Revista virtual FAE Lima 2020 by FAE Lima

Del 3 al 15 de marzo www.faelima.com Todos somos teatro

Contenido

Programación 4 Organizadores y presentadores 8 Palabras de bienvenida FAE Lima 2020 9 PROGRAMACIÓN INTERNACIONAL 10 Ahora que no somos demasiado viejos todavía 11 All’inizio della città di Roma 12 Camargo 14 Fin 16 Gran Bolero 18 Knot 20 La carne, la caída 22 La carta 24 Recordar 30 años para vivir 65 minutos 26 The Elephant in the Room 28 PROGRAMACIÓN NACIONAL 30 Carguyoq 31 El apellido comienza conmigo 32 El hombre intempestivo 33 Este lugar no existe 34 Hamlet: una versión recontra libre de la obra de William Shakespeare 35 Hice una obra sobre ti y por fin viniste a verla 36 La terapeuta 37 Nave 38 Orlando 39 Patrón Leal 40 Una breve historia sobre cómo llegamos aquí 41 PROGRAMACIÓN FAMILIAR 42 El viaje de Killa 43 Pacamambo 44 Plop y Wiwi 45 Simón el topo 46 Sisi y su primer circo 47 TALLERES INTERNACIONALES 48 Taller de inspiración creativa 50 Taller de técnicas acrobáticas 51 Taller de ficción autobiográfica 52 Taller el sonido y el adentro 53 Clase maestra a cargo de Jesús Rubio Gamo 54 ACTIVIDADES PARALELAS 55 Mesas de diálogo y música 56 Cine 57 Mercado y residencia 58 Alianzas, instituciones asociadas, patrocinadores y auspiciadores 59 Equipo FAE Lima 2020 60

Obras internacionales y nacionales M

20.00 horas

EL HOMBRE INTEMPESTIVO (Perú)

20.30 horas

17.00 horas

KNOT (Reino Unido)

20.30 horas

NAVE (Perú)

Centro Cultural Cine Olaya - Av. José Olaya 645, Chorrillos

17.00 hrs 17.00 hrs 11.30 20.30 hrs 20.30 hrs horas

HICE UNA OBRA SOBRE TI Y POR FIN VINISTE A VERLA (Perú)

17.00 horas

20.30 horas

17.00 horas

20.30 horas

INTERNACIONALES

NACIONALES

THE ELEPHANT IN THE ROOM (Francia) * Inauguración Gran Teatro Nacional - Av. Javier Prado Este 2225, San Borja

ALL'INIZIO DELLA CITTÀ DI ROMA (Italia)

20.30 horas

RECORDAR 30 AÑOS PARA VIVIR 65 MINUTOS (Argen�na)

20.30 horas

Teatro de la Universidad del Pacíﬁco - Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María Teatro del Centro Cultural de la PUCP - Av. Camino Real 1075, San Isidro Teatro de la Universidad de Lima - Av. Cruz del Sur 206, Surco Teatro Británico - Jr. Bellavista 527, Miraﬂores

Teatro La Plaza - Larcomar, Malecón de la Reserva 610, Miraﬂores

CARGUYOQ (Perú)

17.00 horas

20.30 horas

UNA BREVE HISTORIA SOBRE CÓMO LLEGAMOS AQUÍ (Perú)

19.30 horas

17.00 horas

PATRÓN LEAL (Perú)

19.30 horas

17.00 horas

Teatro de la Universidad del Pacífico - Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María Auditorio Miraflores Británico Cultural - Jr. Bellavista 531, Miraflores

Teatro del Centro Cultural de la PUCP - Av. Camino Real 1075, San Isidro

ESTE LUGAR NO EXISTE (Perú)

20.30 horas

17.00 horas

HAMLET (Perú)

20.30 horas

17.00 horas

Teatro de la Universidad de Lima - Av. Cruz del Sur 206, Surco Teatro La Plaza - Larcomar, Malecón de la Reserva 610, Miraﬂores

LA CARNE, LA CAÍDA (España)

20.30 horas

ORLANDO (Perú)

20.30 horas

Auditorio del CC de España en Lima - Jr. Natalio Sánchez 181, Cercado de Lima Teatro Británico - Jr. Bellavista 527, Miraﬂores

EL APELLIDO COMIENZA CONMIGO (Perú)

17.00 horas

20.30 horas

LA TERAPEUTA (Perú)

20.30 horas

17.00 horas

Teatro de la Universidad del Pacíﬁco - Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María Teatro del Centro Cultural de la PUCP - Av. Camino Real 1075, San Isidro

FIN (Chile)

Teatro de la Universidad de Lima - Av. Cruz del Sur 206, Surco

20.30 horas

CAMARGO (Colombia)

20.30 horas

GRAN BOLERO (España)

20.30 horas

Teatro La Plaza - Larcomar, Malecón de la Reserva 610, Miraﬂores Teatro Municipal de Lima - Jirón Ica 377, Cercado de Lima 15001

LA CARTA (Italia)

Teatro del Centro Cultural de la PUCP - Av. Camino Real 1075, San Isidro

AHORA QUE NO SOMOS DEMASIADO VIEJOS TODAVÍA (España) Teatro de la Universidad del Pacíﬁco - Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María

20.30 horas

17.00 horas

17.00 horas 19.30 horas

Obras familiares

SISI Y SU PRIMER CIRCO (Perú)

Gran Teatro Nacional - Av. Javier Prado Este 2225, San Borja

Sábado

Domingo

Sábado

7 DE MARZO

8 DE MARZO

14 DE MARZO

21 DE MARZO

17.30 horas

11.30 horas

EL VIAJE DE KILLA (Perú)

11.30 horas

EL VIAJE DE KILLA (Perú)

16.30 horas

Auditorio Británico Camacho - Av. Javier Prado Este 4661, La Molina Auditorio Británico Santa Anita - Los Ruiseñores 215, Santa Anita

EL VIAJE DE KILLA (Perú)

11.30 horas

Auditorio Británico Pueblo Libre - Simón Bolívar 598, Pueblo Libre

EL VIAJE DE KILLA (Perú)

16.30 horas

Auditorio Británico San Miguel - Av. La Marina 2554, San Miguel

PACAMAMBO (Perú)

11.30 horas

PACAMAMBO (Perú)

16.30 horas

Auditorio Británico SJL - Próceres de la Independencia1531, SJL Auditorio Británico Los Jardines - Alfredo Mendiola 1200, San Mar�n de Porres

PACAMAMBO (Perú)

11.30 horas

PACAMAMBO (Perú)

16.30 horas

PLOP Y WIWI (Perú)

11.30 horas

PLOP Y WIWI (Perú)

16.30 horas

Auditorio Británico San Borja - Av. Javier Prado Este 2726, San Borja

Auditorio Británico Surco - Caminos del Inca 3581, Surco Auditorio Británico Pueblo Libre - Simón Bolívar 598, Pueblo Libre Auditorio Británico San Miguel - Av. La Marina 2554, San Miguel

PLOP Y WIWI (Perú)

11.30 horas

Auditorio Británico Camacho - Av. Javier Prado Este 4661, La Molina

PLOP Y WIWI (Perú)

16.30 horas

Auditorio Británico Santa Anita - Los Ruiseñores 215, Santa Anita

SIMON EL TOPO (Perú)

Auditorio Británico San Borja - Av. Javier Prado Este 2726, San Borja

SIMON EL TOPO (Perú)

Auditorio Británico Surco - Caminos del Inca 3581, Surco

11.30 horas 16.30 horas

SIMON EL TOPO (Perú)

11.30 horas

SIMON EL TOPO (Perú)

16.30 horas

Auditorio Británico SJL - Próceres de la Independencia1531, SJL Auditorio Británico Los Jardines - Alfredo Mendiola 1200, San Mar�n de Porres

| FAE LIMA 2020 / PROGRAMACIÓN

OBRAS FAMILIARES (INGRESO LIBRE SUJETO A STOCK)

Organizado por:

Presentado por:

PALABRAS DE BIENVENIDA

2020 FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS DE LIMA

Como cualquier evolución social, la búsqueda de la equidad de género en el espacio de creación y manifestación artística es un movimiento pendular, que se manifiesta con mayor claridad en el terreno acotado de los festivales y encuentros escénicos. En los últimos años, las creadoras han ocupado un lugar principal –muchas veces mayoritario– en estas plataformas. A veces, gracias a curadurías que plantean marcos específicos que propician su presencia; mientras que en otras ocasiones, como consecuencia natural de una mayor participación femenina en las diversas expresiones teatrales, lo que en términos proporcionales – comparando con tiempos pasados– se manifiesta en un aporte cada vez más evidente y poderoso de las mujeres en las artes escénicas mundiales. Esto último es el caso de la cuarta edición del Festival de Artes Escénicas de Lima. Sin haber planteado una agenda con anticipación, la programación para el año 2020 está compuesta principalmente por producciones de creadoras mujeres. Dichas producciones abordan temáticas que son propias de toda la humanidad, como la búsqueda de las raíces personales, el ejercicio de la política de la persona no-política, el cuestionamiento de los paradigmas de género; o la mirada en el otre y cómo esta mirada delimita diversidad, pero al mismo tiempo genera distancia. Temáticas que no han sido ajenas al escenario, pero que son vistas con ópticas femeninas que buscan discursos desde su propia individualidad. La representación de estas mujeres cuestionadoras en nuestros espacios compartidos sigue siendo novedosa, y por lo tanto merece subrayarse y ponerse en valor. Incluso cuando pensamos que, en un futuro ojalá no tan distante, se reconocerá la propuesta artística sin un componente de género tan acentuado, el día de hoy todavía es necesaria una apuesta política que favorezca la equidad y el equilibrio que tanto anhelamos. La programación de este año, tanto nacional como internacional, tiene el objetivo de convocar a más limeños y limeñas; y, para lograrlo, apela a la diversidad de lenguajes escénicos: teatro, danza y circo; en producciones diseñadas para público adulto y familiar. Teatros de gran escala, salas de mediano formato y auditorios, repartidos por diferentes distritos de la ciudad, tienen la intención de dar la bienvenida a la mayor cantidad posible de espectadoras y espectadores que quieran compartir nuestra idea inicial: todes somos teatro. Vanessa Vizcarra Directora artística FAE Lima 2020

| FAE LIMA 2020

¡Bienvenidas, bienvenides, bienvenidos!

Obras Internacionales

Ahora que no somos demasiado viejos todavía

ESPAÑA Teatro - Performance/ 60 minutos / +14 años

De Jesús Rubio Gamo

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico

Ahora que no somos demasiado viejos todavía es un solo autobiográfico en el que el coreógrafo y bailarín madrileño Jesús Rubio Gamo aúna sus dos grandes pasiones: la danza y la escritura. Creado en los años 2015 y 2016, a medio camino entre salas de ensayo y bibliotecas, es un diario íntimo sobre el paso del tiempo, un trabajo en el que la crudeza de lo cotidiano sirve para retratar el espíritu de su generación.

Duración del espectáculo: 60 minutos. Obra en un acto

¿POR QUÉ VERLA?

Público recomendado: mayores de 14 años

Un trabajo que, a través de la danza y del texto, propone al espectador un espejo en el cual mirarse. Una pieza que, en palabras del dramaturgo y teórico de danza italiano Roberto Fratini, recoge “el espíritu de la juventud de su generación, posiblemente la más precaria, la más líquida de siempre”. SOBRE EL CREADOR E INTÉRPRETE Jesús Rubio Gamo Bailarín y coreógrafo independiente que lleva produciendo sus propias creaciones desde 2008. Ha estudiado ballet clásico y danza contemporánea en Madrid y Londres. Sus piezas se han mostrado en festivales como Chantiers d’Europe, Théâtre de la Ville de París; Red Nacional de Danza de Suecia; Escena Contemporánea (Madrid); Danza a Escena (Red Nacional de Teatros de España); Festival de Artes Escénicas de Lima; Les Plateaux (La Briqueterie, París); Greenwich and Docklands International Festival de Londres; Birmingham International Dance Festival, International Theatre Amsterdam o Festival RomaEuropa. En dos años consecutivos (2017 y 2018), fue seleccionado por la Red de Danza Aerowaves como uno de los veinte coreógrafos jóvenes más destacados del panorama europeo actual.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Danza y texto] Jesús Rubio Gamo [En escena] Jesús Rubio Gamo [Música] Ryuichi Sakamoto [Diseño de iluminación] Carmen Martínez [Diseño de vestuario] Naldi Fernandes [Acompañamiento artístico] Marta Alonso y Elena Córdoba [Fotografía] Jesús Vallinas y Claudia Córdova Zignago [Producción en gira] Claudia Córdova Zignago [Con el apoyo de] DT Espacio Escénico y Centro Cultural Conde Duque Pieza seleccionada para llevar de gira por la Red Nacional de Danza Sueca en 2019; por la Plataforma europea de danza contemporánea Aerowaves 2018; y para el catálogo de la AECID 2018 y 2019. Ha sido candidata a los Premios MAX de las artes escénicas de España como Mejor Espectáculo Revelación en 2017. Este trabajo lleva de gira desde 2016 por Europa y desde 2019 por Latinoamérica. Entre los festivales y teatros donde ha estado presente destacan Chantiers d’Europe del Théâtre de la Ville de París (Francia), Hay Festival de Arequipa (Perú), Dansens Hus de Estocolmo (Suecia), el Centro Coreográfico de Luxemburgo y el Festival Monoplay de Zadar (Croacia).

DIJO LA CRÍTICA “Un paseo físico y emocional que va desde la serenidad hasta una virulencia que se acerca a las pinturas desgarradas de Francis Bacon.” (Omar Khan - Revista Susy Q, edición impresa) “Un creador que echa toda la carne en el asador y que planta un manifiesto en el escenario arrastrando en su camino a todo el que lo mira, por los complicados mundos de una psique rocambolesca, contradictoria y fabulosamente osada.” (Luis Carlos Molina - CicutaDry) https://www.cicutadry.es/jesus-rubio-gamo/

| OBRAS INTERNACIONALES

Domingo 15 de marzo a las 19.30 horas

All’inizio della città di Roma

ITALIA Teatro - Danza / 50 minutos / +14 años

De Claudia Castellucci Miércoles 4 de marzo a las 20.30 horas Jueves 5 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico Duración del espectáculo: 50 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Esta coreografía se refiere al comienzo de la civilización romana, una de las más vastas jamás vista en Europa. El acento se encuentra en los albores de una forma de vida social, cuando se la obliga a concebir una organización en la que muchos puedan vivir juntos. Las decisiones fundamentales que subyacen tras las acciones básicas, sobre todo esas que marcan las formas iniciales de la vida compartida, aparecen aquí gracias a los patrones rítmicos y esquemáticos de una danza con fuertes lazos con el tipo de movimiento colectivo que se encuentra en las danzas folclóricas. Roma dio su nombre a las primeras formas de derecho, y las reglas del derecho romano son una referencia temprana para la serie de comportamientos que hemos acumulado a lo largo del tiempo, y eso cubre el lado legal del afecto. La experiencia primitiva que subyace tras estas abstracciones legales también explica lo que marca a los individuos humanos: el instinto de conservación, el sentido de propiedad como un hábito interno, el concepto de justicia, un razonamiento que involucra la solidaridad y, no menos importante, la relación entre estas leyes y el tiempo, que permanece en segundo plano, en toda su inmensidad. ¿POR QUÉ VERLA? Esta pieza será resultado de un curso dirigido por Claudia Castellucci, fundadora de la Socìetas (Socìetas Raffaello Sanzio), a realizarse con bailarines peruanos durante el mes de febrero.

| OBRAS INTERNACIONALES

La coreografía pone en tela de juicio el comienzo de una de las civilizaciones europeas más extensas: la romana. Sin embargo, el acento se coloca en los albores de una vida social que tuvo que inventar su propia forma organizada de concebir la convivencia de muchos, y no en el énfasis de la posterior conquista territorial.

Se destaca la necesidad de regular el comportamiento humano orientado hacia la protección, el reconocimiento del delito y la sanción, en términos coreográficos, por lo tanto basados en movimientos, rutas y actitudes. Las decisiones esenciales que originan algunos movimientos de acción social, especialmente aquellas que distinguen las formas iniciales de vida en común, se trazan aquí sobre la base de exploraciones rítmicas y esquemáticas. SOBRE LA CREADORA Claudia Castelucci Cofundadora junto con Romeo Castellucci y con Chiara y Paolo Guidi de la Socìetas Raffaello Sanzio (ahora Socìetas), una compañía de teatro que desde la década de 1980 se ha establecido internacionalmente por su reinvención radical del lenguaje escénico. Predominantemente dedicada a la escritura y la enseñanza, es la fundadora de varias expe-

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y coreografía] Claudia Castellucci [Asistente] Sissj Bassan [En escena] Alvaro Zubiaurr, Aroah Rosado, Brado Díaz, Darill Silva, Francesca Sissa, Franklin Dávalos, Isabel Korzo, Lupe Ramos, Mariel Tamayo, Mario Gaviria, Omar Cruz, Roly Dávila, Úrsula Casapía, Valeria Ortega, Walter Campos [Música] Stefano Bartolini [Directora de producción] Benedetta Briglia [Organización] Camilla Rizzi [Producción] Socìetas [Presentado por] Socìetas Esta obra llega gracias a la colaboración del Istituto Italiano di Cultura. All’inizio della città di Roma fue estrenada en septiembre de 2019 en la ciudad de Roma durante el Festival de Teatro Corto. El elenco que llevó a cabo el estreno fue conformado por los bailarines de la propia compañía de Claudia Castellucci. Este mismo conjunto presentó la obra en la ciudad de Boloña en octubre de 2019, en el marco del Festival del Día Contemporáneo. All’inizio della città di Roma también fue presentada en Madrid dentro del Festival de Otoño, en diciembre de 2019, con un elenco conformado por bailarines locales, luego de llevar un seminario de diez días junto a Claudia Castellucci. Este mismo formato se llevará a cabo durante el FAE Lima 2020.

| OBRAS INTERNACIONALES

riencias educativas. Inaugura la Scuola Tetrica della Discesa a fines de la década de 1980, equilibrando la filosofía y la práctica teatral. La escuela Stoa, sobre el movimiento rítmico, sigue; luego evolucionó en Calla (en 2010) y École du Rythme (en 2011 en Burdeos, para la Bienal de Arte Urbano). Desde 2015 continúa con su idea original de una escuela concebida como una obra de arte, con Mòra, dando lugar a las obras Verso la specie y Fisica dell’aspra comunione (2018): la primera es una danza que toma como modelo la métrica de la poesía griega arcaica, presentada en la Bienal de Venecia; la segunda sigue un patrón de movimientos derivados de Le Catalog d’oiseaux de Olivier Messiaen. En 2012 se dedicó a la composición e interpretación del monólogo Il regno profondo, una larga confesión dividida en varias partes: La vita delle vite e Il dialogo degli schiavi. En 2017 agrega la tercera parte Perché sei qui?. En esta producción comparte escenario con Chiara Guidi. También participa en el campo de las artes figurativas, con I Passanti-Exhibition of Newspaper Clippings y La celebrazione dei gesti istoriali (2012). En 2014 fundó Cònia, una escuela de verano de técnica de representación, impulsada por varios profesores, y en 2016 inauguró Catalysi, una residencia escolar destinada a la producción y estudios teóricos contextuales. Entre sus publicaciones monográficas están: Uovo di bocca. Scritti lirici e drammatici (Bollati Boringhieri 2000) y Setta. Scuola di tecnica drammatica (Quodlibet 2014).

Camargo

COLOMBIA Teatro / 80 minutos / +18 años

De Johan Velandia – La Congregación Teatro Viernes 13 de marzo a las 20.30 horas Sábado 14 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro La Plaza Duración del espectáculo: 80 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 18 años

Entre diciembre de 1984 y febrero de 1986, una ola de terror sacudió a Ecuador. Pilas de cadáveres de mujeres, entre los ocho y los 20 años de edad, todas vírgenes, fueron encontradas en lugares apartados, solitarios y boscosos. Según las investigaciones, las muertes habían sido producidas por estrangulamiento y asfixia mecánica, con signos de violación casi al mismo momento de morir. Nadie imaginó que detrás de estas extrañas y atroces desapariciones estaría un hombre amable y de débil aspecto, el colombiano Daniel Camargo Barbosa. Esta pieza teatral, a través del misterio y el suspenso, descubre la vida íntima y los oscuros parajes mentales de uno de los asesinos en serie más aterradores de Latinoamérica, pues operó en países como Colombia, Brasil y Ecuador, sumando un total aproximado de 157 víctimas en veinte años. Basada en hechos reales. Esta obra está dedicada a todas las víctimas y a sus familias. ¿POR QUÉ VERLA? Hay que tener estómago y nervios de acero para ir a ver Camargo, una de las obras que representan la dramaturgia y el teatro colombianos.

| OBRAS INTERNACIONALES

Un escenario dispuesto de manera poco convencional anuncia al público algo que no se espera. Una mesa servida para un banquete, donde algunos de los asistentes van siendo acomodados indiscriminadamente, provoca el primer asomo de impaciencia frente a lo que está por venir. Sin duda, los espectadores serán involucrados en la obra.

Camargo relata la historia de un asesino serial colombiano que cometió alrededor de cien crímenes, la mayoría de ellos durante las décadas de los 70 y los 80. La génesis de su condición, la forma como atacaba a sus víctimas y su final en prisión forman parte de un carrusel de emociones que gira a toda velocidad. Los actores de Camargo no se quedan quietos, tampoco el público, que además de pujar desde su silla no deja de preguntarse de dónde sale gente como Camargo y cómo cada quien sobrevivió a su propia historia sin convertirse en alguien como él. SOBRE EL DIRECTOR Jorge Velandia Ha combinado prolíficamente la actividad teatral a través de la actuación, la dirección escénica y la dramaturgia. Su formación como actor y maestro en Artes Escénicas la realiza en la Academia Superior

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y dirección] Johan Velandia [Asistencia de dirección] Sergio Castillo [Actores] Diana Belmonte, Nelson Camayo, Ana María Sánchez y Johan Velandia [Iluminación] Maicol Medina [Diseño gráfico] Jorge Santa [Vestuario] Ana Velandia [Fotografía] Camilo Montiel Mendoza [Dirección de arte] Johan Velandia [Producción] Johan Velandia Esta obra se presentó en 2016 en la Casa del Teatro Nacional, Bogotá, Colombia; en el Festival Internacional de Teatro de Manizales, Colombia; en el XV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Colombia; en el Econtro com o teatro colombiano, SESC Copacabana, Río de Janeiro, Brasil; Festival Brújula al Sur Plataforma Académica, Cali, Colombia.

de Artes de Bogotá ASAB (2004). Paralelamente a sus estudios, experimenta como director estableciendo diálogos entre lenguajes como la danza, la música en vivo y el teatro. Gracias a los beneficios del premio Artistas Jóvenes Talentos, otorgado por el Icetex y el Ministerio de Cultura, cursó sus estudios de posgrado en la Universidad Rey Juan Carlos en Madrid, España, en el Máster Oficial en Artes Escénicas e Interdisciplinarias. Desde 2005, asume la dirección escénica y la producción de espectáculos en su compañía La Congregación Teatro. SOBRE LA COMPAÑÍA La Congregación Teatro Compañía escénica fundada en el año 2006 en Bogotá, Colombia, por Johan Velandia. Nace con el objeto de crear un espacio de investigación para artistas de diferentes disciplinas (teatro, danza, música, audiovisuales) que dialoguen a partir de sus lenguajes sobre temas actuales de interés social, político y cultural; construyendo un vocabulario escénico dinámico, cambiante, ágil y plurisignificativo. De esta constante búsqueda nacen puestas en escena como El infinito sin estrellas (2006), beca a jóvenes creadores teatrales; Capítulo doce (2013), Premio Bogotá Un Libro Abierto; Parábola del insulto, Premio Estovi a obra favorita del público bogotano; El ensayo (2017); El libro de Job (2018) y Camargo, considerado por la crítica como uno de los mejores espectáculos colombianos producidos en 2015.

DIJO LA CRÍTICA “Mejor espectáculo internacional.” (Miguel Arcanjo – Uol Brasil)

| OBRAS INTERNACIONALES

https://miguelarcanjo.blogosfera.uol.com.br/2016/12/17/blog-do-arcanjo-escolhe-melhores-do-teatro-nosegundo-semestre-de-2016/

Fin

CHILE Teatro - Performance/ 55 minutos / +14 años

De Daniel Marabolí y Trinidad Piriz Jueves 12 de marzo a las 20.30 horas Viernes 13 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro de la Universidad de Lima Duración del espectáculo: 55 minutos. Obra en un acto Público recomendado: Mayores de 14 años

Fin es un espectáculo sonoro: la historia de dos investigadores que intentan seguir las pistas de un caso judicial chileno ocurrido en 1985. A partir de las muchas versiones y ninguna salida del hecho, los performers buscarán resolver estos acontecimientos a través de entrevistas a testigos reales, conjeturando y especulando en voz alta cada uno de los pasos a seguir. Aparatos como el reel, la cinta magnética, el casete, bocinas amplificadoras o la radio boombox (portátil) –que hacen alusión a la tecnología empleada en aquella época– construyen un rompecabezas sonoro que mezcla con astucia realidad y ficción. Fin se basa en la desaparición del joven holandés Marteen Visser en los alrededores del volcán Osorno el año 1985. Marabolí+Piriz son los performers que encarnan el rol de investigadores privados, así sus vivencias se levantan como hilo conductor del espectáculo. Fin propone un camino que parte de la realidad y progresivamente viaja hacia la ficción. En este progreso, la transformación del archivo y los efectos de sonido se intensifican, acentuándose el punto de vista de los performers y develándose el tratamiento sonoro cada vez más profundo. ¿POR QUÉ VERLA?

| OBRAS INTERNACIONALES

Fin es un policial sonoro: la historia de dos detectives que intentan seguir las pistas de un caso judicial chileno ocurrido en 1985. A partir de las muchas versiones y ninguna salida del hecho, los detectives buscarán resolver estos extraños acontecimientos a través de entrevistas a testigos, conjeturando y especulando en voz alta cada uno de los pasos a seguir. Aparatos como el reel, la cinta magnética, el casete, las bocinas amplificadoras y la radio boombox (portátil) hacen alusión a la tecnología empleada en aquella época, tejen esta trama y se transforman en los verdaderos testigos de la investigación.

Este espectáculo es el último trabajo de Trinidad Piriz y Daniel Marabolí, dupla reconocida por construir una alianza única entre las palabras, los sonidos y las representaciones visuales, que invita al público a involucrarse y a formular sus propias hipótesis sobre la historia. SOBRE LOS CREADORES Marabolí+Piriz La colaboración de los artistas Daniel Marabolí y Trinidad Piriz comienza el año 2012. Desde entonces han creado tres espectáculos sonoros –Helen Brown (2013), Ithaca (2015), Fin (2017)– y un seminario formativo donde comparten su metodología creativa. Su trabajo ha sido presentado en Cádiz, Lima, Chile y México.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Creación, dirección y performers] Daniel Marabolí y Trinidad Piriz [Sonido] Diego Betancourt [Audiovisuales] Benjamín Villalobos [Iluminación y jefe técnico] Ismael Valenzuela [Producido por] Fundacion Teatro a Mil Fin fue estrenada en mayo de 2017 en el Teatro Sidarte de Santiago, Chile. Tuvo una segunda temporada en octubre de ese año, en la misma ciudad, pero esta vez en el Teatro Taller Siglo XXI. En el año 2018, la obra se presentó dentro del marco del Festival Santiago a Mil de Chile. También en el 2018 tuvo dos nuevas temporadas en la ciudad de Santiago: la primera, en el mes de abril, en el mismo teatro en el que fue estrenada, el Teatro Sidarte, y la segunda, en el Teatro del Puente, en los meses de octubre y noviembre. Hubo una quinta temporada en junio del 2019, en el mismo Teatro Sidarte.

Marabolí+Piriz trabajan en las fronteras del teatro y la música, mezclando sonidos del día a día, los pensamientos más íntimos y la ficción exacerbada. Su búsqueda se centra en la construcción de un puente entre las palabras, los sonidos y las representaciones visuales. Utilizan experiencias autobiográficas y biográficas para empujar la palabra más allá de su significado habitual y hacer reflexiones sociales desde las experiencias personales y cotidianas.

DIJO LA CRÍTICA

| OBRAS INTERNACIONALES

“FIN es un montaje originalísimo, que instala a sus creadores en la primera línea de las artes escénicas contemporáneas” (Revista Qué pasa - Diario La Tercera, Chile)

Gran Bolero

ESPAÑA Teatro - Danza / 50 minutos / +14 años

De Jesús Rubio Gamo Viernes 13 de marzo a las 20.30 horas Sábado 14 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro Municipal de Lima Duración del espectáculo: 50 minutos Público recomendado: mayores de 14 años. Contiene desnudos INGRESO LIBRE

Coproducida por las dos casas de danza más importantes de España, Teatros del Canal y Mercat de les Flors, e interpretada por seis bailarines de Madrid y seis de Barcelona, Gran Bolero es una pieza sobre el esfuerzo y el placer de resistir, una danza obstinada sobre el tránsito entre el disfrute y el agotamiento, un baile para celebrar el tiempo y espacio que compartimos, lo intenso y lo fugaz, el pálpito y el sosiego.

¿POR QUÉ VERLA? Gran Bolero es un himno a la danza, un espectáculo de energía contagiosa que llegará directo a las entrañas del espectador. En esta ocasión, la música de Ravel se extiende a una versión de 50 minutos, creada por el compositor español José Pablo Polo, sin perder la esencia de la composición original. La pieza es en sí misma una evolución que tiene como punto de partida un dúo de quince minutos, y se desarrolla y evoluciona hasta llegar a ser una pieza coral de más de cincuenta minutos, con doce bailarines de ambos sexos en escena. Este carácter evolutivo se proyecta en el trabajo de Jesús Rubio Gamo, bailarín y coreógrafo cuya labor se reconoce tanto en la escena española como en la internacional.

SOBRE LOS CREADORES

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Jesús Rubio Gamo

Bailarín y coreógrafo independiente que lleva produciendo sus propias creaciones desde 2008. Ha estudiado ballet clásico y danza contemporánea en Madrid y Londres. Sus piezas se han mostrado en festivales como Chantiers d’Europe, Théâtre de la Ville de París; Red Nacional de Danza de Suecia; Escena Contemporánea (Madrid); Danza a Escena (Red Nacional de Teatros de España); Festival de Artes Escénicas de Lima; Les Plateaux (La Briqueterie, París); Greenwich and Docklands International Festival de Londres; Birmingham International Dance Festival, International Theatre Amsterdam o Festival RomaEuropa. En dos años consecutivos (2017 y 2018), fue seleccionado por la Red de Danza Aerowaves como uno de los veinte coreógrafos jóvenes más destacados del panorama europeo actual.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Idea, dirección artística y coreografía] Jesús Rubio Gamo [Asistencia de dirección] Alicia Cabrero [Intérpretes] Alberto Alonso, Eva Alonso, Albert Barros, Agnès Balfegó, Natalia Fernandes, María Hernando, Joel Mesa, Iván Montardit, Clara Pampyn, Carlos Peñalver, Jose Ruiz y Paula Tato [Composición musical] José Pablo Polo, basado en Bolero de Maurice Ravel [Diseño de vestuario] Cecilia Molano [Confección] Naldi Fernandes [Diseño de iluminación] David Picazo [Acompañamiento artístico] Elena Córdoba [Coordinación técnica] Daniel Checa [Fotografía] Claudia Córdova Zignago [Producción] Claudia Córdova Zignago Una coproducción de Teatros del Canal y Mercat de les Flors, con la colaboración de Conde Duque, Universidad Complutense y Comunidad de Madrid. Esta obra se presentó en el año 2019 en Teatros del Canal, Madrid, España; Festival Dansa València, España; Mercat de les Flors, Barcelona, España; Festival Cádiz en Danza, España; Teatro Barakaldo, Bilbao, España; Teatro Victoria Eugenia, San Sebastián, España, y Festival RomaEuropa, Roma, Italia. En 2020 ya tiene presentaciones programadas en International Theatre Ámsterdam, Países Bajos; LAVA, Valladolid, España; Sala Roja, Plataforma para Programadores Internacionales en Teatros del Canal, Madrid, España; y Teatro Jovellanos, Gijón, España.

DIJO LA CRÍTICA “El ‘Bolero’ convertido en canto generacional.” (Clàudia Brufau - Revista Musical Catalana) http://www.revistamusical.cat/critica/el-bolero-fet-cant-generacional/ “Jesús Rubio Gamo arrancó merecidas ovaciones con su extenuante y tremendamente emocionante Gran Bolero en la brillante apertura del festival (Dansa Valencia 2019).” (Omar Khan - SusyQ) “El festival (Dansa Valencia 2019) tuvo uno de los comienzos más brillantes de los últimos años con Gran Bolero, un trabajo magistral por su frescura, su originalidad, su coreografía, su dificultad y su perfecta ejecución.” (José Vicente Peiró - Kiosko y Más) “Cincuenta minutos de empujes, arrastres y elevaciones hasta desnudar el cuerpo y el espíritu.” (Alexey Timbul - PostParis.com) https://postparis.com/2019/04/25/bolero-jesus-rubio-gamo/ “El Gran Bolero de Jesús Rubio Gamo es una obra excepcional. Una obra maestra. Cuando has visto muchos, muchísimos espectáculos de danza, no es fácil sentir euforia al salir del teatro. Gran Bolero consigue provocar esta sensación.” (Emilio Tenorio - Éter)

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https://www.eter.com/actualidad/noticia.php?id=19199

Knot

REINO UNIDO Teatro - Danza / 50 minutos / +7 años

De Nikki & JD Viernes 6 de marzo a las 20.30 horas Sábado 7 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro Británico Duración del espectáculo: 50 minutos Público recomendado: mayores de 7 años

Estimulante y conmovedora, Knot es el trabajo de circo y danza de Nikki Rummer y JD Broussé, internacionalmente aclamado. Estos talentosos artistas utilizan las habilidades de circo mano a mano para contar la historia de una elección imposible: ¿cómo podemos ser honestos con nosotros mismos sin dañar a los que amamos? Knot es un viaje teatral finamente diseñado a través de las luchas del compromiso. Creado en colaboración con el galardonado coreógrafo Ben Duke de Lost Dog Dance Company, Knot es un tema muy actual, contado con delicada sensibilidad mediante acrobacias impresionantes y danza desgarradora.

¿POR QUÉ VERLA? Knot es un espectáculo que combina teatro, danza y circo para contar una historia de relaciones modernas complejas. El tema central es la relación entre un hombre gay y una mujer soltera de unos 30 años. Las habilidades circenses son increíbles. Los dos artistas crean momentos que hacen subirse el corazón a la boca, pues parecen demasiado peligrosos para realizarse sin equipo de seguridad. Se equilibran entre sí, realizan saltos y caídas que desafían la muerte, y lo hacen ver increíblemente fácil.

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El espectáculo cuenta con una gran cantidad de humor desde el inicio, cuando Nikki y JD se presentan. Ellos hablan directamente con la audiencia, derribando la cuarta pared, haciendo que la puesta en escena se sienta aún más personal. El espectáculo es muy conmovedor, ya que da cuenta de los efectos de sus relaciones en otras áreas de su vida.

SOBRE LA COMPAÑÍA Nikki & JD Dúo acrobático con una combinación única de habilidades en circo y danza contemporánea. Desde el comienzo de su trabajo en conjunto, han tratado de impulsar y refinar el uso de acrobacias, bailes y narraciones de mano a mano.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Dramaturgia] Ben Duke [Dirección] Jean-Daniel Broussé, Nikki Rummer y Rosamond Martin [Elenco] Jean-Daniel Broussé y Nikki Rummer [Mentor coreográfico] Ellis Saul [Mentor de movimiento] Pippa Duke y Martin Corri [Diseño de iluminación] William Ingham [Diseño de vestuario] Oliver Garcia [Música original] Tim Lenkiewicz [Música] Annobon de Aldo Romano, Louis Sclavis y Henri Texier; Nocturno en Fa menor Opus 55, número 1 (variación) de Chopin, interpretado por Chad Lawson; Portrait of a Man de Screamin’ Jay Hawkins; y Sway de Dean Martin. Knot es comisionada y apoyada por Jacksons Lane, Déda, Jerwood Choreographic Research Project II, The National Centre for Circus Arts, Arts Council England y Warwick Arts Centre. Esta obra llega gracias a la colaboración del British Council. En 2016, Knot se estrenó como una pieza de 20 minutos en The Place’s, Londres. Desde entonces, Knot ha participado en el prestigioso Festival CIRCa en Auch (2017) y el Festival Avignon OFF (2018), ambos en Francia. En 2018, Knot se extendió a una pieza de larga duración y recibió el reconocimiento internacional en Reino Unido, Francia, Japón y Corea. En 2019, Knot realizó una gira por Reino Unido y fue parte del Edinburgh Fringe, donde recibió los premios Jacksons Lane y Total Theatre Award para circo.

DIJO LA CRÍTICA “Sorprendentemente divertida. El verdadero éxito de Knot de Nikki and JD reside en la representación sensible de un vínculo humano fuerte y dinámico.” (Eve Ryan - North West End) “Un espectáculo emocionante y entretenido; quizás pionero en un nuevo género: comedia acrobática.” (Dance Tabs) “Knot es un espectáculo hermoso y conmovedor, realizado con una habilidad magnífica y mucho corazón.” (The 730 Review) “Un espectáculo de gran complejidad y destreza acrobática.” (Peter Jacobs - The Review Hub)

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“Gran trabajo, sofisticado, sexy.” (Lynn Gardner - Stage Door)

La carne, la caída

ESPAÑA Teatro - Performance / 45 minutos / +18

De Luz Arcas, Luz Prado y Virginia Rota Martes 10 de marzo a las 20.30 horas Miércoles 11 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Centro Cultural de España en Lima Duración del espectáculo: 45 minutos Público recomendado: mayores de 18 años INGRESO LIBRE

La carne, la caída es una propuesta escénica multidisciplinar, que se aleja de narrativas convencionales y lanza al espectador a una experiencia poética, plástica e intuitiva. En la pieza, los objetos y soportes escénicos (el violín, el video, el cuerpo) son atravesados por lo invisible (la música, la imagen, el movimiento) y agitados hasta la extenuación: un exceso de vida que acaba por agotarlos y devolverlos a lo inerte. La carne, la caída indaga en la fugacidad, en la muerte y la memoria. Los materiales sobre los que trabajamos provienen del folclore de nuestra infancia, las canciones y los miedos que aún nos persiguen. ¿POR QUÉ VERLA? Obra multidisciplinar, concierto en vivo, danza y video, encuentro de tres creadoras españolas, viaje al folclore de la infancia, reflexión intimista sobre la muerte y la memoria, sobre lo invisible y lo innombrable. Se trata de la última producción de Luz Arcas, directora, coreógrafa y bailarina de la reconocida compañía española La Pharmaco, en esta ocasión en un montaje muy cercano al espectador y con una intención sutil e íntima de investigar el movimiento del cuerpo femenino. SOBRE LA DIRECTORA

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Luz Arcas

Funda la compañía La Phármaco en 2009. Es Premio El Ojo Crítico de Danza 2015, Premio Mejor Intérprete Femenina de Danza 2015 en Premios Lorca, Finalista Mejor Intérprete Femenina de Danza en Premios Max 2017, Premio Injuve 2009, Málaga Crea 2009. Entre sus creaciones destacan Kaspar Hauser. El huérfano de Europa (Teatros del Canal, Festival Otoño a Primavera, 2016), Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella (Teatros del Canal, 2017), Una gran emoción política (2018, Teatro Valle Inclán de Madrid, coproducida por el Centro Dramático Nacional), Los hijos más bellos (2018, coproducida por el Ballet de Víctor Ullate / Comunidad de Madrid), Dolorosa (2019, creada para la Compañía Nacional de El Salvador) y el nuevo proyecto Bekristen/Cristianos, una trilogía cuyo primer capítulo, La domesticación, se ha estrenado en noviembre de 2019 en Teatros del Canal de Madrid.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Idea original] Luz Arcas, Luz Prado y Virginia Rota [Dirección escénica, coreografía y baile] Luz Arcas [Espacio sonoro y violín] Luz Prado [Video y fotografía] Virginia Rota [Diseño de iluminación] Jorge Colomer [Diseño gráfico] María Peinado [Community manager] Sofía Manrique [Prensa y comunicación] Cultproject (Elvira Giménez y Ángela de la Torre) [Producción] Gabriel Blanco y Renzo de Marco (Spectare) [Management] Lola Ortiz de Langagorta (New Dance Management) [Presentado por] La Phármaco Coproducida por el Centre Pompidou de Málaga y con el apoyo del Centro de Danza Canal. Espectáculo estrenado en el Centre Pompidou de Málaga el 23 de noviembre de 2019. Esta obra llega gracias a la colaboración del Centro Cultural de España en Lima y Acción Cultural Española y su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE), en su modalidad de movilidad, que facilita que entidades e instituciones culturales extranjeras de referencia, públicas o privadas, cuenten en sus actividades y programas internacionales con la presencia y colaboración de artistas, profesionales o creadores culturales españoles o residentes en España.

También exploran espacios no teatrales, como en Chacona (2015, Centre Pompidou), Embodying what was hidden (2016, King Juan Carlos Centre, NYU), La errancia (2018, Conde Duque, Garden State), o Habitación con mi alma fuera (inspirada en la exposición de Bruce Nauman) y la reciente Y qué más da, todo es gracia (inspirada en la exposición Calder-Picasso), ambas para el Museo Picasso de Málaga. La Phármaco lleva a cabo otro tipo de proyectos artísticos y pedagógicos como el de Mundo y lenguaje (2016, Malabo, Guinea Ecuatorial), Tú que tienes la luz, en la National School of Drama de Nueva Delhi (2016). Su repertorio se ha presentado en diferentes países, acompañado de proyectos docentes en Europa, África, América y Asia.

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Sus trabajos han recibido el apoyo del Centro de Danza Canal, Comunidad de Madrid, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Danza, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, el INAEM, Ministerio de Cultura, Educación y Deportes, Ayuntamiento de Madrid, SGAE, Instituto Cervantes, AECID.

La carta

ITALIA Teatro / 70 minutos / +12 años

De Paolo Nani y Nullo Facchini Sábado 14 de marzo a las 17.00 horas Domingo 15 de marzo a las 17.00 horas Lugar: Teatro del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú Duración del espectáculo: 70 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 12 años

Solo en el escenario, con unos cuantos elementos de utilería y sin decir una palabra, Paolo Nani da vida a 15 escenas hilarantes, basadas en la misma simple historia, pero presentadas en 15 versiones diferentes. La carta es un clásico del teatro gestual, un brillante estudio de estilos, creatividad y ritmo, que se viene presentando desde hace más de 27 años en los cuatro continentes, y continúa atrayendo y divirtiendo a públicos de todas las edades.

¿POR QUÉ VERLA? La carta es hoy un clásico del teatro gestual cómico. SOBRE EL DIRECTOR Paolo Nani Nació en 1956 en Ferrara, Italia, donde en su juventud estudió arte y pintura. Se inicia como actor en 1978 en el colectivo ítalo-argentino Teatro Núcleo. Forma parte del grupo teatral danés Cantabile 2 de 1990 a 1995, cuando funda Paolo Nani Teater. Desde entonces crea una serie de espectáculos que han sido aclamados por la crítica y el público y lo han llevado a posicionarse como uno de los actores más reconocidos del teatro gestual cómico, a nivel internacional. La carta, que tuvo un éxito inusitado en la edición 2019 del famoso Edinburgh Fringe Festival, se ha presentado más de 1.600 veces, en unos 40 países del mundo. SOBRE LA COMPAÑÍA

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Paolo Nani Teater

Tiene su base en la ciudad de Vordingborg, Dinamarca. Desde su fundación en 1995 la compañía ha creado una serie de trabajos propios y ha realizado coproducciones con otras compañías, siendo sus trabajos más destacados los unipersonales La carta (1995), Jekyll & Hyde (2009), Jekyll al hielo (2012) y Pequeñas catástrofes (2014), y la coproducción, con Kristján Ingimarsson Company, El arte de morir (2003). Estos espectáculos forman parte del repertorio de la compañía y se siguen presentando en la actualidad en festivales y espacios teatrales de todo el mundo.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y dirección] Paolo Nani y Nullo Facchini [Concepto y diseño del espacio] Paolo Nani y Nullo Facchini [En escena] Paolo Nani [Producción y organización] Malco Oliveros [Presentado por] Paolo Nani Teater Esta obra llega gracias a la colaboración del Istituto Italiano di Cultura. La carta se ha venido presentando en innumerables festivales y teatros por más de 27 años; alrededor de 1.600 presentaciones en cerca de 40 países del mundo. El espectáculo ha sido invitado repetidas veces a los festivales de teatro gestual más importantes de Europa, como el London Mime Festival (Reino Unido), el Köln Comedy Festival (Alemania), al igual que a otros conocidos festivales como el Avignon Fringe (Francia), CPH-Stage (Dinamarca). Esta obra también ha recibido varios premios: Primer Premio “United Slapstick/The European Comedy Award”, Alemania, 1994; Primer Premio “Roner SurPrize”, Bolzano, Italia, 2005. Premio del Público en el Festival Internacional de Santo André, Portugal, 2016.

DIJO LA CRÍTICA “... uno de los hits de la última edición del London International Mime Festival.” (Evening Standard – Londres, Reino Unido) “Paolo Nani es un virtuoso en su arte.” (Frankfurter Rundschau - Frankfurt, Alemania) “... se termina con dolor al estómago, después de 70 minutos de risa incesante.” (DV - Reykjavik, Islandia) “La carta de Paolo Nani, es un clásico de la comedia.” (Kolnische Rundshau – Colonia, Alemania) “La simplicidad, como en este caso, lleva el sello del ingenio.” (Sylvia Thompson - Irish Times, Irlanda) “La carta posee las virtudes de un espectáculo de culto, sin duda.” (L’Eco di Bergamo – Bergamo, Italia) “La carta es no sólo uno de los espectáculos más divertidos que existen, es también una muestra antológica de comedia, un manifiesto de la risa inteligente.” (La Sicilia - Catania, Italia) “La carta no es un espectáculo común: es una manifestación poderosa del talento, la expresividad, el genio.” (Porsgrunn Dagblad – Noruega) “Tan simple, tan ingenioso... ¡Descaradamente divertido!” (Adressavisen - Trondheim, Noruega)

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“Raras veces he visto un espectáculo cómico tan ingenioso. Nani ofrece una experiencia realmente inolvidable.” (ABC - Madrid, España)

Recordar 30 años para vivir 65 minutos

ARGENTINA Teatro - Performance / 90 minutos / +14 años

De Marina Otero

Miércoles 4 de marzo a las 20.30 horas Jueves 5 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú Duración del espectáculo: 90 minutos Público recomendado: mayores de 14 años. Contiene desnudos

Recordar para vivir es un proyecto de Marina Otero basado en construir una obra inacabable. Una obra en permanente cambio, como la vida. Una vida vivida como el work-in-progress de una obra que la justifica. A medida que la intérprete va creciendo, la obra se transforma en diferentes bocetos-obras. “Ya pasaron diez años y esta obra no me suelta: de pensarla, de ensayarla, de actuarla. Hecha de retazos de mi vida, partes de otra obra vieja, de amores pasados y de cosas que ya maté, es siempre un boceto más de esa otra obra incompleta e interminable que solo acabará cuando me muera. Es así: abro las puertas para mostrar los documentos archivados, los secretos traspapelados, las fotos robadas y mis primeros 30 años reconstruidos. Cada vez que la haga será la primera y la última vez”. (Marina Otero). ¿POR QUÉ VERLA? Marina Otero mezcla las distintas disciplinas de su indómita vocación (teatro-danza-performance) y arma un unipersonal donde desnudarse ella misma, con videos caseros, fotos robadas, proyecciones en vivo, acciones con el público y suicidios ajenos. Más cerca de la autoficción que del biodrama, Recordar 30 años para vivir 65 minutos es una performance donde la identidad entre autor, narrador y protagonista se convierte no en un acto narcisista sino en un sacrificio ofrecido al espectador. Ella se retrata en el momento final de una larga serie de fracasos artísticos, para exorcizar la orfandad existencial. SOBRE LA DIRECTORA

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Marina Otero

Performer, directora escénica, autora y docente. Crea el proyecto Recordar para Vivir, basado en construir una obra inacabable sobre su propia vida. Algunos de sus espectáculos y performances –como Recordar 30 años para vivir 65 minutos, 200 golpes de jamón serrano, Nomofobia y Moneyfest– han sido presentados en Festival Santiago a Mil (Chile); Singapore International Festival of Arts (Singapur); Bosnia & Herzegovina Mess Festival (Sarajevo); FIBA (Buenos Aires); Bienal de Performance (Buenos Aires); y en la Bienal de Arte Joven (Buenos Aires), en la que obtiene el premio a la mejor dirección en danza y una beca para el programa Watch and Talk en el Theatre Spektakel (Zúrich). Ha trabajado como performer con Pablo Rotemberg y Emilio García Wehbi, entre otros.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Idea, dramaturgia, dirección general y performance] Marina Otero [Puesta en escena y codirección] Juan Pablo Gómez [Asistente de dirección] Lucrecia Pierpaoli [Ambientador visual en vivo] Gastón Exequiel Sánchez [Cámara en vivo] Lucio Bazzalo [Arte de documentos recopilados] María Laura Valentini [Diseño de luces] Matías Sendón [Colaboración coreográfica] Marina Quesada [Colaboración en selección de vestuario] Franco La Pietra [Producción] Laura Sol Zaslavsky [Acompañamiento y distribución] Leila Barenboim La obra se ha presentado en Festival Santiago a Mil 2016, Santiago, Chile; Singapore International Festival of Arts 2016, Singapur; MESS Festival 2017, Sarajevo, Bosnia & Herzegovina; Festival de Danza Contemporánea 2016 Buenos Aires, Argentina. Por esta obra, la creadora obtiene la beca Watch and Talk del Theatre Spektakel 2016, Zúrich. La obra mereció el premio a Mejor Dirección en Danza en Bienal de Arte Joven 2015, Buenos Aires, Argentina.

DIJO LA CRÍTICA “Propuesta inclasificable, de energías cambiantes, de momentos de un cuidado visual extremo. Un zurcido caótico, iluminador, volado, reiterativo, asombroso, tierno, hipnótico en su arte y bello en su artesanato, en su manera de desnudar su vida, de desnudar los artilugios escénicos, de desnudarse ella misma. Marina Otero, una artista de enorme talento.” (Alejandro Cruz - Diario La Nación, Argentina) “Un experimento escénico que da cuenta del trabajo de toda una vida. Marina da cuenta de sí misma. Y lo hace desde un cuerpo potente y político que entrega entero para iluminar.” (Laura Rosso - Diario Página 12, Argentina) “Recordar 30 años para vivir 65 minutos es un espectáculo brillante que no resiste clasificaciones. Se vuelve una clase magistral sobre cómo hacer, de la observación y exhibición de la propia vida, una obra de arte. El anti Gran Hermano.” (Analía Melgar - Diario Perfil, Argentina)

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“Además de ser la propuesta más extendida de la cartelera local, es la comedia humana de estos tiempos de individuos indivisos. Uno de esos saltos al vacío que se parecen a la tan temida vida misma.” (Hernán Firpo - Diario Clarín, Argentina)

The Elephant in the Room

FRANCIA Teatro - Circo / 75 minutos / +6 años

De Cirque Le Roux

Martes 3 de marzo a las 20.00 horas Miércoles 4 de marzo a las 20.00 horas Lugar: Gran Teatro Nacional Duración del espectáculo: 75 minutos. Un solo acto Público recomendado: mayores de 6 años

Deliciosamente retro y absolutamente original, Cirque Le Roux se adentra en el neblinoso mundo monocromático de las artes circenses, el cine negro de Hollywood y el teatro físico. Bienvenido a la lujosa finca de Miss Betty, en el otoño de 1937. Atrapada entre su marido desesperado, un torpe asistente y un admirador lujurioso, nuestra anfitriona se escapa de la recepción de su boda a una aislada sala de cigarros. Cigarros, whisky, payasadas y notables acrobacias culminan en una turbulenta intriga amorosa. Escondido entre el ambiente oscuramente decadente, ensombrecido por las disputas y las falsas pretensiones, hay un tema que nadie quiere tocar y que cada vez se hace más evidente. Con The Elephant in the Room, Cirque Le Roux ofrece una dosis de ingenio y excentricidad, combinando perfectamente la narración con acrobacias de alto nivel. Los cuatro artistas perfeccionan todo, desde vestuario hasta escenografía, peligrosos números de circo hasta los misterios del amor, la amistad y las verdades obvias que elegimos ignorar.

¿POR QUÉ VERLA? Una intriga amorosa en los años 30, con aires de cabaret y cine negro, al mejor estilo de Cirque Le Roux, una joven compañía de circo franco-canadiense que viene causando sorpresa a nivel internacional por su lograda técnica y sofisticada estética de montaje. Desde su estreno, The Elephant in the Room ha sido presentada en festivales alrededor del mundo, y ha impactado al público por sus increíbles acrobacias, su humor negro y su inesperado final. Siendo una pieza principalmente física, se sostiene sobre una narrativa mágica y oscura, que eventualmente nos dejará ver al elefante en el cuarto.

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SOBRE LA DIRECTORA

Charlotte Saliou Ha explorado la técnica del clown durante varios años. Comediante, emplea tanto el humor físico como el oral, los cuales se pueden encontrar particularmente en los espectáculos de su propia compañía, Jackie Star & Cie: ElianeS, y Garden Party, de Cie Nº 8. Ha estado dirigiendo espectáculos de circo, cabarets, musicales y teatro visual durante los últimos 15 años, incluyendo más notablemente La Revue des Sea Girls.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia] Lolita Costet, Charlotte Saliou, Grégory Arsenal, Philip Rosenberg y Yannick Thomas [Dirección] Charlotte Saliou [Intérpretes] Konan Larivièr, Coline Mazurek, Craig Gadd y Nael Jammal [Producción] Blue Line [Coproducción] Pôle Cirque Méditerranée (CREAC en Marsella, Théâtre Europe-La Seyne sur Mer). Con el apoyo del Espacio Periférico (Ayuntamiento de París-Parc de la Villette). Espectáculo creado en coproducción con el proyecto de cooperación transfronteriza de los Pirineos de circo–dispositivo Chemins de Création, en el marco de POCTEF. [Presentado por] Cirque Le Roux Esta obra llega gracias a la colaboración de la Embajada de Francia en Lima y de la Embajada de Canadá en Lima. The Elephant in the Room se estrenó en 2015 en Le Crieé, del Teatro Nacional de Marsella, como parte de la bienal internacional Arts Circus Festival. Desde su estreno mundial, The Elephant in the Room se ha presentado en más de diez países, incluidos el Festival Udderbelly en Hong-Kong, el Festival de Invierno de Salzburgo, el Festival de Cirque de Montreal y el Festival Fringe de Edimburg, con entradas agotadas, donde fue nominado para el premio Total Theatre Award.

SOBRE LA COMPAÑÍA Cirque Le Roux Es la unión de cuatro artistas apasionados que desean llevar su visión al mundo de las artes circenses. Philip, Yannick y Gregory estudiaron en la Escuela Nacional de Circo de Montreal, y Lolita en la ESAC-College of Circus Arts en Bruselas. Han viajado por todo el mundo con The 7 Fingers, Circus Monti, Vague du Cirque. Han ganado dos medallas de bronce en el Festival Mondial du Cirque de Demain en París (Francia) y en el Festival Sol y Circo (Alemania). En 2013, los cuatro intérpretes participaron en el elenco original del renacimiento musical de Pippin en Broadway, que recibió cuatro premios Tony, incluido Mejor Renacimiento de un Musical. En enero de 2014 cambian su enfoque hacia la creación de su propia compañía, Cirque Le Roux, siendo su primer espectáculo The Elephant in the Room. DIJO LA CRÍTICA “La amamos apasionadamente.” (Telerama – Francia) “La fusión más completa de teatro narrativo y habilidad de circo de alto vuelo.” (Circus Diaries - Reino Unido) “Lleno de ingenio y elegancia cinética.” (Novinky - República Checa) “Asombroso.” (Le Devoir – Canadá) “Un tour de fuerza.” (The Herald - Reino Unido) “Energizante y emocionante.” (hkELD - Hong Kong)

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“Una obra maestra de suspenso.” (DrehPunktKultur - Austria)

Obras Nacionales

Carguyoq

PERÚ Teatro/ 80 minutos / +14 años

De Lucero Medina Hú

Lunes 9 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico Duración del espectáculo: 80 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Una escritora, un actor y una actriz ensayan una obra relacionada con la violencia política en el Perú. En ella, la hija de un desplazado por la violencia política del Perú de los ochenta, Alba, retorna al pueblo de su padre. Su objetivo es cumplir con la celebración de una fiesta patronal en la que este fue el último carguyoq (o mayordomo de la fiesta, en quechua) antes de migrar a la capital. La obra devela momentos del proceso creativo, memoria personal e investigación de archivo, y los espectadores se vuelven parte de este viaje que explora las fronteras y tensiones entre la ficción y la experiencia de lo real.

¿POR QUÉ VERLA?

SOBRE LA DIRECTORA

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Lucero Medina Hú Dramaturga, directora e investigadora escénica. Miembro de La terminal, colectivo. Magistra en Literatura Hispanoamericana (Pontificia Universidad Católica del Perú) con una línea de investigación en teatro, memoria y archivo. Ha participado en talleres internacionales con Malayerba (Ecuador), los VII y IX Encuentros Hemisféricos de Performance y Política de la Universidad de Nueva York, y los cursos Teatro y memoria y Autoficciones (Universidad del Pacífico y Goethe-Institut Perú). Ha dirigido Son del viento (2004), Diana desempleada (2005), Extraño camino hacia mi voz (2013) y Carguyoq (2018). Ha sido directora asistente de la obra Discurso de promoción (2017) del grupo cultural Yuyachkani y asesora artística de El apellido comienza conmigo, de Chaska Mori (2019). Actualmente es coordinadora de la especialidad de Creación y Producción Escénica de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, equipo creativo del proyecto Penal Ancón II (Pontificia Universidad Católica del Perú), y colaboradora de Yuyachkani.

Porque escenifica momentos de la investigación del proceso creativo y, en paralelo, la ficción producto de dicha investigación, encarnada en una fiesta patronal. Porque actores y espectadores comparten el espacio escénico y, por lo tanto, la relación que se establece es íntima y potente a nivel de estímulos sensoriales como música, olores, sabores, texturas. Porque conecta una historia familiar, desde una mirada femenina urbana que descansa sobre los hombros de una herencia andina, con la memoria social reciente del Perú. Porque posee una narrativa no lineal y al final de la obra se abre un espacio de intimidad con el público, donde se comparte material de archivo sobre el proceso de investigación, lo que genera espacios de diálogo entre artistas y espectadores sobre la necesidad de reconectar con sus raíces a partir de sus memorias personales vinculadas con la migración.

[Concepto, dramaturgia y dirección general] Lucero Medina Hú [Actores] Melvin Quijada, Lucero Medina Hú y Yolanda Rojas [Dirección de arte e iluminación] Julio Beltrán Guerra [Musicalización] Patricia Díaz Murillo [Diseño de espacio sonoro] Abel Castro [Registro audiovisual y fotográfico] Ethel Rossell [Asistencia general] Pilar Durand [Asistencia de producción] Eliezer Hilario [Producción artística] Patricia Díaz Murillo y Julio Beltrán Guerra [Presentado por] La Terminal Colectivo Esta obra nació como parte del curso Teatro y memoria organizado por la Universidad del Pacífico y el GoetheInstitut Perú, y tuvo una primera versión ante el público en el Centro Cultural Cine Olaya, en el año 2016, como parte de la muestra del curso. Se estrenó en noviembre de 2018 en el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico. En mayo de 2019 se repuso por una única función en La Plazuela de las Artes de la Municipalidad Metropolitana de Lima.

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Domingo 8 de marzo a las 17.00 horas

El apellido comienza conmigo

PERÚ Teatro/ 70 minutos / +14 años

De Chaska Mori Miércoles 11 de marzo a las 17.00 horas Jueves 12 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico Duración del espectáculo: 70 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Esta obra tiene una especial relación con lo “documental”. Una documentalista vive una cruda situación que le muestra una cara de su país que desconoce: otras formas de resolver conflictos, de impartir justicia y de conquistar territorios. Decide hacer un trabajo con esto y pasa de ser sujeto a objeto. No obstante, en ese proceso descubre una historia personal que transforma radicalmente el relato que tiene de su familia.

¿POR QUÉ VERLA? Porque nos habla sobre lo más oscuro de la legalidad e ilegalidad del país, en donde todos los participantes son, de alguna manera parte del juego, lo que confronta al espectador respecto de su rol en temas como estos. Porque disecciona el patriarcado trunco, tan común en nuestros países, en que un hombre no asume su paternidad y, sin embargo, lega su apellido, lo que es extrapolable a espacios simbólicos más amplios, como el Estado.

SOBRE LA DIRECTORA Chaska Mori

| OBRAS NACIONALES

Chaska Mori es dramaturga, directora, guionista y productora. Estudió Ciencias Políticas en el Instituto de Estudios Políticos de Grenoble (Francia) y obtuvo un posgrado de la Universidad Católica de Lovaina (Bélgica). Posteriormente se formó en dramaturgia, dirección y actuación en diferentes talleres en el Perú y España. Fue becada por la Casa de América de Madrid para el Curso de Dramaturgia y Dirección de Teatro para profesionales iberoamericanos. En España entró en el mundo audiovisual de la mano de Intermedia Producciones. Participó en varios proyectos documentales y escribió el guion de la película Boliviana, dirigida por Mariano Agudo. Fue coordinadora del proyecto audiovisual “Tebraa, retratos de mujeres saharauis”, en el que participaron 15 mujeres cineastas y en el que dirigió uno de los cortometrajes. A partir de esta experiencia, le surgió la propuesta de coordinar el Festival de Arte y Derechos Humanos del Sahara Occidental “Artifariti”, del que estuvo a cargo en dos ediciones.

De regreso al Perú fundó la productora audiovisual Fílmico, con la que produjo cortometrajes como El poeta en el arca, sobre el poeta Arturo Corcuera, y la más reciente película La búsqueda, premiada en varios festivales. Ha sido coordinadora académica de los cursos de especialización de dramaturgia Teatro y memoria y Autoficciones, del GoetheInstitut Perú y la Universidad del Pacífico, en los que han figurado nombres como Alberto Conejero, María Velasco, Fabio Rubiano, Cris Blanco, Josep María Miró, Miguel Rubio, Hans-Werner Kroësinger, entre otros.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y dirección] Chaska Mori [Dirección adjunta] Steven Buendía [Dramaturgistas] Luisa Pardo y Gabino Rodríguez [Asesoría artística] Lucero Medina Hú [Actriz] Chaska Mori [Realización de videos] Daniel Lagares y Mariano Agudo [Diseño de iluminación y asesor de arte] Julio Beltrán [Diseño de sonido] Juan Leduc [Producción general] Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, Largartijas tiradas al sol y Fílmico [Presentado por] Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, Largartijas tiradas al sol y Fílmico, con el apoyo de Iberescena Proyecto ganador de los Fondos de Ayuda para las Artes Escénicas Iberoamericanas, Iberescena. Se estrenó en agosto de 2019 en el teatro del Centro Cultural de la Universidad del Pacífico. En setiembre de 2019 se presentó en el Centro Cultural de España en Lima y participó en la Semana de Programadores del festival Sala de Parto, también en la ciudad de Lima. La obra ha sido seleccionada para ser parte de la programación del festival de teatro Santiago a Mil 2020, en Santiago de Chile.

El hombre intempestivo

PERÚ Teatro/ 90 minutos / +14 años

De Carlos Gonzales Villanueva

Sábado 7 de marzo a las 17.00 horas Lugar: Teatro de la Universidad de Lima Duración del espectáculo: 90 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Emilio Gutiérrez es un joven común, con una vida pacífica y rutinaria. Un día, mientras camina por la calle leyendo un libro, presencia el suicidio de un hombre. A partir de ese hecho fortuito que lo desconcierta, su universo se divide en dos: por un lado, su personalidad retraída se cuestiona la razón de su existencia; por otro, su mundo interno, contenido por mucho tiempo, se desata por completo. Esta obra gira en torno a los cuestionamientos que un hombre rutinario se hace sobre la muerte. Es una comedia negra que se desliza por todos los géneros, mezclando tiempos y espacios paralelos entre el mundo real, el mundo de la fantasía y el mundo de los miedos. ¿POR QUÉ VERLA? Porque es una obra premiada con el primer puesto en el II Concurso Nacional de Dramaturgia Teatro Lab 2017-2018, el cual enfatiza la búsqueda de nuevos lenguajes. Porque la temática de la obra constituye una crítica aplastante al concepto que se tiene de lo que significan una carrera exitosa y una vida feliz. A través de personajes ambivalentes, con personalidades llevadas al extremo, se representa una estructura social castrante que obliga al ser humano a ser feliz. Porque la obra tiene un formato inclasificable, en el que convergen diversos géneros escénicos; la puesta recurre a la sorpresa, al manejo del absurdo y al humor para establecer una crítica a la sociedad actual. SOBRE EL DIRECTOR David Carrillo En 1988 comenzó con el teatro, a los 11 años de edad. En 1994 eligió a Alberto Isola como su maestro. Hasta hoy ha actuado en 33 obras. En 1998 debutó como director, y ha montado 45 obras hasta la actualidad. En 2002 creó Plan9 junto con Giovanni Ciccia, y ha producido 41 espectáculos en 13 años. Desde el año 2003 tiene su propio taller de formación actoral, del cual han egresado 22 promociones de actrices y actores. En 2018 creó Yestoquelotro Estudio Teatro, sala independiente donde enseñar y hacer teatro.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia] Carlos Gonzales Villanueva [Dirección] David Carrillo [Asistencia de dirección] Eduardo Pinillos [Actores] Giovanni Arce, Pedro Cáceres, Claudio Calmet, Augusto Mazzarelli, Claret Quea y Alejandra Saba [Diseño de escenografía] Marijú Núñez [Realización de escenografía] María Fe Silva [Diseño de vestuario] Carla Núñez [Diseño de iluminación] Cristiano Jara [Fotografía] Pedro Horna y José Guzmán [Diseño gráfico] Miguel Bernal, Diego Gómez y Natali Valverde [Coordinación de comunicación] Diego Gómez [Comunicación audiovisual] Alonso Cosmópolis, Pierre Gallet, Valentín Vergara, Julio Vidal y Marcelo Carrión [Redes sociales] Karin Palomino [Asistente de redes sociales] Kiara Wong [Jefe técnico] Christian Meléndez [Técnico de luces] Cristiano Jara [Técnico de sonido] Osmar Cubillas [Asistencia de producción] Arrigo Vallebuona [Producción Centro Cultural Universidad de Lima] Christel Chuchón y Katy Rodríguez [Producción ejecutiva] Julio Gabriel Paz [Dirección Centro Cultural Universidad de Lima] Alejandra Jáuregui [Producción general] Centro Cultural Universidad de Lima [Presentado por] Centro Cultural de la Universidad de Lima Esta obra fue premiada con el primer puesto en el II Concurso Nacional de Dramaturgia Teatro Lab 2017-2018, organizado por el Centro Cultural de la Universidad de Lima. Es la primera puesta en escena de este texto, que se presenta en el Teatro Ulima del Centro Cultural de la Universidad de Lima desde el 17 de octubre al 2 de diciembre de 2019.

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Viernes 6 de marzo a las 20.30 horas

Este lugar no existe

PERÚ Teatro/ 80 minutos / +14 años

De Alejandra Vieira Aliaga Lunes 9 de marzo a las 20.30 horas Martes 10 de marzo a las 17.00 horas Lugar: Teatro de la Universidad de Lima Duración del espectáculo: 80 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Julia, una joven descendiente de una comunidad amazónica, ha recurrido a la prostitución para sobrevivir, pues su tierra ha sido tomada por la minería ilegal. En su primera noche conoce a Ernesto, un muchacho de Abancay que solo quiere conversar. Ellos se encuentran, allí donde no parece haber nada más que el infierno, y entablan una amistad que los hace cuestionarse si merecen el destino que les ha tocado vivir. En las ficciones existen los finales felices, pero, de esta cruda realidad, ¿será posible escapar? ¿O es que este lugar no existe?

¿POR QUÉ VERLA?

SOBRE LA DIRECTORA

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

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Alejandra Vieira Aliaga

Bachillera en Artes Escénicas y candidata al grado de magíster en Estudios Culturales por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ganó el Premio Nacional Nueva Dramaturgia 2017 del Ministerio de Cultura por su obra Este lugar no existe y una mención honrosa en 2015 por Escondidas. Es egresada del Programa de Dirección Teatral de Aranwa; fue invitada a formar parte de la plataforma para jóvenes artistas del Goethe-Institut Perú; participó en el 5to. Laboratorio Abierto de Yuyachkani y en el Lincoln Center Theater Directors Lab 2018, en Nueva York. Escribió y dirigió La pareja perfecta (2014), que fue seleccionada para el festival Saliendo de la Caja (Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú, 2015), y Me escuchas (2018), por encargo de UNICEF. Coescribió Volver, creación escénica (Asociación de Artistas Aficionados, 2016). Ha dirigido Tu ternura molotov de Gustavo Ott (Teatro Ricardo Blume, 2016). Ha coescrito y dirigido ¿Quieres salir? (La Dramática Rincón Cultural, 2017). Es autora de Lo que nos toca (2019), obra corta dirigida por Denisse Arregui en el Teatro Británico.

Porque posee una construcción dramatúrgica íntima que dialoga con una problemática actual y urgente. Porque intenta visibilizar problemas que existen en el Perú, como son la prostitución de menores, la trata de personas, la minería ilegal, la contaminación de los recursos naturales, la violación de derechos humanos, el desarraigo y la pérdida de identidad cultural. Porque es un intento por acercar al público a estas realidades que viven muchos peruanos y generar preguntas que propicien miradas al respecto.

[Dramaturgia y dirección] Alejandra Vieira Aliaga [Asistencia de dirección] Jhoselyn Bernal [Actores] Irene Eyzaguirre, Yaremís Rebaza y Santiago Torres [Diseño de luces] Víctor Quintanilla [Diseño de sonido y composición musical] Andrea Martínez [Dirección y diseño de arte gráfico] Diego García [Fotografía] Giuseppe Falla [Fotografía de ensayos] Diego Ramos [Fotografía de estreno] Luis Eskenazi [Estrategia de comunicaciones] Jhoselyn Bernal [Producción ejecutiva] Álvaro Pizarro [Producción general] Onírica Teatro Independiente [Presentado por] Onírica Teatro Independiente La obra se estrenó el 8 de agosto de 2019 en la Sala Tovar de Miraflores, Lima. Tiene una temporada programada del 24 de octubre al 15 de diciembre de 2019 en el Teatro Auditorio AFP Integra en el Museo de Arte de Lima.

Hamlet

PERÚ Teatro/ 90 minutos / +12 años

De Chela De Ferrari

Martes 10 de marzo a las 17.00 horas Lugar: Teatro La Plaza Duración del espectáculo: 90 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 12 años

Un grupo de personas con síndrome de Down toma el escenario para compartir sus reflexiones, anhelos y frustraciones a través de una versión recontra libre de Hamlet y tomando como punto de partida la gran pregunta que nos formula frente a la existencia: ¿ser o no ser? ¿Qué implica ser para aquellos que no encuentran espacios donde se les tome en cuenta? Históricamente, las personas con discapacidad intelectual han sido consideradas como una carga, un desecho social. ¿Qué valor y sentido tiene su existencia hoy en un mundo donde la eficiencia, la capacidad de producción y los modelos inalcanzables de consumo y belleza son el paradigma del ser humano? Tradicionalmente, el peso del personaje recae en la figura icónica de un gran actor. Esta versión está compuesta por ocho intérpretes, ocho Hamlets: siete actores con síndrome de Down y una actriz, Cristina, con una discapacidad intelectual. La obra es un tejido entre el texto de Shakespeare y la vida de los actores. “Tomamos prestados de Hamlet las escenas, frases, monólogos y personajes que nos permiten conectarnos con los intereses de los actores. Usamos Hamlet. Y lo hacemos con total libertad”, nos dice Chela De Ferrari, directora y dramaturga de la obra.

SOBRE LA DIRECTORA Chela De Ferrari Es fundadora y directora artística del Teatro La Plaza desde el año 2003. En 2013 creó el festival Sala de Parto, programa dedicado al desarrollo de nueva dramaturgia peruana. Sus últimos montajes son Ricardo III, La cautiva, Mucho ruido por nada, Savia y Hamlet. Sus obras han sido invitadas a diversos festivales, como el Festival Iberoamericano de Bogotá, el Festival de Cádiz, el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), el Festival Cervantino, Santiago a Mil, el Festival de Teatro Iberoamericano, Mirada de São Paulo, el Festival Artes Vivas de Loja, y a una gira por SESC de Sao Paulo.

¿POR QUÉ VERLA? Verán un Hamlet renovado por los nuevos significados que ocho talentosos actores y actrices con síndrome de Down le regalan al texto más prestigioso de la dramaturgia universal. FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y dirección general] Chela De Ferrari [Dirección adjunta y asesoría en dramaturgia] Claudia Tangoa, Jonathan Oliveros y Luis Alberto León [Actores] Octavio Bernaza, Jaime Cruz, Lucas Demarchi, Manuel García, Diana Gutiérrez, Cristina León Barandiarán, Ximena Rodríguez y Álvaro Toledo [Dirección musical y entrenamiento vocal] Alessandra Rodríguez [Coreografías] Mirella Carbone [Visuales] Luis Soldevilla [Diseño de vestuario] Gustavo Valdez [Diseño de luces] Jesús Reyes [Voces en off sepultureros] Ebelin Ortiz y Marcello Rivera [Voz en off de Ian McKellen] Ramsay Ross [Productora ejecutiva y de montaje] Siu Jing Apau [Coordinación de comunicaciones y asistencia de ensayos] Rocío Puelles [Preproducción] Beatriz Ureta y Allyson Espinoza [Producción de mantenimiento] Allyson Espinoza y Nuria Aranibar [Realización de utilería] Trudy Macha [Animaciones] Gonzalo Santa Cruz y Axel Aquino [Postproducción de audio] Alessandra Rodríguez y Juan Carlos Rosales [Asesoría de lenguaje] Fátima Dantas [Jefe técnico] Nelson Morales [Operador de luces] Andrés Nunton [Operador de sonidos] Joshimar Sullón [Operador de video] Dennis Hilario [Tramoya] Stephano Arévalo [Producción general] Teatro La Plaza [Presentado por] Teatro La Plaza

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Lunes 9 de marzo a las 20.30 horas

Hice una obra sobre ti y por fin viniste a verla

PERÚ Teatro/ 60 minutos / +14 años

De Vera Castaño Viernes 6 de marzo a las 17.00 horas Sábado 7 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro La Plaza Duración del espectáculo: 60 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Hice una obra sobre ti y por fin viniste a verla relata el intento de una actriz por poner en escena la vida polémica de un personaje relevante de la política peruana sin su consentimiento, sin imaginar que esa mujer iría a enfrentarla al teatro. El encuentro entre ambas las llevará a replantearse los límites de la libertad de expresión y la representación artística. Se trata de una ficción inspirada en hechos reales.

¿POR QUÉ VERLA?

SOBRE LA DIRECTORA

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Rocío Limo Vélez Directora y dramaturga. Ha ganado la beca “Dinamo 6” (Iberescena), la beca del Programa Internacional de Dramaturgia de The Royal Court Theather de Londres, la Residencia Punto de Encuentro del Teatro la Plaza de Lima y la Residencia Procreació del Centre San Marti de Barcelona. Ha dirigido Nuestra gran aventura en las ciencias y codirige Pacamambo junto a Vera Castaño. Ha escrito Incendio, El canto del monstruo, Casa de naipes, Comer manzanas, Todas las gallinas vuelan.

Porque nace de la genuina pregunta de la dramaturga sobre los límites de la representación, pero en su desarrollo nos plantea diversos cuestionamientos sobre las emociones humanas (el deseo de poder, el amor y la venganza), así como también preguntas sobre temas vigentes en nuestra sociedad: la memoria, la libertad de expresión, la corrupción y la impunidad. Por su originalidad en la construcción de la convención y del universo de la obra. Porque presenta una mirada, desde otro ángulo, de la caída de la dictadura de Fujimori.

[Dramaturgia] Vera Castaño [Dirección] Rocío Limo Vélez [Dirección adjunta] Jussara Sifuentes Bejarano [Actrices] Vera Castaño, Sylvia Majo y Jackie Vásquez [Diseño y realización de sonido] Daniel Cano [Diseño de iluminación] Christian Jara [Diseño y realización de video] Diego Gargurevich [Asesoría de movimiento] Giordani Guerra [Apoyo logístico] Club de Teatro de Lima [Producción ejecutiva] Samantha Terán [Producción general] Tejido Abierto Teatro (Lima)

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[Presentado por] Tejido Abierto Teatro (Lima)

Esta obra se presentó en el año 2018 como un work in progress en la Casita Labcrea, en Jesús María, Lima. Este 2019 fue seleccionada en el Festival ICPNA Cultura; asimismo, se presentó en el Club de Teatro de Lima y en la Sala 1 del Teatro de la Municipalidad de Lima en el marco del programa Martes escénicos.

La terapeuta

PERÚ Teatro/ 72 minutos / +18 años

De Gabriela Yepes

Jueves 12 de marzo a las 17.00 horas Lugar: Teatro del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú Duración del espectáculo: 72 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 18 años

Una abogada experta en derechos humanos, acostumbrada a resolver casos que nadie quiere tomar y que practica yoga en sus ratos libres, recibe un día una propuesta insólita: dictar un taller de yoga a los cinco líderes históricos de Sendero Luminoso y el MRTA (Movimiento Revolucionario Túpac Amaru), presos en el Penal de la Base Naval del Callao (Lima, Perú), uno de los cuales es Abimael Guzmán. La terapeuta acepta, aunque con profunda inquietud. A casi veinte años del fin del conflicto armado interno que vivió el Perú, ¿cómo se hace para mirar al enemigo a los ojos?

¿POR QUÉ VERLA?

SOBRE LA DIRECTORA

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Gabriela Yepes Guionista y directora de cine y teatro. Ha escrito y dirigido la serie La buena tierra para las Naciones Unidas y Televisión Nacional del Perú; los documentales El camino de mi destino para la Fundación Ford y Vivir es una obra maestra, sobre el poeta Jorge Eduardo Eielson; y el cortometraje de ficción Danzak, inspirado en el cuento La agonía de Rasu Ñiti de José María Arguedas. Además, ha tenido a su cargo diversos proyectos audiovisuales para el Estado y algunas ONG. En teatro, ha trabajado como asistente de dirección en Las tres viudas y La odisea (Teatro La Plaza/Los Productores) y como dramaturgista en Camasca (Teatro Británico). Su segunda obra de teatro, La terapeuta, fue ganadora del premio Sala de Parto 2017. Es bachiller en Comunicaciones por la Universidad de Lima y cuenta con una maestría en Dirección y Producción de Cine de la Universidad de Texas en Austin, Estados Unidos. En la actualidad se encuentra escribiendo su primer largometraje.

Porque a pesar de que existe una abundante producción artística que aborda el Conflicto Armado Interno (CAI) sucedido en el Perú, en el debate público este sigue representándose como un enfrentamiento entre dos bandos irreconciliables: victimarios versus víctimas y, en palabras de la directora, el presente exige nuevas historias y nuevos lenguajes para abordar esa dolorosa etapa de nuestro pasado reciente, para empezar a entendernos y a mirarnos como país. Porque el teatro puede ser un espacio de ayuda en la construcción de la memoria –y, por tanto, de la identidad– personal y colectiva, la construcción de la utopía.

[Dramaturgia y dirección] Gabriela Yepes [Asistencia de dirección] Ana Claudia Moca [Actores] Alejandra Guerra y Daniel Willis [Diseño de escenografía] Gabriela Yepes, en colaboración con Luis Alberto León [Diseño de vestuario] Gabriela Yepes [Diseño de iluminación] Jesús Reyes [Diseño de sonido] Daniel Willis [Dirección de movimiento] Patricia Salazar y Angie Ferrero (asesoría en yoga), John Moreno y Andrés Sánchez Peralta (asesoría en capoeira) [Presentado por] Sala de Parto La terapeuta fue desarrollada en el curso de Teatro y memoria organizado por la Universidad del Pacífico y el Goethe-Institut Perú. Una primera versión fue seleccionada por el concurso de dramaturgia Sala de Parto del año 2017. Se hicieron dos lecturas dramatizadas en 2018. En el año 2019, Sala de Parto asumió la producción del montaje, el cual se estrenó el viernes 30 de setiembre en el Teatro de la Alianza Francesa de Miraflores y participó del festival Sala de Parto 2019.

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Miércoles 11 de marzo a las 20.30 horas

Nave

PERÚ Teatro/ 60 minutos / +10 años

De Moyra Silva Viernes 6 de marzo a las 17.00 y 20.30 horas Sábado 7 de marzo a las 17.00 y 20.30 horas Domingo 8 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Centro Cultural Cine Olaya Duración del espectáculo: 60 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 10 años

Nave es una experiencia escénica que explora las relaciones de herencia e identidad a través de la interacción entre espectadores con el espacio, piezas de instalación y guías (actores). La sala de teatro es un lugar de simulación dividido en zonas, donde la audiencia transita espacios íntimos y colectivos. De esta manera, la obra propone un cambio de roles y de percepción sobre lo que puede ser una experiencia teatral para cuestionarnos: ¿cómo los recuerdos nos permiten crear nuestra identidad?, ¿qué nos vincula con nuestra ciudad?

¿POR QUÉ VERLA?

SOBRE LA DIRECTORA

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

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Moyra Silva

Trabaja profesionalmente en el campo de las artes escénicas desde hace diez años en Lima. Se ha desempeñado como actriz y bailarina con Alberto Isola, Nishme Sumar, Jorge Villanueva, Jorge Guerra y Mirella Carbone, y ha sido parte del elenco de La Plaza Joven. Además, ha participado en el extranjero, como performer invitada, en el Festival Tanz im August (2012, Alemania), como directora en FITLA - Festival de Teatro itinerante de Colectivo Ámbar (Costa Rica, 2012; Brasil, 2015; Perú, 2017) y en el Visitors Programme 56. Theatertreffen (2019, Alemania). En paralelo, es cofundadora del colectivo Panparamayo; desarrolló el unipersonal Reflejo animal, basado en laboratorios e intercambios con artistas mujeres; y, actualmente, codirige el colaborativo en red Corpusmedio, con la compositora Adele Fournet (EE. UU.). Se interesa por procesos creativos y el desarrollo dramaturgias expandidas.

Porque es un viaje sensorial, en el que el público transita por un espacio íntimo e intergeneracional. Porque propone un cambio de roles y de percepción sobre lo que puede ser una experiencia teatral y nos sumerge en un ritual contemporáneo. Por el formato multisensorial con que está construida la pieza, que sumerge al espectador y lo interpela en la construcción de su propia identidad.

[Dramaturgia y dirección] Moyra Silva [Asistencia dramatúrgica y de dirección] Mayra Barraza [Actores] Daniel Cano, Adele Fournet y Moyra Silva [Diseño de Arte y Escenografía] Moyra Silva [Composición musical y edición de sonido] Adele Fournet [Fotografía] Gabriela Concha [Edición de video] Gabriela Concha y Adele Fournet [Edición de trailer] Loko Pérez [Animación] Yitzhak Fowks [Técnico de luces] Cristiano Jara [Producción] Ivette Palomino Espectáculo ganador del IV Festival de Teatro del Instituto Cultural Peruano Norteamericano, realizado en enero de 2019 en la sede del ICPNA de Miraflores. Posteriormente fue seleccionado para la programación cultural de los Juegos Panamericanos Lima 2019.

Orlando

PERÚ Teatro/ 90 minutos / +14 años

De Virginia Woolf

Miércoles 11 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Teatro Británico Duración del espectáculo: 90 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

Orlando, basada en la famosa novela homónima de la escritora inglesa Virginia Woolf, y adaptada al teatro por la norteamericana Sarah Ruhl, es la historia de un joven de la nobleza inglesa que viaja a través de cinco siglos. Cumple más de 36 años durante esta peripecia y una mañana, sin previo aviso, amanece transformado en mujer. Este cambio de sexo modifica su porvenir, mas no su esencia. Desde la época isabelina hasta el siglo XX, Orlando nos lleva de la mano por un viaje fantástico donde los convencionalismos se dejan de lado para encontrar que la identidad puede ser mucho más fluida de lo que imaginamos. Es también una reflexión sobre el amor, el paso del tiempo, la historia y la creación literaria. Según Irene Chikiar Bauer, principal biógrafa de Woolf, Orlando es a la vez una biografía imaginaria y un libro que juega con las nociones convencionales de tiempo y de sexualidad. SOBRE LA DIRECTORA Norma Martínez Ha protagonizado más de veinticinco montajes teatrales en Perú, puestos en escena por los mejores directores del medio, entre los que destacan tanto obras contemporáneas como clásicos. Como directora ha montado las obras Marisol de José Rivera y Los monólogos de la vagina de Eve Ensler en Lima, y la obra Bazar de David Planell en Madrid. En 2014 dirigió Vergüenza de Ayad Akhtar en el Teatro La Plaza y fue nominada a los Premios Luces como mejor dirección del año. En 2015, gracias a su trabajo como directora de Stop kiss de Diana Son, producida por el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, volvió a ser nominada a dicho premio. En el año 2017 dirigió Puente de Ximena Basadre en el Teatro Británico y Pulmones de Duncan Macmillan en la Alianza Francesa de Miraflores, obra que se ha presentado en más de 15 escenarios en Lima y provincias. Este éxito fue seguido por Solo cosas geniales, unipersonal del mismo autor, en el cual participa como actriz y codirectora de la mano de Luis Tuesta. Ha sido premiada por el Consejo Británico con una beca para de Dirección Escénica y Dramaturgia en el Royal Court Theatre (Londres, Inglaterra).

¿POR QUÉ VERLA? Porque es un clásico adelantado a su tiempo que persiste gracias a su intensa humanidad y poesía. Porque abarca la temática de identidad, tan prevalente hoy, de una manera positiva, fresca y divertida, y muestra una manera de vivir que celebra el amor, las diferencias y la vida misma. FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [De] Virginia Woolf [Adaptación] Sarah Ruhl [Dirección] Norma Martínez [Asistencia de dirección y técnica] Luis Tuesta [Asistencia de dirección actoral] Dusan Fung [Actores] Fiorella Pennano, Montserrat Brugué, Ebelin Ortiz, Gabriella Paredes, Renato Rueda, Roberto Ruíz y Jordi Vilalta [Diseño de escenografía e iluminación] Mariano Márquez [Diseño de sonido] Rosa María Oliart [Diseño de vestuario] Norma Tolentino [Diseño y realización de accesorios de papel] Eu Tazé [Maquillaje y styling] Nylo Make-up [Realización de elementos escenográficos] Coco Luyo [Jefatura de escena] Fredd Tapia [Tramoya] Jesús Gómez [Luces y sonido] Iván Reyes [Asistencia de producción] Norma Tolentino [Jefatura artística de Teatro] Pamela Alderson [Jefatura administrativa de Teatro] Luzmila Chang [Gerencia cultural] Clemencia Ferreyros [Presentado por] Británico Cultural Esta obra fue presentada en el Teatro Británico del 30 de marzo al 20 de mayo de 2019.

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Martes 10 de marzo a las 20.30 horas

Patrón Leal

PERÚ Teatro/ 165 minutos / +14 años

Versión de El Rey Lear de W. Shakespeare escrita por Alfonso Santistevan Domingo 8 de marzo a las 19.30 horas Lunes 9 de marzo a las 17.00 horas Lugar: Teatro del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú Duración del espectáculo: 165 minutos. Obra en dos actos Público recomendado: mayores de 14 años

La obra transcurre en una hacienda de la sierra del Perú durante la década de 1920, época marcada por profundos cambios sociales y donde los movimientos revolucionarios e indigenistas tuvieron un impacto crucial en el devenir y en la configuración de nuestra sociedad actual. Leal, ya muy viejo, decide dejar la dirección de su hacienda a sus tres hijas con el fin de poder vivir tranquilo sus últimos días; para ello, las somete a prueba para medir su afecto. Sin embargo, se verá amenazado al sentirse absolutamente abandonado. El tiempo le demostrará quiénes realmente le son fieles. SOBRE EL DIRECTOR Jorge Villanueva

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Actor y director egresado del Teatro de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Bachiller en Educación por la Pontificia Universidad Católica del Perú con estudios de composición musical en el Conservatorio Nacional de Música. Actualmente cursa la Maestría en Estudios Culturales en la Escuela de Postgrado de la Pontificia Universidad Católica del Perú y se desempeña como profesor a tiempo completo de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Asimismo, es director y miembro fundador del grupo de teatro Ópalo, su propia compañía de investigación teatral. Ha dirigido montajes como Calígula, El dragón de oro, Las neurosis sexuales de nuestros padres, Casa de perros, Super Popper, Veinte mil páginas, entre otros.

¿POR QUÉ VERLA? Porque mantiene intacto el espíritu de Shakespeare, a la vez que invita a la reflexión sobre nuestro pasado, nuestro presente y lo que arrastramos de uno a otro. Porque habla de temas vigentes en la sociedad peruana contemporánea: la traición, el abuso del poder, la ambición, la desigualdad, el racismo, la solidaridad, entre otros que nos interpelan directamente ante una coyuntura política tan debilitada como la actual. Porque es una oportunidad para revisar el pasado y dejar de repetir modelos que funcionan poco. FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia] Versión de El Rey Lear de W.Shakespeare escrita por Alfonso Santistevan [Dirección] Jorge Villanueva [Asistencia de dirección] Jorge M. Moretti [Apoyo en dirección] Rodrigo Rodríguez [Actores] Luis Peirano, Alfonso Santistevan, Urpi Gibbons, Katiuska Valencia, Karina Jordán, Marcello Rivera, Pold Gastello, Ricardo Velásquez, Carlos Mesta, José Manuel Lázaro, Renato Rueda, Gabriel González, Ricardo Bromley, Klaus Herencia, Gabriel Soto, Jared Portocarrero, Williams Quispe [Composición musical y efectos sonoros] Benjamín Bonilla [Diseño de iluminación] Mario Ráez [Diseño y realización de vestuario] Ramón Velarde [Diseño de escenografía] Stephanie Quintana Brizuela [Tratamiento de escenografía] Sandra Estela [Jefatura de escena] Isis Rojas [Operación de luces y sonido] Christopher Choton y Ari Gume [Asistentes de producción] Ángela Andrea Claros [Producción ejecutiva / de campo] Daniela Mendiola / Yanira Dávila [Coordinación de producción Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú] Paola Terreros [Coordinación de teatro Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú y fotografía] Paola Vera [Producción general / Presentado por] Especialidad de Teatro FARES PUCP y CCPUCP La obra se estrenó en el teatro del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú en setiembre de 2019.

Una breve historia sobre cómo llegamos aquí

PERÚ Teatro/ 53 minutos / +14 años

Creación colectiva

Lunes 9 de marzo a las 17.00 horas Jueves 12 de marzo a las 20.30 horas Viernes 13 de marzo a las 17.00 horas Sábado 14 de marzo a las 20.30 horas Lugar: Auditorio Miraflores Británico Cultural Duración del espectáculo: 53 minutos. Obra en un acto Público recomendado: mayores de 14 años

En un futuro frío y peligroso, dos mujeres emprenden un viaje por diferentes motivos. En él no solo veremos que escasean la comida y el agua, sino también la verdad. Ellas viven iluminadas por sus historias en un mundo hostil en el que está prohibido recordar. Y a pesar de que deben evitar a quienes quieran arrebatarles la memoria, incluso a costa de la vida, ambas construyen una amistad durante su camino. Es probable que sus seres más queridos hayan desaparecido, pero irán a buscarlos hacia la muerte o la verdad.

¿POR QUÉ VERLA?

SOBRE EL DIRECTOR

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Telmo Arévalo Artista escénico, docente y publicista. Tesista de la Maestría en Escritura Creativa por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Estudió en el Conservatorio de Actuación del Británico y ha llevado cursos de dramaturgia con César de María, Mauricio Kartún, Josep María Miró, Dario Facal, Sergi Belbel y Mark Ravenhill; y dirección escénica con Daniel Goldman y Claudio Tolcachir. Es integrante de la Compañía de Teatro Físico. Ha sido asistente de dirección en Los regalos (ganadora del premio del público en el Festival de Erlangen, Alemania, 2016) y en Gnossienne, obra seleccionada por el Festival Temporada Alta 2018, ambas dirigidas por Fernando Castro. Asistió también en Ñaña, dirigida por Claudia Tangoa, obra seleccionada por el FAE Lima en 2018, por el festival Mirada de São Paulo (Brasil), por el Festival Internacional de Santa Cruz (Bolivia) y por Cielos del Infinito de Chile. Asistió en dirección a Nishme Súmar en el montaje de Yerma, del Teatro La Plaza. Ha sido dramaturgo de la obra El anhelo de Juan.

Porque un futuro como el que presenta la obra no es descabellado y nos cuestiona sobre qué estamos haciendo hoy para llegar a ese lugar. Porque no se aborda, con frecuencia, el futuro a través del teatro peruano. Porque intenta construir una historia que permite aproximarse a la memoria desde un imaginario distópico, imágenes que se pasan por alto ya sea por el vértigo de la actualidad, el individualismo extremo o la inconsistencia de la posverdad.

[Dramaturgia] Creación colectiva [Dirección] Telmo Arévalo [Asistente de dirección] Leonardo Valdez [Actrices] Roxana Rodríguez y Carla Valdivia [Dirección de arte] Dania Granda [Diseño de iluminación] Lucho Bagglieto [Diseño gráfico] Paul Pérez [Realización de escenografía] Claudia Castro Gambini [Realización de vestuario] Levi Exaltación [Realización de video] Melanie Morales [Fotografía] Sebastián Rosello [Producción ejecutiva] Benjamín Suárez [Presentado por] Colectivo escénico Las Crías La obra se presentó como un work in progress en febrero de 2019 en El Galpón Espacio. En agosto de 2019 se exhibió en el Club de Teatro de Lima y en Casa Amaru. También se presentó en el Auditorio Miraflores del Británico Cultural en noviembre de 2019.

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Domingo 8 de marzo a las 19.30 horas

Obras Familiares

El viaje de Killa

PERÚ Teatro/ 55 minutos / Apta para toda la familia

Creación colectiva

Sábado 14 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico Santa Anita Sábado 21 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico Pueblo Libre Sábado 21 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico San Miguel Duración del espectáculo: 55 minutos. Obra en un acto Público recomendado: toda la familia INGRESO LIBRE

Killa, una niña muy tímida, quiere ser la primera mujer chasqui del Tahuantinsuyo. Su primer gran reto será enviarle un importante mensaje en forma de canción al inca Huayna Cápac. Durante el viaje, conocerá a distintos personajes que la ayudarán a tomar confianza para cantarle el mensaje al Inca. El viaje de Killa nos habla sobre la amistad, la confianza y la importancia de hacer escuchar nuestra propia voz. ¿POR QUÉ VERLA? Porque es una obra participativa en la que, de manera lúdica, las familias distinguen las diversas tonalidades de voces que existen, como la importancia de la respiración para poder cantar. Y los personajes de El viaje de Killa las ayudan a entender el valor de reconocer su voz y a sí mismas como únicas y especiales. SOBRE EL DIRECTOR Leo Cubas Bachiller en Artes Escénicas y Literatura por la Universidad Científica del Sur. Profesor, director, dramaturgo y poeta. Director de la Asociación Cultural Manada. Ganador en los Juegos Florales de la UCSUR en la categoría poesía en los años 2012 y 2016. Se desempeña como responsable de los contenidos escénicos del Área de Públicos del Gran Teatro Nacional. Como dramaturgo y director, en su haber destacan La obra que nunca pensamos hacer, Encuentro, Casa Blanca, Al por mayor y El viaje. Ha asistido en dirección a Carlos Tolentino en Cruzar la calle de Daniel Amaru Silva, pieza que participó en el Festival Internacional de Teatro Mirada, en Santos, Brasil.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Director] Leo Cubas [Animadores culturales] Diego Huayhualla (Narrador), Rosa Victoria Chauca (Killa), Carolina Nomberto (Anciana y Colibrí) y Daniel Paiba (Puma, Perro Peruano, Serpiente y papá de Killa) [Presentado por] Gran Teatro Nacional Esta es una experiencia que nace en el programa Familias Escénicas, desarrollado por el enfoque Comunidad del Área de Públicos, del Gran Teatro Nacional (GTN). En ella se desarrollan actividades como visitas guiadas y talleres de canto, música y movimiento, de forma gratuita y dirigidos a familias con niñas y niños desde los 6 años de edad. El objetivo principal de este programa es contribuir al fortalecimiento de los lazos familiares a través de la interacción con las artes escénicas.

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Sábado 14 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico Camacho

Pacamambo

PERÚ Teatro/90 minutos / Desde los 6 años

De Wajdi Mouawad Sábado 7 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico San Juan de Lurigancho Sábado 7 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico Los Jardines de San Martín de Porres Sábado 14 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico San Borja Sábado 14 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico Surco Duración del espectáculo: 90 minutos. Obra en un acto Público recomendado: desde los 6 años

Julia, una niña de 10 años, se queda a dormir en casa de su abuela María-María, la noche en la que la Luna llega para llevársela de viaje al país de Pacamambo. Julia está furiosa por perder a su amada abuela, por lo que, junto a su perro Gordo, buscará jugarle una broma a la Muerte para que vuelva y le pueda decir que no tiene derecho a llevarse a las personas que más amamos. ¿POR QUÉ VERLA? La muerte es un tema tabú a pesar de su inexorable certeza. Y se hace más tabú cuando tratamos de explicarla a niñas y niños, olvidando que es en la infancia cuando más protegidos estamos por nuestra imaginación y por el juego. Buscamos que Pacamambo nos haga a nosotros, los adultos, confiar en nuestras niñas y niños, confiar en que sabrán conseguir lo imposible por medio del amor. Así como Julia, una niña que ama profundamente a su abuela, con un amor infalible, y gracias a ese amor transita de la rabia hacia la luz; circulando el duelo con coraje, ilusión, fantasía, y con la esperanza de que al final, cuando se cierren los ojos de su abuela, ella tendrá en los suyos su propia manera de ver el mundo. Un mundo donde la ternura y la empatía nos salvan y acompañan.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia] Wajdi Mouawad [Dirección] Vera Castaño y Rocío Limo [Actores] Sasha Blume, Eduardo Ramos, Mónica Ross y Renato Rueda [Realización de vestuario] Carla Núñez [Musicalización] Daniel Cano y Mauricio Mieses [Diseño de iluminación] Nelson Morales [Producción ejecutiva] Centro Cultural de la Universidad de Lima y La Productora [Presentado por] Tejido Abierto

INGRESO LIBRE

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SOBRE LAS DIRECTORAS

Vera Castaño

Rocío Limo

Directora, actriz y dramaturga. Coescribió, junto a Malcolm Malca, la micropieza Purgatorio, que se presentó en Microteatro Lima y se repuso en el 2019 en el Teatro La Plaza, como parte de un espectáculo de cuatro microobras. Es magíster en Creación Teatral por la Universidad Carlos III de Madrid, autora de Hice una obra sobre ti y por fin viniste a verla. Entre las obras que ha dirigido se encuentran Sueño de una noche de verano de Shakespeare y Heraud, corazón volador de Eduardo Adrianzén y Claudia Sacha. Ha asistido direcciones de Roberto Ángeles, de Gustavo López Infantas y de Nishme Súmar. Además, trabaja como docente en la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP y es directora del Elenco de la Universidad del Pacífico.

Directora, dramaturga y actriz. Ha ganado la beca del Programa Internacional de Dramaturgia de The Royal Court Theater de Londres, la Beca Dinamo 6 de Interdram (Iberescena), la Residencia Punto de Encuentro del Teatro la Plaza de Lima, la Beca Cannes Cinéphiles Découvertes en Francia y la Residencia Procreación del Centre San Martí de Barcelona. Ha dirigido Hice una obra sobre ti y al fin viniste a verla de Vera Castaño y Nuestra gran aventura en las ciencias de Paola Vicente Chocano. Como dramaturga ha escrito Incendio, El canto del monstruo, Casa de naipes y Comer manzanas.

Plop y Wiwi

PERÚ Teatro/ 30 minutos / Niños y niñas de 6 meses a 4 años

De Els Vandell

Sábado 14 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico San Miguel Sábado 21 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico Camacho Sábado 21 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico Santa Anita Duración del espectáculo: 30 minutos. Obra en un acto Público recomendado: niños y niñas de 6 meses a 4 años INGRESO LIBRE

Plop se despierta de una siesta y se encuentra con la pequeña Wiwi, su hermanita, que acaba de llegar a su casa con una maletita llena de sorpresas. Plop se extraña al verla, ¿acaso vendrá desde otro planeta? Plop le da la bienvenida y empiezan a jugar escuchando campanas que cantan, aprendiendo a subir traviesos peldaños para no tener miedo a las alturas y conociendo el universo de cada uno mediante la música que los conecta y les llega directamente al corazón.

¿POR QUÉ VERLA? Plop y Wiwi son exploradores de la luz y la sombra, investigadores del delicado equilibrio en escalones y escaleras; experimentan con sonidos que cuentan historias y aprenden de elementos que flotan, vuelan y caen. Son un par de payasos inocentes que descubren, junto con su audiencia muy joven, que incluso el detalle más insignificante puede transformarse en algo extraordinario.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Concepto, dramaturgia y dirección general] Els Vandell [Actores] Franklin Chávez, Mariana Menacho y Roy Zeballos [Presentado por] Teatro La Plaza

SOBRE LA DIRECTORA Els Vandell Actriz y directora de teatro. Cofundadora del Teatro La Plaza (Lima-Perú) en 2003. Actual directora artística de La Plaza Niños, el área que desde hace 16 años se dedica al desarrollo de teatro para la primera infancia, infancia y juventud. Con estudios profesionales de actuación en el Drama Center de Londres. Llevó una maestría de teatro para niños en la Universidad de Utrecht en Holanda, donde paralelamente trabajó en una compañía de teatro profesional para niños. Como directora, ha dirigido piezas teatrales como Cuatro amigos y un cuento (2005), El círculo de arena (2006-2013), El viaje de Mallki (2007), Cuatro amigos en busca de la chompa perdida (2009), La vida es sueño (2012), Plop & Flyn (2015), La odisea (2016), Plop & Wiwi (2016-2017), Romeo y Julieta (2018).

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Sábado 14 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico Pueblo Libre

Simón el topo

PERÚ Teatro/ 50 minutos / De 5 a 10 años

De Alejandro Clavier Sábado 7 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico San Borja Sábado 7 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico Surco Sábado 14 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Auditorio Británico San Juan de Lurigancho Sábado 14 de marzo a las 16.30 horas Lugar: Auditorio Británico Los Jardines San Martín de Porres Duración del espectáculo: 50 minutos. Obra en un acto Público recomendado: de 5 a 10 años

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INGRESO LIBRE

Simón es un pequeño topo* que tiene gustos diferentes. Por ejemplo, le incomoda salir a cazar lombrices con su papá, pero se siente feliz viendo las figuras alucinantes que pueden formar las nubes o la belleza perfecta de una hoja o una mariposa. Simón se siente triste por no ser como los demás esperan que sea. Pero, a ver, tiene gustos diferentes… ¿Qué hay de malo en eso? Acompaña a Simón en el viaje y dale la seguridad que necesita para convertirse en un héroe.

¿POR QUÉ VERLA? Porque escenifica la temática del descubrimiento de la identidad sexual de una forma conmovedora y sencilla. Además, el empleo de títeres permite generar una empatía más grande con el público infantil, que se siente cercano a los personajes y su historia. SOBRE EL DIRECTOR Alejandro Clavier Director formado entre Caracas y Lima. Actualmente dirige Sala de Parto, programa de dramaturgia del Teatro La Plaza. Entre sus montajes recientes destacan Electra (2019), montaje que cuenta con un elenco de actores venezolanos; San Bartolo (2018), escrita y dirigida con Claudia Tangoa y basada en testimonios de víctimas de Sodalicio de Vida Cristiana; Simón el topo (2016), montaje para toda la familia que espera ser una herramienta para hablar sobre la diversidad sexual con los niños. Este último ha representado a Perú en festivales de teatro en Argentina, Brasil, Chile, Panamá e Irlanda del Norte.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y dirección] Alejandro Clavier [Actores] Dusan Fung, Luccía Méndez, Anaí Padilla, Martín Velásquez [Compañía] Asociación Cultural Drama [Presentado por] Teatro La Plaza *Inspirado en el cuento Simón el topo de Carmen de Manuel.

Sisi y su primer circo

PERÚ Teatro/ 60 minutos / +8 años

De Mateo Chiarella

Domingo 8 de marzo a las 11.30 horas Lugar: Gran Teatro Nacional Duración del espectáculo: 60 minutos. Obra en un acto Público recomendado: desde 8 años

Sisi es una niña de ocho años que tiene como mascota a una perrita llamada Lala. A Sisi y a Lala les encanta el arte, el teatro, la música y la danza. Un día, en su afán por conocer más sobre las distintas disciplinas artísticas, buscan información y descubren el mundo del circo. Sisi y Lala conocerán a muchos amigos que las llevarán por muchas aventuras y retos y descubrimientos sobre qué es el circo y cómo se estructura, para así aprender a apreciarlo y disfrutarlo. SOBRE EL DIRECTOR Mateo Chiarella Nace en Lima en 1978 y se licencia en Comunicaciones con especialidad en Artes Escénicas por la Pontificia Universidad Católica del Perú. En el año 2002 monta su primera pieza profesional, Largo desolato de Václav Havel, con el Teatro de la Universidad Católica (TUC). Posteriormente, invitado por el British Council, sigue un stage de dirección en Buenos Aires con el prestigioso director inglés Declan Donnellan. En 2008 recibe el Premio Iberescena a la dramaturgia, que le permite escribir su obra prima Il Duce, sobre el popular dictador italiano Benito Mussolini, obra que dirige en el Teatro Británico. En 2010 escribe Pequeñas interrupciones y El tramoyista, esta última es una obra breve sobre el dramaturgo sueco August Strindberg. En 2015 escribe tres piezas: 1968. Historias en soul, La última estrella y Búnker, esta última fue ganadora del Premio Luces del diario El Comercio como mejor dramaturgia nacional del 2015.

¿POR QUÉ VERLA? Las aventuras musicales de Sisi y Lala es una serie de obras teatrales familiares que buscan introducir a las familias dentro de las distintas artes que componen el universo de las artes escénicas. Así, durante el 2019 se entrenaron con éxito, en el Gran Teatro Nacional, Sisi y su primer concierto, Sisi y su primera ópera y Sisi y su primer ballet. Escrita y dirigida por el reconocido director Mateo Chiarella, Sisi y su primer circo nos llevará por el universo de la estructura circense: qué es un circo, quiénes intervienen y dónde se originó serán preguntas que tendrán una respuesta lúdica por parte de Sisi y su fiel compañera Lala. FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA [Dramaturgia y dirección general] Mateo Chiarella [Actrices] Patricia Barreto, Cary Rodríguez [Dirección de iluminación] Luis Baglietto [Diseño de vestuario y utilería] Beatriz Chung [Diseño gráfico e ilustración] Daniel Sánchez [Fotografía] Adrián Alcocer [Realización de video] Sebastián Ramírez [Animación de video] Contenedor S.A.C. [Realización de vestuario y utilería] Liz Quispe, Kinshiro Shimura, Claudia Castro [Operación de video] Leonardo Moreno [Operación de sonido de sala] Guillermo Ytozu [Producción general] Gran Teatro Nacional [Producción ejecutiva] Miguel Chivílchez Talledo [Producción de montaje] Milagros Chucos Alarcón [Presentado por] Gran Teatro Nacional

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Sábado 7 de marzo a las 17.30 horas Lugar: Gran Teatro Nacional

Talleres Internacionales

Presentación El Festival de Artes Escénicas de Lima 2020 (FAE) presenta una serie de talleres especializados de artes escénicas con el fin de promover un espacio de fortalecimiento de capacidades, generar espacios de intercambio entre diversos artistas y estimular procesos creativos. Todos los talleres serán de acceso libre. Los interesados deberán postular para acceder a las vacantes. Todos los talleres y las clases se realizarán en las instalaciones del Ministerio de Cultura.

Dinámica de la convocatoria - Todos los interesados deberán ingresar a www.infoartes.pe/talleresfaelima2020 para poder postular en línea. - Los postulantes serán seleccionados por un representante del Ministerio de Cultura y la directora artística del FAE Lima 2020. - La lista de seleccionados se publicará en www.infoartes.pe/talleresfaelima2020 - Los seleccionados recibirán un correo electrónico con los datos de la sala donde se desarrollará el taller.

Pautas para postular - Una persona puede postular a dos talleres como máximo. Si postula a tres talleres, quedará descalificada de participar en cualquiera de ellos. - Los postulantes que sean seleccionados y no asistan quedarán inhabilitados para volver a postular a otra convocatoria semejante organizada por el FAE Lima en su próxima edición. - La clase maestra, a cargo de Jesús Rubio Gamo, solo requiere inscripción. Esto significa que una persona puede postular a dos talleres y además inscribirse en dicha clase.

Compromisos y condiciones de los seleccionados como participantes y observadores - Los talleres empezarán puntualmente. Los participantes y observadores deberán tomar las precauciones del caso y llegar al aula por lo menos 15 minutos antes del inicio del taller. No habrá tiempo de tolerancia para el ingreso. Una vez iniciada la sesión, ya no se podrá ingresar. - Los participantes y observadores deben traer algún refrigerio si lo consideran pertinente. - Los participantes para los talleres que tienen parte práctica deben asistir con ropa de trabajo. - Se recomienda asistir con un cuaderno de apuntes.

Puntos para la postulación en línea - Nombre completo. - DNI. - Resumen profesional (hoja de vida del interesado o del colectivo, de ser el caso). - Motivación para participar en el taller.

Cronograma - Lanzamiento de convocatoria: miércoles 22 de enero - Fecha límite para postular: viernes 7 de febrero - Publicación de resultados en www.infoartes.pe/talleresfaelima2020: viernes 14 de febrero

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- Incluir opciones de asistencia como participante u observador de ser el caso y según el taller.

Taller de inspiración creativa

A cargo de: Paolo Nani País: Italia Fechas: viernes 13 y sábado 14 de marzo Horario: de 10:00 a 13:00 Lugar: Aula 1 de Talleres de Arte – Ministerio de Cultura (ingreso por puerta 1– Avenida Javier Prado) Participantes: Performers escénicos, actores, estudiantes de actuación Capacidad: 15 participantes

Contenido del taller El método único de enseñanza de Paolo Nani tiene como objetivo principal proporcionar a los participantes las herramientas prácticas para la creación de una obra teatral original. Con este fin, les ofrece, por una parte, su visión de los mil espectáculos posibles –los mil estilos y juegos– y, por otra, conduce a los participantes a encontrar su propio camino en la “jungla de la creatividad”, ayudándoles a identificar los tres elementos impalpables, pero fundamentales, para la creación de un espectáculo: el juego dramatúrgico, el pulso y el estilo. Teniendo conciencia de estos tres elementos (siempre y cuando exista un mínimo de talento y base técnica), cualquier puesta en escena será exitosa.

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Sobre Paolo Nani

Paolo Nani (1956) nació en Ferrara, Italia, donde estudió Arte y Pintura. Trabajó desde 1978 a 1990 con la Compañía ítalo-argentina Teatro Núcleo. En 1990 se muda a Dinamarca para trabajar con Teatret Cantabile 2 hasta 1995. En 1992 crea La carta junto con el director Nullo Facchini, y posteriormente, en 1995, funda su propia compañía, realizando a partir de entonces, ya sea como actor o director, una serie de unipersonales, producciones o coproducciones con otros actores, como El arte de morir, con el actor islandés-danés Kristjan Ingimarsson. Paolo se ha presentado repetidas veces en dos de los festivales de la comedia más prestigiosos de Europa: cinco veces en el Köln Comedy Festival y tres veces en el London International Mime Festival. La carta se ha presentado más de 1.200 veces, en 38 países diferentes alrededor del mundo.

Taller de técnicas acrobáticas

A cargo de: Nikki y JD Brousse País: Reino Unido Fecha: sábado 7 de marzo Horario: de 10:00 a 12:00 Lugar: Sala de Coro – Gran Teatro Nacional (ingreso por puerta 7 – Calle Comercio) Participantes: Performers (actores, acróbatas, bailarines) Capacidad: 15 participantes

Contenido del taller El taller ofrece una muestra de técnicas acrobáticas, que incluyen soportes de manos, acrobacias en el piso, saltos de compañeros y ascensos grupales. Habrá un enfoque en equilibrios, elevaciones y “trucos” que los estudiantes pueden explorar para desarrollar habilidades e ideas para secuencias acrobáticas dirigidas a grupos.

Nikki y JD son un dúo acrobático y compañía de circo contemporáneo. Su primera producción, Knot, fue parte del CircusFest 2018 de Londres en The Place, y se presentó en el Festival CIRCa en Auch, Francia, en el programa Circus Evolution en Reino Unido en 2016 y en el 2016 Resolution Festival. Nikki y JD actuaron en la producción, aclamada por la crítica, de Kin en el Roundhouse’s CircusFest 2016, con la compañía de circo Barely Methodical Troupe. Nikki y JD fueron finalistas en la competencia Circus Maximus de 2015 en el Udderbelly, y se les otorgó una asociación financiada única con Déda, Derby, por su trabajo, que combina gags y acrobacias. Han trabajado con los principales directores y coreógrafos, incluidos Ben Duke, Paul Evans y Kate Flatt. Nikki se entrenó durante diez años como gimnasta artística en Washington, EE. UU., y desde entonces ha practicado handbalancing y acrobacias a dúo en el Centro Nacional de Artes Circenses (NCCA). Jean Daniel (JD) Brousse tiene más de siete años de experiencia con compañías como Roundhouse Circus Company y Square Peg Contemporary Circus. Obtuvo la licenciatura (con honores) en Circus Arts en la NCCA.

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Sobre Nikki y JD Brousse

Taller de ficción autobiográfica

A cargo de: Marina Otero País: Argentina Fechas: jueves 05 y viernes 06 de marzo Horario: de 11:00 a 14:00 Lugar: Aula 1 de Talleres de Arte – Ministerio de Cultura (ingreso por puerta 1 – Avenida Javier Prado) Participantes: Artistas escénicos con experiencia previa en danza, actuación o dramaturgia Capacidad: 15 participantes

Contenido del taller Es un taller que propone investigar las posibilidades de construir ficción a partir de elementos autobiográficos (historias, obsesiones, documentos, secretos, recuerdos). Se trabaja a partir de la experiencia, la investigación y la improvisación desde el lenguaje físico y la escritura. Tiene el objetivo de investigar hacia adentro, para construir una poética personal: los múltiples “yoes” como objeto de investigación; explorar los límites que se establecen entre la realidad y la ficción, entre la performance y el teatro, el movimiento y la palabra, lo visible y lo invisible, lo propio y lo ajeno, la intimidad y la exposición, la fragilidad y la potencia, el imaginario y el recuerdo, lo “verdadero” y lo “falso”. El cuerpo como obra y destino, la obra como búsqueda infinita y la forma escénica específica como objeto de comunicación.

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Sobre Marina Otero

Performer, directora, autora y docente. Comenzó su formación en Arte XXI; obtuvo la licenciatura en Composición Coreográfica con mención en Danza Teatro en la UNA. Creó, dirigió e interpretó la obra Recordar 30 años para vivir 65 minutos, con la cual participó en Festival Santiago a Mil, Singapore International Festival of Arts y en la Bienal de Arte Joven Buenos Aires, donde obtuvo el premio a Mejor Dirección en Danza y una beca para el programa Watch and Talk en el Theatre Spektakel (Zúrich). Dirigió Moneyfest (2017) en el marco del Antihomenaje Dadá, Bienal de Performance. Dirigió Bayonesa (2016), Andrea (2012) y Persona (2011). Trabajó como intérprete y asistente coreográfica en La idea fija de Pablo Rotemberg. Realizó asistencia en el workshop de Marina Abramovic durante la Bienal de Performance 2015. Integró la Compañía de Danza Contemporánea de la UNA, dirigida por Roxana Grinstein.

Taller el sonido y el adentro

A cargo de: Trinidad Piriz y Daniel Marabolí País: Chile Fechas: viernes 13 y sábado 14 de marzo Horario: de 10:00 a 13:00 Lugar: Sala Mochica, sede central del Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja) Participantes: actrices y actores con experiencia previa Capacidad: 15 participantes

Contenido del taller El taller se dividirá en tres etapas creativas, cada una de ellas con una temática específica a estudiar e investigar. En la primera etapa se revisará de manera teórica lo que se comprende como autoficción, para luego indagar en nuestra biografía y encontrar una experiencia específica que se quiera trabajar. Luego se transformará el material seleccionado en un relato. En la segunda etapa se verán las formas de narrar, con especial atención en la respiración, entonación, coloratura y ritmo, para comprender la composición rítmica de un relato. En la tercera etapa se sonorizará y escenificará el relato, concediendo especial atención a los aspectos técnicos del sonido, la microfonía, atmósfera y diseño sonoro. Al término del taller, cada participante hará una presentación.

Licenciada en Actuación por la Universidad Finis Terrae y máster en Performance Making en Goldsmiths University, Londres, Inglaterra. Obtuvo la Beca Presidente de la República para obtener un máster en Performance Making, realizando las performances teatrales Home, Asamblea y Mi fa mi la (Fondart 2010). En el año 2011 hizo dos residencias creativas: en Watermill Centre de Robert Wilson, junto a Manuela Infante, y en NadaLokal, Viena. Ha trabajado en diversas instituciones, tales como la Universidad de Chile, la Universidad Católica y la Universidad Finis Terrae.

Sobre Daniel Marabolí Estudió Actuación Teatral en la Universidad de Chile y es licenciado en Artes Escénicas por la Universidad Mayor. De 2001 a la fecha ha compuesto el universo sonoro de más de 60 montajes de la escena chilena, trabajando con directores como Manuela Infante, Rodrigo Pérez, Néstor Cantillana, Alexis Moreno, Ana Luz Ormazábal, entre otros. Ha desarrollado metodologías de creación escénica que se fundan en los mecanismos sonoros y musicales: Osama (2009), Everest (2012), El lugar común (2014) y Escuadrón Remix (2015); además de generar su más importante alianza creativa junto a la artista Trinidad Piriz: Helen Brown (2012), Teatronacional (2013) e Ithaca (2015).

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Sobre Trinidad Piriz

Clase maestra a cargo de Jesús Rubio Gamo

A cargo de: Jesús Rubio Gamo País: España Fechas: sábado 14 de marzo Horario: de 11:00 a 13:00 Lugar: Sala Nasca, sede central del Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465, San Borja) Participantes: Dramaturgos y directores de teatro, actores, bailarines, estudiantes Capacidad: hasta 200 participantes

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Sobre Jesús Rubio Gamo

Nació en Madrid en 1982. Es un bailarín, coreógrafo y escritor independiente que lleva produciendo sus propias creaciones desde 2008. Ha estudiado ballet clásico y danza contemporánea en Madrid y Londres. Obtuvo su título de estudios superiores en la RESAD; ha recibido una beca MAE-AECID para desarrollar un máster en Coreografía en la London Contemporary Dance School (The Place), que concluyó con el grado de distinción; y ha cursado los estudios de maestría en Práctica Escénica y Cultura Visual por la UAH, en colaboración con el Museo Nacional de Arte Reina Sofía. Sus piezas se han mostrado en festivales como Chantiers d’Europe, Théâtre de la Ville de París; Red Nacional de Danza de Suecia; Escena Contemporánea (Madrid); Danza a Escena (Red Nacional de Teatros de España); Festival de Artes Escénicas de Lima; Les Plateaux (La Briqueterie, París); ARC for Dance (Atenas); Greenwich and Docklands International Festival, de Londres; Birmingham International Dance Festival o Festival RomaEuropa. También ha presentado trabajos en museos como el Artium (Vitoria), CA2M (Madrid), Museo Pablo Serrano (Zaragoza) y Museo de Bellas Artes de Bilbao. Ha sido artista en residencia en centros como los Teatros del Canal y La Casa Encendida en Madrid, La Caldera en Barcelona, The Place en Londres, el Ballet Biarritz y Dantzagunea (a través del programa Aterpean) y el Mediterranean Dance Centre en Croacia. Jesús compagina su labor artística con la pedagogía (ha impartido clases regulares y talleres en centros como el Estudio de Danza Carmen Senra, la Universidad de Roehampton de Londres, la Universidad Europea y el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid). Además, colaboró durante una década con la revista británica Dance Europe como escritor y traductor. Jesús Rubio Gamo fue seleccionado dos años consecutivos (2017 y 2018) por la Red de Danza Aerowaves como uno de los veinte coreógrafos jóvenes más destacados del panorama europeo actual.

Actividades Paralelas

Mesas de diálogo

INGRESO LIBRE

Las mesas de diálogo son espacios de encuentro entre creadores y creadoras nacionales e internacionales, en las que se conversará de manera informal alrededor de una temática compartida por los participantes. Ingreso por orden de llegada desde las 16.45 horas.

¿Y A QUIÉN LE IMPORTA? Autoficción – documental – ficción Sobre la pregunta: ¿Qué es lo que hace que una experiencia individual se convierta en material de ficción? Revisión del teatro documental, testimonial y de autoficción, su espacio en el ámbito de lo postaristotélico y sus pros y contras en la práctica. Participantes: JD Broussé (Reino Unido), Lucero Medina Hú (Perú), Chaska Mori (Perú), Nikki Rummer (Reino Unido) y Moyra Silva (Perú) Moderador: Ernesto Barraza (Perú) Fecha y hora: 5 de marzo / 17.00 horas Lugar: Británico Cultural

TEATRO LATINOAMERICANO Memoria y horizonte Esta mesa busca hacer un panorama del teatro en Latinoamérica de los últimos 30 años, revisar cuáles han sido las tendencias, los temas y los lenguajes; y a partir del presente proyectarnos a pensar en lo que va a (o podría) pasar en los siguientes 30 años en la región. Participantes: Vivian Martínez (Casa de las Américas - Cuba), Hugo Navarro (Matucana100 - Chile) y Miguel Rubio (Yuyachkani - Perú) Moderadora: Mariana de Althaus (Perú) Fecha y hora: 9 de marzo / 17.00 horas Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico

DOLORES COMPARTIDOS Violencia e historia nacional Los hechos violentos que se vuelven un evento histórico y la razón por la que los traemos a escena. Cuáles son las razones para representar un trauma comunal/compartido y qué tan importante es la exposición de dicho trauma para la sanación del mismo. Participantes: Vera Castaño (Perú), Rocío Limo Vélez (Perú), Daniel Marabolí (Chile), Trinidad Piriz (Chile), Johan Velandia (Colombia), Gabriela Yepes (Perú) Moderadora: Nani Pease (Perú) Fecha y hora: 14 de marzo / 17.00 horas Lugar: Teatro La Plaza

Música

INGRESO LIBRE

| ACTIVIDADES PARALELAS

AFUERA FEST

Llegó la segunda edición del Afuera Fest, festival de música para jóvenes en la terraza exterior del Gran Teatro Nacional. Esta vez bandas de distintos géneros musicales no solo nos deleitarán con su repertorio, sino que innovarán tocando con una pieza clásica con arreglos muy a su estilo.

Gran Teatro Nacional / 19.00 horas 5 de marzo: Colectivo Circo Band 12 de marzo: Cumbia All Stars Ingreso previa inscripción en el link publicado en las redes sociales y página web del Gran Teatro Nacional. Más información: www.granteatronacional.pe/noticia/como-participar-del-afuera-fest

FUSIONES AL AIRE Disfruta el concierto didáctico de Hit La Rosa, banda peruana que parte de la fusión de la cumbia psicodélica con géneros como ska, salsa y reggae. Su música es la asimilación de matices peruanos donde convergen folclor, modernidad y psicodelia.

Centro Cultural de España en Lima / 20.00 horas 6 de marzo: Hit La Rosa Ingreso libre por orden de llegada.

MÚSICA EN LA PLAZUELA Plazuela de las Artes (al lado del Teatro Municipal de Lima) / 19.30 horas (mayores de 11 años) 6 de marzo: María Criolla 13 de marzo: Magenta Ingreso libre por orden de llegada. Las puertas se abren a las 18.30 horas. María Criolla

María Criolla es un espectáculo de música y danza que destaca la participación de la mujer creadora de arte dentro de la cultura criolla y que, demostrando coraje y valor, rompe con las limitaciones que se le presentan en la vida cotidiana. De esta manera, se les rinde homenaje por su gran aporte musical y poético a compositoras como Chabuca Granda, Amparo Baluarte, Ana Renner, Leonor García, Carmen Flores, Serafina Quinteras, Victoria Santa Cruz, Lourdes Carhuas, Olga Milla y Patricia Saravia.

Magenta

A mediados del 2017 se formaliza una idea que ya venía cocinándose dentro de la Escuela de Música de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde se conocieron sus cuatro integrantes: Federico La Hoz (guitarra), Fabiana Cárdenas (bajo), Mauricio Espinoza (batería) y Fabio Reyes (voz y guitarra). Es así como nace Magenta, proyecto en el que confluyen algunas de sus influencias, y es así que géneros como el rock, el jazz, el funk, y los ritmos afroperuanos terminan encontrándose, y acompañando de una manera muy sutil a letras que se alimentan de la poesía.

Cine

INGRESO LIBRE

CINE EN LA PLAZUELA Plazuela de las Artes (al lado del Teatro Municipal de Lima) / 19.30 horas (mayores de 14 años) 5 de marzo: Brujas Dirección: Carmen Rojas Gamarra 2017. Perú. 50 minutos

12 de marzo: Todos somos estrellas Dirección: Patricia Wiesse Risso 2017. Perú. 80 minutos “Han pasado cinco años desde la muerte de su hermano y Felipe recién se anima a destapar la caja de Pandora”. Así empieza este relato íntimo de un hombre completamente desencantado que vive encerrado en un garaje entre recuerdos sombríos y el fantasma de la culpa, aunque su parálisis es mucho más antigua: se relaciona con su carrera cinematográfica, con la quiebra de su empresa de cine, con su desilusión política, con el fracaso de su generación por frenar la violencia en el país y con su orientación sexual. Ingreso libre por orden de llegada. Las puertas se abren a las 1 8.30 horas.

| ACTIVIDADES PARALELAS

Brujas es un documental musical sobre Riot Grrrl y feminismos en Madrid desde géneros como el punk rock y el hardcore que, históricamente, han sido dominados por hombres. Este documental expone y reflexiona sobre cómo estas bandas viven y entienden el feminismo, sobre la escena de punk feminista que visibiliza a las mujeres y cuestiona su falta de representación en los escenarios.

TEATRO EN EL CINE Centro Cultural de España en Lima / 19.00 horas 12 de marzo: La novia

Dirección: Paula Ortiz 2015. España. 93 minutos Se trata de una adaptación de Bodas de sangre, de Lorca. Desde pequeños, Leonardo, el novio y la novia han formado un triángulo inseparable, pero, cuando se acerca la fecha de la boda, las cosas se complican porque entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que amistad. La creciente tensión entre ambos es como un hilo invisible que no se puede explicar, pero tampoco romper.

13 de marzo: Angélica [Una tragedia] Dirección: Manuel Fernández-Valdés 2016. España. 83 minutos

Angélica [una tragedia] es una película sobre una devota del arte y la agitada relación entre la creación y la vida. Ingreso libre por orden de llegada. Las puertas se abren quince minutos antes de la función.

Centro Cultural de la PUCP / 16.00 horas 14 de marzo: Yuli

Dirección: Icíar Bollaín 2018. España. 109 minutos Este filme es un viaje temporal a través de la vida del bailarín cubano Carlos Acosta, leyenda de la danza y primer bailarín negro en interpretar algunos de los papeles más famosos del ballet (originariamente escritos para blancos) en compañías como el Houston Ballet o Royal Ballet de Londres, donde ha sido primer bailarín durante más de 15 años. Cuenta desde su dura infancia hasta su madurez, etapa que será protagonizada por el propio bailarín, quien, pese a su éxito y reconocimiento internacional, nunca olvidó sus orígenes. Ingreso libre a partir de las 14.00 horas. Se entregarán entradas no numeradas. Las puertas de la sala se abrirán quince minutos antes del comienzo de la función.

Mercado Encuentro de programadores y compañías Espacio de encuentro entre programadores y compañías nacionales en el que se generan breves conversaciones de presentación de las obras/proyectos con expectativas de internacionalización. Fecha: Miércoles 11 de marzo Hora: De 10.00 a 13.00 horas Lugar: Centro Cultural PUCP

Residencia | ACTIVIDADES PARALELAS

Seminario de danza: Ejercicio rítmico de Lima

Seminario teórico y práctico de danza a cargo de Claudia Castellucci. Culminará con el montaje All’inizio della città di Roma. Fecha: Del 20 de febrero al 3 de marzo Hora: De 10.00 a 18.00 horas Lugar: Instituto Italiano di Cultura

En alianza con:

Instituciones asociadas:

Patrocinadores:

| FAE LIMA 2020

Auspiciadores:

2020 FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS DE LIMA

Las instituciones organizadoras convocaron y asumieron, a través de sus representantes, los cargos indicados a continuación: Directora Artística: Vanessa Vizcarra Producción general: Roxana Araoz, Fabiola Castro Fernández Coordinación de comunicaciones: Matías Mancuso, Katy Rodríguez Prensa: Ketty Cadillo Gestión de redes: Sofía Lazarte Fotografía afiche: José Guzmán Spot oficial: Alonso Cosmópolis, Pierre G. Llanos, Valentín Vergara Diseño gráfico: Miguel Bernal, Valeria Ilaquita, Diego Gómez Diseño web: Diego Gómez Producción y realización audiovisual: Centro Cultural de la Universidad de Lima Registro de foto y video: Cadáver Exquisito Coordinación de hospitality: Verónika Morales, Paola Vera Coordinación técnica: Pamela Alderson, Lucho Tuesta Coordinación administrativa: Alexandra Araujo-Álvarez, Roxana Rodríguez Coordinación de showcase: Miguel Chivilchez Coordinación de producción: Monserrat Gómez de la Torre Asistente de producción: Nataly Reátegui Coordinación de talleres: Luciana Calvimontes Producción de talleres: Tania Larrea, Yuriko Tanaka Gestión de patrocinios: Karen Tennison Coordinación de programadores: Lourdes Saenz Comité directivo: Chela De Ferrari, Clemencia Ferreyros, Alejandra Jáuregui, Carlos La Rosa, Sergio Llusera, Marco Mühletaler, Mauricio Salas Dirección ejecutiva FAE Lima edición 2020: Clemencia Ferreyros y todos los equipos de las organizaciones participantes, a quienes agradecemos su valiosa colaboración para la realización de esta edición del festival.

Británico Cultural Gerencia Cultural: Clemencia Ferreyros / Gestión administrativa cultural: Daniela Vidal / Jefatura administrativa de teatro: Luzmila Chang / Jefatura artística de teatro: Pamela Alderson / Asistencia de producción: Norma Tolentino / Jefatura de escena: Fredd Tapia / Tramoya: Jesús Gómez / Operación de cabina de teatro: Iván Reyes / Jefatura de auditorio de Miraflores: Luisa Fernanda Puerta / Asistencia de auditorio de Miraflores: Noelia Crispín / Operación de cabina de auditorio de Miraflores: Eduardo Ortega / Jefatura de Marketing Cultural: Karen Gotuzzo AUDITORIOS BRITÁNICO Jefe: Mini de la Cuba / Asistentes de Producción: Karina Zapata, Angélica Sotomayor, Shirley Paucara, Isaura Díaz / Operador de Cabina: Luis Paucar, Javier Antón, José Molero, Giancarlo Villalba

EQUIPO

Centro Cultural PUCP Dirección: Marco Mühletaler / Gerencia administrativa: Sussy Pozo / Coordinación de teatro: Paola Vera / Coordinación de comunicaciones: Gabriela Zenteno / Coordinación técnica: Juan Escudero / Asistencia de comunicaciones: Pamela Puglianini / Producción ejecutiva de teatro: Yanira Dávila / Diseño gráfico: María del Carmen “Peque” Ortíz / Community manager: Víctor Arias / Oficina de contabilidad: Pedro Rosales, Patricia Mejía, Fernando Gutiérrez / Operación de luces y sonido: Christopher Choton, Ari Escobar / Maestranza: Paulino Quispe, Alex Sermeño

Centro Cultural Universidad de Lima Dirección: Alejandra Jáuregui Rincón / Producción: Christel Chuchón León, Julio Gabriel Paz Pinatte, Katy Rodríguez Koecklin / Asistentes de producción del CCUL: Adrian Aguayo, Diego Delgado, Gustavo Sinche / Coordinación de contenidos: Diego Gómez / Contenido audiovisual: Alonso Cosmópolis, Pierre G. Llanos, Valentín Vergara / Diseño gráfico: Miguel Bernal, Diego Gómez / Fotografía: José Guzmán / Community manager: Karin Palomino / Asistentes creativos: Marcelo Carrión, Natali Valverde, Julio Vidal, Kiara Wong / Programación web: Dirección de Informática, Sistemas-Universidad de Lima, IT Lab-Universidad de Lima / Publicidad y prensa: Dirección de Imagen Institucional de la Universidad de Lima / Jefe técnico: Christian Meléndez Paredes / Técnico de luces: Cristiano Jara Salazar / Técnico de sonido: Osmar Cubillas Pacheco / Gestores de sala: Adrian Aguayo, Diego Delgado, Jorge Guevara, Nicole Sánchez, Natali Valverde

Centro Cultural Universidad del Pacífico Dirección: Sergio Llusera / Producción artística: Matías Mancuso / Jefatura de escena y asistencia de producción: Walter Vásquez / Jefatura de cabina, operación de luces, sonido y video: Julio Beltrán / Jefatura de sala: Augusto Gutiérrez / Redes y comunicaciones: Valeria Ilaquita / Asistencia en artes visuales y eventos: Josefa Mora / Asistencia administrativa: Vanessa Kuffo, Paulo Cárdenas / Coordinación administrativa: Paola Rojas

Gran Teatro Nacional MINISTERIO DE CULTURA Ministra de Cultura: Sonia Guillén Oneeglio / Viceministra de Patrimonio Cultural e Industrias Culturales: Maria Elena Córdova Burga / Director General de Industrias Culturales y Artes: Félix Lossio Chávez GRAN TEATRO NACIONAL

ASESORÍA LEGAL Carolina Cortés

| FAE LIMA 2020

COORDINACIÓN GENERAL Y PROGRAMACIÓN Dirección: Mauricio Salas Torreblanca / Asistente de Programación: Santiago Caballero / Asistente: Mariela Ramos

PRODUCCIÓN Internacional: Paula Wilson Mazuré / Nacional: Fernando Urcia / Programas Bicentenario: Miguel Chivilchez / Asistente: Milagros Chucos Alarcón PÚBLICOS Coordinación: Melissa Giorgio / Educación: Mayra Delgado Valqui / Comunidad: Claudia Manrique / Contenidos Escénicos: Leo Cubas / Material Didáctico: Sandra Rospigliosi / Animadores Culturales: Carolina Nomberto, Daniel Paiba, Eduardo Arévalo, Johan Escalante, Lenybeth Luna Victoria, Lola Santillana, Luis Miguel Yovera, Priscila Arévalo, Rosa Victoria Chauca y Sergio Cano COMUNICACIONES Coordinación: Vasco Nuñez Cuba / Contenido Visual: Adrián Alcocer Mendoza / Prensa: Luiggi Calderón Chávez / Diseño Gráfico: Daniel Sánchez Torres / Redes Sociales: Gabriela Aguayo Bolaños / Audiovisual: Felipe Márquez SALA Jefatura: Paula Wilson Mazuré / Asistente: Estefany García ESCENA Alfredo Cueva ILUMINACIÓN Y MECÁNICA TEATRAL Jefatura: Guillermo Vásquez Flores / Equipo: Luis Baglietto, Carlos Tasayco, Daniel Moreno, Omar Carrasco, Marlon Franco, Jorge Dutzan, Javier Díaz, Francisco Díaz, Diego Clavijo ACÚSTICAS, ELECTROACÚSTICAS Y VIDEO Jefatura: Claudio Orlandini / Equipo: Jorge Torres, Félix Borrell, Sandro Velásquez, Guillermo Ytozu, Cristina Vitor, Luis Bolaños, Jimmy De La Cruz, Arturo Saldaña, Aiki Ishii ADMINISTRACIÓN Coordinación: Wendy Gutierrez / Asistentes: Zoila Linares, Franz Gonzales, Francisco Manrique, Karla Palomares SOPORTE DE GESTIÓN Coordinación: Gonzalo Duffaut Espinosa / Mantenimiento: Tito Vargas Ccapcha, Jorge Castro, Hugo Ruíz, Ronny Álvarez, Álvaro Casimiro, Diego Sairitupac / Prevención: Susana Condori, Manuel Ascue, Braulio Casas SEGURIDAD Seguridad Física: Carlos Sánchez / Seguridad Electrónica: Víctor Valiente / Centro de Control: Carlos Ipanaque, Raúl Sandoval, Vladimir Ramírez, Álvaro Badillo, Carlos Respaldiza

Teatro La Plaza Producción ejecutiva: Natalia Urrutia / Producción FAE: Jane Yogi / Jefe técnico: Nelson Morales / Diseñador de iluminación: Jesús Reyes / Operador de iluminación: Andrés Nunton / Operador de sonido: Jhosimar Sullón / Administradora de sala: Patricia Jaime / Mantenimiento de sala: Abel Loli Dirección artística: Chela De Ferrari / Gerencia general: Alexandra Araujo-Alvarez / Jefe de Marketing: Grazia Rojas / Coordinador de marketing digital: Dante Rossi / Diseño Gráfico: Alexandro Valcarcel, Anthony Casapino / Jefe comercial: Diego Huamán / Analista comercial: Omaida Ruiz / Directora de Circulación: Roxana Rodríguez / Relaciones corporativas: Patricia Romero / Prensa: Círculo Hub / Jefe de Administración y Tesorería: Rosa Zegarra / Planillas: Carlos Cumpa / Asistente de Administración: Carla Urco / Asistente de Tesorería: Richard Aliaga / Analista de presupuestos: Marco Carpio

EQUIPO

Centro Cultural de España en Lima Director: David Ruiz López-Prisuelos / Secretaria de dirección: Miryam del Hierro Baca / Administrador: Pablo Dávila Torres / Asistente de dirección: Carlos Lomparte Montoya / Web y gestión cultural: Ivette Zuazo Delgado / Gestión de Artes Escénicas: Fernanda Adrianzén Ponce / Comunicación y prensa: Miguel Ángel Bazán Neira / Redes sociales: Claudia Durango / Diseño gráfico: Begoña Morales / Foto y video: Steven Sandoval / Jefe técnico de auditorio: Wilvert Mendoza Valverde / Asistente técnico de auditorio: Juan Alfredo Chumpitaz Ramos / Atención al público: Pier Carretero

Teatro Municipal de Lima Alcalde de la Municipalidad Metropolitana de Lima: Jorge Muñoz Wells / Gerente de Cultura: Luz Fabiola Figueroa Cárdenas / SubGerente de Artes Escénicas e Industrias Culturales: Bruno Ceccarelli Lombardi / Coordinador de Artes Escénicas: Alejandro Larco Drouilly / Asistente de Coordinación de Artes Escénicas: Alonso Arauco Reátegui / Coordinadora de Industrias Culturales: Cintya Amez Vargas / Asistente de la Subgerencia de Artes Escénicas e Industrias Culturales: Lourdes Sáenz Luyo / Administrador Teatro Municipal de Lima: José Luis Inoñán Gutiérrez / Asistente de Adm. TML: Julio Nuñez Cuba  / Secretaria de Adm. TML: Martha Asencios Cuenca / Coordinador Técnico: Alfredo Aybar Conislla / Coordinador de Mantenimiento: Wen Córdova Félix Díaz / Supervisor de Seguridad: Gustavo Espinoza Airampo / Jefe de Sala: Sarah Celis Aldave / Técnicos de Luces: Jesús Chuquichaico, Oscar Ávila, David Molina, Ricardo Sánchez, Ricardo Gutiérrez / Técnicos de Sonido: Héctor Osorio, Adriel Chávez, Josué Bolívar, Abdón Asencios, Wilmer Vilca / Técnicos de Tramoya: Gerónimo López, Juan Sandoval, José Loyola, Pither Azaña / Técnico de Video: Hugo Palomino / Técnicos de Mantenimiento: Víctor Zapata, Marco Chávez, José Marín, Julio Gómez, Wilfredo Abramonte, Jorge Jiménez, María Álvarez, Frecia Ananías, Gloria Céspedes / Habilitación de Espacios: Jessica Bravo / Agentes de Seguridad: Walter Hernández, Víctor Bejarano, Ernie Román, Christian Tarrillo, Cynthia Mendoza, Juan Urbina, Isidro Huanca, Johan Palomino, José Colquehuanca, Arturo Luyo, Manuel Castillo, José García, Gabino Sihuacollo, Carmen Llanco, Ricardo Cárdenas, Enoc Luna, Frank Olortegui, Jhon Rodríguez, Raúl Bautista, Marcos Chicasaca, Josué Layme, Luis Medina, Frank Cayetano / Encargado de Almacén: Abraham Mamani

Centro Cultural Cine Olaya

| FAE LIMA 2020

Dirección General: Germán Tejada / Mesa directiva: Ana Chung, Camilo Riveros, Ed Valdivia, Alejandra Tejada

2020 FESTIVAL DE ARTES ESCÃ&#x2030;NICAS DE LIMA

Revista virtual FAE Lima 2020

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Equipo FAE Lima 2020

Cine

Mercado y residencia

Clase maestra a cargo de Jesús Rubio Gamo

Mesas de diálogo y música

Taller el sonido y el adentro

Taller de ficción autobiográfica

Taller de técnicas acrobáticas

Taller de inspiración creativa

Sisi y su primer circo

TALLERES INTERNACIONALES

Plop y Wiwi

Simón el topo

Pacamambo

Una breve historia sobre cómo llegamos aquí

El viaje de Killa

Patrón Leal

Nave

Orlando

La terapeuta

Hice una obra sobre ti y por fin viniste a verla

Hamlet: una versión recontra libre de la obra de William Shakespeare

El hombre intempestivo

Este lugar no existe

El apellido comienza conmigo

The Elephant in the Room

Carguyoq

La carta

Recordar 30 años para vivir 65 minutos

Gran Bolero

La carne, la caída

Palabras de bienvenida FAE Lima 2020

All’inizio della città di Roma

Knot

Fin

Camargo

Ahora que no somos demasiado viejos todavía