Face The Lie Zine #4

¡Hola!

En la editorial del número anterior dije que no sabía por qué, pero que los días previos al acabar cada número del fanzine eran especialmente malos.

Pues en este número he de decir que se ha roto esa tradición de mierda. Teniendo en cuenta todo lo que ha pasado desde agosto del año pasado (¡joder, cuánto tiempo!) me puedo considerar muy afortunado. Ha habido momentos desastrosos, pero estos tres meses encerrado en casa los pasé excepcionalmente bien teniendo en cuenta lo extraordinario y terrorífico de los acontecimientos, y no me puedo quejar en absoluto de nada, porque soy un auténtico privilegiado comparado con todxs lxs que las están pasando canutas de verdad. Y tenemos que estar preparadxs, porque se avecinan tiempos muy muy jodidos a muchos niveles, sólo hay que echar un vistazo por la ventana. El tiempo dirá si esto no ha sido la excusa perfecta para tenernos un poco más controladxs y desempoderarnos cada vez más.

Estos meses podrían haber sido una oportunidad de lujo para adelantar muchísimo el contenido del zine, pero no fue así, y pese a que ese tiempo se me pasó considerablemente rápido, me da la impresión de que este número ha tardado una eternidad en gestarse. Además he tenido que pelearme un poco conmigo mismo, porque esta vez me ha costado horrores el ponerme a escribir. Aún así, creo que ha quedado un número bastante guapo.

Este número tiene contenidos guays. No me gusta caer en mitificar o poner en pedestales a grupos o directamente a la gente, pero esta vez se han ido subiendo al carro varias personas que cada vez que veo sus aportaciones me pongo muy pero que muy contento.

Bueno, como verás han cambiado varias cosas por aquí. El diseño, la fuente que uso, que por primera vez hay publicidad (y eso que me mostré contrario a ella en una entrevista que nos hicieron hace unos pocos meses a unos cuantos zines los colegas del Motive, eso me pasa por bocas). Además de que me apetecía cambiar un poco para no aburrirme, la razón de este cambio de apariencia es simple. Cuando llevaba algo más de la mitad del trabajo hecho me dio un pequeño nervous breakdown y decidí que debía dejar de utilizar el Word para maquetar el zine cuanto antes, porque si seguía con él no iba a llegar a viejo. Así que trasladé todos los contenidos al InDesign, que cada vez estoy más cómodo con él. Y me dije: ya que ahora tengo más posibilidades a la hora de maquetar, ¿por qué no hago el zine en A4? Y así lo hice. Cuando faltaba muy poco para completar el número fui a la imprenta para probar a imprimirlo, a ver cómo quedaba. Y aparte de que no resultó como pensaba, cuando me dijeron el precio de la tirada que quería hacer casi me da un infarto. Y como volver a ajustarlo todo para volver al A5 me daba una pereza gigantesca, lo dejé así. Se que la letra es muy pequeña esta vez, y tengo un poco de miedo de ver cómo queda impreso, así que perdona las molestias y las dioptrías que te pueda generar. Para el próximo número te prometo que la letra será mayor. Y lo del cambio en el precio no sé, me apeteció. En el próximo número diré si ha sido una idea magnífica, una idea de mierda o simplemente una idea. ¡Y bueno, ya ves que por primera vez hay un suplemento! Senén es un buen colega, y después de alegrarnos la cuarentena y la vida en general con sus edits y sus publicaciones en Facebook, la verdad es que me encanta que haya pasado una parte de ello aquí. Últimamente también he estado pensando bastante en el propio fanzine. En quién lo leerá, qué pensará la gente de él, qué pesamientos podrán generar ciertos textos... Y la verdad es que me ha sorprendido darme cuenta de que esto me importa bien poco. Al final esta es mi movida, y un poco mi bebé mimado. Si te gusta genial, y si no no pasa nada. De hecho me fliparía que surgiese un fanzine que cuestionase los contenidos de este. Pero no lo hagáis porfa, no deis a estos papeles más importancia de la que tienen.

Hablando de fanzines, tengo varios en mente al margen de este, me apetece expandirme y en ocasiones me he llegado a sentir un poco cansado de esto. Uno de esos proyectos es un cómic cuyo protagonista es un antihéroe con bigote, camiseta de Void y hucha al aire llamado El Último De Tahití, que sería un poco como los Unfun que aparecen al final del fanzine pero siguiendo una historia y mucho más desatado en todos los aspectos. El guión lo voy escribiendo a trompicones, a ver si algún día me pongo con ello en serio porque me tiene buena pinta. También tengo en mi cabeza monográficos sobre algunas de las frikadas que me obsesionan, sea cualquier aspecto especialmente sórdido de la Iglesia católica, algún enfoque poco explotado de Hüsker Dü, una visión determinada acerca de la apasionante España Negra de siglos pasados o chistes sobre pollas, que parece que es el tipo de humor en el que me he quedado anclado. Una vez más, dudo que en algún momento llegue a salir ni la mitad de estos proyectos, pero en mi cabeza suenan de fábula, y así me distraigo un poco. Ideas no me faltan, lo que me falta es el empuje para llevarlas hasta el final. El día que logre derribar esa barrera arderá no sólo Troya, sino medio mundo. Pero bueno no sé, con el revival este que está habiendo orquestado desde las escuelas de arte y talleres de autoedición (que no tengo nada en contra de ellos... pero no sé, los fanzines están bien donde están, en el subsuelo) cada vez me da mas pereza oír hablar sobre fanzines. De hecho, me parece que a veces nos tomamos a nosotrxs mismxs demasiado en serio. Sea como sea y pase lo que pase, el Face The Lie siempre será el sitio donde reivindique mis manías, mis obsesiones y mis neuras, lo sucio, lo feo y lo incómodo sea para lxs acérrimxs del bando que sea. Y para bien o para mal, he llegado a un punto en el que no me veo dejando de hacer esto en un corto/medio y espero que largo plazo. Porque perderé muchas veces la paciencia y me darán ganas de lanzar el ordenador por la ventana pero, ¿y lo que recibo a cambio?

Este fanzine ha sido impreso en junio del 2020 en Xixón Todos los artículos, entrevistas y dibujos (salvo cuando se indica) fueron hechos por Mateo Torres Han colaborado Abraham, Ana, Antonio, Alex SN, Fidel, The Hunter, Joel, Juninho, Lara, Luis-ardo, Oscar y Senén. ¡Gracias!

Gracias también a todxs lxs fotógrfxs cuyo trabajo aparece aquí. facetheliezine@gmail.com - Face The Lie Zine (Facebook)

PLAYLISTS JOEL Rudimentary Peni - Teenage Time Killer Void - Who Are You? Battalion Of Saints - My Mind’s Diseased GAUZE - Thrash Thrash Thrash Die Kreuzen - Pain/Sick People D.R.I. - Violent Pacification Anti Cimex - Braincell Battle Skull Boys - Slave INVASIÓN - Weapon Of Mass Destruction DYS - Brotherhood Free Step - Free Step Gorilla Biscuits - Degradation Project X - Dance Floor Justice E-330 - Raich Intolerance - Reflexiones EXTINTOR - Condenado MDC - I Remember Beastie Boys - Brand New Über - La Calle Es Mía ·D·C·A· - Loud, Fast, Deaf!!

Adolescents - Balboa Fun Zone (Riot On The Beach) Stiff Little Fingers - Alternative Ulster Shattered Faith - Right Is Right The Dicks - Hate The Police

MATEO Randy - The Guide To Judicious Thinking Fugazi - Rend It Turning Point - Behind This Wall Discarga - O Porque Da Violencia Abhinanda - Illumination Life... But How To Live It - Travel Anomie - Les Liens Raw Power - Fuck Authority Red Dons - Walk Alone SNFU - Drunk On A Bike Cólera - Medo CRIM - No Em Fas Falta Suicidas - Vives Sin Sentirte Vivo Snapcase - She Tragedy - In Formation Stasi - Mil Fantasmas Fucked Up - Baiting The Public Pt. 1 Mega City Four - Android Dreams The Undertones - Billy’s Third Sudor - Vais Deprisa (Y No Me Aclaro) Sunstroke - Procedure 203-11 Cheater - My Time To Live La Quiete - Giugno Lagwagon - Bye For Now

Tecleando en iVoox Playlist Face The Lie #4 podrás escuchar todas las canciones de seguido sin publicidad ni infracciones de copyright puestas por el puto YouTube, que le está dando por tocar los huevos más que de costumbre.

En este número encontrarás: Columnas Entrevista a Chaviré Mi vida es un chuchillo: En memoria de Derrota Recuperando a: Dies Irae Entrevista a Detroit Entre Ratas Entrevista a Hot Snakes Kill Surf City Entrevista a La URSS Entrevista a Manu Griñón E-150: La Rabia Justifica Los Medios Entrevista a Mario Rivière Los discos de Jawbreaker Entrevista a Passage 4 Estudio de una fachada local en tiempos de COVID-19 IDC Entrevista a REIZ Rudimentary Peni Entrevista a Serpent BYN Entrevista a Servet Reseñas Textos: Aspereza desde el Estado de Alarma Locals only: La historia del Nardcore Shit Eaters, segundo asalto Unfun Milladoiro: obra y milagros

…Y el Serebro se nos llenó de Mierdas…

ALCANZAR EL CIELO Lucía era una niña de doce años. Una chica normal, de las de toda la vida.

Sus amigas ya empezaban a moverse en el mundo del breakdance, el rap y a coquetear con chicos. Algo muy normal en los preadolescentes de su época pero que, sin embargo, a ella no le motivaba. Sus amigos quedaban para ir al parque, escuchar música y pasar la tarde y, aunque ella asistía asiduamente, no compartía esos gustos y comenzaba a sentir una sensación de soledad y de vacío que iba haciendo mella en su desarrollo emocional. “Lucía, ¿nos vemos a las cinco? - “venga va” solía responder con más desgana que ilusión cada tarde después de clase.

Madrid, años 90. Y dentro de Madrid... MALASAÑA.... ... Aquello era demasiado. Mucho se ha hablado y escrito sobre los 80 y “La Movida”, pero quienes vivimos, nos bebimos y crecimos en los 90 en ese barrio, no tenemos absolutamente nada que envidiar a tiempos anteriores y su “explosión de creatividad”. Quizás ya estaba la semilla plantada, pero la cantidad de grupos, tribus urbanas (siempre que no fueras un puto nazi, allí eras bienvenido), locales donde escuchar buena música y conciertos, movimientos sociales/vecinales, sellos discográficos y fanzines (o Dios si, fanzines), que surgieron a lo largo y ancho de todas esas calles, son innumerables... Y entre toda aquella cantidad de sub-cultura, tuve el privilegio y placer de formar parte de varias publicaciones que en mayor o menor medida, algo de huella dejaron a su paso, modestia aparte.

Pablo era el padre de Lucía. Un recién estrenado cuarentón que trabajaba en un horario de ocho a cinco, que tenía una casa normal, un coche normal y una familia normal. Sin embargo, tenía una pasión por casi todos conocida; la música. Pablo era un amante del punk rock de los 90s y de todo lo que ese género le había ofrecido en sus años sin preocupaciones.

Teniendo obligaciones y responsabilidades, su pasión no había cambiado, pero sí su forma de vivirla. Atrás quedaron esas semanas donde los conciertos en la sala de turno se enlazaban de lunes a domingo. Atrás quedó el ir a un directo sin ni siquiera saber qué grupo tocaba. En esa nueva etapa de su vida, y como él siempre solía decir a sus amigos: “si viene un grupo mítico, dadme un toque. Voy fijo”.

Aquel día era un día especial. Uno de los grupos de cabecera de Pablo volvían a la ciudad tras largos años de silencio. Había cambios en la formación, seguramente no tocaran tan rápido pero, no era solo un concierto, era juntarse con los amigos de siempre a hacer lo de siempre en una época distinta. Todo un viaje en el tiempo. Algo que sólo la música puede conseguir.

Eran las 19:00 de la tarde, Pablo desempolvaba la típica camiseta de los conciertos mientras sus mujer, María, se arreglaba a regañadientes. “Esta es la última vez que me lías. Sabes que no me gusta esta música y que no me gusta dejar a Lucía sola en casa”. No importaba las veces que dijera esa frase, en el cuarto de baño Pablo andaba muy ocupado cantando “Don’t Call Me White” como si fuera su primera vez.

A las 19:45 Pablo estaba ya nervioso, con la chaqueta a medio poner y las llaves en la mano se despidió de su hija: “Lucía, pórtate bien. En la nevera tienes la cena. Acuéstate pronto. Y ya sabes, no bajes al sótano”.

El sótano. Ese lugar prohibido que hacía que Lucía sintiera esa mezcla de respeto y curiosidad por todo aquello que es desconocido.

La puerta se cerró de golpe y Lucía se envalentonó. “Hoy es el día, voy a descubrir que se esconde tras la puerta del sótano”. Fue al cajón de la entrada, sacó la llave larga y antigua que abría la puerta, y se dispuso a bajar al lugar prohibido. Bajó las escaleras con emoción y al llegar no dio crédito. El sótano estaba empapelado por posters de giras de grupos que no había oído en su vida. Grupos que no sabía ni pronunciar: NoFx, D.R.I. y otros tantos que podían sonarle de alguna camiseta que su padre usaba para estar en casa. Vio vinilos, cds y hasta cintas de cassette. Estaba en un mundo nuevo para ella, pero la curiosidad y el olor a nostalgia de todo aquello le hizo seguir indagando. Lucía fue capaz, después de varios intentos, de poner un vinilo en el tocadiscos y de escuchar algo nuevo para él. Mientras “Reach For The Sky” sonaba de fondo, él ya había descolocado toda la colección musical de su padre. Ajeno al paso del tiempo, cuando se quiso dar cuenta, escuchó una voz “Lucía, !ya estamos en casa!.

Lo que sucedió después ya es historia. Lejos de enfadarse y de regañar a su hija, Pablo descubrió con los ojos emocionados, como su hija había decidido interesarse por lo que él más amaba. Siempre le prometió a Maria, ferviente detractora de la música punk rock y hardcore, que él no influiría en la decisión musical de su hija en común. Que Lucía debería descubrir por ella mismo sus gustos y sus aficiones, y que ambos los respetarían.

Sin embargo, aquella noche, Lucía dio un paso para acercarse no solo al punk rock, sino también a su padre. Desde ese día, el sótano dejó de ser un lugar prohibido para ser un lugar de encuentro entre padre e hija. Un lugar de aprendizaje donde, no solo Lucía y Pablo ganaban, sino también un género musical que no está al alcance de todos.

Pasó el tiempo y Pablo y Lucía compartieron algún que otro concierto juntos. Lucía se independizó y se llevó parte de la colección de su padre.

Se echó novio, y ahora, con 24 años, y a las puertas de una temprana maternidad, busca una casa con sótano donde dejar que la música espere el próximo relevo.

Antonio Linoleum

Yo por aquel entonces militaba en las filas del Rap (si, así era; botas de basket con lengüeta enorme, pantalones 4 tallas mas grandes, cadena con símbolo de Volkswagen al cuello, corte de pelo a lo Vanilla Ice y una bomber de capucha con pelo blanco, era mi uniforme de guerra...), pero como os comentaba antes, en Malasaña, sino eras un puto Bone head (un cerdo, un pelado, un sucio nazi), convivías en perfecta armonía con Skaters, Punks, Jevis, Rockers, Mods, Skin heads de los de verdad, HardCoretas, Rastas y Grunges (fue el otro gran movimiento de los 90, junto al movimiento Hip Hop), y no solo convivías, sino que intercambiabas bebida, ideas, conocimiento y música, mucha música (Internet estaba en pañales, y se empezaba a ver algún que otro móvil, pero el teléfono fijo de casa de tus padres, era nuestro wassap). Y de ese modo fue como conocí a lo que seria la gente que conformaría la “Redacción” del fanzine con el que me desvirgue en ese mundo: “Mierda pa´tu Serebro”. Limón, Tano, Marcos, Mena, Juanse, Carlos y un servidor, por aquel entonces conocido como “El Rapper” y más tarde Fleck (de flequillo... Me rape la cabeza y me deje solo un mechón largo de pelo en la frente, el cual superaba mi barbilla y bajaba casi hasta mi cuello). En fin, allí estábamos, un mix de jevis, punkrockers, trashers, un rapero y rockeros más clásicos, con ganas de comernos el mundo y contar muchas cosas.

Así que manos a la obra. Tu escribe sobre música, el otro sobre cómic, el sobre porno, aquel que cuente los directos a los que vaya, yo graffiti y dibujar cómics chorras, y entre todos, intentar hacer alguna entrevista, contactar con algún famosillo y fusilar revistas y publicaciones que nos gustaran, recorta, fotocopia y pega y ya tenemos nuestro número Cero!!!...

Ponemos 1000 pelas por barba, y a Moncloa, donde salían las fotocopias mas baratas de todo Madrid y desde allí, a distribuir a las cientos de tiendas de cómics que había por aquel entonces y bares del rollo. Y porque

no, vamos a intentarlo en alguna otra tienda, si se vende, pues mira. Y mira si, por donde, que por aquel entonces la gente de Def Con Dos, de los cuales eramos todos fans, tenían una tienda con su merchandising justo en la otra esquina de nuestro bar favorito, el Malandro, en la Corredera Alta de San Pablo, el llamado “Legado Social”, y donde Eva, la por entonces pareja de Cesar Strawberry, llevaba el negocio. Y no sabemos por que, el flechazo con la gente de Def Con Dos fue rapidísimo. Les caímos en gracia, y aparte de llevarse nuestros fanzines a vender en sus conciertos, nos invitaban a ellos, nos regalaban camisetas y nos llegaron a dar la mitad de la pasta que nos costo hacer unas camisetas y unos parches, que luego devolvimos con las ventas, además de conseguirnos hacer de extras en “El Día de la Bestia”, de Alex de la Iglesia, si, donde ellos salen haciendo que tocan mientras suena Ministry... Y en “Historias del Kronen”.

Y poco a poco y gracias al dicho a quien a buen árbol se arrima buena sombra le cobija, empezó a conocernos todo Cristo por Malasaña, por lo que tuvimos que aumentar tirada y distribución. Como dato curioso, un tío que empezaba a destacar en eso del cómic y las viñetas, comenzó a enviarnos sus paginas para que las publicáramos, un tal Ladrón (¿os suena?).

Y fue preparando el numero 3 (iba a ser nuestro 4ºnúmero en la calle), cuando dijimos de tirar alto, porque no?, total, si lo conseguimos puta madre, sino, que más da... Y nos pusimos como locos a escribir a sellos discográficos, a ver si alguien nos respondía... Y joder, si entrevistamos hasta a La Polla Récords!!... Y a Beastie Boys!! Y a Psilicon Flesh!!... Y joder si, a los NOFX!!... Aquella entrevista si fue de lo más extraña. Entre todos recuerdo que escribimos unas 9 preguntas, las cual las enviamos por correo ordinario al otro lado del charco, a Fat Wreck Chords, a ver si hubiera suerte y llegara a su destino, alguien la leyera y volviera de vuelta con nuestras preguntas contestadas... Así de ilusos eramos. Y mira por donde, cierto día a ir a recoger el correo a nuestro apartado postal (otro día os explico que es eso, millenians), nos encontramos con una carta proveniente de California... ¿Pero que cojones?. Y allí estaba: Una hoja promocional con todo el catalogó de Fat Wreck, donde el mismísimo Fat Mike había aprovechado los blancos de los bordes y los blancos entre referencias para escribir las respuestas (¿que cabrón de estos se quedaría esa carta?)... La puta oxtia... Ni guardo un solo ejemplar de ese número 3 (solo la portada), ni me acuerdo de las respuestas, pero si de una, ya que nos llamo mucho la atención. A la pregunta ¿Que escuchan NoFx para beberse tranquilamente una birra con amigos?, Nos contestaron que “A Linda Ronstadt...”. ¿¿??... ¿¿Seria un vacile??. En fin, lo importante es que la ilusión que nos hizo aquella jodida carta, seria algo así como recibir de golpe 1000 likes a alguna foto en instagram, para que podáis entenderlo.... Y aquello duro hasta el número 5, donde la discusión si publicar o no un cómic de un citado ya conocido en el mundo del cómic, desemboco en una fuerte bronca y la disolución del Mierda pa´tu Serebro... Yo un tiempo después continué con mi propio fanzine, HipHop Locos, el cual publique hasta el número 7, el cual después medio profesionalizamos conviertiendolo en Serie B, fanzine que acabo profesionalizándose del todo y convirtiéndose en una revista distribuida por quioscos de toda España y siendo un referente en la cultura urbana y movimientos underground de este país, pero eso son otras mil millones de historias que en algún momento, o no, os contare. Ahora estamos con Cuervo y Wrack!!!, y pensamos darle bien fuerte...

The Hunter, Cuervo Zine Veganismo en Brasil El veganismo se ha hecho muy grande en todo el mundo, y como consecuencia de esto, obviamente, vemos a grandes empresas que hacen fuertes inversiones y toman el lugar de las pequeñas empresas. ¿Cómo de positivo o negativo puede ser esto para el veganismo? Obviamente, para mí divulgar y difundir siempre será algo positivo, pero tenemos que tener cuidado con algunos detalles importantes para que el tema no se banalice.

El veganismo siempre ha sido y siempre será una posición política, es por eso que además de tener en cuenta el qué y qué no comer, también tenemos que poner en práctica el reflexionar y hablar con personas cercanas a nosotros para mantener nuestros principios fuertes.

El consumo de productos simples englobados en la base alimentaria fue la forma en que descubrí que el veganismo. Los granos, las verduras, las frutas, las semillas, los alimentos crudos, de temporada y locales son la mayor fuerza alimentaria que tenemos en nuestras manos, así que estos deberían estar en nuestra mesa todos los días, especialmente en casa.

Aquí en Brasil necesitamos dialogar con las partes más pobres de la sociedad, donde la carne y los productos cárnicos siguen siendo sinónimo de estatus y estabilidad financiera, por lo que nos resulta muy difícil establecer un diálogo. Mantener un diálogo con personas de bajos ingresos es esencial para cualquier lucha política, para demostrar que somos un país rico en alimentos simples y baratos que no son de origen animal, y esta lucha esencial combatirá directamente a las grandes empresas. Un nuevo grupo brasileño llamado “movimento afro-vegano” aborda este tema bas-

tante: la inclusión de la comunidad negra en las discusiones sobre veganismo, cuánto puede excluir a las personas de bajos ingresos al dejarlas completamente fuera solo por su color de piel u origen. Hablando un poco ahora sobre los anuncios de alimentos veganos, vemos en primer lugar compañías más grandes (y no veganas), que invierten mucho en nuevos productos debido a esta nueva moda. Esto me hace creer que los veganos comen sólo alimentos procesados, u otros que “imitan” alimentos de origen animal, y veo un gran impacto negativo en este enfoque, donde solo se vende un producto industrial (la mayoría de las veces tampoco es muy saludable), donde excluye la verdadera base del veganismo. La exclusión de alguna parte de la sociedad por estándar financiero o raza no puede ser una realidad cuando se habla de veganismo, por lo que creo que este es un tema poco discutido, pero de gran importancia, especialmente en países del tercer mundo, que nunca se puede dejar de lado si queremos evolucionar con este asunto a nivel global. ¡Por un veganismo accesible para todxs!

Juninho O Inimigo Retrospectiva de la introducción al mundo y escena punk Cuando entré en el mundillo este del punk tenía 13 años, mis grupos favoritos eran Extremoduro y a the Offspring que fueron los que me adentraron en la música, el mensaje y la escena. Los primeros me condujeron a La polla records (que por alguna extraña razón tenían en la pestaña de relacionados de spotify a Sartenazo cerebral, mi primer contacto con la escena local) y gracias a los segundos descubrí a bandas como Nofx y tras verlos en el primer Tsunami xixón descubrí a las demás bandas del “mainstream” del punk rock como Pennywise, Rancid o Bad Religion.

(Gracias a un comentario en el instagram del festival en cuestión también me abrí de descubrir un poco la escena local en xixón por que recuerdo empezar a seguir a unos tal Rotten teens por un comentario del cantante Joel diciendo que trajesen grupos buenos de una puta vez o algo asi).

Creo que mi forma de adentrarme dentro del género y de todo lo que lo envuelve es la que debe de vivir todo aquel que se mete en el punk, con las bandas mainstream de los 90 (a no ser que tu tío te haya puesto de pequeño a los ramones en el coche y hayas tirado por ahí o que alguien te haya enseñado a una banda local). Algo muy curioso es como muchas de estas bandas con las que se suele en el género pueden llegar a ser las menos aceptadas, lo cual te choca e incluso te incomoda. Es una toma de contacto de mierda, que unos tios en un foro en el que glorifican a Misfits te digan que “todo en lo que crees es mentira”, estoy exagerando pero os haceis a la idea.

A veces da la sensación de que la gente (tanto en la vida como en la música) solo sabe mirar hacia atrás, es normal por que nos llegan cosas muy molonas, pero es pedante como a veces solo se puede hablar de la cantidad de gente y lo mejores que eran las bandas en el pasado cuando yo en verdad casi que disfruto más en los pogos no muy llenos y con bandas actuales (Amplify y Blowfuse son dos ejemplos de la ostia), acepta lo que tienes, porque esta de puta madre y no seas un polla vieja y hagas de menos a quien no ha escuchado una “banda esencial” como yo que se...

Minor threat. Será por que no tengo otra opción más que vivir lo que me ha tocado, pero yo creo que esto es la polla. Contribuye a reconstruir esa escena que tanto ansías de hace 200 años con bolos a 4 euros por 5 bandas (o espera, que aun los hay) apoyando a las bandas y disfruta lo que tienes.

Me ha quedado un mensaje un poco visto ya y genérico pero bueno.

Luis-ardo

¿Qué es lo que nos queda en la vida si perdemos la pasión? Gritando en sus canciones preciosidades como esta, ¿cómo no vamos a quererles? El emo francés, lejos de extinguirse, sigue en excelente forma sin falta de revivals, y como muestra están estos cuatro señores de Nantes, que respondieron amablemente a mis preguntas. Larga vida a Chaviré y a todo lo que defienden encima y abajo del escenario. Despreciamos el tiempo miserable en que vivimos, estos días malos que nunca terminan. Igualmente despreciamos a quienes se aprovechan de esta situación. Tocamos música juntos y escribimos canciones como una escasa herramienta para luchar. En el estado actual de las cosas, Chaviré sirve como respuesta a la apatía, el apolitismo y la resignación general, no es mucho pero algo es algo. ¡Hola chicos!, ¿cómo os va? Antes de empezar igual deberíamos ponernos en situación. ¿Quiénes formáis Chaviré? ¿En qué otros grupos tocáis o habéis tocado? ¿Qué es lo que os motiva a girar, hacer canciones?

Hola, gracias por darnos este espacio para hablar sobre Chaviré y lo que hay detrás del grupo. Como presentación, podríamos decir que el grupo empezó a finales del 2013 y que tocamos los primeros conciertos a finales del año siguiente, en 2014. Antes habíamos tocado (o lo seguimos haciendo) en A.S.T.R.O., Cold Heart Days, Dédale, Ghost Friends, Homesick y Watertank, por mencionar a algunos de nuestros otros grupos. Empezamos a tocar juntos como amigos, convencidos por nuestro amor por las mismas canciones y nuestro deseo de vincularlas con ciertas políticas con las que nos sentimos conectados. Seis años después, estas siguen siendo las tres razones que nos mantienen juntos, escribir canciones y tocarlas en directo.

Este verano sacasteis vuestro nuevo LP, titulado Maintenant Que Les Flammes Sont Partout (“ahora que las llamas están en todas partes”). ¿Qué queríais expresar con este título? ¿Y qué nos podéis contar del disco?

Hemos tratado de darle a este disco un título que fuese un testimonio de

los tiempos en los que este fue creado. Creemos que está bastante claro para cualquiera que haya estado pendiente de lo que pasa en el mundo alrededor nuestro que no podían pasar tres meses sin ver a la población de un país levantarse y tomar las calles en contra de sus líderes. Quisimos dedicar este disco a todxs aquellxs involucradxs en que esas llamas creciesen en todas partes del mundo, y cantar porque estas sigan multiplicándose constantemente.

Las letras de este disco igual me parecen un poco más enrevesadas que las de discos anteriores, hay que darles más lecturas para entenderlas. ¿Queríais cambiar vuestra manera de componer las letras o fue una evolución involuntaria?

Como suele pasar, nuestras letras están muy influidas por los libros y autorxs por los que hemos ido pasando en el proceso de composición. Tienes razón al decir que es posible que este disco sea un poco diferente a nuestras anteriores referencias. Siempre hemos dicho que nuestras letras están muy influenciadas por algunos textos y que hemos robado mucho contenido de ahí para ponerlo en nuestras canciones. Esta vez ha vuelto a ser el caso, pero hemos intentado dar más espacio a cosas como la poesía y el teatro. A medida pasa el tiempo nos ha ido asustando un poco la idea de llegar a parecernos a ese tipo de grupo anarquista que repite es-

lóganes canción tras canción… Estamos contentos de que hayas notado este cambio en nuestra manera de hacer las cosas, obviamente tratamos cuestiones políticas por todas partes, pero es mejor mostrarlo usando un extracto inesperado de un libro de antropología o unos versos de un poema. Por primera vez, en este disco hemos intentado citar la mayor parte de las referencias que empleamos, así que puede que esto muestre algunas ideas y cosas sobre las que investigar e interesarse. ¿Cuál es la historia o el trasfondo detrás de Alice, 1977?

Radio Alice era una radio italiana que emitía a finales de la década de los 70 en Bolonia. Está estrechamente relacionada con el movimiento autónomo italiano de la misma época, y más concretamente con el colectivo A/Traverso. La parte de la letra de “Le pouvoir n’est pas seulement là où se prennent des décisions horribles, mais partout où le discours enlève le corps, la rage, le hurlement, le geste de vivre” (“El poder no está solo donde se toman decisiones horribles, sino en todas partes donde los discursos quitan el cuerpo, la rabia, los gritos, el gesto de vivir”), la sacamos directamente de un folleto de A/Traverso. En general, escribimos esta canción como una forma de oposición frente a algunas de las peculiaridades de las comunidades que nos rodean, donde tiene más valor parecer radical que tratar de cambiar el mundo activamente. En algún momento del movimiento italiano hubo un punto de inflexión en el que dejó de tener sentido para algunx de ellxs el reclamar su identidad como trabajadorxs, su identidad como mujeres, principalmente porque todas estas categorías eran las del poder, de este mundo, y estas comunidades querían separase de este mundo y sus categorías.

Con “Alice, 1977”, la idea era poner esta etapa a los ojos de gente que puede que no tuvieran constancia de ella, permitiéndoles encontrar algo de inspiración en ello. Obviamente, la mayoría de las cuestiones por las que estamos pasando no son una novedad, y en nuestra opinión esta fue una secuencia política donde estas preguntas encontraron un tratamiento interesante.

¿Qué significa Chaviré?

Podría ser traducido al inglés como “capsized” (volcado), refiriéndose al momento justo después de que un barco ha volcado. No vamos a mentir, este nombre empezó un poco como resultado de una broma.

Una de las cosas que me sorprendió para bien cuando os conocí fue que no teníais Facebook, sino que en su lugar tenéis una página de Tumblr con, además de información relativa al grupo, un montón de textos políticos. ¿Pasáis de Facebook y esas redes? ¿Por qué elegisteis Tumblr?

“Elegimos” hacer una página de Tumblr en un primer momento porque nos pareció la manera más fácil de compartir cosas de una manera más “personal” que con sólo la página del Bandcamp. Además no éramos capaces de llevar una página web nosotros mismos, y ninguno de nuestros amigos cercanos parecía ser capaz de crear una que pudiésemos manejar fácilmente… De hecho, la forma en la que elegimos ser visibles en Internet ha estado muy determinada por nuestras escasas capacidades y el hecho de que decidiésemos desde que empezamos con el grupo que queríamos resultar sisibles sólo cuando tuviésemos algo que decir, en vez de simplemente estar por estar (no tiene sentido intentar hacer frente a

grupos de rock profesionales en este juego, ¿no?). Y sin embargo, recientemente creamos una cuenta de Instagram… ¡También queríamos molestar a algún diehard del otro bando! ¿Qué os parece el termino emocore? Para vosotros, ¿cuándo un grupo atraviesa la barrera del hardcore para entrar en el emocore? ¿Es una cuestión de letras, sonido, actitud,…?

Bueno, es simplemente un subgénero, ¿no? La barrera sólo se cruza cuando quien hace el cartel del concierto decide definir así a un grupo.

Históricamente ha sido una manera de agrupar grupos que estaban tocando al mismo tiempo en la misma zona (en el caso del Revolution Summer básicamente pasó esto), al fin y al cabo es una forma de tocar punk.

De vosotros se llegó a decir que os tomáis demasiado en serio la música, menospreciando a aquellxs que tocan únicamente por pasar un buen rato sin lanzar un mensaje. ¿No concebís cómo alguien puede hacerlo o simplemente no es lo vuestro? ¿Tenéis bandas amigas así?

Bueno, si la música tiene obviamente un factor de juego (¿por qué negarlo?) preferimos jugar a ese juego con gente que sabe. No se trata de ningún tipo de contenido o actitud, principalmente es sobre sentir que compartimos con algunos grupos más cosas que los mismos acordes o camisetas. Aún nos lamentamos por esos que se sintieron juzgados por nosotros, no pudimos satisfacer la falta de interés que parecen tener en ellos mismos, y la verdad es que aún no podemos entender por qué necesitaban tanto nuestra aprobación. ¿Concebís una escena hardcore sin politizar? ¿Y un DIY sin trasfondo político?

Tenemos que tener cuidado con esta frase que se repite a todo el mundo que haya escuchado que “lo personal es político”: la historia reciente nos ha demostrado que nos ha llevado a creer que simplemente teníamos que comprar en tiendas de productos orgánicos y no decir palabras ofensivas para convertirnos en aliados potenciales de una revolución en curso, para simplificarlo. Pero la música contiene esta idea interesante de que no se puede deshacer de todo su proceso de producción: obviamente su producción de material (desde equipo hasta electricidad), pero sobre todo porque su producción está vinculada a una red (gente que toca, que edita, que cierra conciertos para hacerlo sencillo), bajo consideraciones técnica y estéticamente agradables (¿cómo queremos sonar? ¿tocamos lo suficientemente bien? ¿la interpretación se ajusta a la idea?). Al final, las elecciones y las respuestas a estas preguntas implican posicionarte de tal manera que tu visión política sobre el mundo sale a relucir. Dependiendo de cómo estas encajan con lxs demás, se pueden crear amistades e incluso “escenas”. Para responder a tu pregunta inicial, podemos decir que obviamente concebimos una escena sin politizar (incluso más que esto, más bien digamos una escena “con maneras de ver el mundo radicalmente opuestas a las nuestras”), la cuestión constantemente se convierte en “¿entonces tenemos algo que compartir?” e inmediatamente es más fácil de responder.

En Maintenant Que Les Flammes Sont Partout incluís una canción sobre el mayo del 68, un tema que últimamente me interesa bastante. ¿Cómo de influyente es esto y el movimiento situacionista hoy en día?

Hay un vínculo muy tenue entre el levantamiento de Mayo del 68 en las universidades francesas y la Internacional Situacionista, como seguramente sabrás. Es complicado entender completamente por qué, pero una parte de esta relación parece un poco olvidada hoy en día en la historia oficial, una de las principales razones la podemos encontrar en que lxs Situacionistas rechazaban el ser representadxs como líderes, a diferencia de algunas figuras de este tiempo. Afortunadamente, Kristin Ross relata esta historia incompleta en su fascinante libro “May ‘68 and Its Afterlives”, hablando sobre cómo esta secuencia política ha sido borrada y capturada por el recién reformado neoliberalismo para presentarla como una revolución liberal e individual. Como ya dijimos refiriéndonos al movimiento autónomo que tuvo lugar en Italia durante la segunda mitad de los 70, estos movimientos son muy inspiradores y ricos en lecciones. Se refieren a tiempos insurreccionales en los que el poder realmente podría ser derrocado.

En el caso de la Internacional Situacionista, es importante entender que desde finales de los 50 el grupo teorizó y escribió sobre las reconfiguraciones del capitalismo de la posguerra, y el advenimiento de la sociedad de consumo que realmente surgió en este momento. Fue un momento de vanguardias artísticas radicales: Antonin Artaud acababa de morir diez años antes, movimientos como el surrealismo y el letrismo eran aún experiencias recientes para lxs situacionistas, la generación Beat estaba experimentando en el extranjero y esta emulación artística les dio caminos para explorar y renovar las formas del arte sin separarlo del horizonte revolucionario.

Con estos meses que han pasado desde la aparición del movimiento de los chalecos amarillos, ¿qué balance hacéis de él?

Con la aparición del movimiento de los chalecos amarillos el año pasado vivimos algo que podría ser considerado como el evento político más inquietante de la última década, o incluso más. Aún hoy es difícil medir el impacto político y existencial creado por el estallido de este movimiento en algunas rotondas en la madrugada de noviembre. No exageramos al decir que ayudaron a volver a trazar las líneas de la división política, en el sentido de que opusieron la acción revolucionaria a la postura revolucionaria y la dicha, y nos demostraron que la revolución no es una cuestión racional, sino de deseo. Por una parte, eran personas que nunca habían tomado parte en políticas radicales como podemos entender, que nunca asistieron a una manifestación ni organizaron una huelga,… En algunas áreas crearon lo que podría considerarse como comunas, existiendo como comunidad en un mundo (esta realidad insoportable) que siempre los había hecho existir como individuos.

Parece que en todo el mundo la gente está despertando y movilizándose en serio. Ya sea en Chile, Venezuela, o en Francia mismamente. ¿Hemos llegado al punto máximo de presión para que la gente explote?

Hemos tardado tanto tiempo en responder esta Entrevista que desde que nos la mandaste el Líbano también se ha levantado en llamas, y mientras la mayoría de estos países se enfrentaban a una gran crisis de representación con todas la política institucional, un virus nos devolvió a nuestros respectivos hogares como individuos separados. Estamos insistiendo en el concepto de “individuo” porque es fundamental entender que esta categoría es muy reciente, y que ha surgido con la definición moderna de “sociedad”. Ahora está muy claro que tanto el “individuo” como la “sociedad” han surgido para derrotar a las comunidades que eran un modelo ingobernable para el poder, o al menos menos fácilmente gobernables porque eran entidades indivisibles. Tenemos que considerar la vuelta de esta hipótesis después de doscientos años de capitalismo, la necesidad de comunidad (esto es básicamente de lo que trata el comunismo), y de que vuelva por todos los medios, que la gente salga a la calle, luche contra la policía y tome las calles.

Leí que en vuestros primeros conciertos repartíais hojas con las letras y explicaciones. ¿Lo seguís haciendo? ¿Cuál era el motivo, dejar claras partes que estuvieran abiertas a varias interpretaciones, ampliar información sobre el tema o intentar hacer que la gente escuche de verdad lo que tenéis que decir?

Distribuimos nuestras letras durante bastante tiempo, pero siendo sinceros, llevamos ya un tiempo sin hacerlo. Esto fue influenciado por algunos grupos anteriores a nosotros, principalmente pertenecientes a la primera ola del emo francés. La idea era poner las letras visibles, justo en frente de la audiencia, como una serie de cosas que podíamos reclamar, pero también como un punto de partida para hablar de algo. Una de las razones que nos llevaron a dejar de hacer esto fue la idea de que hay otras maneras de “hablar”: gesticular, la música y la intensidad, cosas que pueden convertirse en idiomas cuando se les empieza a tomar en serio y se hace un buen uso de ellas, que pueden transmitir cosas que a veces no se consiguen con palabras.

¿Leéis/hacéis fanzines? ¿Qué importancia les dais en la escena hardcore/anarquista? Últimamente he oído decir a más de una persona que no es coherente seguir haciendo fanzines en papel y contribuyendo al impacto medioambiental teniendo redes tan poderosas y que llegan a tantos sitios como es Internet. ¿Qué pensáis de esto?

Algunos de nosotros escribimos fanzines hace tiempo, y tenemos que reconocer que a pesar de haber sido ávidos lectores de fanzines somos menos curiosos hoy en día. Es por esto que estamos tentados a decir que hay menos publicaciones hoy en día, lo que probablemente es incorrecto e influido principalmente porque realmente no hemos profundizado en ello. Anteriormente hablamos de esta idea de “red”, y los fanzines participan en esta idea de que la autonomía debe generarse en todos los sitios

donde sea posible. En cierta manera podríamos decir que se produce una victoria cada vez que un fanzine consigue saltarse el plan tradicional establecido por la industria de la música.

Sobre lo de que imprimir doscientos fanzines podría contribuir al impacto medioambiental, bueno… tal vez algunas personas deberían tratar de pensar en cómo de “verdes” son sus datos en línea, de hecho esta es una acusación bastante estúpida. Una vez más esto se basa principalmente en la idea de que la política es un asunto de individuos separados que más o menos hacen sus propias partes, lo que es una de las mentiras del liberalismo. Podemos seguir meando mientras nos bañamos y apagando las luces cuando salimos de una habitación, pero no tiene sentido si no nos tomamos en serio la idea de derrocar la economía y las industrias.

En relación con la anterior pregunta, ¿qué opinión tenéis de Internet? ¿Nos hace más bien o mal? ¿De verdad piensas que cuatro tíos que pasaron un trabajo de la virgen creando una página de Tumblr pueden tener alguna opinión aprovechable en cuanto a esto del internet?

Hace unos días un amigo me dijo que si algún día voy a Francia vaya a Nantes, porque es la mejor ciudad del estado. ¿Qué ocurre en Nantes para haberse ganado tal fama? ¿Es realmente tan guay? Porque una de las cosas de las que habláis en vuestro disco Interstices es sobre el sentimiento de apatía que genera vivir en una ciudad gentrificada y clónica, ¿no? ¿Qué cosas buenas ocurren en vuestra ciudad?

Con Interstices queríamos resumir lo que crea esta sensación de que una metrópolis está unificada a otra, de casi todos los centros gentrificados de la ciudad. Esto es lo fascinante de esta paradoja de las ciudades: en este territorio de dispositivos-capturados-por-el-control, hay al mismo tiempo actos y zonas que tratan de repensar la autonomía y las salas de maniobra. Lo que hace a Nantes una ciudad muy específica en cierta manera es la relación que hay entre el centro de la ciudad y su campo. La verdad es que no podemos entender del todo qué es lo que hace especial a esta ciudad sin hablar del bien conocido ZAD de Notre-Dame-Des-Landes ¿verdad? Todo el mundo la conoce por la resistencia que opusieron frente al aeropuerto que se supone que se construiría ahí (y que nunca se hará), pero la ZAD era, y sigue siendo, un territorio que lucha por su autonomía material, que trata de unir las resistencias metropolitanas con la experiencia de construir una forma de vida desde la comunidad: un intento de construir una comuna de verdad.

Tres de nosotros llevamos viviendo casi diez años en Nantes. ¿Es la ciudad realmente exagerada actualmente? En nuestro caso es complicado de decir, ya que estamos viviendo ahí y realmente no podemos tomar la postura de medir el impacto de la ciudad desde otro lugar. Digamos que esta es una ciudad con muchas historias secretas, artísticas y políticas, y ya que vivimos ahí nos sentimos conectados con parte de ellas y tratamos de participar. Supongo que esto es lo que nos retiene aquí. Más concretamente podríamos hablar de La Derive, que es un bar y una cantina comunitaria en la que estamos involucrados. Es un lugar donde puedes beber, comer, asistir a la presentación de un libro o simplemente venir a jugar al ajedrez con un amigo. Hay lugares como Les Ateliers de Bitche donde puedes ver buenos espectáculos y La Commune de Dalby Football Club, donde puedes jugar con algunxs amigxs al fútbol un domingo por la tarde.

En vuestro Tumblr incluís un texto muy interesante sobre los pros y contras del precio libre. A mí esto me atrae mucho, porque además de permitir que nadie se sienta excluídx en base a su economía, te empodera en el proceso y te hace abandonar el papel de consumidor pasivx, pero comparto la opinión de que si se institucionaliza y se convierte en algo sistemático puede llegar a perder el trasfondo crítico y anticapitalista. ¿Habéis puesto u os habéis planteado poner vuestros discos a precio libre?

Cuando leímos por primera vez este texto sobre el donativo (precio libre) en el Maximum Cuvette (un fanzine francés de Grenoble), pensamos que era lo suficientemente inteligente como para prácticamente responder la pregunta de la economía dentro de un microcosmos que tiende a deshacerse de ella, para examinar el proceso institucional siempre contenido en la economía y al mismo tiempo cómo este “paga lo que quieras” podría pasar por alto la rigidez siempre contenida en la economía estándar. Tienes toda la razón en lo que dices y el texto dice eso, en cierto punto esto del precio libre puede alimentar la ilusión de que nos estamos deshaciendo de la economía, lo que obviamente es mentira, es tan solo un intento de lidiar con esta rigidez pero de una manera reinstitucionalizada: esto nunca es suficiente y es importante tener en cuenta que el precio libre es sólo una manera de aprovechar al máximo esta situación.

Desde que empezamos Chaviré todo lo que vendemos como merch ha sido a precio libre. En un principio esta fue la manera más sencilla de administrarnos vendiéndonos productos. De tanto en tanto hablamos juntos de esto, a veces evocamos la idea de vender el merch a un precio flexible, rollo “el disco cuesta diez euros, pero si de verdad no te lo puedes permitir, puedes pagar menos sin problema”. De momento lo hacemos de esta ma-

nera, también porque se ha convertido algo así como un hábito, pero para ser sincero, el precio libre está tan ritualizado en nuestro alrededor que a veces funciona como un precio fijo disfrazado, sin empoderar realmente a nadie en la mesa del merch ya que prácticamente todo el mundo que está ahí se puede permitir lo que tú vendes. Sinceramente, cada vez nos despreocupamos más y más de todo el rollo de nuestro merch y nos cuesta ver lo guay de tener cinco modelos diferentes de camisetas y chapas y parches, principalmente porque ya no es algo que nos interese…

Muchas veces me siento frustrado de alguna manera al tratar de explicar el funcionamiento y la ética del DIY a gente que no está metida en ello. ¿Cómo explicáis esto vosotros?

Bueno, señalaríamos el hecho de que la ética detrás de todo esto del DIY en la comunidad punk está basada en gran medida en el aumento de una autonomía práctica. Esto es principalmente sobre lo que el DIY debería tratar y buscar, el crecimiento de una red que pueda existir por sí misma sin depender de ningún poder o institución. Esta idea de una existencia adecuada es importante porque implica algunos requisitos con nosotros mismos tratando de construir algo que no sea sólo una “alternativa”, un contramodelo basado en un efecto espejo de las instituciones culturales, porque esto no hace más que reforzar la legitimidad de estos modelos, llevándonos de vuelta al principio. Diciendo esto no decimos mucho, pero tengamos en cuenta que la operación dirigida por el DIY es uno de los muchos intentos en los que se experimenta la autonomía (ya hemos hablado sobre la ZAD y sobre Italia a finales de los 70, hay muchos ejemplos).

Estas experiencias autónomas a veces pueden ser difíciles de traducir con palabras, la mayoría de las vecs se entienden cuando se viven, cuando superan las palabras para volverse perceptibles, encarnadas. De hecho, las palabras no pueden describir los sentimientos encontrados de alegría, requerimiento mutuo o amistad de estos intentos autónomos que mantienen unidas a las personas, ¿cómo puede explicarse como algo más que la promesa de una vida por la vía rápida?

Habéis hecho algunos ripoffs muy molones de Orchid, Embrace, Portraits Of Past,… ¿Tenéis alguno más en mente?

Digamos que ya hemos hecho demasiados si tenemos en cuenta que somos un único grupo. Con estos ripoffs la gente comprueba nuestro buen gusto y que no somos demasiado malos usando el Photoshop (mención especial a nuestro mejor ripoff, que no mencionaste, uno de Chanel), ¡pero esto tiene que parar ya!

Además vuestros flyers, portadas, “logos” como la (A) hecha de flores están muy currados y para mí tienen muy buen gusto. ¿Os ocupáis vosotros de esto o se lo encargáis a amigxs? ¿Qué artistas gráficxs os inspiran más?

Por supuesto que todo esto del artwork es algo que nos importa, no lo vamos a negar. Pero está muy claro que ha evolucionado mucho desde el momento en el que empezamos el grupo desde cosas más “tradicionales” (por no decir esperables, como el combo fuente de máquina de escribir-y dibujos hechos con linografía, el ejemplo perfecto) a un artwork más personal: desde el último disco el duo Atelier McClane se hicieron cargo de

todo el asunto de vincular gráficamente las imágenes con el sonido y las letras. Algunos de nosotros estamos interesados en las artes visuales y tenemos amigos que consideran que todo acto revolucionario necesitará encontrar su propia forma, lo que implicaría pensar en su forma gráfica.

Vamos a mencionar obviamente el trabajo de Atelier McClane, pero también el del colectivo de Rennes Capital Taboulé, el colectivo de Nantes Super Terrain, Bonjour Grisaille y el Atelier Summercity de Brest y Marine Le Thellec de Marsella, por hablar de nuestrxs amigxs y nuestrxs favoritxs. No podemos acabar esta lista sin mencionar también a Hugues Pzzl, quien hizo el artwork de Interstices y de nuestro split con BASTOS, y que contribuyó mucho a renovar las formas visuales de la escena punk francesa (una renovación que era muy necesaria). ¿Qué situaciones, libros, películas, personas, acciones, grupos son las que más os han inspirado, tanto para hacer cosas con Chaviré como para hacer cosas vosotros a nivel personal?

Esta es siempre una pregunta delicada, por suerte hemos dejado tantas referencias como nos fue posible a lo largo de la entrevista de manera que esto pueda servir para responder parte de la pregunta. Y obviamente estaremos encantados de desarrollar si alguien quiere saber más, ¡nuestro email está siempre abierto! chavire@protonmail.com ¿A qué estáis más viciados últimamente? ¿Qué os gusta hacer en vuestro tiempo libre? ¿Qué os libera del aburrimiento del día a día?

Ya que estamos, como gran parte de la población mundial, enclaustrados en nuestras casa mientras respondemos esta entrevista, tenemos mucho de este tiempo libre del que hablas. Aquí en Francia llevamos un mes de cuarentena y principalmente hemos estado separados, pero con amigos y familiares. Intentamos aprovechar esta situación escribiendo nuevas canciones, compartiendo playlists y recomendaciones de películas, manteniéndonos en contacto juntos. No sabemos cuándo saldrá tu zine, pero estamos ante un momento decisivo y tenemos que estar muy atentos para actuar lo antes posible. Hace unas semanas se publicó un texto completamente increíble titulado “Monologue du virus”, publicado en el medio francés Lundi Matin, y desde entonces ha sido traducido a varios idiomas, incluido el español (https://lundi.am/Monologo-del-Virus-2853) y el inglés (https://lundi.am/What-the-virus-said). Recientemente hemos descubierto los archivos Leftove.rs (https://leftove.rs), una increíble base de datos sobre autonomía con muchos panfletos, zines y libros de prácticamente todas partes del mundo. ¿Planes de futuro?

Mejorar las habilidades de padre. Hacer más muay thai. Sacarnos títulos.

Hasta aquí todo, ¡muchas gracias por la paciencia de responder todo esto! ¿Algo más que añadir? ¡Nos vemos, un abrazo!

Gracias de nuevo por enviarnos esta entrevista absolutamente fascinante, que de lejos es una de las mejores que hemos respondido en nuestra vida.

Esperamos haber sido suficientemente precisos, escríbenos sin problema si no es el caso en estos tiempos convulsos.

Llegué a Derrota un par de años tarde. Y es una pena, porque si los hubiese pillado a tiempo estoy seguro de que habrían sido uno de mis grupos favoritos, y no sólo del Estado. Ahora me conformo con escucharlos a todo volumen y recrearme en la mala ostia que desprenden por los cuatro costados. A ver, lo de pillarlos a tiempo va en plan: si hubiese vivido la salida de sus discos en primera persona, los hubiese visto en directo, los hubiese visto progresar,... pues obviamente me gustarían aún más. Sea como sea, son uno de los grupos que más he escuchado este último año, y cualquier tipo de reconocimiento, aunque sea póstumo, viene en buen lugar.

Derrota en el 2º Defenestre Fest en Zarautz, 2012 Derrota se formaron en el ya lejano 2003 en la capital del Turia, o sea, Valencia. Creo que su formación fue la misma a lo largo de toda su trayectoria: Nuño voz y guitarra, Huevo al bajo y Óscar a la batería. Gente que ya era activa en su zona, tocando en grupos como Disyouth o Zanussi, haciendo zines, okupando, metidos en centros sociales y demás. Me suena que dieron unos pocos conciertos sin nombre antes de establecerse como Derrota, que por cierto, vaya nombre más guay y poderoso. En cuanto a su sonido, le daban a un punk/hardcore/crust muy sucio, descarnado y lleno de fuerza y rabia, pero como veremos esto fue mutando a lo largo de los años. Dejándonos de etiquetas, y yendo a la pura verdad, en una de las últimas etapas del grupo escribieron sobre ellos: intensidad desbocada que en directo, despues de los mil millones de conciertos que han dado por medio mundo, te lo dejan bien clarito. Un torrente de punk cerdo y potente que algunos llaman crust, otros hardcore... pero yo lo unico que se es que viendolos en directo me entran ganas de chillar y levantar los brazos bien alto. Aunque al final, seguramente la mejor definición sea, como escribieron en un flyer, Valencia punk hardcore anti-todo.

Tras un par de años de actividad, editaron su primera referencia, un LP homónimo de once temas, editado por ellos mismos con la ayuda de Cruda Realidad, el sello de Óscar por aquel entonces antes de fundar Flexi discos, con el que editó unas pocas referencias guapísimas, como Zanussi, Ekkaia y la versión en cinta del mítico recopilatorio Give Me Back.

Como dijeron en una entrevista posteriormente, El punk es la expresión del que no sabe expresarse de otra manera que haciendo lo que puede con toda su rabia y aquellos medios que posee. El punk tiene un mensaje social y personal: el hazlo tu mismo, esa es la clave... y esto siempre conlleva diversión por muy serio que pueda ser el mensaje. Así, su ética DIY se manifestó en la edición de este primer trabajo, nos íbamos de gira un mes y medio junto con los madrileños MOHO y corría prisa... Lo grabamos en los estudios Black Out, que por entonces estaban en Ruzafa. Todo en directo y rapidito. Hicimos las portadas con serigrafía (tinta plateada sobre carton negro), en casa de Oscar y siempre con la ayuda de nuestros amigos. Además incluyeron las letras traducidas a varios idiomas, algo que siempre presta. Este primer disco, aunque fuese perdiendo protagonismo a lo largo de los años, está realmente bien, y es una muy buena representación de diferentes sentimientos y emociones, la mayoría dolorosamente negativos y vomitados visceralmente, algo de lo que siempre trató el hardcore punk. El sonido de este disco es extremadamente denso y completa-

mente atronador. Bajo una voz saturadisima y enloquecida surgida de las entrañas del infierno que lucha con los instrumentos por ver quién engulle a quién, combinaban partes de una pesadez y densidad que te cae encima como una roca, destrozadas de repente por arranques veloces que lo arrastran todo a su paso. Todo ello tocado a un volumen ensordecedor, y especialmente en este disco, sucio hasta decir basta. De hecho, en muchas partes la voz y el sonido en general están tan saturados que no se distingue ninguna palabra, y que conste que para nada pienso que esto sea algo malo. Al fin y al cabo, ¿para qué se transcriben las letras si no?

Las letras son un aparte, no demasiado típicas y como el grupo, altamente politizadas. El recuerdo en esencia de grupos como Eskorbuto es claro, no en vano versionan a su manera Es Un Crimen de los de Santurce. Es precisamente esta rabia incontrolable contra todo la que hace creíble al disco, al grupo y a su concepto. Escuchando el disco no cuesta imaginarse a sus artífices tocando esas canciones frías con los músculos agarrotados y sudando como pollos. Se ve que ya por aquel entonces e incluso antes Óscar cumplía la feliz tradición de irse desvistiendo a medida que avanzan los temas hasta quedar aporreando la bateria en calzoncillos.

Definitivamente, un disco que una vez que te lo pones no puedes hacer más que dejar que las escuchas se vayan sucediendo gracias a temazos como Cotidiano Y Común, La Violencia No Es Un Monopolio o Más Fuerte Que El Miedo. Un punto más a favor de este disco, que no hace más que amplificar las sensaciones de las que hablé antes, es el recurso de meter audios e interludios entre canciones, recurso que utilizarían alguna vez más, y que hacen que escuchar estas canciones sea una experiencia aún más intensa, especialmente el final, en el que se enlazan 4a Oportunidad, (un tema lento y agónico que vaticina lo que harían haciendo cada vez más, al final a ver, son peña a la que le mola Dystopia y grupos de ese rollo, por algún lado tenía que salir) y el Riders Of Doom de Basil Poledouris (de la banda sonora de Conan El Bárbaro), una manera de terminar el disco realmente sobrecogedora.

Primera gira europea, invierno de 2005 Como ya vimos, nada más sacar este disco emprendieron una larga gira europea con Moho. Después, en apenas dos años sacaron tres splits. En 2006 sacaron un 7’’ con Horrör, seguiendo en la línea del primer disco con tres temas en menos de cinco minutos. Al más puro estilo Derrota, su parte empieza con Bob Geldof, estallándote en la cara sin concesiones y dejándote noqueado y con un poco de cara de tonto. Más tarde ese año sacaron otro 7’’ compartido con Ambulance. El año siguiente se fueron a por el 12’’ a pachas con Leadershit, que me parece realmente bueno, en el que al final versionan a Disyouth, uno de los antiguos grupos de Nuño, y el We Are 138 de los Misfits. En abril de ese año se embarcaron en una gira mexicana, una de las mejores experiencias de su carrera según me contó Óscar.

Un año después sacaron su segundo LP, Asko Infinito (pedazo nombre y pedazo portada). Con otro inicio 100% marca de la casa y un sonido mucho más claro que en el primer lp, y aún así es muy sucio, nos sacuden con violencia con sus temas más hardcore hasta la fecha, pero incorporando cada vez más nuevos elementos que después adoptarían plena-

mente. Tiene muy buenos temas como la inicial Fuego Y Hielo o Epifanía, pero para mi lo que realmente destaca es la cara B, que es de escándalo, con Herederos, Saliva Seca (una de mis canciones favoritas de Derrota, la primera vez que escuché como explota quedé basante pasmado en plan ufufufuf), la pedazo versión del Frontera Francesa de Larsen o Critter.

Justo después de la salida de este disco emprendieron otra gira europea.

En 2013, tras cinco años de silencio sacaron Guerra Civil, su disco más aclamado y mi indiscutible favorito, seguramente por las miles de vueltas que le di y le doy. En palabras de Óscar, Guerra Civil es el disco que mas repercusión tuvo y es en gran parte debido al sonido del disco. Lo grabamos en el estudio de grabación de mi hermano Vicente. Es un estudio profesional y es la mejor grabación que hicimos. Suena increíble pero aparte de crudo tiene mucha fuerza. Yo me pillé una batería gigantesca para que sonara mas fuerte y mas gordo aun. Pero aparte de esto, las diez canciones que contiene son seguramente las mejores de toda su carrera, repletas de frases para recordar como “sí, claro, estamos todos locos, es fácil verlo así. Pero dime ¿no te haces preguntas? ¿cómo consigues vivir?“, “arriba la vida aunque sea imposible vivirla“, “y ahora mírate, al espejo mírate... ahora mírate y escupe“, “nos ahogaremos en una abundancia de excrementos producidos por nuestra riqueza pero defenderemos siempre la causa del mundo libre, la defenderemos a muerte con la muerte de los demás”. Y también tiene mi canción favorita de Derrota, Ruleta Rusa, impresionante de principio a fin. Este disco es mucho más rockero y la voz de Nuño alcanza más registros que nunca, pero también es increíblemente visceral. Se puede oir la sengre hirviendo prácticamente.

Después de girar por el Estado, en 2016 sacaron el que fue su último disco, Laberinto/Perdido, un LP de algo menos de veinte minutos divididos en cinco temas. Este disco ya es bastante diferente, como más ¿atmosférico? Esta vez se lo grabaron todo ellos mismos otra vez, las canciones son distintas, más largas (dos de esas cinco llegan casi a los seis minutos de duración), con un sonido que parece que se arrastra por el lodo, y sobre todo es pesado, muy pesado. La voz parece grabada a tres habitaciones de distancia y por momentos se hace muy incómodo escucharlo. Y todo bien en esto, no seré yo el que se queje por algo así.

Nada más sacarlo, sin presentarlo siquiera, anunciaron que se separaban.

Había tensión entre ellos, con momentos desagradables encima y debajo del escenario. Una tensión que naturalmente contribuía a que sus discos sonaran así de salvajes.

Actualmente los tres derrotados (pero no vencidos aún) siguen haciendo ruido en mil grupos como Tipex, Zanussi, Furiosa Paz, Traidor, Ruïna,...

No se les puede achacar nada. Derrota fueron y son muy grandes.

Recuperando a: Dies Irae

El mismo día que escuché por primera vez a Dies Irae también fue mi primer encuentro con grupos como Knapsack y Youth Avoiders (¡gracias James!). Sirva esto para explicar la que se me vino encima en unas pocas horas de diferencia. Los otros grupos me flipan, pero desde el principio conecté de una manera más especial con Dies Irae. Cuando me puse su ya clásico So Cold In Summertime y empezó a sonar Innocence Train me quedé en plan “meca, ¡pero esto qué es!“.

Dies Irae se formaron en Igualada, Barcelona a mediados de los 90. BCore ya llevaba un lustro editando discos y la influencia de los nuevos sonidos traídos de la mano de Fugazi y zonas como Washington o Umea empezaba a notarse. El hardcore aquí, al igual que allí también fue mutando y evolucionando, manifestándose en el cambio en su sonido que experimentaron algunos de los grupos que editaba el sello (otros continuaron felizmente con la fórmula clásica). Dies Irae fueron uno de estos grupos que dieron un paso más allá. Según Joel, su cantante, por aquel entonces les influyó mucho la escena hardcore de Umea (Suecia) y el sello Desperate Fight como ya comenté, con grupos como Shield, Saidiwas, Abhinanda, Purusam o Separation, además del material de sellos americanos como Ebullition, Revelation, Dischord, Victory, Jade Tree o GSL y grupos como Still Life, Snapcase, Dag Nasty, Swing Kids, Cap n Jazz, Boysetsfire, Grade... Después de este name dropping tan descarado (copia-pega del Messenger prácticamentre) por último hay que decir, que es lo que más suponía cuando le pregunté, que los grupos que les rodeaban por aquel entonces también eran una gran influencia, obviamente. Por poner ejemplos, Darkside Of Soul, Manifesto, Hopeful, Xmilk, Standstill o Refraining. Es precisamente con Standstill con quienes más se les suele comparar (con su primera etapa, el resto va aparte), sobre todo en su aclamado CD. Debutaron en 1997 con una cinta de 6 temas, Mi Llanto, cantados en castellano y de un tinte más hardcore y veloz. A su vez, ese mismo año incluyeron dos temas grabados en directo en la cinta recopilatoria Hardcore Contra El Neoliberalismo, junto a compañeros como Xmilk, E150 o Unabomber. La verdad es que estas canciones suenan muy guay, y son una buena introducción al grupo. Además, gracias a ellas se puede entender mejor lo que hicieron después. En 1999 sacaron el glorioso So Cold In Summertime. Empieza con una demostración de cómo mezclar griterío descarnado, partes duras de romper el cuello y una melodía inolvidable, una de mis canciones favoritas del estilo. Y sin darte tiempo a coger aliento, estalla A Dying River, con reminiscencias Washingtonianas bastante claras y que me pone muy burro cada vez que suena. Después de estos dos trallazos, que para mí es lo mejor que hicieron, el resto del disco va discurriendo mágicamente, haciéndose corto a pesar de durar media hora. En definitiva, un grupo que merece ser escuchado y apreciado, a ver si alguien me explica porque una banda tan genial trascendió tan poco, limitándose a este nivel de culto subterráneo freak.

Esta entrevista teníamos pensado hacerla en persona después del concierto en el que tocamos con ellos aquí en Xixón. Pero por una cosa u otra nos fuimos enrollando hasta que se nos hizo tarde y me llevaron en su furgo hasta nuestro local a altas horas de la madrugada para dejar allí nuestro material. Actividad truncada cuando me di cuenta (en la puerta del local) de que no tenía encima ni las llaves del local ni las de mi casa, ya que me las había dejado en el bolsillo de la chaqueta, y la chaqueta había quedado en la barra del garito en cuestión. Si en ese momento les entraron ganas de matarme disimularon muy bien y al final nos trajeron el equipo a la mañana siguiente. Y encima contestaron la entrevista en apenas un día, así que con todo esto ya tienen bastantes puntos a favor y mucho aprecio por mi parte hacia ellos. Esto es lo que contaron. Me esperaba alguna referencia a lo del local pero se ve que no me guardan rencor. ¿Cuándo y cómo surgió Detroit? ¿De qué grupos veníais antes?

Detroit surgió en Junio del 2017, Mario y Gaizka militaban en Hartzak Blues Band y Julen hacía lo propio en No Komply. Tanto Detroit como las bandas en las que tocábamos formamos parte de Musikadero Musika Elkartea, una asociación en la que trabajamos por promover la (contra) cultura musical organizando bolos, festis y demás saraos DIY.

racial, tasas de desempleo, delincuencia, pobreza, drogadicción etc. Todo esto hace que tenga un halo muy poético. Fonéticamente creemos que es una palabra que tiene fuerza también.

Si tuvieseis que presentar Detroit a alguien que no os ha escuchado nunca, ¿cómo lo haríais? Pero currado, no las miticadas de siempre, que os escuche y se vaya corriendo a casa a poner vuestras canciones.

Punk-rock melódico abierto de miras con posos post-hardcore, cantado a dos voces y con tintes noventeros.

¿Musicalmente hablando qué os influencia? He oído muchas referencias a grupos consolidados en vuestro sonido pero ninguna me ha parecido clara por el momento.

Los 3 consumimos música de forma bastante compulsiva y nuestras influencias son muy variopintas. De manera consciente o inconsciente esa amplitud de miras que tenemos nos influencia e inspira a la hora de componer. Si tuviéramos que citar algunos nombres te diríamos Samiam, Hot Water Music, 995, Joyce Manor, Dinosaur Jr y cualquier otra banda onda Fat Wreck/Epitaph de los 90’.

¿Qué significado hay detrás de vuestro nombre, si es que hay alguno?

La imagen que tenemos de Detroit son edificios en ruinas, fábricas vacías, calles desiertas… Pura decadencia en la ciudad que en su día fue símbolo de éxito y poder. Además debe ser un lugar duro en cuanto a segregación

Sacasteis hace relativamente poco vuestro segundo EP. ¿Creéis que es esta la mejor manera de sacar canciones? ¿Os gustan los EPs o simplemente fue saliendo así la cosa?

Nos parece un formato bastante cómodo tanto para la tarea compositiva y de grabación como para el oyente. Plantear un LP es otro tema, tienes

que sacar más temas, que tengan un hilo conductor más marcado y con mayor cohesión a nivel compositivo. Sin embargo, a la hora de sacar un EP lo que buscamos es sacar 5 temas buenos sin darle mayor importancia al concepto global. Ojo, esto no quiere decir que sea un formato “menor” o con menos valor, simplemente el planteamiento es diferente.

Siguiendo con el EP, este me parece más pulido en todos los sentidos, y más reconocible y destacable que el primero en el sentido de que todas las canciones se quedan a la primera escucha. ¿Habéis hallado el sonido Detroit o puede que haya más cambios por venir?

Muchas gracias tío, se agradece la crítica. No nos fijamos como meta encontrar un sonido concreto, disfrutamos del camino sin pensar en sonar de un forma concreta al 100% Entiendo lo que dices y te diríamos que en parte tienes razón, nos estamos acercando a nuestro sonido poco a poco.

Se trata de avanzar disfrutando del camino y haciendo las cosas de la forma más coherente posible.

¿Cómo están las cosas por vuestra zona? Desde fuera vemos con cierta envidia sana la cantidad de salas y gaztetxes que tenéis a vuestra disposición, además de muchos grupos y un supuesto apoyo de la cultura por parte de las instituciones pero, ¿cómo se vive todo esto desde dentro?

Vivimos en un entorno privilegiado si lo comparamos con otros sitios del estado. Hay mucha gente y muchos colectivos trabajando por amor al arte en gaztetxes, centros sociales y garitos pequeños de rock and roll y eso hace las cosas más fáciles. Sin embargo, desde las instituciones tampoco se involucran demasiado. Aprovechamos para darlas gracias a toda la gente y colectivos que nos ha echado un cable, vosotrxs sí que moláis! ¿Cómo se vive la cuestión territorial del País Vasco? ¿Notáis el apoyo por parte de las instituciones si reivindicáis el euskera o tratáis ciertos temas como dicen que ocurre en Catalunya por ejemplo?

Dentro de la industria cultural vasca sí que es un aliciente cantar en euskera, lo cual nos parece normal ya que desde las instituciones se fomenta su uso. Te hablamos a nivel de radios comerciales y televisión, que son 100% en euskera. En el ámbito donde nos movemos nosotros (al margen de instituciones, industria etc) el idioma importa menos que el mensaje y la actitud, nadie te va a cerrar la puerta por cantar en castellano. A pesar de que ahora cantemos en castellano en nuestras anteriores bandas lo hemos hecho en euskera. ¿Qué grupos con los que hayáis coincidido tocando nos podéis recomendar? O bueno, sin coincidir también.

Serpent nos molaron mucho cuando tocamos con ellos en Cataluña. Sabemos que te gustan así que los sacamos a colación :). A nivel local te diríamos que Uger, Control de Plagas o Take Warning son gente de puta madre y suenan de lujo. La gente de Guillotina de Torrelavega son unos putos cracks también y nuestro buen amigo Abereh es muy recomendable.

Tiempo para contar alguna anécdota destacable que os haya pasado relacionada con el grupo jajaja.

Este finde ha habido un par de ellas entre la gente del Bola 8 y los grupos con los que hemos compartido festi en El Mataderu. Cabe destacar la de un chaval joven que vino a vernos desde Avilés al Bola 8, era bastante seguidor de Detroit y se sabía los temas. Nos dijo que estaba empezando a tocar la batería así que esperemos coincidir con él y su futura banda algún día. Ver gente tan joven y motivada en bolos de esta onda es siempre de puta madre. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro ahora? ¿Seguir girando? ¿Otro EP? ¿Un posible largo?

Seguiremos arrastrando nuestros cuerpos por todos los sitios que podamos, tenemos ganas de hacer kilómetros y visitar diferentes puntos del estado. De aquí a un año esperamos poder grabar nuestro primer LP, mientras tanto carretera y local de ensayo sin parar. Los nuevos temas nos están saliendo muy jugosos e iremos tocándolos en directo de todas formas.

Por último, ¿ha cumplido el Bola 8 vuestras expectativas esta noche?

Desde luego! Muchas gracias por montar el festi y espero que tanto IDC como Servet os vengáis pronto por aquí y podamos organizar un buen sarao.

¿Qué importancia le dais a las letras en el conjunto final? ¿Son un acompañante de la música o un elemento con suficiente fuerza de por sí solo?

Las letras son importantes pero normalmente hasta que no está toda la música hecha no nos ponemos con ellas.

Vuestras letras me parecen muy personales en el sentido de que pueden llegar a tener un significado lo suficientemente ambiguo como para que cada persona que las escuche pueda sacar sus propias conclusiones o adaptar la canción a sus propias vivencias. ¿Os gusta esto? ¿Preferís las canciones claras o las que dan margen a la interpretación? ¿Es posible que le intentemos encontrar demasiado el sentido a todo?

Todas nuestras letras están escritas en primera persona. Si la gente se siente identificada y la hace suya es porque tratamos temas que nos afectan a todxs por igual. Mientras la letra sea buena y honesta no hacemos distinción en función del contenido. Nos gustan las letras reivindicativas y también las personales y más reflexivas.

Detroit en el Bola ese mismo día del que hablamos Bueno pues hasta aquí llegamos, ¡muchas gracias por vuestro tiempo! ¿Hay algo más que queráis añadir?

Gracias a ti por tu tiempo y tu esfuerzo por mantener viva la llama del DIY. Seguid dándole fuerte al zine y a IDC/The Rotten Teens. Que el ritmo no pare!

Mi relación con Dumange empezó a finales del verano pasado. Ya había escuchado cosas en directo (aún no los he podido ver, y no fue por falta de oportunidades) y una demo que subieron a internet, y sabía que se desenvolvían bien. Además hay buena relación con algún miembro, de hecho Senén su cantante es el artífice del suplemento que vino con este número del fanzine. Por las redes sociales dijeron públicamente que habían grabado su primer disco, y que estaban buscando sellos para editarlo en físico. La idea de sacar algo en cinta ya me llevaba un tiempo rondando la cabeza y les mandé un mensaje en plan “oye no tengo pasta como para meterme a editar en vinilo, pero si os animáis a hacer una tirada de cassettes yo encantado”. Y así fue, Face The Lie traspasó una nueva barrera (nunca se fracasa en suficientes campos a la vez) y junto a los majos de la ciudad condal Tu Pa Tu Tu Pa Records nos pusimos manos a la obra.

La historia de nuestra relación con la fábrica daría para un fanzine aparte, pero dejémoslo en que tras innumerables mensajes y pérdidas de nervios, medio año de espera y un final un poco tenso con la fábrica, recibimos las cintas en pleno estado de alarma. Si alguien quiere alguna, acaban de salir a la calle como quien dice, y si no te gusta el sonido a caverna o el nuevo hype que parece resurgir con estos artefactos siempre puedes pillarlo en vinilo (muy guapo por cierto, y coeditado por un montón de sellos chulos), en CD o escucharlo por Internet como el 99% de la población, población muy triste por lo general. Bueno, basta de autobombo y vamos con lo importante.

Entre Ratas es el primer disco de Dumange, un grupo asturiano formado por miembros de Okban, Tragic Vision o The Black Panthys Party, entre otros. Está compuesto por una única canción de cuarenta minutos. Que nadie se alarme, que esto fluye cosa fina. Podría definirse como neo crust.

En un comentario de YouTube un usuario poco amigo de las etiquetas se pregunta por qué se califica como “noe crust” (crust bíblico, buah) a este grupo. Bueno, las etiquetas, aunque poco amables, limitantes y entorpecedoras suelen ser necesarias, y sería correcto clasificarles como neo crust, epic crust como se puso en algún cartel, crust metalizado, crust a secas o lo que quieras, si divagas durante horas fijo que te sale alguna etiqueta rompedora que quede bien en el titular de turno. Por las muchas similitudes que comparten ambos discos, las comparaciones con el Imperivm de los gigantescos crusties galegos Ictvs son inevitables y merecidas.

También es fácil encontrar guiños a los His Hero Is Gone más rabiosos, a At The Gates o a Neurosis en las partes más lentas, pero este disco cuenta con un innegable factor propio. Se podría decir que Entre Ratas es un disco conceptual. Su larguísima letra (incluye parte de un poema de Patricia Heras, imputada por el caso 4F, quien se quitó la vida en 2011 durante un permiso penitenciario) trata sobre los abusos que millones de personas reciben cada día en prisiones de todo el mundo, y de los efectos psicológicos que este encierro tiene sobre lxs allí confinadxs, 24 horas al día todos los días del año. Quizás este sea un buen momento, tras pasar

estas últimas semanas en nuestras casas, la mayoría con todo lujo de privilegios, para reflexionar sobre la cárcel, su por qué y si es tan efectiva y reinsertante como se nos quiere hacer creer.

Seguramente sea por la seriedad del tema tratado o por la oscuridad de la música, pero este disco desprende a lo largo y ancho de su minutaje un sentimiento de angustia, odio, agonía y sobre todo realismo que se te mete por todo el cuerpo y te envuelve, dejándote hecho polvo, como los grandes discos del género. Tiene momentos realmente inspirados, como los aproximadamente primeros siete minutos de la cara A, que me parecen una absoluta salvajada, tanto que el primer mes de escucha del disco me lo pasé repitiendo una y otra vez esa parte, sin apenas poder escuchar el resto. Esto está destinado a ser parte importante de la historia del crust estatal, y si no tiempo al tiempo. También como los grandes discos, tiene un artwork que te entra por los ojos, obra de David, uno de los guitarras del grupo, bajo el sello de Godless Design. Actualmente están algo parados por cambios en la formación, espero que una vez que se puedan volver a celebrar conciertos ellos estén ahí para partir la tarima.

Creo que esta entrevista es la más rara que me han enviado en mi vida. Cuando contacté con Rick Froberg suponía que se iba a hacer en inglés, pero como estuvo viviendo en Barcelona un tiempo se ofreció a responderla en castellano y así repasar un poco su vocabulario. Esto dio lugar a conversaciones por email que me hacen bastante gracia en las que Rick respondía con “luego te respondo, ahorita mismo tengo una resaca espantosa” y cosas por el estilo. La verdad es que me ha hecho mucha ilusión recibir esto, en parte gracias a todas las peculiaridades que vas a leer. Que los componentes de Hot Snakes toquen o hayan tocado en varios de mis grupos de referencia también. ¡Hola Rick! ¿Qué tal? Vamos al lío, tras 14 años de silencio discográfico en 2018 editasteis vuestro flamante Jericho Sirens. Hace pocos meses sacasteis nuevo single. ¿Volvéis a estar plenamente engrasados? ¿Hay Hot Snakes para rato?

Ya sabes la situación mundial. Ya estamos oxidando. Ahora mismo el asunto es: Salva tu culo. Volveremos!

Vuestras últimas canciones parecen ser cada vez más agresivas y potentes. ¿Os encabronáis más y más a medida que vais cumpliendo años?

Puede ser. Creo que tiene ver con la nivel de energía de la música. Es la que tocamos...esta...ruida. Yo no estoy enfadado. Aburrido quizás...

Hace poco lanzasteis un video acompañando a Checkmate, vuestro último single, es el primer vídeo que hacéis, ¿no? ¿Habéis sucumbido a la llamada de los videoclips? ¿De dónde sacasteis la inspiración para hacer esa bizarrada?

No lo hice. He visto muchos videos guayes, pero no es lo mío. Sin embargo, me gustan videos en directo de mis grupos preferidos. Esos los miro todo el rato. Tal vez que hayamos sucumbido a promoción. Me gusta que mirarlo como la cita de Dalí - No tocamos música para ganar dinero, ganamos dinero para hacer música. O algo así...

Estáis programando giras más o menos extensas por muchos sitios. ¿Qué papel juega el grupo hoy en día en vuestras vidas? ¿Os veis muchos años más haciendo esto?

Estamos de cuarentena como vosotros. Despues de esa, ya veremos. ¿Qué significa Jericho Sirens?

Un Jericho Siren era un especie de sirena pegado al tren de aterrizaje de una caza Aleman de la Guerra Mundial 2 (Stuka en Aleman). Cuando era uitizado, haría un grito que aterrorizaría las victimas en la tierra debajo.

Además usado en la Guerra Civil de España por los nazis en colaboración con Franco contra los republicanos. El problema para los Nazis es que no funciónaba muy bien por que las victimas deseadas podrían oír las cazas viniendo desde millas de distancia.

Una constante desde vuestro primer disco es la presencia de elementos relacionados con la muerte en títulos de canciones, discos, en letras,… Y en Jericho Sirens parece que se intensificó más que nunca, con hasta tres canciones con la palabra muerte en el título. ¿Cómo de presente está esto en vuestra vida? ¿Es algo implantado en vuestro subconsciente que sale por aquí a la luz? ¿Tuvisteis alguna experiencia cercana a la muerte?

Bueno, la culpa es la mía. Compongo la letra. Yo diría que es un efecto de envejecer. Pero no sé, puede ser de casualidad. No estoy obsesionado con la muerte.

Tú te encargas del aspecto gráfico del grupo e hiciste todas las portadas. A diferencia que los tres anteriores álbumes, la portada de Jericho Sirens no muestra una composición con dibujos, sino una foto. ¿Querías desviarte de la línea que habías tomado? Háblanos un poco

de tu faceta de diseñador.

Sí, es una foto. Gar surfeando. Cuando deseño una portada, la uníca cosa que me importa es: Parece un vinilo/disco guay? O no? Siempre voy a ir con la imagen la más poderosa que puedo encontrar...o dibujar, deseñar, lo que sea. Depende. Esta vez, era una foto. Me encanta la foto mucho.

Amigos que os han visto en directo me comentaban que les habíais petado la cabeza. ¿Preferís la faceta de componer canciones o la de salir al escenario a sudar cómo pollos?

A mi el segundo, seguro. Pero la actuación va ser un asco sin canciónes buenas. Ya está. ¿Cómo lográis mantener esa intensidad sin caer en los típicos trucos fáciles de tocar rápido con los niveles al 1000?

Porque tocamos Rocknroll. Sabemos lo que sabemos y nos querer entretener nosotros. Tengo 52 años. No quiero tocar HC. Sería un rollo. Gimme Rocknroll.

Tú dibujas, Gar surfea,… ¿cuáles son los hobbies del resto de Hot Snakes?

Buena pregunta! Especialmente desde no puedan escapar sus casa respectivas. Cocinar? Videos de entrenar? Fumar porros?

Hemos visto reuniones de Hot Snakes, de Drive Like Jehu, de Rocket From The Crypt,… ¿Llegasteis a plantearos en algún momento hacer lo mismo con Pitchfork?

Eso lo dudo. ¿Podríamos esperarnos un nuevo álbum vuestro más o menos pronto?

Sí, pero empujó hacia atras. En el porvenir después de esta mierda. Ya no sé cuando. Tenemos las canciónes. ¿Qué libro, qué película y qué disco recomendarías a alguien que te preguntase?

Hmm. En castellano no sé. Cuaquier libro de Raymond Chandler - me encantan policiacos. Seguro que se puede encontrar traducciónes.

Peli: Rififi (FR) - policiaca también.

Disco: Moving Targets “Burning in Water”.

Habíais editado vuestros anteriores discos vía Swami Records, el sello de John, pero este último lo sacó Sub Pop. ¿A qué se debió este cambio? ¿Cómo es sacar un disco en un sello tan icónico de lo “alternativo” como Sub Pop? Primero, Sub Pop es genial. Gente amable, profesional, culta, etc. John tuvo que parar editando discos por falta de tiempo y energía. En esa época John tocaba en tres grupos (o más, no sé), tuvo cosas con la familia, y tuvo una casa discográfica con no sé cuantos grupos. llegó al punto de no podría hacer las tres cosas. Entonces, el sello tuvo que irse. ¿Seguís siendo dos baterías en el grupo? Porque últimamente veo más a Jason en fotos y vídeos… ¿Cómo compagináis la actividad de uno y de otro? ¿Nunca llegasteis a proponeros hacer alguna canción con los dos baterías tocando a la vez?

Ojalá que pudiera contestar esta pregunta. No sé. Las últimas giras ha estado Jason. Nunca han tocado juntos a la vez.

Una vez, entrevistando a The Van Pelt (¿!) les preguntasteis que cuál es su monarca vivo favorito y que por qué. Ahora os la hago yo a vosotros. Argumentad vuestra respuesta.

Busqué una lista de monarcas corrientes. Hay Isabel y que, 15 más? Da iguaaaaal. ¡Hasta aquí todo, gracias por tu tiempo! ¿Quieres contarnos algo más?

Gracias a ti! Sí! Hablaremos después de la peste.

En la foto de abajo, Speedo haciendo amigos

Hubo un tiempo (como si tuviese pila años o algo) hace unos años en el que patinaba. Bueno, lo intentaba. Tiempo en el que soñaba con la imagen de verme algún día patinando y haciendo surf en Hermosa Beach, visitando lo que sea que queda del Black Hole o la Iglesia de Black Flag y perdiéndome por sus calles clónicas bajo el Sol abrasador de día y durmiendo en un motel mugriento de noche. Un tiempo en el que los discos que escuchaba a todas horas de Satanic Surfers, Lagwagon y No Use For A Name fueron perdiendo protagonismo frente a aquello que llevaba ya tiempo escuchando pero a lo que prestaba menos atención, sonidos menos amables que eran (y son) la banda sonora perfecta para el día a día y las cosas buenas y malas que este nos restriega por la cara continuamente: la agresividad adolescente desbocada del disco homónimo de los Adolescents y el Dance With Me de TSOL por un lado y el realismo crudo del Inflammable Material de Stiff Little Fingers o del That’s Life de Sham 69 por el otro. Intentar desobedecer continuamente a mis padres y hacerles la puñeta se convirtió en mi modus operandi habitual, y puede (bueno, sin dudas) que influenciados por las historias que nos había llegado de oídas de cómo era la vida de la gente de nuestra edad en los 80 en esas distopías idílicas de donde habían salido nuestros grupos favoritos y con los que tanto nos identificábamos, hicimos del molestar continuamente a todo aquello con lo que estuviéramos meramente en desacuerdo nuestro ideal.

Nos reíamos de todo y de todos en el instituto y en la calle y hacíamos el gilipollas por convicción continuamente, justo en el tiempo en el que vivimos nuestros primeros conciertos “grandes”. Salíamos hechos una bola de sudor y de adrenalina desbocada de conciertos de Siniestro Total y de los Damned después de exprimir hasta el último pedacito de energía que teníamos guardado como si nos fuera la vida en ello. Y la verdad es que verdaderamente nos iba la vida en ello. Como teníamos un miedo mortal al aburrimiento y al formar una mínima parte del rebaño nos juntamos tres amigos de toda la vida y empezamos a tocar juntos versiones de todos esos grupos a los que estábamos viciados, zambulléndonos cada vez más en esa marginalidad de la que estábamos tan orgullosos de formar parte y reivindicar.

Esta chapa de abuelo cebolleta prematurísimo que puede que te haya dejado con ganas de pasar directamente al siguiente artículo me ha salido porque me acabo de dar cuenta de lo que me ha marcado este contexto y lo que ha cambiado mi vida desde aquella en tan sólo unos pocos años, y de cómo lo que antes me parecía de vital importancia ahora ya no me lo parece tanto, y viceversa. Y oye, que mucho mejor, porque si tuviese delante a mi yo de por aquel entonces me entrarían ganas de meterle un par de collejas. ¡Y lo que me (nos) queda! Bueno, vamos al lío, que esto está quedando un poco raro.

El momento en el que se prendió la mecha que hizo que acabase explotando todo esto tiene más o menos una fecha y lugar claros: la mañana en la que entré con unos 13 años acompañado de mi primo mayor a Trash-

ville, la tienda de skate local. Bueno, en verdad una mezcla de skate/surf/ tatus/kustom kulture que por aquel entonces me parecía muy pero que muy troner y resumía prácticamente todos mis intereses vitales.

La noche anterior habíamos dormido en casa de nuestra abuela, y allí nos pasamos horas, como solíamos hacer, viendo vídeos antiguos de Santa Cruz, los Speed Freaks, Streets On Fire y demás. Yo estaba flipadísimo con todo ello, y ver a Jeff Grosso patinando una rampa mientras sonaba Nervous Breakdown me elevaba al séptimo cielo. Más tarde empezaría a patinar, y cuando vi que chupaba continuamente ostias sin apenas progresar fui perdiendo la emoción. Pero bueno, hoy en día todavía patino un poquito (aka doy asco por la calle).

Bueno, pues la mañana siguiente fuimos a la tienda, que obviamente me dejó a caudros. También me flipó bastante la naturalidad con la que nos trataron desde el principio, como si nos conociésemos de toda la vida. Y más teniendo en cuenta que yo era un mico de trece años con camiseta de Descendents, y que tras pasar menos de diez minutos allí me cargué la caja de un Punk O Rama que tenían. No sé muy bien a raíz de qué pasó esto, pero Luis, el responsable de todo aquello, quitó lo que estaba sonando y nos puso en el ordenador a un grupo del que no había oído hablar en la vida, los Smut Peddlers. Nos empezó a poner vídeos suyos, comentando por el fondo historias locas acerca del grupo y de sus conciertos. Lo primero que vi en mi vida de los Smut Peddlers fue el video de Let’s Get Fucked Up, seguido de un video en directo tocando Fuck You That’s Why. Ver a esos bichos raros encima de un escenario, llenos de tatuajes y soltando canciones llenas de insultos contra todo lo que se menease, acompañado de música simple pero brutal (en todo el sentido de la palabra) fue una revelación (además me acojonaron un poco esos directos, en los que armarios de dos metros sin camiseta se dedicaban a repartir

ostias deliberadamente a otros armarios de dos metros sin camiseta, todo ello a medio metro del grupo). Al llegar a casa me puse a investigar y empecé a escuchar canciones del grupo. Tuve que sortear que los primeros resultados que salen en internet sean los de un grupo de hip hop bastante mierdoso con el mismo nombre. Una vez llegado a los auténticos, más que en la música, me empecé a fijar en los títulos de sus canciones y en las letras más políticamente incorrectas que había escuchado en mi vida, llenas de humor negro contra todo y contra todos, contando historias acerca de surf, drogadicción y otros asuntos mucho mas turbios. Además, una cosa que me flipaba era la cantidad de referencias a lugares reales del sur de California que contenían, te hacían sentir como si estuvieses allí de verdad. Ahora, ya con más perspectiva, una cosa positiva que veo acerca de ello es precisamente que ni ocultaban ni fingían nada. Eran unos desastres con patas, y cantaban sobre ello. Y, ciertamente, de una manera bastante inteligente, pese a lo bastos que podían llegar a ser. Hablaban sobre sobredosis, rehabilitación, la cárcel o el no saber qué hacer básicamente porque lo habían vivido directa o indirectamente, no había pretensión alguna en ello. Su primer batería, que también fue el primero de Pennywise, vendió su instrumento para pagarse la droga y ahí se quedó la cosa. Movidas así. Que sí, que son muy directos, no tienen pelos en la lengua y tienen letras que podríamos decir que son de mal gusto pero a ver, es lo que les salió. No es mi manera de ver el punk pero está ahí. Y digamos que llamar homófoba y racista a un grupo cuya batería es lesbiana y de ascendencia asiática... Pues eso. Tuvieron la mítica acusación de ser nazis (que les costó la cancelación de un tour por Europa) por no callarse sus opiniones sobre Bush y sus intervenciones, que mira, me puedes gustar todo lo que quieras, pero si eres un americano gilipollas pues eso que te llevas. Como Pennywise, cantando a una supuesta anarquía pero defendiendo su orgullo por haber nacido en la mejor nación del mundo.

Todo hay que decirlo, ahora andan mucho más calmadxs, dejan ver sus tendencias antifascistas y se posicionaron en las revueltas por la muerte de George Floyd. Yo creo que básicamente se puee resumir en que vivir en un sitio como EEUU te puede dejar un poco tocado de la cabeza. Otro problema que tuvieron y tienen que afrontar es que en Orange County hay la de Dios de nazis metidos en el punk, y a veces las cosas se descontrolan un poco cuando se mezclan drogas, ruido, testosterona y una tara en la cabeza que no se sabe cómo pueden andar y hablar al mismo tiempo.

Yéndonos a lo estrictamente musical, sencillamente me encantan. Su primer disco, Failure, es muy punk suburbano de LA, movida Black Flag y tiene algunos de los temazos del grupo. Las adrenalíticas Get Off The Phone y Buck Neked On A Big Wheel se codean con la agresión algo más pausada de Dope Fiend y Elvis Made Me Do It. Pero lo que realmente tracendió de este disco es su himno definitivo, Fuck You That’s Why. Tras Freedom, un disco que no sé muy bien qué paso con él pero del que apenas hay recuerdo, sacaron Tarball 2000. Me parece un disco bastante infravalorado, del que sólo salió una edición en CD, pero que tiene muchas de mis canciones favoritas del grupo, con un sonido que me encanta que empezaba a distanciarse un poco de la velocidad para incorporar bastante rock n roll a lo largo y ancho de su minutaje. Teniendo en cuenta que cuando lo escuché por primera vez lo que más copaba mi atención eran grupos del rollo Electric Frankenstein o Supersuckers, esto fue una revelación. ISM, el siguiente, ya es plenamente rockero y es mi favorito, como el de la mayoría de la gente. Son todo himnos, con momentos realmente inspirados como Playstation Generation, Poor Poor Me, la gigantesca Riot At The Pier (drinking pot and smoking beer), Mortality Beer (su letra es básicamente x persona va a morir. En algunos casos como Michael Jackson ya se ha cumplido) o Inglewood Heroin Morning, una desoladora canción sobre sobredosis. Más tarde sacaron Coming Out (el de la gira cancelada) que mola bastante. Diez años después salió Going In, con canciones como California Gold que me encantan, y hace un par de años sacaron High Anxiety Stress Fear, que para ser sinceros no lo escuché, pero tengo entendido que es más duro que sus predecesores. La verdad es que ya hace tiempo que los tengo bastante relegados a un segundo o tercer plano, pero escuchándolos entiendo por qué me gustaban tanto y por que me tragué su discografía de cabo a rabo tantísimas veces.

En el punto en que me encontraba de fanboy máximo, no me conformé con subsistir con los Smut Peddlers. Quería descubrir la escena en la que andaban metidos y grupos con un estilo afin, asi que me puse manos a la obra, y teniendo referencias previas de ellos (venidas también de Trashville, cómo no), me topé con los Stitches, a los que había visto en varios flyers tocando con los Smut y con grupos mas grandes. Y en su caso, solo hicieron falta los 10 primeros segundos de Nowhere para convertirme en fan del grupo. Lo más simple que puedo decir es que su 8x12’’ y sus numerosos 7’’ son obras de arte. Hacen un punk garajero muy agresivo, producto de exponer a unos parias suburbanos al aburrimiento, la droga y los Damned.

Estaban hartos de cómo la escena punk de Orange County estaba siendo dominada por el buen rollo de Offspring y No Doubt, y literalmente buscaban el peligro y la confrontación para entretenerse un poco. Como dijeron, en nuestros seis primeros conciertos hubo ambulancias, antidisturbios, coches de bomberos, ¡por fin un poco de emoción! Y todo esto se puede entrever escuchándoles. Como ya dije, escucha su 8x12’’ (ocho hits como ocho catedrales, con una versión increíble del That Woman’s Got Me Drinking de Shane MacGowan para rematarlo) y el recopilatorio de singles Unzip My Baby y trata de no enamorarte al instante. No hay vez que los escuche y no me diga a mí mismo “joder, es que son muy muy buenos“.

Como curiosidad, tocaron aquí en Xixón en el Bola en el 97/98 y al parecer quedaron bastante asombrados con las costumbres de los asistentes.

Después también di con los cuatro lozanos chavales que ves en grande en la página anterior, Smogtown. Sin Spotify y dependiendo del YouTube me fue un poco difícil en ese momento llegar a todo su material, pero pude estudiarme bien su primer discazo, Fuhrers Of The New Wave. Es un disco conceptual, y al igual que los grupos de los que hablé antes, muestra la cara menos amable del sur de California. Empezando con la intro extraída directamente de Repo Man, una de mis películas favoritas, el disco trata, siguiendo una historia, acerca de situaciones como el intento de una banda por sobornar al DJ de la radio (Payola Or Die), el odio recibido por los adultos (I Am The Cancer) o como los adolescentes conviven dia a dia con las drogas, el fracaso o el vivir en aburridas áreas residenciales (Standard Youth Dilemma o Judy’s A Model). Pero lo que realmente destaca es la canción con la que acaba, la homónima Fuhrers Of The New Wave, que es sencillamente espectacular y una de mis canciones favoritas. Cuando por fin pude, tras escuchar el resto de lanzamientos de Smogtown, me parecieron un grupo criminalmente subestimado, que permanecen en el más completo underground para el disfrute de unos pocos elegidos. Punk playero radioactivo para surferos, skaters y marginados de toda índole.

Actualmente no están en activo. Tres de sus miembros formaron la banda Gross Polluter, de los que lo poco que pude escuchar me moló a saco. Mi primer bajo lucía orgullosamente una pegatina suya.

Ya fuera de este big-three indispensable para mí están otros grupos a los que fui llegando antes o después, como los seminales The Crowd, pioneros del powerpoppunk (?) en el sur de California a finales de los 70.

A pesar de que conocía al grupo y sus magistrales temas incluidos en el recopilatorio Beach Blvd. (pura magia de principio a fin), tardé un tiempo en relacionarlos con estos grupos (son amigos, básicamente, ceo que su guitarrista toca desde hace un tiempo con los Stitches).

Por último, creo fundamental hablar de un grupo que a pesar de que no los haya escuchado tanto se merecen un sitio en esta movida como el que más: los Broken Bottles. Hacían un punk fuertemente influenciado por el death rock de TSOL y por las bandas californianas de principios de los 80, como los Adolescents, los primeros Social Distortion o los mismos TSOL. Lamentablemente, en 2010 su guitarrista Jes “The Mess” falleció, finalizando así la carrera del grupo y elevándolos al estatus de autenticas leyendas suburbanas.

No volvería a los años en que los escuchaba compulsivamente ni por un millón de euros, pero estoy satiscfecho con lo vivido y me encanta reivindicar a estos grupos. No voy a renegar de nada, porque no soy tan mierdas, y además, no hay nada de lo que renegar. Que ya no me los ponga ocho horas al día no quiere decir que no sean sencillamente una puta pasada.

Cuatro números han hecho falta para tener representación andaluza activa entre estas páginas. La URSS lleva 15 años y contando despachando su arte por medio mundo, y con los recientes acontecimientos incluso la prensa convencional se ha encargado de darles el título de grupo más libre de COVID-19 del Estado español. Aquí recogemos sus impresiones sobre diversos temas. Como dicen las paredes: ¡Viva La URSS! ¡Guapa, guapa, guapa! ¡Hola! ¿Cómo os va? La primera pregunta igual es la más chunga: ¿Qué es La URSS? ¯\_(``/)_/¯ Hace ya un par de años sacasteis vuestro último disco hasta la fecha, Nuevo Testamento. ¿Qué nos podéis contar de él?

Es un intento de ampliar algunos conceptos y relatos de nuestra propia mitología para hacerlos más significativos. Por ejemplo, si con el Maravillas se sugería la desfiguración de algunas de los ídolos que han servido para apuntalar ciertos valores, en Nuevo Testamento se vuelve a remitir a esa dimensión de la religiosidad pero ya no desde la familiaridad y la obviedad de una virgen sufriente, sino desde esa otra dimensión, aparentemente inocua, que supone lo tecnológico.

Creemos que es mejor asumir esa transformación del contexto, las imágenes y su significado. Por eso pretende ser un Nuevo y no un Viejo testamento, y quitar el plastiquillo a ciertas figuras e iconos de nuestro presente para que formen parte del imaginario punk. En ese sentido, la portada hace que esa intención se vea desde la luna.

En cuanto a la música, la URSS tiene que lidiar con la limitación que supone no ensayar nunca, ya que vivimos en ciudades distintas. Por ello, pese a que hemos llevado nuestros propios palos o estilos un poco más allá en

cada disco, dejamos como un compromiso futuro con nosotros mismos que el sonido pueda reflejar explícitamente esa voluntad. En cuanto a los aspectos técnicos, el disco ha salido en España, Estados Unidos y Malasia. En España donde más, ya que salieron 1000 copias a través del sello Humo Internacional que aún están disponibles. ¿Qué queríais expresar con la portada de Nuevo Testamento? Me parece muy guay poner de manera tan directa algo tan actual como un Smartphone en la portada en un tiempo y una escena en la que parece que a veces está prohibido usar una estética actual o hablar de los más estrictamente contemporáneo que no sea Trump o Abascal.

Bueno pues dentro de el tipo de música que hacemos, y que estamos constantemente revisando, hacia falta una renovación temática y estética.

La portada tiene un montón de lecturas y no está cerrada a una interpretación fija, pero lo que sí buscábamos es que no dejara indiferente y que fuera desafiante. Creemos que no dar las cosas mascadas y evitar proclamas predefinidas no sólo es más estimulante, sino que es casi una cuestión de modales dentro de una expresión que se construye desde la voluntad de tensión constante, como es el punk o, en esencia, toda expresión realmente de vanguardia. Una cosa que nos gusta especialmente es es construir visualmente a través de la complejidad de planos, con cosas

dentro de otras o movidas que lleven al ojo y a la reflexión al dentro y al afuera. Los discursos, y la realidad tiende a tener múltiples capas y como cualquier otra obra pensamos que hay que crear un ambiente que empuje a a la radicalidad, a ir al fondo y perforar todas las capa posibles.

De hecho, puede que a veces nuestra forma de existir sea una metaéxistencia, pues existimos para satisfacer criterios acerca de cómo se debe existir que se desprende desde un sin fin de productores de significado, como las fotos de familias blancas eufóricas de los paquetes de muesli o también, y de forma menos grotesca, quizás, todas esas situaciones-tipo casi indistinguibles de lo que suponemos que es la vida en bruto, catalogadas en hashtags, y que suponen esa dimensión entre la vida y el marketing que es (una) meta. Habrá muchas en las que salgan playas de arena blanca, pero también habrá algunas situaciones #punksnotdead.

¿Qué tienen las camisetas de La URSS para que Brian Baker no se la quitase en toda la gira europea? ¿Sabéis si tiene más de una o la va reutilizando?

Diremos tres cosas: En primer lugar, que le gusto mucho el grupo. Cuando tocamos en Washington, en el Damaged Fest, por lo visto lo flipó. Uno de los organizadores era un chaval que conocíamos y que había pillado la camiseta, era amigo de BB. Se ve que después de los conciertos Brian le dijo: the Andalucian band, no sé qué no sé cuánto... Y eso que habían tocado grupos que se te va la olla, hasta los Avengers, ya ves. Total, que el colega le dijo, toma, te regalo la cami.

Fue entonces cuando a los meses, girando con Bad Religion, el Brian se paseó por toda la geografía luciendo nuestra camiseta y, con ella, la extraña grandeza de la URSS. En segundo, el excelente diseño y tejido transpirable que producimos de manera DIY mediante las extensas redes alternativas de la Corporación.

En tercero, el compromiso que Brian ha adquirido con la URSS y con el punk andaluz en general, ya que sabemos que, a raíz de conocernos, ha pillado algunas cosas a nuestros hermanos de Andalucía über Alles también, el colectivo libertario ubicado en Sevilla que día de hoy, junto con la Corporación, es responsable de muchos de los conciertos y eventos punk en esta zona.

Según nos dijo este colega en común, la última vez que fuimos a Washington pasado septiembre, Brian rara vez usa camisetas de otros grupos, sólo dos o tres. De la URSS, de momento, solo tiene una, por eso aprovechamos para enviarle a través de este colega una cassette, a modo de detallito. Esperamos que se lo haya estado escuchando a tope. Desde aquí le mandamos un beso.

Además, también hacéis mucho uso de las redes sociales haciendo sorteos, publicando vuestras movidas… pero de una manera bastante guay sin los tópicos gilipollas que suelen poner todos los grupos a los que les das un @ de Instagram. ¿Es hora de que el punk no sólo acepte sino que haga suyo este canal?

Bueno, tal como entendemos el punk, es una consecuencia lógica que trate de llevar un discurso a todo aquel canal que pille. Como venimos diciendo, lo que antes era entendido como un medio ahora es un fin en sí mismo.

Lo virtual es sólo un continente de lo real, y por ello si el punk pretende no ser escapista y hablar de lo real tiene que, entre otras cosas, asumir que la cuestión de la técnica es, a día de hoy, más definitoria que otras muchas a las que el punk tiene mucho apego pero que, para bien o para mal, han dejado de ser tan significativas.

Por eso, haciendo en realidad lo mismo que hemos hecho siempre. La URSS y La Corporación tomamos prestados algunos los mecanismos y estrategias que definen el lenguaje predominante en las redes sociales.

Con ello, pretendemos explicitar el gran poder idiotizante que tienen, claro, pero en el fondo, no dejan de ser herramientas para llevar a cabo sus viejos propósitos, que son asegurar nuestra supervivencia y difundir el mensaje.

De esta forma, la URSS pone su mantelito y sus cosas de pic-nic sobre las praderas de lo post-irónico, y la curva que ha dibujado la venta de camisetas estos últimos meses puede avalarlo.

Aquí Brian Baker con la cami del millón

Vivís bastante alejados los unos de los otros. ¿Cómo hacéis para ensayar, sacar temas nuevos,…?

Pues, como somos un torrente inagotable de creatividad y estrategias de marketing, hablamos mucho, desde la distancia, planteamos un montón de movidas más o menos inconexas que son la materia prima del disco.

Una vez se tienen las suficientes, quedamos en Madrid y ensayamos un poco. Hasta ahora siempre nos ha pasado que aparece un ensayo en el que, por alguna razón, tenemos la barrita del genio parpadeando, y podemos dar forma a medio disco en una tarde.

Normalmente en lo que más tardamos es es decidir qué cosas queremos aportar y cómo pretendemos evitar los tópicos y recursos más manidos.

Hemos desechado muchísimo, canciones enteras grabadas en el estudio incluso, porque el control de calidad de la URSS es muy muy exhaustivo.

Habladnos de La Corporación. ¿En qué consiste? ¿Cuál es su labor en este mundo?

Pfff la corporación es indómita y misteriosa, La Corporación, a diferencia de la URSS, entrega su lenguaje y su manera de hacer a las gentes. También crece fuerte y en la sombra, como el musgo, que acecha silencioso en la zona umbría del bosque. Unirse a la corporación es fomentar el vivir peligrosamente, aferrarse a la emoción como manera de existir. Crear por el simple hecho de crear y ver crecer y romper aquellos circuitos viejos y predecibles para dar paso a la vitalidad y la exaltación. Si hay que ir hacia un futuro mejor, la corporación no se sube al avión más rápido y lujoso, construye las herramientas para que los chavales ensamblen sus vehículos. La corporación; DIY darknet investors. Visita http://lacorporaciondiscos.blogspot.com/

¿Por qué razones un supuesto sujeto X debería acudir a un concierto de La URSS? Por ahorrarte gastos de envío, pero en verdad, si eres un «Supuesto sujeto X», fijo que eres secreta y que no serías bienvenido.

Si tuvieseis que encajar a La URSS en un concepto, algo así como vuestra fuerza motora, ¿cuál sería?

La hondura.

En Nuevo Testamento canciones como “Símbolo de cruz“ funcionan muy bien. ¿Seguiréis explorando estos sonidos en próximas referencias?

Puede ser. Ese tipo de canciones, que remiten a sonidos propios de las expresiones del sur son ya parte de esas categorías o palos a los que nos referíamos al principio.

No es, en absoluto, el intento de hacer algo aflamencado, porque lo no lo es, sin embargo si que es una especie de experimento con otro tipo de sonidos o escalas que, por venir de otras tradiciones, se alejan más de las melodías o ritmos a los que estaos habituados en el rollo punk pero que, sin embargo, son muy comunes aquí.

En ese sentido, creo que podemos decir que somos, probablemente, el primer grupo de punk que ha buscado eso. Lo cual es un mérito sólo parcial, pues otros muchos estilos más libres en cuanto a las fórmulas ya habían llevado esta idea hasta las últimas consecuencias muchísimo antes. ¿Hay intención de sacar a la calle nuevas canciones pronto? ¿Cuáles son los planes de futuro de La URSS? Ahora mismo, desde el confinamiento, estamos componiendo un nuevo LP que será editado por Humo Internacional. Como es lógico, ahora mismo es difícil poder dar fechas, pero bueno, a 20 de abril del 2020 tenemos 4 proyectos serios de canción. Una vez los tengamos, nuestros planes siguen siendo los mismos: sobrevivir y expandir nuestra palabra.

De Curva De Consumo Ascendente salió un vídeo con imágenes de las Torres Gemelas, y esa es la interpretación más clara que se le puede dar a la letra. ¿Qué recordáis del 11S? ¿Dónde lo vivisteis? ¿Sois de los que visteis a Matías Prats ir comentando la jugada?

La canción habla de tópicos de nuestra era, entendiendo que lo de las torres, y lo que vino después, inauguró un nuevo escenario que, además, vino a coincidir con el nuevo milenio. En cuanto a qué estábamos haciendo ese día, recordamos verlo por en la tele, y luego por la tarde ir a un parque o a hacer skate por ahí.

Además de la música, ¿estáis metidos en alguna otra forma de expresión artística?

Si, en general nos interesa el arte a todos y nos dedicamos a cosas relacionadas. Entendemos el punk como ruptura, del mismo modo que la vanguardia, esencialmente, pretende ser una destrucción de vocación constructiva. Por eso, nosotros estamos muy influenciados por todas las corrientes artísticas y de pensamiento actual que fomenten el dinamismo y la tensión constante, aunque no tengan nada que ver con el punk. ¿Cómo se vive el punk y la vida en general en Andalucía entre los tópicos de camisa, gomina, patillas y feria de abril?

Hay cierta porción de la realidad que respalda el tópico de lo andaluz, pero también hay un carácter de aquí que tiene que ver con el expresar mucho con poco, usando un lenguaje donde la inteligencia está muy vinculada a la sensibilidad y donde hay cierta fascinación por lo excesivo. Hay expresiones que van de lo extremadamente lúgubre, visceral o sublime, al cachondeo más frívolo, y sin que haya demasiado contradicción entre ambas esferas. Por otro lado sus exportaciones son numerosas en número En definitiva, Andalucía es un país de contrastes. ¿Qué significa el punk en pleno 2020? ¿Qué pasa cuando la provocación se convierte en sistemática e infantil en el peor sentido de la palabra y parece que nos amoldamos a un guion ya escrito hace 40 años sin poder mirar más allá?

Lo fundamental es que no se convierta en un nicho para almacenar fetiches de la nostalgia. Como dices, aquello que era operativo hace cuatro décadas quizás haya dejado de serlo. En verdad las ideas, como las armas, pueden desafilarse, y hay que trabajar muy bien la retención de filo para que un concepto pueda seguir clavándose incluso tras someterlo a pruebas brutales, transmitiendo y siendo motor de cambio. De eso va la canción viejas armas, nuevas guerras del disco Sonidos de un Derrumbe.

Ciertos elementos de la provocación pueden haber sido absorbidos por el sistema, sin embargo, la provocación en sí misma parece que no deja de ser potente a la hora de buscar nuevas formas de transformar el mundo y la sensibilidad. Por ello, es algo tan presente en las luchas sociales o en expresiones artísticas de todo tipo.

En ocasiones, la reproducción de estos tópicos es algo inconsciente.

Cuando es consciente, a veces es hasta tentadora ya que, por lo general, hay gran parte de la audiencia que se va a sentir más cómoda rodeándose de todos aquellos elementos que refuerzan su identidad más que con aquellos que la cuestionan, por lo que a veces se puede tener hasta más éxito haciendo lo obvio.

La URSS en la 3ª Revuelta Primate. Trece Monos de Salamanca, 2016 Foto de Javier Queizan Si MG15 se reunieran y propusieran a La URSS un hipotético split ¿en qué creéis que quedaría la cosa?

Creemos que alguno de los miembros de MG15 han perdido su derecho a la vida.

Sin embargo, hablando de compartidos, recordamos a las gentes la imposibilidad total de adquirir el compartido entre LA URSS y Hankwood and the Hammerheads desinfectado y sellado por las autoridades sanitarias, ya que se acabó a las 48 horas de salir al mercado.

Hasta aquí llegamos, ¡gracias por vuestro tiempo! ¿Queréis añadir algo más? que gracias por entrevistarnos.

Conocí el trabajo de Manu el mismo día que vi a Wild Animals en directo por primera vez. Todo concentrado en unos pocos metros cuadrados, parte de su obra gráfica y Wild Animals tocando en acústico y emocionando al personal. Desde aquella bonita experiencia fui siguiendo su trabajo, y me ha parecido que ya era hora de mandar unas preguntas al creador de tantos personajes que desprenden buen rollo y una sutil crítica implícita. Ya veis qué chaval (de corazón, que es lo importante) más majo. ¡Vivan las respuestas largas y sus artífices! ¡Buenas Manu! Si quieres podemos empezar por una pequeña (bueno, o grande, eso como quieras) presentación para que sepamos un poco más de ti y de lo que haces. ¡Hola Mateo! Pues me llamo Manu, nací en Luarca (Asturias) hace 38 años y ahora mismo vivo en Coruña con mi pareja y nuestra hija de 20 meses. Trabajo como diseñador gráfico en una empresa de Pronto Moda que se lleva gran parte de mi tiempo y energía, y cuando puedo dibujo, pinto, publico fanzines y aporreo una guitarra española pequeñita que trastea un montón. ¿Cuánto tiempo llevas dibujando? ¿Cómo fueron tus inicios en esto? ¿Qué estilos o artistas te influenciaron más al principio y cómo fuiste evolucionando?

Supongo que llevo dibujando toda la vida, de niño y adolescente tenía las carpetas decoradas con dibujos, copiaba a mano los logotipos de mis grupos favoritos, y llenaba los libros de texto y los apuntes con personajes. Me encantaba la asignatura de Plástica y tuve la enorme suerte de unos padres que siempre lo potenciaron y me animaron a tirar por el mundo gráfico. Sin embargo, en el camino hacia la vida adulta fui dando bandazos desde la carrera de Turismo hasta unas oposiciones de controlador aéreo(¡!) que nunca aprobé. Tras un año trabajando en el turno de noche como recepcionista de un hotel en Madrid, empecé a estudiar Diseño Gráfico. Al mismo tiempo empecé a pintar bastante, participar en exposiciones, y a publicar un fanzine de dibujos que se llama Remendar es Antisocial, y que hacía siempre con materiales reciclados de la basura.

A día de hoy (va por el número 12) ya no es de dibujos sino de poesía absurda, escritura automática y chistes malos.

Al principio, en la adolescencia, me fijaba mucho en las portadas de los discos, recuerdo alucinar con las portadas de los discos de hardcore melódico y punk rock, que era lo que más escuchaba en aquella época.

Analizaba al detalle las portadas de The Longest Line de NOFX, How to Clean Everything de Propagandhi, o The Daily Grind de N.U.F.A.N., toda la gráfica de Descendents… También todo el diseño del skate y el surf en los 90. Aquella música junto con aquellos diseños eran una puerta a lo diferente y me influyeron mucho en su día. A partir de ahí fui descubriendo movimientos artísticos, y un montón de estilos gráficos que me irían enseñando formas de hacer y vivir diferentes.

¿Cuánto tiempo te llevó alcanzar el estilo que estás desarrollando ahora? ¿Te ves haciendo algo diferente en el futuro o ya encontraste tu rollo ideal?

Uff, no se, supongo que es una evolución gradual y como diría mi buen amigo Kike, “orgánica”. Con el paso de los años vas cambiando o depurando el estilo, te haces más complejo y detallista o más práctico y sencillo. Antes dibujaba lo primero que se me ocurría, lo que se tradujo en dibujos y cuadros que ahora me parecen horribles, pero en su día los veía dignos y frescos. Ahora con el dibujo ya no hago eso, pienso bastante antes de ponerme a dibujar. Es bonito experimentar, desde hace unos años estoy haciendo un poco eso pero con las palabras. Me pongo a escribir y voy haciendo rimas que no riman, o juegos de palabras que no dicen nada. Últimamente dibujo muy poco, por falta de tiempo pero sobre todo de ideas. Esto es muy frustrante. Me gustaría seguir dibujando a diario, pero como dice Lorena Álvarez en una de sus canciones “…pero hay días en los que aborrezco lo que adoro…”, y ahora mismo creo que me divierte más escribir que dibujar, quizás por la novedad... ¿Cuál es tu modus operandi a la hora de trabajar? ¿En qué ambientes o situaciones te encuentras más cómodo? ¿Qué técnicas sueles utilizar?

Soy desordenado por naturaleza, mi escritorio siempre está lleno de papelorios que no sirven para nada, bolígrafos con la punta chuchurría, o una taza de café con un poso reseco. Idealmente para trabajar tengo que despejar la mesa para estar solo con el papel, el material de dibujo que necesite, y un vaso de agua. Generalmente empiezo bocetando con portaminas del 0.5 sobre papel de dibujo, una regla y una goma. Voy haciendo bocetos rápidos en miniatura y anotaciones al margen del dibujo, para ir trabajando la idea general. Luego voy añadiendo detalles. Cuando ya tengo el boceto a lápiz terminado lo repaso con rotring y rotulador negro sobre papel vegetal. Esa versión a limpio es la que luego escaneo y retoco o coloreo en el ordenador. Suelo trabajar de esta manera tanto para hacer ilustraciones, como rótulos o logotipos, con algunas excepciones, en las que no utilizo el ordenador para nada.

Mientras trabajo me gusta escuchar música o algún programa de radio.

Nunca soy capaz de concentrarme con la tele puesta.

Las técnicas que más uso son el dibujo y la pintura, aunque desde que

estamos confinados estoy haciendo una serie de collages rápidos con mi hija Emilia que son la alegría de vivir. ¿Dónde sueles encontrar la inspiración? ¿En el día a día, libros, canciones, personas,…?

En todo lo que mencionas, el día a día te presenta situaciones divertidas o terribles que te pueden inspirar para bien o para mal. Hay infinidad de libros, canciones, cuadros, personas, animales, plantas, árboles, paisajes, fanzines, recetas, que me inspiran a tope. No me inspira nada estar mirando instagram todo el día, eso me genera un desasosiego brutal. Instagram es la antimusa.

En muchas de tus obras aparece implícito un sentimiento de amistad y de apoyo mutuo, ¿crees que lo estamos perdiendo o es algo que te gusta reivindicar sin más?

Si que es algo que me gusta reivindicar, la amistad es una de las cosas más bonitas que existen, y el apoyo mutuo muy necesario, aunque a veces se me olvide.

Además, no es difícil de encontrar también en tu trabajo una cierta crítica social, muy camuflada la mayoría de ocasiones. ¿Huyes de lo explícito o es por el manual del estilo que haces? ¿Puede en ocasiones algo muy sutil calar más hondo que una gran imagen puesta a lo bestia?

Supongo que me encuentro cómodo haciéndolo de esa manera, es lo que me sale de forma más natural. En el documental sobre CRASS “There is no authority but yourself” sale Steve Ignorant contando los inicios de la banda, y de cómo Penny Rimbaud le animó a que en las letras criticara duramente todo lo que le disgustaba pero de forma más sutil y poética.

Puede haber belleza en la crítica sin ser tan explícita y cruda. Aunque dicho esto, también me encantan artistas que hacen todo lo contrario. ¿De dónde viene tu pasión por los rótulos pintados a mano? ¿Hay alguno que se te haya quedado grabado en la memoria de lo guapo que era?

Descubrí el oficio de la rotulación tradicional cuando vivía en Londres entre 2011 y 2015, me enamoró y estuve unos años trabajando como rotulista e ilustrador, pintando carteles y murales, sobre todo para pequeños comercios locales. Disfruté muchísimo de aquella experiencia. Cargaba todos los materiales en las alforjas de la bici y cruzaba Londres para pasarme el día entero subido a una escalera o un andamio pintando. Era cansado pero muy gratificante. Cada encargo era en una zona de la ciudad por lo que aprendí a moverme por Londres en bici, y quiero pensar que durante aquella época lucía unos gemelos ultra-desarrollados de tanto pedalear y subir y bajar escaleras.

Casi todos los proyectos eran especiales a su manera, ya que por lo general los encargos llegaban de pequeños comercios locales que valora-

ban la artesanía y la imperfección manual propia de la profesión. Me hizo muchísima ilusión rotular las ventanas y el baño del Black Cat Vegan Café en Hackney. Carla y Nacho son amigos y es un sitio maravilloso lleno de libros, música, fanzines y comida vegana, ¡menuda combinación!. También disfrute mucho rotulando el local de Catasol, una cooperativa de agricultura ecológica con huertas en Castrillón. Y pintando un mural bastante grande en las escaleras de un hotel en Londres, que me tuvo 8 semanas con el pincel en la mano.

Yo conocí tu trabajo gracias a las portadas y diseños que haces para Wild Animals. ¿Has notado que llegases a más gente a raíz de esto? ¿Colaboras o has colaborado con algún grupo más? ¿El planteamiento es diferente al trabajar para un grupo que para un particular o es el mismo?

Con Wild Animals es genial, son buen@s amig@s, me dieron libertad total desde el principio, y me hace mucha ilusión ese voto de confianza para acompañarles gráficamente en su aventura musical. No paran quiet@s, siempre de gira, así que supongo que gracias a eso mis dibujos habrán llegado a lugares del mundo a los que de otra forma no habrían llegado.

A parte de sus portadas me dediqué a hacer las portadas de Montañas, un grupo en el que tocaba hace años, y alguna otra portada suelta para grupos asturianos.

La verdad es que a parte de las portadas de Wild Animals, casi nunca recibo encargos de dibujo, ni de nada, jaja. El planteamiento es siempre diferente, ya que cada encargo es distinto. Algunos te marcan unas pautas a seguir y otros te dan libertad total. Estos últimos, si salen bien, son los más gratificantes.

El otro día oí a un amigo decir algo así como: “hoy en día solo hay dos tipos de diseñadores, el que pone un símbolo en una esquina y un texto en la esquina opuesta y el que hace dibujitos de niño de tres años”. ¿Qué te parece esto? ¿Puede hacer todo el mundo ese estilo naif?

Pues no se qué decirte, hay tantísimos millones de personas haciendo diseño de todo tipo que no puedo polarizarlo tanto. Al igual que ocurre con la pintura, la música…hay gente que prefiere trabajar en analógico y tiene un estilo naif, diseñadores gráficos minimalistas, obsesos digitales que se pasan cientos de horas haciendo una ilustración vectorial o retocando fotografías con decenas de filtros y efectos. Yo estoy más cómodo haciendo lo primero. Y creo que en lo creativo cada uno debe hacer lo que más disfrute, sin preocuparse demasiado por lo que piensen l@s demás o la repercusión que tendrá.

¿Cómo de lejos crees que se puede llegar en el mundo del arte siendo autodidacta?

Autodidacta o no, creo que lo más lejos a lo que puedes llegar es a disfrutar y ser feliz creando algo, seguramente esa será la cima de tu carrera de artista.

Has hecho unos cuantos fanzines y hasta tienes una editorial. ¿Cuál es tu relación con el mundo de los fanzines? ¿Cómo te adentraste en ello? ¿Tienes algún favorito?

En 2007 Raquel y yo pusimos en marcha una micro-editorial y distribuidora de fanzines llamada Jerseys para los Monos, con la que publicábamos nuestros propios fanzines y distribuíamos los de amig@s y gente afín. Y con la que seguimos publicando alguna cosilla muy de vez en cuando.

Empecé a descubrir los fanzines cuando conocí a Raquel, ella tenía bastantes, sobretodo de punk y hardcore que me iba fotocopiando, recuerdo estar en su habitación leyendo el Fanzine Miguel o el Bailando con Punks cuando teníamos 20 años. A partir de ahí fuimos conociendo a un montón de gente que publicaba sus cosas, íbamos a ferias de fanzines y empezamos a intercambiar con otras distribuidoras. Hay muchos que me flipan, el Fanzine Rata, Haz, Qué Suerte, Eskupe al Alkalde/Fanzine Miguel…

¿Qué otras formas de expresión artística has desarrollado o desarrollas en la actualidad?

Ahora mismo lo que más disfruto es escribir, pintar personajes y rótulos, y hacer esos collages con Emilia que comentaba antes.

Montañas lleváis ya unos cuantos años inactivos. ¿Estás en algún otro proyecto musical actualmente o tienes vistas de empezar uno próximamente? ¿Qué es lo que estás escuchando últimamente?

No estoy en ningún grupo ni con vistas a empezarlo. Hace unos años subí unas cuantas canciones que iba grabando de forma muy precaria en el sótano de nuestra casa en Londres y anhelaba vivir en Asturias. El proyecto se llama Otur, y se pueden escuchar en www.otur.bandcamp.com .

Suenan fatal pero les tengo bastante cariño y siempre estoy fantaseando con sacarlas en una cinta o algo. Últimamente(estas últimas semanas de confinamiento) estoy escuchando bastantes podcasts: Hardcore Radikal, Griterío, Estado de Alarma, Amigo Blas, El Podcast de La Negra, Atake de Nervios, La Linterna de Diógenes, los podcasts de Ochodoscuatro ediciones… Y de música pues a Jeffrey Lewis, Atomizador, Lost Sounds, Beatles, Billy Bragg, Fugazi, The Clean, Tall Dwarfs, TV Personalities, The Make Up, Jonathan Richman, Absurdo, Guay!, Fairport Convention, David Byrne, Submission Hold, Grass Widow, Magnetic Fields, Brian Eno…

Eres asturiano, pero actualmente vives fuera. Bueno, llevas unos cuantos años fuera, ¿no? ¿Echas de menos la tierrina? ¿Qué echas más en falta de este supuesto “paraíso natural”? ¿Dejará de oler mal algún día el Piles y la ría de Avilés o es hora de entregar definitivamente los prados y las montañas a la industria?

Sí, me fui de Asturias en 2004, pasé 7 años en Madrid, luego 5 en Londres, volví a Asturias 3 años y ahora estoy en Coruña desde hace casi 2 años. El paraíso natural está ahí, es un sitio precioso, pero hay una desidia generalizada... Solo tienes que ir un sábado cualquiera a Parque Principado(¡o mejor no!). Esto es bastante común en todas partes, también se ve en Coruña y lo veíamos en Londres y en Madrid, así que habrá que seguir practicando la crítica sutil, la amistad y el apoyo mutuo… :^) Respecto a lo de entregar los prados y montañas…¡No pasarán! o como decía el protagonista de “Los visitantes no nacieron ayer”, -¡Que me muera si flaqueo!-, que además cada vez hay más jabalíes paseando por los centros urbanos…

¿Qué dirías que es lo mejor y lo peor de tu profesión?

Lo mejor poder pagarte el tofu haciendo algo que disfrutas, y lo peor lo poco valoradas que están las profesiones creativas o trabajar en proyectos que te hacen cero ilusión vital y que crees que no aportan nada positivo a este mundo. ¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre?

Jugar con Emilia, estar con Raquel, escuchar música, escribir poemas, bailar, dibujar, pintar, tocar la guitarra, dar paseos por playas y bosques, ver a mis amig@s, no se, todo lo mítico que no puedo hacer mientras estoy secuestrado en el trabajo.

¿Cuáles son tus discos, libros, series, pelis favoritas?

Voy a poner unos pocos de cada aunque hay muchos más…

Discos: “What holds back the elephant?” de Submission Hold, “Unhalfbricking” de Fairport Convention, “Penis Envy” de CRASS, “Crazy Rythms” de The Feelies, “Ayalga, canta Xabel Ferreiro” de Ayalga, “The Draughtsman Contract” y “Drowning by Numbers” de Michael Nyman.

Libros: “Estrategias sobrenaturales para crear una banda de rock” de Ian Svenonious, “Cuerpo” de Harry Crews, “La pesca de la trucha en America” de Richard Brautigan, “Keep your eyes open/FUGAZI” de Glen E. Friedmann, “Sign Painters” de Sam Macon & Faythe Levine, “Grafica dela Strada” de Louise Filli y “El Disco De Deva” de Dobra Abella, Kepa O’Connor y Félix Prendes.

Series: Casi no veo. Y películas: “One flew over the cuckoos nest” de Milos Forman, “Down by Law” de Jim Jarmusch, “Le Havre” de Aki Kaur

¡Hasta aquí todas las preguntas! ¿Quieres contar algo más que no te haya preguntado? ¡Nos vemos, gracias por todo!

No, siento si he sido muy pesado con respuestas muy largas, gracias a ti por la entrevista y un abrazo.

E-150 LA RABIA JUSTIFICA LOS MEDIOS

Este artículo ha dado muchas no, muchísimas vueltas. De hecho estoy escribiendo esto la noche antes de llevar a imprimir el zine y espero que sea el definitivo de una vez.

La idea inicial era que esto fuese una “continuación“ de un artículo del número anterior, en el que comentaba una serie de grupos con un importante mensaje socio-político adscritos al cajón de sastre que es el “skate punk” y que a mucha gente dan repelús por los prejuicios, en muchos casos fundados, que se suelen atribuir al género. Esta vez tocaba grupos de hardcore con ese mismo mensaje que por la extrema biela que reparten a alguna gente no le pueden entrar del todo bien. Pero pensándolo bien, esto no tendría mucho sentido, ya que la inmensa mayoría de grupos de hardcore tratan estos temas (bueno, de hardcore tal y como yo lo entiendo, chándales y pintas y actitudes de trapero se quedan fuera).

Debatí bastante conmigo mismo el qué grupos poner, y al final seleccioné tres. Por cuestiones de espacio y de que me enrollo más que una persiana fui dejando primero uno y luego dos fuera, que ya tienen su espacio en el siguiente número y me quedé con E-150.

E-150 son uno de mis grupos favoritos de hardcore y no sólo del Estado ni sólo de hardcore. Formados en el verano de 1995 no en Barcelona, sino en Badalona y Sant Adrià de Besòs, dejaron registradas un buen puñado de canciones con las que aullar al alto de la lleva con el puño en alto.

En los primeros años del grupo eran un quinteto: Abraham e Italiano a las voces, Beni a la guitarra, Elías al bajo y Carlos a la batería. Quienes tuvieron la suerte de verlos en esos años coinciden en que el tener a los dos cantantes pegando alaridos sobre esa base frenética era espectacular, y escuchándolo en disco te puedes llegar a hacer una idea. Desde un principio se les comparó con Los Crudos, y obviamente tienen rasgos comunes derivados de hacer un estilo similar en el mismo idioma, pero desde que empezaron el grupo pasaron unos años hasta que pudieron escuchar un disco de los de Chicago. De hecho, como me contó Abraham, la primera vez que escuchó algo de Los Crudos fue cuando Carry Out, un grupo local, versionaron su Asesinos. Sobre esto de las influencias, no empezamos el grupo queriendo sonar como nadie determinado. Influir te pueden influir muchas cosas, como el barrio donde creciste, tu jefe que es un puto explotador, un libro que leíste, un grupo,... Además a cada miembro del grupo le gustaban cosas aparte, ya fuese hip hop, grindcore, Kraftwerk o los Ramones, y en la furgoneta escuchábamos de todo menos hardcore la mayoría de veces, desde los Housemartins hasta Decibelios. De todos modos, se pueden ver algunos de los grupos que les molaban viendo las versiones que incluían en sus discos como casi una tradición.

En 1997 sacaron las que creo que globalmente son mis grabaciones favoritas suyas. Empezaron con un 7’’ editado por ellos mismos, el único en solitario que sacarían, La Rabia Justifica Los Medios, cuyo título es toda una declaración de intenciones. Con diez canciones en algo más de doce minutos, aquí tenemos algunos de los temazos de E-150, como Unidad Global, mi favorita Perdóname La Vida, En El Nombre De Dios (que tendría la mejor intro del grupo de no ser por otra canción de la que ya hablaré) o las tres canciones enlazadas en minuto y medio Give It Up (de Poison Idea), Mártir Del Pogo y ¿Eres Sordo O Eres Tonto? Destacan muchísimo las letras, pinceladas rápidas sobre temas específicos con una gran cantidad de contenido detrás. También en ese año sacaron un 7’’ compartido con Ivich, editado por Stonehenge Records en su “época ¡fuá!”, y del que para mi destacan todos los temas pese a la voz a los Suaves, pero especialmente Todo Perdido, mi letra favorita de E-150 y el experimento techno Vendrán Lluvias Suaves, hecho por Carlos y basado en un capítulo del Crónicas Marcianas de Ray Bradbury. La verdad es que pasar de la biela a esa frikada enchota bastante.

Lo de Modern Talking sonando entre tema y tema también está guay. Abajo: E-150 en el Xixón Non Kaos, celebrado en el CSA en 1997. Foto de Fidel

Un año más tarde salió el split con los también catalanes Unabomber, donde E-150 facturan otros de sus temas más recordados, como Una Verdad, Un Engaño y Los Medios Lo Controlan Todo, además de Héroes y una versión de Beyond Description. En 1999, casi entrando en el nuevo milenio, sacaron otro compartido, esta vez con Darkside Of Soul, que por su parte aportan un temazo de griterío como es Algo Empieza. E-150 nos presentan la canción más larga de su discografía, Coraje, de tres minutazos y pico, además de otros trallazos más acordes a su producción clásica, como Azul, Dimoni, cantada en catalán, y el Violence Sucks de sus amigos Lärm. En verano de ese año y con la ayuda de Martín de Los Crudos, que ya había reeditado con su sello el primer 7’’, giraron durante casi un mes por la costa este de EEUU y Canadá, acompañando entre otros a His Hero Is Gone en lo que sería su última gira y su último concierto, casi nada. En internet se puede leer un diario de esa gira muy molón escrito por Beni, que apareció en un Absolut zine. Poco después Italiano dejó el grupo, quedando sólo Abraham a las voces.

Con esta nueva formación sacaron en 2001 un split 7’’ (¡cómo no!) con los valencianos Zanssui (amor eterno), en el que además de versionarse mutuamente también ponían unas cuantas canciones por cada lado. En este punto se estaban acelerando bastante, y eso que nunca fueron muy reposados, hasta el punto de decir en una entrevista en el programa de radio Tratamiento De Shock que viéndolo con perspectiva parecían Epi y Blas tocando grind. La voz también parece cambiar un poco, acercándose a cómo sonaría después. Ese verano hicieron su segunda gira por EEUU, esta vez por la costa oeste y mucho más agotadora, con calor metidos en la furgo conduciendo diez o doce horas casi todos los días. Y el día siguiente de volver, a tocar a Bélgica. Una cosa que me soprendió es que en Europa sólo tocaron unos pocos conciertos sueltos o minigiras de pocos días, en parte por su condición de currantes. Ese mismo año Elías, que también tocaba en unos Standstill que estaban despegando, dejó el grupo, siendo sustituido por Pepe, hermano de Carlos e integrante de Hzero. En 2002 participaron en uno de mis recopilatorios de cabecera de hardcore, el LP Histeria, junto a grupos como Limp Wrist, Life’s Halt, DS-13, Seein Red, Deathreat,... la ostia. E-150, entre otras, aportan la mejor versión jamás grabada del Chicos De La Calle de Toreros After Olé, con una intro maravillosa (esta es de la que hablaba antes, como amante de los Simpsons y las patillas frondosas me toca de cerca). En 2004 editaron el último split 7’’ con Intensity (con gente de Satanic Surfers). Ese mismo año lo dejaron por ser cada vez más difícil compaginar el grupo y sus vidas, y dieron su concierto de despedida en Barcelona, en una Rock ‘n’ Trini llena hasta reventar, junto a sus colegas Kissin’ Cousins, Unabomber y Seein’ Red. Abajo: último concierto de E-150 en el Rock ‘n’ Trini, 2004. Foto de Eric Altimis. ¡Gracias por pasármela!

Precisamente para un split con Seein Red que al final nunca vio la luz se grabaron unos años más tarde unos temas que aparecen en su Discografía en doble LP. Este es el segundo recopilatorio que se editó como “discografía“, ya que en 2001 salió un CD que cumplía esta función. El doble LP es más completo, y contiene cosas guays, como demos y una versión en directo de ¿Libertad? aparecida en la cinta Hardcore Contra El Neoliberalismo que depende del día igual me mola hasta más que la que aparece en el primer EP. Precisamente fue por esta sesión de grabación por la que en parte se volvieron a unir los cuatro para hacer Fix Me, más entre el rollo Boston y Poison Idea con el que sacaron un 7’’ y ¡un LP en solitario! que me flipan. Aquí y en su otro grupo, Gulag (rollito Born Against en castellano) es donde más me mola voz de Abraham, una salvajada.

Actualmente los cuatro ya no tocan juntos (aunque algunos todavía dan guerra en la tarima en grupos como Againsters) pero siguen siendo buenos amigos y quedan para comer o tomar unas cañas. Bien está lo que bien acaba, y más si dejan un legado como el que dejan.

Muchas gracias a Abraham por contarme varias de las cosas que leíste y por ponerlo todo tan fácil y a Fidel por pasarme la foto (y más que no usé) y por ayudarme a establecer los límites del artículo. ¡Espero poder veros una vez pase toda esta mierda!

No cuesta abrir la boca y decir… todo perdido. Es fácil pensarlo así… todo está pedido. Cuando nada nos importa y nunca actuamos bien. Todo está perdido, todo es mentira. Es fácil conformarse y pensar, y creer que esto es verdad. Acabaremos siempre manipulados, esta es nuestra humillación.

Todo esta perdido, todo es mentira. Cuando el compromiso no existe, si que podemos decir que todo esta perdido. Pero en el momento en que nos comprometemos, todo esto será una absurda mentira. No les creamos a ellos, a la clase dirigente, cuando nos digan… todo perdido.

Mucha gente cree que la única solución que tenemos a nuestros problemas es agachar la cabeza y tragar con todo lo que nos dicen o hacen. Para esta mayoría otra opción es de locos, y no se atreven a enfrentarse con los problemas. Pero si no nos enfrentamos a estos problemas, nunca saldremos del agujero en el que estamos condenad@s a vivir.

E-150 - Todo Perdido

Aparte de por diseñar mil portadas de discos y carteles y ser el ilustrador de referencia de la editorial La Felguera, Mario Rivière también es bien conocido por guitarrear o haberlo hecho al servicio de Aerobitch, Muletrain, Silla Eléctrica, R.O.B.O. y unos cuantos más grupazos. Un tío más majo que las pesetas y que ha tenido a bien contestar unas preguntas para conocerle un poco mejor.

¡Hola Mario! Para empezar preséntate y háblanos un poco de ti y de lo que haces, sobre todo para la gente que no te conozca.

Hola, me llamo Mario y llevo ya un tiempo dedicándome a la ilustración, el diseño, algo de serigrafía y meter ruido en grupos de Punk de escasa catadura moral, poco más puedo decir.

¿Cuándo empezaste a dibujar? ¿Quiénes te inspiraban e influenciaban al principio y quiénes lo hacen ahora?

Empecé cuando empezamos todos, de chavalín, pero a diferencia de la mayoría, nunca dejé de hacerlo, porque siempre fue algo que me hizo sentir bien, me flipa perderme durante horas en un dibujo, puede bajarme los niveles de ansiedad de forma milagrosa. De chaval me llamaba la atención (y ahí sigo) todo lo que tuviera que ver con los monstruos y lo extraño, aparte de eso lo que tuviera a mano, supongo.

Luego también Ibáñez (maestro absoluto) y gente de esa generación, los comics de superhéroes, el cine de serie b, el wrestling, Hanna & Barbera y los dibujos animados de la época…A partir de ahí me fui abriendo y ahora mismo mis influencias son un mejunje de aúpa, de las obvias (el Bosco, el imaginario ocultista, el cine descerebrado, el arte outsider, Doré y otros ilustradores del XIX, Daniel Clowes, Crumb o Pettibon por citar solo lo más evidente) a cosas que ni yo mismo percibo hasta pasado un tiempo.

Casi cada día me obsesiono con algo que horas antes no conocía, roza lo insano. ¿Por qué diferentes estilos has ido pasando a la hora de dibujar? ¿Crees que ya has alcanzado tu estilo propio o que aún tienes margen de cambio?

Uff, no quiero ni empezar, he hecho cosas muy, muy feas. Pasé por una época muy larga en la que no prestaba mucha importancia a lo que dibujaba, mi prioridad era tocar, tocar y tocar, pero llegó un momento en el que me di cuenta de que esto era lo que quería y necesitaba hacer (la idea de ganarme la existencia tocando punk evidentemente nunca se me pasó por la cabeza, no estoy tan desquiciado), de que estaba siendo un cutre de cojones y de que más me valía ponerme las pilas, desde entonces he metido muchas horas y en las mismas sigo, aprendiendo todo lo posible, queda tanto que pensarlo da miedo. Tocar a todo volumen sigue siendo una necesidad para mí, pero esto, dibujar y demás, es con lo que me

“gano” la vida, más me vale cuidarlo e intentar mejorar.

Respecto a lo del estilo propio: Por un lado está lo que se ve más, portadas de discos, libros etc y por otro mi trabajo más “personal”, que no comparto mucho y es más loco, más de investigar y ver qué sale, espero seguir evolucionando –por poco que sea- hasta que reviente.

tiempo del mundo para hacer según qué cosas. ¿Digital o a mano? ¿Nos da tantas facilidades la tecnología?

Yo dibujo a mano, pero para trabajos editoriales y ese tipo de cosas suelo utilizar el ordenador para temas de color y diseño, aunque mi tendencia desde hace mucho tiempo es ir utilizándolo cada vez menos. Creo que la tecnología puede limitar mucho o facilitar mucho las cosas, depende del uso que le de cada uno, claro, no voy a ir de unabomber por la vida, pero tampoco soy muy fan de trabajar con el ordenador, es la parte que menos suelo disfrutar… ¿Qué entra dentro de tu imaginario particular? ¿A qué imágenes o ideas sueles recurrir si entras en bloqueo o directamente de primeras?

Todo depende de cual sea el curro o el proyecto, no siempre puedo tirar de mi imaginario habitual, el lado más extraño y oscuro, hay trabajos que tienen que ir en otra dirección y eso es bueno, ni no estaría todo el puto día haciendo calaveras y tampoco es cuestión de eso… si entro en bloqueo lo que más suelo hacer es guarrear a saco dejando el cerebro de lado, me ayuda a centrarme y perder el miedo a cagarla y ese tipo de cosas paralizantes,,, ¿Técnica o pasión por un tubo?

La técnica se aprende y se desarrolla, aunque también se olvida…la pasión, si se tiene, hay que cuidarla para que siga ahí, pasión siempre. ¿Con qué trabajos disfrutaste más el proceso? ¿Tienes algún favorito?

No te sabría decir, por lo general suelo tener buenas experiencias e intento siempre buscar un ángulo para abordar el trabajo que me permita disfrutarlo, aunque también es raro un trabajo que no pase por momentos de mucha frustración…

¿Normalmente prefieres trabajar sobre una idea preconcebida o te gusta que te dejen a tu aire? ¿Eres de los que sufren cuando les cortan las alas en el proceso creativo?

Me gusta trabajar de las dos maneras, tener limitaciones no es malo necesariamente, una lista ilimitada de posibilidades puede ser abrumadora y cuando trabajo para otros tener un mínimo punto de partida es bastante útil, pero el resultado siempre será mejor si te dan confianza, la línea entre la sugerencia y el control milimétrico a veces puede ser muy fina. ¿Cómo es tu rutina de trabajo? ¿Dibujas todos los días aunque no tengas encargos? ¿En qué entorno te encuentras más cómodo dibujando?

Intento dibujar a diario y la mayoría de las veces lo consigo, siempre tengo un cuaderno a mano e intento guarrear todos los días aunque sea unos minutos…Respecto al entorno no soy de dibujar al aire libre, fuera de casa y esas cosas, aunque a veces lo intento, me gusta hacerlo en mi guarida, rodeado de mis mierdas.

A veces tengo la impresión de que los encargos urgentes en los que tienes que trabajar a toda prisa para poder entregarlos a tiempo dejan en general muy poco espacio para la improvisación o la experimentación, haciendo el proceso mucho más mecanizado y desvirtuándolo en cierta medida. ¿Trabajas bien bajo presión?

Como te decía antes creo que las limitaciones no son necesariamente malas, a mí tener una fecha de entrega en mente me ayuda a centrarme un poco y dejarme de pijotadas, muchas veces me enredo en historias innecesarias…la presión siempre genera estrés y eso es una mierda, pero también sacas adelante cosas diferentes, que habrías cambiado o corregido de tener más tiempo y se aprende, no siempre vamos a tener todo el

Has trabajado muchísimo con la editorial La Felguera. ¿A qué se debe esto? ¿En qué se especializa esta editorial y cuál es tu papel en ella?

Conozco a Servan desde hace muchísimo y estuvimos juntos en Muletrain, a él y Bea -el otro 50% de La Felguera- les quiero con toda mi alma y siempre es un gustazo trabajar con ellos, no solo por lo bellísimas personas que son, si no también porque es la mejor editorial del puto mundo, hehehe. Los temas que suelen tratar (contracultura, ocultismo, punk, crimen y otras lindezas) no podrían resultarme más cercanos, me siento muy afortunado de trabajar con ellos, ya ni sé cuántas portadas he hecho para ellos…

¿En el plano musical a qué te dedicas actualmente? ¿Seguís R.O.B.O. no? ¿Cuándo os dignaréis a hacer caso a la plataforma Que vuelvan Muletrain?

Si, R.O.B.O. seguimos y esperamos que dure, yo estoy con muchas ganas! Desconozco la plataforma de que me habla, caballero…hehehe ¿Hiciste fanzines no? ¿De qué rollo eran? ¿Sigues metido en ello, ya sea haciéndolos o leyéndolos? ¿Cuáles son tus favoritos?

Sí he hecho fanzines, con Laura –cantante de Aerobitch- hicimos durante bastante tiempo el N.O.T. y el Evil, que eran principalmente fanzines musicales, más recientemente participé con buenos amigos en el Evangelio de Justicia Cósmica, de ilustración…Por desgracia hace tiempo que no pillo fanzines de modo habitual, se me cae la cara de vergüenza al decirlo, la verdad, soy fan de Amigo Blas.

Has diseñado para Muletrain, Nuevo Catecismo Católico, Sugus, Adolescents y un porrón más. El caso de los Adolescents me llama especialmente porque son uno de mis grupos favoritos de siempre. ¿Cómo surgió la oportunidad no sólo de colaborar con ellos sino de qué te tengan como portadista de confianza? ¿Estás haciendo algún encargo de este tipo actualmente?

Pues justo hace poco he terminado la portada del nuevo de Adolescents (creo que es la 7º u 8ª que hago, una locura!), todo empezó por un poster que hice para la primera vez que tocamos Muletrain con ellos, a Tony le gustó y me contactó para hacer la portada de su siguiente Lp, desde entonces han ido contando conmigo para todos los lp´s y me siento muuuuy afortunado por ello, siempre han sido uno de mis grupos favoritos.

vez está más insensibilizada respecto a la violencia, en pantalla todo es muy cinematográfico y es sencillo establecer una distancia e inmunizarse, pero cuando vives la violencia en directo o incluso en primera persona todo cambia… ¿Qué te parecen todas esas exposiciones llenas de lienzos en blanco y plátanos pegados a la pared? ¿Crees que hay ciertos límites en esto del arte o que aquí todo vale?

Solía tener una postura muy militante en contra de ciertos tipos de arte conceptual y otras expresiones, pero con el tiempo creo que hay sitio para todo y básicamente todo vale, que a mí algo no me llame no quiere decir que no tenga validez y ese arte no hace daño a nadie, lo que sí lo hace es el entramado semi mafioso que rodea gran parte del arte “oficial”, si me preguntas por toda la mierda que rodea ese mundo mi opinión es más incendiaria.

¿A qué te dedicas cuando no estás dibujando? ¿Qué haces en tu tiempo libre?

No tengo mucho, pero el poco que tengo lo dedico a estar con mi familia, intentar ver a los amigos, leer, ensayar y ver una peli de vez en cuando, nada excesivamente extravagante, la verdad.

Leí en una entrevista que te compraste el Matando Güeros de Brujería por su portada. En un libreto de Active Minds, acompañando a su tema Gor(e)mless, venía un texto hablando de que toda esa violencia explícita en portadas, medios,… es sólo una manera más de desensibilizar a la gente frente a la violencia y al horror. Día a día se pasan miles de vídeos por WhattsApp de asesinatos, suicidios, torturas a animales y personas,… y parece que tenemos la violencia más normalizada que nunca. Como ilustrador de casos reales de asesinatos y de aspectos escabrosos además de aficionado a la novela negra, ¿qué opinas de todo esto? ¿Se está normalizando todo esto en exceso?

La violencia me produce un profundo rechazo, pero a la vez (y probablemente en gran parte por ese rechazo) despierta mucho mi interés, últimamente igual algo menos porque tengo menos tiempo, pero siempre he sido un gran consumidor de cine de terror, serie b y por debajo y de acción macarra, libros sobre crímenes reales, sectas, comportamientos “desviados”, novela negra etc, etc… Supongo que es parte de intentar comprender lo que temes o algún tipo de mecanismo psicológico similar.

Por otro lado creo que Active Minds tienen toda la razón, y la gente cada

Ya le he hecho esta pregunta en este número a los Hot Snakes pero me parece bastante buena y que dice mucho de quien la responde.

Recomiéndanos un libro, una peli y un disco, porfa.

Funhouse de los Stooges y Leave Home de los Ramones son mis discos favoritos en un principio, aunque solo de pensar lo que estoy dejando fuera me da vértigo, 1280 almas de Jim Thompson es probablemente mi libro favorito, pero me pasa igual, hay tantos muy importantes para mí que no quiero ni pensarlo…respecto a pelis La Matanza de Texas, La noche del cazador, M Y Harry el sucio llevan mucho tiempo siendo de mis favoritas, como puedes ver no soy muy original, no creo estar descubriendo nada a tus lectores, ya lo siento! ¡Pues ya está todo, mil gracias por tu tiempo en responder esto! ¿Quieres contarnos algo más? ¡Abrazo!

Nada más, mil gracias a ti por tu interés, un abrazo!

La verdad es que la idea de escribir esto me llevaba rondando desde que empecé el primer número del fanzine. Jawbreaker son uno de mis grupos indiscutiblemente favoritos, y me apetecía hacerles un homenaje, pero al final entre una cosa y otra iba relegando esto en pos de otras movidas. Además, creo que Jawbreaker son el grupo que más veces ha sido mencionado en la historia del fanzine, y tampoco me mola ser monotemático.

La cosa es que el otro día los estaba poniendo y me puse especialmente contento como hacía tiempo que no me ponía al escucharles, y me dije: es el momento. Así que esta es mi opinión sobre la discografía de estos gigantes de la música quejica y rabiosa.

Jawbreaker siempre fue un trío compuesto por Blake Schwarzenbach (voz y guitarra), Chris Bauermeister (bajo), y Adam Pfahler (batería). Como se puede ver, todos eran de ascendencia europea. Blake y Adam se conocían desde niños, ya que ambos vivían en Santa Mónica (California). Después, aproximadamente en 1986 se mudaron a Nueva York para ir a la universidad, y allí decidieron montar un grupo, completando el trío cuando respondieron a un cartel precioso hecho a mano por Chris, en el que decía que quería tocar el bajo en un grupo influenciado por Government Issue, Wire, Naked Raygun, Squirrel Bait, Descendents,... y un porrón de grupos más, todo calité. Me recuerda a los carteles que hicimos Rotten para poner por la calle cuando buscábamos batería, hechos a mano y citando cincuenta grupos. Hay cosas que no cambian.

Después de probar varios cantantes y varios nombres (se llamaron durante un cierto tiempo Rise), en 1987, el trío se mudó a Los Ángeles durante un tiempo para tomarse un respiro de las clases, añadiendo a un amigo de Chris al grupo como cantante. Sin embargo, en este tiempo Blake escribió y cantó por primera vez la reveladora canción Shield Your Eyes (la que definió el camino que seguirían), haciendo evidente que él era el indicado para meter las voces. Estableciéndose como trío, se pusieron de nombre Jawbreaker y ahí empezaron a ponerse las cosas interesantes.

Después de escribir unas veinte canciones en dos años, que irían repartidas en demos, recopilatorios, un par de 7’’ y futuros splits, en 1989 dieron su primer concierto como Jawbreaker y el año siguiente grabaron su primer LP, Unfun. Este fue mi primer contacto con el grupo. Yo conocía la versión de Want que habían hecho Lagwagon y que me encantaba, pero no sabía que era una versión. Entonces, un día de verano me mandó mi primo al correo una canción con el asunto “la original de Jawbreaker“. Y yo le mandé una respuesta en plan “¿pero qué es Jawbreaker?“. Pues así empezó todo. No fue hasta bastante tiempo después, cuando me empecé a interesar de verdad por todo el rollo Hüsker Dü, Dag Nasty, Leatherface... que me dio por escucharles en serio, y cómo no, empecé por el lo conocido, por el Unfun. Este seguramente sea el disco más accesible de Jawbreaker. La opinión generalizada es que es el disco más punk de Jawbreaker, lo que me parece un poco una gilipollez. Es el disco más directo (por momentos, que tiene otros en los que ya se advierte por dónde irían evolucionando) y el más “correcto“ y cercano a la fórmula clásica, un pop punk como el que podían hacer grupos de la Bay Area por aquel entonces como J Church, Crimpshrine o Samiam en sus inicios.

Empieza con Want, una de mis canciones favoritas de Jawbreaker y una de las más icónicas también, con su gran estribillo y una letra brutal con la que todo el mundo se ha sentido identificado alguna vez. Blake, el principal compositor del grupo, es licenciado en literatura inglesa, lo que inevitablemente se manifestó en sus letras, poéticas y con tratamientos muy sinceros e interesantes sobre diversos temas, tanto cotidianos como no.

A mi parecer, el punto negativo de Unfun y de prácticamente todos los discos del grupo, en mayor o menor medida, es que tiene una cara A impresionante y una cara B un poco más de relleno, con canciones no tan remarcables. Así, después de ese comienzo el Unfun sigue con temazos antológicos como Seethruskin, la impresionante Fine Day o Incomplete y su letra casi profética, pero después, salvando casos como Busy o Down, parece que va bajando un poco el fuelle, lo que no quiere decir que el resto sean malas canciones, sino que no son tan tan buenas como las otras.

Aún así, Unfun es un gran comienzo, que sentó los cimientos del grupo y que tiene alguno de los momentos más inspirados de su carrera. Aunque siempre diga que es mi disco menos favorito de Jawbreaker, esto es porque el resto son muy buenos. Además su portada es genial, si algún día tengo un gato le llamaré sin ninguna duda Unfun. Después de sacar Unfun se metieron dos meses en pleno verano en una furgoneta con sus colegas de Econochrist a recorrer los EEUU. En esa gira se habían producido fuertes tensiones entre ellos, estando días y días sin dirigirse la palabra, y una vez que acabó estaban tan asqueados y rotos que decidieron separarse.

Blake y Chris volvieron a Nueva York para acabar sus estudios y se cortaron las relaciones. Al poco tiempo se fueron arrepintiendo de haber dejado Jawbreaker, fueron acercando posturas y decidieron retomar el grupo y mudarse a San Francisco. En 1991 grabaron lo que sería su segundo disco, Bivouac (el del conejo con tetas), y lo lanzaron el año siguiente.

Quizás este sea el disco de Jawbreaker que necesita más escuchas para entrar, y para mí es el gran olvidado cuando se habla del grupo. En poco más de un año habían cambiado muchas cosas, y eso se ve en el sonido y las letras. Las canciones se alargaron y se ralentizaron, y a la vez se hicieron más incisivas, con estructuras más complejas y redondas y un sonido muy cercano al emo de principio de los 90 rollo Evergreen en ciertas partes, de hecho Bivouac está dentro del top 10 discos de emo de la historia para no se qué revista. Aún así no repite ni emplea ningún tópico de ese sonido, que ya por aquel entonces en algún momento empezaba a atufar un poquito. Las letras también evolucionaron y se hicieron menos directas y claras, y como dice alguna gente, más surrealistas. La opinión del grupo es que muchas canciones del disco hablan sobre la búsqueda obsesiva de identidad.

Bivouac empieza con la regrabación de Shield Your Eyes, el tema que había definido al grupo por primera vez. Después de quince segundos de acople que se hacen eternos, un redoble de batería lo derrumba todo, en uno de los casos de mayor derroche de intensidad que se me pueden venir a la cabeza. Claro está, es una de mis canciones favoritas de Jawbreaker, y la he escuchado tantísimas veces que por rachas la he quemado completamente. Su letra es una adaptación del mito de la caverna de Platón, está francamente bien escrita y he tenido muchos momentos de fijación muy loca con ella. Mismamente, la bombilla que apareció en la portada del primer FTL era un dibujo que había hecho sin ninguna pretensión, compuesto por la bombilla y en la parte de abajo la parte final de la letra “Shield your eyes from all this misery“. Y me acabó pareciendo tan significativo que se convirtió en la portada y el “logo“ del fanzine. Tiempo después basé un trabajo de clase en esta letra, trabajo que suspendí. Vamos que no descarto futuras referencias a esta canción en cualquier cosa que haga. Con este disco vuelve a pasar lo mismo que con su predecesor: miras la lista de canciones y las cuatro primeras son una salvajada. Big fue uno de los flechazos más fuertes que tuve con este grupo, y su parte final instrumental es 100% Jawbreaker: un crescendo medidísimo que acaba estallando arrollando con todo a su paso. Está Sleep, con un enorme trabajo del bajo, muy presente en todo el disco. Luego avanzamos y nos encontramos con Chesterfield King, uno de sus múltiples himnos, que tiene un extraño poder de atracción y que han versionado decenas de grupos.

El disco acaba con los diez minutos de Bivouac, realmente intensos.

En ese tiempo, Blake había desarrollado un pólipo en su garganta, lo que le hacía perder la voz en el escenario, acrecentado por su áspera manera de cantar. Poco antes de empezar una gira por Europa, estos problemas se acrecentaron, y a pesar de que esta situación era particularmente dolorosa para él, teniendo que cantar noche tras noche y podía complicarse muy seriamente causándole graves problemas de salud o incluso la muerte, el grupo decidió volar al viejo continente y girar de cualquier manera.

Cuando llegaron a Irlanda, Blake había empeorado considerablemente, y tuvieron que abrir un paréntesis en la gira para que pudiese operarse y quitar el pólipo. Apenas una semana más tarde retomaron la gira.

Después de sacar este disco, y viendo el reconocimiento que habían ido generando, Nirvana les invitaron a hacer unas fechas con ellos, acción que fue criticada por sus fans, que veían temerosos cómo unos baluartes del DIY que clamaban orgullosos en entrevistas “nunca firmaremos por una major“ como Jawbreaker estaban recibiendo ofertas de multinacionales y acercándose peligorsamente a esa órbita. Sin embargo, la posición del grupo parecía clara, al menos por aquel entonces.

En 1993 viajaron a Chicago para grabar con Steve Albini su siguiente disco, grabando otros tres temas con otro productor en San Francisco. El año siguiente lanzaron estas canciones bajo el título de 24 Hour Revenge Therapy, el que para muchxs fans del grupo, yo incluido, es su mejor disco.

A ver, sabes que algo va a estar bien cuando nada más poner el álbum suena el redoble de The Boat Dreams From The Hill y entran todos los instrumentos a bloque. Si algo es destacable de Jawbreaker es cómo empiezan sus discos. Esta canción es mucho más directa que las canciones de Bivouac, acercándose a la esencia del Unfun, y cómo no, es una de sus canciones más especiales, tanto por su letra como por su estribillo.

Después viene el dúo del que todxs en algún momento dijimos “es que suenan iguaal“: Indictment y Boxcar. Me impacta como el primer día la manera en que acaba la primera, con Blake cantando dulcemente If you think we changed our tune, I hope we did para justo después empezar Boxcar, muy seguramente su canción más icónica. Otra vez, nos encontramos ante una letra espectacular, de la que si hubiese que destacar algo sería su One. Two. Three. Four. Who’s punk what’s the score? Jawbreaker, metiendo el dedo en la llaga desde 1986. La cara A acaba con los cinco minutos de Condition Oakland, con un interludio instrumental muy largo y doblemente espectacular sobre la que, al más puro estilo Jawbreaker, se reproduce la voz (creo) de Jack Kerouac, al que también se hace referencia en Boxcar con el killing cops and reading Kerouac.

En este caso, es posible que la cara B supere a la A, aunque esta opinión no es compartida por demasiada gente. Pero es que vamos, miras lo que tiene esta segunda mitad del disco y es impresionante. Tenemos la lenta y tristísima Ache, la canción que más me impresionó del grupo durante mucho tiempo, con una letra bastante jodida. La sigue Do You Still Hate Me?, presentando más sentimientos universales y un estribillo de lo más icónico. Jinx Removing es un respiro de aire fresco muy agradable, que cada vez que empieza me pongo a dar vueltas por la habitación con los puños en alto. Y para acabar el disco, mi canción favorita de este. Si con Ache hablaba de letras jodidas, In Sadding Around se lleva la palma. Oscura, atonal por momentos y sentimiento desbordados escupidos a la cara para constituir el broche perfecto de una obra casi perfecta.

Nos encontrábamos en 1994. Dookie, Smash o Punk In Drublic lo habían revolucionado todo y Jawbreaker acabaron sucumbiendo a las llamadas del “ogro corporativo” como decían en K Records. Firmaron por DGC en un punto extraño en el que el grupo estaba cada vez más tentado a separarse, y las críticas les llovieron por todas partes. Ben Weasel, gran fan del grupo rajó fuertemente de ellos en la Maximum RocknRoll (Dios los cría y ellos se juntan), poniendo una foto de Blake comiéndose su sombrero, cosa que dijo que haría si en algún momento firmaban por una major.

En 1995 sacaron el que sería su último disco, Dear You. La voz de Blake, esta vez dulce y sin la agresividad de antaño (comprensible si has estado tan jodido de la garganta), combinado con el sonido mucho más pulido y no tan sucio como en sus anteriores referencias y sumado a que, joder, estaban en una multi, hicieron que casi todo el mundo se llevara las manos a la cabeza. Sus fans compraban el disco para quemarlo (que vamos, ya hay que ser subnormal), pagaban la entrada para ponerse en primera fila dándole la espalda al grupo y diversas lindezas más.

Como mucha gente antes que yo, pequé completamente de ir de true por la vida y le hacía ascos constantemente a este disco sin apenas escucharlo. Por suerte, un día entré en razón, me puse a darle escuchas y hoy por hoy es mi segundo disco favorito del grupo. ¿Es diferente a los anteriores?

Sí. ¿Tiene unos putos temazos de la virgen? También. Save Your Generation, I Love You So Much It’s Killing Us Both, Fireman, Accident Prone (madre mía, gallina de piel toda la canción), Chemistry, Sluttering (May 4th),... ¿Sigo? Como se puede ver, me encanta este disco, y si aún no lo has hecho, deja prejuicios estúpidos a parte, póntelo y prepara la garganta para corear, porque es un disco que enamora (aunque la cara B también tenga bastante relleno).

Las tensiones ya eran demasiado fuertes, y en 1996 se separaron definitivamente. Blake formó los notables Jets To Brazil, Chris fue un poco más discreto pero también siguió tocando y Adam lanzó un par de discos de Jawbreaker póstumos con su sello Blackball Records, como el recopilatorio de demos, splits y demás llamado Etc., que tiene la que suelo decir que es mi canción favorita del grupo, Better Half, perteneciente a un split con Crimpshrine, así como otros clásicos como Caroline o Kiss The Bottle.

También sacó el directo Live 4/30/96, con interpretaciones muy notables y llenas de energía de alguno de sus temas.

Tras muchos rumores, en 2017 se reunieron para un concierto y ahí siguen (¡yujuuu!). Espero impaciente a que vengan a sala por aquí cerca (y no sólo al Primavera Sound como el año pasado) porque va a ser un derroche de kleenex y sudor nunca visto.

Hay varios libros sobre ellos y un documental llamado Don’t Break Down (que llevaba mucho tiempo gestándose y al parecer fue uno de los motivantes de su reunión) que muestran muy bien su historia (si a alguien le interesan que se manifieste y se los paso). La historia de un grupo al que al final el tiempo ha puesto en el sitio que merecen, ni más ni menos.

Y recuerda, si en un día de acampada necesitas encender una fogata o hacer señales de humo, las Mondo Sonoro arden de maravilla.

Aunque sea un tópico muy asqueroso y se abuse demasiado de esta frase, si cuando escribí para el primer número del Face The Lie el texto sobre Passage 4 me hubieran dicho que iba a acabar entrevistándoles me habría descojonado muy bestia. Cuando vi que los creadores de uno de los discos que más me han erizado los pelillos en toda mi vida no sólo se habían reunido (cuando no lo esperaba nadie), sino que además habían sacado nuevas canciones desde hacía ya meses, les mandé corriendo estas preguntas, las cuales contestaron más rápidamente aún.

Un completo placer, vamos. ¡Hola! ¿Qué tal os va? ¡Muy contento de teneros aquí! Hace unas semanas vi que se reeditaba en vinilo vuestra obra culmen World Circus, ¡y buscando un poco más vi que os habíais reunido y que incluso estabais grabando temas nuevos! ¿Cómo se ha gestado esto? ¿Fue algo planificado o completamente improvisado? ¡Nos va todo de lujo, gracias! Llevábamos hablando de volver a hacer algo juntos desde hace muchos años, pero no nos dábamos decidido a decir cómo, cuándo ni dónde hacerlo. Así que yo (Jocke, el batería) comenté la posibilidad de grabar un par de canciones en vez de hacer un concierto, y así fue como empezó todo.

No fue algo planificado, pero tampoco fue improvisado del todo. Fue algo que surgió en un determinado periodo de nuestras vidas y encajó en ese momento perfectamente.

¿En serio? ¡Eso es algo muy muy guay! Qué honor.

Una cosa que me sorprendió de esa reedición fue que cambiasteis el artwork del disco con respecto al original. ¿Cuál es la razón? ¿Sacasteis vosotros la foto?

No queríamos que la portada del CD fuese la portada del vinilo. El CD del 96 tiene su propia portada, es raro y difícil de encontrar y ya tiene su propia historia y “prestigio”. El vinilo contiene las mismas canciones pero con un nuevo artwork que representa algo nuevo, tanto para nosotros como para quien nos escuche. Quién sabe, puede que este vinilo también sea raro dentro de otros 23 años. Y no, no sacamos nosotros la foto. La sacamos de una web muy guay en la que fotógrafxs amateurs ponen su trabajo a disposición de todo el mundo gratuitamente.

Aunque no seáis tan reconocidos por el gran público como vuestros colegas Satanic Surfers, No Fun At All, Adhesive y demás, os habéis ido ganando una base de fans con los años y sois considerados prácticamente un “grupo de culto”. ¿Habéis notado este reconocimiento a lo largo de los años? ¿Os han pedido mucho que volvieseis a tocar?

Hemos estado al tanto de esto gracias a usuarixs de YouTube y Facebook además de amigxs y gente corriente a la que no conocemos. Alguna gente nos ha escrito preguntando si algún día nos reuniríamos, otrxs nos preguntaban por la manera de conseguir nuestros CDs o las primeras demos. ¿Pero nadie nos ha pedido que escribamos música nueva? Buena pregunta.

Sin girar ni estar activos de ninguna manera nuestra música se ha ido dando a conocer mucho más lentamente de lo normal. Además, más o menos dos años después de dejar de tocar nuestra página de MySpace desapareció sola sin que hiciésemos nada. Un par de sellos nos habían escrito diciéndonos que querían reeditar nuestros discos. Eso sonaba muy bien, pero en ese momento en el que ya nos habíamos separado y todo eso, estábamos centrados en muchas otras cosas. No estábamos demasiado por la labor en ello. Pero el pasado marca el futuro y el ahora es ahora.

Escuchando los temas nuevos veo que son muy diferentes a lo que hacíais hace veinte años, suenan mucho más rockeros. ¿Ya no queríais hacer skatepunk a toda ostia? Y si es así, ¿por qué no cambiasteis el nombre del grupo? ¿Vais a seguir tocando las canciones antiguas?

Sólo puedo hablar por mi parte, ya que yo escribí muchas de las canciones. Sólo puedo decir que me cansé de ello. Hay por ahí un par de grupos que aún tocan skatepunk de mucha, mucha calidad, y ni podemos ni vamos a competir con ellos. Hacemos las cosas a nuestra manera, y alguna gente que nos sigue desde hace tiempo están muy a desagusto con cómo sonamos ahora, mientras que algunxs nuevxs fans piensan que sonamos genial. De todas maneras, las canciones viejas todavía existen ¿eh?. Siempre podrás escucharlas con una sonrisa en la cara.

No cambiamos de nombre porque somos la misma gente que éramos en los 90 y queríamos volver a hacer música juntos 23 años después de haberlo dejado. Passage 4 es Passage 4, y nunca se sabe qué pasará en el futuro. Si volvemos a hacer conciertos tocaremos las canciones viejas, por supuesto, pero mezcladas con material más reciente.

Hace unos meses nos enteramos de que desde el sello La Agonía De Vivir se iba a hacer una reedición de vuestro World Circus, por primera vez en vinilo. ¿Cómo surgió esto? ¿Teníais intención de editar ese disco en vinilo desde antes u os lo ofrecieron y aceptasteis? Porque sé de bastante gente que quería tener ese disco en vinilo.

Fue Fredrik Larzon, de Millencolin, el que me dijo que había alguien de España que quería ponerse en contacto para hablar de una posible reedición. Nunca tuvimos intención de reeditarlo por nuestra cuenta. La Agonía sí, y aceptamos. Es un sello muy guay, sólo puedo decir cosas buenas.

La portada nueva ¿Qué ha cambiado en estos más de veinte años desde que dejasteis de tocar? Tanto a nivel de grupo como a nivel global. ¡Todo ha cambiado! Jajajaja. Todos nosotros tenemos familias y trabajos, ya no vivimos en la misma ciudad, hemos vivido verdaderas tragedias y momentos de muchísima felicidad, hemos pasado de ser unos críos a… unos críos un poco mayores. Mira, cuando grabamos nuestros discos íbamos a la universidad, y ahora algunos de nuestros hijos son los que van a la universidad. A nivel del grupo ya no sigue con nosotros nuestro bajista Carla, que decidió bajarse del carro por varias razones. Todos le deseamos lo mejor, por supuesto. Como vivimos bastante lejos los unos de los otros (yo vivo en Estocolmo y el resto en la zona de Örebro) es un poco difícil organizarnos para ensayar, ir todos juntos al estudio y esas cosas, y esto es algo que hace tiempo podíamos hacer cuando quisiésemos sin problema, antes de tener hijos y otras responsabilidades.

A nivel global, pero dentro del contexto de Passage 4, han cambiado muchas cosas. Por ejemplo, casi no hay sellos pequeños, el CD como formato está muriendo, han desaparecido muchísimos espacios donde se hacían conciertos, se han cerrado muchos estudios y muchos grupos se han separado. Algunas cosas han cambiado para bien y otras para mal.

Hoy en día no tenemos un sello que nos de respaldo, lo hacemos todo

nosotros mismos. Sólo hemos grabado las partes de batería en un estudio aquí en Sthlm. Todas las voces e instrumentos se grabaron en el homestudio de Jockes, el guitarra, y está mezclando él solo todas las canciones, ¡y lo está haciendo muy bien! Así que no recibimos ninguna ayuda por parte de ningún sello. Cuando tenemos lista una canción la subimos directamente a Spotify, Youtube, Deezer, iTunes,… y a otra cosa. Antes no teníamos esto. ¿Qué os parece la difusión gratuita de música por Internet? En casos como el vuestro me parece que os ha beneficiado, ya que aunque el grupo no estuviese en activo habéis seguido contando con gente que os escuchaba y, que sobre todo, os descubría, como es mi caso. ¡Es algo bueno! En el punk/hardcore siempre ha habido una lucha a favor de la unidad. Lxs punks siempre han ido “un escalón por debajo” en comparación con… Lady Gaga, por poner un ejemplo, ¿sabes a qué me refiero? Y ahora mismo alguien de Asia puede escuchar a un grupo canadiense, así como un grupo sueco puede ser escuchado en España. Todo esto es mucho más fácil ahora que antes cuando teníamos cintas, CDs y catálogos por correo, y aún no habíamos descubierto el poder de internet.

Y esto es algo que fomenta la unidad. Si quieres escuchar a Lady Gaga puedes hacerlo, y si quieres escuchar a Passage 4 puedes hacerlo también. Puedes descubrir grupos y artistas de lxs que no habías oído hablar, mezclarlos con clásicos del pasado y mandar esa playlist a alguien de Colorado para que pueda escucharla en cuestión de segundos. Unidad.

paña. Robin el guitarra y yo hemos girado por allí un par de veces con Within Reach, el grupo en el que tocábamos. ¡Buen público, buena comida y buena gente! ¿Estáis al tanto de la música actual? ¿Qué es lo que más escucháis actualmente? ¡Sí, claro!

Nos gustan diferentes tipos de música, pero nos sentimos especialmente unidos al punk y al hardcore. Yo por ejemplo escucho mucho a The Bronx, Tycho, Kvelertak, Wild Nothing, the Black Queen, the Bots, Brian Jonestown Massacre, the Explosion, Frank Carter and the Rattlesnakes, Fucked Up, Mutemath,… Tengo constancia de que al resto les gustan Kvelertak, the Good the Bad the Zugly, Turbonegro, Les Big Byrd, Silverbullit, Horndal, the Bronx,… además de grupos más antiguos como Minor Threat, Fugazi, Gorilla Biscuits, Sick Of It All, CIV, Black Rebel Motorcycle Club, Sugar, Amulet, Refused, Rolling Stones, Soundtrack of our lives, Rancid,… Hay muchísima música nueva e interesante ahí fuera y queremos quedarnos con lo bueno de esos grupos.

¿Creéis que Passage 4 es más popular ahora que en los 90?

Creo que el grupo es más conocido ahora a un nivel internacional, pero menos popular en el ámbito de relación cercana con la gente a la que le gustamos. En los 90 tocábamos mucho y nos ponían alguna vez en la tele y la radio, y eso fue algo que hizo que nos conociese más gente.

¿Y qué os interesa a nivel personal actualmente? ¿Literatura, cervezas artesanas, jardinería?

Robin ¡TODAVÍA! hace snowboard y patina de puta madre. Jocke, el guitarra, tiene un estudio y otro grupo con el que toca bastante. Hedkvist, el cantante, tiene una gran barba, va a conciertos y bebe cerveza. Vive la vida, vamos. Y yo hago música eléctrónica, leo un montón, hago el artwork para Passage 4, la música para Passage 5 y algunas letras de Passage 6 jajajaja.

En los 90 fuisteis uno de los primeros grupos, si no el primero, en mezclar skatepunk y emo. ¿Quién os influía más por aquel entonces y quién lo hace ahora?

Escribí prácticamente todo lo que grabamos, y por aquel entonces escuchaba algo de skatepunk, NYHC, punk británico y cosas así, pero también escuchaba mucho a los Smiths, The Cure, Jane´s Addiction, Quicksand, Farside, Sense Field, Samiam, Shelter, Sugar, Dinosaur Jr y todo el espectro que se encuentra entre Enya y Entombed, así que… Siempre tuve ganas de escuchar y de hacer algo que fuese diferente, original, delicado y frágil. ¿Por qué tocar y sonar como otrxs? ¿Por qué hacerlo cuando puedes componer tu mejor canción?

Habéis subido ya unos cuantos temas nuevos a Internet por separado. ¿Tenéis pensado recopilarlos más tarde en un disco o funcionan por separado como singles?

No lo hemos decidido aún. Nos encantan las nuevas canciones y volver a tocar juntos, así que puede que más tarde podamos hablar de un nuevo disco, no lo sé. ¿Tenéis pensado hacer algún concierto? ¿O girar incluso? ¿Existe la posibilidad de que os acabéis pasando por aquí?

No, de momento no, pero lo hemos hablado y estaría genial tocar en Es-

¡Bueno pues esto es todo, gracias por vuestro tiempo! ¿Queréis añadir algo más? ¡Así está bien, gracias a ti! El placer es nuestro, un abrazo.

Ya veis qué majos. Ahora, a hacer presión para que se vengan por aquí.

Me habría gustado poner alguna foto de ahora por eso de no vivir en un pasado que ni siquiera conocí pero no encontré nada, así que esto hielo que hay.

a

b

c

d

e

f

g

h

i

j

a: Todos los días cuando acaban los aplausos sale a la ventana y pincha lo que más le peta en ese momento, ya sea De La Soul, mixes del Thunderdome, Rosalía o el split Doom/Hiatus. b: Este insulta a cualquiera que pase por debajo de su balcón. Están esperando a que acabe el confinamiento para meterle un par de ostias. c: Se enteró del confinamiento a la segunda semana, y le da igual. Su vida no ha cambiado lo más mínimo. d: Para pasar el tiempo echa partidos de tenis con la vecina de la calle de enfrente. Ya llevan tres denuncias por cristales rotos. e: Siempre sale a la ventana media hora antes de aplaudir para ir calentando. Pone el himno del Asturias, el del Sporting, canciones de Melendi y Paquito el Chocolatero. Lxs vecinxs están un poco hartxs de él pero se lo pasan porque de momento no se ha metido con nadie, y saben que es de encabrone fácil. f: Todos los días se hace una paja a las 19:55. Cuando acaba sale al balcón para que le vitoreen. g: Tiene la esperanza de que Non Servium anuncien su retirada definitiva de los escenarios en algún momento de la cuarentena. h: “Que vengan a multarme si quieren, que me van a comer la polla de dos en dos“. i: “¿Ah que no se puede sacar a pasear al gato?“ j: Lxs chavalxs que ocupan este bajo están buscando la manera de entrar sin ser vistos, ya que se han dejado la paga de un mes en hierba ahí dentro.

Y encima la play se les va a llenar de humedades.

IDC (I Don’t Conform, algo así como No me ajusto/amoldo) dimos nuestro primer concierto el mismo día que saqué el anterior fanzine, y ha sido uno de los proyectos que más me han ilusionado en estos últimos tiempos. Entre el confinamiento y que llevábamos una racha de no ensayar (racha que mirando atrás correspondió a toda la existencia del grupo) hemos llegado a una especie de punto muerto que cuando se pueda volver a tocar por ahí no sé si seguiremos existiendo como IDC tal cual o no. Pero me da igual, lo hemos pasado lo suficientemente bien como para poder decir que este grupo sólo dio buenos sabores de boca, compartidos con muy buena gente. Como me di cuenta de que nuestros escasos conciertos dieron lugar a bastantes momentos singulares, aquí va una retrospectiva vista desde dentro del grupo que menos ensayó y más conciertos dio de la ciudad, por lo menos en el tiempo en que estuvimos activos.

La historia empezó más o menos en verano del 2018. Había estado haciendo unos cuantos temas con algo más de melodía de lo que solía hacer y estaba como loco por darles salida. Junto con Elías de Rotten empezamos muy poco a poco a darles un mínimo de forma, y tras dejarlo bastante parado un tiempo preguntamos a nuestro colega Charlie si quería tocar, diciéndole de hacer algo “como una mezcla loca entre crust y Jawbreaker, y sigue añadiendo cosas”. Con esta curiosa visión y Charlie tocando la batería, Elías la guitarra y yo bajo e intentando hacer algo parecido a cantar, subimos un día de junio de este año al local y tocamos Nazi Die de Doom, Boxcar de Jawbreaker y Dogma de 995. Ya ves las influencias difusas.

En general la gente después de vernos nos comparaba con Hüsker Dü o unos Jawbreaker con mucha más gochería sonora y bastante mala ostia.

Yo no creo que sonásemos a nada concreto, el estilo era parecido pero metíamos más cosas. O mejor dicho, metíamos todo lo que se nos ocurría. Así que acabó saliendo una cosa bastante poco encorsetada, lo que me alegra bastante. Lo que no quita las fusiladas a algunos grupos que me encantan, que estaban muy presentes.

Bueno, pues fuimos quedando en el local y sacando los temas. Por aquel entonces yo tocaba en TRT, y como estaban organizando la “Punk Rock Party” que hacen todos los años, sugerí que podíamos abrir IDC. Y dicho y hecho. Ese día por la mañana iban a tocar en acústico los Plastic Hammers de Uviéu en el Señor Lúpulo, un bar de aquí. Pero poco tiempo antes de que llegase el día nos dijeron que no podían, ante lo que quedamos un poco colgados. Como esa parte del evento la organizaba yo, pensé que podíamos tocar también IDC, total.

17-8-2019. IDC, Flashback, Materia Muerta y TRT en el Bola 8, Xixón.

Fue en este momento donde comenzó la tradición de IDC de no ensayar para los conciertos, o hacerlo muy poco. Llegó el día del concierto, y entre una cosa y otra no ensayamos el acústico. De hecho habíamos quedado en tocar I’m Just Going To Leave de Defiance, Ohio y ni siquiera la habíamos llegado a tocar los tres juntos. Así que nada más llegar al

bar fuimos corriendo a la trastienda mientras Joel pinchaba discos a ver si podíamos apañar alguna canción antes de empezar. Cuando volvimos a la zona del bar donde tocábamos, vimos que una parte del techo bastante considerable se había caído, y que había en su lugar una gotera de la virgen. Visto lo visto igual habría estado bien suspender el acústico.

Lo que vivieron lxs asistentxs allí presentes fue dantesco aunque todo el mundo dice que no fue tan mal, nunca lo había pasado tan mal tocando.

El acústico no es lo mío. Aparte de sonar mal, tenía tantas ganas de que acabase todo que fue tocado con 0 pasión, algo que no molaba que fuese la seña de identidad de IDC, que de hecho si por algo podíamos destacar era por vaciar las entrañas en los 20 minutos de set. Suerte que se cayó otra parte del techo, derivando parte de la atención que se podía tener sobre nosotros. Después fuimos a comer unxs cuantxs colegas al Gigia, un bar al lado del Bola, donde acabamos bebiendo una botella de vino y más entre Elías y yo. Y corriendo a dar el último repaso a las canciones entre mareos y muchas risas. Además ese día hacía un calor de justicia, y la sensación de verano era completamente palpable. Por la noche ya fue algo completamente diferente. Habíamos ido en masa a un bazar cerca de la playa a comprar colchonetas, hinchables y demás artículos de fiesta de piscina, porque pocas cosas más bonitas hay que un grupo de degeneradxs rebotando por el suelo subidos a un inflable con forma de cocodrilo. Había muchísimas ganas de tocar, y las tres primeras canciones que tocamos las recuerdo como uno de los momentos más bonitos de mi vida, movida Rites Of Spring saltando y retorciéndose por el escenario. Tengo que reconocer que ese día se me salieron muchas veces las lágrimas de la alegría, la emoción y la risa. Al final me hacía muchísima ilusión tocar esas canciones delante de alguien por primera vez (bueno, por primera vez en eléctrico), y son canciones que me gustan, y que las letras me parecen importantes a título personal. Aunque todas acabasen gravitando alrededor de lo mismo (angustia postadolescente y frustración con todo, más o menos, o dicho bien, las penurias del día a día de un quejica asqueado de todo) tenían tratamientos guays. Un par de ellas me gustan mucho, el resto digamos que cumplieron su función y que no eran demasiado sonrojantes. Uno de los mejores momentos de ese concierto fue cuando tocamos Save Your Generation de Jawbreaker, casi al final.

La parte del público que no eran nuestrxs amigxs, en general estaban un poco confundidxs con nuestro rollo de pasar de una canción lenta a una de pura zapatilla en cuestión de segundos. No nos había dado tiempo a ensayar esta versión con voces, así que preguntamos si alguien la quería cantar. Nuestro buen amigo Ata cogió el micro y se pasó los casi cuatro minutos de canción rapeando por encima, con una buena parte de la gente saliendo en fila de la sala ante esa visión, como en plan “de aquí ya no se puede sacar nada bueno”. Me pasé toda la canción con una mezcla de absoluta felicidad y un nivel de risa que pensé que me iba a dar un infarto. Aún hoy lo recuerdo como un momento muy revelador. Esta no fue la única participación de Ata en el concierto. También nos dejó una toalla de playa para poner en la pared a modo de telón. Una toalla que compró en una visita a ver a su familia a Bulgaria, y que consiste en el cuerpo de Messi con la cara de Ata. El rey de los souvenirs. El resto de conciertos no estuvieron mal. Con Flashback a pesar de que no me molen demasiado lo pasamos bastante bien tirándonos por el suelo y haciendo cualquier cosa que se nos pasaba por la cabeza. Materia Muerta era machocore bastante palero, y TRT acabamos tocando bastante tarde, conmigo sin casi poder sostener el bajo, fruto del cansancio de todo el día. Y al día siguiente a madrugar para ir al mierdicurro de verano que tenía.

12-9-2019. IDC, El Tobogán De Estepona, No Fucks, The Rats, The Rotten Teens en la Lata de Zinc, Uviéu.

Por rebote más o menos entramos a tocar en este festi, organizado por la librería La Libre Paisaneta, que duró cuatro días, con conciertos, expos, proyecciones,… IDC abrimos el primer día, y estuvo guay. Si buscas en YouTube encontrarás el audio bastante fácil. Destrozamos Bookworm de Kid Dynamite (lo retiramos del audio por una cuestión de respeto) pero el resto salió bastante bien, y la gente bailó bastante. Como anécdota, en la última canción partí un diente contra el micro, y en nuestro concierto y alguno más estuvo plantada en el escenario una gran caja de cartón con la palabra “emo” que habíamos encontrado delante de una farmacia nada más bajarnos del coche, y que en ese momento nos hizo bastante gracia.

El Tobogán De Estepona me dejaron un poco como estaba, con No Fucks lo pasamos bastante bien, The Rats tocaron cosa de una hora y media con tres bises, que cuando son las doce y media de la noche de un jueves laborable y hay un grupo que tiene que tocar después de ti pierde un poco la gracia. De esa manera, The Rotten Teens acabamos tocando a eso de

las dos de la mañana, cuando ya se había ido bastante gente, quedando unos pocos fieles, como dijo el colega Starsky, “deberíais haber grabado el concierto para un futuro DVD, los fieles aquí aguantando hasta la hora que sea”. Como el día iba de destrozos, tocamos bastante mal Coherencia de los Strangis Guajes, pero tampoco pareció importarle a casi nadie. Es en esos momentos cuando dudo de la sinceridad de la gente que te dice “muy guay el concierto tío” una vez que este acaba.

23-9-2019. IDC y Not Scientists en el Gong, Uviéu Fue Strasky precisamente quien nos llamó para este concierto en el Underpark Fest del año pasado, con ambas partes bajo un claro estado de embriagez “esto lo cerramos aquí mismo con un apretón de manos, como los señores tío”. El día no era el mejor del mundo: caía de lunes justo después de la semana de fiestas de Uviéu. Llegó el día, y nos enteramos poco antes que Not Scientists nos dejaban el combo de bajo, pero el de guitarra no. Y cuando no tienes coche ni posibilidad de que ningún colega te eche un cable con tan poca antelación, las cosas se ponen chungas. Así que después de unas cuantos cruces de mensajes y llamadas nerviosas con los organizadores, decidimos que yo ponía mi amplificador pequeño de bajo (el mítico de tocar en casa porque si metes uno tocho matas de las vibraciones a la anciana del piso de abajo) y por ahí sacábamos la guitarra, y que pasase lo que tuviese que pasar. Como Elías ese día tenía clase por la tarde también tuve que llevar su guitarra al concierto, con lo que acabé haciendo un trayecto mi casa-bus-bus-sala con un bajo, una guitarra y un amplificador a cuestas que me dejó destrozado. Además entre una cosa y otra llegamos cuando casi era la hora de tocar, así que fue llegar, hacer el apaño de la guitarra (que sonó muy rollo Hüsker Dü en el New Day Rising, en el mal sentido) y tocar. Este fue el concierto más raro que hicimos. Estaba tan cansado que opté por forzar todo lo que pude ya fuese tocando, cantando o moviéndome, en parte para disimular y en parte para darme ánimos. Así que las canciones rápidas sonaron más encabronadas y las lentas más agónicas que nunca. Fue aquí cuando fui plenamente consciente de que generábamos unos contrastes demasiado bestias, y que había que adaptarlo de alguna manera para hacerlo todo un poco más uniforme, algo que fue a todas luces un gran acierto. Creo que en nuestro concierto había unas 9 personas en la sala, y con Not Scientists 20. Una vez acabamos, estaba tan hecho polvo que me fui corriendo a por el último bus viendo apenas dos canciones de los franceses. Cosa de la que obviamente me sigo arrepintiendo.

6-12-2019. IDC, Servet, Detroit y Tröpical Ice Land en el Bola 8, Xixón.

En este punto nuestro último ensayo había sido hacía casi tres meses (repito esto mucho, y no es por fardar en plan “mira cómo nos la suda todo”, es para remarcar lo desastres que podemos llegar a ser). Llevaba un tiempo hablando con Mario de Detroit sobre traerles aquí, y como Servet acababan de sacar disco, nos juntamos los tres grupos. Tröpical se unieron a la fiesta un poco después, porque estaban buscando una fecha de camino. Tenía muchas ganas de este concierto, y a medida que se iba acercando el día me iba poniendo más nervioso. El día del concierto fue un no parar. Desde que salí de clase hasta que tocamos fue un subir y bajar continuo, cruzando de lado a lado la ciudad en bici con bártulos a cuestas. Parecía todo cerrado, los grupos llevábamos con el material repartido durante semanas y no había fallo, la cena estaba lista y todo el material en el Bola. Bueno, pues llego y veo que la alfombra para la batería, una de las pocas cosas que corría de nuestra cuenta, se había quedado en el local. Así que los pobres Tröpical tuvieron que ir con la furgo hasta nuestro local nada más llegar al garito como quien dice para que estos trajesen la puta alfombra, bajo las risas de los Servet. Una vez que estuvo listo todo el material, tocamos, y lo recuerdo como nuestro mejor concierto sin duda. Entre que era puente, que el concierto era precio libre y que nos juntábamos muchos grupos vino muchísima gente, y el Bola estaba petado, algo que por otra parte no es demasiado complicado. Sonamos bien y hubo buen ambiente con las versiones, con el micro pasando por el público y eso. Como Senén de Dumange nos había dicho que venía, le sugerimos que cantase la versión de Doom, a lo que aceptó encantado, y fue brutal, tanto en este como en nuestro siguiente concierto, que lo volvió a hacer. Hay un audio en internet de la versión en el siguiente concierto, y mola la virgen. La foto de abajo la sacó Lara este día (y por cierto, la de la página anterior con Goyo la sacó Ana).

Servet fueron los siguientes y muy bien. Cuando tocaron Detroit eran eso de las once y había muchísima gente dentro del Bola. A Julen de Detroit la guitarra y los pedales le estaban dando bastantes problemas, y cada dos por tres había parones. Entonces en uno especialmente largo, un montón de gente que había entrado con pinta de ir a una cena de empresa o algo así se pusieron a cantar a capella Ellos Dicen Mierda de La Polla Records, incluso pillando el micro, y nosotrxs flipando. Fue un momento bastante surrealista. Tröpical tocaron los últimos con un poco de retraso y dieron un conciertazo en el que todo el mundo se animó bastante. Después cenamos, nos despedimos y pasó la historia que cuento en la entrevista de Detroit.

Luego seguimos la fiesta por ahí, donde entre otras cosas un pureta me amenazó con “arrancarme la puta cabeza”. La peña está fatal.

18-1-2020. IDC, Human Beans y Servet en la Lata de Zinc, Uviéu.

Parece que a Servet les gustamos, porque nos invitaron a tocar en la presentación de su disco en Uviéu un mes más tarde. Yo estaba con los exámenes finales, y llegamos casi justo para tocar y después no quedamos tanto como nos hubiera gustado. Como anécdota, después de avisar en la puerta varias veces de que empezábamos, con nosotros no había casi nadie. Así que empezamos con New Day Rising de Hüsker Dü (con la que solíamos acabar los conciertos) y acabamos con ella también. A Human Beans no los vimos porque quedamos de cháchara en la puerta y Servet me gustaron aún más que las anteriores veces. Después cenamos unas pizzas que estaban buenísimas con los de Servet, nos reímos bastante y nos fuimos al bus bebiendo y gritando como subnormales por el camino. Y hasta aquí las memorias del grupo más desastroso de la región. Pero que conste que también somos buenos chavales. Espero de todo corazón que haya más entregas de este artículo, que ya ves lo bien que lo pasamos.

Hacer esta entrevista era algo que perseguía desde que empecé el fanzine, y ahora que por fin está aquí no puedo más que alegrarme. Además de devorar sus canciones compulsivamente, el verano pasado tuvimos la oportunidad de verlos en directo, y lo majos que eran y su innegable estilo sobre la tarima no hicieron más que acrecentar nuestro cariño por esta peña. Además parece que dentro de poco los volvemos a tener por aquí con nuevo disco bajo el brazo, que por cierto, ya ha salido. Todo lujos vamos. Responde Berny. Arriba: REIZ en el CSOA Orbeko Etxea, junio del 2019. Foto de Ana ¡Hola! ¿Qué tal os va? Antes de empezar, ¿nos contáis quiénes formáis REIZ, en qué otros grupos tocáis o habéis tocado y todas esas cosas típicas? ¡Hola! Me va bien, ¿qué tal tú? En REIZ tocamos Tim, Tamas, yo (Berny), y Jonathan fue nuestro último bajista. Él también toca en Catch As Catch Can. Tamas tocó en Stahlsatan. Tim y yo hemos tocado en Liberty Madness, Alien TV y Zustände, y yo toqué también en Modern Pets. ¿Cuándo y cómo se formó REIZ? ¿Os conocíais de antes?

Tim y yo empezamos el grupo e hicimos algunas grabaciones que enseñamos a amigos pero que no sacamos a la calle. Entonces dos de estos amigos se convirtieron en fans, aprendieron las canciones, ¡y el resto es historia! Tamas incluso escribió “REIZ” en su gorra con un bolígrafo, hizo su propio merch antes de que nadie nos conociese y después se convirtió en un miembro del grupo. Nunca he visto a un fan tan contento. ¿Qué significa REIZ? Te puedo decir algunos sinónimos en español: el encanto, incentivo, atractivo, estímulo, quillotro, aliciente, prurito, golpe, la excitación, tentación, irritación y la salsa.

He visto por ahí a bastante gente comparando vuestro sonido con el de los grupos de Dirtnap Records. Aparte de que tocáis rápido y con poca distorsión, ¿es Dirtnap una influencia fuerte? ¿Qué grupos os han marcado más a la hora de tocar con REIZ? Al principio solíamos escuchar mucho a grupos como New Bomb Turks, The Briefs, Teengenerate, A38,… Pero por supuesto nos gusta lo que

edita Dirtnap, especialmente los Marked Men y Radioactivity. Aún siguen habiendo buenos grupos de punk y garaje contemporáneos a nosotros como Lumpy And The Dumpers, Powerplant, American Lips, The Spits o Urochromes. Tamas además es un gran fan de Lötfett, “el grupo más alemán del mundo”, dicho por él mismo. También me gustan a mí, me parecen bastante divertidos.

Me mola mucho oíros cantar en alemán, me parece que hace que el grupo suene mucho más especial que si cantaseis en inglés, por ejemplo. ¿Fue esto algo natural o tuvisteis dudas en algún momento sobre el idioma? ¿Hay muchos grupos cantando en vuestra lengua actualmente en Alemania? ¡Oh sí, eso que dices del idioma es completamente cierto! Esa es la razón por la que Pierre & Bastien o Asphalt de Francia o Über o Triple Ente de España me suenan tan especiales. En algún momento las letras se convirtieron en un elemento más importante para nosotros y nos dimos cuenta de que son más divertidas si las haces en el lenguaje en el que mejor te desenvuelves. En nuestros anteriores grupos todos cantábamos en inglés y las letras tenían un papel más pequeño. Tan pronto como empiezas a cantar en tu lengua madre te das cuenta de que cualquier cosa que hablada suena demasiado estúpida puede ser cantada. ¡Y nos gusta que esto sea así!

Es difícil decir si la música en general con letras en alemán se ha hecho más o menos popular, o mejor o peor. Pero actualmente hay por lo menos tres grupos de estas características que lo están haciendo bien: Benzin, Pisse y Akne Kid Joe. Otro grupo relativamente más antiguo con el que disfruto especialmente de sus ingeniosas letras es Hammerhead.

No sé alemán y he probado a traducir algunas de vuestras letras, pero el traductor no ha hecho demasiado bien su trabajo. ¿De qué habláis en ellas?

Esto me recuerda a nuestros amigos Oksennus de Mannheim. Su concepto como grupo es el traducir sus letras con el traductor de Google al finés, para que Néstor las cante sin tener idea de este idioma. Por cierto, Néstor es uno de los propietarios de nuestro sello, Pifia Records.

En cuanto a nuestro enfoque, nos basamos en distorsionar estilísticamente nuestras observaciones del día a día. Mantener una actitud positiva mientras tienes que lidiar con cosas extrañas. Además somos muy inteligentes y nos gusta demostrarlo. También nos gustan las heroizaciones irónicas. La explicación de algunas canciones: Autopilot habla sobre darse cuenta en retrospectiva de que eres intercambiable. Zimmer trata sobre la soledad, tratar contigo mismo en tu habitación. Zucker es sobre la alienación y el descubrir que las ilusiones son necesarias, algo un poco agridulce. Ja Ich Weiß es sobre tratar con opciones limitadas. Gentrifizierung sobre los snobs, hipsters y la hipocresía. Pero también tenemos canciones simplemente divertidas como Cool, en la que queda demostrado nuestro brillante sentido del humor.

es mejor permanecer en silencio. Pero lo que realmente quiero decir es que es bueno ser importante, pero es más importante ser buena gente La escena mola mucho en Leipzig, Hamburgo y Berlín. Es buena en Köln. No está mal en Mannheim, Freiburg, Karlsruhe y Frankfurt, y es una verdadera mierda en Stuttgart. En el caso de Stuttgart, por ejemplo, el único squat de la ciudad cerró hace unos quince años, lo que es la principal razón de que no se haya podido desarrollar una escena allí. Y sí, hay muchísimos grupos. Y a veces la gente se comporta de una manera muy snob y presumida, lo que algunas veces está muy fuera de lugar. Es decir, puedes ser más o menos elitista y tal, pero por lo menos da una oportunidad a la gente. Por otro lado, también hay gente molesta que hace tonterías todo el rato y que necesitan una respuesta clara para parar. Pero lo peor son los moralistas paranoicos, como dijo Kurt Cobain, “jueces autodesignados juzgan más de lo que han vendido”. Así que supongo que es la típica escena en la que tenemos que lidiar con cosas, además de con los que estaban antes que nosotros.

Hace unos meses conocí gracias a un amigo a Zustände, el grupo que tenía Bern antes de REIZ, y que me sonó bastante parecido. ¿Es REIZ una continuación de Zustände o un proyecto aparte? Veo ciertas similitudes en ambos grupos, como hacer primero una demo y luego regrabar algunos temas para el siguiente lanzamiento digamos “oficial”, además de sacar lo primero en cinta y lo segundo en vinilo con un artwork muy parecido. ¿Tenéis ya un modus operandi establecido en vuestros grupos o es solo una observación de frikazo supremo?

Zustände era un grupo muy guay, pero su batería se rompió las dos piernas mientras patinaba borracho. Se hizo tanto daño que no iba a poder tocar durante un año. Tim tocaba el bajo en Zustände, pero como también sabe tocar la batería, empezamos REIZ. Y sí, se ha ido repitiendo ese modus operandi del que hablas. A veces una demo tiene un sonido único y especial que no puedes negar o reproducir. Les pasa lo mismo a los dibujantes con sus bocetos, por ejemplo.

En el anterior número hable de vosotros, Cold Kids y Lost Boys como grupos salidos de Alemania que escucho asiduamente. ¿Qué otros grupos añadiríais a la lista?

Lassie, Ex-white y esos a los que has mencionado arriba. ¿En qué estado se encuentra el punk en vuestra zona? Según he visto desde fuera, y guiándome por lo que me han contado gente que viven ahí o estuvieron de visita hay buen movimiento, con centros sociales en casi cada pueblo y muchos grupos. ¿Es todo tan bonito?

De cara y al mundo exterior todos actúan como si todos fuéramos amigos, y son todo besos y abrazos. Pero tan pronto como te escondes en un arbusto para escuchar lo que esa gente habla de ti en privado te das cuenta de que esa gente que te sonríen, te invitan a una cerveza, te llevan a casa en coche, te limpian la habitación, te pagan el alquiler, te hacen un masaje en la espalda, te dan drogas y demás, en realidad te odian. En tales casos

Este junio estuvisteis de gira por Francia y por el estado español. ¿Cómo surgió la oportunidad de hacer esas fechas? ¿Lo teníais marcado como un objetivo o fue algo que surgió solo? ¿Y qué tal os fue? ¿Qué sitios, grupos, gente guay conocisteis? ¿Alguna anécdota destacable? ¡Contad, contad!

Pensábamos que habíamos pasado los días más divertidos de nuestra vida. Pero después Tamas nos enseñó los vídeos que había grabado, y nos dimos cuenta de que sólo somos una pandilla de borrachos idiotas.

Para mí lo mejor fue hablar en español con el público. Néstor de Pifia Records tiene muchos contactos, lo que hizo que todo fuese muy fácil. Así que básicamente nos lanzamos a hacer esta gira por mis conocimientos del castellano, la ayuda de Néstor, el calor y la salsa. El mejor concierto fue en Salamanca. Todo el mundo estaba bailando. Hay un vídeo muy guay en YouTube de ese concierto. El peor concierto fue uno en el que tocaban demasiados grupos que daban bastante pena y en el que tocamos demasiado tarde para muy poca gente en una sala demasiado grande.

Vuestro LP homónimo nos parece la ostia a unxs cuantxs y ya se ha reeditado más de una vez. ¿Os ha sorprendido esta aceptación? ¿Veis que tenéis un cierto reconocimiento, ya no solo en Alemania sino también en Europa, o es que a la gente le ha dado por comprar vuestro disco en masa?

En primer lugar, sí. Pero nadie nos ha invitado nunca a tocar en conciertos guays o festivales. Nos han ofrecido muchas veces tocar en cosas y eventos estúpidos. Así que puede que nuestros fans sean estúpidos. O que lo seamos todos. Lo mismo que nos pasó al ver los vídeos que ya mencioné.

Igual tenemos fans secretos.

La portada de vuestro LP me parece que define muy bien lo que nos apetece hacer cada vez que os escuchamos ¿De dónde sacasteis esa foto? ¿Y quién se ocupó de la portada de vuestra segunda demo?

Jajajaja sí, me gusta mucho esa foto también. La encontré en una revista publicada en los años 20. Hablaba sobre el matrimonio y sexualidad. Nada nazi, simplemente gente descubriendo nuevas maneras de vivir. La portada de la Demo 2 es un detalle de un dibujo mío. A veces usamos dibujos de cuando éramos pequeños que encontramos en viejas libretas de clase.

Pero no es nuestro enfoque realmente. ¿Leéis fanzines? ¿Hacéis o habéis hecho alguno en algún momento? ¿Cuáles son vuestros fanzines favoritos?

Actualmente no. Antes solía leer el fanzine Trust con un poco más de regularidad. Hicimos un fanzine hace más de diez años que se llamaba

Teenage Mutantion que trataba el punk en Stuttgart, la ciudad en la que vivíamos por aquel entonces. Tim dibujó unos cómics en él que aún hoy son muy divertidos. ¿Qué os inspira como grupo? ¿Conocer sitios nuevos, la posibilidad de ligar cada vez que os colgáis la guitarra, mero aburrimiento?

Lo has clavado, todas esas son buenas razones. Puede que ligar sea lo mejor de todo. El resto están en REIZ por las cervezas gratis. Pero casi siempre termino como ellos.

Ya hace unos años desde que sacasteis el disco, y la segunda demo que tenéis subida en el bandcamp suena como un cañón. ¿Cuándo podremos escuchar nuevas canciones de REIZ? Y sobre todo, ¿cuándo volvéis por aquí? ¡El nuevo álbum está siendo mezclado en este mismo momento (marzo del 2020)! Nos encantaría volver a girar por España, fue muy gratificante y nos trataron como a reyes. ¿Puede incluso que volvamos este otoño? ¡Escríbenos si quieres que toquemos en tu zona! ¡Pues hasta aquí llegamos, gracias por todo! ¿Se os ha quedado algo por decir? En Xixón aún nos acordamos de la gorra de Google de vuestro bajista, ¡espero volver a veros pronto! ¡De nada! Jajaja Jonathan es un tío muy guay, tiene un gran sentido del humor y pone de buen humor a la gente, ¡esto es así! Y quién sabe, ¡puede que nos volvamos a ver este otoño!

La objetividad no es algo que me caracterice al escribir aquí, pero especialmente en este caso me es imposible no hablar desde la más absoluta subjetividad. Rudimentary Peni y Nick Blinko son una de mis debilidades.

Siento auténtica devoción por la propuesta gráfica de Nick Blinko y claro, por la música del grupo.

El primer paso en la formación de Rudimentary Peni fue el grupo de electrónica experimental minimalista llamado The Magits, formado en 1977 y que involucraba a Nick Blinko y Jon Greville como futuros miembros de Rudimentary Peni. Con Blinko al sintetizador y ya sin Greville, editaron su único 7’’, Fully Coherent, como dúo sintetizador-voz en 1979, siendo el primer lanzamiento del sello del propio Blinko y su compañero Outer Himalayan Records, con el que editarían la mayoría de lanzamientos de Rudimentary Peni. Este EP ha sido denominado como una colección serpenteante de tortura de teclados. Con las líneas tensas y oscuras de sinte y la voz recitando los angustiosos poemas de Blinko, la primera piedra ya estaba puesta.

Poco después de la disolución de The Magits, en 1980 Rudimentary Peni se formaron en Abbots Langley, Inglaterra (lugar de nacimiento del único Papa inglés hasta la fecha, por si a alguien le interesa), surgiendo de la bulliciosa e interesantísima escena anarcho punk con la que contaba Londres por aquel momento. Asociados comúnmente al propio anarcho punk en cuestiones líricas, estéticas y de sonido, también se les suele considerar afines al death rock, surgido a principios de los 80 en la costa oeste de EEUU, contando con nombres como TSOL o Christian Death, aunque como veremos Rudimentary Peni siempre fueron un poco más allá. No variaron de miembros en toda su difusa carrera, conservando desde sus inicios el trío Grant Matthews al bajo, Jon Greville a la batería y Nick Blinko guitarra y voz. Su nombre viene de una experiencia de Matthews. Cuando estaba en la escuela estudiando biología, les dijeron que en la etapa fetal el clítoris es un pene rudimentario. Y ahí quedó la cosa. En 1981 dieron sus primeros conciertos, que calificaron como decepcionantes, y donde

empezaría el poco gusto que profesaban a tocar en directo (en toda su carrera sólo hicieron unos 25 conciertos, la mayoría en squats).

Su primer trabajo es un 7’’ autotitulado de doce canciones editado ese mismo año, considerado comúnmente como uno de sus mejores lanzamientos. Desde este Rudimentary Peni vemos manifestados los elementos característicos del grupo: un muy buen trabajo del bajo, generando lineas tensas golpeadas por la agresividad de la voz y la guitarra, creando una atmosfera muy oscura y densa, a lo que sumamos las macabras letras por parte de Blinko y unas más politizadas por parte de Matthews escupidas desquiciadamente, todo ello coronado por un artwork impresionante obra del propio Blinko, trabajado con un minimalismo y una minuciosidad completamente enfermiza, mostrando imágenes oscuras surgidas de una especie de sueño terrorífico y surrealista. Tiene verdaderos temazos como Him Hymn, Teenage Time Killer y Dead Living, pero especialmente en el caso de este grupo recomiendo encarecidamente que te pares un poco a leer las letras, adentrate en el sonido y buscar escáneres de las portadas e inserts con las que acompañaban sus discos, porque esto es arte y no lo que se ve en muchas galerías.

Después de sacar este EP dieron su primer concierto en Londres, con nada más y nada menos que Flux of Pink Indians y los Subhumans. Por cierto, su primer concierto fue con Soft Drinks, otros muy guays. Además, Rudimentary tenían conexión con el grupo más icónico de toda esa hornada, cómo no, Crass, y su segundo 7’’ fue editado por Corpus Christi (mejor nombre para un sello ever), el subsello de Crass Records, lo que fue algo realmente bueno, ya que sus trabajos empezaron a ser presentados en carpetas repletas del artwork, letras y pósters, como era común en los lanzamientos del sello y del anarcho punk en general.

Este Farce también está realmente bien, con grandes temas como Sacrifice, Bloody Jellies, Zero Again y Bubble, haciendo ver el gran estado en el que se encontraba el grupo. Un año más tarde lanzaron su primer LP, titulado Death Church y compuesto por 21 canciones en poco más de media hora. Tiene mis canciones favoritas de Rudimentary Peni, ¼ Dead y Love Is Not, y a pesar de que llevo años viéndolo en una tienda de discos de Uviéu no me he decidido a comprarlo, porque estoy convencido de que es un bootleg, lo que implica que no vendría con todo el arte original del disco, y eso en este caso es inaceptable.

Poco después de sacar este disco dejaron de tocar, ya que Matthews había sido diagnosticado con cáncer. Después de un parón de unos cuatro años sacaron su segundo LP, Cacophony, como tributo al célebre escritor HP Lovecraft, quien había sido introducido a Blinko un tiempo antes. Su siguiente lanzamiento fue unos cuantos años más tarde, en 1995, el LP Pope Adrian 37th Psychristiatric, cuyo título me fascina. La mayor parte de este disco fue escrita mientras Nick Blinko se encontraba interno en un hospital psiquiátrico. La temática del álbum se relaciona con los delirios que tenía Blinko en aquel momento (padece de trastorno esquizoafectivo y supuestamente trató de quitarse la vida por primera vez a los 8 años), en el que pensaba que era el Papa Adrián 37, una referencia a Adrian IV (¿te acuerdas? El único Papa inglés). La frase pseudolatinizada Papas Adrianus con la que empieza el disco se repite en un loop constante a lo largo de todo el álbum, lo que lo hace especialmente perturbador.

Después siguieron sacando trabajos, como los EPs Echoes of Anguish, The Underclass (cuya portada lleva siendo mi fondo de pantalla del móvil bastante tiempo), Archaic y No More Pain. Mejores o peores, son de escucha casi obligatoria, porque la verdad es que siguen resultando muy interesantes y mantienen muy bien el tipo. De hecho, alguno es realmente bueno.

Hace poco se dio a conocer que La Vida Es Un Mus va a editar un nuevo trabajo de Rudimentary Peni tras más de diez años, un 7’’ con una única canción ya editada en CD en 2009, Wilfred Owen The Chances, y que supuestamente iba a pertenecer al 7’’ The Great War, que desde que se anunció en 2010 aún no ha sido editado. Rudimentary Peni actualmente siguen en activo ya que tengan movimiento o no nunca se han llegado a disolver. Blinko se ha hecho un nombre en la escena de arte outsider, exponiendo en varias ocasiones y ha editado varios libros, como la novela de horror casi autobiográfica Primal Screamer (presentada como el diario que guarda un psiquiatra, escrito por uno de sus pacientes, que habría tratado de quitarse la vida en varias ocasiones) y los más recientes The Haunted Head y Visions of Pope Adrian 37th.

La influencia de Rudimentary Peni es enorme, tanto en el aspecto gráfico (recomiendo indagar por ejemplo acerca de la obra de Anthony Christopher) como de sonido y actitud, siendo una de las primeras y más poderosas influencias de un jovencito Guy Piccioto, que posteriormente trasladaría esa intensidad y angustia a grupos como Rites of Spring, One Last Wish y Fugazi. ¿Te suena?

Después de una muy prometedora cinta, a finales del aún reciente 2019 Serpent sacaron su primer disco como tal, Lluna Roja, una muy considerable demostración de desparrame de bilis y mala ostia a base de ritmos oscuros y guitarrazos más encabronados aún si cabe. Esto es lo que contaron estas bestias pardas del hardcore más personal y descarnado. Arriba: Foto de Carolina Álvarez. Siguiente página: Foto de Sergi Vila ¡Hey Beni! ¿Cómo va? ¿Antes de empezar quieres presentar a Serpent? Quiénes sois, qué hacéis, toda esa movida… ¡Hola! Pues somos Eric, Marc, Fran y yo y somos un grupo de post-hardcore que nos movemos principalmente por el inframundo musical del país.

Empezamos como un proyecto Eric y yo en 2016 y luego fichamos a Marc y a Fran para ser un grupo y sacar un LP. Hace unos pocos meses sacasteis vuestro primer disco, Lluna Roja. ¿Qué nos puedes contar de él? ¿Cómo fue el proceso de componerlo? ¿En qué se diferencia de la demo?

Esta mejor hecho, y también está hecho entre más gente y sabiendo qué sonido tenemos. La demo la veo más como un cajón de sastre de varios recursos que confluyeron en una única grabación pero en el momento de la grabación no teníamos una consciencia de sonido propio, con el disco ya sí.

Comparando los temas de la demo y del Luna Roja, estos se me hacen mucho más directos y agresivos, mucho más “en tu puta cara”. ¿Queríais hacerlo así o fue simplemente como fue saliendo?

No es nada premeditado, es la colección de canciones que ha resultado ser después de la demo. Quizás si que hemos ampliado horizontes por arriba y por abajo, el disco tiene momentos más duros y agresivos que la demo y también más blandos y vulnerables. Pero vamos, que no es nada que nos hayamos sentado a hablar.

Eric y tú empezasteis con Serpent cuando ambos tocabais en Col•lapse, hardcore a lo Dag Nasty, Rites Of Spring,… y Serpent igual es más afín a grupos post Revolution Summer como Fugazi o Jawbox. ¿Visteis en algún momento a Serpent como una continuación estilística natural de Col•lapse o fue que os apeteció hacer un rollo así sin más vueltas que darle?

Para nada es una evolución de Col•lapse, lo único que en Col•lapse fue donde nos encontramos como músicos y donde vi el talento de Eric, así que tenía claro que a la hora de empezar algo nuevo se lo tenía que proponer a él.

Por otro lado, con Col•lapse teníamos medio pie en el hardcore clásico y otro medio en otros horizontes, pero teníamos un manual de estilo muy concreto. Serpent tiene más margen de evolución, las bandas que mencionas nos gustan pero tampoco creo que sea una especie de revival de eso, aunque sí que lo que tenemos en común es que no intentamos sonar hardcore (por definición) aunque yo por lo menos pienso que el hardcore y el punk desde su creación siempre ha tenido a grupos que lo han llevado al limite musicalmente. Parte de ello es romper las normas, sobretodo las formales. ¿Cómo definiríais el concepto de Serpent a alguien que no os conoce de nada?

Lo que le digo a la gente que me pregunta en que estoy metido, es que hacemos hardcore pero “así más experimental”. ¿Los fans de qué deberían especialmente darle un tiento a vuestra música?

Le gustamos a gente muy diversa, gente del punk rock, gente del hardcore, incluso a gente del garaje y cosas así. No me atrevería a decir.

Básicamente te puede llegar a gustar si no te obsesionan las etiquetas o eres un purista de algo.

Se os suele encasillar dentro del post-hardcore, pero con matices de un montón de cosas más, algo que sólo puede ser bueno. ¿Llegará un momento en el que las etiquetas dejen de ser válidas, si es que no lo son ya?

Es una tontería lo de las etiquetas. Un invento para que exista más prensa musical de la que ya hay, una excusa para escribir más artículos y más tonterías. El sistema necesita etiquetas para poder asimilar los movimientos medianamente subversivos, hasta que no se categoriza y se le pone límites (en este caso a un estilo musical) es algo imprevisible y por lo tanto que no interesa.

Leí por ahí que Serpent es la manera medieval de decir Serpiente en catalán (ahora se dice Serp). ¿Cómo llegasteis a elegir este nombre? ¿Y por qué empleasteis esta acepción y no la otra?

Cero glamour en esta. Fuimos diciendo nombres, queríamos un nombre sólido, no muy corto, no muy largo y de todos los que dijimos nos quedamos con este. El Català es una lengua que está protegida en una burbuja,

no se le permite evolucionar porque al estar subyugada a un estado con una lengua oficial mucho más fuerte las evoluciones siempre tienden a castellanizarlo. Por eso es rica en palabras antiguas, y de entre ellas Serpent nos pareció, fuerte, inquietante, venenosa...

Las letras del Lluna Roja me gustan mucho. ¿Cómo es el proceso de hacerlas? ¿Salen antes o se desarrollan a partir de la música? Me dio la impresión de que, a diferencia de otros proyectos como The Gundown donde el significado o trasfondo de algunas letras era más o menos visible, aquí está todo mucho más enmarañado. ¿Hay una intención de hablar de algo en concreto complicando el camino de llegar a ello o sólo se basa en generar un ambiente que evoque algo?

También es otro tema. Las letras de Serpent son un documento de google en permanente evolución, en cualquier sitio me conecto y las voy encajando, empiezan por un motivo y acaban por otro. Pero siempre primo que queden bien y el poner frases chulas y potentes antes que el significado o el intentar evocar conclusiones muy tochas. A veces me permito ser un ser más rabioso, bajonero y mala persona de lo que realmente soy, una vía de escape para la mala hostia.

Hay canciones como Semiodi en las que el mensaje parece más o menos claro, pero en otras como King Kong no tengo ni idea de qué estáis hablando. ¿Buscas la metáfora loca a la hora de escribir las letras como si fuese más un ejercicio literario que el proceso típico de hacer una letra? ¿En qué te inspiras a la hora de hacerlas?

Yo tampoco lo se muy bien. Intento ser lo menos literal posible y jugar con conceptos y collages de palabras. Jugar un poco con el surrealismo, sin llegar a que sea todo el rato un whatthefuck continuo y quitarle protagonismo a la música. Algo que mole pero que moleste a los que necesitan un mensaje claro en las letras. O que crean que el punk tiene que ser claramente reivindicativo.

Por momentos vuestras canciones son tan intensas y encabronadas que duele escucharlas. Algo que me pregunto bastante es ¿reserváis esos sentimientos para desahogaros por esta vía? ¿Os veis haciendo canciones alegres o lo dejáis para vuestra intimidad? ¿Hacer este estilo hace que directamente no te plantees tratar temas “felices”?

Yo prefiero buscar otras vías de escape para la felicidad, compartirla con la gente que me rodea y a la que quiero en el día a día. En los ensayos también comparto esa felicidad con mis compañeros de grupo. La otra parte, cuando te encabronas y estas negativo prefiero convertirlo en algo constructivo, como una letra de una canción o la música de una canción que incomode y esté llena de compases inacabados y acordes podridos.

Algo que luego como “obra” también me aporta satisfacción y por lo tanto felicidad. No me interesa dar un mensaje ejemplar ni pensar en si el oyente conecta o no.

Te has encargado de todo el artwork del disco. ¿Nos puedes hacer un pequeño resumen de cómo fuiste desarrollándolo?

La idea principal era derivarlo a un artista, pero teníamos un presupuesto ajustado así que me aventuré e hice una portada muy diferente a las que suelo hacer, más geométrica y fria. Hice unas pruebas y a estos les gustó el concepto y el título del disco así que lo tiramos adelante, en una edición barata y sencilla que abaratara los costes del disco pero a la vez muy cuidada.

Y contestando a las entrevistas sin decir absolutamente nada y con la positividad forzada de un community manager. ¿Cómo se vive el tener un grupo, sacar un disco, tocar por ahí y todo lo que esto conlleva siendo las personas adultas y serias que sois?

Pues tomárnoslo sin ansias, no decir que sí a todo, y no poniendo el grupo encima de todo. Un engorile sostenible. Intentar comer y dormir bien en las salidas y pasarlo bien en general. ¡Que compense! Que ya somos veteranos. ¿Qué estáis escuchando más últimamente? ¿Qué os produce mariposas en el estómago hoy en día? Últimamente estoy bastante engorilado con los grupos que spotify me ha recomendado a raíz de escuchar Idles. Como Shame, Fontaines D.C., Iceage o Parquet Courts. Me parece una nueva ola británica (aunque algunos grupos no lo son) que mezclan el punk con cosas chulas como The Fall a Joy Division, Minutemen o My Bloody Valentine pero todo actualizado y mucho más cañero. ¿Cuáles son vuestros momentos favoritos de momento en lo que lleváis tocando en Serpent? ¿Alguna historia inolvidable?

Somos jóvenes en cuanto a salidas, pero bueno solemos degenerar temas hasta lo absurdo y nos pegamos buenas risas. A ver que dan de si estas escapadas para presentar el disco. ¿Qué vais a hacer ahora con el disco bajo el brazo? ¿Girar por ahí para presentarlo, salir a Europa, nuevas grabaciones?

Pues vamos a ir tocándolo, en fechas a priori estatales. Si sale alguna oportunidad de girar por Europa ya se hablará y en cuanto a grabar más cosas, pues cuando tengamos un nuevo puñado de canciones las volvemos a grabar, no creo que tardemos. ¡Hasta aquí llegamos, gracias por todo! ¿Quieres decir algo más? ¡Nos vemos pronto, chao!

Gracias por esta entrevista tan completa, se nota que te has preparado las preguntas. Todo mi apoyo a los que como tú seguís editando fanzines en papel y dándole un empujón a toda esta movida.

Hace unas semanas hicisteis un concierto “intimissimi” en acústico. ¿Cómo fue la cosa? ¿Os veis haciendo más acústicos? ¿Incluso grabar algo en este formato?

Grabar no, desde luego. Hacer más conciertos... tendriamos que valorar si el que nos lo pide es muy amigo/a y nos va bien, pero vamos a evitar a toda costa que exista un alter-ego de Serpent en acústico, porque la verdad es que hacemos un apaño y salimos del paso pero nos pega mucho más la distorsión. ¿Os veis tocando en festivales rollo Primavera Sound junto a Shellac o apostáis únicamente por el underground?

Lo que no vamos a hacer es que ese sea nuestro objetivo. Una banda vive de la comunión con la gente a la que le interesa tu grupo, no de gente que esta en un festival por otros grupos o por pasar el rato, o porque en Barcelona hace sol y la droga es barata. Es importante para nosotros ser un grupo sólido y consolidado, y si llegan esas ofertas, cuadra y nos apetece se hace, no veo inconveniente. Pero siempre que haya habido un trabajo real por nuestra parte, que estemos vivos y que estemos dando conciertos en los antros de siempre.

Leí en una entrevista algo muy interesante que comentabas sobre Crim, que es que aunque se muevan por una escena con trasfondo algo dudoso, tienen una cierta responsabilidad de descubrir a la gente joven que les sigue influencias tan molonas como las que tienen. ¿Os aplicáis esto vosotros? ¿Qué grupos creéis que no deberían faltar en la dieta de un joven de bien? Opinión 1000% personal, vamos.

Primero de todo me gustaría aclarar tu pregunta. Seguramente lo que dije es que al ser un grupo profesional tocan mucho y al final tocan en conciertos que molan y en otros que son más para todos los públicos. ¿Lo de dudoso es eso no? Y referente a la responsabilidad, ellos no tienen ninguna porque son un ejemplo en si (llegar a la cúspide de una forma orgánica, por petición popular y sin tejemanejes blah blah blah...), lo que me gustaría es que calase ese ejemplo de esfuerzo y talento en los chavales, porque hay mucho chaval que empieza y que cree que para estar donde están CRIM o Berri Txarrak necesitas de esos entes etéreos y de dudosa existencia llamados “contactos”. Es como que expresarse mediante canciones es solo una parte más de tener una banda, como hacer camisetas o llevar las redes sociales. En el caso de CRIM , se cansan de decirlo en las entrevistas, no pueden hacer más. Pero hay gente que quiere seguir viendo atajos y comportándose como seres envidiosos y mezquinos. Ah!

BYN Dentro del hardcore y el punk tenemos la inmensa suerte de contar con artistas gráficos de muchísimo nivel, autorxs de portadas acojonantes. Lo que no evita que de vez en cuando aparzecan por ahí cagarros de dimensiones épicas, pero ese no es el tema a tratar hoy.

Siempre mostré mucha más predilección por las cosas en blanco y negro que por aquellas a color, seguramente porque soy daltónico (diagnosticado ¿eh? no es por tirarme el rollo).

Además, me parece que si está bien tratado puede llegar a transmitir mucho más que el color.

Así, este es un tributo a una parte de mis portadas favoritas monocromáticas. Faltan muchos nombres míticos y se han quedado fuera diseños que me flipan, consecuencias de tener que elegir. Aún así, el contenido de estas portadas tiene suficiente fuerza como para tirarte de espaldas, y merecerían estar en boca de todo Dios.

Ale, a alegrar la vista.

horas, recreándome en su ambiente. La portada de su LP Colossus muestra una obra de Goya, y también valdría su puesto aquí. Incluso la portada de su 7’’ de retorno tiene su algo. Un buen ejemplo de grupo que cuidaba lo que se ponía en la funda de sus discos, y con bastante buen gusto además.

Citizens Arrest – A Light In The Darkness Las portadas de los neoyorkinos Citizens Arrest ya han sido el eje central de más de una conversación acerca del grupo. La verdad es que inspiradas son un rato, y me parece que acompañan muy bien a su música, gélida y a máxima potencia, como una rama que te da en la cara cuando vas corriendo por el bosque escapando de lo desconocido. O de un cazador furtivo de mierda, que casi da más miedo. Esta es mi portada favorita del grupo, quizás porque también es el lanzamiento suyo que más me gusta. El cuadro aquí representado es obra del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich, y me parece una auténtica pasada, podría estar mirándolo

Crimpshrine – Quit Talkin’ Claude Crimpshrine fueron uno de los primeros grupos de la East Bay en aunar melodía, aspereza y altas dosis de frustración postadolescente junto a bandas como Jawbreaker. La portada de este 7’’ de 1989 fue dibujada por el artista de cómics Bobby Madness, colaborador

ocasional, entre otros medios, del longevo fanzine Cometbus, obra de Aaron, batería del grupo, quien también tiene una propuesta gráfica muy a tener en cuenta. Representa bastante bien el sentirse completamente alienado con respecto a este mundo, el hastío y tedio generado por el no saber qué hacer, el no tener a dónde ir… Sentimientos que les inspiraron a la hora de firmar temas como Butterflies, que abre este EP y compite con Competition de los Gorilla Biscuits al puesto de canción más silbable del punk. Por si nadie se había dado cuenta hasta ahora, la manera de dibujar el nombre de la portada de este zine debe mucho a Crimpshrine y a este EP.

Discharge - Hear Nothing See Nothing Say Nothing La obra culmen de todo un género. Tras las imágenes directas de guerra, destrucción y decadencia de la humanidad que vemos en Why, su predecesor, y que corresponde a lo que por lo menos yo entiendo como el estereotipo estético de cualquier grupo de d-beat que se precie, la portada del Hear Nothing se presenta evocadora, te hace sentir tensión con sólo mirarla y acompaña magistralmente al ruidaco que sale de los surcos del plástico sin recurrir a imágenes obvias o explícitas, y esto es igual lo más difícil.

Downcast - Downcast Uno de los hitos de Ebullition. Mucha gente dice que ha envejecido mal, pero como no soy un viejo no puedo decir lo mismo jeje. Bromas aparte, esta portada es gloriosa, e ilustra las canciones a la perfección. Me recuerda bastante a la novela gráfica Persépolis de Marjane Satrapi, además del vídeo de Mario Martínez Rompe Tu Círculo, que desde aquí recomiendo.

Krimewatch - Krimewatch Estxs neoyorkinos llevan unos años siendo uno de los principales nombres del “nuevo hardcore yanqui“.

El hype está justificado, porque la verdad es que son brutales, y completamente atronadores. Una de las cosas que más me llamó la atención de ellxs fueron sus portadas. Este misterioro personaje detectivesco es el protagonista de las portadas de sus tres lanzamientos, y es especialmente en este EP donde cobra mayor fuerza. Esa imagen del hombre desconocido vigilando la ciudad podría parecer amenazadora, de hecho seguramente esa sea la intención del grupo, pero a mi parecer está representada de una manera que le quita bastante dramatismo, haciéndolo parecer la viñeta de un cómic poco serio o una escena de una serie animada (me recuerda bastante, y no sé por qué a American Dragon, serie que me encantaba de pequeño).

Molchat Doma - s krish nashih domov Creo que llegué a estos bielorrusos vía uno de esos recopilatorios de Russian Doomer Music vía YouTube. La música, post punk triste y desesperanzado hasta decir basta, me sedujo, pero más lo hicieron sus portadas una vez las vi. Recogiendo la tradición arquitectural de la segunda mitad del siglo pasado en Europa del este, que parece que últimamente más que ponerse de moda se está reconociendo merecidamente un poco más, se marcan unos portadones de la virgen, que acompañan muy bien a las frías y oscuras canciones a las que deben poner cara.

En la portada de su segundo largo aparece el célebre hotel eslovaco Panorama Resort siguiendo esta línea.

No tengo ni idea de qué estructura es la representada aquí, si alguien puede arrojar algo de luz sobre esto estaré muy agradecido. Viva el brutalismo, joder.

Loser Life - My Hell Leer en el catálogo de una distri “suenan a Fuel y lo primero de Hüsker Dü“ sirvió para hacerme pillar un 7’’ suyo. Este extinto grupo era acojonante, y esta portada (como todas las suyas) me parace una genialidad, con un concepto muy marcado. Basta con verla una sóla vez para pensar “algo no va bien aquí“, pero es que una vez que la miras, no puedes parar de hacerlo. Para mí esto es como si mezclas a Jay Reatard con Bloodhound Gang y lo sacas desquiciadamente de contexto. ¿Lo pillas? Yo tampoco.

Project X - Straight Edge Revenge Pese a que en ocasiones reivindican algunas cosas con las que no estoy excesivamente de acuerdo y el rollo que lleva Ray Cappo y su Smithers Porcell no me tira mucho (pero me flipan), en general el straight edge y toda la movida youth crew me produce una extraña y potente atracción, y eso que la estética de sus portadas, flyers, fanzines y demás me resulta un poco aburrida y encorsetada. Esta sin embargo me parece que a pesar de estar 1000% dentro de la línea del estilo se desvía un poco, consiguiendo una portada muy directa, imponente y sobre todo muy amenazante, acompañando perfectamente el título del EP. Por esta imagen en parte no siento mucha afinidad con ello, más que nada con lo que llega a rozar mínimamente el rollo hardline.

La primera vez que supe de este 7’’ fue por la película The Edge Of Quarrel (entretenida, pero se queda ahí, eso sí, te echas unas buenas risas), en la que un punk reventaba a un hardcoreta straight edge este disco que tanto dinero le había costado. Discazo, eso sí.

Reagan Youth - A Collection Of Pop Classics Todo en el artwork de los discos de Reagan Youth era una crítica feroz y salvaje, pero no exento de un muy buen gusto, al igual que sus letras y actitudes, que confrontaban frontalmente al sistema capitalista americano y por ende mundial. Su empleo de la figura del encapuchado del KKK es soberbio, y esta portada ha sido y continúa siendo muy celebrada. Hay un flyer de un concierto suyo con Nausea con la poderosísima y gélida imagen de unos encapuchados quemando una cruz, ojalá hubiese ilustrado alguno de sus lanzamientos.

Negative Approach - Negative Approach El impacto que produce ver esta portada y escuchar por primera vez himnos como Can’t Tell No One es importante. Era casi obligatorio que uno de los mejores 7’’ de la historia del hardcore tuviese una de las mejores portadas ever, y este fotograma de El Exorcista cumple de sobra. Amenazante, hecha polvo y con una mueca desquiciada. Me reitero, cumple, ¿no? Si es que hasta los ojos parecen los de John Brannon. Algo pasó en la cabeza de quien se encargó de la portada de una de las reediciones de este EP, y su decisión de sustituir esta imagen por un dibujo que intenta asemejarse un mínimo al original consiguiendo dar una mezcla de pena, cachondeo y desprecio debería ser catalogada como algo así como un atentado contra el buen gusto.

Reversal Of Man - Revolution Summer La portada de estos finus de la emoviolencia me parece una de las más bonitas en concepto y desarrollo que aparecen aquí. Composición muy guapa, acompañada de un texto muy interesante que dice algo así: Si tuviera algún tipo de poder o algo que decir al respecto, seguiría viendo dibujos animados los sábados por la mañana y esperando que mis cereales se empapasen, pero me obligaste a crecer, incluso después de que dejaste de creer en mí, y aunque ahora te avergüenzas de mí, yo fui quien te abandonó primero, esto es culpa tuya. Pero después de todos estos años lo he encontrado. Todo lo que siempre he querido, personas que me aman y que creen en mí. Personas que me han mostrado cómo es ser un niño otra vez, y lo arriesgaría todo por esto. Mis amigos me salvarán, son todo lo que me queda. Mis amigos van a salvar el mundo. Hay camis muy guapas con esta portada, estoy a ver si pillo una.

Royal Headache - High Este es sin ninguna duda uno de los mejores discos de la década que acabamos de abandonar. El mismo día que lo conocí escuché también por primera vez el disco amarillo de Radioactivity, imagínate el doble impacto. Me volví loco. Una de las cosas que me llamó irremediablemente la atención de esto fue su portada, pisoteando una vez más el refrán “no debes juzgar un libro por su portada”. Pues a veces hay que saltarse esa regla, porque nada más verla supe que esto me iba a encantar, y no fallé. Power pop de manual, y bien de power y bien de pop.

La foto en blanco y negro de un depósito de agua vuelve a aparecer, al igual que en su primer disco, en la portada de estos australianos, esta vez acaparando toda la atención. Me gustan mucho estas estructuras, y me gusta aún más sacar una “foto High” cada vez que veo una así por ahí.

Depende del día en que me preguntes me sobran un poco las franjas negras de arriba y de abajo, y seguramente la portada ganaría aún más en caso de que la foto ocupase toda su extensión, pero mira, cero reproches a esta maravilla.

Sudor - Ciudad Imperial En esta casa no somos mucho de decir qué es y qué no es punk, pero en el hipotético caso de tener que poner ejemplos bajo la amenaza de un disparo en caso de no hacerlo, los Sudor serían una opción a considerar. Los dibujos que ilustran sus discos son espectaculares, y tuve serias dudas acerca de cual poner aquí. Al final me decidí por este por varios factores. Esta portada se desmarca un poco del resto en cuanto a concepto visual, lo que siempre es interesante, para bien o para mal (en este caso para muy bien). Además, la iconografía religiosa, especialmente la cristiana, es algo que me fascina a más no poder, y si además se emplea en algo tan profundamente anticlerical como es esto, en mi opinión se convierte en algo aún más poderoso.

Unfun - Shores Of Lake Erie Tomando el nombre del célebre debut de Jawbreaker, los canadienses Unfun sacaron un buen puñado de material hace unos años, tomando el rollo No Idea y similares, para envolverlo todo en una maraña de distorsión que consiguió que lo que querían transmitir fuese realmente creíble. Buena muestra de ello es su canción Caroline, un himno del subsuelo de ocho minutos que caen sobre ti como una bola de hormigón.

La portada de este Shores Of Lake Erie, creo que su último lanzamiento, es un collage que con muy buen gusto muestra cabañas, casas y localidades de tiempos pasados, dándole a la música un matiz especial, como de calidez a la vez que melancolía. Este es un buen disco para escuchar en un día frío o lluvioso como el que hay hoy mientras estoy escribiendo esto. Sus canciones te abrazan, especialmente Nuclear Son, un tema diferente a sus composiciones habituales que me vacía el estómago cada vez que la escucho.

Wipers - Alien Boy Alien Boy, una de las canciones más recordadas del gigantesco debut de los Wipers, Is This Real? salió como el primer tema de un EP un año después de que se editase este disco (pero creo que esta portada corresponde a una edición de unos años más tarde, toma dato friki). Sea como sea, el caso es que esta portada es buenísima, y no cuesta imaginarse a quien la dibujó escuchando esta canción una y otra vez y discurriendo ese paisaje tan oscuro y recurrente, con ese rollo a lo cómic antiguo que me flipa. Otro plus para adorar a este trío de Portland, uno de los grupos más misteriosos e influyentes del punk americano.

Über - España Y Mierda Antes de oir Uber y pensar en una empresa, estos barceloneses manufacturaron algunas de las portadas más macarras del punk estatal. En otro caso habría puesto la portada de su 7’’ homónimo (un dinosaurio con polla gigante echando fuego por la boca, qué quieres que te diga, me flipa completamente), pero en este caso es necesario poner esta cubierta. Si no consigues apreciar toda la genialidad que encierra esta imagen, regala este zine a alguien que lo merezca más que tú.

Slint - Spiderland La portada de esta obra magna del post rock más desolador ha sido imitada hasta la saciedad por jóvenes y no tan jóvenes de todo el mundo cuando encuentran un lago o río de vacaciones. En cierto modo juega al despiste de tranquilizarte mostrando la foto de los cuatro miembros del grupo pasando un rato tranquilo y feliz al aire libre, sin advertirte de la tormenta que te espera al escucharlo. Es precisamente al poner el disco cuando la portada adquiere otro tinte, un trasfondo mucho más oscuro, como si detrás de toda esa aparente calma hubiese un gran saco de mierda pudriéndose.

Youth Avoiders - Relentless Mete en una centrifugadora a presión por una parte tus discos de Minor Threat y Bad Brains y por la otra a Red Dons y los Marked Men. Añade una pizca de mala ostia y remueve bien. Seguramente te salga algo parecido al torbellino que son estos tíos. Nada más que vi esta portada supe que me iban a encantar, y no me equivoqué. Indagando por ahí descubrí que esta foto está tomada en Cergy, una ciudad en los suburbios de París.

Estas enigmáticas columnas se llaman “Les Douzes Colonnes”, y forman parte de un grupo de monumentos llamado “L’axe majeur”. Al parecer se diseñaron para evocar el desierto de Negev, como alusión a los orígenes de su arquitecto. ¿Ves? Esta es la clase de buen gusto al que me estoy refiriendo tanto. Para mí, esto es el buen gusto. Sabes que existe ese sitio, vas ahí y te sacas una foto, la pones de portada y llevas a prensar los vinilos. Así sí, joder.

Leer esta entrevista me ha puesto muy muy contento. Además de por todo el jugo que tiene, porque han hecho uno de los discos más molones de los últimos tiempos en Asturies y porque se marcan versiones de Dag Nasty en sus conciertos mostrando su exquisito gusto, me gusta mucho tener en el zine a gente tan maja como ellos. Me esperaba que me cayese algún vacile por parte de cierto miembro del grupo, pero se ve que eso lo reserva para cuando nos vemos en persona ;) ¡Disfruta! Arriba: Foto de Rocío ¡Hola chicos! ¿Cómo os va? Si os parece bien, empezad contando un poco quiénes sois, de dónde venís, como y cuando surgió el grupo,… Esas cosas.

Juan: Pues Servet somos Aitor a la voz, David y Lorenzo a las guitarras, Carlos a la batería y yo al bajo. El grupo nace como continuación de Noam, en el que estábamos todos menos David y estaba a mayores Adolfo. Este último dejó el grupo por razones de trabajo y los demás queríamos seguir haciendo música y más o menos en la misma onda. Pero sabiendo que no sería lo mismo decidimos cambiar el nombre aunque la filosofía de la banda siga siendo la misma. Y bueno, antes de eso, todos nos conocíamos por el punk rock/HC, por ser más o menos de la misma edad, a excepción de Carlos que es algo más joven. Como el rollo que queríamos hacer no es algo que tenga mucho tirón ni en Asturies ni en España pues acabamos juntándonos tras proyectos distintos de cada uno, y a Carlos lo corrompimos dejándole hacer ruido entre canciones en los ensayos. ¿De dónde viene vuestro nombre? ¿Es por Miguel Servet?

Juan: El nombre viene de Miguel Servet y de una canción de Noam. Era una forma de mostrar un nexo de unión con el anterior proyecto. No solo por la canción, si no porque es un nombre personal como Noam, y que tiene más de una faceta. En el caso de Noam lingüista y activista político, Servet como científico y teólogo. Creo que muestra muy bien que nadie es plano, no tenemos una sola cara o faceta. Posiblemente en Servet se nota más todavía, porque a pesar de ser un creyente tenía una visión muy abierta que le permitió realizar estudios con los que hizo la propuesta de la circulación pulmonar o textos en los que defendía que cada individuo

debe de poder tener sus creencias, y esto último le llevó a la hoguera por calvinista, lo cual no deja de ser gracioso. ¿Quién influencia más vuestro sonido? ¿Y vuestras letras? ¿Os basáis en alguien o algo o hay una influencia subconsciente que aparece a la hora de hacerlas?

Juan: La verdad es que la intención inicial era hacer punk rock de los 90s, que en aquella época tenía mal asiento, pues se le llamó también posthardcore o emo. Bandas como Jawbreaker, Farside, Texas is the reason, Shades apart, Gameface… Aunque nunca nos sentamos y dijimos vamos a hacer esto, puesto que las influencias son más variadas, y creo que se notan. Al final hay algo de hardcore 80s del rollo Dag Nasty, algo más punk pop en la onda de Descendentes, punk rock rollo Down by Law, etc.

Y es que al final, nos dejamos llevar y hay veces que hay cosas que nos recuerdan a cosas tan distintas como Fugazi, Strife o New Bomb Turks.

Llega un momento que es difícil saber realmente que influye y que no, sobretodo porque somos 5 integrantes, que tenemos gustos comunes y diferentes, y bastante abiertos.

Sobre la influencia de las letras, te puede decir Aitor ya que es el compositor. Los demás, en todo caso, le proponemos algún cambio, pero poca cosa más. Lo que si acordamos es que queríamos cantar en castellano.

Aunque crecimos con bandas cantando en ingles, entendíamos que si queríamos contar cosas interesantes nuestro nivel no era suficiente, así que de forma natural el castellano se convirtió en el idioma.

Aitor: El proceso de creación de las letras suele partir de la melodía de voz

y están vinculadas de alguna manera a lo que me despierta la combinación de los instrumentos y la melodía de voz. Suelen aparecer “a posteriori”. Y lo que pretendo con ellas es contar pequeñas historias con moraleja, una especie de pequeñas películas en las que no te vamos a decir qué pensar o decir pero si intentar que reflexiones sobre lo que piensas y haces a través de sucesos que me han pasado a mí o a mi alrededor y que es fácil que compartas. En cuanto al estilo compositivo, me considero deudor de un montón de letristas que son inspiración, aunque no les llegue a la suela de los zapatos. En la lista hay gente muy variada, por ejemplo, el primer Springsteen, del que me gusta mucho esa capacidad que tiene de contar historias con trasfondo social como si fueran relatos cortos o películas, Joe Strummer y Mick Jones porque sus letras son políticas pero sin ser panfletarias y esa capacidad es muy difícil, Morrissey porque juega a escribir letras emocionalmente contrarias a lo que expresa la música de los Smiths, Karl Álvarez por lo inteligente de alguna de sus letras (Educated Idiot de ALL por ejemplo me parece una maravilla), Bill Stevenson porque es el mejor letrista punk sobre el amor, Blake Schwarzenbach de Jawbreker/Jets to Brazil/Forgetters del que me gusta mucho la capacidad de situarte en un contexto concreto a través de una frase o confundirte sobre el transcurso de una letra, Frankie Stubbs de Leatherface o Lance Hanh de J Church por lo melancólico y político de sus textos o Craig Finn de The Hold Steady que hace unas letras muy personales y locas. Como veis la mayoría de influencias son anglosajonas porque el 85% de la música que escucho es en ese idioma pero en castellano, mis favoritos son José Ignacio Lapido al que sigo desde hace muchos años y es un letrista memorable, Jorge Martínez, Antonio Vega o Sabino Méndez.

Servet en el Bola 8 de Xixón DC. Foto de Lara A NOAM se os definió como “punk adulto”. ¿Y esto? ¿En qué se nota esta madurez?¿Se llega a veces, sobre todo dentro del punk, a confundir el no querer crecer en el sentido que decían los Descendents con la inmadurez sistemática más gilipollas?

Juan: Pues, lo de punk adulto viene por como identificaba Sabino (Mercyless, escuela de odio, KTC,…) a las bandas que antes te comentaba.

Así que podemos decir que fue él el que nos puso la etiqueta. Nos identificamos con ella porque más que rapidez o agresividad hay intensidad. Somos más mayores, pero seguimos enfadados y queremos contar cosas, pero no queremos ser tan directos, queremos utilizar el vocabulario de una forma más amplia, ser más reflexivos.

Creo que entre ser adulto como te sugiere la sociedad en general y ser un gilipollas inmaduro hay un término medio que es el que considero los Descendents hablan. No perder energía, las ganas de hacer cosas, de disfrutar de las cosas, de no tener puesto el filtro de lo que se espera de ti en todo momento.

Aitor: En mi opinión el punk rock tiene que ir más allá de ser un conjunto de descerebrados juveniles que es la típica imagen que se quiso y, en ocasiones, quiere transmitir. Eso no me gustaba ni con catorce años cuando empecé a escuchar punk ni ahora con cuarenta y dos. Para mí, el punk está relacionado un espíritu de superación personal y colectiva –que no solamente es patrimonio de este movimiento–, de negarse a estar conforme y no está asociado a ninguna edad. Otra cosa diferente es cómo manifiestas esa actitud, que lógicamente no va a ser igual cuando eres un adolescente o estás en la cuarentena. Pero en ambos momentos, por ejemplo, demuestras ese espíritu cuando eres capaz de negarte a ciertas cosas o apuestas por realizar otras.

Os habéis ocupado directamente de muchos aspectos del disco que en ocasiones se suelen relegar en terceras personas, como la edición, el diseño, la foto de la portada,… ¿Este DIY es una declaración de principios, una necesidad o ambas?

Juan: Pues ambas. Por un lado no había mucha pasta así que no quería-

mos abusar en exceso de las amistades. Pero, por otro lado, había ganas de hacer muchas cosas nosotros.

Por suerte, Lorenzo le mola la fotografía y tiene un montón de fotos guays.

Y a mí siempre me gusta pegarme con el tema de los carteles, esta vez quería probar a hacer el diseño. Además le tenía echado el ojo a la foto de la portada, desde que Loren había subido esa foto en su facebook tras un viaje a Sudamérica. Hice la propuesta a los demás les gustó y por ahí trabajé.

Y sobre la edición, la intención era hacer el CD nosotros (pone KTC, porque era mi antiguo sello junto a Sabi y lo aproveche), y buscar sellos para una pequeña edición en vinilo, pero esto último no salió. Por lo que al final todo quedó en nuestro tejado. Y como es a lo que estamos acostumbrados, se hace sin problema.

No creo que sea una necesidad vital como otras bandas, pero por un lado nos gusta tener las cosas controladas y por otro no había medios para hacerlo de otra forma. Así que al final el DIY se convierte en deseo y necesidad pero no en una obligación.

Hace muy poco sacasteis vuestro primer disco, consistente de diez temas. Como las letras tienen un gran peso en vuestras canciones, ¿qué os parecería explicarlas y desgranarlas aquí?

Aitor: Nos parece fenomenal. Vamos con ello.

Fabricas Vacías (circunvalan la ciudad): Una letra que tiene algún tiempo y que la inspiró la marcha de un montón de amigos que se fueron de Asturias en busca de trabajo. Habla del sentimiento de desarraigo del que se marcha de un lugar y cuando vuelve, no termina de encontrarlo como suyo.

Nueva Ley Universal: Esta letra es una de mis favoritas. Hay momentos en la vida que los códigos por los que te riges parece que no tienen cabida en la sociedad en la que habitas y de eso habla esta canción: de tener una perspectiva divergente. La “Nueva Ley Universal” es aquella por la que el mundo se debe regir por unos estándares que rechazan a la minoría o al diferente.

Riviére: Esta es una canción tiene dos dedicatorias: a una de las personas más importantes en nuestro país en lo que a la comprensión y educación de las personas con autismo se refiere. Ángel Riviére fue un adelantado a su tiempo y la letra es una charla ficticia en la que, a través de sus ojos, me estaría narrando aspectos de algunos de mis alumnos, ya que fui muchos años maestro en un centro de Educación Especial. Por supuesto, la canción también está dedicada a ellos Fort Knox: Siempre me ha parecido más importante, en relación con la integridad ética y moral, saber renunciar que saber hacer. En las redes sociales abundan los ejemplos de gente que hace cosas y busca reconocimiento social por ello. Sin embargo a mí me han interesado siempre más aquellas personas que renuncian a algo tentador porque se rigen por su código ético. Un ejemplo dentro del mundo del punk sería Ian MacKaye o Fermín Muguruza pero también hay ejemplos fuera de él: siempre recuerdo como “El Último de la Fila” en su época de esplendor renunció a contratos multimillonarios de publicidad porque no era lo que querían y se negaban a hacer spots publicitarios y, sin embargo, permitían poner stands gratis a las ONG favorables a la lucha medioambiental porque apoyaban esa causa. Para mí eso tiene valor y de eso trata esta canción ¿A qué estás dispuesto a renunciar?

Notas En Un Bloc: Esta letra habla de la pérdida de memoria tanto individual como colectiva. Está inspirada en un suceso protagonizado por mi abuela, una mujer mayor, que tiene grandes lagunas en su memoria inmediata pero que, como muchas personas mayores recuerda bien sucesos que marcaron su infancia relacionados con la Guerra Civil (de ahí lo de “aquella juventud que terminó en derrota”) y que todavía cuenta aunque está perdiendo sus facultades mentales por el paso del tiempo (“el norte se hizo sur pero a ella no le importa”). Es un intento de mostrar una paradoja: una parte de los y las jóvenes en plenas facultades de toda Europa permiten que vuelvan fantasmas del pasado en forma de fascismo y tiene que ser una generación, en ocasiones sin estar en su plenitud, la que nos recuerde qué significó aquello. Esta letra la escribí antes de la llegada de Vox al escenario político, preocupado por el auge de una nueva extrema derecha europea y su desembarco en nuestro país, y el tiempo parece que me ha dado la razón.

La Mitad Del Mundo: Aquí contamos una historia de amor entre dos hombres, a pesar del rechazo social de su contexto. Surgió de dos historias diferentes: por una parte una persona que conozco que vivió una pesadilla para “salir del armario” ante el miedo de la reacción de su padre y por otra, un hermano de mi abuelo, ya fallecido, que ocultó su presunta homosexualidad hasta su muerte a su familia cercana. El hecho de pensar lo duro de su vida por cometer el “pecado” de amar a otra persona, independientemente de su género, me parece muy conmovedor.

La Virtud Del Perdedor: Una canción generacional y una de las que me siento más orgulloso. Habla de cómo mi generación y las generaciones posteriores no luchan lo suficiente y se dejan pisotear los derechos que a otras generaciones, sobre todo a nuestros abuelos y bisabuelos, tanto les

costó conseguir. Por ejemplo, en la actualidad, solamente es necesario mirar, cómo se manifiestan en Bilbao los jubilados por sus pensiones.

La idea surgió de una situación que viví en una huelga educativa en la que había personas más jóvenes que yo que no la querían apoyar cuando las principales afectadas por los recortes que promovían la huelga eran precisamente ellas. No se rebelaban ante la injusticia precisamente en una situación y en un momento vital en el que les era imperativo. De ahí el sentido de “procesión penitente” de la letra: “avanzan contra el viento, conspiran en secreto sin apenas ilusión. A veces sin quererlo reflejan en su gesto la virtud del perdedor”.

Diviso Un Cielo Eléctrico: La idea de la letra está inspirada en la forma de componer de Morrissey y los Smiths, en canciones como por ejemplo “Panic”. Letras profundas envueltas en una música alegre. Esta canción habla del avance de un soldado y su drama vital en una guerra pero la música que la envuelve es muy pop. Está incluida en un recopilatorio on-line (Punk rock against War) del sello Inconsapevole a favor de Emergency, una ONG de ayuda a población civil en guerra, y en la que participan 111 bandas, algunas que nosotros adoramos como Samiam, Farside, Gameface, Propagandhi…

El Fin De Los Días De Baile: Esta es otra de mis letras favoritas del disco.

Habla de darse cuenta de que las cosas ya no funcionan entre una pareja, ya no “bailan”, pero tiene truco: hasta más allá de la mitad de la canción no desvelo que la protagonista es una mujer (“A veces vuelvo a ser aquella que jamás pensé”) ya que al cantarla un hombre produce un efecto engañoso. Es una estrategia que me gusta utilizar, el confundir al oyente y que con solo una palabra cambie la idea preconcebida del que la escucha.

Péndulo Perfecto: Es una letra muy personal. La escribí en un momento en el que el día a día me estaba sobrepasando y me di cuenta de que no era ni capaz de dormir en condiciones. A veces la sociedad en la que vivimos, a veces nosotros mismos, nos empujamos inconscientemente a momentos vitales en los que te haces consciente de que necesitas un cambio. La idea de la canción se me ocurrió en una de esas noches en las que la ansiedad se manifestaba en la imagen de un movimiento pendular que machaconamente no me dejaba dormir.

Foto de Dave Blanco Mucha gente se queja de la “escena” asturiana, porque parece que lo guay y lo mejor es quejarse sin ofrecer soluciones, diciendo que está completamente muerta y que todo molaba más antes, precisamente cuando eran ellos los que estaban involucrados en el asunto.

Vosotros habéis vivido las dos épocas. ¿Cómo veis esto? ¿Está todo tan tan muerto?

Juan: ¡¡¡Buffff!!!. Creo que eso lo oí desde el inicio. Piensa que no viví la época de la Coría y la CSA de Xixón la pisé una o dos veces. Pienso que es algo muy latino, o al menos muy castellano, puesto que somos increíbles para quejarnos de todo.

Ahora bien, quizás la “escena” en Asturies no vive precisamente su mejor momento. Aunque tampoco creo que este muerta. A la desconexión de la gente más mayor, y la inevitable espantada de gran parte de la generación intermedia por razones de falta de curro en Asturies se puede ver una falta de sangre joven, que haga cosas como la que estás haciendo (escribir zines, tener grupos, organizar conciertos...) Ten en cuenta que la sensación que tenemos los “viejos” es que excepto que el núcleo de The Rotten Teens y sus amigos no hay más cosa.

Pero vamos, cuando la gente se queja de que no hay gente en los conciertos, recuerdo el pasado y tampoco era para tirar voladores, puedes preguntar las experiencias de Escuela de cuando organizaban cosas en el centro juvenil de Villa, o a Riva en Gijón. Por cada concierto con mucha gente, había diez con poquísima. Y al final las cosas se movían cuando venían grupos más grandes. Y vale, ya no hay algo como la CSA, pero está el Llar del mataderu, la Lata de Zinc, CSA la Kuadra… y otros cuantos proyectos.

Así que si miras con tranquilidad la cosa no está muerta. Lo que sí es cierto que hay pocos grupos o interés en ciertos subestilos, como puede ser el hardcore old school, que ahora mismo no recuerdo que haya ninguno.

Y otro punto débil es la fragmentación comentada antes, o quizás es que como ya no tengo tanto tiempo como para ir a los conciertos tengo esa sensación.

Lo que tengo claro, es que no te puedes preocupar en si está muerta o no.

O si estaba mejor antes o no. Creo que es bueno que se intente aprender de los errores y aciertos cometidos a lo largo de estos años y tirar para adelante. Y sobre todo, querer hacer cosas y hacerlas. No esperar a que otros las hagan por nosotros.

Lo que sí creo que falta es comunicación. En la época de las redes sociales y la información, NO HAY comunicación. Antes los fanzines, radios libres y las cartas eran muy habituales, luego se sustituyó por los foros, en los que había broncas y roces, pero también mucho intercambio de información. Ahora, no tenemos ni eso, se crean grupos o perfiles,… pero la interacción es mínima. (O quizás es que ya estoy fuera y no me he dado cuenta, que también puede pasar. ¡¡¡jajajaja!!!)

Aitor: Yo siempre he sido un poco escéptico con el concepto “escena”.

No tengo muy claro si se agrupa por gusto musical, por ideología… Estoy con Juan en que antes había más gente interesada en hacer cosas más comunitarias, o al menos es mi percepción, que iban desde programas en radios libres, fanzines, conciertos… y había público porque un día ibas a ver a Beer Mosh o a Repugnance y otro día a Subterranean Kids o a Corn Flakes y no había esos “compartimentos estancos” que yo percibo ahora y es que si me gusta “tal” entonces ya no me puede gustar “cual”. Además existe una pérdida de interés de la gente joven por cualquier estilo de música que utilice guitarras eléctricas.

Una de las cosas por las que apostamos Servet es con tocar con gente diferente bajo un único criterio: que sean buena gente y que de alguna manera compartamos algo, independientemente de que el estilo sea lo más opuesto posible. Hace poco tocamos con Narwhale, una banda de Avilés acojonante, que está en las antípodas de lo que hacemos nosotros pero en ella toca Javi que fue guitarrista de Hard Ups y es compañero de fatigas en esto de la música desde hace 25 años y un tío excepcional. Hacía tiempo que no nos veíamos y fue como si no hubiera pasado el tiempo y me prestó más tocar con ellos que con un grupo de no sé donde que se supone que hace algo parecido a nuestro estilo y que no tenemos ninguna afinidad personal. Mi “escena” es el conjunto de grupos y gente que me caen bien y en ella está Narwhale, Cordura, Diana Lagarto, IDC, Detroit o Tröpical Ice Land por ponerte ejemplos recientes, porque son buena gente y ha sido un placer tocar con ellos.

Mirando en vuestro perfil de Spotify veo que compartís espacio con otro artista también conocido como Servet. ¿Sabéis algo de él? ¿Se ha puesto en contacto con vosotros, o vosotros con él? ¡Podría ser el principio de una relación que desembocase en un split juntos incluso!

Juan: Pues creo que compartimos perfil con dos artistas más. Pero ya estamos acostumbrados, con Noam también compartíamos perfil. Eso sí, nunca se han puesto en contacto con nosotros. Y lo del Split, lo veo difícil.

Pero nunca digas “De esta agua no beberé”. Igual ellos también están interesados en el DIY. ¿Qué tenéis pensado hacer estos próximos meses con el disco recién salido del horno? ¿Tenéis planeado salir fuera a presentarlo?

Juan: Pues la intención es tocar lo que podamos dentro de nuestras posibilidades. Mo es que vayamos a salir de gira por Europa 3 semanas.

La intención es intentar tocar una vez al mes. Y evidentemente salir de casa. Hasta ahora hemos tocado en Oviedo y Gijón. Hace un mes fuimos a Bilbao. Teníamos planes para Vigo en abril, más o menos fijos. Así que poco a poco sin atosigarnos. Al final seguro que pasaremos por el Llar del mataderu en Pola, Santander…. Y todo lo que quede razonablemente cerca para poder ir a tocar un sábado y volver el domingo.

Aitor: En estos tiempos el coronavirus se ha empeñado en que todos los planes se vayan a pique ¡Hasta aquí todo muchas gracias por contestar! Si queréis enviar dedicatorias, saludos, amenazas,… este es vuestro momento. ¡Nos vemos pronto, un abrazo!

Juan: Muches gracies por la entrevista. Habíamos tenido alguna para radio, pero nunca para zines. Así que presta.

Aitor: Muchas gracias Mateo. Que personas como tú sigan haciendo fanzines demuestra que no está todo perdido.

RESEÑAS

Chubby And The Gang – Speed Kills (Static Shock, 2020) Detrás de su alucinante portada a todo color, nos encontramos con uno de los mejores discos que han salido (y que saldrán) este año. En tan solo 25 minutos se despachan 12 cortes de punk rockanrollero 100% callejero, que invita a lanzar botellas contra la pared y hace que a lxs que no nos gusta el fútbol nos entren ganas de apretujarnos en una grada a hacer el paco un rato. Lo dicho, esto es macarreo del serio. Cuando lo escuchas dan ganas de ponerse en guardia y lanzar puños al aire, como hace el Stinky de los Cockney Rejects, todo de colegueo. En lo musical nos encontramos cara a cara frente a temas frenéticos con dejes de rock and roll por todas partes, incluso de blues en algún tema, que se van descargando sin pausa y te arremeten sin posibilidad alguna de tregua. Producido por Jonah de Career Suicide, de quienes ha sabido transmitir su característica potencia, este disco no te defraudará ni lo más mínimo si buscas que la sangre te vuelva a correr por las venas. Temas como All Along The Uxbridge Road o Moscow se encargarán de ello, te lo aseguro.

Ponte este disco y, como decían los MCD, sal a la calle. Que a fin de cuentas es donde se cuecen las cosas interesantes, y en casa llevamos ya demasiado rato últimamente.

cogeXaire - cogeXaire (2019) Conocimos a los majos de cogeXaire el verano pasado, y desde aquella tocamos dos veces con estos tres santanderinos desperdigados por el Estado. Esta primera referencia la componen siete temas en poco más de ocho minutos, al estilo de los grandes del género. Le dan a un hardcore según ellos influido por Bad brains, Minor Threat, G.L.O.S.S. y sonidos más actuales como Turnstile. La verdad es que no sé muy bien con quién compararlos, ni creo que sean necesarias las comparaciones sistemáticamente obligatorias con lo que ya hicieron otros an-

tes. Sus canciones son espoleos de muy poca duración que acaban cuando menos te lo esperas con estructuras urgentísimas, de riffs ásperos y directos a la yugular, bajo de zumbido incesante y batería golpeada al límite de la ruptura de la misma, conjunto coronado por una voz que escupe imágenes de oscuridad sintetizadas en muy pocas palabras y parece querer huir del agujero donde está atrapada. El hardcore no sólo se produce en NY o BCN, y aquí está una prueba más de ello.

Cuero - Todo Hierro (Mendeku Diskak, 2019) Cuando me dijeron que había un grupo mezclando Oi! y black metal no pude más que sentirme irremediablemente atraido. Mezclan dos mundos rodeados de leyenda, de los que mucho se ha hablado y mucho acostumbramos a bromear. La mayoría de skinheads que conozco no son mala peña, especialinos como ellos solos pero decentes, aunque tengo constancia de que otros tantos son unos hijos de la gran puta.

Conozco a pocos black metaleros, pero puedo decir que todos los que conozco son unos taraos de campeonato. Así que con estos antecedentes me adentré en estos bilbaínos. Y bien, esa combinación no podía dar lugar a algo malo.

Además de las reminiscencias eskorbutianas en esencia (joder, qué fácil saca la gente esta comparación), tiene un delicioso sonido más cercano por momentos a los países nórdicos. Algunas canciones me provocan una sensación parecida a cuando escucho el Sociedad Despreciable de OTAN, cara de circunstancias y leve balanceo hacia los lados con los puños apretados y los ojos inyectados en sangre. También hay rollos del mítico rollo francés (ahora que parece que a todo el mundo le chifla el Oi! parisino). El asunto es que no se casan con ningún estilo y van variando sin despeinarse y sin que suene forzado o poco natural. Para rematarlo, letras oscuras donde las haya. Todo ello despachado en apenas quince minutos, para que te lo pongas todas las veces que quieras y no te canses en esta era de ¡lo quiero ahora y lo quiero ya! Somos cuero, Cuero Negro, muy negro como el futuro.

Fastloud - Dive In A Life (20 Chords / Eating Shit / Incendiaria / Picnic, 2020) Fastloud son un poco uno de los ojitos derechos de este fanzine. El primer concierto que dimos Rotten fue con ellos, fueron el primer grupo al que pensé en entrevistar y entrevisté… Además son de esa peña a la que presta dar abracinos.

Como tantísimos otros casos, iban a venir a presentar aquí otra vez este, su nuevo disco, y para más inri volvíamos a tocar con ellos, justo el día en que se declaró el estado de alarma.

Musicalmente estos cuatro skatepunkers sin remedio de la ciudad condal siguen en su línea y no inventan absolutamente nada, y tampoco creo que sea su intención. El rollo sigue siendo la mítica movida EpiFat que tanto ocupó (y sigue ocupando, por qué negarlo) nuestros reproductores, tocado a tantos rpm que puede llegar a dar hasta vértigo.

Como sus anteriores trabajos, es bastante disfrutable, pero por el contexto en el que salió y cómo lo vivimos yo me sigo quedando con su anterior EP, a ver si cambia la cosa con las escuchas. Si le hay que poner una pega, diría que no me mola cómo suena, las producciones que se vienen haciendo de este rollo no me motivan demasiado. Sonar suena de puta madre, eso sí.

Por vídeos que vi en directo suenan mil veces mejor que en el disco, y mantienen muy bien el tipo en los coros a la NOFX y la tralla a toda ostia. ¡Venid pronto! Artwork del disco a cargo de Nacho, el de las patillas y los saltitos de los xixoneses TRT, que si no lo digo me da a mí que me mata jeje.

Foc – La Fera Ferotge (La Vida Es Un Mus, 2020) El catálogo de La Vida Es Un Mus nunca fue moco de pavo, pero la verdad es que últimamente se están luciendo por todos lados, con un montón de lanzamientos de mucha calidad.

Como ya he hecho unas cuantas y no quiero acabar haciendo quince reseñas de LVEUM (aunque podría) voy a centrarme en estxs barceloneses, que llevan muy poco tiempo como grupo pero son caras bien conocidas en esto del pank, miembrxs entre otros grupos de Ultra o Gulag. Tras una cinta inicial de la que rescatan todos los temas, este es su primer disco, de algo más de doce minutos repartidos en nueve canciones. Tomando el título del disco debut del cantautor sesentero Ovidi Montllor (no sé si conscientemente), La Fera Ferotge es un canto agónico que emana angustia y desesperación (de la de verdad) en cada uno de los trallazos de menos de dos minutos que se van disparando sin compasión. Hardcore real de martilleo constante, del de llevarte las manos a la cabeza y dar vueltas como loco por la habitación llevado por los demonios que aparecen en la portada.

Utiliza la ràbia, transforma la culpa, afavoreix el canvi.

Br uta les.

lencia nunca es buena, pero a veces es positiva.

En directo la verdad es que molan bastante.

Cuando los vimos, entre que fuera estaba lloviendo a cántaros, que dentro había muy poca peña y la mayoría habían quedado espantadxs con nuestro “tres canciones en un minuto”, que vino alguna gente que no sueles ver, que cayó a finales de diciembre (bendita época) y que sonó todo con un delay de la virgen, se formó un ambiente guapísimo, en el que gran parte del concierto me lo pasé apoyado entre ensoñaciones en la mítica columna del Bola, con los ojos medio cerrados y sonrisa tontorrona. Muy guays, vamos.

Fried e/M - Modern World (La Vida Es Un Mus / Lumpy Records, 2020) Este disco me llamó la atención desde la primera vez que vi su portada. La imagen del globo terráqueo siendo atravesado por diversos objetos punzantes me atrae profundamente, como puede ser el caso del 7’’ de Rixe del que ahora mismo no recuerdo el nombre. El caso es que aparte de esto, el ver quién lo había editado no hizo más que acrecentar mi curiosidad. Y ahora que por fin me lo he puesto, puedo decir que no sólo ha cumplido mis expectativas, sino que además las ha superado. Tiene la inconfundible marca Lumpy, sí, pero además tiene un irresistible sonido y actitud que desprende esencia primera ola del desenfrenado punk angelino por todas partes. Pleasure OD es un buen ejemplo, ¿acaso no podrían haber firmado perfectamente este tema los Germs? Modern World tiene este sonido que sigue sonando fresco más de cuarenta años después, y lo reproduce realmente bien, sin basarse en clichés y haciendo su propia movida. Otro tanto al casillero de ambos sellos y un gran disco que nos ha regalado este extraño y distópico 2020.

Ice Haven - Cold Blue Line (2019) Conocí a Ice Haven a finales del año pasado, cuando tocamos con ellxs. El nombre a todas luces sacado de la obra del gigante Daniel Clowes era una buena señal. El portadón que ves arriba más. Y la música más aún. Tocan una mezcla entre shoegaze y post punk, con algún ritmo más machacón y gritos muy bien metidos que son el elemento que más me cunde de sus canciones. Se nota que a este gente les mueve el screamo, rasgo característico de la gente de bien. El conjunto del disco se te pasa volando entre temas como Moth, You Lost Me, Cuenca o el hit Cousin, que es una de las canciones que más he escuchado a lo largo de este año, con un puente en el que los gritos y el sonido en general me generan una violencia interna muy positiva movida romper cosas de risas. La vio-

ire - Devant Nous, Les Naufrages (2019) Este es el primer disco largo en condiciones de este veterano trío francés, que cuenta entre sus filas a gente de Undone, Finger Print, Jasemine, Stonehenge Records,.... Sólo con ver este historial se puede adivinar que este material va a ser de calidad. 8 temas propios de post hardcore noventero onda Stonehenge o Ebullition cantado en francés más una versión final de Shotmaker componen este LP. Me ha hecho ilusión ver títulos y textos como On Annule Demain, que me recuerda a la genial pintada de Demain est annulé y todo su contexto. Sus interesantes letras sociopolíticas merecen unas cuantas traducciones. Los conocí por la extensísima entrevista que respondieron en el último número del Törst y se nota que son gente con la cabeza llena de ideas e inquietudes. Resulta muy guay ver como algunos de los artífices de la época dorada del emo francés siguen indagando en este sonido consiguiendo sonar tan frescos y excitantes sin perder un ápice de energía e ilusión. Recomiendo todas las canciones al 100%, ponte esto y aprieta el puño.

Lassie / Ex White – Split tape (Release Company, 2020) Esto acaba de salir este mismo primero de mayo, y ha sido una gran sorpresa. Esta cinta con la que aún no me he podido hacer pero que

me consta que es muy bonita, con su preciosa portada serigrafiada y todo, despacha a lxs alemanes Lassie y Ex White por cada cara respectivamente. La cara de Lassie está por compuesta por tres temas buenísimos, marcianos y juguetones. No sé muy bien con quién compararlos, quizás muy levemente a movidas rollo Dickies o DEVO, pero con muchísima personalidad y el mítico rollo garajero alemán afín a REIZ por el que ya varias veces profesé mi simpatía.

Por destacar un tema que pueda representar su propuesta, elegiría Onkel Maik, con unos teclados gloriosos y guitarras efectivísimas, que bien podrían hacer adoptar a este tema el apodo de “puro baile”.

Ex White presentan cuatro cortes de estilo algo más sucio, directo y “”””convencional””””, pero dejando espacio para que la melodía salga por todas partes y se disperse, sin resultar empalagoso ni mucho menos en ningún momento. Destaca Bikes, que pasa de arrastrarse por el fango a coger bastante velocidad, desatando una vez más el libre movimiento amistoso del cuerpo. En definitiva, un muy buen split, que hace que sus poco más de 15 minutos se queden cortísimos.

Vivan lxs punks freaks y sus creaciones.

Meeky - Creatures, Rainbows & You (Bike Punk/Caracol Negro/Discos Finu/Pifia, 2019) El primer contacto que tuve con la música (y creo que con los integrantes, por lo menos conscientemente) de Meeky fue un día que tocaron de manera improvisada después de Drei Affen, tan improvisada que ante la falta de cejilla, la suplieron con una goma y un lápiz. Ese día llevaba un encabrone bastante considerable y los vi desganado y a lo lejos. Era uno de sus primeros conciertos, y pese a las circunstancias, algo me molaron. Unos meses más tarde volví a verlos, ya anunciados en condiciones, y todo bien. Lo que te esperas de un concierto así, abrazos, saltos por el aire sobre tus amigxs y barras de metal desprendiéndose del techo. Meeky están afincados en Madrid aunque ninguno es de Madrid y son dos, guitarra y batería, o lo que es lo mismo, Dani y Adri.

Este es su primer lanzamiento, un EP de cuatro canciones editado por, ya ves, sellos bastante troner. Le dan al mítico emo a lo Sport o Forming, con buen gusto en las guitarras, metiendo twiddlys diddlys en los sitios justos, sin los 1000 riffs por canción de los que a veces abusa el midwest emo. Para mí el temazo sin dudas es Bad Bromance, canción casi perfecta, bien de emoción y letra sobre lo fácil que parecía todo cuando teníamos 15 años. Canciones bonitas para corear agarradx a tus colegas en tu sótano de confianza. ¡Ah! Y portadón a cargo de Keike de Lamprea Explosiva. No tiene la fuerza de una foto analógica de un atardecer en el Medio Oeste pero se lo perdonaremos, que son buena peña. El lloriqueo y el ignorant nunca fueron reñidos, ni deben serlo jamás.

O Inimigo - Contrariedade (Hearts Bleed Blue, 2019) Conocí a O Inimigo y a Juninho cuando este me contactó para ver si se les podía montar algo en Asturies dentro de su gira europea. Les cerramos el concierto pero se canceló por la movida del virus pero bueno, espero que vengan muy muy pronto. O Inimigo llevan desde 2001 repartiendo estopa desde su sede en Sao Paulo, y algunos de sus miembros vienen de grupos como Discarga o Ratos de Porao. Lo que hacen es un hardcore cantado en portugués con reminiscencias al rollo Dischord, lo que en la mayoría de los casos suele ser sinónimo de alegría.

Cuando me puse por primera vez este disco la intro de Ritual, el primer tema, me chifló, estoy completamente enamorado de esa canción y esa guitarra. El conjunto del disco es sólido, en el que si hay que destacar algún tema pondría a Ritual, Câncer na Terra, Nova Segregação y sobre todo los dos impresionantes temas que se encadenan al final tratando el caso de las Mães de Maio, Apelo y Relembrar é Morrer (esta última la tengo en bucle cada dos por tres, con una letra verdaderamente desgarradora.).

Contrariedade gana a cada escucha, y presta ir descubriendo nuevos matices en cada canción, ocultos convenientemente para venírsete a la cabeza cuando menos te lo esperas. Además son gente activa, comprometida y muy maja, además de tener bastante buen gusto en aficiones y referencias sonoras. En sus letras tratan temas personales y político/sociales como el alzheimer, la destrucción del Amazonas, la represión o la pérdida de seres queridos. Mucho más que recomendable. ¡Atentx a las nuevas fechas de la gira europea! Para mí, el descubrimiento del año.

P22 - Human Snake (Post Present Medium, 2020) Esto me ha conmocionado profundamente. Un ejemplo magistral de cómo un disco te puede hacer mantener exactamente la misma tensión

de principio a fin, y no sólo eso, dejándote con los ojos como platos y la boca poco a poco cada vez más abierta mientras lo escuchas con un vacío en el estómago fruto del intentar digerirlo.

Esto lo estoy escuchando apenas unos pocos minutos después de leer su reseña en el Undergrounz, reseña por la que supe que o me iba a interesar mucho, o que como mínimo iba a estar muy curioso. Y vaya si lo está. Combina uno de los spoken word más tensos que escuché hasta la fecha con arranques de tralla en ocasiones cercanos al hardcore más desquiciado, para de repente y sin aviso volver a la misma tensión de antes, conseguida no sólo mediante las vías clásicas, sino incorporando además otros elementos y sonidos para crear una atmósfera verdaderamente inquietante. Las canciones pasan de una a otra de manera desquiciada y sin ley alguna que pese sobre ellas y frene su desenfreno.

Las letras se presentan a la altura del evento al que se enfrentan nuestros tímpanos y el artwork consigue crear un verdadero imaginario propio.

Sinceramente, esto es buenísimo.

Solarized - A Ghost Across Hell From Me (SRA, 2019) No sé muy bien cómo llegué a este grupo de Philadelphia. Los comparaban con Ignition, que siempre es una buena señal, pero tras escucharlo se puede notar a todas luces que van un paso más allá. A medida que avanaza el minutaje las referencias se acercan también a grupos del rollo Nation Of Ulysses. Tiene baterías tribales y guitarras intrincadas, sobre las que escupe con furia y fuerza una voz muy apropiada para el sonido. Los momentos en que aceleran son una auténtica delicia, pero al mismo tiempo te hacen disfrutar y valorar más las partes de retorcimiento. Todo ello está salpicado por un rollo de ambientación casi astral aquí y allá. Y lo más destacable, lejos de parecer partes separadas unidas a la fuerza, el conjunto es sólido y te atrapa desde la primera hasta la última nota. La banda sonora del caos, del desparrame vital. No seas estiradx y únete al lado oscuro, siempre es más interesante.

Xmilk - Brunes, tendres, rebels (BCore, La Agonía De Vivir, 2020) Estaba el otro día con el ordenador y pensé “ostia, hace mucho que no me pongo a No More Lies“. Fue cuando entré al bandcamp de BCore para escucharlos que vi que habían subido los nuevos temas de Xmilk. Hacía unos meses se había anunciado que se iba a reeditar, creo que en el marco del Record Store Day (mierda, mierda y más mierda), su discazo de 1996 Function, incluyendo tres temas nuevos grabados entre 2015 y 2016. De una manera u otra había obviado por completo que ya habían salido estos nuevos temas, así que cuando lo vi fue una sorpresa. Presentados como un EP aparte con una portada muy molona y muy BCore también, Xmilk nos hacen ver ya desde este elemento que discurren por caminos diferentes a su faceta de hace ya casi 25 años. Con un sonido mucho más rockero, cercano al new school y cantado íntegramente en catalán, hacen gala de un sonido completamente demoledor que lo arrastra todo a su paso. Las partes veloces que recuerdan más a sus inicios suenan igual de frenéticas pero mucho más monolíticas, y los breakdowns, aunque no soy demasiado amigo de ellos cuando se acercan al metál, consiguen enchotarme.

Si a eso le añades unas partes melódicas de escándalo, pleno. Un regalo con el que seguir acrecentando su leyenda.

Yawners - Just Calm Down (La Castanya, 2019) A ver, a ver, que esto es muy serio. Me cago en Dios, uno de los discos del año pasado. El disco del que todo Cristo habla. Con este primer largo en condiciones Yawners se alejan del rollo garajero que llevaban más al principio para zambullirse de lleno en un indie/pop punk/power pop con toquecitos de emo que es la puta ostia.

Weezer podía ser un buen referente, pero esta gente va aparte. De los 10 temas que contiene, todos son hits. Las canciones que mejor entran al principio son los temazos alegres en plan The Friend Song o Seaweed, pero a medida que vas dando escuchas al disco te das cuenta de lo que molan los temas más reposados como Please, Please, Please, A Funny Laugh o I’m Not Gonna Miss You Anyway. Y desde que lxs vi en directo (último concierto pre-cuarentena) le he cogido un gusto especial a las canciones más rápidas y que invitan al desparrame en el foso (Right Or Wrong y Arco Iris).

Igual la que menos me gusta es el single con el que se está flipando media escena indie (en plan mal) estatal, La Escalera, que para mí tiene un poco demasiado síndrome single (también conocido como síndrome Self Esteem) pero bueno, que tampoco es mala ni muchísimo menos. En definitiva, un discazo que, hypes aparte, se merece todo el éxito que está teniendo. A mí este disco me recuerda al verano, y eso suele ser sinónimo de “Bocato di Cardinale”.

FANZINES / LIBROS Chaos En France Vol. 3 Contacto: chaosenfrancevol3@gmail.com Tomando el nombre de los míticos recopilatorios editados en Francia a mediados de los 80 (y al que más recopilatorios han hecho tributo, al Chaos In Catalonia le di bastantes vueltas) llega este nuevo fanzine obra de un asturiano afincado en el estado vecino. Es el Volumen 3 por lo de que sería el tercer volumen del recopilatorio, en realidad es el #1, por si a alguien le lía. El objetivo de este zine es dar a conocer la escena gala mediante entrevistas y artículos a grupos de allí, principalmente de Oi! y street punk. La verdad es que tiene bastante chicha, se nota que está hecho con cariño y dedicación y no en plan pasota, los contenidos son interesantes y las entrevistas están curradas, cosa que me sorprendió porque es algo que echaba un poco de menos y que parece que últimamente está cambiando. Su autor ha hecho durante el confinamiento otro fanzine que ya está en la calle, el Caos En La Moncloa, con entrevistas a grupos de aquí como Venganza, Golpe De Gracia, Cuero y unos cuantos más, y que tiene pinta de que va a ser tan recomendable o más como este.

Cuervo #8 Contacto: cuervozine@gmail.com Lo de Cuervo es un caso aparte que me tiene bastante alucinado. Mientras unos tardamos casi un año en sacar un número, ellxs sacaron el primer número en marzo del año pasado y ya llevan 8, cumpliendo religiosamente con el cometido de sacar a la calle una nueva entrega cada dos meses. Tienen a muchísima gente colaborando y agitan considerablemente el panorama haciendo actividades, reuniones... Y son gente de puta madre, claro está. Con una perspectiva marcadamente social y cultural (y no cooltural, que es algo que se agradece en medio de este entorno de comemierdas guays) y de cambio (no sólo palabrería, también activamente) dedican cada número a un tema. El último fue Muyeres, que salió con ocasión del 8M y si no has estado en una cueva estos últimos meses sabrás que nada después empezó la cuarentena, por lo que apenas pudieron moverlo, ni este ni Wrack!, el suplemento musical que ya llevan unos números firmando. En plena cuarentena sacaron un número exclusivamente digital dedicado a la ocasión y ahora van a sacar el número 9, Resistencia (cuando leas esto igual lo sacaron ya o llevan un par de números, a ese ritmo quién sabe). Merecen un poco de atención, no les hagas el feo anda.

ESTADO DE ALARMA

El Faro #1 Contacto: murder_junkie_1985@hotmail.com A Fernando, la persona detrás del Neurastenia, además de escribir sobre punk y cine cutre donde se derraman cientos de litros de sangre falsa por escena también le mola escribir sobre otras cosas, y ese parece ser el objetivo de este zine.

Está compuesto por varios textos cortos bastante personales, relatos o como se dice por ahí en ciertos círculos, microrrelatos. En general este tipo de cosas no sólo no me suelen decir mucho, sino que me suelen echar para atrás por hacérseme muy extremedamente flipaos, pero este, aunque no es lo más a pie de calle del mundo tampoco se pasa de intelectualoide. Otro punto a su favor es la presentación, muy sencilla pero muy acogedora, mucho menos punk de cortapega que su fanzine hermano. El Faro sólo se puede conseguir pidiéndoselo directamente a su autor, no sé si le quedarán copias. Por suerte el experimento ha parecido gustarle, ya que acaba de sacar el segundo número. Si antes no pudiste, esta es tu oportunidad.

Greix #10 Contacto: polzedelamort@gmail.com Directamente desde el Baix Terra llega la décima entrega ya del Greix. Nunca escondí mi admiración por estos papeles grapados, me parece un zine muy interesante, sobre todo por las opiniones que manifiesta su autor. Este número trae entrevistas a Afeite El Perro, Arrotzak, Guacharaka Vil y Soroll Records, además de textos sobre el punk en Valencia, placeres culposos horteras (todxs los tenemos y quien lo niegue miente) la vida en la ciudad, el Netflix, el clasismo en el punk y el intento de vida “al margen“,...

En su contraportada luce esta frase: “Lo mejor del trap es que al punk nos ha quitado de encima mucha gente de mierda“, a lo que añado: neokinkis iros a tomar por culo.

Molt Malament Contacto: deofora@gmail.com Fidel nos muestra en este libro de presentación impecable un recorrido por parte de la extensa producción fotográfica que lleva firmando desde 1993 por su Asturies natal y otros lugares, cientos de momentos inmortalizados en blanco y negro. Las fotos de conciertos molan mucho y es bastante risas ver a gente conocida de más de cuarenta tacos haciendo el gambas con mi edad, pero lo que más se agradece y te deja hipnotizado mirando al papel son las fotos del entorno de los conciertos y de demás espacios.

Si estuviste lo recuerdas, y si como yo no tuviste esa suerte, te lo imaginas.

Motive #6 Contacto: xcementeriox@gmail.com Otro zine que más que correr parece que vuela.

Hecho con cariño y dedicado principalmente al hardcore, cada número me mola un poco más que el anterior. Como viene siendo habitual, está cargado de entrevistas y artículos no sólo de grupos, sino también de dibujantes como El Nerdo o marcas como Decontrol Clothing. El nuevo número sale a la par que este que tienes en tus manos, y se rumorea que salen algunas entrevistas a zines, incluido el del impresentable que firma esto.

Neurastenia #3 Contacto: murder_junkie_1985@hotmail.com De presentación totalmente old school (por principio y no por moda, dato importante) tenemos el tercer número de este “fanzine con suturas” santanderino. Como sus predecesores, está enfocado principalmente en el punk y el gore/serie B. Además de entrevistas y reseñas, encontramos un interesante artículo escrito en primera persona acerca de la escena punk y hardcore de los 90, del que resulta más interesante aún su opinión sobre el patriotismo (los EEUU parece que van aparte en todo), el débil contra el fuerte, críticas sobre Mayhem también en primera persona, un artículo sobre la carrera de Charles Bronson (el actor, no el grupo de powerviolence)... En general es bastante original, y se agradece. Esperando el cuarto ataque.

Quédate En Madrid #2 Contacto: quedatenmadrid@gmail.com “Quédate en Madrid“ ha sido una frase bastante repetida últimamente, sobre todo seguida de lindezas como “y no nos condenes a todos cabrón“. Este zine ya se anticipó a esta situación, y ya llevan tres números en la calle. En esta ocasión, entrevistas a Biznaga, Career Suicide y Venganza, artículos sobre la insurreción popular chilena y la interesante y accidentada gira de Accidente por el sureste asiático, además de una sección de columnas que una vez más vuelve a ser lo mejor del zine, realmente muy buena.

Pero eso sí, para la siguiente no me dejes en visto cuando te proponga un intercambio jeje.

Törst #3 Contacto: fanzinetorst@gmail.com Una vez más, muy bien. Agradable al tacto y a la lectura, Pablo nos presenta parte del catálogo de novedades de la enciclopedia de varios tomos que tiene en la cabeza. Entrevistas de muchíiiiiisimas preguntas y súper extensas, artículos interesantes y espacio para otras inquietudes. Poco más que decir, corre a por tu copia, insensato.

Estos últimos meses hemos visto muchísimos actos rastreros y manifestantes de la más profunda bajeza humana. Mascarillas vendidas al precio del oro, aplausos a la policía, ostias de la policía, aplausos a Amancio Ortega y más ostias de la policía, vecinxs chivatxs,... Pero también se han visto actos de solidaridad ajenos al circo mediático y el levantamiento de una buena parte de la población mundial contra la injusticia. Además parece que le hemos dado una pequeña tregua al planeta que le ha venido muy bien para retrasar un poco el cataclismo total (para evitarlo nos queda mucho por hacer) y el aire se ha limpiado un poco (menos en Asturies, aquí vamos por libre). Pero en el aspecto más amable y lúdico también hemos visto a un montón de gente poniéndose manos a la obra para hacer todo tipo de iniciativas. Algo que en serio, me parece muy digno de ser valorado, ya que en esta situación lo más normal sería pasarse el 90% del tiempo abriendo pestañas en Internet para no mirarlas nunca y poco más (caso de un servidor).

Ha sido el tiempo de los podcast y de iVoox, destacando para mí especialmente la edición radiofónica del Amigo Blas (simplemente glorioso), el Griterío Es Una Secta (emo, screamo, post hardcore,... bastante guapo) y el Estado De Alarma. También parece que, no sé si por esta situación o no, pero han salido y van a salir un montón de zines, los que ya comenté arriba y que yo sepa los regresos del Screaming For A Reason, Confüsión y Zaragoza Letal. Lo de los conciertos por diferido ya me parece un caso aparte y bueno, lo entiendo pero pongámonos serios, el algunos casos es ridículo. Me lo pasé bien con el que dieron Rata Negra por Instagram, eso sí. Directos de Instagram los ha habido buenos, como los de La URSS TV y la serie que hizo Jamie de Wild Animals enfrentando discos y grupos, como Weezer, Nirvana, Hüsker Dü y Replacements,... Una muestra más de que los tiempos complicados pueden sacar lo mejor de algunas mentes inquietas y culos de mal sentar.

TEXTOS Muchas veces a la hora de escuchar música y reflexionar sobre el mensaje que contiene una determinada canción, me muevo de una manera completamente obsesiva. Bueno, en general soy una persona bastante obsesiva, creo que se puede notar fácilmente leyéndome. Puede que sea porque soy de esa gente que tiene en la cabeza cinco cosas diferentes coexistiendo las 24 horas del dia, pero cuando un pensamiento me marca más de lo normal, acabo encontrando ejemplos y aplicaciones hasta en la sopa, lo que muchas veces me produce un desasosiego muy loco. Estos son los dos casos que mas me han impactado en los ultimos tiempos.

El primero en el tiempo, y que me marcó profundamente, es todo el tema de la coherencia. Si le ponemos base musical, Coherencia de los Strangis Guajes y I Don’t Want Solidarity If It Means Holding Hands With You de Defiance, Ohio. Básicamente, me impactó mucho caer en la verdad universal de que nadie es plenamente coherente (ni siquiera un poco) entre lo que decimos y realmente hacemos. Y esto era algo que obviamente tenía en el subconsciente, pero nunca me lo habían puesto tan de frente.

Y entonces en ese momento empecé a encontrarme incoherencias con absolutamente todo, y fue algo que me jodió bastante durante unas semanas, hasta que lo fui equilibrando un poco y llegué a la conclusión de que esa búsqueda de la coherencia, llevada de una manera sana, me ayudaría a ser un poco mejor persona con mi entorno y conmigo mismo. Entendiendo por mi entorno el mundo exterior. Hay un texto que no me acuerdo de dónde lo saqué que sintetiza bien algunos pensamientos: Sí, debemos ser coherentes, pero la coherencia exige correlación entre lo que decimos y hacemos, y eso quizás implique empezar a decir cosas realistas.

Una tortuga que afirmara que no puede volar estaría siendo tan honesta como coherente. Coherencia es reconocer las propias contradicciones, y también los propios límites. Lo coherente es asumir que la vida misma, la que nos rodea, nos impide si queremos conservarla, hacer todo lo que nos gustaría. La coherencia es intentar cambiar eso, pero admitiendo sus dificultades y también los fracasos personales y colectivos. Coherencia no es dejar de respirar para no incumplir ni una coma de un dogma; coherencia es mantenerse vivas para poder aspirar a cambiar lo que no nos gusta.

Reconocer que es imposible ser perfectas, que es imposible volar, como reconoce la tortuga, es coherente. La coherencia es conflicto y búsqueda, no perfección y esnobismo.

Acerca de las canciones que tratan estos temas, hay diferencias entre ellas, incluso de concepto principal. La de los Strangis trata básicamente el tema de que nadie es coherente al 100% en la vida con frases para recordar en toda la letra como es falso criticar al imperialismo, consumiendo su basura, es inútil ir de pacifista, cuando un nazi te patea la cara, o es muy bonito preocuparse en las letras, pero en la calle, ¿qué? es infantil decir “no cambiaré”, cuando acabas de empezar a vivir o nadie es perfecto/a, nadie es igual, todxs somos humanos, aprende a convivir entre diferencias, ocúpate de lo tuyo, sigue tus principios, si es que los tienes, y si no los encuentras... puede que saques algo en claro de esta jodida canción!!! Como dirían mis amigos de Totemicón, real talk=mindfuck. Básicamente, si puedes cambiar algo, empezando por ti mismo, hazlo.

La letra de Defiance, Ohio, una de sus canciones más impresionantes dentro de un disco de canciones con letras impresionantes, va un poco en otra dirección, también muy sana de darse cuenta. Parece que muchas veces nos sorprendemos cuando salen a la luz movidas turbias de un antifascista, anarquista, lo que sea, cuando no debería sorprendernos tantos. ¿El tener una determinada ideología (que sí, que está en contra de esas acciones) te hace una especie de superhéroe incorruptible? Ni un mínimo, una cosa debería ir relacionada con la otra pero por desgracia no es así.

Pues esta canción trata que el estar en mayor o menor medida adscritos

Aspereza desde el Estado de Alarma

a un determinado movimiento no nos hace inmunes ni mucho menos a la mierda que nos rodea y contra la que se supone que luchamos. Parte de la letra traducida diría algo así: Dejemos de hablar de privilegio, porque las canciones que cantamos son tanto un producto de nuestro privilegio como la ropa en mi espalda y la llamada de teléfono que hice a mi madre anoche. Dejemos de hablar de acción porque la acción es fácil, son justo los momentos antes de que ocurra difíciles, cuando tengo que poner mi voz y mi puño en la misma página que mi corazón. Dejemos de hablar de ellos porque las cosas que encontramos deplorables en los políticos, directores generales y policías son las mismas cosas que nos destrozarán.

Y dejemos de hablar de palabras porque palabras como deshonestidad, egoísmo y avaricia no son tan distantes a nosotros como nos gustaría creer. Poniendo los puntos sobre las íes.

La segunda cuestión que me dio mucho que pensar en estos últimos meses es algo a lo que Pennywise dedicaron el 75% de su discografía y Cinder, muy acertadamente, su canción In The Blink Of An Eye: que nada dura para siempre y que en cualquier momento absolutamente todo se puede ir a la mierda. Sin tanto componente negativo como parece ¿eh?

Puro realismo. Mismamente, el fin de semana en que se decretó el Estado de Alarma iba a ser un finde para recordar. Llevábamos bastante tiempo organizándolo y pintaba antológico. Pues en un abrir y cerrar de ojos, como si fuese un mal sueño, se fue todo al garete. Y eso es la manifestación más amable de ello, estos últimos meses han jodido de verdad a muchísima gente de una manera que no nos imaginábamos ni por asomo. También, un pensamiento bastante mierdero que tuve implantado un tiempo fue el de “algún día voy a echar mucho de menos este preciso momento“, algo que comentándolo con más personas vi que es muy común.

Aunque el positivismo ultratóxico de frase de Instagram para niños de cinco años me parezca uno de los cánceres a extirpar de nuestros días, es verdad lo de “aprovecha el momento, porque este puede ser tu último día *caritas sonrientes*“. Nada permanece igual y nada dura para siempre, he visto a la persona más dura caer de rodillas, el colapso más fuerte del edificio a las ruinas, bosques convertidos en cenizas y lagos secándose.

Lo que damos por sentado puede desaparecer en un abrir y cerrar de ojos.

En cuestión de segundos todo puede ponerse patas arriba. Y que lo digas.

Últimamante el Ayuntamiento de Xixón (como todos, supongo, aunque este caso ya me lleva pareciendo un tiempo bastante escandaloso) parece enfrascado en una competición consigo mismo de a ver quién la lía más parda o quién hace el siguiente movimiento carente de sentido común alguno. Estos son los casos que más están llamado mi atención: Diciéndolo de una manera rápida, estos últimos meses se están privatizando espacios de uso público a una velocidad alarmante, vendiéndolos a quien sea y dejando una sensación bastante palpable de que los ciudadanos de a pie les importamos una mierda. Al lado del mejor skatepark de la ciudad había una cancha con canastas y porterías. No es que fuese demasiada gente pero bueno, estaba ahí y cumplía un servicio. Pues un día de la noche a la mañana iniciaron una obra que se prolongó bastante en el tiempo para poner una cubierta a esa cancha. Uno de los problemas fue que en pleno verano ocuparon la mitad del skatepark, dejándolo inutilizable en la época del año que más se utiliza. Pero lo gordo es que, una vez que vemos que han acabado, también vemos que la cancha ahora tiene dos puertas en cada extremo cerradas con llave a cal y canto. Es decir, que es de uso privado y ya no se puede estar ahí. Tengo entendido que esa cancha ahora es el nuevo patio de recreo de un colegio que hay cerca, pero ¿para eso había que cerrarlo de modo que sea infranqueable?

Creemos que es para que no se haga botellón dentro, pero seamos realistas, hay un millón de sitios mejores en los alrededores para hacer botellón.

Otro punto de interés es que sólo he visto una vez a gente utilizando el espacio desde que se acabó la obra, y paso por ahí muy a menudo. Relacionado con el skatepark, una cosa que jodió bastante a quienes patinan allí es que tengo entendido que llevaban bastante tiempo pidiendo una cubierta para que se pudiese patinar cuando llueve, además de que pintasen el bowl, cosa que tuvieron que hacer por su cuenta, dando ejemplo a bastante gente.

Esto es una tontería comparado con lo que está pasando en el Solarón.

Este espacio es una zona verde considerablemente grande en pleno centro de la ciudad, a un tiro de piedra de la playa. Una zona donde lo normal sería hacer un parque por cuestiones obvias (para tener un lugar donde descansar, llevar al perro y sobre todo, unos árboles que chupen un poco de la contaminación que tragamos cada segundo que pasa). Pues se mucho tiempo ideando otros proyectos para este espacio, como poner unas hipotéticas vías que conecten con una hipotética estación o venderlo al mejor postor y empezar a construir pisos, cuando en Xixón hay una ingente cantidad de pisos libres en comparación. En definitiva, privatizar un parque público para llenarlo de cemento, que tiene delito.

Si avanzas bordeando la playa y llegas al puerto deportivo, verás una gran terraza plantada en medio de la acera. Xixón es una ciudad que va de enrollada y de destino ideal para ir en bici. Pues los propietarios de ese bar no tuvieron mejor idea que plantar su terracita chic acristalada en medio del carril de bici, anulándolo en una zona por la que pasan muchas personas y muchas bicis. De los encontronazos con peatones ya hablamos otro día, porque parece que tras décadas conviviendo con ellas día a día aún hay mucha gente que no sabe comportarse como una persona normal cuando ven que una bici pasa a un radio de unos cinco metros suyo. Y hay dos terrenos de mi vida en los que soy capaz de ponerme muy faltoso: escribiendo aquí y yendo en bici. Así que no es raro tener broncas, sobre todo en esta zona crítica, ya sea con peatones o policías aburridos. Con lo genial que sería poder ir todos a nuestro aire sin tocarnos las pelotas de maneras tan tristes e innecesarias. En resumen, después de unos cuantos meses en los que te las arreglabas como podías para pasar sin que una vieja te insultase, hicieron un carril bordeando la terraza por la carretera, y aquí no ha pasado nada. Y es que lo que jode no es que anulen el carril, porque yo personalmente defiendo el poder ir en bici por donde te plazca siempre que tengas cuidado con los demás, es el que planten una terraza en medio de un carril que se lleva usando desde que tengo memoria.

Por último, algo que me hace más bien gracia, es la guerra contra las pintadas que hubo hace unos meses y que se frenó por la cuarentena, impulsada en gran medida por los periódicos, que no dudaban en dar su ardiente punto de vista. Esto pasó sobre todo en Cimavilla, el barrio “““más alternativo“““ (vaya asco de palabra joder), donde salimos y pasamos el rato el target de gente que más posibilidades de pintar tiene. Yo entiendo

que no a todo el mundo le gusta esto y que puede molestar y eso, pero qué quieres que te diga, la ciudad y sus calles son de quien las habita, y hay muchas más cosas que las ensucian y hacen inhumanas, como las cámaras de vigilancia o los sin techo durmiendo en cajeros automáticos, que no sé como no se nos cae la cara de vergüenza por permitir colecivamente tal atrocidad. Vamos, que las pintadas son algo intrínseco de la ciudad, y si ayuda a que la gente de bien se sienta incómoda, pues muchísimo mejor. El civismo es para gente triste. También es curioso el ver cómo se han hecho tanto eco de esto de las pintadas ahora que se está acabando de reformar el antiguo edificio de la Tabacalera en el corazón de ese barrio y a todas luces parece que se va a convertir en un hotel, no en un centro social o una biblioteca como se pidió. Como dijo muy acertadamente un colega, ya sólo falta que pongan una barbería y una tienda de muffins para perros.

La gentrificación no sólo ocurre en las grandes ciudades. Ahora mismo mientras lees esto se está gestando o está creciendo. Lo que jode es que se está presentando a Xixón como una ciudad joven, en medio del “Asturias Paraíso Natural“, una ciudad orientada al turista que viene un fin de semana con los niños a dar un par de vueltas para comer un cachopo y beber una botella de sidra o al que viene al Tsunami a desfasar y ponerse hasta el culo de coca. Y menos mal que desde que uno cayó desde la ventana de su hotel y se abrió la cabeza parece que este ya no es el destino ideal para las despedidas de soltero. Y para ayudar a todo esto, se quiere eliminar lo que molesta, y en la mayoría de casos en esto nos llevan la delantera, y por un buen cacho. Ya sea haciendo la guerra contra las pintadas o los movimientos sociales. Pero no ocultan que la playa huele a mierda. Que el club de fútbol de la ciudad apoya abiertamente a su grupo ultra neonazi, en múltiples acciones que carecen de lógica alguna. Que la contaminación que expulsan las fábricas de este paraíso natural y que tenemos a la vista plenamente nos está matando lentamente. Que la gente joven emigra, y la ciudad está tomada cada día que pasa más por los carcas. Es importante saber distinguir las diferencias entre viejo y carca.

Un carca ya tiene la mano de la muerte sobre él a pesar de que su corazón siga latiendo. Un carca dice ¿no te puedes ir a otra parte con el patinete de los cojones?, mientras que un viejo discurre que mientras está patinando por lo menos no se está drogando, e incluso muestra su predisposición a subirse en tal moderno aparato. Tampoco hay comercio de barrio. Los dueños de los kioskos que nos vendían los flashes de pequeños se van haciendo mayores y en algún momento cerrarán. Y cada vez es más común ver locales vacíos por la calle con alquileres abusivos e inabarcables.

Tampoco voy a caer en echarle la culpa a una sola entidad, eso sería demasiado fácil y cómodo. Todos tenemos nuestra parte de culpa de que esto pase en nuestras ciudades y pueblos, sea firmando decretos, aprovechándose de ellos o permitiendo que nos mangoneen tan fácilmente.

Al final a todo esto se puede contestar con la frase de Dewey de Malcolm In The Middle: no me esperaba nada y aún así estoy decepcionado. Aún así amo este sitio con sus muchas imperfecciones pero también múltiples bondades, no vamos a ir de tipos duros y enfadados todo el rato. Dejémoslo en que simplemente es una cuestión de amor-odio.

Me da mucho por culo la gente que se autodenomina hater. En plan es que yo soy muy hater jaja. Pues guay por ti, ¿no? La cosa es que muchos son haters por ser haters, porque es guay echar pestes de todo sin sentido.

Y no es algo que diga yo, es algo plenamente visible, sobre todo en el tiempo en el que estamos en el que cualquiera tiene tres redes sociales operativas, desde la que puede soltar cualquier tipo de comentario sobre lo que sea sin apenas mojarse, ya sea porque lo hace anónimamente o porque le separan varios cientos de kilómetros de aquel o aquella contra quien despotrica.

La verdad es que cada vez estoy más descontento con las redes sociales.

Sí, sirven para estar en contacto con tus colegas y para conocer a mucha gente afín, de hecho a mí personalmente me han servido para hacer buenas amistades y conocer un montón de cosas. Pero, ¿y la mierda que tenemos que tragar a cambio de esto? En general el 95% de cosas que pone la gente en Instagram me irrita. ¡Y lo que yo pongo! Que subo cada gilipollez que no sé cómo no se me cae la cara de vergüenza... Pero gracias a ver día tras día la fauna que sale a la luz por estas redes me ha hecho darme cuenta de lo “intolerante“ que soy. Bueno, esa no es la palabra, pero vamos, que navegar en las redes supone un facepalm continuo y el ver muchas cosas que hacen que me hierva la sangre, desde banalidades (la gran mayoría) a cosas más serias.

Lo bueno y malo de las redes sociales es que cualquiera con acceso a ellas tiene el poder de difundir su opnión por todo el mundo, a priori con la misma validez que cualquier otra. Ya sólo por simple estadística podemos imaginar que esto lleva a que se suelten muchas barbaridades, y que estas barbaridades llegan a mucha gente que las puede tomar por válidas.

Especialmente este último año hemos visto cómo las RRSS han adquirido una nueva dimensión, tanto de protesta como de difusión de información de vital importancia. Y aunque pueda sonar elitista, el problema viene en que cualquiera que postee algo tiene en un principio la misma credibilidad que cualquier otro de sus semejantes. Y así vemos lo que vemos, una cantidad ingente de información que se va multiplicando de manera exponencial cada segundo que pasa, donde la información realmente importante queda sepultada entre toneladas de bulos o gente tirándose el rollo, y donde mucha gente tiene que hacer un esfuerzo constante, ya no sólo de difusión de información veraz, sino de desmentimiento de información falsa. Así que ahora vemos información falsa y manipulada desde los medios de comunicación y desde las RRSS, y ambas se complementan.

Consecuencia de tener tantísima información taladrándote continuamente los ojos y abriéndose camino entre millones de memes y selfies: que en los casos en los que se requiere una difusión urgente y real de cualquier asunto recibimos tantos estímulos que al final no nos paramos a leer ninguno a no ser de que hagas un enorme esfuerzo que con la inmediatez y urgencia que tenemos implantada actualmente supone un esfuerzo casi sobrehumano.

Parando ya de decir obviedades, leyendo los comentarios y las publicaciones de varias personas en diferentes redes sociales, he visto cada vez más claras unas cuantas cosas, que al final acavan gravitando alrededor de lo mismo.

Actualmente todo el mundo puede parecer un activista, relegando a quienes se dejan la piel y se la juegan de verdad por una causa a un plano secundario, porque precisamente ellxs son lxs que no suelen tener la necesidad de hacer tanto ruido para exponerse o legitimarse. Y esto es algo en lo que hemos caído en un momento u otro cas todxs. No digo compartir información o difundir algo determinado. Hablo de lo que se encuentra continuamente al poco que busques los dos días después de que haya ocurrido algo de una cierta repercusión social o política, sea al nivel que sea. Gente a la que todo eso se la suda pero que quiere quedar bien, porque todo el mundo lo está haciendo en una retroalimentación muy loca.

Gente para la que subir una historia poniendo Zozulya puto nazi, enseñando como rompen la papeleta de Vox o subir una publicación de un cuadrado negro es el cénit de la lucha antifascista, y que van a iniciar una

revolución. O los millones de publicaciones de #VotaSubnormal cuando se acercan las elecciones, o los #QuédateEnTuPutaCasa que puso mucha gente que la primera hora que se pudo salir a la calle estaban rompiendo todas las medidas sanitarias.

También entramos en otra eterna batalla, la de lxs defensores del lo políticamente correcto y lxs provocadores natos. A ver, esto es un tema muy abierto.

A mí la provocación de este tipo me parece en gran parte un privilegio.

Por lo menos ahora. Mucha gente que provoca, sea youtuber o alguien que escribe un comentario en Facebook tienen una posición de poder y las espaldas cubiertas. Ya sea por el anonimato o porque sabes que a ti no te van a hacer nada. O si no mismamente sólo hay que ver lo que nos pasó a tantxs en el instituto o en cualquier ámbito: el que te calienta hasta que le haces algo y entonces viene con toda su pandilla o su primo mayor detrás a partirte la cara, porque esa era su intención principal, buscar bulla porque saben que pueden. Y si alguien se mete en estos líos sin tener una mínima garantía de que te van a salvar el culo porque o es masoquista o un inconsciente de campeonato. O que se la suda todo a niveles astronómicos. Porque nadie quiere que le rompan la cara por hacer un rato el gilipollas.

En general, tanto en esto como en lo otro creo que tendemos a querer tener voz sobre todo y a poder dar en todo momento nuestra opinión, y muchas veces lo mejor que podrámos hacer sería escuchar y en caso de hablar, que sea para preguntar o para aportar algo nuevo, no repetir lo mismo porque te gusta la sensación que te produce el poder decirlo con tu voz. Y cuando nos metemos en temas más delicados en los que amparados por el estar escribiendo desde detrás de una pantalla nos mojamos muchísimo más de lo que lo haríamos en la realidad cara a cara, muchas veces actuamos sin saber las consecuencias, o mejor dicho, sin importarnos las consecuencias. Ese es un juego al que hay que saber jugar, a riesgo de quedar como un auténtico subnormal o peor, que te metan un par de ostias por graciosx. Y la guerra más común, que pocas veces llega a causas mayores pero que no es para nada rara de ver, es la guerra entre “ofendiditxs“ y “provocadores“. Y quiero aclarar que estoy en un punto en el que me dan un asco extremo tanto aquellxs que se ofenden y le sacan la puntilla a todo como lxs que llaman ofendiditos a esta gente. Desde lxs que hacen bromas con todo y repiten cualquier barbaridad por el simple placer de poder hacerlo a lxs que están colaborando a que en unos años no podamos ni abrir la boca.

Estoy muy a favor de la provocación que sirve para dar un meneo, remover conciencias y hacer pensar sobre algo. Pero estoy muy en contra de la provocación descerebrada de poner en un comentario “pues yo me alegro de que se hayan muerto tantos chinos jajaja así tenemos más espacio“ por echarse unas risas con lxs que te responden llamándote animal. O la provocación de lxs punks que llevaban (y llevan) esvásticas por la calle.

La provocación facilona es muy fácil, hacer las cosas con un poco de cabeza requiere un mí­nimo de inteligencia y de clase, y eso es algo que no todo el mundo tiene o quiere tener. Y sobre todo hay que tener un poco de sinceridad con uno mismo, porque al final se nota.

Y sobre lxs defensores de lo políticamente correcto... Esa corrección es algo muy subjetiva, y el pretender callar unas voces o unas opiniones, por mucho que te fastidien, pueden llevar a un tipo de fascismo. Sobre la eterna disputa sobre los perfiles nazis en internet... Que no se me malinterprete, merecen la extinción tan pronto como sea. Pero ya que están ahí es muy importante no darles publicidad mostrándolos, sino saber tratarlos, de manera que todo aquello que defienden salga a la luz sin edolucorantes, de manera que toda la población sepa que merecen el exterminio. Porque de no ser así pasa lo que pasa, como el Sporting de Gijón poniendo una denuncia contra aquellxs que se molestaron y pusieron su esfuerzo en hacer un informe para mostrar todo lo que han hecho los Ultra Boys a lo largo de los años, alegando que este grupo no es neonazi y que eso es una calumnia contra el club, y la gente va y se lo traga, a pesar de tener la calle plagada de pintadas, pegatinas con banderas de España y Totenkopfs. O directamente, fotos en la grada pidiendo el taxi con el brazo en alto.

En estos tiempos de “buenrollismo“ cínico y sistemático, es más importante que nunca seguir cuestionándose las cosas, y ayudar a que lxs demás también lo hagan. Y si para ello hay que molestar, se molesta, pero sin infantiladas a ser posible, porque eso no hace más que desligitimar. Tanto como compartir información falsa, aunque perjudique a nuestrxs enemigxs.

En definitiva, si tenemos una herramienta tan útil como lo es internet, que nos puede abrir tantísimas puertas y dar tantas posibilidades, que menos que utilizarla bien. Y no como un niño de cinco años empachado de gominolas con acceso a banda ancha. Y con esto no digo que sólo deba haber cosas serias o militantes, sino que haya espacio para todo, para los memes, para las fotos de comida y para las publicaciones que difunden información importante, ya sea sobre dónde se localiza un incendio, lo que está pasando en África o dónde está habiendo un deshaucio.

Y sobre todo que nada quede empañado por nada, ya sea consciente o inconscientemente. ¿Y soy yo el que habla de no monopolizar espacio eh?

Me importa una puta mierda el punk cuando se convierte en un movimiento arquetípico y cerrado, y me importa menos aún la gente que va de abierta y de inclusiva cuando no es así.

Cada vez me dan más por culo los sectarismos de los que en parte también soy cupable por asociación. La gente que tira miedra continuamente contra lo ajeno a su entorno más cercano y que defiende el “lo mío es lo bueno y el resto es una mierda“.

Parece que muchas veces dentro del punk hay una competición de a ver quién es más derrotista. Ya sea diciendo que el verdadero espíritu murió hace veinte años o que ahora todo da vergüenza. Gente para la que el círculo cerrado de su ghetto es el único válido y siempre hay que dudar de lo ajeno. Gente que le saca la puntilla a todo lo que no venga de Barcelona o no esté editado por La Vida Es Un Mus, por poner un ejemplo.

Y quien este libre de pecado que tire la primera piedra. Pues yo soy el primer pecaminoso.

Aunque me considero bastante abierto para algunas cosas, hay muchas otras movidas que no soporto. No por cuestiones estilísticas, que también, sino por lo que pueden hacer como individuos. Es decir, que yo, y creo que todxs en mayor o menor medida, nos mostramos reacios a aceptar cosas que no nos gustan o no entran dentro de nuestros “cánones“. Pero entonces no sólo habría que ver la paja en el ojo ajeno, sino saber mirar hacia dentro, y si vamos a juzgar y a deslegitimar rollos, hagámoslo mediante el mismo rasero con todo el mundo. Desde el punk kalimotxero que copia los discursos de Evaristo entre canción y canción a las parodias continuas

de Discharge de cantar sistemáticamente sobre la guerra sepas algo de ella o no en plan niños mueren, sus madres lloran, cuerpos mutilados en el campo de batalla, acabo de improvisarlo ahora mismo y da bastante bien el pego. Desde los pelaos más garrulos que te puedas echar en cara al screamo de Gravitación Del Eje Sobre Mi Pestaña Al Dormir. Desde todos los grupos de punk rock melódico que cantan sobre hacerle dedos a sus novias y las fiestas que se montan en casa cuando sus padres se van de fin de semana al aspirante a Jarfaiter al que sus padres le pagan los sprays, las litronas y los tatus de la cara. Y mete a los intentos de los pelmas de Tim Armstrong y Mike Ness, movida tatuado hasta el cuello y creyéndose de Los Ángeles siendo de la Calzada, los emos en plan mal que se inventan poses melodrámaticas para hacer su mensaje más creíble etc etc etc. A donde quiero llegar es a la autocrítica y no un querer rajar de todo el mundo sin sentido. Porque el punk no debería tratar sobre la competición, y menos entre nosotrxs. Básicamente, que ni somos tan putos amos como creemos y sobre todo, que nos tendríamos que dejar de tonterías y de luchar por ser el más true del lugar. Y dejar las poses de lado y dejar que brote la originalidad que todxs llevamos dentro. Seamos sincerxs pero, sobre todo con nosotrxs mismxs. Porque creo que la inmensa mayoría de nosotrxs no nos metimos en el punk para fardar de cami o de gustos. Y dejar de ir de marginadxs, porque como se dijo muy acertadamente en el último número del Quédate En Madrid, lxs verdaderxs marginadxs no están tatuadxs de arriba a abajo, ni son tan guays como tú. Pero tampoco se debería que ser de esa gente que hace como si le gustase todo, porque eso es tan falso como repugnante. Una mierda para el buenrollismo del undergound. No pasa absolutamente nada porque haya cosas que no te gusten. De hecho eso es una señal de ser una persona con un correcto riego sanguíneo del cerebro. Pero sin creerse mejor que nadie.

Y acerca de lo que empecé hablando para acabarme desviando y perder el rumbo completamente: me entretiene escucharte contar las historias de todos los conciertos y actividades que montabais cuando teniais mi edad.

Pero esto me la suda enormemente cuando se convierte en una nostalgia perpetua de todo es una mierda menos lo mío que era la ostia. Porque eso es una actitud inmovilista y muy poco propia del punk y el hardcore que tanto amas. Y hemos visto casos que llevaban esto al extremo en números de este mismo fanzine. A todos esos pollaviejas, una apuesta: a ver quién se muere antes, si el punk o vosotros. Me da igual si cuando yo era todavía un bebé tú ya tenías colecciones de discos de importación.

Y en plan no sé... ¿no te llegaste a plantear que tu opinión me importa más bien poco?

Últimamente estoy entrando en conflicto con la realidad, y sobre todo con mi propia realidad, mucho más que de costumbre. Lo que no quiere decir que antes estuviese descolgado o en una dimensión paralela o algo así, simplemente que se están sucediendo las situaciones en las que tengo que afrontar las cosas y romperme la cabeza más que de costumbre y no limitarme a respirar para seguir viviendo y poco más. Como dijeron unxs grandes, al menos el frío en la cara me recuerda que estoy vivx.

Se me hace muy raro escribir esto porque no me gusta la connotación que puede tener de haber estado ajeno a todo y ahora tener que dar la cara por algo. No creo que sea así. También se me hace difícil sintetizar algo tan interno y tan complejo sin que parezcan cinco tonterías mal enlazadas.

Este texto iba a tomar una dirección diferente, pero acabo de leer un artículo que me ha dado una base sobre la que escribir, y que me parece necesario tratar. Por lo menos para rozar el tema y quedarme tranquilo, o como mínimo un poco más a gusto.

El artículo en cuestión apareció en El Salto y se llama En el ring del malestar: terapia versus política. No voy a resumirlo porque merece ser leído en su totalidad y reflexionar sobre ello, sobre lo que estás más de acuerdo y menos. Esto me dio que pensar especialmente por mi propia experiencia.

Hace unos meses fui unas pocas sesiones a un psicólogo. Nada especialmente grave, sino consecuencias de estar vivo y no limitarse a pasar por la vida, además de estar inmerso en la confusa y jodidilla barrera de la veintena. El psicólgo en cuestión era un señor de unos 60 años, majete en apariencia (cuando mostró su opinión sobre diversos temas dejó de ser tan majo) y amable, de buenos modales. Como modo de introducción, en la primera sesión le expuse una parte superficial de lo que pensaba, pero que creía que podía expresar la raíz de mis pensamientos y cuestiones.

A la siguiente ya nada más empezar me preguntó si quería continuar, que no me iba a gustar todo lo que me iba a decir. Sin preguntarme apenas más, empezó a focalizar todo en mis estudios, en mi actitud hacia ellos y demás. No como una manera de intentar encontrar algo que arrojase luz sobre mis cuestiones ahí, sino de una forma totalmente agresiva para el contexto. En primer lugar: ODIO a la gente que focaliza su puta existencia en los estudios, en el trabajo (con esto me refiero al trabajo de pagar las facturas que no te aporta nada, no a esxs auténticxs triunfadxres que tienen la inmensa suerte de poder comer haciendo lo que realmente aman), en sus obligaciones impuestas, ya sean profesorxs, jefes, padres, o lo peor de todo, alumnxs o currantes, eso es auténtico Síndrome de Estocolmo. Aparte de eso, tío, vale, esa es una parte de mi vida, pero yo no vine aquí a hablarte de eso, ¿por qué no tienes al menos la educación de escucharme? Siguió por ese camino, por el, textualmente, “tiene que haber un cambio radical en ti, y yo estoy aquí para hacerlo, el Mateo de antes tiene que desaparecer”. Como lo lees. Y esas palabras me hicieron cagarme de miedo. A ver, yo soy consciente de que no soy perfecto ni muchísimo menos. Y también conozco mi propia actitud hacia las obligaciones que todxs tenemos. Sé perfectamente que odio que me impongan cosas, y más cuando no tienen sentido alguno, y que me cuesta horrores aceptarlo. Sé que tiendo a desmoralizarme y a recuperarme, y esa montaña rusa es un poco jodida de llevar a veces cuando el sistema no entiende de estados de ánimo, entiende de que debes de hacer esto en este plazo, y si por cualquier cosa no lo has hecho, mala suerte compañero. Sé que hay muchas cosas de mi entorno y ajenas a él que afectan a lxs demás tanto o más que a mi, pero esas personas tienen una mayor fuerza a la hora de darse pequeñas ostias que acaban formando una ostia grande y consiguen disimularlo. Pues esto este tipo lo obvió por completo, como también obvió que según él tenía el cuerpo con una tensión encima que porque ando en bici, que si no explotaría en cualquier momento. Joder, que no intento dar pena, pero es que me parece un poco fuerte que no consigas o directamente no te de la gana de ver más allá (o como mínimo hacer como que me escuchas), y más teniendo colgados en la pared treintaypico diplomas. Él lo atribuyó todo a mi poca predisposición a esfrozarme y dar el máximo en mis estudios “que es en lo único que deberías centrarte ahora mismo“.

Que sí, que no dudo en que es una parte. Pero de ahí a decir esas salvajadas hay un trecho. Me contó orgulloso no una ni dos, sino tres veces la historia de un paciente que había tenido hace años, que había conseguido

que apartase el surf de su vida para dedicarse a algo “de verdad“. En este punto ya no necesité oír nada más. Del aire no se vive, y para sobrevivir en la inmensa mayoría de casos hay que pasar por el aro en un momento u otro. Pero tú que te crees, ¿que pretendo ganarme la vida tocando, escribiendo esto o buscando alubias mágicas? Lo único que quiero es dedicarme a algo que me guste lo más posible, y lo más importante, que me robe el mínimo de vida posible para dedicarme a lo que me gusta de verdad, cosas con las que no quiero ganarme la vida. Pero ¿cómo destruyes así los sueños de la gente? ¿Cómo te permites tener ese control sobre la vida de alguien? En este punto me hervía la sangre, pero como por suerte no me puedo quejar de mi autocontrol y no me mola la violencia, no salté por encima de la mesa para meterle una ostia. Siguió con el “eres un adulto, tienes que centrarte en lo que te va a dar de comer“. Vale ¿y todo lo demás? ¿Todo lo que tiene que ver con VIVIR? Y bueno, el tío siguió sin tratar nada de por lo que yo había ido ahí ni tenía pinta de que lo fuese a hacer, lo que me empezó a enfadar de verdad.

Seguimos un poco por ahí y yo entré en la fase de darle la razón en todo.

Total, no iba a cambiar su parecer ni el iba a cambiar el profundo asco que sentía por él y por todxs lxs de su condición. Me parece algo digno de hacerte perder cualquier atisbo de fe y esperanza en la ser humano el que se estas sean las soluciones que se dan a estas cosas, que estas sean las razones que se den para tu incomodidad. Que se obvie cualquier otro tipo de cuestiones como se hizo conmigo. Que debas enfocar tu vida al modelo capitalista que inunda cada mínimo aspecto de nuestras vidas, que nos hace profundamente infelices y que a la vez se presenta como la fuente de nuestra felicidad. ¿Cuanta gente tiene estrés, ansiedad, depresión,... por la forma en que vivimos? Lo raro sería no tenerlo.

Y es que estas palabras te pueden generar una crisis de identidad bastante fuerte, y hacerte sentir una mierda contigo mismo y con todo lo que haces o has hecho, si tenemos en cuenta lo que se estaba diciendo. Por suerte este no es mi caso ya que en general me la sudan bastante este tipo de opiniones, pero sí que salí de ahí sintiéndome mucho peor de cómo había entrado. No porque hubiesen atacado frontalmente mi ser y mi manera de funcionar respecto a este mundo, sino por tener en frente de mi cara la absoluta certeza de que las voy a pasar canutas desde aquí hasta que me muera por esta y por muchas más cuestiones relativas al no querer adaptarse a la mierda que nos imponen. Además me confundió profundamente el que estas palabras las había dicho alguien que supuestamente sabe lo que es mejor para ti, que todo el mundo lo acepta como esto... Como decían Duelo: Cuánta gente llora sola en su habitación, no han podido seguir el amargo ritmo que marca un mundo de miserias, egoismo y soledad... Fracturas de la sociedad. Cuánto te cuesta mantener viva la ilusión cuando lo fácil es desilusionarse. Incomprensión en la gente que está cerca de ti, incapaces de llegar a entender... Y te han preguntado el porqué, y no lo han llegado a entender, todo lo que hay dentro de ti, todo lo que hay dentro de ti...

Bueno, no todo es tan oscuro como parece. Salí asustado y hecho una mierda, pero también con mucha determinación. Si hay que darse ostias continuamente, pues qué remedio, tampoco va a cambiar mucho. Lo que no quiero es ser un cadáver feliz, no estoy descubriendo nada nuevo con esto. Fui una vez más a la consulta y le dije que iba a aplicar lo que me dijo. Y así hice, si de algo me sirvió ir fue que me conocí algo mejor a mi mismo, mis flaquezas y fortalezas. Incluso me ayudó con algún asunto que no le había llegado a comentar ¡qué gran profesional que te resuelve cuestiones sin siquiera exponérselas! Y ojo, no quiero decir ni mucho menxs que todxs lxs psicólogos son así. Sé que hay quien busca que estés en armonía contigo mismo y con tu entorno, al margen de lo que se busque de ti. Y esa gente merece todo mi respeto, porque de verdad están siendo una ayuda importante para alguien.

Más referente a lo que habla al artículo del que hablé, también voy a decir que en general veo una cierta tendencia a querer separar completamente el individuo del todo, de poner siempre por delante al colectivo. Lo colectivo es vital, por supuesto, y no deberíamos focalizarnos siempre en el individuo únicamente, pero dado que un colectivo está formado por varixs individuos, no podemos empezar la casa por el tejado. O dicho de otra manera, si dentro del propio individuo hay cosas que no están bien, esto va a afectar irremediablemente al colectivo. No cambiaremos nada de nuestro entorno si antes no nos cambiamos a nosotrxs mismxs. He visto a personas autodenominadas anarquistas llenarse la boca con las comunas, con construir algo diferente al margen de lo establecido y luego tratar como la mierda a la gente de su entorno de manera reiterada, en muchos casos por causas internas de cada unx, lo que reafirma lo que digo.

Se me hace raro escribir esto aquí, y siento que no dije del todo lo que quería decir y que con esto solo está lloviendo sobre mojado, pero bueno, ya que estoy gastando papel y dinero en esto, qué menos que dedicar un espacio a este tipo de cosas. Bueno, y que es mi fanzine.

Si alguien tiene una visión diferente sobre algo de lo que escribí o quiere compartir algo, ¡adelante! Sabéis como contactarme y estaré encantado de poner cosas en común.

La historia del

Por Alex SN Esta es la típica historia mil veces contada. No, no la de chico conoce a chica. Ni mucho menos. Esta es otra historia. De esas llenas de suciedad, ruido, desfases, fiestas, skate, surf, rabia juvenil y música. Esta no es una historia que tenga un protagonista claro, y eso es lo mejor de ella. No habla de una individualidad. Es una historia de protagonismo colectivo, de la creación de una comunidad y de un sonido a través de la música. Una de esas historias que nos encantan.

Pongámonos en situación. Estamos en California a principios de los 80.

En un suburbio de Los Ángeles, Oxnard. Pandillas de chavales pasando sus días entre hacer surf cuando hay olas y patinando en piscinas vacías, a modo de half pipes, cuando no. Los 60 y los 70 han quedado atrás, y con ellos el apogeo de la cultura hippie, el rock and roll psicodélico y el gusto por el pretencioso virtuosismo, los solos eternos y las estrellas del rock.

Imagínate allí. Imagínate en un verano eterno. Patinando a todos lados.

Buscando emociones fuertes. Velocidad. Rabia contra la vida de tus padres. No quieres estudiar. No quieres trabajar. Quieres coger olas. Quieres adrenalina, rapidez y sensaciones que despierten algo en tus entrañas.

Parece un paso natural, casi biológico, agarrar una guitarra y una batería vieja y ponerte a tocar lo más rápido y fuerte que puedas. Al fin y al cabo, necesitas música de fondo mientras patinas, y esa mierda melosa de Fleetwood Mac o Mammas & The Pappas definitivamente no va contigo. Hendrix no está mal, pero estás harto del ego rockero, de canciones con las que no identificas y de esos solos eternos que no te dicen una mierda. Tú buscas solos otra cosa.

A mediados de los años setenta construyeron un skate park en Oxnard.

Allí pasaba el día Brandon Cruz, futuro cantante de Dr. Know, junto a Ismael Hernandez, futuro bajista, o la gente que más tarde formaría bandas como Ill Repute, Agression, RKL, y un largo etcétera. También venían jóvenes desde Venice Beach a patinar, entre otros, los hermanos Jim y Mike Muir, el segundo de los cuales formaría algunos años después Suicidal Tendencies. Como banda sonora los ruidos más extremos que podías encontrar en las tiendas de discos locales, lo que en esa época significaba heavy metal y rock sureño.

A finales de los 70 el panorama musical empezó a cambiar. En Oxnard y sus alrededores comenzó a tocar The Rotters, una banda influida por la primera oleada de punk inglés. Fue yendo a sus conciertos, en colegios y fiestas en casas privadas donde a todos se les empezó a pasar por la cabeza la misma idea. Nosotros también podemos hacer eso. Agression, algunos años mayores, fueron de los primeros en comenzar a tocar.

Después de ver cómo lo hacían, Dr. Know e Ill Repute fueron inmediatamente detrás. En 1979 empezaba a moverse algo nuevo, el hardcore despuntaba a lo largo de California y de todo el país. Movido por ese orgullo localista que solo surferos y skaters pueden llegar a entender, Ismael Hernández mezcló en una palabra Oxnard y hardcore, dando nombre a un género emblemático, el nardcore¸ hardcore punk desde Oxnard.

Sonidos más fuertes empezaban a llegar desde Inglaterra, todo el UK82 con Discharge y Exploited como los máximos exponentes. Pero una música tan oscura y lúgubre no terminaba de casar bien con los soleados y brillantes días de california. Germs, Black Flag o Adolescents empezaron a hacer su propia movida, más rápida, también agresiva pero menos centrada en la oscuridad y más en la adrenalina. Recreaban las mismas emociones que patinar o surfear.

Cogiendo a estos grupos como principales influencias, además de la potencia de las bandas de heavy que escuchaban antes, las bandas de Oxnard empezaron a hacer su propia clase de hardcore, con influencias de ambos estilos. Lo que al principio fue llamado como skate trash o trash

a secas pronto recibió el nombre de skate punk. Difícil rastrear el origen exacto, aunque muchos se lo atribuyen a Trasher Magazine, gran responsable de empezar a documentar las distintas escenas que iban surgiendo a lo largo y ancho del país, aunándolos bajo un sonido, un sentimiento y una forma particular de comunidad. Bandas en Orange County, en San Francisco, en Oxnard, JFA desde Arizona, pronto abrazaron y aceptaron como propio este nuevo estilo y comenzaron a hacer giras por todo el país, organizar conciertos para grupos de fuera, conocer otras escenas.

Puede decirse que una de las cunas del skate punk fue Oxnard.

Como ya hemos dicho, Agression fueron de los primeros en empezar a tocar, y fueron los primeros encargados de dar a conocer Oxnard y el nardcore. En él se encuentra Locals Only¸ considerado como todo un himno.

Sus fundadores fueron Mark Hickey (voz), Henry Knowles (guitarra) Bob Clark (bajista), apodado Big Bob y Mark Aber a la batería. Mark, Henry y Big Bob compartían piso, que usaban como base de operaciones. De hecho, antes de formar la banda los tres patinaban esponsorizados para Sims Skateboard. A principios de los 80 entraron en contacto con Shawn y Mark Stern, miembros de Youth Brigade y fundadores de Better Youth Organization (BYO), que se convertiría en un importante sello y promotor de conciertos de hardcore. Esta unión quedó patente con la colaboración de Agression en el recopilatorio de BYO Someone Got Their Head Kicked In en 1982. BYO también serían los encargados de lanzar el primer LP de la banda, Don´t be mistaken, todo un clásico del género, a menudo considerado el mejor trabajo de la banda junto con el disco homónimo de 1985, lanzado por Mystic Records (yo me quedo con el primero). Además, Big

Bob fue el responsable de serigrafiar una parte importante de las camisetas de todas las bandas locales. Su papel fue clave a la hora de definir el género, e innumerables bandas los han reconocido como influencia. Annihilation Time, una de las bandas más representativas del nardcore en los 2000´s dedicó su primer disco, a Mark y Henry, tristemente fallecidos.

Esta es una historia llena de personajes curiosos. Uno de ellos es sin duda Brandon Cruz, que pasó de ser un conocido niño actor durante los 60 y 70´s a cantar para Dr. Know o Dead Kennedys. Participó en la conocida producción de la ABC The Courtship of Eddie’s Father, además de aparecer como invitado en televisión en Kung Fu, Gunsmoke, The Incredible Hulk o la película The Bad News Bears entre otras muchas. A finales de los 70 se convertiría en el cantante de Dr. Know junto a Robin Cartwright (batería), Kyle Toucher (guitarrista) e Ismael Hernández (bajo), padres fundadores del nardcore y grupo emblemático. Ismael y Robin se conocieron en el instituto. Al principio no eran amigos, hasta que Robin comenzó a aparecer con camisetas de los Clash o los Ramones, llamando la atención de Ismael, que ya era un fan acérrimo de la primera hornada de punk. A Ismael le introdujo en este nuevo estilo musical su hermano, Jaime Hernandez, quién más tarde se convertiría en creador de los famosos cómics underground Love and Rockets, y sería el responsable de la famosa iconografía del grupo.

Robin le presentó a Kyle, un vecino de toda la vida, y juntos decidieron buscar vocalista para empezar una banda, tras el rechazo de Ismael a cantar y quedarse con el bajo. El primero en cantar en la banda fue Joe, un amigo de Ismael, que pronto lo dejaría. Kyle había conocido a Brandon en una fiesta y lo invitó a cantar. Con él grabarían su primer disco, The Original Group, único con Cruz a la voz, editado también por Mystic Records y casi imposible de encontrar hoy en día. Por motivos legales, sin embargo, salió el segundo, después de Plug-in Jesus. Llamados brevemente Accused, fue a Kyle a quién se le ocurriría el nombre definitivo, adaptando el nombre de Dr. No, la primera película de James Bond.

Brandon permanecería en el grupo solo hasta 1983, debido al cambio de sonido que este estaba dando hacia el heavy metal, algo que no interesaba para nada a Cruz. Esto mismo le pasaría tres años después a Ismael, quién lo dejó tras el lanzamiento de This Island Earth y su gira de presentación. La inestabilidad ha sido una de las características fundamentales de Dr. Know, por cuyas filas han pasado fácilmente una treintena de músicos. Se han separado y vuelto a juntar, llegando a co-existir dos versiones de Dr. Know tocando a la vez. Sin embargo, esto no les ha quitado su emblema de grupo de culto, cuya leyenda llegaría a su máximo apogeo con una famosa imagen de un joven Kurt Cobain tocando la guitarra en su cuarto con un poster de Dr. Know en la pared.

A un nivel de culto más local, pero sin duda reseñable se encuentra Ill Repute. Hijos de familias humildes, Tony Cortez (guitarrista y cantante) John Phaneuf (guitarrista) y Carl Valdez (batería) crecieron juntos y se hicieron punks juntos, aunque pronto sufrieron el desencanto de ver como la escena se volvía un nido de niños ricos, manteniendo sus valores DIY (han compaginado sus trabajos con una carrera musical de más de 30 años). Su historia está contada en profundidad en Clean Cut American Kids, que da nombre a su vez a un documental y a un libro sobre la banda (si encontráis un link en algún lado poneos en contacto porque nosotros hemos sido incapaces). Su disco de 1984 What happens next?, editado por Mystic Records, es, perdonad la reiteración (completamente necesaria) del término, una jodida obra maestra. En cuanto a historias curiosas, es posible que Ill Repute se lleve la palma. La ciudad de Port Hueneme, pegada a Oxnard, y lugar donde todos los miembros crecieron, realizó un homenaje a la banda el 7 de abril de 2014, algo así como declararles hijos pródigos o darles la llave de la ciudad. Desde entonces, en Port Hueneme, el 7 de abril es el día oficial de Ill Repute. Si eso no es generar comunidad, no sé qué lo es.

Grupos reseñables del primer nardcore hay muchos. Sin duda hay que mencionar a Stalag 13, reconocidos pioneros del movimiento Straight Edge de la costa oeste y autores de In Control, un 7” que a mi parecer es una obra maestra, de los que mejor suenan y más calidad tienen de esta escena. Tampoco podemos olvidar a Rich Kids on LSD, una de mis bandas favoritas y quizá la más importante, relevante e influyente del género.

Se merecen un artículo en sí mismos, y por ello me voy a permitir mencionarlos solo de pasada en este, centrarnos en el resto de los grupos, y más adelante escribir uno entero dedicado a ellos.

Si hablamos de rarezas, quizá las más destacables sean Habeas Corpus y False Confession. Habeas Corpus fue uno de los grupos seminales.

Solo sacaron una demo y grabaron un EP a principios de los 80. Dicho EP es considerado por muchos como un big foot del hardcore, muchos dicen que poseen una copia o que lo han visto, pero la verdad es que, en palabras de Fred Hammer (Annihilation Time/It´s Alive Zine/It´s Alive Records) nunca llegó a ver la luz del día. De la demo se hicieron muy pocas copias y hoy encontrar una sería algo parecido a encontrar El Dorado. Puede escucharse en youtube con el nombre Six feet under Oxnard: Lost Nardcore from the 1980´s, y la verdad es que suena brutal, tiene un montón de rabia, la suciedad que puede esperarse de una maqueta de esa época, pero unas guitarras muy guapas, se atreven a meter punteos y melodías con un rollo casi de surf rock y mola muchísimo, recomiendo echarle un ojo. Over the years I would hear people talking about the infamous Habeas Corpus 7” on Mystic Records. It was like Bigfoot…A lot of people had seen it/heard it/etc…But no one ever owned one. The truth is that the 7” never saw the light of day. The ‘demo’ was sold back in 1986 in limited quantities and is now available on Itunes/YouTube. (Fred Hammer).

Por su parte, False Confession solo sacaron su mítico 7” Left to Burn en 1984 para Mystic Records y una demo (Out of the basement), además de alguna colaboración en recopilatorios. Left to Burn no ha tenido reediciones, y la copia más barata que he encontrado en internet de segunda mano cuesta 80 dólares, aunque a menudo los vendedores piden más de

100. Uno de sus integrantes, Fred Mattaquin también tocó un tiempo con Dr. Know. Su bajista original, Scott Morris, formaría años después Big Bad Voodoo Daddy, una prestigiosa banda swing de Nueva Orleans (a mí me encantan y no tenía ni idea de esta conexión) que ha vendido millones de discos y tocado en alguno de los festivales más prestigiosos del mundo (llegó a aparecer como banda sonora en la popular serie infantil Phineas & Ferb). Harry Misenheimer, el batería original, también formó parte de The Cramps de 1994 a 2003. En la actualidad han vuelto a tocar, con la formación original excepto Morris, al que sustituye Ismael Hernández, ex bajista de Dr. Know. Según su página de bandcamp, tienen planes para sacar un LP en agosto de 2020, así que tocará estar atentos. Como curiosidad, el artwork de Left to Burn fue diseñado por Chuy, un artista local de Oxnard que además hizo trabajos para Agnostic Front y otras bandas locales.

gresaron a California y quisieron empezar a trabajar con Mystic Records, hecho por el que BYO demandó a la compañía, perdiendo en el juicio. El juez le otorgó el control de BYO a Moody, pero después del juicio él se lo devolvió a los Stern y se desentendió del tema. Así, Aggresion comenzó a formar parte de Mystic, y con ellos todo el nardcore.

Lo demás, como suele decirse, ya es historia y todos conocemos los míticos discos que sacó Mystic. Algunos grupos acabaron mal con Moody, como RKL, en cuya reedición de Keep Laughin podemos ver en portada un dibujo de Moody siendo estrangulado. Sin embargo, la realidad es difícil de aclarar, y por las distintas entrevistas y opiniones que he leído, parece más bien que todos se aprovecharon como mejor pudieron del resto en esa batalla fea que son los acuerdos discográficos y los derechos. En palabras de Ismael Hernández: You know, at the time there was a lot of bitterness between a lot of people and Mystic. I don’t know anybody who ever got a penny from them but as people, Philco, the guy who basically, I mean Doug Moody was the owner but Philco kind of ran everything and he’s an awesome guy. I don’t have a bad thing to say about him. I mean, honestly, it was a fantastic place to hang out. You could go any time and there was somebody recording or just hanging out in the lobby getting drunk. It was literally half a block from Cathay de Grande, where all the bands played, so I have a lot of fond memories of Mystic as a place and the people. El Philco del que habla Hernández se trata de Phillip Raves, que se encargaba de dirigir Guetto Way Records, un sello paralelo de Mystic Records.

Quizá el disco más emblemático de Mystic fuera el mítico recopilatorio de 1984 Nardcore. En él estaban reunidos los grupos seminales y más importantes del género; RKL, Dr. Know, Ill Repute, Stalag 13, The Rotters, Agression, False Confession, Habeas Corpus, Rat Pack y Scared Straight.

Dibujo de Chuy, extraído del It’s Alive fanzine Pero, sin duda alguna, quizá el personaje más pintoresco de toda esta historia sea Doug Moody, fundador de Mystic Records y una suerte de padrino del nardcore. Doug Moody nació en Inglaterra en 1928. Su padre era cabeza de EMI y mánager de los estudios de grabación de Abbey Road (sí, los del famoso disco de los Beatles), además de un miembro del parlamento británico. Desde pequeño él acudía al estudio con su padre los sábados, donde le nació el amor por la música y empezó a aprender del negocio. En 1949 formó parte de las fuerzas aéreas británicas. Fue el primer productor de discos independiente del país, y en 1953 se trasladó a Nueva York, donde trabajó para las compañías más grandes (Mercury, Herold & Amber, Smash, RCA, MGM, y un largo etcétera. De hecho, con Herold & Amber produjo el primer disco recopilatorio del mundo, cuya copia ahora vale más de 200 dólares). De hecho, consiguió 18 discos de oro, casi todo con discos de rythm and blues. En los 60 se trasladó a Hollywood y adquirió su propio estudio, que hasta ese momento se había llamado DelFi Records (famoso por ser donde se grabó la Bamba). Allí grabó para grupos como Led Zeppelin durante un buen puñado de años.

Con el tiempo, pasaría a denominar a su sello Mystic Records. Pronto multitud de grupos locales como de punk comenzaron a grabar allí. La idea de montar un sello vendría en 1982 y sería gracias a Roger Rogerson, el bajista original de Circle Jerks. Rogerson acababa de grabar un recopilatorio de bandas de Long Beach en los estudios y le dijo a Moody que estaba buscando un sello que lo lanzara. Y a Moody la idea empezó a seducirle, ya que, según él, los jóvenes punks que venían a grabar al estudio le recordaban mucho a los músicos de la comunidad negra de Philadelphia con los que empezó a trabajar cuando llegó a Estados Unidos, con instrumentos prestados, ropa de segunda mano, buscando una identidad y un lugar en el mundo; I was on the road with black groups, so I know about America in the 50s. The lyrics cried out for identity. The hand me down clothes and they beat up second hand instruments. I recorded one drummer whose snare drum was a marching drum with buckshot inside, that was a snare. So what I’d seen in the 50s I was seeing again at Mystic.

Con esta idea en la cabeza comenzó a distribuir para varios sellos. Entre ellos, discos de Battalion of Saints, que le presentaron a la gente de BYO (el Someone got their heads kicked in se grabó allí). De hecho, él financió el disco y la posterior gira, además de la reparación de su autobús. En Arizona, BYO abandonó a Agression y Battalion of Saints al ser estos arrestados. De nuevo, Moody tuvo que pagar la fianza. Ambos grupos re-

A partir de los 90, Fred Hammer, que más tarde formaría parte de la primera formación de Annihilation Time cogería el relevo de Mystic. Fundó It´s Alive Records e It´s Alive Zine. Conocía a todos los grupos en persona, ya que desde crío iba a los ensayos en garajes y a sus conciertos, por lo que comenzó a utilizar sus contactos y a involucrarse de forma activa en la escena. Él es responsable de otro recopilatorio clave para entender el nardcore; Localism (1996), donde reúne grupos clásicos y otros de la nueva hornada como No Motiv o It Doesn´t Matter, uno de los primeros grupos de Todd Jones, futuro guitarrista de Terror, Fireburn, Nails o mis favoritos, Knife Fight entre otros muchos. Si entráis en la cuenta de Instagram @itsalivefanzine encontraréis muchas anécdotas, historias o fotos y diseños inéditos de esa época.

Llevo ya una chapa considerable así que voy a dejarlo aquí. Muchas gracias a Mateo por el espacio y espero que disfrutéis de este artículo tanto como yo he disfrutado buceando en la historia del nardcore. Perdón por la interminable chapa, up the punx!

El dibujo de Agression está extraído del No Answers fanzine. Y a todo esto, Álex y varixs colegas han empezado un fanzine llamado Undergrounz que no debería tardar en salir. Lo que he podido ver tiene muy buena pinta, y en apenas unos meses ya ha llegado a más gente con sus reseñas online de lo que lo harán estos papeles en toda una vida. ¿Querías peña joven haciendo cosas en el punk? Pues calla y lee, hijo de puta.

Shit Eaters

Skull Boys - Skull Boys (1995) Este EP estuvo bastantes años en una de las dos tiendas de discos de nuestra ciudad (en Más que música, Xixón). La portada, en la que sale una escena mítica de Nosferatu siempre nos llamó la atención, pero aun así, tardamos bastante en llevárnoslo de la tienda. Un día Mateo se decidió a comprarlo por unos 6€ si no recuerdo mal, y menos mal que lo compró.

Recuerdo ir los dos a su casa a pincharlo, primero a 33”. En un momento dado nos dimos cuenta de que sonaba peor de lo que esperábamos y lo pusimos a 45” (las expectativas nunca fueron muy altas pillando 7” y 12” desconocidos situados bajo la etiqueta punk).

En ese momento empezó a girar el disco como tenía que girar, y joder, nada nada mal. Skull Boys fueron una banda de Tarragona de punk que grabaron dos EPs en los noventa, de un estilo que definiría entre hardcore punk y horror punk (quizás esto último más por la estética que por el sonido).

Recuerdo poner la primera canción de este disco (titulada Slave) en una pinchada de horror/ hardcore punk que hice después de un concierto que dimos la noche de Halloween.

En definitiva, siete temas muy recomendables para gente que le guste el hardcore punk vieja escuela. (Joel)

Free Step - You’re On A Bad Trip (1994) Seguimos con otro grupo catalán, en concreto de Barcelona. Este EP al igual que el resto de discos que estoy reseñando tiene un significado bastante guay para mí, y es algo que siempre mola. Tener un disco en las manos y que te recuerde a algo o que te transmita cosas más allá de la música en sí misma siempre suele ser algo bueno.

Esta cinta llegó a mis manos gracias a un colega con el que solía jugar a las cartas y al que le solía comprar discos que el ya no escuchaba

Vuelve una de las secciones más aclamadas del zine: los dos mánagers de este canal de YouTube comentando algunos de sus discos favoritos del mismo. Discos que interesan a un ínfimo porcentaje de la población pero que nos molan la ostia. (un saludo Baños). En alguna conversación me mencionó que tenía un amigo en Barcelona que tenía un grupo de hardcore en los noventa del cual tenía la maqueta por casa y un día me la pasaría para que la escuchase.

Otro día que quedamos me sorprendió regalándome dos cintas, de las cuales una de ellas era un recopilatorio y otra la de aquel grupo que tenía su amigo, esta, venía con una dedicatoria en el insert para él (de su amigo Toni, el bajista), de la cual no se acordaba, ya que desde aquello habían pasado muchos años.

Esta cinta contiene ocho temas de hardcore punk a toda tralla de un rollo muy ROUSE, si te mola ese sonido y tienes un cierto cariño por las maquetas, esto te va a molar mucho.

Me encargué de ripearla y subirla, Baños se la hizo llegar a Toni, el cual estuvo muy agradecido ya que por lo visto perdió su propia copia de la demo y no tenía donde escucharla. (Joel)

Gracias a Mateo, a todxs lxs que pilláis o distribuís el fanzine, y a cualquiera que difunda material de interés cultural libremente tanto en físico como en la red. ¡Piratea y difunde! (Joel)

Mike Laure Y Su Banda Borracha - La Banda Borracha/Los Borrachos Son Ustedes (1966) Cuando vi que los 7’’ de punk que teníamos en nuestra tienda de confianza empezaban a escasear, empecé a buscar también en las demás cubetas. En la de “años 60“ encontré este disco por dos euros o así, y lo llevé para casa atraído por su portada y su nombre. Y bueno, porque esos dos euros que quemaban en el bolsillo.

Una vez puse la cara A quedé un poco descolocado. Era una cumbia añeja de las que piden las abuelas a la radio local a las cinco de la tarde de un domingo, con una letra bastante graciosa. Pero lo realmente bueno son las interrupciones de “PAREN ESA BANDA, esa banda está borracha“ a la que una voz en off (¿será Mike Laure?) responde que no, que están todos muy sobrios, y como muestra vea lo bien que suena el inserte instrumento, a lo que viene un solo del instrumento en cuestión. La cara B es una continuación en el tema y el tiempo, y se ve que las bebidas se sucedieron, porque la banda desafina ¿y qué pasa? Que ahora sí, la banda está borracha.

Schizoid - Datin’ Satan (1987) Esta cinta la encontré por algún rincón de internet, es una demo de un grupo de thrash/hardcore de Canada (no confundir con un grupo de metal que tiene el mismo nombre).

Cuando lo vi por primera primera vez me llamó la atención la bizarrada de portada que tiene y supuse ya de primeras que me iba a gustar el rollo, no me equivoqué. Viendo una foto de ellos en la que salen con skates, y, por las pintas que llevan, me hace pensar que seguramente estuvieran influenciados por discos rollo el Welcome to Venice (el cual está también subido en Shit Eaters) y, a parte del thrash o el hardcore, de la escena del skate rock.

Es una maqueta con bastante encanto y un sonido muy guay, alguna canción me puede llegar a recordar a grupos como Discharge o similares, pero en general, es casi media hora de “tupatupa” intenso. Si te cunden los grupos míticos del crossover thrash seguro que esto lo vas a disfrutar.

Igual que dije en el anterior número, date un paseo por los rincones de Shit Eaters, es muy difícil escoger solo tres discos entre los casi 500 que hay subidos a fecha de hoy, seguro que encuentras algo, o que te flipe, o que te aterre, esa es un poco también la cosa.

Wan Tung Frito - W.T.F. (2011) Hará unos cinco años hubo una reunión familiar a la que vinieron mis treintaypico primos de Cáceres. Uno de ellos, mítico treintañero con alma de adolescente y dickies anchos, tatus y patillas frondosas llamado Javier (aka El Carnicero) nos preguntó a mi primo y a mí, “¿así que os gusta el rock? tomad un par de CDs de mi grupo”.

Es como una mezcla de metal, hip hop, reggae y electrónica que, sorprendentemente, no está demasiado mal. Un saludo, carnicero.

Ambos dibujos tienen mĂĄs de cuatro meses de diferencia, igual es algo preocupante que el tragar cosas que estaban en el vĂĄter se haya convertido en mi principal y favorito recurso humorĂ­stico.

Cuando veo a gente hablar o escribir sobre “grupos o discos que les han marcado“ muchas veces me acabo preguntando ¿y a mí que me ha marcado de verdad? Así a botepronto podría decir tres o cuatro nombres que han tenido una gran importancia a lo largo de mi vida, ya sea acompañándome o ayudándome a definirme como persona. Esos nombres son grupos englobados principalmente dentro del punk, pero al pensar en esto siempre se me acaba viniendo un nombre ajeno a ello: Milladoiro, y más concretamente su disco de 1986 “Galicia no país das Maravillas“.

Mi familia materna es gallega. Es por ello que desde que tengo recuerdo, y desde antes también, he ido con cierta frecuencia allí, sobre todo al pueblo (o más bien aldea) de mis abuelos en Valdeorras, Ourense. Mi pueblo está en un entorno verdaderamente privilegiado, en un valle entre montañas y bastante cerca de las Médulas, una antigua explotación minera de oro romana, considerada la mayor mina de oro a cielo abierto de todo el Imperio romano.

Seguramente uno de los mejores legados que me transmitió mi madre es el gusto por la música gallega, principalmente folk de raíces celtas, aunque el primer recuerdo relacionado con la música que tengo es cantar en la casa del pueblo de mi pueblo el Miña Terra Galega de Siniestro Total, canción que siempre cantaba en el coche al pasar la frontera León-Galicia, y eso que mi madre es completamente opuesta a cualquier definición posible de punk. En los viajes en coche al pueblo la mayoría de veces sonaba música de este tipo, ya fuese gallega o no: Carlos Núñez (que le tengo bastante respeto pero también me hace mucha gracia), Hevia, Nuberu y demás, pero sobre todo dos discos que para mi son capitales y obras maestras: Plenilunio de Luar Na Lubre y Galicia no país das Maravillas de Milladoiro. Creo que estos CDs venían en una colección que había sacado La Voz De Galicia hace unos años, y no sé la cantidad de veces que los escuchamos en ese coche, era acabar uno y empezar el siguiente.

Sinceramente, no puedo imaginar una mejor banda sonora para esos momentos. Especialmente en otoño e invierno, cuando anochecía antes y una gran parte del camino lo hacíamos a oscuras, con la Luna, los focos del coche y unas pocas luces que venían de los pueblos situados en las laderas de las montañas que atravesábamos como única fuente de luz, esa música se mezclaba con el ambiente, proporcionando sensaciones únicas e invitando a pasarse todo el viaje imaginando escenarios y situaciones ajenos a este tiempo, pero no a este lugar.

Pasaron los años y esto se fue a la mierda cuando me regalaron un mp3.

Como justo estaba por la labor de escuchar otras cosas, me pasaba todos los viajes con los cascos enchufados y a mi movida, lo que no estaba mal pero en cierta parte ahora me da un poco de pena. Sobre todo el pensar en lo que se quedó atrás con ello.

Un día tiempo después me dio por buscar por casa esos CDs que hacía tanto que no escuchaba, pero no los encontré, así que me puse a buscar alguna canción por internet. Me puse la primera que encontré de ese disco de Milladoiro, y la verdad es que quedé bastante sorprendido. No lo recordaba tan bueno, pero de lo que sí que me acordaba era de cada nota en cada canción, fruto de la sobreexposición a ellos que había tenido desde muy pequeño. Viendo esta buena impresión que me habían dejado, seguí recuperando aquellas canciones de las que me acordaba, pocas en proporción. Aún así, cuando suena alguna de esas canciones en un bar la pillo al instante, y me acuerdo de cada parte como si la hubiese estado escuchando hace cinco minutos.

Un día estaba mirando en las cubetas de una tienda de discos en una feria de aquí. Y entre toda la morralla, además de encontrar el Menos Mal Que Nos Queda Portugal de Siniestro Total también saqué el famoso disco de Milladoiro, como nuevo y a un precio de risa. Dando saltos de alegría, compré los dos al instante. Llegué a casa y lo primero que hice fue poner el de Milladoiro, y escucharlo a volumen alto fue como teletransportarme a otro sitio varios años atrás.

Milladoiro se formó en Santiago de Compostela en 1978, resultado de la unión entre la formación tradicional Faíscas do Xiabre y los músicos Antón Seoane y Rodrigo Romaní. Si nos fiamos de mi progenitora, uno de sus instrumentos, la zanfona, se la encontraron en una cuadra en la localidad pontevedresa de Cuntis (Cuntis, vaya puta miticada) casi cuando empezaron, una historia que me contaron muchas veces y que siempre me flipó. Tengo entendido que sus miembros fueron perseguidos por el franquismo por cuestiones ideológicas, y a pesar de empezar después de la dictadura, por aquel entonces reivindicar la música tradicional era prácticamente un delito.

La verdad es que no soy el mayor conocedor de la discografía de Milladoiro, que es bastante extensa, repartida en sus más de cuarenta años de trayectoria. Tengo un par de discos y he escuchado tanto canciones

de otros albumes como las muchísimas canciones tradicionales que ellos reinterpretaron (la labor cultural de recuperación que han realizado es simplemente impresionante e impagable) pero este disco del que tanto hablo me parece que a pesar de que nadie parezca acordarse de él se desmarca del resto por todas partes. Todas las canciones son realmente muy buenas, y tienen una originalidad muy marcada que no doy encontrado en sus otros trabajos. Es un disco que escucho muy a menudo, que considero mi favorito de no-punk, y el que me parece que mejor ha envejecido de todo sus coetáneos, ya que todas las canciones siguen sonando igual de frescas y brutales que siempre. Diría que incluso suena mejor a medida que pasan los años.

Galicia no país das Maravillas es un viaje por diferentes sensaciones muy muy poderosas, una montaña rusa de 43 minutos de duración. Desde las canciones más alegres y vitales como la inicial Auga Das Bailadeiras, Danza De Albarellos o Mazurca Das Areeiras, la singular Valsvöda, que me transporta a las calles de Santiago en un día lluvioso, las canciones en las que todo el protagonismo recae sobre las pandeireteiras, que son algunas de mis favoritas como Espadelada De Penosiños (mi gran debilidad), Danza E Jota De Lousame y Estroupelear, con la que acaba el disco y no exagero si digo que me invita a destrozar el pavimento mediante puros bailes. Sin embargo, las canciones que más me impactan y apasionan son las que suenan más frías y duras, como Maruxa, Foliada De Berducido y especialmente la gigantesca O Insonio Dunha Noite De Veran, de la que prefiero no escribir nada para no desvirtuarla.

Tienen un disco en directo grabado en Ortigueira que mola mucho. Nunca he podido ir a un concierto de Milladoiro, y eso que el verano pasado tocaron en la plaza del Obradoiro en Santiago el día de Galicia justo cuando estaba visitando a mis tíos a menos de una hora de ahí (y me enteré tarde, ¡mierda!). Estoy seguro de que de haber estado, a pesar de que no tocasen ninguna de mi disco predilecto habría acabado a lágrima limpia agarrado a alguien mientras cantamos a capella Quen Poidera Namorala.

El día de verlos llegará y será precioso, estoy seguro.

A medida que iba creciendo cada vez me gustaba menos ir al pueblo, porque me quitaba tiempo de hacer cosas el fin de semana con mis amigos, me perdía vacaciones y conciertos... Pero a medida que fui creciendo cada vez empecé a apreciar más el pueblo, sus gentes y su entorno, y eso en parte se lo debo a Milladoiro. Ahora que escribiendo esto desde plena Fase 1 rumbo a la “Nueva Normalidad“ no nos podemos mover de provincia, siento una morriña inmensa, y solo espero el momento en que pueda dar un abrazo a mis abuelos, hablar a voces con lxs vecinxs e irme a pasear por los montes hasta que caiga la noche.

La verdad es que escribiendo esto y escuchando a esta gente de fondo no puedo negar que me he emocionado bastante. Adiós a mi imagen de tipo duro jeje. Viva Milladoiro, viva el punk, y viva todo aquello que nos hace un poco más felices. Y muerte a todxs lxs mierdas que nos rodean ¡Nos vemos en la siguiente!