Revista Fandigital Diciembre 2012 - Enero 2013 by Fandigital

vuelve lara: tomb raider se reinventa en 2013 vía reboot

EDICION

iPad

Año IX • Tercera Época

www.fandigital.es

DESCARGA

NUESTRA

APP GRATIS PARA IPHONE

videojuegos

ESPECIAL

WII U

NINTENDO A POR TODAS CINE

CÓMIC

el viaje inesperado de

X-Men

el hobbit

guía de lectura

MÚSICA

vision divine

entrevistamos a olaf thorsen

tecnología

microsoft: ¿Surface xbox? DA EN PORTA IRON MAN, UNA DE LAS ESTRELLAS DE

EL CINE DEL 2013

[ REPASO A LOS ESTRENOS MÁS RELEVANTES ]

Y ADEMÁS

pantalla invisible: caterpillar; lo mejor desde japón; zombie u, hitman absolution,

new super mario bros u; epic mickey 2 ; y lo más DEstacado DE CINE música, VIDEOJUEGOS Y CÓMICS...

NOTICIAS ••• ACTUALIDAD

Kevin Smith se despedirá del cine con ‘Clerks III’ Para despedirse del medio, Smith ha decidido remitirse, quizás con cierta lógica, a su ópera prima, Clerks (1994, en la imagen). Aquella producción de bajo presupuesto y en blanco y negro sobre dos dependientes de un drugstore que le lanzó a la fama, representó una nueva forma de hacer cine independiente, y simbolizó el auge de una nueva y descreída generación de cinéfilos y realizadores. Con la tercera parte de Clerks III, Smith dará la visión definitiva sobre el rumbo que seguirán las vidas de ambos una vez han llegado a los cuarenta, la edad a la que el director acaba de llegar.

Rockstar trabajando en Grand Theft Auto... ¿6?

BREVES>>>>

Rockstar North, encargado de GTA 5, estaría trabajando paralelamente a la esperada quinta parte en el ‘engine’ que serviría de base a las futuras creaciones para Playstation 4 o Xbox 720. Ante los largos tiempos que impone un desarrollo (más ante el potencial que se maneja para la próxima generación), sería la forma de ir haciendo camino para la serie y otros posibles títulos. Por lo que se sabe, ya han iniciado incluso las contrataciones: en un anuncio solicitan “especialistas en arquitectura de vanguardia y sistemas de alto rendimiento”.

Proyecto para convertir el móvil en una consola... doméstica Seis millones de dólares se ha anotado hasta la fecha la start-up de Green Throttle. Su ambicioso proyecto se une a otros de la talla de On-Live y Ouya, innovadores a la hora de lanzarse a materializar el futuro del videojuego. La idea, está concebida como proyecto a largo plazo, y de hecho se entiende que probablemente llegue a hacerse efectiva con futuros móviles. Con apenas un mando y un adaptador especial para televisión, logran que el móvil (o los tablet, que de hecho también forman parte de sus planes) y su catálogo acomodado a través de una aplicación adaptada, sean fácilmente jugables.

¿Nuevo Metroid para Wii U en 2013? Surgen rumores de que el E3 de 2013 será clave a la hora de conocer revelaciones del catálogo de Nintendo. Ahí podrían salir nombres como Zelda (ya en producción, pero con aspecto de irse al 2014), Kirby, y sobre todo, un Metroid a cargo de Retro Studios. Esta entrega se mantendría fiel a la perspectiva subjetiva de los Metroid Prime. Como posible novedad, buscaría nuevas formas de jugar implicando a un segundo usuario (uno con los controles tradicionales de Wii, otro con el Gamepad de Wii U).

Secuela de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ No se espera que vuelvan a colaborar en la maniobra ni Tim Burton ni Johnny Depp, pero sí Mia Wasikowska.

Capcom se hace con la licencia de Los Cazafantasmas para un videojuego... social Con planes de lanzamiento mundial, su salida inicialmente se producirá para soportes iOS: iPad, iPhone e iPod Touch.

‘El laberinto del fauno’ será un musical La película más reputada de Guillermo Del Toro será llevada a las tablas con composiciones de Gustavo Santaolalla (ganador del Oscar por sus bandas sonoras para ‘Babel’ y ‘Brokeback Mountain’) y letras de Paul Williams.

Los 4 Fantásticos volverán al cine en 2015. La página web norteamericana ComingSoon ha desvelado que el reboot cinematográfico de las aventuras del supergrupo de la Marvel, que dirigirá Josh Trank (‘Chronicle’), se estrenará el 6/3/2015.

NOTICIAS ••• ACTUALIDAD

¿David Fincher, o Jon Favreau para Star Wars VII? Después de que durante un tiempo el candidato más firme fuese Matthew Vaughn (Kick-Ass, XMen: Primera Generación), ahora son otros dos pesos pesados los que empiezan a descollar. El primero sería, según muchas fuentes, el gran David Fincher (Se7en, La red social), que inició su carrera elaborando los efectos visuales de Star Wars Episodio VI: El Retorno del Jedi y que ya trabajó en El curioso caso de Benjamin Button con otras de las productoras del Episodio VII, Kathleen Kennedy. El otro director en liza ahora mismo es Jon Favreau, quien de hecho manifestaba hace bien poco su interés descarado por el Episodio VII.

La secuela de ‘The Host’, confirma su llegada al cine Uno de los títulos más excitantes de los últimos años en un registro tan agotado en apariencia como es el de las “películas de monstruos” fue The Host (Gwoemul, en la imagen), una producción surcoreana de 2006 que combinó el ataque prototípico de una criatura extraña -surgida en este caso del río Han a la altura de Seúl- con el humor y hasta la crítica sociopolítica. Era de esperar una segunda parte, y en efecto The Host 2 estará lista el año próximo. Se desconocen su fecha de estreno exacta y su argumento. Su director será el debutante Park Myeong-Chan.

Rumores por partida doble: Playstation 4 y Xbox 720 Los rumores no se cortan: Playstation 4 se llamaría Omni, llegaría en septiembre a 399 dólares en el pack más simple (y por 450 con juego). Juegos como Uncharted 4 y Killzone 4, aparecen como referentes en su lanzamiento. Adicionalmente, habría opción de ‘retrocompatibilidad’ pero con un coste: haciendo uso de Omnicloud, cualquier título del catálogo acabaría siendo en cualquier terminal Playstation. En el caso de Xbox 720, se habla de un potencial más salvaje: “hasta cuatro o seis veces más que Wii U”. Usaría Kinect 2 y vendría con un precio significativamente más alto: 499 dólares mínimo.

El creador de The Walking Dead aprueba el juego de Activision “No estoy tan involucrado, porque es cosa de Activision”, explica Kirkman, que sí tuvo más que aportar en la entrega de aventuras de Telltale. “Podría ser algo que valiera la pena”, añade a propósito del FPS, género que hasta hace poco cuestionaba como idóneo por el poder de Call of Duty. Como es sabido, los protagonistas serán el cazador sureño Daryl Dixon y su hermano Merle, aspecto con el que Kirkman se siente cómodo pues da libertad argumental y opciones de profundizar en ambos personajes.

Gus Van Sant escribe una película de acción. El director de ‘Elephant’ y ‘Mi nombre es Harvey Milk’ ha desvelado que está completando un film de artes marciales con elementos superheroicos, que protagonizará una chica.

Veremos ‘Padre de familia’ en los cines. El gran éxito de ‘Ted’ ha hecho que su guionista y director, Seth MacFarlane, tenga mano libre ahora mismo en el seno de Universal. Y MacFarlane pretende aprovechar la oportunidad para llevar a la gran pantalla la serie animada.

Ian McKellen y Patrick Stewart volverán a encarnar a Magneto y Charles Xavier. En ‘X-Men: Días del Futuro Pasado’, que prepara Bryan Singer de cara al estreno del film en julio de 2014.

BREVES>>>>

Ninja Theory desmiente los rumores sobre un nuevo Onimusha Según varias fuentes, estaban trabajando en un Onimusha para la nueva generación, algo que desde Twitter han desmentido tajantemente.

ACTUALIDAD EN IMÁGENES ACTUALI

Up... ¡y a volar! En el programa ‘¿Cómo de duro sería?’ de National Geographic se plantearon cómo de duro sería hacer volar una casa. Y, oye, lo consiguieron. ¿Dónde pagarán ahora la contribución?

STEVE WOZNIAK SE ALÍA con MACHETE El prota de Machete se ha hecho con el socio más inesperado posible. El ex-amiguito de Steve Jobs y cofundador de Apple, protagonizará con él -virtualmente, se entiende- un videojuego para iOS que tiene lugar en Fusion City. ¿El argumento? Pues Mr.Trejo ayuda a Wozniak a rescatar a su señora esposa, secuestrada por unos maleantes. Una especie de Double Dragon, vaya. A la venta desde el pasado día de acción de gracias.

X-Termination Poco se sabe aún de él, pero parece que el próximo evento marveliano tendrá mucho que ver con el final de los Imposibles X-Force de Rick Remender. Las primeras teorías apuntan a un choque entre realidades y a la venganza de los personajes provenientes de la Era de Apocalipsis.

Remake de ‘El vuelo del navegante’ Sí, todo el cine será ‘rehecho’. Colin Trevorrow (‘Safety Not Guaranteed’) será el responsable de una nueva versión del clásico de 1986, sobre un niño que viajaba al futuro. La película original fue uno de los muchos productos nacidos a la sombra del cine juvenil de George Lucas y Steven Spielberg.

a tortas entre viejas glorias De mascotas de Capcom y Sega en los 80, a personajes condenados a recibir protagonismo únicamente batiéndose en un crossover de cómic. Duro pero cierto.

ACTUALIDAD EN IMÁGENES ACTUALIDA ZOMBIELAND LO ANUNCIÓ... Y no hizo falta un apocalipsis zombie (sólo uno financiero): se acabaron los Twinkies, el delicioso bollo que obsesionaba a Tallahassee, coprotagonista intepretado por Woody Harrelson. La crisis se los ha llevado por delante.

Pattinson dispuesto a ser jar jar binks ...con tal de salir en una de las nuevas de Star Wars. Superado el fenómeno crepúsculo, el actor empieza a tener claro lo oscuro que pinta el panorama y mostrar su desesperación por apuntarse a cualquier otra saga taquillera. DEAD OR ALIVE... Y SUS “TRAJES” EXTRA La quinta tanda de descargas digitales para Dead or Alive 5 viene con atuendos tan sugerentes como este para sus protagonistas. ¿Esto no era un juego de lucha? ¿de veras es práctico para dar tortas?

un ford fiesta de videojuego

El Fiesta ST, según confiesan en Ford (con intención más o menos promocional) se ha inspirado en “diseños de videojuego”.

Tyreese llega a ‘The Walking Dead’ Tyrese, uno de los personajes principales del cómic, ya tiene quien le interprete. Será el actor Chad Coleman.

GTA V, ya casi... La próxima primavera, si un retraso de última hora -como los que padecimos con el IVno lo evita, el título más esperado estará de vuelta para hacer diabluras.

ACTUALIDAD EN IMÁGENES ACTUALIDAD coche de bond impresioNA...DO. Lo más impresionante del Aston Martin de Bond en Skyfall es la tecnología con la que fue creado: impresión 3D. Sí, se trata solo de una maqueta para la escena en que no sale muy bien parado. Se hicieron 3 súpermaquetas, cada una con 18 partes montadas con funcionalidad para abrir puertas, maleteros etc.

LA OTRA PORTADA

FRASES CÉLEBRES

“Fui al productor de Bond a preguntarle y dijo que no.” si podía hacer una a finales de los 70 por dirigir una película de Bond. Steven Spielberg, explicando su interés Disciplinado él, no volvió a preguntar.

ESPECIAL DE CINE: PORTADA ALTERNATIVA

EDICION

iPad

Año IX • Tercera Época

www.fandigital.es

CINE

“Un oficinista suele tener remordimientos por lo que no ha llegado a hacer en su vida. Los músicos de jazz no.”

PORTADA ALTERNATIVA

CÓMIC

PORTADA

ALTERNATIVA

videojuegos

PORTADA ALTERNATIVA

Ben Sidran, músico de jazz. De momento no se arrepiente de no ser oficinista.

“No puedo interpretar a He-Man porque es mucho más guapo que Thor” Chris Hemsworth. Humor de guapos. O algo.

MÚSICA

PORTADA ALTERNATIVA

A EN PORTAD

“Creo que es algo bonito que los amateur puedan crear y vender a un dólar.” Satoru Iwata, presidente de Nintendo. Bonito mientras no le afecte el Mario, se entiende.

Y ahora sí...

tomb raider [ sí, otra vez portada ]

Y ADEMÁS

“Fue una señal de que podía ser diferente. Un sello de tu propia autenticidad.” en 1957. Porque las Bruce Springsteen, recordando cómo fue ver a Elvis en el Ed Sullivan Show estrellas del rock, también tienen -y provocan- epifanías.

tecnología

¿PORTADA?

fenómeno a las ventas de

CONCEPTO DE PORTADA DE LOS VENGADORES, CONCEPTO DE PORTADA DE LOS VENGADORES,

CONCEPTO DE PORTADA DE LOS VENGADORES, CONCEPTO DE PORTADA DE LOS VENGADORES...

I’M SEXY AND I KNOW IT

Lara Croft siempre viste, más con versiones tan ‘de carne y hueso’. No obstante, y puesto que la reinvención de Tomb Raider con la consiguiente nueva imagen de Lara estaba sobrepublicitada, mejor buscar algo distinto y tirar por la vía del cine.

DIRECTOR: Miguel Giner Barceló REDACCIÓN: Ángel Briz Rueda, Ángel Gil Montoro, Antonio Nuñez, Cesc Guimerà, Diego Matos, Diego Salgado, Diego Sánchez, Elisa G McCausland, Enrique Alpañes, Inma Valls, Jaime Mora, Javier Jiménez Jiménez, JBA, Jesús Casañas López, Jorge Nuñez, José María Pérez Cuajares, J.J.Palacios, Miguel Ruiz,Neptuno64, Pedro Kat, Ramiro Calvo, Rodrigo Arizaga, Samu González. DISEÑO: Carles Riera Edición IPAD/IPHONE: Alfonso Palacios TELÉFONO / FAX: 963 523 943

NOTAS DE PRENSA: fandigital@fandigital.es ENVIOS MATERIAL: Apartado de Correos 1978 - 46080 Valencia NUEVOS REDACTORES: colaboradores@fanzinedigital.com

>>>>Siguenos en

www.fandigital.es/facebook

www.fandigital.es/twitter

Todos nuestros contenidos actualizados a diario en:

www.fandigital.es

ORIAL • EDIT

•

La Guerra de los galácticos

tenimiento, permitió que o de que los grandes Disney engullera a Marvel son cada vez más granen lo que está lejos de ser des, y los pequeños cada vez el único plato del menú. más pequeños, es uno de los Apenas iniciada la digestión, rasgos más característicos de llega el segundo plato y con la época actual, un síntoma LucasFilms se hace con un de desequilibrio del que nuevo repertorio difícilmente puede salir de merchandising algo bueno. El patrón se (esto del cine es repite a todos los niveles: desde la distribución de riqueza con unos pocos reinando sobre No sabemos si la nola crisis de unos muchos, ticia de la adquisición a los equipos deportivos destacados frente a los de Lucasfilms pilló a que les siguen, pasando George Lucas maqui-como hemos nombrado nando alguna revisión en numerosas ocasionespor las marcas de renom- de alguna de las entrebre frente a aquellas que tratan de hacerse con uno. gas de Star Wars... Este último factor, con o sin recesión, estando poco más ya que parte de la o no en el mejor momento variada oferta, apenas un para la industria del entre-

detalle contable) que incluye cosas como Star Wars o Indiana Jones. No sabemos si la noticia pilló a George Lucas maquinando alguna revisión de alguna de las entregas de Star Wars, si quería poner o quitar algún fotograma, añadir algún efecto visual más o menos sutil. Cabría especular que ha experimentado un alivio, al ser alejado de la fuente de sus neurosis, y los fans más conservadores probablemente prefieran ver su obra libre de su influencia. Si no hacemos caso al refranero popular cuando sabiamente dice “más vale malo conocido, que bueno por conocer”, podemos incluso afirmar que la operación llega tarde, que ojalá el contrato se hubiera firmado antes de que

Lucas boicoteara el guión que Frank Darabont firmó para la última de Indiana, y que pese a la satisfacción de Spielberg, George frustró para darnos con la última e ignominiosa aventura del Doctor Jones. Última hasta el momento, se entiende: si Harrison Ford ha levantado la mano sin dudarlo cuando se ha hablado de la continuación de Star Wars, es únicamente porque ese es el proyecto confirmado en estos momentos. En cuanto toque hablar de Indiana, el rostro envejecido de Indiana no dudará en presentar candidatura (no en vano, en varias ocasiones se ha mostrado dispuesto a hacerlo). Es pronto para saber si con este acuerdo que integra Marvel, Disney, Pixar y LucasFilms, los resultados pueden terminar siendo buenos para el conjunto de la obra, una vez genial, de George Lucas. Apenas se ha sacado todavía el suficiente jugo a Marvel

Es pronto para saber si los resultados pueden terminar siendo buenos para el conjunto de la obra, una vez genial, de George Lucas. (algunos siguen suspirando por entregas anime de Pixar con personajes Marvel), y no hay que rebuscar demasiado a fondo en el cajón de LucasFilms para encontrarse en la división LucasArts a cosas como Monkey Island. Su creador, un Ron Gilbert al que nos hemos referido en varias ocasiones –incluyendo nuestro número anterior– se había quejado con cintas como Piratas del Caribe de las licencias tomadas sin permiso. Sería una buena ocasión para llamarle de nuevo para que hiciese algo a su altura en videojuego… aunque probablemente antes

veríamos película –esta vez en su nombre–, serie de dibujos animados… o más y más trilogías Star Wars. Si la cosa se desmadra –caso probable– quizá por el camino nos den algo medianamente digno.

FANDIGITAL.ES/CINE

ESPECIAL

Por Diego Salgado

2013:

Un año de cine ué veremos en 2013? Basta con atender a lo que ha sido más taquillero en 2012. Faltan por saber a la hora de escribir estas líneas las recaudaciones que obtendrán 'El hobbit: Un viaje inesperado' y 'Los miserables'. Sin duda, cuantiosas. Pero, debido a la fecha en que se estrenan el primer jalón de la trilogía inspirada en el relato de J.R.R. Tolkien y la versión fílmica del musical teatral homónimo, sus taquillajes computarán el año próximo. Por lo demás, en el año que ahora termina han triunfado en todo el mundo las adaptaciones de cómics ('Los vengadores', 'El caballero oscuro: La leyenda

Mientras siguen entonándose cantos del cisne por la viabilidad del cine, por la pérdida de sus esencias, un vistazo a la cartelera del año próximo no hace más que darnos esperanzas en el futuro.

renace', 'The Amazing SpiderMan'); las películas de animación ('Ice Age 4: La formación de los continentes', 'Brave', 'Lorax: En busca de la trúfula perdida', 'Hotel Transilvania', 'Madagascar 3: De marcha por Europa'); las franquicias, inspiradas hasta en juegos de mesa ('Skyfall', 'Resident Evil: Venganza', 'Battleship', 'Prometheus'); las comedias chuscas ('Ted', 'American Pie: El reencuen-

tro'); la mirada contemporánea sobre relatos clásicos ('Blancanieves y la leyenda del cazador', 'Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa'); el cine de acción cargado de testosterona ('El legado de Bourne', 'El invitado') o que peina canas ('Venganza 2: Conexión Estambul', 'Los mercenarios 2'); las fantasías desatadas al servicio de los efectos digitales ('Ira de Titanes', 'John Carter'); los productos para jóvenes basados en sagas pseudo-literarias ('Los juegos del hambre'); las secuelas, deudoras con descaro de la explotación de un valor de marca ('Hombres de Negro 3', 'La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte II'), los reciclajes culturales teñidos de nostalgia ('Sombras tenebrosas', 'Infiltrados

en clase'); los reestrenos justificados por la conversión al 3D ('Buscando a Nemo', 'Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma'); y los productos con buen rollito y una falsa pátina artística para los maduritos ('The Artist', 'Intocable'). Un panorama, como puede apreciarse, muy similar al de las últimas temporadas. Por supuesto, no faltarán los títulos adultos, los conceptos originales, el audiovisual de autor, y también nos haremos eco de ese tipo de películas en este reportaje. Pero no cabe engañarse, el rumbo del cine lo decide el público mayoritario, hoy por hoy adolescente y/o sin ganas de partirse la cabeza. Una propuesta como el drama 'The Master', que ha sido acogido en Estados Unidos con críticas entusiastas y se contará entre lo más premiado de la temporada, le costó a su autor, Paul Thomas Anderson, años sacarla a flote, y llegará a España tras infinitas incertidumbres en enero de 2013, cuatro meses después de su estreno en Estados Unidos. Con el problema de la piratería digital sin resolver, se trata de decisiones suicidas por parte de las distribuidoras. El problema citado, el hecho de que el cine no sea ya sino otra ventana de entretenimiento que abrir en nuestros El rumbo del cine lo dispositivos electrónicos, muerte de una forma decide el público mayo- la orgánica de concebir el ritario, hoy por hoy ado- espectáculo y la narrativa, hacen casi natural que lescente y/o sin ganas la industria, tanto da si de partirse la cabeza. norteamericana o internacional, apueste por lo seguro y por los especta-

dores que todavía tienen presente el cine como herramienta social; mayormente, los jóvenes, pero también la tercera edad, como demuestran esas películas hechas a su medida y cada vez más frecuentes: 'Amor', 'El exótico Hotel Marigold', 'Un amigo para Frank', 'Golpe de efecto'... ¿Está muriendo el cine? ¿Está mutando? Las películas que hemos nombrado hasta ahora y las que saldrán a colación en el grueso de este artículo dan a entender que lo segundo. Otra cosa es que nos satisfagan o no las nuevas formas que va adoptando la imagen, incluso la que presume de pura y comprometida con el medio; pero eso, en realidad, no es importante. Lo que conocemos por cine continuará, nos guste o no. O desaparecerá, y tampoco será tan grave. Otras formas de ocio se harán en el futuro. En lo que a uno respecta, coincide con el crítico norteamericano David Thompson cuando ha escrito: "Estamos volviendo, en el estado actual agonizante y a la vez fértil del cine, a lo que se entendía por películas antes de 1914, cuando la audiencia se conformaba con un puñado de gags, trucos, curiosidades, el simple impacto de la luz sobre la pantalla. De la misma manera, hoy por hoy el audiovisual ofrece maravillas mezcladas con lo grabado por cualquier cámara de seguridad y fragmentos de porno. Si analizas lo que cualquier chaval disfruta a diario en las pantallas de hoy, la lección puede ser desconcertante, pero en ningún caso cabe deducir de muerte del cine sino, por el contrario, de una condición histérica de la imagen". Quedan muchos años, si es que alguna vez ocurre, para que de todo este maremágnum audiovisual pueda dar lugar a un discurso lúcido, comprensivo y coherente. Mientras tanto, limitémonos a preguntarnos: ¿Nos sigue apeteciendo ir al cine? Si es así, acompañadnos.

CINE Y CÓMIC

Imposible no comenzar nuestro repaso a lo que veremos en 2013 con la sinergia que está generando más beneficios al cine, aunque sea a costa a lo mejor de condenarlo al frikismo y quién sabe si a la extinción a medio plazo. Nos referimos, claro, a su ligazón con el cómic, que ha derivado en 2012 en tres fenómenos comerciales tan incontestables como 'Los vengadores', 'El caballero oscuro: La leyenda renace' y 'The Amazing Spider-Man', respectivamente la primera, segunda y cuarta películas más taquilleras de 2012 en todo el planeta. El título más obvio que citar es EL HOMBRE DE ACERO (estreno: 21 de junio), apuesta de Warner por el relanzamiento de uno de los personajes insignias de la DC tras el fiasco de 'Superman Returns' (2006), con Zack Snyder ('Watchmen', 'Sucker Punch') como director y el sacrosanto Christopher Nolan (artífice de la última trilogía

Batman) como productor, argumentista y controlador absoluto de la cinta. En principio, deberíamos estar ante un éxito incontestable, pero hay algunas nubes en el horizonte: el actor escogido para encarnar al Hombre de Acero, el inglés Henry Cavill, está lejos de convencer a muchos, Snyder no goza de demasiado aprecio como director, y Nolan acaba de manifestar en 'El caballero oscuro: La leyenda renace' que su insistencia en lo grave y lo alegórico no siempre se salda con grandes resultados. Más sólida será previsiblemente IRON MAN 3 (26 de abril), tercera aventura del Hombre de Hierro encarnado por Robert Downey Jr. Guy Pearce y Ben Kingsley interpretarán a los villanos Al-

Lo más destacable de ‘Iron Man 3’ es que se trata de una co-producción de Estados Unidos con China, y que Jon Favreau ha sido sustituido como director por el asimismo co-guionista del film Shane Black

drich Killian y El Mandarín, y Máquina de Guerra -a quien presta sus rasgos Don Cheadle- y Rescue -armadura táctica bajo la que actúa Pepper Potts, es decir, Gwyneth Paltrow- parece que tendrán roles relevantes. Lo más destacable de 'Iron Man 3' respecto a sus predecesoras es que se trata de una co-producción de Estados Unidos con China, y que Jon Favreau ha sido sustituido como director por el asimismo co-guionista del film Shane Black, que ya trabajase con Robert Downey Jr. en 'Kiss Kiss, Bang Bang'. No faltan en este apartado otras continuaciones, casi siempre también con un director diferente y peor al del film original: En 300: RISE OF AN EMPIRE (9 de agosto), Noam Murro sustituye a Zack Snyder, aunque una novela gráfica de Frank Miller vuelve a ser el germen del proyecto; esta vez, Miller y por tanto Murro narrarán el enfrentamiento entre el emperador persa Jerjes (de nuevo interpretado por Rodrigo Santoro) y

un militar griego, Temistocles (el desconocido Sullivan Stapleton); en KICK-ASS 2: BALLS TO THE WALL (23 de agosto), Jeff Wadlow reemplaza a Matthew Vaughn para seguir contando las aventuras de Dave Lizewski, Hit-Girl y demás personajes creados por Mark Millar, con Jim Carrey y ¡Nicolas Cage! en cometidos secundarios; en THOR: THE DARK WORLD (15 de noviembre), Alan Taylor es el sustituto de Kenneth Branagh tras la cámara y Malekith, interpretado por Christopher Eccleston, el nuevo enemigo de Asgard; Dean Parisot toma el relevo de Robert Schwentke en RED 2 (estreno USA: 2 de agosto), más peripecias de los veteranos agentes secretos ideados para las viñetas por Warren Ellis y Curly Hammer e interpretados por Bruce Willis, Helen Mirren, Morgan Freeman y John Malkovich; solo repite al frente de una continuación Robert Rodríguez, que, después de años, ha logrado sacar adelante SIN CITY 2: A DAME TO KILL FOR (estreno USA: 4 de octubre), basada en la historieta del universo Sin City obra de Frank Miller que da título al film y también en 'Just Another Saturday Night'. En lo relativo a THE WOLVERINE (estreno USA: 23 de julio), es difícil discernir si se trata de un reboot, una secuela, un spin-off... y seguramente no importa. Hugh Jackman vuelve a encarnar al mutante más carismático del universo Marvel en una historia que acontece en Japón, que dirige James Mangold en lugar del inicial-

con él en los cómics Frank Miller, sin duda uno de los protagonistas del año. Conviene no olvidarse de 2 GUNS (estreno USA: 16 de agosto), basada en un cómic de Steven Grant, sobre un agente de la DEA y un oficial de inteligencia naval que combaten a la mafia; Denzel Washington y Mark Wahlberg serán los protagonistas del film, que dirige el islandés Baltasar Kormákur, con quien Wahlberg ha trabajado en la reciente 'Contraband'. Ni de YO, FRANKENSTEIN (estreno USA: 13 de septiembre), que ha escrito Kevin Grevioux a partir de su propio cómic y que involucra al monstruo creado por la escritora Mary Shelley en una batalla entre clanes monstruosos e inmemoriales; Aaron Eckhart, Bill Nighy, Miranda Otto y el propio Grevioux integran su reparto. Ni siquiera conviene desdeñar por si acaso ZIPI Y ZAPE Y EL CLUB DE LA CANICA (4 de octubre), adaptación en imagen real de las historietas de José Escobar, a cargo de Oskar Santos en tanto director y guionista y Álex Angulo y Claudia Vega entre los actores.

GRANDES ESPECTÁCULOS

En lo relativo a THE WOLVERINE (estreno USA: 23 de julio), es difícil discernir si se trata de un reboot, una secuela, un spinoff... y seguramente no importa.

mente previsto Darren Aronofsky, y que proyectará una imagen del personaje deudora de lo que hizo

Si estamos hablando de que el cine popular se asemeja cada vez más a una barraca de feria, sería lógico continuar apuntando los títulos de 2013 que más darán que hablar en ese aspecto, que menos dependen del género y el relato al que se adscriben en apariencia y que más apuestan por el poder primigenio de las imágenes. Sin ir más lejos, el 4 de enero se estrena en España CIRQUE DU SOLEIL: WORLDS AWAY, que, como indica su título, lleva a la pantalla con la tecnología puesta a su disposición por el mismísimo James Cameron las acrobacias de la troupe que ha hecho del circo otra cosa, a medio camino entre la carpa y el escenario conceptual. La película ha sido dirigida

por Andrew Adamson, responsable previo de las dos primeras entregas tanto de la saga 'Shrek' como de 'Las crónicas de Narnia', y no recoge montajes previos del Cirque du Soleil sino uno especialmente creado para la ocasión. En cuanto a G.I. JOE: LA VENGANZA (27 de marzo), segunda película inspirada en la línea de muñecos infantiles de Hasbro tras la minusvalorada 'G.I. Joe' (Stephen Sommers, 2009), cifra todos sus atractivos a la vista del tráiler en una batalla asimismo circense en la alta montaña, así como en las presencias de Bruce Willis, Dwayne Johnson y, en especial, el musculadísimo y muy de moda Channing Tatum. 'G.I. Joe: La Venganza' ha visto retrasado su estreno nueve meses, lo que ha afectado gravemente a exhibidores y licenciatarios de marketing y le costará lo suyo a Paramount Pictures en penalizaciones. Una estrategia que ha respondido no solo a la conversión a 3D de la película, también a su desastrosa recepción obtenida en sus primeros pases de prueba, y al miedo consiguiente de sus responsables a que su estreno coincidiese en la cartelera USA con 'Prometheus', 'Brave' y 'Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros'. Paramount se vio obligada a rodar escenas añadidas con el citado Channing Tatum, cuya aparición en el grueso del metraje habían echado en falta los espectadores "cobaya". Malas vibraciones, en definitiva. Mucha más confianza parece brindar STAR TREK INTO DARKNESS (17 de mayo), segunda incursión de J.J. Abrams en el universo trekkie, aunque el creador de 'Perdidos' tuviese sus más y sus menos con los directivos de Paramount Pictures debido a las prisas que estos querían meterle a la producción de la película para aprovechar el impacto de la primera, estrenada en 2009. Finalmente, Abrams se salió con la suya e 'Into Darkness' ha retrasado casi un año su fecha inicial de exhibición, planeada para junio de 2012. Las expectativas están puestas no solo en las escenas filmadas para IMAX sino en el villano del film, que encarnará el británico Benedict Cumberbatch (el 'Sherlock' televisivo) y que podría ser Khan, uno de los personajes más

Mucha más confianza parece brindar STAR TREK INTO DARKNESS (17 de mayo), segunda incursión de J.J. Abrams en el universo trekkie

memorables del universo creado en 1966 por Gene Roddenberry. Otra película que a tenor de sus primeras imágenes ofrecerá un espectáculo total, aunque en este caso no todo el mundo está de acuerdo en que eso sea algo bueno, es GUERRA MUNDIAL Z (2 de agosto), adaptación del best-seller homónimo de Max Brooks que imaginaba una invasión de muertos vivientes a nivel épico, planetario; en el avance de la película -que también ha sufrido retrasos debido a la reescritura de su guión y a casi dos semanas de filmaciones añadidas una vez concluido el rodaje oficial- podemos ver a los zombies actuando casi como hormigas gracias a unos efectos digitales cuya calidad se ha puesto en duda. Además, los fans de la novela argumentan que esta tenía un carácter coral, mientras que la película está centrada en el personaje que encarna Brad Pitt, productor asimismo de 'Guerra Mundial Z'. Todos estos cambios e inseguridades que comentamos tienen mucho que ver, como ya hemos apuntado, con la dichosa crisis económica y el miedo de los grandes estudios a la deserción progresiva del público de las salas. También ha sido víctima de estas circunstancias EL LLANERO SOLITARIO (19 de julio), que llegó a ser cancelada

ejecutivos de Warner Bros. Un producto al que las tres dimensiones le sentarán de maravilla será BATTLE OF THE YEAR: THE DREAM TEAM (estreno USA: 13 de septiembre), un título que está haciendo gran ostentación de dicho formato en su publicidad y, lógicamente, mucha menos de sus actores (Josh Holloway, Josh Peck) o su director (Benson Lee). Y es que 'Battle of the Year' es una ficción arquetípica en torno al B-boying, estilo de baile callejero que se practica en grupo y que ha dado lugar a una prestigiosa competición internacional. Las escenas vistas en el tráiler son brillantes. También puro disparate visual es lo que cabe esperar a estas alturas de JACK RYAN y 47 RONIN (ambas caen el 25 de diciembre). La primera es un reboot de la franquicia basada en las novelas de espionaje de Tom Clancy; Chris Pine, es decir, el capitán Kirk de la referida 'Star Trek Into Darkness', será quien preste sus rasgos al analista de la CIA Jack Ryan -tras hacerlo antes Alec Baldwin, Harrison Ford y Ben Affleck-, secundado por Keira Knightley, Kevin Costner y Kenneth Branagh, director asimismo de una película que se ambientará en Rusia por aquello Verbinsky, Depp y el productor Jerry Bruckheimer de complacer a los espectadores de aquellas latituhan accedido a rebajar sus salarios y a que han sido des, últimamente más animosos que los occidentacortadas algunas secuencias caras, podremos ver les. este western humorístico basado en los personajes Lo mismo cabe decir de '47 Ronin', que ubica su creados por George W. Trendle, de larga pervivencia acción en la Japón del siglo XVIII y que contará lo en la cultura popular estadounidense. de siempre (pero también en 3D), el enfrentamienPACIFIC RIM (12 de julio) es todo lo contrario, to entre samuráis traicionados y nobles feudales un producto relativamente original -monstruos corruptos; Keanu Reeves vuelve de la tumba como surgidos de las profundidades luchan contra humaprotagonista y Carl Rinsch (protegido de Ridley nos que controlan gigantescos robots- que aspira Scott, su ópera prima pudo ser 'Prometheus') debuta claramente a convertirse en franquicia multimedia, como realizador. Quién sabe si no será también su y de hecho ya se ha puesto última película: como consecuensobre la mesa una concia de la inexperiencia de Rinsch, tinuación. Su director es el descontrol presupuestario y el Guillermo del Toro, que ha rodaje de escenas añadidas dio logrado concretar así uno de Del Toro ha tenido ya lugar a que la posproducción la los infinitos proyectos en los controlase finalmente la ejecutiva que ha estado involucrado que pasar por el aro de Universal Donna Langley. desde 'Hellboy II: El Ejército en un aspecto que A todos estos títulos hay que Dorado' (2008). Aunque sumar los reestrenos, únicamente consideraba esencial, ha declarado que espera basados en su conversión a las tres otorgar a 'Pacific Rim' más la conversión a 3D de dimensiones y la limpieza de sus calidad de la esperable en la película, que él no imágenes, de la versión Disney de una superproducción, Del 'La sirenita' (13 de septiembre), Toro ha tenido ya que pasar quería pero a la que le 'Star Wars: Episodio II - El Ataque por el aro en un aspecto forzaron los ejecutivos de los Clones' (13 de septiembre) y que consideraba esencial, 'Star Wars: Episodio III - La Venganla conversión a 3D de la de Warner Bros. za de los Sith' (11 de octubre). película, que él no quería pero a la que le forzaron los por Disney en agosto de 2011 debido a su abultadísimo presupuesto, 250 millones de dólares, que el estudio se negaba a financiar pese a que al frente de la película estuviesen el director Gore Verbinsky y el actor Johnny Depp, artífices de la popular franquicia 'Piratas del Caribe'. Finalmente, gracias a que

CINE LITERARIO

En la mayor parte de los casos, como veréis enseguida, se trata más bien de cine literario juvenil: la gran repercusión de 'Crepúsculo', Harry Potter y 'El Señor de los Anillos' ha disparado la producción de películas basadas en fenómenos literarios para adolescentes y, aunque no siempre terminan de funcionar, son en cualquier caso terreno abonado para otro bombazo. Es el caso, por supuesto, de LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS (22 de noviembre), segunda entrega de la franquicia ideada por la novelista Suzanne Collins. Una película que se puso en marcha tan rápido que el director de 'Los juegos del hambre', Gary Ross, renunció a continuar tras la cámara, lo que poco ha importado al estudio Lionsgate: Francis Lawrence ('Constantine', 'Soy Leyenda') ha sido contratado para realizar no solo 'En llamas' sino también 'Sinsajo', último libro de Collins... que se dividirá en dos partes en su adaptación cinematográfica para seguir exprimiendo la vaca lechera, como ya

hiciesen las citadas Crepúsculo y Harry Potter. PERCY JACKSON: SEA OF MONSTERS (16 de agosto) demuestra que, aunque el éxito no sea tan aparente, también parece seguir justificando continuaciones; en este caso han pasado casi tres años de 'Percy Jackson y el ladrón del rayo', arranque de las películas inspiradas por los libros de aventuras mitológicas de Rick Riordan, pero al fin se estrena una secuela que cuenta con casi el mismo reparto del film original (Logan Lerman, Alessandra Daddario...) y un director si cabe más mediocre que el de aquel (Chris Columbus). Nos referimos a Thor Freudenthal, que cuenta entre sus "ilustres" precedentes con 'Hotel para perros' (2009) y 'El diario de Greg' (2010). THE HOST/LA HUÉSPED (22 de marzo) es un

PERCY JACKSON: SEA OF MONSTERS (16 de agosto) demuestra que, aunque el éxito no sea tan aparente, también parece seguir justificando continuaciones.

intento de explotar la novela homónima, obra de Stephenie Meyer en principio más adulta que las celebérrimas aventuras de Bella Swan y el vampiro Edward Cullen; su género es, más o menos, la ciencia ficción, contando la historia de la invasión de la Tierra por parte de unos alienígenas que controlan nuestras mentes. El romance, de cualquier manera, no sé hará esperar. La mayor ventaja de 'The Host' respecto de 'Crepúsculo' reside en su excelente elenco: Saoirse Ronan, Diane Kruger, William Hurt, Frances Fisher... HERMOSAS CRIATURAS (8 de marzo) y CAZADORES DE SOMBRAS: CIUDAD DE HUESOS (23 de agosto) también cuentan con buenos intérpretes, pero por lo demás responden punto por punto al modelo más aburrido de literatura para jóvenes y su preceptiva adaptación para el cine. Integran en papeles secundarios el reparto de 'Hermosas criaturas', relato gótico imaginado por las escritoras Kami García y Margaret Stohl, Viola Davis, Emma Thompson, Emmy Rossum, Jeremy Irons... 'Ciudad de Huesos' inicia el periplo por la saga literaria fantástica de Cassandra Clare, quien imaginó que nuestra realidad está soterradamente llena de demonios y otras criaturas fantásticas; la protagonizan Lily Collins y Lena Headey, y su director es Harald Zwart ('The Karate Kid', 2010). De todo este pelotón de películas para púberes, las más interesantes pueden ser LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO (1 de febrero) y WARM BODIES (13 de abril). La primera probará si Emma Watson y Logan Lerman pueden sobrevivir como actores a dos franquicias ya nombradas, Harry Potter y Percy Jackson, en un relato atípico sobre adoles-

Con ‘Oz, un Mundo de Fantasía’, Disney tratará desvergonzadamente de repetir la jugada de la ‘Alicia en el País de las Maravillas’ dirigida por Tim Burton en 2010, que recaudó en todo el mundo la friolera de mil millones de dólares. centes alienados que ha escrito y dirigido Stephen Chbosky a partir de su propia novela. La segunda es una historia de amor entre un zombie y una humana viva (sic) que imaginó el novelista Isaac Marion y que ha trasladado a imágenes Jonathan Levine, interesante director de 'Seducción mortal' (2006) y '50/50' (2011). Además, como señalábamos al principio de este apartado, hay adaptaciones literarias para adultos, aunque sean las menos y sea dudoso que respondan en taquilla como se desearía: ANA KARENINA (15 de marzo), basada en la novela homónima sobre el adulterio de León Tolstoi, reúne a la actriz Keira Knightley y el director Joe Wright por tercera vez tras ‘Orgullo y Prejuicio’ y ‘Expiación’; LA SOLEDAD DE LOS NÚMEROS PRIMOS (27 de marzo) ha ido retrasando su exhibición en España la friolera de tres años, por lo que, con toda seguridad, los interesados en ver cómo ha quedado en imágenes el insólito romance entre dos bichos raros que escribió Paolo Giordano ya se habrán hecho con la película por vías alegales; GRANDES ESPERANZAS (también 27 de marzo), nueva versión de la novela homónima de Charles Dickens con Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter; EL GRAN GATSBY (17 de mayo), arriesgadísima nueva adaptación del clásico literario sobre la riqueza y la decepción amorosa obra de F. Scott Fitzgerald, que el director de ‘Moulin Rouge’ (2001) y ‘Australia’ (2008), Baz Luhrmann, ha concretado con esplendor digital y tres dimensiones, amén de un reparto encabezado por Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Tobey Maguire, Isla Fisher y Joel Edgerton; y MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES (estreno USA: 7 de junio), adaptación de la obra homónima de Shakespeare que el hoy en la cresta

de la ola Joss Whedon filmó con un presupuesto ínfimo, mayormente en blanco y negro, en apenas dos semanas, y con un reparto compuesto por amigos como Nathan Fillion y Amy Acker.

FANTASÍAS

No todo es el simple espectáculo, o el espectáculo disfrazado de relato. Las películas de estreno en 2013 que comentamos en este apartado tienen sus pies firmemente aposentados en la fantasía, valga la paradoja; en cuentos más o menos inmemoriales que, como hemos comentado en el prólogo, la contemporaneidad está obsesionada por reinterpretar para arrojar luz sobre nuestro convulso presente. Por supuesto, lo visual está muy presente en estos films, pero también el peso de la tradición cultural. Quizás la más esperada sea OZ: UN MUNDO DE FANTASÍA (15 de marzo), con la que Disney tratará desvergonzadamente de repetir la jugada de la 'Alicia en el País de las Maravillas' dirigida por Tim Burton en 2010, que recaudó en todo el mundo la friolera de mil millones de dólares. En esta ocasión, la base argumental la aporta el universo fantástico del novelista L. Frank Baum, cuya mejor interpretación fílmica hasta la fecha fue obra en 1939 de Victor Fleming et altri. Veremos si Sam Raimi (realizador); James Franco, Rachel Weisz, Mila Kunis y Michelle Williams (intérpretes); y un mastodóntico presupuesto y aparato de producción, pueden replicar la magia del film protagonizado antaño por Judy Garland o, al menos, los beneficios de la Alicia de Burton. Sea taquillera o no 'El Hobbit: Un viaje inesperado', ya sabemos que el 13 de diciembre de 2013 llegará a los cines EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG (13 de diciembre), segunda parte de la improvisada trilogía inspirada por los textos

de J.R.R. Tolkien, siempre con Peter Jackson a los mandos. Por su parte, el guionista Chris McQuarrie y el director Bryan Singer (colaboradores previamente en 'Sospechosos habituales' y 'Valkiria') tratarán de convertir en franquicia la adaptación sui generis del cuento tradicional 'Jack y las habichuelas mágicas' que han pergeñado en JACK EL CAZA GIGANTES (15 de marzo), con Nicholas Hoult, al que veremos asimismo en 'Warm Bodies', en el papel principal. Por último, una cinta que huele a fracaso, aunque podemos equivocarnos dados sus protagonistas, Gemma Arterton y Jeremy Renner: HANSEL 'n GRETEL: CAZADORES DE BRUJAS (8 de marzo), especie de secuela del cuento folklórico alemán recopilado por los hermanos Grimm sobre dos

hermanos atrapados por una bruja; el guionista y director noruego Tommy Wirkola ha imaginado que los niños del cuento dedicaban su vida a cazar brujas y espectros, y Paramount Pictures le ha concedido sesenta millones de dólares para que haga su visión realidad.

EL FIN DEL MUNDO

En contraposición a fantasías de tono, por mucho que actualmente se oscurezca, a la postre optimista, continúa presente en el cine comercial la obsesión con el Apocalipsis, plasmado de todas las maneras imaginables. 2013 seguirá ofreciéndonos ejemplos de ello, aun a costa de generarse películas muy similares: THE END OF THE WORLD (14 de enero) y THE WORLD'S END (25 de octubre) no solo tienen títulos casi idénticos -suponemos que antes o después algu-

Con Hansel y Gretel

na de ellas el guionista y direccambiará el tor Tommy Wirkola ha suyo-, sino que ambas imaginado que los niños se mueven del cuento dedicaban además en el terreno de su vida a cazar brujas y la comedia. espectros, y Paramount 'The End of the World' ha concedido 60 milloha sido nes de dólares. urdida por el cómico Seth Rogen, y resulta curiosa por cuanto en su film el acabose del mundo sorprenderá en una fiesta a un montón de celebridades... encarnadas por ellas mismas: el propio Rogen, James Franco, Emma Watson, Rihanna y un largo etcétera de rostros conocidos. 'The World's End' es la tercera colaboración conjunta de los británicos Edgar Wright, Simon Pegg y Nick Frost tras 'Zombies Party' y 'Arma Fatal', suponiendo de hecho una suerte de final para una trilogía compuesta según Wright, Pegg y Frost por los tres títulos; su escenario será un prototípico pub inglés. Más dramática será LOS ÚLTIMOS DÍAS (27 de marzo), en la que los hermanos David y Álex Pastor, que tuvieron que irse a Estados Unidos para filmar su ópera prima, otro film apocalíptico ('Infectados'), por fin han conseguido volver a su Barcelona natal; aunque para sumir a la ciudad en ruinas, como consecuencia de un misterioso evento al que tendrán que dar explicación José Coronado, Marta Etura, Quim Gutiérrez y Leticia Dolera. Y de decididamente extrema se puede calificar AFTER EARTH (7 de junio), que han protagonizado Will Smith y su retoño Jaden a las órdenes de un auténtico especialista en fines del mundo, M. Night Shyamalan ('Señales', 'El bosque', 'El incidente'); en 'After Earth', un padre y su hijo efectúan un aterrizaje forzoso en nuestro planeta, pero cuando la especie humana lo ha abandonado mil años antes. Se inicia así una aventura de supervivencia con tintes metafísicos que permitirá comprobar si el director de 'El sexto sentido' y 'El protegido' es capaz de levantar cabeza tras cosas como 'Airbender, el último guerrero' (2010).

TERROR

Y si el fin del mundo inquieta, ¿cómo no va a hacerlo el puro terror? En nuestra introducción no lo hemos mentado porque nunca figura, debido a sus peculiares características, entre lo más taquillero de cada año, y porque el público español es especialmente timorato y nada representativo de la influencia del género. Pero este es extremadamente rentable, tiene unos espectadores muy fieles y siempre ansiosos por ser llevados a nuevas cotas de sensaciones fuertes. El terror está tan vivo que a lo largo de 2013 propiciará el estreno de hasta tres parodias: A HAUNTED HOUSE (11 de enero), que se burlará del metraje encontrado que ha popularizado la saga 'Paranormal Activity'; SCARY MOVIE 5 (5 de abril), que sigue la senda oportunista de sus predecesoras; y la más interesante, JOHN DIES AT THE END (estreno USA: 25 de enero), en la que uno de los iconos del terror contemporáneo, el director Don Coscarelli ('Phantasma', 'El señor de las bestias') se ríe de sí mismo y de ciertas claves del género en un estilo, eso sí, discutible, que remite al de la serie 'Supernatural'. En cuanto a las propuestas "serias" (o involuntariamente cómicas, que en el terror es algo habitual), no deja de sorprender un fenómeno general que en este apartado es plaga: las secuelas y los remakes. Entre las primeras, PARANORMAL ACTIVITY 5 (25 de octubre), EL ÚLTIMO EXORCISMO 2 (estreno USA: 1 de marzo) e INSIDIOUS 2 (estreno USA: 1 de julio). Entre los segundos, LA MATANZA DE TEXAS 3D (estreno USA: enero), CARRIE (15 de marzo) y POSESIÓN INFERNAL (17 de mayo). Lo más original en este ámbito pueden ser MAMÁ (8 de febrero), ópera primera del argentino Andrés Muschietti basada en su propio corto ho-

mónimo que produce Guillermo del Toro y protagoniza Jessica Chastain, historia de un monstruo que pretende recuperar para sí a la que considera su hija, una niña acogida en un hogar suburbial; y THE CONJURING (11 de octubre), nueva realización del artífice precisamente de 'Insidious' y su secuela, James Wan, con Vera Farmiga y Patrick Wilson como intérpretes.

ANIMACIÓN

Otro registro de enorme salud en el cine contemporáneo, otro aluvión de títulos para 2013. No faltarán por supuesto las secuelas, como MONSTRUOS UNIVERSITY/MONSTRUOS S.A. 2 (21 de junio), GRU: MI VILLANO FAVORITO 2 (5 de julio) y LLUVIA DE ALBÓNDIGAS 2 (27 de septiembre), ni un spin-off como PLANES (14 de agosto), derivado de la saga 'Cars' que tiene como personajes digitales a aviones. Pero también nos toparemos con películas más originales de lo que cabía esperar. Así por ejemplo, FUTBOLÍN/METEGOL (26 de julio), muy ambiciosa producción argentina con el balompié como argumento que supone el debut en la animación del reputado Juan José Campanella ('El hijo de la novia', 'El secreto de sus ojos'). O THE CROODS (22 de marzo), comedia prehistórica de DreamWorks que cuenta entre sus voces originales con las de Nicolas Cage, Ryan Reynolds y Emma Stone. O EPIC: EL MUNDO SECRETO (30 de agosto), realización digital de Blue Sky/Fox sobre un universo en miniatura con las voces de Amanda Seyfried y Josh Hutcherson.

El público español es especialmente timorato y nada representativo de la influencia del género de terror. Pero este es extremadamente rentable, tiene unos espectadores muy fieles.

CIENCIA FICCIÓN

Dejar constancia también de ESCAPE FROM PLANET EARTH (estreno USA: 14 de febrero), casi una inversión del argumento de la cinta española 'Planet 51' (2009); ya que sale a colación el tema, JUSTIN Y LA ESPADA DEL VALOR (23 de agosto) es una fantasía medieval de producción española dirigida por Manuel Sicilia ('El lince perdido', 2008) y con las voces de Saorsie Ronan, Freddie Highmore y Antonio Banderas. FROZEN (estreno USA: 27 de noviembre) será la inevitable cuota Disney, adaptación del cuento de Hans Christian Anderson 'La reina de las nieves' con Kristen Bell como voz principal. Y MR. PEABODY 'n SHERMAN (20 de diciembre) es de nuevo una producción DreamWorks, que versiona para el cine una célebre serie animada emitida en la televisión hace medio siglo, centrada en los viajes en el tiempo de un niño superdotado y su perro.

Hay dos géneros a los que les sientan de maravilla las recesiones económicas. Uno es la ciencia ficción El otro es el cine negro

Hay dos géneros a los que les sientan de maravilla las recesiones económicas. Uno es la ciencia ficción, de la que vamos a ocuparnos en este apartado. El otro es el cine negro, cuyas propuestas inminentes repasaremos a continuación. Empecemos en lo que toca a la ciencia ficción con GRAVITY (estreno USA: 18 de octubre), esperadísima nueva película de Alfonso Cuarón ('Harry Potter y el prisionero de Azkaban', 'Hijos de los Hombres') que en unos cuantos planos secuencia relatará los intentos por volver a la Tierra de un grupo de astronautas cuya nave ha estallado en mitad del espacio. Sandra Bullock y George Clooney son los rostros de un relato que ya ha sido comparado por su ambición a '2001: Una Odisea del Espacio' (1968). No menos grandiosa puede EL JUEGO DE ENDER (1 de noviembre) si se respeta lo que planteaba la novela de Orson Scott Card en que se inspira, es decir, el entrenamiento con final sorpresa a que son sometidos jóvenes humanos en un futuro distante para salvar a la humanidad de una despiadada especie alienígena. Card ha continuado 'El juego de Ender' con ni más ni menos que trece ficciones más, por lo que obviamente esta producción de Lionsgate en la que aparecerán Harrison Fod, Ben Kingsley, Hailee Steinfeld y Abigail Breslin y que dirige el sudafricano Gavin Hood, quien tras dar la campanada con 'Tsotsi' (2005, ganadora del Oscar a la mejor película en habla no inglesa) defraudó en la industria norteamericana con 'Expediente Anwar' (2007) y 'X-Men Orígenes: Lobezno' (2009). Esperemos que remonte con 'El juego de Ender'. También tiene cosas que demostrar otro sudafricano, Neill Blomkamp, del que se alabó hasta lo indecible 'Distrito 9' (2009) y que ha de revalidar su condición de supuesta gran esperanza del género (con permiso de Duncan Jones o el citado Alfonso Cuarón). De Blomkamp veremos ahora ELYSIUM (estreno USA: 9 de agosto), que desarrolla un conflicto de clases en el año 2159. Matt Damon, Jodie Foster, Diego Luna y Sharlto Copley (descubierto precisamente en 'Distrito 9') son sus intérpretes.

También un conflicto, aunque de tintes románticos y casi metafísicos, es el que nos brindará UPSIDE DOWN (8 de febrero), realización internacional presupuestada en sesenta millones de dólares del director argentino Juan Diego Solanas ('Nordeste', 2005) que ha visto retrasada su exhibición varias veces, hasta el punto de empezar a destilar un aroma a producto maldito. Kirsten Dunst y Jim Sturgess encarnan a una pareja que enfrenta su amor al hecho de que viven en mundos enfrentados literalmente... Conviene ver el tráiler de 'Upside Down' para hacerse una idea exacta de lo que ofrece. Ni con eso sería posible hacerse una idea del scope de EL ATLAS DE LAS NUBES (22 de febrero), nueva aventura cinematográfica de los hermanos Wachowski (saga 'Matrix') ambientada, como la novela de David Mitchell en que se basa, en seis momentos espacio-temporales diferentes, lo que ha obligado a Tom Hanks y Halle Berry ha interpretar otros tantos personajes. Una película que ha precisado de un director extra, Tom Tykwer, y que no ha terminado de convencer ni a la crítica ni al público norteamericanos. Aunque bien podría derivar en clásico de culto. Dediquemos también unas líneas a OBLIVION (12 de abril), en la que Tom Cruise interpretará a las órdenes de Joseph Krasinski (‘TRON: Legacy’) a un militar humano destinado en un planeta extraterrestre; a UN AMIGO PARA FRANK (estreno: 24 de mayo), que relata cómo en un futuro cercano un anciano víctima del Alzheimer entabla una peculiar relación con un sirviente robot; y aRIDDICK (todavía sin fecha de estreno), tercera

La conciencia solo sale a la luz cuando las cosas van mal. Es el estado de ánimo individual y colectivo ideal para el auge del ‘noir’, que volverá a hacer su agosto en la cartelera como siempre que nos sacude una recesión.

película sobre el criminal/héroe interpretado siempre por Vin Diesel a las órdenes de David Twohy, que ha costado casi nueve años sacar adelante pero que a buen seguro esperan muchos fans de esta saga de culto.

CINE NEGRO

La conciencia solo sale a la luz cuando las cosas van mal. Es el estado de ánimo individual y colectivo ideal para el auge del 'noir', que volverá a hacer su agosto en la cartelera como siempre que nos sacude una recesión y descubrimos lo ciegos que quisimos ser cuando las cosas marchaban.

El primer título del que hablaremos es especialmente significativo: PAIN 'n GAIN (estreno USA: 26 de abril), que el director de la descerebrada saga Transformers, Michael Bay, ha querido filmar desde hace mucho tiempo. Una comedia negrísima sobre un par de culturistas (Mark Wahlberg, Dwayne Johnson) implicados en un secuestro que deriva en explosión de violencia, escrita por Stephen McFeely y Chris Markus, ¡guionistas de 'Capitán América: El Primer Vengador'! Es decir, 'Pain 'n Gain' se configura, al menos sobre el papel, como el reverso absoluto del cine mainstream facturado en Hollywood en los últimos tiempos. También es oscura OLDBOY (estreno USA: 11 de octubre), remake del mítico film homónimo dirigido en 2003 por el surcoreano Park Chan-wook, basado a su vez en un manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi. Una durísima historia de venganza con final demoledor que se han atrevido a replicar para el público estadounidense Josh Brolin y Elizabeth Olsen a las órdenes del afroamericano Spike Lee, que podría volver así a la primera división del cine de su país.

(8 de febrero), crónica coral inspirada en hechos reales sobre la lucha de la policía de Los Ángeles a mediados del siglo pasado contra la mafia. Realización de Ruben Fleischer ('Bienvenidos a Zombieland', '30 minutos o menos') con un sobresaliente diseño de producción a tenor de sus primeras imágenes y un reparto impecable: Ryan Gosling, Emma Stone, Sean Penn, Josh Brolin, Giovanni Ribisi... Sin embargo, a 'Gangster Squad' le ha perjudicado un retraso en su estreno forzado por el asesinato de doce personas en un cine de Colorado ocurrido el pasado 20 de julio; en un momento de la película de Fleischer había una secuencia de tiroteos durante una proyección, que ha sido remontada.

JACK REACHER (11 de enero) y PARKER (8 de febrero) recurren a la literatura negra, filón aun más inagotable que el cinematográfico. 'Jack Reacher' Dos son las caracterísACCIÓN pone a Tom Cruise en la piel del Como avanzábamos al ticas del cine de acción investigador marginal imaginado comienzo, dos son las caractepor Lee Child; En 'Parker', Jason que estamos viendo y rísticas del cine de acción que Statham encarna al criminal estamos viendo y continuaremos continuaremos viendo creado por el novelista Donald E. viendo durante el año próximo: Westlake. Statham también es el durante el año próximo: la veteranía de sus protagonistas, protagonista de HUMMINGBIRD la veteranía de sus pro- y el recurso a la testosterona, (estreno USA: 15 de marzo), deparece que necesitada por mubut como realizador del guionista tagonistas, y el recurso chos en los tiempos liofilizados y de 'Negocios ocultos' y 'Promea la testosterona. andróginos que vivimos. sas del Este', Steven Knight, en la No falta Bruce Willis, que que da vida a un antiguo miemvuelve con una quinta aventura bro de las fuerzas especiales que del policía John McClane, LA acaba convertido en mendigo. JUNGLA DE CRISTAL 5: UN DEAD MAN DOWN (estreno BUEN DÍA PARA MORIR (15 de febrero), cuya acción USA: 8 de marzo) constituye el debut en la indusse ubica en Rusia y que dirige el mediocre John Moore tria norteamericana del danés Niels Arden Oplev, ('El vuelo del Fénix', 'Max Payne'). realizador de la 'Millennium' original basada en la obra Tampoco Sylvester Stallone, que se ha hecho con de Stieg Larsson; en 'Dead Man Down', Oplev dirige el poder absoluto de UNA BALA EN LA CABEZA (22 a Colin Farrell y la recurrente Noomi Rapace en una de marzo) en desdoro del director del film, el veterano historia sórdida de amores desesperados y venganza Walter Hill; en esta adaptación de la primera de una sin sentido último que firma J.H. Wyman ('Fringe'). serie de novelas gráficas, 'Du plomb dans la tête', obra En BROKEN CITY (estreno USA: 18 de enero), un de Alexis Nolent y Colin Wilson, Stallone es un asesino ex-policía (Mark Wahlberg, pluriempleado en 2013) a sueldo que unirá fuerzas con un policía contra un se obsesiona con la mujer del alcalde de Nueva York enemigo común. (Russell Crowe), lo que desemboca insospechadamenY otro icono de la acción, Arnold Schwarzenegger, te en una trama corrupta. Dirige Allen Hughes. Y en volverá a lo grande tras sus escándalos personales y RUNNER, RUNNER (estreno USA: 27 de septiembre), sus casi cameos en las dos entregas de 'Los merceBen Affleck y Justin Timberlake ocultan bajo fachadas narios' con THE LAST STAND (estreno USA: 18 de respetables a tipos involucrados en el juego ilegal; enero), en la que se enfrentará a un señor de la droga dirige el film Brad Furman, cuya anterior ejercicio (¡Eduardo Noriega!) como sheriff de una pequeña 'noir', 'El inocente/The Lincoln Lawyer', fue muy bien localidad; dirige debutando en la industria USA el acogido por la crítica. surcoreano Kim Jee-won ('I Saw the Devil'). Terminamos esta sección con GANGSTER SQUAD

En THE TOMB (estreno USA: 27 de septiembre), aparecerán juntos Stallone y Schwarzenegger como presidiarios empeñados en escapar de una cárcel de alta seguridad.

A quien no le baste con estas raciones de acción nostálgica, puede tenerla por partida doble en THE TOMB (estreno USA: 27 de septiembre), donde aparecerán juntos Stallone y Schwarzenegger como presidiarios empeñados en escapar de una cárcel de alta seguridad. Un proyecto a la medida de ambos en cuyo reparto figuran también Jim Caviezel, Vincent D'Onofrio y Sam Neill y que dirige el sueco Mikael Håfström ('1408', 'El Rito'). Y partida doble, pero de invasión de la mismísima sede de la presidencia de los Estados Unidos, es lo que ofrecerán tanto OLYMPUS HAS FALLEN (5 de abril) como ASALTO A LA CASA BLANCA (6 de septiembre), que como ocurre a veces en Hollywood han coincidido en plantear un mismo escenario, la toma de la Casa Blanca por terroristas y la lucha desigual contra ellos de un agente de la ley a lo John McClane: en 'Olympus Has Fallen', dirigida por Antoine Fuqua, Gerard Butler; en 'Asalto a la Casa Blanca', de Roland Emmerich, Channing Tatum. Y tres últimos títulos: NOW YOU SEE ME (estreno USA: 7 de junio), que enfrenta al FBI contra un grupo de magos que no solo deleita al público sino que emplea sus trucos para robar a los ricos y dárselo a los pobres; Louis Leterrier ('El increíble Hulk', 'Furia de Titanes') dirige a Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Isla

Fisher, Morgan Freeman y Mark Ruffalo. THE FAST AND THE FURIOUS 6 (24 de mayo), nueva entrega de una franquicia de acción automovilística que arrancó entre menosprecios pero que se ha ganado un creciente culto popular. Sobre todo, desde que Justin Lin se ocupó de su realización y los guionistas abandonaron todo asomo de lógica, convirtiéndola prácticamente en un serial, en el que las escenas de persecuciones son absolutamente inverosímiles y los personajes mueren y resucitan a placer. En este sexto episodio estarán Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson, Jordana Brewster, Michelle Rodríguez, Gina Carano, Tyrese Gibson... De la repercusión creciente de Fast 'n Furious da idea que el español Daniel Calparsoro está rodando una versión bastarda, cani y cañí de la misma, COMBUSTIÓN (26 de abril), que mezcla romance, robos de joyerías y coches de alta gama y en la que nos toparemos con Alberto Ammann, Adriana Ugarte y Álex González.

COMEDIA

Lo que se dio en llamar hace un tiempo Nueva Comedia Americana ha mutado en una plétora de títulos que, con 'Resacón en Las Vegas', 'La boda de mi mejor amiga' y 'Ted' como estandartes, amenaza con volar por los aires todo resto de cursilería e infantilismo en el género. La comedia además es barata, por lo que casi todas sus muestras salen rentables, lo que explica que en 2013 haya casi una sobresaturación de títulos. Suponemos que, como suele pasar, antes o después la moda acabará por sucumbir al exceso de oferta. Hablando de 'Resacón en Las Vegas', nos llegará supuestamente el desenlace de la trilogía, RESACÓN 3 (31 de mayo), de la que solo se sabe a fecha de hoy que no involucrará al 'Wolfpack' que integran Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis ni en bodas ni en despedidas de solteros. Los rumores apuntan a que la acción transcurrirá en los hogares de los susodichos

(la primera Resacón ocurría en Las Vegas, la segunda en Tailandia), o en un manicomio (sic). Abundarán también en este ámbito las continuaciones: THIS IS 40 (8 de febrero) sigue la pista pasados unos años de Pete (Paul Rudd) y Debbie (Leslie Mann), personajes secundarios en uno de los mayores éxitos del guionista y director Judd Apatow, 'Lío embarazoso' (2007). NIÑOS GRANDES 2 (12 de julio) es continuación directa de la taquillera comedia familiar de 2010, asimismo protagonizada por Adam Sandler y Kevin James. Y THE BIG WEDDING (estreno: 5 de julio) es otra de esas comedias corales montadas en torno a una celebración en la línea de 'Historias de San Valentín' y 'Noche de fin de año' (2011), que plagan rostros conocidos: Robert De Niro, Diane Keaton, la inevitable Katherine Heigl... Tampoco son de extrañar las reuniones de monstruos de la comedia, con un guión que luego está en muchos casos decepcionantemente por debajo de sus posibilidades interpretativas, esperemos que no sea así en estos títulos: En THE INCREDIBLE BURT WONDERSONE (estreno USA: 15 de marzo), Jim Carrey y Steve Carell son dos magos de Las Vegas que compiten con un nuevo ilusionista y por el amor de Olivia Wilde ('TRON: Legacy'). En THE HEAT (estreno USA: 5 de abril), Sandra Bullock y Melissa McCarthy son agentes de la ley muy diferentes, pero obligadas a colaborar para detener a un criminal. Seth Rogen y Barbra Streisand son un hijo inventor y su estrafalaria madre en UN DESMADRE DE VIAJE (10 de mayo). Jason Bateman y de nuevo Melissa McCarthy son en IDENTITY THIEF (9 de agosto) un

Tampoco son de extrañar las reuniones de monstruos de la comedia, con un guión que luego está en muchos casos decepcionantemente por debajo de sus posibilidades interpretativas.

hombre y una mujer que resultan tener el mismo nombre, lo que la segunda aprovecha para exprimir las tarjetas de crédito del primero. Y en THE INTERNSHIP (13 de septiembre), Owen Wilson y Vince Vaughn son dos cuarentones parados que tratan de reciclarse como becarios (sic) en una empresa de informática. Dos títulos algo diferentes parecen ser LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA (13 de septiembre), ambiciosa nueva propuesta de Daniel Sánchez Arévalo ('Gordos', 'Primos') que trata de establecer un diagnóstico social de nuestro país a partir de su embrutecida fijación con el fútbol con Antonio de la Torre, Verónica Echegui, Roberto Álamo y Quim Gutiérrez, entre sus intérpretes; y LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (estreno USA: 25 de diciembre), arriesgada nueva versión del clásico de 1947 con Danny Kaye en la piel de un escritor apocado, que Ben Stiller no solo pasa a protagonizar junto a Sean Penn y Kristen

Wiig, sino que también dirige, como ya hiciese en 'Zoolander' y 'Tropic Thunder'.

CINE ADULTO

El lector que haya llegado hasta aquí habrá podido comprobar que las películas comentadas hasta ahora, con su mayor o menor interés sobre el papel, apelan a códigos muy establecidos, a fórmulas dirigidas por añadidura a targets de público muy estudiados. Pero, quien quiera ver otro tipo de cine, por difícil que pueda parecer como decíamos al principio su estreno o su visionado, lo tendrá a su disposición. 2013 arranca de hecho ni más ni menos que con THE MASTER, reflexión de Paul Thomas Anderson sobre las religiones organizadas, premiada en Venecia; ZERO DARK THIRTY, que la ganadora del Oscar Kathryn Bigelow ha consagrado a la busca y

captura de Osama Bin Laden; LINCOLN, biopic sobre el presidente estadounidense a cargo de Steven Spielberg; PROMISED LAND, segunda colaboración del actor Matt Damon y el director Gus Van Sant tras 'El indomable Will Hunting'; BEYOND THE HILLS, del cineasta Cristian Mungiu, drama sobre dos mujeres criadas en un orfanato que ganó en Cannes los premios a la mejor actriz (compartido por Cosmina Stratan y Cristina Flutur) y al mejor guión; DJANGO DESENCADENADO, western referencial de Quentin Tarantino con Jamie Foxx y Leonardo DiCaprio; FLIGHT, el regreso a la imagen real de Robert Zemeckis, con Denzel Washington en la piel de un piloto no tan heroico como parece tras salvar a los pasajeros de su avión; AMOR, Palma de Oro en Cannes, crónica sobre la vejez de Michael Haneke; SIDE EFFECTS, intriga sobre los efectos de las adiciones farmacológicas en el que Steven Soderbergh dirige a Jude Law y Rooney Mara; LIKE SOMEONE IN LOVE, que el venerado cineasta iraní Abbas Kiarostami ha rodado en Tokio con Rin Takanashi; TABÚ, drama romántico del portugués Miguel Gomes premiado en los festivales de Las Palmas y Berlín; AYER NO TERMINA NUNCA, nueva película de Isabel Coixet, historia de una pareja (Candela Peña y Javier Cámara) marcada por la

crisis económica... Todas ellas, salvo cambios, se estrenan en nuestro país en enero o febrero. Pero habrá más a lo largo del año: STOKER (estreno USA: 1 de marzo), primera película estadounidense del surcoreano Park Chan-wook ('Old Boy'), turbia intriga psicológica con Mia Wasikowska y Nicole Kidman; LOS AMANTES PASAJEROS (8 de marzo), que constituye el regreso de Pedro Almodóvar a la comedia, con un reparto espectacular que lideran Penélope Cruz, Antonio Banderas, Paz Vega y Guillermo Toledo; TWELVE YEARS A SLAVE (septiembre), que reúne al director y el protagonista de 'Shame', Steve McQueen y Michael Fassbender, en un relato sobre la esclavitud en el que también figuran Chiwetel Ejiofor, Paul Dano y Brad Pitt; CAPITÁN PHILLIPS (estreno USA: 11 de octubre), crónica del encuentro hace un tiempo de un barco de bandera estadounidense con piratas somalíes, con Tom Hanks como protagonista y Paul Greengrass tras la cámara; o SAVING MR. BANKS (estreno USA: 20 de diciembre), recreación de los problemas habidos durante el rodaje de 'Mary Poppins' (1964) con, de nuevo, Tom Hanks (encarnando esta vez a Walt Disney), Colin Farrell, Emma Thompson, Paul Giamatti y Jason Schwartzman.

FANDIGITAL.ES/CINE

CRÍTICA

Por Diego Salgado

El luchador

¡Rompe Ralph! os años ochenta son historia. Y no nos referimos a que no pinten nada en nuestro presente. Al contario. A medida que quienes fueron niños por entonces acceden en su madurez a la creación cultural, van imponiendo una mirada en los mejores casos menos individual, llorona, autojustificativa, que inquisitiva sobre una época que, para bien y para mal, gestó un hoy del que a su vez ya no forma parte. Los ochenta son el pasado reciente. Una tierra por tanto más incógnita y peligrosa que las previas, ya deglutidas por la cultura y la historiografía. Una tierra en la que se empezó a fraguar la identidad líquida, insustancial, que nos caracteriza, para desgracia paradójica de quienes promovieron tal circunstancia, es decir, quienes vivieron hasta convertirse en estatuas de sal, a tope, aquellos años, despreocupándose de lo que el talante profundamente reaccionario del

momento y su filosofía escapista, prefacio de la virtualidad actual, iba a acarrearnos. En este sentido, ¡Rompe Ralph! podría entenderse ni más ni menos que como una versión infantil y más optimista de The Wrestler, la reciente obra maestra de Darren Aronofsky. El luchador en decadencia Randy Robinson (Mickey Rourke) jugaba incansablemente en The Wrestler a un juego de ocho bits en el que su propio avatar replicaba su carrera deportiva. El protagonista de ¡Rompe Ralph!, un émulo de Donkey Kong al que presta su voz en la versión original del film John C. Reilly, lleva precisamente treinta años repitiendo su rol de villano en un juego de sala recreativa… Randy Robinson se revelaba incapaz de escapar a la imagen férrea de sí mismo que habían forjado él mismo y una visión sociocultural trasnochada, exigente, de lo físico y la masculinidad. Ralph, por el contrario, ansía

Wreck-it Ralph Año: 2012 Duración: 101 min Director: Rich Moore. Guión: Rich Moore,

Phil Johnston, Jim Reardon, Jennifer Lee. Intérpretes Animación Web oficial:

disney.go.com

El ansia del protagonista de ‘¡Rompe Ralph!’ por burlar a su destino y ver premiada su alienante cotidianidad desemboca sin querer en una agria requisitoria contra el presente de los videojuegos... y sus usuarios. cambiar su destino, desempeñar otros papeles, adaptarse a las generaciones posteriores de videojuegos, a los entornos sandbox y la customización de los caracteres… Pero las cosas no serán tan sencillas. La búsqueda por parte de Ralph de un reconocimiento a la ingrata labor que ha ejecutado durante años, su exigencia de un cambio en la mirada ajena que se ha depositado y ha se-

Lo mejor

-Aunque de manera casi siempre involuntaria, es una película llena de apuntes interesantes. Lo peor

-No pasa de ser una propuesta menos divertida de lo que aparenta. Calificación

Para aficionados a las primeras generaciones de videojuegos, que deseen hacer algo más con sus ojos que echar unas lagrimitas nostálgicas.

Ralph descubre cómo puede ganarse su medalla al mérito... en un juego que no es el suyo.

dimentado sobre él, no dejará en evidencia solo el universo de los videojuegos clásicos del que ¡Rompe Ralph! forma parte, también el de esos videojuegos últimos —abrumadores, violentos, inabarcables— que recorrerá en una serie de aventuras mucho más superficiales, simplemente referenciales, de lo que hubiera sido deseable (más teniendo en cuenta que los videojuegos han alcanzado un estatus cultural reconocido con mucha más profundidad por otras instituciones). Y es que del personaje marginal de Vanellope (voz de Sarah Silverman), un glitch o error de programación en uno de los videojuegos que recorre Ralph, Sugar Rush, se deduce una crítica de los juegos actuales y, por extensión, de su correspondiente sociedad: bajo la aparente libertad que disfruta el usuario, bajo la apariencia de inmensas posibilidades de elección y configuración, tan solo se oculta un exceso de programación con la prepotencia de querer abarcarlo

El personaje de la aguerrida Calhoun esconde una crítica nada velada a los videojuegos contemporáneos.

todo, lo que implícitamente está diciendo muy poco sobre la posible heterodoxia del individuo, sobre su capacidad para pensar de manera diferente a como lo hace quien maneja sus hilos; léase, el programador. Como puede apreciarse, si el espectador ve ¡Rompe Ralph! como un chillón espectáculo animado en 3D, quedará moderadamente satisfecho. Si atiende a las resonancias comentadas, o a las que ligan la película a las sagas TRON y Matrix, saldrá mucho más contento. Pensar, en el caso de ¡Rompe Ralph! como en cualquier otro, le procurará más por el precio de su entrada. Así igual en 2040 no tiene que venir otro crítico a tratar de explicarnos, con más o menos torpeza y prepotencia, de qué no nos enterábamos o no queríamos enterarnos en 2012. diegosalgado@fanzinedigital.com

Ralph conoce a Vanellope, error de programación del videojuego ‘Sugar Rush’.

FANDIGITAL.ES/CINE

CRÍTICA

Por JBA

De fábulas y cuentos

La vida de Pi uenta Yann Martel, autor de uno de los mayores éxitos editoriales de la pasada década como es La vida de Pi, que si esta había sido traducida a 42 idiomas, la adaptación cinematográfica ha acabado siendo la número 43. La afirmación de Martel, además de expresar su satisfacción con el salto a celuloide, da sentido a la paciente búsqueda que los productores de la Fox emprendieron para dar con un realizador a medida del relato tras hacerse con los derechos de la adaptación cinematográfica en 2002. Con Ang Lee invirtiendo cuatro años en el proyecto, es fácil dimensionar un estreno que ha seducido a gran parte de la crítica que ha sido generosa en halagos. Curiosamente, la propuesta viene con un etiquetado 3D, que replantea mucho de lo que se ha dicho a estas alturas de un recurso generalmente efectista y superficial. En el caso concreto, podría ser más o menos prescindible, pero sirve para demostrar una

vez más cómo el criterio puede ponerse por encima de los medios sean estos mayores o menores, devolviéndonos a aquello de que no se trata tanto de los ingredientes, como de su correcta administración. Porque el espectáculo puede llegar a cumplir una función si la composición es singularmente bella. La vida de Pi, como película, da forma a una historia que transmite afecto desde las primeras capturas, donde se intuye aquello que el cine de Walt Disney generaba en sus clásicos, si bien madurado por la imagen real y la ambición de dar forma a una fábula con pretensiones. Desde ahí, las singularidades biográficas de un personaje de ficción hecho para ganarse el aprecio del respetable -pese a su indefinición y eclecticismo-, dan pie a un escenario de naufragio en que la ficción se desdobla y nos adentra en un relato que va más allá de la mera distracción hábilmente compuesta. Por un lado, porque Ang Lee lo da

Life of Pi Año: 2012 Duración: 120 min Director: Ang Lee. Guión: David Magee,

basado en la novela de Yann Martel. Intérpretes Suraj Sharma, Tobey Maguire, Irrfan Khan, Tabu, Adil Hussain. Web oficial:

lifeofpimovie.com

Su fantasía cobra sentido dentro de la propia historia y la trasciende, convirtiéndose así en una reflexión sobre el sentido evasivo y enriquecedor de la ficción. todo para componer un escenario hermoso como pocos, en que el poder de la imagen se canaliza por un sentido lírico con el que naturaleza e infografía se alían al conformar lo fantástico. Por otro, porque esa fantasía cobra sentido dentro de la propia historia y la trasciende, convirtiéndose así en una reflexión sobre el sentido evasivo y enriquecedor de la ficción, su capacidad para ser algo más que un divertimento y erigirse en reflejo de las inquietudes

Lo mejor

-El viaje y el relato en dos planos. Lo peor

-Posible abuso discursivo entorno a la fe de su protagonista, que va como va... Calificación

Ang Lee sigue siendo un director especial con una habilidad única para desplegar sus recursos.

Las escenas de Pi, perdido en el mar, a la medida de Ang Lee.

o aflicciones de quien le da forma. Podrá resultar chirriante, pero la última vez que atendimos a una historia contada en dos planos con igual de habilidad, fue en una muestra de cine tan absolutamente distante como es la Sucker Punch de Zack Snyder. Si aquel resolvía el relato de doble capa con su potente artillería visual de estética de videojuego agotador, en el caso de Lee es pasto para su serena lucidez poética, la que le permite seducir con imágenes para el recuerdo, que si llegan a calar es por el vínculo que termina por establecer con el espectador. Es poco frecuente que el cine dé muestras tan hermosas, honestas y complejas, como para pasar el viaje de Pi por alto. Con él Ang Lee vuelve a demostrar que es uno de esos pocos valores cuya generosidad al entregarse a sus obras se mantiene en medio de un entorno cada vez más recurrente. Y ojalá siga así con el paso de los años. Caso contrario, siempre quedará el refugio de cintas como la que nos ocupa.

BATIBURRILLO IDEOLÓGICO.- Pi profesa no una, sino tres religiones. Y el judaísmo “le interesa”. A lo largo del relato asistimos a muchas de sus argumentaciones para creer basándose en sus propias experiencias, si bien al identificar lo contado como relato de ficción, con la opción religiosa, se podría cuestionar el propio discurso de la cinta. ¿Relevancia? La justa: La vida de Pi es una experiencia que se permite jugar con la función de la ficción y relatar desde un simbolismo, algo que ya la hace elogiable.

jba@fanzinedigital.com

El compañero ideal para cualquier viaje... con todo, su función acaba reconducida a simbolismos.

Pi se las ve crudas para sobrevivir. No le bastaba con un naufragio... debía sobrevivir con un tigre.

FANDIGITAL.ES/CINE

CRÍTICA

Por Diego Salgado

Más de lo mismo

El Hobbit: Un viaje inesperado e manera legítima puede que el lector, ante todo, quiera saber si vale la pena ver El Hobbit: Un viaje inesperado y qué precio le conviene pagar por la entrada. Pues bien, Un viaje inesperado sí merece verse, pero, ojo, hay que pensarse muy bien qué significan en la práctica las tres dimensiones, los 48 fotogramas por segundo, el IMAX y demás zarandajas circenses. Porque, al menos en lo relativo al pase de prensa al que asistió este crítico, la proyección dejó que desear. Ante la duda, mejor ahorrarse cinco euros y disfrutar la película en dos dimensiones. El espectáculo estará en todo caso garantizado, incluso igual sale más a cuenta. Por lo demás, no importa lo puntillosos que se pongan los fans de J.R.R. Tolkien, lo talibanes que lleguen a ser los frikis adoradores de sus textos y las correspondientes adaptaciones a cargo de Peter Jackson, El Hobbit: Un viaje in-

esperado es poco más que una revisión de El Señor de los Anillos corregida y aumentada. Es decir, otra película interminable (y eso que ya se han anunciado veinte minutos más para su primera edición en formatos domésticos) sobre gente andando por paisajes maravillosos a la que de vez en cuando atacan criaturas monstruosas, camino siempre de un escenario en el que tendrá lugar la consabida y pesadísima trifulca final entre el Bien y el Mal, allá por una última película que se estrenará dentro de tres navidades. Si hablamos de revisión, a pesar de que teóricamente El Hobbit es un escrito más infantil e intimista que El Señor de los Anillos, además de su precuela, es porque Un viaje inesperado replica el relato (si es que cabe hablar de tal) de La Comunidad del Anillo, sustituyendo a Frodo Baggins (Elijah Wood) por un joven Bilbo (Martin Freeman) y la destrucción del anillo de Saurón por la recuperación de

The Hobbit: An Unexpected Journey Año: 2012 Duración: 169 min Director: Peter Jackson. Guión: Peter

Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo del Toro. Intérpretes Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Hugo Weaving, Andy Serkis Web oficial: thehobbitblog.com

Hablamos de revisión, porque Un viaje inesperado replica el relato de La Comunidad del Anillo, sustituyendo a Frodo Baggins por un joven Bilbo y la destrucción del anillo de Saurón por la recuperación de los tesoros y el hogar de los enanos liderados por Thorin. los tesoros y el hogar de los enanos liderados por Thorin (Richard Armitage). El arranque en La Comarca, esa interesante región que ojalá albergue un día una ficción a lo Agatha Christie o a lo Michael Haneke; la progresiva inmersión en tierras extrañas; la sensación de viaje físico e iniciático; el enca-

Lo mejor

-La película sobrevive a su condición esencial de encargo y de derivado comercial. Lo peor

-Carece de justificación narrativa y hasta de simple existencia. Calificación

Para fan(áticos) de Tolkien, Jackson y los entretenimientos mediáticos de temporada.

Gandalf (Ian McKellen) se encuentra en Rivendel con Galadriel (Cate Blanchett).

denamiento más o menos armonioso de encuentros arbitrarios; la presencia incesante del lugar de llegada como destino ineluctable y ominoso… Todo se repite, como en cierto modo sucedía en el texto de Tolkien, pero con el añadido de la continua intromisión de elementos extraídos de El Señor de los Anillos, por aquello de estrechar lazos entre una trilogía y otra. Y si hablamos de corrección y aumento es porque Peter Jackson se muestra más seguro y sofisticado como realizador en Un viaje inesperado que en El Señor de los Anillos; su concepción de la imagen es más transmedia que como antaño primordialmente cinematográfica; y los efectos visuales son en buena lógica mejores (sobre todo en las escenas ambientadas en las cavernas de los trasgos), aunque en ocasiones den la impresión de que envejecerán tan mal por su atrevimiento como los de El retorno del rey y sus predecesoras. No parecen muchas novedades, teniendo en

Bilbo (Martin Freeman) vence sus reticencias iniciales y corre a unirse a la gran aventura junto a los enanos liderados por Thorin.

cuenta que ha transcurrido casi una década desde que la anterior trilogía llegase a su fin. Pero puede que eso sea justamente lo relevante. Las franquicias de El Señor de los Anillos y Harry Potter implantaron la semilla de lo que a lo largo de toda una década se han revelado nuevas formas de cine popular, que tienen precisamente menos de cine que de gargantuesca maquinaria económica y multiplataforma. Si algo demuestra Un viaje inesperado, título paradójico donde los haya, es que a la fórmula todavía le queda todavía mucho recorrido y no cabe esperar cambios de interés en la misma, salvo en la ya iniciada conversión de la imagen en pura atracción de tenues hilos narrativos. Lo que nos lleva a la enorme pereza que produce pensar en La desolación de Smaug (2013) y Partida y Regreso (2014). diegosalgado@fanzinedigital.com

Gollum (de nuevo interpretado por Andy Serkis) vuelve a tener presencia destacada en la segunda mitad de ‘El Hobbit’.

ESPECIAL

POR EDUARD TERRADES VICENS

aterpillar (2010) es un alegato humanista, que intenta mostrar el día a día de esas familias que durante la segunda contienda sino-japonesa, en 1940, esperaban en sus chabolas el regreso de sus soldados, y en la que el realizador profesa su desidia contra cualquier nacionalismo que implique derramar sangre a cambio de un ideal. El patriotismo exasperado nipón durante la Segunda Guerra Mundial es algo que se enseña en los libros de Historia, pero del mismo modo que por razones culturales no vivimos en nuestras propias carnes ese nacionalismo impuesto de forma totalitaria por un emperador supeditado a las fuerzas imperialistas alemanas, tampoco podemos ponernos en la piel de esos ciudadanos que fueron reclutados para combatir en alguna de las distintas contiendas, siendo una de las más genocidas las que protagonizaron contra el pueblo chino en la zona de Nanking (y cuyo testimonio cinematográfico se recoge en la durísima Ciudad de Vida y Muerte de Lu Chuan, llegándose a prohibirse su estreno en el archipiélago japonés). Kôji Wakamatsu, aunque fuera muy jovencito (nació en 1936), sí ha podido comprender todo ese rencor inculcado en la mente de unos ciudadanos inocentes que defendían a capa y espada la voluntad del Emperador, aunque sea a través de sus familiares directos. En este contexto quiso situar Caterpillar, que asimismo se basa en un desagradable relato corto del escritor de misterio Rampo Edogawa (“Imomushi”, que ya había sido adaptado en anterioridad en el filme coral Rampo Noir y por el mangaka Suehiro Maruo).

Pantalla Invisible:

Caterpillar:

La última voluntad antibelicista de Kôji Wakamatsu. Hace escasos meses nos dejaba uno de los cineastas más underground, revolucionarios y izquierdista que la cinematografía japonesa recuerda en su dilatada historia; un hombre al que le fue vetada la entrada a los Estados Unidos por haber rodado un documental sobre el grupo armado “Nihon Sekigun” (Ejército Rojo Nipón); un “yakuza” retirado que, después de batallar dentro y fuera de la industria cinematográfica para expresar su descontento social con el despotismo político del siglo XX, quiso redimirse espiritualmente con una producción antibelicista no exenta de polémica.

Wakamatsu toma prestado el concepto que expresa Edogawa en su brillante ficción literaria para compartir en imágenes su tesis, menos politizada que de costumbre, en torno a la manipulación que siempre han ejercido los gobernantes contra el pueblo. Ya se posicionó en los

Un soldado mutilado que maltrataba a su esposa y que violó a varias mujeres en el frente chino, es una víctima de sus propias pesadillas. años 60 cuando dio soporte a los movimientos sociales y estudiantiles que se oponían al ANPO (“Anzen Hoshô Jôyaku”, es decir, el Tratado de Mutua Cooperación y Seguridad entre Estados Unidos y Japón), mostrado en algunas de sus radicales pero vanguardistas propuestas fílmicas, como por ejemplo Sex-Jack (1970). Unas manifestaciones que se alargaron durante buena parte de esa década, propiciadas en parte por las “zengakuren” (una federación de varias asociaciones estudiantiles de extrema izquierda), y en las que Wakamatsu se sentía cómodo, al menos en cuanto a los ideales que promulgaban (el documental ANPO: Art X War de Linda Hoaglund resulta muy interesante desde el punto de vista sociológico, ya que explica esos años de descontentamiento social y los motivos de oposición a ese tratado). Ahora que estaba disfrutando de una segunda juventud como cineasta, un esplendor fílmico que, a pesar de suavizar su postulados en contra la supremacía política de unos pocos elegidos, no renegaba de su pasado izquierdista (lo demuestra en el aclamado docudrama United Red Army), se propuso con Caterpillar centrar su discurso antibelicista partiendo de unos lamentables hechos históricos de los que muchos nipones hoy en día se arrepienten. Un discurso pacifista que, como sostiene el propio Wakamatsu, se debe “a que después de rodar United Red Army he comprendido que es imposible cambiar nada a través de la lucha armada; yo he venido hablando y meditando sobre cosas que solo pueden solventarse a través del poder del espíritu humano, no a través de la fuerza militar” (declaraciones recogidas en el libreto de prensa). Unas palabras que reafirman su propósito de

enfocar Caterpillar desde el bando de los vencidos, desde todos aquellos que manifestaron su odio a través del uso de la fuerza y regresaron tullidos, desde el dolor y la redención, desde una óptica que nos invita a reflexionar sobre el sentimiento de soledad que experimentaron todos aquellos que cometieron atrocidades y cargaron a sus espaldas con la culpa. Esa culpa fue conducida por los altos mandos, ya que dejaban que los mercenarios se fustigasen hasta que terminaban minados mentalmente, fenómeno psicosomático que asimismo puede apreciarse en la ideológicamente cuestionable Kamikaze: Moriremos por los que amamos (Taku Shinjo, 2007).

Machismo nipón

En el relato escabroso que readapta Wakamatsu, el propio tirano, un soldado mutilado por las cuatro extremidades que maltrataba a su esposa y que violó a varias mujeres en el frente chino (insertado en algunos flashbacks), es una víctima de sus propias pesadillas. Un ser despreciable que sufre la agonía de haber perdido su rango social y que ahoga su amargor haciendo uso de su virilidad, consumiendo a su mujer con el único miembro que le queda. A través de la relación deteriorada que se establece entre marido y mujer, entre un paralítico que reniega constantemente de su pasado y una dama marginada por su propia sociedad al haber de cargar con un militar que ha regresado del frente en vida sin cometer “seppuku” (suicido ritual), Wakamatsu reflexiona

EDICIONES DISPONIBLES Editado en Francia en DVD (zona 2) bajo el título de Le Soldat Dieu, en una edición que incluye un libreto de 20 páginas, el making of y un documental sobre su desembarco en el Festival de Berlín. También disponible en Estados Unidos en DVD (zona 1).

sobre la misoginia y el patriotismo mal entendido latente en una sociedad que siempre se la ha catalogado (un poco injustamente y sin mucho conocimiento de causa) como de machista, a pesar del poder secreto, escondido, de la mujer japonesa. De hecho, es la propia esposa (interpretada de forma muy hiperbólica por Shinobu Terajim) quien tiene el dominio de la situación, la que se rebela ante la nueva condición (física y mental) de su marido. Aun así, Wakamatsu ha querido focalizar su crítica ante el dominio machista, reinante en un momento crucial de la historia de Japón, extrapolándolo a los mensajes políticamente incorrectos que hace un par de años surgieron de la boca de Shintaro Ishihara, conservador gobernador de Tokyo y cineasta ocasional. Según Wakamatsu decidió mostrar esa relación de amor-odio en el filme porque “en la sociedad japonesa, este tipo de relación entre los hombres y las mujeres solían considerarse normal. Incluso hoy en día, un miembro del parlamento puede hacer declaraciones sobre la base de esta forma de pensar obsoleta, que las mujeres solo sirven como máquinas de producir hijos”.

Del erotismo a la reivindicación

La violencia sexual siempre ha sido un tema que ha obsesionado a Wakamatsu, sobre todo porque empezó en el séptimo arte por allí en 1963 en rodajes de “pinku eiga”, ese cine erótico que intentaba mostrar otros aspectos que no tenían nada que ver con la sexualidad a la que hace gala su nombre. La dominación que el hombre solía someter a la mujer en sus filmes más chocantes (el más representativo de ellos The Embryo Hunts in Secret, de 1966, en donde el SM se da de la mano con la lucha de sexos) eran metáforas de cómo el poder político sometía a los ciudadanos más desfavorecidos, a las clases obreras y por supuesto a las mujeres, que hasta entonces habían vivido recluidas en sus hogares (algo que Yasujiro Ozu mostraba muy bien en sus enrevesadas historias familiares, rompiendo una lanza a favor de la mujer trabajadora cuando incorporó en alguno de sus argumentos la figura de la chica joven asalariada). En Caterpillar se invierten las tornas: el marido incapacitado, como un gusano de seda que está esperando su metamorfosis, asiste a las humillaciones de su esposa, cansada de haberlo complacido y con la voluntad de emanciparse de esa carga de mugre y carne al que se ha visto reducido su marido después de regresar de la guerra. Pero como apuntábamos antes también se vuelca en mostrar ese rechazo ante esa violencia

La polémica tiñó el filme en su momento de estreno por el humor que utilizó al reinterpretar viejas canciones patrióticas. patriótica. Y de hecho, en algún reportaje, se ha llegado a comentar (sin que el propio realizador lo haya confirmado o desmentido) que esta versión libre de uno de los cuentos más populares de Edogawa, es la respuesta política y crítica a los mensajes ideológicos que pueden extraerse de Yûkoku / Patriotism (1966), el único filme dirigido por el también controvertido escritor Yukio Mishima, autor que defendía a capa y espada los valores tradicionales de su país, considerado como uno de los últimos samuráis al cometer “seppuku” en vivo y en directo en el cuartel de las fuerzas de Autodefensa, en Noviembre de 1970. Considero que estos dos filmes son una muestra exacta de los valores y percepciones de cada autor, la antítesis ideológica de las dos caras de la misma moneda, pero no deben ser considerados como un duelo pasional artístico entre dos de los grandes representantes del debate político y sociológico que ha tenido Japón en la segunda mitad del siglo XX.

Inevitable polémica

La polémica tiñó el filme en su momento de estreno, no tanto cuando se presentó en Berlín o recientemente en Sitges, sino por la reaccionaria contestación de algunos ciudadanos y tertulianos de su misma nacionalidad, que no encajaron con humor el que utilizara viejas canciones patrióticas, de contenido belicista, para precisamente criticar ese patriotismo radical. Sin embargo a él le daba absolutamente igual que lo criticasen a sus espaldas. Por desgracia nunca más nos lo volveremos a cruzar por algún callejón de Shinjuku, su ciudad emblema y en donde sufrió el fatídico atropello, pero su testimonio fílmico si cobrará fuerza a partir de ahora, como muestra expositiva de una era de cambios políticos y sociales que ahora parecen repetirse.

blog ‘Pantalla Invisible’ es uno de los de cine que puede leerse semanalmente en fandigital.es

JAPÓN DIGITAL 日本ディヒタル recomendaciones directamente desde Japón

Eiga / 映画 / Cine

OUTRAGE BEYOND (dirigida por Takeshi Kitano) Kitano prosigue con su drama criminal sobre el mundo de la yakuza. En esta secuela de Outrage (estrenada recientemente en nuestro país) encontraremos que algunos de los personajes que aparecían en el primer filme deben forjar nuevas alianzas para seguir adelante con sus negocios criminales. El otrora realizador de Hana-bi varía radicalmente de registro con respecto a su antecesora: la primera hora de metraje está narrada en un tono muy discursivo, sin un atisbo de violencia gráfica, recordando a esos filmes de yakuza de los 90 de Rokuro Mochizuki, y dejando de lado ese anarquismo de Kinji Fukasaku que si podíamos apreciar en la primera parte. Altamente recomendable, a pesar de que debamos repasar la relación de todos los personajes que aparecían en el primer filme. TERMINAL TRUST (dirigida por Masayuki Suo) El cineasta que alcanzó fama por haber dirigido una de las comedias más amables e inclasificables de los últimos 15 años, es decir, la “remakeada” Shall We Dance? (1996), regresa por la puerta grande con un drama hospitalario basado en un relato corto del abogado (y en sus ratos libres novelista) Saku Tatsuki. Esta polémica producción se aleja bastante del estilo cómico de su multi-premiado, para asentar su historia en el departamento de pacientes terminales de un hospital y los quebraderos de cabeza morales de un médico que se está planteando seriamente dar una muerte digna a sus pacientes, a pesar de que eso le conlleve problemas graves con la justicia. Por su temática (la eutanasia) puede recordar a Mar Adentro y entre sus actores encontramos al gran Kôji Yakusho (Memorias de una Geisha). TSUNAGU (dirigida por Yûichirô Hirakawa) Filme nipón tendenciosamente sobrenatural, pero que se decanta hacía el drama familiar, y que adapta la exitosa novela de homónimo nombre de Mizuki Tsujimura. Un relato emotivo que nos pone en la piel de un joven médium que gracias a las enseñanzas de su abuela puede facilitar a los vivos el contactar con sus familiares fallecidos. Un largometraje a destacar sobretodo porque el pasado Octubre se colocó en el número tres del Box Office mensual.

Ongaku / 音楽 / música

9mm PARABELLUM BULLET - Heart ni Hi wo Tsukete Nuevo y esperado por muchos maxi-single de esta banda, que juega con el hard rock y el punk, y en la que se incluyen cuatro veloces temas de corta duración, pero que por el buen rollo que despiertan (sobre todo por la mañanas) compensan su escasez de minutos. El título del maxi corresponde a la segunda de sus canciones y podría traducirse como “Fuego en el Corazón”. ASIAN KUNG-FU GENERATION – Landmark Después de algunos baches en sus últimos álbumes o una búsqueda de nuevas sonoridades, afines siempre con el rock, que no encontraban su razón de ser en el grunge que siempre habían practicado, AJIKAN (como se los conoce amigablemente) vuelven con un trabajo estratosférico: doce temas de rock evocador de un Japón idílico, de ese país que los que lo amamos nos gusta recorrer a pie o en tren para disfrutar de toda su esplendor. Un disco alegre, ideal para escuchar en cualquier momento del día, y con piezas que no te cansarías nunca de escuchar, tales como “All Right Part 2” (el opening del álbum), “N2” (con un gran repique de tambores inicial) o “A to Z”. Uno de los mejores álbumes del grupo.

TÔKYÔ SKA PARADISE ORCHESTRA – Yokubo Estos nueve músicos que combinando todo su instrumental musical forman una de las bandas más poliédricas del panorama actual nipón, vuelven a cargarnos las pilas con un nuevo álbum repleto de temas de ska y blues. Así como en el anterior disco, el ska quedaba un poco relegado a segundo plano por temas más suaves o porque se fusionaba con otros estilos, en este regreso triunfante vuelven a construir un portentoso sonido movedizo ideal para las pistas de baile (atención al tema corto SKAN-CAN, que no elude su pretensión de unir el ska con el baile del cancán). En total 13 temas (3 de ellos cantados) y un tranquilo bonus track de piano solo.

FANDIGITAL.ES/CINE

ESPECIAL

Por Javier J.Jiménez

Stark ya tiene trilogía

Iron Man 3 La película que da el pistoletazo de salida a esa Segunda Fase de películas Marvel vuelve a tener de protagonista al héroe que lo empezó todo. Nuevo director, mayor protagonismo de los secundarios y un villano muy poderoso son las bazas que tiene a su favor.

El reparto

Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes, Kiss Kiss Bang Bang) repite en el que puede ser uno de los mayores aciertos de casting de la historia del cine reciente y vuelve a vestir la ropa de marca de Tony Stark y la armadura de Iron Man. La trecuela de las aventuras del Hombre de Hierro lo situarán en una encrucijada que promete traer tiempos oscuros a la existencia del vengador. Don Cheadle repite en su doble papel de James “Rhodey” Rhodes y Máquina de Guerra. De

hecho, al igual que hará el protagonista, lucirá nueva armadura en la película y ha sido el culpable de muchos de los más rabiosos rumores en Internet. ¿Por qué se parece tanto su nuevo traje al vestido por Iron Patriot en los cómics? Tras su papel en las dos primeras partes de la saga y su fugaz, aunque divertido, paso por Los Vengadores, Gwyneth Paltrow repite como Pepper Potts que seguirá intentando frenar los más desquiciados impulsos de Stark. Ben Kingsley (Hugo) no podía estrenarse mejor en la saga. De hecho, ya era hora de que apare-

¿Por qué se parece tanto su nuevo traje al vestido por Iron Patriot en los cómics?

ciera un peso pesado de los antagonistas del cabeza de lata y El Mandarín promete convertirse en el verdadero Némesis fílmico de Stark. Las primeras imágenes no dejan lugar a las dudas, Kingsley cumplirá con su cometido y lucirá los diez

Lo que sabemos...

Tras su éxito en Los Vengadores, Marvel Studios quería un reseteo de la saga y un director que supiera mantener a Tony Stark y su álter ego como los principales motores de las aventuras fílmicas marvelianas. Aquí es donde entra Shane Black, un director y guionista con probada eficacia en el campo de la acción con inmejorable dosificación del humor, como demuestran Arma Letal, El Último Boy Scout o Kiss Kiss Bang Bang, y un objetivo claro en mente: “Queremos realizar un thriller tecnológico mezclado con una película de crisis situada en el marco actual de guerras internacionales, operaciones encubiertas, armas poderosas y terror. Vamos a llevar a Stark a un lugar oscuro que podría compararse con la cueva que vio nacer a Iron Man. Metafóricamente hablando, por supuesto.” Una de las historias que parece haber influenciado fuertemente esta trecuela es Extremis, realizada por Warren Ellis y Adi Granov, que contaba como el robo

anillos que le dan su poder. Pero, ¿por qué luce en el cuello un tatuaje que recuerda al escudo del Capitán América? Otra misteriosa incorporación a la saga es la protagonizada por Guy Pearce que parece estar especializándose en oscuros personajes sorpresa. ¿Las posibilidades? Uno de los rumores más extendidos es que interpretará a Aldrich Killian, creador del virus Extremis que parece estar en el centro de la trama del film. El otro, aunque nos gustaría que fuera cierto, parece esperanzada especulación: Pearce realizaría un cameo como ¡Henry Pym! También tendremos a Wang Xueqi , actor de origen chino que interpretará a Chen Lu/El Hombre Radioactivo, James Badge Dale (Infierno Blanco), como Eric Salvin que en los cómic terminó transformándose en ColdBlood-7, o el retorno de Jon Favreau, director de las dos anteriores entregas, como Happy Hogan.

de un virus nanotecnológico, una especie de reemplazo del suero del supersoldado, ponía en peligro el mundo y cambiaba por completo la manera de Stark de convertirse en su personalidad superheroica.

Lo que esperamos... La llegada de la aventura definitiva de Iron Man en la gran pantalla. El buen pulso para la acción y el humor de Black, la inmejorable capacidad de Downey Jr. de imbuirse en la piel de Stark y la elección de un increíblemente poderoso villano como antagonistas han sido los culpables de que la película ya suene como la mejor de la saga. Pero, ¿conseguirá responder a tantas expectativas? Además, el comienzo de la Segunda fase marveliana promete grandes dosis de los cameos y la interactividad que han convertido las producciones Marvel en el sueño de los aficionados.

UN HÉROE INIGUALABLE.- Robert Downey Jr. sigue siendo el principal reclamo para Iron Man, que ha visto reforzado su protagonismo en el cine de superhéroes a cada entrega, incluyendo Los Vengadores.

El origen de los guardianes

En la mente del asesino

Año: 2012 Duración: 97 min • Director: Peter Ramsey• Guión: David

Año: 2012 Duración: 100 min • Director: Rob Cohen • Guión: Marc

Lindsay-Abaire • Intérpretes: Animación • Web oficial: www.riseoftheguardians.com

Moss, Kerry Williamson • Intérpretes Tyler Perry, Matthew Fox, Edward Burns, Jean Reno • Web oficial: www.alexross.com

La novela de William Joyce – ganador además este año del Oscar al mejor cortometraje de animación, por The fantastic flying books of Mr Morris Lessmore– en que se basa encuentra una buena traslación a la pantalla, donde sus creaciones se nos presentan llenas de color, atrayéndonos desde el mismo momento en que aparecen. La animación no busca aproximarse a las directrices de Pixar –tan a la baja últimamente, por otra parte–, sino que brilla con luz propia y gana enteros gracias a su dinamismo. Una trepidante aventura repleta de acción.

Con alguien como Rob Cohen en la dirección, lo cierto es que pocas sorpresas cabían esperar. Nos hallamos ante un producto digno del realizador de títulos como A todo gas (2001), xXx (2002), Stealth: La amenaza invisible (2005) o La momia 3 (2008). El desarrollo de la trama no ofrece sorpresas, y todo transcurre por los cauces del cine de acción más torpe y deslavazado. Aunque hay que valorar el esfuerzo de Matthew Fox por desmarcarse del papel que le dio la fama en Perdidos –perdiendo más de 15 kilos de peso–, lo cierto es que únicamente el secundario Edward Burns cumple.

NOTA:

6,5

NOTA:

César debe morir

Fin

Año: 2012 Duración: 76 min • Director: Paolo y Vittorio Taviani• Guión:

Año: 2012 Duración: 90 min • Director: Jorge Torregrossa • Guión:

Paolo y Vittorio Taviani • Intérpretes Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, Juan Dario Bonetti • Web oficial: www.golem.es

Sergio G. Sánchez, Jorge Guerricaechevarría. • Intérpretes Maribel Verdú, Daniel Grao, Clara Lago, Blanca Romero, Antonio Garrido, Carmen Ruíz, Miquel Fernández, Andrés Velencoso-

Experimento cinematográfico con fuerte acento sociológico que traslada el desarrollo de la acción a una cárcel italiana. Los protagonistas de esta extraña función son los propios presidiarios del penal, quienes interpretan una suerte de fantasía teatral mientras transitan por sus celdas, por el patio o por los pasillos del edificio carcelario. Es como si estuviéramos viendo una obra de teatro cualquiera pero con la diferencia de que el espectador es consciente de que los actores son criminales. Los Taviani han plasmado una obra inaudita que no sólo se preocupa en la ejecución del discurso shakespeariano sino que lo aúna junto con otro más revelador, aunque éste sea dejado al libre albedrío de quien lo mira.

No es fácil realizar cine de género en nuestro país, y las comparaciones con los modelos americanos suelen ser motivo de sonrojo. Sin embargo, si la industria debe levantarse es principalmente siguiendo esquemas como este: una premisa llamativa que llame la atención del espectador, llenando las salas en la medida de lo posible. Si además logramos que la impresión final sea buena, tal vez consigamos que dicho espectador regrese en breve para visionar otro producto facturado en la piel de toro.

NOTA:

7,5

Por desgracia las intenciones no lo son todo, y Fin acumula más defectos que virtudes.

NOTA:

¿Y qué hay de Superman?

ecientemente explicaba Christopher Nolan -elevado a la categoría de autoridad en esto de las adaptaciones de personajes de cómic- que Súperman “es el personaje más grande del cómic y necesita la mejor versión posible en el cine”. Algo que, a su juicio, Zack Snyder (al que él mismo eligió como director) “lo está haciendo; va a ser algo importante realmente”. En la misma entrevista, al responsable de la trilogía de Batman le preguntan por las claves para lograr llevar a Súperman a buen puerto, interpretando que tras lo realizado con El Caballero Oscuro, Nolan puede convertir en éxito cualquier planteamiento de héroe de cómic llevado al cine. Algo que él mismo desmonta rápidamente: “Superman es un personaje diametralmente opuesto a Batman, no puedes en absoluto usar la misma plantilla”. Y esto nos da pie para plantearnos qué sucede con Superman en el único terreno donde nunca ha estado ni tan siquiera cerca de anotarse un tanto: en videojuego. Los que tengan un mínimo de trayectoria, sabrán que con El Hombre de Acero en videojuego tenemos todo lo opuesto a algo digno. Quienes vivieran como aficionados los 90, recordarán que la entrega para Nintendo 64 ha sido considerada como uno de los peores títulos de la historia, algo que tiene un mérito adicional, puesto que en los 80 se otorgó similar reconocimiento al juego para ordenadores de 8 bits… Y si esto último sucedió a principios de los 80, es incluso más remarcable que no fuera la primera vez: ya para la paleolítica Atari tuvo una ración de bodrio empaquetado para timar a los fans tirando de la marca de DC. El relanzamiento de Superman en el cine tras el intento fallido y descafeinado de Bryan Singer (tan, tan indiferente que muchos ni lo recuerdan), supone la puesta en marcha de una maquinaria tan potente que cuesta creer que a nadie se le haya pasado por la

Si en este contexto no han decidido dar el paso adelante, es que ya nadie se atreve a abordar su recuperación. cabeza volver a intentarlo en consolas. Solo que, demostrado queda que haría falta algo verdaderamente grande: estamos ante un prodcuto diferenciado en la grandeza, algo que exige una superproducción ambiciosa, una que uniera talentos y plazo suficiente para sacar rendimiento a la generación actual (que sí puede dar a Súperman todos los espectaculares recursos con los que no pudo contar en el pasado). Paul Dini, como experimentado guionista, se encargó hace unos años de la trama de uno de los grandes éxitos del videojuego por partida doble: el Batman de Arkham Asylum y Arkham City. Plenamente satisfecho con la experiencia, a finales de 2011 declaró sobre sus intenciones futuras que “si tuviera que encargarme de un juego inspirado en un cómic, me gustaría uno que permitiera llegar más lejos, con más súperpoderes... Batman es más un tipo muy entrenado, sería divertido hacer algo con Superman, Capitán Marvel o Green Lantern, alguien con recursos completamente diferentes para encarar el crimen”. Cuesta pensar que con el trabajo realizado entonces por Rocksteady, ellos mismos no podrían hacer algo de nivel. Quizá, volviendo a las palabras de Nolan y teniendo en cuenta que para Batman sí habíamos tenido antes varios títulos dignos a lo largo de su historia, haría falta mucha más dedicación. Lamentablemente, si en este contexto no han decidido dar el paso adelante, es que ya nadie se atreve a abordar una recuperación que más allá del capricho de darnos un Superman interactivo, podría ofrecernos un producto espectacular con opciones jugables únicas.

El profesor Layton y la máscara de los prodigios Un juego de Level 5 para Nintendo 3DS

n la quinta entrega de la serie de Layton -primera programada para el sistema 3DS- los implicados en el trabajo han seguido la máxima que dice aquello tan manido de ‘si no está roto, no lo cambies’; es por ello que para esta nueva historia los cambios apenas pasan del entorno visual y unos cuantos añadidos extra que apenas afectan al estilo de juego. El jugador se enfrenta a un nuevo misterio que implica al pasado del profesor y a un misterioso enmascarado que anda creando el caos en la ciudad de Montedore. El entorno visual se ha modernizado por completo; ahora los gráficos pasan a ser modelos poligonales, tanto personajes como decorados, y abandonan el encanto del sprite de antaño. Los escenarios pueden investigarse en diferentes niveles de profundidad, dando ma-

yor sensación de exploración en las partes tipo ‘aventura gráfica’ y algunos de los puzles (no todos) hacen uso del giroscopio de la máquina. Se han añadido tres minijuegos extra dentro de la propia trama que van ampliando su oferta de niveles a medida que se progresa en ellos (impagables los puzles del pequeño robot) y a la oferta de los 150 consabidos retos que hay en el cartucho se amplían con 365 puzzles descargables desde Nintendo Network. Tanto las escenas de anime como el doblaje siguen siendo de calidad suprema y la curva de aprendizaje y dificultad de la entrega permite que cualquiera (conozca o no la serie) pueda sumarse a la fiesta sin ningún tipo de problema. La sexta entrega (y última parte, dicen) está al caer, por lo que los fans de Layton y compañía tienen diversión para rato. 85/100 Samu G.

Inazuma Eleven Strikers Un juego de Level 5 para Nintendo Wii as versiones para consolas de sobremesa de éxitos portátiles de Nintendo siempre difieren por completo de los originales. El ejemplo más cercano lo tenemos en las versiones de Pokémon para N64, GC y Wii, donde siempre han empleado otras perspectivas. Para el salto de Inazuma Eleven a Wii (uno de los últimos lanzamientos para la consola) Level 5 ha decidido centrarse en los encuentros futbolísticos, creando así un juego deportivo atípico, lleno de acción y secuencias emocionantes, complicado para quien no es fan de la serie pero satisfactorio si ya se conocen entregas roleras de Nintendo DS. Toda la tropa de Inazuma Eleven luce en un dignísimo 3D para Wii junto a otros equipos a los que se ha enfrentado el Raimon en las entregas portátiles. Los fichajes de jugadores pueden rea-

lizarse mediante compras, usando los puntos que se obtienen tras superar partidos y el esquema básico de esta entrega es la de superar diferentes partidos de fútbol como en un juego deportivo más, con el añadido de que las supertécnicas y jugabilidad se adaptan a este formato. Los partidos se juegan en once contra once, los controles sencillos permiten ejecutar todo tipo de comandos y la diversión consiste en jugar un partido de fútbol completo repleto de toneladas de acción estilo anime, golpes secretos etc. Inazuma Eleven Strikers no solo piensa en el juego individual (con la mayor variedad de modos de juego) sino que también está pensado para el multijugador. Los modos para varios jugadores permiten que hasta cuatro personas se enfrenten en partidos amistosos, torneos y secciones de minijuegos. 80/100 Samu G.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

ESPECIAL

Por Redacción

Volver a empezar

Wii U Ligera adaptación del mando, prestaciones sociales... Wii U, presentada por segunda vez.

Nintendo vuelve a marcar el ritmo. Obligada por la pérdida de repercusión de Wii, se vuelve a sacar un as de la manga para replantear el videojuego con un tablet controlador. ¿Revolucionario? ¿Necesario? Pasen y lean.

MÁS QUE UN MANDO.- El GamePad, un cruce de las innovaciones de la doble pantalla de DS y los sensores de Wii con multiples extras: al lápiz y posibilidad de controlar la TV hay que incluir cámara de vídeo.

BOTONES PARA TODOS.- Además de las nuevas posibilidades de control de la pantalla, el repertorio de botones da para incrementar notablemente las opciones de juego... una vez nos acostumbremos.

n esta ocasión nos pilla preparados: si con DS y la historia de la doble pantalla cometimos el error de dudar, si con Wii y el wiimote -uno de esos periféricos/controlador que nunca habían terminado de cuajar- éramos más que escépticos, con Wii U, por mucho que el mundo –y en concreto el de los videojuegos– esté patas arriba, desde su primera presentación le dábamos un voto de confianza. Uno que, a los pocos minutos de tener la consola encendida, confirmamos ha sido una decisión acertada. Bueno, pocos si no contamos la actualización obligada (tema que merece capítulo aparte). Puede que no sea una revolución absoluta, puesto que la idea de la pantalla la habían practicado y definido holgadamente con DS. Pero llevar el planteamiento a consola de sobremesa, añade muchos más matices a la jugabilidad de lo que parecía evidente, tantos como para convertir al enfoque en un poderoso reclamo para que las desarrolladoras ajenas, como mínimo, se planteen hacer conversiones de títulos de Playstation 3 y Xbox 360.

UNA CONSOLA

Y 23 JUEGOS DE SALIDA Nintendo ha puesto toda la carne en el asador para que en esta ocasión Wii U se vea acompañada de un potente catálogo por parte de las ‘third parties’. De esta forma han conseguido hacerse con una alineación ganadora para su debut: -Nintendo Land -New Super Mario Bros. U, no -FIFA 13 - Call Of Duty: Black Ops 2 -ZombiU de Ubisoft. -Funky Barn -Skylanders Giants™ -TRANSFORMER PRIME™ -Mass Effect™ 3: Edición Especial -Ben 10 Omniverse -Family Party: 30 Great Games -TANK! TANK! TANK!™ -TEKKEN TAG TOURNAMENT™ 2 Wii U Edition -Sonic & All-Stars Racing Transformed™ -Warriors Orochi® 3 Hyper -Darksiders® 2 -Assassins Creed ® III -Just Dance 4 ® -Rabbids ® Land -Sports Connection™ -Your Shape®: Fitness Evolved 2013 -Batman Arkham City™: Armoured Edition -Game Party™ Champions?

La sensación con Wii U es que todo ha sido trabajado hasta el último detalle: desde el manejo de menús, hasta el catálogo inicial. Con el lanzamiento de Nintendo 3DS la compañía presidida por Iwata aprendió varias lecciones de cosas que no debían hacerse y que fueron corrigiendo sobre la marcha. Quizá por ello, aunque queden todavía flecos pendientes, la sensación con Wii U es que todo ha sido trabajado hasta el último detalle: desde el manejo de menús, hasta el catálogo inicial, pasando por un repertorio de funcionalidades adaptadas a la jugabilidad (repertorio en algunos casos anecdótico: lo de poner el mando en una u otra postura puede que no aporte tanto a la hora de jugar), todo va brindando incentivos que a medida que saltamos de un juego a otro nos hacen pensar que aquello está muy bien pensado, que es enormemente útil, que incluso parece mentira que a nadie se le haya ocurrido antes. De hecho, y volviendo a cuestionar su carácter innovador, habíamos visto cosas así desde la misma Gamecube, cuando Nintendo comenzó a practicar la interconexión de aquella con la GameBoy Advance. Si entonces hacían cosas como darnos un mapa extra o algún reto mínimo, aquello probablemente no era suficiente incentivo para adquirir cables o ponerse a hacer conexiones. Pero sucede algo parecido a lo que había pasado con los periféricos

que antes mencionábamos que habían intentado añadir formas de interactuar con el videojuego (desde los Gun Stick hasta el Eye Toy de Playstation): una cosa es proponerlo como extra, otra integrarlo perfectamente y convertirlo en la esencia del producto como hizo Wii para sacarle todo el rendimiento. En algunas de las primeras partidas, como en la propia instalación, uno se descubre sin saber qué pantalla debe mirar. Pero es solo parte de la descoordinación propia de algo innovador que termina por hacerse totalmente natural una vez le hemos dedicado el suficiente tiempo. Contar con mapas accesibles, acceder a ítems, tener puntos de vista adicionales (sin entrar en poder emplear la pantalla como propio televisor) supone un repertorio de usos a los que se puede sacar mucho jugo y que permiten terreno por delante tanto para juegos diseñados ex profeso, como para adaptar otros conocidos añadiéndoles prestaciones. ¿Tiene opciones reales Wii U de lograr el hito de Wii? Probablemente ninguna, e incluso no será su objetivo directo. Si con Wii se vendieron consolas de forma desmedida al convertirla en el regalo de moda en una época de furor económico, Wii U debe aspirar a que los fieles y seguidores del videojuego se sientan especialmente cómodos con ella, y sobre todo, que la utilicen con todo tipo de juegos y no tengan que mirar de reojo a la competencia para ver qué pueden estar perdiéndose a propósito del siguiente salto generacional. Sobre esto último, la principal incógnita que muchos han querido ver para su evolución de ventas (más allá del catálogo) se encuentra en la posibilidad de volver a quedar anticuados ante la tan rumoreada sucesión de Xbox 360 y Playstation 3 para 2013. Lo cierto es que el nivel visual que logra Wii U se coloca en la generación actual sin pretender malabarismo alguno, y si aparentemente esto no es motivo de inquietud, es porque ni Microsoft ni Sony tienen grandes posibilidades de dar saltos adelante, teniendo en cuenta el escaso margen que queda para la sorpresa. Habrá seguro una ganancia en resolución, mayor potencial para las 3D o para títulos de IA (para muchos, el argumento para reclamar mayores procesadores), pero ninguna de estas batallas están relacionadas con Wii U: esto va de juegos y jugar de la manera más cómoda y divertida posible. Y por el momento no podría pintar mejor.

Nintendo Land Wii U viene de serie con un parque de atracciones dedicado a Nintendo y a su “esencia del juego asimétrico”. Estas son sus atracciones: Animal Crossing Animales compitiendo por hacerse con dulces. Gana quien se hace con 50 dulces o quien atrapa al rival 3 veces. La pista de obstáculos de Donkey Kong: En ella guíamos a nuestra vagoneta a través de un nivel repleto de peligrosos obstáculos que recuerda mucho al juego de recreativas original de Donkey Kong. The Legend of Zelda: A las armas Nos deja escoger entre lanzar flechas o empuñar una espada y un escudo. La mansión fantasmal de Luigi En él debemos elegir si asustar o ser asustados: el jugador que tiene el GamePad es el fantasma, que ha de mantenerse en las tinieblas e ir cazando a los otros jugadores uno a uno. Los personajes Mii tendrán que colaborar e intentar reanimar a los compañeros inconscientes. El fantasma gana si consigue hacer que todos los otros jugadores se desmayen de miedo. Pero si los personajes Mii consiguen iluminar al fantasma durante el tiempo suficiente para que su puntuación baje a cero, ganarán el juego. El castillo ninja de Takamaru: Deberemos esquivar al cada vez mayor ejercito de ninjas y deshacernos de ellos El carrito de frutas de Yoshi Traza el recorrido que debe seguir el carrito de Yoshi en cada nivel con la pantalla táctil y el lápiz del GamePad. La vertiginosa carrera de Captain Falcon Basada en la serie de F-Zero, el GamePad proporcionará una vista cenital de la pista, y tendrás que sujetarlo en posición vertical y girarlo para conducir el vehículo a través de una pista sinuosa a medida que pasas por todos los puntos de control antes de que se agote el tiempo. El baile del pulpo En esta atracción para un jugador debes usar el GamePad para reflejar los pasos de baile ejecutados por este instructor marino tan singular.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

CRÍTICA

Por J.Raul Sotomayor

Utiliza La Fuerza

WWE 2013 Año tras año, Thq ha conseguido consolidar una franquicia que progresivamente fue dejando atrás al resto de competidores. En esta edición, disfrutaremos con uno de los títulos más completos de la serie, que por el camino nos permitirá rememorar el inicio del fenómeno televisivo que sirvió de origen.

uke, el estudio japonés, sigue siendo el responsable de haber pulido entrega tras entrega la jugabilidad de esta serie, en la que trabajan desde hace más de 12 años. Para esta ocasión, disfrutaremos con una plantilla de luchadores espectacular, más de un centenar en total, partiendo de una plantilla inicial de 55 personajes. Lo mejor no es solo la tremenda cantidad que se nos ofrece, sino que esta se compone de una brillante mezcla de clásicos imperecederos hasta los más actuales, por lo que resultará muy complicado que alguien se quede sin disfrutar de sus luchadores favoritos. La forma elegida para disfrutar de todos estos luchadores, ha sido la de incluir un modo historia con muchísimo contenido y horas de juego por delante, casi comenzando por los inicios de la Wwe. A lo largo de históricos combates, viviremos momentos decisivos e incluso difíciles para la franquicia, prota-

“ La jugabilidad se mantiene accesible para los novatos, sin exigirnos demasiado para comenzar. ” gonizando épicos enfrentamientos donde los protagonistas serán luchadores que han ido pasando a la historia por su decisiva aportación al crecimiento de este deporte. Disfrutar de estas campañas, no solo servirá para conocer a nuestros luchadores, sino para desbloquear la ingente cantidad de material disponible, incluyendo luchadores, vídeos y jugosos datos históricos. Cabe destacar el excelente trabajo realizado en la traducción de todos los textos, en una edición que casi puede considerarse una enciclopedia de WWE.

TODO UN ESPECTÁCULO. El motor gráfico está más pulido que en la última edición, apreciándose una ligera mejora en los modelados y en el detalle que muestran los escenarios y el público. Las animaciones son un poco más realistas, pero dada su naturaleza algunos cambios de posición resultan poco naturales. La lucha en sí resulta todo un espectáculo, no solo por el excelente seguimiento de la cámara, sino por las repeticiones in-game, o el acercamiento en los movimientos más letales, por lo que no podemos sino felicitar a Yuke en este aspecto. No sabemos si les queda margen a las consolas en esta generación para mostrar más detalle en su conjunto, pero si estamos ansiosos por contemplar lo que puede dar de sí un juego de lucha foto realista en las sucesoras de Xbox360 y PS3.

EL NEGOCIO DE LOS DLC. Como no podía ser de otra forma, la edición 2013 cuenta con una jugosa colección de contenidos descargables. Por el momento son tres los pack que se pueden descargar en Xbox Live o Playstation Network, lo que nos permitirá disfrutar con hasta 17 luchadores nuevos, tanto masculinos como divas. Nuevos movimientos, trajes y elementos para personalizar a nuestros luchadores y por supuesto el socorrido “booster pack”, que no es más que una bonita forma de llamar a un descargable que nos permite conseguir (previo pago) todo el contenido que podemos desbloquear normalmente tras numerosas horas de juego. Este contenido de pago no será estrictamente necesario para disfrutar del juego, más allá de ser especialmente fan de alguno de los nuevos luchadores.

La jugabilidad se mantiene accesible para los novatos, sin exigirnos demasiado para comenzar. Con apenas 4 movimientos seremos capaces de progresar en el combate, otra cosa será aprender a realizar correctamente las combinaciones necesarias para convertirnos en alguien, sobre todo si lo que pretendemos es tratar de sobrevivir en los combates on-line. Al contrario que en otros títulos de lucha, incluso en el nivel más bajo de dificultad los rivales no nos lo pondrán fácil, ya que tienen una i-a (o más bien mala leche) bastante destacable, y por supuesto no funciona la estrategia de machacar botones. El síntoma más claro del descenso de dificultad es el menor aguante de los rivales, pero no sus ganas de luchar. Como viene siendo habitual en la serie, es muy recomendable consultar la lista de movimientos, pero no solo en general -lo que te permiten realizar los movimientos generales-, sino que siguen manteniéndose los golpes y técnicas exclusivas de cada personaje, algo imprescindible para todo seguidor de la Wwe. Como ya hemos comentado, los novatos no tienen por qué asustarse, pero sí entrenarse, ya que se utilizan todos los botones del mando para realizar las técnicas.

joseraulsotomayor@fanzinedigital.com

WWE 2013 Un juego de THQ, Xbox360 www.THQ.com

Gráficos El nivel alcanzado vuelve a ser notable y se ha mejorado en todos sus apartados,

Sonido Guitarras en la banda sonora, una excelente ambientación por parte del público...

Jugabilidad Pulida hasta decir basta, accesible pero profunda, deja pocos huecos para mejoras

Global Más completo que nunca y con un recorrido por la historia que no te puedes perder. Lo mejor - Su ambientación - El sistema de combate Lo peor Cierta dureza inicial para los novatos

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

CRÍTICA

Por J.Raul Sotomayor

Silencioso y Letal

Hitman Absolution En una generación que ha popularizado cosas tan lamentables como la eliminación de los botiquines, la regeneración automática de vida, el pasillerismo más absoluto o los niveles de dificultad ultrafáciles, se agradecen enormemente las creaciones como Hitman, si bien con ciertos matices e imperfecciones, sobre todo en los niveles más bajos

uriosamente, ha sido gracias a la producción de Square-Enix que hemos asistido al resurgir de dos grandes sagas un tanto olvidadas: una que puede calificarse de mítica como Deus Ex y otra cuya notable aportación al género parecía haber quedado un tanto diluida entre tanto marine sudoroso y las rachas bajas, protagonistas en una generación que casi se olvida de proporcionarnos campañas decentes. Y decimos casi porque gracias a dios aún existen casos como Bioshock, Halo, Borderlands, ZombiU o Dishonored por nombrar alguno más reciente, que cuidan la experiencia para un jugador y sus posibilidades. IO Interactive no ha estado parada todo este tiempo, si bien a comienzos de la generación casi se limitó a portear a Xbox360 Hitman Blood Money, un título que en España no llegó a ponerse a la venta al estar íntegramente en ingles, al contrario de la versión PS2, que disfrutamos completamente en castellano. Más

“ El que se hayan eliminado los power ups de las partidas asegura enfrentamientos más justos y menos aleatorios.” allá de Blood Money, desde IO Interactive realizaron los interesantes Kane&Linch o Mini-ninjas, que sin ser malos programas (la verdad es que Kane&Lynch 2 es un buen tps con muy mala baba) quedaron lejos de sus trabajos con Hitman. E incluso fueron responsables de “Freedom Fighters” un título que no resulta difícil de encontrar en su versión PS2, pero que siempre resultará interesante de jugar.

Un asesino y mil formas de morir

Hitman es un asesino solitario, un hombre de pocas palabras, muy eficaz en su trabajo y con poco

Levántate y Juega. Mientras produce unas entregas de Final Fantasy cuando menos cuestionables, SquareEnix no ha dudado en apoyar otros proyectos liderados por estudios externos, si bien es cierto que Eidos pertenece hace tiempo a la compañía japonesa. Acertaron plenamente con Sleeping Dogs, un proyecto abandonado erróneamente a su suerte por Activisión, pero no contentos con eso confiaron en Eidos Montreal para realizar uno de los mejores títulos de los últimos años como fue Deus Ex: Human Revolution, que sin ser perfecto (esos jefes, ejem) consiguió sorprender al mismísimo Warren Spector. Afortunadamente la racha ha continuado y han vuelto a confiar en I-O Interactive para la vuelta a lo grande de Hitman, una saga que si continúa tan cuidada como ha resultado ser en Absolution, puede darnos muchas tardes de gloria, con toda probabilidad ya en la siguiente generación de consolas.

tiempo para las relaciones sociales. Un viejo reflejo de Jean Renó en “El Profesional”, por lo menos hasta que una pedazo de actriz como Natalie Portman se cruzo en su camino. Curiosamente, el Agente 47 también tendrá que “apadrinar” una niña adolescente, a quien deberemos intentar salvar de un destino demasiado familiar. El guion ha sido sorprendentemente reforzado en Absolution, siendo más importante y estando más presente que en las entregas anteriores. Su calidad nos incitará a continuar para ver toda la historia, si bien es cierto que no resulta para nada sorprendente y tiene un buen puñado de tópicos durante el desarrollo. Hitman solía ser un juego bastante exigente, sin demasiados huecos para perdonar los fallos al jugador. En esta ocasión se ha optado por ofrecer los dos extremos, con el nivel fácil y el normal para los más novatos, y el difícil o profesional para los que quieran un desafío realmente exigente, sin datos en pantalla, eliminando los checkpoints y con unos enemigos simplemente letales. Eliminar a un objetivo será nuestro trabajo principal en cada misión, si bien es cierto que vamos a encontrarnos algunas situaciones alejadas en este aspecto de lo que viene a ser habitual, pequeñas zonas con más disparos de lo normal o situaciones de huida o búsqueda de datos un tanto novedosas en la saga. Aumentar el tamaño de los niveles también ha propiciado el incluir más posibilidades para terminar con éxito el trabajo, siendo lo mejor de su diseño el permitirnos numerosas formas de acercamiento para terminar con

“ El guion ha sido sorprendentemente reforzado, siendo más importante que en las entregas anteriores.”

éxito la misión. A pesar de que en los niveles de dificultad más bajos se nos permite cierta ligereza con el uso de armas de fuego, lo cierto es que el diseño nos incita a ser sigilosos y eficaces, restándonos puntos de experiencia si hacemos el cafre y sumando muchos más si realizamos un trabajo limpio y preciso. Para ello podremos utilizar todo tipo de disfraces, distracciones con el lanzamiento de objetos, activar alarmas en vehículos, etc. para tratar de acercarnos y realizar una eliminación limpia, generalmente de numerosos vigilantes o guardaespaldas que tratarán de proteger a sus jefazos. Absolutión sigue siendo un título exigente, si bien la diferencia estriba en que si la cosa se tuerce ahora tenemos más posibilidades de salir medianamente airosos al mejorar el control como shooter, siendo en cualquier caso un acercamiento erróneo el tomar a Hitman como un título de acción. Esto no quita para que por fin un asesino profesional deje de lado aquellos toscos controles para defenderse, siendo bastante eficaz con el uso de todo tipo de armas así como coberturas cuando se trata de apretar el gatillo (uno de los cambios más eficaces introducidos en esta entrega). Como ya hemos dicho, y a pesar de la libertad que tenemos, seremos penalizados si realizamos muertes innecesarias en lugar de dejar inconscientes a los guardias, por lo que tendremos menos puntuación final en los rankigs mundiales donde podremos com-

Contratos on-line A pesar de que algunas compañías meten con calzador el modo multi-jugador en cualquier título por mucho que su diseño no invite a ello, este no ha sido el caso de Absolution. En su lugar se nos ofrece la posibilidad, no solo de jugar sino de crear por nosotros mismos diferentes variantes de los niveles presentes en el juego. Así podremos encontrarnos con misiones donde se ha limitado el uso de ciertos objetos, se añaden nuevos objetivos o requisitos imprescindibles para terminar con éxito la misión. Podremos descargar, crear y jugar con estos desafíos de forma completamente gratuita, resultando una experiencia idónea y refrescante, que puede alargar la ya de por sí considerable duración del modo historia, situada en torno a las 20 o 25 horas en función del nivel de dificultad escogido.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

parar nuestra eficacia. Un detalle incluido de forma acertada en todas las misiones han sido los objetivos secundarios y opcionales, como pueden ser no activar alarmas, encontrar diversos objetos o cumplir la misión utilizando un arma en concreto, convirtiendo cada escenario en una experiencia muy rejugable.

Instinto Básico

Y decimos básico, porque se trata de la novedad más importante introducida en la saga y porque termina siendo básica su utilización en ciertos puntos de algunas misiones, una especie de poder que nos permitirá salvar situaciones complicadas de una u otra forma. Esta barra se irá llenando si realizamos las acciones de forma limpia y profesional, sin muertes innecesarias, noqueando al personal, escondiendo sus cuerpos, etc. Gracias al instinto superaremos zonas muy peliagudas casi sin poder evitar usarlo. Cuando vamos disfrazados, por ejemplo, podemos ser detectados si pasamos demasiado cerca de un policía o guardia, pero si usamos el instinto Hitman realizará una especie de camuflaje a lo Assassin’s Creed, pasando inadvertidos mientras nos quede barra de energía. Curiosamente, al igual que en otra conocida saga de Ubi Soft como es Splinter Cell (concretamente en Conviction) el instinto también nos permite seleccionar un grupo de objetivos y acabar con ellos en una acción “made in hollywood” . En ambos casos nos ha parecido una mala idea, ya que su implementación choca frontalmente con el planteamiento original de ambas sagas, y si bien su uso está más limitado en las dificultades altas, tampoco se puede eliminar completamente, mucho menos teniendo en cuenta de que algunas veces parece imprescindible

Por ti no pasan los años

Y es que el Agente 47 tiene mejor aspecto que nunca. El motor gráfico Glazier 2.0 ha permitido a los diseñadores y programadores de IO Interactive crear todo un espectáculo. La iluminación está más detallada que en cualquier otra entrega, las texturas tienen un gran nivel y el modelado esta igualmente trabajado. Todo esto ha permitido diseñar entornos espectaculares donde dejar muestra de un apartado técnico excepcional. El motor gráfico ha permitido integrar enormes escenarios y poblarlos de una cantidad increíble de personajes, ciudadanos, etcétera (como podemos ver casi al inicio de la aventura en el mercado). Una muestra más de que basta con atisbar el final de una generación para ver lo mejor de cada sistema. Y vaya si lo estamos viendo. joseraulsotomayor@fanzinedigital.com

H. Absolution Un juego de IO, Xbox360 www.hitman.com

Gráficos Un trabajo impecable en texturas, iluminación y modelado.

Sonido El doblaje es si cabe aún más profesional que nuestro protagonista.

Jugabilidad Presenta dos ramas bien diferenciadas de dificultad a gusto del personal.

Global Casi impecable, no nos ha gustado el borrón de la inclusión del instinto ya que facilita demasiado las cosas.

Lo mejor Sus posibilidades. El motor gráfico. Lo peor El instinto no casa bien con la saga. Los vigilantes no acosan tanto como debieran.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

CRITICA

Por Redacción

Debut angustioso

Zombie U

Sonaba a oportunista: un candidato más al género zombie buscando repercusión en el catálogo de lanzamiento de Wii U. Sin embargo Zombi U es un título que rompe moldes y se convierte en candidato instantáneo para quienes busquen emociones fuertes en el catálogo inicial de la nueva consola. Y avisamos: la experiencia es tan atractiva como “intensa”.

i los Resident Evil, Left 4 Dead y compañía llevan años demostrando el atractivo de los videojuegos de zombies, el arrollador éxito de la serie The Walking Dead se convierte en la guinda para un género que en el cine lleva décadas amedrentando a la audiencia, y da un giro de tuerca emocional a todo lo que creíamos haber visto. Es comprensible que si la temática apocalíptica tiene vínculos con las incertidumbres latentes, en el contexto actual en que la economía de occidente se resquebraja y las incoherencias vividas obligan a reflexionar, cualquier producto del género se vuelva más crudo y serio. En los inicios, apenas era un divertimento más o menos chirriante, ahora es la ocasión de mostrar a nuestro mundo hecho añicos por la voracidad animal, de sentir la soledad y la desolación.

Que Zombi U salga a la venta el mismo año que el cambio a FPS de Resident Evil 6, es más o menos anecdótico, pero abre una nueva vía en que varias de sus ideas no solo pasan por encima de sus limitaciones, sino que fácilmente inspirarán a futuros títulos. Cierto que Zombi U hace cosas ya vistas, pero une un particular equilibrio de engranajes inspirados en títulos clásicos, a una filosofía implacable. Al iniciar, preguntará al jugador si quiere combatir en modo ‘gallina’ o en el normal para una experiencia de supervivencia. La pregunta no será gratuita.

Cuando morir es la única opción

La toma de contacto no puede ser más dura: nuestro personaje perseguido por una horda camino a un refugio cuya existencia es susurrada por los altavoces a la entrada de un metro. Ni que decir tiene que con los

precarios conocimientos del manejo (acentuados por el desconocimiento del GamePad, no en vano es título de lanzamiento de Wii U), con toda probabilidad caeremos en las garras de nuestros monstruosos perseguidores. Bonita bienvenida. La reacción lógica en ese punto es irse preparando para volver a intentarlo: maquinar cómo perder menos tiempo, mirar de acertar en esta ocasión al subir las escaleras, tratar de correr con más acierto camino a la salida… pero no: nuestro personaje ha muerto. Es la hora del siguiente. Este es sin duda uno de los aspectos clave de Zombi U, determinante para incrementar nuestra implicación en cada una de las vidas con las que jugamos, y para hacernos sentir las consecuencias de cada una de las pérdidas. Porque cierto que daremos con incoherencias insalvables al cambiar de uno a otro personaje (a saber, hay quien nos reconocerá como al mismo protagonista pese haber cambiado varias veces), pero también que los efectos son devastadores: perder la munición recolectada y darnos de bruces con el personaje que manejábamos anteriormente una vez lleguemos al lugar donde habíamos perdido su vida. Esto último es importante. Como apuntábamos perderemos la munición, y quizá al aniquilar a nuestro anterior protagonista recuperemos una parte mayor o menor, pero no está ni mucho menos garantizado. Y esto significa algo más: si damos con una acumulación de zombies y, ante la dificultad de la lucha caemos, lo único que habremos logrado es añadir un zombie más a una escena de por sí complicada. Alentador, ¿no?

Luchar, luchar, luchar

Decíamos antes que Zombi U recoge la base esencial del género. Hay bastante de Resident Evil y de la sensación de desprotección de Silent Hill (siempre hay pocas balas, siempre se acaban antes siquiera de empezar a luchar, esa lucha contra la oscuridad…). Con esos mimbres, Zombi U se convierte en candidato idóneo para representar la madurez y apertura de miras de Wii U, al dar un producto absorbente por parte de una third partie y que es todo menos apto para niños. Golpear a palos a muertos vivientes llega a ser asfixiante, nos obliga a una coreografía recurrente en que un paso mal dado puede dejarnos desprotegidos para recibir el ataque del no-muerto en nuestro cuello; no administrar los escasos recursos con que contamos es tan letal como confiar en ellos y lanzarse sin miedo a por una horda. Habida cuenta de la complejidad del avance y del largo recorrido que deberemos recorrer cada vez que despertemos con un nuevo protagonista, nuestra tensión crecerá exponencialmente a la hora de encontrarnos

¿Superficial o apasionante? Algunos han achacado a ZombiU una falta de profundidad y una cierta recurrencia en los métodos de avance. Es parte de lo que ofrece: un planteamiento que no nos agobia con historias ni elaborados argumentos, que prácticamente nos suelta en pantalla y consciente de que todo gira sobre la supervivencia, que tanto da cuánta munición tengamos porque siempre será suficiente, nos hace chocar una y otra vez en nuestro avance. Real como el Apocalipsis (zombie) mismo.

DE HORDAS Y SAQUEOS

con una de las muchas situaciones límite a la que nos lleva. Bajo la lluvia, combatiendo entre sombras que apenas exhiben las fauces monstruosas de zombie, una auténtica desazón se abrirá paso. La experiencia es tan inmersiva que incluso el personaje de portada que anteriormente nos parecía una mera ilustración, al representar a uno de los numerosos soldados de la guardia real con que nos enfrentaremos en escenas agónicas, acabará por imponernos respeto. Y si llega a desesperarnos por todas las injustas maneras de morir, si llega a resultar asfixiante, es por cosas como que ni siquiera admite emprender una huida en condiciones porque una constante en el juego es que con la escasa iluminación y los escenarios repletos de objetos es difícil dar con la salida (además si esta consiste en unas escaleras nos ‘cazarán’ mientras subimos por ellas una y otra vez). Lo sorprendente es que, pese a todo, querremos volver a intentarlo. Una y otra vez.

ENTORNOS DE PESADILLA Avanzar por Londres nos costará Dios y ayuda, y ante lo tortuoso de la situación, los escenarios en ocasiones nos parecerán más grandes de lo que realmente son (o podemos explorar) por nuestra incapacidad para ir a muchos más lugares. Desde pasadizos a alcantarillas pasando por la desoladora visita al palacio de Buckingham, la atmósfera es absoluta. Y ojito con confiar demasiado en nuestro radar: si tiene objetos por delante no puede captar zombies, y a veces estos duermen esperando nuestra visita.

A pesar de que lo normal es que el máximo de rivales a que tengamos que enfrentarnos cuerpo a cuerpo ande por los 3-4, dado lo precario de nuestro armamento será una cifra en ocasiones insoportable. El armamento es pieza clave, aunque es escaso y debemos tener el margen temporal para elegir arma, algo que con dos no-muertos encima es bastante difícil. ¿Incentivos? Cuando acabemos con uno podremos saquearlo… pero ni ahí hay respiro: hemos de asegurarnos que no queda ninguno alrededor, aquí no hay pausas del juego para cargar ítems y elegir uno u otro, si nos distraemos con la mochila, acabaremos entre los dientes del enemigo.

ZombiU Un juego de Ubisoft para Wii U www.ubisoft.com

Gráficos Atmosféricos, no precisan de gran nitidez. Lluvia, fuego, el triste haz de una linterna...

Sonido Perfectamente doblado, con los sonidos necesarios para ponernos los pelos de punta.

Jugabilidad Su punto fuerte, por su capacidad para hacernos padecer pese a las dificultades.

Global Un juego globalmente muy acertado, que parece emplear sus carencias a su favor.

Lo mejor -La angustiosa sensación de protagonizar el apocalipsis zombie... Lo peor -Llega a desesperar en algunos tramos... aunque no evita que queramos volver a intentarlo.

CRITICA

Por Samu González

Aventura de nivel para decir adiós a Wii

Epic Mickey 2: The Power of Two Disney ofrece a los jugadores la oportunidad de descubrir el universo de Epic Mickey en formato multiplataforma, y presenta en Wii -el sistema original en el que debutó el título- una decente aventura que pule detalles y deja un agradable sensación de título de altura. l planteamiento con el que Warren Spector y dos, enemigos etc. El salto notable se aprecia en los su equipo abordan la segunda parte del ori- gráficos y escenas animadas (mucho mejor presentaginal título de Wii, hace hincapié, de forma das que en el titulo de 2010) y cámaras (aunque el juego sigue presentando momentos mucho más podemolestos dependiendo del punto rosa que antes, en la duade vista que se necesite en algulidad con la que el jugador Tomando diferentes decinas ocasiones) puede adoptar decisiones, siendo estas las que molsiones dean el camino a seguir y Impacto a la memoria Como en Epic Mickey, borrar o pintar elemenlos premios, recompensas Regresar a El Páramo, de nuevo tos y enemigos hará que los poderes del piny castigos que se obtienen asolado y en un estado más lacel mágico se tornen de un tipo u otro. Esta dependiendo de si se hace vez, además, quedan mucho más diferenciamentable de lo que era cuando lo el bien o se obra el mal. En das las posibles rutas y decisiones a seguir. conocimos en la primera parte, y esta ocasión es mucho más Unas hacen la vida más fácil del jugador, pero ayudar a los dibus que lo pueblan satisfactorio tomar según dan pocas recompensas. Otras ponen a pruees el leit motiv del inicio del juego. qué decisiones (complicar ba la paciencia de quienes lo intentan, pero El mundo ya conocido de Epic Micla vida del jugador, hacer las gratifican al final de manera justa; además, key se amplía así con nuevos escosas más fáciles, ayudar a las fases en 2D pueden recorrerse con varios cenarios y situaciones, canciones los secundarios) ya que quecaminos, con nuevas rutas y secretos que del Doctor Loco, retos y misiones da patente desde el inicio esconden objetos coleccionables. Descubrir secundarias. Epic Mickey 2 no es que en este Epic Mickey 2 sí todo esto es cuestión de paciencia y ganas. muy diferente de otras segundas influyen de manera notable partes como Banjo Tooie (ha lloen el avance de la aventura, vido, pero el esquema que vemos que si bien es lineal, puede en este juego es el mismo) o la obra completetarse de diferentes clave de Wii Super Mario Galaxy 2: ammaneras. Epic Mickey 2 presenta la posibilidad de jugar en pliar el mundo, presenta nuevas situaciones, permitir modo cooperativo con Oswald, el conejo de la suer- que el jugador se recree en elementos ya conocidos te. Si se juega en solitario, éste será controlado por la y remezclalo para que el resultado no solo aparente máquina y sus habilidades se activan cuando son re- como nuevo, sino que lo sea en verdad. Junction Point Studios ha mejorado el aspecto queridas dependiendo de la situación. El sistema de gráfico y, conscientes de que los guiños ya no van a juego con Mickey se mantiene igual, controlando el pincel con el Wii Mote y pintando o borrando decora- emocionar, dosifican en las primeras horas de juego todos los elementos que pueden resultar familiares al

Cooperando y avanzando

jugador y al fan del universo Disney. Las fases de plataformas en 2D en las que se recrean viejos cortos de la factoría no hacen aparición hasta alcanzado casi el final del primer episodio. El jugador repasa, en estas primeras horas de partida todo el sistema con el que va a avanzar en la aventura, visita escenarios ruinosos y lucha contra enemigos sacados de viejas películas Disney que es posible que los más jóvenes ni siquiera conozcan. Que el enemigo del primer nivel sea Elliot, personaje de Pete’s Dragon (1977) dice mucho de hasta donde y cómo han buceado los diseñadores de la aventura con tal de contar con el favor de todos los fans de la casa. Controlar a los dos personajes, tomar las decisiones oportunas, completar las diferentes misiones secundarias y entretenerse buscando todos los extras, piezas ocultas, fotografías de personajes, broches coleccionables, etcétera, aseguran que la vida del juego vaya más allá de las misiones principales de rigor. Si todavía se le va a dar uso y vida a Wii, sin reemplazarla por su heredera recién estrenada, tomarse la molestia de revisitar la propuesta de Epic Mickey en esta segunda parte es una decisión de la que pocos van a poder decir nada negativo. La aventura fluye, el juego luce de maravilla y, sin necesidad de conocer la primera parte, logra atrapar desde sus primeros minutos de juego. Involuntariamente Epic Mickey 2 permite a Wii despedirse con dignidad de un mercado que no la ha tratado todo lo bien que se ha merecido a pesar de las brutales ventas que ha tenido en todo el mundo. Oswald, el conejo de la suerte, los dibus de El Páramo y resto de tropa seguro que tiene mucho que decir en próximas aventuras, pero eso será ya otra historia y, evidentemente, en otro soporte. samugonzalez@fanzinedigital.com

Epic Mickey 2 se apoya en el juego cooperativo para sacar a relucir todo su potencial. En solitario el jugador principal controla a Mickey y puede dar órdenes a Oswald, pero con dos personas la partida cobra otro ritmo y vida, ya que evitas tener molestando la mayoría del tiempo al personaje secundario y se convierte en un apoyo ideal para superar de forma mucho más sencilla las secciones en las que hay que enfrentarse con enemigos de todo tipo.

Epic Mickey 2 Un juego de Disney para Wii www.epicmickey.com

Gráficos Lucen con un acabado mucho más rotundo que en la primera parte.

Sonido Banda sonora Disney cien por cien, apoyada en un correcto doblaje.

Jugabilidad Los retos, puzles y niveles son muy difrutables.

Global Ya no sorprende, y la etapa final de Wii ha visto juegos muy buenos.

Lo mejor Las decisiones que se toman en el juego influyen ahora de forma mucho más drástica. Lo peor Sin el factor sorpresa como principal baza, ya no se disfruta como la primera parte.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

CRÍTICA

Por J.Raúl Sotomayor

La alternativa real

Sonic All Star Racing: Transformed

Hecho para el multijugador Las carreras multi-jugador pasarán a ser la salsa de All Star Racing una vez finiquitemos los modos para un jugador, algo que por otra parte no será fácil ya que tras superar todas las pruebas en difícil se desbloquea la dificultad extrema, resultando bastante complicada. A través de internet destaca la fluidez de las partidas y la ausencia de lag, al menos en lo que a Xbox360 se refiere, si bien es cierto que dependerá de la calidad de nuestra conexión. Si contamos con la edición especial, podremos descargar a Sonic Metal como personaje jugable y un circuito adicional de forma gratuita. Un detalle que conviene disfrutar, pues ya se atisba en el horizonte la llegada de nuevos Dlc que no serán gratuitos.

No nos divertíamos tanto con un “Kart Racing Game” distinto de Mario Kart desde los tiempos del genial Diddy Kong Racing, creado por la añorada Rare para Nintendo64 y versionado hace pocos años para NintendoDS. Parece que Sega ha vuelto a dar con el clavo a la hora de crear un título con gancho,circuitos y opciones, recordando de paso algunos de sus grandes clásicos.

ll Star Racing ha tomado su propio camino a la hora de diseñar la forma en que vamos a jugar. Nada de seleccionar entre karts, aviones o lanchas antes de correr, ya que comenzando sobre cuatro ruedas vamos a transformarnos directamente en cada carrera. Tramos de carretera darán paso a trepidantes vuelos y a carreras de lanchas rápidas con una breve transformación de nuestro vehículo y una gran transformación del entorno. La idea está muy bien implementada y multiplica no solo la diversión, sino también las opciones de carrera. Hay que tener en cuenta el hecho de que en algunas zonas y dependiendo de la ruta escogida, podemos continuar un tramo más controlando un avión mientras el resto van en lancha o coche, siendo más rápidos que ellos en ese momento. Con el transcurrir de la competición iremos conociendo los circuitos y la mejor forma de aprovecharlos a nuestro favor.

Si queremos mejorar al completo a toda la plantilla, nos esperan muchísimas horas de juego por delante.

Profundidad y opciones All Star Racing ofrece modos de juego bastante completos, ya sea para jugar en solitario o multi-jugador. El modo historia nos propone diferentes tipos de pruebas para el jugador solitario, ya sea el tour mundial, el campeonato o las pruebas contrareloj. El modo historia nos llevará por circuitos sucesivos a través de grandes clásicos de otros títulos de Sega como Panzer Dragoon, Sonic o Samba De Amigo entre otros, ofreciendo un total de 26 circuitos diferentes. No será posible avanzar al siguiente hasta llegar al menos en la tercera posición, un reto más o menos difícil en función de la dificultad escogida entre las 3 disponibles. El toque de variedad no solo está en la posibilidad de transformarnos al momento, sino en que cada carrera en este modo puede ser distinta de la anterior. Más allá de las típicas pruebas todos contra todos, disputaremos otras diferentes como carreras turbo (contra el crono intentando llegar hasta el siguiente checkpoint) o duelos contra otros personajes (a lo Diddy Kong Racing). En este último caso, si ganamos no solo pasaremos a la siguiente prueba, sino que nuestro rival

pasará a formar parte de nuestra plantilla de corredores. Las copas forman la otra modalidad de campeonato para un jugador. El diseño de las mismas es más similar a lo visto en Mario Kart. Cuatro circuitos sucesivos y una serie de puntos a repartir en función de la posición final de cada carrera, ganando el que más puntos acumule tras la cuarta carrera. Progresar adecuadamente en ambos modos, o en el multi-jugador, nos permitirá mejorar al personaje con el que hayamos competido. De esta forma iremos desbloqueando mejores versiones del mismo, o al menos diferentes. Más allá del modo estándar tendremos el turbo, equilibrado, o velocidad entre otros, aprovechando sus diferencias para adaptarnos mejor al tipo de prueba o circuito. Para llegar a esto será necesario quedar entre los tres primeros, pero si además lo hacemos jugando en nivel difícil ganaremos aún más experiencia. Esto es algo que hemos visto tímidamente reflejado en Mario Kart 7 para 3DS con su tunning correspondiente, cambiando los atributos en función de las piezas escogidas. Si queremos mejorar al completo a toda la plantilla, nos esperan muchísimas horas de juego por delante, pero eso no será ningún problema estando ante un título tan divertido como All Star Racing. El control nos ha parecido más preciso que en la primera parte, pero seguimos estando más cómodos con el extra de sensibilidad que siempre tiene Mario Kart. En este aspecto se podría mejorar el manejo con la lancha, resultando un tanto pesado de controlar. El derrape será especialmente útil, permitiendo conseguir turbos si aguantamos suficiente su realización. Aprender a derrapar correctamente no nos llevará mucho tiempo, y termina por resultar imprescindible no solo en los niveles altos de dificultad, sino en las pruebas contra el crono donde tendremos que pasarnos derrapando casi toda la carrera. jraulsotomayor@fanzinedigital.com

Y los objetos...- No podía faltar en un juego de Karts que se precie la incorporación de objetos con los que machacar al personal en nuestro desesperado intento por acabar en las primeras posiciones. Una de las novedades más importantes en este aspecto es que no parece tener en cuenta la posición en la que nos encontremos a la hora de adjudicarnos objetos aleatoriamente. Lo típico en estos casos, ya sea en la entrega anterior o en cualquier Mario Kart, es dar mejores objetos si estamos en las ultimas posiciones y peores si vamos destacados en cabeza, por lo que nunca cabía confiarse. Esta situación genera unas carreras bastante equilibradas. Siempre te pueden “hacer la puñeta” unos metros antes de la meta, pero también puedes encontrar un buen objeto que te permita defenderte o lanzarlo hacia atrás.

Sonic All Star... Un juego de Sega, para Xbox360 sega.es

Gráficos Un buen nivel de detalle y suavidad en su desarrollo. Ausencia de raletizaciones.

Sonido Doblado al castellano y ofreciendo una banda sonora muy elaborada.

Jugabilidad A prueba de bombas. Diversión, sencillez y reto nos esperan.

Global Quizá sea el acercamiento más serio a la fórmula de Mario Kart que realmente funciona.

Lo mejor - La cantidad de circuitos - Las transformaciones Lo peor - El control con lancha y avión podría pulirse un poco

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

AVANCE

Por José Raúl Sotomayor

Más allá del regreso

Aliens: Colonial Marines Tras un irregular Aliens Vs Predator por parte de Sega y Rebellion, Gearbox toma el testigo para intentar realizar un juego a la altura del mito, algo que los fans de todo el mundo están (estamos) esperando. Gearbox: apostando a caballo ganador. Si hay una compañía versátil, veterana y de garantías a la hora de desarrollar un buen shooter esa es Gearbox. Desde Opposing Forces, Counter Strike, a Brothers In Arms, Borderlands, etcétera, todos hemos disfrutado con unos títulos de mucha calidad (incluyendo la versión PS2 de la primera entrega de Half-Life) pero lo cierto es que han mejorado de forma notable en los últimos años. También hemos de agradecer a la compañía la forma en la que gestionan los Dlc, ya que no se limitan a vendernos disfraces o expansiones de unos minutos, sino auténticas mini-campañas que alargan las horas de juego en el modo historia. Uno de los puntos fuertes que siempre animarán a disfrutar de sus títulos, es el excelente diseño de sus juegos en general, cuyas campañas no penalizan al jugador solitario con zonas solamente disfrutables en compañía y también animan a jugar en cooperativo. Por eso no nos extraña que Sega, haya apostado por un caballo ganador, relegando a Rebellion a un segundo plano.

isto con perspectiva, AVP no fue realmente tan malo. Técnicamente justito, su campaña presentaba algunos altibajos y un argumento que no terminaba de convencer, como por otro lado tampoco lo han hecho las mediocres entregas cinematográficas. Seamos serios, lo que los fans demandamos es una vuelta al universo primitivo de Aliens, un regreso a la mirada original de Ridley Scott y James Cameron que tan malos ratos nos hicieron pasar. Gearbox nos ha estado impacientando a lo largo de los últimos años. Al desarrollo de las dos entregas de Borderlands (algo que les agradeceremos eternamente) se le unió la titánica tarea de cortar y pegar aquel desastre en el que se había convertido el desarrollo de Duke Nukem Forever, un título que lograron lanzar al mercado evidenciando en muchos niveles su problemático desarrollo. No obstante, en esa ocasión Gearbox prácticamente se limitó a meter los niveles diseñados en un Dvd y lograr que todo funcionara. Todos conocemos su fiabilidad a la hora de desarrollar shooters, por

Gearbox ha situado la línea argumental tras los acontecimientos de Aliens: El Regreso.

lo que no podemos estar más de acuerdo con la decisión de Sega de concederles el desarrollo de un nuevo título de Aliens.

Más allá de Aliens Gearbox ha situado la línea argumental tras los acontecimientos de Aliens: El Regreso, una de las obras maestras que James Cameron le ha dado al cine. Todo el protagonismo recaerá de nuevo en los marines, lo que significa el regreso del sensor de movimiento, el rifle de pulsos, el lanzagranadas o los lanzallamas. Mikey Neumann, el guionista de Colonial Marines, ha trabajado directamente sobre el guion de Cameron para continuar investigando el destino de Ellen Ripley y los demás marines. Para un auténtico fan de Aliens, volver a aterrizar en ese planeta, explorar esos pasillos húmedos y oscuros y revisar esas salas ensangrentadas junto a un grupo de marines es más que una experiencia religiosa. Si Gearbox consigue crear un guión a la altura seremos muchos jugadores los que le estaremos eternamente agradecidos. Material no les va a faltar, sobre todo al no estar restringidos por el argumento de ninguna película, lo que les otorga bastante libertad para diseñar una buena historia y una campaña en condiciones. La campaña será la parte principal, pero al igual que hemos visto en las dos entregas de Borderlands, Colonia

Marines permitirá disfrutar de la misma cooperando un total de cuatro jugadores, algo que si bien puede multiplicar la diversión, sin duda también conseguirá disminuir el agobio de sabernos completamente aislados en la oscuridad de aquellos pasillos metálicos húmedos y mal iluminados. Gearbox es una compañía que ha demostrado en los últimos años cómo se deben hacer los shooters. Son una de las pocas empresas de software que han demostrado a muchas otras cómo se puede hacer un shooter con un modo historia excelente y a la vez perfectamente válido para ser jugado en cooperativo, sin que el jugador solitario se resienta en la diversión que va a encontrar. Las dos entregas de Borderlands, así como la genialidad de sus expansiones, son un claro ejemplo. Aliens Colonial Marines comienza por ofrecer un modo campaña completamente cooperativo, si bien, y como somos un tanto masoquistas, nosotros pensamos que nada como pasar miedo en la primera partida escuchando los pitidos del radar mientras miramos en todas direcciones para tratar de detectar los aliens. Sí, también estamos pensando en esa mítica escena al comienzo de Aliens El Regreso cuando comienza a pitar el sensor y poco a poco todo se va yendo al carajo. En este aspecto, Colonial marines nos hará sufrir de continuo, si bien nos ha parecido especialmente recomendable disfrutar de la versión para Wii-U: la posibilidad de tener en nuestras manos el sensor de movimiento y detectar cómo se van acercando en la pantalla del mismo puede que sea frikismo puro, pero nos encanta. La campaña nos pondrá al mando de un escuadrón de 6 marines a los que podremos dar órdenes en determinados momentos. A pesar de lo que pueda indicar el hecho de controlar marines armados hasta los dientes, lo cierto es que se le está dando a la campaña un toque de survival horror. Esto provocará momentos de tensión y supervivencia, sobre todo en zonas donde tendremos que avanzar en solitario o escasos de munición. Recuerda que la sangre contiene ácido concentrado, por lo que disparar a quemarropa no siempre será una buena idea. jraulsotomayor@fanzinedigital.com

Los otros aliens.-Parece que fue ayer, pero ya han pasado varios años desde que Rebellion lanzara Aliens Vs Predator en 1999, consiguiendo un éxito abrumador. Monolith, muy reconocida gracias a otros grandes shooters como F.e.a.r, No One Lives Forever o Condemned, consiguió mantener y mejorar el nivel en Aliens Vs Predator 2, lanzado en 2001 también para compatibles. La última entrega supuso el regreso de Rebellion, y si bien consigue destacar en algunos niveles, sobre todo en la campaña del marine, tiene demasiados altibajos como para situarlo entre los grandes títulos de la saga. Parte de la culpa recae en varios momentos de la campaña de Aliens ya que no consigue mantener el tono que tienen las misiones con el marine o el predator, destacando asimismo el modo supervivencia para jugar acompañados.

El modo cooperativo ¿rebajando la tensión?.- La intención respecto a la campaña es enfocarla al sufrimiento del jugador, con mucho toque survival y de agobio constante, algo que vamos a sufrir más de lo que pensamos. Es aquí donde entra en juego la opción de disfrutar Colonial Marines de forma cooperativa. Si sabemos que no estamos solos es evidente que la tensión no será la misma, derivando en otro tipo de acción. Como bien comenta su creador, en títulos como Halo la experiencia es muy buena en solitario, pero también lo es cooperando en el modo historia, por lo que han querido dar a los usuarios la posibilidad de disfrutarlo de ambas formas, a pesar de perder parte de esta tensión que nos hace escuchar ruidos en medio de un pasillo completamente a oscuras mientras miramos en todas direcciones.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

ESPECIAL

Por Redacción

¿Sobrevive el género?

Survival horror, ¿Game Over?

Resident Evil 6 no ha sido recibido de forma unánime, los elogios y las críticas se entremezclan en una continuación que en todo caso ha puesto de manifiesto – una vez más– el buen estado de la franquicia. Ahora bien, ¿ha muerto el survival horror como género? ¿es ya solo una inspiración más o menos lejana?

Resident evil: adiós al survival

Buscar nuevos nombres con que definir al género no lo hará menos doloroso para los fans tradicionales: esto es un FPS, uno directamente inspirado por las ventas de Call of Duty. Las declaraciones de Capcom al respecto no dejan margen de duda: que si no venderían tanto aferrándose al ‘survival’, que si el género resultaba frustrante... Curiosamente, esto último fue algo que en su momento también terminó con otros géneros de aventura citados en el artículo.

o, no fue Resident Evil. Hubo otros primero, y Alone in the Dark fue el más destacado. Pero ninguno hizo lo del matazombies de Umbrella. Ninguno fue tan revolucionario, tan seductor… su atmósfera de misterio, sus puzles medidos (o eso nos parecía, a mitad de los 90)... Demasiado tentador como para no imitarlo. El survival como género había comenzado su edad dorada, si bien muy probablemente sus limitaciones no iban a dar para demasiado. No en vano, ¿en qué consistía aquello? ¿buscar piezas de un lado para colocar en otro? ¿enfrentarnos a enemigos con una movilidad más que limitada? La dirección tomada con Resident Evil no es casual. Se trata de un salto hacia las modas en que ante la difícil decisión del camino a elegir, se opta por el que imponen los nuevos tiempos. Los experimentos, con gaseosa. Puede que los veteranos argumenten por

eso mismo que Resident Evil debía haber sido fiel a sí mismo, o si no dejar de ser. Pero los nuevos tiempos también imponen seguir con el baile mientras suene la música (o lo que es lo mismo: explotar cualquier filón mientras quede un euro por exprimir). Si su mejor representante abandona… ¿desaparece el survival horror?

Alternativas

Algunos siguen clamando por el retorno de Dino Crisis. Aquella suerte de cruce entre Resident Evil y la dinosaurio-manía que cocinó el propio Shinji Mikami (creativo, aunque este dato lo cuestione, de ambas franquicias). Silent Hill también estaba por allí, dando a su manera ‘frescura’ (hablar de frescura con Silent Hill suena a licencia excesiva) alterando las bases de Capcom mucho más allá de lo que esta parecía capaz. Hubo muchos más que posteriormente lo intentaron, con incluso desarrolladoras de segunda fila que se valían de que una vez conocida la técnica, con ella La dirección tomada con había opciones de dar con una buena aventura sin desproporcionadas. Resident Evil no es casual. inversiones Porque ante todo se trataba de eso: dar con una Se trata de un salto hacia buena aventura. Los survival horror fueron el nuevo envase para buscar tramas dinámicas más o menos las modas, por el que cami- ceñidas a un guión que encauzaban con las primiti-

no de los nuevos tiempos.

¿Es posible el cambio sin desmontar totalmente sus bases? ¿o es preferible un mata-mata con mapeado?

SLENDER (gratuito) Uno de los más conocidos, basa su mecánica en la oscuridad y la escasa luz de una linterna para combatirla. Ver al tipo alargado de naturaleza indefinida que da nombre al juego merodear por los bosques, es su principal componente de suspense. Sin llegar a ser igual de patológico o cargante, por momentos recuerda a cosas que vivimos con Forbidden Siren.

A Short Tale of Solitude (en desarrollo) Un chaval enviado a un orfanato tras el fallecimiento de sus padres, una estética de dibujo infantil en un blanco y negro asfixiante, los principales rasgos de un título en desarrollo que pocos podrán soportar.

vas aventuras gráfico conversacionales y las gráficas que dominó LucasArts (Ron Gilbert…) o Sierra. No es complicado incluso vincular el género con el primitivo Filmation con que compañías como Ultimate ya buscaban formas de ponernos un argumento con retos cuando la técnica no acompañaba. En todo caso, volviendo al debate ¿es posible el cambio sin desmontar totalmente sus bases? ¿o es preferible un mata-mata con mapeado? (eso que Capcom ha tratado de camuflar renombrando como ‘dramatic horror’). La decisión tomada en Resident Evil 6 va más allá de lo que llegó a nuestras tiendas: “el survival horror frustraba a los jugadores”, “un Resident Evil como survival vendería mucho menos”…

Los survival... ¡viven!

Hablando del origen de los survival hemos citado la aventura gráfica y las gráfico-conversacionales (género de escribir instrucciones al ordenador tratando de avanzar de forma desesperante). Quizá sorprenda a quienes conocieron a estas últimas que por anticuado que sea su planteamiento, éste pervive: en la actualidad siguen existiendo desarrolladores que por afición publican nuevos títulos en internet hechos para mantener vivo el modus operandi. Siendo así las cosas, razón de más para que lo propio suceda con los survival, para que de hecho sea un entorno ideal en que los desarrolladores indie encaucen sus proyectos trabajando en títulos que fácilmente podrían encontrarse con su audiencia vía descargas digitales. Títulos como Slender, (verdaderamente tenso, con un tipo ‘esbelto’ persigue al desprotegido jugador por el bosque), Anna (más tradicional, sin que en aserradero italiano en que se desarrollan los hechos llegue a pasar nada por más que la tensión sea constante), son demostraciones de que hay espacio para la variedad sin alejarse de los parámetros que una vez se hicieron con fans. Una vez más, lo importante es no olvidar nunca el elemento esencial de todo trabajo: no importa el qué, sino el cómo. Con habilidad e ingenio, es más fácil encontrar un camino, los survival pueden ser un género igual de válido que cualquier otro y recuperar el interés perdido. Por más que en estos tiempos hacen falta números romanos decorando algún nombre conocido para que haya rentabilidad... pero el verdadero jugador sabrá buscar adecuadamente. redaccion@fanzinedigital.com

Knock-Knock (en desarrollo) Survival bidimensional, su aspecto es el de dibujo animado anguloso y gótico, en una mezcla difícil de digerir. Nuevamente, un título asfixiante que junto a A Short Tale… demuestra que los desarrolladores aficionados, a la hora de asustar, son retorcidos y para jugar hace falta mucho, mucho estómago.

ESENCIA SURVIVAL

ELEMENTOS ASOCIADOS AL SURVIVAL HORROR

A la hora de definir lo que hace esencial a un Survival, estos son los elementos que algunos han considerado determinantes: -Los puzles. -Los fondos pregrabados (sólo en los primeros, Silent Hill se desmarcó y la propia Capcom abandonó la técnica en la cuarta parte). -La banda sonora instrumental (cosa que tampoco necesariamente es así, pero ha tenido su papel en varios de los definitorios). -La combinación de tramos de acción con tiempos muertos buscando cómo avanzar (elemento común en cualquier videojuego de aventuras, al parecer). -El coge esto y llevalo allí (variante del puzle, nos sitúa como meros recaderos). gio?

Dead State (en desarrollo) Survival-RPG de zombies, en la definición de sus creadores. Un título que ha recibido 26.000 dólares vía quickstarter y que parece va encaminado a unir el género de moda -el apocalpisis zombie- con los survival. Uno de los elementos distintivos frente a otros títulos es preocuparse de manera especial por los rasgos de los humanos, cómo les ha afectado

la supervivencia al Apocalipsis Zombie (planteamiento tipo ‘The Walking Dead’), algo que lleva a dar importancia al mantenimiento de un grupo unido y ordenado. El enfoque, por momentos, parece hasta relacionarlo con Los Sims.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

AVANCE

Por Redacción

El renacer de Lara

Tomb Raider reborn

Si en las páginas anteriores hablamos de la decadencia del Survival como género y de la reinvención de Resident Evil como su mayor símbolo, hay un título muy vinculado a la franquicia de Capcom que también afronta su particular renacimiento: Tomb Raider debe devolver el próximo año a Lara Croft a los puestos destacados de personajes del videojuego. Lo contrario sería no estar a la altura.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

olvemos a la misma época. Mediados los 90. Playstation redescubriendo el videojuego con géneros antes imposibles, olvidando en el camino los que antes eran imprescindibles. Resident Evil seduce con su temática de suspense y tensión, da con una nueva forma de vivir la aventura. Pero no es el único exponente de la forma en que estas se van a abrir paso: en Eidos quieren hacer lo propio con una creación de Core Design, dando con un planteamiento de acción que saque rendimiento a las perspectivas tridimensionales y con un enfoque más versátil. ¿El resultado? Un éxito absoluto. Los jugadores no sólo quedan prendados de la nueva forma de afrontar su combinación de retos, la protagonista, una versión femenina de Indiana Jones (no en vano entre numerosos objetos simbólicos se encontrará a lo largo de sus misiones hasta con el Arca de la Alianza), se convierte en un icono. Lara no sólo tiene carisma, es la imagen del videojuego de los nuevos tiempos -tanto como Pacman o el marcianito en los 80- y logra lo que ningún personaje femenino ha hecho antes en el sector. Con ese balance, el juego pergeñado en 18 largos meses por un equipo de 6 personas entre las que se encontraba su creador, Toby Gard, fue un acontecimiento histórico. Uno cuya rentabilidad iba a trascender del sector del que procedía: cuando llegó al cine lo hizo de la mano de Angelina Jolie, quien le puso rostro para recaudar 300 millones de dólares.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

Renacer o morir

En estos tiempos de sometimiento total a las franquicias conocidas (en una situación en que difícilmente podremos ver nuevos fenómenos como cuando Tomb Raider o Resident Evil nacieron), era hora de volver a intentarlo. El reenfoque ahora en camino apela a la madurez, al tono duro que aleje a Lara de la primera versión y entronque con éxitos recientes como Uncharted, tirando de paso de la potencia de las consolas actuales para dar con entornos más realistas. No estamos ni mucho menos ante la primera renovación, pero quizá sí la que tiene más responsabilidad habida cuenta del complejo momento económico que vive el mundo en general, y el sector del videojuego (cada vez con menos filones a explotar) en particular. Ya en 2006 Lara protagonizó Tomb Raider: Legend, que debía recuperar el brillo perdido en la entrega de 2003 -El Ángel de la Oscuridad-, que fue lanzado sin estar completamente pulido lo cual dio para numerosos errores técnicos y molestos fallos de control. Concebido como un reboot, el Tomb Raider que llegará en marzo de 2013 viene con el talento de la guionista Rhianna Pratchett como elemento renovador. Su carrera como crítica de videojuegos dio un salto al desarrollo tiempo atrás con Overlord y Heavenly Sword, para después consagrarse con Mirror’s Edge, una proyección que vivirá su momento culmen con este remake. Su implicación en la nueva aventura de Lara ha sido total desde el mismo inicio del proyecto, con la intención de dotarla de profundidad y credibilidad, lejos de los rasgos clásicos pero manteniendo algo de su esencia. En una entrevista a IGN, Pratchett se mostró especialmente crítica con la evolución de Croft: “a través de los años perdí mi pasión por Lara, se había convertido en un par de pechos vinculados a un par de pistolas”, algo que no impedía seguir recordando como una vivencia especial su magnífico debut: “cuando el T Rex surge del final del

Una visión más cruda... pasto para la polémica Endurecer una serie que tiene una bella amazona como protagonista principal, fácilmente podía llevar a esto: polémica de las buenas desde los primeros cortes promocionales, en que las connotaciones sexuales y el supuesto intento de violación de Lara, dio para hacer correr ríos de tinta. Un episodio más para la simbólica Lara, considerada tanto un icono del feminismo por haberse impuesto en territorio de hombres, como objeto sexual por sus acusadas curvas y sometimiento a los controles del jugador.

La intención es dotar a Lara de profundidad y credibilidad, lejos de los rasgos clásicos pero manteniendo algo de su esencia.

valle y ruge, es una de las experiencias más increíbles, y sigo adorando a Tomb Raider por poner ese recuerdo en mi vida”. Así, como ha podido constatarse en los vídeos e imágenes mostrados, la Lara actual ha pasado a ser dura y valiente, pero también vulnerable sin llegar a caer por ello en la debilidad. Muestra humanidad, en definitiva, por primera vez en uno de sus juegos, algo para lo que, tirando de la idea del reinicio, no encontrará obstáculos en su historia previa: “retroceder y poder cambiar el pasado de Lara era un desafío, pero me daba la oportunidad de moldear a Lara tal y como me habría gustado que fuera la primera vez”, explica Pratchett. Todo sin renunciar a lo que una vez la hizo grande, pues de lo contrario se estarían perdiendo activos importantes: “hemos mantenido sus elementos más interesantes, y hemos sacado lo que estaba allí pero enterrado; probablemente uno de sus problemas es que siempre tuvo la tecnología, el dinero, las respuestas, las bromas… volvemos para mirar al personaje sin que ahora tenga todas las respuestas, que tiene 21 años y actúa como si los tuviera, que se enfrenta a los cambios en el curso del juego… quería devolverle el entusiasmo a Lara”.

Obsesionados con Lara

Un sello para correos, una serie de cómics, imagen de SEAT… hasta U2 la usó en alguno de sus conciertos. Entre sus fans, muchos acabaron viviendo la relación de forma apasionada, llegando al extremo de codiciar los mods que en la versión PC permitían manejar al personaje poligonal (apenas 400 polígonos en su debut, por los 7000 que requiere actualmente) en cueros. Precisamente ese aspecto tuvo ramificaciones en cuanto a las versiones de carne y hueso: de las muchas y bellas candidatas que han prestado su imagen, una, Nell McAndrew, quiso rentabilizarla posando para Playboy, cosa que tuvo que hacer sin mención alguna a la marca Tomb Raider tras la denuncia de Eidos.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

ANÁLISIS

Por JBA

La vida sigue igual (U no)

New Super Mario Bros U El añadido suena a poco esfuerzo, a plan de negocio hecho en modo automático. Tiene su lógica: meter un Mario siempre funciona, no hacerlo sería casi temerario de cara a las ventas de Wii U... abía que traer un Mario al catálogo inicial. Volver a la fórmula Super Nintendo, cuando el fontanero se puso el mono de trabajo para arrastrar las ventas de la sucesora de la NES original, una operación a todas luces incuestionable. Puesto que no daba tiempo a cocinar nuevas revoluciones al estilo Galxaxy, había que volver al enfoque Super Mario Bros… y aquí estamos. Quien escribe estas líneas se había propuesto no abordar el próximo regreso de Mario que viniera enfocado por esta vía clásica. Demasiado reciente su llegada a Nintendo 3DS con aquel New 2 que buscaba incentivar la recolección de monedas, esto sonaba forzado. Pero también era tentador, ver cómo se defendía en la nueva consola o asistir a las posibles novedades con el Gamepad con la joya de la corona.

EL CAMBIO AL DINAMISMO El veterano seguidor de Mario recordará momentos míticos como la primera vez que subió sobre Yoshi, la primera vez que voló con capa… elementos cuyo uso puntual individualizaba cada uno de los juegos de Mario. En la última época, lejos de buscar esos momentos destacados (ante la consciencia de que hay pocas emociones más que buscar con nuevos extras), Nintendo apuesta por la acumulación y el espectáculo: cada dos por tres habrá un extra que acabará con nuestra capacidad de sorpresa. Un dinamismo que no cala pero seduce como experiencia sin descansos.

Elige tu mando

Lo primero sorprendente de un juego cuyo nombre cobra sentido por la U final, es que de buenas a primeras nos deje elegir entre el GamePad o el Wiimote. Que nos pida botones como los 1 o 2 que son de este último ante nuestro asombro buscándolos en el que tenemos entre manos. Que la pantalla del Gamepad y televisor muestre lo mismo. ¿En serio? ¿es el Gamepad útil solo si

queremos jugar a dobles y pasamos el GamePad a otro jugador?. Lo siguiente que nos sorprende, lo hace como sorpresa ya cotidiana: la inconcebible capacidad de Mario Bros para atraparnos a través del tiempo. Porque estamos sin duda ante uno de esos juegos a llevarse a una isla desierta. El mejor argumento para defender que Nintendo siempre tendrá voz en el videojuego, porque con lo que inicialmente parecen solo unos colorines de más, unos retoques jugables y unos acordes añadidos a sus melodías, esto sigue siendo rompedor. Hay que ser justos: desde muy pronto comprobamos que Mario es divertido como lo ha sido siempre, y acabamos agradeciendo la ocasión de volver al universo de sus rescates imposibles, sea cual sea la ocasión. Solo que luego hay algo más. Esta entrega se muestra tan prodigiosamente bien nivelada que nos devuelve a los mejores tiempos del fontanero en dos dimensiones. Pero a los grandes con mayúsculas. Da sentido a aquello de que estamos ante la evolución lógica de lo que el videojuego habría sido sin la irrupción de la tridimensionalidad con Mario 64, lo que Mario soñaba tras su paso por Super Nintendo. En los primeros niveles, lo cierto es que cuesta lanzarse a enumerar grandes diferencias con títulos anteriores (más

MULTIJUGADOR El extra se mantiene. Es tan llamativo jugar con amigos a Mario Bros que inicialmente no fue cuestionado, por más que como experiencia global no está a la altura del modo para un solo jugador: las confusas salidas de pantalla pueden ser divertidas inicialmente, pero posteriormente se agradece una experiencia de juego fluida y clásica, incompatible con experimentos multijugador. Lo cual no quita que como extra ocasional sea un jugoso añadido.

New SMB U Un juego de Nintendo, paraWii U nintendo.com

allá de remates visuales). Hay una sensación global de dejarse llevar –común con los últimos lanzamientosque es modulada de forma que el show de Mario siga creciendo en las 2D para no permitir que nos distraigamos ni un momento. Pero poco a poco vamos apreciando que la jugabilidad está algo más ajustada, que esto puede ir más lejos. En ocasiones anteriores era difícil recordar sus niveles tras superarlos, nos quedábamos más con una sensación homogénea. Ahora llega un punto en que estos ganan en profundidad y la trabajada dificultad y elaboración de algunos momentos nos recuerdan emociones de los episodios icónicos de la saga. Entonces comprendemos que el mismo cuidado en el remate dispuesto para Wii U se ha hecho efectivo en New Super Mario Bros U, porque su alianza estaba considerada determinante. Y queda clarísimo que quienes adquieran consola y juego estas navidades, lo pasarán singularmente bien. Mario siempre gana. jba@fanzinedigital.com

Gráficos Wii U podía hacer más, por mucho que se note el salto técnico.

Sonido Conservadores respecto a entregas precedentes. Nada nuevo bajo el sol.

Jugabilidad Exquisita. Una entrega excepcional para una saga acostumbrada a un nivel elevado.

Global La dificultad perfectamente ajustada y el diseño de niveles lo convierten en must-have.

Lo mejor La jugabilidad, gracias a la dificultad bien nivelada. Lo peor Quizá visualmente se podía hacer más (aunque tiene niveles de aplauso).

> LO + ESPERADO < GRAND THEFT AUTO V PRIMAVERA 2013

EL HURACÁN GTA Ya quedan pocos juegos con la capacidad de sacudir la industria, de provocar un tsunami a través de internet cuando se presenta una nueva entrega o se filtra un poco de información, y Gta 5 es uno de ellos.Y lo es porque Rockstar no sabe lo que es dormirse en los laureles a pesar de dormitar constantemente en el éxito más absoluto. Desde los tiempos de Psone Grand Thef Auto ha ido creciendo de forma descomunal, mejorando en todos sus apartados hasta convertirse en todo un fenómeno en el sector. Rockstar se hizo “mayor” con el lanzamiento de Grand Thef Auto 4, un argumento adulto y sólido, una historia perfectamente narrada y unos personajes de los que te sigues acordando tras haber terminado el juego. Las expansiones no hicie-

TRES EN UNO.- Uno de los puntos más innovadores y sorprendentes de Gta5 ha sido la forma en que podemos jugar algunas misiones. En ciertos momentos donde intervengan los tres personajes, podremos alternar su control durante la misión. En una de ellas Trevor controla el helicóptero, Michael entra por la ventana tras descolgarse y Franklin dispara desde lejos con un rifle de francotirador, pudiendo seguir la misión con cualquiera de los tres. Una forma de construir misiones que demuestra nuevamente la ambición de Rockstar por no estancarse y seguir avanzando para potenciar su jugabilidad. El poder jugar muchas misiones desde otras perspectivas evitará la concurrente sensación de recadero que provocan algunas misiones en los sandbox: sal de aquí, ves hasta el objetivo y vuelve al punto inicial.

ron sino redondear un producto con muy pocas fisuras, formando uno de los mejores videojuegos de toda la generación. Alguna de las quejas o mejoras que los fans echaban de menos era la enorme amplitud y posibilidades casi infinitas que disfrutamos en la edición San Andreas, un proyecto descomunal para la época que puede tener un digno heredero con la quinta entrega.

Un trío abocado al abismo Un trio de personajes nos espera para dirimir sus destinos en la soleada California. Michael, Trevor y Frankie serán los actores principales en un trio de protagonistas que seguirá los pasos de Niko Bellic, Luis Lopez y Johnny Klebitz de Gta4, si bien aquello fue una conexión sorprendente que no logramos ver hasta ver su magistral conclusión en los episodios adicionales. Los Santos, el territorio basado en San Andreas, vuelve multiplicando sus posibilidades de una forma brutal, no en vano sus creadores afirman que el territorio disponible es superior a lo visto en la cuarta entrega, en San Andreas o en Red Dead Redemption ¡de forma conjunta! Hasta el momento se han mostrado dos tráilers que solo han conseguido dejarnos con la boca

abierta. En ellos se puede ver una pequeña gran muestra de lo que nos espera. La posibilidad de atracar bancos, pilotar varios tipos de aviones, la vuelta del salto base, enormes extensiones de terreno en las afueras de la ciudad, carreras off road y la posible exploración del fondo submarino. La vida que muestra cada zona de la ciudad es algo que casi cuesta creer a estas alturas de la generación, donde ya nos dábamos por impresionados al comprobar la enorme cantidad de elementos que Gta IV y sus expansiones movían en pantalla. Sin embargo, también en los gráficos se ha conseguido ir más allá. El enorme contenido jugable nos ofrecerá numerosos eventos aleatorios mientras recorremos la ciudad,

un elemento heredado de “Red Dead Redemption” que nos permitirá completar misiones secundarias o simplemente ignorarlas y seguir nuestro camino. Rockstar tiene todo en la mano para despedirse de la generación con el juego más grande y completo que posiblemente sea posible en las consolas actuales, pero si es así, lo será no solo por mostrar un apartado técnico impresionante (a pesar de que algunos se empeñan en encumbrar técnicamente juegos totalmente pasilleros) sino por llevar las posibilidades jugables a nuevos límites en lugar de presentar el mismo juego año tras año cambiando los mapas o las ciudades.

los protagonistas Michael. Un ladron de bancos retirado de mediana edad, al que muchos colocan como el futuro personaje principal de Gta5, vive plácidamente en una zona similar a Beverly Hills. Tras haber triunfado allí donde otros protagonistas de Gta han fracasado, Michael parece tener un papel de líder en esta nueva entrega. Trevor es un perdedor peligroso, un viejo compañero de Michael que vive envuelto en la violencia y las drogas. Tempestuoso, vengador y camorrista, prácticamente es el alter ego de Michael, y uno de los personajes más impredecibles y previsiblemente divertidos de controlar en Gta5. Franklin es el más joven de los tres, quizás es el que más recuerda a otros personajes de San Andreas, o más concretamente a C.J y a Luis Lopez. Frank intenta salir del mundillo del crimen callejero en el que ha crecido. En Gta5 comprobaremos si es capaz de salir y progresar, intentando cumplir sus ambiciones sin morir en el intento.

Un mapa para dominarlos a todos.La extensión ya comentada nos deparará cientos de horas de juego, pero lo mejor es que al tener diferentes protagonistas que a su vez partirán de diferentes puntos de la ciudad, todo este gigantesco entorno estará disponible desde el inicio. La elección de volver a Los Santos en lugar de a Vice City o Liberty City, fue tomada para lograr una recreación más fiel de los ángeles que la ya vista en San Andreas. Sobre todo influyó la variedad de entornos que proporciona esta zona para poder desparramar, incluyendo no solo la posibilidad de nadar, sino la de explorar zonas submarinas aún no desveladas. Como se aprecia sobre estas líneas, no faltarán medios para recorrer todo el mapeao.

Misiones secundarias Para muchos usuarios las misiones secundarias o los trabajos de Gta son más importantes que la propia trama del juego, a pesar del enorme avance que en este aspecto hemos vivido en las últimas entregas. En Gta5, tenemos que tener en cuenta que gracias a controlar a tres personajes, compartiremos algunas de las misiones libres de Los Santos, pero ahora tendremos nuestra ración de misiones propias exclusivas de cada personaje. El contacto y la influencia sobre el juego con la familia de los protagonistas también será mucho mayor que en otras entregas y además disfrutaremos de la interacción con animales, todavía una incógnita en la saga. Lo más divertido serán las carreras de coches, motos, el salto base e incluso el triatlón. No nos cabe duda de que pasaremos un gran tiempo en Los Santos disfrutando de sus posibilidades.

FANDIGITAL.ES/VIDEOJUEGOS

7 BITS

Por Guybrush Noséque

¿Qué fue aquello?

Howard el Pato Un pato antropomórfico venido del espacio con dudas existencialistas. Aquello era un cómic, de Marvel, llegó al cine mediados los ochenta y protagonizó un videojuego. Lo más sorprendente, sin duda, que alguien se acuerde de él. Porque sus aportaciones al cómic -tema aparte merece lo del cine- serían más o menos discretas... pero lo del videojuego era de juzgado de guardia. erá porque entonces los juegos no salían tan caros, por la enorme devoción que uno tenía hacia ellos y la firme esperanza de que, casi cualquiera –con exclusiones obvias, ciertas compañías merecen artículo propio– escondía un universo de posibilidades. Sonará extraño, pero sí, aquello tendría 8 bits, iría destinado a un ordenador de apenas 64 Kb (prácticamente lo que ocupa hoy un documento Word estándar) y se vería en formato píxeles cuadriculados, pero la sensación de tener un nuevo mundo ante la pantalla en que podíamos introducirnos como nunca por la interactividad, es algo que en los 80 era perfectamente comprensible. La cuestión es que, por lo que fuera, uno acababa demasiadas veces frente a un título que nos bloqueaba con demasiada rapidez, y lo terminaba por ver una experiencia cotidiana. Una frustrante, sí. Pero habitual como la misma esperanza de que de alguna forma pudiera resolverse. Dentro de ese catálogo de títulos frustrantes que demasiado pronto nos dejaban sin saber que hacer, hay, como en todo, grados. Los que te dejaban a mitad de juego, en una fase avanzada, en un momento demasiado temprano… o en su mismo inicio. En esa subcategoría maldita, permitirá el lector que hagamos otra irritante división: los que creaban una cierta duda por saber qué había después (y, qué diablos, habíamos pagado un videojuego para nada) y los que nos creaban un enorme deseo de saber cómo continuaba. Porque allí había cosas prometedoras, porque aquel podía ser el inicio de una gran aventura… Por motivos misteriosos, el caso que nos ocupa es el de un juego que a uno le creó esa especial curiosidad. Venía como complemento a una película con lo que conlleva de

pato

con

historia

Howard el Pato fue una película estrenada en 1986 basada en un personaje homónimo de un cómic de Marvel que uno desconocía y desconoce absolutamente. El pato antropomórfico se rodeaba de mensaje satírico en sus viñetas, es más, incluso se le asocia con mensajes “existencialistas”, y soltaba cosas tan profundas y lúcidas como “los momentos más serios y los más increíblemente tontos de la vida, a menudo solo pueden distinguirse desde una perspectiva momentánea”. Pese a semejantes rasgos, en la gran pantalla protagonizó una de aventuras sin más (su guionista Gloria Katz limitó su calado sentenciando “es una película sobre un pato del espacio exterior”) que se estampaban de la peor de las formas en el título que servidor conoció en Amstrad.

campaña promocional, venía con aspecto colorista y llamativo, parecía salirse de todo lo visto y hasta el entorno resultaba inspirador… pero nunca hubo nada que hacer: el principio y el final acababan prácticamente en el mismo lugar. Las frustraciones citadas a propósito del videojuego, son fácilmente recuperables a través del tiempo. Como todo caso similar de aquella época, es inevitable que uno decida arrojar algo de luz sobre ella buscando información suya con los medios ahora disponibles. Ahí la conclusión es tan desoladora como uno intuía: la jugabilidad enormemente irritante, las complicaciones para avanzar de forma normalizada, hacen que este sea uno de esos escasos títulos en que podría confirmarse la peor de las sospechas: si uno llegó a pensar que en aquellos programas desquiciantes lo que se escondía era la carencia de más

juego programado a partir de cierto punto, eso era particularmente cierto en Howard el Pato. En apenas 6 minutos irritantes puede superarse toda su aventura. El aspecto gráfico que entonces nos seducía y que apenas muestra una colorista isla y un extraño enano enemigo (tras recorrerla entre interminables tropiezos insoportables hay una efímera segunda fase a la que llegamos después de revolotear la isla sin rumbo), parecen sugerir que aquello fue una buena idea sin desarrollo adicional, un bosquejo al que las prisas o carencia de más medios (habiendo estreno de por medio es fácil concluir que lo primero) impusieron un lanzamiento precipitado que roza lo delictivo. Y pese a todo, más de veinte años después aún hay quien lo recuerda…. Vivir para ver.

Videojuego infame... película... infame Si su aportación al videojuego fue cuestionable, la cinta que inicialmente se había planeado como una obra animada es considerada por algunos como una de las peores pe-

guybrush@fanzinedigital.com

lículas de todos los tiempos. Lo gracioso del tema es que habrá quien considere que George Lucas dejó de ser visionario con el tiempo... cuando fue el productor de esta ‘cosa’ , dedicado a esa labor de forma personal por su implicación con una obra que recibió críticas vitriólicas.

>D10<

La actualidad de los grupos más destacados

Tour europeo de Bruce Springsteen

solitario por problemas de voz, pero está en perfectas condiciones para retomar su trabajo.

Aerosmith

Con disco finalmente presentado (Music from another Dimension!) parece que vuelven las buenas vibraciones e incluso elogios entre los miembros del grupo, que dos días después de la puesta a la venta (6-8 noviembre) empezaron el tour

Los Stones regresan a los escenarios

La incombustible banda británica volvió a subirse a los escenarios cinco años después de su última gira para celebrar su medio siglo de vida. En el estreno del tour “50 And Countin”, celebrado en el O2 Arena de Londres, contaron con el apoyo de antiguos integrantes de la banda como Bill Wyman (19621993) y Mick Taylor (1969-74).

Coldplay ¿de vacaciones?

El grupo liderado por Chris Martin podría tomarse un descanso dentro de poco tiempo según se desprende de una declaraciones del vocalista en Billaboard. “Este es el último gran concierto hasta dentro de tres años más o menos”, señaló. De momento, Coldplay tiene fijados conciertos en la recta final del año, culminando uno en Nochevieja en el Barclays Center de Brookling junto al rapero Jay-Z.

The Boss anunció que volverá a cruzar el Atlántico el próximo 2013 junto a la inseparable E Street Band. La gira, que tendrá lugar en primavera y verano, no pasará, de momento, por España. Según las fechas anunciadas hasta el 20 de julio, Sprinsgteen recorrerá el Reino Unido, Irlanda, Alemania, Italia, Francia y los Países Bajos.

Bon Jovi… What About Now?

Con fechas del tour parcialmente listas (el goteo de anuncios parece obedecer a motivos estratégicos), el nuevo álbum, What about Now? tiene el single a la vuelta de la esquina (Because we can, en la misma onda temática que el corte que da nombre al disco, llegará el 7 de enero), y el LP fecha de salida para marzo. Sambora tuvo que suspender la gira de su disco en

del que puede ser su último trabajo. “No sé si tenemos otro álbum dentro”, explicó Perry, probablemente consciente de que con todos los problemas vividos en la última época, muy suaves tendrían que ir las cosas para poder seguir adelante. Como apunte curioso, Steven Tyler dedicó en una actuación en Las Vegas la interpretación de What it takes a la madre de su hija Liv.

Metallica cede a Spotify

Tras la larga y controvertida andadura digital de Metallica (una de las caras visibles en la época de Napster, cuando iban contra el sistema), ahora el grupo ha apostado por la vía de Spotify a la que consideran “no ya el servicio líder, sino por lo que a nosotros respecta, el único”. La decisión tuvo mucho que

de haber realizado la gira más rentable de 2012.

SIGUR RÓS

ver con el hecho de que recuperasen todos sus derechos, de tal forma que a la hora de amortizarlos con un sistema que todavía no da suficientes réditos, tienen menos parte a compartir.

Mantienen ese aura de grupo artístico y especial que dota a su música de gran poder evocador. Siguiendo esa estela de magia musical, la banda editará un DVD con un videoclip para cada canción de su último álbum, Valtari. El proyecto ha reunido a dieciséis directores diferentes para que ruede cada uno de los videos que compondrán

MADONNA

En su última entrevista en México, durante su parada en el país latino debida a su gira mundial, la cantante declaró que ya había empezado a trabajar en las canciones que conformarán su nuevo álbum. Por si esto fuera poco, también ha ultimado lo que

Leonard Cohen

No está dispuesto a retirarse. Así lo ha declarado recientemente en un comunicado a la par que anunciaba su regreso este proyecto. Además, el DVD incluirá imágenes del rodaje de tres de los vídeos a modo de material extra. El esperado trabajo saldrá a la venta el próximo 5 de marzo aunque los rumores apuntan a que se podrá descargar de iTunes exactamente un mes antes.

Beyoncé

sería su próximo proyecto cinematográfico como directora y guionista después de su extravaganza históricofashionista titulada W.E., que sigue inédita en nuestro país. Además, Madonna ostenta en lo que va de año el privilegio

Las cláusulas del contrato no sólo incluyen la imagen de la cantante en los anuncios que van a rodar en años venideros sino que, además, Pepsi apoyará cualquier proyecto creativo en el que se embarque Beyoncé. Por supuesto, la marca también será comercializada en todos los conciertos que ofrezca la ex componente de Destiny’s child.

Se ha pasado definitivamente a la Pepsi. O al menos eso parece a tenor del contrato multimillonario que ha firmado la voluptuosa artista con la marca de refrescos. Nada menos que 50 millones de dólares son los que se embolsará Beyoncé por ser la imagen absoluta de la marca durante los próximos años.

a los escenarios para el próximo año. Cohen ya deleitó al mundo en 2008, cuando decidió volver a tocar después de un hiato de quince años en una gira que rememoraba sus míticas canciones. Su próxima vuelta se producirá en Londres, concretamente el 21 de junio, en el estadio O2 Arena. Las entradas para este concierto ya han salido a la venta.

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

CRÍTICA

Por Laura Lokkie

Chickenfoot “LV”

l día que Sammy Hagar y Michael Anthony decidieron montar un supergrupo y dejar de vivir de las rentas y versiones de Van Halen, dieron un paso que hubieran debido dar bastante tiempo antes, y no a estas alturas de la vida cuando ya han pasado todos la crisis de los cincuenta. No porque no sea edad para estar saliendo de gira a lo bestia, aunque solo sea por Estados Unidos, sino porque a la hora de componer se nota bastante. Así que después de casi cinco años de andadura y dos discos a sus espaldas (ambos con variadas ediciones especiales), sorprende un poco que Chickenfoot decidan sacar un pack con todo su material publicado añadiendo este LV (que levante la mano quien pille la referencia del título), un disco en directo con temas de ambos discos. Y aún sorprende más que solo salga a la venta en Europa, donde ya no se dignan apenas a girar (en España aún les esperamos algunos después de que suspendieran su concierto de Madrid en 2009 y nunca más volvieran). ¿Querrán reintentar la conquista del viejo continente con este suculento pack? Sería lo lógico, si no fuera porque solo saldrán a la venta

10.000 copias numeradas en Diciembre, Nueve temas, casi ideal para regalarlo en Navidad. Bien una hora en la que jugado, señor Hagar. podemos hacernos a la Pero, ¿qué nos ofrece idea de como suena un LV en sí? 9 temas, casi una hora en la que podemos concierto de Chickenfoot. hacernos a la idea de como suena un concierto de Chickenfoot, y se puede da que en esos momentos estaba dividir en dos partes: Los cuatro libre de compromisos con Red Hot primeros temas fueron grabados Chilli Peppers, y de los prolondurante su gira de este año, con gados solos de guitarra de Joe el batería sustituto Kenny Aronoff Satriani, que al menos en directo y son todos del álbum III (Lighten tiene más oportunidad de lucirse up, Big foot, Last temptation y como el guitar hero que es. Something going wrong), y podría Si eres fan de Chickenfoot, o de decirse que es más relajado que Satriani, o de Montrose y en gesu predecesor, cosa que también neral de la trayectoria de Sammy se transmite a los cortes en vivo. Hagar, o simplemente te gusta Los otros cinco temas vienen de su el rock “maduro” americano, no álbum debut (Oh yeah, Down the dejes de pedir este pack a los Reyes drain, Turnin’ left, My kinda girl y Magos. Learning to fall) y fueron grabados durante su concierto en Phoenix lauralokkie@fanzinedigital.com en Septiembre de 2009. En estos cortes podemos disfrutar de Chad Smith, el batería original de la ban-

• Rock •

Chickenfoot LV Ear Music chickenfoot.us

LO MEJOR:

•Una joyita para coleccionistas. LO PEOR:

•¿Un directo tras solo dos álbums? PUNTUACIÓN:

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

CRÍTICA

Por Laura Lokkie

Andre Matos “The Turn Of The Lights” uelve la voz más privilegiada e internacional del metal brasileño. Después de pasar por Angra y Shaman, o meterse en fregados como Avantasia y Symfonia, el bueno de Andre Matos decidió que ya es hora de volver a hacer lo que le da la real gana y nos presenta su tercer disco en solitario: The Turn of the Lights, disponible solamente en Brasil, Japón y Europa. El concepto de este trabajo gira en torno a una reflexión del propio Matos sobre el ser humano en estos tiempos que corren: “Cuando le das luz a algo que nunca se ha encendido antes, revelas verdades, rostros y formas que jamás se habrían imaginado antes. Es una reflexión sobre la humanidad de hoy en día, donde es necesario comprender que somos parte de un todo, incluso ejercitando nuestra individualidad. Cada vez que hacemos algo, sea o no positivo, se refleja en el planeta entero”. Acompaña al cantante una banda que con sus instrumentos parecen perseguir el fin de ponerle la alfombra roja a la voz de Andre: a las guitarras, Hugo Mariutti y Andre Hernandes,

antiguos compañeros en Shaman y Angra respectivamente. Al bajo Bruno Ladislau, Esta vez han dejado que ha participado en numerosos proyectos algo más de lado el musicales brasileños Power Metal a y han (no solo de metal). Y en la batería Rodrigo decidido dar un giro Silveira, culpable en gran más progresivo y hasta parte de los arreglos de este trabajo. comercial a su sonido. The Turn of the Lights es un álbum bastante más “secomo Liberty, Course of life, Stop! rio y complicado” que sus o Light-years; más tranquilidad predecesores, lo que quiere decir y contenido en The turn of the que esta vez han dejado algo más lights, Oversoul o White summit, y de lado el Power Metal acostumbaladas puras como Gaza y Somebrado y han decidido dar un giro times. Además, dependiendo de la más progresivo y hasta comercial edición, encontraremos una serie a su sonido. Los temas están algo de bonus tracks: aquí nos ha tocarecargados, lo que resulta en que do Fake plastic trees, con el bueno según el disco avanza, parece que va llamando menos la atención, so- de André atreviéndose a versionar a una banda totalmente antagónibre todo si no se está acostumbraca como es Radiohead. Todo ello do al estilo de la banda. También da forma al siguiente paso evoluticontribuye a esto el equilibrio del vo de Andre Matos, sin perder por álbum: por cada tema rápido y caello sus señas de identidad. ñero, hay otro de tempo más bajo para contrastar. Así, encontramos cortes con ritmos trepidantes lauralokkie@fanzinedigital.com

• Metal • LO MEJOR:

Andre Matos The Turn Of The Lights EAR MUSIC andrematos.net

• No es más de lo mismo. LO PEOR:

•Demasiado recargado. PUNTUACIÓN:

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

Entrevistas

Por Lorenzo Sanz

Elevando la temperatura pop-rock desde Noruega

Andalusian Conspiracy Tres noruegos y un español, además, de Sevilla. Esta es la propuesta de una banda imaginativa, llena de recursos y que no se arruga en un mercado al que solo vienen a aportar. Ellos son ANDALUSIAN CONSPIRACY y con su trabajo debut “La Revolución Será Tuiteada”, aportan una visión diferente de todo lo que está pasando a nuestro alrededor. iviendo en Noruega, parece complicado conspirar en España ¿cuáles son las zonas de vuestra conspiración? Nos parece perfecto conspirar en España desde Noruega. Yo creo que España puede aprender mucho de una democracia como la de Noruega. Noruega puede aprender mucho de un país en crisis como España. Luego conspiraremos en el resto del planeta y por qué no en Marte, dentro de poco las de bajo coste volarán allí.

Banda noruega con cantante sevillano. Nos tienes que explicar como mezclar frío y calor sin que se produzca una reacción fatal... En las relaciones pasionales los opuestos se atraen... somos muy diferentes y no tenemos una referencia musical común y eso a lo mejor hace que nuestra música pueda sonar como algo diferente. En caso de revolución, ¿por qué adoptáis el twitteo como única forma de manifestación? Twitter se ha convertido en un arma explosiva contra la censura. Lo hemos visto en Irán, en Egipto en China y en nuestro propio país. Nunca hemos dicho que twitter sea la única forma. Otros grupos han triunfado con su mezcla cultural, pero es complejo combinar las cosas de forma mesurada. ¿Para donde te tira más la tierra como emigrante y artista? Bueno me siento ‘andalú’ y mis raíces siempre estarán presentes, cada vez que vuelvo a España me siento en mi tierra. Al mismo tiempo siempre he sentido la necesidad de conocer otras culturas y

formas de vida. He escuchado música anglosajona desde niño y he eso ha marcado mi forma de crear también. Ponte la mano en el corazón y dinos con toda la sinceridad posible, ¿qué crees que se merece

Cruce imposible.-

¿Puedes imaginarte a una banda de la talla de Coldplay influenciada por artistas nacionales como Radio Futura, Los Rodriguez o Kiko veneno?, todo ello se agita en una coctelera gobernada por el bajo galopante de Atle Timenes, muy basado en la técnica de slap y que empuja el talento del resto de compañeros, en una apuesta que sorprende e hipnotiza. Su forma de concebir la promoción de su música y la sorpresa que está causando esta en la prensa especializada, les augura un futuro prometedor.

este nuevo disco vuestro?. Bueno se merece que la gente y los medios lo escuchen sin prejuicios, se fijen en los detalles en la mezcla de sonidos nórdicos con ritmos con groove, voces con alma andaluza. Son historias creadas e inspiradas en la tranquilidad de un fiordo o un bosque noruego, pero que muestran preocupación y angustia por lo que ocurre a mi alrededor, en la casa del vecino y en el resto del mundo. ¿Qué valor puede tener en Noruega una banda que canta en castellano y cómo suplís el hecho de que no puedan entender vuestras letras?, ¿no se os ocurrió en ningún momento cantar alguna canción en Noruego? Bueno yo creo que la gente se queda con el groove y lo misterioso de la música y el sentimiento de lo que yo intento transmitir, aunque no tengan ni idea de que van. Si preguntas en la calle en Espana que dicen las letras de un cantante inglés la mayoría no saben de que van, pero les gusta el sentimiento de lo transmiten. A efectos de influencias, ¿tenéis mejor concepto de las bandas Noruegas o de las españolas? Pues los chicos de la banda apenas conocen música de nuestro país. Yo crecí escuchando pop rock anglosajón y flamenco. Escuché también a bandas como Radio Futura, Los Rodriguez, Veneno y por supuesto Pata Negra.

sin el miedo a volar en mil pedazos. Canciones como “Vanidad” parecen hechas con despecho hacia algún tipo de relación

sentimental pasada. ¿Me equivoco? Sí. Te equivocas.

Si preguntas en la calle

en Espana que dicen las Para el tema de los letras de un cantante directos ¿es inglés la mayoría no samejor ir a ben de que van, pero les veros a Oslo o gusta el sentimiento os esperamos por aquí? Podéis venir a vernos donde queráis. En Oslo tocaremos el próximo concierto en Enero, estáis invitados. Esperamos hacer una pequeña gira en España en primavera. Si nos invitáis lo mismo tocamos en vuestra casa. Volviendo al tema social, vuestras letras, en términos generales, están muy al uso, sobre todo “La revolución será tuiteada”. ¿Tenéis un plan de acción? Nosotros nos dedicamos a la música, aunque intentamos describir lo que nos preocupa. Las soluciones las deben poner nuestra clase política.

Concepto artístico parco, pero efectivo el de vuestro CD. ¿La situación del negocio nos impone una vuelta a lo básico? No en realidad le dimos el disco a Gry, nuestra diseñadora y le conté de que iban las letras y nos ofreció este concepto y nos pareció que representaba bien el contenido del álbum.

Éxito forzado y aburrido o fracaso excitante ¿con cual de estas dos opciones extremas os quedáis como banda? Bueno depende de tu definición de éxito. Nosotros hacemos música porque es nuestra pasión, así que, el poder tocar delante de un público que disfruta con lo que hacemos, lo consideramos éxito. Yo voto por un éxito excitante y por poder conspirar por todas las comunidades autónomas.

¿Qué puedes decirnos de el tema ‘Jerusalén’? Jerusalén es un canto de frustración por la situación de medio oriente y un canto a la esperanza de que un día se convierta un lugar bello que podamos visitar

Mucha suerte y gracias. Gracias a vosotros.

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

Digitalism “Dj- Kicks”

A.B. 3,5/5

!K7 Records

El espíritu dance renace gracias a la genialidad de dos artistas contemporáneos. Los alemanes Jens “Jence” Moelle y por Ismail “Isi” Tüfekçi (Digitalism) acaban de publicar un disco de remezclas con el que demuestran

que, además de realizar ‘Set Lives’ de sus propias creaciones, también están a la altura cuando se trata de pinchar y rebautizar temas ajenos. En este recopilatorio, de 21 canciones, ponen su sello personal a estandartes de la electrónica internacional como Kurbatov, ATA, The Sneekers o al magnífico hit del minimal ‘Loreley’, de una eminencia: Kölsch. En su tercer disco de estudio (primero de remezclas), minimal con toques de su identidad indie-house, demuestran sus influencias dentro del género con obras que a los propios autores les gustan.

Amparo Sánchez “Alma de cantaora” Kasba Music

Amparo Sánchez, otrora líder de Amparanoia, ha elaborado un precioso homenaje al oficio del cante en su segundo trabajo en solitario. Un álbum pausado y tranquilo, con los mínimos y precisos acompañamientos instrumentales, y donde sobresale la maravillosa voz de la solista. En las doce (más una versión) composiciones del disco, construidas sobre los ritmos tradicionales latinoamericanos, la vocalista tiene la compañía de amigos y

R.C. 4/5

maestros: el acordeón de Oscar Ferret, la trompeta de José Alberto Varona, la voz de Mane Ferret, la actitud de Arianna Puello o la emotividad de Bebe. Por otra parte, las palabras, propias y ajenas, muestran el camino hacia la sabiduría vital: “lo mejor es no tener miedo” nos receta la Abuela Margarita, curandera y guardiana de la tradición maya; “no morirá la flor de la palabra” firma el Subcomandante Marcos; “no vamos a morir por tu insaciable codicia” sentencia Amparo. Además, la intérprete recupera dos piezas que grabó en Tucson allá por el 2007. La primera, marcada por una guitarra gimona, junto a Caléxico. La segunda, tierna y delicada, con Howe Gelb (Giant Sand). Que siga el cante, como una bendición.

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

Danko Jones

“Rock and Roll is Black and Blue” Bad Taste Recordings

Siempre he tenido debilidad por los tríos... musicalmente hablando. The Jimi Hendrix Experience, The Police o Nirvana en el pasado y Motörhead, Rose Hill Drive o The Jon Spencer Blues Explosion en la actualidad han convertido la unión de guitarra, bajo y batería en un arte. Danko Jones explota esta fórmula desde 1996 con el rock duro como resultado final. En esta ocasión, y tras la marcha del batería Dan Cornelius, el grupo incorpora a Atom Willard (Rocket from the Crypt, The Offspring, Angels &

R.C. 3,5/5

Airwaves). Pero, tranquilos, el sonido de Danko Jones sigue tan sólido como siempre. Porque esta banda originaria de Canadá nunca cambiará. Y nadie se lo va a pedir. Cuando pones uno de sus discos y le das al “Play” esperas riffs de guitarra (“You Wear Me Down”), estribillos que puedas corear (“Terrified”) y velocidad, mucha velocidad (“I Don’t Care”). Todo ello aderezado con los tópicos habituales de la escena: bares (“Get Up”), chicas (“Legs”) y chulería (“Conceited”). Además, son tan gamberros que terminan con una bendición a las mujeres guapas con un coro gospel. El título: “I Believed in God”. Dale volumen.

Neneh Cherry & The Thing: “The Cherry Thing” Virgin / Tent Music

Uno de los artistas más sobresalientes de la cultura contemporánea, Woody Allen, relató, a modo de conversación en una de sus cintas maravillosas, que los músicos de jazz son los únicos que disfrutan más, durante un concierto, que el propio público. Y no le falta razón al bueno del director, guionista, productor y actor neoyorquino. Se manifiesta en

A.B: 4/5

cada uno de los directos de cualquier banda de jazz-funky. En buena parte, porque se siente mucho más con el alma que con el movimiento de caderas o griteríos entre el júbilo. A Neneh Cherry le debe pasar exactamente lo mismo, pues ha coqueteado con el dance, el pop comercial, la electrónica y el rap, pero ha sido con el jazz, y su banda The Thing, con la que ha firmado su mejor obra y, seguramente, la que más le representa. El jazz es ese hermano mediano, de familia numerosa, que más pasa desapercibido, pero que más destaca en potencial de inteligencia, sobriedad y personalidad.

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

The weeknd “Trilogy”

A.B: 3/5

REPUBLIC

Abel Tesfaye (The Weeknd) acaba de publicar ‘Trilogy’, título de la trilogía conformada por tres discos que han sido lanzados durante estos dos últimos años. Tras la buena aceptación de la crítica musical de su país (Canadá) y los Estados Unidos (donde fue nombrado en varios portales como disco del 21011) de su álbum debut, ‘House of Ballons’, tras el decepcionante ‘Thursday’, ahora llega ‘Echoes of Silen-

ce’. Sin lugar a dudas, el peor disco de una saga un tanto sobrevalorada. Bases en el corazón de nadie. Desértico. No se casa con ningún género. La definición es inexacta, un tanto perdida. Ni es dubstep, ni trip hopo, ni R&B. Eso sí, estimulantes para relajarse y colgarlo de BSO mientras la mente permanece despejada o mientras se enriquece en otros menesteres durante su reproducción. En todo caso, disco sellado en un estudio para aprovecharlo, mucho más aún, en directo, gracias a su aportación rítmica y aceleraciones en momentos puntuales. Poco más.

Aerosmith

“Music from Another Dimension” Universal

Para este viaje no hacían falta tantas alforjas. O lo que es lo mismo, que tras innumerables idas y venidas, la acumulación de cortes de ‘Music From Another Dimension’, no es tan deleznable como el de ‘Just Push Play’, pero casi. Aquí al menos han sabido mantenerse fieles a sus parámetros, si bien la deisidia y falta de gancho es palpable prácticamente a cada tema, golpeándonos desde

JBA 2/5

un Luv XXX con recurrencias inquietantes, a un Beautiful que de mala duele, y así hasta completar quince. Sólo el single What Could Have Been Love se mueve comodidad en los patrones -y clichés- de lo que una vez fue Aerosmith (jugada que en el citado Just Push Play ya habían realizado con Jaded como single bastante potable: saca tema para la radio y échate a dormir). Cuentan que tras la experiencia en Aerosmith dudan y mucho si alguna vez volverán a componer. Visto lo visto, no parece en absoluto necesario. Unos pocos conciertos cada cierto tiempo mientras el cuerpo aguante, y las polémicas serán más interesantes que lo que estos veteranos desganados puedan ofrecer.

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

CRÍTICA

Por Ángel Briz

Rihanna “Unapologetic” ihanna se ha desmarcado de todo lo relacionado con los cánones de la estética poligonera y la música que revienta los baffles de las discotecas en ‘Unapologetic’, disco con el que firma las últimas señas de su extenso currículo. Lo avisó con ‘Diamonds’, su primer single, que no se parece a ningún hit comercial convencional de sus últimos años como carta de presentación. Tampoco es una balada romanticona a dúo con una cara conocida del panorama musical. Lejos de sus anteriores éxitos, como ‘We Found Love’, ‘S&M’, ‘Were Have You Been’ u ‘Only Girl’, Rihanna expresa con ‘Diamonds’ sus intenciones de romper con sus registros anteriores. Lo que no cambia es la facilidad de convertir en oro todo lo que produce en los estudios. Nada pasa desapercibido. No solo por las polémicas extraprofesionales, sino que arriesga y se atreve con todos los géneros que le influencian. La de Barbados ya se atrevió en su día con el dance, el pop, el rock, el R&B, rap e, incluso, con

el reggae, en su anterior álbum. En esta ocasión, ha ido mucho más allá. Ese género tan de moda pero tan complicado de encandilar por culpa de los yihadistas y entendidos ce en la materia; el dubstep. Loops y bases de un subgénero del drum&bass que, pese a tener fecha de partida en Londres (Inglaterra), ha colonizado a los magnates de los productos más flexibles en Norteamerica. Y Rihanna, en temas como ‘Jump’, lo ha sabido adaptar perfectamente. Además, lo ha incorporado en una de sus baladas, como en ‘Half of Me’. Y, cómo no, también hay temas vulnerables a ser top en ma-

Lo que no cambia es la facilidad de convertir en oro todo lo que produen los estudios. Nada pasa desapercibido. crofiestas, con apuestas seguras en las colaboraciones con David Guetta y la ya conocida (no exenta de polémica) con su expareja, Chris Brown, en ‘Nobody’s Business’. Rihanna no se cansa de dominar la escena musical; lo hace por instinto y (casi) sin darse cuenta. angelbriz@fanzinedigital.com

• Pop • LO MEJOR:

Rihanna Unapologetic DEF JAM rihannanow

• El don para sus cambios de estilo. LO PEOR:

• Todo lo que tiene que ver con sus escarceos... PUNTUACIÓN:

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

CRÍTICA

Por Ramiro Calvo

Soundgarden “King Animal” í, lo confieso: recelo de las reuniones de grupos musicales que un buen día decidieron separarse. Son reencuentros que, en demasiadas ocasiones, anteponen razones económicas en detrimento de las motivaciones artísticas. Aunque reconozco que todos tenemos que pagar la hipoteca (bueno, algunos deben apoquinar varias), estoy cansado de giras con muchas luces, incluso pirotecnia, apoyadas en un enésimo recopilatorio, y cuyas entradas cuestan un ojo de la cara (y parte del otro) sin ofrecer (casi) nada a cambio. Por todos esos motivos desconfiaba del nuevo disco de Soundgarden. Pero, señoras y señores, uno también debe admitir sus errores. Porque el sexto álbum de estudio de esta banda de Seattle, el primero desde hace dieciséis años, es un trabajo que no iguala, pero tampoco desmerece, el esfuerzo realizado por Chris Cornell (voz), Kim Thayil (guitarra), Ben Shepherd (bajo) y Matt Cameron (batería) en el pasado. Encuadrados en la escena musical de la ciudad que dio origen al grunge, junto a Mother Love Bone, Nirvana o Pearl

Jam, el cuarteto Soundgarden muesdejó para la posteridad uno de los tra, por momentos, mejores discos de la que conserva parte década de los noventa: “Superunknown” de la energía de (1994). Y canciones como antaño. Aunque es cierto “Hands All Over”, “Rusty Cage” o “Black Hole Sun” que la edad no perdona. son auténticos himnos del rock alternativo. Con todos los miem“Non-State Actor” y “By Crooked bros del grupo implicados en la Steps”. En ambas destacan los riffs composición, aunque sobresalga y solos que aderezan el sonido. el quehacer de Cornell en las Aunque Thayil se muestra más letras, Soundgarden muestra, por liberado en “A Thousand Days momentos, que conserva parte Before”, un tema atravesado por de la energía de antaño. Aunque, un rumor hindú y unas trompetas es cierto, la edad no perdona y lejanas, y el punk de “Attrition”. algunos pasajes carecen de la garra “Blood on the Valley Floor” y “Worsuficiente. Pero, en general, la mase Dreams” nos recuerdan cuales quinaria está conjuntada y engrason las influencias de estos chicos: sada gracias al rodaje (conciertos, el rock setentero de ritmos pesacanciones en bandas sonoras, etc.) dos. Pero no todo puede ser tralla. que ha servido para recuperarse “Bones of Birds”, quizá demasiado del paréntesis temporal. Precisañoña, la sinuosa “Taree” y las acúsmente esa pausa es el argumento ticas “Black Saturday” y “Halfway que abre el álbum, con la canción There” son medios tiempos que “Been Away Too Long”, un rock la parroquia más heavy puede acelerado y donde Cornell expone obviar. la variedad de registros vocales ramirocalvo@fanzinedigital.com que domina. Esa intensidad se mantiene en

• Grunge • LO MEJOR:

Soundgarden King Animal UNIVERSAL soundgardenworld.com

• Los miembros del grupo demuestran no haber perdido la química entre ellos ni su buen hacer. LO PEOR:

• La segunda parte, llena de medios tiempos, puede desesperar al público más rockero. PUNTUACIÓN:

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

Tame Impala “Lonerism” Modular

La música de la banda australiana Tame Impala no es apta para todos los públicos. Aunque su líder, Kevin Parker, haya manifestado su deseo de sonar, en parte, como Britney Spears, el oído del oyente mayoritario no está habituado a desentrañar los acertijos sonoros que el grupo plantea. Efectos machacones (“Be Above It”), sintetizadores desquiciados (“Endors Toi”), reverberaciones angustiosas (“Elephant”) y otros obstáculos jalonan el segundo álbum de los australianos. Un trabajo grabado en diferentes puntos del mundo y que, quizás por

R.C: 4,5/5

eso, parece estar hecho a piezas, como un puzzle. Sin embargo, Lonerism ofrece diversos asideros para hacer más confortable la travesía. Son esas líneas de voz genuinamente poperas (“Apocalypse Dreams”), melodías accesibles (“Mind Mischief”) y teclados melancólicos (“Sun’s Coming Up”). Con todo, Tame Impala mantiene sus señas de identidad: desarrollos instrumentales inesperados (“Keep On Lying”), efectos lisérgicos (“Feels Like We Only Go Backwards”) y, efectivamente, psicodelia en estado puro (“Music To Walk Home By”). Así, les recomiendo que se abrochen los cinturones. Si se atreven a embarcarse en esta aventura les aseguro que el viaje será muy placentero, pero con turbulencias.

Gamma Ray

“Live Skeletons & Majesties” Ear Music

La banda que da alegría al Power Metal por excelencia no necesita presentación, ni excusa alguna para sacar un directo así de repente, porque sí. Aunque el hecho de hacer por fin tu primer dvd, que se te pire tu batería de toda la vida y que colabore en estos conciertos el mítico ex-Helloween Michael Kiske, a mí al menos me parece suficiente. El setlist que Gamma Ray se marcan en la versión solo audio de su Live Skeletons & Majesties es pluscuamperfecto: tocan temas de todos sus discos (bueno, se dejan Majesty solamente) y aún les da para incluir alguna rareza, versiones

L.L. 4/5

acústicas, covers míticos y los dúos con el susodicho Kiske. Grabado durante sus conciertos en Pratteln y Bochum, hay momentos cañeros, de risas, y hasta sentimentales, porque decirle adiós al mítico Zimmerman después de quince años con la banda merece una despedida por todo lo alto. Personalmente, quiero destacar que toquen temas como Money de su primer álbum, o la versión acústica con piano de Send me a sign, o para los fans más powermetaleros, Future world con la que siempre acaban los conciertos cantada por el intérprete original, Kiske, que sigue dando la talla. En fin, uno de esos directos que te ponen de buen humor y hasta dan ganas de repasar la discografía de Gamma Ray de los recuerdos que trae.

FANDIGITAL.ES/MÚSICA

ENTREVISTA

Por Laura Lokkie | Samu González

Vision Divine

Entrevistamos a Olaf Thorsen A pesar del nombre, Olaf Thorsen es tan italiano como los espaguetis a la carbonara, e igualmente italiana es la banda de Power Metal en la que toca la guitarra y que ayudó a fundar hace casi 15 años: Vision Divine. Hace poco estrenaban nueva discográfica y con ella, nuevo disco: Destination Set To Nowhere, el séptimo de su carrera. El bueno de Olaf nos cuenta sobre ello.

estination Set To Nowhere’ es de nuevo un álbum conceptual, muy ambicioso y con una producción excelente. ¿Vuestro mejor trabajo, quizás, de los últimos

años? ¡Muchas gracias! Sí, de verdad creemos que este es nuestro mejor disco hasta la fecha, tanto en términos de producción como en la calidad de los temas.

¿Qué concepto trabaja Vision Divine en el álbum en esta ocasión? Esta vez decidimos inspirarnos en los problemas sociales que todos experimentamos actualmente. Cuento la historia de un hombre que está tan harto de los problemas políticos y económicos de este mundo, incluyendo guerras, contaminación, etc… Decide construir una nave espacial y abandonar la Tierra junto con otras personas que se sienten igual que él, para quizás poder encontrar un nuevo mundo

en el que puedan empezar una vida mejor, sin los problemas que tenemos aquí. Entonces el disco cuenta la historia de su viaje por el espacio, la búsqueda de este planeta, hasta que consiguen encontrarlo y tienen la oportunidad de hacerlo todo nuevo y perfecto, del modo que soñaban. Fabio y Olaf trabajan también con otros grupos. ¿Es Vision Divine su punto de encuentro artístico? Bueno, definitivamente puedo decir que Vision Divine es nuestra principal banda en términos de energía y composición. Claro que tocamos en otras bandas, y claro que Rhapsody of Fire son mucho más conocidos que Vision Divine, pero damos nuestro 100% para hacer que esta banda mejore y consiga más y más fans con cada álbum, creo que nos lo merecemos. ¿Como ha sido el trabajo de creación tras el lanza-

El grupo

y uitarra solista) Olaf Thorsen (g alma el n so e) nt ta Fabio Lione (can son Divine, pero no máter de Vision adea nd ba ta es n ca los únicos que sa wer To ea dos de Andr lante. Acompaña a rr ta ui (g i o Puler (bajista), Federic y ro Bix (batería) nd sa es Al ), ica rítm ca is se s to clados), es Tom Lucatti (te etal m er w po l de s rado balleros abande te no llevan ya sie lia ita o siv re og pr t To Se n io at o. Destin discos de estudi e, es br iem pt se en lió Nowhere, que sa y o ur ad o, el más m su último trabaj ta. ris tu fu ás m bién el épico, pero tam íses pa s es otro de lo Tristemente Italia crisis, pero en r la más azotados po Divine quisieron n sio Vi o, sc este di eva mostrar una nu y a evadirse de ell a r ia ag nt co esperan esperanza, que los oyentes.

miento de 2009, donde ya Fabio estaba integrado de nuevo en el combo? Para mí, trabajar con Fabio es lo más natural del mundo, nos conocemos desde 1993, cuando todavía éramos adolescentes. El sonido es muy cercano a los discos de Vision Divine de 1999 y 2001. ¿Ha sido premeditado recuperar algunos de esos elementos característicos del power de esos años? No sé qué decirte, porque

muchos otros periodistas nos hacen esta pregunta asegurando lo contrario: ¡que este es el disco más progresivo que hemos hecho nunca! ¡Jajaja! Creo, sin embargo, que no hicimos nada planeado o premeditado. Simplemente trabajamos para componer los temas que nos gustan, de la forma que nos gusta, y por supuesto esta vez intentamos dar el 200% en lo que a producción se refiere, porque realmente queremos que este disco sea un hito para nosotros y para nuestra nueva discográfica, Edel-Earmusic. Y los elementos progresivos se mantienen, el disco es muy variado y posee hermosas

melodías. Me ha resultado muy agradable, fantástico para describir qué es el metal melódico de este siglo XXI. Sí, eso parece. Eso es lo que parece que a la gente le gusta de nosotros, pero una vez más, debo repetir que no es intencionado. Simplemente tocamos la música que nos gusta, como nos gusta. Se trata de un lanzamiento muy potente, a nivel internacional, ¿No es así? ¿Apuesta fuerte el grupo y la discográfica con él? El mercado musical vive días terribles, pero aun así, pensamos que una banda debe hacer todo lo que esté en sus manos para crear la mejor música posible. A la gente de Edel les gustaron nuestros nuevos temas cuando les enviamos nuestro material promocional, y han hecho un trabajo increíble y excelente a la hora de apoyarnos de la mejor

Simplemente trabajamos para componer los temas que nos gustan, de la forma que nos gusta.

manera posible. Nunca antes tuvimos nada como esto. El digipack doble de lanzamiento incluye un cd extra con regrabaciones de 10 temas clásicos. Dos por cada disco ¿Cómo ha sido volver a cada uno de ellos? Sobre todo a los cantados por Luppi... Sólo lo hicimos porque creemos que esta es la única forma honesta de presentar un “Best of” como un regalo para los fans. No tendría ningún sentido simplemente recopilar temas de nuestros trabajos anteriores. ¿Por qué iba a interesarse la gente en escuchar algo que ya tienen aunque sea en discos diferentes? Por supuesto, regrabar todo fue divertido e interesante para nosotros, siempre es divertido escuchar viejos temas sonando a algo nuevo, o distinto, o como tú dices, con un cantante diferente.

hay bastantes buenas bandas aquí, y realmente creo que en estos momentos Italia es probablemente el mejor país en lo que se refiere a calidad, sea por las bandas, las canciones, o los músicos.

De gira.-

De momento la banda sólo lleva confirmadas unas pocas fechas en su Italia natal y un par de festivales en la zona del Benelux, pero lo gordo está aún por anunciarse. Sin embargo, la primera fecha que hicieron para presentar Destination Set To Nowhere fue... ¡en España! El pasado septiembre estuvieron tocando en la quinta edición de un pequeño festival albaceteño, el Gineta Rock, donde fueron los más laureados de la noche. Más de la mitad de su reciente álbum cayó en ese concierto, pero también tocaron sus clásicos de anteriores discos, y hasta se marcaron una versión del mítico Wasted Years de Iron Maiden. Si os los perdistéis, no os preocupéis, ¡Vision Divine están deseando volver de gira por aquí!

Fabio ya conocía los temas de Stream of Conciousneess (ya que hizo casi todas sus melodías). ¿Ha sido divertido grabarlos? Pues claro que sí. Sobre todo porque estos temas concretos ahora por fin tienen una producción decente… ¡comparada con la del álbum original! ¡Jajaja!

Mucha gente os descubrió con esa pequeña broma que es la versión de Take on Me de A-Ha. Grabar versiones siempre ayuda, pero la vuestra tal vez sea una de las mejores versiones y más conocidas de la escena. En este disco habéis elegido un tema de Savatage, Gutter Ballet. ¿Las versiones que incluís, son ya una pequeña tradición para vosotros? ¡Jajaja, cierto! ¡Aún hoy mucha gente nos adora cuando escuchan Take on me la primera vez! Sí, las versiones son nuestra tradición: siempre habrá una en cada uno de nuestros lanzamientos, y cada vez que elegimos una canción para ello, no lo hacemos como músicos, sino como fans.

Vision Divine lleva en activo desde 1999, pero algunos os conocéis de muchos años antes gracias a Labyrinth, fundado en 1991. Con todo lo recorrido ¿cómo se encuentra la escena heavy metal en Italia en estos momentos? Si por escena te refieres a un movimiento de músicos que comparten sus experiencias e intentan fortalecerse, entonces no hay escena en absoluto. Pero por otro lado, actualmente

El Best Of... es un disco de regalo en la primera edición de ‘Destination Set To Nowhere’, pero tiene entidad propia. ¿Pensáis comercializarlo más adelante, para añadir el plus de tener un Best Of... propio? Algunas personas nos estaban pidiendo que lo hiciéramos, pero honestamente, no estamos seguros. Somos músicos y preferimos dejar estos temas a nuestra discográfica. Lo que sea que ellos decidan, nos parecerá bien.

¿Tendremos oportunidad de veros girar en los próximos meses con el nuevo disco? Sí, creo que las primeras fechas deberían anunciarse pronto. Queremos visitar tantos países como nos sea posible, y por supuesto esperamos incluir de nuevo a España en la gira, nos gusta muchísimo ir allí. ¿Queréis dejarle un mensaje a los fans de Vision Divine de España y lectores de Fandigital? Y muchas gracias por vuestra música. (En español). – ¡Hola a todos los amigos de España! ¡Un abrazo muy fuerte y ojalá que sea posible volver pronto a su maravilloso país! ¡Saludos!

Clásico inconmensurable

Nick Furia vs. SHIELD uevo golpe sobre la mesa por parte de Panini apelando directamente a la conciencia nostálgica de los lectores. Convendría ponerse en situación. Finales de los años ochenta, DC comics vive un gran momento gracias al éxito de historias como Dark Knight de Frank Miller o La Broma Asesina de Moore y Bolland. Si algo tienen en común estas dos obras es el formato en el que fueron publicadas: el prestigio. Aquellos tomos con portadas de cartoncillo, papel de mejor calidad e historias destinadas a un público más adulto hicieron las delicias de los aficionados de la época. Tal fue el éxito del nuevo formato que Marvel no tardó mucho en mover ficha. Dicho y hecho. A las primeras aventuras protagonizadas por el grupo Excalibur le siguió este Nick Furia contra SHIELD, anunciada como la historia definitiva del personaje y la poderosa organización. Los autores implicados en el proyecto daban pie a creerse ese tipo de proclamas. El guionista Bob Harras (más conocido por sus labores editoriales durante la Marvel de los noventa o la actual DC) y el eterno entintador de Alan Davis, Paul Neary, tejen una trama llena

Guionista: Bob Harras Dibujante: Paul Neary 304 páginas, color, Panini Comics 4 /5

de giros argumentales e intriga. La historia, tan simple como eficaz, nos narra cómo Nick Furia es traicionado por SHIELD que, como cabría esperar de una organización dedicada al espio-

“La historia, tan simple como eficaz, nos narra cómo Nick Furia es traicionado por SHIELD

naje, no resulta estar tan limpia y transparente como quieren hacernos creer. De esta manera empieza una persecución en la que el ex director tendrá que ir resolviendo todos los misterios con los que se vaya topando a la vez que le da esquinazo a los agentes que van tras él. Harras sabe perfectamente cómo mantener el interés y el suspense a lo largo de las más de trescientas páginas y Neary hace un trabajo más que correcto y no esconde en ningún momento la fuerte influencia de Steranko en sus lápices. Clásico inconmensurable este nuevo Marvel Gold que nos trae Panini que sigue ampliando su catalogo de material añejo. Por Mario Olivera

LA ATALAYA DEL VIGÍA SECCIÓN SEMANAL EN WWW.comicdigital.COM

Cinco razones para leer Watchmen a publicación en España de la línea Before Watchmen supone el inicio de lo que se prevé como una agria polémica entre los detractores y partidarios del proyecto. Pero Before Watchmen también sirve poner de actualidad la obra original de Alan Moore y Dave Gibbons. Obra de merecida fama repetidamente citada como ejemplo. Tanto que en ocasiones parece que se hable de ella como un

tópico al que muchos recurren sin reparar en el porqué. Para refrescarles la memoria -y para los que aún no la conozcan, que alguno habrá- aquí va cinco razones: 1) El concepto: nacida como un encargo de DC para relanzar una serie de personajes adquiridos de la extinta editorial Charlton –Question, Blue Beetle, Capitan Atom, Thunderbolt, Nightshade-, Alan Moore aprovechó esa tábula

Si el concepto parecia simple, su realización fue todo lo contrario.

rasa para mostrar el género de los superhéroes desde la óptica del mundo real. Así, el guión se plantea qué efecto tendría de verdad en la sociedad la aparición de vigilantes enmascarados con habilidades extraordinarias. Las secuelas físicas y psíquicas para dichos personajes, pero también las consecuencias sociales, políticas o históricas de aplicar el maníqueo blanco y negro de los superhéroes al fangoso gris de la vida real. La historia de superhéroes de siempre, pero como jamás se había visto. 2) La narrativa: Si el concepto parecia simple, su realización fue todo

lo contrario. Planificada como una historia cerrada de doce entregas, Watchmen posee un nivel de complejidad y detalle que asusta. Su trama está repleta de continuos saltos en el tiempo hacia adelante y atrás a lo largo de varias décadas, de repeticiones de escenas

ahí, pero nadie las había usado y/o combinado con tanta precisión y espectacularidad.

desde distinto punto de vista, de cambios en el narrador protagonista, de historias paralelas no necesariamente relacionadas con la principal, de segmentos en prosa y de pequeños datos que acaban desvelándose como fundamentales. Las herramientas ya estaban

3) Los personajes: frente al habitual esquema de las historias héroe/ villano Watchmen hace gala de un dramatis personae tan variopinto como trabajado. Obsesos en la lucha contra el crimen convertidos en violentos perturbados, inseguros patológicos llenos de complejos, heroínas hartas de cargar con la tradición familiar, corruptos sin escrúpulos que justifican sus fechorías mediante el patriotismo, mentes brillantes inclinadas a la

Watchmen puso patas arriba el cómic USA, abriendo la puerta a una nueva manera de contar historias. megalomanía apocalíptica, seres todopoderosos que miran a sus supuestos semejantes como insectos… De los personajes principales a los que apenas ocupan un par de páginas –el viejo héroe retirado, el quiosquero ignorante de lo que sucede a su alrededor, el psiquiatra cuya visión del mundo se derrumba…- todos resultan tener una voz única y un papel que cumplir en la trama. 4) El dibujo: aunque el guionista suela llevarse el mérito, resulta imposible imaginarse la obra sin los lápices de Dave Gibbons. Con una composición de página clásica –generalmente nueve viñetas simétricas- y un estilo grafico muy académico, Gibbons impone orden y ritmo a la brutalmente densa y enrevesada historia de Moore. Cada expresión de rostro transmite exactamente lo que el personaje siente, cada lugar y momento en que transcurre la historia es

perfectamente identificable y cada pequeño detalle está incluido sin entorpecer o interrumpir la narración. El guión puede describir el escenario, pero es gracias al dibujo que jamás nos perdemos dentro del mismo. 5) La influencia: Watchmen puso patas arriba el cómic USA, abriendo la puerta a una nueva manera de contar historias tanto dentro como fuera del género de los superhéroes, influenciando a la práctica totalidad de creadores posteriores (aunque no siempre para bien), atrayendo la atención sobre el medio de toda clase de publico ajeno y trascendiendo las fronteras de éste. Watchmen, como ninguna otra obra antes o después, sentó un nuevo nivel de excelencia en el medio, destiló las mejores virtudes de este y aportó otras en las que ni siquiera se había pensado antes. En una palabra: imprescindible. Rodrigo Arizaga Iturralde

Padre e hijo se enfrentan en el segundo arco de Morrison

Batman contra Robin espués de unos primeros números en los que estableció el nuevo tono, y quedaron expuestas las diferencias respecto a la etapa inmediatamente anterior del Caballero Oscuro, Grant Morrison prosiguió su andadura en Batman y Robin, la colección más ambi-

Guionista: Grant Morrison Dibujante: Andy Clarke, Cameron Stewart 168 páginas color ECC Ediciones Precio: 17,50 euros. 4 /5

ciosa del personaje en los últimos 10 años. Este segundo arco argumental rescata la trama relacionada con la desaparición de Bruce Wayne luego de los acontecimientos de Crisis Final, una investigación en la que Dick y Damian tendrán que lidiar no sólo con las dudas acerca de la muerte

(o no) de su padre y mentor, también con sus propios problemas, personificados en dos de las némesis más famosas de la colección. El misterio en torno a la identidad de uno de ellos ocupa una parte muy importante del tomo, y se convierte por méritos propios en una de las historias

más interesantes y mejor construidas de Batman en mucho tiempo. El arte de Cameron Stewart y Andy Clarke se complementa además perfectamente con los guiones del irlandés para crear la atmósfera perfecta en cada secuencia. Bruno Lorenzo

La poesía asgardiana de Straczyinski

Marvel Deluxe: Thor # 2 esulta una delicia leer cada número, cada página y cada viñeta de este tomo del Dios del Trueno. Sus profundos diálogos, las situaciones dispares que se presentan y los matices de cada uno de sus personajes suplen con creces cualquier batalla o enfrentamiento brutal, por más que éstos

Guionista: Joe Michael Straczynski Dibujante: Olivier Coipel Panini Cómics 15 páginas, color 4 ,5/5

también se den. Y es porque estamos, sin duda, ante la mejor etapa de Thor desde Walt Simonson. Así de sencillo. Por algo la película del personaje se basó tanto en estos números. Asgard y a los asgardianos han sido recuperados a la causa. Ahora se nos muestran mucho más humanos y menos

rígidos que en otros tiempos. Y se les coge hasta cariño. La versión femenina de Loki es un acierto sin precedentes. Y su peligro ya no son las mentiras, sino las verdades. De las que duelen, que siempre son más dañinas. Además, tendremos un nuevo rey de Asgard y un curioso status quo para Thor,

que tiene por fin tiempo de codearse con los mortales y hablar con viejos amores y antiguos camaradas. La única duda está en cual de los dos dibujantes se muestra más espectacular, si Marco Djurdjevic u Olivier Coipel. Dos bestias de los lápices que ilustran esta etapa 100% recomendable Jaime de Mora

El regreso de Vaughan

Saga: Capítulo uno on muy poco que demostrar después de obras como Runaways, Y, el Último Hombre o Ex Machina, y tras una largo periodo vinculado a proyectos en televisión, los fans de Brian K Vaughan esperaban expectante su regreso al cómic. Muchos autores aprovechan esta circunstancia para centrarse

Guionista: Brian K Vaughan Dibujante: Fiona Staples Planeta de Agostini Comics 168 páginas, 16,95 euros 4 ,5/5

en el proyecto que siempre han querido que viese la luz y de la forma más personal posible, sin estar pendientes de ventas, criticas, o fans. No hay otra forma de explicar la deliciosa mezcla de géneros y estilos que es Saga. La historia de amor entre Marko y Alana, cada uno de una raza distinta que está in-

mersa en una cruenta guerra interestelar, y la llegada de su hija Hazel, que actuará de narradora para el lector, son el punto de partida de esta imposible space opera, donde todo tiene cabida: un príncipe depravado, gatos parlantes y hasta niños fantasma. Planeta publica ahora en tomo los primeros 6 números de la serie

casi simultáneamente con EEUU, donde la serie se ha tomado un par de meses para que Fiona Staples, la genial dibujante y cocreadora de la serie, pueda ponerse al día con su tarea mensual. Una muy recomendable serie a la que deseamos una longeva vida. Jose María Pérez Cuajares

David Lapham concluye su depravada versión del mercenario bocazas

Masacre MAX # 3 n tan sólo seis números, el guionista decide no perder el tiempo y pasar a contarnos directamente las consecuencias de ese horrible atentado con que finalizó el primer volumen y que ha convertido al pobre Bob -que parecía ser el único con un atisbo de cordura en este jaleo-, en el terrorista más buscado

Guionista: David Lapham Dibujante: Kyle Baker y Shawn Crystal 160 páginas color Panini Comics Precio: 13,00 euros. 3 ,5/5

del mundo. El único problema es que Bob no ha sido el causante del abominable delito aunque eso no parezca importar a los operativos de las fuerzas del orden, de SHIELD, de HYDRA, la versión gurú sexual de Cable y algún que otro proxeneta psicopático. Por las páginas de este tomo, Masacre despliega todas

sus enfermedades mentales mientras se dedica a descuartizar a casi todos los que se cruzan en su camino. Vuelve Lapham a presentar sus particulares versiones de personajes marvelianos clásicos que van desde Los Caballeros de la Luna, hasta El Hombre-X, asesino a sueldo entrenado por la exmujer despechada del mercenario

bocazas. La única pega es que el excelente Kyle Baker falta a su cita en algunos números y no da esa coherencia gráfica al conjunto de la primera temporada. Aún así, una lectura extremista e irreverente que arrancará más de una sonrisa con su salvajismo psicopático. Javier Jiménez Jiménez

La épica interestelar del Titán Loco

Colección Extra Superhéroes: Thanos # 1 P

Guionista y Dibujante:Jim Starlin 336 páginas color Panini Cómics Precio: 16,50 euros. 3,5 /5

anini parece dispuesta a ponerse al día en cuanto a Jim Starlin se refiere. Tras los volúmenes de la línea Marvel Gold dedicados a Warlock y al Capitán Marvel, le toca el turno a Thanos. Aprovechando las características del formato CES, de manera muy inteligente se incluyen dos historias en las que el protagonista

principal es el Titán Loco. En la primera de ellas, Infinity Abyss, nos vamos a encontrar con un Thanos desbordado ante los ataques perpetrados por una serie de dobles suyos. Ante la imposibilidad de hacer frente a esta situación se verá obligado a contar con la ayuda de algunos héroes como Adam Warlock, Doctor Ex-

traño, Dragón Lunar o Spiderman. La segunda de las historias incluidas en este grueso volumen nos desvela como será el final del Universo Marvel. Si ya, dentro de esta serie de narraciones, pudimos leer los últimos días de personajes como El Castigador, Lobezno o Los 4 Fantásticos, ahora podremos ser

testigos de primera mano de las palabras del propio Thanos y de cómo una poderosa entidad evolucionada del faraón egipcio Akenaton, terminará con toda la existencia. La profesionalidad de Jim Starlin y Al Milgrom queda patente en este cósmico tomo de gran épica interestelar.

estética implantados por Blade Runner, Spaceman vuelve a demostrar el buen nivel de sus autores, el cual crece cada vez que trabajan juntos. Así, la habilidad de Azzarello para crear personajes atractivos y diálogos llenos de vitalidad y peculiares argots se combinan con la superlativa ca-

pacidad del dibujante argentino para manipular visualmente la narración y otorgar a sus protagonistas de una expresividad perfectamente medida. Una (otra) obra de un dúo creativo sencillamente imprescindible.

Mario Olivera

De las estrellas al arroyo

Spaceman ras el éxito de 100 Balas, el estimable equipo formado por Brian Azzarello y Eduardo Risso vuelve a reunirse para lanzarse de lleno a la ciencia ficción. Pese a ello, su nuevo trabajo no está tan alejado como podría pensarse del que les dió la fama. Más allá del componente

Guionista: Brian AzzarelloDibujante: Eduardo Risso 224 páginas color ECC Ediciones Precio: 20 euros. 4 /5

fantástico de su protagonista y la ambientación de ese futuro oscuro lleno de suciedad, edificios ruinosos y zonas inundadas, Spaceman no deja de ser otra incursión dentro de la serie negra, en una trama llena de giros donde nada es lo que parece y todos esconden algo. Deudor del tono y la

Rodrigo Arizaga Iturralde

Comienzos revividos

Marvel: Primera Temporada arvel ha inaugurado esta línea de productos dirigida principalmente al sector juvenil de los lectores, una parcela de aficionados no tan familiarizada con los consabidos orígenes de héroes como Spider-Man o Daredevil y que busque una nueva versión del nacimiento de los pesos pesados marvelianos que conoce principalmente por series televisivas y películas. La inauguración se producía con la presentación de PT: Los 4 Fantásticos, en el que Roberto Aguirre-Sacasa vuelve a narrarnos el accidente espacial que dio origen a este grupo de superhéroes y su primer enfrentamiento con el Hombre Topo o Namor de forma algo automática y poco original. Ni siquiera David Márquez, que nos sorprende con un dibujo extremadamente detallado en el que quizás sea el tomo mejor ilustrado de la línea, puede salvar el producto final de un aprobado por los pelos. PT: Spider-Man nos presenta al apocado Peter Parker y sus aventuras tras ser picado por una araña

Guionista: Varios Dibujante: Varios 112 páginas color Panini Comics Precio: 13,95 euros. 4 /5

radioactiva. Para la ocasión, el interesante Cullen Bunn hace lo que puede con una historia que nos sabemos de sobra y que ha sido recontada decenas de veces, con notables aciertos (Ultimate Spider-Man) y sonados fracasos (SM: Capítulo Uno). El dibujante Neil Edwards, con un trazo que recuerda sobremanera a Mark Buckingham, acompaña al guionista en un relato que no decepciona ni sorprende pero que clava las caracterizaciones de los personajes, desde un adorable tío

“Línea de productos dirigida principalmente al sector juvenil de los lectores, una parcela de aficionados no tan familiarizada con los consabidos orígenes de héroes como SpiderMan.

Ben a un despreciablemente interesado J. Jonah Jameson, pasando por la interesante y divertida periodista Kathy Kiernan, la mejor adición a este retelling. Dennis Hopeless es un relativo recién llegado a esto de los cómics, detalle que no le impide presentar el mejor título de la línea, PT: La Patrulla-X. Sus adolescentes suenan como tales, viven como tales y son la más fresca aportación a esta colección de álbumes. Esta serie nos muestra además a los famosos mutantes en la formación original liderada por Cíclope. La divertida historia va saltando desde la llegada de Jean Grey a la escuela de Charles Xavier hasta importantes momentos de la historia del grupo como

“Hulk es, posiblemente, el título que más aporta a ese “nuevo” origen planteado en este proyecto. su enfrentamiento inaugural con Magneto, su primera misión en La Tierra Salvaje o la formación de la Hermandad de Mutantes Diabólicos, perfectamente ilustrado con un estilo moderno y dinámico por Jamie McKelvie (Los Defensores).

Propuestas acertadas, ideas equivocadas

PT: Hulk es, posiblemente, el título que más aporta a ese “nuevo” origen planteado en este proyecto. El nacimiento del Coloso Esmeralda en ese accidente con radiación Gamma siempre ha sido

contado a grandes rasgos y Fred Van Lente se aprovecha de ello para introducir interesantes tramas en la historia. El nuevo papel proactivo de Rick Jones, la personalidad rompedora de la militar Betty Ross, la amenaza del siniestro Emperador y el grupo terrorista Ellos o el maquiavélico plan de Mónica Rapaccini, antigua compañera científica de Bruce Banner, componen un tapiz perfectamente ilustrado por Tom Fowler (Veneno) en un estilo sucio y arriesgado, reminiscente de Paul Pope o Gabriel Bá, que cuadra perfectamente con los oscuros rincones de la enrevesada y escabrosa mente de Banner y se convierte en la mejor lectura del conjunto. Las dos últimas apuestas de esta línea son las dedicadas a Daredevil y El Hombre Hormiga. La primera está realizada por Anthony Johnston y Wellington Alves –que ya colaboraron en Shadowland: Sangre en las Calles- y, desgraciadamente, no supone un gran acierto. La historia deja de lado el origen del Hombre sin Miedo para transformarse en una suerte de año uno de la vida del vigilante con un guión bastante flojo y un dibujo que no ayuda en nada a la pretendida profundidad de la historia. Por su parte, las aventuras de Hank Pym en su viaje hacia el mundo superheroico están escritas por el reputado Tom deFalco, toda una autoridad en el universo de Los Vengadores, y ofrece una historia

“Las aventuras de Hank Pym en su viaje hacia el mundo superheroico están escritas por el reputado Tom deFalco. con sabor clásico y más de un punto en común con El Increíble Hombre Menguante que, sin duda, hará las delicias de los lectores. El único punto negativo sería el caricaturesco dibujo de Horacio Domingues (Incorruptible) que resta algo de tensión y dramatismo a esta historia de insectos, venganzas y traiciones. Por Javier Jiménez Jiménez

ECC Ediciones publica la polémica continuación de Watchmen

Antes de Watchmen CC Ediciones comienza en diciembre la publicación en nuestro país de uno de los proyectos más polémicos de la actual DC. El carácter de obra maestra del Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons convertía la idea de una continuación –aunque fuera en forma de esa socorrida maniobra que es la precuela- en una cuestión que aseguraba la división de los aficionados al cómic de manera salvaje e incluso, febril. Aún así, los poderes editoriales decidieron continuar con el proyecto e intentar asegurarse el apoyo de los fans fichando equipos creativos de primera fila que pudieran despertar el interés de los lectores más allá de controversias y disputas. Además, se dio un extraño caso en el que Dave Gibbons dio su beneplácito a los nuevos títulos –ya lo hizo con la excelente película basada en la maxiserie original- y un airado Alan Moore, ejerciendo su derecho al pataleo, condenó a los vinculados a la iniciativa de manera dura y tajante. Se pueden dar varias situaciones cuando te acercas a estas nuevas colecciones. La primera es que conocieras Watchmen en

Guionista y dibujante: varios Editorial: ECC Ediciones 32 páginas color 2,5 euros 4 /5

“La indudable calidad de los talentos creativos elegidos aseguran que, cuanto menos, la lectura sea interesante y controvertida. su versión original en cómic lo que, a su vez, crearía otros dos grupos de lectores: el grupo A,

que acepta su papel en la definición del cómic actual, y el grupo B, que piensa que no es para tanto –afortunadamente, este grupo es bastante menor-. Después, están aquellos que descubrieron la obra gracias a la brillante –pese a quien pese- película de Zack Snyder que, de nuevo, generaría dos grupos: el grupo C reuniría a aquellos que después revisitaron la obra de Moore y el D a los que creyeron que aquello era todo una nueva invención de Hollywood que copiaba de otras películas de superhéroes –de nuevo, un grupo poco numeroso e insignificante-. Seas del grupo que seas, la única opción para valorar esta iniciativa es disfrutar de la edición que ECC presenta ahora en nuestro país. La variedad y diferenciación de las propuestas, más allá de su pertenencia a un mismo universo, y la indudable calidad de los talentos creativos elegidos aseguran que, cuanto menos, la lectura sea interesante y controvertida. Antes de Watchmen: Minutemen puede considerarse el título principal de la línea. El excelente Darwyn Cooke es el encargado de narrar las primeras andanzas de la encarnación primigenia de este grupo de luchadores por el bien, realizando un repaso a esa obra llamada Under the Hood que saboreamos a fragmentos en la colección original. El clasicismo e impresionante diseño de Cooke otorga a esta serie su carácter de homenaje respetuoso al tiempo que presenta hechos

chmen: Búho Nocturno es ejemplar. La capacidad para la introspección del guionista convierte la lectura de esta ascensión al heroísmo de Dan Dreiberg en una muestra de respeto hacia el material original. Respeto que también encontramos en el muy diferente Antes de Watchmen: El Comediante, en el que el salvaje Brian Azzarello pone un guión que navega por la política y los grises de la América de los 60 al servicio de los magníficos lápices de J.G. Jones. El resultado es un cómic que nos entrega una nueva cara del más psicópata de los Minutemen y otorga nueva profundidad a hechos aparecidos en la maxiserie de Moore y Gibbons. Una de las indudables sorpresas es Antes de Watchmen: Ozymandias, en la que el veterano Len Wein y un sorprendente Jae Lee componen página tras página de puro cómic. La infancia y adolescencia de Adrain Veidt son por méritos propios un material perfecto

que nos permiten conocer más profundamente las psiques de los protagonistas. Continúa la narración en otra obra guionizada por Cooke, que cede ahora los lápices a la correcta Amanda Conner, en Antes de Watchmen: Espectro de Seda. La juventud de la segunda Espectro entrenada por su madre y batallando contra el pasado y las hormonas es el hilo argumental de la que quizás sea la más floja de las propuestas enmarcadas bajo este sello. El trabajo de J.M. Straczynski y Andy y Joe Kubert -este último sustituido por Bill Sienkiewicz tras su fallecimiento- en Antes de Wat-

“Azzarello, acompañado por el impresionante arte de Lee Bermejo, da rienda suelta a la locura del desquiciado vigilante y su obsesión por los más oscuros rincones del alma del ser humano.

para nutrir esta serie limitada que no dejará de sorprender al lector en ningún momento. La última propuesta es la bestial Antes de Watchmen: Rorschach en la que Azzarello, esta vez acompañado por el impresionante arte de Lee Bermejo, da rienda suelta a la locura del desquiciado vigilante y su obsesión por los más oscuros rincones del alma del ser humano. En resumen, una iniciativa a tener en cuenta que no dejará indiferente a nadieria. Por Javier Jiménez Jiménez

Desvelando el misterio

Master Keaton # 1 laneta recupera una de las primeras obras de Naoki Urasawa, para alegría de los fans del autor de Monster o Billy Bat. Publicada originalmente en 1989, sólo cuenta con Urasawa en el apartado gráfico, encargándose Hokusei Katsushika y Takashi Nagasaki del guión. Nuestro protagonista

Guionista: Hokusei Katsushika y Takashi Nagasaki Dibujante: Naoki Urasawa 152 páginas color Planeta de Agostini Comics Precio: 14,95 euros. 3,5 /5

es un arqueólogo con pasado militar, separado y padre de una niña, llamado Taichi Hiraga Keaton, que en sus ratos libres como profesor de universidad, se dedica a colaborar con una compañía de seguros esclareciendo las verdaderas circunstancias que se esconden tras la muerte de algunos asegurados,

lo que le llevará a recorrer el mundo. Contada de forma sencilla y sin grandes artificios, donde cada capítulo es un caso de Keaton, y a medio camino entre Indiana Jones, McGyver y Detective Conan, la serie se beneficia de un personaje principal con el que es imposible no encariñarse, y del trazo

de Urasawa, que en este caso destaca por una importante labor de documentación, que traslada la acción de Grecia a Florencia o Londres. Alejada de las enrevesadas tramas que le han hecho famoso, nos encontramos aquí con una obra mas sencilla, pero no por ello de menor calidad. José María Pérez Cuajares

La nueva maravilla ‘made in Kirkman’

Ladrón de Ladrones # 1 rremediablemente, las dos creaciones de mayor éxito de Robert Kirkman, Walking Dead e Invincible, eclipsan el resto de su producción. Sin embargo, hay obras como este Ladrón de Ladrones, en la que firma el argumento, que bien le podría

Guionista: Robert Kirkman y Nick Spencer Dibujante: Shawn Martinbrough Planeta de Agostini Comics 160 páginas color Precio: 14,95 euros.

plantar cara a las mencionadas más arriba. Delegando y rotando en cada arco argumental las labores de guión, la serie parece renovarse cada seis o siete números. En este primer volumen nos vamos a encontrar con un inspirado Nick Spencer para plantar las semillas de

todo lo que tiene que venir. Conrad Paulson es un afamado ladrón de guante blanco que está intentando dejar sus acciones delictivas para así recuperar a su esposa. Por supuesto no será tarea fácil ya que sus compañeros de profesión no están por la labor de facilitarle el retiro y su hijo

se mete en problemas con la ley al intentar emular a su progenitor. Completando el equipo artístico nos encontramos con un Shawn Martinbrough más oscuro de lo normal dando como resultado final una gran historia noir que deja con ganas de más. Mario Olivera

El pasado siempre vuelve

Soldado de invierno # 1 uede que el regreso de Steve Rogers como Capitán América fuese inevitable, pero el resultado de su sustitución por su excompañero muerto, reconvertido en asesino soviético y reciclado en superhéroe era demasiado bueno como para caer en el olvido. Lo suficiente como para que, tras poner fin a su larga y

Guionista: Ed Brubakerg Dibujante: Butch Guice, Michael Lark 200 páginas color Panini Precio: 15 euros. 4 /5

exitosa etapa sobre el héroe de las barras y estrellas, Ed Brubaker se llevase consigo al personaje a una serie propia. Menos una serie de superhéroes al uso y más cerca del género de espionaje y los ambientes de serie negra -espléndidamente manejados por el guionista y plasmados por el

“Acción y suspense bien servidos para una serie que supone una estimable coda a una de las mejores etapas de la Marvel. lápiz de Butch GuiceSoldado de Invierno supone una incursión por los rincones más oscuros e intrigantes del Universo Marvel de la mano del bien avenido dúo formado por el Soldado de

Invierno y la Viuda Negra. Acción y suspense bien servidos para una serie que supone una estimable coda a una de las mejores etapas de la Marvel de los últimos años. Rodrigo Arizaga Iturralde

Héroes, mitos e historias del cómic

“Eran los tiempos

Supergods

de las editoras poderosas que se arriesgaron con los guionistas dispuestos a hacer volar por los aires el mundo superheroico.

quellos que busquen una autobiografía, con drama, pústulas y revelaciones que alimenten el morbo del fan, que se aparten de la balda y vuelvan a dejar en la estantería Supergods: Héroes, mitos e historias del cómic (Turner, 2012). Este ensayo, más o menos histórico en su primera parte y maravillosamente egomaníaco en su segundo acto, entretiene en su faceta más divulgativa y apasiona cuando al bueno de Morrison se le escapan pequeños secretos, como que enseñó a la dibujante Jill Thompson a sanar a su gato o que ideó una de las campañas de promoción del cantante Robbie Williams como un hechizo. Es esta locura maravillosa, y no su conocimiento de la industria desde dentro, lo que interesa a esta periodista. Porque, admitámoslo, para leer sobre la historia del cómic ya está la Wikipedia, o ensayos del estilo de The Great Comic Books Heroes, de Jules Feiffer. Si el autor de Batman: Arkham Asylum y Los Invisibles se anima a escribir sus memorias, lo mínimo que buscaremos en sus páginas es un listado detallado de las drogas que consumió cuando dejó atrás una juventud de buenas costumbres e irritante soberbia postadolescente. Gracias a la diosa, encontramos algo de ese desfase en este

Guionista: Grant Morrison 510 páginas color Turner Precio: 29,90 euros. 4,5 /5

documento. También nos sumergimos en un anecdotario que nos habla, por ojos de Morrison, de coetáneos como Alan Moore, Frank Miller, Warren Ellis o Mark Milar. Halagos y reproches danzan por sus páginas. Sin embargo, todo el tentador mal rollo queda eclipsado por su discurso a favor del mito, completamente enfrentado al concepto post 11S del superhéroe como mercenario. Como bien precisa, y retratándose en claro contraste con Alan Moore, Morrison prefiere definirse como «antropólogo» antes que como «misionero». De su generación, la de aquellos ingleses que revolucionaron el cómic estadounidense a finales de los ochenta, llega a decir: «Arrancamos los cómics de superhéroes de las manos de los coleccionistas sudorosos para llevarlos a los ambientes hipsters; en nuestras manos, los arrogantes científicos de la Edad de Plata tendrían que vérselas con un mundo de real politik cambiante y de ataques expansionistas e imperialistas». Eran los tiempos de las editoras —sí, mujeres— poderosas que se arriesgaron con los guionistas del otro lado del Atlántico, dispuestos todos ellos a hacer volar por los aires el mundo (superheroico) tal y como entonces se conocía. El amor de algunos de ellos por el arquetipo salvó al superhéroe de la oscuridad. Morrison, concretamente, se posicionó en contra del realismo, «pues, de decantarse por él, los superhéroes encarnarían lo peor». Cómo sus personajes eludieron la zancadilla de las tres dimensiones lo ilustra una de las citas del ensayo a propósito de la bomba atómica: «Antes

de ser la Bomba, la Bomba era una idea; pero Superman era una idea mayor, más rápida y más fuerte». Una generación, la suya (y también la mía), que nació sin miedo al boom, pero sí a la decadencia nuclear que representaba el accidente de Chernobyl. ¿Cómo enfrentarse a la idea de una extinción dolorosa? Entendiendo los orígenes de la historia, de nuestros mitos, sin cambiarlos demasiado, pues «perderían su esencia»; adaptándolos al discurso filosófico posmoderno, «para pulsar todas nuestras teclas». Tenemos a un Superman que es Apolo, que es Hércules, que es Jesucristo, y que, para colmo, se niega a fallarnos. Entre utopía y Apocalipsis, Morrison se decanta, con toda la con(s)ciencia de clase propia del hijo de un socialista escocés y desde el gnosticismo, por la esperanza. «Los superhéroes me mostraron cómo sobreponerme a la Bomba; las historias de superhéroes despertaron mi potencial interior, me dieron las bases de un código ético en el que aún creo. (…) me ayudaron a comprender la geometría de dimensiones superiores y me alertaron de que todo es real, especialmente nuestras ficciones». Por Elisa G.McCausland

La amenaza durmiente de Gotham

Batman: La Noche de los Búhos aya por delante que si Batman es la mejor colección de los Nuevos 52 es gracias al éxito rotundo de La Noche de los Búhos. Salida de la mente del brillante Scott Snyder, esta ambiciosa e inquietante saga ahonda en las oscuras entrañas de Gotham, sus mitos y sus fobias para demostrarnos que la historia que creíamos conocer (sus héroes también), no es tal. Y, sobre todo, para tenernos enganchados a sus páginas viñeta a viñeta hasta que dejamos atrás varios giros inesperados, mucha acción y todo el misterio que envuelve a la desconcertante Corte de los Búhos para llegar al inesperadísimo (aunque susceptible de levantar iras de algunos lectores) final de la historia. Desplegada la amenaza de los Búhos desde el primer número de la colección de Batman, su peligro se extiende por fin a todos los demás superhéroes de Gotham a partir de su séptima entrega (ECC), momento en el que oficialmente comienza el crossover. Nightwing, Batgirl, Aves de Presa, Batwing, Detective Comics y demás series del “Universo Batman” se ven inmersas en este ataque global sobre la ciudad que requerirá de la acción conjunta de todos sus defensores, liderados por Batman, para acabar con ella.

Guionista y dibujante: Varios 64 páginas color ECC Ediciones Precio: 4,50 euros. 4 /5

Precisamente la colección central del Caballero Oscuro, la escrita por Snyder, es el eje de toda

“Ahonda en las oscuras entrañas de Gotham, para demostrarnos que la historia que creíamos conocer (sus héroes también), no es tal. la historia. Salvo Nightwing, los demás números apenas aportan hechos trascendentes al argumento principal, dirigido por un Batman que es atacado en su propia mansión por una horda de garras, los letales miembros de la Corte de los Búhos. El enfrentamiento y su espectacular resolución es de los que dejan huella en la memoria del lector, sobrepasado por una amenaza que parece no tener fin y en la

que, verdaderamente, vemos a Bruce Wayne llegar a su propio límite (de forma literal).

Un aire al Batman de Nolan

Snyder teje la historia a su ritmo, a veces pausado, a veces trepidante, pero siempre lleno de significado. Sus escenas de acción, espectacularmente ilustradas por Greg Capullo (sublime su aportación a la serie), están narradas de tal manera que contienen diálogos que nos aportan algo. Las partes de investigación sirven para recordarnos porqué Wayne es el mejor detective del mundo. Y su interacción con el resto de personajes (especialmente Alfred y Nightwing), recuerda a la caracterización tan acertada del Batman de Nolan, con personajes vivos que piensan de forma autónoma y muestran idiologías enfrentadas que pueden terminar en conflicto. Un consejo (aparte de que compréis YA la serie): leedla mes a mes, pues es de las que dejan con ganas de más tras su lectura y se desgustan poco a poco. Si compráis algo de los Nuevos 52, que sea esta colección. Por Jaime de Mora

• Cómic Patrio •

Por Elisa G.McCausland

Madurar desde la conciencia

Porcelain Es difícil no pensar en Kiriko Nananan cuando leemos un cómic de la extraordinaria Maria Llovet. En su anterior obra —la más que interesante ‘Eros/Psique’ (Norma, 2011)— no pasaba desapercibido el razonable parecido con ‘Blue’, la obra más conocida de Nananan. Más allá de las reminiscencias sci-fi y ese halo de producto para adolescentes tan sorprendente en estos tiempos de novela gráfica, la obra de Llovet

Libre albedrío

«No persigo ideas, persigo experiencias» dice Nicodemo poco antes de perder su sombra y convertirse en Nick, un nombre mucho más breve y modesto. Y es que vuelve Max, tras ganar en 2007 el Premio Nacional de Cómic con ‘Bardín el Superrealista’ (La Cúpula) en magnífica forma con una obra sencilla (que no simple) y precisa, como una bala. Para estos tiempos de cambio, el arquetipo escogido es el de un héroe hastiado por una sociedad del espectáculo cuyo objetivo no es otro que entretener para inhibir la vida. Nick es conciente de esta construcción, de esta realidad que le aprisiona y decide marchar al desierto en busca de (un)

Vapor

Max La Cúpula 120 páginas. Blanco y negro. 16 euros.

bebe de un psicoanálisis de manual representado con exquisito gusto. Partidaria de una narrativa cinematográfica, el dibujo preciosista de esta autora y su obsesión por el detalle le dan cuerpo a esta segunda obra, titulada ‘Porcelain’, protagonizada de nuevo por una heroína y su némesis. En esta ocasión, Alicia se llama Beryl y la Reina de Corazones es la Escultora; el País de las Maravillas tiene forma de Casa de Muñecas y la salida del laberinto pasa por el sacrificio, por correr el riesgo; en definitiva, por desobedecer. La marioneta que representa la infancia y

Maria Llovet Norma Editorial 152 páginas. Blanco y negro. 11,95 euros

sentido. En su lugar se encuentra con el gato Moisés —también llamado Mosh—, el leñador Hércules, Juanita la urraca, su sombra y la Reina de Saba, cuyas redes logrará eludir. Porque Nick es un sujeto de principios, un inconformista, un filósofo. Vapor, esa entidad que titula la obra y que parece existir en la medida en que otros evolucionan para sumarse a ella, concibe a Nick como un hombre de su tiempo: «Todo remite a la propia mente: ¡el paroxismo del individuo!» precisa. Es invitado al infinito, a trascender, pero Max no resuelve (a propósito) el acertijo existencial. Como en toda buena historia, el sujeto —incluido el lector— queda relegado a ese principio tan incómodo a la par que interesante que es el libre albedrío.

Empatía

Azúl Pálido Pablo Ríos se ha marcado una ópera prima que apasionará a todos aquellos que alguna vez han alzado la mirada al cielo y se han preguntado por todo ese espacio desaprovechado. Pragmatismo o fe ciega. «La ayuda no vendrá de afuera para salvarnos de nosotros mismos» dice Carl Sagan —científico, divulgador, believer a su pesar—. Esa es la idea que enmarca este cómic. Porque, los límites que guían al lector hacia ese punto azul y pálido conducen la mirada hacia el mito, sí, pero a su vez no dejan de

Eros que promete la objetualización del cuerpo femenino que crece, que madura. El camino por el que opta la heroína es Tánatos, obviamente. Madurar desde la consciencia. Romper el molde. Decidirse por la valentía. Vivir.

insistir en la bendita razón. Una pena que la posibilidad de una coartada psicologista amenace con difuminar la imagen, pensarán algunos. Pero empatía es la palabra clave de esta obra. La importancia de encontrarnos en el otro; la idea recurrente de que el ser humano nunca ha querido encontrar otra vida, ni entender al otro, queda superada. Como bien apuntaba Stanislav Lem en ‘Solaris’, «no necesitamos otros mundos; lo que buscamos son espejos». En este cómic encontramos once reflejos,

Pablo Ríos Entrecomics Comics 88 páginas. Color. 12 euros.

tantos como episodios, que los más devotos de la Historia heterodoxa reconocerán con una mueca cómplice en los labios. Y es que, esta pequeña enciclopedia de lo oculto hace malabares con el imaginario colectivo; juega con la idea de que la verdad sigue estando ahí fuera; insiste en esa maravillosa y única certeza que es la mera existencia. Y gana, por goleada.

WWW.COMICDIGITAL.COM

Guía de Lectura

MUTANTE Los cómics que definieron a los X-Men Por José Pérez, Mario Oliveria y Javier Jiménez

Un mes más os traemos una pequeña guía de lectura que os facilite identificar los títulos básicos de vuestros personajes preferidos. En esta ocasión, intentaremos acercaros las mejores opciones para moverse por el complicado universo mutante marveliano que, además, es uno de los protagonistas del último macroevento de la Casa de las Ideas.

EL COMIENZO – PATRULLA-X de Neal Adams (Coleccionable Marvel Héroes 21 - Tomos, 9,95€, Panini Cómics) Por muy difícil que sea de creer, los mutantes, una de las franquicias más poderosas de Marvel, pasó bastantes apuros a finales de los años sesenta. Sin ir más lejos, cuando la colección no daba para más, se le encargó a un nuevo equipo creativo que hicieran lo que pudieran con Ciclope y los suyos. Roy Thomas y Neal Adams gozaron

de absoluta libertad para cerrar una colección que poco interesaba a los lectores. Sin una figura “comercial” en sus filas como el omnipresente Lobezno, La Patrulla X original se despedía de las librerías con una decena de números que pasaron a la posteridad como un material de notable factura y que cualquier seguidor debería poseer gracias a unos inspirados guiones de Thomas y al rompedor arte de Adams. Las carreras profesionales tanto del uno como del otro no habían terminado de despegar. El primero había suplido a Stan Lee en la colección de Los Vengadores y el segundo venía de DC de ilustrar algunos números de un héroe tan poco comercial como Deadman. Panini recuperó en un tomo de su famoso coleccionable la etapa completa bajo el nombre de Graduación. Un material clásico que exigía una edición como esta.

LA CONSOLIDACIÓN – MARVEL GOLD: LA IMPOSIBLE PATRULLA-X (Tomos de lujo, 39,95 €, Panini Cómics)

Tras el fracaso comercial que supuso la anterior etapa del grupo, tocaba reinventarse. Mientras tanto, la cabecera de La Patrulla X se dedicó a reeditar historias ya publicadas. Entonces llegó el famoso Giant Size y lo cambió todo. El título necesitaba sangre nueva que aportara otras ideas más revolucionarias, algo que devolviera las miradas de los aficionados a una colección que había muerto por lo rancio de su planteamiento. Len Wein y Dave Cockrum en primer

lugar, y Chris Claremont y John Byrne más tarde redefinieron el comic de superhéroes tal y como se conocía hasta el momento. La renovación del elenco de personajes se hizo de manera muy inteligente y sin medias tintas, dándole a cada uno de los nuevos integrantes una personalidad perfectamente definida, amén de unos trajes bastante más llamativos y reconocibles que los anteriores. Los guiones de Claremont, enfocados desde un punto de vista más adulto, contarían con la peculiar y característica prosa del inglés y que a la larga sería considerado como el verdadero padre de los personajes. Hasta ahora tres han sido los volúmenes publicados por Panini que recogen esta imprescindible etapa. Todos y cada uno de los números que la componen son pequeñas obras maestras.

LA VERSIÓN ADOLESCENTE – MARVEL GOLD: LOS NUEVOS MUTANTES (Tomos – 23€ - Panini Cómics) Como suele ocurrir con estas franquicias, Marvel quiso ampliar el impresionante éxito de su parcela mutante allá por los 80. La presentación en 1982 del cuarto número de las Marvel Graphic Novel, realizado por el incombustible Chris

“Llegó Bill Sienckiewicz y todo cambió. Claremont se dejó llevar por la espectacularidad y originalidad del autor entregando guiones que se escapaban a lo antes visto. Claremont y Bob McLeod, reunía a un grupo de jóvenes con poderes únicos bajo el techo de Charles Xavier y supuso un éxito de ventas que animó a la editorial a lanzar una colección abierta meses más tarde. El título era un producto explotación típico de la época aunque presentó a personajes que perduran hoy día como Mancha Solar, Bala de Cañón o Rahne Sinclair. Pero entonces llegó Bill Sienckiewicz y todo cambió. Claremont se dejó llevar por la espectacularidad y originalidad del autor entregando guiones que se escapaban a lo anteriormente visto en el género superheroico y el dibujante desarrolló una estética arriesgada y salvaje que convertía cada página en algo único. De su unión nacieron historias imborrables como La Saga del Oso Místico, la presentación de Warlock o La Guerra del Alma, que reintroducía al temible Legión, hijo de Xavier, como una de las mayores amenazas del universo Marvel. Panini Cómics ha recogido hace poco toda esta etapa en dos álbumes que no pueden faltar en cualquier biblioteca mutante que se precie.

EL REENCUENTRO DE LOS 90 – CES PATRULLA-X (Tomos – 18€ - Panini Cómics) Como una mala época la tiene todo el mundo, los mutantes de Marvel no iban a ser menos. A finales de los noventa, los estudiantes del Profesor Xavier estaban bastante perdidos, los crossovers se sucedían uno detrás de otro y lo único que conseguían era despistar más a los aficionados. A esta situación se

llega no tanto por la calidad de los autores implicados como por una planificación nefasta. Los guionistas al frente de las cabeceras principales, Steven Seagle y Joe Kelly, no serán recordados precisamente por su etapa en Marvel. Ante tal desaguisado que mejor que llamar a un hombre de la casa y que cuenta con el apoyo de crítica y aficionados. El británico Alan Davis se hace cargo de los guiones de ambas series y de los lápices de una de ellas, aunque los dibujantes implicados en la restantes son de una calidad más que probada: Tom Raney, Adam Kubert o Leinil Yu. Davis salva los muebles de sus anteriores compañeros a la vez que aporta dos historias de gran épica cada una de ellas. Con Magneto y Apocalipsis como villanos, el inglés factura una gran etapa rescatada por Panini en dos gruesos volúmenes de la Colección Extra Superhéroes. Puro entretenimiento.

forma, y un Kubert espectacular hicieron que el título, ahora recuperado por Panini en su coleccionable, se convirtiera en un éxito de ventas. Tras Millar, vendrían guionistas de la talla de Geoff Johns, Brian Michael Bendis, Brian K Vaughan o Robert Kirkman, y dibujantes como Chris Bachalo, David Finch o Stuart Immonen, que lo convirtieron en uno de los títulos más sólidos del nuevo universo ultimate.

LOS DEFINITIVOS – ULTIMATE X-MEN (Coleccionable Ultimate - Tomos, 9,95€, Panini Cómics) Uno de los principales problemas que han tenido siempre los títulos mutantes ha sido la pesada carga de su continuidad, que hacía imposible a los posibles nuevos lectores enterarse de lo que pasaba si no habían leído antes 20 años de historias. Marvel no quiso deshacerse de tan preciada carga, pero encontró la solución perfecta: crear una nueva realidad, el universo ultimate, donde poder volver a contar todas las historias desde el comienzo. Mark Millar y Adam Kubert arrancaban en 2001 este nuevo enfoque, que bebía del entonces recién estrenado film dirigido por Bryan Singer. La aparición de los centinelas y el proyecto arma X cobraban nueva vida simplificando sus tramas y aprovechando la ocasión para no caer en los mismos errores que sus predecesoes. Historias narradas de forma sencilla y muy efectiva, por un Millar en plena

“ Mark Millar y Adam Kubert arrancaban con un enfoque que bebía del film dirigido por Bryan Singer.

la fecha de los X-men. Dividida en 4 arcos argumentales: El Don, Peligroso, Desgarrada e Imparable, la historia arrancaba con la aparición de una cura mutante por la doctora Kavita Rao, que devolvería a los “infectados” a su estado humano. La reaparición de Coloso, la creación de nuevos villanos como el surgido de su sala de peligro o la vuelta del club Fuego Infernal son solo algunos de los momentos destacables de esta etapa, donde la espectacularidad y la acción brillan con luz propia, acompañados por los ingeniosos diálogos de Whedon, y los dibujos de Cassaday, sin los que no se entendería el tono de gran superproducción que impregna toda la serie.

EL EQUIPO EN LAS SOMBRAS – IMPOSIBLES X-FORCE (Tomos –15€ - Panini Cómics)

Rick Remender es el encargado de presentarnos a uno de los más radicales grupos de misiones encubiertas mutantes de la historia. Lobezno lidera este equipo que opera no sólo

LA VERSIÓN CINEMASCOPE – MARVEL DELUXE: ASTONISHING X-MEN (Tomos de lujo – 20€ - Panini Cómics)

Mucho antes de llevar a los Vengadores a la gran pantalla, y conseguir un universo fílmico cohesionado para los héroes Marvel, Joss Wheddon se hizo cargo de una memorable etapa de los cómics de los X-men. El éxito de la etapa de Grant Morrison y sus New X-men provocó que la editorial viese con buenos ojos el enfoque más adulto y cinematográfico que Whedon proponía, e incluso le otorgó una nueva serie reglar para que, desde durante 24 números y un especial que cerraba su estancia en la serie, y acompañado del dibujante John Cassaday pudiera contarnos la que es para muchos la mejor historia hasta

a espaldas de los humanos, sino de la misma Patrulla-X. Las mortales amenazas que asolan este mundo deben ser erradicadas de manera rápida y definitiva y Logan ha reclutado a los héroes más oscuros que ha podido encontrar. Personajes como Arcángel, Fantomex, Masacre

o Mariposa Mental se unirán a él para enfrentarse a eventos como el nuevo advenimiento de Apocalipsis, el ascenso de los Deathloks o la llegada de amenazas de otros mundos. Remender, acompañado de interesantes dibujantes entre los que destaca Jerome Opeña, nos ofrece una frenética colección que recorre los rincones más oscuros marvelianos y Panini ofrece en magníficos tomos recopilatorios.

EL BOCAZAS – MASACRE (Tomos – 15,00€ - Panini Cómics)

Cuando uno de los culpables de tu existencia es el inefable Rob Liefeld es muy normal que tu cabeza no esté en su sitio y que tu elección de carrera te lleve a ser despedazado, destrozado y desmembrado casi a diario. Pero también es casi seguro que tendrás el poder mutante de aparecer inagotablemente de invitado especial en todo lo que contenga viñetas y protagonizar colecciones y series limitadas a niveles astronómicos. El Mercenario Bocazas ha gozado del favor del público desde su primera aparición allá por Los Nuevos Mutantes # 98 y la mejor forma de descubrir sus inicios es en los tomos que Panini ha dedicado al personaje dentro de su colección Extra Superhéroes. La serie guionizada por Joe Kelly y dibujada por grandes artistas como Ed McGuiness o John Romita, es un perfecto punto de inicio para cono-

cer a este simpático psicópata que escucha varias voces en su cabeza, pierde miembros corporales con pasmosa facilidad y se codea con los mismísimos Vengadores de los Grandes Lagos.

EL SOLITARIO – MGN: LOGAN (Tomo de lujo – 11,00€ - Panini Cómics)

Vinculado a la Marvel con proyectos mutantes como la serie dedicada a Mística o su etapa en Ultimate X-men, el guionista Brian K Vaughan tuvo siempre especial interés en contar su propia historia de Lobezno, para la que tenía muy claro que no quería ataduras de ninguna clase, ni que la sacrosanta continuidad marveliana pudiese luego deshacer lo que él iba a crear. Por suerte, las condiciones exactas se dieron con la línea Marvel Knights, el sello adulto de la editorial, ya que las altas dosis de violencia que había previsto para el título no se verían aquí censuradas de ninguna forma. Así, y en tan solo 3 números, Vaughan nos cuenta una historia de venganza, aderezada con un romance imposible y con una Némesis a la altura del canadiense, en una muy redonda aventura sobre la que, según los rumores, ha servido de base a la nueva pelicula dedicada a Lobezno que se está rodando en la actualidad. Al dibujo

un Eduardo Risso que, a punto de finalizar 100 balas, encontraba tiempo para dar lo mejor de si mismo. Conocedora del talento de Risso, y de su peculiar estilo de luces y sombras, Marvel puso a la venta el comic y sus recopilatorios en dos ediciones: una en banco y negro, y otra en color.

VENGADORES CONTRA MUTANTES – VvX (Título mensual – 4€ - Panini Cómics)

Como comentábamos al principio, los universos vengador y mutantes han colisionado en una saga que promete sacudir el status quo de ambos y que se ha convertido en el prólogo a ese “no-relanzamiento” marveliano llamado Marvel Now! Los principales guionistas de la editorial (Brian Michael Bendis, Jason Aaron, Ed Brubaker o Jonathan Hickman) se unen a un plantel artístico de bandera (John Romita Jr., Frank Cho, Olivier Coipiel o Adam Kubert) para entregarnos una historia de batallas épicas, traiciones inesperadas y lealtades puestas a prueba. La vuelta de la bruja escarlata, el papel definitorio de Hope Summers en el futuro de los mutantes y la inminente llegada de una amenaza imparable dan forma a una historia que no puedes perderte.

> SERIES <

Toxic Crusaders: La cruzada tóxica.

a de los 80 fue una década especialmente prolífera en adaptaciones de películas a la pequeña pantalla, sobre todo en forma de series de dibujos animados. Cualquier filme que sobresaliera en taquilla se convertía de forma rápida en la próxima sensación juvenil de los programas matinales. “Rambo”, “Teen Wolf”, “Los Cazafantasmas”, “Robocop”, “Loca Academia de Policía”, “Karate Kid”… La lista es interminable. Incluso las adaptaciones menos pensadas y difícilmente imaginables se hicieron realidad. Adaptaciones tales como “Las Cruzadas Tóxicas”. La productora especializada en Serie B “Troma Films” alcanzó la fama en 1984 con el estreno de “El Vengador Tóxico”, una película protagonizada por un antihéroe deforme dedicado a luchar contra la corrupción en la ficticia ciudad de Tromaville. Tanto la cinta de culto como las secuelas que la siguieron se caracterizaban por sus escenas de ultra violencia, mutilación, humillación, humor obsceno, y abundantes desnudos y sexo. La simple idea de convertir la saga en una serie de dibujos destinada a un público juvenil parecía a priori absurda e imposible, pero la

asolan Tromaville por culpa de unos villanos alienígenas. Un experimento curioso que se quedó en anécdota para los fans acérrimos de la saga. La serie sólo tuvo una única temporada de trece episodios antes de que “Fox” la cancelara y ni siquiera apareció de forma completa en el mercado domestico hasta el 2008. Fuerzas opuestas Junto a Toxie luchaban No-Zone (un piloto azulado y narigudo), el sargento Disaster (un militar capaz de controlar las plantas), Headbanger (mitad científico loco, mitad surfista) y Junkyard (mitad vagabundo, mitad perro). Juntos se enfrentaban al malvado zar Zosta (una cucaracha alienígena) y sus secuaces, como el Doctor Killemoff (incapaz de sobrevivir en ambientes no contaminados) o Psycho (una criatura biomecánica capaz de predecir el futuro).

La pérdida de la inocencia El público más joven descubrió al personaje gracias a la serie de televisión. Cuando El público más joven descubrió al per- algunos fans se animaron a ver después las películas, apenas podían sonaje gracias a la serie de televisión. creerlo. No sólo carecían del mensaje y el tono benigno de su serie Cuando algunos fans se animaron a favorita, sino que se encontraron ver después las películas, apenas po- con escenas como la novia de Toxie practicando una felación a su héroe, dían creerlo. como aperitivo previo a una orgía.

posibilidad de emular el éxito de “Las Tortugas Ninja” era demasiado jugosa como para que la Troma la dejara pasar. “Toxic Crusaders” estaba protagonizada por Toxie, convertido en líder de una banda de mutantes como él creados para la ocasión. La clave de la serie estuvo en sustituir el contenido adulto por personajes de buen corazón al servicio de un mensaje puramente medio ambiental, en el que los cruzados tóxicos se dedican a luchar contra la polución y la suciedad que

Figuras con personalidad Como era habitual en el resto de series contemporáneas, “Toxic Crusaders” sirvió de trampolín para la venta de juguetes inspirados por sus protagonistas. En este caso, las figuras de Playmates no sólo tenían un nivel de detalle sorprendentemente alto, sino que además algunas contaban con la originalidad de expulsar una sustancia viscosa por diversos orificios, dotándolas del estilo desagradable característico de la saga.

Por Alberto Vicente

> SERIES <

Cuando el cine se hace televisión ay una relación muy estrecha entre la televisión y el cine. Como en todo, cuando un producto funciona, si está dentro de la industria del entretenimiento, lo lógico es que intenten exprimirlo al máximo en todos los otros formatos que se les ocurra a las productoras. Por ello, cuando una película funcionaba, surgían segundas y terceras entregas… y cuando ya no había más espacio en las salas, continuaban las tramas o se reinventaban en forma de productos televisivos de la más diversa índole. Jugaban con ventaja porque los espectadores querían seguir viendo a sus personajes favoritos vivir aventuras.

“Disney”: Pantallas grandes y pequeñas “Disney”, la gran compañía, casa del ratón Mickey, uno de los grandes iconos culturales, está en boca de todo el mundo por la compra de todo el universo de “Lucasfilm” y hace unos años estuvo en el mismo punto por la compra de “Marvel”, pero su gran capital siempre han sido las películas de animación. Los clásicos Disney son recordados por generaciones y generaciones y los principales han sabido dar el salto a otras plataformas, como los musicales (“La Bella y la Bestia” fue un éxito y “El Rey León” también se ha convertido en una cita obligatoria), o las series de televisión. “Aladdín”, la serie, seguía las tramas de la película de 1992 y estuvo en antena de 1994 a 1996, continuando la historia de “El retorno de Jafar”. Cada capítulo tenía 22 minutos y contó con ochenta y seis en total. Aladdín compartía protagonismo con la princesa Jasmine, resolviendo ella sola varios de los embrollos en los que se ven envueltos.

El Genio, que ya no vive en la lámpara, también hará de las suyas, junto a Apu, el mono, Iago, el loro de Jafar (ahora en el bando de los “buenos”), y la alfombra mágica. Magos, ladrones, monstruos, bestias, para poner en aprietos a los protagonistas capítulo a capítulo. Otras series Disney de éxito que se basaron en películas previas fueron “Guardianes del Aire” (“Tale Spin”, 1990-1991), protagonizada por personajes de “El Libro de la Selva”; “La sirenita” (1992-1994), con una historia desarrollada un año antes de la película, con Ariel aún como sirena, y “Timón y Pumba” (1995-1999), un spin-off animado surgido del éxito de las dos primeras entregas de “El Rey León”, con los amigos de Simba, el suricato y el facócero, al frente de las aventuras, y siempre exclamando su famoso lema: “Hakuna Matata”. Grandes películas, pequeñas series Los productos culturales cada vez tienen más fácil su continuación. Que una película termine no es problema, ya que siempre puede continuarse en televisión… incluso que una serie termine en la pequeña pantalla tampoco significa, de forma categórica, que luego no siga en forma de cómic, por ejemplo. Eso sí, suelen estar asociados a grandes éxitos comerciales, a personajes muy conocidos o a historias protagonizadas por actores famosos, como Jim Carrey, Brendan Fraser (“Georde de la Jungla”, que ahora tiene una serie de animación también) o Michael Keaton, por ejemplo. Keaton fue el histriónico Bitelchús en la versión cinematográfica de Tim Burton (1988), en la que compartía cartel con Alec Baldwin, Geena Davis y Winona Ryder. Después, se

transformó la trama en una serie de televisión de 109 episodios realizados por “Nelvana” para la “ABC” (1989-1991). Ambas producciones compartían protagonista y cierta estética, pero nada más. En 1994 Jim Carrey se convirtió en La Máscara, bajo las órdenes de Chuck Russell. La serie animada

llegó a tener tres temporadas a medio camino entre la película y el cómic original. El otro gran personaje de Carrey también se convirtió en dibujo animado. “Ace Ventura: Detective de mascotas” tuvo 39 episodios y tuvo a Seth McFarlane (el creador de “Padre de Familia”) como parte de los guionistas. Las

dos producciones estuvieron en antena al mismo tiempo, de 1995 a 1997. La característica común de todas estas series basadas en películas es la iconicidad de sus personajes; reconocidos dentro y fuera de la pantalla… con independencia del tamaño de la misma. Por Diego Matos Agudo

RANKINGS Series de animación basadas en “La guerra de las galaxias”: “Los Ewoks” (1985-1986). Los peludos habitantes de la luna de Endor tuvieron tanto éxito después de “El retorno de Jedi” que protagonizaron dos películas y esta serie de

animación de 35 episodios. Narra las andanzas de la tribu y, en particular, las de Wickek W. Warrick, el ewok que se hizo amigo de la princesa Leia. “Droids” . Las aventuras de R2-D2 y C-3PO” (1985-1986). Antes de trabajar para Luke Skywalker, la pareja de androides más famosa del cine vivieron sus peripecias en televisión pasando por las manos de diferentes dueños y encontrándose a viejos conocidos por el camino, como Boba Fett. Sólo aguantaron 13 episodios. “Star Wars. Clone Wars” (20032005). Genndy Tartakovsky, responsable de “Las Supernenas”, ofreció su visión particular de los sucesos acontecidos entre “El ataque de los clones” y “La venganza de los Sith”

a lo largo de 25 episodios. Al ser una serie de “Cartoon Network” no era raro encontrar a un padawan sospechosamente parecido a Shaggy de Scooby-Doo. “The Clone Wars” (2008-actualidad). Segunda serie de televisión dedicada a tratar los hechos que tuvieron lugar durante las Guerras Clon, esta vez en animación 3D. Recupera a personajes de la serie anterior, como Asajj Ventress, presenta a otros nuevos como Ahsoka Tano, la padawan de Anakin Skywalker, y rescata a alguno que se daba por perdido, como Darth Maul. Ya va por la quinta temporada y sus tramas han ido madurando.

Series de animación basadas en películas ochenteras:: “Los pequeñecos” (1984-1991). Una ensoñación de Piggy en “Los Teleñecos conquistan Manhattan” sirvió de inspiración para esta serie donde los personajes todavía son bebés. La rana Gustavo, Gonzo y el resto de la pandilla utilizan su imaginación para vivir grandes aventuras sin salir de la habitación de su guardería, donde son cuidados por Nanny, las piernas más misteriosas de la televisión. “Loca academia de policía” (1988-1989). La serie fue realizada

antes de estrenar la sexta y la séptima película de la saga y los acontecimientos tienen lugar entre la cuarta y la quinta, de esta manera, aunque Steve Guttenberg ya había dejado de participar en la franquicia, el personaje de Mahoney podía continuar en la pequeña pantalla.

“Beetlejuice” (1989-1992). Tiene muy poco que ver con la película original. En la versión animada, Beetlejuice y Lidia se llevan fenomenal y se lo pasan a lo grande haciendo de las suyas junto a otras monstruosas criaturas. Los personajes de Alec Baldwin y Geena Davis ni aparecen. “Regreso al futuro” (19911992). Un DeLorean y una locomotora que viajan por el tiempo no se pueden desaprovechar así como así. Marty McFly cede el protagonismo a la familia Brown, presentada al final del capítulo final de la trilogía: Emmett Brown, su esposa y sus hijos, Julio y Verne. El actor Christopher Lloyd introdujo estos nuevos viajes temporales. Por Héctor Sánchez

> SERIES <

Kuzco:

De emperador a estudiante

o es extraño que la factoría “Disney” acabe convirtiendo en series a la mayoría de sus películas de animación más exitosas: “Aladdin”, “Hercules”, “La Sirenita”, “Timón y Pumba”… son sólo algunos ejemplos de clásicos de la casa trasladados al formato televisivo y emitidos habitualmente en “Disney Channel”. Es el caso de “Kuzco: un emperador en el cole”, continuación en forma de serie de “El emperador y sus locuras”, donde un egocéntrico, mimado y joven emperador inca era convertido en llama a causa de un hechizo fallido de la malvada Yzma… y si decimos “fallido” es precisamente porque su verdadera intención fue la de envenenarlo. Pues bien, en esta ocasión no hay llama (aunque sí que se producirán distintas transformaciones en animales), pero los personajes se mantienen en un contexto similar y, sin duda, más cómico: Kuzco (que a pesar de haber sufrido una evolución y aprendido a controlar su carácter a lo largo de la película, sigue siendo bastante egoísta y egocéntrico), debe asistir a la escuela para graduarse y así poder conservar su puesto de emperador. Como cabe suponer, su misión no será nada fácil…

quistar llevando a cabo todas sus tácticas de ligue, consiguiendo algunos encuentros a solas con ella en los que Malina siempre aclarará que no se trata de una cita. ¿Qué pasó realmente con Yzma? Nadie tiene muy claro cómo consiguió llegar a directora de la Academia Kuzco la antagonista de la serie, debido a que al final de “El emperador y sus locuras” esta villana terminaba convertida en gato. Con posterioridad se realizó una secuela basada en el personaje de Kronk (su ayudante) en la que recuperaba su forma humana para, al final, acabar convertida en conejo y –aparentemente- ser devorada por águilas. Sin embargo, en la serie parece haber sobrevivido sin que se dé ninguna explicación.

Referencias al lenguaje del propio cine Una de las curiosidades que más llama la atención de esta serie es la manera de introducir chistes acerca del propio lenguaje audiovisual como las elipsis (en cierto episodio se sorprenden muchísimo de poder viajar de un sitio a La serie finalizó con un desenlace otro sin que transcurra el tiempo) o los flashbacks, llegando a ser recumás que obvio: si se trataba de que rrente que en cada ocasión que recuerden algún hecho pasado aclaKuzco consiguiera acabar sus esturen, emocionados, que se avecina dios en el colegio, ¿qué mejor forma de un flashback. Sin duda, algo inusual en una serie de carácter infantil.

finalizar que con su graduación? si no tenía bastante con no ser precisamente un estudiante ejemplar, se añada a la mezcla una directora que intenta suspenderle por todos los medios (y que además es la villana de la película, Yzma) la cual posee un laboratorio secreto listo para elaborar las pócimas más extrañas imaginables. Por si fuera poco, el amor siempre está presente para complicar las cosas y la Academia Kuzco no será una excepción, ya que cuenta con el personaje de Malina, una atractiva e inteligente estudiante a la que Kuzco intentará con-

Dos temporadas con final Tras 52 episodios divididos en dos temporadas, la serie finalizó con un desenlace más que obvio: si se trataba de que Kuzco consiguiera acabar sus estudios en el colegio para lograr convertirse en un emperador que guíe a su pueblo, ¿qué mejor forma de finalizar la serie que con su graduación? Aunque, como siempre, ahí estará Yzma para tratar de impedirlo…

Por Beatriz Arias

> SERIES < ¿Quién dijo que los dinosaurios habían desaparecido?

n 1988 el director Don Bluth y el productor ejecutivo Steven Spielberg crearon una película de animación basada en un grupo de pequeños dinosaurios, cinco años antes de su famosa “Jurassic Park”. “En busca del Valle Encantado” fue la primera obra maestra de una serie homónima de filmes animados con aquellos dinosaurios como protagonistas. La película fue un éxito financiero y de crítica, y dio lugar a una multimillonaria franquicia con trece secuelas directas a video (ya sin asociación con Bluth o Spielberg) y una serie de televisión aparecida después. Piecito, un pequeño apatosaurus (los del cuello muy largo) que se encuentra en una era de volcanes en erupción y peligrosos movimientos de tierra, de pronto se ve obligado a sobrevivir por sí solo. Él es la única cría de su manada, la cual se compone de sus abuelos y su madre. Después de “la gran sacudida” y del enfrentamiento contra un T-rex pierde a su madre. Es entonces cuando debe partir en busca del legendario Gran Valle, donde le esperan sus abuelos, y por el camino conoce a otros cuatro jóvenes dinosaurios que se unen en su búsqueda: Sera la triceratops,

que se les plantean durante trece películas, desde 1994 que salió la segunda en vídeo hasta 2007 que salió la última. Camino a la pequeña pantalla En 2007, después de la décimo tercera película, se siguió la trama en la serie de televisión. Los principales antagonistas de la serie son Garra Roja, un malvado tiranosaurio rex, y el Chillido y el Ruido Sordo, sus dos velociraptores secuaces. Este producto es la primera serie animada de televisión producida por “Amblin Entertainment” para ser filmada en el formato de alta definición. En busca del éxito Debido al éxito de la primera temporada de la serie y a su alta calidad, es lanzada en DVD pronto, dividida en seis volúmenes (cada uno de cuatro episodios) de dos horas de duración cada una siendo así una continuación de “En busca del valle encantado XIII: La Sabiduría de los Amigos”. Hallado el filón Además de sacar en DVD las trece películas y del pack de la serie de televisión con juegos interactivos, los especialistas del marketing vieron un filón en vender juguetes y videojuegos. Muchos de los que ahora tienen hijos, eran niños cuando vieron “En busca del Valle Encantado” por primera vez. Por la duración en el tiempo de esta creación, en diferentes formatos, se ha superado un salto generacional que une a padres e hijos con los mismo personajes animados.

En 2007, después de la décimo tercera película, se siguió la trama en la serie de televisión. Fue la primera serie animada de TV en ser filmada en el formato de alta definición. caprichosa y cabezota; Petrie, el miedoso pteranodon que no sabe volar; Púas, un fuerte y paciente estegosaurio, y Patito, una pequeña y adorable saurolofo. Será un viaje lleno de sorpresas y peligros en el que la valiente pandilla tendrá que enfrentarse a los más temibles depredadores y a innumerables desafíos para descubrir nuevas lecciones de vida y la importancia de trabajar en equipo. Con esta variopinta banda se enseñarán unas valiosas enseñanzas mientras superan las dificultades

Por Nuria Martin

FANDIGITAL.ES

> TECNOLOGÍA <

Surface...¿Xbox?

uede que la estrategia de Microsoft en tablet esté todavía verde, que por eso mismo sea pronto para pronosticar las opciones reales que tienen de batirse con iPad y los terminales Android que representan principalmente Samsung y Kindle Fire. Pero lo que parece también claro es que en la empresa de Bill Gates están comprometidos con el que será eje principal del mercado en los próximos años (en detrimento de los ordenadores portátiles) y no quieren ceder terreno. Habida cuenta de su demostrada tenacidad cuando marcan un objetivo, la opción Surface cobra fuerza. Precisamente en la división de videojuegos de Microsoft y por medio de Xbox, desde la llegada de la versión 360 mostraron cómo su potencial puede materializarse y acabar pasando de candidato desubicado a firme líder a base de empeño. Pues bien, uniendo ambas divisiones, videojuego-tablet, podríamos tener un nuevo Gadget si se confirma que entre el repertorio de productos que tienen en el horizonte, uno es una versión de Surface subtitulada Xbox, que pretende hacer las veces de consola portátil y mando para su futura Xbox 720 (en clara imitación al GamePad de Wii U). Esta vía, según diversas fuentes, proseguiría la iniciada el pasado mes junio con SmartGlass, un interfaz que permitía manejar Xbox 360 con distintos teléfonos y tablets, cubriendo la práctica totalidad de las marcas disponibles. Curiosamente, apenas dos semanas después se presentó Surface, primera incursión en un mercado

1.Surface, el tablet de microsoft a día de hoy (aunque en España ni tiene fecha de lanzamiento). 2. Colores, colores para todos... 3. El Gamepad. ¿Busca Microsoft una vía para competir con Wii U caso de ser necesario? 4- Xbox 720 o Playstation 4 podrían tener sucesora el próximo año. No serían así.

Bobby Kotick tiene un secreto...

O eso o el CEO de Activision se las da de interesante. En una reciente entrevista declaró que, pese a que no podía decir nada más, en 2013 veríamos una nueva consola que “espera que sea un gran éxito”. Lejos de referirse a Wii U (lanzada en 2012) o a Ouya (¿la conocerá Kottick?), lo que Kottick sugería es que bien Playstation 3, bien Xbox 360, tendrían reemplazo en las tiendas en 2013. Teniendo en cuenta otros poderosos indicios (entre los que se encuentran los kits de desarrollo que muchos medios afirman que ambas marcas han puesto a disposición de programadores), no resultaría extraño ni tan siquiera que las dos consolas tuvieran sucesora el próximo año.

dominado por el iPad al que ahora se añadiría un nuevo contendiente más especializado. A pesar de ello quedan incógnitas por resolver: por un lado el jefe de proyecto y llamado a ser reemplazo natural de Ballmer, Steven Sinofsky, abandonó su cargo recientemente. Por otro la estrategia no empieza muy bien cuando Surface ha quedado fuera de los planes de lanzamiento en nuestro país. Y finalmente, mientras se habla del Surface Xbox, se especula con una versión Surface Pro con mayores prestaciones, algo que parece diluye en exceso la apuesta de Microsoft.

OTRA FORMA DE COMER COCOS Ni la realidad virtual daba para llevar al comecocos a la realidad que sí proporciona el nuevo Pacman: dos monigotes teledirigidos que con sendos mandos emulando a los joystick clásicos, dan para ejercer de fantasma y bicho-amarillo que se lo come por apenas 30 euros. Falta por saber cuál es el objetivo más allá de saciar a veteranos nostálgicos, sin bolitas que repartir y engullir... ah, el homenaje en el salón de tu casa también precisará de 10 pilas AAA, que estas cosas consumen lo suyo.

¿un iphone que afeita? Podría pensar el atento lector que en esta sección nos limitamos a seleccionar cosas extravagantes. Pues sí. Hecha la confesión, la idea de una máquina de afeitar con forma de iPhone, por absurda, merece ser destacada. La feliz genialidad es obra de Shavetech, viene en blanco y negro (cómo no), puede recargarse vía cable USB... y a quien la tontería le parezca llamativa, al menos no tendrá que gastar mucho: cuesta 30 euros.

GRIFFIN TWENTY, AIRPLAY PARA TODOS Griffin ha puesto un gadget a la venta a la medida de todos los usuarios de Apple con ambiciones de extender su discografía por toda la casa: con G.Twenty es posible, sin configuración alguna, recoger la señal y emitirla con su sistema 2.1 con potencia de salida a 20 W por canal.Es posible colocar los altavoces que queramos y cuenta con salida S/PDIF. Ahora falta que llegue el wifi... ¿BICI ELÉCTRICA SIN PEDALES = MOTO? Electric Mobility Company es una empresa española que ha fabricado una bici eléctrica sin pedales, que a muchos nos suena a moto eléctrica. Pesa 45 kilos, emplea dos baterías de Ion Litio que se recargan con dos horas de uso y alcanza una velocidad máxima de 45 km/h, recorriendo un máximo de 50 kilómetros.

LA IMAGEN

La mano biónica.- Lo de las

prótesis avanza a ritmo sci-fi: Bebionic es el último y más avanzado modelo que con la utilización de señales neuromusculares residuales permite incluso más de lo que permite un brazo normal: a su amplia movilidad de falanges

le añade una rotación de 360º de muñeca que junto a su aspecto Terminator delata su naturaleza artificial. Todavía le faltarán unos puntos de precisión mayores, pero la cosa se va acercando al objetivo... si no tenemos en cuenta su precio exorbitante.

10 títulos de 2012 los destacados del año Todos los ojos apuntan ya a los lanzamientos del 2013, pero el año que se va, ha dejado cosas importantes. Una Wii U, nuevas entregas para sagas archiconocidas... e incluso la semilla para nuevas fraqnuicias, por más que no sea la tendencia habitual. Estos son nuestros elegidos.

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Halo 4 Uno de los lanzamientos más importantes de 2012. La franquicia que cimentó Xbox y que ha supuesto todo un espaldarazo para que Xbox360 se mantenga por delante de PS3 a estas alturas de la generación. 343 Industries ha conseguido estar al nivel del legado de Bungie. Dishonored Coge un poco de Deus Ex, otro poco de Bioshock y ligeros toques de Thief junto a una personalidad muy marcada. Resulta muy difícil conjuntar todo esto y que salga un juegazo así. Zombi-U Supervivencia extrema en un mundo duro como el acero, donde sobrevivir nos va a costar sudor, lágrimas y una buena ración de sustos mientras buscamos desesperados un poco de munición o una tabla con la que cerrar el paso a esas bestias. Borderlands 2 Mientras una gran parte de la industria despreciaba a los usuarios de campañas en favor del multi-jugador, Gearbox ha sido de las pocas compañías que ha sabido conjuntar todo en un mismo videojuego. Hitman Absolution Un título que nos enganchará sin remedio a poco que nos guste eliminar a la gente de forma silenciosa. Dificultades para novatos y desafíos para los veteranos, un gran trabajo por parte de I.O interactive, que parece haber vuelto a lo que mejor sabe hacer. Resident Evil Revelations Puede que algunos piensen que Resident Evil 6 se merecía estar en esta lista, pero Revelations no solo es mejor Resident Evil por su desarrollo, sino que nos atreveríamos a decir que también es mejor juego por el mismo motivo. Xcom Enemy Unknow Lo malo de un juego tan bueno como Xcom, es que si no conoces su pasado puede que cuando te acabes de dar cuenta de lo bueno que es, y estés hasta las narices de que te hayan machacado en su campaña una y otra y otra y otra vez.

Assassins Creed 3 Nada mejor que la culminación de una saga como broche de oro de una generación. La primera entrega nos hizo entrar de pleno en ella y su culminación la puede despedir. New Super Mario Bros U Mario es de los pocos personajes que incluso cuando todo se repite hasta la extenuación, logra sacar una entrega excepcional. Sleeping Dogs Deshauciado por Activisión y rescatado por SquareEnix. Esa es la historia de un magnífico sandbox.Games que pudo convertirse en la tercera entrega de True Crime,