Viernes 27 de septiembre | 20:00 horas | Teatro Principal | Guanajuato
SEGUNDA TEMPORADA 2024
Jooyong AHN director invitado Cuauhtémoc TREJO flauta
Chapultepec*. Tres bocetos sinfónicos. 1934
Manuel M. PONCE (1882 - 1948)
I. Primavera. Allegretto affettuoso
II. Nocturno. Andante molto espressivo
III. Canto y Danza. Allegretto languido
Amatzinac. Para flauta y cuerdas. 1935
José Pablo MONCAYO (1912 - 1958)
I. Despacio - Muy despacio - Moderato, poco a poco acellerando - Aprisa - Muy despacio
Impresiones de la Puna*. Para flauta y cuerdas. 1934
Alberto GINASTERA (1916 - 1983)
I. Quena. Lento
II. Canción. Moderato - Yaravi - Tempo I
III. Danza. Animado - Triste - Tempo I
INTERMEDIO
Día de verano en la montaña**. (1905)
Vincent D’INDY (1851 - 1931)
I. Aurore. Trés modéré
II. Jour (Après-midi sous les pins). Tres modéré
III. Soir. Trés animé et joyeux
El Moldavia. Poema sinfónico del ciclo “Mi Patria” 1874
Bedrich SMETANA*** (1824 - 1884)
* A 90 años de su composición ** Estreno en Guanajuato ***En ocasión del bicentenario de su nacimiento
MANUEL M. PONCE (1882 - 1948)
Chapultepec
Tres bocetos sinfónicos (1934)
A Manuel M. Ponce se le considera el iniciador del movimiento nacionalista musical en México. Con una intensa carrera en pro de la difusión y el enriquecimiento artístico mexicano, se desarrolló como: compositor, pianista, director de orquesta, pedagogo, musicólogo, investigador del folklore musical mexicano (produciendo una considerable cantidad de escritos al respecto) y crítico musical.
Ampliamente conocido por sus canciones, Estrellita o A la orilla de un palmar, tiene una muy interesante producción orquestal con obras como: Estampas nocturnas (1912); Interludio (1921); Suite Merlín sobre temas de la ópera homónima de Isaac Albéniz (1929); Scherzo y Suite en estilo antiguo (1934); Canto y danza de los antiguos mexicanos (1933); Chapultepec (1934); Poema elegíaco (1935); Ferial (1940); y las Instantáneas mexicanas (1947). Además de géneros como la música de cámara, piano solo, guitarra sola, música vocal, en el que desarrolló nutrido catálogo, y sin olvidar su incursión en el mundo de la ópera y de la música para cine, destacan en su producción dentro del género de concierto, el Concierto romántico (1910) y la Balada mexicana (1918), ambos para piano y orquesta, el Concierto del Sur para guitarra y orquesta (1941), y el Concierto para violín (1943).
El tríptico sinfónico Chapultepec, pertenece a la cuarta etapa creativa de Ponce, desarrollada a partir de 1933, y a la que el musicólogo Adolfo Salazar se refirió de la siguiente manera: “…ésta es la última, decisiva etapa de la carrera de Ponce. En ella, los avances del arte moderno se unirán, armoniosamente y sin estridencias, a la savia de la tierra. Es el momento de su plenitud…”. También es notorio en Chapultepec la influencia que impresionismo francés tuvo en el desarrollo de Ponce.
Pablo Castellanos, en su libro sobre Manuel M. Ponce, se refiere a Chapultepec de la siguiente manera:
“De esta obra, hay una versión realizada en 1922 y estrenada hasta 1929 por la Orquesta Sinfónica de México (dos meses más tarde es dirigida por el propio Ponce en los Festivales Sinfónicos Iberoamericanos de Barcelona). Los títulos de las tres partes que la componían eran: Hora matinal, Paseo diurno y Plenilunio fantástico. Posteriormente, Ponce la modificó quedando totalmente terminada hasta 1934, y siendo la nueva denominación de sus movimientos: Primavera, Nocturno, Canto y danza. Esta última versión fue estrenada en ese mismo año por la Orquesta Sinfónica de México bajo la dirección de Carlos Chávez. Cada movimiento presenta elementos folklóricos: en el primero, que evoca el ambiente del (tan famoso) bosque, figura un motivo pentáfono, basado en los sonidos que puede producir una flauta prehispánica, recordándonos que el famoso parque existía en tiempos de los aztecas. En el Nocturno surge la canción mestiza Marchita el alma; y en el tercer movimiento, aparece en primer lugar la vieja melodía conocida bajo el nombre de Canto de la Malinche y en la danza que sigue, alternan dos temas de carácter opuesto, uno primitivo y el otro popular… (que) crea un ritmo fascinante; se antoja como una referencia a las romerías del pueblo indígena y mestizo en días festivos.”
JOSÉ PABLO MONCAYO (1912 – 1958)
Amatzinac (1935)
Para flauta y cuarteto de cuerdas (1935)
Para flauta y orquesta de cuerdas (ca. 1937)
José Pablo Moncayo nació en Guadalajara (Jalisco). Después de estudiar composición con Carlos Chávez (1899-1978) y Candelario Huízar (1883-1970), Moncayo formó parte de la Orquesta Sinfónica de México desde 1932 hasta 1947, como pianista y percusionista. En el año 1942 gracias a una beca del instituto
Berkshire, pudo realizar estudios con el compositor estadounidense Aaron Copland. Fueron compañeros suyos Blas Galindo, Salvador Contreras y Daniel Ayala en el conjunto de música de cámara bautizado cono Grupo de los Cuatro.
El lenguaje musical de Moncayo se expresa particularmente en una ambigüedad tonal que en ocasiones deriva en un cuidadoso tratamiento modal de rico lirismo (Tierra de temporal, Amatzinac). A menudo construye sus melodías sobre escalas de carácter modal (sobre todo la de tonos enteros y la octatónica). Esta característica, sumada al empleo de densas texturas instrumentales, lo acerca sensiblemente al impresionismo. Asimismo, utiliza la alternancia y el contraste métrico para conseguir llamativos juegos de ritmo. Sus capacidades de inventiva melódico-armónica y de instrumentación también sobresalen en obras de firme intención tonal como Huapango y Sinfonietta, donde de nuevo es evidente una extraordinaria vivacidad rítmica. En general, su obra madura puede entenderse entre el nacionalismo sustentado sobre todo en ritmos y melodías características, y un estilo más personal que se apoya en la libertad de la armonía y la forma.
Fue precisamente en el primer concierto público con obras del Grupo de los Cuatro (25 de noviembre de 1935) que José Pablo Moncayo presentó su obra Amatzinac, escrita originalmente para flauta y cuarteto de cuerdas, junto con una Sonatina para piano.
Amatzinac es “la obra en que Moncayo define mejor su estética”, y es descrita por José Antonio Alcaraz con las siguientes palabras:
Es impresionista por sus lánguidas frases, prolongadas arquitecturas cordiales realizadas a base de novenas (obtenidas por quintas superpuestas) y la delicada muestra de texturas tímbricas como explotación minuciosa del color instrumental: es nacionalista por los intervalos que usa horizontalmente para construir sus melodías, por la distonía de sus escalas llenas de color local.
En ella musicaliza un espacio geográfico cargado de historia, el rio Amatzinac, que conecta las faldas del Popocatépetl con un cañón cercano a Tetela del Volcán en el estado de Morelos.
La partitura manuscrita de la versión para flauta y orquesta de cuerdas, en la que Moncayo hizo algunos cambios con respecto a la primera versión, es de alrededor de 1937, y la obsequió a Idelfonso Cedillo.
La obra está estructurada en tres partes, con las partes extremas lentas y la parte central es rápida. Señaladas en la partitura como: Despacio, Aprisa, muy despacio, son el marco idóneo en el que Moncayo muestra un depurado lirismo integrado con algunos de los elementos varguardistas del nacionalismo mexicano de la época.
ALBERTO GINASTERA (1916 – 1983)
Impresiones de la Puna (1934)
Para flauta y cuarteto de cuerdas
Alberto Ginastera es uno de los compositores argentinos más importante. Apenas finalizados sus estudios en el Conservatorio de Buenos Aires, se representa su ballet Pananbi en el Teatro Colón, pero su primera obra de cámara, Impresiones de la Puna, escrita en 1934 para flauta y cuarteto de cuerdas, es aún de su época de estudiante, y marca los inicios de su primer periodo compositivo, llamado “nacionalismo objetivo” (1934-1947), en donde Ginastera reproduce abiertamente las características de la música folklórica. Usa el folklore argentino y es influenciado por Stravinsky, Bartok y Falla. Son de este período, además de la ya citadas, Danzas Argentinas op. 2 para piano, Estancia (ballet), las Cinco Canciones Populares Argentinas, Las horas de una estancia y Pampeana nº 1. El estreno de la suite orquestal de su ballet Estancia, consolidó su posición dentro de Argentina.
A partir de 1948 comienza a usar técnicas de composición más avanzadas. Es el período de “nacionalismo subjetivo”, sin posiciones revolucionarias. Abandona los elementos populares tradicionales a pesar de continuar a usarlos simbólicamente. Jamás abandona las tradiciones argentinas. Son de esta fase Variaciones sinfónicas, Pampeana n. 3 para orquesta, y Sonata para piano n. 1
El período neo-expresionista, comienza aproximadamente en 1958, y está marcado por una busca continua de los procedimientos técnicos más avanzados y una disminución de la importancia que hasta poco otorgara a las características nacionales explícitas. No hay más folklore, pero continúa habiendo elementos argentinos. Además de una aproximación cada vez mayor a la técnica dodecafónica. Las obras más importantes de este período fueron las óperas Don Rodrigo Bomarzo y Beatrix Cenci
Impresiones de la Puna, de refinadas inflexiones sonoras, describe una serie de escenas de las “punas” o pastizales de la Cordillera de los Andes. Está escrita para flauta y cuarteto de cuerda y tiene tres partes: La primera, Quena, en tiempo lento toma su nombre de la flauta tradicional andina; la segunda parte es un moderato llamado Canción, y la última es una Danza que se basa en la tradición musical de la región de La Puna, situada al noroeste de Argentina, en las elevadas montañas de los Andes.
VINCENT D’INDY (1851 – 1931)
Jour d’été à la montagne, op. 61 (1905)
I. Aurore.
II. Jour (Après-midi sous les pins).
III. Soir.
Vincent d’Indy fue un fértil y polifacético compositor, director de orquesta y profesor francés. Discípulo de César Franck, retomó y desarrolló los métodos inspirados por su maestro en la Schola Cantorum, institución fundada en 1894 para superar las insuficiencias de la institución que entonces era el Conservatorio de París. En la Schola tuvo, entre otros estudiantes, personalidades tan diferentes como Roussel y Satie. Pero el tremendo impacto de sus actividades como estudioso y docente ha eclipsado su sustancial y muy diversa obra como compositor, en particular sus óperas, obras orquestales y música de cámara.
Fue sobre todo en el campo de la música orquestal donde d’Indy destacó. Su estilo ecléctico, profundamente influenciado por Beethoven y Wagner, incorporaba frecuentemente melodías del canto gregoriano y de la música popular.
D’Indy escribió Jour d’été à la montagne en 1905, en el apogeo de su madurez, como un tríptico sinfónico evocativo de un día en la montaña, desde el amanecer hasta el atardecer. En él los colores impresionistas son evidentes, particularmente en la imaginativa pintura orquestal de la naturaleza, pero la música sigue siendo esencialmente clásica en la lógica y claridad de sus audaces estructuras tonales.
Según el musicólogo francés Jean Gallois, los tres cuadros de que consta la obra son “una celebración de la naturaleza en todo lo que tiene de bello, de solemne, de perdurable, de infinito”, mientras que el propio d’Indy se refirió a ellos con las siguientes palabras: “Aurora, un amanecer sin nubes; El día, ensueño en un bosque de pinos, mientras se escuchan cantos, abajo, en el camino; Noche, vuelta al albergue con las últimas luces sobre las copas de los pinos, después… la noche”.
En el ámplio amanecer del primer cuadro, Aurore, la orquesta, al comienzo inorgánica, se ilumina poco a poco con las cuerdas y los instrumentos de viento hasta culminar en un brillante Si mayor y una triunfante melodía “straussiana” en la trompeta que simboliza el amanecer.
La atmósfera sofocante de Tarde bajo los pinos (subtítulo del segundo movimiento, Día), sugerida por una expansiva melodía en mi mayor, se ve interrumpida por un vigoroso baile popular. Posteriormente la sombría escritura del corno anuncia la llegada de las nubes y un pasaje cromático ascendente y descendente casi bartókiano en el piano y los timbales evocan un breve retumbar de trueno.
En Soir, un rondó de concepción muy original, el día comienza a declinar y se va imponiendo una solemnidad expresada por la bellísima antífona gregoriana de las Vísperas de la Asunción.
Jour d’été à la montagne fue dedicada a Henry Kunkelmann y se estrenó el 18 de febrero de 1906 en los Conciertos Colonne de París.
BEDŘICH SMETANA (1824
– 1884)
El Moldava Poema sinfónico no. 2 del Ciclo “Mi Patria” (1874)
Aunque el nombre que consta en la partida de bautismo de Smetana es Friedrich, las oleadas revolucionarias de tipo nacionalista de mediados del siglo XIX propiciaron que adoptara el nombre checo Bedřich y dirigiera su interés como compositor, desde una estética vienesa académica, hacia la ramificación bohemia del Romanticismo musical.
A partir de las ideas nacionalistas absorbidas y por la influencia que sobre él ejerció el estilo musical programático de Franz Liszt, entre 1874 y 1879, Smetana llevó a cabo la empresa de componer de una serie de seis poemas sinfónicos que fueran capaces de transmitir y retratar los cuentos, leyendas y paisajes de su Bohemia natal que, desde hacía más de 200 años, estaba sometida al Imperio Austrohúngaro. Aunque éstos se concibieron como obras individuales, y se estrenaron como tal en distintas fechas, se presentan en la actualidad formando una obra de seis movimientos conocida como el ciclo sinfónico Má Vlast (Mi Patria) que, iniciado en 1874 y terminado en 1879, es la prolongación del “credo patriótico” expresado por Smetana en sus primeras óperas.
Las seis piezas que lo componen se dividen entre la evocación de la naturaleza checa (El Moldava y Por los prados y los bosques de Bohemia) y la de los acontecimientos de personajes y lugares históricos (Vyšehrad, Šárka, Tábor y Blaník).
El segundo de los poemas sinfónicos, El Moldava (Vltava), fue escrito en el término de tres semanas, entre noviembre y diciembre de 1874, cuando Smetana ya había perdido totalmente la capacidad auditiva, y se estrenó en El palacio Žofín de Praga el 4 de abril de 1875. En él destaca el timbre, el colorido orquestal, la intención pictórica, y un gran lirismo.
Smetana dio al Moldava, afluente del Elba, una importancia nacional comparable a la del Rin para los alemanes o el Danubio para los austrohúngaros.
El Moldava adopta su forma musical en función del contexto extra musical que lo alimenta, y que es detallado por el propio compositor de la siguiente manera:
La composición describe el curso del Moldava: el nacimiento en dos pequeños manantiales, el Moldava Frío y el Moldava Caliente, su unión, el discurrir a través de bosques y pastizales, a través de paisajes donde se celebra una boda campesina, la danza de las náyades a la luz de la luna; en las cercanías del río se alzan castillos orgullosos, palacios y ruinas. El Moldava se precipita en los Rápidos de San Juan, y después se ensancha de nuevo y fluye apacible hacia Praga, pasa ante el castillo Vyšehrad, y se desvanece majestuosamente en la distancia, desembocando en el Elba.
El comienzo de El Moldava es una pura descripción. Una figura en una flauta primero y después en otra, traducen el murmullo de los dos arroyos que se unen para dar nacimiento al río. Luego va creciendo con clarinetes, viola y toda la cuerda. De este perpetuum mobile nace el tema dominante de la obra, el del río, que se presenta primero en la cuerda con los violines y luego en el tuti orquestal.
Siguiendo, y evocando, el curso del Moldava, se suceden diversos cuadros, indicados por subtítulos en la partitura: primero una escena de caza en los bosques (instrumentos de metal), después una boda campesina (danza popular con ritmo de polka, en la madera y la cuerda). Después reparece la figura del comienzo, en un clima oscuro y una música que evoca la noche en una textura sonora preimpresionista, que desemboca en la reexposición, en la que el tema del Moldava se disloca en violentos choques orquestales cuando evoca la llegada del rio a las cascadas de la Garganta de San Juan. Seguidamente el curso del rio se ensancha y llega a Praga, en una grandiosa culminación, con el tema de Vyšehrad (El viejo castillo), que se refleja en sus aguas. Después, un diminuendo, donde la orquestación se aligera hasta quedarse sólo con los violines, simbolizando el curso del rio que se pierde en la lejanía, da cierre a la obra.
Jooyong Ahn – Director.
Nacido en Corea del Sur, pero radicado en Estados Unidos durante varios años, Jooyong Ahn estudió en la Universidad Kyung Hee de Seúl y se especializó en interpretación de violín y viola.
Tiene dos títulos de Maestría en Música; uno de estos en Dirección de Orquesta en la prestigiosa Shepherd School of Music de la Universidad Rice en Houston, Texas.
Josep Jofré i Fradera s
Sus actuaciones como intérprete y director lo han llevado a presentarse en distintos foros importantes de música, destacando el Teatro del Libertador en Córdoba, Argentina; el Centro John F. Kennedy de Washington D.C., el Carnegie Hall de Nueva York y el Academy Hall de Filadelfia.
Durante su trayectoria musical ha colaborado con músicos de gran relevancia como Kathleen Battle , Pierre Fournier, Yo-Yo Ma, Enrique Graf, David Spencer y Henryk Szeryng.
Jooyong Ahn ha ocupado la dirección musical de orquestas en Corea y Estados Unidos, así como en algunas más en tres continentes.
En su paso por Europa dirigió la Sinfónica Nacional de Estonia, así como las Orquestas de Cámara de Letonia, de Lituania, de Georgia, de Rumania; la Sinfonietta de Eslovaquia y la Orquesta Filarmónica de Plovdiv de Bulgaria.
En 1993 realizó una gira por Estados Unidos dirigiendo a la Sinfonietta de Eslovaquia. En Italia trabajó en la Opera Music Productions de Milán.
En Asia, particularmente en Corea del Sur, ha dirigido a las Orquestas Filarmónicas de Daejeon, de Seúl, de Busan, y a la Orquesta Sinfónica de Daegu.
En Estados Unidos fue director musical del Festival Piccolo Spoleto en Charleston, Carolina del Sur, y de las orquestas en Pensilvania y Kentucky.
Se ha desempeñado como jurado Internacional de Dirección Orquestal de Dirección Internacional en competencias en Estados Unidos, Europa del Este y Sudamérica.
El Maestro Ahn ha sido dirigido, como invitado, en Shanghái, Qingdao y Harbin, China; Asunción, Paraguay; Belem, Brasil; Buenos Aires y diez ciudades más de Argentina.
Ha impartido clases magistrales de Dirección en el Conservatorio Nacional de Riga, Letonia; en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, Argentina y en el Conservatorio de Música de Shanghái, China.
También ha dirigido óperas como Suor Angelica, Gianni Schicchi y La Boheme, de Puccini; Las Bodas de Fígaro, La Flauta Mágica, Cosi fan tutte y El Empresario, de Mozart, así como Die Fledermaus, de Johann Strauss, entre otras.
En 2023 realizó su debut en México con la Orquesta Filarmónica de Pachuca, en Hidalgo y, posteriormente, fue invitado como director Huésped en la Orquesta de Cámara del Estado de Zacatecas, lugar en el que, además, decidió́ radicar de forma permanente.
Cuauhtémoc Trejo Barajas – Flautista.
Flautista principal de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato y miembro fundador de Capella Guanajuatensis, así mismo ha sido flautista principal de la New Trinity Baroque Orchestra de Atlanta, Concerto Antico de Boston y Ars Antigua de St. Louis Missouri, EUA.
Ha colaborado con jóvenes compositores del Bajío, así como con eminentes compositores como Georges Crumb, Joaquín Gutiérrez Heras, José Luis Castillo, Ricardo Zhon, Carlos Sánchez y Juan Trigos.
Fue fundador del ensamble Ehecalli y actualmente colabora con el ensamble Pegasus de Guanajuato.
Como maestro se ha desempeñado en el Departamento de Música de la UG, el International Flute Festival de Strattford, Inglaterra y el Festival Instrumenta, Oaxaca.
Ha realizado diversas grabaciones entre las cuales cabe mencionar la primera grabación de Amatzinac de José Pablo Moncayo con la OSUG, Música Francesa del Siglo XVIII con la Capella Guanajuatensis y Del atelier del Relojero al Estudio del Pintor con la Flauta de Cristal de Claude Laurent, 1835. En el año 2011 fue nominado custodio artístico de dicho instrumento histórico.
ORQUESTA SINFÓNICA
DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
Violines Primeros
Dmitry Kiselev - Concertino
Héctor Hernández Pérez – Asistente de concertino
Maksim Smakkev
Jorge Luis Torres Martinez
Luis Enrique Palomino
Katherine Giovanna Ramírez
Urpi Dainzú Holguin González
Yessica Melgar
David Jesús Viña
Pedro Zayas Alemán
Alexander Applegate
Violines Segundos
Sergio Andrés González * (-)
Moab Alberto González López ** (-)
Andrés Ildefonso Gallegos Rodríguez
Fidel Berrones Goo
César Ulises Gómez García **(-)
Violas
Lydia Bunn * (-)
Oscar Pinedo Nava **(-)
Augusto Antonio Mirón Pleitez
Betsabé Jiménez Valencia
Carlos Reyes Hernández
Anayantzi Oropeza Silva
Andres Carballar Trejo **(-)
Violonchelos
Michael Severens * Bruno Mente ** (-)
Luis Gerardo Barajas Bermejo
Fernando Melchor Ascencio
Fortunato Rojas Francisco
Omar Barrientos
Cintia Presa Rodríguez *** (-)
Contrabajos
Russell Brown *
Óscar Argumedo González *
Jorge Preza Garduño
Rodrigo Mata Álvarez
Pedro Álvarez Vigil
Guillermo Caminos López
Andrés Peredo Plascencia
Flautas
Cuauhtémoc Trejo *
Víctor Frausto Zamora **
Laura Gracia Guzmán
Oboes
Héctor Fernández * (-)
Jorge Arturo García Villegas
Clarinetes
Hugo Manzanilla *
Heather Millette ** - Clarinete Piccolo
Fagotes
Katherine Snelling *
Ariel Rodríguez Samaniego
Cornos
Claire Hellweg *
Darío Bojórquez **
Michelle Pettit
Apolinar Alavez Salas
Juan Raúl Gutiérrez Morales **(-)
Trompetas
Macedonio Pérez Matías *
Juan Cruz Torres Díaz **
José Cayetano Hernández Díaz
Trombones
Louis Olenick *
Gil Martínez Herrera
Trombón bajo
John Swadley
Tuba
Salvador Pérez Galaviz *
Timbales
Óscar Samuel Esqueda Velázquez *
Percusiones
Alan Sánchez Sánchez
Ulises Hernández
Eduardo Hernández Rodriguez ***(-)
Piano
Iván Hugo Figueroa **
Arpa
Alejandra de ita López ***(-)
Músicos invitados
David Pérez Patlán- Violín 1º ***
Luis Andres Tovar – Violín 1º ***
Wolfgang Andres Graterol RomeroViolín 2º ***
Mario Armando Soria – Violín 2º ***
Abraham Quintanilla Melgar – Violín 2º ***
Christian Barajas – Violín 2º ***
Astrid Jerez – Violín 2° ***
Marijose Ruiz Villaseñor - Viola ***
Omar Sánchez - Violoncelo ***
Carlos Pabón Castañeda – Flauta *** Omar Elizalde Hernández – Oboe *** Francisco Javier Gutierrez- Clarinete Bajo ***
Alan Monahan – Contrafagot ***
Joana Tellez Sosa – Arpa ***
*Principal **Co-principal ***Invitado (-) Temporal
PERSONAL ADMINISTRATIVO OSUG
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Mtra. Carolina de la Luz Pérez Cortés Coordinadora de Personal
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Cuauhtémoc Vega
Gustavo Emilio Espinosa Rodríguez
Manuel Gutiérrez Auxiliares Técnicos
Programa de Mano | Notas al programa
Josep Jofré i Fradera
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