Nekrofilms #2 - Enero 2015 by Fanzine Nekrofilms

CUENTO PARA NO DORMIR Revista creada y dirigida por Miguel Cordero. Copyleft - A単o 2015 nekrofilms@gmail.com

THE BABADOOK

EL MUTILADOR SONNO PROFONDO

EXTENSA ENTREVISTA AL DIRECTOR LUCIANO ONETTI

ZOMBIS NAZIS 2

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The babadook .......... 4 Somos lo que somos .......... 8 Stonehearst Asylum .......... 9 Frío en julio .......... 10 Lanzamientos .......... 13 El mutilador, 30 aniversario .......... 14 Cine indie: Sonno Profondo .......... 18 Biografía: Irvin Shortess .......... 24 Reseñas críticas .......... 26

*Retro posters y trailer .......... 11, 12 y 28

AVANCE

Un cuento pa

de las mejores propuestas de terror del año. A pesar de que la película australiana no pudo alzarse con el galardón a la mejor película, muchos de Un thriller psicológico en dedicado los asistentes la señalaron como princila tradición de las clásicas pal candidata. Si obtuvo de forma mela mención especial del jurado, el cintas de terror doméstico recida último empujón para su desembarco, el próximo 16 de Enero, en todas las salas de Polanski. españolas. En la última edición del Festival interna- Babadook es una sobrecogedora historia cional de cine fantástico de Sitges tuvi- de terror psicológico escrita y dirigida mos la oportunidad de contemplar una por Jennifer Kent, quien hasta el momento

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ara no dormir tan solo había realizado un cortometraje titulado Monster, y participado en la serie Two Twisted. Su ópera prima ha sido interpretada por Essie Davis, a quien vimos en Australia (2008 ; Katherine Carney) y ha conseguido el Premio a la mejor actriz en Sitges por su actuación. Davis está acopañada por Daniel Henshall, y el pequeño Noah Wiseman en su debut en la gran pantalla. Dejando a un lado los manidos CGI, la película se desarrolla a través de una sutil puesta en escena, representando una

metáfora en forma de monstruo que, en el computo global, aterroriza más que el propio monstruo. Amelia (Essie Davis), quien ha perdido violentamente a su marido, continúa perdida intentando educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. De repente, aparece en la casa un libro titulado ‘Sr. Babadook’, y Samuel cree fervientemente que Babadook es la criatura que le aterroriza.

AVANCE

El guión de la película se desarrolla a partir del cortometraje Monster, de Jennifer Kent. Cuando sus alucinaciones entran en una espiral fuera de control, Samuel se vuelve impredecible y violento. Amelia, muy asustada por el comportamiento de su hijo, se ve forzada a medicarlo. Pero cuando comienza a vislumbrar una presencia siniestra a su alrededor, Amelia poco a poco descubrirá que aquello so-

bre lo que Samuel la ha estado advirtiendo puede ser real. El momento de Essie Davis Con el paso de los años, desde que se graduara en el Instituto Nacional de Arte Dramático, Davis se ha convertido en una de las actrices de cine, teatro y televisión más respetadas y alabadas de Australia. Se trata de una curtida intérprete que, hasta el momento, no había conseguido un papel tan atractivo como el de Amelia, donde es capaz de llenar la pantalla mostrando todos su registros. La propia actriz comenta sobre su papel que

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“fue increíblemente difícil. Es un poco como El resplandor, porque hay unas fuerzas místicas y espirituales, y Amelia es un poco como la madre y el padre de Danny. Tiene un poco de Shelley Duvall y un poco de Jack Nicholson, porque primero tiene miedo y luego da miedo, es increíblemente difícil. Tiene una tercera parte de profundo dolor, una tercera parte de verse aterrorizada y otra tercera parte de resultar aterradora. Son emociones extremas e interpretaciones muy francas cada día. ¡No lo recomendaría! (ríe). O sea, es genial vivir esa experiencia y tener ocasión de hacer algo

así, sobre todo con Jennifer, que ofrece una orientación sumamente clara en todo momento. ¡Pero es agotador!”

Para Essie Davis, el film trata sobre afrontar tus traumas, afrontar tu dolor y expresarlo. The Babadook llega a España, y por su ritmo y delicada pero perversa historia es, notablemente, la mejor película que podemos visionar para empezar el 2015.

Jennifer Kent: Reprimiendo sentimientos

“Me fascina lo que le sucede a la gente cuando reprimen sus sentimientos, sobre todo los dolorosos. Reprimirlos puede funcionar momentáneamente, incluso durante unos años, pero al final la verdad acaba saliendo a la luz. La precaria relación entre los protagonistas es también donde

reside la esperanza de la película. Babadook es, pese al terror, una historia de amor, de una madre que atraviesa el mismo infierno para llegar hasta su hijo. Es un viaje de pesadilla pero, al igual que Amelia, los espectadores se ven recompensados por su dedicación al mismo. Teniendo en cuenta

la horrorosa fuerza de esta historia, el compromiso de nuestro equipo por ofrecer un nuevo y cautivador mundo visual, y el potencial para conseguir impactantes interpretaciones en los papeles de madre e hijo, tengo completa fe en que Babadook será una película visualmente fascinante.”

AVANCE

El lado feroz del humano

Jim Mickle adapta con maestría la historia caníbal de J. M. Grau Grau). Un pulido trabajo de producción consigue que, incluso, podamos visionar ambas películas de forma consecutivas A partir de una original historia creada sin que decaíga el disfrute, como ocurre en el año 2010, por el mexicano Jorge con muchos remakes. Michel Grau, nos llega este remake dirigido por Jim Mickle. El cineasta norteamericano ha tenido a Falta originalidad, pero bien darle su particular versión a la tra- Somos lo que somos sabe ma, alejándose de los remakes planos a planos. En esta nueva versión, la familia crear su propio submundo. protagonista hace gala de unos valores religiosos muy profundos. Su cerrado En su pequeña ciudad, los Parker son cosistema moral les hace alejarse del mun- nocidos por su discreción y carácter erdo cotidiano, encontrando refugio en la mitaño. En la intimidad, el padre, Frank, América Profunda. dirige su familia con firme severidad. El buen hacer con la cámara nos rega- Después de la inesperada muerte de su la una cinta de caníbales que posee un madre, las hijas adolescentes Iris y Rose buen trasfondeben empezar a cuidar de su hermado dramátino pequeco, con un ño Rory. más que coNo tardarrecto guión rán mucho y una narraen descutiva estable. brir que Debido al sus nuevas ritmo y pulso responsaimpreso en la bilidades película, ciervan mucho tas escenas más allá y diálogos se estiran en pos del drama, de lo que creando sentimientos encontrados en pueden afrontar. Por órdenes de su palos espectadores más impacientes. Sin dre, ellas deben continuar, cueste lo que embargo, son estos elementos los que cueste, con la ancestral y macabra tradiconsiguen redondear la obra, le dan per- ción familiar. sonalidad propia, y la alejan de la pelícu- Sin embargo, las autoridades se acercala original Somos lo que hay (2010 ; J. M. rán cada vez más a su secreto. TO: We Are What We Are | D: Jim Mickle | G: Jim Mickle, Nick Damici | P: USA | R: Julia Garner, Ambyr Childers, Bill Sage, Kelly McGillis | A: 2013

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Entre la cordura y la verdad

Stonehearst Asylum es una buena película que pudo convertirse en algo mucho más grande. Brad Anderson vuelve tras el desastre de su última producción, La última llamada (2013). En esta ocasión presenta su libre-adaptación de una novela del escritor Edgar Allan Poe, El sistema del Dr. Tarr y el profesor Fether. En la novela, Dos jóvenes caballeros van de viaje por el mediodía francés. Llegan a las cercanías de un manicomio privado, que suscita la curiosidad de uno de ellos. Su acompañante, que conoce al director de la institución, se aviene a presentarle, y al punto, a con-

secuencia de su fobia a los lunáticos, se despide. El joven es invitado a entrar por el director, que le informa cumplidamente de todo lo que quiere saber, pero pronto se ve sorprendido por la conducta de unos y otros. Al final, durante el transcurso de la cena, tienen lugar extraordinarios acontecimientos. Anderson presenta una película técnicamente impecable, perfectamente interpretada, y donde la atmósfera se convierte en la principal baza. A pesar de tales cualidades, Anderson olvidó por completo otorgar a la obra de un cariz más perverso. El centro psiquiátrico, a pesar de que es oscuro, no consigue intimidar al espectador, y las secuencias “fuertes” apenas provocan estupor. Stonehearst Asylum es, en general, una notable película pero, debido a la falta de explicitud, deja entrever que pudo convertirse en una de las grandes obras del año 2014.

AVANCE 10

Matando el alma

Frío en Julio supone la consagración del director Jim Mickle ge en una dura disputa que mostrará el lado más complejo de la venganza. Una película llena de emociones y sentimienEn una calurosa noche de verano de tos que acaban desvirtuándose. Texas en 1989, Richard Dane, un padre de familia, se despierta con el sonido de Polifacético y tenso thriun ladrón entrando en su casa. Preso del ller con ecos de western pánico, dispara y mata al intruso. El sheriff de la localidad le da la enhorabue- contemporáneo. na y el caso parece totalmente cerrado. Pero Dane comenzará a temer por la El libreto realizado por Mickle en colaboseguridad de su familia cuando el padre ración con Nick Damici, sólido y estable, del ladrón, Russell, le acosa en busca de prepara el terreno para un tramo final venganza. Las cosas se complican aún donde nada es lo que parece. Realizamos más cuando se descubre que el hombre un viaje donde los planteamientos van fallecido no era quien creían. mutando hacia un cambio de registro y El cineasta Jim Mickle, creador del re- de género cinematográfico. make de Somos lo que hay (2013) y Stake Basada en el best-seller internacional Cold land (2010), presenta un intenso thriller in July de Joe R. Landsdale, cuyo relato poque hará las delicias del espectador. A see una gran carga irónica, el film se desatravés de su peculiar forma de filmar, que rrolla sobre una decadente atmósfera que, bebe de grandes del género como John al igual que su desarrollo, se encuentra en Carpenter o William Lustig, nos sumer- constante cambio. TO: Cold in july | D: Jim Mickle | G: Jim Mickle, Nick Damici | P: USA | R: Michael C. Hall, Sam Shepard, Vinessa Shaw, Nick Damici, Wyatt Russell | A: 2014

11 RETRO

RETRO 12

13 FECHAS

ENERO

CARTELERA Y LANZAMIENTOS (VENTA) DVD/BLU-RAY

1/01/2015

9/01/2015

16/01/2015

7/01/2015

14/01/2015

20/01/2015

16/01/2015

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21/01/2015

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30/01/2015

ESPECIAL 14

El 30Mutilador ANIVERSARIO

La primera y última película de su director; una clara muestra de cine ochentero.

El estreno de La matanza de texas (Tobe Hooper ; 1974) cambió el sino del cine de terror. Tanto es así que en la década de los años 80 el género aún se estaba adaptando a las nuevas inclinaciones. Las películas gore o splatter inundaban las pantallas. El hiperrealismo se puso

de moda, ayudado por la temática slasher, que adoptó tales principios. De esta forma llegaron multitud de películas catalogadas como Series B, que sin apenas presupuesto “copiaban” la estructura de tales tendencias. Este nuevo filón no pasó desapercibido por Buddy Cooper, quien en 1984 decidió filmar su primera y única contribución al séptimo arte, El mutilador (The mutilator). La película no es un slasher en toda regla, a pesar de que muchos críticos de cine la hayan registrado como tal. Es evidente que posee muchos elementos de tal temática, pero la cinta parte de las ideas pre-slasher concebidas en 1974 por Tobe Hooper. Para llevar a cabo su primera película, Cooper tuvo que autofinanciarse. para ello, presentó un informe sobre sus ideas a Wachovia Bank, entidad a la que solicitó un préstamo de 80.000 dólares, y que posteriormente tuvo que ser ampliado hasta los $84.000 por exigencias de la producción. Tras su estreno en cines el día 1 de Enero de 1985, el filme había conseguido recaudar un montante superior a los 400.000 dólares.

Legado 30 años después de su lanzamiento, El Mutilador no es más

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que una película olvidada. Sus características técnicas, así como la falta de originalidad y coherencia de su guión, la hacen presa del tiempo. Sin embargo, se trata de una cinta totalmente disfrutable, que nos deja un enloquecido prólogo, y un reguero de potentes muertes, destacando la utilización de hachas, machetes o, la ya tradicional, sierra mecánica.

Entrañable producción que debería visionarse, al menos, en una ocasión. En España, El mutilador se lanzó en sistema VHS por la distribuidora Internacional Vídeo Sistemas, y fue un clásico en las estanterías de los videoclubs. En la actualidad, ninguna compañía ha puesto interés por reeditar este pequeño clásico en DVD.

Mark Shostrom

Tras el estreno del film, casi ninguno de los que trabajaron en ella consiguieron dar el salto a producciones de mayor índole. La excepción, en esta ocasión, fue el técnico de efectos especiales Mark Shostrom, quien anteriormente había trabajado en películas de culto como Videodrome (David Cronenberg ; 1982) o Pesadilla en Elm street (Wes Craven ; 1984). Su participación en El mutilador es, posiblemente, lo mejor de la película. Shostrom consiguió otorgar a cada muerte ese punto hiperrealista que buscaba el director, alzándose como un valor añadido de la producción. Posteriormente, su carrera ha girado en torno al género, participando en decenas de películas como Evil dead 2, Re-sonator, e incluso en la serie Expediente X, entre muchas otras.

ESPECIAL 16

Curiosidades La película de Buddy Cooper iba a titularse, en un principio, Fall break, como ilustra el poster. Finalmente, por motivos comerciales, tuvieron que retitularla como The Mutilator. El guión original establecía que Ed padre tenía que morir partido en dos pero el truco fue considerado demasiado peligroso y la escena de la muerte fue reescrita. La película fue estrenada en cines en dos versiones: la primera sin calificación, y más tarde una versión clasificada R (Mayores de edad). Durante el metraje, el director quiso homenajear a varias películas a través de pequeños guiños. Así, podemos observar la utilización del garfio al estilo La matanza de texas. También po-

demos ver una pequeña referencia a Holocausto Caníbal, concretamente a la escena en que la joven es brutalmente empalada a través de su vagina.

The Mutilator homenajeó varias cintas de culto a través de los asesinatos. De manera más sutil, vemos la influencia de Navidades negras en el desarrollo del metraje. También es una referencia la forma de decapitar que tiene el psicópata Ed, recuerda a otras películas de menor calado, como Night School o Madmen, el loco.

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Una y no más; Boody Cooper Cooper nunca tuvo la oportunidad de filmar más películas. The mutilator fue su ópera prima, y también su última obra. Pero queda una duda de resolver; ¿como tuvo la idea de rodar una película de terror?. El propio director responde a la cuestión: “Yo siempre había querido hacer una película. Un buen día, un martes creo, el día después del Día del Trabajo, yo estaba caminando en la playa con un amigo dándole patadas a la idea de la película, y se me ocurrió que una producción de terror en la que el asesino utiliza implementos y aparatos que se encuentran comúnmente en o cerca del agua sería algo diferente. (La decisión de hacer una película de terror era de carácter económico. En ese momento, Variety informaba que el 30% de todas las entradas de cine vendidas correspondían a films de terror. Yo era de la opinión de que una película de terror de bajo presupuesto me daría la mejor oportunidad para recuperar el costo invertido.) Me levantaba temprano, 05:30h, y llegaba a la oficina a eso de las 6:00h. Me gustaba

dictar el guión hasta las 8:00h. A partir de ahí comenzaba a trabajar en mi campo, la ley. Mi secretaria era un excelente mecanógrafo. Como muestra, ella podía escribir 100 palabras por minuto. A las 4:00 de la tarde me gustaba dejar de ejercer la abogacía y me revisaba las páginas que había dictado por la mañana, y que mi secretaria había mecanografiado para entonces. No recuerdo específicamente cuánto tiempo le llevó, pero una vez que empezamos a rodar, de vez en cuando nos podía hacer 10 páginas en un día. Me imagino que el primer proyecto tomó menos de un mes. Después de eso, se volvió a escribir un par de veces. Mi amigo y co-director, John Douglass, quien enseña la escritura de guiones, así como producción cinematográfica en la Universidad Americana en Washington, fue muy servicial con las reescrituras. Me imagino que el guión «terminado» se hizo en unos 2 meses. El rodaje comenzó a principios de mayo. Tuvimos 29 días de rodaje. Después nos tomó cerca de 6 meses el poder completar la post-producción.”

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La “evolución” del Giallo

Sonno profondo llega a España avalada por la crítica

Tras pasearse por los mejores festivales fantásticos de España, la película argentina realizada por los hermanos Luciano y Nicolás Onetti va a ser comercializada en DVD. Será durante el primer semestre del próximo año 2015 cuando salga a la venta, gracias a la apuesta de la distribuidora independiente Tyrannosaurus Entertainment.

Clásica y desafiante; una experiencia para los seguidores más atrevidos. A través de un pulido estilo visual, y unos acordes que recuerdan a las composiciones de Goblins o Ennio Morricone, Sonno profondo nos traslada al añorado cine italiano de los años 70. Calificado como un neo-giallo, Luciano Onetti ha sabido combinar la sucia y

macabra estética, típica del género, con un novedoso desarrollo. Los extremos encuadres y la explicitud de las escenas, convierten la obra en un referente de la escena indie actual. Una magnética combinación de suspense y terror, nos adentrará en el mundo de un asesino psicópata traumatizado por sus recuerdos de la infancia. Su mundo da un giro de 360 grados cuando deslizan bajo su puerta un misterioso sobre. El cazador se convierte en la presa cuando observa que el sobre contiene las fotos que le delatan. Con tan solo 65 minutos de metraje, Onetti ha conseguido salvar un obstáculo visto en algunos clásicos del género; la caída de tensión en los últimos tramos de cinta. Cierto es que Sonno profondo no hace alarde de un gran ritmo, pues desgrana muy lentamente la trama para armar todo el puzzle en un gran final. Una fórmula que puede desesperar a los

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espectadores más impacientes, pero que ofrece su recompensa en forma de estabilidad narrativa y argumental.

Magnética combinación de suspense y terror, con una magistral fotografía. El peso de un productor Mientras Luciano Onetti se ponía en la piel del “serial killer” y dirigía in situ sus actos, su hermano Nicolás realizaba apuntes sobre la escena. Esta perfecta dualidad, en la que un creativo director se deja aconsejar y cuenta con el apoyo de un productor experto en la materia, seguidor acérrimo del género, es la combinación que necesitaba una cinta de este corte. Si le añadimos los grandes acordes compuestos por el propio director, premiado en el Tabloid Witch Awards Hollywood Investigator, tenemos una obra casi redonda. Para su filmación, la pareja de hermanos utilizó una cámara Nikon D3100, sobre la que fueron montando diferentes objetivos de los años 80. Sin lugar a dudas se trataba de una opción rentable y versátil, pues la pequeña estructura de la cámara permite introducir la cámara en cualquier situación. Filmada íntegramente en Alta definición, la película fue editada y montada por Luciano usando el software Sony Vegas, en combinación de otra gran amigo de las producciones cinematográficas, el After Effects. El presupuesto con el que contaron, y que el propio Nicolás fue proporcionando, era de apenas 4.000 dólares.

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Luciano Onetti

“Sonno profondo invita al espectador a pensar e imaginar” La película se ha comercializado en Argentina, produce la mejor de las sensaciones que un Estados Unidos, Canadá, y dentro de unos meses artista puede tener y más aún sin haber esen España. La primera pregunta es casi inevitable. perado tales resultados. ¿Cuales son tus sensaciones tras el éxito de Sonno Profondo? Una de las peculiaridades de la cinta es su punto de vista subjetivo. ¿Le fue muy complejo filmar, - La sensacion que tengo desde la prime- interpretar y controlar el resto de elementos al ra presentacion de Sonno Profondo es una mismo tiempo?

mezcla de sorpresa, alegria, confusion en otras sensaciones que a veces no pueden explicarse con alguna palabra. Yo creo que estas sensaciones se deben a que cuando uno realiza algo sin el objetivo de alcanzar una meta o un fin especifico siempre va a terminar siendo mas gratificante si el resultado es bueno. Suele ocurrir que si uno hace algo con la idea de tener buenos resultados, y no se cumplen, entonces se te viene una avalancha de sensaciones negativas. Yo creo que el hecho de haber optado por hacer de mi primera pelicula algo no comercial, y más aún, un giallo cuasi experimental y quedar en 30 festivales internacionales, haber logrado la distribucion internacional, y algunos premios, todo esto

- La idea en principio era rodar la pelicula como si realmente la hubiera estado rodando en aquella época dorada del Giallo. Sin aprovechar tanto las cualidades de las cámaras actuales, que te permiten rodar una y otra vez hasta que quede perfecto.

“Las escenas fueron filmadas casi de una vez y de manera muy natural”. Me gusta esa sensanción del flicker real de la cámara sin ser agregada en postproducción. La dificultad de usar la camara en mano y, a su vez, yo usar los guantes, la

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complejidad era la de enfocar apropiadamente, más allá de que muchos de los fuera de foco fueron por decisión propia para darle más realidad y no hacerlo tan perfecto. Otra complicación era la de sostener algún reflector con una mano y con la otra usar la cámara. Creo que todo fue muy artesanal. Y muchas escenas fueron filmadas en tiempo real y aprovechando al maximo lo que estaba sucediendo al momento en que yo tenía la cámara conmigo.

mente poca gente ha logrado entender bien la historia, pero te aseguro que a los que la entendieron les gustó mucho más. Se da la sorprendente circunstancia de que incluso el guión fue escrito en italiano. De forma directa, ¿es Sonno Profondo un homenaje al Giallo?.

- Sonno Profondo podría haber sido escrito en cualquier idioma, ya que no tiene dialogos practicamente. Igualmente, siempre consideré que el arte no habla ningún idioma especifico. Es universal, porque lo que Tras algo más de un año de su premier, muchos le transmite es una sensación que no tiene habrán cuestionado sobre sus influencias y puntos abecedarios. de conexión con los clásicos del giallo. Deconstruyendo un poco la cuestión; ¿que momentos o elementos otorgan al filme una identidad propia y lo alejan de tales influencias?.

- No hay dudas que Sonno Profondo está dentro del género Giallo. Y no solo por el uso de guantes de cuero y alguna navaja clásica, sino también por su guión y el estilo de música. Creo que el género Giallo esta muy definido por estas cosas. Considero que la identidad propia de Sonno Profondo es el uso del POV, y que es la primera película Giallo que deja de lado la investigacion policial para meterse de lleno solo en la mente criminal. Creo que por esto muchos críticos dijeron que es una película “distinta” a lo que uno está acostumbrado a ver normalmente. Y sumado a esta decisión del uso del POV, también está la ambientacion y estilo setentoso, tanto en lo visual como en lo auditivo. Otra cosa particular de la pelicula es que practicamente no tiene dialogos. Sonno profondo invita al espectador a pensar e imaginar. Se que muchos espectadores necesitan sentirse identificados con un personaje. Aquí tienen que identificarse con lo que no se ve, tienen que tratar de ir armando la historia. Segura-

“Personalmente, no la considero un homenaje. Sonno profondo es una película más dentro del género”. Y tampoco es una parodia. Imagínate en los años 70s cuando salian 20 peliculas del género Giallo. una película no era homenaje ni parodia de la otra, sino que eran peliculas que pertenecian a un solo género. Creo que por eso es un “genero”. Lo mismo ocurriría hoy con las películas found footage o de zombies. No son homenajes al proyecto The blair witch o a las peliculas de George Romero. Están incluidas dentro de sus géneros. Y las películas del genero giallo son todas iguales, lo único diferente son sus historias. De hecho, los mismos actores aparecen en casi todas las películas, los compositores musicales eran los mismos, y pocos directores reconocidos, los guantes, el J&B, y todos los clichés del género. Igualmente mi idea no era revivir el género Giallo, sino, creo que hubiera optado por hacer algo más policial y usar al máximo las influencias del género.

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La banda sonora, que ya ha recibido premios, nido un poco más de tiempo y más espacios también es obra suya. para filmar. pero bueno, con un poco de

- Al terminar de editar la película mi idea era la de utilizar músicas de otros autores, como Ennio Morricone o Goblin, pero claro, desconocía totalmente sobre los derechos de autor, por lo que fui motivado a realizar yo mismo la música de Sonno Profondo. No me fue muy complicado ya que venia grabando mis propias canciones, pero eran canciones mas rockeras. Me gusta mucho pasar horas componiendo bases para luego elegir las que mejores me sientan para tocar ciertos instrumentos. Siempre tuve la suerte de adaptarme a componer diversos estilos de música. Y mis influencias en Sonno profondo creo que están fuertemente marcadas por la música de Ennio en los años 70s y algo de Goblin.

edición pude transmitir la idea que tuve en principio. Y en la escena del cementerio, el auto que aparece está en la pelicula porque realmente ese auto estaba ahí. Había ido a filmar otra escena y cuando ví ese auto empecé a perseguirlo, y fui filmando todo lo que pude. Por eso considero que con la edición podes lograr muchas cosas lindas.

“Probé de hacer una fusión con el tango, pero no encajaba con la imagen de la pelicula”. Me sentí muy feliz de haber ganado una placa como mejor música de pélicula en Estados Unidos. Ojalá algún día se me abran puertas hacia otros proyectos para compo- En declaraciones anteriores comentabas que fue su hermano, Nicolás, quien le instruía y aconsejaba ner la música de otras películas.

sobre este género cinematográfico. Cuéntenos un Los rodajes suelen estar llenos de curiosidades y poco sobre su labor en la película. contratiempos. ¿Puede narrarnos la anécdota que - Nicolás fue quien me hizo conocer el gerecuerde con mayor claridad?.

- Creo que la escena del hospital y la del cementerio fueron las mejores. En el hospital solo tuve permiso para filmar en la entrada, pero igual decidí meterme y empezar a grabar, escondiéndonos de la seguridad que andaba rondando por el lugar. Fue filmado en muy poco tiempo. Quizas hubiera quedado mas prolija la escena si hubiéramos te-

nero Giallo. El tiene una amplia colección de películas en VHS, y antes de filmar me mostró unas pocas películas del género. De hecho me quedan muchas por ver. Nicolás fue quién realmente le dió vida a Sonno Profondo, sino creo que la película nunca hubiera salido de mi casa. Fue enviando la película a diversos festivales. Imaginate la gran sorpresa de haber sido seleccionados en Sitges.

23 INDIE Nos hemos enterado de que su próximo proyecto lo han conocido debido a su trama. En vuelve a introducirse en el género. ¿Puede adelan- marzo daremos a conocer el nombre de la tar algunos detalles? película y las primeras imágenes.

- Estás en lo cierto. Junto a mi hermano Nicolás estamos terminando ya un proyecto que nos ha llevado mucho tiempo, el cual se trata, nuevamente, de un Giallo. Pero esta nueva película, a diferencia de Sonno Profondo, será un giallo mas clásico, con mucho mas ritmo, una trama poli-

cial inquietante, una música más potente, muchos enigmas, gran cantidad de personajes y excelentes locaciones. El guión de la película fue escrito por mi hermano y yo, y realmente logramos una historia increíble.

“Somos conscientes de que Sonno Profondo estaba dirigida a un público más selecto y reducido”.

Por desgracia, debido a la actuales restricciones económicas de los Estados, cada día son más los que abandonan su sueño de filmar una película. ¿Le gustaría dejar un mensaje a todos aquellos que aún luchan y apuestan por sacar hacia delante sus proyectos, incluso sin medios?

- Primero quiero agradecerles por esta oportunidad de poder hablar de mis proyectos y poder así llegar a muchas personas en todo el mundo. Eternamente agradecido. Yo creo que uno debe encarar un proyecto sin esperar nunca nada a cambio. Debe hacerlo por propio placer, tomarlo como un objetivo personal. Creo que de este modo esa pasión se va a notar en el resultado. Lamentablemente algunos tienen suerte y otros no, pero lo más importante es no pensar si vas a tener suerte o no, sino que hay que disfrutar a pleno la realizacion del proyecto. Después las cosas se irán dando solas. No es necesario que hagas un bestseller para que alguién ponga los ojos sobre tu trabajo. Se que mucha gente se frustra por no poder vivir del cine, pero quien sabe... quizás en algún momento se da. A mi, por ejemplo, me gustaria poder vivir del cine, más que nada para dedicarle más tiempo y para poder lograr algín día ciertos proyectos que necesitan de algo más grande que una película independiente. Pero creo que todo lleva tiempo y dedicación. Las cosas no vienen solas. Hay que salir a buscarlas. Hoy en día podes hacer una película con un iPhone. Creo que una ídea, una historia valen más que un millón de dólares.

Creemos que este nuevo Giallo puede llevar al género a personas que nunca Gracias por concedernos esta entrevista. Un placer.

BIO 24

Irvin Shortess

Irvin Shortess Yeaworth, nacido el 14 de febrero de 1926 en Berlín, Alemania y fallecido en julio de 2004. Fue un director de cine, productor, guionista y constructor de un parque temático. Shorty, como le llamaban los amigos, comenzó su carrera cantando a los 10 años en KDKA, la primera estación de radio del mundo en Pittsburgh, Pennsylvania. Más tarde se convirtió en un productor de radio. Dirigió más de 400 películas para propósitos de motivación, educativas y religiosas. Como empresario, dirigió la Wayne (Pa.), realizando series de conciertos de 1979 a 2003. Sin embargo, Yeaworth es más conocido por haber dirigido la película de cine fantástico The Blob, estrenada en España como La masa devoradora de hombres. En ella, el cineasta pudo contar con un joven Steve McQueen quien, hasta ese momento, tan solo había actuado en dos películas como actor secundario. El genuino intérprete confesó en varias ocasiones que, para él, “La masa” era su mejor película, ya que pudo disfrutar bastante durante el transcurso del rodaje. Un año después, e impulsado por el éxito de su anterior película, Shorty rodaba El hombre de la cuarta dimensión, donde un científico posee la habilidad de atravesar los objetos sólidos, pero también de matar a las personas que toca. Bajo la producción de su compañero Jack H. Harris, Irvin elabora una película más estable y atractiva, que con el paso del tiempo ha quedado en un segundo plano debido al

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carisma que McQueen demostró en The Blob. Aún así, sus efectos especiales impresionaron a los espectadores, e Irvin obtuvo el reconocimiento necesario para filmar más películas. Su siguiente cinta, titulada Dinosaurios, fue realizada con un presupuesto de 420.000 dólares, muy lejos de los $220.000 que se estima costaron sus anterior trabajos. En su último filme el director decidió cambiar de registro, dejando a un lado lo fantástico. En el drama Way out, nos hace partícipes de los efectos de las drogas y sus consecuencias. En 2007, el teatro colonial de Phoenixville, Pennsylvania (la localización de la famosa escena “Running Out”, de la película The Blob) honró al cineasta y al film mediante la celebración de un concurso en el que aficionados cineastas compitieron por el premio “Shorty.

FILMOGRAFÍA SELECTA

Estracto del guión de The Blob (1958)

· The Flaming Teenage (1956) · The Blob (1958) · El hombre de la cuarta dimensión (1959) · Dinosaurios (1960) Foto propiedad del portal dbcult.com

· Way Out (1967)

RESEÑA 26

Camino sangriento 6

La saga, que comenzó Rob Schmidt en 2003, está muerta y enterrada

Hay muchas formas de llegar al final de una saga. Algunas compañías apuestan por darles una muerte digna, cerrando la historia en la segunda o tercera parte. Hay otras que deciden asesinar la franquicia a través de la saturación de entregas, a pesar de que todas tengan un mínimo nivel, como ocurre con la saga Saw (2004-2010). Pero a veces las productoras eligen el peor camino de todos, ofreciendo una película tras otra, sin el más mínimo interés, y dejando cierto “cabreo” en los seguidores. La franquicia Camino sangriento dejó de ser atractiva allá por el año 2008 o 2009, cuando aún podíamos decir que se trataba de un slasher entretenido. Ese fue el momento idóneo para retirarse, sin embargo aquí estamos, comentando una sexta parte que carece de alma. Su única baza es mostrar muerte tras muerte, sin ser respaldadas por una historia de peso. Los mutante han mutado tanto que ya ni siquiera sabemos su origen. La carnaza, que llamaremos “grupo de jóvenes”,

carece de cualquier atisbo de personalidad. Y si alguno pensaba que no podía ser peor, el ritmo de la película es tan bajo que hace bostezar. Aburrida, predecible, falta de originalidad... La única excusa posible para que alguien visione esta obra son las cuatro o cinco secuencias de sus jóvenes chicas en top-less.

Nada que rescatar de una secuela tan mala, que da vergüenza ajena. Al no poseer un asesino carismático, ni una buena historia de trasfondo, todo hace indicar que estamos ante el final de una saga. De esta forma, sin nada nuevo que ofrecer, y dando un paso atrás en todos aquellos elementos que aseguraban un buen número de visionados, Camino sangriento ha cerrado la tapa de su ataud, pues pocos querran enfrentarse a una posible séptima parte.

27 RESEÑA

Zombies nazis 2

Tommy Wirkola lanza una divertida, aunque forzada, secuela

Cuando un director salta a Hollywood tras conseguir destacar en la escena indie, muchos de sus seguidores desean que regrese a sus orígenes. Para contentar a dichos fans, Tommy Wirkola decidió que se tercera obra fuera una secuela de su divertida Zombis Nazis (Dead snow ; 2009), y el resultado es una obra elaborada íntegramente para aquellos que disfrutaron de la primera entrega. Tras un potente comienzo, justo donde nos dejó su antecesora, el cineasta apuesta por incorporar ciertos elementos aún más fantásticos, y que otorgan al protagonista una serie de poderes que utilizará en la lucha. Esta segunda parte es superior a la original tanto a nivel cualitativo, pues el mayor presupuesto se hace notar en las diferentes muertes, como cuantitativo, ya que nos ofrece un inmenso festival gore. Sin embargo, la obra no consigue apresar al espectador, debido a que su historia es inconexa y sus actuaciones, a excepción de los que repiten, son mediocres.

El humor negro que Wirkola intenta imponer por medio de lo absurdo y lo exagerado, al más puro estilo Shaun of the dead (Edgar Wright ; 2004), patina en el hielo debido a lo precipitado y forzado de las situaciones. Este tipo de humor tiene que ser muy inteligente para ofrecer resultados, y a excepción de un par de gags, Zombis Nazis 2 no funciona como tal.

Festival gore con una dedicatoria clara: Los seguidores del género. Lo que hace divertido el filme es su increíble ritmo, sus continuas muertes y la variedad de las mismas. Toda una declaración de intenciones desde el primer minuto. Hay que disfrutarla como lo que es, una película sin pretensiones y orientada a un público determinado, que acabará saciado tras un delirante final.

RETRO 28

NEKROFILMS