Super 8
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marzo 1
Editorial El cine de animación es una vertiente del séptimo arte que permite apreciar de una forma distinta las historias cotidianas. A través del tiempo, y quizá debido a que una de las casas productoras más importante es Walt Disney, se había creído erróneamente que las series de dibujos animados o muñequitos de plastilina eran exclusivas para los niños. Sin embargo, conforme las técnicas para el desarrollo de este tipo de cine avanzan, son más los directores que se inclinan por este estilo, creando historias que abarcan toda la gama de géneros que engloba el cine como tal, y que vale la pena ver no sólo por los argumentos que tratan sino también por la belleza y colorido que aportan en términos visuales. Por ello, este número esta dedicado precisamente a el intrincado mundo de la animación.
Contenido En portada: Hayao Miyazaki
El cine también se escucha: Joe Hisaishi
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Del papel a la pantalla: Los moomin
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Tesoros fílmicos: La tumba de las luciérnagas
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La mente maestra: Hayao Miyazaki
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Maestros del terror: The walking dead
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El remake: Peter Pan
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Había una vez: Historia del cine de animación
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Top Five: 5 animaciones que no te puedes perder
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El extra: Los Óscares
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Super 8 Número 6 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, @amaury1984 Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 01 de marzo de 2013
El cine
también se escucha
JOE
HISAISHI Por Azucena Mecalco
Sus melodías recuerdan miles de escenas distintas, cada nota trae a la memoria un mundo mágico, la profundidad del bosque, una trágica escena invernal o un vuelo por los cielos. Caracterizado por haber conseguido a lo largo de su carrera elaborar más de 100 bandas sonoras, y por haber obtenido el reconocimiento mundial por sus trabajos, Mamoru Fujisawa es considerado hoy en día uno de los compositores más importantes en el mundo de los sound tracks, y claro, en el de la música contemporánea, en donde es conocido con el mote de Joe Hisaishi. Hisaishi es originario de Nagano, prefectura perteneciente a la isla de Honshu, en Japón. Su interés por la música surgió cuando era muy pequeño y comenzó a tomar clases de violín, lo que culminaría en una prolífica carrera de más de 30 años musicalizando cintas. Hisaishi se tituló como compositor en la Universidad de Kunitachi. A partir de ese momento comenzó su labor musical realizando composiciones de conciertos y tocando en distintas orquestas.
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En 1981 comenzó a desarrollar su carrera como compositor con el álbum MKWAJU. Sin embargo, no se dio a conocer sino hasta un año más tarde con Information. Posteriormente terminó de definir su estilo musical con trabajos como: Piano Stories, My Lost City, Etudea Wish to the Noon-, Asian X.T.C y Another Piano Stories End of the World. Durante aquellos primeros años, su música era considerada de estilo minimalista. En 1984, Hisaishi, quien apenas contaba con 34 años de edad, participó en la composición de la banda sonora de W no higeki de Shinichiro Sawai, director con el que colaboró en repetidas ocasiones, principalmente en la década de los 80. Ese mismo año recibió una invitación formal de Hayao Miyazaki, fundador del Estudio Ghibli, para participar como compositor en el ambicioso proyecto que serviría de base para la creación del complejo: Nausicaä: guerreros del viento. La tarea que tenía que desempeñar era la de realizar una image song, es decir una melodía inspirada por las imágenes o personajes de una película o serie, que se utiliza en los sound tracks, sin necesidad de que sea incluida después en la cinta. Desde luego Hisaishi aceptó participar. Mas su trabajo resultó tan impresionante, que Miyazaki y su colaborador Isao Takahata decidieron encargarle el sound track formal de la película. Aunque en Nausicaä, Hisaishi se valió de algunos sintetizadores, en películas posteriores éstos serían reemplazados por trabajos orquestales completos, en los que solía destacar la participación del piano y los instrumentos de cuerda, tendencia con la que continuó más adelante. Luego de su trabajo en esta película, el compositor y director realizó ocho colaboraciones más a lado de Miyazaki. Entre éstas se encuentran: Mi vecino Totoro, La princesa Mononoke y El viaje de Chihiro.
Si bien los trabajos más conocidos de Hisaishi son, probablemente, sus colaboraciones con Miyazaki, ello no significa que sean los únicos o los más importantes. Otro de los directores con los que colaboró en más de una ocasión es nada menos que Takeshi Kitano, quien se diera a conocer como actor en la prestigiada cinta de Nagisa Oshima: Feliz Navidad Mr. Lawrence (1983), y conocido en occidente por su famosa película Kids Return, musicalizada desde luego por Hisaishi. El dueto Hisaishi-Kitano comenzó con la película: Ano Natsu, ichiban shizukana umi (El mar más tranquilo de aquel verano, 1991), en donde la música jugaba un papel trascendental para crear la atmosfera de nostalgia de la película. Su siguiente trabajo juntos fue Sonatine (1993). Las melodías creadas para esta película cuentan con la capacidad de transportar de inmediato al espectador al intrincado
mundo de la mafia en Japón. Después de Sonatine el siguiente proyecto fue Kids Return (1996), una propuesta en la que optó por darle prioridad al uso de las percusiones. Posteriormente participó con Hana- Bi (Flores de fuego,1998), trabajo en el que las melodías de piano volvían a cobrar importancia. La música no sólo funcionó para ambientar la trágica historia de Nishi (interpretado por el propio Kitano); era un complemento idóneo para cada encuadre. Al año siguiente continuaron con Kikujiro no natsu (El verano de Kikujiro) retomando las historias de yakuzas desde una nueva perspectiva. La musicalización de esta cinta tiene un estilo mucho más pintoresco y fresco que la de sus anteriores participaciones con Kitano, aunque en algún punto melodías como Going out recuerdan un tanto a las utilizadas para El viaje de Chihiro.
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Ya en el nuevo siglo continuó colaborando con Kitano con bandas sonoras como las de Brother (2001) y Dolls (2002), en donde temas como Feel, resultaron trascendentales en el momento de generar empatía en el público. Mas si de la música como parte realmente importante de una película hablamos, no podemos dejar de mencionar el trabajo que realizó Hisaishi para Okuribito (2008), conocida en México como Violines en el cielo, esta película mundialmente galardonada, trata precisamente la historia de un músico. Desde luego este es sólo un esbozo de la gran cantidad de bandas
sonoras que ha realizado a lo largo de su carrera. Mas, como ya mencionamos Hisaishi a incursionado en otros ámbitos como en el de la música pop, el rock o la composición del tema musical para las Paraolimpiadas de Nagano en 1998. En 2001, expandió su carrera realizan-
do la dirección de la película Quarter, que recibió una crítica favorable (desde luego él se encargo de la música). Además de participar con directores de su país Hisaishi ha realizado también trabajos para películas extranjeras. Finalmente, entre sus trabajos más recientes se encuentra el sound track de la película Kono sora no hana (La flor de este sol, 2012), del director Nobuhiko Obayashi. Cada una de sus melodías muestra una asombrosa versatilidad, se ajusta a la situación y crea un ambiente distinto. Sus composiciones son una obra maestra de la música contemporánea, en ellas subsiste una mezcla de los más grandes sentimientos, en una gama que va desde la melancolía hasta la felicidad, y aunque él mismo ha afirmado que la música occidental como la de James Horner lo ha influenciado bastante, ha sabido conservar un estilo propio que le ha generado miles de adeptos alrededor del mundo. Su obra es sin duda una de las más grandes que existen en la cinematografía y no cabe duda que vale la pena escucharla.
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Del papel a la pantalla
El mundo fantรกstico de Villa Moomin Por Evelin Montiel
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ién en su infancia no disfrutó frente al televisor con las aventuras de Moomin, Manrico, Esnorquita, Snufkin, Pequeñita y por supuesto de Mamá y Papá Moomin? Estos personajes que nos regalaron algunos de los mejores recuerdos de la niñez, salieron de las páginas de los cuentos de la escritora y dibujante finlandesa Tove Jansson. Estos curiosos personajes, son una familia de trolls blancos, de aspecto redondo retomados de la mitología escandinava que asemejan a hipopótamos blancos. La familia Moomin está
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integrada por Papá Moomin, Mamá Moomin y Moomin quienes interactúan con otros personajes incluyendo humanos, entre ellos Snufkin, el mejor amigo de Moomin, un chico solitario que visita el valle después de la época de hibernación; Esnorquita, su hermano Esnorque, Sniff, Pequeñita My, Stinky y muchos otros. Estos fantásticos seres vive en Valle Moomin, el universo que Jansson creó para ellos, con el cual pretendía acercarse los niños a través de las historias y los personajes. Tove creía que los cuentos infantiles en donde se hablaba de princesas y príncipes opulentos no se conectaban adecuadamente con los niños
de la década de los 40´s, así que decidió crear un mundo fantástico con los personajes que había imaginado desde su infancia. En Villa Moomin creó un ambiente campestre, en el que igual se desarrollan situaciones fantásticas y sobrenaturales como temas que involucran valores, la soledad, el cambio de equilibrio en la vida, que gustaron tanto al público infantil como al adulto.
Esta serie fue la tercera entrega de una serie de adaptaciones que se le hicieron a las novelas sobre los nueve tomos ilustrados en total. Aquí no se emplearon las historias de los cómic, más que en algunos capítulos especiales. Antes que ésta, hubieron otros intentos, en 1969 y 1972, incluyendo una serie muy exitosa sobre ellos hecha en animación stop motion.
La serie japonesa contó con sólo dos temporadas, pero estas le bastaron para convertirla en la adaptación más conocida basada en los libros de los Mommins. Fue emitida en muchas partes del mundo incluyendo México. Aquí se transmitió a mediados de los noventa a través de la señal de canal once del Instituto Politécnico Nacional, donde tuvieron varias retransmisiones –aunque esporádicashasta los años dos mil. Por otro lado, en Finlandia, su país natal, la serie llegó a utilizarse como referencia nacional, siendo objeto de publicidad en aeropuertos, o centros turísticos. Con juguetes y un parque temático recreando el Valle Moomin apoyando a las tiras y las novelas.
Así nació una gran colección de historietas ilustradas sobre las aventuras de los Moomin. No fue sino hasta 1959 cuando dicha publicación pasó a manos de su hermano Lars Jasson quien continúo el trabajo por 16 años más. La tira cómica tuvo un gran alcance a nivel nacional y logró alcanzar 20 millones de lectores diarios a nivel mundial. Cabe señalar que a estas cortas historias les siguió una colección de nueve novelas ilustradas por la misma Tove. Este éxito no sería ignorado por los productores de las televisoras, y fue así como en la década de los 90, la televisora japonesa Fuji TV adaptó los cuentos de estos característicos personajes y los lanzó a la pantalla chica en forma de anime.
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Tesoros fílmicos
LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS Por Azucena Mecalco
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a frialdad de los sentimientos humanos, la guerra, la pérdida de la inocencia y la comprensión del significado de la muerte a través de una conmovedora historia es lo que muestra Isao Takahata en: La tumba de las luciérnagas (Hotaru no haka).
Esta película del año 1988 es una de los retratos más impresionantes, realizado en forma de animación, que muestra perfectamente las consecuencias de uno de los acontecimientos que paralizaron al mundo: la Segunda Guerra Mundial, y su
impacto a nivel económico, humanista y sociocultural. Desde las primeras escenas el corazón se paraliza con la visión de un pequeño de 14 años que pierde la vida en una estación de tren, mientras la gente camina indiferente o asqueada a su alrededor. Al verlo, los guardias, sólo pueden exclamar “otro muerto”; en una época en la que los muertos eran historia de todos los días ya no existía cabida para la sorpresa o la compasión. Pero, detrás de cada uno de los cadáveres que amanecían en las calles había una historia, y esa es historia es la que intentó transmitir Takahata. Seita, de 14 años, y su hermanita Satsuko de apenas 4 años quedan desamparados luego de un bombardeo en la zona de Kobe. Su padre, oficial de la marina, se
encuentra en el frente, y su madre pierde la vida al quedar malherida en un bombardeo. Así los dos pequeños quedan bajo el resguardo de su tía. Lo único que llevan consigo son las últimas reservas de alimentos que guardaban en casa y los kimonos de su madre, que tienen que vender para conseguir comida. Mientras tanto, a costa de tener que ocultar su propio tormento, Seita, intenta por todos los medios mantener la muerte de su madre en secreto para evitar que su hermanita se enfrente a ello.
sumen los escasos insumos con los que cuenta la familia. Cansado del acoso de su tía, Seita decide que lo mejor es vivir por su propia cuenta haciéndose cargo de su hermana. Por desgracia, el
niño no alcanza a calibrar las consecuencias que pueden implicar sus decisiones. La tumba de las luciérnagas es un retrato particular que engloba de forma general la historia de miles de personas en los años 40. Si bien puede parecer una historia cruda y demasiado
Mas durante las crisis en cuando se aprecia la verdadera naturaleza humana, y pronto la tía comienza a sentirse fastidiada por la presencia de los niños, que si bien no aportan nada al hogar, hablando en términos económicos, sí que con-
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explícita para ser considerada cine infantil, lo cierto es que es precisamente por ello que resulta tan ilustrativa. El Estudio Ghibli siempre se han caracterizado por plasmar en sus animaciones historias que no subestiman a los niños, sino por el contrario les permite realizar us propias reflexiones por medio de la animación. Pese a ello, la clasificación de la película se mantiene en “no recomendada para menores de 12 años”. La película de Takahata está basada en el libro de Akiyuki Nosaka, que lleva el mismo título. El autor de la novela intentó plasmar sus propias impresiones basándose por completo en los acontecimientos a los que se vio sometido en el período de la guerra, lo que convierte a esta
historia en una reseña semi biográfica. Por ello, mas que centrarse en mostrar las escenas clásicas de los soldados muriendo en el frente, a los mandatarios sufriendo desde sus oficinas o los colosales enfrentamientos entre los ejércitos, La tumba de las luciérnagas se encarga de realizar una fotografía de la indiferencia frente al sufrimiento ajeno desde un punto de vista íntimo y personal. Con esta película el Estudio Ghibli, salieron por completo de los esquemas establecidos en sus producciones anteriores, (de hecho también en las que realizaron posteriormente). La paleta de color, a diferencia de otras películas es mucho más oscura y opaca. Incluso el diseño de personajes cuenta con tintes más realistas, dejando de lado los dibujos de pieles pulidas y perfectas. Pese al reconocimiento mundial, los galardones recibidos y las críticas favorables, la fama que alcanzó la película entre el público se vio un tanto opacada por la popularidad que adquiriera Mi vecino Totoro, película de Hayao Miyazaki, lanzada el mismo día que la de Takahata por el mismo estudio. De acuer-
do con las declaraciones de ambos directores lo que intentaban era mostrar las contrastantes perspectivas de la vida infantil desde dos puntos de vista totalmente distintos; sin embargo, ello perjudico el impacto que podría haber generado la película de Takahata. Mientras que Mi vecino Totoro se posicionó rápidamente en el gusto del público, La tumba de las luciérnagas se quedo rezagada por completo, sobre todo en cuanto a merchandising se refiere. Hoy la imagen de Totoro es el logotipo oficial del Estudio Ghibli, y existen tantos artilugios de este personaje como granos de arena en el mar. En las convenciones de animación, las tiendas especializadas y hasta en los centros comerciales podemos ver tazas, mochilas, peluches, ropa, gorras y demás artefactos misteriosos que se relacionan con el personaje. Totoro se ha vuelto tan conocido que incluso hizo su aparición en la última película de Toy Story de Walt Disney Pixar. En cambio, el éxito que rodeo a la película de Takahata fue mucho más… llamémosle cultural, y no se acerca ni un ápice a la enorme cantidad de fanáticos que generó la película de Miyazaki. Desde luego ambas animaciones tienen su propio crédito y cuentan con distintos puntos a favor. No cabe dudad que Mi vecino Totoro es también una magnífica cinta. Mas la historia que Takahata se atrevió a mostrar es de un estilo mucho más
reflexivo, lo que obliga, de cierta forma, al espectador a enfrentarse con una realidad que continúa vigente hasta nuestros días y a la cual estamos acostumbrados a escapar; puesto que el tema del nacionalismo como pretexto para desencadenar las encarnizadas luchas entre iguales, la violencia, injusticia y el individualismo, no son situaciones que se hayan terminado con la Segunda Guerra Mundial En años recientes, con motivo de la conmemoración del 60 aniversario del fin de la Segunda Guerra Mundial, la NTV lanzó una versión de esta historia en live action, dirigida por Toya Sato. Y en 2008, Taro Hyugaji realizó su propia versión. Mas ninguna de las dos cintas fue capaz de lograr el efecto de la versión animada, que es por mucho una de las mejores películas realizadas por el Estudio Ghibli, una cinta reflexiva con tintes humanistas, y un retrato perfecto de la sociedad en general. FICHA TÉCNICA Título: Hotaru no haka País: Japón Género: animación/drama Director: Isao Takahata Guión: Isao Takahata y Akiyuki Nosaka (basados en la novela homónima) Duración: 88 minutos
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La mente maestra
HAYAO MIYAZAKI
EL MAGO DE LA ANIMACIÓN JAPONESA Por Azucena Mecalco
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undos mágicos, tierras remotas, princesas en peligro, ladrones honrados, los efectos de la industrialización y mucho, mucho más es lo que muestra Hayao Miyazaki en sus cintas. Miyazaki es un director japonés nacido el 5 de enero de 1941 en Tokio, reconocido mundialmente por su exitosa película: El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro, 2001). Mas, la historia de este personaje como director, ilustrador, dibujante, guionista y productor comenzó muchos años antes de posicionarse por completo en el gusto de grandes y pequeños a nivel mundial. Este director, junto con Isao Takahata, es nada menos que el creador de un ambicioso proyecto para realizar películas de animación, hoy en día conocido como uno de los más grandes complejos a nivel mundial dedicados a esta tarea: el Estudio Ghibli. Pese a haber estudiado Ciencias políticas y económicas en la Universidad de Gakuhuin en Tokio, durante la década de los sesenta, Miyazaki se incorporó al equipo de los Estudios Toei Doga, ahí realizaba la tarea de intercalar los dibujos para ponerlos en movimiento. Fue precisamente en ese lugar donde conoció a Takahata, con quien más tarde pondría en marcha su iniciativa para crear los estudios para producir de forma independiente sus propias películas. Ya en los setenta, Miyazaki entró a trabajar a Nippon Animation, ahí colaboró con proyectos como Heidi o Marco, dirigidos por Isao Takahata. En el año de 1978, finalmente tuvo la oportunidad de realizar su primer trabajo como di-
rector con: Conan, el chico del futuro, y al año siguiente se consolidó como director con la excelente película: El castillo de Cagliostro, basada en el manga de Haruya Yamazaki. La visión de Miyazaki acerca del famosos ladrón se convirtió en una mezcla perfecta de aventura y fantasía. El carismático personaje de Lupín se transformó pronto en uno de los más representativos en la carrera de Miyazaki hasta ese momento. Pero fue en 1984, con el lanzamiento de Nusicaä: guerreros del viento, que su carrera despegó y final-
mente logró consolidar la creación del Estudio Ghibli. Aunque oficialmente Nausicaä fue producida en asociación entre Tokuma Shoten y Topcraft Studio, es considerada la primera película de el Estudio Ghibli. Ésta cuenta la historia de Nausicaä, una chica que encarna la última esperanza del hombre por sobrevivir en un mundo en el que la existencia humana peligra debido al desequilibrio. Ya en estos primeros trabajos realizados de forma independiente, se podía ver la marcada tendencia del director a tratar los temas medioambientales, la falta de
Su siguiente obra fue El castillo en el cielo (1986), en donde nuevamente los artefactos voladores, las historias mágicas, el medio ambiente y una chica como protagonista volvían a la acción. Su fascinación por la literatura bélica, es una de las razones por las que la mayor parte de sus películas esta plagada de una serie de simbolismos y artefactos que hablan del tema. Sin embargo, su influencia más grande en la delimitación de escenarios y personajes fue quizá la de sus padres. Mientras que su padre era dirigente de una fábrica de timones para aviones de guerra, su madre, a quien Miyazaki admiraba, contaba con un carácter fuerte que resultaba extraño en las mujeres de su época
interés y respeto por el entorno y el desequilibrio cada vez más evidente entre la industrialización masiva y la naturaleza.
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Después de El castillo en el cielo, Miyazaki realizó Mi vecino Totoro. Esta película del año 1988 ha traspasado fronteras y generaciones. La figura de Totoro es tan importante que incluso es el logotipo de los estudios Ghibli. La historia es sencilla. Satsuki, una pequeña de nueve años, Mei, su hermanita de cuatro y su papá se mudan de casa para vivir en el campo. Ambas niñas viven esperando el día en que su madre regrese para vivir con ellas, pues ésta se encuentra en el hospital recuperándose de una enfermedad. Al llegar a su nueva casa lo primero que descubren es que está habitada por unos extraños
seres llamados makkuro kuroske, que habitan las casas abandonadas. Pronto con ayuda de Nani, su anciana vecina se deshacen de ellos. Pero eso no es todo lo que se encuentra en aquel lugar. Muy cerca de ahí vive nada menos que Totoro, ¡el rey del bosque! Al principio Mei es la única que puede verlo y se enfrenta a las burlas de su hermana y su padre; mas éste les explica que Totoro de verdad existe, pero sólo aparecerá cuando él lo crea necesario, y es justo así como ocurre. Pronto Totoro aparece frente a las dos niñas y les entrega una bolsita con semillas mágicas y con ellas un sin fin de aventuras. Desde que se estrenó la película recibió la aceptación del público y críticas favorables tanto en su país como en el extranjero. Desde luego Totoro se tardó algunos años en llegar a occidente, pero en cuanto fue presentada en Estados unidos en 1993, diarios como The New York Times la favorecieron con sus comentarios. A Totoro le siguieron: Nicky: entregas a domicilio (1989), Porco Rosso (1992), y La princesa Mononoke (1997), ésta última una de las más bellas películas que haya realizado hasta el momento, llena de simbolismos y reflexiones, aunque al mismo tiempo es una de las más vio-
lentas visualmente hablando. Por desgracia, pese al tremendo éxito que representó en Japón y al magnífico recibimiento que tuvo por parte de la crítica, La princesa Mononoke pasó casi inadvertida en las salas de cine en las que se estreno fuera de Japón, debido a la escasa difusión que se le brindó en el extranjero. Aunado a ello, la relevancia de la cinta pasó a segundo plano con el estreno de El viaje de Chihiro cuatro años después. El viaje de Chihiro contaba no sólo con una carga expresiva monumental en términos de animación; sino también con un sound track brillante, una historia conmovedora y un mensaje claro, lo que le valió el premio Óscar a Mejor película animada en 2002. Ninguno de sus trabajos posteriores a alcanzado a rozar el éxito que tuvo está película. Mas, ello no significa que la calidad en sus trabajos haya mermado con el tiempo. Si bien Miyazaki pasó por algunas crisis en las que se había decidió a abandonar por completo el mundo de la animación, sus carácter nunca se lo permitió y continuó realizando joyas como: El increíble castillo vagabundo (2004), basada en el libro de Diana Wynne Jones, en donde quizá dejó un poco de lado el tema de la ecología para abordar la guerra y sus consecuencias desde un punto de vista reflexivo, pero sin que ésta sea el hilo conductor de la historia. Cuatro años después lanzó nada menos que su propia versión de La sirenita, o algo muy parecido a ello: Ponyo y el secreto de la sirenita. En este largometraje el tema de la contaminación y los estragos que genera s e
podía apreciar desde las primeras imágenes. Como de costumbre, la protagonista era una niña, pues el director considera que los niños carecen de misterio por lo que no funcionan como protagonistas. Por el momento este año se espera el lanzamiento de su nueva película Kaze Tachinu (El viento está aumentando). Además de estos trabajos Miyazaki a colaborado como guionista en otros largometrajes de Ghibli como: Susurros del corazón (1995) y Arrietty y el mundo de los pequeños (2010). Y como productor en otros tantos trabajos. Lejos de que sus historias cuenten con algunos clichés, siempre destaca en ellas la elaborada creación de sus personajes, su colorido y una excelente musicalización. También cuentan con una serie de imágenes conmovedoras y protagonistas carismáticos que en conjunto estimulan la imaginación. A diferencia de otras casas productoras, que acostumbran a subestimar a los niños atiborrándolos de cintas sosas, el Estudio Ghibli, pero sobre todo los trabajos de Miyazaki, se enfocan en dirigirse a los niños como un público pensante y activo. Nunca veremos una película de este hombre con la clásica moraleja forzada al final, o el malo muriendo para pagar sus crímenes. Por el contrario, en sus películas los conceptos de maldad o bondad siempre quedan de lado, puesto que tanto las historias como los personajes se forman de ambas partes. En conclusión, Miyazaki es una mente maestra del cine de animación, infantil y contemporáneo, si tiene la oportunidad de ver alguno de sus trabajos, ya sea como productor, guionista o director no lo deje pasar, podemos asegurarle que no se arrepentirá.
Maestros del terror
MÁs allÁ del cÓm Por Evelin Montiel
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o basta con decir que la serie estadounidense The Walking Dead se ha convertido en un fenómeno mundial, ya que al hablar de ella es necesario referirnos a todo el universo que gira en torno suyo, y a las razones que llevaron a su creación.
lleva por nombre The Walking Dead, cuya primera temporada sólo contó con apenas seis capítulos; pero bastaron para enganchar al público y dejarlo atónito ante la calidad que presentaba tanto la historia como la producción, por lo que pronto se planearían dos temporadas más.
En octubre de 2010 se estrenó en la televisión americana una serie que
Sin embargo, esta serie y su éxito obtenido no hubieran sido posibles
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sin la idea original, la cual fue extraída de las páginas de un cómic al puro estilo de los súper héroes de Marvel. El cómic creado por Robert Kirkman y Tony Moore fue publicado por Image Comics en el año 2003, y de inmediato logró hacerse de seguidores gracias a una estética sobria donde todos
los trazos estaban realizados a blanco y negro, pero sin perder detalle de cada personaje; y también por la historia de temática zombie, que cintas como Resident Evil, Exterminio y El amanecer de los muertos pusieron de moda. The Walking Dead cuenta la historia
de Rick Grimmes, un policía local. Luego de sufrir un accidente que lo dejó en coma durante varios meses, despierta para enterarse que las personas que conocía ya no existen más y que el mundo que conocía ahora está lleno de walkers deseosos de carne fresca. Después de cientos de peripecias logra encontrar a su
familia, quien es conducida en busca de refugio por Shane, el mejor amigo de Rick. Ellos, junto con un grupo de sobrevivientes, tienen que sortear los caminos llenos de muertos vivientes.
Con tan sólo ocho minutos de duración, el público quedó prendado de la historia, y la expectativa de saber si se realizarían más capítulos creció con el trágico “continuará” que se mostró al finalizar el video.
La publicación cuenta ya con 107 números que se han compilado en una colección de doce tomos de tapa dura, de donde se retoma el guión de la serie estadounidense producida por AMC. Mas el guión no se ajusta de manera exacta a la tira cómica, y quienes la han leído, lograron darse cuenta desde el primer capítulo. Sin embargo, AMC como antesala al
Además de una perfecta mercadotecnia para promocionar la serie televisiva, AMC decidió que dado que la historia no contendría un guión original del cómic, continuaría con la producción de la serie animada. Así se animó el primer tomo de The Walking Dead.
estreno de la primera temporada, lanzó una serie animada del cómic. La serie animada contó con los mismos dibujos y las secuencias originales del cómic, y fue emitida exclusivamente en su portal web. El primer capítulo mostró las primeras 13 páginas del primer libro y fue producido por Jake Strider Hughes, que también produjo DC Watchmen Motion Comic, y cuenta con el talento vocal de Futurama ‘s Phil Lamarr.
Si conoce el cómic, sin lugar a dudas no puede dejar de ver esta serie, y si no, es una buena oportunidad de conocer este trabajo que bien vale la pena. Aunque habrá que advertir que al estar basada fielmente en el cómic, no encontrará en ella lo que sucederá en los siguientes capítulos de la serie televisiva, pero sí encontrará una historia más oscura y con personajes con características psicológicas totalmente diferentes a los que usted ha concebido en televisión.
El remake
SOBRE EL NIÑO QUE NO QUERÍA CRECER Por Evelin Montiel
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iguiendo la segunda estrella a la derecha, y después directo hasta el amanecer es como llegamos al País de Nunca Jamás, donde vive Peter junto con los niños perdidos. Estos maravillosos personajes extraidos de la novela de J.M Barrie fueron llevados al cine por los estudios Disney hace sesenta años, siendo esta la primera película animada sobre Peter Pan, popula-
rizandose así enormemente la historia del niño que no quería crecer. La cinta fue dirigida por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, y fue la punta de lanza para que otros se aventuraran a llevar al cine a este personaje en diferentes adaptaciones. Sin embargo nadie más se atrevió a llevarla a la pantalla grande en forma animada
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y competir contra la versión de la gigante casa Disney. La única que se atrevió a remasterizar esta versión fue la misma casa Walt Disney quien le dio vida nuevamente a Peter en lo que fue una secuela de la cinta del 53. Peter Pan: Regreso al País de Nunca Jamás, se estrenó en 2001 con una gran aceptación del público. La historia retoma el final de la cinta original y desarrolla una nueva aventura en la que Wendy ya es adulta y madre de familia. La acción se desarrolla durante la Segunda Guerra Mundial, mientras los bombardeos arrasan la ciudad de Londres. Ante tanta devastación, Wendy utiliza su imaginación para contar a sus hijos la historia de Peter Pan, el niño que se negaba a crecer, pero Jane, su pequeña y testaruda hija de doce años considera que todo eso son tonterías. Y es que la crueldad de la guerra le ha arrebatado la infancia a
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Jane, así como su capacidad para creer en la magia y divertirse olvidando las preocupaciones. Por añadidura, antes de marcharse al frente de batalla, su padre le encargó una misión: cuidar de su hermano pequeño, y ella se lo toma muy en serio. Por eso, se ve obligada a dejar de lado los juegos y la despreocupación propias de una niña y, en su lugar, debe hacer frente a la dura
realidad del mundo de los adultos. Cuanto más tarda su padre en volver, más difícil le resulta creer en las fantásticas historias de su madre sobre Peter Pan. Sencillamente, no puede permitirse el lujo de
creer en la fantasía. Pero su vida cambia por completo cuando el Capitán Garfio la rapta por error y la lleva a Nunca Jamás, un país donde la realidad es pura fantasía. En realidad, se trata de un viaje a su interior, donde descubre que todo es posible con un poco de fe, de confianza y de polvos mágicos. Para el equipo de Disney resultó un trabajo exhaustivo ya que tuvo que superar el «factor intimidatorio» ante la perspectiva de crear una continuación de una de las obras maestras de Disney, una producción única y maravillosa fruto del talento creativo de los famosos animadores de la empresa. El director Robin Budd señaló alguna vez que luego de ver la primera cinta, todo el equipo se encontró muy asustado, pues se dieron cuenta de que la dirección artística era maravillosa en su sencillez, y que recrearla iba a ser mucho más complicado de lo que pensaron en un principio, así que se tuvo que invertir un gran esfuerzo en el trabajo.
Por su parte, el productor Christopher Chase reconoció que el trabajo fue extenuante y muy arriesgado por lo que aseguraron en todo momento que cada toma fuera perfecta y que no se perdiera el toque que poseía el clásico. El resultado fue favorable y fructífero pues se estrenó en las salas de cine con bastante aceptación, pese a la política Disney de lanzar secuelas de grandes clásicos directamente al mercado doméstico. A pesar de que la historia no aporta nada nuevo al mundo mágico de Nunca Jamás, fue un acierto favorable realizar la cinta ya que acercó a las nuevas generaciones a conocer las mágicas aventuras de Peter.
FICHA TÉCNICA TÍTULO ORIGINAL: Peter Pan: Return to NeverLand AÑO: 2002 DURACIÓN: 72 min. PAÍS: USA DIRECTOR: Robin Budd, Donovan Cook GUIÓN:Temple Matthews MÚSICA:Joel McNeely FOTOGRAFÍA: Animation REPARTO: Animation PRODUCTORA: DisneyToon Studios / Buena Vista GÉNERO: Animación. Fantástico. Musical. Infantil
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De los di aT
una una vez vez
Por Evelin Montiel
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os dibujos animados nacieron antes que el mismo cine. Se atribuye su paternidad a un visionario francés llamado Emile Reynaud, quien creó en 1877 el praxinoscopio. En este aparato consiguió la proyección de imágenes en movimiento a las mayores alturas, conju-
gando el espectáculo con el drama, en una época en que la animación apenas era poco más que un truco óptico para demostrar teorías científicas y entretener a los niños. Aunque el género nació en Francia conoció su desarrollo y esplendor en los Estados Unidos. Winsor McCay, dibujante de cómics, era autor de una famosa tira del New York Herald, El pequeño Nemo. McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el propio Blackton. El resultado fue el estreno, en 1911, de un vodevil en el cual sobre la pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento. Unos años después McCay realizaría Gertie, el dinosaurio (1914), considerada su obra maestra y el primer registró fílmico sobre animación como la conocemos hoy día. Aunque el cine de animación es anterior al del cine en movimiento, y se basa en ilusiones
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inosaurios Toys Story Esta técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que empezaron a experimentar con historias de títeres, marionetas, y maquetas. Así nació la técnica de animación stop-motion.
La naciente industria de la animación Gertie el dinosaurio, 1914
ópticas producidas con aparatos anteriores al cinematógrafo, como el zoótropo o el praxinoscopio de Reynaud, años después de que el
Pronto se perfeccionarían las técnicas de animación por fotogramas, pero en esta ocasión mediante la utilización de dibujos llamados bocetos de guión. Así que no tardaría mucho en apare-
cer el primer largometraje utilizando esta técnica. Fue así que en 1917 se estrenó Apostol, un trabajo del argentino Quirino Cristiani. Contrario a
Apostol, 1917
cine con acciones en vivo apareciera, Edwin S. Porter hizo la primera animación de objetos, fotograma a fotograma, para la compañía Edison. Esta técnica requería una adaptación de la cámara de cine normal, de forma que sólo exponía un fotograma, parándose con el obturador cerrado, en vez de continuar a la velocidad acostumbrada de 16 fotogramas por segundo.
Quirino Cristiani
lo que se conoce, Blanca nieves y los siete enanos (1937) realizada por Walt Disney no fue la primera cinta animada, pero sí fue la primera en utilizar color. Mientras tanto, las animaciones cortas siguieron naciendo. Ya para 1920 se habían creado cientos de dibujos animados entre ellos el Gato Félix (1914). Betty Boop y Mickey Mouse fueron creados en esa misma década, 1926 y 1928 respectivamente. Para esas fechas Walt Disney había cubierto mucho terreno en el ámbito de la animación, fue precisamente él quien introdujo el uso de bocetos de guión en los primeros cortometrajes animados. Pronto el equipo
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Disney empezó a atribuirse grandes aportaciones técnicas, como la de Webb Smith, a quien se le atribuye la invención del storyboard a principios de los años treinta.
La era Disney El caricaturista y dibujante publicitario Walt Disney se interesó por los dibujos animados hacia 1919 y creó la serie Alice Comedies (192430). La incorporación del sonido en 1928 l e
permitió jugar con los efectos musicales y adaptó el technicolor a partir de la obra Árboles y flores (1932). Ya a finales de la década de los 30, la madurez de su trabajo y la de todos sus colaboradores, le permitió emprender la realización de largometrajes como Blanca Nieves y los siete Enanos. En 1940 realizó un ambicioso experimento audiovisual, combinando imágenes con música clásica; para ello ideó un sistema de sonido estereofónico con cuatro pistas llamado Fantasía.
Sin embargo, en esa misma década, Disney comenzó a sentir los aguijones de los competidores. Nuevos personajes fueron creados y obtuvieron gran éxito, tal es el caso de Walter Lantz, quien en 1941 inició la serie del pájaro carpintero, introduciendo el sadismo y el furor destructivo en el género. El mismo furor y sadismo fueron los carácterísticos rasgos de la pareja formada por el gato Tom y el ratón Jerry, creados por William Hanna y Joe Barbera.
de animación por ordenador creado para UCLA Animation Workshop, y Permutations de John Whitney. En 1982, Tron, una aventajada producción de Disney (aunque no se trataba de una película de animación) incluyó 15 minutos de animación por ordenador, aunque el primer largometraje de animación digital que se estrenó comercialmente fue Toy Story (1995), realizada por Pixar.
Ante el peligro inminente, Disney ne-
Toy Story obtuvo un inmenso éxito y demostró la viabilidad de este tipo de producciones. Pronto se sumó a la pugna el estudio Dreamworks, que en 1998 estrenó Hormigas, la segunda película generada por ordenador. Este filme fundó las bases del estilo de animación Dreamworks, con un guión inteligente y lleno de humor. Sin embargo es indiscutible que la aportación de los estudios Pixar a la historia del cine de animación es comparable con la de Disney en los 30.
cesitaba refrescar su imagen y abandonar un poco el lado tierno y rosa que caracterizó su trabajo durante años, para poder hacer frente a los nuevos personajes de la época. Así fue como hizo su debut el popular Bugs Bunny, convirtiéndose en una leyenda durante los años 50 y 60 bajo la inspirada dirección de Tex Avery, Bob Clampett, Fritz Freleng y Chuck Jones.
La animación digital es un camino que abre muchas puertas a la animación, aunque las animaciones tradicionales no van a desaparecer y en ocasiones en una misma película se utilizan ambas técnicas.
La animación digital Casi dos décadas después, se inició el boom digital donde comenzaron a desarrollarse técnicas informáticas para producir películas animadas. En 1967 se dirigió Cibernetics 5.3, primer film
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Top Five
5 ANIMACIONES QUE NO TE PUEDES PERDER Por Azucena Mecalco En años recientes el mundo de la animación a través de la técnica del stop motion ha crecido exponencialmente. Directores como Tim Burton la han empleado en más de una ocasión obteniendo un éxito arrollador. Es por eso que el top five de este número esta dedicado a esas series o películas que utilizando esta técnica y que no te puedes perder.
Komaneko (Japón, 2006) Un buen día Komaneko, una simpática gatita que vive en un diminuto ático en la colina, decide que quiere grabar su propio cortometraje. Como un buen director, realiza un story board, crea el vestuario y demás nimiedades para comenzar su filmación, sin saber la cantidad de peripecias que le esperan. Ésta era básicamente la historia del cortometraje Komaneko (2006), del director japonés Tsuneo Goda. Sin embargo el éxito del corto fue tan grande, que en 2009 decidió realizar la película del personaje. Si tú gustas de los felpudos animalitos con caras tiernas y conmovedoras, no te pierdas esta carismática historia.
Wallace y Gromit (Reino Unido, 2005)
Wallace es un inventor optimista amante del queso, y vive con su fiel acompañante Gromit, un curioso labrador cuyos pasatiempos no son otros que tejer y escuchar música de Bach. Juntos Wallace y Gromit viven un sin fin de aventuras. O al menos suficientes para llevar a Nick Park a la creación de tres cortometrajes. En cada uno, los personajes se enfrentan a graciosas situaciones como alquilar su casa a un pingüino o entrar a trabajar de limpia vidrios. Tras el éxito y reconocimiento obtenidos con los cortos, Park realizó finalmente el largometraje Wallace y Gromit: la batalla de los vegetales (2005). Pero éste último no alcanzó el éxito de sus antecesores debido a que el guión se tornó mucho más infantil, para cautivar a los pequeños, dejando de lado el carisma de los personajes.
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Mary and Max (Australia, 2009)
Mary es una pequeña australiana de clase baja que contacta por azares del destino con Max, neoyorkino con problemas psicológicos. Luego de veinte años de correspondencia, Mary, quien se ha graduado como psicóloga, decide publicar un libro sobre el síndrome de Asperger basándose en las cartas que se escribía con Max. Esto desde luego enfurece al hombre y decide poner fin a su amistad. Al mismo tiempo, su esposo la abandona por un agricultor homosexual, lo que lleva a Mary a una crisis de la que al parecer es imposible escapar. Esta historia es una muestra de que la animación no sólo es para niños, y que a través de ella se pueden mostrar todo
The nightmare before Christmas (E.U.A. 1993)
En un recuento de películas que utilizan el stop-motion no podía faltar la mítica historia de Jack Skellington y su curiosa forma dar a conocer la navidad en nada menos que Halloween Town. El año de su estreno la cinta se enfrentó a opiniones encontradas y tuvo que pasar algún tiempo para que se posicionara en el gusto del público. No fue tarea fácil, pero hoy en día es una de las cintas animadas más populares que existen y también una de las que producen más merchandising. En muchas
Pingu (Suiza 1986)
Si de clásicos hablamos Pingu es una serie que no puede faltar. Producida en Suiza y transmitida en diversos países por más de 20 años, esta serie narra la historia de Pingu el pingüino y las peripecias de su vida cotidiana, lo mejor es que lo hace únicamente con imágenes. La serie fue creada de forma tan brillante que los diálogos no hacen falta para que comprendas cada una de las diminutas historias y pases un buen rato. Y aunque no lo crean esta serie también cuenta con una historia turbia. Sí, dos de sus capítulos fueron censurados en algunos países por considerarlos “no aptos para niños”. Pero, si quieren averiguar cuales son o sólo desean pasar
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El extra
por @amaury1984 ¡Coño! Qué ya ha pasado nuevamente la noche de las estrellas de Hollywood. Lo que quiere decir que ya nos quemamos los primeros 2 meses del año en curso. Pero este artículo no es para quejarme de lo... antiguo que me siento al ver el pasto crecer; sino de los Óscares. Debería empezar por decirle a usted, querido lector, que sí no vio la entrega de los Golden Globes del 2013, se perdió de la mejor entrega del año de premios al cine. Fue una gran idea y un gran trabajo juntar a Tina Fey y Amy Poehler y dejarlas hacer lo que quisieran.
Por el contrario, en un esfuerzo por dejar atrás la terrible entrega de los Óscares del 2011 conducida por Anne Hathaway y un fantasmal James Franco, la A.M.P.A.S. recurrió a su siempre “poco eficiente” Billy Crystal para conducir la noche de gala del 2012. Nada nuevo en los ratings del show. Que aunque usted
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no lo crea es lo que más le importa a la poderosa televisora ABC. De hecho existe un conflicto muy intenso entre la academia y la ABC sobre lo que se debe preservar de la ceremoniosa entrega de los Óscares y lo se debe eliminar, o agregar, para atraer nueva audiencia. Uno de tantos puntos de conflicto es: ¿de donde sacamos al host de la ceremonia? Para suerte de la cadena de televisión durante el 2012 el escritor de comedia Seth Macfarlane; que seguro conoce por Family Guy o American Dad; realizó la película Ted. Con lo que oficialmente entra al mundo Hollywoodense del cine, y a ojos de la academia, le da la posibilidad de conducir una entrega del Óscar. Macfarlane trajo al evento sus clásicos musicales y chistes de judíos, permitidos con moderación. A pesar de tener ciertos límites el comediante logró estructurar una de las más amenas entregas de los Óscares de los últimos años. Es de destacar el musical de apertura We saw your boobs en el que se acompaño del coro de hombres gay de los ángeles.( www. youtube.com/watch?v=LNeJZ3jLY Ig&feature=relmfu) A partir de ese momento Seth Macfarlane intenta llevar la velada de 3 horas lo menos
en declive que se pueda. También se agradecen los aportes de las actrices Jennifer Lawrence y Meryl Streep al tropezar en la escalinata del escenario y acomodarse el calzón respectivamente. Es probable que después de encabezar esta entrega Seth Macfarlane desista de hacerlo nuevamente, la presión que llega de
la cadena televisiva y la Academia sobre el contenido apto para presentarse es asfixiante. Recuerdo la entrega que Hugh Jackman encabezó y lo forzado que estuvo durante toda la noche intentando ser mínimamente chistoso. El actor decidió disculparse por no tener control del contenido y ser muy aburrido. Pasando a la entrega de la estatuilla dorada temo decirles que no hubo sorpresas. Otro de los grandes problemas que no ha sabido resolver la academia radica en que los Globos de Oro y la entrega de premios del Sindicato de Actores de la pantalla suelen telegrafiar las decisiones de los miembros de la academia. O decisiones que a ojos de algunos son abiertamente arbitrarias, como el caso de Ben Affleck a quien no se nominó a mejor director a pesar de que su película, Argo, contó con las nominaciones de ley para obtener la nominación al director.
Mejor director +9 Mejor fotografía +7 Mejores efectos visuales +7 Mejor música original +7 Total: 30 Argo
Mejor actor de reparto +7 Mejor guión original +7 Total: 14 Skyfall Mejor película +10 Mejor guión adaptado +8 Mejor edición +7 Total: 25 Les Miserables
¿Y la gran ganadora de la noche fue? Sospecho que la respuesta a esa pregunta tendría que ser: depende. La contienda de los premios más valorados estuvo entre Life of Pi, Argo, Zero Dark Thirty, Lincoln, Les Miserables, Silver Linings Playbook y Django Unchained. Y realmente ninguna de las nominadas pudo dominar en alguna categoría. Así que como cada año utilicé mi sistema de puntos: 10 puntos para premio a mejor película, 9 para la película que gana mejor director, 8 para el ganadores de actor, actriz, y guión original o adaptado. 7 para los reconocidos con mejor actor y actriz de reparto, así como premios técnicos. Bien, aquí esta el conteo:
Django Unchained
Mejor canción original +7 Mejor edición de sonido (empate) +7 Total: 14 Silver Linings Playbook Mejor actriz +8 Total: 8 Mejor actriz de reparto +7 Mejor maquillaje y peinado +7 Mejor mezcla de sonido +7 Total: 21
Zero Dark Thirty Mejor edición de sonido (empate) +7 Total: 7
Lincoln
Anna Karenina Mejor vestuario +7 Total: 7
Life of Pi
Mejor actor +8 Mejor dirección de arte (diseño de producción) +7 Total: 15
Ahí tienen, por mérito técnico la adaptación de Ang Lee fue la gran ganadora de la noche. Un proyecto que paso por las manos de 3 directores y tomo 6 años llevar a la pantalla. Un detalle curioso es que la empresa que elaboró todo los efectos especiales de la hermosa película del director taiwanes se ha declarado en banca rota. Por lo que es probable que no aporten más fantasía al mundo del cine.
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