Evolucionarts octubre 2015

ESTE MES ESTE MES EN LO MEJOR DEL ARTE INTERNACIONAL LA OBRA PLASTICA DE

RODRIGO PONCE DE LEON. ITZIAR RENAUD. DANIEL NUÑEZ. JAIME CABRERA. MAGDA PALADINO. MARIO PATIÑO. FRANCISCO LOZANO.

EVOLUCIONARTS OCT 15 32

ARTES VISUALES, ARQUITECTURA, DANZA, CINE, TEARO, LITERATURA, MUSICA

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RODRIGO PONCE DE LEON

Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona

DANIEL NUÑEZ

15

16

ITZIAR RENAUD

MAGDA PALADINO Danza Buto.

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Philip Johnson.

42

28

MARIO PATIÑO

Un Perro Andaluz.

JAIME CABRERA

56

44

ORION

68

86

54

111

FERNANDO LOZANO

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AVENTURA Arthur Rimbaud I Con diecisiete años, no puedes ser formal.

-¡Una tarde, te asqueas de jarra y limonada, de los cafés ruidosos con lustros deslumbrantes!

-Y te vas por los tilos verdes de la alameda. ¡Qué bien huelen los tilos en las tardes de junio!

El aire es tan suave que hay que bajar los párpados; Y el viento rumoroso -la ciudad no está lejos¬trae aromas de vides y aromas de cerveza.

DIRECTORIO ALFREDO LEAL G. Direccion General.

ARTURO MEDINA. Direccion.

LILIANA ESPERANZA. Direccion internacional.

II

ALEJANDRO OROPEZA. DANIEL BARRERA. JACOBO SALAZAR. Direccion artistica.

De pronto puede verse en el cielo un harapo de azul mar, que la rama de un arbolito enmarca y que una estrella hiere, fatal, mientras se funde con temblores muy dulces, pequeñita y tan blanca...

LIXZART. JAIME AYALA. Edicion

¡Diecisiete años!, ¡Noche de junio! -Te emborrachas.

La savia es un champán que sube a tu cabeza...

Divagas; y presientes en los labios un beso que palpita en la boca, como un animalito.

LOURDEZ FERNANDEZ. ALFREDO LINCH. Diseño.

III

JOSUE HERNANDEZ. Mercadotecnia.

Loca, Robinsonea tu alma por las novelas, -cuando en la claridad de un pálido farol pasa una señorita de encantador aspecto, a la sombra del cuello horrible de su padre.

Y como cree que eres inmensamente ingenuo, a la par que sus botas trotan por las aceras, se vuelve, alerta y, con un gesto expresivo...

-Y en tus labios, entonces, muere una cavatina...

IV Estás enamorado. Alquilado hasta agosto.

Estás enamorado. Se ríe de tus versos Tus amigos se van, estás insoportable.

-¡Y una tarde, tu encanto, se digna, ya, escribirte...!

Y esa tarde... te vuelves al café luminoso, pides de nuevo jarras llenas de limonadas...

-Con diecisiete años no puedes ser formal, cuando los tilos verdes coronan la alameda.

FRANCICO URICA. DAVID BORJA. Fotografia.

JESUS ROJAS. JOSE CRUZ. Juridico.

SELMA CARMONA. LYA ALVES. ANGIE MARCAS. VERONICA NANNI. JOSE MARIA PORTILLO. SALVADOR SOTRESS LUIS MENDOZA. CARLOS PARDO. Colaboradores.

Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona

El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, oficialmente y en catalán Museu d’Art Contemporani de Barcelona, conocido también por sus siglas MACBA, está dedicado a la exposición de obras realizadas durante la segunda mitad del siglo XX. Se encuentra ubicado en el barrio de El Raval de la ciudad de Barcelona, muy cerca del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. Está declarado museo de interés nacional por la Generalidad de Cataluña.5 Su director hasta 2015 fue Bartomeu Marí

La idea de establecer un museo de estas características en Barcelona se debe al escritor y crítico de arte Alexandre Cirici-Pellicer quien en 1953 ideó, fundó y presidió la Associació d’Artistes Actuals (1956-1965), formada por artistas, críticos y aficionados al arte, que contribuyeron a la creación de una colección creada sobre la base de un proyecto a semejanza del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Realizaron diversas exposiciones itinerantes con obras de artistas de la época y certámenes anuales como el célebre Salón de mayo (1956-1969), en Barcelona. La muestra El arte y la paz, celebrada el 1963 y que tenía un claro contenido antifranquista, supuso el fin de la idea de Cirici. La colección hasta entonces recopilada se depositó en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer de Villanueva y Geltrú, donde se puede visitar actualmente.

La idea no fue recuperada hasta el 1985, cuando se creó un consorcio del que formaban parte el Ayuntamiento de Barcelona y la Generalidad de Cataluña. Se decidió ubicar el nuevo museo en la antigua Casa de la Caridad. Un año después, el 1986, el entonces alcalde de Barcelona Pasqual Maragall, encargó la construcción de un nuevo edificio para que fuera la sede del futuro museo. La construcción de la que sería la sede del museo se encargó al arquitecto estadounidense Richard Meier.7 El 1987 se constituyó la Fundación Museo de Arte Contemporáneo, de carácter privado, que se unió al consorcio formado por las dos administraciones públicas.

El MACBA abrió sus puertas el 28 de noviembre de 1995

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ITZIAR RENAUD “ Un vuelo con colores de sensible percepción “.

Gracias a la capacidad de observación que desde muy pequeña tenía, inicio como una necesidad el crear un lenguaje que nos mostrase el camino que debemos seguir para volver a sentir la libertad de nuestras raíces de naturaleza humana que hemos extraviado. Al ver una de sus pinturas nos detenemos casi automáticamente para sentir de nueva cuenta aquel lado sensible que hemos olvidado. Y es que pocos seres humanos se preguntan el sentido de la vida propia y su contenido en general.

Su trabajo pictórico de estilo hiper figurativo va estrechamente ligado a su desarrollo como mujer , comenzando a crear un mundo lleno magia y fantasía con la finalidad única de defender ése espacio interno en el que habita la paz , donde todo tiene de alguna manera cierto control frente a una realidad hostil que por lo general puede llegar ha no tener lógica.

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“ Esto es lo que me parece mágico, no solamente de la pintura , también se da en todos los ramos de las artes, (nos comenta), en las que surge la capacidad del desarrollo creativo y el desenvolvimiento de sentimientos que tienen la mujer y el hombre, siendo éstas las que nos permiten ése contacto interno con nuestro propio ser; en cual no nos hace sentir tan solos dentro de una vida artificial. Estamos tan apresurados por sobrevivir, por pasar de una calle a otra, por desaparecer en el momento que el tráfico vial es intenso y por tener dinero para el día siguiente; haciendo todo ello que nos olvidemos de los objetivos importantes de nuestra propia vida, muy poca gente es la que se detiene para reflexionar los sucesos de su entorno; porque implica responsabilidad y toma de decisiones y la gente en general se encuentra acostumbrada a que decidan por ellos. Lo que debemos hacer es detenernos para sentirnos libres. “ Actualmente el aire que le están otorgando sus mariposas, que conforman su tema actual, la guían de una forma suave y dócil al trayecto luminoso que tiene en éstos momentos; el cual comenzó su vuelo en 1984 con exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos e instituciones civiles y gubernamentales en el ámbito nacional e internacional. “ Lo de las mariposas sucedió de una manera muy sencilla-nos dice-desde pequeña mi papá intentaba explicarme que la visión de los seres humanos es muy limitada no porque la realidad sea así sino que nosotros la creamos de esa forma; y para poder yo entender todo eso a lo que se refería mi señor padre, comenzó a decirme que es como una oruga a la cual la pones en una habitación todo su alrededor lo ve en un solo plano como si fuese todo aquello el mundo en el que tiene que crecer; empezando a tener objetivos muy limitados; pero cuando pasan un poco de tiempo y abre sus alas después de salir de su capullo adquiere otra visión del mismo mundo. Si ésta maravillosa mariposa pudiese hablar con una oruga tratando de explicarle el cambio enorme que tiene el planeta que ahora ve, seria realmente difícil que la oruga lo pudiese entender. Al ser humano le sucede lo mismo, porque tiene la posibilidad de adquirir ésa metamorfosis , ese cambio de dimensión y de visión se puede dar en vida, el único fundamento para poderlo obtener es el adquirir una sensible percepción de la realidad.”

DAVID CHÁVEZ.

Butō

El Ankoku Butō , conocido en Occidente simplemente como Butō -o Butoh por su transliteración inglesa, es el nombre utilizado para referirse a un abanico de técnicas de danza creadas en 1950 por Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata, que, conmovidos por los fatídicos bombardeos atómicos sobre Hiroshima y Nagasaki, comienzan con la búsqueda de un nuevo cuerpo, el cuerpo de la postguerra. Cabe aclarar que, durante esa década, las imágenes de algunos supervivientes llenaban las calles.

Estos caminaban con el cuerpo quemado y con los globos oculares reventados y colgando sobre las mejillas. Así nació el Butō, la danza hacia la oscuridad.

Normalmente involucra movimientos lentos, expresivos e imaginativos. La temática del butō es tan amplia como difusa, y toca aspectos fundamentales de la existencia humana. Es habitual explorar la transición entre estados anímicos y, a la vez, el cambio de la forma física del cuerpo humano en las formas más variadas, ya que el bailarín de Butō deviene mediante la danza (y su técnica particular) en distintos objetos, figuras; en fin, en distintos cuerpos. El Butō es una reflexión del cuerpo sobre el cuerpo y el lugar que este ocupa en el cosmos. No hay decorado o vestuario determinado, y es habitual que los intérpretes actúen desnudos o pintados de blanco. La improvisación es parte fundamental de este estilo de danza. La idea no es pensar el hecho sino sentirlo: “No hablar a través del cuerpo, sino que el cuerpo hable por sí solo”.

El Butoh llegó a América Latina a fines de la década de 1980 y principios de 1990.[cita requerida] Las maestras y coreógrafas Makiko Tominaga y Minako Seki han sido las principales referentes para ingresar este arte al continente americano.

El butoh ha resonado particularmente en Chile y Argentina, producto de seminarios impartidos por las maestras anteriormente mencionadas, además de iniciativas de compañías independientes de la zona.

El año 1990 fue presentado por primera un espectáculo de butoh en Chile, por el alemán Peter Hoever. [cita requerida] Una de las principales responsables en difundir su práctica en Chile fue Carla Lobos

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DANIEL NUÑEZ

Artista lúdico, que considera su trabajo como algo necesario para ser, como una realización existencial.

Afirma que “en el Arte no hay novedad,” pese a que esta afirmación podría considerarse arriesgada, si es analizada a fondo tendría mucho de realidad, el Arte, como quehacer humano, como elemento vital requiere revisarse a sí mismo continuamente.

Para Daniel Núñez la inspiración es más un producto de la necesidad expresiva que lleva consigo. Aunque por otro lado, afirma que ha sido influenciado por artistas de la talla de Tamayo, Toledo, Klee y Kandinsky, lo cual es evidente en su obra plástica.

Núñez trabaja principalmente con papel amate, al cual, por medio de aplicaciones tonales, le otorga una vitalidad lúdica, que, al ser combinado con la naturaleza rústica de éste material, nos ofrece una configuración rica en textura, forma y color. Otra de las técnicas que maneja es el acrílico que aplica en forma de claroscuros y mezclas de tonos fríos y cálidos, pero brillantes por sobre todo.

A pesar de ser estas dos técnicas sus principales medios expresivos, el afirma que ha experimentado con otras técnicas, ya fuere dentro de su periodo como estudiante o en la vida profesional, lo cual le ha ofrecido un panorama creativo mucho más amplio.

A decir de su creación plástica el no la “encajonaría dentro de una corriente en específico.”

Para el, el arte es “un placer, cuando no trabajo siento la necesidad de hacer algo. Trabajar para mi es algo que me nace.”

Daniel Núñez es egresado de la escuela de escultura, pintura y grabado La Esmeralda, institución de la cual salió en 1984, año desde el cual se ha dedicado profesionalmente a la pintura.

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Philip Johnson Nació en Cleveland, Ohio. Estudió arquitectura e hizo después un máster de historia de la arquitectura en la Universidad Harvard. Una vez terminados los estudios Johnson aceptó el cargo de director del departamento de arquitectura del Museo de Arte Moderno de Nueva York, En los años siguientes se dedicó a muchas actividades, excepto a la práctica de la arquitectura. Fue crítico, autor, historiador y director de museo, hasta que finalmente, a la edad de 36 años, se concentró en la arquitectura y diseñó su primer edificio. A partir de entonces empezó su trayectoria como arquitecto.

En 1967 se unió a John Burgee, con el que mantuvo una asociación durante 20 años. En este tiempo, ambos arquitectos realizaron un número muy elevado de proyectos.

Johnson organizó las primeras visitas arquitectónicas a Ludwig Mies van der Rohe, y también a Le Corbusier, cuando éstos viajaron a los Estados Unidos. Con Mies tuvo una estrecha relación y colaboró más tarde con él en el diseño y la construcción del famoso edificio Seagram en Nueva York.

Johnson ha sido distinguido por el Instituto Americano de Arquitectos con la Medalla de Oro, y en 1979 recibió la primera edición del Premio Pritzker, máximo galardón en arquitectura.

Desde 1989 Johnson vivió en un semi-retiro. Dedicó su tiempo sobre todo a proyectos propios, aunque siguió como consejero del antiguo despacho. Uno de sus últimos diseños fue para una nueva escuela de Bellas Artes en el estado de Pennsylvania.

Desde 1989 Johnson vivió en un semi-retiro. Dedicó su tiempo sobre todo a proyectos propios, aunque siguió como consejero del antiguo despacho. Uno de sus últimos diseños fue para una nueva escuela de Bellas Artes en el estado de Pennsylvania.

La obra más famosa de Johnson es probablemente la Casa de Cristal (Glass House), en New Canaan, Connecticut. Es un edificio cuya estructura metálica muy esbelta que no oculta la visión. Todas las paredes son enteramente de vidrio, de forma que la casa se hace transparente, permitiendo ver desde un lado lo que ocurre en el otro, mirando a través del edificio.

Johnson diseñó la casa para sí mismo y al mismo tiempo como tesis para su graduación. Desde entonces Johnson vivió siempre en ella, por lo que también se la denomina Casa Johnson.

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RODRIGO PONCE DE LEON

Desde su niñez el ahora sr.Rodrigo Ponce de León mostró gran ímpetu por las artes, obviamente primero dibujando, se dio cuenta gracias a los constantes comentarios de no solamente sus padres qué tenía calidad y que justamente en ello quería volcar su vida… en los colores y en todos los interminables caminos a los que conducen. Afortunadamente y no es el caso, desgraciadamente para muchos, tuvo el apoyo de sus más queridos y cercanos, así pues inicio su entrega, cursó la carrera de ciencias de la comunicación, tomándolo de alguna manera como trampolín a un futuro desarrollo pictórico.

Nació en el año de 1966 en la ciudad de México y siendo este un sitio polifacético y fructífero en cuanto a espacios culturales se refiere, dio inicio a que desde los 9 años de edad tomara clases que lo llevarían más tarde al viejo continente, exactamente a España. Fue alumno de grandes maestros como Gian Luca, Castagnoli, Jordi Sierra ,Irma Domett, Roger Von Günter y Jaime Mejía Servín. Su estancia en Europa reafirmo el gusto ya adquirido desde hace tiempo por pintores como Rembrand, Rúbens, Velásquez y por supuesto Caravaggio, los lugares y personas no podían esconderse de los ojos críticos y curiosos del artista, pasaba sus pocas tardes de ocio en la realización de dibujos al lápiz, nada ocurría en sus hojas si no era filtrado primero por la méxicanidad que llevaba en la sangre; se reflejaba con orgullo en cada una de sus creaciones, remembrando en su nostalgia a escritores como García Marquéz y Humberto Ecco no podía mas que imprimir un dejo de añoranza.

Se ha involucrado en varias exposiciones colectivas y gracias a la complejidad, fuerza, belleza y misticismo de su trabajo lo ha hecho acreedor de varias invitaciones a dejar un poco de su arte en murales como el de la plaza de la universidad tecnológica de Tula en 1996. Contando con tan solo 30 años de edad dejo ya parte de sí en esta pequeña muestra de 90 metros cuadrados, que esta en exhibición permanente. También ha mostrado su trabajo en países como Italia y Barcelona. Ama al igual la figura humana y la arquitectura pero por suerte para nosotros que apreciamos su obra plástica tenemos Ponce de León para rato.

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UN PERRO ANDALUZ

Un perro andaluz (en francés Un chien andalou) es un cortometraje de diecisiete minutos, mudo (no fue hasta la versión de 1960 que se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guion de Salvador Dalí, gracias a un presupuesto de 25 000 pesetas que aportó la madre de Luis Buñuel.2 Fue estrenada el 6 de junio de 1929 en el cine Studio des Ursulines de París (Francia).

Posteriormente se exhibió durante nueve meses ininterrumpidamente en el Studio 28 de la misma ciudad.3 El rodaje duró quince días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien.4 Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no lineal de las secuencias.

El nombre Un perro andaluz fue elegido porque no guardaba relación alguna con los temas del filme. Lorca se sintió aludido por el título, pero Buñuel negó dicha alusión, alegando que era el de un libro de poemas que él tenía escrito desde 1927.5 6 En primer lugar pensó que la película se llamara El marista en la ballesta (según el título que tenía un caligrama de Pepín Bello)7 y luego Es peligroso asomarse al interior, como inversión del aviso que tenían los trenes franceses: C’est dangereux de se pencher au dehors (‘Es peligroso asomarse al exterior’)

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Jaime Cabrera Lievano

Creador autodidacta que se muestra visiblemente se considera a sí mismo como un artista tradicional que antepone “el buen oficio” para dar sello de su estilo de corte hiperrealista. Para él, el oficio es parte fundamental en la creación artística con el cual expresa un gran respeto por la plástica, al observar el cuidadoso tratamiento en su obra que no posee el mismo valor de una fotografía, ya que no es igual como capta la imagen la máquina que el ojo humano.

En la técnica ha encontrado la perfección, al proyectar sus ideas específicamente, el respeto que tiene por los materiales lo ha llevado a tratar cada pieza con responsabilidad y conocimiento, jamás usaría un material que no tuviera durabilidad, del artista depende la vida de la obra.

Jaime Cabrera es un artista preocupado por todas aquellas cosas que le competen al hombre como el cuestionamiento acerca de la “moralidad,” que, como un vértigo constante nos lleva a categorizar nuestras acciones, nuestra forma de vivir e interpretar la percepción del bien , el mal y el juego que se presenta entre ellos. Retrata una moral que justifica la existencia. La moral es una condición que el hombre se impone así mismo encerrando en jaulas a quien se pase de los limites, robando muchas veces la ingenuidad y la credibilidad De los seres.

“La belleza” es un concepto, que a decir de Jaime Cabrera, es fundamental en su obra, pues el público para quién esta hecha merece apreciarla de una manera estética al estilo de la literatura del Realismo Mágico. El espectador no merece apreciar cosas con un sentido que lo conflictuen, no necesita ver lo que ya conoce ni encontrarse con lo que le desagrada o le causa desazón, sino disfrutar la perfección de la imagen al estilo del “Samperio” de Cortázar según nos cuenta el artista.

Lo mágico es lo que intriga al hombre que busca su explicación, conocer la magia lo hará distinguirse de su especie, el poder de oscilar en los contextos, en el medio y en el destino, le facilitan su vivir. La exploración de la magia constituye una condición de conocimiento y control.

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El espectador es la otra pieza que le da vida a la obra, entre ellos debe haber una resultante: una identificación plena con la imagen, abstrayendo la fuga y el escape de la realidad inmediata para figurar en el encuentro con sí mismo.

Nos muestra momentos mágicos llenos de niños, no ha creado un cuadro que no tenga un animal, el cual representa para él un maestro poseedor de la sabiduría, ellos no cuestionan su medio como el hombre, guardan su lugar ante el y tienen un comportamiento muy especifico según su naturaleza.

Los personajes de Jaime Cabrera encuentran en los animales un complice de sus actos y deseos, un reflejo y una guía en el camino de sus vivencias, una compañía, un amigo imaginario para los niños , y una fuga para los adultos.

Representa la inocencia que caracteriza a los niños, la capacidad de convertir toda realidad no deseada y romperla en fragmentos divertidos llenos de recreo y fascinación.

Donde existen arlequines, circos y elefantes.

Rescata la apreciación del mundo por los pequeños que transforman sus sueños en grandes experiencias, un color es una gran aventura, un gato es una intriga, el mundo es una travesía sin fin.

Los trabajos de Jaime Cabrera escapan a una realidad distante a la que vivimos llena de juego y una constante búsqueda de la espiritualidad que se consigue a través de los sueños.

Su obra posee una armonía, pretensiosa en su lectura y también en la imagen, la obra per se es la que explica todo el contenido.

Para Jaime Cabrera Liévano cuando se crea una obra no se la produce para cierto público sino que se convierte de inmediato en una “Obra Universal” .

Sus referencia principal en el Arte son Michael Parkes y diversas lecturas de julio cortázar, Calos Onetti, entre otros, fundiendo su imaginación en una obra bien lograda y madura.

Jaime Cabrera Lievano decide incursionar en las Artes Plásticas después de haber estudiado y trabajado como ingeniero. Su trabajo ha sido visto en Florida, Estados Unidos y ha participado en diversas bienales desde 1998.

Magda Paladino.

1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Dibujé, saqué fotos y pinté (óleo, acrílico, porcelana, etc.) toda la vida, hasta que me encontré con la primera cámara réflex digital en las manos…y empezó un romance que perdura hasta el día de hoy.

Me largué al ruedo de hacer público mi trabajo en el 2009.

2- Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Soy autodidacta y me siento en la obligación de seguir estudiando y aprendiendo, seguir perfeccionando mis conocimientos permanentemente. Me gusta mostrar lo que hago y compartir sensaciones con quien mira mi obra.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

No hay manera de abstraerse del entorno ya que es de donde surge mi obra, es parte de ella. Me refiero tanto al entorno físico, como al emocional.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

No quisiera dar nombres, aunque no me canso de mirar y admirar la obra de Toby Keller y de Nick Brandt, por ej.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

“A través de mis fotografía puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabra.” Dicho de Richard Avedon que comparto plenamente.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Varias, la Pileta, la Ventana hacia la Ventana, Ironman y Marina me han dado muchas satisfacciones.

Mi serie sobre la obra del Arq. Salamone me sigue apasionando, la serie Niebla y la serie Río… eternamente inconclusas, me siguen atrapando!

7- Eres artista tiempo completo?

Sí. Mi cámara, mi compu y yo somos una trilogía inseparable, a cualquier hora y en cualquier lugar donde esté.

8- Què tècnicas utilizas?

Difícil que no intervenga mis fotos (aunque en algunas sea casi imperceptible). Tal vez sea influencia de mi pasado con los pinceles, en general necesito darles mi toque.

BY. LILIANA ESPERANZA.

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Don Giovanni

Lorenzo da Ponte se basó en el mito de Don Juan para la elaboración del libreto, sobre todo en El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina, de 1630. Cuenta la leyenda que Giacomo Casanova estuvo presente en el estreno de la ópera en Praga, e incluso se llega a decir que intervino directamente en la redacción del libreto, ya que era amigo personal de da Ponte. Aunque gracias a esta obra Mozart consiguió un contrato en la corte de José II, el contenido no se limitaba estrictamente al mito. En realidad, había una carga social importante en toda la representación, siguiendo de alguna manera el libreto de su anterior ópera, Las bodas de Fígaro.

Desde el comienzo de la obra ya se ve esta tendencia, donde la primera aria es interpretada por un sirviente, Leporello, en la cual habla de las desventajas de ser sirviente, de lo mal que se pasa, y de que a él le gustaría ser caballero, de contenido claramente subversivo. Además, el hecho de que la ópera no se iniciara con uno de los protagonistas principales, sino con un sirviente que se está quejando de su propia situación, fue algo ciertamente revolucionario. De alguna manera, se quiere interpretar como que la vida licenciosa y libertina de Don Juan, era en realidad la vida licenciosa de la aristocracia. En una de las arias de la fiesta, antes del final del primer acto, Don Giovanni y otros personajes, brindan al grito de Viva la libertà, Viva la libertad. Aunque es el personaje de Don Giovanni el que inició el brindis, apenas dos años antes del inicio de la Revolución francesa ver sobre un escenario semejante declaración de intenciones, debió de ser muy ofensivo.

A diferencia de la tradición cristiana imperante en la época, el protagonista, Don Giovanni, no se arrepiente, sino que directamente es enviado a los infiernos. El final de la ópera, en su estreno en Praga, terminaba con un sexteto interpretado por los supervivientes a Don Giovanni, de carácter alegre y desenfadado y con connotaciones morales, que fue prohibido en su estreno en Viena, por considerarlo subversivo y de dudoso gusto.

Chopin hizo unas variaciones para piano solo, basadas en uno de los temas de la ópera, el aria Là ci darem la mano, interpretada por Zerlina y Don Giovanni, con el mismo título, en si bemol Mayor, Op. 2. También Beethoven realizó unas variaciones sobre este mismo tema, para trío de viento, para dos oboes y un corno inglés, con el mismo título y sin número de Opus. Franz Liszt compuso una obra para piano titulada Reminiscencias de Don Juan y Fantasía sobre motivos de Fígaro y Don Juan, inspiradas en esta ópera. Robert Schumann compuso una obra para piano, Álbum para la juventud, Op. 68, basado en un fragmento de Don Giovanni, el aria de Zerlina. Hector Berlioz compuso en el año 1828 unas variaciones sobre Là ci darem la mano de Don Giovanni. Paganini compuso en el año 1828 un Capriccio sobre Là ci darem la mano, para violín y orquesta, que en la actualidad se encuentra perdido. Ya en el siglo XX, Nino Rota compuso su Fantasía sobre doce notas de Don Giovanni, para piano y orquesta.

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Mario Pati単o

1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Hace 30 años que me dedico al arte, de tiempo completo.

2- Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Mi primer objetivo es satisfacer mis obsesiones individuales, tanto estèticas como temàticas en lo figurativo, a la vez que sensibilizar con temas sociales, como la violencia y discriminación.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Soy un artista que recurre diariamente a sus emociones. Mi obra es altamente emocionalista, y mi interacción con el entorno al igual que los sucesos contemporáneos tienen un efecto directo en la obra.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

En mis inicios me influyeron: Picasso, Rufino Tamayo, Robert Motherwell, Francis Bacon, y el arte ètnico Africano y del Pacìfico Sur, ademàs del prehispànico.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

La irreverencia y la transgresiòn, como forma de anti-convencionalidad, son innatos en mí.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti ?

Al ser una obra muy personal, y emocional, lo son todas. Pero , toda mi obra reciente es la màs cercana a mí, siempre. Ninguna de mis obras tienen tìtulos, algunas veces recurro a algún poema y reparto sus versos entre las obras a manera de ‘título’.

7- Sí.

Eres artista de tiempo completo?

8- Què tècnicas utilizas?

Soy multidisciplinar: Acrìlico, fotografìa digital, Diseño 3D y video.

BY LILIANA ESPERANZA.

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Fernando Lozano

1- ¿Desde cuándo te dedicas al arte?

Desde mi adolescencia.

2- ¿Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Crear desde mi propio mundo interior.

3- ¿De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Afecta demasiado. Mucho más de lo que yo quisiera. Al menos en los últimos tiempos. Hubo una época, en mis comienzos, en que el entorno no me afectaba.

Quisiera hoy reconquistar aquel territorio de autoridad propia que he cedido.

4- ¿Qué artistas han sido tus referentes?

Cualquier artista me sirve. De todos aprendo algo.

5- ¿Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Que es el arte de alguien que sigue siendo un niño.

6- ¿Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

He pintado mucho durante demasiado tiempo como para ahora nombrar algunas de ellas.

7- ¿Eres artista de tiempo completo?

Sí.

8-

¿Qué técnicas utilizas?

Todas. Muy a menudo paso de una a otra técnica.

BY LILIANA ESPERANZA.

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ORION constelación Orión, (el Cazador), es una constelación prominente, quizás la más conocida del cielo. Sus estrellas brillantes y visibles desde ambos hemisferios hacen que esta constelación sea reconocida mundialmente. La constelación es visible a lo largo de toda la noche durante el invierno en el hemisferio norte, verano en hemisferio sur; es asimismo visible pocas horas antes del amanecer desde finales del mes de agosto hasta mediados de noviembre y puede verse en el cielo nocturno hasta mediados de abril. Orión se encuentra cerca de la constelación del río Eridanus y apoyado por sus dos perros de caza Canis Maior y Canis Minor peleando con la constelación del Tauro.

En la mitología griega, Orión fue un gigante. Existen diversas versiones del mito de Orión. Una de ellas cuenta que Orión había violado a Mérope, hija de Enopión, quien por ello, lo dejó ciego. Helios le devolvió la vista y a continuación Orión se convirtió en compañero de caza de Artemisa y Leto. Prometió aniquilar todo animal que hubiera sobre la tierra, por lo que Gea se enfadó e hizo nacer un escorpión enorme que picó a Orión y lo mató.

En otra versión fue Artemisa la que lanzó el escorpión contra Orión.

Existe otra tradición que sostenía que Artemisa se había enamorado de Orión, lo cual despertó celos en Apolo, hermano gemelo de Artemisa. Un día Apolo, viendo a Orión a lo lejos, hizo una apuesta a su hermana desafiándola a que no podía asestarle una flecha a un animal (o a un punto brillante lejos en el océano, en otra versión) que se movía a lo lejos dentro de un bosque (o en lo lejano del mar). Artemisa lanzó su flecha y dio, como siempre, en el blanco. Cuando fue a ver su presa, se dio cuenta de que había aniquilado a su amado Orión. Fue tan grande su tristeza, sus quejas y sus lamentos que decidió colocar a Orión en el cielo para su consuelo.

Otra leyenda cuenta que Orión acosaba a las Pléyades, hijas del titán Atlas, por lo que Zeus las colocó en el cielo. Todavía parece que, en el cielo, Orión continúa persiguiendo a las Pléyades.

Orión está representado por un guerrero alzando su arco, su espada o garrote y cubriéndose del enemigo con un vellocino o un escudo. A su lado se encuentran sus perros de caza: Canis Maior y Canis Minor.

En la Mitología egipcia la estrella de Orion, Betelgeuse estaba asociada al dios Osiris.

En la mitología selknam, la constelación de Orión se asocia al dios Kwányip, siendo él la estrella Betelgeuse.

En algunas versiones de la biblia la constelación de Orion es llamada “Kesil” y la relacionan con Nemrod.

En el Legendarium creado por J. R. R. Tolkien en su literatura fantástica se describe una astronomía propia, con cuerpos celestes equivalentes a los de nuestro mundo real, pero con unos nombres y mitología imaginarios asociados. Orión es conocido como Menelvagor en sindarin o Menelmacar en quenya. Ambos nombres significan «el espadachín del cielo», y representa ya sea a Eönwë, heraldo de los dioses o a Túrin, un héroe trágico del libro El Silmarillion.

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