Nekrofilms #3 by Fanzine Nekrofilms

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Revista creada y dirigida por Miguel Cordero. Copyleft - A単o 2015 nekrofilms@gmail.com

N A TR

ED GEIN: PARTE 1 LA CUEVA ENTREVISTA AL DIRECTOR ALFREDO MONTORO

LA MUJER DE NEGRO 2

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La mujer de negro 2 .......... 4 La señal .......... 8 Tusk.......... 10 Ex_Machina .......... 11 Ed Gein: El carnicero de Plainfield .......... 14 Cine indie: La Cueva .......... 18 Biografía: Michele Soavi .......... 24 Reseñas críticas .......... 26

*Retro posters y trailers .......... 12, 22, 23 y 28

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El lógico regreso de La mujer de negro Tras la buena acogida de la primera entrega, y de manera muy digna, Hammer Films repite la interesante historia. TO: The Woman in Black: Angels to Death | D: Tom Harper | G: Jon Croker | P: UK | R: Phoebe Fox, Adrian Rawlins, Alfie Simmons | A: 2014

La mujer de negro es, hasta el momento, la película que mayor beneficio económico ha reportado a la renacida Hammer Films. Hecho por el cual a nadie extraña que este mes de Febrero se estrene La Mujer de Negro 2: El Ángel de la Muerte, donde la compañía ha tenido que hacer frente a una reestructuración total del reparto original. Dado que no volvía ninguno de los actores del filme original, el equipo de producción tuvo carta blanca para elegir un reparto completamente nuevo, empezando por el papel de Eve. Aunque Tom Harper, director de la cinta, no estaba en contra de elegir a una estrella, la lista de jóvenes actrices de nombre conocido adecuadas para interpretar a Eve era bastante limitada. “Ciertamente, encon-

trar a alguien comparable a Daniel Radcliffe era una tarea prácticamente imposible. Sin embargo, nos pareció que, dada su extraordinaria popularidad, preferíamos optar esta vez por la otra cara de la moneda y elegir a una actriz relativamente desconocida como protagonista principal de nuestra secuela”. Finalmente la actriz elegida fue Phoebe Fox, una licenciada Arte Dramático que había cosechado elogios por interpretar a ‘Cordelia’ frente a Jonathan Pryce en un montaje de “El rey Lear”, de Shakespeare, en el teatro Almeida de Londres. Para completar el equipo artístico, Harper contrataría a Adrian Rawlins, Alfie Simmons, Amelia Pidgeon, Hayley Joanne Bacon, Helen McCrory, Jeremy Irvine, Jude Wright, Karol Steele, Leanne Best, Leilah de Meza, Ned Dennehy, Oaklee Pendergast, Pip Pearce, Richard Banks y Shane Salter.

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Aunque La mujer de negro 2: El ángel de la muerte regresa a la casa Eel Marsh, escenario de la primera película, el equipo de rodaje aprovechó la oportunidad para ampliar las localizaciones empleadas en la entrega original de James Watkins de 2012. “Tenemos unas localizaciones extraordinarias”, asegura Ben Holden, productor de la película. “Tom identificó muy pronto el aspecto que quería que tuviera el paisaje.

Entretenimiento efectista La mujer de negro 2: El ángel de la muerte difiere en varios elementos de su antecesora, pero el más significativo es el uso de la atmósfera y os tempos. En esta ocasión, el perfecto ambiente fantasmal de la mansión que cobija a la dama de negro pierde protagonismo. Ese ambiente enrarecido, y que tan buen papel hizo en las extensas y lentas secuencias protagonizadas por Daniel Radcliffe, queda en un segundo plano ante los recursos efectistas utilizados para asustar al espectador.

La gestión de la tensión y los sobresaltos entierran la esencia del primer filme. Debido a ello, la película de Tom Harper se acerca al cliché de película sobre mansión maldita, donde el temor reside en un una sombra que aparece de repente o golpes de sonido que nos sorprende de forma inesperada. La historia posee una gran introducción

a la señora de negro, y describe a la perfección su situación, pero pasa de puntillas por el contexto social de la película. Desarrollada en un periodo de guerra, el guión debió hacer uso de todas las posibilidades que ello brindaba. En la película, un grupo de ocho escolares, acompañados por la directora Jean Hogg (Helen McCrory) y la joven profesora Eve Parkins (Phoebe Fox), se ven evacuados de Londres durante la Segunda Guerra Mundial y trasladados a la casi desierta aldea de Crythin Gifford. Allí conocen a Harry Burnstow (Jeremy Irvine), un piloto de la RAF que tiene el mismo destino que ellos, la ruinosa casa Eel Marsh, situada en una isla conectada a tierra firme únicamente por la carretera de las Nueve Vidas, una calzada que desaparece con las mareas. En busca de refugio de los horrores de la guerra, su presencia no tarda sin embargo en despertar una fuerza malévola que surge de la oscuridad y lleva décadas rondando esta imponente y aislada edificación: La mujer de negro.

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Quería que fuera ligeramente distinto en cierto modo al de la primera entrega, porque ha permanecido en letargo, tanto el pueblo como la casa, durante algo más de cuarenta años. Eso nos dio algo de margen para reinventar el entorno”. Los exteriores originales de la casa Eel Marsh se filmaron en Cotterstock Home, cerca de Oundle, una población con mercado de Northamptonshire. Harper se

A pesar del cambio de personalidad que sufre la producción, el buen hacer del equipo técnico y la voluntariosa Phoebe Fox nos hacen pasar un rato agradable durante su visionado. Es una secuela y, como tal, se merece ser vista sin grandes expectativas y pasando por alto las múltiples licencias que su creadores se han tomado.

Profundizamos en la dama de negro, pero olvidan otorgar mayor personalidad al resto del reparto. Por otra parte, parece que la distribuidora eOne ha sabido elegir muy bien el día de su estreno en España, pues se presenta en un mes de Febrero que llega realmente escaso en cuanto a cine de terror, dejando a La +mujer de negro 2: El ángel de la muerte como la principal propuesta. Tendríamos que sacar de la ecuación a La señal (William Eubank ; 2014), que como comentamos en las siguientes páginas, es la película más interesante del mes.

planteó por un tiempo volver allí, pero el edificio, que es una residencia privada, está tan cuidado que los ángulos de cámara posibles estaban limitados. “La verdad es que no se puede hacer nada más que filmar la fachada delantera de la casa, y me interesaba mucho explorar la geografía del lugar, ver la parte trasera, hasta el mar, y permitir a los espectadores visualizar cómo está conectado todo”.

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La mejor propuesta d

Segundo largometraje como director de William Eubank, que se estrenó en el año 2011 con la película de ciencia ficción Love, una interesante propuesta de claustrofobia y locura espacial. Ahora trae bajo el brazo La señal (The signal), donde nos vuelve a introducir en una extravagante historia espacial, donde nada es lo que parece.

Lo más importante para mejorar su visionado; no saber nada de su desarrollo más allá de la sinopsis. Se trata esta de una película tramposa, donde poco a poco nos van dejando detalles y pistas de lo que está ocurriendo

pero, llegado el momento de desvelar los secretos, todo dará un giro de 360º. Es por ello que se hace difícil comentarla en el presente artículo, pues hay que guardar todos los elementos y así favorecer la experiencia cinematográfica de todos los que penséis visionarla. Su punto fuerte es, sin lugar a dudas, la historia que plantea. Dejará al espectador pensativo, con mil planteamientos en su cabeza. Pero al mismo tiempo, el desarrollo de la misma nos conducirá a un laberinto de ideas donde muchos podrán perderse. En La señal, Nic (Brenton Thwaites), su novia Haley (Olivia Cooke) y su mejor amigo Jonah (Beau Knapp) son tres estudiantes universitarios que están planteándose su futuro. Haley se traslada durante un año, y Nic y Jonah la están ayudando con la mudanza a la otra punta de Estados Unidos. Su viaje por carretera a través del Suroeste acaba dando un

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del mes

ost-abducción

rodeo para localizar a un genio informático que ya ha conseguido colarse en los sistemas del MIT y sacar a la luz fallos de seguridad. Nic y Jonah han despertado la curiosidad de este misterioso hacker, y viceversa. Cada vez se van acercando más, se intercambian provocaciones online y el trío se ve atraído a una zona aislada. Cae la noche, establecen contacto y de repente todo se oscurece. Cuando Nic recobra el conocimiento, se encuentra viviendo una pesadilla. Sus amigos no aparecen por ninguna parte y su única pista es el hombre que lo está interrogando meticulosamente, el Dr. Wallace Damon (el candidato al Óscar, Laurence Fishburne). Damon expresa su preocupación por la seguridad de Nic, e intenta evaluar el sentido de la realidad del joven. Mientras se libra una batalla de ingenios entre ambos, Nic busca un modo de liberarse.

La señal posee todo lo necesario para convertirse en una película de culto. Puede parecer un poco exagerado hablar de ella como un clásico moderno, pues le falta ese punto de valor añadido que podemos encontrar en las producciones que pasan a la historia. Sin embargo, la trascendental trama y su resolución, que acaba en un perfecto hilado final resolviendo el 90% de las dudas surgidas en el transcurso del metraje, convertirán la cinta, posiblemente, en una película de culto para muchos aficionados al “space-horror”. Para su director, La señal “debía tener un comienzo realista, como la vida misma, para que luego pudiéramos pasar directamente al tema extraño, con un estilo lo más parecido posible al de Stanley Kubrick. Más adelante, y no sé cómo pasó, las cosas se ponen mucho más David Lynch”.

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Transformando la realidad Tusk “hace aguas” en su satírico planteamiento

El cineasta Kevin Smith vuelve a la carga tras su fenomenal Red State (2011). En esta ocasión narra la historia de un hombre que estuvo durante seis meses perdido en el mar con la única compañía de una morsa. Al regresar a su casa pone un llamativo anunció en el periódico buscando compañero de piso, con la condición de que este se ponga cada día un traje de morsa durante al menos dos horas. Satirizando, entre otras, a la saga creada por Tom Six, The human centipede, el hombre se convierte en un mad doctor que intentará por todos los medios transformar a sus compañeros en morsa. A pesar de que esperamos encontrar una película amena, llena de humor negro e ingeniosas situaciones, Smith cae en el más profundo absurdo, y tira a la basu-

ra las magníficas actuaciones de Michael Parks y Justin Long. El guión escrito por el propio director

Tan bizarra y delirante que se vuelve un film de usar y olvidar. presenta multitud extensos diálogos, que relentizan el desarrollo y hace perder ritmo al humor negro del que intenta hacer gala. Es posible que la indefinición de la propia historia, la cual vaga entre el atroz y espeluznante perfil psicológico del protagonista, y lo absurdo de la situación del compañero de piso, haga mella en el resultado final. Son dos vertientes muy opuestas, y se debe hilar muy fino para llevarla a cabo. A pesar de tener fecha de estreno en cines, se espera que sea aplazado en los próximos días. Estad atentos.

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Amor y tecnología

Escrita y dirigida por Alex Garland, el guionista responsable de 28 días después, llega Ex_Machina, un tenso thriller filosófico que mantendrá alerta a nuestro cerebro durante todo el metraje. El título se inspira claramente en la frase latina “Deus Ex Machina”, que se podría traducir como “Dios de la máquina” , y que nos ofrece una clara visión de lo que la película tiene nos reserva.

Emoción e intriga es suficiente para realizar un notable film. Garland, que hace su primera incursión en la dirección, salta directamente a la parte más profunda de la historia, consi-

guiendo un nivel de expectación bastante alto. Se trata de una película que nos exige examinar todos y cada uno de los detalles de la historia, donde abundan las medias verdades y las pistas falsas. Antes de finalizar habremos elaborado mil conjeturas sobre como resolver la trama. Las actuaciones son lo mejor del film, verdaderamente excepcionales. Realmente notamos que los actores se sienten cómodos en sus roles, y hacen ganar muchos puntos a película. Pero si hay que destacar a uno de ellos es a Alicia Vikander, inmensa durante todo el metraje. Sus despliegue en pantalla nos hará creer que estamos ante un auténtico robot jugando a ser humano. Ex_Machina es una visión convincente de cómo la inteligencia artificial y la robótica pueden avanzar en el futuro. Una notable película que todos los amantes de la ciencia ficción deben visionar.

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FEBRERO

13 FECHAS

CARTELERA Y LANZAMIENTOS (VENTA) DVD/BLU-RAY

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El carnicero de Plainfield PARTE 1

Ed Gein poseía una verdadera mansión del terror

Pocos son los personajes que han sido capaces, por sus actos, de inspirar varias películas de muy distinto corte. Este es el caso del famoso psicópata Ed Gein (1906-1984), quien no sólo dejó su aterradora huella en Plainfield, un pequeño pueblo de Wisconsin, sino que expandió su semilla por todo el mundo a través del celuloide. Gein, el carnicero de Plainfield, no fue un asesino en serie estrictamente hablando, ya que sólo mató a dos personas. La fama que posee está basada en todos aquellos elementos que rodeaban a su oscura persona. En su casa se encontraron cadáveres y objetos cotidianos realizados a partir de cuerpos de mujer, tales como cuencos de sopa con cráneos o

collares a partir de dientes y labios humanos. La materia prima para estos la obtenía del cementerio, el cual visitaba tras los entierros para profanar las tumbas. Elementos que podemos vislumbrar en la obra de Tobe Hooper, La matanza de Texas (1974), donde la familia Hewit posee mesas y sillas construidas a partir de huesos humanos y, en mayor medida, de animales. Desde pequeño y hasta los 39 años, Ed vivió en una pequeña granja junto a su madre, Augusta Gein, fanática religiosa y origen de los arrebatos homicidas de su hijo. Como ejemplo de su obsesión religiosa, Augusta impedía que el joven se relacionara con otros chicos, debido a que podían corromper su moral.

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El excesivo proteccionismo maternal se vislumbra en las diversas máscaras y chalecos que Gein realizó a partir de piel humana que posteriormente maquillaba como si de una mujer se tratara. Este es el germen de Buffalo Bill, antagonista de El silencio de los corderos (1991 ; Jonathan Demme) que realizaba trajes de piel humana y que pone en escena una mezcla de dos famosos psicópatas, Ed Gein y Gary Michael Heidnik. Por otro lado, la policía encontró en la granja una puerta totalmente cerrada con tablas de madera apuntilladas. Se trataba de la habitación de su madre, que fue conservada de forma intacta como si fuera un lugar sagrado, algo que nos recuerda al incomparable Norman Bates, de Psicosis (1960 ; Alfred Hitchcock). Psicólogos de la época diagnosticaron que Gein intentaba resucitar a su madre, tal y como había visto en diversos cómics de terror, a los que era aficionado. Tras la depravada estampa de su tétrica mansión escondía a las dos mujeres desaparecidas, Bernice Worden y Mary Hogan. La primera de ellas fue encontrada por los agentes de policía en 1957, de-

capitada, abierta en canal y colgada por los tobillos, mientras que de la señora Hogan solamente se supo a través de la confesión de Gein.

Nadie sospechó de él por su apacible personalidad El personaje que estamos tratando no sólo trastornó la rutina de los ciudadanos, sino que instauró un sentimiento de inseguridad que, dentro del puratismo predominante en la época, hizo graves estragos en la sociedad. Debido al estupor levantado, su granja fue incendiada, presumiblemente por habitantes del poblado, quienes querían evitar que se convirtiera en una atracción para el turismo morboso y macabro. Fue declarado enfermo mental y pasó el resto de sus días en una institución psiquiátrica donde se destacó por su buen comportamiento. Falleció en el verano de 1984 a la edad de 77 años por insuficiencia respiratoria. A continuación repasamos algunas películas que inspiró.

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Reflejo de una infancia perturbada PSICOSIS

Hitchcock solo pretendía mostrar la patología mental de Ed Gein, no su lado visceral. El origen del perfil psicológico de Norman Bates, interpretado por Anthony Perkins en el film Psicosis, lo encontramos en la novela que da título a la película. Robert Bloch redactó el libro durante la década de los 50, justo cuando el escritor residía en el estado de Wisconsin. Debido a ello, Bloch estuvo altamente influenciado por las informaciones que surgían sobre el caso de Ed Gein, que aterrorizaron a toda la población. A partir del mismo el escritor decidió que su protagonista debía ser un apacible hombre de 40 años de gafas gruesas, del que nadie esperaría tales crímenes. De hecho en la novela, tras la detención de Norman Bates, se realiza un guiño en el que todas las personas comparan al arrestado con el personaje real, Ed Gein. Sin embargo Hitchcock decidió, por cuestiones puramente comerciales, que Bates fuera un joven de veinte y pocos años, potenciando el factor sorpresa. La película no representa los crímenes reales, ya que no se trataba de realizar un biopic sobre Gein, sino utilizar sus aptitudes mentales para desarrollar un asesino en serie fuera de lo común. El paralelismo entre la película y el caso

real se deja notar desde la primera aparición de Bates, un personaje que se muestra con actitud tímida y nerviosa con las mujeres, y que mantiene extrañas conversaciones. Tal y como comentábamos en la primera parte del reportaje, Ed Gein se encontraba altamente influenciado por su madre, que no le permitía relacionarse con otros niños y, menos aún, con niñas. Por su parte, podemos ver como Norman Bates es recriminado por su “madre” cuando otorga posada a Marion Crane, mostrando una total sumisión, que desemboca en un sentimiento de odio y veneración, a partes iguales, hacia la figura materna.

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Para profundizar y transmitirnos esa sensación, en un determinado momento de la película, Hitchcock nos presenta un plano general de la habitación de la señora Bates, donde podemos comprobar que se mantiene intacta, hasta el punto de que el colchón de la cama todavía mantiene la figura que dejó al dormir. El robo del cadáver de su madre para seguir sintiéndola cerca y los momentos de travestismo no son más que el culmen de una mente severamente perturbada por una infancia anclada en un oscuro pasado.

quien decidió cerrar y clavar la puerta que daba a la habiatación de Augusta Gein, conservándola intacta hasta el momento en que la policia llegó a la granja y decidió echarla abajo. Con respecto a la vestimenta, son muchos los vecinos del asesino que declararon haberle visto corriendo por el jardín con los vestidos de la madre, en un intento de mantenerla viva. Incluso se sabe que antes de los asesinatos había intentado profanar la tumba de la madre pero, debido al terreno fangoso del cementerio, no consiguió llegar hasta el féretro. No obstante eso no le detuvo, e intentó y consiguió protumbas de otras mujeres, las cuales Como Norman Bates, Gein fanar utilizaba para elaborar objetos. también intentó recuperar A pesar de que otras películas se realizaron a partir de los elementos más viel cadaver de su madre. suales e impactantes del caso, Psicosis es posiblemente la obra más cercana a la Es en esta faceta del antagonista donde psique de Edward Theodore Gein, uno mayor coincidencia podemos encontrar de los asesinos más famosos de los Estacon el caso del carnicero de Plainfield, dos Unidos.

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Vuelta al origen, v

La Cueva propone una original v

Tras su anterior trabajo, realizado en 2006 y titulado Niños, Alfredo Montero nos trae una tensa experiencia. Bajo el paraguas del llamado “found footage” o mockumentary, Montero nos introduce en una oscura cueva, donde todos los sentidos del ser humano se degradan a su estadio más básico. Todo queda en manos del instinto natural del hombre, sobrevivir.

La opresora atmósfera y los planos extremos golpean una y otra vez al espectador. De entrada la historia que desarrolla La cueva ya ha sido vista en distintas ocasiones. Tres chicos y dos chicas viajan en plan mochilero a una isla paradisíaca. Cuando llegan, alquilan motos, recorren los parajes más hermosos y recónditos, acampan en el bosque, se emborrachan y se bañan en el mar. Al día siguiente, deciden explorar una cueva profunda y laberíntica, pero se extravían. Si quieren sobrevivir dentro de la cueva, deberán hacerlo en condiciones inhumanas: sin agua y sin alimentos, no parece que haya ninguna posibilidad de conseguirlo. Sin embargo, a diferencia de películas como The Descent (Neil Marshall ; 2005) o la mediocre The Cavern (Olatunde Osunsanmi ; 2005) donde la amenaza son seres exter-

nos, la cinta de Montero pone el dedo sobre el drama humano que supone perderse en un sistema de cuevas. Lo que impactará a cualquier espectador no es la trama canibalesca que ofrece, sino la degradación de la humanidad que poseen los personajes. Un fiel reflejo de la ley del más fuerte, elemento evidente pero no expresado en todo grupo social coartado.

Una aterradora muestra de realismo cinematográfico.

vuelta a la caverna

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visión de la degradación humana

- Muchos achacarán a la obra sus primeros e minutos, aquellos dedicados a la presentación de personajes, que se hacen bastante - pesados. Aun así, la presentación no deja de ser un mal necesario para que podamos . establecer ciertos lazos afectivos, ya sean de - aprobación o rechazo hacia sus conductas. Sin profundizar en los sujetos es muy posible que el resto del metraje no hubiera funcionado correctamente. La Cueva es una grata sorpresa de la escena independiente española, una de esas producciones que debemos fomentar.

Doble Montaje La Cueva tuvo su puesta de largo en el año 2012, cuando su equipo la presentó en el marco del Festival Internacional de cine fantástico de Sitges. A pesar de que la película funcionó bien, y atrajo al público, el interés de la productora Morena Films cambiaría gran parte del montaje original. Tal y como narra el director Alfredo Montero en diversos medios, Juan Gordon, productor de la compañía, le explicó que “habría que cambiar algunas cosas, rodar de nuevo mucho material”. Tras unas jornadas para la reflexión, el equipo regresó a la gruta con el mono de trabajo y el objetivo de filmar nuevas secuencias. Con ellas se procedió a elaborar un nuevo montaje de 80 minutos, en el que solo quedaron 40 minutos aproximados de aquella primera cinta. El resultado ha sido satisfactorio, tal y como narró Montero en un artículo para El País Digital: “Ahora la película está más preparada para su exportación. Ha mejorado hasta niveles que ni yo mismo podía imaginar”.

Equipo de ‘La Cueva’ en Sitges ‘12 | Foto: Diariodeibiza

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Alfredo Montero

“Me interesa la parte psicológica y física de la deshumanización” - Aquí hay una película y ostias, ¿sabré salir de aquí?

Tras el interés de Morena Films, se decide rodar nuevo material para la película. ¿Hubo muchas diferencias a la hora de rodar entre la primera experiencia en la cueva, donde todo es nuevo, y la segunda?.

No debe ser fácil hablar a un grupo de jóvenes actores que se disponen a pasar tantísimas horas en un entorno tan extremo. ¿Como conseguiste mentalizarlos para obtener tan buen rendimiento de sus actuaciones?.

La principal diferencia es que la segunda vez ya sabíamos qué nos íbamos a encontrar y eso fue muy duro mental y físicamente.

Entras por primera vez en la Cueva y rápidamente piensas...

- La mayor dificultad fue transmitirles las condiciones extremas a las que nos veríamos sometidos. Les enseñé vídeos y fotos de la cueva pero aún así ninguno de nosotros se podía hacer una idea de lo criminal que resultaría rodar allí dentro, a oscuras, embarrados, 12 o 14 horas al día y arrastrándonos sobre cuchillas de roca. Aún así la pasión con la que el equipo artístico y técnico afrontó este desafío aún me sorprende y emociona.

El realismo extremo que propone La Cueva es su mejor carta de presentación. Es una experiencia para el espectador. ¿Hubo algún límite a lo que mostrarían en pantalla?.

- Queríamos que fuera una experiencia extrema pero sin ser desagradable. Me interesa la parte psicológica y física de la deshumanización que sufren los personajes mientras la degradación les convierte en animales, en zombies. Solo hay alguna pincelada gore que creí necesaria para ser fiel al realismo que buscábamos pero no era lo importante.

21 INDIE A pesar de lo dura que fue la filmación, debido a las adversas condiciones, seguro que hubo momentos que os sacaron una sonrisa. ¿Puedes narrarnos alguna anécdota?

Para finalizar. En tu próximo proyecto, ¿volverás al género de terror, o aprovecharás para experimentar nuevos campos?.

- El género de terror es muy divertido de rodar y agradecido pero me gustaría tocar muchos géneros, de momento estoy escribiendo un thriller de tensión al aire libre, eso sí.

- La más graciosa fue cuando una pareja de espeleólogos aficionados entraron para investigar la cueva mientras nosotros grabábamos una persecución con uno de los zombies totalmente ensangrentado. Cuando los turistas y el actor Gracias por dedicarnos su tiempo. zombie se cruzaron por los pasadizos - Un auténtico placer, gracias a vosotros. fue tremendo, y hubo que tranquilizarles y explicarles lo que estábamos haciendo. Tanto peso tiene La Cueva en la película, que hasta el guión comenzó a escribirse en su interior. ¿Un poco extraño, no?

- En realidad tiene lógica ya que escribí el guión a raíz de encontrar la cueva , la historia está escrita en función de las condiciones y morfología laberíntica que me ofrecía la propia cueva por eso la primera parte de la escritura la hice dentro, tanto para aprenderme cada recoveco como para aprovechar la sensación de desorientación y claustrofobia que me provocaba las primeras veces que entré. Nos hemos enterado de que, posiblemente, habrá un remake americano. Normalmente son producciones poco acogidas por el público español. ¿Te gustaría participar activamente en el proyecto?.

- Me han pedido opinión sobre algunos aspectos del guión de la nueva versión, pero es un proyecto suyo y no tendré más participación, estoy servido de cueva, gracias.

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Michele Soavi

Si existe en Italia un director cuyas películas rebosan originalidad y personalidad, ese es Michele Soavi. El genuino cineasta comenzó su carrera como actor, participando en películas de los grandes maestros. Así, le vimos en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (Lucio Fulci ; 1980) como Tommy Fisher, en Cuchillos en la oscuridad (Lamberto Bava ; 1983) como Tony Rendina, entre muchas otras. Fue Dario Argento quien le concedió la oportunidad de entrar en el mundo de la dirección, ofreciéndole un puesto de “asistente de dirección” en su película Ténebre (Dario Argento ; 1982), en la que también realiza un cameo como novio de María, a los que vemos paseando por la playa. Su gran momento como director principal llegó con la obra Il mondo dell’orrore di Dario Argento (1985), un documental en el que repasa la obra e historia de su amigo Argento. Dos años después, Soavi presentaría su primer largometraje, Aquarius (1987), un notable slasher que sobresale por sus originales y explícitas muertes. Tras su debut en la dirección, realizó 17 producciones más, especializándose en thrillers para televisión. De sus seis largos, además del ya citado, cabe destacar Mi novia es un zombie (1994), obra cumbre del cineasta y que le sube a la categoría de “director de culto”. Siempre ligado al cine de terror, Soavi siempre se abrió a nuevos caminos y huyó de las secuelas.

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Dellamorte dellamore (1994)

Titualada en España como Mi novia es un zombie, se trata de la obra más irreverente de Michele Soavi. Una mezcla de humor negro, cine de terror, surrealismo y alocada historia de amor. Interpretada de forma magnífica por Rupert Everett, la película nos traslada a un film de zombies donde todo puede ocurrir, y nada queda a la imaginación. El buen hacer de Soavi tras la cámara consigue que la película vaya tomando unn cariz más serio conforme avanza el metraje, pero manteniendo ese humor absurdo que predomina en toda la cinta. La película fue estrenada en Italia con poco éxito. Sería tras su paso por los Estados Unidos, en formato doméstico, cuando los aficionados al género rendirían culto a un clásico de los videoclubs.

FILMOGRAFÍA SELECTA · Aquarius (1987) · El engendro del diablo (1989) · La secta (1991) · Mi novia es un zombie (1994) · Camino sin retorno (2006) · Il sangue dei vinti (2008)

RESEÑA 26

Cuando despierta la bestia

Aburrida producción danesa, que abusó del drama y olvidó a la bestia

El problema de muchas películas de género indie es que se pasan de dramáticas. Al son del clásico moderno Let the Right One In (Tomas Alfredson ; 2008) nos llega la película dirigida por Jonas Alexander Arnby. Un drama con toques sobrenaturales que intenta imponer una estética fría y cruel, donde todo lo que rodea al “bonachón” personaje principal es maldad. Como en el citado film, Arnby propone un ritmo muy lento, con el propósito de sumergirnos en los abatidos sentimientos de la joven. Sin embargo, cuando el drama propuesto carece de interés, el pausado desarrollo transforma la historia en un batiburrillo soporífero.

desbordando en una ola de odio y violencia desmedida, casi irracional. un día a día de muchas personas pero, también, una historia tratada mil veces desde mil perspectivas diferentes. A estas alturas hay que tener un producto muy brillante para que sobresalga del resto de obras. Técnicamente la película es perfecta. Posee una fotografía muy suave, tirando hacia tonos fríos. Apenas utiliza los contrastes, y monta una atmósfera muy decadente. Junto a la sobria dirección, que se aleja de la experimentación y ofrece planos correctamente encuadrados, es lo más destacable de una película que a muchos aburrirá, y que otros tantos alabarán. En nuestro visionado hubo varias corrientes Falta originalidad y me- de opinión. A unos les pareció profunda y suficiente, mientras que otros cayeron jor manejo de la exposi- en el cubo de la indiferencia a mitad de película. La realidad es que el punto meción narrativa. dio entre una película aburrida y una pelíPor otro lado, el fin reivindicativo que po- cula correcta, es un film mediocre. Difícil see Cuando despierta la bestia es muy cla- de digerir y muy fácil de olvidar, nadie se ro. El desamparo y melancolía que acaban pierde gran cosa si no la visiona.

27 RESEÑA

No confíes en nadie

Nicole Kidman rinde a gran nivel en un básico thriller

Todos recordamos el desastre que supuso para Nicole Kidman su participación en Bajo Amenaza (Joel Schumacher ; 2011), donde compartió protagonismo con Nicolas Cage. La película no supo ganarse al público y Kidman no hacia otra cosa que llorar y llorar. En esta adaptación de la novela de S.J. Watson, todo el peso narrativo recae sobre la actriz, quien hace uso de su experiencia para mostrar un sinfín de sentimientos y emociones.

Correcto thriller; de los que gusta ver los domingos en la pequeña pantalla. La historia dista mucho de ser novedosa. De hecho, nos recordará a cintas como Memento (Christopher Nolan ; 2000), ya que la protagonista es una mujer que sufre las secuelas de un terrible acciden-

te: solo logra retener recuerdos durante un día. Este es el angustioso mapa de los intentos de Christine por lograr que todo lo que la rodea cobre sentido. Pero poco a poco va dándose cuenta de que algo en la imagen que va formando de su vida no termina de cuadrar, hay algo que no encaja en el rompecabezas. La cinta elabora una enrevesada tela de araña, que afecta a todas las relaciones sociales de la protagonista, y termina funcionando correctamente. El ritmo es bastante alto a pesar de que apenas veremos escenas de acción, algo extraño para tratarse de un thriller. Al final, se trata de una obra entretenida, que en ningún momento se propone sorprender al espectador. Casi todos los aspectos del film son estables y suficientes, pero solo ofrece lo que vislumbramos en sus primeros 10 minutos. Es por ello que se convertirá en carne de televisión, pero al menos ha servido para recordar a Kidman que aún puede se la conductora de una historia.

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