Momeñe 2y3

Eva Herrera Martínez.

1.- A Fotografía.

CAPITULO 2.

LOUIS DAGUERRE.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Daguerre Daguerre nació el 18 de noviembre de 1787 o 10 de julio de 1787 en Cormeilles-enParisis, Francia y falleció el 10 de julio de 1851 en Bry-sur-Marne, Francia a los 63 años.

Fue el primer divulgador de la fotografía, tras inventar el daguerrotipo, y trabajo además como pintor y decorador teatral.

Louis Daguerre pasara a la historia por inventar el diorama, instalación mediante la que se proporciona sensación de profundidad a las imágenes. Este invento despertó la atención del público parisino en un espectáculo que consistía en crear la ilusión al espectador de que se encontraba en otro lugar a través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban con un juego de luces y sonidos, etc.…, para que pareciese que el espectador estaba en situaciones como una batalla, una tempestad, etc. Para que todo esto fuera creíble, las pinturas debían ser muy realistas y por esta razón, a Daguerre le interesaba la aplicación del principio de la cámara oscura al Diorama.

Sus instalaciones llegaron a la Opera de París y su éxito fue tal que fue condecorado con La Legión de Honor en Francia.

El diorama fue un espectáculo visual diseñado por Daguerre en el que se mostraban una imágenes de paisajes naturales, interiores de capillas u otras vistas mediante elaborabas técnicas escenográficas que incluían movimientos como el de las nubes o el de un sol que al pasar cambia las tonalidades del paisaje. Así, con juegos de luces, transparencias, efectos sonoros, elementos en relieve y otros efectos, se conseguía recrear con gran realismo distintos entornos. Daguerre patentó su diorama en 1823, un año después de poner en marcha su primer espectáculo en París, en el que mostraban dos paisajes recreados detalladamente en imágenes de 21,3 x 13,7 metros, visibles a través de un marco de 7,3 x 6,4 metros a 12 metros de distancia del

espectador. Este espectáculo que cosechó éxitos durante casi veinte años, se presentaba en un edificio especialmente creado para la ocasión, con un palco de más de 300 espectadores. La zona del público estaba compuesta por unos asientos sobre una plataforma giratoria que, tras el visionado de la primera imagen, giraba hacia la segunda. El invento, como ocurriera con su Daguerrotipo basado en el invento de Joseph Nicéphore Niépce, no es realmente suyo, sino que supo ver los deseos de un público que empezaba a reclamar espectáculos como ese, que realizaban desde antes, aunque en escala menor, otros diseñadores escénicos como Philiippe – Jacques Loutherbourg 1740-1812 con su ‘E idophusikon’ o Franz Niklas Kónig 1765-1832 con su ‘Diaphanorama’.

El segundo invento fue el Daguerrotipo, el primer procedimiento fotográfico dado a conocer públicamente, en el año 1839, en París. Daguerre seguía con sumo interés los descubrimientos que acerca de la fotografía se realizaban en aquella época. Utilizaba la cámara oscura para hacer maquetas de sus vastas composiciones, y empezó a ocuparse seriamente en reproducir sus trabajos. Hizo algunos ensayos con sustancias fosforescentes, pero la imagen era fugaz y visible tan solo en la oscuridad. Daguerre trabajo en numerosas ocasiones con el óptico Charles Chevalier quien lo puso en contacto con Joseph Nicéphore Niépcce, al conocer los experimentos que éste estaba realizando en la fijación de imágenes de la cámara oscura. El 5 de diciembre de 1829 firmaron un contrato de sociedad, en el que Daguerre reconocía que Niepce ‘habia encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recorrir al dibujo, las vistas que ofrece la naturaleza’. Fueron varios días los que Daguerre y Niepce estuvieron trabajando juntos. Cada uno informaba al otro sus trabajos. Trabajaban con placas sensibles de plata, cobre y cristal. Hacían uso de vapores para ennegrecer la imagen.

Sin volver a verse, al morir Niépce en 1833, Daguerre continuó investigando. Más tarde, en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. Puso una placa expuesta en su armario químico y encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen latente, por efectos del mercurio que se evaporaba y actuaba como revelador. Daguerre perfeccionó el daguerrotipo no permitía obtener copias, ya que se trata de una imagen positiva única. Además, los tiempos de exposición eran largos y el vapor de mercurio tenía efectos tóxicos para la salud.

Rápidamente en la ciudad de París e un año se hicieron 500.000 daguerrotipos.

Daguerre, ayudado por su cuñado, consigue sacar al mercado la cámara llamada Daguerrotype, la cual era numerada y llevaba la firma de Daguerre. El manual explicativo del procedimiento del daguerrotipo fue traducido a los principales idiomas.

Con la aportación de Daguerre, se consiguió reducir a un período comprendido entre los cinco y los cuarenta minutos el tiempo necesario para la toma de imágenes, frente a las dos horas necesarias con el procedimiento de Niepce, lo cual suponía un salto

enorme en quince años. A partir de este momento Daguerre comienza a trabajar en la mejora del procedimiento químico con el empleo del yoduro de plata y el vapor de mercurio, así como con la disolución del yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.

De este mismo año es el daguerrotipo más antiguo conocido. Bajo el nombre de Composición nos encontramos ante un bodegón de diversos objetos que presenta una imagen más volumétrica, con mayor profundidad y mejores relieves.

Durante los años 1838 y 1839 se dedicó a promocionar el invento por diversos medios como su intento de crear una sociedad de explotación por suscripción pública de fracasó o las operaciones de tomas de vistas realizadas por las calles de París. Gracias a sus actuaciones logró contactar con Fracois Aragó, científico y olítico liberal, quien en el año 1839 presentó ante la Academia de Ciencias Francesa públicamente el invento.

Daguerre logró un reconocimiento unánime por todo el mundo, recibiendo nombramientos de academias extranjeras y condecoraciones francesas y extranjeras, ocultando los verdaderos logros de Joseph Nicéphore Niepce como predecesor de sus investigaciones. Poco a poco la verdad se fue conociendo y finalmente acabó reconociendo las aportaciones de Niepce.

LEWIS CARROLL.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll Carroll nació el 27 de enero de 1832 en Daresbury, Cheshire, Reino Unido y falleció el 14 de enero de 1898 en Guildford, Surrey, Reino Unido a los 65 años. En 1856, Dodgson descubrió una nueva forma de arte, la fotografía, primero por influencia de su tío Skeffington Lutwidge, y más tarde de su amigo de Oxford Reginald Southey y del pionero del arte fotográfico Oscar Gustav Rejlander.

Dodgson alcanzó pronto la excelencia en este arte, que convirtió en expresión de su personal filosofía interior la creencia en la divinidad de lo que el llamaba belleza, que para el significaba un estado de perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida.

Esto, junto con su pasión por el teatro, que le acompaño durante toda su vida, habría de traerle problemas con la moral victoriana, e incluso con los principios anglicanos de su propia familia. Como anota su principal biógrafo, Morton Cohen – ‘Rechazo rotundamente el principio calvinista del pecado original y lo sustituyo por la noción de divinidad innata’.

La obra definitiva acerca de su actividad como fotógrafo (Lewis Carroll, Photographer, de Roger Taylor (2002), documenta exhaustivamente cada una de las fotografías de Lewis Carroll que se han conservado. Taylor calcula que algo más de la mitad de su obra conservada está dedicada a retratar a niñas. Sin embargo, debe ser tenido en cuenta que menos de un tercio de la tonalidad de su obra se ha conservado. La niña que más veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin, hija del decano de la catedral de Winchester, a la que fotografió unas cincuenta veces desde que tenía 4 años hasta que cumplió 16. En 1880 intentó fotografiarla en traje de baño, pero no se le permitió.

Se supone que Dodgson destruyó o devolvió las fotografías de desnudos a las familias de las niñas que fotografiaba. Se creía que se habían perdido, pero se han encontrado seis desnudos, de los cuales cuatro han sido publicados y dos se conocen apenas. Las fotografía y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas, aunque dicha especulación ha sido desafiada por varios académicos que argumentan que Carroll debe ser comprendido en contexto y, entre otras cosas, que en el espacio de tiempo de la cultura victoriana, la aparición de niñas desnudas era visto como algo totalmente normal porque equivalía a un símbolo de inocencia. También se han argumentado que ha habido inconsistencias y manipulaciones posteriores en la biografía, lo cual contribuyo a la especulación de lo que se ha denominado ‘el mito de Carroll’.

La fotografía le fue también útil como entrada en círculos sociales elevados. Cuando logró tener un estudio propio, hizo notables retrato de personajes relevantes, como John Everett Millais, Ellen Terry, Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron y Alfred Tennyson. Cultivó también el paisaje y el estudio anatómico.

Dodgson abandonó repentinamente la fotografía en 1880. Después de 24 años, dominaba completamente el medio, disponía de su propio estudio en el barrio de Tom Quad y había creado unas 3000 imágenes. Menos de 1000 han sobrevivido al tiempo y a la destrucción intencionada. Dodgson registraba cuidadosamente las circunstancias

que rodeaban la creación de cada una de sus fotografías, pero su resgistro fue destruido.

Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Julia Margaret Camaron, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del Círculo de Bloomsbury, en el que se hallaba Virginia Woolf. En la actualidad, es considerado uno de los fotógrafos victorianos más importantes, y , con seguridad, el más influyente en la fotografía artística contemporánea.

JULIA MARGARET CAMERON.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Julia_Margaret_Cameron Julia Margaret Cameron nació el 11 de junio de 1815 en Calcuta , India y falleció el 26 de enero de 1879 en Kalutara, Sri Lanka a los 63 años.

Se cree que Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll la instruyeron en la fotografía, los dos fotógrafos fotografiaron a Cameron, su familia y su casa en la isla de Wight.

En 1863 Rejlander fue a la isla de Wight a fotografía al vecino Tennyson y parece ser que Cameron aprendió las técnicas básicas de él. Tambien estaba en la isla C. Jabez Hughes que escribió que ‘ cuando las mentes que buscan expresar ideas morales y belleza religiosa empleen el arte e izarlo’. Esta visión concuerda totalmente con la forma de ver la fotografía de Cameron. La literatura, el Renacimiento, la pintura preRafaelista, con autores como Edward Burne- Jones o John Everett Millais y la Biblia influenciaron en su obra. En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel, Cameron le explico su intención de alinear la fotografía con el arte, escribió ‘mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal’. Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.

Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios estéticos con más tenacidad que otros colegas. Transformo en su casa de campo el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.

Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado.

Jamás retocaba o ampliaba sus negativos, sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo sus negativos llevan manchas y huellas dactilares y apasionadas en sus creaciones.

Se trasladó a la isla de Wight con su familia para vivir cerca de su amigo el poeta Tennyson, allí organizó un verdadero cenáculo literario. La personalidad de Cameron es una mezcla de excentricidad, genio, instinto e inspiración. En sus retratos consigue captar la fuerza expresiva de sus modelos, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor.

Realizaba exposiciones de 7 segundos en placas de 30x40cm. Su meta era reproducir la grandeza del hombre interior al mismo tiempo que los rasgos del hombre exterior lográndolo, como se aprecia en su retrato del Sir John Herschel. Este es un típico retrato masculino de Cameron, el cuerpo es reducido a casi solo la cabeza, sin ningún tipo de referencia externa, la cabeza se convierte en un icono que implica inteligencia,

individualismo y, por encima de todo, genialidad. En cambio sus retratos femeninos los trata de forma diferente, estos resaltan la belleza del Renacimiento, a veces con ayuda de complementos, como las alas de la fotografía I Wait que invocan las pinturas de ángeles del Renacimiento.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundidad hacia el interior.

Cameron también cultivó la fotografía alegórica academicista con obras como El beso de la paz de 1859, Ruega por nosotros, alegoría de la anunciación para el Ave María, o El aroma de los lirios, entre otras. Es esta producción la que la lleva a ser integrada en la corriente de la fotografía academicista.

Los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar. Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto del efecto flou un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que le da el carácter poético a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX. Sus fotografías tienen algo de religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael. La historia sagrada se funde con la poesía, como en las fotografías de sus Madonnas, que transmiten la pureza, el niño durmiendo mientras su madre lo cuida…

Despreciaba la técnica, y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas o arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas. Las fotografías estaban realizadas con un objetivo que no cubría el formato de las placas húmedas utilizadas por ella 20x25 y 30x40cm y estaban descuidadas con las placas manchadas o arañadas, por ello los miembros de la London Photographic Society no la admitieron entre ellos. Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías era mala, ya que no aprovechaba las ventajas técnicas de la cámara, como la nitidez, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico, buscaba más la expresión poética que la realista, expresión que conseguía sin duda y por la que ha pasado a la historia de la fotografía.

Rechazaba la idea de que la cámara era un objeto para documentar en vez de para crear arte.

NADAR.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Nadar Nadar nació el 6 de abril de 1820 en París, Francia y falleció el 20 de marzo de 1910 en former 4th arrondissement of París, París, Francia a los 89 años.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de

los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico.

En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz – modo de iluminar al modelo – y del gesto – mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados-, como elementos principales de la fotografía.

Nadar hacia retratos como lo harían un pintor pero con un medio nuevo. Ha habido un largo debate científico sobre si copiaba – imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que, si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado, razón por la cual se prescinde de adornos superfluos. En aras del realismo, desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque, buscando con ello una mayor claridad.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fuel el primer fotógrafo en hacer fotografías con la luz artificial, consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

Está enterrado en el Cementerio de Pére-Lachaise en París.

EDWARD CURTIS.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Sheriff_Curtis Edward Curtis nació el 16 de febrero de 1868 en Whitewater, Wisconsin, EE. UU y falleció el 19 de octubre de 1952 en Whittier, California, EE. UU. Seattle ofrecía muchas oportunidades para progresar, ya que era una ciudad dinámica y en pleno crecimiento, era principal puerto de acceso al Extremo Oriente y Alaska, y una escala obligatoria para los buscadores de oro de Klondike. Tras un accidente de trabajo en el bosque, que lo mantuvo convaleciente durante meses, Edward entró a trabajar en un estudio fotográfico y en poco tiempo abrió su propio estudio, asociado con el de Thomas Guptill. Tuvo bastante éxito comercial haciendo retratos de lujo.

También recibió reconocimiento profesional y ganó númerosos premios – soo o con Guptill -, tanto a nivel local como estatal y nacional, como la medalla de bronce de la Convención Nacional de Fotógrafos Nueva York, 1896. Ambos fueron declarados los fotógrafos líderes de la región de Seattle por la revista Argus. Más tarde en 1904, una fotogrfía suya ganó el concurso The Prettiest Children in America, organizado por una revista femenina, lo que le aporto el encargo de fotografiar a los hijos del presidente Theodore Roosevelt.

Curtis estaba al día de las tendencias del momento, especialmente de la corriente pictorialista, y se dedicó también a la fotografía de paisajes y a retratar la realidad de su entorno como temas urbanos, los mineros en camino al Klondike y, posteriormente, los indígenas de la zona que frecuentaban la ciudad.

Si buena situación económica le permitió asegurar la estabilidad de la familia, su madre, su hermano y sus hermanas, así como una prima con un hijo. Además pudo darles trabajo frecuentemente en el estudio fotográfico. Su hermano Ashael inició su propia carrera como fotógrafo, aunque por separado de la de Edward desde 1989,

debido auna discusión sobre la autoría de unas fotos, después de la que no se reconciliaron nunca.

En 1896 se casó con Clara J. Phillips 1874 – 1932, una amiga de la familia que le había cuidado durante su convalecencia, después del accidente. Tuvieron cuatro hijos un varón y tres hijas.

Curtis era también aficionado al montañismo. En una ascensión al monte Rainier conoció Ella Mc Bride, que se convirtió en amiga de la familia. Curtis y Mc Bride se asociaron profesionalmente. Con el tiempo, Mc Bride se convirtió en una de las fotógrafas norteamericanas más destacadas, conocida internacionalmente. Además, la pasión compartida por la montaña los implicó a ambos en un grupo de activistas que reclamaban que se convirtiera a el monte Rainier en un Parque Nacional,un objetivo que se consiguió en 1899.

En 1895 Curtis hizo su primer retrato de una nativa americana Kikisoblu o Princess Angelique 1800 – 1896, una anciana, hija del jefe Seathl, que vivía precariamente en Seattle. Este retrato le daría fama y le empujó a retratar otros nativos, cuyas fotos se vendían muy bien, y también le aportaron galardones profesionales.

Durante una excursión fotográfica al monte Rainier ayudó un grupo de científicos que se habían extraviados. Entre ellos se encontraron George Bird Grinnell, experto en la cultura de los nativos norteamericanos, y Clint Hart Merriam, cofundador de la National Geographic Society. A raíz de este encuentro, Merriam le contrató en 1899 como fotógrafo oficial de su expedición científica en Alaska. Allí coincidió con el conversacionista John Muir, que le causó una gran impresión. Aprovechó el largo viaje en barco para leer y adquirir conocimientos antropológicos, ampliando así su escasa formación previa.

El año siguiente, Grinnell, que llevaba veinte años haciendo trabajo de campo con los Blackfoot – que le llamaban `` Padre de los Blackfoot´´ - le invitó a la Reserva Piegan en Montana, para fotografiar la Danza del Sol. Para este ritual, a pesar de que fuese prohibido por el gobierno como ´´crimen religioso´´, se reunió un gran número de miembros de la tribu. Curtis , introducido por Grinnell, logró vencer la desconfianza de los Blackfoot, y obtuvo permiso de fotografiar en el campamento y presenciar los rituales sagrados. Además, estableció relaciones personales con miembros de la tribu, con lo que pudo conocer de primera mano sus concepciones éticas y espirituales, y quedó fascinado por una forma de vida diferente, llena de dignidad y sin embargo condenada a desaparecer. Aunque también había indígenas en la zona rural de Minnesota donde Curtis había pasado su infancia, su cultura tradicional ya había prácticamente desaparecido. Con los Blackfoot, entró en contacto por primera vez con una cultura nativa relativamente inalterada por el hombre blanco.

Esta experiencia inspiró el proyecto de su vida que fue fotografiar todas las tribus existentes en el país, y recoger en una gran obra los testimonios de su cultura antes de que se perdiera para siempre. Enseguida lo puso en práctica, y pasó los veranos de 1901 a 1903 en el suroeste del país, con los navajos, los apaches y sobre todo con los hopis. Mientras tanto, su esposa, Clara, se quedó a cargo de los hijos y del estudio fotográfico. Curtis contaba con la venta de las fotos que hacía entre los indios para financiar sus campañas, pero a pesar de su éxito comercial, los ingresos estaban lejos de cubrir los gastos. Por otra parte, sus prolongadas ausencias afectaron la relación familiar.

Curtis buscó financiación para llevar adelante su proyecto. Se dirigió al Instituto Smithsoniano, pero los académicos desconfiaban de un hombre sin formación y con un proyecto desmesurado. Tampoco consigue el apoyo de las editoriales, que consideraban la publicación demasiado costosa y difícil de vender.

IRVING PENN. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Irving_Penn Irving Penn nació el 16 de junio de 1917 en Plainfield, Estados Unidos y falleció el 7 de octubre de 2009 a sus 92 años en Manhattan, Estados Unidos.

Fue un fotógrafo de moda y de retratos.

Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual engresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper´s Bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante un año.

Sus dibujos fueron publicados en Harper´s Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamurosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.

En 1950, se casó con la modelo Lisa Fonssagrives, con quien tuvo un hijo llamado Tom. Tres años después, fundó su estudio fotográfico. Quedó viudo en 1992, cuando Fonssagrives tenía 80 años.

Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.

Publico diversos libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth en 1999 y Photographs of Dahomey en 2004, además de exhibiciones de su obra.

ROBERT MAPPLETHORPE.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe Robert Mapplethorpe nació el 4 de noviembre de 1946 Floral Park, Queens y falleció el 9 de marzo de 1989 a sus 42 años en Boston, Massachusetts.

Fue un fotógrafo estadounidense, célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, genero más de una polémica durante su carrera.

Todavía no se consideraba a sí mismo un fotógrafo, pero deseaba utilizar sus propias fotografías en sus pinturas, en lugar de imágenes sacadas de revistas. ‘ Nunca me gusto la fotografia’, fue citado diciendo, ‘ No la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en las mano’. Sus primera polaroids consisten en autorretratos y la primera de una serie de retratos de su amiga, la cantante, artista, poeta Patti Smith. Estas primeras obras fotográficas se presentaban generalmente en grupos o elaboradamente presentadas en marcos cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía. El paso de Mapplethorpe a la fotografía como único medio de expresión ocurrió gradualmente durante mediados de los años setenta.

A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de esta fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico.

Mapplethorpe declaraba a ARTnews a finales de 1988, ‘no me gusta esa palabra,’’ impactante’’. Yo busco lo inesperado. Busco cosas que nunca he visto antes… Estaba en una posición en que podía tomar las fotos. Me sentí en la obligación de hacerlo’’.

Incluso después de que se diera a conocer como fotógrafo, Mapplethorpe se mantuvo interesado en el arte y en 1988 realizó un espectáculo con imágenes fotográficas impresas sobre tela. También fue coleccionista de fotografías, así como mobiliario, telas y otros objetos de arte. Solicitado como fotógrafo editorial, realizo retratos de famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair.

En la década de 1980 se reafina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica. El primer estudio de Mapplethorpe estaba en el 24 Bond Street, en Manhattan. Para la década de 1980, Sam Wagstaff le dio 500.00 dólares para comprar un loft en el último piso del 35 West 23rd Street, donde vivía y tenía su estudio de trabajo. Mientras, mantuvo el loft de Bond Street como su cuarto oscuro. Mapplethorpe continuo desafiando la definición de fotografía mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para su obra: polaroids en color, fotograbado, platino impreso en papel y lino, Cibachromes e impresiones de tinta de color transferida, así como sus anteriores de gelatina de plata en blanco y negro.

Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo xx.

Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Su visión de la Fundación era que sería ‘el vehículo apropiado para proteger su trabajo, para avanzar en su visión creativa, y para promover las causas que le importaban’. Desde su muerte, la Fundación no sólo ha funcionado como su Pratimonio oficial y ayudado a promover su trabajo en todo el mundo, también ha recaudado y donado millones de dólares para financiar la investigación médica en la lucha contra el sida y la infección por el VIH. Robert Mapplethorpe trabajaba principalmente en el estudio, especialmente hacia el final de su carrera. Sus temas habituales incluían las flores, especialmente orquídeas y lirios de agua; retratos de celebridades, entre los cuales se cuentan el artista Andy Warhol, la cantante y actriz Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones y Patti Smith, el homoerotismo y los actos de BDSM, y desnudos de reminiscencias clásicas.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sadomasoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGTB en su lucha por la igualdad y el reconocimiento. En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publico el Z Portfolio, que se centra en los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment, una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explicitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en sus ano. Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban ‘nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno’. Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la ‘Guerra Cultural Americana’. La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de ‘obscenidad y pornografía infantil’. Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporaneo fueron absueltos, uan de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homoxesualidad masculina podías resultar para el público norteamericano.

Sus fotografías sexualmente connotadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación. Esta critica fue el tema de una obra del artista conceptual norteamericano Glenn LIgon, Notas al margen del Libro Negro. Ligon yuxtapone varias de las más icónicas imágenes de hombres afroamericanos de Mapplethorpe, extraídas de su Libro Negro, de 1988, con diversos textos críticos para complicar el trasfondo racial de las imágenes.

ROBERT FRANK. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Frank Robert Frank nació el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, reside entre Manhattan y Zúrich en la actualidad tiene 93 años.

Se inclino por la fotografía en parte como una forma de escapar a la tradición de los negocios familiares, siendo entrenado por algunos fotógrafos y diseñadores gráficos antes de crear su primer libro de fotografías en 1946, 40 Fotos. Frank emigro a los Estados Unidos en el 1947, y obtuvo un empleo en la Ciudad de Nueva York como fotógrafo de moda para Harper´s Bazaar. Poco después comenzó a viajar por América del Sur y Europa. Publico dos libros más de fotografías tomadas en Perú, y volvió a los EE.UU. en 1950. Ese año fue uno transcendental para Frank, quien después de haber conocido a Edward Steichen, participo en la presentación grupal 51 American Photographers en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, además se casó con una compañera artista, pintora, Mary Lockspeiser, con la que tuvo dos hijos, Andrea y Pablo.

Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y lo que él veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces, comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos. La propia insatisfacción de Frank con el control excesivo que ejercían sus editores sobre su trabajo también fue un factor determinante en su experiencia. Continuo viajando, moviendo a su familia temporáneamente a París. En 1953 retornó a Nueva York y continuo trabajando como periodista fotográfico independiente para revistas como McCall’s, Vogue, y Fortune.

Con ayuda del artista que más influyo sobre su persona, el fotógrafo Walker Evans, Frank recibió un permiso especial de la Fundación John Simon Guggenheim en 1955 para viajar a través de los Estado Unidos y fotografiar la sociedad en todos los estratos.

Llevó a su familia con él en una serie de viajes por carretera durante los dos años subsiguiente, en los que tomo unas 28.000 fotografías. Solo 83 de estas fueron seleccionadas por él para ser publicadas en The Americans. El recorrido de Frank no transcurrió sin incidentes. Mientras conducía a Arkansas, Frank fue puesto en prisión de forma arbitraria después de haber sido detenido por un policía en alguna parte del Profundo Sur, un comisario le indico que tenia una hora para dejar la ciudad. El vehículo no poseía el permiso adecuado y Frank fue arrestado por un periodo corto de tiempo por posesión de un automóvil robado.

Poco después de haber regresado a Nueva York en 1957, Frank conoció en una fiesta al escritor de la generación Beat, Jack Kerouac, a quien le mostro algunas de las fotografías tomadas en sus viajes. Keourac le dijo inmediatamente a Frank ‘Seguro que puedo escribir algo acerca de estas fotos’, contribuyendo posteriormente a la introducción de la edición estadounidense de The Americans. Frank también se hizo amigo de Allen Ginsberg, y fue uno de los principales artistas en documentar la subcultura Beat, que iba de la mano con el interés de Frank en documentar el contraste entre el optimismo reinante en los años 1950 y las diferencias raciales y de clases en la sociedad estadounidense. La ironía que veía Frank en la cultura estadounidense influyó sin duda en su técnica fotográfica, marcando un claro contrate en comparación con la mayoría de los fotoperiodistas contemporáneos, visible en su estilo inusual de enfoque y el uso de luz baja, entre otras características que se desviaban de las técnicas de fotografía aceptadas.

Para ese entonces, sin embargo, Frank se había movido de la fotografía para concentrarse en la realización de películas. Entre estas se encontraba Pull My Daisy de 1959, la cual fue escrita y narrada por Keoruac y protagonizada por Ginsberg y otros dentro del circulo Beat. Pull My Daisy fue elogiada por años como una obra maestra de la improvisación, hasta que el co-director de Frank, Alfred Leslie, revelara el 28 de noviembre de 1968 en un artículo de Villaje Voice que la película de hecho fue cuidadosamente planeada, ensayada y dirigida por él y Frank, quienes filmaron la película con un set profesional de luces.

En 1960, Frank permaneció en el sotano del artista Fluxus George Segal mientras filmaba Sin of Jesus con una concesión de Walter K. Gutman. La historia de Isaac Singer fue transformada para centrarse en la vida de una joven que trabajaba en una granja de pollos en Nueva Jersey. La película estaba supuesta a ser filmada en seis semanas en New Brunswick y sus alrededores, pero Frank terminó filmando durante seis meses.

Su documental de 1972 sobre los Rolling Stones, Cocksucker Blues, es considerado su mejor filme conocido. El filme muestra a los Stones durante su gira del 1972, envueltos en el uso de drogas y el sexo en grupo. Pero quizás lo que más perturbó a los Stones cuando vieron el producto final, fue la manera franca en que Frank capturó finalmente la soledad y desesperación de la vida en la calle. Mick Jagger le indico a Frank: ‘ Es una jodida buena película, Robert, pero si se muestra en América nunca más nos permitirán entrar en el país’. Los Rolling Stones demandaron para impedir que el filme fuera lanzado, y se discutió si los derechos de autor sobre el material filmado recaían sobre Frank o sobre la banda. La corte resolvió la disputa restringiendo la exhibición del filme a ser mostrado no más de 5 veces al año y solo en presencia de Frank. La fotografía de Frank también apareció en la carátula del álbum Exile on Main St de los Rolling Stones. Otras películas realizadas por Frank incluyen Keep Busy y Candy Mountain, ambas co-dirigidas junto a Rudy Wurlitzer.

BILL OWENS.

Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/03/bill-owens.html Bill Owens nació el 25 de septiembre de 1938 en San José en la actualidad vive en Hayward, California.

Es un reportero gráfico, cervecero, editor y fotógrafo estadounidense, conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en la ciudad de Livermore, donde vivía en ese momento, publicadas en el libro Suburbia en 1973.

Bill Owens se introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario del Peace Corps en Jamaica de 1964 a1966 como maestro de la escuela en un pueblo rural.

Se compró una Leica en mal estado por 10 dólares y con la gente del pueblo descubrió su verdadera pasión y vocación como fotógrafo documental social.

Estudio en el San Francisco State Collage, hasta que fue contratado como fotógrafo para el periódico local de Livermore, un suburbio del este de la bahía de San Francisco.

Su fascinación con la gente y estilos de vida le llegó mientras trabajaba para The Independent los fines de semana.

Owens obtuvo una beca Guggenheim en 1976 y dos becas de NEA, y es conocido por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en el Este de la Bahía y publicados en el libro Suburbia en 1973, considerado por Andrew Roth como uno de los 101 libros de fotografía más influyentes del siglo XX. La influencia de Owens fue inmensa durante la década de los 70, especialmente en lo que respecta al tipo de retrato que muestra la clase media.

Bill Owenses uno de los pocos fotógrafos que han fotografiado a las personas en los suburbios de forma importante.otros lo han hecho puntualmente, pero Owens se asocia únicamente con los habitantes de los suburbios que viven en urbanizaciones que absorbieron 60 millones de estadounidenses en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Ha publicado otros libros fotográficos, aparte de Suburbia. También ha publicado en Rolling Stone, Bomb, Esquire y Newsweeky sus fotografías se han expuesto a nivel internacional y se encuentran en muchas colecciones, como las del Museo de Arte Moderno, Museo de Arte de Berkeley, Los Ángeles Museo de Arte Contemporáneo, Museo José San de Arte y el Museo Getty de Los Ángeles.

Owens fundó la cervecería de Buffalo Bill en Hayward en 1983, una de las primeras cervecerías para abrir en California desde la prohibición. Ha escrito libros sobre cómo construir una pequeña cervecería. Su cerveza más conocida es la Pumpkin Ale. Publico la revista American Brewer Magazine durante 17 años. Colecciona carretillas, coches por radio, antiguos rociadores de césped. También tiene una bala de cañon de 12 libras de la Guerra Civil Americana. Colecciona arte popular, animales de madera tallados principalmente. Su favorito es un búho de Felipe Archaleta. Está en el proceso consciente de volver a su infancia.

EDWARD WESTON.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Weston Edward Weston nació el 24 de marzo de 1886 en Highland Park, Estados Unidos y falleció el 1 de enero de 1958 en Carmel Highlands, California a sus 71 años.

Fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18x24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes. Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f-64.

Nacido el 24 de marzo de 1886 en Highland Park, desde temprana edad destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en su comienzos se encuadraba en el pictorialismo. En 1911 abrió un estudio de retratos en Glendale y en 1914 fue miembro fundador de Los Ángeles Camera Pictorialist sin embargo en los años veinte evolucionó hacia una fotografía mas abstracta. En 1921 conoció a Tina Modotti que se convirtió en su amante y por ello entre 1923 y 1925 mantuvo un estudio en México y se relaciono con los movimientos artísticos del momento. La influencia de su amigo el pintor Diego Rivera supuso un cambio completo en su estilo.

El 12 de abril de 1924 expuso una serie de fotografías con tema industrial en el Café de Nadie, durante la Velada Estridentista, donde se dieron cita los artistas experimentales de diversas nacionalidades que en ese momento trabajaban o estaban de visita en la ciudad de México.

Colaboró en el Estridentismo por medio de publicaciones en las revistas estridentistas Irradiador y Horizonte. Durante su estancia en México mantuvo amistad con Manuel Álvarez Bravo, Nahui Ollin y Frida Kahlo.

En 1927 regreso a California instalando poco después un nuevo estudio en Carmel contando con la colaboración de su hijo Brett. En sus trabajos fotográficos ya empieza a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente. La mayoría de su obra la realizo en una cámara de fuelle de 8x10 pulgadas lo que le permitia mayor nitidez y definición en las fotografías y poder obtener las copias en papel por contacto. En 1932 es miembro fundador del grupo f-64 que propone esta estética próxima al realismo, que se enfrenta a la concepción pictorialista de la fotografía.

En 1937 obtuvo una beca de la Fundación Solomon R. Guggenheim que fue la primera que se dio a un fotógrafo. Su compañera Charis Wilson convivio con él desde 1934 a 1945, año en que se divorcio y durante esa época realizo varios trabajos por encargo como la ilustración de Hojas de hierba de Walt Whitman, o colaboraciones con Willard Van Dyke o Nancy Newhall.

Sus ultimas fotografías las tomó en la reserva de Point Lobos en 1948 y en esa época ya estaba afectado por la enfermedad de Parkinson.

SAMUEL BOURNE. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/samuel-bourne.html

Samuel Bourne nació el 30 de octubre de 1834 en Arbour Farm, Mucklestone, Shropshire, y falleció el 24 de abril de 1912 en Nottingham.

Conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas y la técnica de colodión húmedo. Su capacidad de crear excelentes fotografías mientras viajaba por las areas más remotas del Himalaya lo coloca firmemente entre los fotógrafos de viajes más importantes del siglo XIX. Samuel Bourne nació en una antigua familia de agricultores. Después de haber sido educado por un clérigo, consiguió en un banco en Nottingham en 1855. Sus actividades fotográficas como aficionado comenzaron en ese tiempo y rápidamente se convirtió en un fotógrafo paisajista consumado, realizando conferencias sobre fotografía y contribuyendo con artículos técnicos en varias revistas fotográficas.

En 1858, Bourne hizo un recorrido fotográfico por Lake District, y en 1859, expuso sus fotografías en la exposición anual de la Sociedad Fotografía de Nottingham. Al año siguiente, sus fotografías también se mostraron en Londres, en la Exposición Internacional de 1862. Con estos éxitos, decidió renunciar a su cargo en el banco, y se embarco para la India para trabajar como fotógrafo profesional, llegando a Calcuta a principios de 1863.

Inicialmente se asocio con William Howard, un fotógrafo ya establecido en Calcuta. Se trasladaron hasta Simla, donde establecieron el nuevo estudio Howard & Bourne, al que se unió en 1864 Charles Shepherd. En 1866, tras la salida de Howard, el estudio se convertiría en Bourne & Shepherd llegando a ser el estudio fotográfico más importante de la India, y que, como sigue funcionando en Calcuta, quizás sea el negocio fotográfico más antiguo del mundo.

Shepherd permanecia en Simla, llevando a cabo el trabajo comercial del estudio y los retratos, supervisando la impresión y comercialización de los paisajes y fotos de arquitectura de Bourne, mientras que este viajaba por todo el subconsciente indio, realizando 3 costosas expediciones al Himalaya, con hasta 50 porteadores, y realizando posiblemente las primeras fotografías de las fuentes del Ganges.

Cuando Bourne regreso a Inglaterra en enero de 1871, había hecho aproximadamente 2.200 bellas imágenes del paisaje y la arquitectura de la India y el Himalaya.

Trabajando principalmente con una cámara de placa de 10x12, y con el proceso de colodión húmedo, complicado y laborioso, su impresionante cuerpo de trabajo fue siempre de excelente calidad técnica y, a menudo de brillantez artística. Las copias eran realizadas a la albúmina.

Algunos años después de su vuelta a Inglaterra, vendió parte del estudio y dejo de realizar fotografía comercial. Su archivo en el estudio, fue reimpreso y vendido durante más de 140 años, hasta que en 1991 un incendio lo destruyó. Bourne se trasladó a

Nottingham, donde fundó un próspero negocio de algodón con su cuñado, llegando a ser magistrado local. Aunque siguió fotografiando de forma relajada y perteneciendo a sociedades fotográficas locales, gran parte de su energía creativa se dedico a la acuarela.

JOEL MEYEROWITZ. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Joel_Meyerowitz Joel Meyerowitz nació el 6 de marzo de 1938 en El Bronx, Nueva York, Estados Unidos en la actualidad tiene 80 años.

Es u fotógrafo urbano, especialista en paisajes y retratos. Empezó fotografiando en color en 1962 y fue uno de los primeros en utilizar el color en la fotografía como una forma de arte serio, algo que en aquella época no estaba bien reconocido.

Fue miembro de la Cooper Union a principio de los años 70, convirtiéndose en una figura importante para muchos fotógrafos en color actuales.

Inspirado al ver las obras de Robert Frank en el trabajo, Joel reunió a su trabajo como director de arte en una agencia de publicidad y recorrió las calles de Nueva York con una cámara de 35mm. Se inspiro sobre todo en el trabajo de Henri Cartier-Bresson, Robert Frank y Eugéne Atget a los que considera los mejores artistas contemporáneos.

Meyerowitz estuvo casado con un agente de negocios llamada Ana M. Lewis co la que tuvo un hijo, y posteriormente con Maggie Barret, su esposa actual con la que tuvo otro hijo en Manhattan. Residen en su Nueva York natal.

Su estilo se caracteriza por su ambiente callejero, lejos de paisajes naturales, explotación de distintas gamas de colores, filtro lomo en determinadas fotografías, y para representaciones públicas, la firma con una cabeza blanca caricaturizada, propiedad de su página web principal.

Hace planos conjuntos, repletos de detalles y sin jugar con la perspectiva, simplemente añadiendo su correcta angulación para que quede llamativo.

STEPHEN SHORE.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Stephen_Shore Stephen Shore nació el 8 de octubre de 1947 en Nuevo York, Estados Unidos en la actualidad tiene 70 años.

Es un fotógrafo estadunidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. Fue pionero en el uso de la fotografía en color.

Stephen Shore estuvo interesado en la fotografía desde muy joven. Autodidacta, cuando tenía seis años su tío le regaló un cuarto oscuro de revelado. Empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para tomar sus primeras fotografías en color. Cuando tenía diez años le regalaron una copia del libro American Photographs de Walker Evans, que le influencio profundamente. Sus carrera profesional empezó a la edad de catorce años cuando presento sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografiar del Museum of Modern Art de New York. Steichen que supo reconocer el talento de Shore adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, la Factoria, para fotografiar a Warhol y el entorno creativo que le rodeaba. En1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de New York.

Shore se embarco en una serie de viajes a la América rural tomando fotografías de paisajes. En 1972 realizo un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Observando las calles y pueblos por los que viajaba tuvo la idea de fotografiarlos en color, primero usando una cámara de 35mm y luego una cámara de 4x5´´ y finalmente una de 8x10´´. En 1974 obtuvo una beca NEA, seguido en 1975 de una beca Guggenheim y en 1076 expuso su trabajo en color en el Museum of Art de New York.

Su libro Uncommon Places, de 1982,fue una especie de biblia para los nuevos fotógrafos que usaban el color, porque junto con William Eggleston, su trabajo contribuyo al reconocimiento de la fotografía en color. Muchos fotógrafos posteriores, como Nan Goldin, Andreas Gursky, Martin Parr, Joel Sternfeld y Thomas Struth, han reconocido estar influenciados por su trabajo.

Actualmente y desde 1982, Shore es el director del departamento de fotografía del Bard College, en Massachusetts.

LUIS BAYLÓN. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/06/luis-baylon.html Luis Bylón nació en abril de 1958 en Madrid.

Es un fotógrafo español que realiza fotografía de calle , principalmente de Madrid.

También tiene series sobre Benarés, Pekín y Valencia.

Luis Baylón compró su primera cámara de 35mm con 18 años en un mercadillo. Pronto se hizo con una ampliadora y empezó a realizar todo el proceso de revelado.

En el 80 consiguió su primer trabajo profesional como realista en colegios que compaginó más tarde con su faceta de freelance. En 1984 su padre le regalo una Rolleiflex 2,8F de doble objetivo que será su cámara preferida, y desde ese momento todo viene rodado: Ajoblanco, El País Semanal, El Europeo, El Mundo Magazine, Tentaciones y la legendaria El Canto de la Tripulación.

A finales de los 80 montó un estudio con Quico Rivas y Garcia- Alix en Vallecas y en el 94 se produce su encuentro decisivo con Bernard Plossu, Cualladó y Javier Campano.

En el 98 lanzó Entrefotoscon Caprile y en el 2001 recibió el Premio de La Comunidad de Madrid.

Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color, en especial cuando trabaja para marcas como Swatch o discográficas como Polygram: ha hecho carátulas a Los Enemigos, a Estrella Morente, a Tomasito.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas y ha realizado numerosas exposiciones individuales y en grupo.

MAX PAM. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/07/max-pam.html Max Pam nació en Melburne en 1949 en Australia.

Es un fotógrafo australiano considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más importantes de su país. A través de textos y fotografías plasma su compromiso con las culturas que ha conocido en sus viajes.

Max Pam se encontró de adolescente en los sombríos, opresivos y culturalmente aislados suburbios de Melbourne de la posguerra.

Encontró refugio en la contra-cultura del surf y la imagineria de National Geographic y las revista Surfer y se decidió a viajar al extranjero, dejando Australia con 20 años, después de aceptar un trabajo como fotógrafo de ayudar a un astrofísico.

Juntos condujeron un Volkswagen de Calcuta a Londres, resultando un viaje inspirador y Pam ya no ha dejado de viajar, y viajar es un tema principal en su obra.

Pam ha trabajado en países asiáticos, Europa, Australia y las culturas de Océano Índico como la India, Pakistán, Myanmar, Yemen, Tanzania, Islas Mauricio, Madagascar, las islas Cocos y las Christmas.

Su primera exposición fue en la Art Gallery of Western Australia en 1986, y fue seguida por una retrospectiva de mitad de su carrera en la Art Gallery of Western Australia en 1986, y fue seguida por una retrospectiva de mitad de su carrera en la Art Gallery of New South Wales en 1991. También fue objeto de una importante exposición en el Comptoir de la Photographie de París en 1990, que abarcaba el trabajo de tres décadas.

Going East ganó en Grand Prix du Livre Photographique en 1992 y el mismo año realizó su mayor exposición en solitario hasta la fecha en el Sogo Nar Museum of Art de Nara, Japón. En 2010 su Atlas Monographs ganó el premio al Mejor libro del año en PHotoEspaña.

Ha publicado sus trabajos en revistas y tiene obras en importantes colecciones públicas y privadas en Australia, Gran Bretaña, Francia y Japón. Actualmente enseña medio fotográfico en la Universidad Edith Cowan de Perth.

MAN RAY. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=man+ray Man Ray nació en Filadelfia, Estados Unidos, en 1890 y falleció en París en 1976.

Fue un artista estadounidense impulsor de los movimientos dadaísta y surrealista en Estados Unidos.

Empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslado a Brooklyn con su familia, donde fue a la escuela. Recibió una beca para estudiar Arquitectura y la rechazó al igual que la idea de una educación académica.

En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la Nacional Acadamy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se produjeron en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1908 se casó con la poeta belga Adon Lacroix. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Fundó, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.

En 1918 trabajó con aerógrafos. En 1920, con K. Drejer y Duchamp, fundó la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionaban todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

Sus primeras obras experimentales son las Rayoggrafías de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hizo también retratos, de hecho se convirtió en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d’Ingres (1924).

Cuando el surrealismo se separó del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Hacia finales de los años veinte comenzó a realizar películas de vanguardia, como La Estrella de mar (1927).

En 1930 se instalo en París hasta 1940, y allí centralizó el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray volvió a la fotografía. Realizo la serie de

solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y siguió pintando en estilo surrealista; publicó varios volúmenes de fotografías y rayografías.

En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Mundo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1940, escapando de la ocupación nazi en París, se instalo en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se ganó la vida como profesor de fotografía.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su sensibilidad ágil y humorística. Entre pinturas y fotografías hay que incluir también películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.

Como pionero del Dadáismo y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo.

Regreso a Francia en 1951, publicando en 1963 su Autobiografía.

En 1973 el Metropolitan Museum de Nueva York le dedico una retrospectiva a su obra fotográfica.

HELMUT NEWTON.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Helmut_Newton Helmut Newton nació el 31 de octubre de 1920 en Berlín, Alemania y falleció el 23 de enero de 2004 en Los Ángeles, Estados Unidos a sus 83 años.

Fue un fotógrafo australiano de origen alemán que se considera uno de los más importantes del siglo XX. Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, las que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.

De origen judío, nació en Berlín, en el año 1920. Compró su primera cámara en 1932 con sus ahorros, a la edad de 12 años: era una Agfa Tengor Box. La cámara venia con carrete. Sus primeras fotos fueron en el metro, y todas las fotos se velaron, a excepción de una. En 1938, justo cuando comenzó la persecución contra los judíos, abandono Alemania hacia Singapur con dos cámaras, una Kodak y una Rolleicord.

A su llegada a Singapur, la comisión encargada de recibir a los refugiados le consiguió un trabajo como fotógrafo en uno de los diarios más importantes de Singapur, el Straits Times. Es ahí donde comenzó su carrera fotográfica. Su trabajo consistía en hacer fotos para la sección de sociedad: el estilo de las fotografías de Helmut Newton no gustaba en el periódico, y fue despedido al poco tiempo.

Helmut Newton no gozaba del apoyo de su padre. Si no hubiera tenido que huir a Singapur, su padre habría insistido en que él trabajase en su fábrica de botones.

De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un periodo en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial. Después de abandonar el ejército, cambio su apellido Neustädter por Newton.

Después de la guerra, puso su propio estudio de fotografía en Melbourne y continuo ese punto. Es por época cuando conoció a la que más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marcho a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viajo a París para trabajar en revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijó su residencia habitual. Allí, su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los más éxito.los últimos años de Newton discurrieron entre las ciudades de Nueva York y Montecarlo.

El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra por donde se le observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia han sido de las más prestigiosas revistas. Son famosas las fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos donde algunas de ellas se han convertido en una imagen icónica del siglo XX. Newton fue un enamorado de la belleza, la que casi obsesivamente lograba captar como nadie con su cámara.

Para conocer parte de sus obras –objetos personales tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar-, se puede visitar la Fundación Helmut Newton, , Museum für Fotografie, Jebensstrasse, Berlín.

El 23 de enero de 2004, Helmut Newton murió en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico, nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano (Helmut Newton, autobiografía, ISBN 84-933036-3-1).

Del 24 de marzo de 2012 al 17 de junio de 1012, el Grand Palais de París acogió la primera retrospectiva de Helmut Newton, se expusieron 200 fotografías seleccionadas por su mujer, June Newton. Además de las fotografías, se proyecto un fragmento de un documental grabado por June; en el, June contesta, como sigue, a la pregunta de si alguna vez se ha sentido celosa por el trabajo de su marido: Solo me preocupe una vez, cuando empezó a fotografiar flores; en concreto, flores muertas.

Jude Newton.

En este mismo video, Helmut Newton explica lo que es para él una buena fotografía de moda: Una buena fotografía de moda debe parecer cualquier cosa menos una fotografía de moda: un retrato, una foto recuerdo, una de paparazzi…

Helmut Newton.

SHELBY LEE ADAMS. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/10/shelby-lee-adams.html Shelby Lee Adams nacio en 1950 en Hazard, Kentucky, en la actualidad vive en Massachusetts.

Es un fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos.

Nacido en una familia en el campo, sus abuelos eran granjeros, pero su padre tenía una buena posición y viajaba mucho. El decidió casi en el asiento trasero del coche de su padre.

Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Rodeado de artistas, el achoque cultural fue muy fuerte y, avergonzándose de sus orígenes decía que era de Cincinnati.

Tuvo contacto con el trabajo de la FSA y, aunque no le gustaba mucho, se sumergió en libros de fotografía documental. Con su tío, que era médico rural, visito las partes más recónditas de las montañas Apalaches y contemplo la pobreza de sus gentes, encontrando una similitud con la que había visto en los libros.

Desde 1974, y casi ininterrumpidamente, fotografía una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Es conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. Hoy, más de 35 años después, sigue todavía visitando a esta gente, volviendo de año, visitando, estudiando y documentando sus vidas.

En sus últimos trabajos, Adams nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas, con los discos de las antenas parabólicas dominando el paisaje. Donde antes fotografiaba a padre e hijo rodeados de vacas, ahora retrata a una familia en una porche celebrando Halloween o a una pareja de ancianos con su perro en frente de una antena parabólica. Todo cambia y permanece al mismo tiempo.

Entre otros premios, ha obtenido en 2010 una beca Guggenheim Followship.

Sus obras están en colecciones permanentes como Art Institute of Chicago, Museum of Comtemporary Photography, chicago, International Center of Photography, Nueva

York, Musée de l’Élysée Lausanne, Museum of Modern Art, Nueva York, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts, National Gallery of Canada, Ottawa, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum Washington, DC, Sterdelijk Museum, Amsterdam, Time Life Collection, Rockefeller Center, Nueva York, Victoria and Albert Museum, Londres y Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Entre otras exposiciones, este mes de octubre ha presentado su serie Salt & Truth en Madrid, en la EFTI (Escuela de Fotografía Centro de Imagen).

SEBASTIAO SALGADO.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Sebasti%C3%A3o_Salgado Sebastiao Salgado nació el 8 de febrero de 1944 en Aimorés, Minas Gerais, Brasil en la actualidad tiene 74 años.

Salgado ha viajado a más de 100 países por sus proyectos fotográficos. La mayor parte de éstos ha aparecido en numerosas publicaciones y libros. Exhibiciones itinerantes de su trabajo han sido mostradas en todo el mundo. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI. Ha recibido numerosos premios internacionales, entre otros en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Estudio economía en la Universidad de São Paulo y en la Universidad de Venderbit (EUA). En 1968 logró el máster en economía. Entre los años 1969 y 1971 viajó a París en donde obtuvo el doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económica.

Trabajó en la administración de la OIC hasta 1973, cuando decide dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajando para la agencia Gammacon sede en París para, luego, en 1979 unirse a Magnum Photos. En 1994 dejó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Imágenes en París y representar así su obra.

Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En la introducción a Éxodos dice: ‘’Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos. ’’ En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.

En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad. En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña, Madrid, donde ganó el Premio del Público.

En el año 2014, salió a la gran pantalla el largometraje La sal de la Tierra una película de 2014. Dirigida por Wim Wenders y Juliano Ribiero Salgado. Se narra una aventura de Sebastiao Salgado por los cuatro continentes. El metraje recibió excelentes críticas y llegó a ganar numerosos premios: Premios César: Mejor Documental, Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado, Premios Oscar: Nominado a Mejor largometraje documental.

LEWIS HINE.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Hine Lewis Hine nació el 26 de septiembre de 1874 en Oshkosh, Estados Unidos y falleció el 3 de noviembre de 1940 en Hastings –on- Hudson, Estados Unidos a sus 66 años.

Lewis Hine entra en la Universidad de Chicago en 1902, estudiando Sociología, carrera que continuo en las universidades de Clumbia y Nueva York. En Nueva York, Hine trabaja de profesor en la Ethical Culture School. Durante estos años, Hine valora la cámara fotografía como instrumento para la investigación, como instrumento para comunicar sus hallazgos a investigadores y la enseñanza a los niños de su colegio.

En 1’08, HIne mantiene sus opiniones sobre la fotografía, pero añade que la principal misión de la fotografía es el arte, los factores estéticos de la fotografía, los demás objetivos eran secundarios. A la hora de realizar fotografías (él las realizaba con fines sociológicos) se veía antes como figura artística que como científico.

Muy preocupado por el bienestar de los menos favorecidos, registró la llegada de los inmigrantes a la Isla de Ellis, sus asentamientos en insalubres viviendas, sus trabajos en fabricas y tiendas y a sus hijos jugando en los cubos de basura. Hine comprendía la subjetividad de sus fotografías pero también creía que tenían un enorme poder de crítica, llegando a describir sus fotografías como ‘’fotointerpretaciones’’.

También resalto cualidades positivas como la asistencias de la Cruz Roja en Centroeuropa.

En 1932 publicó su colección Men at Work, documento fotográfico sobre la construcción del Empire State.

Su obra fue donada al Museo Internacional de Fotografía George Eastman House en Rochester.

JOSEF KOUDELKA.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Josef_Koudelka Josef Koudelka nació el 10 de enero de 1938 en Boskovice, República Checa en la actualidad tiene 80 años.

Se interesa por la fotografía a los doce años gracias al señor Dycka, panadero de oficio, fotógrafo aficionado y amigo de su padre. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6x6. En 1956 se traslada a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica. Durante los años de estudios conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, quien le anima a reunir una serie de fotografías para realizar su primera exposición en 1961 en el Teatro Semafor de Praga.

Durante la inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.

Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo. Así, colabora esporádicamente con la revista Divadlo (teatro) y su interés por la música tradicional y de los rroma le lleva a hacer de los gitanos su principal sujeto fotográfico.

En 1965 es invitado por el director del Teatro tras el puente (Divadlo za branou ) a fotografiar espectáculos teatrales. Y junto a Marieta Luskacová emprende varios viajes por el este de Eslovaquia con el fin de fotografiar celebraciones religiosas.

En 1966 se publica el primer libro de fotografías de Koudelka, que recoge la serie de la obra de Alfred Jarry Ubu Rey, que había sido puesta en escena por Jan Grossman.

En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión Artistas Checoslovacos y recibe

el premio anual de la asociación por ‘’la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro’’.

Expone por primera vez las fotografías de gitanos tomadas en 1961 y 1967 bajo el rotulo de Cikáni. Al año siguiente viaja a Rumania para continuar su proyecto sobre estilo de vida de los gitanos y regresa a Praga un día antes de que comience la invasión de Checoslovaquia por parte de las tropas del Pacto de Varsovia. A lo largo de los días siguientes fotografía el enfrentamiento entre soviéticos y checoslovacos. Estas fotografías saldrán de Checoslovaquia en 1969 por mediación de Anna Fárová y será distribuidas por la Agencia Magnum, entonces presidida por Elliott Erwitt, a las revistas y periódicos de mayor relevancia internacional (Look, The Sunday Times Magazine y Época) sin que se mencione e nombre de su autor para protegerle de posibles represalias. Este relato visual ‘’de un fotógrafo checo’’ le valdrá el Premio Robert Capa del Overseas Press Club.

En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar su visado decide no regresar a su país , convirtiéndose desde ese momento en apátrida. Hasta 1980, gracias al asilo político de Inglaterra, fija su residencia en Londres y se dedica a recorrer diversos países europeos fotografiando celebraciones populares, escenas cotidianas y gitanos.

En 1971, Elliott Erwitt le propone unirse a la cooperativa Mágnum Photos y Kodelka acepta ser miembro asociado. Es entonces cuando a Henri Cartier-Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, aprendió de fotografía más que nunca en su vida y que éste es la persona que mejor conoce su obra, a lo que ayuda el hecho de que sea el editor de la mayor parte de los libros de Koudelka.

El Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York rinde homenaje al fotógrafo organizando una exposición individual con el título de Josef Koudelka. Y en ese mismo año, 1975, Robert Delpire publica en París el libro Gitanos: el final del viaje (Gitans: la Fin du Voyage), que recibirá el Premio Nadar tres años más tarde.

En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se nacionaliza francés.

En 1986 es invitado por la Mission Photografique de la DATAR a formar parte, junto a otros fotógrafos, de un proyecto cuyo objetivo es documentar la diversidad de paisajes, tanto urbanos como rurales, de Francia. Tras probar a hacer fotografías en París, Normandía y Bretaña, se decide por la región de Lorena, donde la reestructuración de la industria metalúrgica estaba produciendo grandes cambios en el terreno. Con esta experiencia comenzara a emplear sistemáticamente cámaras panorámicas, pues ya realizaba fotografía panorámica desde 1958.

Hasta hoy en día, Josef Koudelka ha recibido prestigiosos galardones en reconocimiento a su labor, como el Premio Cartier Bresson, la Medalla de la Royal Photographic Society o el Premio internacional de la Fundación Hasselblad y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia.

EDWARD STEICHEN.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Steichen Edward Steichen nació el 27 de marzo de 1879 en Luxemburgo y falleció el 25 de marzo de 1973 en West Redding, Connecticut.

En 1881 emigra con su familia a los Estados Unidos de América, donde su padre encontró trabajo en una mina de cobre. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession, (club de fotografía artística) el cual tenía la intención de elevar la fotografía como un medio artístico en sí mismo, sin necesidad de imitación a otras artes, tal como el pictorialismo estaba impuesto en la época. Durante la primera guerra mundial se dedicó en ella como fotógrafo. Más tarde trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue y durante la primera guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la US- Marine y posteriormente dirigió la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Su aportación más importante a la fotografía es la exposición The Family of Man que realizo para el MoMA. El 14 de febrero de 2006 se subastó en Sotheby’s, Nueva York, una de sus ampliaciones, titullada ‘’The Pond-Moonlight’’ de 1904, cuyo valor ascendió a 2,928 millones de dólares (2,46 millones de euros), siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.

FRANCESCA WOODMAN. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Francesca_Woodman Francesca Woodman nació el 3 de abril de 1958 en Denver, Colorado y falleció el 9 de enero de 1981 en Nueva York.

Sus padres, George Woodman y Betty Woodman, eran artistas plásticos que ahora gestionan un archivo de más de 800 imágenes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas.

Se inscribe en la generación de mujeres de vanguardia de la década de 1970 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, que incluye también a artistas activistas como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

La infancia de Francesca transcurrió entre Boulder, un pueblo de Colorado, y Antella, una aldea de la campiña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. Criada en el seno de una familia de artistas, su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana: con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena. De sus padres obtuvo sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar. Es considerada una niña prodigio.

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Providence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Durante su estancia en la capital italiana se identifico con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos.

En 1979 se traslado a Nueva York, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envio portfolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados y sufrió una depresión. Luego de intentar suicidarse en septiembre de 1980, en una carta a una amiga ex compañera de la Rhode Island School of Design, Sloane Rankin, escribía las siguientes palabras: Mi vida en este punto es como un sedimento muy virjo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones… en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas…

Su obra consiste en retratos, mayoritariamente de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en la sombra, parecen formar parte de las salas invadidas por el deterioro.

A través de sus fotografías, Woodman buscó la denuncia de la situación en la que vivían las mujeres en los años 1970.

Para Francesca Woodman el medio preferido para sus imágenes era el libro: sus fotos pasaban desapercibidas en galerías, sobre todo si tenían que competir con las imágenes de moda, aumentadas a tamaños descomunales. Diseño libros para recoger

sus fotografías, pero sólo se publicó uno de ellos: Algunas geometrías interiores desordenadas en 1981.

Durante su estancia en Roma, elabora fotografías en las que el fondo muestra paredes deterioradas, enfatizando la calidad geométrica del origen arquitectónico clásico, cuyo estado en ruinoso. Estos escenarios recuerdan ambientes en los que le gustaba ubicar su trabajo en Rhode Island, donde buscaba viejas mansiones victorianas o fábricas abandonadas que le pudieran ofrecer el contexto apropiado para lo que quería expresar. En este periodo, sus fotografías muestran la influencia de los pintores clásicos italianos; por ejemplo en su serie Calendario Pez – 6 días , compone un aspecto general de naturalezas muertas junto con desnudos parciales.

JACOB RIIS.

Biografía.

https://es.wikipedia.org/wiki/Jacob_Riis Jacob August Riis nació el 3 de mayo de 1849 y falleció el 26 de mayo de 1914.

Fue un fotoperiodista y reformador social. Es célebre por emplear su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los inmigrantes empobrecidos de Lower East Side neoyorquino, quienes fueron los principales sujetos de sus obras. Contribuyó a la erradicación de las casa de vecindad insalubres de los barrios marginales del sur de Manhattan en las que la población malvivía hacinada, apostando en un lugar por la construcción de viviendas modelo, de acuerdo al plan de Boston. Prestó especial atención al problema de la infancia en los suburbios: denunció el empleo de mano de obra infantil en los talleres de explotación laboral o ‘’sweatshops’’, la baja escolarización de los niños, y la falta de zonas verdes y de patios de recreo donde pudiesen crecer de forma saludable. Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el recientemente descubierto flash de magnesio como fuente auxiliar de iluminación para sacar a la luz el modo en que vivía y trabajaba la ‘’otra mitad’’ de la ciudad, y por ello es considerado uno de los pioneros de la fotografía documental norteamericana.

Jacob Riis fue ell tercero de los 15 hijos de Niels Riis, maestro de la escuela, editor del periódico local de Ribe. Su madre era Carolina Riis. Riis estuvo influido por los autores que leyó desde temprana edad, especialmente Charles Dickens y James Fenimore Cooper. A los 11 años de edad su hermano menor se ahogó; la imagen de la tragedia y, después, la de su madre contemplando el puesto vacío del hijo ausente en el comedor, lo perseguiría el resto de su vida. A la edad de 12 años Riis sorprendió a sus familiares con lo que está considerado su primer acto filantrópico, al donar sus estrenas de Navidad a una familia pobre de Ribe en tiempos en los que el dinero escaseaba. A los 16 años se enamoro de Elisabeth Giortz, con quien se casaría y tendría varios hijos, tras haber prosperado en América.

Riis viajó a los Estado Unidos en 1870 a los 21 años de edad en busca del sueño Americano. Llegó en una época de gran convulsión social, dado el alto índice de inmigración europea, los problemas asociados a la industrialización y los excesos derivados del capitalismo.

La demografía de las urbes estadounidenses creció de manera significativa, con grupos de emigrantes heterogéneos que llegaban por multitudes y establecían enclaves étnicos. Al desembarcar en Estados Unidos, Riis fue uno más de los emigrantes pobres que arribaban con la esperanza de prosperar. Como inmigrante sin techo, conoció de primera mano las insalubres condiciones de los asilos policiales, que más tarde denunciaría en sus obras.

Riis desempeño varios oficios precarios antes de lograr el puesto de reportero policial del periódico New York Evening Sun. En 1874 se unió al Brooklyn News, que llegó a dirigir. En 1877 trabajó como reportero policial del New York Tribute, así como de corresponsal de varios diarios daneses. Durante todo ese tiempo como reportero policial, Riis recorrió los bajos fondos de Nueva York para documentarse y denunciar el modo en que vivía la población.

Fue el primer periodista estadounidense en emplear el flash de magnesio, lo que le permitió captar tomas fotografías de la vida nocturna de los suburbios, que publicó junto a sus artículos de prensa y libros, y de las que hizo diapositivas de linterna mágica con las que ilustraba sus conferencias, que gozaban de un público multitudinario. En 1890 publicó su primer libro Cómo vive la otra mitad, que se convirtió en un éxito de ventas. Por vez primera en la historia del documentalismo social, gracias al incipiente proceso tecnológico de los semitonos, se incluían imágenes con apariencia fotográfica que ilustraban el texto, además de los estandarizados grabados de rigor. El libro impresionó a Theodore Roosevelt, y promovió importantes reformas sociales. Hoy Cómo vive la otra mitad sigue siendo una obra de referencia ineludible en la historia social norteamericana.

Riis escribió otras 12 obras, entre las cuales se cuenta su autobiografía. La formación de un americano (The Making of an American) en 1901.

LEE FRIEDLANDER. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Friedlander Lee Friendlander nació el 14 de julio de 1934 en Aberdeen, Estados Unidos, en la actualidad tiene 83 años.

Realizó estudios de fotografía en el Art Center School entre 1953 y 1955, al año siguiente se trasladó a Nueva York y estuvo trabajando en portadas de discos de ,úsica de jazz. En sus primeros trabajos se notaba la influencia de Eugéne Atget, Robert Frank y Walker Evans.

Su primera exposición monográfica la realizo enla George Eastman House de Rochester en 1963 en la que ya empezaba a explorar el paisaje urbano y a proporcionar un nuevo sentido a la fotografía documental. En la exposición realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1967 destacó junto a Diane Arbus y Garry Winogrand como representante de ese nuevo documentalismo y desde entonces ha realizado numerosas fotografías dotadas en muchos casos de sentido del humor.

Uno de sus trabajos más significativos fue el análisis del caos en la vida cotidiana de la generación de los años cincuenta para lo que contó con una beca de John Simon Guggenheim Memorial Foundation en 1960, 1962 y 1970, fruto de esta investigación fue el libro The American monument y la exposición en la Galería Corcoran titulada The nation’s capital in photographs. En 1958 logró la recuperación de los negativos de Ernest James Bellocq que contenían una serie de retratos sobre las prostitutas de Nueva Orleans a principios del siglo XX, con la colaboración de Susan Sontag y John Szarkowski dio lugar al libro titulado Bellocq : photographs from Storyville, the redlight district of New Orleans. Aunque también son muy conocidos la serie de desnudos que realizó a Madnna en 1979 al comienzo de su carrera, publicadas por Playboy en 1985.

Al estar enfermo de artritis tuvo que ser operado de la rodilla y estar recluido en su casa, durante ese tiempo realizo una serie de fotografías que publico en su libro Stems que en español significa Tallos en 2003. En el año 2005 el MoMA realizó una exposición retrospectiva de su obra, recibiendo ese mismo año el premio internacional de la Fundación Hasselblad.

CAPITULO 3.

HENRY PEACH ROBINSON.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Peach_Robinson Henry Peach Robinson nació el 9 de julio de 1830 en Royal Tunbridge Wells, Kent, y falleció el 21 de febrero de 1901.

Fue un fotógrafo inglés. Comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafaelista, profesión que abandonó para dedicarse a la fotografía, abriendo un estudio fotográfico en 1857.

Inicialmente aplicó a sus imágenes las ideas de la fotografía academicista aportando un poco más de lirismo (influencia del prerrafaelismo).

Su obra más célebre, Los Últimos Instantes, 1858, es considerado el primer fotomontaje de la historia (cada una de las personas que aparecen corresponde a un negativo distinto). Muestra a una joven moribunda en representación teatral, donde nada queda de los aspectos documentales o testimoniales propios de la fotografía. Al igual que Oscar Gustav Rejlander recurre al fotomontaje con el empleo de varios negativos (en esta obra un mínimo de 4), pero sin embargo su obra tiene más que ver con el romanticismo (algunos críticos señalan que el fondo y el personaje del padre recuerdan al paisajista alemán Friederich). Siguiendo las ideas de la fotografía academicista trata el tema de la muerte con el objetivo de pretender su control (representación ideal de la realidad para su manejo).

Perteneció a la Real Sociedad Fotográfica de Gran Bretaña y, posteriormente, al Linked Ring de la que fue cofundador. Las ideas que habrían de provocar el nacimiento de esta última, se encontraban en su obra teórica Efecto Pictorial en Fotografía, 1869, la cual supone un referente básico del pictorialismo fotográfico.

OSCAR REJLANDER.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Oscar_Gustav_Rejlander Oscar Gustav Rejlander nació en 1813 en Suecia y falleció el 18 de enero de 1875 en Londres, Reino Unido.

Fue un fotógrafo y pintor sueco afincado en Inglaterra. Está considerado uno de los pioneros la fotografía artística en la época victoriana.

Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en los temas de la alegoría, el mito, la historia. Para la obtención de la obra final realiza previos bocetos y luego retoca los negativos (montando, coloreando, etc.) con tal maestría que no se nota el retoque. Esta técnica sería empleada por algunos artistas que experimentaron con la fotografía en las vanguardias del siglo XX, si bien sus objetivos eran radicalmente deferentes.

Acometió diversos experimentos para mejorar sus fotografías, incluyendo un procedimiento de impresión fotografía del cual parece ser su inventor. Fue amigo y maestro de Lewis Carroll, quien recopilo la obra inicial de Rejlander y colaboro en resolver los problemas técnicos de éste. A Rejlander se debe uno de los más conocidos retratos de Lewis Carroll.

Participó en la Exposición de París de 1855, realizando dos años más tarde su obra más conocida, el trabajo alegórico titulado Los dos caminos de la vida 1857. La obra fue realizada mediante la combinación de 32 negativos. Exhibida por primera vez en Manchester, para la realización de la obra empleó fondos pintados y realizó fotografías de los personajes por separado, en parejas, en tríos, etc.

Si bien hay cierta incoherencia en la disposición de los personajes, resulta ser una fotografía muy lograda. Presenta una composición geométrica dividida por la figura del Patriarca, cuyo objetivo es ofrecer un mensaje moral: ubica personificaciones del mal (la lujuria, la gula y otros pecados cristianos) a la izquierda de la composición y las del el bien a la derecha, trabajados de forma más luminosa y donde se puede ver alegorías de la virtud, el trabajo, las buenas costumbres, etc. La obra presenta una fuerte referencia compositiva a la pintura renacentista ‘’La Escuela de Atenas’’ de Rafael, más allá de sus diferencias temáticas.

Dada cuenta que la imagen muestra una parcial desnudez provocó cierto escándalo social, lo que le valió acusaciones sobre el empleo de jóvenes prostituta como modelos. El escándalo fue acallado cuando la propia Reina Victoria del Reino Unido le

encargó una copia para regalar al príncipe Alberto. Este hecho provocó su éxito comercial y su calificación como el fotógrafo del poder.

Traslado su estudio a Londres en 1862 donde más tarde experimentaría con la doble exposición, el fotomontaje, la manipulación y el retoque fotográfico. Llegó a ser un experto en técnica fotográfica, convirtiéndose en maestro de otros fotógrafos y realizando diversas publicaciones, lo que le valió ser considerado como uno de los padres de la fotografía artística.

Sus obras se enmarcan dentro de la Fotografía academicista donde no se persigue un fin realista sino una recomposición ideal conforme a unas normas prefijadas, ideales y morales establecidas por la clase social conservadora. Su obra alegórica ‘’La infanta fotografía dándole un pincel adicional a la pintura’’ representa acabadamente la propuesta de este precursor de la fotografía artística, cuyas iniciativas se convertirían más adelante en programa estético en el movimiento pictorialista: legitimar a la fotografía como a una forma artística, a partir de homologarla a los procedimientos y cánones de las artes plásticas, especialmente de la pintura.

Otra de las obras conocidas de Rejlander, sobre todo por las críticas recibidas de sus detractores, es Rejlander el pintor presentando a Rejlander el voluntario, 1871. El autor busca en ella que se vea el truco a fin de que el espectador admire su técnica. La intención de la obra es mostrar la disposición del artista hacia el poder.

ROBERT DEMACHY.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Demachy

Robert Demachy nació el 7 de julio de 1859 en Francia, Saint-Germain-en-Laye y falleció el 29 de diciembre de 1936 en Hennequeville a sus 77 años.

Aunque no se sabe con certeza los motivos a mitad de la década de 1870 descubre la fotografía y se apasiona por ella. Desde ese momento dedica su tiempo a la misma, continuamente realiza toma fotográfica y se dedica a escribir sobre fotografía. Aunque nunca trabajó como profesional de la fotografía, la convirtió en la actividad a la que dedicaba un mayor tiempo.

En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía lo que le permitió conocer a los principales fotógrafos europeos de la época y durante un tiempo se sintió frustrado ante las ideas conservadoras que mantenían. En 1888 funda con Maurice Bucquet el Photo Club de París en el que se mantenían los principios estéticos el pictorialismo y poco a poco este club se convirtió en un movimiento similar a The Linked Ring en el Reino Unido y la Photo-Secession en Estados Unidos. Posteriormente en 1895 sería elegido como miembro destacado de The Linked Ring.

En 1893 se casó con Adeia y se convirtió en uno de los primeros parisinos poseedor de un automóvil.

Fue de los primeros en emplear el procedimiento de la goma bicromatica introducido por A. Rouillé-Ladevéze en el Salón de París. Desarrolló un estilo que se basa en una gran manipulación de la imagen, tanto durante la toma, como en los procesos de revelado del negativo y de nuevo durante la impresión. Estas ideas que él mismo había experimentado las desarrolló en escritos teóricos y prácticos señalando sus conclusiones acerca de la estética y de la goma bricomatada, ayudando a divulgarlas entre los fotógrafos franceses. Entre otras ideas defendió el retoque de la fotografía con el fin de convertirlo en una copia única.

En 1894 junto con Constant Puyo, Le Begue y Bucquet colaboró en la organización del primer Salón de París, basado en los principios artísticos del Foto Club de París, basado en los principios artísticos del Foto Club de París. En 1897 publicó su primer libro junto a Alfred Maskell, a partir del año siguiente comenzó una relación epistolar centrada en las ideas fotográficas con Alfred Stieglitz que duró quince años.

Durante la primera década del siglo XX siguió escribiendo sobre fotografía, y pronto se convirtió en uno de los escritores más prolíficos sobre el tema, incluso sigue siéndolo en la actualidad. Durante su vida escribió más de mil artículos sobre la estética y las técnicas de manipulado de las impresiones.

Sobre 1906 abandonó la técnica de la goma bicromatada a favor de la impresión al óleo (procedimiento a las tintas grasas) y escribe un libro con Constant Puyo titulado Procédés d’art en photographie (procesos artísticos en fotografía) que ejercerá gran influencia en el pictorialismo. En 1911 perfeccionó el proceso del bromóleo. Lo que le permitió llegar a ser incluso más audaz en su estilo visual y en su obra atrayendo pronto a un amplio público internacional. En los dos años siguientes expuso en París, Viena y Nueva y Nueva York, así como Londres. Su dedicación a la fotorafía fue tan grande que provocó su divorcio en 1909.

Entre los diferentes reconocimientos que recibió se encuentra su ingreso en la orden de la Legión de Honor.

Sin previo aviso ni explicación, de repente dejó Demachy de hacer fotografías a principios de 1914. Nunca más tocó una cámara, incluso se negó a tomar instantáneas de sus nietos. El momento de su decisión coincide con el comienzo de la Primera Guerra Mundial en Europa, pero no existe ninguna indicación de que él se viese negativamente afectado por estos acontecimientos.

Cuando murió su madre en 1916, vendió la mansión y se trasladó a un apartamento en el barrio de Montmatre. Posteriormente se trasladó a vivir a una granja de su propiedad, donde gozó de una vida sencilla. Su único esfuerzo artístico para el resto de su vida fue conducir su coche clásico a la playa donde realizaba bocetos de gruesas mujeres nadadoras.

Poco antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus anteriores exposiciones.

JOSÉ ORTIZ DE ECHAGUE.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Ortiz_Echag%C3%BCe José Ortiz-Echague Puertas nació el 2 de agosto de 1886 en Guadalajara y falleció el 7 de septiembre de 1980 en Madrid.

Fue un ingeniero militar, piloto y fotógrafo español. Su hermano, Antonio Ortiz Echague, fue un importante pintor de comienzos del siglo XX. Fue también Gentilhombre de cámara con ejercicio del Rey Alfonso XIII. En el campo de la fotografía artística es quizá el fotógrafo más popular y uno de los más reconocidos internacionalmente. En 1935 la revista American Photography lo consideró uno de los tres mejores fotógrafos del mundo.2 Algunos críticos lo consideran el mejor fotógrafo español hasta el momento, lo cual es más meritorio porque la fotografía fue una afición a la que dedicaba ratos libres, especialmente los fines de semana y durante sus viajes. Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía. Se le suele encuadrar dentro de la corriente fotográfica del pictorialismo, siendo el mejor representante del llamado pictorialismo fotográfico español, aunque esta denominación no le gustaba a Ortiz Echagüe. Su obra fotográfica se enfoca hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consigue expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado.

En 1898 le regalaron su primera cámara; desde entonces y a lo largo de 75 años realizó miles de fotografías. Revelaba él mismo sus negativos usando una técnica al carbón fresson, corriente en su juventud aunque pronto quedó desfasada. Él la usó en toda su obra artística, lo que daba un especial matiz a sus positivos, así como un mayor contraste, que hace que sus obras sean fácilmente reconocibles. Su producción es enteramente en blanco y negro.

Tanto la fabricación del papel como el procedimiento de obtención de fotografías requerían mucha paciencia, una extraordinaria habilidad y un perfecto manejo de la técnica por lo que, con el paso de los años y a medida que se simplificaban los procesos fotográficos, los pocos fotógrafos que lo utilizaban lo fueron abandonando.

El papel llevaba una fina capa de gelatina a la que se añadía pigmento de color negro y se hacía sensible a la luz. El fotógrafo obtenía copias por contacto basándose en el principio de que en las partes de la imagen que recibían menos luz la gelatina quedaba blanda y las partes de imagen que recibían más luz se endurecían con lo cual, al lavar la copia –con agua y serrín para producir roce sobre el papel- se eliminaba la gelatina blanda con el pigmento, quedando esa zona blanca y resistía la gelatina endurecida, aprisionando en su interior el pigmento, produciendo zonas negras. De este modo aparece la imagen sobre el papel.

Dicha imagen, con el papel aún húmedo, podía retocarse mediante pinceles, muñequillas de algodón o raspadores lo que daba al autor una gran libertad creativa.

La capacidad de intervención en el resultado final de una fotografía, la mayor riqueza de tonos que proporciona el pigmento y su estabilidad eran los motivos principales de José Ortiz Echagüe para el uso de este procedimiento. Sin embargo, no es este arcaico método lo más importante en las imágenes del autor. Sin un asunto interesante, una buena composición, luces bien dirigidas sobre los modelos y la correcta disposición de la escena, el procedimiento al carbón directo sobre papel Fresson daría lugar a copias vulgares.

GEORGE RODGER. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/George_Rodger George Rodger nació en19 de marzo de 1908 en Hale, Reino Unido y falleció el 24 de julio de1995 en Ashford, Reino Unido a sus 87 años.

Fue un fotoperiodista inglés, fundador de la Agencia Magnum.

Rodger estudió en la escuela de San Bees, donde se unió a la Marina Mercante británica y navegó alrededor del mundo a finales de los años 20. Durante la vuelta al mundo, Rodger escribió notas sobre sus viajes y pensó fotografías para ilustrar su cuaderno de viaje. En 1936 regresa a Gran Bretaña, y en Londres encuentra su primer trabajo como fotógrafo en la BBC, hasta que en 1938empieza a trabajar para la Agencia Black Star.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Rodger fue el único fotógrafo independiente británico que pudo tomar fotografías de la liberación de los campos de concentración, realizando una dura crónica de guerra. Rodger fue el primer fotógrafo en entrar en el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945. Sus fotografías de los supervivientes y de las pilas de cuerpos muertos fueron publicadas en Life y en Time y sirvieron para mostrar la realidad de los campos de concentración, los campos de la muerte.

Sus fotografías del Blitz le dio fama para tener un trabajo como corresponsal de guerra en Life. Él cubrió las guerras del Oeste de África y el fin de ella, siguiendo la independencia aliada de Francia, Bélgica y Holanda.

Para Rodger, las guerras se convirtieron en una experiencia traumática no pudiendo volver a trabajar como corresponsal de guerra. Dejó Life y viajó por África y Oriente

Medio, evadiéndose de la sociedad occidental. En 1947, Rodger funda junto a Robert Capa, David Seymour y Henri Cartier-Bresson la Agencia Magnum, trabajando durante más de 30 años como freelance, haciendo expediciones y fotografiando gente y paisajes de África.Gran parte de las fotografías de Rodger sobre Áfricafueron publicadas en National Geographic

RALPH GIBSON.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Ralph_Gibson Ralph Gibson nació el 16 de enero de 1939 en la actualidad tiene 79 años.

Aprendió fotografía en la marina y después fue asistente de Dorothea Lange y Robert Frank. Se denomina «trilogía negra» a sus tres libros: The Somnambulist, Déjà Vu y Days at Sea. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola en Florida, donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía

en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. También tuvo oportunidad de aprender técnicas fotográficas aplicadas a la impresión como el grabado a media tinta. Otra oportunidad que le ofreció su alistamiento fue la de conocer diferentes lugares, de ese modo cuando su barco hacía escala en Nueva York frecuentaba los clubes de jazz y asistía a las lecturas de poesía de Allen Ginsberg, Gregory Corso y Jack Kerouac. Terminó su servicio militar en octubre de 1959 tres meses antes de lo previsto. Durante el mismo no sólo aprendió el oficio fotográfico sino que encontró su vocación de fotógrafo.

A su regreso a Los Ángeles tuvo intenciones de matricularse en la escuela de arte, pero tras una breve estancia en San Franciscodecidió trasladarse para estudiar fotografía en el instituto de arte de esa ciudad. En 1960 comenzó sus estudios, pero sólo cursó dos semestres ya que quería formarse mediante el trabajo. Su profesor, Paul Hassel, le recomendó un trabajo de ayudante con Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio, aunque paralelamente desarrolló su estilo personal. Su primera exposición la realizó en la galería Photographers' Roundtable de la ciudad.

Cuando en 1961 se compró una cámara Leica con película de 35 mm., descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías. En 1962 decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico.

En Los Ángeles comenzó su carrera como fotógrafo independiente, pero no obtuvo muchos trabajos. Sin embargo, estuvo trabajando varios meses para la Cinerama Corporation , que preparaba la Feria Mundial de Nueva York de 1964. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 murió su madre.

Durante el siguiente año trabajó para varios editores gráficos de moda. Uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro, titulado The Strip.

A finales de 1966 decidió trasladarse a Nueva York y se instaló en el Hotel Chelsea con sus Leicas y doscientos dólares en el bolsillo. Esta ciudad estimuló su imaginación y le pareció como un paraíso para los fotógrafos. Pronto consiguió numerosos trabajos y pudo frecuentar los ambientes de los jóvenes artistas. A principios de 1967 conoció a Robert Frank y lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano.

En 1968 conoce a Larry Clark y Mary Ellen Mark, que influyen en su concepción de la fotografía. A partir de ese momento se alejó del fotoperiodismo y expresó un rechazo hacía la fotografía comercial.

Atraído por escritores como Marguerite Duras y Jorge Luis Borges, por la nueva novela, la música atonal y la poesía concreta se dedicó a la vida en la noche y a dormir durante el día. Su concepción de la fotografía cambia y se convierte en el instrumento de su introspección. Sus negativos adoptan un tono surrealista y con ellos decide publicar un libro: The Somnambulist. Sin embargo, debió esperar tres años para publicarlo. Al principio por no encontrar editor, pero en cuanto tuvo varias ofertas prefirió crear en 1969 su propia editorial, Lustrum Press, para mantener así su independencia.

En 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro, y su publicación supuso un éxito inmediato. A partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias.

Desde la publicación de su libro Ralph Gibson fue reconocido en los círculos fotográficos. En 1971 emprendió un viaje por Europa, lo que le permitió tomar gran

cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu, publicado en 1973 y que fue el segundo de su trilogía. En ese mismo año su editorial, Lustrum Press, editó el libro titulado Tulsa, de Larry Clark. El último libro de su trilogía aparece en 1975, con el título de Days at Sea. Ha recibido numerosas distinciones y premios. En los años 1973, 1975 y 1986 fue premiado por la National Endowment for the Arts; en 1977 por la Deutscher Akademischer Austauschdienst Exchange en Berlín, y por el New York State Council of the Arts; y en 1985 por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.1 También fue condecorado como Officier de L'Ordre des Arts et des Lettres en 1986 y en 2002 como Commandeur de L'Ordre des Arts et des Lettres por el gobierno francés.

Entre sus premios se incluyen: Leica Medal of Excellence Award (1988); 150 Years of Photography Award dado por la Sociedad fotográfica de Japón en 1989; la Gran Medalla de la ciudad de Arlés en 1994 y la Lucie Award en 2007 por lo logros alcanzados a lo largo de su vida. Fue nombrado en 1991 doctor honorario en Artes por la Universidad de Maryland y en 1997 por la Universidad Wesleyan de Ohio.

Gibson vive en Nueva York y viaja con frecuencia a Europa y Brasil.

EUGÉNE ATGET.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Atget Eugéne Atget nació el 12 de febrero de 1857 en Libourne, Francia y falleció el 4 de agosto de 1927 en París, Francia a sus 70 años.

Además de los "Documentos para artistas", Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Atget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época.

Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las vidrieras, una visión que sugiere algo fantasmal. Aunque las fotografías de Atget son tomas directas, y no participan de las búsquedas experimentales de las vanguardias, los surrealistas reconocieron en la obra de Atget un precursor de su estética, especialmente de la práctica del "objeto encontrado".

La fotografía "El eclipse" (1911) de Atget se publicó en la portada del N° 7 de la revista La Révolution Surrealiste. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria. En Estados Unidos está considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80. La Bibliothèque nationale de France (París) ofreció una retrospectiva de Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de julio del 2007.

CLEMENTINA HAWARDEN. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Lady_Clementina_Hawarden Clementina Hawarden nació el 1 de junio de 1822 en Cumbernauld, Reino Unido y falleció el 19 de enero de 1865 en Londres, Reino Unido a sus 42 años.

Empezó con la fotografía alrededor de 1857 o 1858, mientras vivía en la propiedad de la familia de su marido en Dundrum, Condado de Tipperary, Irlanda. Se trasladó a Londres en 1859 donde instaló su estudio en una elegante casa en el sur de Kensington. Allí tomó muchos de los retratos característicos por los que es principalmente recordada, muchos de los cuales incluyen sus hijas adolescentes Isabella Grace, Clementina, y Florence Elizabeth. La característica decoración y el mobiliario de una casa de Londres de clase alta fueron utilizadas para crear puestas en escena y poses teatrales en el primer piso la casa casa. Hawarden utilizaba copias a la albúmina procesadas y viradas a la plata mediante el proceso del colodión húmedo, un método generalmente utilizado en su época.

La Vizcondesa de Hawarden realizó su primera exhibición en la exposición anual de la Sociedad Fotográfica de Londres en enero de 1863 y fu elegida como un miembro de la Sociedad para el siguiente marzo. Su trabajo era ampliamente aclamado para su "excelencia artística", ganando la medalla de composición en la exposición. Hawarden fue considerada una fotógrafa amateur y aunque se apreció su trabajo, nunca fue considerada ampliamente como fotógrafa. Su carrera fotográfica fue breve pero prolífera. Hawarden produjo más de ochocientas fotografías entre 1857 y 1864 antes de su repentina muerte. Durante este tiempo dio a luz a tres de sus ocho hijos. El interés fotográfico de Lady Hawarden se centró en sus hijos. Solo se conserva una fotografía que se cree que puede ser la Vizcondesa Hawarden, aunque también se cree que puede ser un retrato de su hermana Anne Bontine.

Lewis Carroll, también fotógrafo, fue un admirador del trabajo de Lady Hawarden. Su trabajo es también comparado con Julia Margaret Cameron, otra fotógrafa victoriana.

Una colección de 775 retratos fue donada al Museo de Victoria y Alberto de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham. Las fotografías fueron recortadas al sacarlas de los álbumes familiares por razones todavía sin aclarar.

Estos recortes ahora son característicos del trabajo de Lady Hawarden.

Carol Mavor escribió extensamente sobre el sitio del trabajo de Lady Hawarden en la historia de fotografía victoriana así como interpretaciones contemporáneas del mismo.

Mavor afirma que: "Las imágenes de Lady Hawarden muestran temas de género, maternidad, y sexualidad al mismo tiempo que se relaciona con temas inherentes de la fotografía como la pérdida, la duplicación y replicación, la ilusión o el fetiche."

CLAUDE CAHUN. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Cahun Claude Cahun, pseudónimo de Lucy Renée Mathilde Schwob nació el 25 de octubre de 1894 en Nantes, Francia y falleció el 8 de diciembre de 1954 en Saint Heiler, Jersey a sus 60 años.

Muy intimista, poética y con muchos rasgos autobiográficos, la obra de Claude Cahun, en especial la fotográfica, es de difícil clasificación. Su obra fotográfica es conocida principalmente por sus autorretratos performativos de los años 20. En estos, Cahun exploró constantemente los límites del género por medio del uso de trajes y vestidos de diversa índole.

Su pertenencia al movimiento surrealista se ve superada por una inspiración muy baudeleriana y por la búsqueda de un mito personal. No pretende provocar ni dar espectáculo. Se trata de una búsqueda de sí misma, en un juego permanente de

espejos y de metamorfosis, entre la fascinación y la repulsión, en una obra compuesta en gran parte de autorretratos.

De su gusto por el teatro extrae una auténtica pasión por la puesta en escena, tanto de sí misma como de otros objetos. Sus instalaciones son precursoras de fotógrafos contemporáneos como Alain Flescher o de artistas plásticos como Christian Boltanski.

Su autobiografía a través de la imagen concede un papel importante a la identidad sexual: Cahun deseaba ser parte de un tercer género indefinido, en la frontera entre la homosexualidad, la bisexualidad y la androginia. Cuando no se fotografía a sí misma, vuelve sus objetivos hacia sus compañeros masculinos o femeninos para hacerles retratos cargados de ternura: Suzanne Malherbe, Sylvia Beach, Henri Michaux, Robert Desnos...

Claude Cahun creó una obra discreta y sensible, poco conocida en sus tiempos (sólo sería verdaderamente reconocida a partir de 1992). Sus poemas visuales constituyen un trabajo muy original, único en su género, que tuvo una difusión muy restringida.

Habrá que esperar las obras de Man Ray, a quien ella conoció, y sobre todo de Bellmer, para que este tipo de creaciones encuentren su público.

Si Claude Cahun pasó casi inadvertida en su época, sin duda a causa de su independencia y libertad, pero también por su carácter multidisciplinar (era a la vez escritora, mujer de teatro, artista plástica, fotógrafa), esas mismas particularidades la han convertido en una figura reivindicada por un conjunto de personalidades que incluye artistas, diseñadores de moda en busca de inspiración, defensores de la emancipación femenina, partidarios de la indefinición de géneros, etc.

Desde 1992, varios museos de todo el mundo (Museo nacional de Arte Moderno de París, Instituto de Arte Contemporáneo y Tate Modern de Londres, Grey Art Gallery de Nueva York) han consagrado exposiciones a su obra.

La permanencia de Claude Cahun en un segundo plano del mundo de la creación artística (lo que no le impidió participar activamente en las luchas por la liberación de las costumbres, el progreso social o contra el nazismo) fue en gran medida voluntaria.

Su recorrido artístico era sobre todo su precioso jardín secreto, que ella reivindicaba como su aventura invisible. En todo caso, una parte no desdeñable de su obra se ha perdido, sobre todo a causa de su detención por la Gestapo en 1944.

LEE MILLER.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Miller Elizabeth Lee Miller nació el 23 de abril de 1907 en Poughkeepsie, Estados Unidos y falleció el 21 o 27 de julio de 1977 en Chiddingly, Reino Unido.

En los años 1920fue una exitosa modelo en la ciudad de Nueva York, hasta que fue a París y se convirtió en fotógrafa artística. Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó intensamente como fotoperiodista.

Nació el 23 de abril de 1907 en Poughkeepsie en el estado de Nueva York. Sus padres fueron Theodor y Florence Miller. Su padre, de ascendencia alemana, era aficionado a la fotografía y con frecuencia utilizó a su hija como un modelo para sus fotografías, entre las que se encuentran bastantes desnudos realizados con la técnica estereoscópica; también enseñó a sus hijos a realizar fotografías desde pequeños.

Con 19 años conoció a Condé Nast, fundador de la revista Vogue, con quién inició su carrera como modelo. En marzo de 1927apareció en la portada de la revista con una ilustración de George Lepape. Durante dos años fue una de las modelos más solicitadas en Nueva York, siendo fotografiada por Edward Steichen, Arnold Genthe y Nickolas Murray. Cuando una fotografía realizada por Steichen fue utilizada para anunciar un producto de higiene femenina (compresa), se originó tal escándalo que puso fin a su carrera como modelo.

En 1929 se trasladó a París con la intención de convertirse en aprendiz de Man Ray, que en un principio se negó a admitirla como alumna aunque finalmente se convirtió en asistente fotográfica, amante y musa. Abrió su propio estudio fotográfico encargándose a veces de hacer fotografías de moda encargadas a Man Ray para que él pudiese concentrarse en su pintura, por ello muchas de las fotografías tomadas durante este período y atribuidas a Man Ray fueron realmente tomadas por Lee. En estos años fue una participante activa en el movimiento surrealista con sus imágenes ingeniosas y humorísticas, en bastantes casos empleó la técnica de la solarización. En su círculo de amigos estuvieron Pablo Picasso, Paul Eluard y Jean Cocteau, incluso apareció en la película de este último La sangre de un poeta (1930) interpretando una estatua que cobra vida.

Tras terminar su relación con Man Ray regresó a Nueva York en 1932 estableciendo un estudio fotográfico con la colaboración de su hermano Erik que trabajaba como su ayudante de cuarto oscuro. Ese mismo año participó en la exposición de fotografía

moderna europea realizada en la Galería Julien Levy de Nueva York y en 1933 realizó una exposición en solitario en la misma galería. Entre los clientes de su estudio estuvieron Joseph Cornell, Lilian Harvey, Gertrude Lawrence.

En 1934 se casó con Aziz Eloui Bey y se trasladó a vivir a Egipto donde no trabajó de modo profesional aunque si realizó fotografías surrealistas como Portrait of Space.

En 1937 regresó a París donde conoció a su futuro marido, el crítico y coleccionista Roland Penrose.

Entre 1939 y 1945 formó parte del London War Correspondents Corp y en su ejercicio como fotoperiodista fue corresponsal de Vogue durante el Blitz y recorrió Francia fotografiando entre otros los efectos del napalm en el asedio de Saint Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia y el horror en los campos de concentración de Buchenwald y Dachau. Tras regresar al Reino Unido notó los efectos del trastorno por estrés postraumático y en 1947 se divorció de Aziz Eloui Bey y se casó con Roland Penrose del que se encontraba embarazada. Al tener su hijo su actividad fotográfica fue casi abandonada, siendo conocida en esta época como Lady Penrose.

En 1949 se trasladó a vivir a Farley Farm House en Sussex donde residió hasta su muerte originada por un cáncer.

Algunas de sus fotografías fueron seleccionadas en la exposición The Family of Man realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1955. En 1976 fue invitada de honor en los Encuentros internacionales de fotografía de Arles y en 1989 se realizó una gran retrospectiva que recorrió buena parte de Estados Unidos. En 2012 se incluyeron varias de sus obras en 13ª edición de la documenta en Kassel.

AENNE BIERMANN.

Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/aenne-biermann.html Aenne Biermann fue una fotógrafa alemana (nacida el 8 marzo de 1898 en Goch, una ciudad de Renania del Norte-Westfalia y fallecida el 14 enero de 1933 en Gera), que fue uno de los principales defensores de la Nueva Objetividad, un importante movimiento de arte que se desarrolló en Alemania en la década de los años 20.

Anna Sibilla Sternfeld nació en una familia adinerada ashkenazi. Su padre Alfons Sternfeld era dueño de una fábrica de cuero. Recibió educación en cultura y música. En 1920 se casó con Herbert Joseph Biermann, un rico comerciante textil y aficionado al arte de Goch, y se mudaron a la ciudad de Gera.

Biermann fue una fotógrafa autodidacta. Sus primeros temas fueron sus dos hijos, Helga y Gershon. Mineralogista aficionada, gracias a su colección de rocas conoció al geólogo Rudolf Hundt en 1926, quien le encargó fotografiar su colección al año siguiente para su trabajo científico. Sus fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotografía, un importante movimiento del arte en la República de Weimar. Su trabajo se dio a conocer internacionalmente a finales de los 20, cuando formaba parte de cada gran exposición de fotografía alemana.

Las grandes exposiciones de su trabajo incluyen el Munich Kunstkabinett, la Deutscher Werkbund y la exposición del Museo Folkwang en 1929. Otras exposiciones importantes fueron la exposición titulada Das Lichtbild celebrada en Múnich en 1930 y la exposición en el Palais des Beaux Arts de Bruselas en 1931.

Aenne murió de una enfermedad del hígado en 1933 en Gera. Los nazis incautaron buen parte de su archivo a su marido. Desde 1992 el Museo de Gera celebra el concurso bianual Premio Biermann Aenne de fotografía contemporánea alemana, que es uno de los eventos más importantes de su tipo en Alemania.

FLORENCE HENRI.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Florence_Henri

Florence Henri nació el 28 de junio de 1893 en Nueva York, Estados Unidos y falleció el 24 de julio de 1982 en Laboissiére-en-Thelle, Francia a sus 89 años.

Fue una fotógrafa y artista. Creció en Europa y estudió en Roma, donde conoció a los futuristas, en Berlín, en París con Fernand Léger y Amédée Ozenfant, y finalmente en la Bauhaus de Dessau antes de regresar a París, donde comenzó con la fotografía.1 En su obra se incluye la fotografía experimental, la publicidad y los retratos, muchos de artistas.

En 1913 Henri se trasladó a Berlín para continuar sus estudios de música con el pianista-compositor Ferruccio Busoni.2 Cuando la primera guerra mundial estalló en 1914, Henri se vio atrapada en Berlín, con su dinero congelado. Para lograr vivir, Henri tocó el piano para películas mudas. Después de visitar la Academia de las Artes de Berlín, Henri decidió seguir con la pintura, en lugar de la música. A lo largo de este período, Henri se centró en paisajes y estudios de figuras. También en esta época, conoció al crítico e historiador de arte judío alemán Carl Einstein que se convirtió en un mentor y amigo íntimo hasta su muerte en 1940. Después de la PGM, Henri estudió con artistas como Johann Walter-Kurau y Vasili Kandinski.

En 1924, Henri decidió trasladarse a París, pero tuvo dificultades para obtener permiso de residencia en Francia. El 18 de junio de 1924, Henri se casó con Karl Anton Koster en Lucerna. Era un matrimonio de conveniencia para Henri, que de esta manera quería obtener permiso para residir en Francia. Koster y Henri se divorciaron en 1954.

La obra de Florence Henri ocupó un lugar central en el mundo de la fotografía devanguardia a finales de los años veinte. Se hizo miembro del grupo Círculo y Cuadrado en 1929.1 En la Bauhaus, Henri conoció a László Moholy-Nagy y acudió a su curso de fotografía de verano. Se trasladó a la casa de Moholy-Nagy y se hizo amiga íntima de su esposa Lucia Moholy quien la animó a centrarse en la fotografía.

Para 1928 había abandonado la pintura e instaló su propio estudio como fotógrafo freelance profesional.

Uno de sus autorretratos se publicó por Moholy-Nagy en i10 Internationale Revue. La crítica de Moholy-Nagy reconoce que sus fotografías cumplen el principio de "extrañar" donde las "reflexiones y las relaciones espaciales, las superposiciones y las penetraciones se examinan desde un nuevo ángulo de perspectiva". Muchas de sus fotografías incorporan espejos; Henri usó espejos para sus propias dramatizaciones, en fotografía comercial y para hacer retratos de amigos como Jean Arp, Petra Van Doesburg, Sonia Delaunay, Vasili Kandinski, Fernand Léger, y Margarete Schall.

En 1930, participó en la Exposición Internacional ‘Das Lichtbild’ La Fotografía en Múnich. Al año siguiente, fotografías suyas se incluyeron en una exposición de ‘Fotografía publicitaria extranjera’ en Nueva York. Su obra se comparó a la de los fotógrafos Man Ray, László Moholy-Nagy y Adolphe Baron de Mayer, así como con el ganador del primer premio en la exposición, y director de la Bauhaus, Herbert Bayer.

Al hacer esto es une a las filas de los iconos de la vanguardia de aquella época. La importancia de su obra fue reconocida por exposiciones en solitario y la publicacioón en varios periódicos, incluyendo N-Z Wochenschau. Produjo una serie de imágenes de la bailarina Rosella Hightower.

Habiendo situado su estudio de retratos en París en 1928, para 1930 dio clases que incluyeron futuras celebridades como Gisèle Freund y Lisette Model.

Conforme se aproximaba la segunda guerra mundial tras la toma del poder por los nazis, hubo un declive marcado en su obra fotográfica que habría sido considerado arte degenerado. Materiales fotográficos habrían sido progresivamente más difíciles de obtener y Florence Henri regresó a la pintura abstracta hasta su muerte en los años ochenta.

MARGARET BOURKE-WHITE.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Margaret_Bourke-White Margaret Bourke-White nació el 14 de junio de 1904 en Nueva York, Estados Unidos y falleció el 27 de agosto de 1971 en Stamford, Estados Unidos a sus 67 años.

Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell. Fue alumna de Clarence H. White en la Universidad de Columbia y después abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica. Fue la primera mujer corresponsal de guerra (y la primera a la que se le permitió trabajar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial) y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista Life, dirigida por Henry Luce. Una fotografía suya fue portada de la primera edición, el 23 de noviembre de 1936.

Era una mujer de izquierdas que hizo varios viajes a la antigua Unión soviética (URSS).

En 1930 fue la primera fotógrafa occidental a la que se le permitió fotografiar la industria soviética. En 1931 publicó "Eyes on Russia". Profundamente sensibilizada por la depresión en el país llegó a interesarse por la política.

Se casó con Erskine Caldwell en 1939 y fueron los únicos periodistas extranjeros en la ocupada URSS tras la invasión del ejército alemán en 1941.

En la primavera de 1945, viajó a través de una Alemania destruida con el Gral. George S. Patton. Cuando llegó a Buchenwald, el tristemente famoso campo de concentración, luego de registrar los restos, dijo: "Usar una cámara era casi un alivio. Esta interponía una ligera barrera entre el horror delante de mí y yo misma". Después de la guerra, produjo un libro titulado "Dear Fatherland, Rest Quietly", un proyecto que le ayudó a entender la brutalidad de la que había sido testigo durante y después de la guerra.

Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi.

GORDON PARKS.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Gordon_Parks Gordon Roger Alexander Buchanan Park nació el 30 de noviembre de 1912 en Ford Scott, Kansas, Estados Unidos y falleció el 7 de marzo de 2006 en Nueva York, Estados Unidos a sus 93 años.

Era el hijo pequeño de quince hermanos del matrimonio formado por Sarah (de soltera Ross) y Jackson Parks.34 Su padre era un agricultor que cultivaba maíz, remolacha, nabos, patatas, col rizada, y tomates. También tenían unos pocos patos, pollos y cerdos.

Asistió a una escuela primaria segregada. Sin embargo, la ciudad era demasiado pequeña para permitir un instituto independiente que facilitase la segregación en los estudios secundarios, pero a los negros no se les permitía practicar deportes o asistir a las actividades sociales de la escuela y les desanimaban para desarrollar cualquier aspiración para realizar una educación superior. Parks relató en un documental sobre su vida que su maestro le dijo que su deseo de ir a la universidad sería una pérdida de dinero.

A los once años, tres chicos blancos lo arrojaron al río Marmaton, sabiendo que no sabía nadar. Sin embargo, consiguió salir por sus medios. A los catorce años murió su madre y poco después lo enviaron a vivir con su hermana en Minneapolis, pero con 16 años su cuñado le hizo marcharse.4 En 1929, trabajó brevemente en un club de caballeros, el Club de Minnesota, donde pudo observar la parafernalia de éxito, pero también fue capaz de leer muchos libros de la biblioteca del club. Cuando tras el desplome de Wall Street de 1929 cerró el club, se trasladó a Chicago, donde encontró un trabajo en una pensión económica. Otros trabajos que realizó fueron ayudante de camarero, leñador, jugador de baloncesto y pianista.

Con 25 años se inició en la fotografía de un modo autodidacta y al ir a revelar su primer rollo los empleados del laboratorio le comentaron que eran unas fotografías muy buenas. A partir de ese momento decidió dedicarse a la fotografía. Se casó y se divorció tres veces. Primero se casó a Sally Alvis en Minneapolis en 1933, se divorciaron en 1961. Después se casó con Elizabeth Campbell en 1962 y se divorciaron en 1973. Conoció a la joven Genevieve en 1962 cuando comenzó a escribir The Learning Tree. Se casaron en 1973 y se divorciaron en 1979.

Tuvo cuatro hijos: Gordon, Jr., David, Leslie, y Toni (Parks-Parsons). Su hijo mayor Gordon Parks, Jr., cuyo talento se parecía a su padre, murió en un accidente aéreo en 1979 en Kenia, donde había ido a dirigir una película. [31] [32] Parks tiene cinco nietos: Alain, Gordon III , Sarah, Campbell y Satchel. También fue el padrino de Qubilah Shabazz, hija de Malcolm X. A lo largo de su vida recibió más de 20 doctorados "Honoris Causa".

Murió de cáncer a la edad de 93 años cuando vivía en Manhattan, pero está enterrado en su ciudad natal de Fort Scott, Kansas.

Tras conocer la obra de Norman Alley y algunas fotografías de la FSA, el primer carrete fotográfico que hizo le animó a dedicarse a la misma. Se había comprado una cámara Voigtländer Brillant y con ella hizo después una serie de fotografías de

modas para una tienda local en Saint Paul (Minnesota). Su trabajo fotográfico dirigido a la captura de las innumerables experiencias de los afroamericanos en toda la ciudad de Chicago, lo llevó a recibir el Julius Rosenwald Fellowship. En 1942 Roy Stryker le contrató para trabajar en la Farm Security Administration, donde pudo poner en práctica la fotografía directa. Uno de los trabajos más conocidos fue el reportaje realizado a Ella Watson, limpiadora de la FSA, realizado en Washington D. C. y titulado American Gothic en relación al cuadro de Grant Wood titulado con el mismo nombre.

Tras la Segunda Guerra Mundial estuvo trabajando como fotógrafo para la Standard Oil desde 1945 a 1948, para Roy Stryker. Alexey Brodovitch intentó contratarlo para trabajar en su revista Harper's Bazaar, pero no pudo hacerlo al ser negro.En 1949 fue contratado por la revista Life, siendo el primer fotógrafo negro que trabajó para la misma. Al estar concienciado con la situación de la población negra realizó reportajes sobre la misma, dando a conocer el barrio de Harlem y la vida en el mismo. Entre sus reportajes más significados se pueden mencionar los realizados con motivo de la muerte de Malcolm X y de Martin Luther King.

Acostumbraba a acompañar sus fotografías con poemas.

WILLY RONIS. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Willy_Ronis Willy Ronis nació el 14 de agosto de 1910 en IX Distrito de París, Francia y falleció el 12 de septiembre de 2009 en XX Distrito de París, Francia a sus 99 años.

El padre de Ronis fue un refugiado judío en Odesa, que abrió un estudio de fotografía en Montmartre y su madre era una refugiada de Lituania que impartía clases de piano.

La primera inquietud de Ronis se encaminó hacia la música, soñando con ser compositor. Volviendo del servicio militar en 1932, sus clases de violín tuvieron que

pararse porque su padre padecía un cáncer que hizo que Ronis tuviera que hacerse cargo del negocio familiar.

Los trabajos de los fotógrafos, Alfred Stieglitz y Ansel Adams inspiraron a Ronis para empezar a explorar el mundo de la fotografía. Cuando su padre murió, en 1949, Ronis cerró el estudio y se unió a la agencia Rapho, con Ergy Landau, Brassaï, y Robert Doisneau con el que participaba en el Grupo fotográfico Les XV. Ronis se convirtió en el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista LIFE. En 1953, Edward Steichen incluyó a Ronis, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Izis, y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno, el MoMA titulada Five French Photographers (Cinco fotógrafos franceses). En 1955, Ronis fue incluido en la exposición The Family of Man (La Familia de los Hombres). La Bienal de Venecia premió a Ronis con la medalla de oro en 1957. Ronis comenzó a enseñar en los 50, y llegó a dar lecciones en la Escuela de Bellas Artes de Avignon, Aix-enProvence y Saint Charles, Marsella. En 1979 Ronis fue galardonado con el Gran Premio de las Artes y las Letras en Fotografía por el Ministro de Cultura.

La esposa de Ronis, Anne Marie fue la modelo de su famosa foto de 1949, Desnudo Provenzal. La foto, mostrando a Anne Marie lavándose en un lavabo con una jarra en el suelo y una ventana abierta desde la que el espectador puede ver el jardín, denota su habilidad para transportarnos las sensaciones de la vida provenzal. Más tarde, Ronis fotografiaría a Anne Marie sufriendo el mal de Alzheimer, sentada sola en una sala del hospital. Anne Marie murió en 1991.

Ronis vivió y trabajó en París donde falleció el 12 de septiembre de 2009 a los 99 años de edad.2 Aunque dejó la fotografía en 2001, cuando comenzó a necesitar un bastón para moverse, lo que le dificultó desplazarse con la cámara, terminó su vida redactando libros para la compañía de publicidad Taschen.

DAVID SEYMOUR.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/David_Seymour David Robert Szymin nació el 20 de noviembre de 1911 en Polonia, Varsovia y falleció el 10 de noviembre de 1956 en Egipto a sus 44 años.

Fue un fotógrafo y miembro fundador de la Agencia Magnum de fotografía.

Crece en Polonia y Rusia, y comienza en 1929 sus estudios en arte y fotografía en Leipzig. En 1931 viaja a París, donde termina sus estudios en 1933.

En París conoce a Robert Capa, Gerda Taro y Henri Cartier-Bresson. Como antifascista viaja en 1936 a España y fotografía el horror de la guerra civil.

En 1939 regresa a París y de allí viaja a México. Luego se establece en Nueva York y sirve para el ejército de los Estados Unidosen la segunda guerra mundial como fotógrafo e intérprete hasta 1945. En 1942 se nacionaliza estadounidense. Terminada la guerra viaja para la Unesco en Checoslovaquia a Polonia, Alemania, Grecia e Italia para documentar los efectos de la guerra en los niños. En 1949 publica el libro Children of Europe.

En 1947, junto con Capa, Henri Cartier-Bresson y George Rodger, funda la Agencia Magnum de fotografía. Tras la muerte de Robert Capa en 1954, toma la presidencia de Magnum.

El 10 de noviembre de 1956, durante la crisis de Suez, fue ametrallado, mientras conducía, junto al fotógrafo francés Jean Roy, por soldados egipcios en el cruce fronterizo, donde quería hacer un reportaje sobre un intercambio de presos en el Canal de Suez.

ROBERT DOISNEAU.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Doisneau Robert Doisneau nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly, Francia y falleció el 1 de abril de 1994 en París, Francia a sus 81 años.

Recibió la formación de grabador litográfico y tipógrafo en París. En 1929 comenzó a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las cajas de emulsión para revelar. Comenzó a trabajar en un estudio fotográfico que posteriormente compraría al morir su dueño. En 1931 comenzó a trabajar con el artista André Vigneau gracias a sus conocimientos como grabador. Este lo introdujo en el mundo de la fotografía como arte. En una entrevista con El País Semanal en 1991 contaba: «Cuando yo empecé, nadie conocía a nadie. No había revistas que difundieran la obra de los fotógrafos más interesantes. Por eso la única persona que me influyó fue Vigneau. Era formidable: escultor, pintor, fotógrafo». En esta época también descubrió a Man Ray. Inicialmente trabajó como fotógrafo industrial y de publicidad en la factoría de Renault de Billancourt, hasta ser despedido por sus repetidas ausencias. Según sus palabras, «desobedecer me parecía una función vital y no me privé de hacerlo». De los objetos inanimados pasó a las fotografías de gente en París y Gentilly. El 25 de septiembre de 1932, L'Excelsior publicó su primera fotografía. La crisis de los años

treinta le afectó, debiendo pasar una larga temporada sin encargos. Vivió en Montrouge desde 1937hasta su muerte. El 25 de septiembre de 1993 Doisneau tomó su última foto.

Con Robert Giraud se abre a la vida nocturna de la capital: jazz, cafés y el arte alternativo. Recorre Montparnasse y Saint-Germain-des-Prés donde se encontrará con Jean Paul Sartre, Albert Camus y Jean Cocteau entre otros. Es su modo de escapar del mundo artificial de 'Vogue'.

En 1950, Doisneau buscaba material para cumplir con un encargo de la revista estadounidense America´s Life, interesada en los enamorados de París. De ahí saldrá la serie Besosy su obra más significativa, El beso. La fotografía muestra de forma misteriosa una pareja besándose frente al ayuntamiento de París.

Muchos pensaron que era una fotografía espontánea que el autor había tomado en las calles parisinas. Sin embargo, años después se supo que la pareja estaba formada por los estudiantes de arte dramático Françoise Bornet y Jacques Carteaud, de los Cursos Simon. El artista que los haría anónimamente famosos los descubrió en un café parisiense y ambos aceptaron posar delante de su objetivo dándose un apasionado beso en mitad del tumulto de la ciudad. La foto se convirtió en un icono reconocido en todo el planeta. El trabajo recorría toda Francia y Estados Unidos con gran éxito, y le abriría las puertas en el extranjero. En 1951 expuso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Es un beso que simbolizó una multitud de cosas: el amor, París como ciudad romántica y representó una época de exaltación del sentimiento. También se convirtió en objeto que aportó jugosas ganancias. Aún hoy el famoso beso vende cientos de miles de copias anuales.

En 1953 abandonó Vogue, sufriendo el eclipse de la fotografía y de los fotógrafos de la posguerra en la década de 1960.

No será hasta 1979 cuando Claude Nori rescate a Doisneau publicando una retrospectiva de su obra en Tres segundos de eternidad.

Rehabilitado para el mundo del arte, en la década de 1980 recorrió Asia, con exposiciones multitudinarias en Pekín, Tokio y Kioto, además de en Roma y en el Museo de Arte Moderno de Oxford.

En 1993 El beso fue llevado a juicio. Una pareja afirmaba haberse reconocido en la imagen y reclamaba su porción del pastel. Por aquel entonces, empezaron a aparecer mujeres y hombres asegurando ser los amantes de la obra y planteando demandas de derecho de imagen. Aquella mentira que hacía creer que era una instantánea improvisada no pudo mantenerse. El fotógrafo ganó el juicio al presentar como prueba la serie completa de fotos tomadas en distintos puntos de París con la misma pareja.

La había encontrado en un café cerca de la escuela de teatro y les había propuesto posar para la foto. Françoise Bornet, la protagonista real de la foto junto a su novio de entonces, Jacques Carteraud, decidió descubrir su secreto: quería un porcentaje de las ganancias. Otra vez Doisneau ganó en los estrados. Pudo comprobar que había pagado el trabajo de Bornet y su compañero. La pareja vendió la copia de su foto que le regaló Doisneau a un coleccionista suizo que pagó por ella 155.000€ en 1992. Más tarde, reconocería el propio autor: «No es una foto fea, pero se nota que es fruto de una puesta en escena, que se besan para mi cámara».

Al fotógrafo se le han dedicado más de un centenar de libros y varias películas. Del cartel de El beso se han vendido más de 500 000 ejemplares en todo el mundo, y el 14 de abril de 2012 el sitio de búsquedas Google le rindió homenaje con un significativo doodle.

BERNARD PLOSSU. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Bernard_Plossu Bernard Plossu nació el 27 de febrero de 1945 en Da Lat, Vietnam en la actualidad tiene 73 años.

La parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes.

De 1951 a 1962 estudió en París. Empezó muy pronto con la fotografía: en 1958. Viajó al Sahara con su padre, con una Kodak Brownie Flash, y, en 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas.

Realizó numerosos reportajes en color en tierras de los indios mayas; recorrió California y todo el oeste americano: Nevada y el Medio Oeste.

En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias "subanalistas": secuencias banales que son, de hecho, surrealistas.

Sigue viajando continuamente, realizando numerosos reportajes en color y, en 1975, viaja, por primera vez, al Níger. Desde entonces no hace más que fotografías en blanco y negro tomadas con una focal de 50 mm. para quedarse al margen de la fotografía comercial.

En 1978, nace su hijo Shane, al que fotografía regularmente.

En 1983 empieza a pintar y a trabajar con la agencia Fotowest

RAYMOND DEPARDON.

Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Raymond_Depardon Raymond Depardon nació el 6 de Julio de 1942 en Villefranche-sur-Saone, Francia en la actualidad tiene 75 años.

Es el fundador de la agencia Gamma. Actualmente, es uno de los más prestigiosos directores de cine documental.

Raymond Depardon fue uno de los fotógrafos fundadores de la agencia Gamma antes de dedicarse casi por entero al cine documental. El paso entre la imagen fija y la imagen en movimiento constituye uno de los mestizajes más interesantes entre artes hermanas como son el cine y la fotografía.

Sus primeros cortometrajes, realizados al mismo tiempo que sus reportajes fotográficos, muestran la tensión entre imagen fija e imagen en movimiento, la necesidad de "liberarse" de la tiranía estática de la fotografía. Sin embargo, a lo largo de su carrera, su relación con la cámara ha ido cambiando, y una vez superada la etapa de exploración de los movimientos de cámara, su cine ha ido volviendo a los orígenes: la imagen fija.

Sus temas son muy variados. En 1974, Depardon hizo un film sobre la campaña de Valéry Giscard d'Estaing para lograr las elecciones presidenciales francesas de 1974 (1974, une partie de campagne). Con Dix minutes de silence pour John Lennon, de

1980, ofrece la memoria del cantante. Un año después, rodó Reporters, documento sobre los fotógrafos de prensa en París; para el cual, durante el mes de octubre de 1980, siguió a muy diversos fotógrafos.

Luego, en 1983, Depardon realizó un documental, Faits divers, sobre la vida cotidiana de la policía parisina, que le serviría para acercarse al mundo de la delincuencia cotidiana, que abordará de otro modo en Delitos flagrantes.

En varias ocasiones ha rodado espaciadamente dos documentales con temas muy similares. Así sucede con San Clemente (1982), donde se detiene en la vida cotidiana en un manicomio situado en una isla veneciana. Depardon es un autor humilde, nada impositivo ("no trato de incomodar; soy tímido y melancólico, prefiero hacer las fotos desde cinco o diez metros"), no indaga sobre la locura sino que registra lo mejor posible -indirectamente- las apariencias, la atmósfera, los ritmos de esos lugares segregados. Y en 1988 utilizará esa experiencia anterior para rodar ahora Urgencias, psiquiátricas de nuevo, en el hospital Hôtel-Dieu de París, con un estilo aún más despojado que antes.

Otro tanto ocurrirá con Delitos flagrantes (1994) y, diez años más tarde, 10ª sala, instantes de audiencia (2004), que recoge declaraciones ante el fiscal de presuntos pequeños delincuentes. Los rodó pidiendo permiso a éstos, y no adjuntaba los castigos posibles. La buena factura del documental, la presencia de formas de cortesía, no podía ocultar la situación extrema de la mayoría de las personas llevadas ante la justicia ordinaria.

Por otro lado, películas como Profils paysans (documental, de 2001, con varias familias de zonas rurales en Lozère, Ardèche y Haute-Loire), exploran la capacidad de un plano fijo para extraer de la realidad toda su esencia, y captar aquello que la fotografía no logra: el paso del tiempo.

En Un hombre sin Occidente (2002), Depardon narra la experiencia de un cazador africano, solitario (sin Occidente), que intenta sobrevivir a finales del siglo XX. Journal de France, del año 2012, es un reciente documental sobre la memoria de Francia del que Depardon es director, guionista y fotógrafo. Busca ahora fragmentos de películas para ver cómo a lo largo del tiempo diversos realizadores atraparon lo más definitorio del mundo francés.

FICHA DE LECTURA. 1.- FICHA BIBLIOGRÁFICA. Título. La Visión Fotográfica.

Autor. Eduardo Momeñe.

Editorial. Eduardo-Momeñe.

Año de edición. Mayo de 2009.

2.- BIOGRAFIA DEL AUTOR. Eduardo Momeñe es un fotógrafo vasco nacido en 1952 en Bilbao, residente en Madrid, docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica.

Eduardo Momeñe es un fotógrafo de largo recorrido, comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Después de pasar unos años por Europa, ha vuelto a residir en Madrid.

A lo largo de su amplia carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía ‘’ La Puerta Abierta’’ o la revista ‘’Fotografías’’, obras bien conocidas en el mundo fotográfico. Su primera exposición fotográfica la realizo en la galería Nikonde Barcelona en 1974, y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en diferentes exposiciones en diferentes países y sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas. Revistas como Vogue, Style, Marie Claire o Elle, han publicado sus imágenes.

Siempre ha estado muy ligado a la enseñanza de la fotografía, impartiendo talleres y seminarios con regularidad. Es recordada su labor en su estudioescuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.

Actualmente coordina el master internacional Nuevo Documentalismo, Nueva Realidad en la escuela EFTI de Madrid. Su labor didáctica la realiza también a través de Internet. Su escuela se llama Afterphoto.

Su libro La Visión Fotográfica es un clásico para los estudiantes de la fotografía.

3.- TEMA PRINCIPAL. En el capítulo 2 y 3 el tema trata sobre la historia y evolución en la fotografía, inicio, relación con distintos ámbitos como el arte, pintores, cineastas...

Y por otro lado distintos estilos, movimientos fotográficos y mas referentes.

4.- RESUMEN. El libro en general nos enseña a ‘’ser fotógrafos’’ intentando hacerlo de manera entretenida, usando términos fotográficos que poco a poco iremos entendiendo para posteriormente poder poner en práctica todo aquello que nos enseña, técnicas, etc.

Se habla sobre la historia de la fotografía y nos ayuda a intentar decidir qué tipo de fotos nos gustaría realizar.

Se desarrolla desde la época de Nicéphore 1821 hasta prácticamente la ‘’actualidad’’ nos habla de distintas maneras en las que se fotografiaba, maquinas… En general la evolución, comparaciones, referentes y ejemplos.

5.- VALORACIÓN PERSONAL. Al leer los tres primeros capítulos he aprendido mucho. He conocido muchos fotógrafos referentes que no conocía hasta ahora, términos que no conocía y me ha hecho pensar como me gustaría que fuera mi trabajo en el futuro.

Por otro lado Momeñe explica la evolución de la fotografía de manera muy relajada y entendible para que comprendamos los cambios que ha tenido la fotografía a lo largo de los años.

Yo recomendaría este libro para que la gente que dice que la fotografía es muy fácil y lo puede hacer cualquiera, o para la gente que quiera entrar en este mundo porque es una guía para llegar a ser fotógrafos.