Eva Herrera Martínez. 1ª Fotografía.
TEMA 4.
FRANCIS FRITH. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Frith Nació en Chesterfield (Inglaterra) en 1822. Fomenta un interés por la fotografía, convirtiéndose en un miembro fundador de la Sociedad Fotográfica de Liverpool en 1853 y cofundador de la Royal Photographic Society.1 Vende sus empresas (primeramente una tienda de comestibles y luego una imprenta) en 1855 para dedicarse enteramente a la fotografía. De 1856 a 1859 Frith hizo expediciones fotográficas a Egipto y Palestina. Su obra aparece en libros publicados por las empresas de Londres James S. Virtud y William Mackenzie entre 1858 y 1865, y publicado por Stereographs Negretti&Zambra en 1862. En 1860, Frith fundó su propia compañía en Surrey, que produjo y distribuyó fotografías e imágenes estereoscópicas para la ilustración de libros y discos. La empresa también hizo reportajes fotográficos de viajes internacionales por Italia, Escandinavia, Suiza, Japón, China y la India, así como un amplio cuerpo de trabajo en Gran Bretaña a fines del siglo XIX. Fue uno de los primeros productores en masa de fotografías en Inglaterra; F. Frith & Co. cerró en 1960.
DUANE MICHALS. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Duane_Michals Nace el 18 de febrero de 1932 en el seno de una familia de la clase obrera, su padre era un trabajador del metal en McKeesport, estado de Pensilvania. Estudia la licenciatura de bellas artes en la Universidad de Denver, iniciando después un curso de postgrado en la Escuela de Diseño Parsons, en Nueva York, aunque abandona los estudios de diseñador gráfico antes de finalizarlos. Su formación fotográfica es autodidacta. En 1958 hace un viaje a Rusia y se propone retratar a todas las personas que se encuentra.1 Esta situación le crea problemas con el gobierno americano ya que existía tensión por la guerra fría. A partir de esta experiencia se dedica con intensidad a la fotografía. Ha trabajado en diferentes campos de la fotografía comercial colaborando con prensa, revistas, como Esquire, Vogue, Mademoiselle... y en la edición del trabajo gráfico de algunos discos musicales. También ha recibido premios por su obra en Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia. Atget es el fotógrafo que más ha influido en sus obras. Aunque en sus fotografías se nota la influencia del surrealismo, especialmente Magritte y Balthus. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana.2 Realizó su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York con los retratos realizados en su viaje a Rusia en 1963. Los retratos que ha ido realizando después han continuado esta tendencia de hacerlos en su propio ambiente y no utilizando el estudio fotográfico. Con los retratos realizados entre 1958 y 1988 ha realizado un libro llamado Album.3 En 1966 expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, con Lee Friedlander, Garry Winogrand, Bruce Davidson y Danny Lyon. En 1970 realiza una exposición en el MOMA de Nueva York. Desde estos años ha realizado bastante exposiciones en todo el mundo.4 La parte más significativa de su obra son las secuenciaciones y la incorporación de textos como elementos visuales integrados. Así en la portada del disco Synchronicity de Policese puede observar esa utilización de la secuencia para cada uno de los músicos.5 En 1966 presenta sus primeras secuencias y poco después incorpora sus textos a sus fotografías, dotándolas de un nuevo contenido ideológico.6 Una característica esencial de su obra es la redefinición del medio fotográfico como un medio artístico y no como un registro de la realidad, destacando el papel de las emociones y los sueños.7 Sus escenificaciones y sus textos añadidos le sitúan en el arte conceptual. Su obra fotográfica en España se dio a conocer a través de la revista Nueva Lente. Su primera exposición fue en una galería de arte privada en Madrid, España en 2001.8 Sus obras fotográficas pueden encontrarse en las colecciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte, el MOMA, el Museo J. Paul Getty, el Museo de Arte de Filadelfia, Moderna Museet, Estocolmo, Suecia; Museo Nacional de Arte Moderno
de Kioto, Japón; National Gallery en Canberra, Australia; y el Museo de Israel en Jerusalén …
RICHARD MISRACH. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/10/richard-misrach.html Richard Misrach es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles, California, en 1949) que ha abordado la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. Consigue que el espectador se meta en su mundo por medio del dominio del color. En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y a gran escala, que es una práctica extendida en la actualidad. Misrach es conocido por su serie en curso, Cantos del Desierto, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano, que es tan fascinante como misterioso y la compleja relación del hombre con él. Se trata de uno de los proyectos más extensos de la fotografía contemporánea. Otros de sus proyectos incluyen la documentación del corredor industrial a lo largo del río Mississippi que se conoce como el Callejón del Cáncer; el estudio riguroso de las condiciones meteorológicas y la hora en sus fotografías de serie Golden Gate; On the beach, en la que sus fotografías desde una perspectiva aérea, estudian la interacción de las personas y el aislamiento; y su proyecto actual, que supone una ruptura radical con su trabajo hasta la fecha, con sus primeras imágenes digitales. Misrach, tras trabajar con cámaras de gran formato, ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color.
Las fotografías de Misrach se encuentran entre las colecciones de más de cincuenta importantes instituciones, como el Museo de Arte Moderno, el Whitney Museum of American Art, Nueva York, la National Gallery of Art, Washington, DC, el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Centro Georges Pompidou, Paris, y el Tokyo Metropolitan Museum of Art. Ha obtenido numerosos premios, como cuatro becas de la National Endowment for the Arts, una beca John Simon Guggenheim Foundation Fellowship, el Premio Literario del PEN Center West en no ficción, el Infinity Award del International Center of Photography y el 2002 Kulturpreis.
JOEL STERNFELD. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-sternfeld.html Joel Sternfeld es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York el 30 de junio de 1944). Pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Su obra busca introducirnos en una realidad donde la nitidez, el color resplandeciente y luminoso, nos sumerge de lleno en uno de los instantes (perfecto, detenido y lleno de detalles) de una narración. Tras sus estudios en Dartmouth College enseñó fotografía en el Sarah Lawrence College en Nueva York desde 1985. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers. El color fue un elemento importante de sus fotografías a partir de entonces. Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans. Trabaja con una cámara 8x10”. American Prospects (1987) es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos. Para hacer el libro, fotografió cosas ordinarias, incluyendo también ciudades abandonadas y paisajes estériles.
Su libro On This Site: Landscape in Memoriam (1997), es sobre la violencia en América. En él fotografía los lugares de tragedias recientes. Al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización. De 1991 a 1994 trabajó con Melinda Hunt para documentar el cementerio público de Nueva York en Hart Island, dando como resultado su libro Hart Island (1998). Ha recibido dos becas Guggenheim (1978 y 1982), una National Endowment for the Arts Photographers Fellowship (1980) y el premio de Roma (1990-91). Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en Nueva York, en el Getty Centerde Los Ángeles, en la Maison Européenne de la Photographie, en Paris, en el Seattle Art Museum y en el Whitney Museum of American Art, Nueva York Ha influido en una generación de fotógrafos del color, incluyendo a Thomas Struth y a Andreas Gursky, que ha tomado prestadas muchas de las técnicas de Sternfeld.
TEMA 5.
RALPH EUGENE MEATYARD. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/ralph-eugene-meatyard.html Ralph Eugene Meatyard fue un óptico y fotógrafo estadounidense (nacido el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y fallecido el 7 de mayo de 1972) interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual. Tras la guerra se casó con Madelyn McKinney y se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico. Sus dueños eran miembros activos del Lexington Camera Club. Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956. La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano cuyos profesores eran Minor White (que también le introdujo en el zen) y Henry Holmes-Smith ( del que aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo). Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo. Aunque vivió durante toda su corta vida dentro de unos patrones bastante normales (entrenador del equipo de beisbol del colegio, directivo de la asociación de padres), cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia. Como otros fotógrafos como Henry Holmes Smith y Harry Callahan, produjo mucho trabajo altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”. Con su temprana muerte en 1972, una semana antes de cumplirlos 47 años, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte.
Mientras que vivió su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank y Eikoh Hosoe. Pero hacia final de los 70, sus fotografías empezaron a aparecer solamente en exposiciones del arte “sureño” y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta la última década, en que gracias principalmente a los críticos europeos, ha emergido el interés por su personal obra, empezando a entenderla y a apreciarla, siendo reivindicado como precursor de las corrientes tenebristas y sicológicas tan en boga desde comienzos del siglo XXI. Una antología de su obra, Dolls and Masks (Muñecas y máscaras) se expone en el Museo De Young de San Francisco.
GUY BOURDIN. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Guy_Bourdin Guy Louis Banarès (París, Francia, 2 de diciembre de 1928 - 29 de marzo de 1991) fue un fotógrafo de modas y de publicidadfrancés, uno de los más destacados de la segunda mitad del Siglo XX
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Guy Bourdin nació en París, Francia. Un año después de nacer, fue adoptado por Maurice Desire Bourdin y su madre, Marguerite Legay, quienes lo criaron. Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia. Aquel año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal. En 1950, exhibe por primera vez su trabajo, un conjunto de dibujos y pinturas en la galería Rue de la Bourgogne en París. Dos años después, ofrece una muestra fotográfica en la Galerie 29. Este catálogo incluye una presentación del artista estadounidense Man Ray.
Nuevamente en la capital francesa, exhibe sus fotografías bajo el seudónimo Edwin Hallan en la Galerie Huit, en el año 1953. Luego, en 1954, presenta una muestra de dibujos en la Galerie de Beaune, en París. También contribuyó con fotografías para la gira de exhibiciones de la C.S. Association UK , en 1954-55 y 1955-57. En ambas oportunidades, su trabajo fue expuesto en galería de arte Whitechapel en Londres, Inglaterra. En febrero de 1955, fueron publicadas sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa. También ese año, exhibió sus dibujos en la Galerie des Amis des Arts y sus pinturas en la Galerie Charpentier, ambas en París. Al año siguiente, expone nuevamente dibujos en la Galerie de Seine. En 1957, exhibió sus pinturas y dibujos en la galería Peter Deitsch de la ciudad de Nueva York, además de contribuir con fotografías para la exhibición grupal titulada Vogue, en la Bienal Internacional de Fotografía de Venecia. Cuatro años después, se casó con Solange Louise Gèze, además de aportar para la muestra grupal Le Photographe en face de son métier, en el Saló Nacional de la Fotografía. En 1965, exhibió nuevamente sus dibujos en la galería Jacques Desbrière de París. Un año más tarde, contribuyó con la feria de arte Photokina 66, en Colonia. 1967 es un año especial para Bourdin, ya que nació su único hijo, Samuel. Ese mismo año, fue por primera vez el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzadosCharles Jourdan, además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo. En 1969, colaboró con la muestra grupal l’insolite et la mode en al galería Delpire de París. Luego de diez años de matrimonio, su esposa Solange Louise Gèze falleció. Durante los años siguientes, Bourdin realizó editoriales de moda por primera vez para la revista Vogue, en su edición italiana en 1972 y su edición británica en 1974. Mientras tanto, en 1973, sus fotos fueron requeridas por la agencia de publicidad Mafia, en París. En 1975, elaboró las fotografías publicitarias para el diseñador japonés Issey Miyake. Al año siguiente, realizó el catálogo de lencería de la marca Sighs and Whispers para la tienda Bloomingdale's de Nueva York. También participó en campañas publicitarias para los diseñadores italianos Gianfranco Ferré y Gianni Versace, además de la marca Loewe. En 1977, realizó su primer editorial fotográfico para la revista Vogue Hommes. Sus imágenes fueron mostradas en la gira de exhibiciones llamada The History of Fashion Photography en diversos locales de Estados Unidos, incluyendo el Museo Internacional de Fotografía., la Casa George Eastman y los museos de arte moderno de Rochester, Nueva York y San Francisco. Al año siguiente, Guy confeccionó la campaña publicitaria para el diseñador francés Claude Montana, además de colaborar nuevamente para la feria de arte Photokina 66 y realizar calendarios para Issey Miyake y la marca de cámaras fotográficas Yashica. En 1981 confeccionó el calendario de la marca Pentx. Su última campaña publicitaria para Charles Jourdan fue en 1981, mientras tanto, hizo sus primeras fotos para la firma de diseño Línea Italiana. Un año después participó en la campaña publicitaria de Gianfranco Ferré y Roland Pierre, además de contribuir con la exhibición titulada Color as Form en el Museo Internacional de Fotografía en Nueva York.
En 1985, realizó la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro. Ese mismo año, el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotograía, pero Bourdin se negó a aceptarlo. Por tercra y última vez colaboró para la feria de arte Photokina 66, en 1986. Al año siguiente, culmina su contrato con la revista Vogue francesa. Realizó su primera editorial para The Best y la campaña publicitaria para Révillon y para la casa de modas Chanel. En 1988, el Centro Internacional de Fotografía, Nueva York, le otorga el premio Infinity Award, de manos de otra reconocida fotógrafo, Annie Leibovitz, por su campaña publicitaria para Chanel. Aquel año contribuye con la Trienal Internacional de Fotografía, París, Francia. El 29 de marzo de 1991, Guy Bourdin muere de cáncer a los 62 años.
ALFRED EISENSTAEDT. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Eisenstaedt Alfred Eisenstaedt (Dirschau, Prusia Occidental, 6 de diciembre de 1898 - Nueva York, 24 de agosto de 1995) fue un fotógrafo, fotoperiodista y teórico de la fotografía alemán-estadounidense cuya ciudad de nacimiento pertenece hoy a Polonia (Tczew). Es uno de los fotógrafos más prolíficos del siglo XX, iniciando su carrera profesional en Alemania en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Emigró a los Estados Unidos en 1935, dejando su país porque era judío y formando parte de un prominente equipo de fotógrafos para Revista Life, en la cual casi un centenar de sus fotografías fueron la imagen de portada, de entre las 2.500 que publicó en ella.
En 1927 comenzó a trabajar para el diario berlinés Berliner Tageblatt en Berlín y no tardó en hacerse un prestigioso fotoperiodista que terminó publicando en multitud de publicaciones ávidas de buenas imágenes, como el recién fundado Illustrierte Zeitung. En 1928 colaboraba con "Pacific and Atlantic Photos' Berlin", que a partir de 1931 fue absorbida por Associated Press. Para 1929 la fotografía ya era su profesión a tiempo completo y ese mismo año fue muy valorado su trabajo en los Premios Nobel, cuando retrató a Thomas Mann, su compatriota premiado en literatura. En los años sucesivos se orientó más por la fotografía de retrato, siendo alabadas sus fotografías de personalidades como Marlene Dietrich, George Bernard Shaw, Albert Einstein, Richard Strauss o los dictadores Benito Mussolini y Adolf Hitler, a los cuales fotografió por primera vez en Italia. Entre otras notables fotografías suyas de esos tiempos están la toma de un camarero en la pista de hielo del Grand Hotel en St. Moritz, en 1932,1 y la imagen de Joseph Goebbels en la Liga de las Naciones en Génova, en 1933. En esta toma, un inicialmente amigable Goebbels terminó frunciendo el ceño, esquinado, en el momento exacto en que el se le sacaba la fotografía. Tras la victoria del nazismo en su país y su condición de judío, tuvo que exiliarse para poder salvar su vida y prosperar profesionalmente. Cuando llega a los Estados Unidos de Norteamérica, en 1935, se convierte en ciudadano norteamericano y un año después entra a trabajar en el equipo de la revista Life, donde estuvo cerca de 40 años (desde 1936hasta 1972) y era fue uno de los cuatro fotógrafos del equipo original, junto con Margaret Bourke-White y Robert Capa. De este periodo destacan sus retratos de celebridades, desde Sofía Loren a Ernest Hemingway, pasando por John Fitzgerald Kennedy, muchas de las cuales fueron portadas de la revista. En 1935, nada más establecerse en Nueva York, también fue uno de los fundadores de PIX Publishing, junto a otros emigrantes, como Leon Daniel y Celia Kutschuk. Entre otras de sus fotografías de portada más famosas figura la conocida como conocida como "El Beso", del Día de la Victoria sobre Japón2, tomada en Times Square, en [Nueva York]], mostrando a un marinero estadounidense besando a una enfermera en una postura aparentemente de baile. Esta imagen resumía la euforia que los estadounidenses sentían ante el esperado final de la guerra. Eisenstaedt es reconocido por su habilidad para capturar imágenes memorables o gente importante en las noticias, incluyendo hombres de estado, estrellas de cine y otros artistas, así como por la candidez de sus fotografías, tomadas con una pequeña cámara Leica de 35 mm y utilizando sólo luz natural. De acuerdo a su biógrafo, "sus fotografías tenían un poder y una resonancia simbólica que lo hizo uno de los mejores fotógrafos de Life". En años posteriores también trabajó para Harper's Bazaar, Vogue, Town & Country, así como otras publicaciones. Eisenstaedt trabajaba habitualmente con una Leica M3 con película de paso universal de 35mm, que usaba desde los comienzos de su carrera y de la que era un entusiasta a diferencia de otros muchos fotógrafos de noticias de ese tiempo, que preferían cámaras de prensa, más grandes (de 4" x 5") y no realmente muy portátiles, que además precisaban voluminosos aditamentos como el flash. El apostaba por una pequeña cámara Leica que le aportaba gran rapidez y flexibilidad ante los actos públicos y le permitían capturar la candidez de la gente en acción. Sus fotos eran también notables como resultado de utilizar la luz natural en oposición a la luz emitida
por el flash. En 1944, la Revista Life lo describió como "decano y experto de la cámara miniatura de hoy". El uso de este tipo de cámara le ayudaba notablemente a crear una atmósfera de relajación cuando fotografiaba a gente famosa, donde capturaba sus poses y expresiones naturales: "Ellos no me tomaban seriamente con mi pequeña cámara" solía decir. "No vengo como un fotógrafo. Vengo como un amigo". Este fue un estilo que aprendió de sus 35 años en Europa en donde prefería fotografiar de un modo más informal. Su éxito logrando establecer un ambiente más distendido con sus sujetos no le libraba de dificultades, por ejemplo cuando necesitaba capturar sentimientos de personalidades más fuertes y/o esquivas. Anthony Eden, por ejemplo, se resistió a ser fotografiado, llamándolo "El gentil ejecutor", y Winston Churchill se empeñaba en indicarle el lugar donde colocar la cámara para obtener una buena fotografía. Dos años antes de su muerte fotografió al entonces presidente de su país de adopción, Bill Clinton, con su esposa Hillary y su hija Chelsea. La sesión fotográfica fue documentada para su publicación en la revista People el 13 de septiembre de 1993.
PETER BEARD. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Beard Peter Hill Beard es un artista estadounidense, fotógrafo, diarista y escritor que vive y trabaja en Nueva York y Kenia. Sus fotografías de África, los animales africanos y los diarios que suelen integrar sus fotografías han sido ampliamente exhibidos y publicados desde la década de los 70. Sus fotografías de África, animales africanos y los diarios que suelen integrar sus fotografías han sido ampliamente exhibidos y publicados desde la década de los años
70. Cada una de sus obras es única, una combinación de su fotografía con elementos derivados de su diario, una práctica que continúa hasta hoy día. Estos volúmenes contienen recortes de periódico, hojas secas, insectos, fotos antiguas sepia, transcripciones de los mensajes de teléfono, marginalia en tinta de la India, fotos de mujeres, citas, objetos encontrados, y similares; que serán incorporados, con dibujos originales y collages por Beard. Algunas de sus obras incorporan la sangre de un animal y a veces su propia sangre. Su primera exposición fue en la Blum Helman Gallery de Nueva York, en 1975. Sus exposiciones en museos se han celebrado en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, en 1977, y el Centre National de la Photographie, París, en 1997. También ha hecho exposiciones en galerías en Berlín, Londres, Toronto, Madrid, Milán, Tokio y Viena. Su trabajo se incluye en colecciones privadas de todo el mundo. En 2017, Beard fue demandado por el actor David Spade que trató, sin éxito, de revender una obra suya no firmada, que había comprado en el concesionario Peter Tunney.
NAN GOLDIN. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Nan_Goldin Goldin nace en 1953 en una familia de origen judío en Washington D.C., pero crece entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra, después de
que su hermana se suicidara. Poco después, Goldin entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Cuando tiene 15 años, tiene su primer contacto con la fotografía en la escuela; dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, Goldin ya aparece como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, "en las imágenes de las revistas de moda moderna". Por esa época, Goldin empieza a frecuentar la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense. Allí, la artista conoce a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años: Bruce, Sharon, Cookie, Waters... Poco después, Goldin ingresa en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se gradúa en 1978. En su promoción también estudian artistas reconocidos como Philip-Lorca diCorcia y David Armstrong, al que había conocido en Satya y que habría de convertirse en uno de los grandes cómplices de Goldin, participando en el grupo de Los cinco de Boston. En esa época, además, la fotógrafa empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash. Con ese equipaje, Goldin abandona Boston y se establece en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topa con el estallido del punk y la aparición paralela de decenas de impulsos contraculturales. En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista». Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente. La más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual (título tomado de una canción de Bertolt Brecht), y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema. Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, Goldin ingresa en una clínica de desintoxicación, donde sigue trabajando. Allí, el autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, la fotógrafa rodaría un documental autobiográfico, I'll be your mirror, que toma su título de una canción de la Velvet Underground. Poco después de salir de la clínica, en 1991, Goldin abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora. En el año 1992 exhibe en la Galería Matteu Marks siendo su trabajo objeto de dos grandes retrospectivas itinerantes: una organizada en 1996 por el Museo Whitney de Arte Americano y otro, en 2001, el Centro Pompidou, París y Whitechapel Art Gallery, Londres. Expociones incluyen la diapositiva y presentación de video Sisters, Saints & Sibilas en La Chapelle de la Salpêtrière, París, las contribuciones a Les Rencontres d'Arles en 2009, recién en el año 2006 fue admitida en la Legión de Honor Francesa.
Posteriormente expone “escopofilia”, la cual forma parte del programa especial en 2011 de Patrice Chéreau en el Louvre. La colonia MacDowell le otorga a Nan Goldin la Medalla Edward MacDowell por su visión permanente y la creatividad. En el mismo año monta una exposición de su obra en el Museo de Arte Moderna de Río de Janeiro. Nan, desde principios de los años 80, estuvo fotografiando niños y actualmente se dedica a hacerlo. Expuso en Atenas un pase de diapositivas en 2010 y luego su versión continuada en 2011 con imágenes que están editadas y sincronizadas con una banda sonora. Algunas fotografías son recientes y otras de su archivo. Su último libro publicado fue, The Beautiful Smile en 2007 y dijo “Los últimos siete años, no he podido publicar un libro por un contrato y se me ha considerado una artista muerta.” En el año 2007 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra.
BILL BRANDT. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Brandt Bill Brandt (3 de mayo de 1904 - 20 de diciembre de 1983) fue un fotógrafo británico conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes.1 También realizó fotografíascomo periodista gráfico. Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el movimiento surrealista. Tras realizar un viaje con su esposa Eva se
instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész, Eugène Atget y en las fotos nocturnas de Londres de su amigo Brassaï y su trabajo parisino. Estos trabajos se publicaron en varios libros: The English at Home en 1936 y A Night in London en 1938. En ese mismo año publicó el libro A Camera in London que recoge varios de sus planteamientos fotográficos. Desde 1937 publicó habitualmente en revistas como Harper's Bazaar, Lilliput, Picture Post y The Bystander. Sus reportajes más conocidos trataban sobre las desigualdades sociales en el Reino Unido. Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos,4 en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas.5 Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales. También se dedicó a realizar retratos de artistas británicos para Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar. En estos trabajos volvió a interesarse por lo surrealista, lo que le condujo a una revisión de la fotografía de desnudos en su libro Perspective of nudes,6 en el que utiliza las lentes de gran angular para obtener unos desnudos deformados y de tipo escultórico con amplia profundidad de campo que resultan espectaculares.7 También se dedica a fotografiar personajes con ambientes y fondos paisajísticos que le dan una configuración surrealista. Entre las personas retratadas se encuentran Pablo Picasso, Francis Bacon, Graham Greene y Peter Sellers.8 Los paisajes los realizaba en espacios privados al principio pero luego utilizó las playas de Normandía o de la bahía de Anges en Niza. Durante los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y exponiendo su trabajo; de ese modo participó en la exposición de The family of man invitado por Steichen y en 1979 fue premiado por la Royal Photographic Society y poco antes por la Royal Society of Arts. Murió el 20 de diciembre de 1983 a causa de complicaciones con la diabetes que arrastraba desde hacía más de cuarenta años. Su trabajo ejerció bastante influencia durante la segunda mitad del siglo XX. Su primera exposición monográfica en España tuvo lugar en 2008 en Photoespaña,9 aunque anteriormente pudieron verse algunas de sus obras en exposiciones colectivas, como Foco 86 en 1986 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
HARRY CALLAHAM. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Harry_Callahan_(fot%C3%B3grafo) Nació en Detroit, Míchigan y comenzó a fotografiar en 1938 de manera autodidacta. Durante esa década trabajó para el laboratorio fotográfico de General Motors en Detroit. Sobre 1946, recibió el apoyo de László Moholy-Nagy para enseñar fotografía en el Instituto de diseño de Chicago. Callahan se retiró en 1977, cuando daba clases en la escuela de diseño de Rhode Island. Su hija Barbara nació en 1950. Incluso antes de su nacimiento ya aparecía en las fotografías del embarazo de Eleanor, esposa del fotógrafo. Entre 1948 y 1953 Eleanor (y a veces Barbara) aparecían en las fotos de paisajes como contrapunto a las grandes extensiones de los parques, línea del cielo o el mar.
Tomó fotografías de su esposa Eleanor, y de su hija Barbara así como de las calles, las escenas y los edificios de las ciudades donde vivió, mostrando un fuerte sentido de la línea y la forma, de la luz y la oscuridad. Trabajó con exposiciones múltiples y otras técnicas como dobles y triples exposiciones, desenfoques y película de pequeño o gran formato. El trabajo de Callahan fue una respuesta muy personal a su propia vida: Era muy conocido por animar a sus estudiantes a convertir sus cámaras en sus vidas, y él mismo daba ejemplo con su vida. Callahan fotografió a su esposa, como tema principal, durante un período de quince años. Eleanor fue esencial para su creación artística desde 1947 hasta 1960. La fotografió en todas partes: En el hogar, en las calles de la ciudad, en paisajes, sola o con su hija, en color o blanco y negro, en desnudos... Murió en Atlanta en 1999 dejando alrededor de 100.000 negativos y más de 10.000 pruebas de impresión. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, que de manera activa colecciona, preserva y pone a disposición de los ciudadanos la obra de fotógrafos norteamericanos del Siglo XX, conserva su archivo fotográfico.
ROBERT DOISNEAU. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Doisneau Recibió la formación de grabador litográfico y tipógrafo en París. En 1929 comenzó a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las cajas de emulsión para revelar. Comenzó a trabajar en un estudio fotográfico que posteriormente compraría al morir su dueño. En 1931 comenzó a trabajar con el artista André Vigneau gracias a sus conocimientos como grabador. Este lo introdujo en el mundo de la fotografía como arte. En una entrevista con El País Semanal en 1991 contaba: «Cuando yo empecé, nadie conocía a nadie. No había revistas que difundieran la obra de los fotógrafos más interesantes. Por eso la única persona que me influyó fue Vigneau. Era formidable: escultor, pintor, fotógrafo». En esta época también descubrió a Man Ray. Inicialmente trabajó como fotógrafo industrial y de publicidad en la factoría de Renault de Billancourt, hasta ser despedido por sus repetidas ausencias. Según sus palabras, «desobedecer me parecía una función vital y no me privé de hacerlo». De los objetos inanimados pasó a las fotografías de gente en París y Gentilly. El 25 de septiembre de 1932, L'Excelsior publicó su primera fotografía. La crisis de los años treinta le afectó, debiendo pasar una larga temporada sin encargos. Vivió en Montrouge desde 1937hasta su muerte. El 25 de septiembre de 1993 Doisneau tomó su última foto. El 1 de abril de 1994, a la edad de 81 años, murió.
ALFRED STIEGLITZ. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stieglitz Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey como el mayor de seis hermanos y creció en la zona este de Manhattan. Su familia se mudó a Alemania en 1881. Al año siguiente, Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlíny muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía. Realizó una serie de viajes por Europa, durante los cuales tomó numerosas fotografías de tema campestre: campesinos trabajando en las costas de los Países Bajos o la naturaleza virgen en el entorno de la Selva Negra alemana. Durante la década de 1880 iría progresivamente ganándose la admiración y el respeto de sus colegas europeos, y obtuvo también numerosos premios. A lo largo de su vida, Stieglitz se sintió atraído por la compañía de mujeres jóvenes. En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer. Tuvieron una hija, Kitty, en 1898. El dinero de ambas familias les aseguraba una posición desahogada, sin que tuvieran la necesidad de trabajar para vivir. De 1893 a 1896, Stieglitz fue editor de la revista American Amateur Photographer; sin embargo, su modo de trabajar resultaría ser brusco, autocrático, y alienante para muchos suscriptores. Después de verse forzado a renunciar, Stieglitz se interesó por el New York Camera Club y posteriormente reconvertiría su boletín en una publicación seria y metódica conocida como Camera Notes. Los grandes clubes fotográficos que por entonces estaban de moda en Estados Unidos no le satisfacían. Por ello, en 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó Photo-Secession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía "como un medio distintivo de expresión individual". Entre sus miembros se encontraban Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence H. White, y Alvin Langdon Coburn. Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones y publicó Camera Work, una prestigiosa revista fotográfica, entre 1902 y 1917. De 1905 a 1917, Stieglitz dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession en el 291 de la Quinta Avenida (que terminaron por conocerse como la 291 por el número de la calle en el que se encontraban). En 1910, a Stieglitz se le invitó a realizar una exposición en Buffalo, Nueva York; en la Albright Art Gallery que alcanzó récords de visitantes. Insistía en el hecho de que las fotografías pareciesen fotografías, de modo que su realismo permitiera a la pintura una mayor abstracción. Este cambio hacia el arte abstracto mistificaría a los suscriptores de Camera Work y al público que acudía a las galerías. Stieglitz se divorció de su mujer Emmeline en 1918, poco después de que ella le echara de la casa de ambos al sorprenderle mientras fotografiaba a la artista Georgia O'Keeffe, con quien se mudaría algo más adelante. Se casaron en 1924 y a ambos les sonrió el éxito, a él como fotógrafo (tomaría cientos de instantáneas de O'Keeffe a lo largo de su vida), y a ella como pintora. Ambos alcanzaron gran notoriedad por sus exposiciones en la sala 291. Sin embargo, su matrimonio se desgastaría debido a la precaria salud de Stieglitz (sufría del corazón) y a su hipocondría, que obligaba a la
pintora a cuidarle de modo constante. Alrededor de la década de 1930, Georgia O'Keeffe solía pasar unos seis meses en Nuevo México para alejarse de su marido. En esa misma década de 1930, Stieglitz tomó una serie de fotografías, incluidos algunos desnudos, de la heredera Dorothy Norman, que de este modo pasaría a ser una seria rival para O'Keeffe en el afecto de Stieglitz. Tanto estas fotos como aquellas en las que aparece O'Keeffe se reconocen como frecuencia como uno de los primeros ejemplos en los que se explora el potencial de fragmentos aislados del cuerpo humano mediante la fotografía. En estos años, Stieglitz también presidió dos galerías no comerciales de Nueva York, The Intimate Gallery y An American Place. El trabajo fotográfico de Stieglitz terminaría en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida, veraneaba en el Lago George de Nueva York trabajando en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro, y pasaba los inviernos con O'Keeffe en el Shelton de Manhattan, el primer hotel rascacielos de la ciudad. Murió en 1946 a la edad de 82 años, siendo todavía un firme apoyo para O'Keeffe, como lo fue siempre ella para él.
MARTIN PARR. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Parr Martin Parr (1952 Epsom, Surrey, Reino Unido) es un fotógrafo británico miembro de la Agencia Magnum desde 1994. Reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña.
Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado, pero aun así apuntaba maneras, con una sensibilidad por los encuadres y la iluminación. Parr estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Mánchester de 1970 a 1973. A principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. Es miembro de la Agencia Magnum desde 1994. En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D'Arles. En 2006 recibe el premio Erich Salomon. En 2008 recibe el premio PHotoEspaña Baume et Mercier. Martin Parr es representado por la galería kamel mennour en París, Francia.
CLARENCE JOHN LAUGHLIN. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/clarence-j-laughlin.html Clarence John Laughlin fue un fotógrafo americano (nacido en Lake Charles, Luisiana en 1905 y fallecido en París en 1985) considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos. Laughlin nació en una familia de clase media. Su niñez dentro de un entorno cultural del sur y su interés por la literatura influenciaron fuertemente su trabajo. Después de arruinarse en una empresa de cultivo de arroz que quebró en 1910, su familia se trasladó a New Orleans donde el padre de Laughlin encontró el trabajo en una fábrica. Laughlin era un niño introvertido con pocos amigos y una relación muy cercana con su padre, que le alentó su amor por la literatura y cuya muerte en 1918 destrozó a su hijo. Aunque no terminó sus estudios era un hombre educado y muy culto. Su vocabulario y amor a la literatura son evidentes en los subtítulos con los que acompañaba sus
fotografías. Quería ser escritor y escribió inicialmente muchos poemas e historias en el estilo del simbolismo francés, la mayor parte de las cuales han quedado inéditas. Laughlin descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta con su cámara de 2 ½ x 21/4. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. , teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos, desde abstracciones geométricas simples de características arquitectónicas a elaboradas alegorías utilizando modelos, trajes y escenografía. Muchos historiadores acreditan a Laughlin como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. El libro más conocido de Laughlin, “Ghosts Along the Mississippi”, fue publicado en 1948. Murió en1985 (está enterrado en el cementerio de Père Lachaise de París), dejando una colección masiva de libros y de imágenes. Gracias a los 17.000 negativos que preservó, su trabajo continúa siendo mostrado en Estados Unidos y Europa. La biblioteca de Laughlin, con unos 30.000 volúmenes, fue comprada por la Louisiana State University en 1986.
LISETTE MODEL. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Lisette_Model Lisette Model nació en Viena (Austria) de padre italoaustriaco de ascendencia judía y madre francesa católica. Su apellido real era Stern, pero la familia se lo cambió a Seybert en el año 1903.1 Su padre era médico y participó en la Primera Guerra Mundial como trabajador de la Cruz Roja. Con 19 años, en 1920, Lisette comenzó a estudiar música con el compositor Arnold Schönberg, que, como la propia fotógrafa siempre reconocería, fue una gran influencia para ella. Al mismo tiempo estudiaba canto con Marie Gutheil-Schoder. En 1926, tras la muerte de su padre, la familia se trasladó a París, donde estudió canto con la soprano polaca Marya Freund. En esa época conoció a Evsa Model, su futuro esposo, pintor francés de origen ruso. En 1933 dejó la música para dedicarse a los estudios de artes visuales, tomando también clases de pintura con André Lhote, que tenía entre sus estudiantes a Henri Cartier-Bresson y George Hoyningen-Huene). En esta misma época comienza a estudiar los fundamentos de la fotografía en blanco y negro de mano de su propia hermana Olga Seybert, que ya era fotógrafa profesional, y más bien sin especial interés por la propia fotografía, como la propia Lisette siempre confesó.2 No obstante, las técnicas básicas del trabajo fotográfico las aprendió de mano de Rogi André. Su hermana Olga y Lisette viajaron en 1934 a Niza a visitar a su madre, que vivía allí. Lisette aprovechó la ocasión para visitar el paseo marítimo de la ciudad y tomar una serie irónica de imágenes de la gente de la alta sociedad local donde captaba su vanidad, soledad e inseguridad. El año siguiente fueron publicadas en la revista Regards, perteneciente al Partido Comunisca Francés y se convertirían en unas imágenes que están entre las más conocidas e importantes de su carrera. En 1937 fue alumna de la fotógrafa surrealista Florence Henri. En 1938, ya casada con Evsa Model, Lisette emigró con él a Estados Unidos, que en aquella época era el centro de la fotografía mundial. Pronto entabló amistad con Carmel Snowy Alexei Brodowitsch, director de la revista Harper’s Bazaar, para el cual estuvo trabajando durante 12 años. En ese tiempo y entorno conoció a Ansel Adams y Berenice Abbott. Inicialmente Model demostró predilección por la temática en torno a los hoteles, bares y locales nocturnos de la costa este de Nueva York, pero también realizó trabajos más formales y retrató a importantes personalidades como Frank Sinatra o Georges Simenon. Lisette se hizo miembro de la Nueva York Photo League,3 que fue la institución que realizó la primera exposición de su obra. En 1940 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le compra por primera vez unas obras y unos años después, en 1948, expone en él4 junto a Bill Brandt y Harry Callahan.
En 1952 comenzó un trabajo sobre el Jazz, retratando, entre otros, a Louis Armstrong y a Ella Fitzgerald.
PAUL OUTERBRIDGE. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/paul-outerbridge.html Paul Outerbridge Jr. fue un fotógrafo americano (nacido en Nueva York en 1896 y fallecido en 1958). De educación multidisciplinar, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. Además, tiene una serie de desnudos eróticos en color que apenas pudo exhibir y publicar durante su vida.
TINA BARNEY. Biografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/tina-barney.html Tina Barney es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1945 en Nueva York, vive en Rhode Island y Nueva York) conocida principalmente por sus retratos a gran escala y en color de su familia y amigos cercanos, muchos de los cuales son la clase alta de Nueva York y Nueva Inglaterra. Se introdujo a la fotografía por su abuelo cuando era una niña. En su adolescencia, estudió Historia del Arte en la Spence School de Manhattan, y a la edad de 19 años se fue a Italia por un tiempo para estudiar más a fondo el arte. No fue hasta 1973, cuando se mudó a Sun Valley, Idaho, con su esposo e hijos, cuando ella comenzó a estudiar la fotografía, aburrida de ser la clásica mujer de clase alta norteamericana centrada en la gestión del hogar, los hijos y a ocupar el tiempo libre en compras o deporte. Mientras estuvo en Idaho, estudió en el Sun Valley Center for Arts and Humanities en Ketchum, complementando sus estudios formales con talleres de Frederick Sommer, Roger Mertin, Joyce Niemanas, Duane Michals, Nathan Lyons, John Pfahl y Robert Cumming. Barney es conocida principalmente por sus fotografías de gran formato y a todo color de su rica familia de la Costa Este. Usando una cámara de gran formato y brillantes colores, sus imágenes seductoras conforman un estilo de realismo característico, que
ofrece una visión de la alta sociedad que la mayoría de la gente no puede contemplar habitualmente. Su trabajo se encuentra en las colecciones del George Eastman House International Museum of Photography and Film en Rochester, Nueva York; Museum of Modern Art en Nueva York; Museum of Fine Arts en Houston, Texas; JPMorgan Chase Art Collection en Nueva York; y Museum of Contemporary Photography. Recientemente su obra ha sido expuesta en el New York State Theater en 2011, The Barbican Art Centre, Londres; Museo Folkwang en Essen, Museum der Art Moderne en Salzburgo, y otros muchos. Barney también ha producido o codirigido cortometrajes sobre los fotógrafos Ene Groover en 1994 y Horst P. Horst en 1988. Obtuvo una beca John Simon Guggenheim Memorial Fellowship en 1991, y un Lucie Award en 2010 por sus logros en el retrato. Está representada por Janet Borden, Inc. en Nueva York.
ALEKSANDR RODCHENKO. Biografía. https://es.wikipedia.org/wiki/Aleksandr_R%C3%B3dchenko Aleksandr Mijáilovich Ródchenko (en ruso, Алекса́ндр Миха́йлович Ро́дченкo, San Petersburgo 5 de diciembre de 1891 — Moscú, 3 de diciembre de 1956) fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fundador, entre otros, del constructivismo ruso. Estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova. Ródchenko nació en San Petersburgo en el seno de una familia obrera. Su familia se mudó a Kazán en torno a 1905. Luego estudió en la Escuela de Arte de Kazán donde impartían clase Nikolái Feichin y Georgui Medvédev, y también en el Instituto Stróganov(en:Stroganov Moscow State University of Arts and Industry) de Moscú. Ródchenko hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kazimir Malévich, en 1915. Al siguiente año, participó en "The Store", exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista. Ródchenko, como muchos miembros de la vanguardia rusa, se alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Entre 1920 y 1930 también impartió clases en los Talleres/Instituto de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica (Vjutemás/Vjuteín). Entre los años 1923 y 1925, Ródchenko junto a Vladímir Mayakovski creó lo que hoy conoceríamos como una agencia de publicidad, llamada Mayakovski-Ródchenko Advertising-Constructor. Crearon más de 150 piezas publicitarias, packaging y diseños. En esta sociedad publicitaria, era Ródchenko el encargado del diseño gráfico, mientras que Mayakovski creaba eslóganes breves y muy directos.1 Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956. De 1918 a 1921, Ródchenko, bajo influencia de Malévich y Tatlin, creaba series de premisas formales, como la superficie plana, la factura, la línea, la mancha, y también bajo el influjo de la revolución bolchevique, pues su obra tenía como objetivo una sociedad ordenada. Ródchenko se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual. La nueva política económica provocó que la avant-garde perdiera el privilegio artístico, teniendo que competir contra otros grupos artísticos. En 1923, deciden afrontar esta pérdida de privilegio fundando el Frente de Izquierda del Arte, también llamado LEF (Lévyi Front Iskusstv). Ródchenko contribuyó en este grupo tanto teóricamente
(escribiendo artículos), como prácticamente (realizando portadas para las revistas del grupo). Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica. En el campo de la fotografía, Ródchenko fue también célebre. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición, dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografías solían ser o planos cenitales o planos nadir, planos opuestos totalmente al pictorialismo que impactaban al espectador y que le causaban dificultades para reconocer el objeto fotografiado. Fue así como Ródchenko se propuso liberar a la fotografía de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la época, lo que le convirtió en uno de los más importantes pioneros del constructivismo fotográfico. "Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación completa del objeto". En 1928 Ródchenko escribió sobre la fotografía un manifiesto en el que dijo esas palabras, justificando por tanto el uso de esos planos tan poco usuales. Estos planos fueron hechos gracias a la cámara Leica, que tenía un formato muy manejable para esos puntos de vistas tan difíciles de ejecutar. Tuvo varias etapas fotográficas, desde la etapa del abstracto (etapa en la que llegó a la fotografía no figurativa), hasta etapas en las que fotografiaba actividades deportivas, paisajes o coreografías. Fundó un grupo llamado "Octubre", del que formaban parte fotógrafos y artistas del cine. También trabajó en la revista "SSR na stroike", fundada junto a su esposa Varvara Stepánova.
FICHA DE LECTURA. 1.- FICHA BIBLIOGRAFICA. Titulo. La Visión Fotográfica Autor. Eduardo Momeñe. Editorial. Eduardo-Momeñe. Año de edición. Mayo de 2009.
2.- BIOGRAFIA DEL AUTOR. Eduardo Momeñe es un fotógrafo vasco nacido en 1952 en Bilbao, residente en Madrid, docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica. Eduardo Momeñe es un fotógrafo de largo recorrido, comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Después de pasar unos años por Europa, ha vuelto a residir en Madrid. A lo largo de su amplia carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía ‘’ La Puerta Abierta’’ o la revista ‘’Fotografías’’, obras bien conocidas en el mundo fotográfico. Su primera exposición fotográfica la realizo en la galería Nikonde Barcelona en 1974, y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en diferentes exposiciones en diferentes países y sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas. Revistas como Vogue, Style, Marie Claire o Elle, han publicado sus imágenes. Siempre ha estado muy ligado a la enseñanza de la fotografía, impartiendo talleres y seminarios con regularidad. Es recordada su labor en su estudioescuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90. Actualmente coordina el master internacional Nuevo Documentalismo, Nueva Realidad en la escuela EFTI de Madrid. Su labor didáctica la realiza también a través de Internet. Su escuela se llama Afterphoto. Su libro La Visión Fotográfica es un clásico para los estudiantes de la fotografía.
3.- TEMA PRINCIPAL. El tema principal del capítulo 4 y 5 es como nosotros podemos captar imágenes nuestra visión de ver el mundo y trasmitirlo lo mejor posible al público.
4.- RESUMEN. Los capítulos 4 y 5 nos hablan de cómo podemos ver el mundo a nuestra manera a través de nuestras cámaras. Y de cómo queremos transmitir lo que hacemos al público. También nos habla de cómo realizar la composición de las fotografías que hacemos para que el espectador pueda interpretar dicha foto.
5.- VALORACIÓN PERSONAL. Me ha gustado que nos haya enseñado como hacer la composición de las imágenes para que el público las entienda, y como ver en un mundo que nos parece corriente algo que nos llame la atención, la parte más creativa dándonos ideas con algunos fotógrafos que nos puedan dar inspiración.