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N OTA S C O R TA S

19

SANTIAGO RONCAGLIOLO Su nuevo libro, Líbranos del mal, y los recuerdos de su vida en México

24 LAMBORGHINI

CELEBRA A MÉXICO Homenaje a nuestro

país con cuatro ediciones especiales 28 GET THE LOOK

El amante bandido: Miguel Bosé

en los bellos escenarios de Los Cabos 32 DESCUBRIENDO AL...

Enigmático Zack Baia 40 NO TODO ES MALO

30 LO MEJOR DE LA

ALTA SARTORIA Dolce&Gabbana

Revolución tecnológica tras la pandemia

TOM HARDY FOTOGRAFIADO POR GREG WILLIAMS Saco café en lana y mohair, y suéter de cuello de tortuga en tejido técnico con acanalado café, ambos de Dior

E N P O R TA DA

66 TOM HARDY,

EN PORTADA Encuentro dividido en cinco capítulos con la estrella de cine que protagoniza Venom 2 (estreno mundial en cines el 15 de septiembre) 78 LA INCREÍBLE

HISTORIA Detrás del ambicioso proyecto de Pixar 84 ¡VISTÁMONOS

MEXICANO! En el mes de nuestra independencia, un shooting especial con una selección de las mejores marcas nacionales 98 TE QUEREMOS,

ERNEST En el sexagésimo aniversario de su muerte, viajamos por los años cuando Hemingway fue autor de Esquire

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A L F O N S O PA R R A DIRECTOR EDITORIAL aparrab@televisa.com.mx PABLO ENRÍQUEZ Director de Arte penriquezli@televisa.com.mx IKERNE MESTRE Coordinadora de Moda imestrel@televisa.com.mx JOSÉ ANTONIO BLASCO COLINA Corrector de Estilo ISADORA GALLART Redes Sociales

H E A R S T M A G A Z I N E S I N T E R N AT I O N A L Debi Chirichella President, Hearst Magazines Kim St. Clair Bodden, SVP/Editorial & Brand Director Chloe O’Brien, Deputy Brands Director EDICIONES INTERNACIONALES Alemania: DOMINIK SCHUETTE China: WEN HONGWEI España: JORGE ALCALDE Estados Unidos: MICHAEL SEBASTIAN

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#DRIVEYOURSTORY

CAR R E RA CH AM P IO N6 5

te ejercicio de hacer revistas, forja relaciones naturales y especiales –unas más cercanas que otras, casi siempre cálidas y enriquecedoras– con el equipo de periodistas, escritores, fotógrafos e ilustradores, traductores, correctores de estilo y otros profesionales que añaden talento y entusiasmo al trabajo de cada edición. En esto pienso al leer el cautivante texto de Adrienne Westfeld que les traemos: a propósito del estreno del documental Hemingway, producido por PBS, Westfeld recuerda cómo el genial autor de El Viejo y el mar fue colaborador permanente de Esquire desde 1933, cuando nuestra publicación vio la vida. Arnold Gingrich, su fundador, lo consideraba “uno de los mejores amigos que ha tenido esta revista”. Se conocieron, evoca Adrienne, por casualidad un año antes, en House of Books, la tradicional librería neoyorquina. Sin adelantar mucho más en esta carta (el texto merece ser “devorado” en su integridad), sí les contamos que a raíz del primer texto de Ernest Hemingway –la “Carta cubana” titulada Marlin Off the Morro–, las ventas del número inaugural se dispararon hasta agotarse. El novelista convencería a Gingrich de duplicar su salario y lo convirtió en un célebre cazatalentos de escritores famosos al presentarle –y sumarlos en la redacción– a personajes como F. Scott Fitzgerald, Ezra Pound y John Dos Passos, sembrando la tradición periodística y literaria que goza Esquire desde entonces. Así, los invitamos a sumergirse en el exquisito número de septiembre que preparamos para ustedes, queridos lectores, desde la entrevista con el formidable Tom Hardy, nuestro “hombre portada” a propósito del esperado estreno de Vendom 2, pasando por la guía Big Drinks Book –sorpresiva, llena de temas interesantes–, y el shooting de orgullo patrio para celebrar la independencia de México: demostramos el notable nivel de los diseñadores nacionales de moda para hombre (¡depende de ti darles un lugar en tu guardaropa!). Disfruten de Esquire México y los esperamos, también, en esquirelat.com– y redes sociales. ¡Gran abrazo!

—Alfonso Parra

GREG WILLIAMS @gregwilliamsphotography Entre los fotógrafos de entretenimiento más aclamados, su nombre y retratos sinceros son sinónimos de auténtico glamour. Es el autor del shooting de portada, con el gran Tom Hardy.

GENARO LOZANO @genarolozano Politólogo e internacionalista.

Profesor, activista, ciclista urbano y vegano. Lector y viajero. Ama cocinar y el buen vino. Es un gusto tenerlo en Esquire México a partir de este mes.

DAN CROSBY @dan_crosby2 Fotógrafo de moda y comercial, amante de los gatos, las películas de terror y los videojuegos. Trabajar con Dan resulta un placer: este mes, vean el shoot de moda mexicana que nos dedicó.

MÓNICA ISABEL PÉREZ @monicaisabelperez_ Destaca entre las periodistas de estilo de vida más conocedoras de su fuente; disfruta escribir y lo hace con aguda meticulosidad.

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EL EXTRANJERO Escritor, guionista y periodista peruano, SANTIAGO RONCAGLIOLO trata en su más reciente libro, Y líbranos del mal, un tema tan sensible como inquietante: los abusos sexuales a menores por los líderes de una comunidad religiosa de Perú.

Por DÉBORAH URANG A 19 s e p t i e m b r e 2021

Santiago Roncagliolo (Perú, 1975) es un hombre afable y generoso que no parece ni suena a un revolucionario.

Pero su mirada es aguda y se traduce en novelas que buscan saber de donde surge el mal, tarea no apta para quienes carecen de rebeldía. Así desmenuza los dilemas sociales, sobre todo los religiosos, que atraviesan nuestra forma de vivir y pensar; que definen de lo que a veces nos es difícil hablar y que, por incomodidad, se había quedado en el silencio. Por ejemplo, el abuso sexual a menores desde la religión, el tema de su más reciente novela, Y líbranos del mal (Seix Barral), la primera en cinco años.

Sigue la historia de Jimmy, un adolescente peruano que vive con sus padres en Nueva York. Cuando su abuela enferma y su padre, Sebastián, decide no ir a cuidarla, Jimmy regresa a Perú, donde descubre –involuntariamente y poco a poco– secretos familiares. Esos secretos se parecen a la historia de Marcial Maciel en México, o a la de los abusos maristas en Barcelona o los casos de pederastia por parte de clérigos católicos en Chile, pero Roncagliolo decide desentrañar desde la ficción —“porque no hay ninguna otra forma de hacerlo”— una de las historias más polémicas en su país: la del Sodalicio de Vida Cristiana, una secta católica peruana elitista en la que se cometían abusos contra menores, como en las de muchas otras partes del mundo.

El ganador en 2006 del Premio Alfaguara de Novela por Abril rojo —el primer escritor de origen peruano en hacerlo— dedicó el 2020 a escribir guiones de cine y televisión. Y líbranos del mal está dedicado a todos aquellos con quienes escribió esos guiones y, dice, le salvaron la vida durante el confinamiento. “Con todo el mundo encerrado en su casa, empezó a crecer el mercado de las series y me llamaron para escribir documentales y ficción. Fue una experiencia fascinante porque es un trabajo de equipo. Ser escritor, en cambio, es encerrarte en tu cabeza y luego viajar por el mundo para hablar de ti mismo”.

ESQUIRE: ¿CÓMO HAS DELINEADO A LOS PERSONAJES QUE VIVEN EN EL BORDE DEL BIEN Y DEL MAL?

Mis libros siempre exploran el mal. Busco saber por qué gente “normal” hace cosas atroces. Al inicio yo solo tenía algunas puntas del iceberg de esta historia. Conocía un caso real y a personas que de alguna u otra forma habían estado cerca. Cada uno me contaSANTIAGO RONCAGLIOLO:

ba pedazos distintos de una u otra historia, pero sabía que nunca llegaría al final, porque las voces más importantes no me hablarían. Ahí supe que debía hacer una novela, porque la realidad no me daría las respuestas que busqué en la ficción.

Y líbranos del mal se construye sobre los silencios. Mi reto creativo fue pensar que, al leerlo, todos supieran lo que sucedió detrás de las puertas sin tener que enunciarlo. Y muchas veces todos imaginan lo mismo, pero muchas otras no. Hay quienes tienen lecturas muy diferentes sobre lo que escribí. Ya alguien me ha dicho que esta es una historia de amor que, en otras circunstancias, habría sido normal; incluso intrascendente para los protagonistas, pero como sucede en el infierno… Yo no lo había visto así. Cada lector completa la novela de manera muy diferente y es lo fascinante de publicar libros.

Me pregunto si alguien que no es católico se imagina lo mismo que quienes sí lo son. Porque la historia trata de lo que calla la religión católica.

EL REGRESO

Y libranos del mal es el más reciente trabajo de Roncagliolo tras cinco años de ausencia del mundo editorial

ESQ: ESTAMOS ATRAVESADOS POR LA RELIGIÓN Y LA CULTURA JUDEOCRISTIANA…

S: Definitivamente… y, ¿quién lo iba a de-

cir? En realidad, yo soy un escritor muy católico. Todos mis libros son sobre eso: el bien y el mal, la figura del padre, la culpa… son temas de una marca católica. Además, las historias que escribo son inquietantes y la religión siempre me da material para eso. En parte porque lidia con lo desconocido, con la muerte, con lo trascendente y es lo que descoloca.

La religión nos dice de qué podemos hablar y de qué no, de lo que es tabú. Y eso es lo que les pasa a mis personajes, por eso no hablan de lo que pasa.

del karma. El daño que haces —intencional o no— el universo lo equilibra devolviéndotelo. Suena más sano que la versión católica. Pero las religiones en general me interesan. He ido a ritos musulmanes o de naturalistas en la selva o de ortodoxos.

Me interesa ese ritual de conexión de una comunidad con lo trascendente, es lo que al final siempre atraviesa mis historias.

ESQ: SEBASTIÁN Y JIMMY, LOS PROTAGONISTAS

ESQ: ¿DE DÓNDE SURGE EL MAL?

DE TU LIBRO, VIVEN EL PASADO DE DISTINTAS FORMAS, ¿ES POSIBLE LIBERARSE DE ÉL EN ALGÚN MOMENTO DE LA VIDA?

S: El pasado nos determina. Puedes elegir

no conocerlo, que es lo que ha hecho el personaje Sebastián, pero él no es dueño por completo del suyo, porque su pasado también es de su hijo, Jimmy. Este decide ir a buscarlo y enfrentarlo. Cada persona toma su camino con respecto al pasado, puedes decidir verlo o intentar ignorarlo, pero siempre está ahí.

ESQ: EL PESO DE LA CULPA APLASTA, ¿ALGÚN DÍA LOGRARÍAMOS VIVIR SIN ELLA?

S: Bueno, no sé si eso sea una buena idea.

Los budistas tienen una concepción que me gusta mucho: no hablan de culpa sino

S: Creemos que hay víctimas y victimarios,

pero también hay victimarios que fueron víctimas. Me interesa explorar la idea inquietante de cómo el mal viene empaquetado de bien; está entremezclado. En este caso me interesaba exponer que el abuso es un daño que viene de alguien quien dice quererte o que tú crees que te quiere.

Así que todos los garantes de esa relación llena de maldad y que puede ser entre padre a hijo, maestro a discípulo, o de pareja, se convierten en cómplices porque creen que eso es un problema personal y el mejor refugio para el daño ocurre en el silencio. Estaban movidas por la idea noble de la búsqueda del amor; pero cuando no conoces el amor, lo confundes con cualquier otra cosa.

F OTO C O R T E S Í A S E I X B A R R A L

N O TA S C O R TA S D E S C U B R I E N D O E L M A L

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ESQ: EL ABUSO SEXUAL HA ESTADO PRESENTE EN LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD, ¿ES UNA ILUSIÓN PENSAR QUE HEMOS EVOLUCIONADO AL RESPECTO?

S: Sí, el abuso siempre ha estado presente,

pero al menos ahora ya se puede hablar de ello. Durante muchos años no se hablaba y muchos que habían sido víctimas no lo sabían hasta que varios años después vieron en la televisión otros casos y reconocieron que aquello también les había pasado a ellos. Eso es un cambio muy importante que lo que ha transformado todo.

Todas las sociedades tienen cosas de las que no hablan y de las que prefieren fingir que no están y es lo que sucede en el caso de los abusos. Pero cuando se rasgan los silencios, cuando se puede echar luz en la oscuridad, ya no es posible ampararte en ella.

Y VIVES EN BARCELONA… ¿QUÉ RECUERDOS TIENES DE TU INFANCIA EN MÉXICO?

S: Recuerdo el vecindario donde vivía (por

Río Mixcoac y Barranca del Muerto) y el colegio al que iba. Era uno pequeñito, mixto y laico, en contraste con el que fui en Lima: uno enorme, religioso y de solo hombres… que posiblemente es la razón por las que escribo esas historias de terror. México siempre representó un lugar maravilloso porque cuando volví a Perú era un país en guerra. Tal vez la Ciudad de México nunca fue tan esplendorosa, pero comparado con lo que viví después, representaba un ideal platónico y pacífico. Mis recuerdos de México son los de un niño: los dulces sabor a cajeta —que era el mejor que te podía tocar—, pero también recuerdo las reuniones y las amistades de mis padres (Rafael Roncagliolo y Catalina Lohman, intelectuales comprometidos democráticamente), refugiados de otras dictaduras del continente. Siempre conviví con chilenos, argentinos, uruguayos… crecí entre ellos. De México es el primer recuerdo que tengo. Yo, de niño de tres años: el mar de Zihuatanejo, Guerrero, un barco, un periódico y un pato. Nunca he vuelto ahí, pero he viajado a Mérida, Guadalajara, Coahuila, Sinaloa… a ciudades donde hay ferias de libros. México es un país que puedes recorrer, en comparación de muchos otros en los que solo se visita la capital. Recuerdo haber ido en tren a Veracruz y a Guanajuato, donde conocí las momias y me pareció alucinante.

ESQ: AHORA TIENES 15 AÑOS VIVIENDO EN BARCELONA Y HAS VISTO LA TRANSICIÓN DE

UNA EUROPA ABIERTA Y COMUNITARIA HACIA UNA MÁS CERRADA.

S: Yo antes era más español y ahora soy más latinoamericano. Es increíble porque he pasado más tiempo en España que en ningún otro lugar, y mientras más estoy acá, más trabajo en América Latina. Ahora la mirada de la gente se concentra en lo que se les parece. Pasa en todo, en el tema nacional, en las ideologías y religiones. Vivimos una época cada vez más tribal: eliges tu tribu y tienes que liberarte del otro, de ser posible destruir a ese otro. Eso te deja en una tierra de nadie.

Este es un mundo cada vez más sectario, donde muchos están seguros de que hay que matar a la gente que no piensa como ellos. Escribir historias es una manera de entender mejor a las personas que no se parecen a ti, aquellas que acabarían contigo. Yo soy extranjero en todas partes y mi mirada es rara en todas partes, porque nunca he pertenecido a ninguna tribu.

Es un desastre para mi vida, pero resulta fenomenal para ser escritor. Amortizo mis desgracias contando historias, pero envidio a la gente que tiene un grupo al cual pertenecer y se siente muy seguro y refugiado. No estaría mal tenerlo. Si no terminas de encajar es una vida difícil y en tiempos de polaridad política se nota más. Mis protagonistas son siempre esos que no encuentran su lugar en su entorno.

ESQ: ¿QUÉ LEES, ESCUCHAS Y VES AHORA?

Leo Klara y el sol, de Kazuo Ishiguro.

Es una joya. En la música estoy en una faceta combinada de rock ochentero y, simultáneamente, de música africana.

Pero después pasaré a otras cosas. Y en la televisión veo La historia de Lisey, en Apple+, de Pablo Larraín con guion de Stephen King. Es increíble, creo que se han encontrado por fin esos dos.

S:

ESQ: ¿CUÁL SERÁ TU SIGUIENTE HISTORIA POR CONTAR?

S: Tengo muchas historias chilangas, pero no de libros. Durante el confinamiento trabajé a distancia con equipos creativos mexicanos en guiones de series, como Toda la sangre, que ahora se está grabando, basada en novelas de Bernardo Esquinca.

También tengo un podcast en Storytel, El accidente, una audioserie en voz de Vanessa Bauche, quien tiene un talento bárbaro para darle una entonación increíble.

N O TA S C O R TA S D E S C U B R I E N D O E L M A L

ESQ: NACISTE EN LIMA, CRECISTE EN MÉXICO

MIS RECUERDOS DE MÉXICO SON LOS DE UN NIÑO: LOS DULCES SBOR A CAJETA, PERO TAMBIÉN LAS AMISTADES DE MIS PADRES

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NO TA S C O R TA S AQ U Í VA M O S D E N U E VO

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FRANCO Sundown, la película del director mexicano que ha conquistado Cannes, se prepara para su estreno en Venecia, donde probablemente dividirá nuevamente las reacciones.

Por MARIANA

en

ACAPULCO

MIJARES

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LUEGO DE OBTENER EL LEÓN DE PLATA en Venecia el año

pasado, Nuevo orden se convirtió en una de las películas más esperadas. Sin embargo, al lanzarse el trailer –el más visto en la historia de las producciones de Videocine con más de cinco millones de reproducciones–, las reacciones sobre la cinta de Michel Franco se polarizaron. Ahora, el director mexicano competirá nuevamente en Venecia con Sundown, producción en la que repite colaboración con Tim Roth y que se desarrolla alrededor de una familia inglesa que ve interrumpidas sus vacaciones en Acapulco por una llamada que provocará la transformación de los personajes.

ESQUIRE: REGRESAS A VENECIA LUEGO DE GANAR EL LEÓN DE PLATA POR NUEVO ORDEN, ¿POR QUÉ ESTRENAR SUNDOWN EN ESTE FESTIVAL Y NO EN CANNES, DONDE HAS FIGURADO EN CUATRO EDICIONES?

desde niño. Además, la escribí en una crisis personal al llegar a la “edad media”. Hay gente que me dice que estoy muy joven pero cumplir 40 años me movió muchas cosas y así salió esta historia de la que no te puedo contar más sin echar a perder las sorpresas...

ESQ. ¿DIRÍAS QUE ACAPULCO SE VUELVE OTRO PERSONAJE DENTRO DE LA HISTORIA?

MF: En el mundo real, Acapulco pasó de ser un lugar paradisíaco y seguro a volverse un lugar complicado, eso me interesaba; sin embargo, en la película retrato muchas caras de Acapulco, es el telón para esta historia, pero a la vez era importante sorprender al público con otros detalles: por ejemplo, que salvo Iazua Larios, todos quienes salen frente a cámara en Acapulco son locales, no se trataba de hacer una película calculada sino de improvisar mucho y de buscar lo que se encontró en el proyecto.

MICHEL FRANCO: Esta vez fue una decisión consciente por-

que la película es en inglés y Venecia ha dado muy buenos resultados para empezar la ruta de festivales –que vamos a seguir en Toronto–, y nos acerca al público norteamericano. Además, como tuvimos tan buen resultado en 2020, quisimos repetir, aunque no fue fácil que aceptaran la película, porque en el line up están las nuevas películas de Almodóvar, Campion, Larrain y Sorrentino, entre otras. El nivel de la competencia es muy alto y creo que hoy es de los mejores lugares para presentar al mundo una película. El cine es arte, pero también entretenimiento y Venecia se ha vuelto sinónimo de eso.

ESQ: ¿QUÉ TE LLEVASTE AL TRABAJAR DE NUEVO CON TIM ROTH Y POR QUÉ ELEGISTE A CHARLOTTE GAINSBOURG COMO COPROTAGONISTA?

ESQ. EN 2020 LA RECEPCIÓN DE NUEVO

ORDEN EN EL EXTRANJERO FUE MUY POSITIVA; SIN EMBARGO, EN MÉXICO LA CRÍTICA Y EL PÚBLICO ESTUVIERON TOTALMENTE DIVIDIDOS. ¿CÓMO LO PERCIBISTE?

MF: Me dio gasolina y, la verdad, es que me hubiera preocupado que una película que escribí y filmé con mi equipo se volviera el centro de discusión, y de tantas pasiones, sobre todo cuando la película hablaba de polarización. Tienes razón en que en el extranjero la reacción fue muy positiva, pero me pareció interesante y halagador lo que pasó en México.

ESQ. CON TODO LO QUE ESTÁ PASANDO EN ESTE GOBIERNO Y CON LA MILITARIZACIÓN QUE SE ESTÁ VIENDO, ¿CREES QUE DE ALGUNA MANERA TU PELÍCULA FUE PROFÉTICA?

No pensé que la militarización iba a llegar al nivel en el que está, sin embargo, yo escribí Nuevo orden hace cuatro años en una residencia en Italia en la que me becaron, en 2017 (aunque tenía la idea desde 2014).

No pensé solo en México, sino en muchos países del mundo que estaban yendo en esa dirección, y creo que el cine tiene la virtud de poder captar lo que está predestinado.

MF:

AL SER PRESIDENTE DEL JURADO DE LA SECCIÓN UN CERTAIN REGARD, DEL FESTIVAL FRANCÉS EN 2012, EL BRITÁNICO TIM ROTH LE EXPRESÓ A FRANCO SU INTERÉS PARA TRABAJAR CON ÉL

Escribí este personaje para Tim porque somos amigos desde hace casi 10 años y queríamos volver a trabajar juntos. Curiosamente, como ya había más confianza, discutimos más; eso fue particular, nos queremos mucho y lo disfrutamos. En el caso de Charlotte le mandamos el guion pensando que no aceptaría, pero sí lo hizo y, además, diciendo que le gustaban mis películas. Es una actriz muy preparada, con mucha cultura cinematográfica. Solo puse el papel en sus manos y la dejé hacer casi lo que quiso, la dirigí muy poco.

MF:

ESQ. ¿CON QUÉ TE GUSTARÍA QUE, PARTICULARMENTE EL PÚBLICO DE MÉXICO, SE QUEDA-

ESQ. ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE ESCRIBIR SUNDOWN Y QUÉ

F OTO S C O R T E S Í A

QUERÍAS TRANSMITIR CON ELLA?

Se juntaron muchas cosas: las ganas que tenía de volver a trabajar con Tim Roth, que él quería filmar en México y mi tarea personal de filmar en Acapulco para hacerle un homenaje al puerto, porque es de los lugares a donde más veces he ido y que más he frecuentado MF:

RA DE SUNDOWN?

MF: No tengo idea de qué esperar, no creo que sea una película que polarice como la anterior, pero no lo sabremos hasta que estrene… lo único que pido es: júzguenla después de verla, no antes.

Cuatro toros

inspiración TODAS LAS CULTURAS DEL MUNDO

son dignas de celebrarse y cada una de ellas tiene lecciones importantes que ofrecer. Sin embargo, pocas son tan vibrantes como la mexicana. Los colores, olores y sabores de esta tierra resultan inconfundibles en todos los rincones del planeta. Si algo tenemos claro es que lo mexicano nunca pasa desapercibido.

Lo mismo podríamos decir sobre Lamborghini. Aunque la industria Por VÍCTOR MARTÍNEZ automotriz va en constante expansión y con nuevos jugadores que buscan sorprender a los consumidores, ninguna marca goza del atractivo que tiene Lamborghini. La compañía prácticamente creó la categoría de los “superautos” –con el lanzamiento del Miura en 1966– y redefinió lo que es posible en el diseño automotriz con el Countach. Incluso aquellos que no tienen interés en los autos son capaces de reconocer de inmediato a un Lamborghini por sus líneas afiladas y patrones geométricos, así como su postura desafiante y el rugido ensordecedor de su motor.

Como México, y como Lamborghini, no hay dos. Es por eso que la combinación de ambos elementos ha dado lugar a algo extraordinario: cuatro ediciones especiales del Huracán EVO, cada una de ellas dedicada a un tema clave en la cultura mexicana (vida, muerte, sueño y tiempo). Los cuatro vehículos son producto de una colaboración entre Grand Chelem, el distribuidor local, y Ad Personam, programa de personalización de la marca; tienen como objetivo conmemorar los primeros 10 años de Lamborghini México.

Uno de los elementos que distinguen a estas ediciones especiales son las combinaciones de colores: Verde Ermes y Oro Elios (vida); Blu Astraeus y Bronzo Serse (muerte); Blu Symi y Oro Elios (sueño) y Nero Nemesis y Bronzo Serse (tiempo). Cada uno de los autos cuenta también con una placa conmemorativa en el interior con el símbolo correspondiente a los temas de la cultura mexicana.

La buena noticia es que no necesitas vaciar tu cuenta de banco para admirar a estos espectaculares vehículos. La marca ha anunciado que serán exhibidos en varios sitios emblemáticos de la capital mexicana.

Donde arman al T O RO Los cuatro modelos fueron producidos en la fábrica de Sant’Agata Bolognese y son una muestra del nivel de personalización que ofrece Lamborghini a sus clientes.

F OTO : C O R T E S Í A

Lamborghini México cumple 10 años y, para celebrarlo, han comisionado cuatro ediciones especiales del Huracán EVO, inspiradas en la cultura mexicana. El resultado del encuentro entre estas dos tradiciones es un verdadero regalo para los sentidos.

DE

mexicana

NO TA S C O R TA S ¡ Q U É D I S E Ñ O !

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Me hace feliz que cada vez sean menos los que ven con extrañeza a la gente “diferente” y más quienes consideran la diferencia como positivo.

Y aunque es verdad que maduramos como humanidad acogiendo a nuestros compañeros e invitándolos a entrar en nuestros lugares favoritos, oficinas, hogares…, noto un hueco en este crecimiento: si lo hacemos pensando solo en la diferencia, aunque se les invite, no se les les recibe como miembros de la comunidad 100% iguales al resto. Incluir no es solo dejar entrar, es dar la bienvenida sin distancia .

Buena parte de la sociedad se ha ido de un extremo al otro: de no dejar que los hijos se acerquen a alguien con alguna discapacidad intelectual a usar a estas personas como poster-boys de las empresas; de excluir a los miembros de la comunidad LGBTQ+ a tratarlos como héroes.

Por supuesto, la situación actual es mejor a la de unos años atrás, pero aún no se llega al punto de sentir colectivamente que somos iguales: las diferencias no definen a la persona, son características de su ser. Asumirlo de otra manera quizá resulte un tipo de exclusión al segregar grupos de personas. Y yo digo ¡basta!

Basta de catalogar a una persona por su identidad sexual, una discapacidad, raza o género. Basta de idolatrar o satanizar una característica de la gente, porque eso es lo que son las diferencias: características, una parte del todo, un punto en el universo que conforma a cada individuo.

Aún falta mucho por hacer. Hace 20 años era difícil encontrar a varias mujeres en un consejo directivo, personas con una discapacidad en los Juegos Olímpicos o manejando un taxi. Muchas empresas decidían no contratar a alguien por ser homosexual, por estar en el espectro autista o por creencias musulmanas. Ahora vemos una mayor diversidad, pero no –necesariamente– una mayor inclusión.

Las empresas hoy no pueden discriminar por estas razones e incluso tienen mejor reputación por contar con políticas de diversidad, pero todavía no hay una realidad exenta de exclusión. No vemos a las personas con estas diferencias como iguales, sin necesidad de exaltarlas o de categorizarlas como “minorías”.

Cuando hablemos de igualdad, equidad e inclusión, que sea de corazón, con un cambio total en nuestra actitud, posible al reconocer que todos somos diferentes y, por lo tanto, especiales.

MONTSERRAT MARTÍNEZ

POR MÁS DE 18 AÑOS, HA TRABAJADO COMO CABEZA DE LA PLANEACIÓN Y EJECUCIÓN DE ESTRATEGIAS DE POSICIONAMIENTO Y BRANDING PARA EMPRESAS DE COMUNICACIONES Y FINANCIERAS.

I L U S T R A C I Ó N : A L E T S K L A M R OT H

C O L U M N A E L L A Y S U S PA L A B RA S

E N L A O P I N I Ó N D E M O N T S E R R A T ________________________________________________________________

CICLO VIRTUOSO DE

NUESTRO nuevo PAPEL En Editorial Televisa estamos conscientes de la responsabilidad que tenemos con el planeta. Elegimos proveedores con procesos sostenibles y cumplimos con los más altos estándares de sustentabilidad.

LOS BOSQUES EN CRECIMIENTO ATRAPAN EL DIÓXIDO DE CARBONO CADA AÑO, LOS BOSQUES DE NUESTROS PROVEEDORES CAPTURAN

1,200,000 TONELADAS DE CO2

NUESTRAS REVISTAS

MANEJO DE BOSQUES Toda la madera puede ser rastreada hasta sus orígenes en bosques manejados de modo sustentable, con planes silvícolas de largo plazo.

NUESTRO PAPEL está hecho de fibra de madera fresca procedente de bosques europeos.

LOS BOSQUES CRECEN MÁS RÁPIDO DE LO QUE SE TALAN. SE USA 85% DEL CRECIMIENTO ANUAL

LA ESTRECHA COLABORACIÓN CON LAS ORGANIZACIONES DE RECICLAJE DE PAPEL Y CARTÓN DEMUESTRA QUE ASUMIMOS CON PLENO COMPROMISO LA ETAPA FINAL DE LA CADENA DE VALOR

CERTIFICACIONES DE CHAIN OF CUSTODY El Forest Stewardship Council (FSC) es un sistema para la certificación del manejo forestal que confirma la correcta cadena de custodia (CoC o chain of custody). Esto se traduce en un apropiado seguimiento de los productos forestales, desde su cultivo hasta la comercialización.

17.9% SE DESTINA PARA FERTILIZANTES

81.8%

*El aclareo son los árboles que se cortan porque en un bosque no todos tienen espacio suficiente para crecer.

DE LOS TRONCOS GRANDES VAN A LOS ASERRADEROS PARA MATERIALES DE CONSTRUCCIÓN

VA A GENERACIÓN DE ENERGÍA

La mitad de la cosecha consiste en grandes troncos que son empleados para materiales de construcción. La parte más angosta del árbol y la madera aclareo* representan 45% de la recolección, porcentaje dedicado a la manufactura de cartones y papel. El resto (ramas, aserrín y cortezas) se usa para generar energía.

CUENTA CON LA CERTIFICACIÓN PEFC (PROGRAMA PARA LA APROBACIÓN DE LA CERTIFICACIÓN FORESTAL)

NUESTRO PAPEL PARA LIBROS Y REVISTAS es, por su origen, grueso y ligero, ideal para producir material impreso con menos toneladas de materia prima, e igual grosor y tacto que los papeles tradicionales y más caros.

50%

DE LOS DESPERDICIOS

TODO EL ÁRBOL SE APROVECHA

ya disponen de estos papeles de alta tecnología, lo que asegura productos editoriales de la más alta calidad y que forman parte de un gran movimiento a favor del planeta.

45%

DE LAS PARTES MÁS ANGOSTAS DE LOS ÁRBOLES Y LA MADERA CORTADA EN MANTENIMIENTO, SE CONVIERTEN EN PULPA PARA PAPEL O CARTÓN

5%

DE LAS RAMAS, PUNTAS Y CORTES PEQUEÑOS VAN A GENERACIÓN DE ENERGÍA

LA MAYORÍA DE NUESTROS PROVEEDORES POSEE PLANTAS EÓLICAS E HIDROELÉCTRICAS PARA GENERAR ELECTRICIDAD Se aprovecha toda la cosecha en los aserraderos y molinos.

La producción de estos últimos se basa, principalmente, en energía térmica y no fósil.

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Cuando se ES liano– y de Luis Miguel Dominguín –torero fetiche, cercano a Hemingway, Picasso y Buñuel–, Luis Miguel González Bosé nació y creció entre el arte y la cultura. Tanto que Pablo Picasso, padrino del niño, le regaló esas primeras medias de ballet que enojaron a su papá al marcar un camino a seguir: indetenible, poco después Miguel partiría a Londres para estudiar danza y teatro.

Por otro lado, un amigo de su madre – Camilo Sesto, nada más y nada menos–, decidió apoyarlo en su comienzo por el mundo de la música, componiéndole canciones para el disco de bautizo.

Pronto vino el debut del joven talento: la canción fue “Linda”, el año 1977 y el programa Esta noche... fiesta. Aquel tema se convirtió en un himno, no sin antes escandalizar al público con la actuación de su intérprete: la carrera de Bosé despegó con un particular acto de valentía audiovisual.

A diferencia de nuestra a actualidad “prefabricada”, al final de los 70 –y toda la moderna década siguiente– las estrellas del cine y la canción encarnaban los cambios sociales: así Miguel le mostró al mundo una nueva masculinidad española.

AMANTE Y BANDIDO

HIJO DE LA LUCÍA BOSÉ –Miss Italia y musa del Neoliberalismo ita-

Se ha hablado mucho de su sexualidad, en especial porque supo potenciar con estilo y música la fluidez de género. Arrancó los años 80 con el explosivo álbum Bandido: en la portada, creación de Andy Warhol, su transgresor maquillaje recuerda al referencial David Bowie.

Vestía faldas y chaquetas toreras en personal homenaje a su padre y no faltaron las provocaciones en un estilo de influencias japonesas; lucía diseños de Francis Montesinos o, más tarde, de David Delfín, cambiando de look y registro vocal. Estrella en el cine y miembro de la troupe Almodóvar, be cool sonaba a Bosé.

“Quiero ser una chica Almodóvar, como Miguel…”, tarareó Sabina.

Entaconado y cero lejano, dio vida a un doble personaje –juez y travesti de cabaret–, quizá inspirado en la dicotomía que construyó su vida íntima y pública. Hoy le recordamos por el alcance e influencia de su talento en tan estimulantes años.

Faldas pantalón, mallas, looks toreros, ojos maquillados con khôl… Desde la música, Bosé quebró los moldes de la estética masculina española.

G E T the L O O K

Delineador, Boy de Chanel

Collar, Roxanne Assoulin en Farfetch

Camisa, Readymade en Farfetch

Collar, Orizon

Pantalones, Jil Sander

Blazer, Etro

Zapatos, Marsèll en Farfetch

F OTO : C O R T E S Í A Y G E T T Y I M A G E S

NO TA S C O R TA S D ON D I A B L O

Por IKERNE MESTRE

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F OTO : C O R T E S Í A

QUIENES PRIMERO dan un paso adelante serán los ganadores.

Es el caso de Timberland, empresa pionera en un mundo en el que la moda y el consumo impactan poderosamente en el cuidado del medio ambiente, con el propósito central de lograr “un futuro verde”. La marca funciona bajo la premisa de tres pilares de sustentabilidad: vender productos ecológicos, promocionar comunidades más fuertes y contribuir en la construcción de un hábitat orgánico.

2021 es para Timberland un año fundamental para continuar su trabajo en el nivel más alto de ecoinnovación, reforzando su compromiso con el planeta y la sociedad. Este año nos sorprenden con una colección de sudaderas, polos y pantalones hechos en TENCEL x RE-FIBRA, textil creado con 70% pulpa de madera de eucalipto de origen sustentable y 30% de residuos de algodón.

Con el diseño de polos, t-shirts y sudaderas, Timberland logra el match perfecto con la gama de verdes, azules y naranjas presentes en esta colección. Además, la textura de la RE-FIBRA es fresca, suave y muy agradable al tacto, componentes ideales para nuestros outfits del día a día. Este es el momento ideal para también conocer la más reciente colección de calzado TrueCloud y crear un look completo, de pies a cabeza.

NO TA S C O R TA S E L C I E L O E S E L L Í M I T E

Timberland es ecoinnovación

La reconocida marca presenta productos más ecológicos y cómodos con RE-FIBRA, tela ambientalmente responsable.

TIMBERLA ND Marca global de estilo de vida al aire libre con sede en Stratham, New Hampshire. Ha sido mundialmente reconocida por su original bota amarilla, diseñada para los duros climas de Nueva Inglaterra.

Alta Sartoria en el Mar de Cortés Por IKERNE MESTRE y ALFONSO PARRA Fotos KARLA LISKER

N O TA S C O R TA S L A V I TA E B E L L A

DOMENICO DOLCE Y STEFANO GABBANA

Esta ocasión, la presentación junto al mar incluyó también lo más selecto de sus colecciones de Alta Moda (para mujer) y de Alta Joyería

realizaron una selección de piezas de sus colecciones más exclusivas que fueron presentadas especialmente en Los Cabos para clientes especiales de México y California.

Quienes hemos asistido en el pasado a las espectaculares presentaciones de la Alta Sartoría de Dolce&Gabbana, sabemos el nivel de exigencia, producción y calidad de este evento que año tras año realiza la casa italiana. Por eso, fue muy emocionante saber que en este año difícil para el mundo se iba a realizar en nuestro país (más especificamente en exclusivo complejo turístico de Costa Palmas en Los Cabos) una versión especial para un grupo de invitados especiales y clientes de México y California. Durante cuatro días, los asistentes pudieron vivir una experiencia uno a uno con la más reciente colección masculina de Alta Sartoría que resalta los valores de lo hecho a mano y de esa excelencia por lo artesanal y Invitada por el amor por su país de la ESPECI A L marca (recordamos el memoraKitty Spencer ble desfile Family Affair en el formó parte del evento Museo Soumaya hace tres años como embajadora con la presencia como invitada de Dolce & Gabbana. especial de la gran Sofía Loren).

Compartiendo con los La firma, experta en consendemás invitados, la tir a sus clientes, sabe que se sobrina de Lady Di quedó fascinada con trata de cumplir los sueños y los México y con el desfile. deseos del comprador a través “Fue un sueño viajar y de prendas únicas e irrepetibailar en la playa, el bles, en una celebración que sabor y la cultura de incluye además de las pasareItalia junto a la de las, cenas y fiestas que resulta México resultó una un verdadero placer para todos gran combinación; sin los sentidos. duda, lo mejor de ambos países”.

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NO TA S C O R TA S E L A L M A D E L A F I E S TA

Descifrando “¿Quién es Zack Bia?” resulta la búsqueda más popular con su nombre; “¿Qué hace Zack Bia?” va de segunda.

No nos quedamos con la duda y en esta edición de Esquire te presentamos al talentoso Mr. Bia.

a

Zack

Fotos GRAHAM DUNN

Moda y producción SALVADOR COSIO

Look total Dior Men

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Chamarra, Louis Vuitton. T-shirt, Uniqlo. Pantalón, Lacoste. Lentes, Carrera

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DJ, PRODUCTOR E INFLUENCER, en una época cuando conocer la vida personal de los famosos nos toma un segundo gracias a la inmediatez de las redes sociales, el enigma alrededor de personajes como Zack se vuelven el foco de atención por el misterio y la cantidad de preguntas que se generan a su alrededor. Y es que la costumbre de etiquetar a alguien según su profesión, su apariencia o su estatus social hace más difícil encasillarlo en un perfil especifico.

Nuestro personaje podría parecer el hermano menor de alguno de tus amigos o el chico con el que te topaste en el autobús. Posiblemente sea ese aire tan familiar y desprevenido el que lo acerca a su exclusivo grupo de amigos. ¡Y vaya grupo de amigos! Un día cena con Kylie Jenner, al otro se reúne con un artista como Takashi Murakami para sentarse a pensar proyectos, y esa misma noche puede salir de fiesta con Drake y Virgil Abloh. La fiesta es justo uno de los fuertes de Zack, entendiéndola como un momento en el cual diferentes elementos creativos se unen para experimentar y generar experiencias nuevas y diferentes. Su presencia en

Saco Louis Vuitton. Lentes Carrera

importantes eventos claves llamaron la atención de varios promotores de clubes que pensaban que las celebridades estaban ahí por Zack y así se hizo un nombre entre los insiders, para quienes hoy en día es referente de la vida nocturna de Los Ángeles.

Más que un chico con suerte, Baia el se define como alguien que sabe aprovechar la oportunidad de estar en el lugar y el momento indicados, lo cual lo lleva a liderar una serie de proyectos que se nutren el uno del otro. Así, por ejemplo, nace su sello discográfico Field Trip Records: “Hay una escena nueva en Los Ángeles con muchos artistas jóvenes que se han mudado aquí para colaborar entre ellos y me pareció una buena idea crear una empresa que los promoviera y abriera espacios. El streaming y todo lo que se puede hacer hoy en día en el tema de video también ayuda muchísimo a que podamos expresarnos, a buscar y a generar colaboraciones interesantes”, dice.

Puedes encontrarlo poniendo música en un club en Miami, en la primera fila de los desfiles en París, o en una fiesta donde, casual, podría aparecer Rihanna de la

Suéter Fendi. Pantalón, Lacoste. Zapatos, Valentino

nada. Todas sus pasiones nacen de la música y de la curiosidad por tocar discos como hobby, no como trabajo. Posiblemente sea esto lo que ha despertado esa curiosidad sobre él: parecería que todo lo que hace lo hace solo por diversión.

Su estilo, conformado de las últimos drops de marcas como Off-White o Prada, parece salido de su armario de una manera fácil también, sin ponerle mucha atención, sin embargo, su relación con el mundo de la moda lo ha llevado a crear su propia marca de ropa: Psych World, una línea de streetwear que ha lanzado discretamente, con resultados no tan discretos: vendió 100 mil dólares en una hora.

Muchos jóvenes lo ven como un modelo a seguir por la manera poco convencional de alcanzar el éxito. ¿Estaremos ante el it-boy de esta generación que todo lo que toca se convierte en oro?

A lo mejor es temprano para decirlo, lo que es un hecho es que no debemos quitarle los ojos de encima.

Look, Valentino. Lentes Carrera

G R O O M I N G C A N D I C E B I R N S @ S TAT E M E N T A R T I S T S U S A N D O R & C O Y E R N O L A S Z LO

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Look total, Dolce & Gabbana

¡Prepárate! (para el boom tecnológico pospandemia)

La necesidad figura como la madre de la invención, por lo que históricamente las crisis más angustiantes han generado grandes desarrollos científicos y tecnológicos.

La pandemia del Covid-19, que aqueja al mundo desde enero del año pasado, no es la excepción.

Te presentamos ejemplos de lo que ocurre cuando el ingenio y la voluntad se unen.

Por VÍCTOR MARTÍNEZ

DE MANERA INDIVIDUAL y colectiva, los seres humanos hacemos todo lo posible por evitar las crisis: diseñamos protocolos de seguridad, implementamos medidas de prevención e invertimos tiempo, dinero y esfuerzo para protegernos de cualquier eventualidad. Sin embargo, superando cualquier esfuerzo, es imposible controlar la totalidad de nuestro entorno, y el mejor ejemplo de esto es la sorpresiva aparición del virus SARS-CoV-2 a principios del 2020.

Repentinamente, todo lo establecido giró 180º y nos vimos forzados a adaptarnos. Pero más allá de las consecuencias que la pandemia ha provocado en la salud y la economía global, hay razones para mirar optimistas el futuro: cuanto más desoladora sea la crisis, mayor el avance científico y tecnológico que la acompaña.

Para muestra, un aparato que todo el mundo tiene en su casa: el horno de microondas. ¿Sabes de dónde proviene esta tecnología? Es una derivación de un dispositivo llamado magnetrón de cavidad que se utilizó en unidades portátiles de radar durante la Segunda Guerra Mundial. Abundan los ejemplos de avances tecnológicos relacionados con esa trágica etapa de la humanidad y lo mismo podemos señalar de la dura pandemia actual.

A continuación mencionamos cuatro: DESARROLLO ACELERADO DE VACUNAS

Las vacunas contra el Covid-19 son un hito extraordinario en la historia de la medicina. Nunca antes los científicos habían sido capaces de identificar un nuevo virus, crear una vacuna, probarla, producirla en masa y comen-

F OTO : G E T T Y I M A G E S

NO TA S C O R TA S S I T E VAC U N A S T E , S I G U E C U I DÁ N D O T E

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37

zar a aplicarla en un periodo de un año. Previo a esta crisis, la vacuna más rápida en producirse fue la de paperas en los años 60. Esa inmunización requirió cuatro años de desarrollo. En general, el proceso suele tomar hasta una década. ¿Qué significa esto para las vacunas que vendrán en el futuro? Si cuentan con el financiamiento adecuado, los científicos podrán tomar ventaja de lo aprendido en esta ocasión para logros más rápidos.

“Las nuevas formas de producir vacunas, utilizando ARN mensajero, han sido validadas por la respuesta ante el Covid-19”, le dijo el Dr. Dan Barouch de Harvard a Nature, una de las más prestigiosas publicaciones científicas.

“Han mostrado que el proceso puede acelerarse sustancialmente sin sacrificar la seguridad”. ¿Cómo fue posible? Se realizaron las pruebas preclínicas y de fase I, II y III de la vacuna de manera simultánea, en vez de hacerlo secuencialmente. Y aunque resulta costoso, sí reduce drásticamente el tiempo de espera.

CUANTO MÁS DESOLADORA SEA LA CRISIS, MAYOR EL AVANCE CIENTÍFICO Y TECNOLÓGICO QUE LA ACOMPAÑA Mbps). Este es un paso más en la carrera rumbo a la conquista del espacio, misma que actualmente tiene enfrentados a los acaudalados empresarios Sir Richard Branson (Virgin Galactic), Jeff Bezos (Blue Origin) y el mismo Musk (SpaceX). Como ocurrió con la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética en el siglo XX, los avances que hagan la diferencia en órbita, eventualmente darán lugar a tecnologías que nos faciliten la vida aquí en la Tierra.

NUEVA FORMA DE PAGAR

CRECIMIENTO DE LA TELEMEDICINA

De acuerdo con la firma de consultoría McKinsey & Company, el uso de telemedicina (consultas y diagnósticos a distancia) se ha incrementado 38 veces respecto al nivel previo a la pandemia. Esto se debe tanto a la disponibilidad de tecnologías que facilitan la interacción virtual entre pacientes y médicos (FaceTime, Hangouts, Zoom) como a la voluntad de ambas partes de probarlo. Quizá parezca algo simple: realizar consultas virtuales en vez de hacerlo de forma presencial, pero los efectos que esto produce son enormes. Los pacientes no corren el riesgo de contagiarse de algún otro padecimiento en los hospitales; hay un ahorro sustancial en costos de transporte, así como en tiempo invertido en traslados; se reducen los tiempos de espera y las consultas pueden realizarse desde cualquier sitio, sin necesidad de perder días laborales. Adicionalmente, el uso de “wearables” como Apple Watch y Fitbit, permite a las personas monitorear sus signos vitales durante la pandemia. Si bien estos aparatos ya existían antes de la aparición del Covid, cada vez cuentan con más funciones como oxímetros y monitores del sueño. La creciente demanda del público es un incentivo para que continúen mejorando.

Desde hace varios años sabíamos que el dinero en efectivo estaba condenado a desaparecer, y la pandemia aceleró este proceso. Cada vez son más las opciones digitales de pago y esto no solo se refiere a las compras por internet, sino a los pagos sin contacto en terminales bancarias. Actualmente, existen bancos que permiten una conexión inalámbrica entre tarjeta y terminal, de manera que el cliente no necesite digitar su pin. Esto no sólo es más higiénico en el contexto de la pandemia, sino que resulta más rápido y sencillo. En Sídney, por ejemplo, este mecanismo de pago se ha extendido a toda la red de transporte público.

Por otro lado, el e-commerce experimenta un crecimiento extraordinario a nivel mundial. Como resultado, compañías como Wing, una subsidiaria de Alphabet (Google), ya hace entregas de paquetes a través de drones.

En la localidad de Christianburg, Virginia, los habitantes ya reciben sus compras de Walgreens de forma aérea y sin contacto físico. Si bien este servicio aún no está disponible en todo el mundo, es cuestión de tiempo para que se convierta en algo tan rutinario como el uso de un horno de microondas.

INTERNET CON COBERTURA GLOBAL

Quizá te parezca difícil de creer pero aproximadamente el 40% de la población mundial no tiene acceso a internet.

Elon Musk intenta cambiar eso y en plena pandemia anunció que Starlink, división de su compañía SpaceX, cuenta ya con más de 1,500 satélites orbitando la Tierra, diseñados para llevar servicios de internet a todo el planeta. Con su constelación de satélites, Musk busca ofrecer conectividad por igual a las grandes ciudades como a las regiones más apartadas, con velocidades de descarga de más de 100 Mbps (la velocidad promedio del internet en México es de 6.02

Infórmate y P RO T É G E T E Para evitar la propagación del COVID-19, estas recomendaciones son muy importantes: LÁVATE LAS MANOS FRECUENTEMENTE

Usa agua y jabón o un desinfectante de manos a base de alcohol.

LA MASCARILLA ES TU MEJOR ALIADA

Acostúmbrate a llevarla al salir de casa.

DISTANCIAMIENTO FÍSICO ¡SIEMPRE!

Aunque cueste, es esencial.

SI TOSES O ESTORNUDAS, CÚBRETE LA NARIZ Y LA BOCA

Hazlo con el codo flexionado o con un pañuelo (si no llevas mascarilla, claro).

EN CASO DE FIEBRE, TOS O DIFICULTAD PARA RESPIRAR

Busca atención médica adecuada.

Evita automedicarte.

EVITA DE MANERA CONSCIENTE...

Tocarte los ojos, la nariz y la boca.

C O L U M N A L A N U E VA M A S C U L I N I DA D

E N L A O P I N I Ó N D E G E N A R O __________________________________________________________

RECIENTEMENTE LAS REDES SOCIALES ardieron porque Gonzo, uno de los personajes más queridos de los Muppets, confiesa a sus amigos haber asistido a un baile de princesas usando un vestido y presentándose como “Gonzorella”.

Algunas personas de la comunidad trans arroparon al entrañable personaje como parte de la comunidad y aplaudieron su “salida del clóset”. Varios medios mexicanos publicaron notas con el titular “Gonzo se declara trans”, pero realmente Gonzo no es trans, sino no binario y todo ese capítulo de Muppet Babies es una gran clase sobre cómo desde la infancia se nos taladra la mente para inyectarnos los rígidos roles del género “hombre y mujer”, con todo y la binaria división entre lo masculino y lo femenino como si fueran excluyentes.

Desde hace varios años es cada vez más común ver a hombres que nacieron biológicamente con sexo masculino, se identifican como hombres y se sienten atraídos en exclusividad por mujeres (hombres cisgénero heterosexuales) cuestionar los estereotipos de la masculinidad dominante y tradicional. Los ejemplos de actores o cantantes que rompen estos estereotipos abundan: Ezra Miller, Timothee Chalamet o Harry Styles son algunos de ellos, pero tiempo antes Brad Pitt y Johnny Depp se atrevieron a reorientar la masculinidad en el cine y mucho antes de ellos David Bowie fue pionero en expresar el género neutro con un look que se consideraba andrógino y que hoy las personas más jóvenes llaman “no binario”. En el mundo latino, Maluma, Bad Bunny o Estanislao Fernández, el hijo del presidente de Argentina, han cuestionado la masculinidad hegemónica y Fernández será de los primeros en tramitar su documento de identidad con el género no binario, pues no se identifica ni como hombre ni como mujer y Argentina se unió a países como Canadá en reconocer a las personas no binarias en documentos de identidad oficiales.

El género es una construcción social y los roles de masculino y femenino no son naturales, son aprendidos en casa, en familia, en las escuelas. Hay una especie de policía de los roles que se encarga de aleccionarnos en torno a lo permitido socialmente. Así, desde que un doctor anuncia el sexo de una recién nacida al levantarla y dice “es niña”, o desde que una familia ve un ultrasonido porque quiere hacer una de las monstruosas fiestas de revelación de sexo, se crean enormes expectativas en torno al futuro de ese feto. Si el sexo biológico de una persona es registrado como masculino, se espera que el pobre bebé se convierta algún día en padre, sea heterosexual y el sustento familiar. Si, por el contrario, el sexo asignado al nacer es femenino, se espera que se reproduzca, que se “realice como mujer” y que se dedique a la crianza de los hijos. Así de estricto sigue siendo el tema en 2021.

Cuestionar la masculinidad tóxica es parte de romper el esquema que aprendimos desde la infancia y para ello hay organizaciones, clubes de lectura, chats de apoyo y hasta

reuniones presenciales en las que hombres cisgénero, hombres trans, hombres gays, bi y hetero conviven cuestionando todo el daño que provoca una masculinidad que se basa en pensar que la sociedad debe funcionar bajo un esquema patriarcal en el que las mujeres son inferiores, las emociones no se hablan, los chicos no lloran o que los hombres no usan cubrebocas en tiempos de Covid porque son fuerzas morales y no de contagio…

Afortunadamente las generaciones más jóvenes ya no viven el yugo de lo binario.

En la marcha del orgullo del 2019, el hijo adolescente de mi mejor amigo me acompañó y para mi sorpresa llegó con la bandera del orgullo trans. Tiempo después su cuenta de Instagram anunció que sus pronombres son “she/they” y que es una persona no binaria.

Lo mismo está ocurriendo en miles de familias más en las que sus “hijes” se declaran no binaries. Hay cada vez más un creciente mercado de cosméticos para hombres. Yo mismo he usado uñas pintadas para las mesas de debate que conduzco en ForoTv y para la mesa de Tercer Grado. Por supuesto que cada vez que lo he hecho, o cuando usé una falda para conducir la marcha del orgullo digital de este año, recibo miles de insultos homofóbicos, pero ya no me molestan.

La expresión de género, la ropa que decidamos usar, demostrar los sentimientos, cuidar a los bebés en casa o usar prendas rosas no tienen nada que ver con la orientación sexual.

Hay muchas personas no binarias que son heterosexuales. A quienes tenemos el privilegio de haber nacido hombres nos toca analizar el problema de exigir y exigirnos masculinidades tóxicas. Deconstruir esa masculinidad para tener más empatía con las mujeres que nacieron con el sexo femenino, con las mujeres trans, con las personas no binarias es solo el inicio para construir sociedades más incluyentes, respetuosas y libres de violencia. El género es fluido y apoyar a construir espacios seguros para quienes no se conforman con el mundo binario empieza por respetar los pronombres que eligieron para ser llamades, por dejar de obsesionarnos con lo que una persona tiene entre las piernas y por entender que la humanidad es mucho más que eso. Recordemos el dicho: el futuro es no binario.

GENARO LOZANO

POLITÓLOGO E INTERNACIONALISTA. PROFESOR, ACTIVISTA, CICLISTA URBANO Y VEGANO. LECTOR Y VIAJERO. AMA COCINAR Y EL BUEN VINO

SS EPTI EMB RE 202 1 M É X ICO

Big Drinks Book THE

2021

LUGARES, TENDENCIAS Y COCTELES “ON FIRE”

La guía Esquire 2021

Qué, cómo y dónde beber Por MÓNICA ISABEL PÉREZ

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Han sido tiempos complicados pero, poco a poco, abandonamos el encierro total y, las medidas sanitarias alguna vez extrañas, se convierten en hábitos que realizamos con naturalidad absoluta. Aunque todavía con restricciones, los espacios públicos –por fin– vuelven a nuestras vidas y, con ellos, la promesa de la añorada diversión en convivencia.

Los bares están de puertas abiertas. Nuevas ideas y propuestas inyectan optimismo a la industria y quienes extrañábamos tanto las risas y los tragos compartidos con los amigos. Por eso van dedicadas las siguientes páginas a aquellos que , con creatividad y resiliencia, buscan alegrar nuestras noches, ya sea con series de televisión que nos invitaron a imitar un trago, con las soluciones ingeniosas que surgieron en la pandemia y que ahora son productos que llegaron para quedarse con inéditas recetas cocteleras, con la proliferación de sitios donde lo más importante es apreciar la música que amamos y con espacios que, llenos de actitud, nos ayudaron a iluminar algunas de las noches más oscuras en mucho tiempo.

Brindemos, pues, por el entusiasmo de regresar a los lugares que nos gustan y de explorar los que debemos descubrir. Brindemos también por el alcohol, de alguna manera protagonista de este especial de Esquire, citando al buen Homero Simpson: “La causa y solución de todos los problemas de la vida...”. Con medida, eso sí. ¡Salud!

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Mientras no salíamos…

Una puerta al final de un pasillo que funciona como un portal dimensional para pasar la noche como debe ser: con buena compañía, buena música y buenos tragos. En este speakeasy hay DJ’s invitados y una amplia carta de coctelería de autor de la que destacamos el Fuera Ropa que lleva mezcal, tamarindo, licor casero de chiles y limón real.

Es un espacio abierto rodeado de plantas que le dan un toque de exuberancia.

Bernardo de Balbuena 145, Ladrón de Guevara, Guadalajara. @jamaica.gogo

Pese a los estragos que causó 2020, la creatividad y el emprendimiento no se detuvieron.

Entre el inicio de la cuarentena y este momento, grandes lugares han nacido.

4 SALÓN GALLOS MÉRIDA

El hotspot de Mérida es un todo en uno: cine, galería de arte, cantina y winebar.

Se encuentra en lo que otrora fue un molino de avena. Ese carácter industrial contactado con mobiliario

de madera y plantas por doquier, lo vuelven un espacio perfecto para que su carácter multidisciplinario y multiambiente se vea integrado a la perfección.

Vale la pena llegar con apetito para cenar algo de su propuesta yucateca con influencias libanesas, tomar un Black Magic Woman —mezcal, jugo de limón, carbón activado “y magia negra”— y dejar que la música que suena dicte el rumbo de lo que queda de la noche.

Calle 63 459-B, Parque de la Mejorada, Centro, Mérida. @salongallos

2 LA BODEGA DE INSITU OAXACA

La historia de la mezcalería InSitu inició en 2010. Y desde entonces han ofrecido los mejores mezcales de la región, lo que los llevó a crear su propia etiqueta en 2014: Tochtli. En 2020, durante la cuarentena y pese a la incertidumbre, decidieron transformarse y ahora en el 143 de la calle Guerrero hay un espacio completamente remodelado donde ofrecen más de 180 variedades de mezcal.

Mientras eso ocurría su tienda-bodega ubicada en el primer piso del centro comercial y cultural Casa de Barro se posicionó como un favorito para disfrutar mezcales y cervezas.

Además de tomar un drink y poder llevarte la botella, también venden artesanías y arte local.

Reforma 703, Ruta Independencia, Centro Histórico, Oaxaca. @insitubodega 3 TAVERNA CIUDAD DE MÉXICO

Parece un bello laberinto medieval en el que todo lleva al buen comer y beber. Está la barra, diseñada por Planta Diseño Botánico, el patio,

para comer platos mediterráneos al aire libre, el restaurante con grandes ventanales, y el sótano, donde la noche puede extenderse con algo de música y baile. El look and

F OTO : X X X X X X X

B I G D R I N KS B O O K Q U É , C ÓM O Y D ÓN D E B E B E R

1 JAMAICA GO GO GUADALAJARA

feel imita el de las viejas tabernas europeas con velas iluminando barricas y paredes enriquecidas por el paso del tiempo. De su menú de bebidas destacan los vinos naturales y los cocteles de autor.

General Prim 34, Juárez.

IG @tavernaenprim

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5 CASA PRUNES CIUDAD DE MÉXICO

La magia de los locos años 20 sigue fascinándonos 100 años después. Y Casa Prunes logra capturarla con la elegancia que merece en un inmueble de que data de 1916 y que es de los mejores ejemplos de art nouveau que tenemos en la ciudad. Tras este concepto están los mixólogos Micca Rosseau y Mafer Tejada, y el chef Christian Ramírez. Para el menú de cocteles, Mafer se enfocó en crear todos sus insumos: fermentos, sodas, licores, todo lo que necesita lo hace en su taller para garantizar la máxima calidad de los tragos. Debes probar el Tejuino Royal, una maravilla de ginebra, champaña y licor de elote.

Un ejemplo de las maravillas a lo Great Gatsby que se disfrutan en este lugar.

Chihuahua 78, Roma.

IG @casaprunes 6 HUGO CIUDAD DE MÉXICO

De los mejores rincones para disfrutar el sol del verano. Un wine bar especializado en vinos naturales que además ofrece bocados deliciosos con los cuales acompañarlos.

Un buen plato de ostras, boquerones en toast de masa madre o carne tártara.

Todo está perfectamente planeado para maridar las etiquetas que provienen de España, Alemania, Francia, Nueva Zelanda y más puntos del orbe. A un lado se encuentra su “hermano mayor”, el restaurante francés Café Milou, que también es una delicia.

Veracruz 38, Roma. @hugoelwinebar 7 VENENO GUADALAJARA

Restaurante y bar, es de los nuevos lugares obligados de Guadalajara para disfrutar su arquitectura y diseño interior que ya han recibido premios internacionales como el Mejor Diseño de América y Mejor techo en los Restaurant & Bar Design Awards 2020.

Conceptualizado por Pragma Estudio y Monteon Arquitectos Asociados, está

algo digno de agradecerse en estos tiempos en los que el cuidado del cuerpo y la diversión deben conciliarse más que nunca.

Galileo 21, Polanco. @fairchild.mx 9 BOO’LA CIUDAD DE MÉXICO

inspirado en la zona arqueológica de Paquimé, en Chihuahua. Su famoso techo fue creado por el estudio LARAHNOS. También resalta su propuesta gastronómica de los creadores de Hueso: Juan Monteone y Alfonso Cadena y, por supuesto, la mixología, donde el nombre del lugar cobra más sentido que nunca. Como “veneno mata veneno”, prueba sus opciones más intrépidas: el Veneno en Ksuela, un coctel de sotol con veneno de víbora de cascabel, cítricos y soda o el Veneno, mi amor, que lleva mezcal con alacrán, cítricos y miel de piña ahumada.

Segundo piso de la Torre Américas 5000. Av. de las Américas 1254, Country Club, Guadalajara. @veneno.restaurante 8 FAIRCHILD 1869 CIUDAD DE MÉXICO

Es una inyección de buen humor.

Todo parece perfectamente colocado para ponerte de buenas, ya sea a la hora del brunch o a la de la fiesta. Si vas temprano, recomendamos unos hotcakes de betabel con mascarpone y una mimosa; hacia la tarde o la noche, lo mejor es explorar su barra de coctelería botánica que marida a la perfección con su comida tropical. Todo en el menú —tanto de bebidas como de alimentos— tiene toques healthy y es ligero,

Dentro de este local conviven diversos conceptos: una tienda de plantas, comfort food —hay waffles, sándwiches y toasts—, jugos, buen café y mezcal.

Pero si esto no bastara para distinguirlos de otros espacios, Boo’la –que significa “cariño” en zapoteco–, aloja también a Spruzzante, su barra de spritz. Uno de sus fundadores, Mario Mendoza cuenta que cuando les dieron la licencia de vinos y cervezas, “le giró la ardillita”. ¿Por qué no especializarse en este trago italiano, refrescante, delicioso y bajo en calorías? Lo combinan, por ejemplo, con rooibos, canela, vino espumoso y limón amarillo o con solución salina, reducción de vino, cerveza clara y bitters.

Para ellos no hay límites al crear spritz.

Pachuca 59, local 2, Condesa. @boola.mx 10 ATILA TULUM TULUM

Atila se autodenomina “la hermanita” de Arca Tulum, uno de los lugares clave para la gastronomía de la playa de moda. La diferencia es que aquí nos encontramos con una carta más acotada, especializada en cocina yucateca a las brasas y vinos naturales. Los fines de semana preparan hamburguesas y pizzas para salir de la rutina y tienen una excelente selección musical (te recomendamos buscarlos en Spotify). También cuentan con un programa de coctelería de autor a cargo de Adan Leal que ofrece maravillas como el Black Passion, hecho con mezcal, fruta de la pasión, tepache y carbón activado.

Carretera Tulum-Boca Paila km 7.6, Tulum. @atila_tulum

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B I G D R I N KS B O O K L A G RA N G U Í A

CON SUS SILLAS DE CUERO Y SU BARRA BLANCA, el American Bar del hotel Savoy en Londres fue fundado en 1893 y, al día de hoy, sigue siendo una institución que “rankea” en todas las listas de los mejores bares del mundo.

Marilyn Monroe, Frank Sinatra y Ernest Hemingway se aparecieron en su lujoso salón, al igual que Neil Armstrong —ahí tomó su primer trago después de caminar en la Luna—, Bette Davis y Laurence Olivier. En ese sitio fueron creados cocteles históricos como el Hanky Panky y el White Lady, y su recetario The Savoy Cocktail Book, cuya primera edición data de 1930, sigue siendo un libro de cabecera para los mixólogos del mundo.

Más bares dentro de hoteles comparten glorias históricas. El Carousel Bar del Monteleone en Nueva Orleáns y el King Cole Bar del St. Regis de Nueva York (del que por fortuna tenemos uno en Ciudad de México) donde se cuenta que nació el Boody Mary como lo conocemos ahora. Muchos han sido los espacios que han marcado la forma en la que bebemos hoy.

Pero también hay que anotar que durante mucho tiempo en México, los bares de los hoteles se convirtieron en espacios descuidados. Puntos de encuentro acotados a los hombres de negocios que salían de algún congreso llevado a cabo a solo unos pisos de distancia. A veces solo eran parte de un lobby sombrío donde apenas se paraba un alma. Pero recientemente los bares de los hoteles han vuelto a brillar como destinos en sí mismos. Ir a la Riviera Maya para poder tomar cocteles inspirados en Yucatán hechos en la barra del Zapote Bar del Mayacobá o a Los Cabos para tomar algo en el Sunken Bar de The Cape mientras escuchamos la música que ha curado el DJ y productor Capri en especial para ese espacio, es cada vez más común.

Los bares de los hoteles recuperan su gloria y estamos listos para experimentarla y disfrutarla.

Punto de encuentro entre locales y viajeros, trascienden la historia misma de qué y cómo bebemos. Estos son nuestros favoritos en México.

Lo lidera el chef Juan Pablo Loza, quien quiso hacer de este espacio “una carta de amor a Yucatán”, utilizando ingredientes, herramientas y técnicas mayas tanto en la cocina como en la barra.

Todo lo permea una elegancia sencilla, que permite el contacto con la naturaleza mientras se disfruta un trago a la luz de las velas. Los cocteles se realizan de manera artesanal y aunque cuentan con clásicos —Dry Martini, Negroni, Old Fashioned— hay que probar sus signature drinks, como el Mayayo, con ginebra, naranja amarga, guayaba y hojas de limón o el Wana Bana que lleva tequila, jugo de guanábana, lemongrass, limón y sal de chile pasilla. rosewoodhotels.com SUNKEN BAR THE CAPE THOMPSON HOTEL, LOS CABOS

Como su nombre lo dice, el Sunken parece estar “hundido” respecto al nivel de piso en el hotel. Lo que hace que su barra llame más la atención. La vista al mar de Cortés es espectacular gracias a la planeación del arquitecto Javier Sánchez.

Es perfecto para pasar la tarde disfrutando unas ostras a la diabla con el coctel de la casa: The Cape combina mezcal, albahaca, menta, piña, limón, toronja y bitters de Angostura. La música, impecable, es una selección del DJ y productor argentino Capri y genera el ambiente perfecto para iniciar conversaciones entre los locales que van y los viajeros que han llegado a disfrutar uno de los destinos más exclusivos del país. thompsonhotels.com FIFTY MILS FOUR SEASONS, CIUDAD DE MÉXICO

A mediados de la década pasada, el hotel Four Seasons comenzó una transformación que lo convirtió de un hotel lujoso, pero poco vistado por los locales, en un hotspot de la ciudad. Parte de ese nuevo

F OTO S C O R T E S Í A

El encanto del bar del hotel

ZAPOTE BAR ROSEWOOD MAYAKOBA, RIVIERA MAYA

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KING COLE BAR ST. REGIS, CIUDAD DE MÉXICO

appeal del que goza se debe a su bar. Fifty Mils se ha convertido en una institución de la coctelería capitalina y aparece constantemente en los listados de los mejores bares del mundo. Su menú se caracteriza por invitar al consumidor a vivir una experiencia sensorial de

Este bar es un pedacito de Nueva York en México que nos comparte su influencia en el mundo de la coctelería.

En 1934, en su sede neoyorquina, el barman Fernand Petiot perfeccionó la receta del Bloody Mary y lo llamó “Red Snapper”, que sigue siendo un coctel exclusivo de los hoteles St. Regis. Es un bar elegante, perfecto para relajarse en sus acojinados sillones y observar las luces de la ciudad mientras, al fondo, suena un poco de jazz. Y lo mejor es que no solo los huéspedes tienen el placer de disfrutarlo, sino que los locales son siempre bienvenidos. st-regis.marriot.com/es-XM/ EL BAR DEL RITZ-CARLTON CIUDAD DE MÉXICO

cada trago. Prueba el Gentleman, con un whisky single malt, coulis de higos y balsámico, vermouth rosso, aceite de oliva y un chocolate para maridar. fiftymils.com CITIZEN SOFITEL, CIUDAD DE MÉXICO

También restaurante y ubicado en un piso 38, tiene una de las mejores vistas de la ciudad. Su oferta de cocina refina platos sencillos, como su deliciosa hamburguesa de res o el sandwich de pork belly y queso. Para beber tienen una carta amplia de vinos, cervezas (industriales y artesanales) y espirituosos pero en lo que respecta a la coctelería presentan sus “clásicos redefinidos”. Nos gusta el Mexican Eagle con ginebra, chartreuse, mezcal, limón, bitters de apio y sal de tortilla tatemada. También tienen una breve, pero muy buena variedad de carajillos. sofitel-mexico.city.com

Al cierre de esta edición, aún desconocemos el nombre de este bar; será una de las inauguraciones más esperadas. Muy pronto tendremos todos los detalles. ritzcarlton.com

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LOS FAVORITOS DE ANDRÉS HERRÁN

TOKIO MUSIC BAR

“Para alguien que pone música, ir a tocar en este High-Fi Analog Bar es como ser un niño en una tienda de dulces. Tienen un equipo de sonido impresionante, unas bocinas Tannoy Westminster de los años 70 que encontraron nuevecitas. Las tornamesas son Garrard, los amplificadores son McIntosh, los brazos de las tornamesas Stanton… Todo está supercuidado. Tienen una colección de viniles muy padre y una curaduría de cocteles muy buena que hicieron con William Hetzel, director de bebidas de Grupo Edo Kobayashi.

Río Pánuco 132, colonia Cuauhtémoc

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CHOZA

“Solo abre sábados y domingos. Todo el sistema de audio es Margules y en la comida tiene una onda tailandesa, mucha parrilla.

Invitan a gente a poner discos. No tienen cocteles, pero sí un menú muy padre de vinos naturales”.

Monterrey 194, colonia Roma VO

SETE

“Tras este espacio está el equipo de Sartoria. Es un winebar donde ponen viniles. En la parte de abajo tomas vino y en la parte de arriba está la biblioteca, donde invitan a la gente a poner discos o hacer la curaduría. Allí la coctelería está a cargo de Raffaele Chinea”.

Dublín 7, colonia Juárez VO

LA BÊTE NOIRE

“Es un listening bar con comida mediterránea. El programa de cocteles lo hace Alexandra Purcaru

F OTO S : C O R T E S Í A

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Y ESCUCHAR: los listening bars nacieron en Japón en los años 50 y ahora son una tendencia que permea en todo el mundo. Les brindamos una selección de los mejores de su categoría en México, hecha con la ayuda del restaurantero y selector de música en vinil, Andrés Herrán.

Cada vez hay más listening bars en México. La ola, sin embargo, no es nueva. Surgió en el país nipón tras la Segunda Guerra Mundial, cuando los discos se vendían a un precio tan prohibitivo que la mejor manera de escucharlos —y para muchos, la única— era asistir a los bares que los tenían, pedir un trago y dedicarse al placer de escuchar.

Con el paso de los años, esta idea se extendió a las grandes ciudades del mundo. Hay en Londres, Los Ángeles, Nueva York, Berlín y, por supuesto, en la Ciudad de México. En The Guardian, el DJ y productor Colleen “Cosmo” Murphy atribuye el crecimiento de la tendencia en años recientes a una preocupación por el bienestar que se incrementa a nivel global. “Creo que es parte de un movimiento más grande, como el slow food o el mindfulness. Además, las generaciones más jóvenes no crecieron con la experiencia de escuchar música en alta fidelidad y ahora poca gente tiene acceso a ella, porque es caro. Poder hacerlo ahora en un espacio público es algo que no habían experimentado antes”, explica Murphy.

Para Andrés Herrán, el placer de escuchar música tiene que ver con la manera en que creció. “Mi primer concierto masivo fue Pink Floyd en 1994. Era un niñito, pero mis papás me llevaron”. También lo iniciaron en espacios ahora legendarios como Rockotitlán y a foros como La última carcajada, donde Cecilia Toussaint se presentaba con frecuencia. Entre la música en vivo y la colección de viniles de su padre, Andrés ejercitó un ecléctico y sofisticado gusto musical. Hoy lo comparte en espacios como Tokio Music Bar, donde tiene residencia como selector de música o en La Bête Noire, magnífico espacio en Ensenada creado por el chef Diego Hernández Baquedano, en el que marcó el récord de poner 12 horas de música contínua.

“No soy un DJ”, aclara Andrés. A él le gusta compartir música en vinil y lo hace por medio del uso de fade in y fade out, no empatando los beats por minuto. Por eso prefiere definirse a sí mismo como un selector de música en vinil, lo que le da más libertad al momento de construir sus sets, para lo que invierte horas de trabajo seleccionando los mejores tracks para generar el mood deseado. ¿Quieres saber cómo identificar si está a cargo de las tornamesas? “Me divierte poner —a medio set— una canción de Flans, de Emmanuel, de Juanga o una rola de El General. Son un gag generacional y como mexicano no hay nadie que no se las sepa, son parte de nuestra cultura pop y a todos nos gustan. Además, nos ayuda a tomar todo menos en serio”.

Alta definición, melomanía y mucho de nostalgia

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GUARDAR SILENCIO

Listening bars

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MÁS LUGARES PARA ESCUCHAR MÚSICA

DEPARTAMENTO

Aquí escuchas música, pero también bailas. El nuevo highlight es su azotea. Álvaro Obregón 154, colonia Roma MUSAK ELLY’S

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“En mi restaurante Elly’s no hay DJs, pero se escucha música en vinil todo el tiempo. Tenemos un sistema de audio Margules y está mi colección, unos 1,200 discos.

Lo que hacemos es poner discos completos para darle la oportunidad a la gente de escucharlos y zafarnos de la tendencia de no terminar de escuchar ni un track cuando ya le estás cambiando al siguiente. También tenemos un buen programa de coctelería a cargo de Diego Padilla. Y no es porque sea mi lugar, pero dicen que tenemos uno de los martinis más fregones de la ciudad”.

Hamburgo 130, colonia Juárez

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Hi-Fi Listening y Cocktail Bar. Hizo una pausa cuando empezó la cuarentena, pero por fortuna está de vuelta.

Tonalá 171, colonia Roma

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ES

–quien también hizo el de Selva Oaxaca– y todo el equipo de sonido es high-fi con puro vinil. Es un proyecto relativamente nuevo –nació a mediados de diciembre de 2020– y le va muy bien.

Ponen música gente de alto calibre como Pato Machete, Bostich de Nortec Collective… En fin, toda esa banda del norte que está increíble”.

Miramar 666, Centro Comercial Santo Tomás, Ensenada, Baja California

VO

MEOW

De aparición reciente, es pequeño, perfecto para escuchar música y disfrutar un poco de sake.

Logra la ubicación exacta escribiendo a @meow.mexi VO

CAFÉ DE NADIE

Café por las mañanas, bar por las tardes y las noches.

Acústica impecable y una colección de más de 1,500 viniles, curada desde hace más de 10 años como eje sonoro.

Chihuahua 135, colonia Roma

Los viniles A L A A L Z A De acuerdo a un reporte de MRC Data, en 2020 la venta de viniles superó a la de CD’s por primera vez en 34 años en Estados Unidos. La tendencia continúa en 2021. Durante el primer semestre de este año, las ventas crecieron un 108%, 9.2 millones de discos de vinil vendidos más que en el mismo periodo el año pasado.

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5 tendencias que están cambiando nuestra forma de beber

La pandemia introdujo cambios que llegaron para quedarse. Toma nota de lo que verás suceder pronto, tanto en las barras como en tu bar de casa.

cuerpo y del medio ambiente transforma la forma de consumir alcohol. Ahora buscamos calidad, ingredientes que le aporten algo positivo a nuestro cuerpo y envases que generen la menor huella de carbono posible. Esto es lo que reportan los análisis de las tendencias mundiales.

1. EL VINO EN CAJA AHORA ESTÁ BIEN VISTO

Si alguna vez llegaste a una fiesta con un vino en tetrapack, seguro las miradas de tus amigos te mostraron la terrible falta de etiqueta que eso significaba. Pero el vino en caja, casi siempre asociado a una baja calidad y que acaso se utiliza para cocinar, ahora está siendo bien percibido. ¿Cómo pudo pasar esto? Para The Drink Business está claro que nuestra preocupación por la salud del planeta ha empujado a la búsqueda de nuevas formas de envasar el vino que generen una menor huella de carbono. Según un reporte de Plate of the Nation, las compras de vino en caja crecieron durante la cuarentena y fueron la elección de los consumidores más jóvenes.

Ahora puedes encontrar vinos refinados en este formato que, incluso, tienen precios más accesibles; es más barato envasarlos así que en las tradicionales botellas de vidrio.

2. LOS COCTELES

luchando por mantenerse de

ENVASADOS SE MANTIENEN

pie. Eso también los llevo a

pandemia, los bares fueron

creativos. Para poder llevar

Cuando empezó la

de los primeros afectados y a causa de las diferentes

variedades de Covid-19 y los constantes cambios en las

medidas gubernamentales de todo el mundo, siguen

ser uno de los negocios más su expertise a las casas de

quienes antes ocupaban sus mesas y barras, comenzaron a envasar cocteles en

empaques al alto vacío o

botellas y latas. Ahora que

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LA PREOCUPACIÓN POR LA SALUD del

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hemos visto lo bien que

funcionan, estos cocteles

to-go, no desaparecerán

del mercado.

3. COMIENZA EL REINADO DE LOS HARD SELTZERS

El año pasado inició la invasión de refrigeradores de los supermercados y las tiendas de conveniencia.

Ahora sabemos que son el nuevo gran éxito en la industria del alcohol. Son ligeros, prácticos y bajos en calorías. De acuerdo con Grand View Research se trata de un negocio que se valuó en 4.4 miles de millones de dólares en 2019 y que presumiblemente tendrá un crecimiento anual del 16.2%, al menos de aquí a 2027.

4. ¿POCO O ALCOHOL?

Los ingredientes sorpresa te relajaran. Si buscas reducir o evitar el consumo de alcohol, la industria de las bebidas tiene la solución: hongos y cannabis. Leíste bien.

Los vinos infusionados con CBD y THC ganan terreno en España y Estados Unidos.

Aunque aún hay limitantes legales para que su éxito se vuelva global, es una tendencia incipiente a la que vale la pena ponerle atención. Mismo caso el de las cervezas, que cuentan con “hongos medicinales” entre sus ingredientes. Los que utiliza la cerveza Fungt son adaptógenos que ayudan a relajar la mente y el cuerpo y que además prometen beneficial a los sistemas inmunológico y endócrino. Tienen muy bajo contenido alcohólico, una

buena opción para quienes no desean beber demasiado y aún así disminuir su estrés.

5. VENENO Y ANTÍDOTO A LA VEZ

La inclusión de los llamados superalimentos en la mixología lleva un buen rato sorprendiéndonos. Los hay con jengibre, carbón activado, cúrcuma y más de estos ingredientes asociados al bienestar, pero el que dominará el 2021 es la kombucha. Para EHL Insights este es el año de “brindar

por la buena salud” y esta bebida fermentada hecha a partir de té y azúcar será una gran aliada para los bartenders. De acuerdo con la agencia de estudios de mercado Mintel, los consumidores buscan opciones saludables sin sacrificar su consumo de alcohol y los bares aprovechan a la kombucha para mezclas ingeniosas que aportan nuevos sabores y hacen bien al estómago.

Estos cocteles hacen que la resaca no exista o sea más llevadera.

DE SERIES Y DRINKS

¿por qué nos fascina lo que se bebe en la TV?

Es inevitable que, tan pronto ese personaje favorito de la serie bebe algo, ese algo se convierta en una especie de crush, como si el líquido en la pantalla fuera un elíxir que nos hace parte de la historia.

Sobre lo visto en lo que va del año, estas son nuestras obsesiones más recientes.

Por MÓNICA ISABEL PÉREZ

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EN CUANTO DON DRAPER dio el primer sorbo de Old Fashioned en Mad Men, miles de personas que veían la serie quisieron uno. De pronto, este trago clásico se convirtió en una obsesión, como si el solo acto de beberlo nos transformara en el creativo, seductor y brillante personaje que interpretó John Hamm. En la industria de los espirituosos se habló incluso del “Mad Men Effect”. Durante los años que la serie se mantuvo al aire, el whisky superó en ventas y popularidad al tequila, al vodka y al gin. Para ponerlo en cifras, de acuerdo a The Atlantic, en esos años las ventas de whisky premium en Estados Unidos aumentaron en un 1,700% en relación a la década anterior. Fueron los tiempos en los que todos quisimos ser Don. La relación de las series de televisión con el aumento de la demanda de ciertos tragos se había visto antes. Por ejemplo, Sex and the City produjo una tremenda fiebre por el Cosmopolitan y la cerveza Duff de Los Simpson se insertó tan bien en la cultura pop que durante años se han reportado intentos por comercializarla, aunque casi todos se truncan a causa de los derechos de uso de marca. Pero estamos hablando de hitos clásicos. ¿Qué hay de lo nuevo?

LOS NOMINADOS AL EMMY 2021 Y SUS DRINKS EMBLEMA

En Hacks , nominada a Mejor serie de comedia, Jean Smart (también nominada a Mejor actriz en esta categoría) interpreta a Deborah Vance, una legendaria “standupera” de Las Vegas que se encuentra en el declive de su carrera. Se trata de una maravillosa diva decadente que adora las joyas, las prendas brillantes y que tiene una gran mansión llena de antigüedades.

En su obligada relación laboral con una escritora millennial, la vemos disfrutar cada trago de Martini (bien sucio, lo pide ella) y de champaña que se atraviesa en su camino.

Otra que nos hizo desear alocadas noches de fiesta (aunque después diera clase de moderación) es Halston. La historia –basada en la vida del diseñador de modas, Roy Halston, entre los más exitosos de los años 70– está llena de excesos: tabaco, drogas y alcohol. Interpretado por Ewan McGregor, nominado al Emmy a Mejor actor en una miniserie, vemos al diseñador transitar las surreales noches del Studio 54 y sus delirantes momentos creativos siempre acompañados con whisky. ¿Sus compañeros de fiesta? Liza Minelli, Elsa Peretti y Joe Eula, entre otros personajes del glam y la decadencia.

Regla no 852 ES TOTALMENTE ACEPATBLE HACER JUEGOS PARA TOMAR MIENTRAS VES TU SERIE FAVORITA

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Imposible olvidar este año a Kate Winslet en Mare of Easttown. El show está nominado a Mejor miniserie y ella, por supuesto, a Mejor actriz de la categoría. Lejos está la joven y sofisticada Rose DeWitt Bukater. Aquí vemos a Kate Winslet ser la dura detective Mare Sheenan, enojada siempre con su madre y las tardes de martinis que esta disfruta con su sobrino (que además es el padre de la iglesia del pueblo). Pero a Mare lo que le molesta no es el alcohol, sino la despreocupación, porque a ella la vemos tratar de relajarse siempre con montones de cerveza. Ya sea que vaya al bar por ella o que la saque con desesperación de su refrigerador, hace que den ganas de acompañarla con un six mientras trata de desentrañar el misterio de un asesinato en Easttown.

LAS NO TAN NUEVAS (QUE SIGUEN IMPACTANDO EN LAS BARRAS)

The Kominsky Method estrenó su tercera temporada en mayo y se mantiene vigente en el gusto del público.

De hecho, Michael Douglas está nominado al Emmy 2021 como Mejor actor de comedia. Y es que su historia como formador de actores en Hollywood tiene tantos momentos hilarantes como conmovedores. Algo que aprendimos de Douglas como Sandy Kominsky es que no debemos avergonzarnos de nuestros gustos etílicos por extraños que estos sean. ¿Qué es lo que le gusta beber a él? Lo que en la misma serie definieron como “un crimen contra la humanidad”: Jack Daniel’s con Diet Dr. Pepper (¿alguien ya lo habrá intentado en casa?)

La que ha causado furor es Peaky Blinders, a finales de este año o inicios del 2022, y estrenará nueva temporada.

Desde que comenzó a transmitirse en 2013, este drama histórico sobre la familia Shelby ha tenido impacto tanto en la BEBER COMO moda como en una nueva ola de popuTOMMY SHELBY laridad del whiskey irlandés. El protaSi eres fan de la serie, gonista es Cillian Murphy, quien tras prueba este coctel grandes papeles en el cine pasará a la que lleva el nombre del posteridad gracias a esta serie como el protagonista. Prepararlo solo toma cinco minutos. fascinante gángster Tommy Shelby, quien un día decide montar su propia Para una porción: destilería en Birmingham en los años 20 3 dashes de bitters (una idea inteligente considerando la ley de naranja seca en Estados Unidos, a donde 60 ml de Noilly Pratt expande sus negocios ilegales). La serie 40 ml de Old Tom Gin es impecable y tiene tantos fans que hay Twist de limón cocteles, bares y hasta marcas inspiraEn un vaso para mezclar das en ella. Sadler’s Peaky Blinders del coloca los bitters, el Noilly grupo Halewood es la que ha llegado Prat y el gin. Mezcla bien. más lejos con su producción de ron, Mientras tanto, llena un vaso ginebra y, por supuesto, whiskey irlancon hielo, exprime el limón dés. La marca ha recibido premios en la y deja caer la cáscara.

World Spirits Competition y aunque la Agrega el líquido y ya está.

BBC trató de evitar que usaran el nomSi quieres preparar bre de la serie, Halewood ganó la más cocteles inspirados demanda y ahora podemos disfrutar en esta serie, entra en espirituosos que parecen salidos de la peakyblinders.tv mismísima destilería de los Shelby.

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UN PAÍS DE CERVEZA por su elaboración artesanal y su materia prima genuina. Las hay de agua de mar (sí, leíste bien), las que se saborean al ritmo de la tendencia Slow Beer o las que incluyen ingredientes impensables.

La cerveza artesanal mexicana crece como la espuma (los últimos datos son de 2019 y los publica la Asociación de Cerveceros de México (Acermex), que reúne a los protagonistas de esta industria). Ese año se produjeron 226,000 hectolitros que, aunque solo representan el 0.84% de la producción total de cerveza, representan un aumento de más del 70% entre 2011 y 2019. El estudio también recoge el número de cervecerías artesanales independientes: 1,200 al cierre de 2019.

Y apostamos que, pese a los años pandémicos, para estas fechas ya deben sumarse varias más. Además, la cerveza de este tipo hecha en México es muy reconocida en el mundo. Se exporta, sobre todo, a Estados Unidos, Europa y Centroamérica.

LA CERVEZA ARTESANAL ES:

LENTA COMO UN BUEN BAILE

Slow Beer es un movimiento nacido en México que comulga con la filosofía Slow Food. La idea es promover cervecerías artesanales de México que usen alimentos tradicionales mexicanos, pero que además sean ecológicas y las empresas cuiden a sus productores. Todo cabe en este líquido de culto con tal de salvaguardar los productos locales, como el tejocote, la miel de la abeja Scaptotrigona mexicana o los chapulines. Francisco Olachea, beer sommelier y juez de prestigiosas competencias cerveceras artesanales ha participado en estas campañas de promoción de cervezas artesanales de Slow Beer. Habla del fenómeno de esta cerveza en México: “el consumo local es alto porque el mexicano prefiere la cerveza sobre otras bebidas y además hay una búsqueda de experiencias gastronómicas de los nuevos consumidores, como los millennials”. ¿Cómo reconocer una buena cerveza tradicional?

Olachea, experto catador, lo tiene claro. “Hay que disfrutar sin esnobismo y opinar con libertad. No es necesario ser un catador o tener mucho conocimiento para detectar si un producto es bueno. A los sentidos no podemos engañarlos, pero debemos poner atención y paladear la cerveza para evaluar la calidad”. Claro, hay otras formas de garantía, como conocer la cervecería que la produce y el estilo.

La cerveza artesanal mexicana gana cada día más adeptos.

Te damos las claves para entender este líquido de culto.

INDEPENDIENTE

Ningún productor cervecero posee más del 25% del capital social de su empresa.

Por MÓNICA ISABEL PÉREZ y YOLANDA RUIZ

SONORA

TRADICIONAL

El producto cuenta en todos los casos con malta, agua, lúpulo, cebada y levadura. Puede llevar insumos extras con el fin de estimular sabores y fomentar la innovación, nunca para abaratar costos. Y jamás lleva saborizantes artificiales.

15%

NUEVO LEÓN COAHUILA

PEQUEÑA

YUCATÁN

8%

BAJA CALIFORNIA

ZACATECAS

VERACRUZ

34%

JALISCO ESTADO DE MÉXICO OAXACA

Su producción anual no excede el 1% del mercado cervecero nacional.

I L U S T R A C I O N E S : L U I S M I G U E L D E L A C R U Z C E B A L LO S

B I G D R I N KS B O O K B R E W E R I N G

SON CERVEZAS QUE SE DISTINGUEN

Según la Acermex, los cinco estilos más vendidos son Pale Ale, IPA, American Stout, Amber o Red Ale y Robust Porter.

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Para los neófitos, Olachea recomienda “empezar a probar estilos fáciles de beber como Blonde Ale, Ámbar Ale y Brown Ale. Después ya están preparados para degustar algunas con mayor amargor, tostado o potencia alcohólica, ya que pueden ser muy potentes al paladar y dejan una mala impresión en un consumidor novato”.

Como en todo, educar el paladar es también parte del encanto del ritual de la cerveza artesanal. Hasta llegar a poder apreciar sabores más excéntricos. Olachea afirma que los ingredientes más atrevidos que ha probado en una cerveza de este tipo es en variedades de fermentación salvaje o relacionados con productos como la chicha de Sudamérica. Para él, que ha probado incontables sabores, dice que su cerveza favorita es Marea Roja de Cervecería Agua Mala, de Ensenada.

Y el estilo que más disfruta es el Ámbar Ale de Andres Brewing de Quito, Ecuador.

UN TERRITORIO CERVECERO

Si hay que señalar en un mapa los puntos calientes donde se produce más cerveza artesanal, Jalisco lidera con el 34% de la producción nacional, seguido de Nuevo León con 15% y Baja California con el 8%, aunque Olachea menciona que el último estado es para él la sede de este líquido que se complementa con la amplia oferta turís-

LOS ESTILOS

HAY DOS PRINCIPALES

ALES

De fermentación más rápida, se realizan a temperaturas entre 15 y 23 °C.

LAGERS

De fermentación baja, se hacen con temperaturas entre 7 y 12°C.

tica y de bares donde apreciarla.

Aunque un desafío para estimular su consumo es el precio. En general, los consumidores se quejan sin preguntarse por qué las cervezas artesanales cuestan más. La razón son los impuestos. En México, las cervezas industriales pagan cerca de 400 pesos en impuestos por hectolitro, mientras que las artesanales pagan entre 1,000 y 1,200 pesos por hectolitro. Entendido lo anterior, pero aún pensando en las carteras, le pedimos a Olachea que nos recomendara cinco cervezas artesanales muy ricas y a buen precio: Marea Roja (Agua Mala), Colimita (Cervecería Colima), Alfa (Loba), Harry Polanco (Wendlant) y Pale Ale (Dos Aves) son la respuesta.

El boom de las cervezas artesanales ha llegado para quedarse. El COVID-19 lo detuvo por unos meses, pero su consumo está destinado al crecimiento. Por ahora, Acermex está impulsando a los cerveceros a llegar al 1% de participación de la venta de cerveza en el país por medio de una campaña de redes sociales y todos parecen estar muy motivados por llegar a la meta. Así que cada que des un trago de este espumoso y refrescante líquido artesanal, piénsalo: no te estás emborrachando, estás ayudando a que cada día se haga mejor cerveza.

1,200

CERVECERÍAS ARTESANALES

al cierre de 2019

226,000

HECTOLITROS

de cerveza artesanal se produjeron en 2019.

INGREDIENTES IMPRESCINDIBLES CEBADA

Esta gramínea se somete a un proceso de malteo que la convierte en malta de cebada.

Da color, sabor, aroma y textura, que también es aportado por la levadura y el gas de la bebida.

LÚPULO

Planta silvestre de la familia cannabácea.

Permite dar a la cerveza matices de aroma y amargor. Hay amargos, aromáticos y mixtos.

LEVADURA

Hongo que provoca la fermentación alcohólica de los hidratos de carbono, ingrediente clave y define el estilo de la cerveza: Ale, Lager y de fermentación espontánea, conocida como salvaje. Cada cepa del hongo proporciona aromas, sabores y texturas.

AGUA

Es el 95% de la cerveza, el ingrediente más importante. Las concentraciones de sales del agua varían según la región.

Algunas potencian sabores específicos como el amargor del lúpulo o el dulzor de la malta.

No en vano FIFTY MILLS, el acogedor bar del Four Seasons México City, ha estado en la lista de The World’s 50 Best Bars y en el Top 4 Bar de los Spirited Awards (categoría Best International Hotel Bar).

Para esta edición de Esquire los visitamos y su equipo creativo nos compartió algunos de los más ICÓNICOS COCTELES de su nueva carta.

Nuestros

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cocteles

imprescindibles Fotografías VICTOR TRANI Por ALFONSO PARRA y FRANCISCO GUERRERO

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PENICILLIN

“Adaptación de un clásico creado en los 80 por Sam Ross, bartender australiano que trabajaba en NY”.

Elemento principal: whisky Ingredientes: Double Black, miel de lavanda, limón y crema batida ahumada

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EXTRAORDINARY MARGARITA “Ha sido desde siempre uno de los cocteles insignias y más exitosos del bar”.

Elemento principal: tequila.

Ingredientes: Don Julio 70, Aperol, Cointreau, jugo de Limón, cardamomo y sal de cítricos

BUGS BUNNY

“Figura en el top 5 de los más vendidos y está inspirado en el icónico conejo creado por Tex Avery”.

Elemento principal: ginebra.

Ingredientes: Tanqueray Ten, jugo de zanahoria, jarabe de té de limón, jugo de limón, Bitter Tres Chiles y perfume de Fernet

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COCTEL ESQUIRE

“Negroni inspirado en las notas de un trago muy varonil y sofisticado, tal como percibimos la revista. Para este coctel utilizamos la técnica del carbonatado y, en vez de ginebra, utiizamos un tequila que estamos lanzando, Praltos, en colaboración con Fifty Mills”.

Elemento principal: tequila.

Ingredientes: Campari, tequila, vermut rojo, naranja y hielo

95% CRAFT

“Nos inspiramos en la sustentabilidad y con él ganamos un concurso nacional entre bartenders que hizo Appleton State”.

Elemento principal: ron.

Ingredientes: Appleton 8 años, lactofermentado de mandarina y soda de mandarina

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“Coctel hecho en colaboración con el licor Ancho Reyes. Sincrético es una palabra que simboliza la conciliación de posiciones o culturas, y este coctel nació durante una visita del equipo a Puebla”.

SINCRÉTICO

Elemento principal: Licor de chile.

Ingredientes: Licor de chile y Justino de queso de cabra con pera

PINK SEASON,

“está inspirado en uno de los viajes del equipo del bar a Tulum y en la primavera, con sabores tropicales”.

Elemento principal: mezcal Ingredientes: Unión Joven, Maracuyá, Frutos Rojos, Sidra de Manzana

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@RiuniteMexicoOficial @RiuniteMexico

ITALIA

CAMPAÑA FINANCIADA SEGÚN EL REGLAMENTO UE N. 1308/2013 CAMPAGNA FINANZIATA AI SENSI DEL REG. UE N. 1308/2013

EL ABUSO EN EL CONSUMO DE ESTE PRODUCTO ES NOCIVO PARA LA SALUD. EVITE EL EXCESO. COF 354279

Abrigo gris cruzado en lana, Richard James

TOM HARDY en partes

Encuentro dividido en cinco segmentos con esta atípica estrella de cine dentro de un remolque Winnebago.

Entrevista MIRANDA COLLINGE Fotografías GREG WILLIAMS Diseño NICOLE SCHNEIDER Tom Hardy fotografiado en exclusiva para Esquire en la Torre de Londres, junio de 2021.

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Abrigo negro en mezcla de lana y cachemira, Belstaff. Sudadera café en algodón, Sunspel. Pantalones negros en algodón, Tentree

1 LA PARTE EN LA QUE NO ESTÁ

EL REMOLQUE DE TOM HARDY se ubica en el estacionamiento de un estudio de cine a las afueras de Cardiff.

Es uno de los vehículos más lujosos del estudio, tiene cocina y un área de descanso, además de otras habitaciones en la parte trasera que no alcanzo a ver y en las que debe haber baño y cama o, no sé, tal vez un diván.

En una parte de la sala hay un banco tapizado muy limpio, en el que estoy sentada, y un sillón de cuero blanco en la esquina opuesta que, hay que decirlo, tiene un ligero parecido a un trono. Hay ventanas tipo buzón en lo alto de cada pared, una pantalla plana empotrada y un extraño panel de espejos en el techo. Hay una bolsa de dulces en la mesa junto a la silla y algunos paquetes de chicles.

No hay más objetos sobresalientes, aparte de una cama para perro y dos platos en el suelo que tienen un acabado brillante y cobrizo muy atractivo.

Es el tipo de remolque –y el de platos para perros– que se esperaría fueran diseñados para uno de los actores más queridos del Reino Unido, recientemente designado, en una encuesta de principios de este año, la “estrella masculina del cine británico del siglo XXI”. Sin embargo, hay algo que brilla por su ausencia en el remolque de Tom Hardy: Tom Hardy.

El sillón está ocupado por su asistente, Natalie, una elegante rubia que lleva su teléfono celular en un cordón alrededor del cuello y lo consulta de manera esporádica. Fue ella quien me recibió en la estación junto con Luke, el chofer y guardia de seguridad de Hardy, un hombre joven y platicador con entrenamiento tanto en boxeo como en Krav Maga. No es difícil imaginar que Natalie también puede defenderse muy bien; antes de ser asistente de Hardy, más o menos en la época en la que él interpretó a Ronnie y Reggie Kray en la película Legend (2015), había trabajado durante más de una década con Liam Gallagher. Pero aunque esto lo deduzco a partir de una charla amena en el remolque mientras esperamos a Tom Hardy, ella no resulta el objeto de la entrevista, así que, como diría Ronnie Kray, la dejaré al margen y ya.

Llevaba un par de semanas esperando la llamada de Hardy para saber dónde sería la entrevista —¡quizá Londres! ¡A lo mejor Gales! Tal vez, Dios no lo quiera, ¡por Zoom!—, así que esperar una hora más aquí o allá no era gran cosa. Después de entrevistarlo varias veces, sabía que la precisión no era su punto fuerte.

También había aprendido a no intentar adivinar la ubicación: la primera vez, cuando estaba rodando The Revenant para Alejandro González-Iñárritu y promocionando Mad Max: Fury Road, de George Miller, pintamos cerámica en un centro comercial de Calgary.

En otra ocasión, cuando se preparaba para presentar su primera película de superhéroes, Venom, paseamos por la sucursal de Homebase en Richmond cerca del Támesis. Le gusta mantenerte alerta.

Incluso ya en el coche con Natalie y Luke, recorriendo viejos edificios industriales y un sorprendente número de caballos —propiedad, según me informó Luke, de una comunidad de nómadas irlandeses que los mantienen atados en la carretera—, desconocía lo que iba a ocurrir, salvo que había tomado un tren rumbo a Cardiff porque Hardy estaba en algún lugar cercano rodando Havoc: una película de acción para Netflix sobre un “detective herido” y atrapado en el mundo criminal mientras busca al hijo rebelde de un político. Sabía que me iban a llevar al estudio para hacerme una prueba de Covid-19, pero hasta que regresamos al estacionamiento, mientras subía los pequeños escalones hacia la puerta de un remolque con un cartel que decía “Walker”, el nombre de su personaje, me di cuenta de que ese sería nuestro destino final. ¡Tan evidente! Y, por lo tanto, ¡tan inesperado!

Todo tenía sentido, dentro de una lógica peculiar. Y seguía siendo, después de todo, un glorioso contenedor en forma de transporte aparcado en un estacionamiento. «“Glamour”, dijeron», me cuenta Natalie impasible, más de una vez. También más de una vez me asegura que Tom está en camino.

Mientras esperamos, entran y salen los miembros del “equipo” de Hardy, el grupo de personas que lo acompaña de una producción a otra, quizá porque confía en ellos, quizá porque hacen que todo parezca un poco más normal. En el remolque están Natalie y Luke, que tienen una relación cercana y bromista, así como la maquilladora de Hardy, Audrey, ocupada en la cocina antes de salir de nuevo para practicar algunas cicatrices protésicas sobre el rostro en un extra que sustituye al actor temporalmente. Entonces se produce un cambio casi imperceptible en la presión del aire, como el soplo del viento antes de una tormenta o el temblor de las hojas en la entrada de un túnel antes de que llegue el tren.

Natalie voltea a la ventana cuando entra un Audi.

El actor aparece por la puerta de su remolque, con una camiseta ajustada y una gorra de beisbol; tiene un aspecto musculoso y delgado que no se parece a ninguno de los otros padres de 43 años que conozco.

Lo sigue su perro Blue, un mestizo de color gris claro con algo más que una pizca de bulldog francés y una expresión siempre inquisitiva. Me da un abrazo —¡mi primer abrazo de cuerpo entero con alguien ajeno a mi familia inmediata en más de un año y medio! ¡Cuánto tiempo ha pasado!— y se sienta en el sillón que Natalie deja libre, junto al que acaba de dejar un café expreso en una taza diminuta. Blue se acomoda en la cama para perro junto a los platos cobrizos, en uno de los cuales Natalie, por razones que voy a suponer son de practicidad más que de decreto, vierte agua de una botella Evian. Por fin ha llegado Tom Hardy, la estrella masculina del cine británico del siglo XXI.

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2 LA PARTE EN LA QUE HABLAMOS DE SU NUEVA PELÍCULA A MITAD DE LOS CRÉDITOS FINALES DE VENOM,

que estrenó en 2018, hay una escena adicional. El personaje de Hardy (o, para ser más exacto, el personaje humano de Hardy… más adelante hablaremos de eso), el reportero de investigación y motociclista Eddie Brock es escoltado a través de las puertas de seguridad de la tristemente célebre prisión de San Quentin, en California. Tras ser conducido por una serie de pasillos sucios, él y un guardia de voz ronca llegan a una gran jaula de metal en la que le espera Woody Harrelson con grilletes y una peluca rizada de color castaño. Harrelson es Cletus Kasady, un excéntrico asesino en serie, y quiere que Eddie divulgue un mensaje: “Cuando salga de aquí, y lo haré, habrá un exterminio”.

No solo supone un práctico paralelismo con lo que está sucediendo ahora que, lo siento, no puedo evitarlo –¡Hardy me convocó! ¡En circunstancias misteriosas! ¡Y aquí estamos! ¡Frente a frente! ¡En una caja!– sino que también establece la premisa de la inminente secuela, Venom: Let there Be Carnage, dirigida por Andy Serkis, en la que el Kasady de Harrelson parece que cumplirá su promesa. Y, por supuesto, Hardy no me invitó para preguntar por mi familia (aunque lo hace, lo cual es muy atento), ni para que yo pregunte por la suya –él y su pareja, la actriz Charlotte Riley, tienen dos hijos pequeños, además Hardy tiene un hijo de 13 años de una relación anterior–, sino porque tiene que promocionar una película y, tal vez, algo que demostrar.

La película original de Venom había sido una prueba de fuego por varios motivos. Fue la primera que se estrenó bajo en el Universo Cinematográfico de Personajes Marvel de Sony, abreviado de forma atractiva como SPUMC, acuerdo muy complicado en el que Sony puede desarrollar otro cosmos de películas de superhéroes basadas en personajes seleccionados de Marvel Comics, entre los que destaca la ausencia de Spider-Man. Contrataron a Hardy para interpretar al ya mencionado periodista y motociclista Eddie Brock, así como, gracias a la magia del CGI, Venom, un adorable simbionte alienígeno devoracerebros que habita el cuerpo de Brock y que es, confusamente, entre los adversarios más emblemáticos de Spider-Man. En sentido más amplio, el trabajo de Hardy fue también doble: arrancar el nuevo universo SPUMC sin Spidey y, a pesar de haber protagonizado (o como él mismo argumentará más tarde, coprotagonizado) y reiniciado con éxito la querida franquicia de George Miller con Mad Max: Fury Road, además de haber interpretado a Bane, el adversario de Batman en The Dark Knight Rises, demostrar que tenía lo necesario para llevar una superproducción de superhéroes por sí solo.

“Había otros objetivos con Venom, pero eran menores comparados con el objetivo principal: ¿puedo aterrizar a Eddie Brock y a Venom como un superhéroe sólido

de Marvel?”, cuenta Hardy, desde el sillón–trono de cuero.

“Venom y Eddie Brock forman parte de un canon universal entre los que saben de superhéroes, así que no quiero hacer las cosas mal. Me gustaría formar parte de ese legado y no arruinarlo del todo. No dar pena. ¡Ja! Tienes Black Panther, Thor, Wonder Woman, Venom; no hay una de la que puedas decir: “Dios, ¿la viste? ¡Un asco!

No la veas”. Puede que a la gente no le guste, puede que le guste mucho, pero no pasa desapercibida”.

El resumen de Hardy es en realidad una representación bastante exacta de las reacciones a Venom. A algunas personas no les gustó (críticos), a otros sí (el público), pero recaudó 856 millones de dólares y tuvo un presupuesto de 100 millones de dólares: el rechazo no estaba contemplado. Incluso los detractores no podían dejar de reconocer que las interpretaciones de Hardy como Venom y Eddie eran de calidad, ya que desarrollaban una dinámica de pareja disparatada mientras luchaban por la primacía en el cuerpo de Eddie. (En una táctica ingeniosa de marketing, Sony presentó un remolque falso para el estreno en casa que reformulaba Venom como una comedia romántica: “Yo soy Venom y tú eres mía”, etc.)

En cierto sentido, el papel estaba hecho para Hardy, o él para el papel. Hijo único de Chips y Anne Hardy, un ejecutivo de publicidad y una artista, respectivamente, tiene un historial de abuso de drogas y alcohol que comenzó durante su adolescencia en East Sheen, al suroeste de Londres, y que continuó durante los primeros años de su carrera como actor, cuando pasó directo del Drama Centre London a tener pequeños papeles en grandes producciones como Band of Brothers, de Steven Spielberg, y Black Hawk Down, de Ridley Scott.

Entró en rehabilitación en 2003, pero si hay un actor que conoce la batalla de los impulsos destructivos que amenazan con aplastar, ya sea la infernal bebida o el simbionte alienígeno, es él.

“Las cosas te encuentran. Me di cuenta de que podía aportar mis experiencias o me han identificado por haber tenido problemas de salud mental, y me proponen cierto papel”, se carcajea. “No sé, las cosas se han dado”.

De hecho, aportó lo suficiente a la primera película de Venom para completar el argumento de Venom: Let There Be Carnage , que creó con un viejo amigo, el guionista británico Kelly Marcel. Además del crédito de la historia, también es productor esta vez, aunque dice que esta distinción es casi discutible: “Un productor es lo que estaría haciendo de todos modos si solo estuviera actuando, solo estaría discutiendo con el estudio por eso”.

Al parecer, el poder conlleva responsabilidad, y también, algo inusual para Hardy, cumplir las reglas.

“Estoy contento con el trabajo. Estoy feliz con el trabajo”, es todo lo que se compromete a contestar cuando le

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Saco rosa claro en pana con acanalado delgado, Richard James. Suéter crema en lana con estampado de ardillas de Freya Hartas, Gucci

pregunto, de diferentes maneras, cómo quería que evolucionara la relación Venom-Eddie en la nueva película.

“Debo tener cuidado con lo que digo porque soy un hombre de estudio. Soy un ejecutivo. Lo creas o no”.

Aunque sí deja escapar alguna que otra cosa. Como cuando describe la elección de los nuevos villanos de Marvel: el remolque revela que, además de Cletus Kasady (ahora, por fortuna, sin la peluca de miedo) y su simbionte Carnage, también aparecerá Shriek (interpretada por Naomie Harris), mientras que los aficionados a los cómics han detectado pistas sobre una posible aparición de Toxin (sobre cuyo tema Hardy me hace unos frenéticos gestos con la mano que no puedo descifrar pero que creo que significan “permanece atenta”).

“También estoy pensando en la tercera película porque creo que hay que escribirla al mismo tiempo”, dice. Más tarde, cuando le pregunto si él y Marcel también escribirán la historia de la tercera entrega, se torna tímido: “La tercera no tendrá luz verde hasta que la segunda tenga éxito, pero el estudio quedó muy, muy satisfecho con la segunda”. Creo que es un fuerte, tal vez.

Todo es bastante complicado, dado que aún no tengo autorización para ver Venom: Let There Be Carnage, pero me atrevo a plantear otra cuestión que parece entusiasmar a los fans de Marvel: si Venom y Spider-Man pueden aparecer en algún futuro, siempre que el diabólico acuerdo comercial lo permita, en la misma película. ¿Le gustaría a Hardy?

“Sería negligente si no intentara encauzarlo”, dice, mientras usa su vapeador. “No estaría haciendo mi trabajo si no estuviera abierto a cualquier oportunidad o eventualidad, o si no me entusiasmara esa posibilidad.

Obviamente es un paso enorme para una sola persona, y se necesitaría un nivel mucho más alto de diplomacia e inteligencia, sentarse y hablar, para enfrentarse a un escenario como ese.

“Si ambas partes tuvieran la disposición, y fuera beneficioso para las dos, no veo por qué no podría suceder. Espero y hago el esfuerzo de concretarlo; haría cualquier cosa, dentro de lo que es correcto en los negocios, para que ocurra. Sería una tontería no tener como meta los Juegos Olímpicos si corriera 100 metros, así que ¡sí!

Quiero jugar en ese campo”. Creo que eso es un sí.

3 LA PARTE EN LA QUE “TOM HARDLY” HACE ACTO DE PRESENCIA DESPUÉS DE APROXIMADAMENTE UNA HORA, llaman a

la puerta. Un hombre de pelo castaño, más o menos de la altura y edad de Hardy, entra en el remolque.

—¡Jakey! —dice Hardy.

El hombre me tiende el codo a modo de saludo.

—A Jake le hacen pruebas todos los días —asegura Hardy— PCR. —Renazco todos los días —agrega Jakey.

—Jakey y yo somos la misma persona desde Mad Max. Hacemos todo juntos. Él es Venom, es Eddie Brock, es los Kray, es Mad Max. Somos gemelos. Él es el que planta la cara y yo soy el que la arranca. Si el papel exige aterrizar en su cara, ese es Jakey.

Es posible que mi propia cara aún delate cierta confusión, así que continúa: —Le pedí a Jakey que viniera a conocerte. Cuando no hay nada divertido que hacer, Jakey es muy chistoso.

Ahora te voy a dar un pase exclusivo para que entrevistes a mi doble. ¡Harás algo de yoga! ¡Un poco de hot yoga! ¡Con el perro! — (Blue lame ruidosamente su plato de agua, no levanta la vista).

Por fin entiendo que Jakey es Jacob Tomuri, el doble de Hardy desde Mad Max: Fury Road, explica, cuando una amiga que estaba doblando a Charlize Theron como Imperator Furiosa vio su parecido y lo recomendó

para el trabajo. Tomuri tiene los modales sencillos de alguien que pasa mucho tiempo a miles de kilómetros de distancia de la rígida estulticia de Gran Bretaña y Estados Unidos, como de hecho hace salvo cuando lo llama Hardy, en su natal Nueva Zelanda. Me doy cuenta después de que Hardy lo invita a participar en entrevistas, quizá porque las hace más divertidas y le da la oportunidad de alcanzar un registro diferente y juguetón, o tal vez porque, como con Eddie y Venom, dos cabezas es mejor que una.

Aun así, no estoy muy seguro de cuál debe ser mi línea de preguntas. Le pregunto a Tomuri si tiene que vigilar el cuerpo de Hardy mientras está en su casa de Auckland y así asegurarse de que sus aspectos físicos coinciden.

—De vez en cuando nos mandamos mensajes de texto y le pregunto: “¿En qué estás pensando para este papel?”

—contesta.

—¡Y miento! Digo que peso 90 kilos y, en realidad, peso 75.

—O dice: “Peso unos 80 kilos”. Nos vemos y pesa 85.

Así que soy el Tom más pequeño, el “Tom Hardly” en ese momento.

—Nos reímos con el traje de doble… —dice Hardy.

—¿En serio quieres hablar de eso? —agrega Tomuri.

Resulta que el “traje de doble” era una prenda inte-

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rior protésica que Tomuri tenía que llevar debajo de sus chamarras en la película Legend porque tiene una línea de hombros diferente a la de Hardy: en esencia, músculos trapecios falsos. Su recuerdo provoca mucha risa.

— ¡Un b o dy b e i ge c o n t r a m p a s d e n t ro !

—subraya Tomuri.

—¡Qué poco elegante! —Hardy se carcajea.

—¡Lo era! Te envié una foto. Como diciendo “Gracias amigo”.

—De nada.

También recuerdan con cariño los videos de sincronización labial que hicieron mientras nevaba en Canadá durante la filmación de The Revenant , cuyas recopilaciones aún circulan en internet (hacen un gran interpretación de Simon and Garfunkel); su amor mutuo por el jiu-jitsu brasileño (“Somos practicantes amateurs de jiu-jitsu porque solo llevamos tres años haciéndolo”, dice Hardy); el hecho de que las piernas de Hardy son delgadas y que cuando llega al set en shorts a Tomuri le gusta preguntar: “¿Por qué Tom llegó montado en un emú?”. También las primeras experiencias actorales de Tomuri en una serie de fantasía para adolescentes en Nueva Zelanda en la que tenía el cabello teñido de azul. Esto no significa que Tomuri decida quedarse callado sin defenderse.

—¿Cuál fue esa película que hiciste? —pregunta Tomuri.

—Minotaur.

—¡Minotaur!

—Si alguna vez tienes un mal día actuando, por favor ve esta película y recuerda…

—Todos empezamos en alguna parte.

—¡No empezamos! Estaba en lo más alto de mi carrera cuando se estrenó. ¡Estaba en pleno vuelo ascendente!

Si alguna vez tienes ganas de dejar la carrera, ¡no lo hagas!

[Se revisa a sí mismo] Sin faltar al respeto porque me pagaron, y al mismo tiempo alguien puso todo su corazón y alma en la película.

—Cierto.

—Pero al margen de eso, si la ves, puede que no lo haya transmutado de forma tan experta a la pantalla. ¡Ja! Así que si tienes un día de mierda y crees que tu actuación no es muy buena, por favor, vela para saber que no estás solo, ¡y quizás nadie vea tu trabajo! —sigue Hardy.

Hardy y Tomuri se carcajean. No estoy segura de lo que esto deba demostrar, aparte del hecho de que todavía hay gente en la órbita de Hardy que se burla de él; sin embargo, el efecto es entrañable. (Veo Minotaur más tarde y es bastante especial: un drama fantástico picante y mitológico sobre adolescentes calientes en un laberinto que incluye diálogos como “te pido que lleves mi semilla”).

Llamaron de nuevo a Tomuri y sus músculos trapecios inferiores para Venom: Let There Be Carnage, que se rodó en los estudios Leavesden (cerca de Watford) y en San Francisco, así que le pregunto si ya vio la película.

No la ha visto.

—¿Quieres ver un poco ahora? —pregunta Hardy. ¿Está permitido? —pregunto.

—No. Por supuesto que no tenemos autorización, pero tengo permitido verla por mi cuenta. Y si te quedas fuera del remolque y abro la ventana, no puedo impedirte que te asomes. Si te veo, tendré que pedirte que te vayas.

No cumple tanto las reglas que digamos.

[Laguna: en la que podemos o no ver V enom: Let There Be Carnage a través de la ventana abierta del remolque de Tom Hardy].

4 LA PARTE EN LA QUE PASEAMOS POR EL SET DE FILMACIÓN TAL VEZ ES LA EMOCIÓN de lo que acaba o no de ocurrir,

o tal vez las diminutas ventanas, pero cualquiera que sea el motivo, el remolque de Tom Hardy ya absorbió la humedad del recinto selvático del coronel Kurtz. Se recomienda ventilar. Tomuri se despide y Hardy me propone darme un recorrido por el set de Havoc, la película de Netflix, que empiezan a construir en el edificio cavernoso detrás del remolque y cuya filmación está programada para dentro de dos semanas.

Havoc se desarrolla en Detroit, y como The Raid, ópera prima del director Nathan Evans, parece que tendrá poco diálogo y muchas secuencias de peleas, coreografiadas sin piedad, o como les llama Hardy: “buena dosis de madrizas de lujo”. El estudio es del tamaño de un han-

gar y está lleno de cajas de triplay, muchas de las cuales resultan estar pintadas por dentro para parecer pasillos sinuosos o callejones de mala muerte, o en una ocasión, un club nocturno seductor aunque deprimente. Por todas partes hay personas con cubrebocas, martillando y moviendo cosas, y Hardy saluda a todos: “Alright mate?”.

Todos responden como si no fuera la estrella de la película de cuyos sueldos dependen. Casi.

Hay un área inmensa llena de utilería, filas de letreros que dicen “no caminar” y casetas telefónicas, un poco de todo, Hardy mira todo con admiración. (“Me encantan los triques!”). Otra zona del estudio está dividida en áreas pequeñas con letreros que anuncian: “Zona de tiros y pruebas”. Hardy abre una y se revela una montaña de

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cajas de cartón y marcas de cinta en el piso. Los amables trabajadores al interior, un hombre y una mujer encargados de los stunts, me explican que son tanto coches como paredes, y me hacen sentir como la princesa Ana en un paseo entre el público. Hardy hace a un lado otra división que descubre a Tomuri peleando con un hombre en un tapete en el piso, los dos con calcetines. Sin soltarlo, Tomuri le cuenta a Hardy que otro de sus compañeros terminó el entrenamiento y se tuvo que ir. “¿Se quejó?”, pregunta Hardy.

Hardy parece muy emocionado con las exigencias físicas de Havoc, por lo que entrena mucho. Quiere grabar buena parte de las peleas en cámara: “Hasta donde me permita mi responsabilidad legal”. El regimen actual implica entre dos y tres entrenamientos de cross-fit al día, más una hora de jiu-jitsu brasileño, más o menos, y aprender la coreografía de stunt de la película. Tras un accidente filmando la primera Venom requirió dos cirugías de rodilla –“me las jodí”– y ocho semanas de recuperación filmó la segunda parte. Ahora dice que está más en forma que nunca y me siento obligada a decirlo, al mismo tiempo me disculpo por si suena inapropiado.

—En estos tiempos no puedes decir eso. ¡No es apropiado! —responde, y luego me dice, en serio—. Gracias.

Bueno, Havoc es una película de acción indisimulada.

“Es un ejemplo del género. Si vas a hacer artes marciales, para eso está Gareth”. Evans tiene un historial sorprendente — The Raid y su serie dramática para Sky TV, Gangs of London, recibieron críticas soberbias—, pero es improbable que Havoc sea la clase de proyecto que le otorgue a Hardy atención pomposa, como una nominación al Óscar, como en el caso de The Revenant.

Sin embargo, recibirá un sueldo por hacer algo que le encanta, un chingo de ejercicio y regresar a Londres los fines de semana para ver a sus hijos. Para un actor, parece un día de trabajo honesto.

“No me doy aires de importancia”, asegura. “Hago acento chistoso, filmo un par de horas, me como un sandwichito y me voy a casa. Nada mal, ¿no?”.

Ah, una cosa más. Aceptar trabajar en esta película también fue una manera de evitar que enloqueciera, por motivos que a cualquiera que haya vivido una catastrófica pandemia global le resultarán familiares.

5 LA PARTE EN LA QUE HABLA DE PAN DE MASA MADRE Y OTRAS COSAS IMPORTANTES ES PROBABLE QUE LA PANDEMIA DE TOM HARDY se haya

parecido mucho a la tuya, o con suerte, no. Terminó de filmar Venom: Let There Be Carnage para cuando el Reino Unido comenzó su primer confinamiento, y como todos nosotros, tuvo miedo: “Cuando todos empezaron a acaparar el papel higiénico y vaciar los estantes del súper, me pregunté si era hora de sacar las armas. ¿Acaso era el apocalipsis zombi? Al principio contemplé que la gente podía amotinarse”.

Hardy hizo compras modestas para su familia —“vitamina D, K y pañales”—, pero terminó haciendo lo que muchos hicimos en esos meses peculiares y paralizantes para no enloquecer por completo: “Quince minutos de entrenamientos en el jardín, escuela en casa y hornear pan de masa madre”.

La escuela en casa fue “muy dura”, pero por lo menos disfrutó hornear pan. “¡Todavía tengo levadura! Hay que alimentarla todos los días. Es un compromiso. De hecho, logré hacer dos. En caso de que una se caiga o explote el frasco y se vaya al carajo el trabajo de un año y medio”.

Como muchos, tuvo fantasías del encierro: “Pensaba abrir un café de pan de masa madre. Café, pan, jiu-jitsu y reuniones de AA. Puedes llevar a tu perro”. (Obvio.)

Estamos de vuelta en el remolque, Hardy, sentado a mi lado en el sillón, descansa el codo en el respaldo de

la banca. Está de ánimo más callado, pensativo. Explica cómo, estar encerrado en casa, sus hijos dictaron los ritmos, los menores tienen dos y cinco años, y descubrió que acostarse y levantarse más temprano también le sienta bien. “De niño no tuve mucha estructura ni disciplina, pero como padre estoy perdido sin ellos”.

Otro aspecto que puede sonar familiar es que el encierro le dio la oportunidad de pensar, o visto de otra forma, ver el abismo de cerca. “Tuve la oportunidad de observar el mundo y mis conductas, cómo vivo mi vida, lo que es importante y lo que no.” ¿Qué concluyó? Hace una pausa.

“Dediqué mucho tiempo a refutar el concepto de ‘adultez’. No soy como todos los personajes malos y rudos que he interpretado. Esos papeles han sido pura fanfarronería, opuestos a lo que soy. Lo que más perdura en mi memoria son las cosas asombrosas o escalofriantes, así que es muy fácil imitarlas. Y es mucho más difícil imitar cosas cariñosas, amables e íntimas si no te crías así.

Ahora que soy mayor, estas cosas me intimidan menos.

Ya no me importa tanto lo que piensen los demás”.

Cuando pregunto si esto afecta la clase de papeles que acepta, se levanta y abre la puerta de su remolque para sacar a su perro y grita: “¡Blue necesita orinar!”.

Su respuesta se desvía inesperadamente.

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Venom: Let There Be Carnage se estrena el 15 de septiembre.

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A S I S T E N T E S D E F OTO : L U K E B E R E S F O R D, M A R K H I LTO N PRODUCCIÓN: B O B F O R D,

CORDELIA MACDONALD ASISTENTE DE MODA: C H LO E A D E L E P E LO : N AT H A N I E L B U R Y MAQUILLAJE: AUDREY DOYLE

Saco verde en piel y shearling, Isabel Marant. Sudadera café en algodón Sunspel. Pantalones negros en algodón, Tentree

“Creo que en última instancia, cada vez necesito menos motivos para trabajar, porque el motor es estar con los niños, estar sano, en forma, comer bien. Si tienes un techo, una cama, comida, ¿qué más quieres?

Porque la vida no es un ensayo con vestuario, ¿o sí? Es una transmisión en vivo. Se hace una sola vez”.

Proclama querer hacer menos personajes rudos, pero a dos semanas de filmar una película en la que va a dar muchas patadas y a unos meses de que estrene una película colosal, que llamará la atención de todo el mundo, y que si sale bien, lo conducirá a otra. Tan incondicional es su compromiso con la franquicia de Venom que puso en pausa otros proyectos ambiciosos. Como la segunda serie de Taboo, el drama de época deliciosamente singular que coescribió con su padre, Chips, y el guionista Steven Knight, o las múltiples ideas que están en desarrollo con su productora, Hardy Son and Baker, entre ellas la biopic del fotógrafo de guerra Don McCullin y una adaptación de los cuentos de Tim O’Brien sobre la guerra de Vietnam, The Things They Carried.

Lo mismo con cualquier entrega de Mad Max. A propósito de Mad Max: Fury Road (2015), en donde reemplazó a Mel Gibson como el policía agobiado frente a la guerrera tenaz y perturbada, Imperator Furiosa (Charlize Theron), comenta: “Fue la película de Furiosa, lo cual fue fantástico. Lo dice el título, Fury Road. Furiosa.”

Señalo que también se llama Mad Max. “Sí, pero fue muy interesante cómo se desenvolvió. Si la ves ahora, en cierto sentido fue un cambio de manos, de Mad Max a Furiosa. Eso están grabando ahora. Furiosa. [La historia de origen de Furiosa, interpretada por Anya Taylor-Joy, estrena en 2023.] Fue un cambio de guardia muy bien implementado. [Miller] todavía cuenta con Mad Max, pero ahora se divide entre los dos personajes, y es muy cool”.

Cuenta que se concentra en los papeles más inmediatos. “Son los años del cuarto de máquinas. Los niños y los impuestos de sucesión.

Mientras sigues teniendo brazos y un cuerpo ágil, sigues trabajando.

Hasta que los niños se vayan de casa. Entonces seguro mi sueldo disminuirá, pero ahí estará la actuación. Y puedo seguir trabajando. ¿Quién sabe? A lo mejor me ven en comedias románticas espantosas.

Y no volverme a ver. Nada. Porque habré tomado la decisión de desaparecer. De resolver lo importante y largarme.”

“Ahora ya no me preocupa tanto desaparecer. De joven debías ser escuchado, de lo contrario serías invisible. Pero cuando te consagras puedes dejar de hacer tanto ruido. Estás aquí, ahora, ¿qué vas a hacer? ¿Cuánto es suficiente? ¿Qué necesitas? ¿Qué necesita mi familia? Eso es muy relevante. Creo que todos necesitan hacer sus cosas. Me gusta el jiu-jitsu y hacer pan. Eso me llena”.

En cierto punto no mucho tiempo después, vuelve a cambiar la presión de la atmósfera, se desploma un poco y se hace evidente que la entrevista ha concluido. Intercambiamos más abrazos, más buenos deseos para la familia, y otra vez me encuentro fuera del remolque de Tom Hardy, mientras Natalie y Luke preparan el coche para escoltarme por los terrenos industriales, los caballos de la carretera y la estación de tren.

La entrada de la puerta lo enmarca mientras nos mira desde arriba.

Resplandeciente. Tenía pensado entrenar otra vez, pero dice estar cansado, y de repente se ve. A lo mejor mucho ejercicio o mucha conversación. Se pregunta si descansar. Natalie cree que sí. Va a hacer una pausa.

Cierra la puerta del remolque y Tom Hardy, la estrella número uno del cine británico del siglo XXI, desaparece.

Un estudio de Hollywood abordó las preguntas más ambiciosas de la humanidad hasta convertirse en la voz más importante y progresista del cine comercial.

MORTALIDAD, CR Y EL EXISTENCIA DE PIXAR Por Joe Dunthorne

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IANZA LISMO ÉPICO I L U S T R A C I Ó M : “ S O U L” B Y P I X A R - © D I S N E Y / P I X A R

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“TE VAS A MORIR”, me dijo mi hijo de tres años con toda

calma, apenas levantando la vista de su cena. “Te vas a morir y…”, señaló a su madre con el tenedor “… tú igual”.

Lo observamos mientras intentaba desentrañar su ensalada de col. “Y yo”, agregó luego de una pausa, con la boca llena, “yo también me voy a morir. También la bebé Leela. Todos se van a morir… y luego ya no va a haber nadie”. Masticó, tragó y agarró su vasito.

Ahora que lo recuerdo, no sé exactamente cuándo fue que a nuestro hijo le interesó la inevitable muerte de todos sus conocidos y seres queridos. A fin de cuentas, ha sido un año importante para la muerte. En el muro del jardín trasero, nuestros vecinos comparten a diario estadísticas de mortalidad o los más recientes efectos secundarios de la vacuna. Incluso si comentamos el clima con ellos, siempre es en el contexto de cómo afectará la diseminación de las partículas aéreas.

Y si les cuento que el primer amigo imaginario de mi hijo fue una rama a la que le puso “Coronavirus”, entonces entenderán lo lejos que ha llegado la situación.

En medio del área de juegos, alzó a su amigo y gritó: “¡Tengo Coronavirus!”, lo que tuvo el glorioso efecto de que las demás familias mantuvieran una sana distancia.

Sin embargo, no son los únicos motivos de su interés malsano. También nos podemos remontar a una tarde puntual de diciembre, cuando por fin cedimos y le dejamos ver su primer largometraje.

Habíamos logrado distraerlo con videos en YouTube, sobre todo el corto documental sobre una fábrica de papel de baño que terminó aprendiéndose de memoria, adquiriendo conocimiento detallado de cómo se aplasta la pulpa y se convierte en un “rollo madre” del tamaño de una paca de heno. Pero a medida que transcurría el encierro, necesitábamos distracciones más sustanciales, tiempos de duración más largos, finales más felices...

Urgía Disney+.

Acordamos no dejarle ver cualquier cosa. Conocíamos de primera mano los efectos devastadores de Frozen II en la vida de nuestros amigos. ¿Cómo sus hijas habían entrado al cine con la mente y el corazón abiertos, para salir dos horas después transformadas en firmes conformistas de género, negadas a salir de casa sin sus vestidos de princesas? Vimos las casas de esos amigos llenarse de muñecas de Elsa, zapatos y pantuflas de Elsa, batas y sábanas de Elsa, juegos de tiaras de Elsa, equipo esencial para pasear en la bici de Elsa... Si en la primera película, la princesa Elsa está atrapada dentro de un palacio de hielo de su propia creación, en la vida real millones de padres son prisioneros en sus propias casas, sofocados con la avalancha de secuelas y precuelas de Disney, quitándole la diamantina de las orejas de

sus hijos.

Así que para la primera experiencia de artes visuales de nuestro hijo –sin duda, formativa–, tomamos la decisión moralmente responsable de dejarlo ver “el nuevo Pixar”. Dice mucho de la reputación de la empresa que solo necesitamos esas tres palabras para confiar. (Decidimos ignorar el hecho de que Disney es propietario de Pixar.) En nuestra era, ninguna otra productora cinematográfica había logrado dar en el clavo con tanta frecuencia como Pixar, y con gusto permitimos que controlara la vida interior de nuestro hijo. La otra ventaja tácita es que seguramente disfrutaríamos más la película que él.

El éxito de Pixar en el transcurso de 25 años es aún más extraordinario si tenemos en cuenta los fracasos rotundos de sus primeros años. En 1986, Pixar Inc era un fabricante de hardware cuyo producto principal fue la Pixar Image Computer, un cubo gris, sin chiste, del tamaño de una canasta para picnic, diseñado para analizar y aumentar digitalmente imágenes. Costaba 135,000 dólares. Por ese precio comprabas la caja gris y ya, sin software, sin pantalla ni interfaz. Para funcionar requería una estación de trabajo para gráficos de 35,000 dólares. No sorprende que se vendiera mal. El único éxito perdurable de esta pieza de hardware fue un logo de diseño impecable. Pixar dejó de fabricar computadoras para dedicarse al software que “renderea” imágenes: tampoco le fue bien. Hasta que encontró su propósito: largometrajes animados por computadora, y el primero fue Toy Story en 1995.

A la fecha llevan 24 películas, incluida la más reciente, Luca, que estrenó en junio pasado. En Rotten Tomatoes, seis de las 10 mejores películas para niños de todos los tiempos son de Pixar. Sus largometrajes animados han ganado 16 premios Oscar y recaudado 14 mil millones de dólares en taquillas de todo el mundo. Para quienes concebimos esta clase de éxito nauseabundo –pero decidimos ver Cars para verlos fracasar en algo–, la verdad desalentadora es que incluso sus peores películas son absolutamente entretenidas. Lamento reportar que Cars no está tan mal. Nos parece mala porque sabemos que es el mismo estudio que logró la genialidad de Wall-E, cuya primera parte es como Stalker: la zona, de Andrei Tarkovsky, pero para niños.

Aclaro no ser por completo objetivo al evaluar el arte de Pixar. Tenía 14 años cuando estrenó Toy Story y nada me parecía más emocionante que el desarrollo feroz de la computación gráfica. Dedicaba horas de mi vida en videojuegos militares sin ningún chiste, solo para ver el próximo corte a escena, embobado con un Chinook terriblemente pixelado. Así que cuando vi Toy Story me emocioné al ver que la luz del sol tocaba y refractaba en los

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EN 1986, PIXAR INC ERA UN FABRICANTE DE HARDWARE CUYO PRODUCTO PRINCIPAL FUE LA PIXAR IMAGE COMPUTER vehículos en movimiento y era muy convincente.

Si bien fui al cine por geek, me quedé por las emociones. Me creía muy cool para que me conmovieran unos juguetes tontos y me descubrí haciendo precisamente eso. A los 19 vi Monsters Inc, película sobre una empresa que proporciona las criaturas que se esconden debajo de las camas de los niños. La protagonista humana es una niña de dos años con colitas de caballo que se llama Boo. Como entonces estaba escuchando punk skate y escribiendo poesía nihilista, esta película no debió haber sido para mí.

Sin embargo, recuerdo que fue la primera vez que entendí, aunque fuera remotamente, el atractivo de los bebés. La idea de que una niña de dos años fuera encantadora o linda parecía una tontería sin sentido, de la que los padres insomnes debían inventar para justificar sus desastrosas decisiones de vida. Para mí los niños eran repulsivos, incomprensibles, estaban pegajosos y quizá eran hasta malvados. Pero al ver a una niña generada por computadora –con la voz de una niña de dos años, Mary Gibbs– tuve que conceder que tenía cierto atractivo. Se reía y le daba hipo, y el bloque de hielo dentro de mí se derritió un poco. No digo que gracias a Pixar quise tener bebés, pero sin duda me despertó murmullos raros que ahora sé que eran el instinto reproductor.

20 años después, soy uno de esos papás insomnes y absurdos que feliz de la vida le pone películas de Pixar a sus hijos. Desde esta perspectiva, mi vida parece un ejercicio de lealtad de marca extrema.

Entonces, después de Navidad, sentamos a nuestro hijo en el sillón, atenuamos las luces, cerramos las cortinas y lo dejamos ver su primera película en forma, Soul, del nuevo Pixar. Pese a que sabíamos que era una historia sobre la muerte y la vida después de la muerte, esperábamos que Pixar explicara estos temas mejor que nosotros. También nos alegró que Soul es la primera película de Pixar con un protagonista negro, un sello progresista que nos encantó. Mientras nos preparábamos para subcontratar el sentido de la vida y la muerte a unos guionistas millonarios de California, decidimos que éramos

unos padres maravillosos.

Soul ganó el Óscar a Mejor película animada y cuenta la historia de Joe Gardner (con la voz de Jamie Foxx), profesor de una escuela de Nueva York que sueña ser pianista de jazz. Cuando por fin consigue una audición con uno de sus héroes musicales, supera los nervios y toca un solo de piano tan trascendental que parece desprenderse de su cuerpo un momento. Después le ofrecen un lugar en la banda y siente plena realización.

Regresa a casa brincando de felicidad, ensimismado por su buena suerte, tan distraído con la felicidad que casi le cae encima un costal de ladrillos y lo atropellan, hasta que cae a una coladera y muere al instante.

En esta escena, mi hijo –quien había estado viendo en silencio– se empezó a reír. Se rió muchísimo, porque el hombre alegre había desaparecido para siempre en un hoyo en la tierra. Aquí me di cuenta de que era nulo mi control sobre el significado de la película para él.

Luego de la muerte de su protagonista, la película sigue el alma de Joe –una mancha que parece renacuajo– en su viaje al más allá. Como Joe todavía tiene una carrera de jazz floreciente que desea continuar en Nueva York, su alma decide escapar y regresar a “la vida anterior”, un lugar etéreo donde las nuevas almas se preparan para su viaje a la Tierra. Este paisaje onírico es una especie de campamento scout: las almas nuevas deben recolectar placas que definirán sus personalidades. Los rasgos incluyen: nervioso, distante, extravagante, curioso. Cuando encuentran el equilibrio de cualidades –“Soy un megalomaniaco manipulador muy oportunista”, dice un alma bebé encantadora–, saltan por un hoyo en la tierra y vuelan en paracaídas a la Tierra, donde pueden encontrar un cuerpo apropiado.

Es un aspecto de la trama que señala lo ambiciosa que es la película y lo descuidada. Está llena de grandes ideas y defectos. Aunque en el fondo no importa, porque es estimulante experimentarla como expresión artística – es decir, una comedia apta para la familia que estrenó en Navidad que busca responder las preguntas más ambiciosas–, ¿por qué estamos aquí?, ¿para qué?, ¿a dónde

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LA DIFERENCIA ES QUE EN LAS NUEVAS PELÍCULAS DE PIXAR, LA MUERTE NO ES SOLO UN ELEMENTO DE LA HISTORIA, ES LA HISTORIA vamos al morir?, ¿qué pasa antes de nacer?...

Pixar entiende que son preguntas completamente adecuadas para una película infantil, por naturaleza los niños son seres existenciales que se preguntan: ¿por qué?

Los adultos nos distraemos con la burocracia interminable de vaciar y llenar el lavaplatos, y se nos olvida preguntarnos qué carajo hacemos aquí, somos costales conscientes de carne y hueso que nos reproducimos en un universo incomprensible.

Vimos Soul en dos sentadas para adaptarnos al periodo de concentración de nuestro hijo. Cuando llegamos a los créditos, nos confirmó que su parte favorita había sido cuando el hombre larguirucho y contento se había caído al hoyo. ¿Acaso creyó que esta escena era comedia física inofensiva, o de verdad entendió el momento de la muerte? En el transcurso de las siguientes semanas llegó la respuesta.

Cuando escuchábamos la música favorita de mi hijo, preguntaba si los músicos habían muerto: “Sí, Nina Simone está muerta.” “Sí, Elvis también.” “Sí, Buddy Holly murió en un accidente de avión”. “No, Brian de The Beach Boys está vivo…pero sus hermanos Dennis y Carl, no.”

Para él, la moraleja de la película era: los músicos siempre se mueren.

Después de ver Soul me di cuenta de cuántas películas de Pixar, sobre todo las recientes, giran en torno a la muerte. Antes de Soul, fue Onward de 2020, en la que dos hermanos elfos adolescentes intentan resucitar a su padre con un “hechizo de aparición”. En 2017, estrenó Coco —que parecía un alegre musical que se desenvolvía en México— sobre el viaje de un niño a la Tierra de los Muertos. Miguel, el protagonista, presencia cuando su familia se vuelve transparente, revelando el esqueleto que todos llevamos dentro. La vimos (sin nuestro hijo) en Año Nuevo, es perfecta para esos momentos en los que estamos en sintonía con el paso implacable del tiempo, y los árboles de invierno sacuden sus esqueletos del otro lado de la ventana. Por supuesto, no es nuevo que en las películas infantiles la muerte figure en la narrativa. Nadie olvidará el asesinato brutal de la madre de Bambi o del padre de Simba, su rugido mientras cae al abismo. Up, de 2009 y también de Pixar, comienza

con una de las muertes más desalmadas, eficientes y desgarradoras en la historia del cine. Sin embargo, es fundamental que para contrarrestar el pesar de ese momento vemos 90 minutos de comedia física, una aventura para encontrar una escurridiza ave tropical de cuatro metros de altura. La diferencia es que en las nuevas películas de Pixar, la muerte no es solo un elemento de la historia, es la historia.

Es difícil no destacar que este cambio ha coincidido con que los fundadores de Pixar llegaron a la mediana edad. Pete Docter, coguionista y codirector de Soul quien se describe como un “niño geek de Minnesota”, estaba en sus veintes al trabajar en Toy Story. Cuando se estrenó Toy Story 4 en 2019, tenía 50 años. Pese a la genialidad de esas películas, 25 años es mucho tiempo para documentar la vida de un muñeco de cuerda. En entrevistas, Docter se ha referido a una crisis personal después de ganar su segundo Oscar –por Inside Out en 2016; su primero fue por Up en 2010— y conseguir todo lo que había imaginado que lo haría feliz: se dio cuenta de que no lo era. “Parecía la culminación de toda una vida de amor a la animación. No obstante, no sentía haber resuelto todo, ni en paz con el mundo. ¿Por qué?”.

Fue la misma época en la que Pixar atravesaba su propia crisis de la mediana edad. En 2006, Disney la compró y la empresa empezó a depender cada vez más de sus franquicias existentes, mientras sus ideas originales parecían haber perdido su audacia característica; y no solo las películas eran deficientes. El director de Pixar, John Lasseter, creador, director y guionista de Toy Story, renunció en 2017 tras múltiples acusaciones de acoso sexual. Que su heroico representante y fundador terminara siendo una enorme decepción, fue exactamente el tipo de giro inesperado en el tercer acto que a Pixar le gustaba representar en sus cintas. ¿Recuerdan cuando Lots-o’-Huggin’, el amistoso oso en Toy Story 3, resulta ser un sociópata?

En 2018, Docter sustituyó a Lasseter como director de la empresa y lo primero que hizo fue prohibir las secuelas. Todos los largometrajes de Pixar de próximo estreno son ideas originales –y por segunda ocasión en su historia— ha designado a una directora, Domee Shi. Bajo el

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cargo de Docter, Pixar parece haber redescubierto su chispa y valentía; buenas noticias no solo para el público sino para la pequeña industria que existe para responder la pregunta: ¿cómo lo hace Pixar?

Hay numerosos libros —The Pixar Touch; Creativity, Inc; To Pixar and Beyond—, así como Ted talks, talleres y seminarios, que buscan explicar el secreto de su éxito.

Lo sé porque he asistido a uno de estos seminarios.

Me dio la impresión de estar en una mezcla de sesión de coaching de vida y una clase de guionismo. En una sala de conferencias sin ventanas, nos sentamos embelesados mientras un hombre con bronceado de California y dientes magníficos nos guiaba por la famosa apertura de Up, y nos explicaba cómo lleva al público a las lágrimas en segundos. Nos explicó que la clave era el salto constante entre la esperanza y la decepción.

En esa película, Carl y Ellie, recién casados, deciden tener hijos pero descubren que son infértiles. Después sueñan con viajar, pero cada vez que ahorran suficiente, algo sale mal: el techo de la casa necesita reparaciones, el coche, arreglos. Hasta que se jubilan y por fin tienen el tiempo y el dinero para comprar sus boletos de avión, pero ya son mayores, Ellie se enferma y muere. Brutal.

Incluso ver la historia en una presentación de Power Point fue suficiente para que se me pusieran los ojos llorosos.

Si bien fue interesante entender por qué esa escena funcionaba, la pregunta más importante era ¿cómo la concibieron?

La respuesta es mucho más prosaica y es más difícil replicarla. En 2004, Docter y 11 guionistas de Pixar pasaron tres días en Venezuela en una sesión de lluvia de ideas, ahí a Docter se le ocurrió lo que con el tiempo terminó siendo Up. Entonces, no fue una idea tan maravillosa. La historia giraba en torno de dos hermanos que vivían en una ciudad flotante sobre un planeta de criaturas alienígenas, como muppets. Siguieron cinco años de desarrollo que implicaron 15 consultores de storyboard, a quienes se les dio crédito, y contribuciones constantes del “Brain Trust” de Pixar, un taller de sus mejores creativos que critican y destrozan todas las ideas nuevas.

La ciudad flotante se convirtió en la casa flotante, los hermanos, un anciano y un niño. Después de eso, hubo proyecciones de prueba con público, para quienes la apertura fue demasiado deprimente (como era de esperarse), pero Docter tenía la libertad de no sacrificar nada. En resumen, el secreto del éxito de Pixar es: talento, independencia creativa, sesiones de trabajo en el trópico, media década de tiempo para pensar bien los proyectos, retroalimentación rigurosa, cantidades estratosféricas

de dinero para materializar todo. Así de fácil.

Después de la experiencia con Soul , decidimos regresar a YouTube: el documental de la fábrica de papel higiénico. Tal vez nuestro hijo aún no estaba listo para la arremetida audiovisual y metafísica del Pixar de hoy.

Al cabo de pocas semanas, dejó de hablar de la muerte y empezó a hablar de motocicletas. En especial, estaba obsesionado con la Vespa naranja de la esquina de nuestra casa, así como cualquier Harley-Davidson, pues vio a un hombre de mediana edad vestido todo de piel intentar arrancar su motor en la calle varias veces.

En el curso de una tarde de febrero, nuestro hijo usó la palabra “Vespa” 23 veces y “Harley-Davidson”, 31. Sí, las contamos. Paseamos con su bici sin pedales mientras él preguntaba a la gente en la calle si sabían qué motaza traía. Les pareció adorable; sonreímos y seguimos contando. Por lo que nos pareció un acto de fe cuando estrenaron las escenas promocionales de la nueva película de Pixar, Luca: dos niños y una niña a bordo de una Vespa vintage color turquesa en un pequeño pueblo costero de Italia. Hubiera sido cruel no enseñársela, así que –una vez más– cerramos las cortinas y subcontratamos su crianza a Pixar.

La película se llama igual que su protagonista, un monstruo marino joven y tímido cuyos padres sobreprotectores le prohíben salir a la superficie. Cuando Luca se hace amigo de otro monstruo marino más impetuoso, Alberto, los dos ignoran las advertencias y salen a la superficie. En tierra firme, Luca descubre que tanto él como Alberto tienen la capacidad de convertirse en seres humanos. Disfrazados de niños, los dos monstruos exploran el pueblo para buscar un objeto mítico que solo han visto en un póster descolorido: la Vespa. Hay varias secuencias oníricas en las que Luca se imagina parvadas de Vespas de colores que vuelan por los aires, los pilotos gritando de felicidad. En esas escenas, mi hijo abrió los ojos como platos. Pixar había creado una réplica de su vida interior, había materializado sus sueños.

Y aunque confieso que no me encantó la película –o más bien, los 30 minutos que estrenaron para la prensa– era innegable que tuvo efecto en su público más importante: mi hijo. Al verla, reflexioné lo triste que es que buena parte de nuestras experiencias artísticas formativas suceden antes de los 20; que nunca me sentiría igual que la primera vez que vi Toy Story o Monsters Inc. Pero la risa de mi hijo interrumpió los pensamientos sobre mi muerte inminente, sus ojos brillantes pegados a la pantalla –concentración total— mientras las Vespas mágicas volaban por el cielo.

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En respuesta a la revolución del mundo digital, cuenta con servicio en línea estructurado para que la experiencia del sastre tradicional siga presente en todas sus entregas.

Chamarra y pantalones, Pop Everything.

Playera, RCANO Pop Everything es una marca emergente, nacida en 2020 –y en la Ciudad de México– tras intentar una nueva definición del streetwear, búsqueda que incluye la exploración y especial atención a los detalles de lo cotidiano. El proceso de inspiración implica sumergirse en la cultura, mezclando información de influencias pasadas.

Además, trabaja con maquilas independientes, sin producción masiva y un planteamiento socialmente responsable.

Abrigo y Pantalones, Guillermo Jester. T-Shirt, 1/8 Takamura Reflejando el cambio social y ambiental que el mundo necesita hoy más que nunca, se encuentra Guillermo Jester con su firma homónima. El joven diseñador fundó las bases de su compañía bajo los preceptos de la ética y la sustentabilidad, donde la apreciación por la indumentaria tradicional indígena y el talento de los mismos artesanos funge como contrapropuesta de un mundo globalizado, rindiendo homenaje al comercio justo, al origen de cada pieza y a sus creadores.

Moda mexicana bien hecha, fresca, diferente y donde el género no tiene relevancia.

Total look, Carla Fernández Con un profundo amor por México y lo artesanal, sumado a su firme creencia en la colectividad, se ha consolidado como una marca nacional de moda ética que trabaja en conjunto con personas arraigadas a la tierra y viven de ella, con diseños basados en la geometría y en textiles indígenas del país.

Interesada en preservar este legado, Carla Fernández exalta la belleza de lo ancestral y sustenta un modelo de producción basado en el comercio justo, en conjunto con más de 75 artesanas y artesanos de 12 estados de la República que usan técnicas y procesos tradicionales aplicados a la moda contemporánea.

Abrigo y pantalones, Cientosetenta&siete.

Camisa, Casa Caballería Cientosetentaysiete comunica un mensaje de expresión e individualidad al buscar la unidad de los géneros en sus prendas free gender: ropa depurada para llevar todos los días, cómoda para compartir con la pareja. Su gama de colores es elemental, tonos en esencia neutros y textiles selectivos, ideales para combinar entre sí y tenerlos como básicos en tu clóset.

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Total Look, Diego Zúñiga Diego Zúñiga Menswear debutó en 2008 como una marca que define su propia esencia entre el diseño para hombre y la sastrería effortless, mezclada con el streetwear como una de sus características principales. El health goth –literalmente, gótico sano– es una tendencia de la última década, interesada en la combinación de sportswear, el minimalismo y el color negro. Diego Zúñiga sigue la estética de esta tendencia con resultados originales y relajados: looks monocromáticos con detalles discretos y materiales como el neopreno, que le brindan a su propuesta un sentir contemporáneo distintivo y recuerda a grandes diseñadores como Helmut Lang o Alexander Wang.

Sobrecamisa, José Sánchez.

Pantalones, 1/8 Takamura A lo largo de tres décadas José Sánchez ha sido reconocido como una figura en la industria del cuero en México. Sus colecciones incluyen piezas únicas hechas con pieles de la máxima calidad, supervisadas por un equipo bien capacitado. Originario del Valle de Mexicali, José creció en una familia de agricultores y ganaderos, lo cual despertó su interés por el uso de estos materiales.

Cada creación pertenece a una colección inspirada en diferentes historias personales.

Gabardina, Toronero La propuesta que se encuentra en las prendas de Toronero hacen alusión a lo ranchero y a lo urbano, con una yuxtaposición denominada neo charro.

La firma norteña utiliza la piel como materia prima principal para crear accesorios, outwear y calzado. Sus piezas tienen fuerza y personalidad, por lo que con sus diseños nos lleva a rincones campiranos donde la moda funcional de antaño se mezcla con siluetas modernas y materiales lujosos.

Abrigo, The Pack Bajo la dirección creativa de Patricio Campillo, THE PACK es un proyecto de indumentaria masculina desarrollado en la Ciudad de México. Las referencias estéticas nacionales son evidentes, pero también lo son la técnica de la sastrería y el streetwear. Su ropa es fabricada bajo normas de comercio justo y con la misión de utilizar materiales ecológicamente sustentables que aporten de manera positiva a la sociedad. Sus precios son siempre equivalentes al valor de los productos.

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T-shirt, 1/8 Takamura 1/8 Takamura es un estudio de creación de indumentaria y accesorios en la Ciudad de México con una estética atemporal que dialoga con la esencia de México y Japón.

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F OTO : G E T T Y I M A G E S

l maestro

Como corresponsal de guerra, Ernest Hemingway se despide antes de abordar un avión (izquierda).

Nacido en Oak Park, Illinois, en 1899, el gran escritor se suicidó en Ketchum, Idaho, el 2 de julio de 1961

En el sexagésimo aniversario de su muerte, es justo viajar por los años de Ernest Hemingway como autor de Esquire.

Con sus textos ayudó a convertir la revista emergente en significativa fuerza literaria, sembró semillas de futuras obras maestras y estableció un nuevo periodismo.

Tan fantástica colaboración y profundo vínculo acabaría por un triángulo amoroso.

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original de distribuirlo en tiendas de ropa. Los pocos números en el quiosco se agotaron tan rápido que Gingrich y sus colegas pasaron el primer día de la historia de la revista recogiendo los ejemplares distribuidos en las tiendas, para resurtir los quioscos.

Tras el éxito de la edición inaugural, Hemingway convenció a Gingrich de duplicar su salario. A medida que aumentaba la popularidad de la revista, el pago a Hemingway también crecía. El escritor demostró ser la columna vertebral de las primeras ediciones de Esquire en más de un sentido. Además, presentó a Gingrich con algunos de los más grandes novelistas de la década, incluidos John Dos Passos y Ring Lardner (que aparecen en el primer número junto a Hemingway), así como F. Scott Fitzgerald, Ezra Pound y Theodore Dreiser. Como resultado, Gingrich se consolidó como un “cazatalentos de autores famosos”.

La ayuda de Hemingway en la construcción del contenido literario de la revista y el gran volumen de su producción, sumaron al prestigio y éxito inicial de Esquire. Robert Trogdon, académico del escritor de la Universidad Estatal de Kent, dijo en su momento que Hemingway “le ha dado a la nueva revista una especie de legitimidad que habría sido difícil de adquirir de otra manera”.

Aunque parece que al final la revista le sacó más provecho al acuerdo, tenemos que analizar esto a fondo. Geoffrey Ward, autor del documental Hemingway y colaborador de Ken Burns desde hace mucho tiempo, señala que el escritor había diseñado su trato con Esquire para que fuera una tarea muy asequible.

“Fue un trabajo absolutamente de ensueño”, dijo Ward. “Le encantaba el periodismo, pero no quería hacerlo a tiempo completo; le gustaba que le pagaran el doble de la tarifa actual; le fascinaba que sus escritos no fueran cambiados; estaba feliz de no escribir a menos que tuviera algo que decir y abordar cualquier cosa que quisiera, desde la pesca hasta la caza, pasando por paseos en bote y política. En Esquire podía dejarse llevar y desahogarse. Algunas de sus piezas para la revista son simplemente maravillosas”, puntualiza.

La alianza de Hemingway con Esquire no solo fue rentable y poco exigente, también estuvo llena de beneficios envidiables. Como describe Mary Dearborn

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F OTO : G E T T Y I M A G E S

DESDE LA PRIMERA EDICIÓN EN OCTUBRE DE 1933,

Hemingway colaboró con Esquire durante muchos años, hogar de algunas de sus obras más reconocidas, incluidos Las nieves del Kilimanjaro y el cuento Sobre el agua azul, más tarde transformada en El viejo y el mar. Con motivo del estreno de Hemingway, el documental de PBS dirigido por Ken Burns y Lynn Novick (pbs.org/kenburns/ hemingway), y a poco más de 60 años después de su suicidio el 2 de julio de 1961, el escritor está de vuelta en los reflectores, al igual que su larga colaboración con Esquire, revista emergente convertida en potencia literaria gracias a él.

Esquire debutó como publicación de moda repleta de anuncios de ropa masculina que Arnorld Gingrich –y su cofundador, David A. Smart– pretendían distribuir en tiendas para hombres y boutiques de lujo. Debido a la homofobia y los estereotipos de la época, Gingrich temía que solo los homosexuales compraran una revista así y trató de llenar sus páginas con historias basadas en el “nuevo tiempo libre”, que provenían del New Deal.

Atento al creciente énfasis social en todo lo “recreativo”, Gingrich planeó publicar historias “masculinas” sobre deportes y actividades al aire libre; puso su mirada en Ernest Hemingway, novelista en ascenso y periodista prolífico con dos títulos aclamados (Fiesta y Adiós a las armas), fanático de las actividades al aire libre, famoso por su literatura y pasatiempos hipermasculinos.

En 1932, Hemingway y Gingrich se conocieron por casualidad en House of Books –librería de Nueva York ya desaparecida–, propiedad de Marguerite Cohn y su esposo, Henry Louis Cohn, luego el primer bibliógrafo de Hemingway. Gingrich escribió a este poco después, explicándole la misión de la revista y la naturaleza esencial de su presencia en ella. “Intentaremos que sea para los hombres lo que Vogue es para la mujeres”, escribió el editor: “A menos que involucre matar a alguien, haré todo lo posible para venderte la idea de querer estar en el primer número. Algo sobre la pesca en Florida, o la caza, o lo que quieras... y te lo prometo, no hay cambios.

Tú escribes y yo imprimo, sin ningún tipo de edición camino a la imprenta”.

Fue un lanzamiento muy exitoso con un problema: Gingrich solo podía pagar 250 dólares por historia, lo cual no convenció a Hemingway, quien describió su tarifa estándar como “la tarifa más alta que nadie podrá pagar jamás. Esto te hace amar y apreciar tus cosas, y la gente se da cuenta del buen escritor que eres”. Por razones que no están claras para los biógrafos, Hemingway aceptó la tasa más baja por escribir un artículo para cada uno de los números trimestrales del primer año. Sin embargo, le insistió a Gingrich mantener en secreto el considerable descuento que le había dado.

Así comienza un largo y fructífero acuerdo entre Hemingway y Gingrich, que consistía en distintas “cartas” (fragmentos aleatorios de ensayos en primera persona) escritas desde varios rincones remotos del mundo (como La Habana, Key West, Kenia y París), donde contaba el estilo de vida y los deportes típicos del lugar.

La primera historia de Hemingway para nuestra revista, una Carta cubana titulada Marlin Off the Morro, aparece en el número debutante. Esquire demuestra ser un éxito e inmediatamente se decidió abandonar el plan

Arriba: Ernest Hemingway y su cuarta esposa, Mary Welsh, en la casa de ambos a las afueras de La Habana (Cuba, 1954).

Pág. 103: portada del primer número de Esquire (octubre de 1933), “el trimestral para hombres”, con Hemingway en primer lugar entre los autores. La revista costaba 50 centavos de dólar.

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HEMINGWAY “NUNCA NOS NECESITÓ”, ARGUMENTÓ GINGRICH, PERO ES DIFÍCIL IMAGINAR SU ILUSTRE CARRERA SIN ESQUIRE, EL TALLER LITERARIO DONDE PODÍA ARMAR AMBICIOSOS EXPERIMENTOS, ESPERAR UN SALARIO FIJO Y CONSTRUIR SU IMPONENTE LEGADO DE HOMBRE LITERARIO

en Ernest Hemingway: The Biography, Gingrich buscó endulzar el trato con su escritor estrella proporcionándole regalos a través de los anunciantes de la revista en forma de zapatos y ropa. Hemingway prometió “consumir” todo lo que Gingrich le enviara, pero los obsequios de ropa de alta gama desafortunadamente cayeron en las manos de una persona sin rumbo desde el punto de vista de la moda. Como decía el siempre elegante Gingrich respecto a la actitud impasible del estilo que caracterizaba al escritor, “el efecto general recuerda al de las sobras de un mercado benéfico”.

Hemingway también convenció a Gingrich de que le adelantara 3,000 dólares por artículos futuros, para financiar su barco pesquero, Pilar, que luego influiría en dos de sus libros: Islas en el Golfo y El viejo y el mar.

Esquire también se convirtió en un escenario vanguardista donde Hemingway pudo experimentar con un nuevo estilo de periodismo. Aunque se acepta comúnmente que el New Journalism nació en publicaciones como esta a partir de la década de 1960, Ward sostiene que Hemingway fue “el primer New Journalist”, ya que su ensayo para Esquire cumplió con todos los parámetros necesarios: reportaje inmersivo, una sensibilidad literaria estilizada e inclinación subjetiva del escritor.

Las numerosas “cartas” de Hemingway han sumergido a los lectores en escenarios evocadores y meticulosamente descritos, con el escritor a menudo entrelazándose en la narrativa en primera persona.

Esto era coherente con el espíritu literario más amplio de Hemingway, donde con frecuencia el límite entre la vida y el arte era, en el mejor de los casos, confuso. “Vio las oportunidades en la no ficción antes que muchos otros”, afirmó Trogdon. “En su propia lectura, Hemingway no tenía una preferencia entre ficción y no ficción.

Le gustaban los escritores de no ficción y los de viajes tanto como Tolstoi.

La alianza de Hemingway con Esquire no estuvo exenta de fricciones. Con el tiempo, ambos tuvieron varios enfrentamientos y riñas. Como relata Dearborn, Hemingway “se dio demasiada importancia” y desarro-

lló un ego desmesurado que lo hizo muy hostil a los cambios editoriales. Una tarde a bordo del Pilar, Gingrich se quedó sin palabras cuando Hemingway se comparó con Cézanne y dijo: «No se trata de un escritorzuelo del Chicago Daily News de la sala de redacción de deportes. Estás pidiendo cambios a un hombre que ha sido comparado con Cézanne por crear ‘una nueva forma de ver la literatura estadounidense’». Sobre el enfoque servil y transaccional de Hemingway hacia sus relaciones personales, Gingrich comentó más tarde: “Mientras las personas a su alrededor estuvieran en completa adoración, pues eran geniales. Cuando dejaban de estarlo, tenía una tendencia a buscar a otros que sí lo estuvieran”.

En 1936, Hemingway se retiró de la colaboración estable que tenía con la revista en un momento en el que viajaba mucho y trabajaba en su última novela. Le escribió a Gingrich: “Es prácticamente un pecado contra el Espíritu Santo tener que dejar de escribir la novela para enfocarme en una pieza [periodística] o una historia [corta].

Si no le doy toda la energía que tengo... soy un hijo de puta... me siento muy mal por esto, Arnold... te considero el mejor y más leal amigo que tengo y el único que sabe lo que estoy tratando de hacer. Al quedarme fuera de la revista, probablemente esté arruinando mi carrera comercial, así como mi prestigio si me quedo (aunque, al diablo el prestigio). Pero no tengo otra opción, debo terminar este proyecto”.

La novela en cuestión, Tener y no tener , era una historia ficticia del matrimonio destrozado entre el millonario ejecutivo Pan Am G. Grant Mason Jr. y la socialité/deportista Jane Kendall Mason. Ampliamente considerada como la peor novela de Hemingway, surgió al juntar dos cuentos: The Tradesman Returns, publicado en Esquire, y One Trip Across, que apareció en Cosmopolitan. Mientras vivía en La Habana en la década de 1930, Hemingway mantuvo una relación con la Sra. Mason por más de cuatro años. Durante un viaje a las Bahamas para visitar a Hemingway en 1936, Gingrich también se relacionó con Jane Kendall Mason, quien navegaba a bordo del Pilar con Hemingway y su

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séquito. Según Gingrich, un Hemingway muy territorial murmuró: “Maldito editor. Viene a Bimini, ve a una rubia, y no es el mismo desde entonces”.

El escritor abandonado más tarde intentaría castigar a Mason en el cuento The Happy Short Life of Francis Macomber (ambientado en África y publicado en el número de septiembre de 1936 de la revista Cosmopolitan), utilizándola como inspiración para delinear a la cruda Margot Macomber. Gingrich, alarmado por la probabilidad de que la novela se hiciera una realidad, insistió a Hemingway en volver a la vida real para evitar una demanda por difamación, pero él se negó y esa discusión puso fin a cualquier posible buena relación entre ellos.

Después de la pelea, Hemingway publicó otras tres obras de ficción en Esquire, luego terminó sus acuerdos con la revista por completo. En 1955, después de una relación intermitente de dos décadas, Gingrich se casó con Jane Kendall Mason, con quien permaneció hasta su muerte en 1976. Ante la noticia de su matrimonio, Hemingway gritaría: “¡Esa mierda!” Y cuando uno de sus hijos le preguntó por qué había dejado de escribir para Gingrich, Hemingway solo dijo que “estuvieron en desacuerdo por una rubia”.

Aunque su amistad terminó, tienen un legado que permanece. En Gingrich, Hemingway encontró un socio editorial permisivo cuya voluntad de respaldar (y financiar) todos sus impulsos finalmente consolidó su estatus de leyenda. En Hemingway, Gingrich logró encontrar al hombre al que una vez llamó el “recurso principal” de Esquire: una celebridad internacional y un escritor poderoso que lanzó a la revista a la estratosfera, lo que le permitió vender más de 10 millones de copias durante el apogeo de la Gran Depresión.

Después de la muerte de Hemingway, Gingrich dedicó una parte significativa del patrimonio de Esquire a conmemorar la vida de Ernest Hemingway y la valoración crítica de su producción artística, publicando una cobertura semiregular del fallecido escritor hasta su retiro en

1974. A veces amigos, ocasionalmente rivales, siempre unidos por la colaboración, Hemingway y Gingrich juntos produjeron algunas de las obras más notables del siglo XX, un periodismo literario que siguió dando forma a lo que sería el futuro.

Hemingway “nunca nos necesitó”, argumentó Gingrich, pero es difícil imaginar su ilustre carrera sin Esquire, el taller literario donde podía armar ambiciosos experimentos, esperar un salario fijo y construir su imponente legado de hombre literario. 60 años después de su muerte, la titánica influencia de Hemingway continúa formando parte de las páginas de Esquire y de revistas en todo el mundo. Arnold Gingrich lo dijo mejor en el número de junio de 1967, donde recordaba a su difunto amigo de esta manera: “Hay personas cuyas noticias son solo noticias. El fallecido Ernest Hemingway sigue siendo mucho más digno de formar parte de estas noticias que la mayoría de los escritores que se puedan imaginar y que todavía están vivos”.

Adrienne Westenfeld es autora y editora de Esquire, encargada de la sección literaria y de cultura.

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alegría & cosa buena

wi h list

El reloj-herramienta de acero Oystersteel fue pensado para los exploradores más intrépidos, y llega con una caja y un brazalete rediseñados. La esfera lacada blanca y las agujas de las horas, minutos y segundos vienen en un acabado mate. La aguja 24 horas conserva su emblemático color naranja, tonalidad en la que el nombre Explorer II aparece inscrito sobre la esfera desde el año 2011.

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DESAFIANDO LO EXTREMO. Rolex presentó el Oyster Perpetual Explorer II de nueva generación.

ON THE GO. Dior sorprende con una serie de accesorios pensada para el viajero contemporáneo.

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comprometer el espacio en la maleta.

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200 metros, el “Big Crown”.

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Noel Fielding adorna el Peekaboo y un bolso de mano con hebilla FF en piel de becerro granulada.

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caracterizado por ser el reloj elegido por quienes tienen una visión más amplia del mundo.

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individualidad de cada uno de sus propietarios.

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los días. Conforman, aunque usualmente no nos demos cuenta, la saga más fantástica sobre imperios en tensión y reinos movedizos, guerreros sonrientes que buscan el cariño del pueblo y no pocas veces se convierten en ladrones o traidores, buscadores de oro en los modos más delirantes, soldados que combaten en guerras menos metafóricas, aspirantes a héroes posmodernos que se miden no a través de espadas sino de balones, y bufones sin corte.

Puesto de este modo, creo que los periodistas somos, como se dice hoy, storytellers incansables. El público no quiere perderse ni un episodio de la saga, pero –por algún motivo– lo olvidamos o creemos que no hay nada maravilloso en esos cuentos cotidianos que nos regala la experiencia de vivir.

En una era de inmediatez, el valor de las historias se multiplica, porque la realidad siempre es un caos y, cuando se acelera en likes & deadlines, se vuelve aún más confusa. Las historias son un modo bastante efectivo de darle sentido a todo este maremoto en el que estamos inmersos: la vida aquí y ahora. Las historias imponen estructuras, tienen fórmulas y elementos que nos ayudan a comprender lo que le pasa al prójimo, e, incluso, a uno mismo.

Un lingüista soviético, Vladimir Jakovlevich Propp, estudió las fábulas del folclore eslavo hasta identificar 31 funciones narrativas básicas que se repiten —no todas juntas— una y otra vez: el héroe y su antagonista se enfrentan en combate directo; uno de los miembros de la familia se aleja; recae una prohibición sobre el héroe; etcétera, etcétera. ¿Es esto una cárcel para leer la realidad? No lo creo: Propp muestra que hay mecanismos inconscientes con los cuales interpretamos todo lo que ocurre. Y nos ofrece hacerlos emerger.

También creo que siempre hay algo nuevo para decir, pero antes de decir hay que saber mirar alrededor: en el caos de la realidad ocurren cosas en simultáneo, mezclándose, y somos nosotros quienes las ordenamos en cadenas de causa y consecuencia. Así, muchas veces sin pensarlo, creamos tramas. Una mirada nueva es una apreciación inédita y crea una historia distinta, incluso sobre un tema conocido. Las historias que no olvidamos son hechas con la arcilla de la empatía, la tensión, el detalle y una solución que nos deja emocionados o, al menos, entusiasmados. Encuentro uno de mis ejemplos favoritos de todo esto en Capote, película protagonizada por Philip Seymour Hoffman que cuenta cómo Truman Capote investigó y escribió A sangre fría.

En un momento del filme, Capote está harto de los dos criminales a quienes ha entrevistado innumerables veces; bueno, en realidad está harto de su texto. Quiere terminarlo y publicarlo de una vez, pero resulta que los dos criminales —presos y ya juzgados— apelan la condena a muerte.

Capote le pondría un final abierto, una especie de “Continuará…”, pero su editor lo obliga a esperar la sentencia y a cerrar el texto con ese destino, que, como sabemos, a la larga fue la confirmación de la pena de muerte.

Lo que quiero decir es que extraer una historia de la realidad puede ser un hábito no siempre sencillo: ¿dónde empieza y culmina una historia? Capote quería terminarla antes. Quería contar, de este modo, otra historia: la de dos hombres que cometen un crimen y esperan una sentencia, no la de dos hombres que comenten un crimen y mueren en la horca. Pero, por suerte, Capote le hizo caso a su editor. A sangre fría es una interpretación de algo que ocurrió, una entre miles. Así —mirando, interpretando— se construyen las buenas historias.

Y hoy, entre swipes & tweets , son más necesarias que nunca.

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C O L U M N A S A L I DA

LAS PORTADAS DE LOS DIARIOS cuentan historias todos

JAVIER SINAY

ESCRITOR Y PERIODISTA, CONSEJERO EDITORIAL DE RELATTO. PUBLICÓ LOS LIBROS CAMINO AL ESTE, CUBA STONE (EN COAUTORÍA), LOS CRÍMENES DE MOISÉS VILLE Y SANGRE JOVEN (PREMIO RODOLFO WALSH DE LA SEMANA NEGRA DE GIJÓN, ESPAÑA). EN 2015 GANÓ EL PREMIO GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ DE LA FUNDACIÓN GABO (EX FNPI) POR SU CRÓNICA “RÁPIDO. FURIOSO. MUERTO”, PUBLICADA EN ROLLING STONE (ARGENTINA).

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