LIfe and Style: "El cine es mi llamado" una charla con Martin Scorsese by ExpansionPublishing

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M A RT I N S CORS ES E / FEBRERO - MA R ZO 2020 lifeandstyle.mx

MARTIN SCORSESE “EL CINE ES MI LLAMADO” ENTREVISTA EXCLUSIVA POR GASTÓN PAVLOVICH, COPRODUCTOR MEXICANO DE EL IRLANDÉS.

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DELOREANÂŽ and related marks, trade dress, and logos are intellectual property of DeLorean Motor Company and are used under license.

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CONTENIDO

FEATURES

58 Martin Scorsese por Gastón Pavlovich Su cercana relación con Martin Scorsese ha convertido al productor mexicano Gastón Pavlovich en uno de sus colaboradores más cercanos. Sus memorias y una entrevista exclusiva realizada al director estadounidense en nombre de Life and Style han sido el punto de partida para escribir un retrato íntimo de uno de los últimos capos del cine.

Modern Times El diseñador Alessandro Michele ha cumplido cinco años como director creativo de la casa italiana Gucci. A lo largo de este tiempo, ha cambiado el rumbo de la moda masculina con su visión moderna. Su colección primavera-verano 2020 es la prueba de que todavía le quedan muchas historias por escribir. ¡Larga vida al genio de Michele!

92 Los premios y nominaciones para la cinta Parasite del director Bong Joon-ho han reafirmado el estatus de Corea del Sur como una de las mayores potencias cinematográficas de la actualidad. Analizamos este fenómeno.

Foto de portada: Shutterstock.

Fotos: Byron Mollinedo y cortesías.

El tigre que domina el cine

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TOURBILLON RM 58-01 WORLD TIMER - JEAN TODT

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CONTENIDO

LIFE

STYLE

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PLAY

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Con alma florentina

Esto no es ciencia ficción

La primera colección de Paul Andrew para Salvatore Ferragamo, una oda a la ciudad italiana.

Mercedes-Benz presentó el VISION AVTR, una obra maestra de la eficiencia, en el CES 2020.

Una actriz sincera

1 24 Tecnología

La mexicana Paulina Gaitán apuesta por proyectos que cuestionen al público.

1 26 Un señor coupé

020 Julieta Venegas

022 Lado B

Maridaje con sake.

134 SPOT

042 Colecciones

030 Inspiración

Schumacher revive a Ferrari en la F1.

Lo nuevo de Millesime.

028 Cacio e pepe

Leonardo Ortizgris.

132 Momento

Scotch para todos.

026 Sabor a locura

El casco de americano.

130 Primera vez

Lienzos de Colagreco.

024 Drinks

El nuevo Cayenne.

1 28 Evolución

Canta La enamorada.

El año de la robótica.

Farca y van der Rohe.

046 El orden del todo

032 Espacio

HUGO y David Bowie.

David Alexander Flinn.

El aeropuerto de Pekin-Daxing.

048 Relojería

034 Hotel Umbral

050 Imperio romano

Sueño en la CDMX.

036 SPOT

A. Lange & Söhne.

Fendi en Design Miami.

054 SPOT

Fotos: Tanya Chávez, Izack Morales y cortesía.

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XX CHINO

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ARIDELA TREJO

LIFE AND STYLE®, es una publicación de Expansión, S.A. de C.V. Revista mensual, No. 166, febrero - marzo 2020. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo No.: 04-2018-030810190600-102; Certificado de Licitud de Título No.: 12848, Certificado de Licitud de Contenido No.: 10421. LIFE AND STYLE ® es una publicación editada y publicada por Expansión, S.A. de C.V., con domicilio en Avenida Constituyentes No. 956, Colonia Lomas Altas, Delegación Miguel Hidalgo, C.P. 11950, Ciudad de México. Editor responsable: Luis Manuel Martínez Torres. Esta publicación fue impresa por Quad Graphics Reproducciones Fotomecánicas, S.A. de C.V., con domicilio en Duraznos No. 1, Colonia Las Peritas, Delegación Xochimilco, C.P. 16010, Ciudad de México. Distribuida por Expansión, S.A. de C.V., Alfesa Comercialización y Logística, S.A. de C.V., Intermex, S.A. de C.V. y por la unión de voceadores a través del despacho Everardo Flores Serrato, S.A. de C.V. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido, fotografías, ilustraciones, colorimetría y textos publicados en este ejemplar sin la previa autorización de Expansión, S.A. de C.V. Las opiniones y puntos de vista de las colaboraciones publicadas en esta revista no necesariamente reflejan la opinión de LIFE AND STYLE® y quedan bajo la responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados © 2020, Expansión, S.A. de C.V. Consulta el aviso de privacidad de datos en la siguiente dirección https://lifeandstyle.mx/aviso-legal-y-de-privacidad.

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CARTA DEL EDITOR

E La pasión de Martin Scorsese por el cine es inagotable. El director creó The Film Foundation, dedicada a la preservación y restauración de películas antiguas, y ha participado en la Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos. También es testimonial de la marca suiza.

n el mes de los Óscar –esos premios que nos despiertan tantos sentimientos encontrados, pero de los que todos estamos pendientes– presentamos dos exclusivas que nos enorgullecen. La primera es un texto del productor mexicano Gastón Pavlovich sobre Martin Scorsese, a quien muchos consideran el director de cine más importante de la actualidad. Pavlovich nos ofrece un retrato íntimo y emotivo del cineasta de 77 años, a quien ayudó a hacer realidad sus dos películas más recientes: Silence (2016) y The Irishman (2019). No solo comparte sus impresiones sobre la personalidad y la filosofía de su amigo, sino también sus respuestas a una entrevista que le hizo para Life and Style. Con este material en nuestras manos, no dudamos que Scorsese debía estar en nuestra portada por todo lo que representa para el arte del presente y del futuro. La segunda exclusiva es una crónica sobre una visita a un recinto que, sin duda, se convertirá en una meca para los amantes del cine: el Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en Los Ángeles, California. Diseñado por el arquitecto Renzo Piano, ganador del Premio Pritzker en 1998, este impresionante edificio que ya está en la fase final de construcción, abrirá en algún momento de

2020 y tendrá exposiciones temporales sobre cineastas destacados y temas en los que el séptimo arte converge con asuntos sociales, pero también será el escaparate del enorme acervo histórico de documentos, fotografías, objetos y filmes que la Academia empezó a conformar poco después de su fundación, en 1927. En este viaje, tuve la oportunidad de conocer una parte de ese archivo, en la que ha sido una de las experiencias más interesantes de mi carrera. Esta edición tiene aún más cine, con entrevistas a la actriz Paulina Gaitán y el cinefotógrafo Rodrigo Prieto, nominado al Óscar por The Irishman. Pero, además, podrán encontrar artículos excepcionales sobre nuestras otras pasiones. Porque, parafraseando a Scorsese, “las revistas son nuestro llamado”.

Manuel Martínez Torres Instagram: @manumartineztorres

Foto: Cortesía Rolex/Matthew Brookes.

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COLABORADORES

Gastón Pavlovich Martin Scorsese

Izack Morales La moda como escape

Tanya Chávez El arte del retrato

Byron Mollinedo Visión multicultural

Cinematógrafo y viajero de corazón, Izack estudió una maestría de moda en Londres. Ahí encontró la manera de combinar el cine y la moda mediante la fotografía. Estos elementos le ayudan a contar historias con un sello personal, del cual “Una mirada fresca” es una muestra.

Fiel defensora del “menos es más”, esta fotógrafa mexicana ha publicado en diversos títulos nacionales e internacionales, y ha encontrado en el retrato su vehículo de expresión. En esta edición ha capturado la personalidad de Paulina Gaitán en “Una actriz sincera”.

Su vida transcurre entre Londres y Milán, a pesar de que nació en Berlín. Fue en sus calles que forjó su visión multicultural y su experiencia al lado de algunas de las casas de moda, diseñadores y fotógrafos más famosos del mundo, evidente en nuestra historia “Modern Times”.

Fotos: Cortesía.

Este sonorense cambió la política por el arte y pasó de negociar con burócratas a hacerlo con actores y directores. Es fundador de la productora Fábrica de Cine y escribió el guión de El estudiante (México, 2009), inspirado por sus abuelos. Es coproductor de Silence y The Irishman, los proyectos más recientes de Scorsese.

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OPINIÓN

POESÍA Tres líderes de opinión definen un concepto desde su perspectiva y su oficio. Ilustraciones: Alberto Caudillo

EDEL JUÁREZ

ISABEL ZAPATA

DIEGO E. OSORNO

POETA

ESCRITORA

PERIODISTA

“La poesía hoy es imprescindible, es el único hilo con el que se puede reparar el tejido social. Nos obliga a mirar dentro de nosotros y reconocernos como iguales, lejos de todas las divisiones impuestas, conectándonos emocional e intelectualmente. Nos devuelve el sentido de comunión, nos acerca y conmueve al señalarnos la belleza omnipresente, aunque no siempre visible, al traducir las sensaciones que se nos amontonan y así construir con ellas versos que pueden resultar un salvavidas. El poema, aun en lo imposible de su definición, debe ser algo útil y accesible para cualquiera, debe ser un puente o, al menos, una red de seguridad para el funambulista que somos todos en esta sociedad de espectadores. La poesía, tan castigada por los medios y el mercado, sigue abriéndose paso desde siempre porque no es un bien de consumo, es el derecho a soñar y construir con palabras un mundo nuevo”.

“No es una forma de superación personal ni mucho menos una manera de ayudarte a vivir, sino una pulsión, un oficio, un interés. Yo escribía diarios desde muy chica y ese fue mi primer acercamiento a la escritura. Después, como a los quince años, empezó a gustarme leer poemas y me animé a escribirlos. Así descubrí que, por el poder que tiene el lenguaje, la poesía permite construir vínculos y puentes de empatía que en otros géneros son más difíciles de levantar, y puede golpear en un sentido positivo. Los juegos del lenguaje hacen que un poema pueda ser un madrazo fuertísimo, y gracias a las metáforas y la posibilidad de hablar de manera figurativa se puede tocar cualquier tema. Quien lee poesía lo hace porque encuentra en ella un efecto muy poderoso. Como ocurre siempre con la lectura, uno puede conectar con otras personas. Es una manera de vivir”.

“La poesía es el arte que mayor ilusión puede generar, porque tiene que ver con algo secreto, muy íntimo. Solo el creador lo entiende a la perfección, pero sabe que a veces puede llegar a ser comprendido por alguien más, y cuando eso pasa, cuando alguien más vibra en esa sintonía, es muy potente. Desde hace años cubro el mundo del narcotráfico y, sin duda, la poesía me ha ayudado a superar la barbarie a la que estoy expuesto. Es una forma de resistencia, de conservar la ilusión. Admiro a los poetas y los lectores de poesía porque son idealistas. En un momento del mundo tan decadente, en que un imbécil es presidente de Estados Unidos, la ultraderecha gobierna Brasil y Europa está infestada de engendros políticos, interesarse por la poesía —o sea, por el idealismo— es un acto revolucionario, un respiro de resistencia. La poesía es una especie de sendero, pero no fijo, es algo que te va ocurriendo de forma íntima y secreta”.

Edel Juárez se abrió camino al leer su obra en escenarios, junto a cantautores y su banda de rock. Pequeños bosques pausados compila dos décadas de su poesía.

Isabel Zapata estudió Ciencia Política en el ITAM y filosofía en la New School for Social Research de NY. Es autora de Una ballena es un país (Almadía) y colaboradora de Letras Libres.

Diego Enrique Osorno es columnista de El País, dirigió el documental de Netflix 1994 y presentó Vaquero del mediodía en el Festival de Morelia, documental sobre el poeta Samuel Noyola.

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LIFE

UNA ACTRIZ SINCERA PAULINA GAITÁN tendrá una exposición inmensa este año. Protagonizará El Presidente, de Amazon Prime, que tiene presencia en más de 200 países. Pero más allá del alcance de esta plataforma de streaming, es la historia de esta serie la que atrapará la atención de los aficionados del futbol, porque pone bajo la lupa el escándalo de corrupción de la FIFA. La actriz de Diablo Guardián y Narcos, ha empezado a delinear la carrera que desea al elegir proyectos como Las niñas bien (2019), que le valió una nominación al Ariel, y ahora Territorio, que formó parte de la selección oficial del Festival de Morelia. >

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LIFE TV

A COMERSE EL MUNDO

Paulina Gaitán solo quiere proyectos que hagan a los espectadores cuestionarse sobre sí mismos. Entrevista: Salvador Cisneros · Fotos: Tanya Chávez Stylist: Celeste Anzures · M&H: Davo para Givenchy Beauty

aulina se hizo actriz porque mintió. “Yo era una niña que mentía para manipular la situación a mi antojo. Veo una conexión entre mentir y actuar, porque al final eso es lo que hacemos los actores, pero de una manera elegante y veraz”, dice Paulina en entrevista. A los ocho años fingió enfermarse para no ir a la escuela y esa mañana recibió una llamada de un amigo de su mamá, quien tenía una agencia de extras. Le preguntó si quería aparecer en una telenovela. “Cuando mi mamá volvió, le dije: ‘¿Me puedes llevar a Televisa porque voy a ser actriz?’”. Ella se negó, y además le causó extrañeza que le pidiera eso porque Paulina “no era una niña expresiva”. Era verdad: sentía tanta pena que ni siquiera podía pedir algo en la tienda. Pero Paulina llamó a su abuela para quejarse. “Corrí al otro teléfono para espiar y ella le dijo a mi mamá: ‘Déjala, no va a ser actriz, que se le quite la espinita’”. Tras cinco meses como extra en la telenovela juvenil María Belén (2001), y de hostigar pidiendo una línea de diálogo, por fin la consiguió: “Solo tenía que decir: ‘Ahí viene la maestra’, y no lo pronuncié bien. Me frustré tanto que me metí a clases de actuación al CEA (Centro de Educación Artística)”. Pronto consiguió trabajo en programas de TV Azteca y a los 11 años debutó en cine. “Voces inocentes fue la película que me abrió el panorama. Pensé: ‘¿Qué es esta cosa tan espectacular?’”. El cine es su pasión. Protagonizó Somos lo que hay (2009), filme de terror del director Jorge Michel Grau, que se presentó en el Festival de Cannes, y después Sin nombre (2009), drama migratorio de Cary Fukunaga, director de la primera temporada de la aclamada serie True Detective (2014). No obstante, han sido las series las que le han dado exposición internacional. Interpretó a Tata, la esposa de Pablo Escobar en las primeras dos temporadas de Narcos. “Llegaba al hotel a llorar”, confiesa. “Entendí que me sentía así porque mi personaje no expresaba sus sentimientos y yo me quedaba con el miedo y la rabia que ella sentía por amar a un asesino que, sin embargo, era buen pa-

dre y esposo”. También estelarizó Diablo Guardián, adaptación de Amazon Prime de la exitosa novela de Xavier Velasco. En ella interpretó a Violetta, personaje con el que tiene muchas similitudes. “La gente que ha leído el libro y me conoce me ha dicho: ‘Es que tú eres Violetta’. Incluso cuando leí el libro, dije: ‘Soy yo…’, aunque luego decía que no, porque ella está más loca. Pero sí, ese monstruito con ganas de comerse todo el mundo vive dentro de mí”. Paulina ha hecho acentos colombianos y hondureños, pero este año la escucharemos hablar en “chileno”, porque en El Presidente, serie de Amazon Prime, dará vida a Nené, la esposa del exdirectivo del

Página anterior: Camisa, Hugo. Pendientes Fiorever, Bvlgari. En esta página: Camisa y falda, Boss. Bralette, Victoria’s Secret. Colgante Two, Tiffany & Co. Reloj Serpenti Seduttori, Bvlgari. Anillo Diva’s Dream, Bvlgari.

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Arriba: Traje, Boss. Bralette, Victoria’s Secret. Aretes Serpenti, anillo Fiorever, reloj Serpenti Misteriosi, todo de Bvlgari. Colgante Smile, Tiffany & Co.

futbol de ese país, Sergio Jadue, quien fue el primer eslabón que destapó el caso de corrupción global de la FIFA. “Es una gran personaje porque ella lo planeó todo. Hizo de su esposo su títere. Es la chispa de un escándalo orquestado por hombres, pues eso es la FIFA”. Antes se sentía privilegiada de conseguir papeles y no se cuestionaba el rumbo de su carrera; ahora quiere hacer películas con una “vena fuerte, que hagan sentir y pensar al público cuando vuelva a casa”. Así lo demostró al coprotagonizar Las niñas bien (2019), que le valió una nominación al Ariel. Territorio, que formó parte de la selección oficial del Festival de Morelia, es uno de esos filmes. Dirigida por

Andrés Clariond, explora las consecuencias emocionales de una pareja que, ante problemas de infertilidad y económicos, recurre a un amigo para tratar de ser padres. “Es una temática fuerte, pero contada de una forma muy sutil”. Paulina vivió en Los Ángeles tras actuar en la serie The River, y está abierta a proyectos internacionales, aunque lo hará desde México. “No me gustó esa necesidad tóxica de éxito que sentí allá. Aquí soy una actriz feliz”, dice, y suena sincera. Locación: Hotel Patio 77 Joaquín García Icazbalceta 77, San Rafael. elpatio77.com

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LIFE MÚSICA

LA CONVICCIÓN DE JULIETA

Guiada por la literatura, Julieta Venegas reconectó con el deseo de crear sus propias melodías.

Julieta Venegas estaba desencantada con la vida del artista. Una mudanza a Buenos Aires, Argentina, parecía la solución; no para recuperar el amor por la música, porque ese nunca lo perdió, sino para deconstruir el “edificio” que construyó durante 24 años de carrera. Desde su debut como solista en 1996 con Aquí, la cantautora originaria de Tijuana ha grabado ocho álbumes de estudio, con todos los conciertos y giras de promoción que eso implica. “Ya no tenía ganas de ponerme a escribir para volver a salir de tour y hacer un proceso que ya conocía”, relata Julieta a Life and Style. “Me cansé de la estructura”. A través de la literatura recuperó el deseo que creía extraviado. “Leer es lo que más hago en el día a día. No veo la tele, no voy mucho al cine, ocasio-

nalmente voy a conciertos, pero todo mi entretenimiento se enfoca en la lectura”. Durante el último año, ha leído más de 100 libros, de acuerdo con su perfil en el sitio Goodreads. Esta pasión no es algo reciente, sino inherente a su ser. Si pudiera atribuir este gusto a un libro en específico, sería Jane Eyre, de la novelista inglesa Charlotte Brontë. “Sentí como si yo fuera esa chica llamada Jane Eyre por su manera de hablar, de reaccionar, de pensar [...] Sentía que el libro me describía en esa institutriz del siglo XIX”, manifestó en una charla del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). Desde entonces, los libros han sido para Venegas una fuente vital para la música que escribe. En la obra de las hermanas Brontë encontró un ímpetu que la acompaña siempre; constantemente regresa a ella. Relee Cumbres borrascosas y busca nuevas biografías como Infernales. La hermandad Brontë: Charlotte, Emily, Anne y Branwell. Sobre todo admira a Charlotte por crear el personaje

Fotos: Yvonne Venegas.

Texto: Natalia Chávez

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de una joven que “no fuera una típica belleza, sino una mujer fuerte respondiendo a las figuras románticas de su época”, describió en aquella presentación en la ciudad española. Escritoras como las Brontë han sido sus aliadas en la música. Ahora Julieta sube al escenario de un teatro para encarnar a una tímida mujer que por fin dice todo lo que piensa. En ocasiones pierde el hilo y divaga, pero en este viaje unipersonal lo importante es que su personaje no se guarda nada. Así es Julieta. Su pasión por la música siempre ha sido su forma de responder a las preguntas que le lanza la vida. En Argentina descubrió otra salida para expresarla. La enamorada es la obra teatral con la que transforma su rol en el escenario. Desde hace seis meses, todos los fines de semana en el Teatro Picadero, en Buenos Aires, presenta este monólogo que adaptó junto con el dramaturgo Santiago Loza. Su curiosidad casi innata por la literatura la llevó a encontrar el libro Obra dispersa, del propio Loza, y de ahí llegó al texto de la producción. Escribir las canciones del monólogo le sirvió para subir al escenario, porque le resulta más sencillo estar en él si canta y toca instrumentos, explica. No obstante, hasta que entró al estudio de grabación reconoció el valor de La enamorada. Este proyecto le regresó el entusiasmo por un álbum. “Necesitaba sentir unas ganas desesperadas por grabar y eso pasó con este disco”, detalla. En medio de los descansos de La enamorada, el concierto íntimo que presenta en la capital argentina y la gira que traerá a México este febrero, Julieta aprovecha para cultivarse más como feminista. Entre los 110 libros que leyó en 2019, están títulos como Feminismo para el 99%. Un manifiesto, Mujeres y poder y La escritura en el cuerpo de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez. Este último es quizá el que más la marcó. Escrito por Rita Segato, “profundiza en una estructura mucho más grande de lo que imaginamos”, recuerda. “No solo tiene que ver con crímenes pasionales, también con la violencia del narcotráfico y la trata de blancas”. Con la unión de su compromiso por el feminismo y su pasión por la literatura, lanzará este año un club de libros en forma de podcast para recomendar obras y entrevistar a los autores. Después de más de ocho millones de discos vendidos, Julieta conserva el acercamiento a su música que heredó de la literatura. “No sé a dónde está llevándome el libro, quiero averiguarlo siempre”, manifestó en el escenario del CCCB. “Lo mismo al hacer una canción [...] no saber con certeza, pero querer averiguarlo”. Navega entre las melodías que llenan su cabeza, se sienta en el piano, toma el cuatro y cuando conecta al nivel más personal, las descifra. Con la fluidez del momento que vive, La enamorada es el mejor reflejo de quién es Julieta hoy.

Durante febrero, presentará La enamorada en su natal Tijuana y otras ciudades, como Guadalajara, Monterrey, Ciudad de México, Puebla, Oaxaca, Querétaro, León y Tuxtla Gutiérrez.

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LADO B

EL PINTOR DE SABORES

Para Mauro Colagreco, Francia es un lienzo en blanco. Ahí fundó su restaurante, el mejor del mundo, y cultiva su pasión por la pintura. Texto: Issa Plancarte · Ilustración: Eduardo Ramón

El éxito no le llegó de inmediato a este cocinero argentino que hoy ostenta el título del mejor del mundo. Para alcanzarlo, se mudó a Francia en sus veintes y fue alumno de grandes cocineros como Alain Passard y Alain Ducasse. Cuando se animó a ser dueño de su propio restaurante, lo abrió en 2006 por su cuenta, con muy poco capital y sin inversores. Complicada fue la tarea de montar un establecimiento en Menton, un pueblo de 30,000 habitantes en medio de la nada. “Si uno tomara un libro que explicara qué cosas no hacer al abrir un restaurante, el caso sería Mirazur”, relata Mauro Colagreco. Para despejarse, deja los cuchillos y toma el pincel. “Me gusta mucho pintar”, explica el chef. “Hago abstractos al óleo, una tela por año. Las tengo guardadas en mi oficina. Van Gogh me emociona; cada vez que voy al Musée D’Orsay es conmovedor, soy muy sensible al arte”, añade.

Lado A En 2019, The World’s 50 Best Restaurants escogió a Mirazur como el número 1. Ubicado en Menton, en la Riviera francesa, su cocina se destaca por la frescura de los ingredientes, que provienen de sus huertos, y por su belleza.

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SCOTCH PARA TODOS

Su fama indica que es imposible de mezclar, pero su historia demuestra lo contrario. Texto: Fernanda López Díaz · Foto: Anylú Hinojosa · Ilustración: Viridiana López

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DRINKS

“El whisky es un soltero malhumorado que neciamente insiste en mantener su independencia, y casi nunca estará de humor para casarse”. Esta frase de David A. Embury, autor de la enciclopedia The Fine Art of Mixing Drinks (1948), describe con elocuencia un sentimiento popular en la industria del alcohol: el whisky escocés, ya sea un single malt o un blend, es una de las bebidas más difíciles de mezclar. Y aunque esto tiene sentido – su sabor turboso y ahumado lo convierte en un elemento muy protagónico–, al revisitar la historia de este destilado se puede ver que, al igual que el soltero más codiciado, podrá ser siempre complicado, pero nunca inatrapable. Para dimensionar la versatilidad del whisky hay que echar un vistazo a finales del siglo XV, un par de décadas antes de que el destilado se popularizara. En las Tierras Altas de Escocia vivía sir John Stewart, conde de Atholl, quien tenía una famosa rivalidad con Iain McDonald, líder de una rebelión contra el rey británico. Cuando el conde descubrió que su enemigo bebía agua de su pozo, decidió aprovechar la situación. Agregó al agua miel, whisky y avena, con lo que no solo emborrachó y capturó al enemigo, sino que creó la base de uno de los primeros cocteles con scotch: el atholl brose. Sus ingredientes, más parecidos a los de un desayuno que a los de un trago, resaltan notas dulces y frutales comunes en el whisky, como la manzana roja y, claro, la miel. El resultado es un equilibrio entre cereal, fruta y alcohol. Sin embargo, es peligroso: después de probarlo, cualquiera podría cuestionarse si realmente hay una hora del día en la que sea un descaro beber. Avancemos al Nueva York de 1894. El lujoso Waldorf Astoria, ubicado donde hoy está el Empire State, estaba de gala para la presentación de Rob Roy, una opereta del compositor Reginald de Koven sobre Robert Roy MacGregor,

LIFE

Por sus notas predominantes, el whisky escocés siempre puede mezclarse con vermú, limón y miel.

1. PENICILLIN En un shaker con hielos mezcla dos onzas de Jura 10 y tres de cordial de jengibre. Cuela y sirve en una copa previamente enfriada. 2. ROB ROY Mezcla dos onzas de Jura 10, media de vermú dulce y dos dashes de amargo de Angostura. Mezcla todos los ingredientes en un shaker con hielo. Cuela y sirve en un vaso con un bloque de hielo. 3. ATHOLL BROSE Mezcla dos onzas de Dalmore 12 años y cuatro onzas de cordial de avena en un shaker con hielo. Cuela y sirve en una copa.

un prófugo de la justicia convertido en icono del folclore escocés. Para celebrar el estreno, se creó un coctel del mismo nombre. Al tratarse de una bebida hecha con vermú, bitters y un jarabe de cereza opcional, se podría decir –y con buena razón– que no es más que un manhattan con whisky en lugar de bourbon. Y sí, lo es. Sin embargo, basta probar los dos tragos para darse cuenta de la diferencia que existe entre ambos destilados. El escocés le da al coctel un perfil menos dulce que, en conjunto con el resto de los ingredientes, ofrece un trago amargo de una elegancia indiscutible. El whisky también forma una pareja ideal con el mundo de las especias. Prueba de ello es el penicillin, considerado un clásico moderno gracias a su impresionante profundidad aromática y al mito popular de que, debido a sus ingredientes –miel, jengibre y limón–, tiene propiedades antibacteriales. Creado en 2005 por Sam Ross, este trago es dulce, picante y ahumado a la vez, y tal vez a eso se debe su éxito: en una época en la que Sex and the City había saturado las barras con un simple y poco agraciado cosmopolitan, el mundo necesitaba explorar tragos más complejos, pero igual de fáciles de beber. Y para satisfacer esa sed, ¿qué mejor que un trago de la bebida más incasable? Handshake Speakeasy Ciudad de México, solo por reservación. Instagram: @handshake_bar

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LIFE

TASTE

ASÍ SABE LA LOCURA

De los creadores de Millesime llega Locura, un restaurante pop-up en las playas de Tulum.

Un alux, criatura con poderes mágicos popular en la cultura maya, es el encargado de guiar a los comensales en Locura, el nuevo restaurante pop-up de Tulum instalado en el Hotel Tribal. La experiencia –que podrá vivirse hasta el próximo 29 de febrero– fue concebida por los fundadores de Millesime. Combina artes escénicas y alta gastronomía en un espacio efímero diseñado por el arquitecto Juan Pablo Bedolla y la interiorista Claudia García Oliveras. De este modo, cada cena es un espectáculo interactivo en el que los actores encarnan a distintos personajes –un pescador, un chamán y el mayordomo de un lord que naufragó en el destino, entre otros–, quienes cuentan divertidas historias relacionadas con este punto del Caribe mexicano y sus costumbres, y presentan cada uno de los ocho tiempos que integran el menú.

Un equipo de cocina experto, encabezado por los chefs José Luis Estevan y Nicolás Tapia, se encarga de la preparación de platillos que, si bien reflejan la riqueza gastronómica de la península de Yucatán y su diversidad de ingredientes, también son una muestra de las técnicas más vanguardistas y de la maestría de cocineros como Jonatan Gómez Luna, Gabriela Ruiz, David Cetina y José Luis Hinostroza, quienes estuvieron involucrados en la creación de las recetas. Para estar a la altura del menú, se han seleccionado vinos y destilados de la mejor calidad, entre los que destacan el Ron Zacapa 23 y el Caymus Cabernet Sauvignon. Cada noche, la velada termina a la orilla del mar en el bar Candy Beach, donde mixólogos experimentados son responsables de preparar cocteles para todos los gustos. Aquí, la brisa, el cielo estrellado y el sonido de las olas del mar son el broche de oro para una noche de fantasía, sabor y quizá algun alux.

Locura Este restaurante efímero se localiza en el Hotel Tribal de Tulum, en el kilómetro 10.1 de la carretera Tulum-Boca Paila. Las funciones comienzan a partir de las 6:40 p.m. y, para asistir, es necesario reservar en el sitio web locuramillesime.com

Foto: Cortesía

Texto: Pedro Aguilar Ricalde

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MARIDAJE

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GLOBALIZAR LA MESA

Cacio e pepe con sake: la única regla del maridaje es que ningún elemento opaque al otro. Texto: Dulce Fabiola Vega · Foto: Tanya Chávez

Mariage –matrimonio en francés– es la palabra de la que surge este concepto. Y como sucede con las relaciones humanas, algunas parejas son explosivas. En 2012, el chef Massimo Bottura reinventó el cacio e pepe para salvar la producción de parmigiano reggiano en la Emilia-Romaña, región italiana que fue afectada por un sismo devastador. Su idea fue sustituir dos ingredientes del clásico romano: el queso pecorino por parmigiano reggiano y la pasta por arroz arborio. Desde entonces, este platillo tiene distintas versiones en varios países. En México, Elena Reygadas lo cocina en Rosetta con habas frescas, espagueti y queso caciocavallo. Esta receta puede prepararse en cualquier parte del mundo, de la misma manera que el sake, bebida de tradición japonesa que no tiene denominación de origen. Nami es el primero que se produce en México –en Culiacán, Sinaloa– con el método artesanal nipón. En su elaboración se emplea arroz Yamada Nishiki y hongo koji para fermentar. Este, en específico, es de estilo junmai, una variante que requiere pulir 30% del cereal, según dicta la categoría premium del sake. El maridaje es inesperado. Por un lado están las notas de lychee, hierbas y peras del sake que enriquecen el sabor de las habas y el queso solo por un momento, pues al unirlos surge la explosión. La pimienta, clave en el cacio e pepe, se potencia y, una vez que lo hace, es imposible ignorarla. Incluso después de terminar el bocado.

Rosetta Colima 166, Roma Norte, Ciudad de México. rosetta.com.mx

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LIFE INSPIRACIÓN

LA EMOCIÓN DE LO SIMPLE Para Ezequiel Farca, el Pabellón de Barcelona, de Mies van der Rohe, refleja los ideales de un movimiento arquitectónico internacional.

“El proyecto que marcó mi manera de ver el mundo como arquitecto fue el Pabellón de Barcelona, de Mies van der Rohe, quien basó su trabajo en la filosofía de que menos es más”, sentencia Ezequiel Farca para comenzar a narrar la historia de esa obra. Considerado un referente de la arquitectura moderna, el espacio fue diseñado por van der Rohe y la interiorista Lilly Reich para representar a Alemania en la Exposición Internacional de Barcelona en 1929. Tras la clausura del evento, el Pabellón fue desmontado en 1930, pero fue tal la respuesta internacional que se hizo necesaria su reconstrucción en la década de 1980. “Cuando me fui a estudiar una maestría en arquitectura a Barcelona, este fue el primer lugar que visité, y la fuerza de su simpleza me sorprendió. Es un espacio pequeño, de solo 200 metros cuadrados, pero cuando estás ahí, entiendes de qué va verdaderamente la arquitectura: de hacernos sentir”.

Ezequiel Farca fundó su estudio de interiorismo hace 25 años, al que tiempo después se unió la arquitecta Cristina Grappin. Hoy tienen oficinas en México, Los Ángeles y Milán, y trabajan cada espacio en su totalidad, desde la arquitectura y el diseño hasta las piezas de mobiliario.

Fotos: Cortesía.

Entrevista: Doménica Díaz

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LIFE ESPACIO

ESTRELLA DEL AIRE

El Aeropuerto Internacional de Pekin-Daxing, obra de Zaha Hadid, presume una fluidez extraordinaria. Texto: Doménica Díaz · Fotografía: Hufton+Crow

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ESPACIO

Cuando el momento del aterrizaje se aproxima, la primera imagen de Daxing es la de una estrella de mar. Su forma cumple dos funciones: resalta el principio de arquitectura tradicional china, que conecta distintos espacios

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a través de un patio central y minimiza las distancias de traslado en el interior de la terminal. Ahí, una serie de formas fluidas bajan desde el techo para dar soporte a la estructura, abrir el espacio y marcar la dirección a seguir. LIFEANDSTYLE.MX

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LIFE HOTEL

PASADO PERFECTO

El hotel Umbral presume una terraza de ensueño y una restauración ejemplar en el Centro Histórico.

Fue una de las aperturas más sorprendentes de 2019 en la Ciudad de México, y este año su fama está destinada a crecer. El hotel Umbral se localiza en el Centro Histórico, en un edificio de 1924 que pasó por una restauración ejemplar. El resultado maravilla desde el amplio pasillo de entrada, con el letrero antiguo del Edificio España y faroles en ambos lados que conduce a la escalera monumental, con barandal de herrería. Lo más impresionante es el área de habitaciones, un rectángulo abierto donde el suelo del primer piso es de bloques de vidrio, la mayoría antiguos. Las otras tres

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METROS 2 MIDE LA TERRAZA, DONDE SE SIRVE BRUNCH DOMINICAL.

plantas tienen pasillos volados de herrería, también con suelo de vidrio, y el techo es un tragaluz. En las 59 habitaciones hay un vestíbulo separado de la recámara por una cortina. Las tonalidades van del gris al blanco, con la calidez de la madera en las puertas, ventanas y muebles, y la amplitud de los techos altos. Un elevador histórico, con todo y puerta corrediza de metal, lleva al otro tesoro del lugar: su terraza con gimnasio, alberca, restaurante, bar y espacio para eventos. Las vistas del centro y la oferta gastronómica y de mixología, la convierten en una favorita para el brunch dominical. Hotel Umbral Venustiano Carranza 69, Centro Histórico, CDMX. hotelumbral.com

Fotos: Cortesía

Texto: Manuel Martínez Torres

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SPOT

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POR AMOR A LA CREATIVIDAD

—LENNY KRAVITZ

DEL MAR A LA MESA

El Four Seasons Punta Mita creó un tour para recolectar especies marinas –como algas, erizos y caracoles– en sus playas. Posteriormente, el chef Jorge González prepara un menú con los ingredientes.

A través de su estudio de diseño, Lenny Kravitz ha creado una colección de tres piezas de edición limitada –una botella, una cajacandelabro y una mesa para catas– en exclusiva para Dom Pérignon.

Todos a bordo

Los huéspedes y residentes del complejo Mayakoba, en la Riviera Maya, ya pueden pasar un día –previa reservación– a bordo del yate VanDutch 55’ mientras recorren las aguas del Caribe y se dejan consentir por la tripulación.

El nuevo vecino de Mid-Beach Un edificio de los años 40 localizado en Mid-Beach alberga Palihouse Miami Beach, un hotel con diseño mediterráneo y bohemio.

LOUIS VUITTON EN ZONA MACO La maison unió esfuerzos con los artesanos de San Martín Tilcajete, Oaxaca, en una edición limitada de baúles con pinturas de nahuales y tonas. La colaboración se develará en Zona Maco, que se realizará del 5 al 9 de febrero en la CDMX.

ENTRE ORIENTE Y OCCIDENTE Las pinturas del artista chino Liu Ye serán exhibidas en la galería Nord de Fondazione Prada en Milán hasta el 28 de septiembre de 2020. Inspiradas por la literatura, la historia del arte y la cultura pop, las obras que integran Storytelling evocan introspección, pureza y suspensión.

Fotos: Cortesía

“ME SIENTO PARTE DE LA FAMILIA DOM PÉRIGNON”.

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COLECCIONES | RELOJERÍA | DISEÑO | SPOT

UNA MIRADA FRESCA LA ALTA TECNOLOGÍA Y LA ARTESANÍA definen la colección con la que Paul Andrew debuta como director creativo de Salvatore Ferragamo. En 2016, Andrew ingresó a la compañía como director de calzado y, al año siguiente, ascendió a director creativo de la línea femenina de la casa italiana. Ahora, junto a Guillaume Meilland, quien ocupa el puesto de director de diseño de la línea masculina, creó una colección inspirada en Florencia y su historia. En esta sesión, la estética artesanal y urbana de sus prendas reflejan a un hombre práctico, refinado, moderno y elegante.>

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STYLE COLECCIONES

CON ALMA FLORENTINA

Una combinación entre artesanía y tecnología, y cultura y modernidad. Así es la nueva entrega de Salvatore Ferragamo para la primavera-verano 2020. Texto: Celeste Anzures Foto: Izack Morales Modelo: Sakora para @New Icon Grooming: Davo Sthebané para Givenchy Beauty Locación: Centro Estudio México @centroestudiomx

Paul Andrew ha debutado como director creativo de la casa italiana con una serie de propuestas nuevas. Las tradiciones artísticas, intelectuales y económicas de Florencia, así como sus fábricas, artesanos y, especialmente, la fuente de Neptuno –cuya restauración financió la marca– han servido como referencia para establecer la nueva dirección estética a la que Andrew desea llevar la marca. Al redefinir los códigos de vestimenta para una nueva era, el diseñador británico retoma elementos antiguos de la ciudad y los mezcla con la modernidad y el ADN de Ferragamo. Las prendas están llenas de detalles que suman valor, practicidad, utilidad y originalidad al estilo masculino. Andrew experimenta con el patronaje al incorporar cortes geométricos a los diseños de la colección, tanto amplios como ajustados. Pese a mezclar materiales como cuero con algodón y seda con licra, sus looks son cómodos y nos enseñan a no temer a la combinación de tejidos y colores. Tampoco hay que olvidar que la casa es experta en el trabajo de materiales como el cuero de napa y la piel de venado y becerro, que combina con jersey de algodón, gabardinas de lino o mohair de lana. El resultado puede verse en camisetas, pantalones, chalecos, chamarras y abrigos. Los accesorios incluyen bolsos, backpacks y pequeños artículos de cuero que proyectan el lujo de pieles impecables y de una utilidad sin adornos. En lo que respecta a los zapatos, la protagonista es una alpargata de plataforma dividida con cordones intercambiables inspirada en el modelo Kimo, creado por el propio Salvatore Ferragamo en 1951. Según la filosofía de Andrew, las parkas reemplazan los clásicos sacos y las prendas deportivas se convierten en elementos utilitarios de uso cotidiano. Los mejores ejemplos: los pantalones tipo cargo con bolsillos grandes y cremalleras en las pantorrillas que permiten ajustar el fitting de recto a skinny; las camisas clásicas de algodón con detalles desmontables de cuero en los puños; y los monos con resortes ajustables.

La gama cromática oscila entre los tonos tierra, naturales y pastel –como rosa, lavanda y verde menta–, y otros más vivos e intensos como el azul marino. La artesanía es el origen y el corazón palpitante de la casa, y en esta nueva era, lo convencional y lo innovador definen al hombre Ferragamo, uno que no espera que lo descubran, sino que ya se ha encontrado a sí mismo.

La colección se presentó en 2019 con un desfile que también celebró el debut de Andrew como director creativo de la firma.

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“ES LA MEZCLA DE ALTA TECNOLOGÍA Y ALTA ARTESANÍA LA QUE SE HA CONVERTIDO EN MI TRUCO PARA FERRAGAMO”. –Paul Andrew

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STYLE COLECCIONES

SOMOS HÉROES HUGO celebra al músico británico e icono de la moda, David Bowie, con una colección cápsula.

HUGO, la línea más casual y juvenil de Hugo Boss, rinde homenaje al legendario músico británico David Bowie. Para esta colección cápsula bautizada como HUGO Loves Bowie, la casa alemana ha tomado como referencia algunas de las prendas más emblemáticas de Ziggy Stardust y las ha combinado con sus propias piezas clave: trajes sastre de corte relajado, camisetas lisas, chamarras de cuero, sudaderas y accesorios como bufandas y gorras. Las prendas han sido intervenidas con frases e imágenes de algunos de sus discos, como Low, de 1977, y Lodger, de 1979.

El eslogan “Tomorrow belongs to those who can hear it coming” creado para la promoción del álbum Heroes, también de 1977, y su fotografía de portada –realizada por Masayoshi Sukita, quien fue uno de los colaboradores más cercanos de Bowie– han sido estampados en camisetas lisas negras y blancas, gorras y sudaderas. El rojo completa la paleta de colores y, junto al binomio blanquinegro, mantiene las señas de identidad de HUGO. Bart de Backer, diseñador senior de la firma, ha integrado a esta nueva colección algunas de las siluetas que distinguen a Boss –como trajes ligeramente ajustados de corte deportivo– y ha sustituido las camisas lisas de algo-

La colección cápsula se presentó a mediados de enero y estará disponible en boutiques de la marca y online.

Fotos: Cortesía.

Texto: Celeste Anzures

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COLECCIONES

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“DAVID BOWIE FUE UN ESPÍRITU REBELDE QUE VIVIÓ LA VIDA EN SUS PROPIOS TÉRMINOS”. –Bart de Backer

dón por piezas más casuales, como camisetas de cuello redondo y bomber jackets. Con esta combinación de prendas, HUGO demuestra que es una marca divertida que no pierde el toque sofisticado. Cada una es ideal para comenzar el día en la oficina y terminarlo en una cena con amigos. Otra característica lúdica es el juego con el logotipo –en ocasiones muy obvio y otras más sutil–, que siempre está a la vista en sus trajes, sudaderas o camisas. Sin duda, esta colección será uno de los mayores éxitos de la firma en 2020, pues ha apostado por propuestas atemporales que pueden usarse en cualquier época del año.

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STYLE RELOJERÍA

EL ORDEN DEL TODO Para David Alexander Flinn, amigo de Bulgari, la industria de la moda debe dar un paso atrás con ayuda del arte. Texto: Doménica Díaz Foto: Alberto Newton Locación: The St. Regis Mexico City

“El arte y la naturaleza están conectados, y debemos respetar sus procesos con la misma paciencia”, dice el artista multidisciplinario David Alexander Flinn. “Necesitamos reducir la velocidad con la que vivimos y consumimos. Ir más lento nos ayuda a descubrir más”, agrega para defender lo artesanal. David trabaja en Greenport, Long Island, en un pequeño estudio rodeado por un bosque de cedros. Ahí se dedica a crear, principalmente, esculturas. “Es una experiencia sumamente sensorial. Al interactuar con los materiales, al tocarlos y olerlos, me siento completamente presente, y este proceso queda impregnado en la obra”, asegura. Para él, el arte, que se inspira en la naturaleza, tie-

ne mucho que enseñarle a la industria de la moda: cuando el trabajo no se hace en serie y cada pieza es elaborada con las manos y con atención, lo que resulta es un objeto lleno de creatividad, cargado de valores y una historia muy particular. “Es importante crear objetos hermosos, y la fast fashion rompe con ese objetivo”, defiende. En los últimos años, David ha incursionado en el diseño de producto. “Hay algo en la funcionalidad que me interesa. Como artista llega a ser frustrante tener una idea que puede o no resonar con el público, y eso es distinto con un objeto”, explica. “Con un

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RELOJERÍA

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“LA MODA DEBE ASEGURAR LA BUENA CALIDAD, EL COMERCIO JUSTO Y LA SOSTENIBILIDAD”.

Foto reloj: Cortesía

–David A. Flinn

Octo Roma Tourbillon Sapphire En esta sesión, hecha en el Salón Internacional Alta Relojería 2019 (SIAR) de México, David lucía este reloj de Bulgari. Es una edición limitada con tourbillon volante y mecanismo manual azul, decorado con índices de oro rosa en los puentes. La caja, también de oro rosa, mide 44 mm y la correa es de aligátor.

reloj, por ejemplo, es fácil entender las decisiones tomadas por el artista para crear una pieza atractiva y práctica”. Bajo esta premisa, David creó el estudio de diseño Canyons Of The Unknown, con el que desarrolla producciones cortas, limitadas y cuidadas. “Como creativos, tenemos la responsabilidad de realizar objetos perfectos, atemporales e irremplazables, que se mantengan competitivos a pesar de las tendencias tan cambiantes”, asegura. “Debemos modificar nuestra cultura de consumo y tener más paciencia. Así como respetamos el tiempo que toma crear una única pieza de arte, hay que saber apreciar el buen trabajo en los objetos cotidianos, con el tiempo –y las pausas– que requieren”.

David Alexander Flinn empezó su carrera artística pintando graffitis en las calles de Nueva York, su ciudad natal. Después de estudiar artes visuales, ha trabajado con la escultura, el dibujo, la fotografía de moda y las nuevas instalaciones digitales. Hoy combina su trabajo creativo con el modelaje, y es imagen de distintas marcas, como Bulgari.

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STYLE RELOJERÍA

ACERO MITOLÓGICO Con Odysseus, A. Lange & Söhne debuta con ese material en un reloj de edición no limitada. Texto: Manuel Martínez Torres

Estilo deportivo La marca creó una caja de 40.5 mm de diámetro y 11.1 mm de grosor, robusta y poderosa, pero no exagerada. También desarrolló un nuevo mecanismo automático, el calibre L155.1 DATOMATIC, que ofrece 50 horas de reserva de marcha.

Reloj al agua Además de ser el primer Lange de producción normal hecho de acero, es el primero con caja resistente al agua y corona atornillada. Los pulsadores para corregir la fecha y el día están especialmente sellados. Es hermético hasta 120 metros.

Brazalete smart La pulsera integrada, también de acero, es otra novedad importante. Tiene gran complejidad de fabricación y acabados, con una combinación de superficies cepilladas, biseladas y pulidas. Su longitud se puede adaptar hasta siete milímetros.

Fecha grandiosa Además de horas, minutos y pequeños segundos a las 6, el reloj despliega la característica gran fecha de Lange a las 3 y el día de la semana, del mismo tamaño, a las 9. Es una configuración novedosa para esta marca alemana.

Y ese color azul La esfera está hecha de latón y tiene varios niveles. El acabado interior de la esfera principal y la auxiliar es mate, mientras que el de la escala del pequeño segundero y de los índices tiene líneas concéntricas; es una técnica llamada azurage.

Odysseus es la sexta familia de relojes de A. Lange & Söhne, la firma alemana más prestigiosa de la industria.

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STYLE DISEÑO

IMPERIO ROMANO La firma de diseño Kueng Caputo presentó su visión del mundo Fendi en Design Miami, una explosión de color y destreza artesanal. Texto: Manuel Martínez Torres

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DISEÑO STYLE

D Esta página: Para los objetos de Roman Molds, Kueng Caputo usó la piel Selleria de Fendi y ladrillo de terracota. Página opuesta: El espacio de Fendi en Design Miami, con toques del característico color amarillo de la casa.

estacar en la feria de diseño Design Miami no es fácil. Cada año, desde 2005, este evento reúne a las mejores galerías del mundo, que presentan sus creaciones más importantes en el terreno de los muebles, la iluminación y la decoración. Ocurre al mismo tiempo que Art Basel Miami y entre sus participantes está Fendi, la casa italiana de moda que si algo sabe es cómo llamar la atención. En diciembre pasado, Fendi concibió un espacio deslumbrante en el pabellón de Design Miami. Las paredes y el piso, pintados como un cielo con nubes, contenían una reproducción lúdica de los arcos del Palazzo della Civiltà Italiana, el edificio concluido en 1943 que desde 2015 es la sede de la marca en Roma, tan imponente que se le conoce como el “Coliseo cuadrado”. Distribuidas sobre la superficie estaban las diez piezas que Fendi le comisionó a la firma

te hace sentir pequeño, que es lo que los fascistas querían conseguir. Está hecho para impresionar. Es muy hermoso, en especial por la simetría y los juegos de luces y sombras. Nos fijamos en las formas y proporciones, y en los diferentes tipos de piedra que se utilizaron para construirlo”, dijo Kueng. Las diseñadoras también se basaron en productos como la bolsa Peekaboo, materiales, colores y técnicas de la larga historia de Fendi, que fue fundada en 1925. La casa abrió sus archivos para que los consultaran. “Vimos todo lo que quisimos. Lo más interesante para nosotras fueron las muestras de sus materiales. Es impresionante cómo le dan valor a su legado y cultivan su conocimiento”, afirmó Kueng. El resultado fusiona esas fuentes de creatividad. Los objetos –mesas, bancos, sillones y una palmera que parecen salidos de un sueño– reinterpretan las

suiza de diseño Kueng Caputo. Llamada Roman Molds, esta colección de objetos únicos está inspirada en el Palazzo, que Lovis Caputo y Sarah Kueng visitaron. “Es un sitio increíble que

columnas y los arcos del Palazzo a través de la combinación de dos materiales muy distintos entre sí: la piel Selleria emblemática de Fendi, con su característica superficie granulosa, y el ladrillo de terracota.

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STYLE DISEÑO

“VENIMOS DE LUGARES MUY GRISES Y NECESITAMOS EL COLOR PARA ALEGRARNOS”. –Sarah Kueng

Kueng aseguró que ellas son “nerds” de los materiales y las proporciones. “Nuestra inspiración es la vida diaria. Vemos en cada material una posibilidad, un mundo con su propia historia: cómo se produce, se transporta, se recicla… Nunca nos quedamos en la superficie”, explicó. Este fue uno de los factores que Fendi consideró para escogerlas y resultó muy útil en la elaboración de Roman Molds. Las diseñadoras recurrieron a los artesanos con los que han colaborado durante años para convertir la piel

1. Silvia Venturini Fendi, directora creativa de la firma y nieta de los fundadores, posa con una bolsa Peekaboo intervenida por Kueng Caputo.

2. Sarah Kueng (izquierda) y Lovis Caputo con Craig Robins, quien desarrolló Miami Design District y es uno de los fundadores de Design Miami.

3. Las piezas de la colección Roman Molds se inspiran en el Palazzo della Civiltà Italiana, la sede de Fendi en Roma. Ahí estarán expuestas.

en un material fuerte y sólido que sirviera para fabricar el tablero o las patas de las mesas. También tuvieron que encontrar a un experto que tallara y moldeara los ladrillos como si fuera el patrón de una prenda, y otro que aplicara esmaltes cerámicos para crear bloques de color, una tendencia muy Fendi. “Muchas veces, tienes que convencer a los artesanos de que intenten algo diferente a lo que hacen a diario. Necesitas que el colaborador esté listo para tomar el riesgo y tal vez falle”, dijo Kueng. La primera aparición de Fendi en Design Miami fue en 2008, cuando organizó pláticas con diseñadores como Aranda\Lasch, los hermanos Campana, Tom Dixon y Arik Levy. A partir de entonces, ha presentado ediciones limitadas con figuras del diseño como Simon Hasan, Sarah Becker, Nacho Carbonell, Kwangho Lee, Raw-Edges, Maria Pergay, Dimore Studio, Cristina Celestino, Maarten de Ceulaer y Sabine Marcelis. Asimismo participa en Design Basel y el Salón del Mueble de Milán. Caputo y Kueng, quienes trabajan juntas desde 2004, cuando empezaron a estudiar en la Escuela Superior de las Artes de Zúrich (HGKZ), están muy satisfechas con la importancia que el trabajo artesanal tiene para Fendi. “Están abiertos a hacer cosas disparatadas. Los objetos de Roman Molds son coloridos, pero quizá no tan funcionales, porque no necesitan serlo; aun así, en la marca estaban convencidos de nuestra propuesta. Como nosotras, aman los materiales, los detalles y el trabajo de la mano bien entrenada. Compartimos esa pasión, y por eso fue tan fácil comunicarnos con ellos y que nos entendieran”, aseguró Kueng.

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SPOT STYLE

ESPÍRITU FELINO

“ME CONSIDERO UNA PANTERA PORQUE PERSIGO LA EXCELENCIA Y SUPERO LOS LÍMITES”.

Personajes contemporáneos con una personalidad única –como el músico Frank Ocean, el director y guionista Nicolas Winding Refn y el actor Austin Butler– fueron elegidos por Prada para protagonizar su campaña primavera-verano 2020. En conjunto, ellos encarnan la identidad del hombre ideal de la casa italiana. Las fotos estuvieron a cargo de David Sims.

Por siempre Mickey

La rata de metal es el animal que marcará el año nuevo chino. Gucci no podía quedarse atrás y ha creado una colección cápsula dedicada a Mickey Mouse de Walt Disney. La campaña se realizó en el parque de diversiones con Mickey como invitado.

Nueva piel

La firma dermatológica Biologique Recherche reafirma su alianza con Hela Spa. Esta mascarilla es uno de los productos que podrás probar en México.

— CHANG CHEN

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Fotos: Cortesía

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ESPECIAL DE CINE 58. Martin Scorsese por Gastón Pavlovich La voz del director estadounidense es una de las últimas verdaderamente fuertes en la industria del cine. El productor mexicano explica por qué. 68. Mi momento Scorsese Dos cineastas, un crítico cinematográfico y un escritor cuentan cómo Martin Scorsese cambió su manera de apreciar y vivir el séptimo arte. 76. Interpretar el mundo con luz Rodrigo Prieto, genio mexicano de la cinefotografía, habla con Life and Style sobre el descubrimiento de su vocación, su estilo y sus planes a futuro. 82. El museo de los sueños De la mano de Rolex, visitamos el Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en Los Ángeles, que abrirá sus puertas este año. 92. El tigre que domina el cine Con las nominaciones para Parasite en el circuito de premios, Corea del Sur se afianza como potencia cinematográfica. Analizamos las razones.

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Scorsese por Pavlovich El productor mexicano que acompañó al cineasta neyorquino en Silence y The Irishman, compar te con Life and St yle sus experiencias y conversaciones con él.

Foto: Getty Images

Coordinación: Enrique Navarro

Es un icono. Para muchos, Martin Scorsese marca el antes y el después de la cinematografía —al menos desde la avanzada del Nuevo Hollywood, el influyente movimiento del cine estadounidense de los años 60 y 70 del siglo XX—, y si se hace caso a los críticos más reconocidos, es el responsable de más de una decena de obras maestras. Pero en sentido contrario, el director de 77 años y 65 obras cinematográficas, entre películas, cortometrajes y documentales, apenas ha ganado un Óscar. Y aun cuando muchos juran que darían todo para trabajar con él, el cineasta neoyorquino no siempre consigue financiamiento con facilidad, como ocurrió con Silence (2016) y The Irishman (2019). Fue en medio de esa bruma que un mexicano dio un salto de fe: Gastón Pavlovich apostó por Silence y, como premio, Scorsese le dio la oportunidad de ser uno de los productores de su más reciente cinta junto a Robert De Niro. Este sonorense ha trabajado codo a codo con el cineasta, ha bebido whisky con él en Tailandia y cenado a su lado en el Vaticano —tras presentar una película frente al papa Francisco I—, y lo ha visto dirigir a Adam Driver y Al Pacino. Lo mismo sabe cómo se mueve el entorno del director —un mundo de abogados, agentes

y publicistas— que cómo se desenvuelve este hombre apasionado de la conservación y restauración de películas antiguas — a través de su fundación The Film Foundation—, la preservación de la historia del cine y la transmisión del conocimiento a las generaciones jóvenes. Por esos intereses en común, en 2008, Rolex lo invitó a ser parte de su Iniciativa Artística para Mentores y Discípulos, y también se convirtió en testimonial de la casa relojera. Junto con el cinefotógrafo Rodrigo Prieto, Pavlovich es el mexicano más cercano a Scorsese. Por eso, en el mes en que The Irishman compite por 10 Óscar, entre ellos el de mejor película y director, Gastón escribe en las páginas de Life and Style una serie de memorias, enriquecidas con una entrevista al director que hizo en exclusiva para esta edición. Aquí se ofrece un retrato íntimo del último capo del cine, un revolucionario que distribuyó su filme más reciente a través de Netflix, que uso una innovadora tecnología para rejuvenecer a los actores en pantalla y que, sin miedo a su industria, ha dicho que la saga de Avengers de Marvel —cuya última entrega generó 2,797 millones de dólares— es un parque temático: “No es cine de seres humanos que tratan de transmitir experiencias emocionales”. LIFEANDSTYLE.MX

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Texto: Gastón Pavlovich

que todavía no sé cuál será”. Apenas me había comentado que tenía un proyecto sobre la historia de Frank Sinatra, pero no me dijo con exactitud cuál sería. También mencionó The Irishman, cinta que al final hicimos con ayuda de Netflix. Me contó que era un proyecto de su amigo Robert De Niro, quien le estaba pidiendo que lo hicieran juntos. Le agradecí el gesto, pero, francamente, pensé que no sería verdad. Brindamos una vez más y nos despedimos, porque al otro día volvíamos a filmar. En ese momento no podía imaginarme que en el futuro presentaría Silence en el Vaticano junto a Martin y ante el papa Francisco I, y que además reuniríamos las voluntades de Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci para hacer The Irishman, con la que seríamos nominados en 10 categorías en el Óscar. Solo pude agradecer las tantas conversaciones que tuve con Martin Scorsese, y que tendría a partir de entonces. HOMBRES DE FE La fe fue el primer tema que Martin Scorsese y yo tocamos. Antes de hacer Silence, para él era importante saber en qué creía yo, y esas fueron las primera preguntas que me hizo. Se dedicó, durante mucho tiempo, a platicarme sobre sus creencias y su espiritualidad; me lo decía porque él necesitaba que entendiera qué quería, antes de dar el siguiente paso para esa película. Desde ese momento, me quedó clarísimo que es un hombre con una fe fuerte, y me sorprendió lo mucho que teníamos en común en ese aspecto. Sin embargo, nuestra fe no es algo estrictamente espiritual; también se apoya en el cine y nació como un flechazo al alma. Cuando la sensibilidad que cargas coincide con una obra de arte, esta te toca de muchas maneras. A mí me pasó en 1989, como estudiante en Europa, cuando vi Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore: la música, la fotografía, la historia… Y a Scorsese le pasó algo muy similar, pero mu-

1. El único Óscar que ha ganado Martin Scorsese fue a mejor director por la cinta The Departed (2006). 2. De izquierda a derecha, Robert De Niro, Martin Scorsese, Liza Minnelli y Al Pacino (1981). 3. Martin Scorsese en un café de Mulberry Street, en el barrio Little Italy, durante el rodaje de Mean Streets (1973). 4. El cineasta y el actor Tom Cruise en la filmación de The Color of Money (1986). 5. Leonardo DiCaprio es, junto a Robert De Niro, actor de cabecera del director.

Fotos: Getty Images

ilmamos mucho en las complicadas cordilleras de Taiwán en 2014. Entre los tonos verdes de la naturaleza y los vapores del calor tuvimos muchas pláticas, pero una de las más importantes que recuerdo fue en un hotel. Martin Scorsese me invitó a su suite, le llevé un whisky taiwanés que estaba de moda y nos servimos apenas una copa para brindar. Al primer sorbo me expresó su agradecimiento: me había aventado a producir su película Silence en un momento en el que nadie lo apoyaba, cuando ya varios productores habían tirado la toalla. Se trataba de un proyecto muy personal, pero muy complicado y para un público de nicho, lo que asustaba a los productores. Por fortuna, pude ser el mexicano que dio un salto de fe con él. Esa noche, en el hotel de Taiwán, supe que el cine era mucho más que un trabajo para Martin y lo comprobé en nuestro último intercambio de ideas, antes de que terminara 2019, cuando me dijo: “Todavía me atrae lo mismo que al principio: el cine en sí, la emoción de poner dos imágenes juntas en la sala de edición, la aventura de encontrar la película con los actores y el equipo. Y, sobre todo, tener la oportunidad de contar una historia extraordinaria que pueda disfrutarse en la majestuosidad de una sala de cine”. Aquella vez de 2014 hablamos de las grandes historias del cine clásico y me llamó la atención que Martin se enfocó mucho en México. Él había visto todas las películas de la época de oro y podía enumerar nombres y apellidos de actores, actrices, cineastas, directores de fotografía… Era impresionante su nivel de conocimiento y admiración por Emilio “El Indio” Fernández, Gabriel Figueroa y el filme Enamorada (1946), que los dos consideramos la mejor película mexicana. Al final de esa charla, en agradecimiento por haber producido Silence, me dijo: “Te voy a ofrecer mi próximo filme para que también lo produzcas, aunFEBRERO - MARZO 2020

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Tan controversial ha sido Martin Scorsese con cintas como The Last Temptation of Christ, que incluso un grupo de cristianos protestó contra el filme el 13 de agosto de 1988 frente al Teatro Ziegfeld, en Manhattan.

chos años atrás. “La primera película que vi fue Duel in the Sun (1946), una buena forma de comenzar”, me contó en esta entrevista para Life and Style. “El ardiente Technicolor, las masas de jinetes en ambos lados de una brutal guerra entre ranchos, el febril y apasionado duelo físico de amor y muerte entre Gregory Peck y Jennifer Jones, la naturaleza intensa de la acción... Todo eso me causó una profunda impresión, y esa primera visión nunca me ha abandonado”. Fue grato saber que ninguno de los dos nos habíamos propuesto hacer cine y aquí estamos. Tan importantes son estos flechazos que, en ambos casos, el cine nos llevó hacia otro camino. Yo en la función pública y él desde la espiritualidad (porque Martin iba a ser sacerdote), encontramos una avenida en el cine para contar historias, regalar al público una parte de nosotros y dejarle una huella. “Cuando era joven”, me explicó Martin, “seguía los pasos de las personas que más conocía y admiraba: los sacerdotes, el de uno en particular. Muchos jóvenes hacen lo mismo: ‘Quiero ser como tú, así que haré lo que hiciste’. Y descubrí que ese camino era suyo y solo suyo, y que por mucho que me atraía la idea —tal vez la imagen— de ser sacerdote, simplemente no era un camino para mí. Tenía que encontrar mi propio camino, y ese razonamiento fue el que me llevó al cine”. Quizá como muchos, Martin Scorsese tiene una fe que pasa por fuegos, dudas y complicaciones, como la mía. Sin embargo, es un hombre creyente que sí respeta a su iglesia y religión, y las cuida. Lo constaté cuando, como productor, logré que tuviéramos una proyección de Silence en el Vaticano, que fue la primera vez que la presentamos al público y, especialmente, al papa Francisco I. Elegantísimo, con un traje gris hermoso y su brillo de caballero, Martin trató al Santo Padre con mucho respeto. Para él, ese momento fue muy significativo: sentirse abrazado después de muchos años por la Iglesia, con la que llegó a tener algunas complicaciones por la película

Foto: Getty Images

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“Todavía me atrae lo que me atrajo al inicio: el cine en sí, la emoción de poner dos imágenes juntas en la sala de edición, la aventura de encontrar la película con los actores y el equipo”.

The Last Temptation Of Christ (1988). Hubo un par de lágrimas y mucha ternura. Esta experiencia en el Vaticano reafirmó mi compromiso con Martin, a pesar del reto que significa trabajar con él por el mundo que se mueve a su alrededor. Había escuchado historias de muchas índoles, y algunas no muy positivas, de momentos complicados y mucha frustración cuando se trataba de su equipo. Con Martin no viví esos episodios. Desde que me senté con él por primera vez, sentí que estaba frente a un hombre de filosofía, pensamiento y reflexión cuya prioridad absoluta eran las películas. Ese es el trato con él, pero su círculo es increíblemente complicado. Hay todo un universo: managers, agentes, productores que trabajan con Martin de tiempo completo, sus representantes de relaciones públicas y sus abogados en plural. Como productor, ese era mi día a día con ellos, aunque con Scorsese nunca tuve un momento tenso o negativo.

1. Scorsese dirigió el documental Shine a Light sobre los Rolling Stones y su vocalista, Mick Jagger. 2. Gastón Pavlovich y Martin Scorsese presentaron en el Vaticano, y ante el papa Francisco I, la cinta Silence. 3. De izq. a der.: Francis Ford Coppola, Scorsese, Steven Spielberg y George Lucas.

LOS DÍAS EN LOS SETS De Martin admiro su trabajo como creador, cómo realmente se fija en los detalles y cómo fluye su visión. Verlo dirigir, orquestar una obra a través de las actuaciones, las voces y los movimientos, francamente es ser testigo de un artista que pone todo en un lienzo. Ni siquiera pareciera que tiene 77 años. “La cinematografía nunca ha sido un trabajo para mí”, me compartió Scorsese. “Ni siquiera es una cuestión de ‘hacer películas’. Como dije, es mi camino. ¿Sobre el lado físico y extenuante de ser director...? Pues así es. Haces todo lo que sea necesario para filmar la película que necesitas filmar”. No sé por qué, pero tenía la imagen de un Scorsese muy acelerado. Tal vez por lo que había visto en algunas entrevistas. Habla rápido, pero cuando lo he visto trabajar es mucho más pausado, más sereno. Hay muchas razones

que hacen a Scorsese un gran director de orquesta, con mucha finura, no necesita gritar ni presionar a nadie. Leonardo Di Caprio y Robert De Niro, sus actores de cabecera, son un gran ejemplo. Es increíble ver la comunión que tienen y cómo Martin se expresa de ellos. “Los dos son muy valientes. Ambos intentarán cualquier cosa y continuarán hasta que lleguen a un punto en el que descubran un nuevo territorio y encuentren nuevos valores. Aparte de eso, son personas muy diferentes, por eso son actores muy diferentes”, me explicó cuando le pedí que los comparara. En el set, Martin se convierte en un ser muy sereno y sabio, y tiene que ver con el hecho de que, previo a los rodajes, se prepara de manera muy intensa y detallada. Cuando su equipo y los actores llegan a la filmación, todos ya saben qué hacer. Él logra conjuntar todas las variables que existen en un proyecto: los actores, la historia y el guión, la luz, los ángulos, y no lo dice, pero hasta me lo figuro imaginándose la música, de la cual es un total apasionado. Tiene una visión tan completa de las escenas que creo que se imagina no solo cómo se verán, sino cómo estarán musicalizadas. Ya hasta el vocalista de los Rolling Stones lo ha dicho. El mismo Scorsese me lo contó cuando le pregunté sobre la canción “Gimme Shelter”, de esa banda británica: “Cuando estábamos haciendo el documental Shine a Light, Mick Jagger me dijo: ‘Martin, esta es la primera película que has hecho en la que no escuchamos ‘Gimme Shelter’.’ Es una canción deslumbrante que tiene una chispa de peligro. Es sinuosa, atractiva, se retuerce y gira, y luego la chispa estalla en llamas con la voz de Merry Clayton, quien canta a coro con los Rolling Stones. Y es una canción que vive en los mundos con los que estaba lidiando cuando dirigí Goodfellas, Casino y The Departed”. LIFEANDSTYLE.MX

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“Hay que seguir impulsando y defendiendo el buen cine”. “Anteriormente”, le plantee a Martin pensando en este texto, “has compartido que para ti realmente es importante trabajar en tus obsesiones. En este punto de la vida, ¿hay algo que te obsesione o entusiasme tanto como el cine? ¿Podría la música considerarse una obsesión de ese calibre?”. La conversación sale al tema considerando que el director ha hecho documentales sobre los Rolling Stones (Shine a Light, 2008) y Bob Dylan (Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese, 2019). “Me atrajo el cine. Fui llamado a él. La música es una obsesión y siempre lo ha sido. También leer historia. Así es mi espíritu. Pero esas son obsesiones diferentes”.

TODO POR EL CINE Martin Scorsese tiene 77 años y más de 60 películas. Antes de este último contacto con él en 2019, me causaba mucha curiosidad saber qué temas eran los que le interesan con esa trayectoria tan extensa, y apenas tuve oportunidad, se lo pregunté: “Hay ciertos temas a los que sigo volviendo”, me respondió. “Quizás ‘obsesiones’ es una mejor palabra. No creo que sea único en ese sentido. Cualquiera que haga películas o escriba o monte coreografías o haga cualquier forma de arte, se encontrará volviendo a las mismas cuestiones que le obsesionan, se dé cuenta o no”. Durante la promoción de The Irishman, que estrenó en cines y Netflix el año pasado, Martin aseguró a algunos medios que uno de los temas que más le importaba era la humanidad de los personajes. Eso fue algo que también compartió conmigo: “Tal vez haya perdido la necesidad de trabajar en el tipo de registro que exploré con Goodfellas, Casino y The Wolf of Wall

Fotos: Cortesía Fábrica de cine

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Martin Scorsese durante el rodaje de Silence en Taiwán. En la fotografía de la derecha, se ve al cinefotógrafo mexicano Rodrigo Prieto, quien fue nominado al Óscar en su categoría por dicha película.

Street. Sentí que eso llegó a una especie de punto final con The Wolf… Con Silence y con The Irishman, profundizamos en las emociones íntimas entre los personajes y las emociones de los personajes al estar consigo mismos.”. También tocamos el tema de su ciudad natal, en la que convivimos en el último Festival Internacional de Cine de Nueva York. Le pregunté si esta lo sigue inspirando: “La Nueva York donde crecí y comencé a hacer películas, ahora es una ciudad muy diferente en todas las formas posibles. La pregunta es: ¿hay historias que me interesen que vivan en la Nueva York de hoy? Puede ser. Aún no he encontrado ninguna, pero tal vez lo haga”. Mientras escribo, me viene a la mente esa vez en la que presentamos The Irishman en septiembre, justo en ese festival. Martin me citó en un edificio donde suele tener reuniones. Estaba muy contento; de hecho, jamás lo había visto tan alegre. Estaba realizado y satisfecho, me preguntó cómo había visto el último

corte de The Irishman junto con su inseparable editora, Thelma Schoonmaker. Siempre con el cine por delante, salió el polémico asunto sobre si Netflix merecía estar en los Óscar o no… y él se reía. Me di cuenta de que Martin está consciente de que lo que él diga hará eco en todo el mundo y concluí que es de las últimas voces verdaderamente fuertes que siempre defenderán el cine convencional, a la antigua, como aportación artística a la humanidad. Abogará por el cine ético, de personajes con grandes historias. Así se lo dije. Se carcajeó y me respondió: “Sí, ya estoy preparado y hay que seguir impulsando y defendiendo el buen cine”. Al final, estuvimos de acuerdo en disfrutar y celebrar el camino de The Irishman: “Enjoy this journey”, me dijo con una sonrisa. Tal vez, la mejor forma de definir el sentimiento de Scorsese es con una frase que me dijo para esta entrevista: “El cine es mi camino: así es como exploro y trabajo en mis obsesiones”. L&S LIFEANDSTYLE.MX

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Mi momento Scorsese Hay artistas que al contar una historia que los obsesiona tocan a los espectadores de forma única y personal. El director Martin Scorsese lo ha logrado. Por eso, dos cineastas, un crítico y un escritor, cercanos a él o su cine, explican por qué es el último de los clásicos.

Entrevistas: Salvador Cisneros y Natalia Chávez Ilustraciones: Alberto Caudillo

Alfonso Gómez-Rejón Cineasta Descubrir el cine de Martin Scorsese fue como cuando lees un libro y crees que eres la única persona en el mundo que lo entiende, porque sientes que lo escribieron para ti. Así fue cuando vi Mean Streets (1973). Me dejó afectadísimo porque sentí que la historia hablaba de mi relación con mi hermano y, pese a que el universo de la película era el mundo italiano del Nueva York de los años 70, sentía que era mi mundo, aunque yo era un chavo mexicano que vivía en la frontera de Laredo. En teoría no debería haber una conexión, pero la voz de Scorsese era tan fuerte que me sacudió. Fue la primera vez que me di cuenta de que el cine podía ser personal. Cuando supe que quería ser director, quise entrar a NYU porque Scorsese había estudiado ahí, y me aceptaron. Llegar a Nueva York fue especial porque me mudé en agosto de 1990, y un mes más tarde estrenaron Goodfellas. La vi el primer viernes en una sala llena. Esa escena en la que Joe Pesci le preguntaba amenazante a Ray Liotta “Do you think I’m funny?” fue una bendición que me dio el cine. En esa época, un tutor de la universidad me preguntó por qué estaba ahí. Le dije que porque admiraba mucho a Scorsese y lo quería conocer. Me respondió que todos los alumnos que se encontraba en los pasillos tenían el mismo sueño, así que era mejor que me buscara otro. Pero pocos años después veía películas junto a Martin Scorsese. Esto fue posible porque, en mi tercer año en NYU, la segunda asistente de dirección de Scorsese me recomendó como becario para la casa productora de Martin y empecé a trabajar ahí. Al principio me mandaban a la casa de la madre de Scorsese para hacerle los mandados, y luego su equipo me lo fue presentando poco a poco, porque lo último que querían era otro becario-fan que lo interrogara todo el tiempo

y no respetara su espacio. Así que me volví invisible, fui muy calladito y me fui ganando a todos. En cuestión de tiempo, Martin empezó a tenerme confianza, hasta que cada sábado teníamos el ritual de ver películas juntos en la sala de proyección. Es un enorme cinéfilo: descubrí que es muy generoso con todo el cine, porque siempre encuentra algo bueno de cada filme: a veces veíamos B movies, como Reap the Wild Wind (1942), en la que John Wayne lucha contra un pulpo —una cosa muy surreal—, pero él encontraba siempre algo que apreciar. Le tengo mucho respeto y nunca he querido exagerar o tomar ventaja del acceso que tengo a él, incluso en los momentos artísticos más difíciles. Recuerdo que cuando filmé mi primera película, The Town that Dreaded Sundown (2014), tenía una crisis personal, y Thelma Schoonmaker, mi otra mentora y la legendaria editora de Scorsese, me recomendó hablar con Martin. No dije nada, no lo busqué, pero un día después la asistente de Martin me llamó para decirme que esperara su llamada a las diez de la noche. Hablamos y me tranquilizó. Años después, cuando gané en el Festival de Sundance, recibí una llamada suya y me mandó una botella de champaña que aún tengo cerrada. Scorsese es hoy más vital que nunca para el cine porque representa la resistencia, porque sigue siendo una apuesta independiente. Pero también representa la evolución, porque se mueve en caminos no tradicionales: que haya elegido Netflix para distribuir The Irishman es prueba de ello. Es alguien que no deja de tomar riesgos y que ha podido sobrevivir en la industria sin ser convencional. Martin es mi mentor… no sé qué sea yo para él. Alfonso, director mexicoamericano, estrenó en enero The Current War: Director’s Cut (2020). Dirigió Me and Earl and the Dying Girl (2015), que le valió los premios de la Audiencia y del Jurado del Festival de Sundance.

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Celina Murga Cineasta Martin Scorsese no se ha olvidado de lo que es empezar. Es muy consciente de dónde está parado en la historia del cine y, por eso, tiene un enorme interés en construir puentes para las nuevas generaciones. Cuando fue mi mentor en la Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos (2008-2009), él tenía claro con qué podía ayudarme, qué puertas podía abrirme y a quiénes podía presentarme.

Fue un gran maestro. Entiende que la misión es acompañar, no decir por dónde ir o qué hacer. Parece una obviedad, pero no es tan común en las relaciones entre mentor y discípulo. Tiene que ver con ser permeable frente al otro; esto tampoco es fácil. Su manera de establecer el vínculo es compartir, no imponer línea. Descubrí que es muy generoso. Sabe lo que genera en el otro, así que es muy amable en romper el hielo para hacerte sentir cómodo. Para nuestra primera entrevista —en pleno rodaje de Shutter Island (2010), en Boston—, no quise crearme expectativas porque sentía que tan solo

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el momento ya era un tesoro. Apenas abrí la puerta, contó un chiste: desarticula la situación para empezar la charla desde lo humano. Siempre buscaba un vínculo más allá del maestro -discípulo. Más de una vez me dijo: “Aprendo de vos”. Fue la situación ideal para mí: siempre estaba sentada a su lado, frente al monitor, para observar cómo dirigía la película. ¡Qué posición tan privilegiada! Tan solo escucharlo hablar de cine era un lujo. Era alucinante que cada mañana, en el set, comentaba una película nueva. Cuando no conocía a un cineasta, su asistente me daba

una copia del filme que él había visto una noche antes. Así me presentó la obra del director japonés Shohei Imamura. En realidad, me enseñó cine desde antes de conocerlo. Cuando di clases en el último año de la facultad del Centro de Investigación Cinematográfica de Buenos Aires, trabajé mucho con Goodfellas (1990) porque es un ejemplo muy rico para los alumnos. En especial la escena donde Joe Pesci y Ray Liotta están en un bar, pues desde el montaje, la puesta de la cámara y el encuadre, Scorsese expone cómo es la relación de poder entre sus personajes. Durante la tutoría, entre los descansos de su rodaje, Martin se tomaba el tiempo para leer el guión de mi película, La tercera orilla (2014). Me hacía notas, pero siempre apoyando el camino que yo estaba decidiendo; hasta se ofreció a ser el productor ejecutivo. Posteriormente, presentamos juntos mi película en el Festival de Berlín y también en el de Nueva York. A pesar de la distancia y los diez años que han pasado desde su mentoría, sigue abriéndome puertas. Aún acudo a él como inspiración para tal escena o tal personaje. Para mi próxima película, Irene, buscaba una referencia de Roberto Rossellini —de los italianos es el que más nos une— y sin querer llegué a My Voyage to Italy (1999), documental donde Scorsese hace un análisis magistral de Europa ‘51 (1952). Una vez más él fue mi guía y le escribí para contarle. Es un generador de conciencia, tiene claro qué quiere y lo que tiene que hacer para crearla. Habla desde el conocimiento y el compromiso. Tiene una fundación de restauración de películas (The Film Foundation) y nos presenta artículos como el de The New York Times, en donde expone por qué no considera cine las películas de superhéroes. Es alguien que no necesitaría circular por estos lugares, pero decide hacerlo porque constantemente cuestiona su aporte al séptimo arte. Es preocupante la transformación del cine y, en ese sentido, la presencia de Martin es como un faro para los cineastas y la audiencia. Tiene mucho para dar y lo sigue dando. Eso es hermoso. Celina es originaria de Paraná, Argentina. Debutó con Interior-Noche (1999). Recibió mención especial en el premio Cult Network Italia en el Festival de Venecia, por Ana y los otros (2003). Actualmente, dirige Irene, protagonizado por Emma Suárez.

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Leonardo García Tsao Crítico de cine Tuve el privilegio de ver el estreno de Raging Bull (1980) en el Festival de Berlín. Me deslumbró y pensé: “No hay nadie mejor que Scorsese”. Incluso lo escribí: afirmé que Scorsese era el mejor del Nuevo Hollywood. Algunos colegas me cuestionaron, decían que era Francis Ford Coppola y otros que Brian De Palma. Pero el tiempo me dio la razón, porque Scorsese es el único que se ha sostenido haciendo películas importantes y definitivas. Si aún es vigente es porque nunca se doblegó a la industria. Nunca ha hecho una película que no esté de acuerdo con sus interés personales. Incluso cuando dirigió el remake de Cape Fear (1991) —cuando parecía que estaba doblando las manitas ante la industria— no perdió su estilo, su toque personal, porque la hizo al margen del filme original del cual se derivó, imponiéndole su sello. Tras el estreno de Raging Bull en el Festival de Berlín, descubrí que Scorsese es tan cinéfilo como cineasta, porque dio una conferencia de prensa, pero no sobre su película, sino sobre la importancia de la preservación del cine, específicamente de su preocupación por el desvanecimiento del color en el celuloide. Tras dos horas, él seguía tan emocionado que nos dijo que a los que les interesara el tema lo acompañáramos al hotel para seguir hablando. Nos fuimos a su suite unos pocos y nos sentamos a escucharlo hablar de la preservación del cine, un tema que hasta hoy le apasiona. En ese entonces, yo trabaja de programador en la Cineteca Nacional y ya había hecho un ciclo de sus películas, así que le mostré el folleto y se puso muy contento porque no imaginaba que ya le dedicaran un programa completo en México a sus filmes. La verdad es un tipo encantador, muy accesible. En persona, es como su cine: hiperactivo, habla muy rápido. En esa ocasión, le pedí una entrevista pero me dijo que estaba muy ocupado, siempre superamable, como él es. Me suplicaba que entendiera por qué no podía dármela y me daba explicaciones innecesarias. Scorsese es el último de los clásicos. Taxi Driver (1976) es increíblemente avasalladora. Me conmovió tanto que hasta el día de hoy, cada vez que me piden mi top ten, ese filme siempre está ahí. Es un estudio definitivo de la soledad humana, y captura lo que cualquiera ha padecido al sentirse alienado por vivir en una gran ciudad.

Es una película absolutamente verosímil y muy poderosa en cuanto a su forma de expresarse. Además, no envejece y hasta resulta mucho más relevante en la actualidad: Joker es un doble plagio-homenaje de Scorsese, es la fusión de The King of Comedy (1982) y Taxi Driver. A Scorsese lo volví a ver una vez más, años después. Cuando él era el presidente del Festival de Cannes, nos cruzamos en el hotel y me dijo “Hello”. Yo creí que se lo decía a otra persona, pero no había nadie. Estaba solo yo y le devolví el saludo. Luego Kent Jones, su asistente personal, me dijo: “Martin tiene memoria casi fotográfica, seguramente se acordó de ti”. Scorsese es el último de los clásicos y representa la salvación del cine. Hay que apegarse a él, junto a los pocos que están haciendo cine de autor, para que sigamos manteniendo la fe en esta expresión artística. Nacido en la Ciudad de México, Leonardo es crítico de cine. Tiene más de tres décadas de trayectoria y escribe una columna semanal en La Jornada. Fue director de la Cineteca Nacional de 2006 a 2010. Su libro El ojo y la navaja compila decenas de críticas de los filmes que más lo han marcado.

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Antonio Ortuño Escritor Como narrador, es esencial aprender a manejar el tiempo: la velocidad para contar historias, los saltos de lo rápido a lo lento, y de lo íntimo a lo público. En eso, Scorsese es un maestro absoluto. Una película como The Irishman (2019), donde tres horas y media se pasan volando, es un prodigio. Sus filmes casi siempre tienen ese ritmo semilento, que para quienes buscan ver películas de superhéroes debe resultar desesperante, pero es una delicia. Todo va creciendo y como espectador siempre se agradece. Es uno de los poetas de la violencia urbana en el cine. Sin embargo, Scorsese tiene tantas capas que sería equivocado reducirlo a un cine violento. La cuestión es que ha encarnado tan bien este tema, que resulta muy atractivo achacárselo. En su condición de italoamericano, asumió la posibilidad de contar las historias de sus compatriotas. El efecto cultural de la mafia en Estados Unidos es incalculable, y Martin Scorsese —junto a Francis Ford Coppola con la trilogía de El padrino— encarna la preocupación de los italoamericanos por ser ellos quienes relaten esas historias. De ninguna manera hace una apología; hay que estar completamente loco para ver una película de Scorsese o de Coppola y decir: “Quiero ser un gánster”. Martin no idealiza la masculinidad; la presenta en toda su crudeza. Los hombres tienden a ser como animales hambrientos que destruyen lo que sea, aun a costa de quedarse sin nada. Tal vez esto es lo más terrible del papel de Robert de Niro en The Irishman: Frank Sheeran, quien queriendo cumplir lo que considera es su deber y sus valores supremos, acaba con su propia familia. No le queda nada más que una lealtad enloquecida. Quien mediante el cine pretenda entender temas como la masculinidad, es fundamental que revise a un cineasta como Scorsese. Como hombre, en sus películas encuentras reflejado mucho de lo peor que eres, tanto en los personajes como en las situaciones límite a las que se enfrentan. Mi primer acercamiento a él fue con el personaje de Travis Bickle en Taxi Driver (1976). Me parece un antihéroe de la adolescencia, de

la incomunicación, la frustración; alguien que al parecer está enojado con todo. Es una especie de monstruo y, desde luego, esta mezcla de destrucción con autodestrucción resulta muy atractiva. Taxi Driver ha sido tan imitada por varias generaciones de cineastas, que parte de la enorme capacidad que tenía para sorprender a sus primeros espectadores, hoy podría parecer abollada. Pero lo cierto es que en su época, poseía una estética y una postura narrativa muy retadoras. También eran tiempos en los que uno debía contentarse con la opciones que tuviera Blockbuster o, peor aún, el Videocentro local. Encontrar las películas previas de Scorsese era una búsqueda del Santo Grial, como Mean Streets (1973), que vi mucho después de su estreno, gracias a una copia que me grabaron, pero no tenía subtítulos y por tener tal cantidad de slang, por más inglés que sepas no es sencillo captar. Entonces, tardé un montón en entrarle a esa primera época de Scorsese. Tras esa etapa, hizo películas menos reverenciadas por la crítica que me parecen muy especiales. Como The Departed (2006) o incluso The Wolf of Wall Street (2014), una comedia sensacional y con un ritmo como el de After Hours (1985), que creo que es una rareza de su filmografía. Demuestra que posee esa veta cómica sin ser superficial porque es un gran crítico social, y puede lograr un tono mucho más ligero. Scorsese siempre ha ido por su propio camino, ha pactado lo menos posible, y nunca se ha plegado a los temas de moda. Él se sabe un baluarte del cine, entendido como arte, previo a la megaindustrialización. Y sí, esto siempre fue una industria, pero hubo agujeros donde los artistas pudieron colarse. Así es que uno de verdad se pregunta, ¿qué más le queda a Martin Scorsese por regalarnos? Antonio es escritor y periodista. Nació en Guadalajara, Jalisco, y es autor de Olinka, La vaga ambición, Méjico, La fila india, Ánima y Recursos humanos. Con esta última fue finalista del Premio Herralde de Novela en 2007. El caníbal ilustrado es su libro más reciente. También es columnista de El País.

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Interpretar el mundo con luz El mexicano Rodrigo Prieto ilumina la visión de los mejores directores. Ahora el resplandor está sobre este cinefotógrafo, porque su trabajo en The Irishman podría darle el Óscar.

Texto: Enrique Navarro

Fotos: Shutterstock

Rodrigo Prieto nació hace 54 años en la Ciudad de México. Ha ganado cuatro premios Ariel en la categoría de cinematografía, por Sobrenatural (1996), Un embrujo (1998), Amores perros (2000) y Biutiful (2010).

e tanto mirar el mundo a través de una lente, Rodrigo Prieto ha logrado entenderlo. El cinefotógrafo ha trabajado en países de Asia, Europa y África con la naturalidad que lo haría en su natal México y ha llegado a una conclusión: todos somos parte de una misma cosa. El tres veces nominado al Óscar ha retratado múltiples culturas y apoyado la visión de directores tan distintos como sus nacionalidades: Pedro Almodóvar (España), Ang Lee (Taiwán), Francis Lawrence (Austria) u Oliver Stone (Estados Unidos). Con esta experiencia junto a los mejores cineastas de su generación, Rodrigo confiesa que descubrió que, en el fondo, todos somos parecidos porque tenemos “los mismos rollos en el corazón, las mismas inseguridades y deseos”. A cada una de las más de 60 películas que ha fotografiado le ha añadido un toque personal, algo tan suyo como sus recuerdos y sentimientos. Rodrigo Prieto apunta la lente hacia sí mismo, hacia el origen de su amor por la cámara –combinación de la devoción de su madre por la pintura y de su padre por la ingeniería aeronáutica– para pintar cuadros de luz. Ha explorado la avaricia junto con Martin Scorsese (The Wolf of Wall Street); enmarcó la vida y obra de la pintora mexicana más reconocida con Julie Taymor (Frida), y ahondó en los límites humanos con Alejandro González Iñárritu (Amores perros). “Me emocionan muchas cosas, como trabajar en películas donde se explora a personajes ‘imperfectos’ que tienen inquietudes y quizá

dolores que quiero explorar dentro de mí”, explica en entrevista con Life and Style. Pero aun cuando el mexicano tiene el prestigio medido con cuatro premios Ariel, las nominaciones al Óscar a Mejor fotografía por Brokeback Mountain (2005), Silence (2016) y ahora por The Irishman (2019) –además de ser jurado del 76o Festival Internacional de Cine de Venecia–, para él lo primero es el arte. Por eso, este hombre de habla tan sosegada como su actitud y filosofía, puede posponer su debut como director de largometrajes hasta que una historia en verdad le mueva el alma. Hasta que algo lo ilumine. ¿A qué crees que se deba tu entendimiento de cineastas de culturas tan diversas? Me ha tocado trabajar no solo con directores de culturas y orígenes distintos, sino también en muchos países. He colaborado con gente y equipos de lugares como Japón, Taiwán, Europa, África, en fin… Creo que esto me ha llevado a ver que, pese a que hay diferencias culturales y de temperamentos, en el fondo, si escuchas desde el corazón a las personas de las que te rodeas, vas a ver que te identificas en muchas cosas. Ese es un aprendizaje que he llevado a mi trabajo con distintos directores: escucho lo que tienen en la mente y el alma, LIFEANDSTYLE.MX

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1. Babel Para realizar la fotografía en esta cinta de Alejandro G. Iñárritu, viajó a Marruecos, Japón, México y Estados Unidos. Su trabajo fue nominado al premio BAFTA.

2. 25th Hour Este filme afianzó su trayectoria en Estados Unidos. Bajo la dirección de Spike Lee, el mexicano trabajó con Edward Norton, Philip Seymour Hoffman y Rosario Dawson.

3. Los abrazos rotos El español Pedro Almodóvar lo eligió para dirigir la fotografía de este filme que, en 2006, fue nominado al Globo de Oro a mejor película extranjera.

4. The Irishman Se estrenó a finales de noviembre en cines selectos y Netflix. Se trata de la tercera cinta que Prieto filma con Martin Scoresese, tras The Wolf of Wall Street y Silence.

5. Brokeback Mountain Este drama de Ang Lee por el que ganó el Óscar como director representó la primera nominación de Prieto al Óscar; después fue nominado por Silence.

6. Amores perros Por la estética urbana que empleó en la ópera prima de González Iñárritu, posteriormente se le contempló para filmes de Hollywood como 8 Mile y 25th Hour.

Fotos: AFP y Shutterstock

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y trato de plasmar eso en pantalla. También tengo mis propios rollos que retrato de forma más abstracta a través de la luz, la composición, el movimiento, la textura. ¿Cuáles son esos temas que te inquietan y te llevan a expresarte como artista? Lo que intento es plasmar las emociones que tiene el director o la directora. Busco dentro de mi corazón y las experiencias del pasado que me hacen ver esas emociones y las imágenes que me vienen a la cabeza. Pueden ser recuerdos de cómo me sentía en ciertas situaciones o mi relación con el arte, la fotografía y el cine. Recuerdos emocionales y visuales de cosas que he vivido, así que creo que es algo inconsciente. No lo hago con un concepto muy claro, pero salen esas cosas. A través de las emociones llego a una escena muy particular de una película. Supongo que estas emociones y esta introspección vienen del banco vivencial, ¿cuáles son tus bases, qué cosas te mueven? Ahí es donde influye la cultura, cómo crecimos cada uno de nosotros y lo que hemos vivido. Ese es tu bagaje y, dentro de eso, hay una serie de imágenes que vienen

a la mente. Leer un libro, ver una película y la exploración del arte es un poco lo mismo: el descubrimiento, a través de las historias de otros, de tu propio espíritu, tu propia vida. Quizá sean cosas que no has experimentado, pero tal vez las quieres ver y sentir para saber qué es estar en los zapatos de otro ser humano. En el caso de The Irishman, por ejemplo, es una persona que se dedica, en gran medida, a asesinar gente; no lo apruebo moralmente, pero esa experiencia, esa culpa que siente por sus actos, es algo con lo que todos, de alguna forma, podemos identificarnos sin ser asesinos ni tener esas tendencias. La exploración que hizo Scorsese sobre este personaje, su trayectoria y larga vida, y cómo la recuerda al final de sus días, me conmueve mucho. ¿Cómo creciste y cómo fue tu juventud en torno al arte? Crecí en un ambiente bicultural. Mi mamá era estadounidense, nació en el estado de Montana, en una ciudad muy chiquita llamaLIFEANDSTYLE.MX

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“Dirigir una película requiere tanto esfuerzo y tiempo que, cuando yo dirija una, quiero que sea algo que realmente me mueva el alma y el espíritu hasta el fondo”. da Deer Lodge, y mi papá, mexicano; se conocieron en Nueva York. Fui el hijo menor. Mi mamá era pintora amateur, nunca lo hizo profesionalmente, pero le gustaba al igual que el diseño gráfico, que de hecho fue lo que estudió. Mi papá, por otro lado, fue ingeniero aeronáutico. Quizá soy la combinación de las dos cosas, el interés por la expresión artística y visual, y el que tiene que ver con cuestiones técnicas. Mi papá también era aficionado a la fotografía fija y tenía cámaras Super 8. A raíz de tomar prestada la cámara de ocho milímetros, mi hermano y yo empezamos a hacer películas de monstruos y ciencia ficción a través de la animación, cuadro por cuadro. Hacíamos muñecos y monstruos de plastilina y los fotografiábamos en stop motion. A partir de ese momento, quedé totalmente atrapado. Fue realmente a través de hacer películas que me enamoré del cine; no fue como otras personas, que entraron al cine porque eran cinéfilos, sino al descubrir la emoción de contar historias. También venía de la admiración por Ray Harryhausen (creador de efectos visuales), quien trabajó en Jason and the Argonauts (1963) y Clash of the Titans (1981). ¿Cómo decidiste que el cine sería el camino? Alguien me dijo que era posible estudiarlo, que había una carrera de cine, y pensé que era una oportunidad para seguir haciendo mis peliculitas. Más o menos en la misma época empecé a trabajar con Nadine Markova, una fotógrafa de moda, producto, arquitectura... todo. Ella fue mi mentora y empecé a aprender conceptos de composición e iluminación. Lo básico. Ya en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), me fui por la fotografía debido a esa experiencia con Nadine, y me di cuenta de que, para mí, el oficio en el cine más divertido era la fotografía porque todo el tiempo estaba ocupado, moviendo la cámara, iluminando. En cambio, como director a veces tenías que esperar al fotógrafo. ¿Dirías que le debes a Amores perros, la película de Alejandro González Iñárritu,

tu proyección internacional, es la película que te llevó luego a dirigir Original Sin, Frida, 8 Mile...? Incluso fue un poco antes, con la película Sobrenatural (1996), que hice con Daniel Gruener, cuando empecé a llamar la atención a nivel internacional. Después vino Un embrujo (1998), de Carlos Carrera, por la que salió un artículo en la revista Variety que se llamaba “10 to Watch”, sobre los cinefotógrafos a seguir en la industria. Por Sobrenatural fue que conseguí un agente de representación en Estados Unidos. Ya había considerado probar suerte en el extranjero cuando salió ese artículo y fue en esa época que Alejandro me habló de Amores perros (2000). Decidí hacer la película y luego mudarme a Los Ángeles con mi familia. Hice Amores perros y, sí, fue la catapulta y me contrataron para 8 Mile y 25th Hour (ambas de 2003). A fin de cuentas, eres un migrante, ¿cómo fue en su momento la experiencia de dejar México? Tuve que soltar nuestras raíces para buscar otros horizontes. Fue duro, en cuanto a la familia es complicado dejar a tus padres, suegros, hermanos, primos, e ir a un lugar donde solo conoces a algunas personas. Es difícil dejar un lugar donde está tu rollo y tu cultura. En especial el primer año, pues al principio tenía que viajar mucho a México para hacer comerciales, porque en Estados Unidos no me conocían mucho. No fue fácil, pero la comunidad de cinefotógrafos en ambos países es muy solidaria. Entré a la American Society of Cinematographers, donde me dieron una bienvenida calurosa, y también estoy en el sindicato en México. Así que tengo un pie en cada lado. Te convertiste en fotógrafo de cabecera de Julie Taymor, Martin Scorsese y Alejandro González Iñárritu. ¿Qué ven en ti que les gusta tanto? Justamente terminé una película con Julie Taymor, The Glorias, pronto estaré haciendo la corrección de color y saldrá este año. Pero la verdad es que no tengo idea de qué ven ellos en mí. Lo que sí trato de hacer es escuchar atentamente a cada director, meterme en su mundo, en su mente y en su perspectiva, y hacerlos míos. Disfruto de eso porque me hace crecer como persona: esta cosa de convertirnos en monolíticos, tener un punto de vista sobre la vida y asumirnos solo en eso, no me gusta. Prefiero ser flexible, aprender de la vida todos los días y cambiar de punto de vista, de opinión y ver las cosas desde diferentes ángulos.

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Fotos: Cortesía NETFLIX

Hablando sobre romper con lo monolítico, estás por dirigir tu primer largometraje, Bastards. Ya no voy a dirigir Bastards. Dejé ese proyecto y no sé cómo cambiar esa información en internet. Me di cuenta de que darle seguimiento requería mucha energía de mi parte. Fue hace tanto tiempo que empecé con esa película que ya no soy la misma persona. Ya no siento que sea algo que necesite expresar a través de esa historia y guión. Preferí dejarlo y concentrarme en los proyectos que estoy fotografiando y otros que quizá podría dirigir.

Como parte del proceso de rejuvenecimiento digital de los protagonistas de The Irishman, Prieto empleó una cámara que bautizó el ‘Monstruo de tres ojos’, debido que tenía tres lentes para capturar las expresiones faciales de los actores en varios ángulos.

¿Entonces no descartas la dirección? No, no la descarto. Me gusta y he disfrutado los cortometrajes que he dirigido. Me gusta mucho trabajar con actores y expandirme en la creatividad al escribir, con el vestuario y una serie de decisiones adicionales que también disfruto. Sin embargo, mi intención no es convertirme en director y dejar la fotografía, porque me encantan la cámara y la iluminación. Pero hace falta sabiduría, entereza y hasta un desprendimiento del ego para decir “ya no voy a dirigir este proyecto”… Sí, y no es fácil, porque además tienes un compromiso con mucha gente. De pronto no sabes si el proyecto se levanta, si va a ocurrir. Dirigir una película requiere de tanto esfuerzo y tiempo que cuando yo dirija un largometraje, sí quiero que sea algo que realmente me mueva el alma y el espíritu hasta el fondo. Así me pasaba con

Bastards, pero ya no. Entonces me di cuenta de que no tenía sentido nada más hacerla por dirigir una película. Ese no es mi objetivo y prefiero, para el caso, seguir fotografiando. Siempre has dicho que no trabajas por los premios, pero para el público, la temporada de reconocimientos siempre es como un Mundial. Incluso, México ha ganado más en los Óscar que en cualquier torneo de futbol. Ya hay quienes te ven con un Óscar por The Irishman. Ahí está la clave justamente. En el futbol hay goles y cosas tangibles por las que puedes decir: “México metió dos goles y el otro equipo ninguno”. Pero en el arte no hay algo que determine que uno gane o pierda. Pienso en los fotógrafos a los que admiro y que ni siquiera sé si han ganado un premio o no, y que solo los recuerdo por su trabajo. Por otro lado, estas competencias sí emocionan a la gente. Es decir, tampoco es que a los trabajadores del cine no nos interesen, ni nada por el estilo. Sí es emocionante y si llegan las nominaciones y los premios, uno lo agradece. Pero hay que tener en perspectiva que no es algo real, sino una cuestión de gusto. Si me dan un premio, pues muchas gracias, lo disfrutaré muchísimo, iré a la fiesta y lo pondré en mi librero. L&S LIFEANDSTYLE.MX

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El museo de los sueños Nu n ca es tard e y, p or fi n, e l ci ne te ndr á un santuar i o de di cad o a s u h is to ria, en Lo s Ánge l e s. Así fue l a e xpe r i e nci a de conocer el M u s eo d e la Acad emi a y l os te soros que te ndr á e n su i nte ri or.

Texto: Manuel Martínez Torres

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Foto: Cortesía Academy Museum Foundation

omos cinco periodistas curtidos que llegamos a Los Ángeles desde Hong Kong, Francia, Inglaterra, Nueva York y México, con los ojos y el corazón escépticos, como nos enseñaron que debe ser nuestra profesión. Pero este mediodía soleado de octubre, protegidos con un casco de seguridad que tiene estampada la figura del Óscar, nos dejamos invadir por emociones que empezaron a gestarse en nuestra niñez y tienen un origen común. Como un big bang íntimo, brotan de esa fuente inagotable de nostalgia y recuerdos que es el cine. Nuestro grupo recorre las obras del Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, que abrirá en 2020, gracias a una invitación de Rolex. La firma suiza es uno de los benefactores fundadores del proyecto y tendrá una galería con su nombre, donde se explorará su estrecha relación con el séptimo arte, que incluye ser patrocinador del Óscar y Reloj Ex-

clusivo de la Academia; la Iniciativa Artística para Mentores y Discípulos, y un marcado interés por contribuir a la preservación de la historia del cine. Rolex también nos lleva a la 11ª entrega de los Governors Awards y nos abre las puertas de la Biblioteca Margaret Herrick y el Archivo Cinematográfico de la Academia, donde vemos objetos, documentos, cartas y fotografías de la inmensa colección del museo. Finalmente, coordina un encuentro con el director mexicano Alejandro González Iñárritu, quien es uno de sus testimoniales. Ahora podrán entender mejor las razones de nuestra sobredosis emocional. El Museo de la Academia es un escenario de película. Diseñado por Renzo Piano, uno de los arquitectos más importantes del mundo, está en la zona de Miracle Mile, junto al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA). Las galerías se encuentran en el renovado y expandido May Company Building de 1939, un edificio de seis pisos que era una tienda departamental y al que rebautizaron como Saban Building, debido a la generosa contribución de esa familia. Tiene 23,225 metros cuadrados, de los que más de 4,650 serán para las exposiciones. LIFEANDSTYLE.MX

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Nos acompañan Brendan Connell, director ejecutivo del museo; Doris Berger, directora interina de asuntos curatoriales, y Raul Guzman, curador asistente. Ingresamos al amplio vestíbulo y Connell nos indica qué habrá en cada espacio: una tienda con librería, un restaurante, la galería de la familia de Steven Spielberg, un reloj de pared Rolex… “En esta etapa, Renzo está muy concentrado en asegurarse de que estas grandes áreas públicas se aprovechen de forma adecuada”, afirma. “Hemos hecho un gran trabajo de reconstrucción; el edificio se ve muy fiel a lo que era”. Prueba de ello es que para reparar el emblemático cilindro gigante de la fachada, usaron hoja de oro de Orsini, el fabricante de Venecia que proveyó el material hace 80 años. Bajamos al Teatro Ted Mann, una sala con 288 asientos para proyecciones que irán de matinés a programas de cine internacional o presentaciones de filmes antiguos que se consideraban perdidos, pero que la Academia ha

preservado y restaurado. Al lado está el Shirley Temple Education Studio, parte de un donativo de más de cinco millones de dólares hecho por la familia de la niña actriz que ganó el Óscar en 1935. Aquí habrá talleres infantiles sobre la historia del cine, técnicas de filmación y otros temas, y una iniciativa para adolescentes. La campaña de recaudación de capital para el museo arrancó en 2012, liderada por tres pesos pesados: Bob Iger, presidente y CEO de The Walt Disney Company, la actriz Annette Bening y el actor Tom Hanks. La meta es de 388 millones de dólares para la construcción, que empezó en 2015, las exposiciones y los programas. En octubre de 2017 ya habían reunido 300 millones, aportados por más de 1,300 personas de varios países. Por cierto, los menores de 18 años no pagarán entrada gracias a otro donativo, en este caso de George Lucas. Ahora vamos al cuarto piso, donde estarán las exposiciones temporales. El museo ya confirmó las dos para la apertura. Una será la primera retrospectiva en Estados Unidos de Hayao Miyazaki, el director japonés de joyas animadas como Mi vecino Totoro (1988), La princesa Mononoke (1997) y El viaje de Chihiro (2001), ganadora

El Archivo Cinematográfico de la Academia está en el Pickford Center for Motion Picture Study, en Hollywood. Tiene más de 190,000 filmes y videos de todo el mundo y de todos los géneros. En sus bodegas se almacenan cientos de latas de películas, protegidas por muros de concreto de 30 centímetros de grosor y un avanzado sistema contra incendios.

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Fotos: ©Rolex/Bart Michiels

La Biblioteca Margaret Herrick, también conocida como el Fairbanks Center for Motion Picture Study, tiene un acervo impresionante, que se empezó a conformar desde 1928, un año después de la fundación de la Academia. Hoy resguarda 12.5 millones de fotografías, 38,000 libros, 45,000 audios, 63,000 pósters y 85,000 guiones, entre otros objetos.

del Óscar en 2003. “Es una exposición muy emocionante, porque marca la pauta de lo que queremos lograr: exposiciones lúdicas e inmersivas, pero con materiales excepcionales”, asegura Raul Guzman. “Además, es una señal de que no somos un museo de Hollywood, sino que estamos interesados en el cine mundial”. La otra muestra, Regeneration: Black Cinema 1900-1970, trata del peso de los directores afroamericanos en el desarrollo del cine estadounidense. “Habla sobre unos 600 cineastas, su entorno y su contexto cultural; son historias de inclusión y de exclusión”, dice Doris Berger. Para el museo, explica, es esencial crear exposiciones propias para establecer su marca. Después colaborarán con otras instituciones, como la Cinemateca Francesa, la Cineteca de México o el Istituto Luce-Cinecittà de Italia, otro benefactor fundador que apoyará una serie anual de películas italianas. El acuerdo empieza este año, con una retrospectiva de Federico Fellini en el centenario de su nacimiento.

PARA EL FUTURO Desde el mezanine, al que se llega por unas escaleras cubiertas con una alfombra roja –un guiño a uno de los fetiches más famosos del cine–, atravesamos un puente hacia el otro edificio del museo: una estructura esférica de 4,180 metros cuadrados que alberga el Teatro David Geffen, quien es el cofundador de los estudios Dreamworks. Esta sala con 1,000 asientos servirá para funciones especiales, conferencias, estrenos y otros eventos. Aún hay otra sorpresa. En el techo de la esfera está la Terraza Familiar Dolby, cubierta con un impresionante domo de cristal. Hay una sección abierta con vistas al área de Hollywood Hills. Pequeñito, a la derecha aparece el letrero de Hollywood que, confieso, nunca había visto “en persona”. Berger me dice que el diseño de Piano se inspiró en un zepelín, pues cerca de aquí había un campo de aterrizaje de esos dirigibles. También leí que el edificio, que parece flotar gracias a un sistema de pilotes, representa una burbuja de jabón. Parado debajo de sus varias toneladas de concreto y acero, pienso automáticamente en la Estrella de la muerte de La guerra de las galaxias y en la nave Discovery 1 de 2001: Una odisea del espacio. Algo maraviLIFEANDSTYLE.MX

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lloso de esta creación es que cada visitante puede adaptarla a sus memorias cinematográficas más queridas. ¿Pero qué ha dicho el arquitecto italiano sobre sus intenciones? “El Museo de la Academia nos da la oportunidad de honrar el pasado, mientras creamos una obra para el futuro, de hecho, para muchos futuros posibles. El Edificio Saban es un ejemplo maravilloso del estilo streamline moderne y preserva la forma en que la gente se imaginaba el futuro en 1939. La estructura nueva, el Edificio Esfera, parece despegar en ese viaje perpetuo e imaginario que es la cinematografía. Al conectarlos, creamos algo que es como una película. Vas de secuencia en secuencia, de las galerías a la sala de cine y la terraza, y todo se funde en una sola experiencia”. “La estética industrial de los edificios busca expresar la naturaleza del cine como una fábrica”, asegura Berger. Las exposiciones del segundo y el tercer piso ahondarán en esa idea y mostrarán los procesos creativos y colaborativos detrás de la filmación de las películas. Lo harán a través del acervo que la Academia empezó a conformar en 1929 y que la convierten en el coleccionista global más prominente de la historia de la imagen en movimiento. DESDE EL PASADO Estas son apenas algunas de las cosas que veo en nuestra visita a la Biblioteca Margaret Herrick, también conocida como el Fairbanks Center for Motion Picture Study, en homenaje al actor Douglas Fairbanks, quien fue el primer presidente de la Academia, en 1927: • Uno de los únicos guiones que quedan de Citizen Kane (1941), de Orson Welles, en cuyas páginas anotaron las fechas de filmación de cada escena. • Una carta de Frank Sinatra, fechada el 20 de abril de 1954, para George Cukor, donde le dice: “Vi esa cosa gloriosa llamada A Star Is Born, y tú eres el director más ca-

brón que ha habido, hay y habrá. No te atrevas a morirte nunca, te necesitamos”. • Un diagrama hecho a mano con cada una de las 69 tomas y ángulos de cámara de la secuencia del campo de maíz de North by Northwest (1959), de Alfred Hitchcock. • Una tarjeta de presentación de Martin Scorsese, otro testimonial de Rolex, que dice, simplemente, “Director de Raging Bull”. • Una carta de 1967 en la que William C. Jersey le dice a Charles Guggenheim que, aunque Scorsese puede tener mucho talento para los filmes dramáticos, “su experiencia en documentales parece limitada y no especularé sobre su habilidad en este ámbito”. • Algunas tarjetas de la directora de casting Marion Dougherty, con sus apuntes sobre actores desconocidos a los que les hacía pruebas: Robert De Niro, Meryl Streep, George Clooney y Matthew McConaughey. • Las polaroids de las audiciones de unos jovencísimos Salma Hayek, Colin Firth, Christian Bale y Nicole Kidman. Debe ser 20% de lo que Matt Stevenson, el director de la biblioteca, pone sobre una mesa del área de consulta para que nos deleitemos. A la vez, representa una parte minúscula del tesoro que cuidan sus poco más de 70 empleados, lo que lo convierte en el edificio de la Academia con más personal. No exagero. Según datos de la biblioteca, en su interior hay unos 12.5 millones de fotografías; 38,000 libros; 45,000 audios; 63,000 pósters; 85,000 guiones; 33,000 ejemplares de 4,300 publicaciones periódicas, y 133,000 pie-

En esta página, desde la izquierda: chamarra usada por Jack Nicholson como Jack Torrance en The Shining (1980); una página del guión de To Kill a Mockinbird (1962), con anotaciones de Gregory Peck; el vestuario de Jeff Bridges como The Dude en The Big Lebowski (1998). Página opuesta, desde arriba: un zoótropo antiguo; una placa de 1887 realizada por Eadweard Muybridge para su serie “Animal Locomotion: an electro-photographic investigation of consecutive phases of animal movements”; la máquina de escribir en la que Joseph Stefano redactó el guión de Psycho (1960), la película de Alfred Hitchcock.

Fotos: JW Pictures/©Academy Museum Foundation/©A.M.P.A.S

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“En general, nos enfocaremos en el pasado, presente y futuro del cine. Preservar la historia es la razón de ser del

Fotos: ©Rolex/Matthew Brookes

Museo de la Academia y del arte cinematográfico”.

Rolex es uno de los benefactores fundadores del Museo de la Academia y tendrá una galería en el interior. La firma suiza tiene una estrecha relación con el cine, que incluye ser patrocinador del Óscar y Reloj Exclusivo de la Academia. Sus testimoniales cinematográficos son los directores Alejandro González Iñárritu (arriba), Kathryn Bigelow y James Cameron, además de Martin Scorsese, quien aparece en la portada de esta edición.

zas de producción de arte, entre otros objetos. Buena parte proviene de las más de 1,600 colecciones donadas por miembros de la Academia, que contienen archivos de producción, guiones, correspondencia, contratos, manuscritos y otros documentos de leyendas como Hitchcock, Cary Grant, Katharine Hepburn y John Huston, por mencionar unos cuantos. En cuanto al acervo fotográfico, la variedad es extraordinaria: fotos fijas de escenas de películas y de detrás de cámaras; imágenes publicitarias y personales de actores y actrices, eventos, estudios, teatros, equipo, casas y lugares emblemáticos de Hollywood. Las colecciones más importantes son las de Cecil B. DeMille, Metro-Goldwyn-Mayer y Satyajit Ray. El departamento de artes gráficas reúne pósters de cintas de todo el mundo, con colecciones como la de Edward Mapp (cine afroamericano), Stephen Chin (filmes de kung-fu) y Richard Koszarski (pósters polacos). Además, se encarga de los bocetos de vestuario, storyboards, arte para títulos y celdas de animación procedentes de los papeles de trabajo de diseñadores como Leo K. Kuter, Theadora Van Runkle y William Tuttle; de coleccionistas como Leonard Stanley, y de organizaciones como el Art Directors Guild y el Costume Designers Guild. A nuestro paso, dejamos una estela de exclamaciones de admiración. Casi en cada pared hay fotos dignas de un “¡wow!”. De pronto, Matt nos enseña una peluca que usó Bert Lahr en su papel del León Cobarde en The Wizard of Oz (1939) o los registros de nómina de MGM en 1929, donde vemos que Greta Garbo ganaba 400 dólares semanales y una tal Lucille Fay Le Sueur (Joan Crawford), 250 dólares. “El Museo de la Academia podría rotar sus exposiciones mensualmente con todo lo que hay aquí y nunca te cansarías”, dice Stevenson. Entramos al departamento de restauración, donde una especialista quita con esmero la cinta adhesiva que alguien usó para reparar unos ejemplares de 1938 de la revista Daily Variety. Se ayuda con una secadora de pelo y, si no funciona, recurrirá a solventes y químicos.

La biblioteca nació en 1928. Una versión dice que, al principio, era un clóset en el hotel Hollywood Roosevelt, propiedad de Fairbanks, su esposa Mary Pickford –icono del cine mudo y cofundadora de la Academia– y el empresario Louis B. Mayer. En ese entonces, tenía revistas técnicas y libros sobre la historia temprana del cine, y para los años 40 empezó a recibir colecciones importantes. Uno de los objetos más antiguos que resguarda es un volumen original de los animales en movimiento de Eadweard Muybridge, de fines del siglo XIX. Matt dice que acaban de recibir una colección de libros que se remonta hasta el siglo XVIII o quizás antes. Asimismo, esta institución es la memoria de los premios de la Academia desde la primera entrega, en 1929. Tiene fotografías, transcripciones de discursos, boletos, invitaciones y algunas estatuillas del Óscar, como la de Douglas Fairbanks o la que, en 1992, viajó al espacio a bordo del transbordador Atlantis. La biblioteca se mudó a su edificio actual de Beverly Hills en 1991. Construido en 1927, el mismo año de la fundación de la Academia, parece una iglesia, aunque en realidad era una planta de tratamiento de agua, con una torre para tapar la chimenea. A Stevenson no le molesta la confusión. “Somos como una iglesia del cine”, afirma. PRESERVAR Y RESTAURAR Durante mucho tiempo, los filmes donados a la Academia permanecieron en la Biblioteca Margaret Herrick. Pero, en 1991, nació el Archivo Cinematográfico y se los llevaron al Pickford Center for Motion Picture Study, en las antiguas instalaciones de radio y televisión de Don Lee-Mutual, que luego fueron de la cadena ABC, ubicadas en Hollywood. Su director, Mike Pogorzelski, nos enseña algunas de las bodegas con cientos de latas que ocupan estantes de varios metros de altura y están protegidas por muros de concreto de 30 centímetros de grosor. Me da gusto ver viejas conocidas, como Solo con tu pareja, de Alfonso Cuarón, y Fight Club, de David Fincher. El archivo tiene más de 190,000 películas y videos de todo el mundo y de todos los géneros. El material más antiguo son unas imágenes en movimiento capturadas con el quinetoscopio de Thomas Edison, que datan de 1896. Mike dice que la Academia empezó a recolectar filmes en 1929. Las empresas de la era del cine silente quebraban y les daban lo que tenían. “Tras la Segunda Guerra Mundial, Margaret Herrick ordenó lo que había y lo cuidó desde el punto de vista de una bibliotecaria”, LIFEANDSTYLE.MX

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EPÍLOGO: CON UN MENTOR Muchos relojes de Rolex merecerían estar en la colección del museo. Pienso en los que usaron Marlon Brando en

Apocalypse Now (1979), Paul Newman en The Color of Money (1986) y Bill Paxton en Titanic (1997). La lista de películas donde aparecen es muy larga, pero nunca ha obedecido una estrategia de mercadotecnia, sino una decisión de los directores para enfatizar el carácter y el estilo sofisticado de los personajes. La marca ha fortalecido su relación con el cine a través de cuatro testimoniales: Kathryn Bigelow, James Cameron, Alejandro González Iñárritu y Martin Scorsese, que juntos suman 57 Óscar. Con ellos comparte la búsqueda de la excelencia y el compromiso de transmitir el conocimiento a las nuevas generaciones. Nada ejemplifica mejor este objetivo que la Iniciativa Artística para Mentores y Discípulos, un programa que Rolex estableció en 2002 para apoyar a jóvenes talentosos en siete disciplinas mediante el contacto con creadores experimentados. En el caso del cine, ha contado con maestros como Scorsese, Stephen Frears, Mira Nair, Zhang Yimou y Alfonso Cuarón. González Iñárritu fue mentor en 2014-2015 y tiene buenos recuerdos de esa experiencia. “Cuando Rolex me lo propuso, fue con la idea del mentor como esa tradición renacentista de pasar el conocimiento al discípulo, sin individualismos y como parte de un todo artesanal”, afirma en el restaurante del Hotel Bel-Air, donde se reúne con nosotros. “Me pregunté cómo iba a lograrlo. Soy muy impaciente y estaba muy nervioso de que no funcionara, porque me considero un mal estudiante y un mal maestro. Lo único que se me ocurrió fue abrirme para que él (Tom Shoval) observara mi proceso y sacará sus propias conclusiones sobre lo que le atraía y le hacía sentir bien, y sobre lo que no le atraía y rechazaba. Y eso fue lo que hice”. Shoval pasó varios días en el set de The Revenant (2015) y habló mucho con el realizador mexicano. “Así que no le enseñé nada. Literalmente me abrí con él. No fue fácil dejar que alguien fuera testigo de mis miserias e inseguridades durante un proceso que, por lo general, es muy privado e íntimo. Sin embargo, para que él entendiera cómo trabajo, tenía que abrirme y obviamente el proceso a veces no es sexy”. Alejandro tiene una definición clara de lo que es un mentor: “Es alguien que saca lo mejor de ti aun sin decirte nada, que te hace sentir bien, que te escucha y te valora. Confía en ti más que tú mismo. Cuando oigo a alguien decir que se hizo solo, pienso que es una gran mentira. Todos necesitamos a alguien”. L&S

La 11a entrega de los Governors Awards, también patrocinada por Rolex, fue histórica. 1. La Academia reconoció a la actriz Geena Davis con el Premio Humanitario Jean Hersholt por su contribución a la lucha para impulsar la equidad de género en los medios. 2. Tom Hanks le entregó el Óscar honorario a Davis. 3. La italiana Lina Wertmüller también recibió un Óscar honorario por su destacada carrera. Lina fue la primera mujer nominada al Óscar a mejor director en 1976. 4. El cineasta David Lynch fue otro homenajeado con un Óscar honorario. 5. Sophia Loren y Jon Hamm le entregaron el Óscar a Wertmüller. 6. El actor Wes Studi se convirtió en el primer nativo americano en recibir una estatuilla de la Academia.

Fotos: ©A.M.P.A.S

explica. Hoy en día, el acervo incluye las colecciones de cineastas como Alfred Hitchcock, Gus Van Sant, Tacita Dean, Fred Zinnemann, Cecil B. DeMille, Jim Jarmusch y Steven Soderbergh, entre otros. También a partir de 1991, la Academia decidió preservar y restaurar filmes. Un año antes, Martin Scorsese había creado The Film Foundation con esos objetivos. El director alertó sobre la fragilidad de las películas y la necesidad de protegerlas. Hasta ahora, el archivo ha restaurado más de 1,000. Una de las más recientes es The Masque of the Red Death (1964), de Roger Corman. Nos muestran fragmentos que ejemplifican cómo los especialistas consiguieron que la cinta volviera a reflejar la visión de Corman, ya que en la época de su estreno, varias escenas fueron censuradas. El archivo tiene la colección de tráilers más grande del mundo y guarda más de 300,000 metros de películas caseras de personalidades de Hollywood, como Fairbanks, John Huston, Steve McQueen y Esther Williams. En la actualidad, reciben muchas donaciones de compañías distribuidoras, de posproducción o de mezcla de sonido, así como de directores que se han digitalizado y no quieren pagar por almacenar sus películas. “Por eso ahora coleccionamos tanto, pero en la siguiente década podremos revisar lo que hemos acumulado para salvar lo más que se pueda”, asegura Mike. En el mismo edificio, visitamos a las curadoras de objetos tridimensionales de la Academia, unos 5,000, entre artículos antiguos, de utilería, maquillaje, peinado, y vestuario. Han reunido algunos para mostrarnos: una linterna mágica de mediados del siglo XIX; la máquina de escribir en la que Joseph Stefano redactó el guión de Psycho (1960); una cabeza del monstruo extraterrestre de Alien (1979), hecha por H.R. Giger, quien ganó el Óscar a mejores efectos visuales; el títere de un gremlin de la cinta de 1984; un animatrónico de la cabeza de Arnold Schwarzenegger para Terminator 2: Judgment Day (1991), y un vestido de Adrien, famoso diseñador de MGM, que Ingrid Bergman usó en Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1941). “Este es uno de los trabajos de conservación y restauración más difíciles, porque estos objetos tienen partes movibles y muchas veces no se hicieron para existir a largo plazo, sino para servir un propósito en un filme”, dice Pogorzeiski. “Con la apertura del museo, ya tenemos ese conocimiento y por ello, la capacidad de la Academia para aceptar objetos más diversos se ha incrementado”. Muy pronto, los visitantes del Museo de la Academia podrán disfrutar estas maravillas. Desde ahora, me puedo imaginar las sonrisas en sus rostros y su felicidad, un reflejo de lo que sentimos estos cinco periodistas.

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El tigre que domina el cine P a ras ite, co n s eis n o mi naci one s, e s l a gr an favor i ta al Óscar a p elícu la in tern acio n a l , y l a pr ue ba de que Core a de l Sur e s u n a p o ten cia cin ematogr áfi ca. Estas son l as r azone s.

Texto: Enrique Navarro

reano, industria que en 2019 generó 1,398 millones de dólares y produjo 642 películas. En México, durante 2018 se produjeron 182 películas, según el Anuario Estadístico del IMCINE. El círculo fue perfecto y se completó justo a tiempo: Parasite empezó a vivir este momento de atención internacional a los 100 años del estreno de The Righteous Revenge (Do-San Kim, 1919), la primera película desarrollada en su totalidad en ese país. FUENTE DE HISTORIAS La industria cinematográfica de Corea del Sur es enorme y su público uno de los más fieles del mundo. El Consejo Fílmico de Corea, creado en 1973, destinó en 2019 un presupuesto de 221 millones de dólares al Fondo de Desarrollo Fílmico, de los cuales 55 millones se emplearon para apoyar la realización e intercambios de películas, según datos que otorgó a Life and Style la Embajada de Corea del Sur en México. Y, en sentido contrario, los ciudadanos surcoreanos valoran este compromiso. Cada surcoreano compró 4.6 boletos de cine en 2019, el promedio más alto del planeta, según el estudio “México contra el mundo” de la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica de México. Con 3,152 pantallas en todo su territorio, Corea del Sur sumó el 4.4 por ciento de la

Por la cinta Parasite, Bong Joon-ho (foto) ganó la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes, los Globos de Oro a mejor guion y mejor director, y está nominada a seis premios Óscar, incluidas mejor película y mejor película internacional. En 2017, fue nominado a la Palma de Oro de Cannes por Okja y, en 2009, al premio Una Cierta Mirada del festival francés, por Madeo.

Foto: Cortesía Cinépolis Distribución

l discurso de aceptación del Globo de Oro a mejor película extranjera por Parasite no se dio en inglés. Pronunciarlo en coreano, frente a la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, ante las más grandes estrellas de cine comercial y los directivos más importantes de la industria, puede interpretarse como una declaración de principios. Y más aún por el primer enunciado del director Bong Joon-ho: “Una vez que superen la muralla de una pulgada de alto de los subtítulos, encontrarán muchas más películas increíbles”. Para los que leyeron entre líneas, el comentario del cineasta recordaba que, en los últimos años, la crítica ha idolatrado muchas películas surcoreanas, como Train to Busan (Yeon Sang-ho, 2016), valorada con 95 por ciento de críticas positivas en el sitio de internet Rotten Tomatoes, y Tunnel (Kim Seong-hun, 2016), con 100 de calificación. No es casualidad que el cine hollywoodense haya volteado a Asia para hacer adaptaciones como The Lake House (2006), remake de Il Mare (2000), o Mirrors, que se estrenó en Corea del Sur en 2003 y con el mismo nombre en Estados Unidos en 2008. Con esas palabras y en esa premiación, el director de Parasite también redireccionó la atención cinematográfica hacia su nación y su sector fílmico. Después de ese discurso en el hotel Beverly Hilton y las históricas seis nominaciones al Óscar que recibió Parasite —incluidas mejor director y mejor película—, Bong Joon-ho le recordó al mundo que algo está pasando con el cine surcoFEBRERO - MARZO 2020

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“Los surcoreanos tienen una vasta sensibilidad cultural, especialmente en un sentido internacional, y al mismo tiempo conservan la tradición”.

Parasite (2019), Pieta (2013) y OIdboy (2005) se gestaron en la llamada Nueva Ola de Cine Coreano, en la que directores como Bong Joonho, Kim Ki-duk y Chan-Wook Park destacaron en los festivales cinematográficos más prestigiosos, entre ellos Cannes y Venecia.

recaudación en taquilla a nivel mundial. En comparación, con 7,024 pantallas, ese porcentaje fue menor en nuestro país (2.4 por ciento). El gusto de los surcoreanos por su propio cine incluso ha hecho más fáciles las políticas de promoción nacional en esa nación. “El Acta de Promoción de Películas define que, al menos uno de cada cinco días, debe asignarse a filmes surcoreanos. Sin embargo, según (datos) del sistema de taquilla de Corea del Sur, las producciones nacionales tienen casi 50 por ciento de la audiencia. Así que esas regulaciones ya no son efectivas. En términos de números de audiencia, las películas surcoreanas tuvieron 49.5 por ciento, mientras que las de Estados Unidos sumaron 48.05 por ciento”, explica Youngdoo Park, director del Centro Cultural Surcoreano en México. Es difícil determinar por qué el cine surcoreano tiene tan buena acogida no solo a nivel local, sino en todo el mundo. Sin embargo, una de las razones podría ser el entendimiento que tienen de la condición humana. “Los surcoreanos tienen una vasta sensibilidad cultural, especialmente en un sentido internacional, y al mismo tiempo conservan la tradición. Además, por lo general, las películas surcoreanas enfatizan valores universales, como la familia, el amor, la amistad y la patria”, opina Youngdoo Park. Desde el comienzo de su historia cinematográfica, que inició durante la ocupación japonesa, entre 1910 y 1945, las narrativas siempre han estado ligadas a la coyuntura social que se vive en la península. En 1948, por ejemplo, en la llamada Era de Oro del Cine Coreano, el primer presidente de la república, Rhee Syngman, condonó el pago de impuestos a la industria fílmica. En este escenario nació The Housemaid (Kim Ki-young, 1960), cinta sobre un amor imposible entre una trabajadora del hogar y un compositor, que Martin Scorsese calificó como “algo nunca antes visto”. Después, los temas rondaron el activismo y la democracia, derivados de las dictaduras militares de los años 60 a los 80, y el golpe de estado de Chun Doo-hwan en 1980. Así, las temáticas han variado según el desarrollo del

país, que en la actualidad es miembro del G20. Entre 1987 y 1997 nació la llamada Nueva Ola del cine surcoreano, como se definieron las narrativas activistas que combinaban la realidad y la ficción, y en la que aparecieron nombres como Park Kwang-su, Jang Sun-woo y Chung Ji-young. A mediados de los años 90, mientras la península recibía la ayuda del Fondo Monetario Internacional para solventar la crisis, jóvenes cineastas como Kim Ki-duk, Chan-Wook Park y el mismo Bong Joon-ho aprovecharon la era de los blockbusters surcoreanos y su proyección internacional. Oldboy (Chan-Wook Park, 2003), por ejemplo, ganó el premio del jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes, además de que según IMDB, es una de las mejores películas de la historia. Kim Ki-Duk, por su parte, se quedó con el León de Oro a mejor película del Festival Internacional de Cine de Venecia, con el violento retrato de un huérfano en la cinta Pieta. “Los coreanos han experimentado un rápido crecimiento económico durante las últimas décadas. Hay grandes diferencias entre generaciones, clases y géneros. Por ejemplo, la generación anterior a la Guerra de Corea (1950-1953), que nació cuando Corea del Sur era uno de los países más pobres del mundo, es muy diferente a los jóvenes nacidos cuando Corea del Sur se convirtió en la vigésima primera economía más grande del mundo”. En esta dualidad y contraste social se ubica Parasite, cinta sobre una familia de clase baja que invade a través de engaños la mansión de una familia de clase alta. “Creo que una forma de retratar la continua polarización y desigualdad de nuestra sociedad es con una comedia triste. Estamos viviendo en una era en la que el capitalismo es el orden reinante, y no tenemos otra alternativa. No es solo en Corea del Sur; el mundo entero se enfrenta a una situación en la que los principios del capitalismo no pueden ignorarse. En el mundo real es poco probable que los caminos de familias como nuestros cuatro protagonistas desempleados y la familia Park se puedan cruzar”, consideró Bong Joon-ho sobre su película. Al cierre de esta edición, Parasite y Bong Joon-ho eran los favoritos en la categoría del Óscar a mejor película internacional y estaban cerca de hacer historia, pues en caso de que lo ganara, sería la primera producción surcoreana galardonada con esa estatuilla. Pero esto sería solo la punta del iceberg. Si Corea del Sur es la cuarta potencia mundial en cine, apenas detrás de China, Estados Unidos y Japón, es por la calidad de sus historias y lo bien que reflejan a la humanidad.L&S LIFEANDSTYLE.MX

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SUSCRÍBETE P O R S O LO

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FEATURES

A fuego, sangre y peleas de espadas, los personajes femeninos de Game of Thrones dominaron esta historia y redefinieron el rol de la mujer en la televisión.

A fue go, s angre y peleas de espadas, los person ajes fe m e ninos de Game of Th ron es domin aron esta historia y re de finie ron el rol de la mu jer en la televisión .

A fuego, femeninos

98. Modern Times Tras cinco y años al frente Gucci, Alessandro sangre peleas dedeespadas, los personajes Michele deja claro con su colección primaveraverano 2020 que aún tiene mucho que decir. esta historia de Game of Thrones dominaron

y redefinieron el rol de la mujer en la televisión. 108. El nuevo faro de Filadelfia Con el Centro de Tecnología de Comcast en esa ciudad, lord Norman Foster demuestra el poder inclusivo de la arquitectura.

A f uego, s an gre y peleas de espadas, lo s perso naje s 116. Libertad 360 fe men in os d e Game of Thro nes do m inaro n esta histo ri a

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Las tecnologías Supreme Flex y Smart 360 Flex son la prueba su la red ef in ieron e l rodel que deDockers la mmantiene ujer en apuesta por la innovación en sus colecciones.

televisió n.

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T I M E S Han pasado cinco años desde que Alessandro Michele llegó a Gucci y cambió el rumbo de la moda con su visión moderna. Con la colección primavera-verano 2020, deja claro que aún tiene mucho que decir.

Fotografía: Byron Mollinedo Moda y producción: Salvador Cosío Hairstyling: Kilian Marín Make-up: Rachid Tahar Asistente de moda: Natasha Peñuelas Modelos: Stan, Morislav, Tuhir para @Elite Milan; Aleksi para@IMG Milan

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El nuevo faro de Filadelfia El Centro de Tecnología de Comcast, en la ciudad más poblada de Pensilvania, es una de las obras más recientes de lord Norman Foster y una muestra del poder inclusivo de la arquitectura.

ira Green es un parque elevado a las orillas del río Schuylkill, en Filadelfia, desde donde se pueden admirar algunas de las vistas más amplias del skyline de esa ciudad. En ese lugar pueden ocurrir dos cosas, según las condiciones climatológicas. En los días despejados, el recién inaugurado Centro de Tecnología de Comcast, con sus 60 pisos y sus 341 metros de altura, domina la escena gracias a su esbelta figura, sus exteriores de cristal cubiertos de una cortina de aluminio y una linterna que remata su parte central. Por el contrario, en los días grises y brumosos, las nubes parecen devorar lentamente la estructura y, ante el asombro de los espectadores, hacen desaparecer su extremo superior. En el interior de este rascacielos, el más alto fuera de Manhattan y Chicago, se mezclan espacios públicos y privados, y desde el mes de abril de 2019 se gestan las innovaciones tecnológicas de Comcast, el conglomerado de medios de comunicación estadounidense que ofrece servicios de televisión por cable, internet y telefonía. De hecho, la idea de este edificio le surgió a Brian Roberts, presidente de la junta directiva y CEO de Comcast, como un medio para consolidar Filadelfia como un centro de creación tecnológica, empresarial y culinaria. Tras la competencia entre cinco de las firmas de arquitectura más prominentes del mundo, el despacho Foster + Partners, dirigido por Lord Norman Foster, fue elegido como

el ganador. Desde principios de los años setenta, Foster desarrolló un vínculo con Filadelfia, pues mientras estudiaba en Yale, su esposa era alumna de la Universidad Estatal de Pensilvania y la ciudad era un punto de reunión frecuente. Además, durante los primeros años del ejercicio de su profesión impartió clases en ella. Casi cinco décadas después, Foster se encuentra en el punto de su carrera en el que puede elegir los proyectos en los que se involucra y aquellos en los que no le interesa participar. “Ese fue el caso con Steve Jobs y el proyecto de las oficinas centrales de Apple, con Mike Bloomberg y el edificio de Bloomberg en Londres, con Corinne Mentzelopoulos en Château Margaux, y claramente ese fue el caso con Brian Roberts y Comcast”, escribe Foster en la memoria del proyecto. El edificio debía cumplir con diversas exigencias: conectarse con el corazón de Filadelfia, asentarse por encima de su sistema de tránsito, incorporar una ruta peatonal pública en su interior y cumplir con los requisitos de la certificación LEED Platinum, que lo acredita como un edificio que hace un uso eficiente de los recursos y la energía. En respuesta, el equipo de Foster entendió que Comcast necesitaba espacios diversos que fomentaran y facilitaran la libertad de expresión entre quienes trabajaran en ellos. También se debía considerar la presencia de espacios como restaurantes, un gimnasio, un comedor amplio e innovador, y un hotel Four Seasons de clase mundial.

Foto: Grant Legran

Texto: Pedro Aguilar Ricalde

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El rico pasado industrial de la ciudad y el legado de empresas como Budd Company, un fabricante de metal del siglo XX que producía componentes para trenes de pasajeros y automóviles, sirvieron como fuente de inspiración a Foster, quien deseaba proyectar las tradiciones locales hacia el futuro. Después de un tiempo de investigación, decidió emplear en su diseño, entre otros elementos, grandes paneles de metal corrugado –que lucían muy similares a los vagones de tren aerodinámicos para pasajeros fabricados por Budd Company– y pisos de madera, asociados con la historia de la región y el trabajo de los calificados artesanos que han dado fama a Filadelfia en todo el país. “Creo que el Centro de Tecnología de Comcast tiene sus raíces en la cultura y las cualidades físicas de la ciudad”, asegura Foster. Por otro lado, estaba su vínculo con Roberts y su respeto por una empresa cuya cultura corporativa está íntimamente ligada con la idiosincrasia local. “Decidí, desde el principio, que este era un proyecto en el que realmente quería involucrarme. Quise implicarme en todos los

aspectos posibles del edificio: las tolerancias, los materiales, las uniones, los detalles, estar en el meollo”, recuerda. Los bocetos, sus anotaciones, los planos y, en última instancia, el edificio, son un fiel muestrario de los rasgos que distinguen las obras de Foster: el uso de luz natural que se filtra a través de enormes páneles de cristal, sistemas de ventilación natural que regulan la temperatura interna y minimizan el uso de aire acondicionado y calefacción, y la incorporación de la tecnología más avanzada para garantizar el uso eficiente de los recursos. También destacan los amplios espacios dominados por colores neutros en los que el arte –obras que artistas como Conrad Shawcross, Jenny Holzer y Sarah Zwerling crearon específicamente para ser exhibidas en su interior– y la naturaleza tienen un sitio igual de importante. “La manera en que este proyecto ha involucrado la arquitectura, el arte, el diseño y la innovación en diferentes medidas, le da un atractivo especial. En general, toca dimensiones muy distintas y fibras muy profundas

Desde la izquierda: en las fachadas del Centro de Tecnología de Comcast dominan los paneles de metal, la madera y el cristal; diseños florales de Jeff Leatham para el Four Seasons at Comcast Center; la escultura Exploded Paradigm de Conrad Shawcross domina el lobby del edificio.

Fotos: Cortesía y Grant Legran

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dentro de la comunidad”, responde cuando se le cuestiona sobre lo que más orgullo le genera de esta obra ahora que la ve concluida, y añade: “Lo cierto es que solo hasta que un edificio se termina y la gente se mueve dentro de él y lo visita, hasta que se embarca en una vida propia, no tienes manera de medir su éxito o fracaso”. UN OASIS EN EL PISO 60 Por encima de todos los espacios de Comcast – oficinas, auditorio, áreas públicas, restaurantes, estudios de grabación, laboratorios, etcétera–, se encuentra un hotel espectacular. El Four Seasons at Comcast Center es el más alto con respecto al nivel de la calle en todo Norteamérica y ocupa los 12 pisos superiores del edificio. Llegar hasta su lobby, en el piso 60, toma menos de un minuto en un elevador de cristal desde el que es más evidente la velocidad a la que se aleja uno del suelo. En él se materializan todas las aspiraciones de perfección e innovación de la cadena fundada en Canadá en 1960, y los huéspedes son testigos de un nivel de servicio que hasta su apertura era inexistente.

Espejos colocados en los techos en ángulos agudos reflejan a las personas, los edificios de los alrededores y, en algunos puntos, la ciudad que se mueve incesantemente por debajo. La conexión con Filadelfia está presente, pero, al mismo tiempo, el ambiente de tranquilidad nos recuerda que estamos en un oasis suspendido en el aire. Diseñar espacios públicos en la parte inferior y áreas privadas en la superior planteó retos interesantes al equipo encabezado por Foster. “Los hoteles no son el principal tipo de edificio que diseñamos. Los hemos hecho –el ME Hotel de Londres, por ejemplo–, pero creo que, por eso mismo, cuando nos involucramos en este tipo de proyectos, los concebimos con una mirada fresca porque no son nuestro negocio principal. Y tal vez eso genere una diferencia. Si reúnes todas esas cosas, es posible que el resultado sea menos predecible”, dice. Y ahí, en las alturas enmarcadas por los enormes arreglos de Jeff Leatham –diseñador floral de Four Seasons–, las 219 habitaciones del hotel se elevan por encima de Filadelfia y LIFEANDSTYLE.MX

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permiten recorrer con la mirada el cauce de los dos ríos que la atraviesan. Las formas redondeadas de las paredes de madera de abedul y las mesas, el minimalismo de las sillas y los colores neutros de los sillones son el perfecto complemento de los resplandecientes exteriores de líneas limpias y ángulos rectos. La tecnología es también una protagonista destacada. Desde las cambiantes obras del artista visual Brian Eno que se proyectan en las televisiones, hasta la posibilidad de controlar todas las luces, las cortinas y la temperatura, así como de solicitar cualquier servicio o chatear con el equipo del hotel a través de una tablet que descansa disimuladamente sobre la mesa de noche. A medida que los huéspedes y visitantes van descendiendo, espacios nuevos y futuristas se materializan ante ellos: del bar JG Sky High, una escalera flanqueada por dos muros de agua conduce al restaurante del chef francés Jean-Georges Vongerichten en el piso 59. El spa y el gimnasio se encuentran en el piso 57, y desde ambos se puede ingresar a la que indudablemente es la piscina infinita más

alta de Filadelfia. Nadar en sus aguas es como estar suspendido en una de esas nubes que ocasionalmente ocultan a la mirada la cima de esta ciudad vertical. “Podrías tomar este hotel y colocarlo en el más crítico de los mercados –Londres, Hong Kong, París o Nueva York– e instantáneamente se convertiría en el mejor de la ciudad”, sostiene Christian Clerc, presidente de operaciones globales de los hoteles Four Seasons. Visto desde la calle, este luminoso edificio invita a los transeúntes a refugiarse en él, sea para trabajar, crear, admirar las obras de arte de su interior, imaginar nuevas realidades o descansar. Desde las alturas, con la mirada puesta en el entramado en el que transcurre la vida cotidiana, queda claro que sus raíces son mucho más profundas que sus cimientos: están conectadas con el alma misma de la ciudad. “La manera en que este edificio derriba las divisiones entre el mundo privado y los espacios públicos, en que se abre a la comunidad, lo hacen verdaderamente especial”, apunta Foster, y recuerda que las puertas ya están abiertas. L&S

Desde la izquierda: el restaurante Jean-Georges se encuentra en el piso 59 y ofrece una excelente opción de fine dining; el Centro de Tecnología de Comcast domina el skyline de Filadelfia; la piscina del Four Seasons at Comcast Center se encuentra en el piso 57 del edificio y brinda vistas panorámicas de la ciudad.

Fotos: Cortesía

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Este torneo reparte 10.5 millones de dólares, la tercera bolsa más atractiva dentro del PGA Tour.

SWINGS POR EL TRIUNFO EN LA CDMX

l WGC-Mexico Championship ya se prepara para su cuarta edición en nuestro país, en la que espera recibir a alrededor de 70,000 personas durante los cinco días del gran certamen. El torneo, que se ha consolidado como el mejor de América Latina, es uno de los cuatro que la serie World Golf Championships realiza en distintas partes del mundo. Su gran prestigio y su bolsa de 10.5 millones de dólares, que la convierte en la tercera más atractiva del PGA Tour, han posicionado a esta competencia como un suceso imperdible, tanto para los entusiastas de este deporte, como para los golfistas más reconocidos. Entre las leyendas que han participado en el WGC-Mexico Championship están el mítico Tiger Woods, Justin Thomas, John Rahm y Dustin Johnson, el actual campeón. Para la edición de este año, ya está confirmada la intervención tanto de Johnson, como del mexicano Abraham Ancer, quien clasificó al haber obtenido la 38º posición en el Official World Golf Ranking.

FOTOS: CORTESÍA WGC

Los mejores golfistas del mundo tienen una cita del 19 al 23 de febrero, en el mítico Club de Golf Chapultepec.

NATIVE AD GOLF

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En la edición 2019 estuvieron presentes jugadores como la leyenda del golf, Tiger Woods. Benjamín Salinas Sada, de Grupo Salinas, inició hace cuatro años este proyecto con el PGA Tour, para impulsar y promover el golf en nuestro país, sobre todo entre niños y jóvenes.

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A través de sus actividades, oferta gastronómica y activaciones de prestigiosas marcas, el evento se ha convertido en todo un acontecimiento social en el que se dan cita los empresarios, celebridades y las más renombradas familias de México. Para recibirlos, el mítico Club de Golf Chapultepec se engalanará con Fan Zones, barra de cocteles, área de alimentos y bebidas, así como pantallas para no perder ni un detalle del juego. En esta ocasión, el torneo tendrá un diseño total que promete superar las expectativas de los asistentes acostumbrados a vivir una experiencia inolvidable cada año. El torneo contará con la presencia de los reconocidos chefs Eduardo Palazuelos y Santi Palacio, así como afamados restaurantes como Grupo Fisher’s, Butcher and Sons, Sushi Itto, Churrería el Moro, Bendita Paleta, Palomiux, Peltre y El Califa. Los boletos para asistir a este exclusivo evento ya están disponibles en: www.wgcmexico.com

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L I B E RTA D 3 6 0 Dockers nunca deja de innovar. Su colección primavera-verano 2020 lo demuestra gracias a la tecnología que incorpora en sus prendas.

Fotografía: Manuel Zúñiga Modelo: Víctor Nechar para @Queta Rojas Estilismo y producción: Celeste Anzures Grooming: Davo Sthebané para Givenchy Beauty Locación: Pug Seal Allan Poe, Edgar Allan Poe 90, Polanco.

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Las tecnologías Supreme Flex y Smart 360 Flex –que otorgan mayor elasticidad en cuatro direcciones, incluso después de múltiples lavadas– se añaden a una gama de prendas más amplia. Además de sus clásicos pantalones chinos, Dockers las emplea en la confección de camisetas polo y pantalones cortos. Hoy más que nunca, la libertad de movimiento es una realidad.

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MOTOR | TECNOLOGÍA | EVOLUCIÓN | PRIMERA VEZ | MOMENTO

ESTO NO ES CIENCIA FICCIÓN EL MUNDO FANTÁSTICO DE PANDORA, donde transcurre la trama de Avatar –película de 2009 dirigida por James Cameron–, sirvió como fuente de inspiración para el nuevo auto concepto que Mercedes-Benz presentó en la edición 2020 del CES de Las Vegas. El conocimiento de los diseñadores e ingenieros de la casa, los expertos en las tendencias relacionados con la movilidad en el futuro y el equipo que participó en la investigación para el filme, se amalgamó en el VISION AVTR, un vehículo futurista que apuesta por la conciencia ambiental, con ideas como las 33 aletas biónicas de la parte trasera. >

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PLAY MOTOR

(R)EVOLUCIÓN NATURAL

El VISION AVTR, que Mercedes-Benz presentó en el CES, es una obra maestra de la eficiencia. Texto: Pedro Aguilar Ricalde

“Queremos crear productos fascinantes, pero que al mismo tiempo tengan el menor impacto ambiental. Además, queremos que los productos sean seguros, que brinden el lujo de la cercanía con la naturaleza”, explicó durante la presentación Bettina Fetzer, vicepresidenta de mercadotecnia para Mercedes-Benz. Entre el sinfín de innovaciones que incorpora este prototipo, se encuentran los cuatro motores eléctricos de alto desempeño controlables de manera individual, lo que se traduce en una eficiencia sin precedentes y en cero emisiones. Por primera vez, se ha incorporado una batería hecha en su totalidad con productos reciclados y que elimina por completo elementos tóxicos,

aletas biónicas se localizan en la parte trasera. Estas permitirán comunicarse con otros autos.

350

kW, la potencia que suman los cuatro motores eléctricos de alto desempeño del VISION AVTR.

Fotos: Cortesía.

A lo largo de los últimos años, nuestro planeta ha dejado claro que si deseamos garantizar la supervivencia de nuestra especie y de las que nos rodean, necesitamos replantearnos la manera en que explotamos los recursos que ofrece. La simbiosis ha dejado de ser una opción y se ha convertido en la única alternativa. James Cameron defendió esta tesis en Avatar, el filme que estrenó en 2009 y que ganó tres premios de la Academia. Once años más tarde, la firma alemana Mercedes-Benz ha colaborado con el equipo de investigación que ayudó a crear el mundo imaginario de Pandora para desarrollar el VISION AVTR, el auto concepto presentado en la edición 2020 del CES de Las Vegas y que establece un nuevo estándar en temas de movilidad, sostenibilidad y conducción autónoma.

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Los dos ejes del vehículo se pueden controlar de manera simultánea o en direcciones opuestas, por lo que puede moverse lateralmente hasta 30 grados.

“EN LA EXPERIENCIA DE MANEJO QUEREMOS PROLONGAR LA SENSACIÓN DE LIBERTAD”. –Bettina Fetzer

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raros y de alto costo. Su funcionamiento se basa en la química de las células orgánicas y garantiza un reciclaje total, lo que supone una alternativa viable para impulsar la economía circular en el sector de las materias primas. La concepción holística de su diseño tomó en consideración, desde el principio, la experiencia del usuario, tanto en el interior como en el exterior del vehículo. La meta era crear un habitáculo que ofreciera una experiencia de inmersión y que, a su vez, permitiera a los pasajeros conectar entre ellos y con el entorno. Asientos de piel vegana, un piso decorado con karuun –madera proveniente de Indonesia que crece muy rápido, por lo que no contribuye a la deforestación– y controles intuitivos con conexiones biométricas completan las innovadoras características de esta obra maestra de la eficiencia.

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PLAY TECNOLOGÍA

ROBOTS A LA CARTA

Desde asistentes a herramientas para reducir el estrés, la robótica ha dejado de ser exclusiva de la ciencia ficción.

La idea de que los robots se volcarán contra los humanos o terminarán por desplazarnos de nuestros puestos de trabajo y actividades diarias se ha superado en la edición número 52 del CES –conocida como la feria de tecnología de consumo más grande del mundo y realizada anualmente en Las Vegas–, con ejemplos de practicidad, compañerismo y ayuda. Mucho más que en años anteriores, la oferta de robots se materializó no con ideas o prototipos cuyo objetivo es reemplazar a los humanos, sino como apoyo para realizar tareas que nos hagan la vida más fácil. Las tendencias de robótica que más resaltaron a lo largo de los cinco días del CES fueron tres: los robots de asistencia para el servicio comercial y turístico; los asistentes digitales para casa, y aquellos que ayudan en el tratamiento de problemas de salud. Algunos de los dispositivos de asistencia más notorios fueron los de fabricantes asiáticos como BellaBot, que diseñó un robot autónomo para proveer servicio en restaurantes y hoteles; su cuerpo tiene diversas repisas en las que puede transportar, por ejemplo, los alimentos de la cocina hasta la mesa.

Otra de las propuestas, y tal vez una de los que más cautivó a los asistentes, fue el robot Walker de UBTech. Si bien este prototipo se presentó en 2019, en esta edición se dio una muestra de lo que un robot con forma humana es capaz de hacer hoy en día. Walker camina más aprisa, y su capacidad sensorial y de percepción del ambiente ha avanzado a tal grado que es capaz de servir líquido en una taza, dibujar de forma autónoma o hacer posturas de yoga. Ballie y Qoobo, ambos enfocados a dos usos muy distintos, fueron ejemplos del uso casero y cotidiano de los robots. El primero, una esfera colorida que desarrolló Samsung y un poco más grande que una pelota de tenis, es un robot combinado con asistente virtual que responde a la voz del usuario y aprende de él. Capaz de seguir a su dueño, puede asistirlo con el control de su agenda o leer las noticias o los mensajes del día; Ballie es una suerte de nuevo compañero en casa, casi una mascota robotizada.

Fotos: Cortesia

Texto: Gabriela Chávez

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TECNOLOGÍA

170,000 asistentes se dieron cita en Las Vegas para la edición 2020 del CES.

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BELLABOT Es un robot de servicio para restaurantes. En sus repisas puede cargar órdenes de comida y entregarlas a las mesas de los comensales. La cara de un gato se ve en su pantalla principal y su expresión puede cambiar según el cliente le hable o lo toque durante su interacción.

4,500

empresas presentaron sus nuevos proyectos y gadgets durante este evento de tecnología.

54,100

millones de dólares, el monto que podrían alcanzar las ventas de robots a nivel global en 2023, según datos de MarketsandMarkets.

Esta página: Walker, desarrollado por UBTech, es un robot con un cuerpo que se asemeja al de los humanos capaz de caminar y realizar tareas complejas, como servir líquidos o dibujar. Página opuesta: H.S. Kim, CEO de Samsung, durante la presentación de Ballie en en CES.

Qoobo, por su parte, fue desarrollado por la startup japonesa Yukai Engineering Inc. y llama la atención por asemejar un cuerpo de mascota sin cabeza. Este robot de compañía contribuye a controlar y reducir los niveles de estrés de las personas. Similar a un gato, tiene una cola esponjada que se mueve cuando lo cargas y responde a las caricias. El gadget tiene un sensor integrado que detecta cuando el humano está cerca y puede medir su respiración y movimiento para conocer su estado de ánimo. Según los ingenieros y psicólogos detrás de su desarrollo, percibir su “respiración” genera un efecto positivo en los propietarios y los ayuda a controlar el estrés, de la misma manera en que pasaría con una mascota real. Esta mirada al futuro de la compañía robótica es una de las tendencias más claras que se observaron durante el CES 2020. Los productos estarán a disposición de los compradores en los próximos meses en los escaparates las tiendas, o bien, en los sitios de venta online de diversas startups.

LOVBOT Aunque de apariencia tierna, tiene una cámara integrada a su cabeza. Con esta herramienta, el robot puede mapear el ambiente en el que se encuentra y transmitirlo, igual que una cámara de seguridad, al teléfono de su dueño. Su costo aproximado es de 2,000 dólares.

QOOBO De desarrollo japonés, Qoobo es un robot para reducir los niveles de estrés de sus propietarios. Gracias a sus sensores, es capaz de identificar el estado de ánimo de la persona que lo carga, y su “respiración” tiene el mismo efecto tranquilizador de una mascota real.

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PLAY MOTOR

UN SEÑOR COUPÉ

El nuevo Cayenne presume sus cualidades en el Valle de Guadalupe. Texto: Alfredo Sánchez · Foto: Gunther Sahagún

Los agrestes caminos off-road del Valle de Guadalupe, en Baja California, son el escenario perfecto para poner a prueba las capacidades del nuevo Cayenne Coupé de Porsche. A medida que dejamos atrás la autopista escénica Tijuana-Ensenada –donde el vehículo se comportó como si el asfalto fuera su único elemento– fue preciso internarse en rutas de terracería para llegar al hotel Cuatro Cuatros. Los vados pronunciados, las curvas estrechas y los tramos empinados se antojaban para algún otro vehículo todoterreno. Así que, a bordo de este SUV que estará disponible en México en tres motorizaciones de alto rendimiento –Cayenne Coupé, Cayenne S Coupé y Cayenne Turbo Coupé–, las expectativas de quienes formábamos parte de esa caravana estaban a punto de enfrentarse a la realidad. El objetivo era llegar a una plataforma de cemento construida sobre una colina –que mira por encima de la autopista desde la bahía de Salsipuedes–, para dis-

frutar de la puesta de sol. El reloj estaba ligeramente en nuestra contra, por lo que era preciso confiar al cien por ciento en su desempeño. La prueba se superó exitosamente y hubo más de dos cejas levantadas entre quienes presenciamos aquel atardecer. Para una empresa acostumbrada a fabricar coupés deportivos, cabe la pregunta de por qué le había llevado tanto tiempo llevar este concepto al SUV insignia de la marca, que se traduce en líneas más amplias, un spoiler posterior adaptativo y dos conceptos diferentes de techo con una caída más pronunciada que el Cayenne tradicional: uno panorámico fijo de cristal que viene de serie, y otro de fibra de carbono que es opcional. “El Coupé incluye todos los elementos destacados del actual Cayenne con un diseño más dinámico y nuevos detalles

motorizaciones de alto rendimiento estarán disponibles en México.

243

km/h es la velocidad máxima que alcanza el Cayenne Coupé.

3.9

segundos es el tiempo que le toma al Cayenne Turbo Coupé pasar de 0 a 100 km/h.

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“ES UN VEHÍCULO QUE TENDRÁ MUCHO ÉXITO ENTRE CLIENTES MUY ESPECÍFICOS”. –Carlos Henry

El equipamiento de serie incluye sistema de ayuda de aparcamiento, de amortiguación adaptativa y el paquete Sport Chrono.

técnicos que lo posicionan como un modelo más progresivo, atlético y emocional”, dijo posteriormente Carlos Henry, Director de Porsche de México. Como es de esperarse, el SUV tiende más a la deportividad, como se percibió a lo largo de la autopista escénica, donde la versión Turbo Coupé brindó altas dosis de emoción con su motor V8 biturbo de 4.0 litros que entrega 550 hp. Pero una vez que se descubre la fineza con que rueda en las superficies no pavimentadas, se antoja meterlo al polvo. Surcar por los senderos rodeados de viñedos, con el confort de sus asientos deportivos con ocho posibilidades de reglaje y reposacabezas integrados, equivale a descubrir un maridaje perfecto. Las nuevas posibilidades de Porsche son perfectas para recorrer México en toda su vastedad.

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PLAY EVOLUCIÓN

SIEMPRE A LA CABEZA

Los cascos son el equipo de mayor tecnología en el futbol americano. Texto: Enrique Navarro

En 1883, antes del jugador Joseph M. Reeves, este deporte se practicaba sin casco. Tantos golpes recibió en el equipo de la Marina estadounidense que su doctor le advirtió sobre el riesgo mortal o de “locura instantánea” (término de la época). Por eso, Reeves desarrolló el primer casco de piel, que a su vez serviría de inspiración para los cascos de las fuerzas aéreas en la Primera Guerra Mundial.

En las primeras tres décadas del siglo XX, el prototipo de Reeves fue de uso opcional en el campo de juego, pues el calor de la piel y la dificultad para escuchar lo hacían incómodo. Fue el entrenador Robert Zuppke quien le acondicionó ventilación y orejeras abiertas. En los años 30, los cascos se hicieron con pieles reforzadas, por lo que se les conoció como leatherheads.

En 1939, el entrenador de preparatoria John T. Riddell creó el primer casco con carcasa de plástico. Por su diseño, que incluía barbiquejo y tiras de suspensión para la cabeza, el Ejército contrató al coach para desarrollar una protección similar para la Segunda Guerra Mundial. En 1943, el uso de cascos fue obligatorio en la liga y, en 1948, los Rams implementaron el color y el diseño.

En un partido de 1955, Otto Graham, QB de los Cleveland Browns, recibió un golpe en el rostro tan fuerte que requirió 15 puntadas. Al medio tiempo del encuentro, el entrenador Paul Brown trabajó con el mánager de equipamiento para incluir barras de plástico al casco de Graham. En adelante, así se equiparon los cascos, como el de Y.A. Tittle (foto).

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EVOLUCIÓN

Tras el incidente de Graham y preocupado por sus jugadores, el entrenador Brown acudió a John T. Riddell para desarrollar una barra más compleja, que fuera más fuerte que el plástico y que pesara menos de 28 gramos. Otros equipos comenzaron a usar esta tecnología, por lo que los 60 y 70 serían décadas de cambios y prototipos en las barras.

Fotos: AFP, Shutterstock y Getty Images

En esta década, Riddell fue la marca más emblemática de la NFL. El modelo VSR4, con cámaras de aire, fue el favorito de quarterbacks como Joe Montana y, posteriormente, Steve Young, Brett Favre y Tom Brady, quien al probar otros cascos dijo que a ninguno le tenía tanto cariño como al clásico de Riddell.

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En los 90, la National Football League aprobó el uso de radiotransmisores en el casco del quarterback, prototipo que probaron los Browns en tres partidos de la década de los 50. También se avanzó en el desarrollo de tecnología de absorción de impactos para reducir las conmociones cerebrales de los jugadores.

Marcas de equipamiento como Riddell, Schutt y Xenith han empleado todos sus recursos para evitar las contusiones, que se han convertido en uno de los temas que más críticas contra la NFL ha provocado. Así, los cascos actuales incluyen materiales como carcasas de policarbonato, poliuretano termoplástico, detectores de shock y tecnología para contener fuerzas de rotación, que son las principales causas de las conmociones.

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PLAY PRIMERA VEZ

LA BETAMAX DE ORTIZGRIS

El actor Leonardo Ortizgris sobre el aparato que avivó su amor por el cine. Texto: Enrique Navarro

Primeras películas. Fue La historia sin fin, pero la versión con doblaje hecho en España que se llamaba La historia interminable. El mismo idioma la hacía aún más fantástica. También tenía los dibujos animados de Las aventuras de Tom Sawyer, que eran capítulos grabados de la televisión. Y Robocop. Primer reproductor VHS. Lo tuve cuando ya existían los Videocentro. Ya había muy pocas películas en Beta y la mayoría de los estrenos salían en VHS. Me tardaba horas en elegir una película para rentar. Primera plataforma de streaming. Netflix representaba la opción de ver muchísimas películas que la verdad no te animabas a rentar. En esa plata-

forma empecé a ver mucha basura dominguera. Me fui por ahí porque, como cuando rentaba películas, paso 30 minutos buscando qué ver y después me da sueño. Aun así, me parece una gran ventana para ver mucho cine y clásicos. Primer Walkman. Como casi todos mis aparatos, ese Walkman me lo heredaron mis padres. Era marca Sony de color plateado y tenía receptor de ondas AM y FM, así como función para grabar. Uno de los primeros audiocasetes que tuve fue el de Batman, la película de Tim Burton, en la que cantaba Prince. Tenía todas las letras impresas en la carátula. Primeros LP. Fueron de The Doors. Un tío me presentó esa banda y reflejaba mi lado roquero. También escuchaba a Alan Parsons y un disco de mi madre de bandas de swing, cuya carátula tenía letras como de neón, y el soundtrack de La Pantera Rosa. Y, claro, teníamos discos de los Hermanos Rincón, Cri-Crí y Parchís. Leonardo Ortizgris, ganador del Premio Ariel por mejor coactuación masculina por Museo (2018). Este año protagonizará Tengo miedo torero, en la que interpreta a un revolucionario en contra de Augusto Pinochet, y ∫Los minutos negros, basada en la novela de Martín Solares.

1975

Sony introduce al mercado Betamax, primer sistema de audio y video doméstico que permitía la reproducción y grabación.

1976

Universal y Disney demandan a Sony bajo el argumento de que infringía el copyright e incentivaba la piratería.

1977

Sony cede la licencia de fabricación de Betamax y permite que Panasonic desarrolle el Video Home System.

Foto: Shutterstock.

Mi primera SuperBetamax. Representaba una nueva y divertida manera de ver mis películas y programas de televisión. Antes de ella, cuando le ponía pausa a una película en algún reproductor, aparecían unas líneas que indicaban que la cinta estaba detenida. Con esta tecnología, simplemente se congelaba la imagen. Además, tenía slow motion y podía ver la película en modo rewind. Lo más importante es que te permitía grabar.

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PLAY MOMENTO

TODO POR EL PODIO

Ferrari pasó 21 años sin coronar un piloto en la Fórmula 1, pero el alemán Michael Schumacher le devolvió la gloria.

El 12 de marzo de 2000, en el Grand Prix de Australia, Ferrari inició el camino de vuelta a la cima del podio de la Fórmula 1. Parecía como si una maldición se hubiera ensañado con la escudería italiana, pues desde 1979 —gracias a la destreza del sudafricano Jody Scheckter— no se coronaba un piloto suyo en la máxima justa del automovilismo. Ferrari era una hoguera de frustraciones y expectativas tras ver cómo, durante dos décadas, McLaren y Williams se alternaban el campeonato. Desesperados, ficharon al alemán Michael Schumacher, quien en 1995 y 1996 se había coronado con Benetton. Pero la ruta no fue fácil. En 1997, ya con Ferrari, Schumacher perdió el título al chocar en España contra el canadiense Jacques Villeneuve, quien resultó campeón. Un año después en Japón una de sus llantas explotó, dejándole el camino libre al finlandés Mika Häkkinen. En 1999, sufrió facturas en un accidente en el circuito de Silverstone y quedó en quinta posición general: 32 puntos por debajo del campeón y su archirrival Häkkinen. Por eso, cuando Michael cruzó la meta en Japón como puntero el 8 de octubre de 2000 —a bordo del poderoso monoplaza Ferrari F1-2000 con motor de diez cilindros en V con apertura de 90º— y rompió la larga sequía de Ferrari, la imagen de él manoteando de alegría al soltar el volante materializa uno de lo retornos más históricos del deporte.

El regreso de Ferrari al podio, hace 20 años, también marcó el inicio de la racha victoriosa de Michael Schumacher, pues tras la victoria del 2000, dominó esta competencia durante las cuatro temporadas siguientes. Sin embargo, la escudería italiana ya ha vuelto a acumular una sequía que preocupa, pues un piloto suyo no es campeón de la F1 desde que Kimi Räikkönen ganó en 2007.

Foto: AFP.

Texto: Salvador Cisneros

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SPOT P L AY

Sonido envolvente

Comodidad inalámbrica

La nueva pantalla Sony de la serie Master es una de las más grandes fabricadas por la marca japonesa. Su magia está en el audio integrado en el mismo marco de efecto inmersivo.

Aunque de tamaño muy pequeño y peso liviano, los nuevos CX 350BT y CX 150BT de la marca alemana Sennheiser son audífonos inalámbricos que ofrecen cancelación de ruido, 10 horas de batería y conexión directa con tu asistente favorito. Es hora de recurrir a Ok Google o a Siri.

A la francesa · Coleen es una bicicleta eléctrica, inspirada por las que circulaban en París en 1861. · Tiene pantalla táctil y digital con GPS e indicadores de navegación.

La cava inteligente desarrollada por LG forma parte de su división Signature de gadgets de lujo. En este caso la cava está integrada con sensores que permiten medir y controlar el ambiente y la temperatura en la que se encuentran las botellas, pero con un diseño elegante.

248 km/h es la velocidad máxima que puede alcanzar.

Fotos: Cortesía

Control absoluto

Un helicóptero de edición limitada es el resultado de la colaboración entre Aston Martin y Airbus Corporate Helicopters. El ACH130 Aston Martin se presentó en la estación de esquí de Courchevel, en Francia.

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SUSCRÍBETE POR S O LO

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PUNTO FINAL

LA BATALLA POR EL CINE Texto: Michel Franco Ilustración: Alberto Caudillo

No creo que las plataformas de streaming, desde una postura creativa, tengan que valorarse en blanco o negro. Pero creo que no ver una película en pantalla grande equivale a no haberla visto nunca en realidad. En todo caso, la viste de manera parcial. El streaming favorece a algunos directores y satisface historias de cierto tipo: las películas de entretenimiento, que son algo artísticamente menor y puedes ver en la televisión o en un teléfono. Pero el séptimo arte debe verse en la oscuridad, en una pantalla que lo abarNO TENGO NETFLIX, está en Amazon Prime Video. No estoy que todo. El problema es que, en general, pareciera que el streaming tiende a peleado con eso. Pero se trata de que el JAMÁS HE PAGADO desfavorecer la exhibición tradicional streaming sea una ventana alternativa, del cine. Esto no me gusta, porque para que no sustituya el séptimo arte. UNA SUSCRIPCIÓN. mí, al momento de hacer una película, Por eso creo que la mayoría de los es primordial que se vea en una pantalla grandes cineastas, como Lars von Trier NO ES UN STATEMENT, y otros artistas de ese nivel, no han hegrande, pues hacer un filme para una pantalla chica es hacer televisión. SINO QUE, EN SERIO, cho películas para estas plataformas, El cine y el streaming son medios disalvo las excepciones de Cuarón y Scorferentes y se están mezclando de una sese. Ahí está el ejemplo de lo que pasó NO TENGO NADA manera en la que no deberían. Yo no con el director surcoreano Bong JoonQUE VER AHÍ. tengo nada contra el streaming, pero ho, quien ganó en 2019 la Palma de Oro pareciera que ellos sí están en contra de en el Festival de Cannes por Parasite los cines porque prohíben el theatrical window, ese periodo (2019). Él tiene varias obras maestras, pero su película metradicional de tres meses en los que la película se exhibe ex- nos lograda es la que hizo para Netflix en 2017. Okja contrasclusivamente en salas de cine. Netflix concede excepciones ta con el resto de su filmografía. de theatrical window a cuentagotas. Lo hicieron con filmes Hacer cine siempre ha sido una batalla, nunca ha sido como Roma (2018) o The Irishman (2019), solo por tratar- sencillo. Era difícil hace una década, antes de que se populase de directores muy importantes como Alfonso Cuarón y rizaran las plataformas de streaming, pero ahora, además de Martin Scorsese, respectivamente. sacudir el modelo de negocio de la industria cinematográCreo que también lo hacen para suavizar su imagen de fica, también han modificado el proceso de producción en “no estamos contra el cine”, pero claro que lo están. Además, México. En la actualidad, buena parte del talento local está quieren un Óscar a mejor película que los legitime y así te- al servicio del gran número de series que se van a produner lo mejor de los dos mundos. Considero que puede y debe cir, y es difícil armar un buen equipo, pues casi todos están haber un punto medio, no tiene que ser una pelea. Para esto, agendados. Hay que sumar a eso que también los salarios se Netflix tendría que ceder mucho más. están elevando mucho, pues los equipos quieren cobrar taNo tengo Netflix, jamás he pagado una suscripción. No rifas de Netflix. La situación se ha complicado más en ese es un statement, sino que, en serio, no tengo nada que ver sentido para los creadores. ahí. Además, he visto poquísimas series en mi vida y las que Ojalá las plataformas de streaming entendieran que puehe visto son de comedia. Para mí la tele es eso: ver cualquier de haber una convivencia con el cine, siempre y cuando cosa liviana y reírme. las películas cumplan su recorrido natural en las pantallas Sin embargo, no estoy en contra del streaming: diario grandes. Todo mundo saldría beneficiado. veo grandes películas en mi casa a través de The Criterion El director mexicano Michel Franco ha ganado tres premios en el Festival Channel. Me parece que es una excelente segunda ventana de Cannes: el galardón Una cierta mirada, por Después de Lucía (2012); para tener una nueva experiencia de la misma película. De el premio del jurado de Una cierta mirada, por Las hijas de Abril (2017), y hecho, la última película que hice, Las hijas de Abril (2017), mejor guion, por Chronic (2015). Este texto se basa en una entrevista con él. FEBRERO - MARZO 2020

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