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Editorial
Contenido En portada: Iron Man
El cine también se escucha: Alan Menken
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Del papel a la pantalla: Iron Man
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Tesoros fílmicos: Up
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La mente maestra: John Lasseter
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Maestros del terror: El espinazo del diablo
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El remake: Superman
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Había una vez: La historia de Pixar
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Top Five: Los pedofilos en el cine
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Hablar de cine para niños es entrar en controversia. Existen miles de películas clasificadas bajo este género. Sin embargo, ¿qué es realmente un producto para niños? Hasta hace algún tiempo se vivía bajo el estereotipo de que todo aquello que usara dibujos era para niños. Así, los padres de familia permitían sin reserva que sus hijos disfrutaran de series repletas de sujetos desangrándose por cada poro de la piel sólo porque eran caricaturas. Cuando finalmente cayeron en la cuenta de que aquello no podía estar dirigido al público infantil era demasiado tarde, pues la mayoría de los productores se avocaban hacia esa línea argumental al ver que era la más fructífera. Con la revolución del cine animado 2D y su paso al 3D, quizá fue posible vencer este prejuicio brindar un nuevo campo de exploración de argumentos e historias que disfrutan por igual niños y adultos. Sin embargo, la problemática real es que los niños son subestimados. En muchas ocasiones, al crear productos dirigidos a este público se piensa erróneamente que para ser niño se debe ser: inocente, puro y porqué no decirlo, tonto. Mas todos aquellos que hayan sido niños alguna vez y que para variar lo recuerden deben saber perfectamente que los niños simplemente son personas con menos experiencia y quizá, en algunos casos, con mayor capacidad de asombro.
Super 8 Número 9 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, @amaury1984 Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 15 de abril de 2013
El cine también se escucha
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LA MÚSICA QUE RE
Por Azucena Mecalco
Las películas de los estudios Disney se caracterizaron, por lo menos hasta la década de los 90, por contar no sólo con dibujos de gran calidad y un colorido impresionante; sino también por poseer una musicalización que se enraizó a la memoria de los niños… y no tan niños que disfrutaban de sus filmes. Debido a que las películas animadas de Disney son prácticamente musicales, las bandas sonoras resultan de una trascendencia enorme en la trama. Cada personaje, cada cambio de escenario cuenta con su propia canción que muestra la personalidad, el ambiente y otros detalles que hacen que el público se mezcle con la trama. Así, los productores se han preocupado por atraer musicalizadores de gran calidad, capaces de desentrañar con una melodía todo el universo de un personaje.
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Dentro de esas mentes brillantes que se dedicaron a crear canciones sosas, alegres y pegajosas que los fanáticos, e incluso aquellos a los que no les gustaban las películas, recuerdan hasta el día de hoy, se encuentra nada menos que Alan Menken, compositor neoyorkino nacido en 1949. Como es común, Menken se inició en la vida musical desde muy joven con su interés por el piano y el violín. Cuenta con una extensa trayectoria, un sin fin de nominaciones por sus trabajos y nada menos que ocho premios Óscar. Aunque Menken ha dedicado su vida a la música, y ya a temprana edad se había dado a conocer en E.U.A como compositor de Broadway, sus trabajos se dieron a conocer mundialmente a través su participación con los Estudios Disney. Este compositor, a lado de Howard
Ashman, afamado letrista, es uno de los responsables del resurgimiento de las películas de Disney a partir de 1989. Su primera colaboración de Menken fue en la película La sirenita (1989). Realizada a lado de Howard Ashman, la banda sonora de esta película recibió un gran reconocimiento por parte de la crítica y la Academia, logrando obtener dos Óscares: Mejor Banda Sonora y Mejor canción original. Así mismo obtuvo el Globo de oro por Mejor Banda Sonora. Fue precisamente este sound track el que marcó los lineamientos que regirían las musicalizaciones de Disney por más de una década. Dos años después, La Bella y la Bestia se sumaría a los éxitos de Menken. El sound track de este trabajo contaba no sólo con las clásicas canciones situacionales, en las que
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ESUCITÓ A DISNEY los personajes expresan su sentir; sino también con una serie de intromisiones orquestales y coros operísticos que destacaban por encima de las producciones anteriores. La calidad de este trabajo musical fue tal, que incluso The New York Times lo calificó como “el mejor musical de Broadway”. Desde luego se hizo acreedora a los Óscares de Mejor Música y Mejor Canción Original. Al hablar de sus gustos musicales, su trabajo y las influencias con las que cuenta al componer, Menken ha declarado que si bien gusta de escuchar algo que vaya con su estado de ánimo en un momento determinado “desde algo como Beethoven, a los Beatles o los Rolling Stones” al momento de componer prefiere relegar sus gustos personales y no dejarse influenciar por ningún tipo de música, puesto que la composición se trata precisamente de dejar que
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surja la magia por sí sola para cada melodía. En 1992, Menken compuso la música para Aladdín, ese mismo año colaboró componiendo la música de Lincoln, documental dramatizado, y la banda sonora de La pandilla, musical protagonizado por Christian Bale. Desde luego su trabajo para Aladdín obtuvo los mismo resultados que sus dos trabajos anteriores con Disney, y esta situación se repetiría más tarde con el sound track de Pocahontas (1995). Sin embargo, pese a recibir los galardones, las composiciones para Pocahontas fueron bastante criticadas, incluso se habló de “el inicio del fin” de la carrera del compositor. El trabajo musical de Menken es fácil de distinguir. Recurre generalmente a las composiciones corales, además de introducir distintos ritmos desde la música tropical hasta la ópera. En entrevista para El mundo, Menken declaró que lo más importante para él es no planificar demasiado, por el contrario busca siempre escribir y vivir “desde las tripas y el corazón, no con el cerebro. El cerebro me levanta por la mañana y me dice dónde ir. Pero es algo en mi interior lo que me dice ‹esta es la música que necesitamos aquí, justo esta emoción que sientes ahora›”. En 1996, le tocó el turno al sound track de El Jorobado de Notre Dame,
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este trabajo le valió la reivindicación con el público y la crítica; mas por primera vez, a pesar de ser nominado no logró obtener el premio por Mejor Banda Sonora. Un año después compuso la música de Hércules, con la que no obtuvo ni por asomo el éxito de sus anteriores trabajos. Tras el relativo fracaso de Hércules, Menken regresó a Broadway para poner en escena los musicales escritos para Disney.
Tardó ocho años en regresar al mundo del cine, desde luego lo hizo otra vez con los Estudios Disney, pero las composiciones carentes de inspiración que mostraba en cintas como Vacas Vaqueras (2004), hablaban no sólo de su decadencia musical sino también de la falta de creatividad de los estudios, que comenzaban a entrar en una crisis no vista desde los ochenta. Sin embargo, tanto Menken como Disney volvieron con Encantada (2007).
Aunque es cierto que sus trabajos con Disney son quizá los más conocidos, ha participado en otros proyectos como Padre de familia, Plaza Sésamo, Rocky V (1990), o Capitán America (2011). Menken asegura que el éxito de sus composiciones, que devolviron la vida a los Estudios Disney en dos ocasiones, se debe a la química entre él y los trabajos que realizan los estudios.
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IRON MAN 3 El hombre de hierro estรก de vuelta Por Evelin Montiel
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Del papel a la pantalla
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gocéntrico, irritable, ácido, insoportable, presumido, mujeriego y por su puesto, millonario y guapo, son algunas de las características que describen a uno de los personajes concebidos por Stan Lee para Marvel Comics.
Luego de ello, Tony es obligado a construir una poderosa arma con fines terroristas, es así como decide crear su propio método de escape al construir una especie de armadura que funcione con la energía producida por el electroimán.
Tony Stark se ha convertido en uno de los súper héroes con mayor popularidad en los últimos años y todo eso se lo debe a Paramount Pictures y a Marvel Studios, quienes luego de explotar ya a varios de sus personajes de comic, decidieron darle la oportunidad en la pantalla grande, ¡y vaya que fue una atinada decisión!
Después de su aparatoso escape, regresa a casa con la única idea en mente de mejorar su armadura para combatir el mal.
En esta primera cinta del personaje, con actores reales, se narró el origen de Iron Man; luego de que Tony Stark, un ingeniero multimillonario líder de la industria armamentista, es secuestrado por un grupo terrorista de medio oriente. Durante el secuestro Tony resulta herido y para salvarle la vida, uno de los científicos, también secuestrado por el grupo armado, construye un electroimán para evitar que los trozos de metal, que fue imposible extraer de su cuerpo, lleguen a su corazón.
Tras el estreno de Iron man: El hombre de hierro, en 2008, cientos de fanáticos la recibieron de buena manera, aplaudiendo la labor de Jon Favreau en la dirección. Sin embargo el trabajo de dirección, edición y efectos especiales no fueron los únicos causantes de la buena recepción de la cinta, pues gran parte del éxito se debió a la actuación de Robert Downey Jr. en el papel principal. La elección de Favreau para que Robert intepretara el papel principal se debió a que él creyó que sería perfecto, pues la vida del personaje encajaba adecuadamente con el pasado del actor, el cual estaba lleno de tropiezos profesionales y personales debido a sus adicciones.
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Favreau sabía que el personaje implicaba una gran interpretación, pues a pesar de ser un tipo excéntrico, divertido, galán e inteligente, también ocultaba hacía el público su miedo a la soledad y el fracaso. Fue entonces que el trabajo inició conformando un gran equipo de actores entre los que se encontraron Gwyneth Paltrow, Terrence Howard y Jeff Bridges. Cuando finalmente la cinta se estrenó, logró recaudar poco más de 98 millones de dólares tan sólo en su primer fin de semana, colocándola entre las 15 películas que rompieron récord en taquilla durante sus primeros días de exhibición, situación que dio paso a dos secuelas más de la historia. La segunda parte fue estrenada en 2010, integrándose al elenco el actor Mickey Rouge, como el nuevo villano de la historia; Scarlett Johanson como la Viuda Negra y Samuel L. Jackson como el director de SHIELD. Con estos dos últimos personajes se introduce el inicio de Los Avengers, el equipo de súper héroes de Marvel en el cual participan personajes como Hulk, Green Arrow, Capitán América, y Thor. Así Iron Man 2 significó la antesala para reunir al equipo de Vengadores, cuya cinta se estrenó en 2012, impactando a todos con su gran uso del 3D y sobre todo de los efectos especiales. En esta cinta, Iron Man logra una gran participación, en la cual re-
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sulta ser el héroe de historia al encabezar al equipo en la misión para salvar a la tierra de la invasión de otro mundo. Luego de este recorrido fílmico por la vida del hombre de hierro, no debería parecernos extraño que ahora sea uno de los personajes más populares entre el público (sobre todo infantil), quien ve en este súper héroe a una persona real, humorística, excéntrica y a veces un poco torpe, pero que al final termina demostrando su gran corazón al elegir lo correcto. A finales de este mes, podrá verse en las salas cinematográficas nuevamente Iron Man, en su tercera entrega, que por cierto promete mucho, pues según el actor “se buscaron nuevos retos para el personaje en la parte humana, dejando un poco atrás la historia en la que se alaba su heroísmo al vencer a los villanos”. También se adelantó que Pepper, (interpretada por Paltrow) la asistente y enamorada de Tony, tendrá una mayor participación en la que abandonará el rol de damisela en peligro para poder ayudar a combatir el mal. Esta última entrega, representa la cuarta ocasión en que Downey interpreta al personaje en la pantalla grande, sin dejar atrás la segunda parte de Los Vengadores que se espera para el 2015, donde volverá a ponerse el traje de Iron Man, afianzando así su posición como uno de los actores más cotizados hasta el momento.
Tesoros fílmicos
Up, la joya de la dupla Disney-Pixar Por Evelin Montiel
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n el año 2009, se anunció que el Festival Internacional de Cine de Cannes sería inaugurado con una cinta animada de la casa Disney, intrigando a la crítica cinematográfica quien increpó la decisión. Sin embargo, sólo cinco minutos de proyección inicial bastaron para dejar boquiabiertos a todos los asistentes y conmoverlos hasta las lágrimas.
Se trata de Up, una aventura de altura, cuya secuencia inicial narra la historia de amor de Carl y Ellie, quienes se conocen desde la infancia y se enamoran. Toda una vida es narrada en apenas 5 minutos, donde podemos ver una boda,
planes de vida, plenitud, madurez, vejez, enfermedad, muerte y finalmente soledad. Finalmente todos ovacionaron el filme, confirmando a la recién dupla Disney- Pixar como todo un éxito. La historia animada, por demás conmovedora y llena de aventuras, por
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primera vez tiene como protagonista a alguien de la tercera edad quien, luego de la muerte de su amada esposa, decide partir hacia las Cataratas del paraíso, lugar al que siempre quisieron viajar en su juventud, pero al que nunca pudieron ir. La aventura inicia en el momento en que Carl ingeniosamente comienza su viaje, y como vehículo no lleva más que su casa a modo de dirigible impulsado por cientos de globos de helio. Animosamente Carl emprende el viaje en la tranquilidad de su casa y en la soledad y serenidad de las alturas, hasta que de pronto el ruido del timbre perturba su estadía y es el momento en que se da cuenta que lleva a un polizón: el pequeño Russell, un guía explorador cuya torpeza para hacer casi todo es eclipsada por su optimismo y un corazón de oro. Esta historia fue realizada por Pete Docter -también responsable de cintas como Toy Story, Wall-E y Monsters Inc-, y en el año de su es-
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treno marcó un hito en el desarrollo de la animación, pues fue la primera en filmarse en su totalidad en 3D. En este trabajo titánico participaron cerca de 70 animadores en el proceso de producción, mientras que un equipo de aproximadamente 375 animadores hicieron su aporte creativo para el film. Y es que no fue nada fácil crear los escenarios exóticos de Sudamérica, así como sus personajes para los cuales se empleó la técnica del ‘simplismo’, que según el productor Jonas Rivera, fue creada para despojar de cierto detalle la animación sin hacer que pareciera ordinaria. “La animación por ordenador permite reproducir detalles impresionantes que confieren un mayor realismo a las imágenes. Pero nosotros no deseábamos realizar una película realista, sino
tangible. Deseábamos caricaturizar los personajes, aunque no de un modo exagerado, para que el público pudiera identificarse con ellos”. Y definitivamente lo consiguieron visual y narrativamente, a pesar de las dudas y los temores que surgieron en en el equipo de producción por no superar lo obtenido con Wall-E, donde la temática ambiental fue un boom pero la narrativa no pareció agradarle tanto a los niños, terminando por convertirse en un grito de concientización hacia el público adulto. Finalmente la apuesta por la historia y su viejo protagonista resultó ganadora, y la taquilla disipó todos los temores al lograr una apertura de 74 millones de dólares tan solo en los Estados Unidos, superando lo hecho por la ganadora del Óscar como Mejor Película Animada, Wall-E, en el año anterior. De igual forma, en el la gala de los
Premios Óscar de 2010, Up, se llevó dos estatuillas en la categoría de Mejor Película Animada y mejor tema musical, referente a la secuencia inicial que describimos anteriormente. A pesar de estar nominada en la categoría de mejor película al lado de Avatar y de The Hurt Locker, no obtuvo esta presea pero sí el gusto y los aplausos del público. En las últimas producciones de Pixar, como Ratatouille y WallE, se ha hecho evidente un cambio que no expresa otra cosa que el deseo por imponer un tipo de animación versátil, que se ha ganado su espacio y respeto, así como historias que se han puesto al nivel de los mejores dramas, de la mejor acción y la mejor comedia, logrando abarcar un público más amplio. Tal el es caso de Toy Story, que fue creciendo y abarcando nuevas temáticas de acuerdo a la
edad de su público, que recordemos, tardó más de 10 años en ver la conclusión de esta bella historia, y lo que inició como una cinta para niños terminó siendo para el público joven y adulto. Up no es una cinta que recorra el camino de un drama simple, ni se hunde en profundos debates argumentales. Por el contrario, entabla una relación con dos tipos de personas que actualmente son los más vulnerables en una sociedad: los niños y los ancianos, que juntos demuestran que no importa la edad ni la adversidad para ir en busca de nuestros sueños. Sin duda Up ya se encuentra entre los clásicos del género animado, y es capaz de hacernos reír y también llorar al lado de personajes tan entrañables como lo son Carl y su querido Russell.
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ANIMANDO FANTASÍAS Por Azucena Mecalco
Toy Story es tal vez la película más conocida Pixar. Su historia y personajes marcaron a toda una generación, situación que quedó al descubierto en las salas de cine en 2010, cuando tras 15 años de haberse estrenado la primera película llegó a las pantallas la tercera entrega de las aventuras de los juguetes. Las salas, lejos de estar abarrotadas con niños, se llenaban de adultos de entre 19 y… bueno, no entraremos en detalles. No era para menos, la historia de Woody y sus amigos quedó grabada para siempre en la memoria de millones de personas alrededor del mundo, que esperaban por ver la conclusión de la saga. Pero detrás de cada gran película existe un gran equipo técnico comandado, desde luego, por un gran director. En el caso de Toy Story hablamos de John Lasseter, cofundador de los Estudios Pixar, animador, director y visionario. Lasseter, fanático de los dibujos animados, fue el segundo alumno en ser aceptado en Cal Arts, en el programa nuevo de animación incorporado a la institución. En esta escuela de arte, diseño y fotografía, creada por Walt Disney en 1961, impartían clases los colaboradores
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ASSETER
S de Disney de los años 30, conocidos como Los Nueve Ancianos. Ahí compartía las aulas con artistas como Tim Burton, John Musker y Brad Bird. Su decisión de incorporarse al mundo de la animación se debió por una parte a su fanatismo y por otra a un libro de Bob Thomas: El arte de la animación, gracias al cual descubrió que incluso su hobby por los dibujos animados podía ser redituable. Mientras estudiaba consiguió trabajo de verano como barrendero en Disneyland, su empeño lo ayudó a ser promovido rápidamente a Operador de El crucero de la jungla de Disneyland. Después de ese verano volvió a Cal Arts. Durante su paso en esa escuela, obtuvo dos veces el premio de La Academia de Estudiantes por sus cortometrajes: Lady and the Lamp y Nitemare. Después de su graduación en 1979, se incorporó de lleno a los Estudios Disney. Allí realizó colaboraciones para cintas como El zorro y el sabueso (1981). En 1982 Disney lanzó una película vanguardista en la que empleaba la animación por computadora para añadir los efectos especiales: Tron. Luego de verla Lasseter, asociado
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con el con el también animador de Disney Glen Keane, decidió lanzar su propio proyecto: Where the Wild Things Are, experimento de tan sólo 30 segundos de duración en el que combinaban la animación, la digitalización y los movimientos de cámara. En 1983, Lasseter tuvo la oportunidad de conocer Lucasfilm, la productora creada por George Lucas en 1971. Al darse cuenta de todo el potencial que existía en el mundo de los ordenadores para mejorar la animación se incorporó al equipo. Posteriormente se convirtió en cofundador de los Estudios Pixar en donde ha realizado sus más grandes trabajos. Sin duda su producción más famosa es Toy Story (1995), que fue el primer lar-
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gometraje de animación generado por computadora. Después de esta producción las dudas asaltaban al director, pues no había calibrado el impacto que generaba la cinta, hasta que al regresar de un viaje familiar su hijo emocionado llamó su atención para que viera a un niño que llevaba un muñeco Woody, “en ese momento me di cuenta de cómo estas películas realmente tocan a la gente” aseguró Lasseter. La aceptación de la cinta lo obligó a crear no una sino dos secuelas, en 1999 y 2010. Aunque la última de éstas fue dirigida por Lee Unkrich, la historia, producción ejecutiva y el equipo creativo estuvieron a cargo de Lasseter. Sin embargo, el éxito real de la película no se debía a la tecnología empleada para realizarla. Si bien es cierto que la animación por computadora era el atractivo principal, lo que realmente capturó al público fue la solides de la historia
y la creación de personajes simpáticos y entrañables. El mismo director aseguró para diversos medios que no se podía crear una historia sólo con imágenes: “tiene que existir una historia y personajes.” Y fue gracias a ello que la cinta logró recaudar más de 350 millones de dólares durante su exhibición. Después de Toy Story, Lasseter dirigió Bichos (1998) y Toy Story 2 (1999). Fue productor ejecutivo de cintas memorables como: Monsters Inc. (2001), El viaje de Chihiro (2002) de Hayao Miyazaki, Buscando a Nemo (2003), Los increíbles (2004) y El increíble castillo vagabundo (2005). Su regresó como director fue en el año 2006, con otra cinta que se posicionó de manera inmediata entre los niños, y que al igual que Toy Story, marcó un hito en el mundo de las películas animadas, haciendo surgir un sin fin de merchandising y recaudando millones en taquilla: Cars. Y aunque a historia era sencilla y divertida, no fue suficientemente buena como para dar material para la segunda parte, producida en 2011. A partir de ese momento se ha dedicado casi por completo a producir las cintas de Pixar entre las que se encuentran: Tinker Bell: el secreto de las alas (2011) o Ralph el demoledor (2012). Los trabajos de Lasseter son sin duda un ejemplo importante de los progresos tecnológicos aplicados al mundo de la animación y una muestra de que basta con aplicar un poco de ingenio a lo que nos interesa para transformarlo en una forma productiva de creación.
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Maestros del terror
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i por algo se conoce a Guillermo del Toro en el mundo del cine es por su trabajo en el género de terror y el thriller. Luego de producciones como La invención de Cronos y Mimic, su trabajo se dio a conocer gracias a una estética y ambientación espectaculares en las que abundaban los ambientes tétricos y fantásticos.
En 2001 el mexicano estrenó una cinta titulada El espinazo del diablo, producida por una casa productora española perteneciente a los hermanos de Pedro Almodóvar.
Catalogada como una historia de suspenso, El espinazo del diablo, nos adentra al mundo infantil corrompido por el abandono, las sombras y la crueldad de la injusticia.
Esta cinta fue la primera que marcó ya un estilo definido de Del Toro, pues tanto el guión como la dirección partieron de su ingeniosa mente.
En el contexto de una guerra quienes más sufren son los niños, y eso pudo retratarlo a la perfección Guillermo, quien a través de
la Guerra Civil Española relata la historia de Carlos, un niño de 12 años quien es abandonado en un orfanato por su tutor. Una vez dentro, el pequeño empieza a descubrir que sus compañeros y maestros esconden un terrible secreto, éste es resguardado por los lúgubres y tenebrosos pasillos de la construcción, y atemoriza a todos quienes
intentan revelarlo. Aunado a esto, los niños y los adultos que asisten en las tareas del orfanato, son asediados por el ejército franquista y por un par de ladrones que están detrás de un tesoro de lingotes de oro que Carmen, una de las cuidadoras, oculta en el orfanato.
actores de origen español, el mexicano logra repuntar el género de suspenso en el país vasco, introduciéndose rápidamente dentro de la nueva ola de cine español que apunta a un público más joven.
Interpretada en su totalidad por
Lejos de ser una historia de fantasmas y espectros, la cinta resul-
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ta perturbadora debido a las circunstancias reales que deben vivir los niños dentro del orfanato, donde además de carencias, reciben el trato como si fuesen prisioneros ocultos de la situación de guerra. Además de las situaciones infantiles, muestra los pesares de los adultos, quienes también son refugiados de la guerra como Carmen, quien fue consumida por un amor no correspondido y además condenada a usar una pierna ortopédica para poder caminar; Jacinto, atrapado por una crueldad de la que no quiere librarse; Casares, acobardado por su incapacidad de ayudar a los niños y defender todo aquello en lo que cree; y los niños que pierden su inocencia con cada día dentro del orfanato. La labor de Guillermo dentro de este filme es sobresaliente, la construcción de los personajes así como de los escenarios resulta abrumadora de principio a fin. Ayudado por la fotografía de Guillermo Navarro y el historietista Carlos Giménez, consiguen definir una es-
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tética clara, que pronto sería prefeccionada en los trabajos posteriores del cineasta como lo son El laberinto del fauno, Hellboy y No le temas a la oscuridad.
FICHA TÉCNICA Título original: El espinazo del diablo Año: 2001 Duración: 106 min. País: España Director: Guillermo del Toro Guión: Guillermo del Toro, Antonio Trashorras, David Muñoz Música: Javier Navarrete Fotografía: Guillermo Navarro Reparto: Marisa Paredes, Eduardo Noriega, Federico Luppi, Fernando Tielve, Íñigo Garcés, Irene Visedo, Francisco Maestre, José Manuel Lorenzo, Junio Valverde Productora: Coproducción EspañaMéxico Géneros: Terror. Thriller
El remake
‘EL’ súper héroe del cine Por Evelin Montiel
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s í como Marvel tiene a sus personajes favoritos, que le han dejado una gran remuneración en la taquilla, otras casas productoras como Warner tienen los suyos. Luego de adquirir los derechos del súper héroe más grande de todos: Superman, comenzó una era en la que los kriptonianos y los humanos serían algo que se mencionaría comúnmente tanto en cine como en televisión. La era de Superman comenzó en 1973 cuando Warner adquirió los derechos cinematográficos del personaje de la DC Comics. Fue entonces cuando se inició la búsqueda exhaustiva para encontrar un director lo suficientemente capaz para hacerle justicia al legendario kriptoniano en la pantalla grande. Entre los más mencionados se encontraba Steven Spielberg, quien gozaba
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d e u n a considerable fama por la entonces reciente Tiburón; sin embargo al final se seleccionó al también afamado Richard Donner, quien acababa de ganarse el reconocimiento por el filme de terror, La profecía. Ya con el director, hacía falta un guionista, así que recurrieron a nada más y nada menos que a Mario Puzo, responsable de la adaptación cinematográfica de El Padrino. Por último, se encontraron con lo más difícil y fundamental de la cinta: conseguir un actor que pudiera personificar la grandeza, nobleza y fortaleza del súper héroe. Para lograrlo, acudieron a la ahora muy usual táctica de emplear a un actor poco reconocido por el público para lograr una mayor expectativa; así fue como Chistopher Reeve obtuvo el papel para interpretar a Clark Kent.
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Fue en 1978 cuando Superman se presentó en las salas de cine convenciendo a la crítica cinematográfica y aplaudiendo la actuación de Chistopher. Aquí se narraba la historia de la destrucción del planeta Krypton, y cómo es que un pequeño sobreviviente llega al planeta Tierra a un pequeño pueblo de Kansas llamado Smallville. Ahí crece bajo el cobijo de la pareja Kent, quienes lo apoyan y protegen el secreto del origen de
Tierra y enfrentar a su enemigo Lex Luthor, recién salido de la cárcel, y quien se ha apoderado de la tecnología kriptoniana de la Fortaleza de la Soledad. Sin embargo, el resultado no pareció agradarle al público ni a la crítica a pesar de la gran campaña publicitaria y de los grandes efectos especiales empleados. Warner, al no quedar complacida con el trabajo de Bryan Singer, decidió no continúar con la serie de la mano de este director. A pesar de que Singer había anunciado ya la continuación de Superman y que incluso estaba ya en proceso de preproducción, la casa productora no continúo con el proyecto.
Fue un año más tarde cuando se anunció ya Clark y sus súper poderes. Chistopher Reeve se convirtió en la nueva secuela de la el ícono del hombre de acero luego cinta, esta vez dirigida de interpretarlo en cuatro cintas; por Zack Snyder y prosin embargo, después del accidente ducida nada más y nada que lo dejó parapléjico la magia del menos que Chistopher Nolan, responsable de ‘hombre de Kripton’ se apagó. Pasarían cerca de 19 años para que la última saga de otro la serie fuera retomada en el cine. súper héroe de DC En 2006 regresó bajo el título de Cómics: Batman, y por Superman Returns, esta vez bajo la la cual se había llevado dirección del Bryan Singer, quien la ovación del público y había dirigido la primera y segun- la crítica. da entrega de los X-Men. El elenco se integra Aquí se retoma la historia de la por Henry Cavill, Amy primera y segunda parte de la se- Adams, Russell Crowe, rie de Richard Dooner, partiendo Diane Lane entre otros, del regreso de Clark a la Tierra, quienes narrarán la histras cinco años de ausencia. A su toria de los primeros regreso se da cuenta que el mundo años de Clark Kent en ha aprendido a vivir sin él, y que su el Daily Planet y cómo amada Lois tiene una nueva pareja, entra en conflicto con por lo cual debe de ganarse nueva- sus poderes que aún no mente un lugar entre la gente de la termina de conocer.
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El estreno está programado para junio de este año, sumándose una más a las cintas que han inmortalizado al más grande de todos los súper héroes.
“AL INFINITO Y MÁS ALLÁ” Por Azucena Mecalco “Los espíritus creativos siempre están rodeados de creatividad”, es así como comienza la reseña de The Pixar treasures, libro de Tim Hauser, editado en 2010 por Disney Enterprises, Inc. con Pixar. Esta afirmación es mucho más que cierta cuando se trata de los estudios pioneros en la realización de largometrajes creados completamente en el ordenador. Desde sus inicios, Pixar ha seguido lineamientos sencillos que han conseguido posicionar a sus películas como las favoritas dentro del público infantil, pues tal como lo señala Tim Hauser, sus historias, lejos de buscar tramas complicadas se enfocan en darle vida y una visión diferente a los objetos que parecen cotidianos. Al inicio el reto era transformar las líneas y dibujos planos en personajes y cintas tridimensionales, es decir en otorgarle vida a las historias a través del arte de la animación. Aunque al principio esto parecía ser un sueño bastante lejano perteneciente a un mundo como el de Volver al Futuro o La guerra de las
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Galaxias, tres mentes brillantes decidieron llevarlo a la realidad. Así, Ed Catmull, Steve Jobs y John Lasseter comenzaron la revolución en la industria del cine. Tras su paso por Cal Arts y su incorporación a Walt Disney Pictures, John Lasseter comenzó a vislumbrar las carencias a las que se enfrentaba el cine de animación, pues parecía que comenzaba a estancarse en secuencias demasiado planas. Al mostrar sus propuestas y nuevas teorías acerca del uso de las computadoras, como apoyo para diseñar fondos en movimiento, fue despedido, ya que sus perspectivas resultaban demasiado vanguardistas para los Estudios Disney. Por su parte Ed Catmull, que ya contaba con una trayectoria impresionante, realizando trabajos computarizados que se utilizarían como base para introducir el 3D en el cine, desarrollaba a lado de un grupo de colaboradores en Lucasfilm, una serie técnicas nuevas para realizar secuencias y efectos imposibles de producir con la cámara. Fue él quien llevó a Lasseter a Lucasfilm,
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en el logo de los Estudios Pixar. A este proyecto le siguió Red´s dream (1987), historia de un monociclo decidido a actuar en el circo. Siguiendo con la línea de los cortometrajes apareció Tin Toy (1988) la curiosa tragedia de un juguete que era atormentado por un bebé, con la que Lasseter y Bill Reeves ganaron el primer Óscar por Mejor corto animado de 1989.
en donde desarrollaron juntos el primer proyecto para crear un largometraje completamente computarizado. Así surgiría André, un personaje creado únicamente con figuras geométricas. Mas tarde desarrollarían una computadora diseñada específicamente para crear gráficos y transformar imágenes de alta resolución a 3D. Sin embargo, no lograron conseguir apoyo de Lucas para financiar su proyecto. Lo mejor que pudieron hacer fue crear una división dentro de Lucasfilm para darle seguimiento a sus sueños animados, la división fue nombrada: Pixar.
Una afortunada visita de Steve Jobs, el multimillonario y cofundador de Apple Inc., salvó el sueño de Lasseter y Catmull, pues fue él quien decidió invertir 10 millones de dólares para poner en marcha el proyecto Pixar. Para darse a conocer, o mejor dicho, para mostrarle al mundo qué era lo que pretendían hacer, en 1987 crearon Luxo Jr., la singular historia de una lamparita. Aunque era un cortometraje, fue el primer filme tridimensional que se animaba por computadora y que era nominado por la Academia. Fue precisamente la lámpara que protagonizaba el corto la que se convirtió
Pronto Pixar comenzó a realizar comerciales de televisión, en los que aplicaban las técnicas usadas para los cortometrajes. Para ello requirieron aumentar la plantilla, por lo que Lasseter contrató a un par de animadores recién egresados de Cal Arts: Pete Docter y Andrew Stanton. En 1990 comenzaría la colaboración de Pixar con los Estudios Disney, encabezados por Michael Eisner. Juntos desarrollaron el sistema Caps de color para animación en 2D, empleado en cintas como La Bella y la Bestia. Además Pixar crearía un software para diseñar imágenes y efectos especiales con calidad fotográfica.
Corre como el viento tiro al blanco Mas con todo y los progresos, la compañía perdía más de lo que ganaba. Fue entonces que los Estudios Disney decidieron finalmente invertir en el proyecto que consolidaría a los Estudios Pixar como pioneros en el mundo de la animación, el primer largometraje completamente producido por ordenador: Toy Story.
Después del éxito de Toy Story surgió un nuevo problema. Las ganancias, que superaban las expectativas de los inversores, le pertenecían en mayor proporción a Disney, quienes decidieron que querían extender el contrato de coproducción con Pixar. Desde luego Steve Jobs aceptó, con la única condición de que las ganancias por los trabajos se dividieran en partes iguales. Con Bichos, tanto John Lasseter como Pixar comprobaron las capacidades de la animación por computadora e incluso crearon secuencias que parecían imposibles de realizar por los detalles y el movimiento que requerían las tomas planteadas. Bichos, el
segundo largometraje de Pixar se convirtió en la película animada más taquillera de 1998. A esta exitosa película le siguió la secuela de Toy Story (1999). Posteriormente Monsters Inc. (2001), la primera película que no dirigiría Lasseter sino: Pete Docter; Buscando a Nemo, dirigida por Andrew Stanton y Los increíbles, de Brad Bird, antiguo compañero de Lasseter en el Cal Arts, y el primer director externo invitado a participar en Pixar. Pero mientras Pixar cosechaba éxitos, la animación 2D en Estados
unidos enfrentaba la peor crisis de su historia, y aunque ésta se debía principalmente al aspecto argumental, muchas compañías optaron por creer que la fórmula del 3D era ya la única redituable. Aunado a ello, Pixar y Disney comenzaban a tener problemas puesto que éstos últimos pretendían vender a los personajes para realizar series televisivas, a lo cual Pixar no estaba dispuesto a acceder. Tras la baja de Michael Eisner en 2004 y la ascensión de Bob Igner como nuevo CEO de Disney, las cosas mejoraron para Pixar, pues se creo un alianza entre ambas compañías, lo cual convirtió a Steve Jobs en el mayor accionista de Disney y le otorgó un lugar en la Junta Directiva; John Lasseter ocupó el puesto de Oficial Creativo en Jefe y Ed Catmull tomó la presidencia de los estudios de animación de Pixar y Disney. A partir de ese momento, la fórmula que ha seguido Pixar es la de buscar siempre superar al trabajo anterior y gracias a ella han llevado a la pantalla películas como: Cars (2006) de John Lasseter, Ratatouille (2007) de Brad Bird, Wall–E (2008) de Andrew Stanton, o Toy Story 3 (2010) dirigida
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TOP FIVE
¿La otra cara Por @AMAURY1984
¡Ay los niños! Ese oscuro objeto del deseo de Disney y Hasbro. Ese pequeño y voraz humano con deseos magnánimos de crecer y sacar de quicio a quien lo trajo al mundo. Los verdaderos y únicos ojos de la inocencia que no juzga nada. Verdaderas y legítimas figuras de lo que esta bien en este mundo... ¡Hasta qué seducen! Mueven dentro del sacerdote, el maestro, el pariente lejano, el compañerito de la escuela... los mas siniestros deseos de intimidad. Andan por ahí como si nada en los parques y las escuelas tentando la cuestionable inmadurez mental de miembros de la sociedad. Luego crecen... Y cuando más necesitan de sus padres, más profundo desearían éstos enterrarlos. Después llegan a esa encantadora etapa de la vida en que decirles niños es similar a mentarles la madre y en la que se cuestionan el tan amado yugo dictatorial de las figuras paternas: la maldita pubertad, en la que a todo le encuentran un trasfondo sexual. Hasta a las figuras paternas, sino pregúntele a Edipo o a alguno de los personajes de este Top 5. Desambiguación: el género Coming of Age ha servido para una infinidad de películas que tratan temas tan diversos como la primera relación sexual, el descubrimiento de la sexualidad, la pedofilia, la sexualidad infantil, etc. Por lo que es probable que encuentre uno o más de los títulos aquí mencionados bajo este paraguas. Yo personalmente considero a las cinco dramas.
5. Mandragora ( 1997 República Checa ) Bienvenidos al retrato de la República Checa post caída de la Unión Soviética. En aquellos días de apuro económico entre las naciones que quedaron a su suerte, los checos se valieron del orgullo nacional para salir adelante: la belleza. La historia sigue la llegada de Marek a la gran Praha, en dónde las distracciones del mundo occidental han llegado para instalarse y exprimir a los checos. Después de ser asaltado Marek es abordado por un siniestro personaje que lo adentra en el mundo de la prostitución juvenil a manos de un hombre maduro. La historia, escrita con base al clásico espiral de decadencia del ser humano, lleva a Marek a trabajar para los hombres con los gustos más particulares y peligrosos, y a conocer a jóvenes, que como él, se vieron enredados con un grupo que no ve por ellos y que terminará por llevarlos a su trágico final. Es complicado acceder al cine Checo; es posible conseguir Mandragora con subtítulos al inglés a altos costos. Le dejo aquí las versión sin subtítulos para que practiquen su checo. www.youtube.com/watch?v=P2xsGUhD-4o
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a de los niños? 4. Hard Candy ( 2008 USA ) Jeff es un solitario fotógrafo que gusta de entablar conversaciones con jovencitas a través del la salas de chat en internet. Después de conversar por casi 3 semanas con la pequeña Hayley de 14 años; por fin consigue que la jovencita lo invite a conocerse en persona en un cafetería cercana a una Universidad. La joven quiere conocer más del trabajo de Jeff, así que él la lleva a su casa en donde tiene su estudios y unas cuantas fotos de modelos adolescentes. Todo es dirigido perfectamente por los deseos Hayley, sólo que estos no involucran que Jeff abuse de ella. Hard Candy tiene dos partes, los primeros y algo flojos 15 minutos y el resto del filme que dura un parpadeo. La sublime mancuerna que hacen el director David Slade y el escritor Brian Nelson hace que la tensión emocional en esta película nunca suelte a la audiencia. Además de que la escena de “la Operación” puede hacer que UNO se trague la lengua de la crudeza. Disponible de manera inmediata en DVD, accesible. O si contrató Netflix esta también al alcance de su
3. En tu ausencia ( 2008. España-Canadá ) Escrita, dirigida, producida, actuada, musicalizada en parte, financiada y promocionada por Iván Noel. En tu ausencia cuenta la historia de Pablo un niño de 13 años que perdió a su padre tras un accidente. Viviendo en las a fueras de un pequeño pueblo español donde los amigos son pocos y los rumores grandes, despierta al sexo a través de la corta experiencia de su única amiga, un poco más grande que el. Cierto día un forastero de nombre Francisco llega al pueblo con el fin de encontrar a un viejo amigo de la milicia. Pablo crea con él un vínculo que será severamente juzgado por todos los miembros del pueblo, hasta por los más perversos. Esta cinta es un ejemplo de auténtico cine guerrillero manufacturada por un equipo de trabajo cuyos créditos no sobrepasan las 50 personas. La cinta tiene errores de continuidad lumínica bárbaros. Una edición que no puede presumir su excelencia y un nefasto zoom out que me hace recordar mis trabajos en la Universidad (niños NUNCA usen zoom in o zoom out si quieren que algún día los tomen en serio). Pero a pesar de los errores, de la horrorosa música y de no contar con actores de carrera (TOMA ESO Reygadas) la película se sostiene de pie.
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2. Doubt ( La duda. 2008 USA ) La versión llevada a la pantalla de la exitosa obra de teatro del mismo nombre. Cuando el sacerdote de la antigua escuela religiosa St. Nicholas se retira, la madre Aloysius Beauvier, estricta prefecta y líder de las religiosas, recibe al sacerdote Brendan Flynn de no muy buena gana, escéptica. El padre Flynn por su parte es religioso relativamente joven que convive con los niños del instituto y con sus padres, gusta además de salirse de la usual rutina religiosa. El mayor choque entre estos dos personajes se da cuando la joven e inexperimentada hermana James nota cierto acercamiento entre el padre Flynn y el primer niño de raza negra que entra a la escuela. Escrita y dirigida por el monstruo del teatro John Patrick Shanley, esta versión de su obra de teatro no es una adaptación, cobra vida por sí misma. La riqueza y carga emocional de los diálogos es su mayor tesoro. El discurso de la almohada es magnífico pero no mucho más que la conversación entre la madre Beauvier y la señora Miller. Hágase un favor y véala en inglés, por más que le disgusten los subtítulos.
1. L.I.E. ( Por el lado oscuro del camino. 2001 USA ) Nacida del mítico mundo del filme independiente gringo, esta es la ópera prima del talentoso Michael Cuesta. Es probable que el nombre no le suene. Tras sus inicios en el cine independiente y ser laureado en Sundance, Michael Cuesta conquistó las televisiones del mundo en 2006 con la serie del amable vecino, tímido forense y asesino serial Dexter. La película de Cuesta toma su nombre de la Long Island Expressway. La gran autopista que lleva a los neoyorquinos a Long Beach o los Hamptons. En esta zona residencial de clase media viven Howie y su padre. Después de la muerte de la madre, la separación entre padre e hijo se acrecienta. Por lo que Howie busca figuras de identificación entre sus amigos. En esta zona también vive el querido veterano de guerra conocido como Big John, un hombre mayor que vive una doble vida. Las vidas de Howie y Big John se unirán tras una serie de eventos que dejan al joven de 15 años completamente solo. Es ahí cuando Big John tendrá que optar por ser la figura que Howie necesita o sucumbir ante sus deseos. De todas las películas de este top esta es la más fácil de conseguir en su librería/ tienda de discos favorita. Pero igual puede ser vista de manera gratuita en Youtube.
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