшегося год назад отреставрированного универмага ДЛТ, — это модная экспозиция выдающегося образовательного толка. Интрига заключается в том, что публика давно и надежно привыкла воспринимать моду вышеперечисленных итальянских домов именно как отличные сезонные вещи, как бесконечный набор весенне-летних и осенне-зимних

коллекций. А вот о бурной театральной деятельности модных итальянских домов известно узкому кругу специалистов. Экспонаты выставки, с одной стороны, выглядят весьма привычно. Так, модный дом Missoni использует свои традиционные узоры, а дом Fendi (вернее, его многолетний дизайнер Карл Лагерфельд) задействует в костюмах фирменный для марки цветной мех. Костюмы практически забытого сегодня модельера Роберто Капуччи (заметим в скобках, что каждый дом или дизайнер получил в Шереметевском дворце собственный зал) торжественно воспевают пышные барочные или же в античном духе, с множеством мелких

Эти дизайнеры создавали не только сезонные коллекции, но и действительно роскошные костюмы для балетных и оперных спектаклей складок, композиции. С другой стороны, в удивительном свете предстает, к примеру, Джанни Версаче. Справедливо считается, что гражданская мода Версаче в самом шикарном смысле вульгарна, броска, слишком вызывающа — с точки зрения цветов, смешения стилей и объема. Однако костюмы Версаче, сделанные для балетов Игоря Стравинского (в частности, для Жар-птицы), фантастически

точны. В этих балетных пачках есть пряная скифская экзотика и в то же время аппетитный итальянский шик. Стиль на сцене. Искусство элегантности — это истинная и тонкая музейная работа. Посетить выставку сочли для себя необходимым директор Эрмитажа Михаил Пиотровский и директор РОСИЗО Зельфира Трегулова, а на бурный торжественный ужин, состоявшийся после открытия экспозиции, пришел министр культуры РФ Владимир Мединский в сопровождении директора Михайловского театра Владимира Кехмана. Вряд ли такие мужчины просто так заинтересовались бы модой. Вполне возможно, что выставка в будущем году приедет и в Москву. �

THE ART NEWSPAPER Russia

№ 10 (19) декабрь 2013 – январь 2014

роскошь париж франция

Ожерелья, диадемы и броши кинозвезд и королевских особ от «короля ювелиров» в парижском Гран-пале Текст

Екатерина Истомина, Ъ

Мэрилин Монро с украшением Cartier

Парижский бутик Cartier. 1920-е гг. Герцог Виндзорский (бывший король Британии Эдуард VIII) и Уоллис Симпсон

Махараджа патиальский Бхупиндер Сингх с «ожерельем Патьяла» Cartier

Вивьен Ли и Лоуренс Оливье

Грейс Келли

ыставка История и стиль великого французского ювелирного дома Cartier пройдет с 4 декабря до 16 февраля в парижском Гранпале. Это «намоленное», драгоценное место: здесь проходит Парижская антикварная биеннале, где традиционно участвуют и главные ювелирные дома — от Cartier, Chaumet и Bvlgari до Harry Winston и Piaget. Экспозиция Cartier в Гранпале обещает быть необычайно обширной: будет показано 600 ювелирных украшений, наручных и настольных часов (в том числе 15 «магических»), предметов интерьера. Экспонаты предоставлены самим домом, который постоянно пополняет свое персональное музейное со-

Выставка в Гранпале — грандиозный парад французского декоративноприкладного искусства в его «драгоценном» сегменте брание, хранящееся в том же здании, где с 1896 года находится флагманский магазин, — на рю де ла Пе. Кроме того, свои сокровища на выставку прислали Музей декоративных искусств, Музей Галлиера, Национальная библиотека Франции, Библиотека Парижской оперы, а также частные коллекционеры (среди них — суверен Монако Альбер II Гримальди, в собрании которого нахо-

дятся драгоценности его матери, княгини Грейс). Изделия Cartier в Гран-пале будут дополнены эскизами, фотографиями и архивными документами. Значение выставки в Гранпале (ее в Cartier называют главной экспозицией за последние 30 лет) трудно переоценить: это грандиозный парад французского декоративно-прикладного искусства в его «драгоценном» сегменте. Всем хорошо известна фраза британского короля Эдуарда VII, которую он произнес на открытии лондонского магазина Cartier в 1902 году: «Король ювелиров, ювелир королей». Это имя значит не меньше, чем изумительные украшения или часы. Дом Cartier — это

настоящие, неподдельные инновации. Дом Cartier — это непревзойденные изобретения, достойные самых прославленных музеев мира. К таким стоит отнести белоснежный кружевной стиль «гирлянда», придуманный в 1902 году ювелиром Луи Картье, знатоком искусства предреволюционных Бурбонов: это были чрезвычайно нежные и трепетные украшения, ювелирные банты, ленты из белого золота с бриллиантами. Это и знаменитый бестиарий Cartier, прежде всего коллекция Пантера. Первые эскизы этой серии относятся еще к 1914 году (то были часы на подвеске с пятнистым, из бриллиантов и черного оникса, орнаментом), однако самым известным украшени-

ем считается брошь Пантера, сделанная по эскизу Жанны Туссен для герцогини Виндзорской в 1947 году. Необходимо вспомнить и культовое кольцо Trinity (1925), придуманное по совету Жана Кокто: три соединенных вместе кольца из белого, желтого и розового золота. Драгоценности в индийской, японской и китайской стилистике всегда были в центре внимания мастеров Cartier, как и их ювелирные цветы, а также драгоценности в этрусском и древнеегипетском духе. Но дом Cartier — это не только украшения, но и многочисленные часовые инновации. К примеру, минималистичные часы Santos 1904 года, созданные Луи Картье для друга — летчика

и денди Альбера Сантос-Дюмона. Или модель Tank с дизайном, вдохновленным гусеницами танка Renault, давшая жизнь целому семейству Танков (существуют английский, французский и американский варианты). Часовое мастерство Cartier сочеталось с ювелирным и даже с инженерным искусством. Именно к «инженерным» вещам стоит отнести настольные «магические» часы: у них был полностью прозрачный, из горного хрусталя, корпус, заключенный в золотую рамку (оставалось непонятным, где же скрывается механизм, приводящий в движении стрелки). Экспозиция Cartier в Гран-пале, пожалуй, станет главной ювелирной выставкой Европы 2013 года. �

WWW.THEARTNEWSPAPER.ru

THE ART NEWSPAPER Russia

роскошь москва россия

Французский дом выставляет на Красной площади багаж и личные вещи своих знаменитых клиентов Текст

Е кате р и н а И с то м и н а , Ъ

Чемодан-кровать. 1875. Спроектирован Луи Вюиттоном для исследователя и путешественника де Бразза

еликий французский дом Louis Vuitton перенял эстафету у своего коллеги по группе LVMH — дома Dior. Напомним, что в июле этого года Dior провел модный показ в специально выстроенном павильоне на Красной площади. Показ был приурочен, с одной стороны, к ряду исторических дефиле Dior, состоявшихся в Москве в июне 1959 года, а с другой — к 120-летию ГУМа. Louis Vuitton, конечно, тоже мог устроить показ (и он был бы мемориальным, ведь дизайнер коллекций Марк Джейкобс, работавший с 1997 года, в конце сентября покинул марку), но решил все-таки пойти более спокойным путем, а именно устроить выставку с зазыв-

но-романтическим названием Louis Vuitton — душа странствий (до 19 января). Итак, сюрреалистический, лунатический серебристосерый павильон Dior на Красной площади сменился на лапидарный гигантский стендчемодан Louis Vuitton. И это не простой чемодан: его форма была скопирована с формы багажа одного из самых первых русских клиентов Louis Vuitton — князя Владимира Орлова. Особенностью этого исторического багажа являются инициалы (P. W. O. — Prince Wladimir Orlov), а также российский триколор. Архивы дома Louis Vuitton свидетельствуют, что среди заказчиков были и представители императорской фамилии Романовых — великие кня-

Историческая часть экспозиции будет дополнена видеоартом, для создания которого Louis Vuitton пригласил 12 художников зья Кирилл и Борис Владимировичи. Любопытно, кстати, что великий князь Кирилл Владимирович после отречения Николая II , расстрела его семьи и убийства наследовавшего престол великого князя Михаила Александровича оказался первым претендентом на русский трон и даже был объявлен в парижской эмиграции императором всероссийским в изгнании. Так что в определенном (довольно лукавом, впрочем) смыс-

ле можно сказать, что багаж Louis Vuitton был и у одного из русских царей. Еще одной известнейшей клиенткой дома была русская балерина Матильда Кшесинская (ее багаж также значится в экспозиции). В Москву французы привезут багаж (сундуки, сумки) и личные вещи (несессеры, аптечки) своих знаменитых клиентов: актрис Греты Гарбо и Катрин Денев, писателя Эрнеста Хемингуэя, художницы Тамары де Лемпицки, писательницы Франсуазы Саган, танцовщицы Айседоры Дункан, махараджи Барода, голливудских звезд Шэрон Стоун и Софии Копполы, архитектора Захи Хадид, а также музыканта Владимира Спивакова и балерины Дианы Вишневой . Публика сможет увидеть и багаж, придуманный

для Louis Vuitton знаменитым британским художником Дэмиеном Херстом. Историческая часть экспозиции, которая продлится до 19 января, будет дополнена видеоартом, для создания которого Louis Vuitton пригласил аж 12 художников. В Louis Vuitton, части группы LMVH, которой владеет бизнесмен, поклонник современного искусства, знаменитый коллекционер Бернар Арно , традиционно уделяют значительное внимание культурным проектам. Во флагманском магазине марки на Елисейских Полях есть Louis Vuitton Espace Coulturelle, небольшой, но постоянно функционирующий выставочный центр. В Булонском лесу строится еще один культурный объект, Fondation. Бо-

лее того, в Louis Vuitton существует концепция La Maison: торговое пространство становится одновременно культурным. Как небольшой музей оформлена и часть первой мануфактуры Lous Vuitton в предместье Парижа Аньер. На первом этаже старого дома, построенного сыном Луи Вюиттона , сохранена лирическая, в духе модерна, обстановка начала XX века, а на втором — наиболее примечательные старинные вещи, включая легендарный «африканский» чемодан-трансформер. Эту модель со встроенной раскладной кроватью Луи Вюиттон разработал в 1875 году для знаменитого путешественника Пьера Саворньяна де Бразза, именем которого названа столица Конго — Браззавиль. �