Joana Vasconcelos Trigger (Horse) 2009 Rafael Bordalo Pinheiro acrylic painted faience with glazed ceramics, bobbin lace and handmade cotton crochet 82 x 31 x 60 cm Courtesy Haunch of Venison
04 / август / august / 2010
Courtesy the artist; Galerie Kleindienst, Leipzig Copyright the artist
Sebastian Stumpf From the series marcher à l’envers, 2006 10 miniature slides, projection, loop dimensions variabel
Ксения Ланда
John Galsworthy ОМ
Анастасия Морозова
слово редактора
Ксения Ланда, редактор (вздыхая): «Надо писать редакционную статью». Анастасия Морозова: «Да, это последняя попытка промыть читателю мозги и сделать в 20 строчках то, что не удалось на 100 страницах. Все эти манифесты, декларации, пропаганда – прошлый век». Ксения Ланда: «Действительно. Сейчас – актуальны беседы». John Galsworthy ОМ (просыпаясь, с возмущением): «She has no conversation». Ксения Ланда и Анастасия Морозова (вместе): «Да, да, Джон. Какой ужас. Но мы исправимся». photo / E. O. Noppe, John Galsworthy, 1912 copy E. O. Noppe / Estate Collection / curatorial assistance, inc photo / Виктория Козлова photo / Richard Haseldine
Gallery.spb лицензия Зарегистрирован Управлением Федеральной службы по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций по Санкт-Петербургу и Ленинградской области Свидетельство о регистрации средства массовой информации ПИ № ТУ 78-00389, от 24 августа 2009 года учредитель ООО «Мойка, 24» издатели Елена Андреева, Анастасия Морозова тел./ факс: 315 02 51 стратегический партнер Артиндекс тел. 924 9241 и.о. главного редактора Ксения Ланда второй редактор Анастасия Желковская корреспонденты Аннет Самойлова Алина Ушакова Полина Манова Сергей Алексеев дизайн Николай Федотов верстка Ольга Дождева перевод Виктория Моисеева юрист Виктория Бадмаева типография корректор Отпечатано в типографии Елена Русанова «Премиум пресс» реклама и распространение Санкт-Петербург, ул. Оптиков, 4 Светлана Белявская Тел.: (812) 324 18 15 8 (960) 284 01 85 Тираж 5000 экз. Цена свободная адрес редакции и издателя 191186 Россия, Санкт-Петербург Часть тиража наб. р. Мойки, 24, лит. А, пом. 8Н распространяется бесплатно тел.: (812) 315 02 51 galleryspb@gmail.com Приобрести журнал можно по адресу: наб. р. Мойки, 24 Подписано в печать 15.07.2010 Редакция не несет ответственности за содержание рекламных объявлений. Использование любых материалов из журнала возможно только после согласования с редакцией «Gallery.spb». Юридическую поддержку и защиту авторских прав осуществляет Приморская Коллегия Адвокатов Адвокатской Палаты Санкт-Петербурга.
галереи
содержание
6
galleryspb (4) 2010
алфовитный указатель по галереям
7-14 16-22
rus eng
новости | events
12 23-24 25
Цирк приехал в Эрмитаж World Press Photo 2010 I will survive
Conversations & ArtMagazines
28-31 33-34 39-40
Марк Белл и Ян Милар: Мне хватило бы и миллиона Ганс Ульрих Обрист и Эмануэль Крайст: Будущее музеев Марк Шпиглер и Паола Николин: Ярмарка идей
5 o’clock gallery.spb (интервью редакции)
43-45 47-49 51-52 53-55
Михаил Пиотровский: Искусство в диалоге с архитектурой Владимир Гусев: Малевич нашел свое прибежище в подвалах Василий Церетели: Каждая выставка должна быть поучительна для посетителей Фоторепортаж Елены Андреевой: На пляже в Эрмитаже
имена
56-59 61-63 65-67
Сигмар Польке: Прощай, король, прощай! Тони Крегг: Портреты человеческой энергии. Марк Куинн: Разобщение тела и души.
академия
68-71
The Royal Academy of Arts: 242 ежегодная летняя выставка
фонды
72-73
Эрнст Бейлер
74-75
Barbican | The Surreal House
слово художника
77-87
Massimilliano Gioni беседует с Paul MacCarthy
ART FAIR
89-91 92-93 94-103
Берлин, Берлин Все в Базель! Фоторепортаж ART | Basel 41
галереи
ГАЛЕРЕИ СПБ 100 своих
Markov Gallery
Анна Нова
СПб, Лиговский пр., 39 719-95-17 www.100svoih.ru info@100svoih.com
СПб, Университетская наб., 25 328 10 21 Вт-Сб: 15:00-19:00
AL Gallery
СПб, Жуковского ул., 28 275-97-62; факс: 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru Вт-Сб: 11:00-19:00
СПб, Невский пр., 78 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru ak@n-prospect.ru
СПб, наб. реки Фонтанки, 76 713-35-34; 938-88-44 www.album-gallery.ru nataly@album-gallery.org
Art re Flex СПб, пр. Бакунина, 5 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru Пн-Вс: 11:00-20:00
Bulthaup СПб, Б. Конюшенная, 2 336-30-03, факс: 315-01-13 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru
Igor Yanovsky СПб, Невский пр., 48, ТК «Пассаж», 3 этаж 715-47-44 www.IgorYanovsky.com info@igoryanovsky.com Пн-Вс: 12:00-21:00
KGALLERY
N-Prospect
Navicula Artis СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru
Perzzy СПб, Нестерова пер., 9 966-46-47 perzzy@yandex.ru
StArt СПб, ул. Ломоносова, д. 1 314-97-87, 314-26-27 www.startacademy.ru art@startacademy.ru
Академии Художеств СПб, Наличная ул., 21 355-12-74 Пн-Вс: 11:00-19:00
Амбассадор
Апрель Интернет-галерея. СПб 8 (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru as@aprilgallery.ru
Арка СПб, ул. Большая Морская, 6 312-40-12, 312-66-35 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru Пн-Вс: 12:00-20:00
Арт. Объект СПб, ул. Шамшева, 6А 490-62-15 ao@artobject-gallery.ru Вт-Вс: 11:00-19:00
Арт-Вояж Интернет-галерея, CПб, Лиговский пр., 43/45, офис 400 578-10-16 www.spbart.com artescort@spbart.com
Арт-город
СПб, наб. р. Фонтанки, 24 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru Пн-Вс: 11:00-20:00
СПб, пр. Римского-Корсокова, 5-7 8 (906) 256-21-17 www.wix.com/GalleryAmbassador/ Art-Gallery-Ambassador gallery@rbcmail.ru Пн-Вс: 10:00-19:00
Lazarev Gallery
АННA
СПб, 6-я линия В.О., 5/5 328-22-22, 945-68-10 www.lazarevgallery.com info@lazarev.com
СПб, Михайловская ул., 1/7 (Гранд Отель Европа Мезонин) 329-65-46 belage@mail.ru
СПб, ул. Декабристов, 49 313-10-21, 313-10-23 www.artistgallery.ru
СПб, Большой пр., В. О., 47 Б. Пушкарская, 29 320-62-12, 498-10-88 ooodeks@mail.ru
Артист
(4) 2010 galleryspb
7
галереи Арт-Лига СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru
Арт-Союз СПб, Некрасова ул., 29 273-10-23
Арт-Центр Грибоедова, 52 СПб, наб. кан. Грибоедова, 52 310-71-86, 310-29-95 centre@artacademy.ru Пн-Сб:10:00-20:00, Вс: 11:00-19:00
Арт-центр Пушкинская, 10 СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru
А-Я Невский пр., 60 (вход во дворе) 570-47-37 office@ayaorg.ru Вт, Пт: 15.00-18.00
Борей СПб, Литейный пр., 58 273-36-93 www.borey.ru info@borey.ru Вт-Сб: 12:00-20:00
Вадима Зверева СПб, Сикейроса ул., 1 915-43-28, 327-64-90 www.zverev-gallery.ru mail-us@zverev-gallery.ru Пн-Сб: 12:00-20:00
8
galleryspb (4) 2010
Вернисаж свободных художников СПб СПб, Невский пр., д. 32-34 314-57-07 www.centrevernisazh.ru vernisag.s@mail.ru Пн-Вс: 11:00-18:00
Вячеслава Чеботаря СПб, Апраксин двор, корп. 41, 3 этаж 310-16-54 Пн-Вс: 11:00-18:00
Галерея кукол СПб, Б. Морская ул., д.53/8 314-49-34 vavaskripkina@mail.ru Вт-Пт: 12:00 -19:00, Сб: 12:00 -18:00
Галерея современного искусства фарфора СПб, пр. Обуховской обороны, 151 (Ломоносовский фарфоровый завод, 1 этаж) 326-17-43 www.ipm.ru gallery@ipm.ru Пн-Сб: 10:00-19:00
Галерея Современной Скульптуры и Пластики
Глобус СПб, Лиговский пр., 74 (лофтпроект «Этажи», 5-й этаж) 334-98-36 www.globegallery.ru info@globegallery.ru
Голубая гостиная СПб, Малая Морская ул., 38 315-74-14, 314-19-06 www.lyssak.com
Гостиная искусств СПб, Невский пр., 47 (ресторан «Палкинъ») 703-53-71, 312-11-80 pr@palkin.ru
Д-137 СПб, Невский пр., д. 90, кв. 9 275-60-11 www.d137.ru info@d137.ru Вт-Сб: 14:00-19:00
Ди Ди СПб, Большой пр. В.О., д. 62 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com Пн-Пт: 11:00–20:00, Сб:12:00-19:00
СПб, М. Тухачевского ул., 27/2, бизнес-отель «Карелия», 2 этаж 8 (911) 004-31-26 www.sculptureinrussia.com askme@SculptureinRussia.com Вт-Вс: 12:00-20:00
Диса
Гильдия мастеров
До-галерея
СПб, Невский пр., 82 579-09-79, факс: 272-28-54 guild_of_masters@mail.ru Пн-Вс 12:00-20:00
СПб, Чайковского ул., д. 10, кв. 61 273-24-06, 8 (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru artpod@dogallery.spb.ru
СПб, Б. Конюшенная ул., 1; наб. Обводного канала, 136 (для юр. лиц) www.artdisa.ru masterform@mail.ru Пн-Сб: 11:00-20:00, Вс: 11:00-19:00
На правах рекламы © Валерий Мишин. Июль
валерий мишин
(4) 2010 galleryspb
9
галереи Исачева
Лазурь да глина
Митьки Вхутемас
СПб, наб. р. Мойки, 82 312-51-31 www.artneo.ru artneo-piter@mail.ru Пн-Вс: 11:00-19:00
СПб, Чехова ул., 8 273-17-29, 976-27-89 www.artglina.ru arthomepiter@yandex.ru
СПб, Марата ул., 36/38, кв. 120 www.mitkiart.ru inf@mitkiart.ru, Сб: 16:00-20:00
Либерти
Монмартр
Квадрат СПб, Куйбышева ул., 28 (бельэтаж) 232-12-38 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru Ср-Сб: 14:00-19:00
СПб, Пестеля ул., 17/25 579-44-10, 579-22-14 www.sovietart.ru, www.libertyartgallery.ru art-liberty@mail.ru Вт-Вс: 11:00-20:00
СПб, наб. кан. Грибоедова, 33 571-55-17 www.monmartr.spb.ru monmartr-2007@mail.ru
Квартал
Лофт Проект Этажи
СПб, Казанская ул., 5/7 941-73-84 www.kvartal.in Info@kvartal.in Вс-Пн:11:00-23:00, Пт-Сб:11:00-6:00
СПб, Лиговский пр., 74 458-50-05 www.loftprojectagi.ru
Квартира Алексея Сергиенко СПб, Казанская ул., 12, кв. 35 8 (911) 755-08-32 929-12-35 www.sergienko.info kvartira35@rambler.ru Пн-Вс: 17:00-23:00
Контракт рисовальщика СПб, наб. р. Мойки, 24 315-02-51 www.cdspb.com info@cdspb.com Пн-Вс: 11:00-19:00
Кустоновича СПб, Б. Конюшенная, 11, лит. Б 8 (911) 770-76-41, 570-10-13 www.dkust.com dkust@dkust.com Пн-Вс:12:00-22:00
Лавка художника СПб, Невский пр., 8 314-80-81, 312-61-53 www.lavkahudozhnika.ru Пн-Вс: 11:00-21:00
10
galleryspb (4) 2010
Мансарда художников СПб, Б. Пушкарская ул., 7 314-43-80 www.gisich.com gallery@gisich.com Пн-Пт: 11:00-19:00
Мост через стикс СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru
Моховая-18 СПб, ул. Моховая, д. 18 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru Вт-Сб: 11:00-20:00
Музей сновидений Фрейда
СПб, Марата ул., 35 710-88-35, 8 (950) 000-75-55 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru, Вт-Пт: 12:00-19:00, Сб: 12:00-18:00
СПб, Большой пр. П.С., 18а, Восточноевропейский институт психоанализа 456-22-90, 8 (911) 784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru Вт, Вс: 12:00-17:00
Матисс Клуб
На Кустодиева 17
СПб, Никольская пл., 6 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com Пн-Вс: 11:00-19:00
СПб, Кустодиева ул., 17 635-91-22, 8 (921) 941-34-40 www.gallerykustodieva17.ru info@gallerykustodieva17.ru, Пн-Пт: 12:00-20:00
Меч и шлем
На Свечном
СПб, Дмитровский пер., 4 571-64-79, 8 (921) 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru Пн-Сб: 11:00-20:00
СПб, Свечной пер., 5 710-89-59, 312-44-34 Пн-Сб: 11:00-19:00
Март
practicum.org Academy of arts on-line
галереи Наследие
Пушкин
Русский портрет
СПб, наб. р. Мойки, 37 312-62-12, 312-77-12 www.souvenirboutique.com Пн-Вс: 9:00-20:00
СПб, Якубовича ул., 5 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru Пн-Вс: 9:00-19:00
СПб, Рылеева ул., д. 16; Песочная наб., 16 600-33-00 – общий тел., 272-14-88, факс: 272-59-31 www.rupo.ru salon@rupo.ru Пн-Вс: 10:00-20:00,
Национальная галерея искусств СПб, Невский пр., 40-42 8 (921) 903-37-52 www.nationalgalleryofart.ru info@nationalgalleryofarts.ru Вт-Вс: 11:00-21:00
Национальный центр СПб, Невский пр., 166 717-12-16 Вт-Сб: 11:00-19:00
Онегин СПб, Итальянская ул., 11 570-00-58 www.onegin-spb.com onegin.spb@mail.ru Пн-Вс: 9:00-21:00
Отражение СПб, Подъездной пер., 5 570-12-13, 8 (931) 201-52-62 www.otragenie.spb.ru otragenie.spb@mail.ru Пн-Пт: 10:00-18:00
Петербургский художник СПб, наб. р. Мойки, 100 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com Ср-Вс: 11:00-20:00
Прошлый век СПб, Волынский пер., 4 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru Пн-Вс: 12.00-20.00
12
galleryspb (4) 2010
Рахманинов СПб, Казанская ул., 5 (Отель «Рахманинов», 3-й этаж) 327-74-66, 327-74-67 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaniniov.com Пн-Вс: 10:00-20:00
С.П.А.С. СПб, Наб. р. Мойки, 93 571-42-60 spasgal@mail.wplus.net Пн-Пт: 12.00-19.00
Рахманинов дворик
Новый
СПб, Казанская ул., 5 (2-й двор) 312-95-58, 8 (901) 305-68-81 www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru
СПб, 4-я линия В.О., 65, лит. А 716-26-73 www.spbmdf.ru Пн-Пт: 9:30 -18:00
Ростра
Санкт-Петербургский центр книги и графики
СПб, Думская ул., 4 (Перинные ряды) 449-56-45 www.rostra-arts.spb.ru rostra_gallery@mail.ru, Пн-Вс:10:00-21:00
Русская живопись СПб, Кирочная ул., 22, офис 42 579-42-95; 8 (921) 589-98-65 www.art-painting.ru mail@art-painting.ru
Русская икона СПб, Итальянская ул., 11 314-70-40 www.ruiсon.com russian_iсon@hotmail.com Пн-Сб: 11:00-20:00
Русская усадьба СПб, Стремянная ул., 7 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru Пн-Вс: 11:00-20:00
СПб, Литейный пр., 55 273-51-84, 8 (921) 796-40-90 www.naiv-art.ru tina@naiv-art.ru Пн-Вс: 10:00-19:00
Сарай при Музее А. Ахматовой в Фонтанном доме СПб, наб. р. Фонтанки, 34, вход в музей: Литейный пр., 53 272-58-95, 579-72-39 www.akhmatova.spb.ru aaa_museum@mail.ru Вт, Чт-Вс: 10:30-18:30, Ср: 13:00-21:00
Сельская жизнь СПб, ул. Новосельковская, 16 304-40-51 www.selart.spb.ru belka@hotbox.ru
events | новости
© photo: Елена Андреева
В Эрмитаже проходит выставка работ Пабло Пикассо из Национального музея Пикассо в Париже в рамках программы «Год России во Франции и Год Франции в России 2010».
«Цирк приехал в эрмитаж!» автор: Сергей Алексеев
Давным-давно, когда кричали «Цирк приехал!», следовала соответствующая реакция, и вот в городе Петербурге, через Москву, 18 июня 2010 года крикнули: «Музей Пикассо приехал!» – последовала та же реакция, что и «давным-давно»… Жаждущая искусства обезумевшая толпа в экстазе кинулась в и без того тесные залы и коридоры Государственного Эрмитажа. И вот уже почти как месяц в Эрмитаже проходит выставка работ Пабло Пикассо. На двух этажах, в парадных и не только залах (Восточная галерея, Фельдмаршальский зал, Гербовый зал, Пикетный зал, Залы Надворной галереи III этажа – 338-342) разместились шедевры и не совсем шедевры этого великого мастера. Представлены все периоды, от ранней работы «Смерть Касагемаса» 1901 года и до поздних работ экспрессионистического толка. Уже отмечено, что устроители выставки постарались привезти как можно больше «русских» ра-
бот, связанных с сотрудничеством художника с Русскими балетами Дягилева, и работы, где изображены его жена, балерина Ольга Хохлова, их сын Поль и русское окружение мастера. Живопись, графика, скульптура, фотографии, видео – какое разнообразие! Некоторые посетители-острословы шутят: «Эрмитаж на время превратился в Музей Пикассо». Наверное, стоит признать, что это отчасти правда, поскольку с 2008 года Музей, временно закрытый на реконструкцию, сформировал передвижную выставку, предназначенную для показа в нескольких странах мира. Таким образом, выставка представляет одни из лучших работ, имеющихся в коллекции музея. Никогда еще Гербовый зал не казался столь маленьким, набитый до отказа людьми и произведениями – золото, краски, преображенный мусор скульптур. Выставка проработает до 4 сентября, скорей-скорей спешите-спешите в Эрмитаж! (4) 2010 galleryspb
13
галереи Сержио Бустаманте
Третьякова
Форум
191011, СПб, Невский пр., 44 («Гранд Палас») 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru Пн-Вс:11:00-21:00
197198, СПб, Пионерская ул., д. 2 8 (921) 405-44-89 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net
СПб, 6-я линия В.О., 17 323-67-87 Пн-Чт: 13:00-20:00, Вс: 11:00-18:00
Туман Арт
СПб, 29 линия д. 2 8 (812) 324-08-09
Сол-Арт 191028, СПб, Соляной пер., 15 327-30-82 www.solartgallery.com 9630412@gmail.com Пн-Вс: 10:00-18:00
СПб, ул. Льва Толстого, д. 9, декорцентр, 3-й этаж 961-961-9 www.tumanart.ru tumanart_g@mail.ru Пн-Вс: 11:00-21:00
Фонд художника Михаила Шемякина
СПб, Ломоносова ул., 1/28 312-22-14 www.glassdesign.spb.ru gldesign@sp.ru Пн-Вс: 11:00-20:00
СПб, Садовая, 11 310-02-75, 310-25-14, www.mihfond.ru mail@mihfond.ru Пн-Вс: 10:00-19:00
Тонино Гуэрра, Арт-Проект
Формула
СПб, пр. Обуховской обороны, 105 (ДК им. Крупской) 8 (911) 213-14-53, 8 (911) 213-14-54 www.guerragallery.ru petrograf@mail.ru
СПб, Лиговский пр., 74 (лофт-проект «Этажи») 458-50-05 www.loftprojectagi.ru
Янтарный дом СПб, Невский пр., 24 571-88-10 www.amberhouse.spb.ru info@amberhouse.spb.ru Пн-Пт: 10:00-18:00
Японского искусства СПб, пос. Комарово, Цветная ул., 46 908-81-18 www.gallery-g77.com andreigallery@yahoo.com
© photo: Елена Андреева
Стекло-Росвуздизайн
Эрарта
14
galleryspb (4) 2010
галереи
[художник года] международная премия в области современного искусства 2010
(4) 2010 galleryspb
15
галереи
GALLERY SPB 100svoih
ANNA
Art re Flex
39, Ligovsky Pr., Spb 719-95-17 www.100svoih.ru info@100svoih.com
1/7, Mikhailovskaya St., SPb (The Grand Hotel Europe Mezzanine) 329-65-46 belage@mail.ru
А-Я
Anna Nova
5, Bakunina Pr., SPb 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru Mon-Sun: 11:00-20:00
60, Nevsky Pr., SPb 570-47-37 office@ayaorg.ru Tue, Fri: 15.00-18.00 Academy of Arts gallery 21, Nalichnaya St., SPb 355-12-74 Mon-Sun: 11:00-19:00
28, Zhukovskogo St., SPb 275-97-62, факс: 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru Tue-Sat: 11:00-19:00
Art Siting-room
April
29, Nekrasova St., SPb 273-10-23
Alexey’s Sergienko Apartment 12, Kazanskaya St., SPb 8 (911) 755-08-32, 929-12-35 www.sergienko.info kvartira35@rambler.ru Mon-Sun: 17:00-23:00
AL Gallery 76, Fontanka Emb., SPb 713-35-34; 938-88-44 www.album-gallery.ru nataly@album-gallery.org
Ambassador 5-7, Rimskogo-Korsakova, SPb 8 (906) 256-21-17 www.wix.com/GalleryAmbassador/ Art-Gallery-Ambassador gallery@rbcmail.ru Mon-Sun: 10.00-19.00
Amber House 24, Nevsky Pr., Spb 571-88-10 www.amberhouse.spb.ru info@amberhouse.spb.ru Mon-Fri: 10:00-18:00
16
galleryspb (4) 2010
Internet gallery, SPb 8 (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru as@aprilgallery.ru
Arka 6, B. Morskaya St., SPb 312-40-12, 312-66-35 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru Mon-Sun: 12.00-20.00
Art-gorod 47, Bolshoy Pr. V.O., SPb; B. Pushkarskaya, 29 320-62-12, 498-10-88 ooodeks@mail.ru Mon-Sun: 10:00-21:00
Art-League 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru
Art Object 6A, Shamshieva St., SPb 490-62-15 ao@artobject-gallery.ru Tie-Sun: 11.00-19.00
47, Nevsky Pr., SPb 703-53-71, 312-11-80 pr@palkin.ru
Art-Soyuz
Art-Voyage Internet gallery, SPb 578-10-16 www.spbart.com artescort@spbart.com
Artist 49, Dekabristov St., SPb 313-10-21, 313-10-23 www.artistgallery.ru
Artist’s Attic 7, B. Pushkarskaya St., SPb 314-43-80 www.gisich.com gallery@gisich.com Mon-Fri: 11:00-19:00
Barn next to Akhmatova Museum 34, Fontanka Emb., SPb 272-58-95, 579-72-39 www.akhmatova.spb.ru aaa_museum@mail.ru Tue, Thu-Sun:10:30-18:30, Wed: 13:00-21:00
Courtesy CHRISTIE'S IMAGE Ltd
Парюры с изумрудами и бриллиантами, Jahan
27 октября 2010, Дубай
галереи Blue Hall
Disa
Freud’s Dream Museum
38, B. Morskaya St., SPb 315-74-14, 314-19-06 www.lyssak.com
1, B. Konjushennaya St., SPb www.artdisa.ru masterform@mail.ru Mon-Sat: 11:00-20:00, Sun: 11:00-19:00
18а, Bolshoy Pr., P.S., SPb 456-22-90, 8 (911) 784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru Tue, Sun: 12.00-17.00
Do-gallery
Gallery of contemporary porcelain art
Borey 58, Liteyny Pr., Spb 273-36-93 www.borey.ru info@borey.ru Tue-Sat:12:00-20:00
Bulthaup 2, B. Konushennaya St., SPb 336-30-03, факс: 315-01-13 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru
Contemporary Sculpture And Plastic Arts Gallery
10/61, Chaikovskogo St., SPb 273-24-06, 8 (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru artpod@dogallery.spb.ru
Dolls Gallery 53/8, B. Morskaya St., SPb 314-49-34 vavaskripkina@mail.ru Tue-Fri: 12:00-19:00, Sat: 12:00-18:00
151, Obukhovskoy oborony Pr., SPb 326-17-43 www.ipm.ru gallery@ipm.ru Mon-Sat: 10:00-19:00
Gallery of Kustanovich 11, B. Konjushennaya St., SPb 8 (911) 770-76-41, 570-10-13 www.dkust.com dkust@dkust.com Mon-Sun:12:00-22:00
Bussiness Hotel Karelia (II floor) 27/2, M. Tukhachevskogo St., SPb 8 (911) 004-31-26 www.sculptureinrussia.com askme@SculptureinRussia.com Tue-Sun: 12:00-20:00
Draughtsman’s Contract
Country Life
E
Heritage
16, Novoselkovskaya St., SPb 304-40-51 www.selart.spb.ru belka@hotbox.ru
51, Fontanka Emb., Spb 570-71-18 www.artessence.ru artessence.ru@rambler.ru Tue-Fri: 12.00-20.00, Sat: 13.00-19.00
37, Moyka Emb., SPb 312-62-12, 312-77-12 www.souvenirboutique.com
D-137 90/92, Nevsky Pr., SPb 275-60-11 www.d137.ru info@d137.ru Tue-Sat: 14.00-19.00
Di Di Bolshoy Pr. V.I., SPb 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com Mon-Fri: 11:00 – 20:00, Sat: 12:00-19:00
18
galleryspb (4) 2010
24, Moyka Emb., SPb 315-02-51 www.cdspb.com info@cdspb.com Mon-Sun: 11:00-19:00
Globe 74, Ligovsky Pr., SPb 334-98-36 www.globegallery.ru info@globegallery.ru
Igor Yanovsky
2, 29 Liniya, Spb 8 (812) 324-08-09
48, Nevsky Pr., SPb 715-47-44 www.IgorYanovsky.com info@igoryanovsky.com Mon-Sun: 12.00-21.00
Formula
Independent Artist’s Vernisage
74, Ligovsky Pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru
58, Nevsky Pr., SPb 314-57-07 www.centrevernisazh.ru vernisag.s@mail.ru Mon-Sun: 11:00-18:00
Erarta
Forum 17, 6 Liniya V.I., SPb 323-67-87
галереи Isachev
Lazur da Glina
Michael Shemyakin’s Fond
82, Moyka Emb., SPb 312-51-31 www.artneo.ru artneo-piter@mail.ru Mon-Sun: 11:00-19:00
8, Chekhova St., SPb 273-17-29, 976-27-89 www.artglina.ru arthomepiter@yandex.ru
11, Sadovaya St., SPb 310-02-75, 310-25-14, www.mihfond.ru mail@mihfond.ru Mon-Sun: 10.00-19.00
Japanese Art
17/25, Pestelya St., SPb 579-44-10, 579-22-14 www.libertyartgallery.ru art-liberty@mail.ru Tue-Sun: 11:00-20:00
Mit’ki Vhutemas
Komarovo, Tsvetnaya st.,46 908-81-18 www.gallery-g77.com andreigallery@yahoo.com
KGALLERY
Loft Project Etagi
Mokhovaya 18
24, Fontanka Emb., SPb 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru Mon-Sun: 11.00-20.00
74, Ligovsky Pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru
18, Mokhovaya St., SPb 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru Tue-Sat: 11:00-20:00
Kvadrat 28, Kujbysheva St., SPb 232-12-38 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru, Wed-Sat: 14:00-19:00
Kvartal 5/7, Kazanskaya St., SPb 941-73-84 www.kvartal.in Info@kvartal.in Sun-Mon: 11:00-23:00, Fri-Sat: 11:00-6:00
Lavka Hudozhnika 8, Nevsky Pr., SPb 314-80-81, 312-61-53 www.lavkahudozhnika.ru Mon-Sun: 11:00-21:00
Lazarev Gallery 5/5, 6 Liniya V.I., SPb 328-22-22, 945-68-10 www.lazarevgallery.com info@lazarev.com
20
galleryspb (4) 2010
Liberty
Markov Gallery 25, Universitetskaya Emb., SPb 328-10-21 Tue-Sat: 15:00-19:00
Mart 35, Marata St., SPb 710-88-35, 8 (950) 000-75-55 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru Tue-Fri: 12:00-19:00, Sat: 12:00-18:00
Master’s Guild
ap.120, 36/38, Marata St., SPb www.mitkiart.ru inf@mitkiart.ru Sat: 16:00-20:00
Monmartr 59, Griboedova Emb., SPb 571-55-17 www.monmartr.spb.ru monmartr-2007@mail.ru
N-Prospect 78, Nevsky Pr., SPb 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru ak@n-prospect.ru
82, Nevsky Pr., SPb 579-09-79, факс: 272-28-54 guild_of_masters@mail.ru Mon-Sun: 12.00-20.00
National Center
Matiss Club
National Gallery of Art
6, Nikolskaya Sq., SPb 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com Mon-Sun: 11:00-19:00
40-42, Nevsky Pr., SPb 8 (921) 903-37-52 www.nationalgalleryofart.ru info@nationalgalleryofarts.ru Tue-Sun: 11.00-21.00
166, Nevsky Pr., Spb 717-12-16 Tue-Sat: 11:00-19:00
Navicula Artis 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru
галереи New
Pushkinskaya, 10 Art Center
Russian Portrait
65, 4 Liniya V.I., SPb 716-26-73 www.spbmdf.ru Mon-Fri: 9:30 -18:00
10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru
Onegin
Rachmaninov
16, Ryleeva St., SPb, 16, Pesochnaya Emb., SPb 600-33-00, 272-14-88, fax: 272-59-31 www.rupo.ru salon@rupo.ru Mon-Sun: 10:00-20:00
11, Italjyankaya St., SPb 570-00-58 www.onegin-spb.com onegin.spb@mail.ru Mon-Sun: 9:00-21:00
5, Kazanskaya St., SPb 327-74-66, 327-74-67 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaniniov.com Mon-Sun: 10:00-20:00
On Kustodiev St.
Rachmaninov’s Garden
17, Kustodieva St., SPb 635-91-22, 8 (921) 941-34-40 www.gallerykustodieva17.ru info@gallerykustodieva17.ru
5, Kazanskaya St., SPb 312-95-58, 8 (901) 305-68-81 www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru
On Svechnoy Lane
Reflection
5, Svechnoy Ln., SPb 710-89-59, 312-44-34 Mon-Sat: 11:00-19:00
21, Karpovka Emb., SPb 570-12-13, 8 (931) 201-52-62 www.otragenie.spb.ru otragenie.spb@mail.ru Mon-Fri: 10:00-18:00
Past century 4, Volynsky Ln., SPb 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru Mon-Sun: 12.00-20.00
Peppers 9, Nesterova Ln, SPb 966-46-47 perzzy@yandex.ru
Past century 4, Volynsky Ln., SPb 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru
Pushkin 5, Yakubovicha St., SPb 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru Mon-Sun: 9:00-19:00
Rostra 4, Dumskaya St., SPb 449-56-45 www.rostra-arts.spb.ru rostra_gallery@mail.ru, Mon-Sun:10:00-21:00
Russian painting 22, Kirochnaya St., SPb 579-42-95, 8 (921) 589-98-65 www.art-painting.ru mail@art-painting.ru
Russian icon 22, Kirochnaya St., SPb 314-70-40 www.ruiсon.com russian_iсon@hotmail.com Mon-Sat: 11:00-20:00
Russkaya usadba 7, Stremyannaya St., SPb 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru Mon-Sun: 11:00-20:00
Sergio Bustamante’s gallery 44, Nevsky Pr., SPb 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru Mon-Sun:11:00-21:00
Sol-Art 15, Solyanoy pereulok 327-30-82 www.solartgallery.com 9630412@gmail.com Mon-Sun: 10:00-18:00
S.P.A.S 93, Moyka Emb., SPb 571-42-60 spasgal@mail.wplus.net Mon-Fri: 12.00-19.00
StArt 1, Lomonosova St., SPb 314-97-87, 314-26-27 www.startacademy.ru art@startacademy.ru
Steklo-Rosvuzdesign 1/28, Lomonosovskaya St., SPb 312-22-14 www.glassdesign.spb.ru gldesign@sp.ru Mon-Sun: 11:00-20:00 (4) 2010 galleryspb
21
галереи St. Petersburg’s Artist
The Bridge over Styx
Tuman Art
100, Moyka Emb., SPb 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com Wed-Sun: 11:00-20:00
10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru
3 fl, Decor center, 9, Lva Tolstogo, SPb 961-961-9 www.tumanart.ru tumanart_g@mail.ru Mon-Sun: 11:00-21:00
St. Petesburg Center of Books and Graphics
105, Obukhovskoy Oborony Pr., SPb 8 (911) 213-14-53, 8 (911) 213-14-54 www.guerragallery.ru petrograf@mail.ru
55, Liteynyy Pr., SPb 273-51-84, 8 (921) 796-40-90 www.naiv-art.ru tina@naiv-art.ru Mon-Sun:10:00-19:00
Sword and Helmet 5, Dmitrovsky Ln, SPb 571-64-79, 8 (921) 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru
Tonino Guerra’s gallery ArtProject.
Tretiakov’s gallery 2, Pionerskaya, SPb 8 (921) 405-44-89 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net
Vadim Zverev’s gallery 1, Sikeroysa St., SPb 915-43-28, 327-64-90 www.zverev-gallery.ru mail-us@zverev-gallery.ru, Mon-Sat: 12:00-20:00
Vyacheslav’s Chebotar Galleryworkshop 3 fl., 41 bld., Apraksin dvor, SPb 310-16-54 Mon-Sun: 11:00-18:0
A family enjoys a picnic on a beach outside Maputo, in Mozambique. According to the World Bank, the number of people that can be classified as belonging to the middle classes in developing countries is on the rise, and by 2030 will have reached one billion. © Joan Bardeletti, France, Picturetank
22
galleryspb (4) 2010
events | новости
world press photo 2010 Санкт-Петербург стал в 2010 году городом проведения выставки победителей World Press Photo – самой престижной ежегодной премии в сфере фотожурналистики В 40 странах проходили выставки фотографий победителей прошлых лет. В Петербурге выставка World Press Photo уже показывалась однажды – в 2007 году, а в Москве вообще трижды – в 2007, 2008 и 2009 годах. Они были организованы фондом «Объективная реальность». Штаб-квартира организации World Press Photo, находящаяся в Амстердаме (Нидерланды), проводит фотоконкурс с 1955 года. В Санкт-Петербурге торжественное открытие выставки состоялось 15 июля в пространстве Катушки (1-й этаж) в Лофт Проект Этажи при поддержке Генерального Консульства королевства Нидерланды.
Основной контингент посетителей на выставке составляет молодежь. Повальное увлечение фотографией привело к тому, что фотоискусством, фотожурналистикой и фотовыставками сейчас никого не удивишь. От стенда к стенду слышится то наивное, то высокомерное: «О, ведь и я так могу!». Однако каждый продолжает свои слова тем, что снимает с шеи навороченную зеркалку и делает фото с фото. Ибо так, как они, все равно не сделать. Только самые сильные фотожурналисты (и, наверное, самые удачливые) стали финалистами конкурса, и теперь их работы могут лицезреть тысячи петербуржцев. (4) 2010 galleryspb
US soldiers take defensive positions after receiving fire from the Taliban, in Korengal Valley, Afghanistan on 11 May. Specialist Zachery Boyd was wearing ‘I Love NY’ boxer shorts when he rushed from his bunker to support fellow platoon members. © David Guttenfelder, USA, The Associated Press
автор: Мария Алексеева
23
новости | events Международное независимое жюри фотографов, фоторедакторов и фотоэкспертов оценило более 100 000 работ 5847 авторов из 128 стран и отобрало только 200 лучших работ – работ-победителей. Все фотографии подробно растолковываются посредством подробных аннотаций: кто, что, где и как изображено, и какими материями мыслил фотограф, создавая ту или иную фотоработу. Благодаря этому рождается некая концептуальная идея симбиоза, или, если угодно, синтеза изображения и слова. Фотография, как и любое другое искусство, стремится быть понятной всем без слов. Однако, современное фотоискусство немыслимо без погружения в конкретную ситуацию. Это становится особенно очевидным при знакомстве с названиями номинаций: Новости с места событий,
Главные новости, Люди в новостях, Спортивные выступления, Спортивные очерки, Актуальные проблемы, Повседневная жизнь, Портреты, Искусство и развлечение, Природа… Для верного восприятия выставки не стоит также забывать, что предмет конкурса – не отвлеченное фотоискусство как таковое, а фотожурналистика. Известно, что для этого жанра важны хронологический контекст развития ситуации, особая честность и актуальность, ибо фотографии должны информировать зрителя и давать ему представление о сути конкретного события. Наши соотечественники, к сожалению, опять не дошли до финала. Однако именно нам предстоит быть хозяевами этого поистине великого события в мире фотографии.
Barack Obama pauses for a moment before walking out to the podium to be sworn in. Barack Obama was sworn in as the 44th president of the United States, at the West Front of the Capitol in Washington, D.C., on 20 January. He was the first African-American in the country’s history to hold the office. © Charles Ommanney, United Kingdom, Getty Images for Newsweek
24
galleryspb (4) 2010
Scarlett, 2009 © Joana Vasconcelos Courtesy Haunch of Venison
events | новости
I WILL SURVIVE
by Joana Vasconcelos
Джоана Васконселос (JoanaVasconcelos) родилась в Париже в 1971 году. Серьезное художественное образование получила в Лиссабоне, где художница живет и работает по сей день. Джоана Васконселос участвовала в многочисленных выставках и ярмарках по всему миру, не только в ставшей уже cliché известной Венецианской Биеннале, но и таких авангардных проектах, как Триеннале Эчиго-Цумари или Триеннале Йокохама (Yokohama Triennale). Выставка Джоаны Васконселос «I WILL SURVIVE» проходит в галерее Haunch of Venison (куда включена презентация классиков современного искусства: Билл Виола, Дэн Флавин, Zhang Huan, Тони Крэгг, Вим Вендерс etc). Тем не менее, с 2007 года Haunch of Venison пользуется совершенно
скандальной репутацией (коммерческая галерея и аукцион всегда были раздельны в мире искусства, до тех пор пока Haunch of Venison не стала собственностью аукционного дома Christie's…). С 2009 года галерея располагается в старинном здании с сохранившейся отделкой XIX века, принадлежащем Королевской Академии Художеств, между Пиккадилли и Бонд Стрит. Именно там с 21 июля по 25 сентября можно насладиться предметами на грани китча, декаданса и поп-арта. Что это? Дизайн, скульптура, декоративно-прикладное искусство? Чем бы оно ни являлось, при первых шагах Вас переносит в волшебный мир кружева, керамики, визуальных реминисценций и экзистенциальных переживаний. (4) 2010 galleryspb
автор: Ксения Ланда
25
новости | events Конечно, можно найти много связей с идентичностью национальной, половой, культурно-исторической и пр. Поиск Джоаны, однако, оказывается глубже. Прежде всего она создает пространство для поиска, тот первый момент, когда Вы выхватываете нечто, лежащее на поверхности. Но затем можно отвернуться и пойти дальше – не так ли воспринимается 95 % современного искусства на всех ярмарках, выставках, биеннале и триеннале? Люди смотрят и идут дальше, поэтому для португальской художницы Джоаны Васконселос так важен эстетический аспект. Подходя ближе, рассматривая объекты, зрители будто бы погружаются в транс, то созерцательное состояние, которое так часто вызывают произведения Старых Мастеров. Но сравнение было бы кощунственным,
если бы не бесконечные переходы от актуальных современных проблем индустриализации, всеобщего поглощения массовой культурой, проблемы идентификации в мире тотальной глобализации: все это мгновенно переходит в чистое созерцание формы, текстуры, силуэта, виртуозности исполнения и радости от сотворенной красоты. Здесь же кроется и погибель этого мира красоты, безвозвратно утерянного прошлого. В настоящем: цветы – пластмасса, собаки являются керамическими, люди – застывшая пена. Вместо того, чтобы оплакивать разрушение красоты, Vasconcelos, очевидно, наслаждается полной свободой, которую дает современная культура. На фоне всех этих парадоксов ее произведения по-прежнему прекрасны.
Trigger, 2009 © Joana Vasconcelos Courtesy Haunch of Venison
Rackham, 2010 © Joana Vasconcelos Courtesy Haunch of Venison
26
galleryspb (4) 2010
Conversations & Art Magazines
events | новости
(4) 2010 galleryspb
27
conversations
Мне хватило бы и миллиона Любовь или деньги, бюджет или высокое искусство, популяризация или элитарность? На эти животрепещущие темы беседовали представители двух медиа-гигантов Ян Миллер (Iain Millar), коpреспондент The Art Newspaper c выпускающим редактором отдела культуры ВВС Марком Беллом (Mark Bell). резюмировал беседу: Ян Миллер
Основная проблема, с которой сталкиваются крупнейшие музеи, ясна: как создавать выставки, привлекательные для посетителей, при этом не поддаваясь явной коммерциализации и меркантилизму и осуществляя миссию этих выставок, которая заключается в том, чтобы информировать и просвещать посетителей за цену, которую те могут за это уплатить. Выпускающие редакторы крупнейших компаний общественного вещания сталкиваются с почти идентичной дилеммой: как создавать теле- и радиопередачи, привлекательные для зрителей и слушателей, и при этом не подвергаться обвинениям в оболванивании и элитарности. Памятуя об этом, корреспондент The Art Newspaper провел беседу с Марком Беллом, выпускающим редактором отдела культуры BBC, в то время как Великобритания готовится к значительному сокращению расходов на общественные нужды, а BBC собирается свернуть ряд своих подразделений. Белл вел себя доброжелательно, хотя и был несколько уклончив, и на всякий случай держался настороже. Однако, отвечая на первый заданный нами вопрос, он высказался максимально ясно: – Учитывая текущее экономическое и политическое положение, ожидает ли Вы сокращения бюджета?
28
galleryspb (4) 2010
– Я определенно не ожидаю сокращения бюджета своего подразделения в BBC – я получил гарантии, что нам это не грозит. – На данный момент не грозит? – Не только на данный момент. Марк Томпсон (генеральный директор BBC) в начале прошлого года сделал важное заявление об отделе культуры. Он ясно дал понять, что не планирует урезать наш бюджет. Разумеется, Белл не может предвидеть, что именно новое либерально-консервативное правительство может сделать с лицензионными отчислениями – основным источником дохода BBC. Белл в основном курирует подготовку программ телепередач по культуре на первом, втором, третьем и четвертом телеканалах BBC, хотя принимает участие и в некоторых других направлениях, включая радио BBC. У каждого из этих каналов – своя сфера компетенции: например, канал BBC1 ориентирован на «широкую семейную аудиторию». BBC1 обычно транслирует общедоступные сериалы вроде «Семи эпох Великобритании», ведущие которых известны каждой семье, в данном случае – это Дэвид Димблби,а BBC4, который Белл охарактеризовал, как «дом искусств и культуры», рассчитан на более осведомленную аудиторию (например, он транслировал
conversations
Марк Белл полагает, что «в будущем BBC придется проводить большую работу, направленную на оказание поддержки культурным организациям…
Mark Bell © BBC
мы должны стать их партнерами».
(4) 2010 galleryspb
29
conversations два едких документальных фильма о «Великом буме в современном искусстве», созданных критиком Беном Льюисом). Белл заявил, что независимо от направления ему хотелось бы способствовать развитию более тесных связей между культурными организациями и BBC. «В будущем BBC столкнется с необходимостью проводить большую работу, направленную на поддержку культурных организаций», – сказал он. «В числе прочего мы должны стать их партнерами, чтобы вести с ними конструктивную работу, поскольку последствия сокращения расходов на общественные нужды могут быть тяжелыми. Организации знают об этом, и мы должны сделать все от нас зависящее, чтобы вывести их на аудиторию, используя все доступные способы». «Modern Masters» – документальный сериал о Матиссе, Пикассо, Дали и Уорхоле с ведущим Алистером Суком, недавно показанный на канале BBC1, является показательным примером, поскольку он породил одноименную экспозицию в лондонском Музее Виктории и Альберта (работала до 23 июня). Этот проект определенно вызывает у Белла прилив энтузиазма. «Это действительно замечательно, у них есть несколько отличных работ Матисса и постеры Дали, которые я никогда раньше не видел. Здорово, что это принесло пользу всем нам. Это может заставить людей пойти в галерею и посмотреть на живое искусство – телевидение никогда не сможет его заменить». Он также упомянул о недавнем совместном проекте, в рамках которого была подготовлена телевизионная и онлайновая программа BBC, посвященная Генри Муру, которая была приурочен к масштабной британской ретроспективе Tate. «Совместный проект, посвященный Генри Муру, который включал в себя специальный выпуск «Culture Show», позволил нам использовать архив», – сказал Белл. «У нас имеется большой архивный каталог программ о культуре, но мы не можем просто обрушить миллион часов этих программ на ничего не подозревающую публику, потому что они не будут знать, как это расценивать. Если в реальном мире существует история, которой мы можем воспользоваться, как приманкой, это дает нам серьезное основание заявить, что мы владеем всем этим материалом. Мы сделали программу о том, почему Генри Мур был таким «телевизионным художником», и использовали документальные
30
galleryspb (4) 2010
фильмы режиссера Джона Рида, которые зрители не видели целую вечность. Таким образом, Вы получаете опыт трансляций, онлайновый архив и выставку. Это идет на пользу обеим сторонам. Меня действительно интересует возможность создавать такие совместные проекты». Белл охотно хвалил «Culture Show», без сомнения, в ответ на критику, которая не прекращалась с первого выхода этой программы в эфир в 2004 г. Меняющиеся форматы, сдвиги эфирного времени и постоянные обвинения в адрес ведущих, часть которых обладала ограниченными познаниями в сфере культуры, в невысоком уровне анализа культурных явлений в лучшем случае. Он определенно хочет показать, что для программы началась новая эпоха стабильности: теперь программа «Culture Show» вновь выходит в эфир на канале BBC2 в прежнее время – по четвергам в 19.00, обрела нового редактора в лице Джанет Ли, имеющей богатый опыт работы на BBC и подготовки передач о культуре для Канала 4, и постоянного ведущего – критика Эндрю Грэхэма-Диксона. – Но правда ли, что число зрителей этой передачи систематически не дотягивает до миллиона? – Иногда действительно не дотягивает до миллиона. – Это достаточно большая аудитория? – Мне бы хватило миллиона. Она доходит до полутора миллионов, и мы стремимся добиться большего. Не думаю, что такие вещи следует оценивать исключительно по рейтингам, по моему мнению, дело не в этом. Меня не слишком волнуют еженедельные данные о размере аудитории. Меня волнует то, как люди оценивают программы, и то, насколько они вписываются в общенациональный обмен культурной информацией. Мы, безусловно, готовы рисковать в этой сфере, а Джанет Ли любит делать находки в самых неожиданных направлениях. Коллега Белла, руководитель канала BBC2, Дженис Хэдлоу в своей недавней речи заявил следующее: – Ничто так не разочаровывает определенную категорию вдумчивых критиков, как определенная категория популистских телепрограмм, построенных на голых фактах. – Стал бы Белл применять тот же принцип к такому шоу, как недавно состоявшаяся программа «School of Saatchi», на которой молодые учащиеся художественной школы конкурировали
conversations за патронаж коллекционера-отшельника (как известно, сам Саатчи не появлялся на программе, носящей его имя)? – «School of Saatchi» явилась смелой попыткой войти в ту сферу культуры, которую многие люди находят – полагаю, что с этим согласился бы даже искусствовед, – отчуждающей, – сказал Белл.– Многие люди просто не понимают, чем занимаются эти художники. И я думаю, по правде говоря, это (непонимание) распространяется даже на Приз Тернера. Идея состояла в том, чтобы создать на массовом телеканале сериал, который представляет собой реальную попытку понять (чем они занимаются) и сделать это весело. Это не единственный способ приблизить современное или актуальное искусство (к широкой публике). Однако стал ли бы я заниматься этим снова? Возможно, не стал бы, но я все равно рад, что мы этим занимались. Если Вы продолжали упорно работать и относились к своей работе серьезно, осведомленность (общества) о принципах работы современных художников существенно повысилась. – Как может читатель The Art Newspaper, допустим, дилер, коллекционер или музейный куратор, убедить Белла заняться предложенной им программой? Как работает процесс выпуска программ, и существует ли сеть поддержки для людей, у которых есть идеи, но которые не обязательно обладают профессиональными навыками создания программ? – Я и есть сеть поддержки. В том смысле, что люди приходят ко мне со своими идеями, но не каждая идея «приходит» ко мне вместе с продюсером или продюсерской компанией, или телеканалом. Это не обязательно представляет собой проблему. У меня есть люди, с которыми я работаю, и вместе мы стремимся находить нужные подходы для реализации конкретных идей, чтобы создать нечто подходящее для показа в рамках программы или канала. Я рад участвовать в диалоге – вот все, что я могу сказать. Я все время беседую с кураторами галерей, авторами и художниками. Они говорят: «Вы должны сделать из этого что-нибудь», идеи «вызревают», и мы надеемся, что со временем они будут так или иначе реализованы. – Какие отношения связывают вас с Уиллом Гомпертцем, новым редактором отдела искусств BBC News и бывшим директором отдела по работе со СМИ галереи Tate, назначение которого вызва-
ло критику в связи с большим размером оклада и относительно малым опытом его работы в качестве независимого журналиста? – Уилл является сотрудником BBC News, так что он работает в секторе новостной журналистики, который обособлен от остальных секторов редакционноиздательского отдела BBC – по очевидным причинам, этому сектору необходима особая объективность. Тем не менее, мы оба входим в комиссию по искусству, которая является постоянным органом руководителей BBC, на которой мы обсуждаем, насколько последовательный образ искусства мы предлагаем аудитории. Я с нетерпением ожидаю возможности поработать с Уиллом… но он только что приступил к работе и занят решением задач, которые на данный момент являются для него первоочередными. Белл также сообщил, что он, возможно, создаст совместные проекты с сотрудником коммерческой вещательной компании ITV Мелвином Брэггом, ведущим крупнейшей культурной телепрограммы под названием «The South Bank Show», которая просуществовала 32 года и вскоре будет закрыта. Брэгг создал для BBC и другие шоу и вот уже много лет работает ведущим на радио BBC. – Приходилось ли когда–нибудь неутомимому энтузиасту BBC – «я здесь, поскольку хочу, чтобы информационное наполнение создаваемых мной передач приносило пользу культуре» – подумать: «Это не сработало, это мне не понравилось?» – Полагаю, что телевидение, стремясь создать формат, способный сделать тот или иной сюжет более привлекательным, порой прибегает к «заумным» средствам. Когда что-то вызывает у меня сомнения, я скорее выскажусь прямо. Если это звучит слишком осторожно, полагаю, что прямой подход зачастую является наилучшим.
© The Art Newspaper Runner up Best WebTV platform – IVCA Awards 2009 Shortlisted for 'Best Online Presence' – PPA Awards 2008 Shortlisted for 'Specialist Writer of the Year' – British Press Awards 2007 Shortlisted for 'Team of the Year' – British Press Awards 2006 The IPD International Press Awards: Silver Winner for International SpecialistMagazine of 1996 www.theartnewspaper.com
(4) 2010 galleryspb
31
conversations
Слово берет Ганс Ульрих Обрист (Hans Ulrich Obrist, Co-Director of Exhibitions and Programmes and Director of International Projects, Serpentine Gallery, London):
32
galleryspb (4) 2010
Hans Ulrich Obrist © Art Basel Conversation | The Future of the Museum © Photo: Art Basel
conversations
Будущее Музеев «Где именно между классическим дворцом и современной музейной витриной лежит будующее музеев?» – выясняли знаменитый куратор Ганс Ульрих Обрист (Hans Ulrich Obrist), который спит так мало, что даже во сне видит, как он спит, и четыре известных архитекторамузейщика: Фашид Мусави (Farshid Moussavi), Кристиан Керез (Christian Kerez), Йона Фридман (Iona Friedman), Эмануэль Крайст (Emanuel Christ). Полностью эту увлекательную полуторачасовую дискуссию смотрите нa сайте Art Basel Video.
Итак, всем привет, дамы и господа, друзья, попутчики. Огромное удовольствие приветствовать всех вас и участников нашей дискуссии. Хотелось бы сделать небольшое вступление. Это не первая дискуссия, организованная у нас в Базеле. Я хочу сделать краткий экскурс в историю обсуждений, имевших место ранее, чтобы ввести вас в суть сегодняшней беседы. Но сначала я бы хотел поблагодарить за замечательные дискуссии, которые привели к возникновению нашего круглого стола, Анету Шенхольцер, Арелию Клейнбуль, Сильвию Шаварот и др. В реальности все началось в 2002 году в Майями с нашего Базель Майями, когда мы провели первую дискуссию с Франсуа Рош и Фернандо Ромеро. В основном речь шла о будущем музеев. Тогда в 2002 году в Майями у нас был особо приглашенный по телефону – Йона Фридман, а теперь он здесь лично присутствует. В этой дискуссии особое внимание было уделено концепции музея как формы городской среды, о чем, несомненно, мы поговорим позже. Тенденция затем была продолжена в Базеле с проведением здесь первого круглого стола в 2002 году. Участвовали Шак Херцог, Джон Армин, Робер Трисхоф, Филип Рошброн и др. вместе с Кристиной Бехла. И с
тех пор мы стремимся проводить целые серии дискуссий, по-настоящему демонстрирующих многообразие и различия существующих в мире разных типов музеев. Для нас чем-то вроде образца всегда был Эдвард Лиссон. Мы осмысливаем идею Лиссона о всемирности (mondialité). Он говорит, что в наше время глобализации и все возрастающей гомонизации процессов глобализации исключительно важно, чтобы музеи оставались разными в различных частях света. Глиссон предложил очень интересную идею музея, которую он взял с Мартиника: музей, являющийся музеем архипелага, показывает, что музей XXI века отражает не столько логику некоего главенствования континента, сколько в реальности оказывается музеем различных архипелагов. В дальнейшем мы это также обсудим в ходе дискуссий об общественных и частных музеях. Был круглый стол о будущем музеев в Китае, в Соединенных Штатах, на Ближнем Востоке. Мы уделили особое внимание будущему музеев в Латинской Америке, в Индии, а не так давно поговорили о музеях в Африке. Все это можно найти в Интернете. Наш круглый стол понемногу эволюционирует. Мы (4) 2010 galleryspb
33
conversations считаем, что в настоящее время происходит такое множество событий, что, похоже, заниматься чем-то отвлеченным не так уж интересно; в реальности работа над одной темой в течение многих лет приносит больше удовлетворения. Мы очень рады, что вместе с нашими докладчиками сможем вписать еще одну главу в историю данной дискуссии. Итак, четверо наших докладчиков сегодня: Эмануэль Крист (Emanuel Christ), Йона Фридман (Yona Friedman), Кристиан Керес (Christian Kerez) и Фаршид Мусави (Farshid Moussavi). Все они представят замечательные новые музеи. Возникающие в мире музейные проекты – это как раз то, на чем мы бы хотели сосредоточить свое внимание. Мы считаем, что это особенно актуально в XXI веке. Порядок следующий: каждый архитектор сделает краткое вступительное сообщение о своих самых новых проектах, а мы затем обсудим. Далее вернемся к этому во второй части дискуссии. Эмануэль Крайст работает фактически над несколькими музейными проектами. Все вы, несомненно, знакомы с активной дискуссией относительно расширения Национального музея в Цюрихе, которая привела к референдуму на музейном канале, давшему положительный результат. Эмануэль Крист также выиграл конкурс на расширение музея в Базеле, так что мы сейчас услышим об этих проектах. А еще есть особенно интересный нереализованный проект строительства музея Мунка в Осло. Сердечно поприветствуем Эмануэля Криста. Большое спасибо, Ганс Ульрих. Пожалуй, мне понадобится компьютер (свое выступление иллюстрирует планами и чертежами). Я рад, что у меня появилась возможность кратко представить нашу работу и благодаря этому дать вам представление о наших идеях и замыслах относительно музеев, искусства и архитектуры в широком смысле и их взаимосвязи с обществом и городской средой. Меня попросили поговорить о трех проектах в течение семи минут. Я постараюсь это время сократить. Я скажу пару слов о музее Э. Мунка. Прежде всего это, несомненно, вторжение в городскую среду. Я считаю, что, говоря о музеях, мы рассматриваем их с двух различных точек зрения. Первая – эта урбанистическая позиция, соотношение между музеем и городом с его жителями. С другой стороны, существует более типологическое видение – организация пространств, их фактическое и потенциальное использование.
34
galleryspb (4) 2010
Вот предложение, предусматривающее полную перестройку района вокруг порта в Осло. Как вы видите, проект состоит из двух компонентов: слева огромный док – искусственное сооружение с парком на нем, а справа – музей, рассчитанный на все произведения Мунка. В то же время получается новый морской фасад. Продолжаю… Вид с противоположной стороны дает представление о постройке в контексте городского пространства. Слева – новый музей с решетчатой галереей, которая ведет к разным входам и помещениям. Посередине находится огромная площадь. А справа тогда – парк, выходящий к фьорду Осло. Несомненно, музей и это новое общественное пространство непосредственно между собой увязаны. План в разрезе дает представление о функциональных составляющих: входы, библиотека, лекционные залы – расположены на уровне первого этажа, выше располагаются произведения искусства – очень простая структура, почти что хрупкая конструкция, ассоциирующаяся с промышленным прошлым данной территории, возможно также с непрочными постройками и студиями вроде тех, в которых работал Мунк. Вот план. Если мы говорим о структурной организации такого музея, речь идет о проекте с большим количеством пространства и хорошей функциональностью. Вы видите, что в самой левой части чертежа находится хранилище, а затем, на том же этаже, обнаруживаются на четырех разных уровнях линейнопространственные образования для галерей. Они могут менять свои границы. Я считаю, что план этот очень понятный и в то же время интересный. Теперь перехожу ко второму проекту, представляющему собой расширение Художественного музея (Kunstmuseum) в Базеле. В плане городской среды это, можно сказать, совершенно иной подход: музей буквально вырастает из городского ландшафта. В данном случае речь в основном идет о сооружении в контексте самого места, но также, конечно, в контексте музея и его коллекции. Здесь видно, что прежде всего новый музей – это здание (меня так и тянет сказать «обычный дом»), вросшее в плоть городской застройки, часть городской реальности. Конечно, это одновременно нечто большее, это, так сказать, новое лицо Художественного музея в Базеле. В здании есть очень выразительные элементы, в нем ощущается попытка создать некую неброскую монументальность. Это новое здание представляет собой нечто между классическим дворцом и современной
conversations
Сейчас я сразу же передаю микрофон Эмануэлю Крайсту из базельской фирмы «Эмануэль Крист, Крист и Гантенбайн» (Emanuel Christ, Christ und Gantenbein, Basel).
Emanuel Christ © Art Basel Conversation | The Future of the Museum © Photo: Art Basel
(4) 2010 galleryspb
35
conversations
музейной витриной, и эта витрина, то есть это здание, непосредственно увязана с существующим музеем. Поэтому в данном случае мы также говорим о музее будущего. Многие музеи в будущем станут пристройками к существующим музеям, это, очевидно, отдельная тема для обсуждения. Эти два здания участвуют в создании городского пространства, но также они четко соотносятся друг с другом, особенно в отношении места, выбранного для входа. Вход осуществляется че-
36
galleryspb (4) 2010
рез новое здание, однако он непосредственно увязан со знаменитыми аркадами старого музея. Внутри эта идея находит продолжение. Между двумя зданиями, несомненно, существует не только визуальная, но и концептуальная связь. Пространства лаконичны и спокойны. Планировка предусматривает много места. Возможно, вы будете сравнивать на этом чертеже размеры и пропорции существующего музея, который вы все, вероятно, хорошо знаете. Проект является до-
Farshid Moussavi, Christian Kerez, Yona Friedman, Emanuel Christ, Hans Ulrich Obrist © Art Basel Conversation | The Future of the Museum; © Photo: Art Basel
conversations
полнением, но отнюдь не антитезисом существующему музею. До некоторой степени в этом плане речь идет о преемственности, но также предусматриваются объемы и пространства, которых недостает зданию в его теперешнем виде. Очень простое здание, не такое представительное, как существующее: то – дворец, а это – увеличенный дом буржуа. Это здание для произведений искусства. И, наконец, на чертеже можно увидеть, что эти два здания, помимо типологической увязки между собой, связаны физически. Имеется вестибюль – зона для посетителей в виде
большого зала, соединяющего оба здания под землей; также на первом этаже, как вы видите, с каждой стороны есть вход. Выставочные залы, находящиеся очень низко, на уровне цоколя, увязаны с внутренним двором: особое место для художественных и общественных мероприятий в новом здании; одновременно более классические выставочные залы с другими условиями освещения располагаются на втором и третьем этажах. В итоге здесь получается нечто целостное, скромное, но оригинальное. Наконец, третий проект – это вышеупомянутый Национальный музей Цюриха. В данном случае предусматривалось участие в конкурсе, а затем был референдум. Это был полностью открытый общественный проект, очень значимый для швейцарского национального самосознания. Это не художественный музей, а скорее музей исторический и прикладного искусства. Существующее здание достаточно сложной архитектурной формы с элементами фантазии из архитектурных эпох прошлого. К нему мы добавляем новое крыло, этакий небольшой городок там пристраиваем. Как вы видите, получается сочетание двух представленных выше подходов: с одной стороны, преемственность и продолжение уже существующего, а с другой – нечто совершенно новое, что-то вроде полного перемоделирования городской среды. Итак, речь идет о пространстве в городе и в выставочных залах, последние довольно необычны. Проблемы там не только в хрупком равновесии между произведениями искусства, о чем можно было бы поговорить, и пространством вокруг них, это нечто вроде экспериментального тоннеля для всевозможных выставок, взаимодействующих с перспективой интерьера. Там нет дневного света, условия другие, достаточно, как уже сказано, экспериментальные, и мне это кажется интересным. И, наконец, план, который четко показывает, что это нагромождение различных архитектурных элементов, вроде наслоения, продолжается за счет повернутого к парку крыла, что выглядит как единый пространственный элемент, завершающий цепь, объединяющую новое и старое и создающую массу интересных непосредственных взаимосвязей. Такая вот сейчас работа с музеями. (4) 2010 galleryspb
37
Annette Schonholzer & Marc Spiegler Со-директора АртБазеля © Art Basel
conversations
Сегодня, чтобы получить глубинное представление о глобальном мире искусства, нужно очень много ездить по миру…
38
galleryspb (4) 2010
conversations
Ярмарка идей По собственному признанию Марка Шпиглера (Mark Spiegler), содиректора ярмарки Art Basel с 2007 года, он более 10 лет работал в самых разных журналах от Art News до Sports Illustrated, освещая любые темы: спорт, родео, видео, игры и, конечно, искусство. Откровенные ответы у этого журналиста широкого профиля о будущем голливудского бульвара изобразительного искусства пыталась получить критик, исследователь, профессор Миланского университета и редактор отдела искусства журнала Abitare Паола Николин (Paola Nicolin).
PN: Мой первый вопрос имеет отношение к Вашей прежней работе, поскольку Вы были связаны с миром искусства, как журналист и критик. Живя в Чикаго, а затем в Цюрихе, Вы много писали об искусстве и системе искусства журналов и газет, включая The Art newspaper, The New York magazine, Art + Auctions, ArtNews, Metropolis, Wired и Neue Zürcher Zeitung. Насколько этот опыт повлиял на Вашу новую работу в качестве директора Art Basel? MS: Полагаю, что эти два аспекта моей карьеры весьма тесно связаны друг с другом. Я писал статьи, посвященные системе мира искусства, где центральную роль играют художественные галереи. Одним из главных мероприятий для галерей является Art Basel. Поэтому я много и подолгу размышлял о галереях. Раньше я опирался на собственный опыт и информацию, полученную от сетевого коллектива, чтобы разбираться в тенденциях мира искусства и писать статьи на эту тему. Теперь я применяю почти такой же подход, но стремлюсь использовать полученные результаты на благо галерей и художников Art Basel. Но главное отличие состоит в том, что прежде я работал один, тогда как теперь я работаю в команде, тесно сотрудничая с Annette Schonholzer, соруководителем выставки. PN: Не могли бы Вы рассказать о проекте Artworld Salon, онлайновом журнале об искусстве, который Вы создали и раскручивали в течение 2007 г. Ведь он стал своего рода полигоном и платформой, где Вы
развивали навыки и собирали информацию, которые впоследствии применяли в работе с ярмаркой? MS: Разумеется, между беседами Art Basel Conversations и панельными дискуссиями Art Salon panels на обеих выставках существует прямая связь, поскольку мы живем в большом мире искусства, где есть много заинтересованных сторон: художники, кураторы, галеристы, коллекционеры, музеи и пр. Для всех них обмен информацией и мнениями представляет ценность и интерес. Показ в Art Basel – это не только мероприятие для галерей, стремящихся продать художественные произведения – это еще и собрание людей, торгующих идеями, представлениями, мнениями и эстетикой. Сегодня, чтобы получить глубинное представление о глобальном мире искусства, нужно очень много ездить по миру, но на ярмарках Art Basel и Basel Miami Beach представлены главные художественные галереи мира, которые показывают лучшее, что у них есть. PN: Ярмарка также является, или преимущественно является, показом: это экспозиционный проект. Это и возможность создания новых произведений, как, например, происходит в Art Unlimited. Желательно, чтобы Вы сказали несколько слов о ярмарке в контексте масштабного творчества. Насколько такие ярмарки, как Art Basel и Basel Miami Beach, вовлечены в процесс такого творчества? MS: Основанная в 2000 г. ярмарка Art Unlimited стала реакцией на весьма очевидное явление из мира (4) 2010 galleryspb
39
conversations искусства: тот факт, что художники все больше увлекались созданием работ, не вписывающихся в контекст традиционного галерейного стенда, или даже работ, которые не могут быть размещены в доме традиционного коллекционера. Таким образом, если бы ярмарка Art Basel не создала пространство для показа таких произведений, она бы отказалась от возможности экспонировать весьма интересные формы художественного творчества. А тот факт, что ярмарка Art Basel создала пространство для показа таких произведений, означал, что многие коллекционеры неожиданно осознали возможность приобретения работ такого масштаба. То, что прежде обычно считалось «музейным» произведением, теперь зачастую экспонируется частными коллекционерами. Так что это очень интересно иллюстрирует не только реакцию Art Basel на тенденции из мира искусства, но и роль катализатора, в переходный момент исполненную этой ярмаркой. PN: В прошлом году (2009) ярмарка Basel Miami Beach впервые привлекла некоммерческую ассоциацию Creative Time, офис которой находится в Нью-Йорке, к проектированию помещений для проведения ярмарки под названием New Oceanfront (комплекс, расположенный в Collins Park, который фактически создавался как место проведения всех культурных программ Basel Miami Beach). А сотрудничество коммерческих и некоммерческих организаций обычно весьма плодотворно: что Вы можете сказать об этом опыте? MS: Всякий раз, занимаясь чем-то, непосредственно не связанным с художественными галереями, мы ощущаем важность сотрудничества с куратором или некоммерческой организацией, поскольку для реализации этих проектов необходимы определенные навыки и опыт, а также новые точки зрения. Собственно, прежде мы уже работали с другой некоммерческой организацией, P.S.1, в (рамках ярмарки) Miami Beach. Но теперь Creative Time впервые реализовала проект такого масштаба вне Нью-Йорка. Я помню изумление, которое мы испытали в первый вечер показа перформансов Art Perform на территории комплекса Oceanfront: когда мы с Annette, соруководителем выставки, вечером прибыли на место, там собрались сотни людей, пришедших посмотреть вечерний перформанс, представленный относительно малоизвестными авторами. PN: Как вы прокомментируете назначение г-на Jeffrey Deitch на пост директора MOCA в Лос-Анджелесе? MS: Назначение Deitch показывает, насколько сегодня
40
galleryspb (4) 2010
повысилась мобильность ролей в мире искусства. Оно также отражает тот факт, что сегодня функции музейного директора весьма отличаются от того, что было десять лет назад. По мнению многих, будучи галеристом, Deitch управлял своими галереями так, словно они были чем-то вроде Kunsthalle, а во время ярмарки Art Basel Miami Beach он всегда вел невероятно активную работу с многочисленными проектами вне своих стендов. Так что он ни в коем случае не был «классическим» галеристом. И я очень сомневаюсь, что из него получится «классический» директор музея. PN: Каково Ваше впечатление от современных итальянских художественных галерей? MS: Как нам представляется, сегодня в творческих кругах Италии царит весьма динамичная атмосфера. Интересно, что и Италия, и Франция на данный момент очень активны, при том, что в этих странах закончился длительный период, который сторонним наблюдателям мог показаться застойным периодом в современном искусстве. Этот новый импульс главным образом связан с молодыми галереями и художниками, участвующими в их программах. PN: Какова структура Art Basel в этом году? Осуществляете ли Вы какие-то специальные проекты вне основного места проведения ярмарки? MS: Базовая структура ярмарки осталась прежней: то же количество галерей, те же интенсивные программы переговоров и конференций. Мы создали новый двухуровневый сектор под названием Art Feature, который находится в главном зале, причем на каждом уровне размещаются десять художественных галерей в ряд. Задача этого сектора – привлечь внимание к плотно курируемым проектам – будь то одиночные произведения отдельных мастеров, их творческое наследие, или нечто вроде попытки сопоставить творчество различных авторов. Смысл в том, что это скорее специализированная экспозиция, нежели классические галерейные стенды, отражающие программу показа. А в рамках проекта Art Parcours, куратором которого является Jens Hoffman из Wattis Institute, представлены работы десяти авторов, которые экспонируются на различных мероприятиях и в различных общественных местах в историческом центре Базеля. Посетители увидели специфические для места их реализации проекты и перформансы в исполнении молодых и признанных авторов: Daniel Buren, Damián Ortega, John Bock, Martha Rosler и Nathalie Djurberg.
интервью редакции
5 o'clock gallery.spb
conversations
(4) 2010 galleryspb
41
42
Сourtesу Государственный Эрмитаж
five o’clock
galleryspb (4) 2010
five o’clock
Искусство в диалоге с архитектурой Михаил Пиотровский Государственный Эрмитаж
– Сейчас открылось и открывается много новых музеев. А это новые здания, развитие городов, недвижимость. Вообще, искусство и недвижимость – это темы, которые часто интересуют одних и тех же людей. Что Вы скажете по этому поводу? – Во-первых, нельзя ставить рядом искусство и недвижимость. Искусство и архитектура – да. Искусство и здание – да. Искусство и недвижимость – это та тема, с которой нужно категорически бороться. Есть слова, которые не должны употребляться в связи с искусством: имущество, недвижимость, товар, цена и многое другое. Из-за этого возникает тысяча проблем, все считают, что в музее хранятся замечательные сокровища, которые надо хватануть и продать по возможности или себе присвоить. Потому что не понимают, что ценность эта существует только в контексте той работы, которую ведет музей, в частности в контексте архитектуры. Именно поэтому архитектура очень важна. Одна из уни-
кальных особенностей Эрмитажа в том, что будучи энциклопедией мировой культуры он является еще и энциклопедией архитектуры. И эта архитектура хорошо ведет диалог с тем искусством, которое есть в музее. Эрмитаж еще в прошлом веке доказал, что «белый куб» – это неверная схема показа искусства (белые стены, одна картина в зале). На самом деле, даже новое искусство хочет вести диалог с архитектурой. Мы можем брать из того, что есть. Нам ничего особо нового не нужно, у нас уже есть своя архитектура, которую надо использовать в этом диалоге. В Главном Штабе мы работаем с существующей архитектурой, с архитектурой КарлаРосси, приспосабливаясь к ней и приспосабливая ее. Это принципиальная позиция, при том, что мы строим фондохранилище и многое другое. В принципе то, о чем мы говорили с Колхасом на Московской Биеннале, то, чему посвящена Московская Архитектурная Биеннале, – это мысль о том, что архитектор работает вне отрыва от кон(4) 2010 galleryspb
43
five o’clock кретной среды и должен заниматься сохранением и использованием тех пространств, которые на данный момент существуют. Принцип Эрмитажа – это преображение тех пространств, которые существуют в музее, вокруг музея, на площади, на Неве. Мы должны преобразовывать их своей деятельностью, особенно не выплескиваясь за пределы. Все, что делалось в 20 веке в строительстве музеев, крайне интересно, но это не про нас. С одной стороны, наше отношение более старое и традиционное, а с другой – у нас более новый подход. Нельзя строить бесконечно много нового. Во-первых, это невозможно содержать, а во-вторых, это очень ярковыраженная архитектура, она создает свои проблемы. Я видел Гуггенхайм в Бильбао тогда, когда он был только что построен, и там не было никакого искусства. Это было лучше, чем сейчас, когда там висит искусство. Потому что это архитектура самоуверенная и самодовлеющая. Так что мы идем своим путем. – Что Вы скажете о только что открывшемся музее современного искусства в Риме? – В Риме я еще не был, осенью поеду смотреть. Но поскольку строила Заха Хадид, это уже гениально, поэтому в любом случае, будет интересно. Надо смотреть, что с этим будут делать музейщики, потому что это потрясающая архитектура. Правда, у Заха многие ее музейные проекты очень продуманы функционально. В общем-то, великий архитектор – не всегда великий музейный архитектор. Ну Заха… там я еще пока не видел. Все-таки архитектор не может быть по природе скромным, а в музее все должны быть скромными: и архитектор, и кураторы, и посетители, и заказчики, и Министерство культуры. – Как часто Вы бываете на стройке Главного Штаба? – Я постоянно посещаю стройку Главного Штаба, разговариваю с архитекторами. Мы регулярно заседаем. Это не требуется по схеме, потому что заказчики не мы, а Министерство культуры и Всемирный банк. У нас есть рабочая группа, которая все время трудится, и заместитель директора, в основном этим занимающийся. Я постоянно бываю, мы проводим совещания раз в месяц с заместителем министра культуры А.Е. Бусыгиным, так что я полностью в курсе. – Нравится ли Вам то, что получается? – Я думаю, хорошо, что мы постоянно обсужда-
44
galleryspb (4) 2010
ем. Для того, чтобы не отклоняться от задуманной идеи. Общей идеи о том, что это большое, анфиладное здание с перекрытыми дворами, которые должны в своем же перекрытом виде быть подражанием и отзвуком больших анфилад Эрмитажа. Этот отзвук Эрмитажа, который создается в Главном Штабе, и есть главная концепция. Она, в общем-то, выдерживается. Так что пока мне все нравится, хотя мы часто обсуждаем, часто спорим. Вопросы цены – сроков, это все тоже непросто, но пока все идет хорошо. – Какое искусство будет представлено в Главном Штабе? – Как известно, в Главный Штаб переедут 19-20 века и немного 21. Главные для всех импрессионисты, галерея памяти Щукина-Морозова, где будет много чего, не только их коллекции, но и галерея их памяти. Будет прикладное искусство, его ударным моментом станет несколько комнат памяти Фаберже. Коллекция Фаберже, выставки современного ювелирного искусства, библиотека и информационный центр, связанный с ювелирным искусством. Будет много прикладного искусства 19-20 веков, живопись практически всех европейских стран 19 века. Конец 20 века будет пока из чужих собраний, а дальше посмотрим. И будет современное искусство, у него будет свой кусочек, хороший двухсветный зал и еще несколько комнат. – Скажите, правда ли, что был проект архитектора Рема Колхаса относительно существующих залов Эрмитажа? – Не было никаких проектов архитектора Колхаса. Я все пытаюсь объяснить, но все-таки безумно отсталая наша страна – инновации мало кто понимает. Никакого проекта архитектора Колхаса не было. Колхас мой друг, мы с ним работали. Вот только то, что называлось проектом, это не архитектурный проект. Мне от Колхаса никакой архитектуры не нужно, у него своя архитектура, она нам не годится. Нужно его мышление человека, который мыслит пространственно, культурологически, историко-культурно. И в этом смысле, когда мы начинали Главный Штаб и Студия 44 выиграла конкурс, я попросил Колхаса быть консультантом, предложить некий набор альтернативных идей. Не проект в том виде, как он проекты делает, а идеи, как ему кажется. С тем, чтобы и мне было ясно, какие могут быть альтернати-
five o’clock вы Студии 44, и чтобы он оказал влияние на Студию 44. В архитектуре бывает: то, что построят, не похоже на то, что хотели построить архитекторы. Мы делали несколько выставок проектов Студии 44 и колхасовских всяких идей. Это само по себе уже событие в культуре, также как поэтический вечер или спектакль театральный. Когда такой диалог действительно произошел, стало понятнее, что нам делать. Выставки, книги были по этому поводу изданы, была выставка на Венецианской Биеннале таких альтернатив вокруг Главного Штаба. Кое-что повлияло на нынешний проект, в смысле эргономики пространства, движения толпы, потоков людей, это – заслуга Колхаса. Следующий наш проект 20 14, к 250-летию Эрмитажа, представляет набор разных идей о том, каким должен быть музей 21 века. Будут идти ряд мероприятий к нашему 250-летию и разные идеи, которые мы представляем. Они будут отражены в книгах и статьях. Нам кажется, так происходит преодоление негативных моментов, преодоление принципов плохой рыночной экономики, когда все только про деньги, нужно попытаться на время забыть о них. – Еще вопрос: Биржа? Звонит телефон. Входит Секретарь: – Михаил Борисович, Осиевский. МБ говорит по телефону. Сначала тихо, потом громче, чтобы мы слышали: – Да, да. Это была наша идея. Да, музей герба. Да, Валентина Ивановна пока подтвердила. Возвращается к нам. – Вы меня слышали. Но это пока только идея, поскольку биржа пуста и в ней бессмысленно делать настоящую биржу, потому что настоящая биржа электронна. Освобождать было нужно, потому что здание в тяжелом состоянии и ремонтировать его надо несколько лет. Мы предлагаем сделать на материалах Эрмитажа нечто связанное с государственной символикой России. Условно Музей Герба. Там действительно можно монументально разместить очень много. Красивое место, которое будет общественным пространством на стрелке В.О. И саму стрелку объединить, вот там можно будет делать любые концерты над водой. – Чья была идея с государственной символикой? – Понятно чья! Георгия Вадимовича Вилинбахова. Это у него никто не может украсть. Это уже очень давняя идея на самом деле. Мы делали такую
экспозицию в Константиновском дворце, но потом они расширились со своими делами, и мы оттуда уехали. Мы делали выставку 300-летия российского герба, 300 лет российской гвардии, то есть у нас такой опыт есть. Мы помогали делать экспозицию в Кремле. Она не очень большая, все гербы вырезаны из дерева. Они там берут из разных музеев, а мы можем все свое. – Был такой замечательный журнал «Эрмитаж»? – Он и сейчас есть, был только небольшой перерыв в издании. – Будет ли у журнала новая концепция? – Когда он будет готов, тогда мы и расскажем. Был небольшой перерыв, который был связан с кризисом. Сейчас у нас уже есть деньги для того, чтобы его дальше делать. Пока идет разработка новой концепции. Я думаю, к середине лета будет первый номер. Новый главный редактор – это Юрий Молодковец, наш фотограф замечательный, петербургский эрмитажник. Есть идея, что журнал должен стать более изобразительным по своей фактуре, чем текстовымслововым. Поэтому было принято решение, чтобы редактором стал фотограф, который хорошо понимает изобразительную природу Эрмитажа. Нужно уметь подавать нашу коллекцию. За время истории журнала было несколько разных концепций: идея корпоративного журнала, потом идея журнала для всех вообще, журнал красивенький, почти гламурный, журнал более строгий. Сейчас мы попробуем сделать более изобразительный журнал, с картинками, для тех, кто читать не очень хочет, но умеет смотреть и видеть. – Будет ли он-лайн версия? – Когда будет печатный вариант, тогда можно сделать он-лайн. А делать только в интернете – это немножко неправильно. У Эрмитажа есть свой сайт и там свой жанр и своя деятельность. Мы поблагодарили Михаила Борисовича за содержательное интервью. Собственно, это было не интервью, а культурное событие, тот самый поэтический five o’clock. Оно сильно расширило наш и, надеемся, Ваш кругозор в отношении концепции музея 21 века. (4) 2010 galleryspb
45
Сourtesу Русский Музей
five o’clock
--------
Видел, не все, конечно, но большую часть видел, и они не вызывают у меня ни зависти, ни ревности. Открываются – и хорошо.
46
galleryspb (4) 2010
five o’clock
Малевич нашел
свое прибежище в подвалах Владимир Гусев Государственный Русский музей
– Сейчас открывается большое количество новых или вновь отстроенных музеев во всем мире: Рим, Бильбао, Берлин… Видели ли вы какие-то из них, и какие чувства они вызывают? Ведь Русскому музею в этом смысле и повезло, и нет. В его распоряжение было передано большое количество зданий, нуждающихся в реставрации, не всегда простых для экспозиции. – Видел, не все, конечно, но большую часть видел, и они не вызывают у меня ни зависти, ни ревности. Открываются – и хорошо. Но мы работаем в тех условиях и тех зданиях, дворцовых, которые нам отмерены судьбой. Это особенность Русского музея, и в этом и плюсы, и минусы. Если говорить о современном искусстве, то, конечно, это определяет некоторые свои сложности, потому что в дворцовых интерьерах сложнее показывать современное искусство, но в то же время современное искусство нельзя вырывать из контекста всего процесса. Сейчас есть такой перекос, что все музеи должны заниматься только современным искусством, на это есть галереи, а музеи должны отбирать то, что должно отбираться самим временем. Поэтому когда выставки современного искусства вписываются в контекст искусства традиционного, это вызывает диссонанс, но это диссонанс времени, искусство – такое, какое оно есть. Поэтому, в принципе, мы стараемся приспосабливаться к нашим условиям, в которых мы работаем. Поэтому в тех стадиях, которые есть, свои проблемы, свои трудности,
но и особый, кроме того, музейный интерес к самим зданиям. Потому что у самих зданий своя история, своя судьба. И мы всетаки не только музей современного искусства, но и музей исторический: истории изобразительного искусства, истории российской культуры, которую еще недостаточно хорошо знают на западе. Тем более что понятие современности – это понятие, скользящее по времени. Я никогда не понимал и никогда не пойму музей современного искусства. Третьяковская галерея была музеем современного искусства, когда Третьяков ее создавал. Поэтому галерея современного искусства, центр современного искусства – да, музей искусства XX века – может быть, музей искусства XXI века… как он будет называться через 50 лет, когда те вещи, которые закупались сегодня, станут уже классикой или устаревшими, вот какой это будет музей, какого искусства, современного? Вот есть Музей Людвига, это понятно. – Предусмотрено ли открытие экспозиции искусства 20-21 веков, большой коллекцией которого обладает музей? – Предусмотрено открытие экспозиции искусства 20-21 веков, обязательно, это наша беда большая, и вот сейчас мы стараемся, но все задерживается – то ремонтными работами, то нет денег на оборудование. Нам надо завершить ремонтные работы в корпусе Бенуа, прежде всего, и открыть настоящую экспозицию авангарда. Коллекция авангарда Русского музея уникальна тем, (4) 2010 galleryspb
47
five o’clock что это первый пример самоидентификации художников, когда сами художники собрали ядро коллекции. Вещи были переданы в 1926 году, и потом она уже начала обрастать. И конечно, показать искусство 20 века, которое мы абсолютно не показываем. Это безобразие, это плохо, и мы должны как можно быстрее это исправить. – Вам не предлагали других зданий, фабрик, например? – Были в свое время проекты. У нас был проект и строительства центра современного искусства, все это вопросы денег, взять новые территории – это хорошо, но как ими распоряжаться, осваивать… Поэтому мы поняли, что дальше расти, завоевывать новые территории, конечно, увлекательно, но мы знаем, как рушатся империи, и поэтому не хотим создавать ту империю, которая потом рухнет, станет неуправляемой, потому что эти территории надо содержать, надо ими управлять. Уже сейчас эта территория на грани управляемости, чувствуем, что надо остановиться в своем росте. – Каковы дальнейшие программы по развитию музея? Концепция музея в 21 веке: форум или хранилище? – Концепция музея в 21 веке – это и форум, и хранилище. И то, и другое. Думаю, здравый смысл не позволяет остановиться на чем-то одном. Мы продолжаем быть хранилищем. Существуют проблемы хранения и безопастности. Если решать их кардинально – сделать железные помещения и повесить амбарный замок, тогда мы спокойно превращаемся в хранилище. А это должен быть живой музей, обеспечивающий и безопасность, и условия хранения, и в то же время музей интерактивный, где можно провести не один день, и где все возрастные группы могли найти то, что им ближе – историю, современность. Нам все время предлагают какие-то новые территории. Сейчас нам предлагали музей-мутант, такой музейгибрид, клуб, рынок и галерея одновременно. Но вот это уже на какой-то другой территории. А мы должны сочетать и хранение, и показ коллекций. – Создание Международного консультационного совета – это новый этап в развитии внешних связей музея. Прошел год с момента его основания, оправдались ли ожидания, связанные с его созданием? Каковы его цели и стратегия?
48
galleryspb (4) 2010
– Конечно, оправдались. Потому что, во-первых, это имиджевое явление, один состав этого совета чего стоит. Единственное, чего мы не ожидали и не ожидаем от работы конституционного совета – сиюминутных результатов. Задача совета – не привлечение денежных средств, это задача попечителей, работа со спонсорами, это наши подрейтинговые службы, у нас есть попечительский совет, но он в основном российский, а задача международного конституционного совета именно сделать так, чтобы больше людей, корпоративных объединений, банков захотели помогать музею. Сделать музей привлекательным и известным, на западе преодолеть то, что русское искусство не известно за рубежом. Русский музей не известен за рубежом, потому что в течение 20 века мы жили за железным занавесом. Музей много все-таки сделал за последние 20 лет для того, чтобы эту ситуацию изменить, выходить на другой уровень, но вот здесь нам нужна помощь как раз международного совета, чтобы привлекать к музею внимание, менять его имидж, чтобы как можно больше появлялось тех, кто желает музею помогать и привлекать средства, потому как что значит сделать выставку за рубежом? Это несколько сотен тысяч евро, а если хорошая большая выставка, то это миллион и побольше. Бюджет вообще недолюбливает зарубежные выставки, а мы хотим, чтобы все выставки мы делали только на деньги принимающей стороны. – Каковы планы работы Консультационного совета? – Вернуться к авангарду и показать его, показать современный мэйнстрим в русском изобразительном искусстве, официальный и неофициальный. В то же время есть Мраморный дворец, весь посвященный теме «Русское искусство в контексте искусства мирового». Поэтому мы делаем зарубежные выставки, совместные выставки с нашими российскими художниками. Важно, чтобы не было перекоса, когда российский художественный процесс мы показываем недостаточно. Это все в обсуждении, в движении, в развитии. Цели и стратегии конституционного совета я назвал. Это имидж и привлекательность, знание Русского музея. Задачи, которые они себе поставили, чтобы Русский музей занял то место, которое он заслуживает в мировом, художественном и музейном процессе, музейном сообществе. Все-таки это уникальная по полноте моноколлекция наци-
five o’clock онального изобразительного искусства. Такой она была и сложилась в силу какого-то исторического развития России. Из-за этого некая изолированность происходит, а отношение к русскому искусству – как к второстепенному, догоняющему изобразительному искусству – это неправильно. Поэтому изменить – это то, что они стараются сделать. – Отдел новейших течений был создан 20 лет назад, и благодаря этому музей имеет прекрасную коллекцию искусства второй половины 20 в. Каковы его планы сейчас? – Ну, во-первых, отдел новейших течений не появился 20 лет назад, а возобновился. Потому что отдел новейших течений появился в 30-е годы, правда тогда он в основном ограничивался Пуниным Николаем Николаевичем, 1-2 сотрудниками и недолго был, его быстро прикрыли вместе с выставкой Филонова. Русский музей всегда работал с современным искусством. В 20-е годы Малевич нашел свое прибежище в подвалах Русского музея. Хотя он называл музей катафалком, кладбищем, моргом для искусства и к авангарду относился скептически, но в общем-то спас свои вещи как явления культуры благодаря музею, благодаря тому, что нам их передали. Отдел новейших течений мы возобновили для того, чтобы он работал, в первую очередь, с современными художниками, с современным российским художественным процессом. С перестройкой появилась возможность вернуться к авангарду и показать его, показать современный мэйнстрим в русском искусстве: изобразительном, официальном и неофициальном.
лание поменяться на что-нибудь? Что-то менять – это все равно что пересматривать европейские границы. Что-то из наших коллекций попадало в другие музеи, что-то из других музеев после революции. Особенно после революции была такая мешанина, поэтому лучше сейчас эту тему оставить в покое. – Как Вы поддерживаете прекрасную спортивную форму? – За прекрасную спортивную форму спасибо. Но спортивной формы у меня особо нет. Как-то специально ее не поддерживаю. Иногда преодолеваю любовь к вкусной еде и нелюбовь к активным движениям. Заставляю себя гимнастикой заниматься, а так особой спортивной формы у меня нет. Это преувеличено. – Есть ли у Вас в музейном собрании любимый период или художник? Вы ведь, по сути, первый искусствовед-директор Русского музея. – По сути это неверно, потому что и Пушкарев был искусствоведом, который 27 лет был директором, и Владимир Алексеевич, который недавно отметил свой юбилей. Он все время нам помогает, и он тоже искусствовед, поэтому я не первый и не единственный. А вообще я люблю искусство предавангардного периода Серебряного века, когда художественная форма перестала быть только формой для изображения, а стала и самоценной, но еще не самодостаточной, она стала частью содержания, она стала острой, она стала меняться. Это не только изображение, но и выражение. Она балансировала на грани того концептуального искусства, которое пришло с авангардом.
– Нужно ли ожидать новой экспозиции, ориентированной на зрителя, не обладающего большим запасом времени для первичного знакомства с русским искусством? К этой категории относятся, к сожалению, и многие русские посетители. – Пока музейного комикса мы не планируем сделать. Для этого есть наши электронные программы, в которых сотни тысяч посетителей, а перенести в один зал несколько шедевров, которые знают по учебникам родной речи – пока нет таких планов.
– Чем любите заниматься в свободное от искусства время? – Свободное не от искусств, а от работы в сфере искусства. Вы знаете, таких хобби уже нет, люблю наслаждаться свободой, хотя это редко получается, потому что все время голова занята. Все-таки какаято легкая отдушина у меня есть, которая позволяет вспомнить, что чему-то я учился, кроме писем о деньгах, о финансировании.
– Связь русского и зарубежного искусства – Музей Людвига. Не возникало желания поменяться на что-нибудь с Эрмитажем? – Как раз музей Людвига – это такой пример связи русского и зарубежного искусства. Не возникало же-
– Как наше издание может помочь развитию музея? – Вот такой позитивной информацией, заинтересованностью, вниманием. В шутку могу сказать: «материально помогите!», виртуально, конечно. (4) 2010 galleryspb
49
Сourtesу Московский музей современного искусства
five o’clock
50
galleryspb (4) 2010
five o’clock
каждая выставка
должна быть поучительна для посетителей Василий Церетелли Московский музей современного искусства
– После 8-го класса Вы уехали из Тбилиси в Нью-Йорк. Каковы Ваши впечатления об этом – о Нью-Йорке, о Тбилиси? – Прошло много времени, много всего разного произошло. Как я помню, я не очень хотел расставаться со своей школой и уезжать, но так получилось, такие были обстоятельства. – Что запомнилось из детства в Грузии? – Детство было очень интересное и насыщенное приключениями. Учился в 51-й грузинской школе, было много друзей. Помню, как часто нас из школы возили на экскурсии в разные храмы и музеи. Я занимался карате и плаванием, английским и рисованием, а раз в неделю после школы работал в дедушкиной мастерской – учился делать эмали. – Что было интересно в Нью-Йорке и в Америке? – Когда я переехал в Нью-Йорк вместе с бабушкой, то все пришлось начинать с самого начала – помогал ей во всем. Все было ново – автобусы, метро, сложно было ориентироваться в городе. Пару раз меня даже обокрали рядом с 42-й улицей – в то время это был не самый благополучный район. Адаптация в школе тоже, конечно, заняла какое-то время. – Что Вам дало полученное там образование? Чем отличается американская художественная школа от российской или грузинской? – Для меня лично было важно, что я учился и всего достигал сам, не было никаких поблажек. Была возможность изучать все,
что хочешь, – от дизайна до кино, поэтому я пробовал разные предметы. Наверное, главное отличие – это понимание ценности времени. Нужно в максимально короткий срок научить художника базовому реалистическому искусству, чтобы потом посвятить время индивидуальному творческому развитию. Поэтому в США учебные методы и практики постоянно меняются и пересматриваются – это дает хорошие результаты. – Как развивался Московский музей современного искусства? – Музей открылся 10 лет назад в здании на Петровке – первоначальную коллекцию передал Зураб Церетели, а городские власти обеспечили финансирование. С тех пор мы развиваемся очень динамично и, как мне кажется, в нужном направлении. – Когда появились основные площадки? Причины их возникновения – выбор места, архитектура и т.д. – Нам очень повезло, что у нас появились новые площадки: в 2003 году – выставочные залы в Ермолаевском переулке, а в 2007 году – бывшая мастерская Зураба на Тверском бульваре. Эти помещения были необходимы для развития не только выставочной деятельности, но и для хранения коллекции, для комфортного размещения сотрудников, для создания библиотеки, для устройства реставрационных мастерских и так далее. – Уделяете ли вы особое внимание технике экспонирования, эргономике пространства, направлению движения людей, удобству посетителей? (4) 2010 galleryspb
51
five o’clock – Мы всегда пытаемся сделать все возможное, чтобы каждая выставка была и комфортна, и интересна, и поучительна для посетителей. Естественно, архитектура играет огромную роль – наши площадки расположены в исторических зданиях, что накладывает определенные ограничения. Когда музейное здание изначально проектируется под музей, можно учесть больше потребностей, нежели в старинном особняке. – В связи с этим, бывали ли Вы в каких-нибудь только что открывшихся музеях – Рим, Абу-Даби, Берлин и др.? – В тех, которые Вы назвали, я не был, но был в других – Музее Самсунг в Корее, Музее Мори в Японии, Новом Музее в Нью-Йорке, Тейт Модерн в Лондоне, Коллекции Пино в Венеции и других. – Что думаете о них, что понравилось? – Пожалуй, больше всех мне понравились Музей Королевы Софии в Мадриде и Тейт Модерн в Лондоне. Каждый музей имеет свою изюминку, которая проявляется во всем – и в инновационных подходах к экспонированию, и в темах, которые затрагиваются в выставках, и в том, как все организовано, от туалетов до сувенирных магазинов. Вообще, в каждом музее есть что-то, что мне нравится. Я думаю, каждый музей должен найти что-то в окружающем обществе, что важно подчеркнуть – нельзя копировать у других, как по кальке, нужно адаптировать мировой опыт к культуре того места, где музей существует. – Как поживает наша большая заграничная площадка – павильон в Венеции? – Поживает прекрасно – сейчас идет подготовка выставки для архитектурной биеннале. Кураторы проекта – Павел Хорошилов, Сергей Чобан и Григорий Ревзин. – Каково общее состояние, пригодность и прочее? – Павильон не обрушился благодаря помощи «АльфаБанка» и Петра Авена. Теперь вся крыша новая, фасад отреставрирован, сделана гидроизоляция, внутри все покрашено и приведено в порядок. Вся техническая начинка приведена в соответствие с итальянскими законами о пожарной и электробезопасности. На крыше установлен герб России, который был в первоначальном проекте Щусева; копия изготовлена и подарена Зурабом Церетели. – У вас есть небольшой сад рядом с музеем. – Это не сад, это просто городской двор, в котором
52
galleryspb (4) 2010
установлено несколько скульптур. – Нет ли идей развить эту тему, приблизив искусство к природе – как фестиваль Эчиго Тзумари или Фонд Бейлера? – Пока мы об этом не думали, если честно. – Кстати, кто Вы – урбанист или любитель природы? Какая природа и какой город? – Наверное, я скорее урбанист. Я люблю город и жизнь в нем. Энергию природы тоже ценю – тогда, когда отдыхаю. – Какое значение вы уделяете рекламе? Чего в ней больше – популяризации, информации, коммерции? – Реклама – важная составляющая любого дела. Мы стараемся использовать все имеющиеся на сегодняшний день ресурсы для рекламы нашего музея – от интернета до биллбордов. Некоторые рекламные кампании направлены на популяризацию самого бренда музея, другие посвящены отдельным выставкам. Чего у нас нет – так это коммерции, всю наружную рекламу нам предоставляет город по льготным социальным тарифам, так как наш музей городского подчинения. – Каково направление развития ММСИ? – Мы планируем развивать, прежде всего, научную и образовательную работу, будем развивать нашу музейную школу, собираемся организовать постоянно действующий лекторий. Наша главная цель – привлечь нового зрителя в музей, поэтому будем стараться делать больше разных интересных выставок. – Что собираетесь приобретать для коллекции? – Заранее трудно предсказать. Просто периодически появляются работы, важные для музея, и тогда мы делаем все, чтобы их приобрести. – Что особенно интересного есть сейчас в мире искусства? Что нравится Вам лично? – Мне сложно выделить что-то одно, но мне близки социальные темы, когда искусство фокусируется на окружающем мире, подчас критикует общество. – Говоря о личном, чем Вы любите заниматься в свободное от искусства время – пикники, автогонки, кулинария, что-то еще? – Времени, свободного от искусства, всегда очень мало – когда я не занят музеем, хожу на выставки, провожу время с семьей, читаю книги и очень люблю ходить в кино. Иногда готовлю, но очень редко. Спортом занимаюсь от случая к случаю, а автогонки, честно говоря, ни разу не пробовал.
five o’clock
на пляже в эрмитаже В этом сезоне из-за жары в моде мини и бикини. Пляжные тапочки, шорты, обнаженный торс – тоже…
(4) 2010 galleryspb © photo: Елена 53 Андреева
© photo: Елена Андреева
five o’clock
54
galleryspb (4) 2010
© photo: Елена Андреева
five o’clock
(4) 2010 galleryspb
55
имена
автор: Сергей Алексеев
Прощай, король, прощай!
Если ввести в любую поисковую систему Великого и Всемогущего Интернета имя Зигмара Польке (Sigmar Polke, 1941-2010), то нам любезно предоставят «хронологическую» жизнь этого замечательного художника неоэкспрессиониста
Interior view Museum Brandhorst with works by Sigmar Polke © Museum Brandhorst © Photo: Nicole Wilhelms
56
galleryspb (4) 2010
имена …Зигмар Польке. Род. в 1941, Ольсе, Силезия. Немецкий художник. В 1945 переехал с семьей в Тюрингию, в 1953 – в Северный Рейн-Вестфалию. Освоил технику живописи по стеклу (1959–1960), учился в Государственной Художественной Академии Дюссельдорфа (1961–1967)… умер» – все это сопровождается более или менее качественными картинками.
Sigmar Polke, The Spirits That Lend Strength Are Invisible I, 1988 Tellurium and artificial resin on canvas, 157 1/2 x 118 1/8 inch (400 x 300 cm); © The Doris and Donald Fisher Collection and SFMOMA © Sigmar Polke © photo: Lexie Fisher
Благодаря всемирной сети несложно представить ясную линию творческой жизни мастера, которая кажется на удивление спокойной и безоблачной, без бурь гонений и слякоти непризнания. Поступательное движение его популярности как будто еще более усилилось после его смерти. Где бы о нем ни писали – все в восторженных тонах, любимец критиков и публики: «Вива Зигмар! Вива Зигмар!». Отличающиеся смелостью комбинации техник, обилие и некоторая неожиданность материалов – это первое, на что обращают внимание те, кто писал и пишет об этом мастере. И действительно, он перепробовал практически все живописные техники, обращался к коллажу и объектам «редимейд» (готовые вещи), рисовал красками на полиэтиленовой пленке, натянутой на подрамник (Белое облако, 1992, частное собрание; Русская униформа, 1994, частное собрание) и т.д. Особый метод и подход: Польке накладывает друг на друга различные, часто графические изображения и свободно растекшиеся пятна цвета: черный и лиловый, доходящий до розового и яркокрасного (желтый). Подтеки краски иногда образуют невероятные пятна, как, например, в работе «How long is a metre» (Wie lang ist ein Meter), 1996, где бледные подтеки образуют таинственный Мефистофелевский профиль, возможное видение, пригрезившееся во время приема различных психоделических препаратов, которыми увлекался Польке многие годы. Еще одним техническим новшеством стал копиро-
вальный аппарат. Получаемое механическое изображение, которое одновременно обладает свойствами рукодельного и случайного, можно было легко назвать новой техникой печатной графики. Декоративность – одно из лучших качеств произведений этого мастера. Возможно, истоки этого чувства зрелых работ нужно искать в его ранних занятиях живописью по стеклу, витражу. Впрочем, витраж оставался в постоянном интересе его творчества. Витражи в Grossmunster Cathedral, Zurich подобны античному мозаичному стеклу или драгоценному минералогическому собранию 18 века – образец роскоши и чистоты вкуса, цельности его декоративного стиля. В 1963 году Польке вместе с Герхардом Рихтером (Gerhard Richter) и Конрадом Люгом (Konrad Lueg), позднее сменившим фамилию на Фишер, основал движение под названием «капиталистический реализм». Эта группа стала одним из первых влиятельных объединений современных художников, возникших в послевоенной Германии. Конрад Фишер в 1967 году открыл в Дюссельдорфе галерею. Фишер был одним из самых ярых сторонников искусства Польке. Задачей «капиталистических реалистов» было создание работ, отображающих с иронией различные явления повседневной жизни. Давно была замечена очевидная близость их творчества американскому поп-арту. Польке, как и его современник, Рой Лихтенштайн (Roy Lichtenstein), очень интересовал(4) 2010 galleryspb
57
имена ся современной рекламой, ее образами и с большой охотой использовал технику растровых точек в живописи и графике, имитируя технику печати рекламных картинок в журналах и газетах. Однако Лихтенштайн стал более известен широким общественным массам. Польке со временем в своем творчестве отходит от «иронии» над современностью, увлекшись созданием «вневременных» работ, где превалируют фрагменты старинных ксилографий, книжной и рекламной графики 19 – начала 20 века, воспроизводимой в технике классического офорта, с удовольствием демонстрирует свою зрелость. Польке занимался офортом всю свою жизнь, несмотря на слабое зрение. Как говорил сам мастер, со свойственной ему иронией, зрение – «немаловажное составляющее» каждого художника. Заметим, что художник известен главным образом благодаря своим картинам, но он создавал и концептуальные текстовые работы, например, «Лозунги V» (1967). Это произведение целиком состоит из математических примеров, причем решенных намеренно неправильно: «1 + 1 = 3». По словам историка искусства Беньямина Бухло (Benjamin Buchloh), «язвительный аллегорический юмор» таких творений был направлен на «историческую несостоятельность абстрактного искусства и абсурдный пафос, которым сегодня пропитан весь его радикализм». Польке можно причислить к тем мастерам, в лице которых современное искусство, бросив корчить рожи, начало смотреться в двойное зеркало. Картина «Achim Duchow, Skull» (1974, частная коллекция) написана черным на серебристой блестящей ткани. Явление черепа, образуемое изображением модной женщины, сидящей перед туалетным столиком и глядящейся в зеркало (найденное гдето, скорее всего, печатное рекламное изображение конца 19 – начала 20 в.), воздействует на зрителя ошеломляюще. Нужно отметить, что в большинстве своих работ Польке вполне органично связан с традицией «старой» живописи: во-первых, с картинамианаморфозами и, во-вторых, с темой зеркала и отражения в европейской живописи. В выборе материала присутствует свойственное Польке декоративное чувство, впрочем, характерное для многих художников 20 века. Это особое отношение к декоративным тканям и текстилю. Обманка, кунштюк и прочие визуальные фокусы также были не чужды художнику. Создание мифа о себе, образа художника-алхимика и мага чрезвычайно занимает Зигмара Польке
58
galleryspb (4) 2010
в 80-е – 90-е годы. Эта не без претензии попытка мифотворчества художника, несомненно, приближает его биографию к Великим прошлого. Тут можно вспомнить имена Пармиджанино и Леонардо да Винчи… Цель «новой алхимии», поставленная художником, – создание «живых» картин. Это толкает мастера на эксперименты с богатым выбором известных человечеству материалов и веществ (алюминий, барий, калий, цинк, лак, чистые пигменты, хлоркаучук, синтетическая смола, метанол, спирт и др.). Как ни странно, эти эксперименты ни к чему не привели – он не ушел в аскезу, преждевременно не постарел и не умер от отравления, зато появились произведения, окутанные «туманом» и аурой «художникаалхимика». Эти живые-картины, своего рода «гомункулы» во множественном числе, ныне доживают свой век в государственных и частных собраниях. Знаменитый «Котел алхимика» – абстрактная композиция в немецком павильоне на Венецианской Биеннале в 1986 году, была устроена таким образом, что ее поверхность реагировала на внешние «раздражители» (погода, люди). Как говорил сам художник, картины тоже умеют «обижаться»… Это «обидчивое» произведение помогло ему завоевать «Золотого льва» в области живописи. Уместным, наверное, будет и в этом тексте вспомнить слово – «perverse», используемое для характеристики мастера многими, кто писал о нем. «Perverse» – извращенный, безумный, в английском языке слово имеет положительный оттенок – «по-хорошему безумный». Произведения Польке – это попытка мыслить картину и ее вещность как таковую посредством демонстрации оборотной стороны картин сквозь прозрачную основу, где участие балок подрамника играет значительную роль в создании законченного образа картины. В этом направлении он идет до конца. Получая «невидимые ткани», он создает на этих прозрачных поверхностях необычайно живописные пятна цвета или отсутствия его, растекшихся в плоском пространстве изображений с видимой оборотной стороной картины. Так существуют работы, написанные акриловым гелем на прозрачных тканях (Cloud Paintings, 1992); поздние работы серии «Волшебный фонарь» (Laterna magica) исполнены на прозрачном пластике. Декоративность, образность, изобретательность, ирония, сарказм, гротеск, живопись, графика, классический офорт – эти слова, несомненно, приходят на ум любому, видевшему интересное искусство Зигмара Польке.
имена
Sigmar Polke, фрагмент витража Grossmunster Cathedral, Zurich © Photo: Peter Seabright
Sigmar Polke, $-Bild, 1971 Kreide und Dispersion auf Stoff, 120 x 150 cm © Museum Frieder Burda, Baden-Baden © Photo: Museum Frieder Burda (4) 2010 galleryspb
59
имена
автопортреты человеческой энергии
60
galleryspb (4) 2010
имена
Tony Cragg, Installation View, 2010 © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery Tony Cragg, Installation View, 2010 © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery
Тони Крэгг Первый мой опыт знакомства с творчеством ливерпульского скульптора Тони Крэгга был связан с разрушением стереотипов и иллюзий, занимающих мой довольно консервативный мозг. По тогдашнему моему мнению, скульптура должна иметь четкую форму, конкретную законченную композицию, а материал – легко читаться. Просматривая фотографии с его работ, я невольно ловила себя на мысли, что его игра со зрителем поднимает последнего на качественно новый уровень. «Где здесь дерево, где бронза, где пластик?» – постоянно задаешься этим вопросом, однако потом что-то щелкает у тебя в сознании: «Не надо быть настолько скучными и привязанными к материи. Здесь совершенно иная задача, автор преследует другие цели и ждет абсолютно иной глаз зрителя». Мне вспомнились его работы в Кельне и Вене. Для меня, тогда совсем еще юной, его спиралевидные и дырчатые скульптуры были настоящим откровением. Сейчас, вспоминая свои первые впечат-
автор: Мария Алексеева
ления, мне стало интересно: а как воспринимают его работы студенты художественных вузов по всему миру? Проведя опрос, я еще больше утвердилась в своем убеждении, что искусство Тони Крэгга заставляет задуматься. Я приведу здесь наиболее интересные высказывания. Фелипе (Карабодо, Венесуэла): «Я думаю, его работы действительно живы и органичны… Они заставляют в какой-то момент задуматься об истинном смысле существования. Я вижу в них праздник; чтобы показать самый большой смысл всей реальности, энергия переходит через материал и, наполняя его, вновь уходит. Для меня любая идея, абстракция и энергия являются одним и тем же. А реальное осмысление жизни приходит от самого ее проживания, именно поэтому я вижу заключенный в работах Крэгга природный органический смысл. Он заложен не только в формах и очертаниях, но и в понимании самим художником идеи материалов. Его работы – это автопортреты человеческой жизненной энергии». (4) 2010 galleryspb
61
имена Tony Cragg, Installation View, 2010 © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery Tony Cragg, WT (white stone 240), 2010 Detail, Stone, 240 x (ca 120 x 120) cm © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery Tony Cragg, Installation View, 2010 © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery
Тони Крэгг всегда находился и находится в поиске идеального материала. Он начинал в 1970-х годах работать над скульптурами, используя подручные материалы и бытовые предметы, затем перешел к более «классическим» материалам – стали, керамике, стеклу и дереву, но, в конце концов, остановился на пластике. Но и при подавляющем большинстве работ из пластика мы все равно встречаемся с работами и из других материалов. Подчас Крэгга интересует материал не столько как то, из чего можно что-то вырезать или вылепить, а как органично сложившаяся форма, вполне самодостаточная. Так, в 1984 году Крэгг создает свою известную инсталляцию: раскладывает найденные им в лесу куски дерева в виде больших композиций, изображающих голову быка, лодку и рог. Атис (Рига, Латвия): «Среди его работ есть несколько интересных вещей, но большинство из них слишком современны для меня. Очень хорошей стороной является то, что автор для творчества использует множество разнообразных материалов. Он может работать со всем. Это замечательно». Лея (Хорв, Швейцария): «При взгляде на скульптуры Тони Крэгга у меня рождаются разные ассоциации,
62
galleryspb (4) 2010
например футуризм Умберто Боччони и цвет, формы и органические детали Джорджии О'Киф. Крэгг показывает движение, мы смотрим на объект в конкретный момент, и этот момент – момент движения (мы в движении или объект в движении?). За странными, кажущимися природными, скульптурами – лица и тела». Тони Крэгг – самый продаваемый и выставляемый скульптор современности. Он изменил представление о скульптуре, сделал ее технологично прочной, емкой, но не очень дорогой в изготовлении. Все чаще на его персональных выставках появляются работы из сверхновых материалов, например, из кевлара – пуленепробиваемого материала, из которого изготовляют аэробусы. И это не случайно, ибо он родился в семье инженера авиационного производства. Крэгга можно назвать мастером как малого, так и крупного жанра. Его скульптуры смотрятся органично в помещениях музеев и галерей (а также в его мастерской в Дюссельдорфе) и в пространствах улиц и площадей. Действительно, сама энергия создала эти поразительные динамичные скульптуры. Скульптуры, помогающие нам поверить в собственную жизненную силу.
имена
Tony Cragg, Elbow, 2010 Wood, 250 x 102 x 429 cm © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery Tony Cragg, WT (double zig), 2009 Bronze, 140 x 130 x 72 cm © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery Tony Cragg, WT (cube), 2008 Wood, 123 x 120 x 114 cm © Tony Cragg © Courtesy Lisson Gallery
(4) 2010 galleryspb
63
имена
64
galleryspb (4) 2010
имена Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant, 2005 Marble, 139 3/4 x 71 1/16 x 102 3/8 in. (355 x 180.5 x 260 cm) © Photo: Marc Quinn Studio © the artist; Courtesy White Cube Marc Quinn, The Ecstatic Autogenesis of Pamela, 2010 Orbital sanded and flap wheeled lacquered bronze 64 3/16 x 40 9/16 x 30 11/16 in. (163 x 103 x 78 cm) © Photo: Marc Quinn Studio © the artist; Courtesy White Cube
разобщение тела и души Человек-кот или беременный мужчина? автор: Николай Ильин
Широкомасштабное искусство Марка Куинна демонстрирует глубокий интерес к изменчивости тела и дуализмам, определяющим человеческую жизнь: духовного и физического, внешнего и глубинного, интеллектуального и сексуального. Используя беспрецедентное разнообразие материалов, среди которых лед, кровь, стекло, мрамор, свинец, он воплощает парадоксы в экспериментальных, концептуальных работах, в максимально образных формах. Скульптуры, живопись и графика Куинна часто обращены к отчуждению, которое человек в наши дни испытывает по отношению к своему телу, выявляют конфликт «естественного» и «культурного», охвативший душу современного человека. В 1999 году Куинн начал работать над серией мраморных скульптур, изображающих людей с ампутациями, таким образом пересматривая вдохновенные устремления греческих и римских скульпторов и их изображения идеализированного целого. Одна из таких работ – Элисон Лаппер, женщина, рожденная без обеих рук, изображенная на последних месяцах беременности. Куинн впоследствии увеличил эту скульптуру для четвер-
того пьедестала открытой выставки на Трафальгарсквер, где она стала главным произведением искусства. Среди других ключевых тем его работ – генетическая модификация и гибридизация. Например, «Сад» (2000) – это объемная сквозная инсталляция невероятно прекрасных цветов, которые никогда не увянут, а скульптуры «Вечная весна» – это цветы, сохраненные в момент их роскошного цветения путем погружения в силикон при глубоком охлаждении. Куинн исследовал также возможности художественного использования ДНК, создав изображение натурщика путем извлечения молекулярных цепочек ДНК и помещения их в пробирку. «Сад ДНК» (2001) содержит ДНК более 75 видов растений и двух людей: восстановление сада Эдема на клеточном уровне. Своеобразное и поэтичное искусство Куинна размышляет над нашими попытками понять или преодолеть быстротечность человеческой жизни путем научного знания или художественного изображения. Галерея «Уайт Кьюб Хокстон-сквер» (White Cube Hoxton Square) представляет новую серию работ британского художника Марка Куинна (Marc Quinn). (4) 2010 galleryspb
65
имена Выставка объединяет новые работы: «Аллана», «Бак», «Человек-кот», «Челси», «Майкл», «Памела» и «Томас», выполненные в мраморе, бронзе и серебре, изображающие людей, которые подвергались радикальной пластической хирургии и трансформациям, включая гормональную терапию, татуировку, пирсинг, отбеливание кожи, изменение цвета волос, а также имплантации и трансплантации. Куинна всегда интересовала одержимость людей проблемой тела, его совершенствованием и изъянами, и то, как эта одержимость заставила некоторых дойти до чрезвычайной степени изменений своего тела. Серия работ «Совершенство мрамора» ('The Complete Marbles') представляла собой исследование «несовершенных» тел, а в серии «Эволюция» его интересовал момент возникновения физической идентичности человека. Новые скульптуры Куинна, как пишет Иоахим Писсарро в своем эссе, опубликованном в каталоге выставки, это портреты людей, «которые представляют собой пример разобщения тела и души» и которые «открывают новую провокационную главу в его [Куинна] исследовании отношений телесного и духовного, обращаясь к глубинам понятия идентичности в поисках ответа на вопрос: в какой степени человек остается самим собой после косметических операций?» Новые модели Куинна – это подборка, включающая персонажей, любимых бульварной прессой: «Человек-кот» (Деннис Авнер, татуированный под кота) и «беременный мужчина» (Томас Бити), а также порнографические редкости, такие как Бак (мужчина с женским половым органом) и Аллана Старр, мужчина, который довел формы своего тела до идеальной женственности, за исключением пениса. Несмотря на то, что все работы выполнены с натуры, кажется, что эти тела существуют за пределами нормальных границ классификации, представляются почти «транс-гендерными», или «трансматериальными», подвергают сомнению понятие самоидентичности, показывают его хрупкую, сложную и многоуровневую структуру, бесконечно сосуществующую с их внешним физическим «я». Портретные скульптурные работы Куинна «Бак и Аллана» изображают пару держащихся за руки, подобно Адаму и Еве новейшего времени, устремленных к будущему, радикально измененных существ. Скульптура Томаса Бити изображает его на последних месяцах беременности, застенчиво склонившим голову, обнимающим живот двумя руками, подобно Деве
66
galleryspb (4) 2010
Марии в мужском обличье, являющим собой нечто похожее на идею непорочного зачатия. Куинн создал также скульптурные портреты знаменитостей. Памела Андерсон изображена в полированной бронзе, с помещенным у ее плеча изначальным «альтер эго» в виде сросшихся близнецов, с лицом, запрокинутым в экстазе. Два крупных изображения головы Майкла Джексона высечены из черного, белого и розового мрамора. Эти две скульптуры создают диалектическую оппозицию, представляя Майкла Джексона в его наиболее известном облике после многочисленных операций: Майкл чернокожий и Майкл – белый человек. Выставка будет также включать новую серию изображений цветов, выполненных в обращенном цвете, и две большие скульптуры орхидей, выполненных из белой окрашенной бронзы, установленные в Хокстон-сквере напротив галереи. Марк Куинн выставлял свои работы на международных групповых выставках, включая Сонсбек ’93 в Анхеме (1993), «Give and Take», «V&A» в Лондоне (2001), «Statements 7», 50-е Биеннале в Венеции (2003) и Биеннале в Гвангью (2004). Персональные выставки проходили в Галерее Тейт, Лондон (1995), «Kunstverein» в Ганновере (1999), «Фондационе Прада» в Милане (2000), Галерее Тейт в Ливерпуле (2002), Ирландском музее современного искусства в Дублине (2004), Гронингенском музее (2006) и МАКРО в Риме (2006), Музее современного искусства в Монреале (2007) и «Фондасьон Бейлер» в Базеле (2009).
имена
Marc Quinn, Self, 2001 Blood (artist's), stainless steel, perspex and refrigeration equipment 80 11/16 x 25 9/16 x 25 9/16 in. (205 x 65 x 65 cm) © Photo: Marc Quinn Studio © the artist; Courtesy White Cube Marc Quinn, Chelsea Charms, 2009 Marble, 66 3/4 x 23 1/4 x 20 1/2 in. (169.5 x 59 x 52 cm) © Photo: Marc Quinn Studio © the artist; Courtesy White Cube Marc Quinn, Sphinx, 2005 Painted bronze, 34 5/8 x 25 9/16 x 19 11/16 in. (88 x 65 x 50 cm) © Photo: Marc Quinn Studio © the artist; Courtesy White Cube Marc Quinn, Thomas Beatie, 2009 Marble, 98 13/16 x 33 1/16 x 27 9/16 in. (251 x 84 x 70 cm) © Photo: Marc Quinn Studio © the artist; Courtesy White Cube (4) 2010 galleryspb
67
академия
The royal academy of arts
автор: Елена Андреева
242 ежегодная летняя выставка Неотъемлемым событием светской жизни Лондона, таким как Цветочное шоу в Челси, скачки в Аскоте, регата в Henley, стала Летняя выставка (Summer Exhibition in The Royal Academy of Fine Arts). The Royal Academy – это ассоциация художников, которая находится в Лондоне. Она была основана 10 декабря 1768 года. Первая выставка Королевской Академии Художеств открылась 25 апреля 1769 года и представила 136 произведений искусства. С тех пор Summer Exhibition (Летняя выставка) проходит без перерывов каждый год. В этом году было подано 11 000 заявок на участие, из которых было отобрано 1267 произведений. На них пришли посмотреть и успеть поставить red spots до официального открытия светские львицы и модели, поп-звезды и аристократы, 90-летние почтенные академики и юные дарования. В то время как папараццы жужжали у входа как стайка возбужденных подростков, одно громкое имя за другим вываливались из Бентли и Астин Мартинов. Внутри Академии рекою текло шампанское, стеной стояла клубника со сливками, наяривал цыганский джаз. Организовывали и зажигали это шоу знаменитые шмузеры академик Tracey Emin и дизайнер Anya Hindmarch. Главным событием стала речь Стивена Фрая (Stephen John Fry). Темой его рассуждений стали художники и зрители: “В Британии много обществ и организаций, где вы, как художник, будете стоять на социальной лестнице ниже, чем риелтеры, судебные приставы или даже телевизионные актеры и банкиры, но только не здесь. В прессе, на телевидении, в барах, клубах
68
galleryspb (4) 2010
и рабочих местах по всей стране, художники обычно появляются в беседе, только когда их уличают в неком злодеянии против общественной чувствительности, легковерности или благопристойности. В остальном их нехотя терпят, скупо финансируют, неуклюже не понимают или бодро игнорируют. Я не могу говорить за художников хорошо это или плохо, просто некоторые из нас предпочли такой путь. И конечно, никто из нас не может говорить за всех художников, потому что если когда-либо и было разнообразное собрание упорных, упрямых и жестоких индивидуалистов, это – художники: один художник – это политическая партия, два вместе – это противостояние, три художника в одной комнате – это гражданская война… Существует много невысказанных дилемм, стоящих перед посетителем галерей. Должны мы знать факты о художниках и их работах? Должны ли мы говорить? Должны ли мы просто тихо стоять уставившись на работы без комментариев, не показывая, что мы чувствуем, или мы можем посметь сказать, что нам нравится это произведение, или эта форма, или эти цвета? Шепчем ли мы нашему спутнику на ухо, или подражаем тому ужасному позеру, который громко и с видом осведомленного человека говорит о morbidezza, сфумато и золотом сечении?" 30% от продаж заработала Академия, 70% получили авторы. Как сказала Tracey Emin: “Вернисаж был в этом году более элегантным и шикарным. Было приятно увидеть проданные работы, так как студенты благодарны за каждый пенни, который они могут получить”.
© All photo: Елена Андреева
академия
(4) 2010 galleryspb
69
академия
70
galleryspb (4) 2010
академия
(4) 2010 galleryspb
71
фонды
25 февраля 2010 скончался Эрнст Бейлер Он умер тихо, во сне в своем доме в Риэне в возрасте 88 лет
Фонд Бейлера
72
galleryspb (4) 2010
Ernst Beyeler at the Fondation Beyeler in front of Andy Warhol`s Self-Portrait, 1967 © Unknown author
фонды
1. Ernst Beyeler at the Art 25`94, in Basel; Pascale Zoller in the background, June 16, 1994 © Photo: Kurt Wyss, Basel 2. © Photo: Kurt Wyss, Basel 3. Ernst Beyeler, 1993 © Photo: Kurt Wyss, Basel
автор: Апполинария Манова
После долгой и счастливой жизни этот великий человек оставил нас. Его родной город Базель и международный мир искусства во многом обязаны ему – создателю Фонда Beyeler. Эрнст Бейлер был одним из самых успешных торговцев предметами искусства нашего времени. В течение 60 лет в своей Galerie Beyeler на Bäumleingasse, 9 в Базеле он провел более 300 выставок и продал около 16 000 оригинальных произведений искусства известным музеям и частным коллекционерам всего мира. Бейлер и его жена Хилди, которая скончалась 18 июля 2008, были также одаренными коллекционерами и меценатами. Они собрали одну из самых значительных коллекций современного искусства в мире и сделали ее доступной для публики путем создания музея, Фонда Бейлер в Риэне. В 1997 было открыто здание музея, разработанное известным архитектором Ренцо Пьяно. С тех пор Эрнст Бейлер организовал много важных выставок, которые продемонстрировали изобразительное искусство миллионам восторженных посетителей. Уйдя из президентства фонда в 2009, он передал его судьбу, а также судьбу музея в руки Хэнсджерга Виса – президента Совета Фонда, Георга Крайера – президента Совета Директоров, и Сэма Келлера – Директора Музея. Эрнст Бейлер был также одним из основателей Базельской Художественной ярмарки (Art Basel). Активно работая в течение многих десятилетий в комитете Арт Базеля, он способствовал созданию одной из самых важных ежегодных ассамблей для мира искусства. Кроме того, Бейлер был инициатором и организатором крупномасштабных художественных выставок в общественных местах. В дополнение к его большой страсти к искусству, он активно занимался охраной природы и окружающей среды. В 2001 вместе с женой они учредили общество «Искусство для Фонда Тропических лесов». (4) 2010 galleryspb
73
главное Автор: Аннет Самойлова
Barbican | Surreal House Искусство, архитектура и фильм встретились на выставке The Surreal House, представляющей частное жилье как место чудес и желаний. Как говорит первый основатель Сюрреализма, Андрэ Бретон, эта выставка представляет «чудесное», объединяя дом и мечту. Дома с привидениями, пещеры, кунсткамеры, разрушенные замки, клетки, ящики и лабиринты – все это можно обнаружить на этой сюрреалистической выставке. Изучая силу, таинственность и значимость дома в нашем общем воображении, The Surreal House также первая выставка, пробующая «завязать дружбу» между сюрреализмом и архитектурой.
автор: Аннет Самойлова
74
galleryspb (4) 2010
Дизайн выставки принадлежит известному архитектору Кармоди Гроарку (Carmody Groarke). На выставке представлено свыше 170 работ, многие из которых редко выставляемы в Соединенном Королевстве, включающие живопись, графику, фотографию, фильм, инсталляцию и архитектуру. The Surreal House представляет знаковые работы первого поколения сюрреалистов, таких как Сальвадор Дали (Salvador Dali), Рене Магритт (René Magritte) и Альберто Джакометти (Alberto Giacometti) с 1920го по 40-е годы. Также рядом представлены работы Джорджо де Кирико (Giorgio de Chirico) и Ле Фактер Шеваль (Le Facteur Cheval).Современные художники включа-
главное
© photo: Елена Андреева
Claude Cahun, Self portrait (in cupboard), circa 1932 © Courtesy of Jersey Heritage Collections
ют Эдварда Хоппера (Edward Hopper), Луиз Буржуа (Louise Bourgeois) и Ребекки Хорн (Rebecca Horn). Современные архитекторы представлены Ремом Колхасом (Rem Koolhaas), Бернаром Чуми (Bernard Tschumi) и Дилером + Скофидио (Diller + Scofidio), среди прочих. Кинематографисты включают Майю Дерен (Maya Deren), Жана Кокто (Jean Cocteau), Андрея Тарковского (Andrei Tarkovsky) и Яна Шванкмайера (Jan Svankmajer). В день открытия куратор выставки Джейн Алисон (Jane Alison) дала краткое интервью Gallery.spb. GS: Какова основная идея выставки? JA: Сюрреалистический дом – это больше чем машина для жилья, как назвал дом Ле Корбюзье. Это сцена жизни, театр, бьющийся в конвульсиях повседневности, реальное пространство, населенное если не людьми, то привидениями.
GS: Как эта идея отражается в экспозиции? JA: Сначала посетитель попадает в вереницу комнат, включающих ванную, туалет, спальню, гостиную, детскую и погреб. Соединенные переходами, они наполнены жизнью – свет сменяется тьмой, звук тишиной, а теснота пространством. Все это неожиданно и в то же время закономерно, как вдох и выдох. GS: Пародоксально, что туалет представлен работой русских художников. Ведь ни для кого не секрет, что все, что связано с «местом уединения» в советское время, было табу, а потому представляло проблему для жителей – от отсутствия туалетной бумаги до отсутствия публичных туалетов. JA: А у нас есть русские художники? GS: Да. Илья и Эмилия Кабаковы. JA: Действительно. Как мало стала значить национальная принадлежность! (4) 2010 galleryspb
75
слово художника Small Talk: Massimilliano Gioni (директор фонда Nicola Trussardi) и Paul MacCarthy, известный создатель перформансов
Paul McCarthy © Art Basel Conversation | Premiere | Artist Talk © Photo: Art Basel
76
galleryspb (4) 2010
слово художника
Jason Rhoades and Paul McCarthy, Sweet Brown Snail at the Bavariapark and the Verkehrszentrum of the Deutsche Museum in Munich at the Theresienhohe. © Photo: Schlaier
Я сам болезнь MG: Спасибо всем. Не знаю, слышите ли Вы меня на фоне всех этих машин. Из-за них я чувствую себя актером в одном из Ваших кинофильмов, Пол, не так ли? Итак, я просто скажу несколько слов про Пола, а затем дам ему возможность высказаться. Знаете, сегодня утром я воспользовался замечательным сайтом, который называется Googlism. Он синтезирует все страницы Google, в которых можно найти информацию о конкретном человеке, и вот я ввел туда Пола Маккарти, и сейчас прочту Вам полученный мной перечень. Он выглядит так: «Пол Маккарти, возможно, самый известный в мире создатель перформансов. Пол Маккарти – необыкновенно тонкий художник, чьи работы почти исключительно посвящены человеческой деградации. Пол Маккарти – оригиналь-
Art Basel 41 Conversation ный художник с западного побережья. Пол Маккарти известен своей непристойностью. Пол Маккарти – беспокойный человек. Пол Маккарти – калифорнийский художник, чье творчество показывает теневую сторону американской мечты. Пол Маккарти – Вилли Вонка (что действительно мне нравится). Пол Маккарти особенно хорош. Пол Маккарти – потрясающий человек». Полагаю, что разделяю все эти мнения. Также должен сказать – и это будет ремарка личного характера, – что очень привязан к Полу и его творчеству, поскольку видел 2 выставки (его работ) в 1993 г., когда мне было 20 лет, совсем юный возраст. Одна из них была пост-гуманистической – выставка в Castello di Rivoli, в которой его работы занимали центральное место; также две его удивительные работы были показаны в Aperto на Венеци(4) 2010 galleryspb
77
слово художника анском биеннале в 1993 г., и в это время также стали продавать мультфильм Heidi на пиратских VHS кассетах. Фактически, я не испытывал таких ощущений с тех пор, как увидел Heidi, и я начал учить диалоги Пола наизусть, так усердно, что сейчас могу процитировать несколько фраз из его фильмов, например: «Нет, Питер, нет! Отдай мяч Хайди!» или «Папа, вернись сегодня домой с работы, папа, вернись с работы». Встреча с Полом похожа на встречу со звездой, но звездой из самого подземного из миров, так что, полагаю, сегодня, когда он будет говорить, Вам посчастливится увидеть проблеск этого мира в его словах, которые всегда намного сложнее, чем кажется. Знаете, я думаю, что люди считают Вас чем-то вроде безумного экспрессиониста, но, по-моему, за этим образом кроется нечто гораздо большее, как Вы считаете? MC: Ммм… Да! (смеется). MG: Следующий вопрос! (смеется). Итак, давайте начнем с чего-нибудь практического. Недавно Пол открыл выставку в Милане в Trussardi Foundation, где я работаю, и там он представил свое невероятное произведение под названием Pig Island (Остров Свиней). Pig Island – сейчас Вы как раз видите несколько кадров этого произведения – это нечто; я в самом деле не знаю, что это – скульптура, или некая среда, или объект – думаю, что для описания Pig Island лучше всего подходит использованное Вами слово матрица. Это – объект площадью сто квадратных метров, который включает в себя сотни и сотни скульптур, объектов, мусор. Может быть, с этого мы и начнем – что собой представляет Pig Island на самом деле? MC: Ладно, кажется, мы начали, не знаю, я хочу сказать, что… Может быть, все началось еще 10 лет назад: я делал видеозапись со своим сыном, по мотивам «Пиратов Карибского моря», а в Диснейленде есть такой аттракцион, где люди едут в вагонетке и въезжают на холм, а там такая сценка с пиратом, который выглядит пьяным, и что-то вроде дорожки, где бродят свиньи, одна свинья у его ноги, а вторая – с другой стороны – такие маленькие свинки. Он как будто смотрит на свиней, а свиньи смотрят на него. Какое-то странное место, некий подстрочник (скрытый смысл), нечто порочное и фатальное. Однажды (после того, как мы это увидели), мы сделали много кадров этого Диснейленда и сняли фильм
78
galleryspb (4) 2010
на территории этого аттракциона. Однажды я посмотрел на это и подумал: «О, идея заключается в том, что пираты застряли на острове, где нет ничего, кроме свиней. И между этими 3 или 4 пиратами и свиньями начинают складываться какие-то отношения. И все кончилось созданием этого острова, на котором находились люди и свиньи и люди-свиньи», а затем я подумал: «О, я сделаю из этого механический остров с роботами-свиньями и роботами-пиратами. Я сделаю настоящий остров, то есть, искусственный остров. А вы будете ходить вокруг него и смотреть, и там будут эти роботы-пираты». Итак, я изготовил несколько макетов этого острова. В то время я работал над другими вещами, а затем решил, что пора сделать крупную работу. И у меня были эти большие куски пенопласта, блоки белого пенопласта, из которых я вырезал остров, и наконец начал создавать механизированные скульптуры, общий размер проекта составлял примерно 40 х 40 футов. А потом произошло следующее: я поместил блоки в центре студии и нанес на них сетку, чтобы сделать остров, а затем понял, что мне неинтересно создание механического острова, и неинтересно заниматься резьбой по белому пенопласту. Тогда поверх белых блоков я поместил многослойную фанеру, а затем в течение примерно 7 лет я делал скульптуру на блоках. Так что все началось с изготовления скульптуры, и я пришел к созданию чего-то вроде подиума, который представлял собой некий театр внутри студии. Трое из нас ежедневно работали там по 5 часов на протяжении примерно 5 лет, и мне приходилось жить там. За эти 7 лет вещь просто была собрана. Это не был рецепт создания скульптуры, я на самом деле интересовался развитием этого процесса и как бы уделял внимание или наблюдал за тем, что происходило в течение этих 5 лет при создании объекта. Нет, я не выставлял на всеобщее обозрение студию или процесс изготовления объекта. Я просто создавал объект посредством процесса, посредством создания скульптуры, что само по себе является перформансом. И в некотором смысле перформанс оставался закрытым для публики. Его редко снимали на видео и редко фотографировали. А потом, после нескольких лет (работы) на каком-то этапе, я уже был не в состоянии провести четкую границу между своим произведением и остальной студией, и тогда я начал смотреть на студию метафорически, как будто бы в ней был большой занавес и была пустота. А этот
слово художника Paul McCarthy, Static (Pink), 2004-2009 Silicone, stainless steel 271 x 164 x 324 cm, Private collection Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi Courtesy Fondazione Nicola Trussardi, Milano
Paul McCarthy, Paula Jones, 2010 Silicone, aluminum, wood, latex, polyurethane, 170 x 122 x 244 cm Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi Courtesy the artist, Fondazione Nicola Trussardi, Hauser & Wirth
(4) 2010 galleryspb
79
слово художника остров был на краю пустоты. Затем наступил момент, когда я начал думать, что пора делать 2 этажа и двигаться вверх. И собирался строить что-то вроде неба над островом. Итак, нижняя часть, работа над которой не велась в течение стольких лет, перестала быть интересной, и работа переместилась в зону пентхауса, которая была посвящена процессу питья текилы, пребыванию в зеркальной комнате и подъему по лестнице. А нижняя часть – я перестал там работать, и там никого не было, потом надо было уже не создавать скульптуры, а передвигать их. Я переместился в другое здание, и главное было найти кого-то, кто этим займется вместо меня. Я поручил эту задачу 3 парням, а сам уже над этим не работал – они занимались этим. Я велел им не менять положение объекта, я знал, что не должен был этого делать, если бы я сдвинул его, он бы изменился, но если я поручил это кому-то другому, кто считал в то, что оно не должно измениться… MG: А движение является стратегической операцией? MC: Да. MG: Я не знаю, видели ли Вы скульптуру, эту вещь. Чтобы создать общее представление, требуется, помоему, 5 контейнеров, и это было зафиксировано на 24 гигабайтах снимков, а над ее реконструкцией обычно работают 3 человека, то есть, как при археологических раскопках, они осуществляют систематическую реконструкцию. На сборку (объекта) уходит 3–4 недели, а на разборку – тоже. Что мне особенно нравится в этой вещи, так это то, как Вы сказали, что невозможно различить, где заканчивается студия, а где начинается скульптура, и, конечно, когда Вы монтировали это произведение, и когда Вы говорили о нем, я подумал о двух художниках, чье творчество, по моему мнению, имело для Вас огромное значение: это Аллaн Кэпроу и Дитер Рот. Полагаю, что постоянное разрушение этой Вашей вещи особенно роднит ее с вещами Дитера Рота; знаете, недавно в Берлине устанавливали Garden sculpture Дитера Рота, и я думаю, что между ними есть много общего. Также, в известном смысле обе эти вещи – Garden sculpture и Pig Island – похожи на гигантские лодки. В известном смысле, они похожи на плоты. Так что я не знаю, захотите ли Вы об этом говорить. Кроме того, Вас с Аллaном связывали очень близкие и личные отношения, не так ли?
80
galleryspb (4) 2010
MC: Да. Я думаю, возможно, я могу говорить о каждом из них. Я имею в виду Дитера Рота. В ЛосАнджелесе нам было действительно очень трудно увидеть какое-то произведение Дитера Рота. Было одно известное произведение, по крайней мере в Калифорнии, южной Калифорнии. Это вещь Дитера Рота, которая представляла собой сыр в чемодане, и я не думаю, что эта работа очень известна в Европе, в Нью-Йорке или где-нибудь в другом месте, но в истории Лос-Анджелеса, полагаю, она является чем-то значительным, по крайней мере, значительным для творчества этого художника. Но я не видел эту работу. Я приехал в Лос-Анджелес, и летом она была завершена, но я ее не видел, и у меня многие годы действительно не было представления о том, как это выглядело. Я думаю, что именно в этот период, в конце шестидесятых – начале семидесятых, Дитер Рот оказал очень большое влияние на американских художников. Людям моего поколения в то время было по двадцать лет, поэтому увидеть работы Дитера Рота было не так легко, разве что Вы застали 80-е и 90-е годы в Калифорнии. Так что в известном смысле я действительно не знал… Я знал несколько работ, удивительные книги, но, по сути, не знал о конструкциях и особенно о произведениях, которые Вы мне описали. Что касается меня, в ранний период творчества я создавал свои произведения, используя при этом куски обычной древесины размером около 2 на 4 м или фанеру размером 1 на 2 м. Я в течение долгого времени зарабатывал на жизнь и одновременно занимался искусством и конструированием. Так что даже в 60-е гг. использование древесины было чемто естественным. Затем, позже, когда я увидел больше работ Дитера Рота, появился новый подход к использованию древесины в конструкциях. В то время, возможно, существовала некоторая корреляция между моим интересом к морским капитанам и лодкам, и идеей входа в пустоту. Это чем-то похоже на лодку, я имею в виду только клише, связанное с образом лодки в море, в пустоте, и идею капитана. Итак, существовала связь с лодками и пустотой, а затем, полагаю, совпадение в смысле 2 больших лодок. Так эта работа, Pig Island, знаете, прошла путь от острова до… я недавно назвал это плотом, потому что она больше похожа на плот, чем на лодку. Я думаю, что с одной стороны на меня оказал сильное влияние Дитер Рот, а с другой – тот факт, что я не видел этой работы и в некоторых образах есть много совпадений.
слово художника Paul McCarthy, Chair with Butt Plug, 1978 Wooden chair, Doc Johnson butt plug, bolts, 89 x 46 x 43 cm Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi Courtesy the artist, Fondazione Nicola Trussardi, Hauser & Wirth
(4) 2010 galleryspb
81
слово художника MG: Вы встречались с ним? MC: Нет. MG: А с Алланом Кэпроу? MC: О, полагаю, Кэпроу был значительной фигурой в искусстве Лос-Анджелеса начала 70-х гг., поскольку Кэпроу приехал в Лос-Анджелес, жил в НьюЙорке, поехал в Сан-Франциско, затем приехал в Лос-Анджелес в 1967 г. или 1968 г. Это один из главных директоров, стоящих за CalArts, а CalArts был супервлиятельной школой, особенно в период между 68 и 69 гг. и в начале семидесятых. Поскольку ЛосАнджелес – это город, где повсюду галереи, и в этом городе, разумеется, есть культурное пространство. Если говорить о галереях, в то время было организовано можество перформансов, я думаю, благодаря сильной традиции галерей, а также из-за влияния Кэпроу. Полагаю, одно его присутствие в городе играло очень важную роль. MG: Как вы полагаете – я имею в виду, когда Вы переехали в Лос-Анджелес, Вы уже создавали перформансы, так? Как Вы думаете, Ваше собственное творчество стояло особняком или же было связано с тем, что там происходило? Для меня наиболее символичный отличительный элемент Вашего творчества – это идея ношения маски; по моему мнению, в этом заключается существенное отличие Вашего творчества от того перформанса, который существовал до Вас и который будет существовать после Вас. Знаете, до Вас существовало нечто вроде голого экспрессионистского перформанса, а потом Вы начали создавать свои «замаскированные» перформансы, и вдруг акцент сместился с поиска истины на характер персонажа и вымысел, и эта маска в известном смысле устанавливает связь между Вами и Диснейлендом, Голливудом, как мне кажется, одним простым движением вы наметили перелом в развитии перформанса. Каким образом Вы обозначаете связь между своим творчеством и окружением, если Вы вообще это делаете, и где, по-Вашему, проходит граница между Вашим творчеством и окружением? MC: Полагаю, что минимализм объектов, которые я создавал в конце 60-х и в фильме, и в скульптуре, где угодно – это такой минимализм, который возник под влиянием, знаете, минимализма этой эпохи. Я всегда обращался к минимализму с позиций тела. Для меня минимализм всегда означал оболоч-
82
galleryspb (4) 2010
ку с неким внутренним содержанием, и вся суть состояла в этом объекте, он всегда заключал в себе некое внутреннее пространство, и эта внутренность всегда была чем-то вроде пустоты. И меня всегда интересовало то, что я не мог получить доступ к такой пустоте, которая является внутренним содержанием минимализма, что для меня было важно – так это не сама форма, а то, что она содержала пустоту. Итак, произведения, которые я создавал в то время, всегда указывали на то, что внутри объекта находилось нечто. Тогда в скульптурах было внутреннее содержание, к которому Вы не могли получить доступ, – если это был куб, из него торчал хвост, который указывал на то, что в этой вещи была некая внутренняя жизнь, и я таким образом говорил о назначении куба. Таким образом, изображая куб, я имел в виду череп, а изображая другие формы, я имел в виду части тела. Я создал несколько работ, изображающих маску, каждая из них представляла собой просто кусок картона с 2 отверстиями, подвешенный на шнуре. Это было что-то вроде первого настоящего прорыва от минимализма к объекту, как перформансу; зритель мог встать с любой стороны от объекта и заглянуть в эти отверстия. Но главный смысл произведения заключался в том, что меня всецело поглощала мысль о том, что я смотрю на внешний мир через два отверстия в собственной голове. Я забываю об оболочке, череп исчезает, главное – это структура, лицо. Суть этого произведения состояла в том, что человек смотрит наружу через отверстия, в рефлексировании на тему черепа. А потом, в 70-е гг., когда я делал перформанс, я впервые записывал на видеопленку перформанс с применением жидкости. И я предложил оператору, чтобы он не показывал мою голову, снимая только тело. Потом, спустя несколько недель, я создал следующий перформанс, при этом забинтовав голову, так что моя голова была закрыта. И тогда я понял, что все действия, связанные с использованием жидкости, также были связаны с закрыванием головы. Я стал использовать маски только в конце 70-х годов. Две вещи до сих пор остаются в силе: одна из них – образ маски; все маски приобретались в магазинах игрушек, приколов, товаров для Хэллоуина. И это были маски любых популярных в то время персонажей – Мадонны и пр. Это были просто некие готовые варианты, уже готовые, мне оставалось только выбрать один из них. Надевая маску, я мгновенно получал некое художественное решение. Ма-
слово художника Paul McCarthy, Damon McCarthy, Pirate Party, 2005 Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi Courtesy the artist, Fondazione Nicola Trussardi, Hauser & Wirth
Paul McCarthy, Pig Island, 2003-2010 Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi Courtesy the artist, Fondazione Nicola Trussardi, Hauser & Wirth
(4) 2010 galleryspb
83
слово художника ска служила различным целям. Она указывала на то, что моя внутренняя сущность скрыта под маской. Она также изменяла звучание голоса. С одной стороны, использование маски является интуитивным актом, с другой – самым что ни на есть экзистенциальным. Это был способ изоляции своего «я». MG: Эти перформансы всегда предназначались для съемок? По-моему, совершенная Вами революция или сделанный Вами вклад в искусство распространяются и на съемки перформанса. MC: Меня серьезно интересовали экспериментальные фильмы, они вдохновляли меня, меня увлекала камера, как таковая, поскольку я воспринимал камеру как что-то вроде мозга или черепа. Когда в конце 60-х я жил в Сан-Франциско, у меня был период, когда я редко снимал перформансы, в этот период я больше занимался самим действом, нежели снимал его на камеру. В 1970 г. я переехал в ЛосАнджелес, и в тот момент я хотел поступить в кинотехникум, я хотел создавать фильмы. Полагаю, что процесс съемки был для меня таким же значимым, как и живое действо. В то время многие авторы перформансов в Лос-Анджелесе называли свои произведения скульптурой, т.е. называли перформанс скульптурой, а тело – трехмерным объектом. Меня больше интересовал перформанс в живописи, не только сам акт живописи, но и акт создания картины. А создание картины подразумевало использование камеры. MG: А когда вы начали использовать конструкции, в частности, инсталляции? MC: Ну, я часто писал свои ранние картины на досках, и я бы сказал, что они представляют собой двери, а о горизонтальных картинах я бы сказал, что это окна. Т.е. то был непосредственный переход от живописи к архитектуре. Ранние фильмы были посвящены архитектуре. Когда я переехал в Лос-Анджелес, у меня возник настоящий интерес к приобретению Голливудских декораций. В то время я работал в Голливуде, в звуковом киносъемочном павильоне. Декорации были впервые использованы при съемках видео под названием Mother Pig, которые проходили в Сан-Диего. А потом, когда я снимал Family Tyranny и Cultural Soup, я создал специальные декорации для этих роликов. Один из них был создан в конце 70-х, другой в конце 80-х. Bossy Burger представляет
84
galleryspb (4) 2010
собой первую реальную полную инсталляцию, она хранится и экспонируется в Галерее. MG: А затем Вы создали инсталляцию the Garden? MC: Идея the Garden возникла раньше идеи Bossy Burger, хотя инсталляция Bossy Burger была создана раньше the Garden. В этой инсталляции присутствуют 2 механизированные фигуры людей: один из них стоит у дерева, а другой лежит на земле. Тот, который совокупляется с деревом – старший, а тот, который лежит на земле – младший. «Сад» имеет форму прямоугольника. Оба персонажа одеты так, словно они собираются на обед. Создается некоторое впечатление, что старший обучает младшего. Полагаю, что между ними существует некий сговор. При этом я ничего не знаю о внешнем мире. Деревья играют роль экранов, поскольку зрителям приходится смотреть сквозь деревья, и, глядя сквозь деревья, им приходится наклоняться. Сад – это в известном смысле остров. Меня интересовала концепция острова, поскольку создать остров и стены значит создать некие условия, а идея культуры означает, что реальность тоже подчиняется неким заданным условиям, а этой проблемой я интересовался в течение долгого времени. MG: Вы упомянули, что в инсталляции the Garden старший обучает младшего, и фигура патриарха и наставника играет ключевую роль во всех Ваших произведениях. Вы создали буквально галерею патриархов. Было ли сознательным Ваше решение исследовать или даже искажать образы «отцов» Американской культуры? Являетесь ли Вы сами патриархом на данный момент? MC: То же самое с инсталляцией Pig Island – в центре нахожусь я, причем у меня голова Буша, это своего рода маска. Так часто бывает – тело мое, а лицо – патриарха. Мои произведения в некотором смысле эволюционируют. Все началось в 60-е гг., с серий работ, в которых я носил женскую маску, потом я долго использовал маски животных, потом стал носить маски патриархов: я был морским капитаном, дедушкой, президентом. Дальше были персонажи комиксов вроде Popeye, Heidi, Pinocchio, затем Санта Клаус (патриарх). Затем дело дошло до ковбоев и Белоснежки. Патриархи сменяют друг друга. Сейчас меня интересуют простые и понятные личности вроде Буша, Микки Мауса, Бин Ладена или Анжелины Джоли, так или иначе в них есть что-то недосягаемое.
слово художника
Paul McCarthy, Damon McCarthy, F-Fort Party, 2005 2 channels video installation, 30’00” Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi (4) 2010 galleryspb 85& Wirth Courtesy the artist, Fondazione Nicola Trussardi, Hauser
слово художника MG: Как Вы считаете, Ваше творчество, главным образом, посвящено Америке? Ведь многие аспекты Вашего творчества получили признание в Европе раньше, чем в Америке. Ваша фотография попала на обложку журнала Flesh Art в 1993 г., и та же фотография оказалась на обложке Art Forum в 2001 г. MC: Годами мне задают один и тот же вопрос: насколько сильно Калифорния или Лос-Анджелес повлияли на Ваше творчество, и я всегда отвечаю, что их влияние было незначительным. На самом деле я полагаю, что это не так. Мое творчество тесно связано с Америкой и Лос-Анджелесом. Мир искусства, частью которого я являлся, находился в ЛосАнджелесе. MG: Какую роль в Вашем творчестве сыграли зрители? MC: Я создал, наверное, 15 перформансов, на которые допускались все желающие, причем на 7-8 из них присутствовало много людей, говоря «много», я подразумеваю «немногим больше, чем в этой аудитории». Большинство моих работ было предназначено для ограниченного числа зрителей. Энергия людей влияет на то, что Вы делаете. MG: Может быть, кто-то из присутствующих хочет задать вопрос Полу? Некто: Меня очень интересует, как Вы относитесь к венскому акционизму, как вы оцениваете это движение и, прежде всего, конечно, Отто Мюля? MC: Думаю, что узнал об акционизме где-то в конце 60-х. Думаю, что Аллан Кэпроу показал мне чтото. До начала 70-х мне довелось увидеть очень мало работ в стиле акционизма. Они произвели на меня очень сильное впечатление. В начале 60-х я знал
о Густаве Мецкере и Ральфе Ортизе, а также о японском художнике по имени Кудо. Я знал о перформансе и меня интересовала идея разрушения в искусстве, которая присутствовала в работах Мецкера. Таким образом, искусство уже двигалось в этом направлении, когда некий объект создается посредством некоего акта. Однако слово перформанс еще не было в ходу. Акционизм означал столкновение с чем-то очень для меня значимым. Я видел мало работ Мюля, но некоторые из его образов содержат много совпадений; о том, что Мюль использовал маски, я узнал лишь впоследствии. И я полагаю, что жидкости в перформансах стали использовать раньше, чем я об этом узнал, однако я всегда считал, что нечто произошло благодаря жидкостям, и я назвал бы жидкости потоком. Все началось с использования жидкостей. Я приравнивал жидкости к подсознанию. Думаю, это, возможно, связано с идеями Мюля, хотя я никогда не спрашивал его об этом и никогда с ним не беседовал. Однако есть отличия. В ЛосАнджелесе у меня никогда не возникало ощущение, что искусство исцеляет. Некоторые из идей Мюля заключаются в том, что мы в известном смысле способны изменить общество. Полагаю, идея о том, что человек способен повлиять на общество, это что-то вроде идеи общей европейской деревни. Я никогда не считал, что могу изменить Лос-Анджелес. То есть, я никогда не видел себя в роли шамана, целителя или чего-то в этом духе. И никогда не считал, что способен исцелить самого себя. Так что мы очень разные. Искусство для меня не терапия – то есть, занимаясь искусством, я не поправляюсь. Я слишком испорчен. MG: Вы – скорее симптом, нежели лекарство, так? MC: Да, я сам – болезнь.
P.S. от редакции: Мы не маньяки, но поместили все 21 600 знаков этой беседы. Поток сознания выдающегося перфомера захватывает. После прочтения мнения редакции разделились. Одни считают, что весь мир перформанс, другие, что игра, а третьи утверждают, что это сон.
86
galleryspb (4) 2010
слово художника Paul McCarthy, Ketchup Sandwich, 1970 Glass, ketchup, Heinz ketchup bottles, 76 x 76 x 76 cm Installation view, Pig Island, Fondazione Nicola Trussardi © Photo: Marco De Scalzi Courtesy Moderna Museet, Stockholm
(4) 2010 galleryspb
87
artfair
88
galleryspb (4) 2010
artfair Marcus Geiger, Die rote Fahne, 2010 Installation View, 6th Berlin Biennale for Contemporary Art © the artist Courtesy the artist Olga Chernysheva, High Road #8 (3), 2007 b/w photograph, 100 x 150 cm © the artist Courtesy the artist; Galerie Volker Diehl, Berlin; Foxy Production, New York
берлин, берлин автор: Алина Ушакова
Берлинская Биеннале современного искусства, основателями которой являются Эберланд Майнтц и Клаус Бисенбах, проводится с интервалом в дватри года, начиная с 1998. Создание подобного крупномасштабного события, каждый раз все более свободного и разнообразного по идейному содержанию, выдвинуло Берлин на новый уровень в мире современного искусства. Большой интерес к немецкой столице как к самостоятельному культурному центру contemporary art привлекает молодых художников и дизайнеров со всего мира. Атмосфера этого города очень дружелюбна к людям, которые знают, что и как они хотят сказать на языке искусства. В этом году в Берлине проходит шестая по счету Биеннале (11.06.10-08.08.10). Куратором проекта выбрана Катрин Ромберг (Kathrin Rhomberg), для которой участие в международных выставочных мероприятиях происходит не в первый раз: она была одним из ведущих кураторов европейской биеннале в Любляне (2000), вела выставку Романа Ондака (Roman Ondak) в павильоне Чехословакии на 53 биеннале в Венеции, курировала выставки художников (среди них Клемен фон Видемейер) на Венском Сецессионе и Колоннской ассоциации в 2006 году. Что там ждет впереди? – вопрос, которым задается каждый человек в своей жизни, стал основным выводом и заглавием ко всей экспозиции биеннале. Среди повседневного шума, событий, политических кризисов, конфронтаций и сумасшедших открытий
мы перестаем чувствовать связь между миром, о котором говорят, и миром реальным. Наложение этих двух не совпадающих по содержанию картинок порой приводит к паническому вопрошанию: «Что же будет дальше?». Художники в очередной раз предлагают нам вдохнуть-выдохнуть и посмотреть на события со стороны, не переставая, благодаря режиму «от первого лица», активно участвовать в происходящем. Наиболее часто встречаемыми арт-объектами стали видеоинсталляции. Тематика сюжетов различная: от спокойного наблюдения за спящим человеком (Ion Grigorescu «Sleep») до яростных дебатов Марка Було (Mark Boulos «All that is solid melts into Air»). Остро стоящий вопрос межрасового противостояния во Франции коснулся Мохамед Боруса (Mohamed Bourouissa) в фотографической серии «Периферии». И вновь Франция – череда студенческих антиправительственных маршей 2009 года была заснята Бернардом Базилем (Bernard Bazile) на любительскую камеру. Социальная тема вообще оказалась очень актуальной для Берлина, что и неудивительно. Продолжая ту же тему, Минерва Куевас (Minerva Cuevas), на протяжении нескольких лет наблюдающая социальную ситуацию в Мехико-сити, представила видеоработу, на которой запечатлены многолюдные демонстрации. Ольга Чернышева не обходит и тему гастарбайтеров в России. Серия фотографий «Highway road #8» впечатляет яркими и характерны(4) 2010 galleryspb
89
artfair
90
galleryspb (4) 2010
artfair
Sebastian Stumpf, Aus der Serie marcher dans l’air, 2002 10 miniature slides, projection, loop, dimensions variable © the artist; Courtesy the artist; Galerie Kleindienst, Leipzig Ion Grigorescu, Washing, 1976 Performance © the artist; Andreiana Mihail Gallery, Bukarest / Bucharest Courtesy the artist; Andreiana Mihail Gallery, Bukarest / Bucharest Minerva Cuevas, Dissidence v.2.0, 2010 HDV, color, sound, 25’ 43” © the artist; Courtesy the artist; kurimanzutto, México D.F. Алексей Кострома, Оперенный хаос, 2010 Фрагмент инсталляции, 10 х 6 м, белое гусиное перо, 18 вентиляторов © Wilde Gallery, Berlin © Photo: Екатерина Кондратина
ми образами. В целом, выбранные темы для биеннале остро социальны, демонстративны. И крайне субъективны, так как большинство авторов, предпочитая видео-формат, более настойчиво и явно присутствуют в своих работах, как бы говоря: «смотрите, я здесь». Видеоинсталляция отражает небезызвестный конфликт в Нигерии вокруг нефтяных скважин. (Он поместил два разных видеоотрывка напротив друг друга таким образом, чтобы зрители могли наблюдать перекличку истерического шума на одном из крупнейших биржевых рынков в Чикаго и агрессивные ритуальные танцы вооруженных пиратов Нигерии. Обе стороны, находясь в споре, который развязался(?) в связи с отказом правительства Нигерии принимать требования местного населения национализировать нефтяные скважины, формально принадлежащие частным компаниям Старого и Нового Света, демонстрируют алчность сложившегося мирового общества, с одной стороны, и безудержную ненависть угнетенных людей маленькой (4) 2010 galleryspb
91
artfair
© photo: Лиана Солонкина
все в базель! СОВРЕМЕННОЕ искусство – фьючерсный рынок, где слово «производный» считается ругательным. На ярмарке Art Basel, завершившейся 20 июня, было произнесено много фраз, заимствованных на финансовых рынках. Чтобы успешно противостоять почти нулевым процентным ставкам и непредсказуемым колебаниям курса валют, искусству необходим потенциал глобального рынка. Так, термин «местный художник» стал синонимом для второстепенного художника, а термин «национальный» звучит как приговор с оттенком похвалы. Термин «интернациональный» сам по себе является коммерческим аргументом. Опираясь на поддержку банков и королевских особ, международные художественные ярмарки распространяют доверие к современному искусству. UBS спонсирует Art Basel и родственную ярмарку Art Basel Miami Beach, Deutsche Bank субсидирует лондонскую Frieze Fair и Hong Kong International Art Fair. На Ближнем Востоке местные правители патрониру-
92
galleryspb (4) 2010
автор: Сара Торнтон (author «Seven days in the art World»)
ют ярмарки Art Dubai и Abu Dhabi Art. Художественные ярмарки ускоряют выход художников на межнациональный уровень, и Art Basel в этом смысле является бесспорным лидером, отчасти это связано с тем, что эта ярмарка всегда позиционировала себя как международная ярмарка. В этом году она прошла в 41 раз и представила 300 галерей из 37 стран. Чтобы эта глобальная смесь была по-настоящему разнообразной, необходима тщательная работа кураторов. Как предупреждает Люси Митчелл-Иннес из Нью-йоркской галереи Mitchell Innes & Nash: «Если на четырех или пяти стендах выставлены работы одного художника – это уже проблема. Хорошая международная ярмарка заинтересована в том, чтобы китайские галереи привозили работы талантливых китайских художников, а не еще одного Энтони Гормли». Глобализация искусства имеет много аспектов. Марк Шпиглер (Marc Spiegler) и Аннет Шонхольцер (Annette Schönholzer), соруководители Art Basel,
artfair предполагают, что частные коллекции интернационализируются в процессе расширения. «Зачастую коллекционеры начинают с приобретения произведений искусства своей страны, затем своего региона, затем – со всего мира,» – объясняет г-н Шпиглер. Иерархия ярмарок отличается от иерархии аукционного рынка. Главными тремя городами для проведения аукционов являются Нью-Йорк, Лондон и Гонконг, в указанном порядке. Но иерархия ярмарок спорная. Все соглашаются, что первое место занимает Базель, но остается неясным, какой город занимает второе – Майами или Лондон. А также, кто занимает третье место – Нью-Йорк, с ярмарками Armory Show и Art Dealers Association of America show, или Париж с ярмаркой FIAC. Ситуация на нижних ступеньках иерархии еще более изменчива. Мадридская ярмарка ARCO раньше была наиболее значимой ярмаркой для галерей из Южной и Латинской Америки, но эту позицию теперь захватила ярмарка Майами. Теперь ARCO воспринимается скорее как второстепенное мероприятие для испанских профессиональных игроков, нежели значимое событие в мире бизнеса. Два новичка устроили всем встряску. В ярмарке Hong Kong International Art Fair Ярмарка, которая прошла в конце мая, участвовали 155 галерей из 29 стран. Гонконг – это финансовый и географический центр Азии, транспортный узел, где люди с Запада и Востока чувствуют себя как дома, и где с произведений искусства не взимают пошлин. Нью-йоркская галерея Lehmann Maupin была одной из многих участников,
Galerie Hans Mayer, Düsseldorf © Art Basel
довольных ее результатами. Поскольку Lehmann Maupin является первичным дилером произведений ряда азиатских художников, включая До Хо Су, известного художника из Южной Кореи, предлагаемые этой галереей работы привлекли покупателей со всех азиатских стран, которые хлынули в город. Еще одна ярмарка, ставшая предметом многих дискуссий, – Abu Dhabi Art. В прошлом ноябре она принимала 50 галерей из 19 стран, в качестве первого шага навстречу интересным гостям в масштабном проекте по строительству музея, который впервые откроется в 2013 г. Руководство галереи David Zwirner Gallery убедил участвовать в следующем выпуске ярмарки Ричард Армстронг, директор Музея Guggenheim. Как пояснил г-н Цвирнер: «Скоро откроется Guggenheim Abu Dhabi, поэтому они должны поторопиться со своей программой привлечения (участников). Следовательно, ярмарка – ключевое событие. Моя бизнес–модель опирается на просвещение публики посредством музеев». Глобализация искусства не сводится только к деньгам. Параллельно рыночным структурам развиваются все больше некоммерческих биеннале. Массимилиано Джони, куратор, офисы которого находятся в Милане и Нью-Йорке, делавший обзор биеннале Gwangju, который открывается в Южной Корее в сентябре, вспоминал, что авангард был «построен на межнациональном сообществе родственных душ», – и добавил: «Иногда мне очень этого хочется». Искусство часто стремилось к универсальным ценностям. Возможно, оно наконец сумеет их обрести.
Lehmann Maupin, New York © Art Basel
(4) 2010 galleryspb
93
artfair
art | basel 1. NYC's Sperone Westwater, Evan Penny, Michael (Variation #1), 2010 © Photo: Ksenia Landa 2. Arataniurano, Tokyo © Art Basel 3. Tony Shafrazi Gallery, New York © Art Basel 4. © Photo: Ksenia Landa 5. Sakshi Gallery, Chen Chieh-Jen, Factory, 2003 © Art Basel 6. Anna Schwartz Gallery, Shaun Gladwell, Figure Firearm Study, 2010 © Art Basel 7. Neugerriemschneider, Berlin © Art Basel 8. Galeria Fortes Vilaça, São Paulo © Art Basel 9. © Photo: Ksenia Landa 10. Galerie Mezzanin, Wien © Art Basel 11. Galerie Hans Mayer, Düsseldorf © Art Basel 12. © Photo: Ksenia Landa 13. Team Gallery, New York © Art Basel 14. Galeria Fortes Vilaça, São Paulo © Art Basel 15. Metro Pictures, John Miller, An Abdication of Logical Thinking, 2009 © Art Basel 16. Rokeby, Bettina Buck, In Shape In Control, 2009 © Art Basel 17. A Gentil Carioca, Rio de Janeiro © Art Basel
94
galleryspb (4) 2010
artfair
(4) 2010 galleryspb
95
artfair
96
galleryspb (4) 2010
artfair
(4) 2010 galleryspb
97
artfair
98
galleryspb (4) 2010
artfair
(4) 2010 galleryspb
99
artfair
100
galleryspb (4) 2010
artfair
(4) 2010 galleryspb
101
artfair
102
galleryspb (4) 2010
artfair
(4) 2010 galleryspb
103
Основы рисунка
www. 4 -art.org
Первое и единственное за последние 30 лет официальное издание, выпущенное Институтом им. И.Е. Репина по академическому рисунку и удостоенное серебряной медали Академии Художеств. Немногословное, хорошо иллюстрированное таблицами, фотографиями с анатомических слепков, схемами, рисунками старых мастеров, учебное пособие передает систему академического рисования и наглядно показывает этапы ведения работ.