Catálogo 2017 by Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Autoridades Nacionales Presidente de la Nación Ing. Mauricio Macri

Vicepresidenta de la Nación Lic. Marta Gabriela Michetti

Jefe de gabinete de ministros Marcos Peña

Ministro de Cultura de la nación Pablo Avelluto

GERENCIA DE FISCALIZACIÓN Verónica Sánchez Gelós

SUBGERENCIA DE PRENSA Y COMUNICACIÓN Mercedes Funes

Autoridades INCAA Presidente Lic. Ralph D. Haiek

GERencia GENERAL Juan García Aramburu

Vicepresidente Dr. Fernando Enrique Juan Lima

GERENCIA DE ASUNTOS INTERNACIONALES Bernardo Bergeret

Jefe de Gabinete Mariana Dell Elce

GERENCIA DE FOMENTO A LA PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL Lic. Viviana Dirolli

JEFE DE DESPACHO Dr. Eduardo Gabioud

GERENCIA DE ADMINISTRACIÓN Lic. Nicolás Yocca CINE.AR Karina Castellano

GERENCIA DE ASUNTOS JURÍDICOS Dr. Lucas Lehtinen GERENCIA DE RELACIONES INSTITUCIONALES Subgerente Rosendo Fraga SUBGERENCIA DE PRODUCCIÓN DE CONTENIDOS Julio Bertolotti

SUBGERENCIA DE RECURSOS HUMANOS Omar Silva UNIDAD DE TRANSPARENCIA INSTITUCIONAL Dr. Lisandro Molinas UNIDAD DE AUDITORÍA INTERNA Dra. Isabel Valente

Festival Internacional de Cine de Mar del Plata PRESIDENTE José Martínez Suárez DIRECTOR ARTÍSTICO Peter Scarlet PRODUCTORA GENERAL Rosa Martínez Rivero

EQUIPO / STAFF PRODUCCIÓN ARTÍSTICA Y PROGRAMACIÓN Coordinación Fernando Arca Programadores Marcelo Alderete Cecilia Barrionuevo Pastora Campos Pablo Conde Ernesto Flomenbaum Francisco Pérez Laguna

COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN Simone Bosshart Paola Pelzmajer ADMINISTRACIÓN José Luis Pelazas Ana Teszkiewicz ASESORÍA LEGAL Y ADMINISTRATIVA Pablo Barletta

RELACIONES INSTITUCIONALES Yael Tujsnaider INVITADOS Mercedes Arias ACTIVIDADES ESPECIALES Michelle Jacques Toriglia COMUNICACIÓN Y CONTENIDOS WEB Agustina Salvador

32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

FILM.AR Directora Annabelle Aramburu Picasso

INVITADOS Asistentes Ana Schmukler Luciana Juárez

Director de Contenidos Walter Tiepelmann

Traslados Macarena Herrera Bravo

FILM COMMISSION ARGENTINA Ana Aizenberg LOGÍSTICA Y ACREDITACIONES Buenos Aires Marianela Pelzmajer Logística Mar del Plata Braian Lugones PRESIDENCIA FESTIVAL Asistentes Catalina Saubaber Manuel Gualtieri María Rivera DIRECCIÓN ARTÍSTICA Asistente Clara Massot GERENCIA DE RELACIONES INSTITUCIONALES Jefe de Despacho Pablo Verdún Asesoría Legal Laura Cirulnik Yanina Russino Asistentes Administrativas Micaela Gild Guadalupe Ramírez

Traslados Terrestres y Hoteles Santiago Ligier Invitados Especiales Irene Ovadía Jurados Florencia Fagnani CATÁLOGO, GUÍA DE PROGRAMACIÓN Y DIARIO Responsables Editoriales Micaela Berguer Agustín Mango Sol Santoro Redactores Maia Debowicz Javier Diz Juan Francisco Gacitúa Luciana Calcagno Diseño Gastón Olmos Cecilia Loidi Marcela Díaz Traducción Juan Pablo Martínez Richard Shpuntoff PRENSA Natalia Accetto Morena López Blanco

Jeankarla Falon Plaza Sergio Padilla Federico Saint Girons Iñaki Gómez Orona Susana Casais Trinidad Borean Antonella Perata Judit Cruz Publicaciones Especiales Liliana García Horacio Campodónico Traducción Carolina Ruiz Montani DISEÑO GRÁFICO Celeste Cavallero Mariano Diaz Claverie Macarena Fatne Pablo Longo Animador Santiago Idelson COBERTURA AUDIOVISUAL Nicolás Vetromile Leonardo Cauzillo Daniela Cuatrín Miguelius Fernández Carla Gratti Florencia Carnovale Andrés Alonso Nicolás Graziani Edgardo Fische FOTOGRAFÍA Fabián Uset Damaris Hidalgo Josefina Urondo Cristian Heit

DISEÑO DE ESPACIOS Arq. Luis Wexler INTÉRPRETES Coordinadora Paulina Casabé Equipo Catalina Ann Saraceno Emilia Yáñez Bárbara Barisch Alejo Magariños Alejandro Kim VIDEOTECA Nicolás San Martino PRODUCCIÓN Asistente María Mir ARTÍSTICA Asistentes Juan Ameijeiras Stein Rocío Rocha Colaboradores Ezequiel Salinas Santiago González Lucrecia Matarozzo Paola Buontempo Mauro García Alena COMUNICACIÓN Y CONTENIDOS WEB Asistentes Ezequiel Vega Gustavo Toba Cristian Ulloa Redes Sociales Ana Da Silva Traducción Pamela Fossa

DISEÑO PÁGINA WEB Andrés Adamoli Erica García Pablo Gutiérrez Mariano Speche PROYECCIÓN Coordinación General Matías Iaccarino Producción Técnica Julián Santiago Tagle Producción Laura Cecilia Nicolás Asistente Dolores Montes Macarena Insegna Coordinación de Programación y Grilla María Laura Collasso Asistente Paloma Dema Coordinación de Cine Digital Lucas Laccarino Encargada Digital Constanza Curia Chequeo Digital Victoria De Luca Brian Bendersky Postproducción Natalia Soledad Bianchi Coordinación de Sonido Arián Nevio Frank

Coordinación de Proyectoristas Lautaro Panelo Carolina Rolandi Coordinación Print Traffic Pablo Compagno Asistente Inés Jaureguialzo Jefes de Proyectoristas Martín Benjamin Juan Manuel Pereyra Ezequiel Azambuya Daniela Silva Proyectoristas Georgina Giribaldi Conrado Negrin Julieta Alsina Lucas Arias Javier Festa Sebastián Ivcic Ignacio Castro Brian Griffith PROGRAMA PAÍS Bárbara Piczman INCAA ADMINISTRACIÓN Sandra Menichelli CONTABILIDAD Fabiana Villa TESORERÍA Norberto Trefs Ángel Orellano

COMPRAS María del Rosario Colantuono Axel Lugones Paula Del Moro Marcela Olea PLANIFICACIÓN Hernán Alterini Huberto Tresca EVENTOS ESPECIALES Coordinador Martín Pablo Szarfer Equipo Bernardo E. Bergeret Patricia Stover Manuel Sosa PATRIMONIO Pablo Barilatti Técnica Emiliano Casiraghi Asistentes Juan Pablo Talbot Santiago De Cruz Jeremías Calvanese Manfredo Wolff Julián Buldrini Ariel Orellano Nicolás Rodríguez Pedro Jacomet Lucía Buono Telefonía Julieta Waisman Logística Fabián Montero

SOPORTE INFORMATIVO Eduardo Oporto Gabriel Sánchez Adan Mojo Mariel Socino Darío Castrelo Martín Abasto Gabriel Belloq Marco Puyo Pablo Campoy Martín Corvatta Cinesio Villalva Gabriel Galeano Malvina Figueredo CINEMATECA Coordinación Daniel Oliverio Administración Liliana Massaccesi Área Técnica Sarita Fernández Coordinador de Microcine Eduardo César Gómez Coordinadora de Archivo Georgina Tosi Área Técnica Marina Coen Administrativo Jaime Lozano Tránsito de Copias Luis Soriano Andrés Ríos Diego Bermejo

ÍNDICE — index

Competencias / Competitions ----------------------------------------------------------------------------------------------- 18 Jurados Oficiales / Official Juries -------------------------------------------------------------------------------------------------------- 20 Jurados No Oficiales / Non-Official Juries ---------------------------------------------------------------------------------------------- 25 Competencia Internacional / International Competition------------------------------------------------------------------------------- 27 Competencia Latinoamericana / Latin American Competition ------------------------------------------------------------------------ 57 Competencia Latinoamericana de Cortometrajes / Latin American Short Films Competition--------------------------------------- 87 Competencia Argentina / Argentine Competition-------------------------------------------------------------------------------------- 93 Competencia Argentina de Cortometrajes / Argentine Short Films Competition--------------------------------------------------- 119 Work In Progress----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 125 PROYECCIONES ESPECIALES / SPECIAL SCREENINGS -------------------------------------------------------------------------------- 126

Panorama -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 132 Autores / Auteurs------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 135 Nuevos Autores / New Auteurs--------------------------------------------------------------------------------------------------------- 173 Panorama de Cine Latinoamericano / Latin American Cinema Panorama----------------------------------------------------------- 185 Panorama de Cine Argentino / Argentine Cinema Panorama------------------------------------------------------------------------- 195 Banda Sonora Original / Original Soundtrack---------------------------------------------------------------------------------------- 207 Hora Cero / Midnight Screamings------------------------------------------------------------------------------------------------------ 213 Las Venas Abiertas / Open Veins------------------------------------------------------------------------------------------------------- 223 Ventana Documental / Documentary Showcase-------------------------------------------------------------------------------------- 231 Mar de Chicos / Children by the Sea---------------------------------------------------------------------------------------------------- 241 Super 8 - 16mm ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 253 Estados Alterados / Altered States----------------------------------------------------------------------------------------------------- 263 FOCOS Y RETROSPECTIVAS / FOCUS AND RETROSPECTIVES------------------------------------------------------------------- 280 Ado Arrietta---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 283 Claude Lelouch------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 295 Maurice Pialat--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 301 Zelimir Zilnik---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 307 Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución / Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution---------- 325 Corea, País Invitado de Honor / Guest Country of Honor------------------------------------------------------------------------------ 331 Rescates / Rescues----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 341 Generación VHS / Generation VHS---------------------------------------------------------------------------------------------------- 349 HOMENAJES / TRIBUTES------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 356 Alberto Sordi---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 358 FUNCIONES PARALELAS / PARALLEL PROGRAMS-------------------------------------------------------------------------------- 362 Historias Breves / Short Stories--------------------------------------------------------------------------------------------------------- 364 La Noche del Cortometraje / Short Film Night----------------------------------------------------------------------------------------366 Cortos Premiados CINE.AR / CINE.AR Awarded Short Films--------------------------------------------------------------------------370 Primeras Producciones. ENERC NOA y NEA / ENERC First Productions - NOA and NEA-------------------------------------------- 372 Raymundo Gleyzer--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 374 Pantalla UBA / UBA Screen------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 376

agradecimientos — acknowledgements 20th Century Fox Argentina Aaron Cutler Adam Cook (TIFF Vancouver FF) Agnes Wildenstein (Doclisboa) Agustín Newell Agustina Benvenuto Alain Maudet (Institut Français d’Argentine) Alberte Pagán Alberto Gauna Alejandra Trelles (Cinemateca Uruguaya) Alejandro Alvarado Alejandro Díaz Castaño (Gijón IFF) Aleksandra Sarana Alex Escaleira (AA2000) Alicia Gazillón Alicia Morales Dasso (Lima International Film Festival PUCP) Amir Esfandiari (Fajr Film Festival) Ana Domínguez (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico ANCINE - Agência Nacional do Cinema Andréa Picard (TIFF) Andrés Duque Anette Dujisin (Semana de la Crítica Venecia) Angel Rueda (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico Antipode Sales Ariana Grande Atilio Barrionuevo Aurélie Godet Barbara Silva de Melo Bautista Aranzabal Beatriz Coimbra (Embajada de Brasil)

Beatriz Lucas Carbonero Beatriz Ventura (Embajada de Canadá) Beatriz Villarruel Bela Abud Benjamín Esdraffo Bob Berney (Amazon Studios) Boris Nelepo Brahian Alemán Carlo Chatrian (Locarno Film Festival) Cecilia Bianchini Cecilia Fanti Cecilia Kuska Celia D’stefano Christine Franz Christopher Gray Christopher Gude Cíntia Gil (Doclisboa) Claudia Fernández Claudio Caldini Concha Barquero Contravía Films Da. Marit Aspaas (Embajada de Noruega) Dane Komljen Daniel Kasman (Mubi) Daniel Luna Darko Strukelj (Slovenian Cinematheque) Davide Oberto (Torino IFF) Denis DeLaRoca Diana Santamaría Diego Batlle Diego Brodersen Diego de la Vega Wood (Embajada de México) Diego García Diego Lerer Dora Pentimalli (Instituto Italiano de Cultura) Eduardo Grüner Elena Rué (Catalan Films) Eleonora Biaiñ

Enrique Vila-Matas Erica Orciani Erick González (Australab) Eva Sangiorgi (Ficunam) Evgeniya Chulkova Federico Windhausen Fernando Ganzo Fernando Juan Lima Fernando Vilchez FilmNation Fiona Pittaluga Fran Gayo (Ourense FF) Francina Verdés Francisco Algarín Navarro Francisco Benítez Francisco Ferreira Franco Aranzabal Frédéric Majour Gabriel Pressello (Centro Cultural Coreano) Gabriela Magnoler Gabriela Moccia Gabriela Silva Canzani (Embajada de Uruguay) Gabriela Zamora Gloria Mascorro Gonzalo de Pedro Amatria Guillermo Goldsmith Guy Lodge Hans Hurch (Viennale IFF) Hernán Panessi Hugo Barrionuevo Hüseyin Karabey IMCINE - Instituto Mexicano de Cinematografía Isaki Lacuesta Ivana Arsenic (Embajada de la República de Serbia) Jaime Grijalba Jaime Quinto Guillén James Lattimer (Berlinale Forum) Javier Alcácer Javier Melgarejo Javier Vázquez

Jean-Pierre Rehm (FidMarseille) Jinna Lee (Busan IFF) Joaquín Conde John Campos Gomez (Transcinema) Jonas Mekas Jonathan Yelin (Embajada de Israel) Jordan Cronk Jorge Lucena (Canta Brasil) José Luis Losa García José Luis Rebordinos (Festival de Cine de San Sebastián) Jose Manuel Gomez (AC/E) José Manuel Gómez Vidal (Acción Española) Juan Antonio Vigar (Festival de Málaga) Juan Carlos Martinez Juan Cruz Varela Julie Huntsinger (Telluride Film Festival) Julieta Mortati Julio Artucio (ENERC) Karni Haneman Kiva Reardon (Cleo - TIFF) Kjersti E. Østhus (Embajada de Noruega) Lariza Melo Preciado Lee Sang-Yong (Jeonju IFF) Leonardo Mangialavori Lionel Messi Lola Mayo Lucas Garófalo Manu Yañez Manuel Asin (Círculo de Bellas Artes de Madrid) Mar Medir (Catalan Films) Marcel Müller (Swiss Films) Marcela Gamberini Marcelo Gobello Marco Audrá Marcos Arias

Marcos Lalosevich Marcos Uzal (Musée d'Orsay) Margot Rossi María Bonsanti (Eurodoc) María Cristina Rayol Sobreira Lopes (Embajada de Brasil) María Fernanda Mugica María Isabel Bosch Aybar (Embajada República Dominicana) María José Santacreu (Cinemateca Uruguaya) María Julieta Binni Mariana Mutri Marilina Esquivel Marina Cortiñas Marina Lacarta Mark Peranson (Cinemascope) Márta Benyei (Magyar Filmunió) Martina Pagnotta (Institut Français d’Argentine) Massimo Saidel (Institut Français Argentine) Mathilde Henriot (Unifrance) Matias Figliozzi

Matías Piñeiro Meghan Monsour (Ambulante Film Festival) Micaela Saconi Miroljub Vuckovic (Film Center Serbia) Mirta Abud Monica Lee Monserrat Sánchez Moriana Conde Nadia Dresti (Locarno Film Festival) Natalia Salvini Natalia Zakharova Nazareno Brega Nicolás Fernández Nuria Araúna Oriol Font (Intermedio) Oscar Ruíz Navia Pablo Marín Pablo Medina Pascale Ramonda Patricia Bonet (Catalan Films) Paula Félix-Didier Pierre Léon Piers Handling (Toronto Film Festival) Pilar Ruiz Carnicero (Consejera Cultural de la

Embajada de España en Argentina) Pip Chodorov (Re:voir) Quintín Raúl Camargo Revista Lumière Rita Azevedo Gomes Robert Koehler Rodolfo Weisskirch Roger Koza Roni Ryba Rosa Vita Pelegrin (Oficina Cultural, Embajada de España en Argentina) Rosana Berlingeri Santiago Chalita Scott Foundas (Amazon Studios) Sebastian Oberti Serge Bozón Sofía Melgarejo Sofia Schlossmann (Embajada de Austria) Sony Pictures Stefan Laudyn (Warsaw Film Festival) Sung Kyoung Moon (KOFIC) Tara Erer (Amazon Studios) Ted Fendt Teresita Varela

The Walt Disney Company Latin America Thelma Schoonmaker Tom Luddy (Telluride Film Festival) Tom Prassis (Sony Pictures Classics) Tomás Dotta UIP Argentina Valeria Bratelli Valeria Inés Lamberti Valeria Zamparolo y Verónica Bergna (British Council) Vanesa Fernández Guerra (Zinebi) Vera Czemerinski Víctor Guimaraes Víctor Iriarte (Tabakalera) Violeta Uman Warner Bros. Pictures Xavier Baert (Embajada del Reino de Bélgica) Yang Byungwong (Jeonju IFF) Yanina Tendlarz

ABREVIATURAS / ABBREVIATIONS B&N: blanco y negro / black and white DCP: paquete de cine digital / digital cinema package DM: archivo digital / digital media

D: dirección / direction G: guion / screenplay F: fotografía / cinematography

E: edición, compaginación, montaje / editing DA: dirección de arte, escenografía / art direction, production design S: sonido / sound M: música / music P: producción / production CP: compañía productora / production company I: intérpretes, elenco / actors, cast

Con el apoyo de las siguientes Embajadas e Instituciones:

32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, como la propia cinematografía argentina, es rico por su historia pero también por su presente y su potencial. En sus 32 ediciones, grandes estrellas internacionales han caminado por su alfombra roja, películas de calidad han obtenido su primer reconocimiento de crítica, y un público siempre ávido de cine se ha congregado en estas playas para llenar las salas de la ciudad. El cine argentino también tiene un pasado de oro y un presente de reconocimiento mundial por su talento y diversidad. Ese camino es el que queremos continuar fomentando también a través del Festival. Queremos que cada vez más productores argentinos y del mundo elijan Mar del Plata para presentar sus películas. Que las figuras internacionales vean esta cita en toda su dimensión: una oportunidad absolutamente singular de participar del único festival de Clase A de la región. Este es un gran momento para el encuentro de los verdaderos protagonistas del cine, aquellos que construyen con su talento la industria: directores, productores, distribuidores, actores, técnicos, cinéfilos y público. Apostamos a ese encuentro y a sus frutos, con la mirada siempre puesta en el futuro. Este catálogo es fiel reflejo de una cuidada selección de lo mejor del cine nacional e internacional. Con seis secciones competitivas, un panorama exhaustivo de nuevos autores y tendencias estéticas, revisiones y homenajes de hitos del cine, y actividades especiales, el Festival ofrece un abanico de propuestas. En estos diez días, las pantallas acercarán a los invitados una experiencia en la que todos seremos protagonistas. El cine nos convoca a participar, a ser un engranaje esencial de una industria que crece, expande fronteras, gana nuevos espacios y conmueve a otros públicos. La función está por comenzar. ¡Seamos parte de ella! Ralph D. Haiek Presidente del INCAA

The International Film Festival of Mar del Plata, like the very Argentine cinema, is rich for its history, but also for its present and its potential. In its 32 editions, great international stars have walked upon its red carpet, films of quality have received their first recognition from the critics, and a public always hungry for good films has come to these beaches to fill the cityâ&#x20AC;&#x2122;s theaters. The Argentine cinema also has a golden past and a present that is internationally recognized for its talent and diversity. This road is the one we want to keep developing, and the Festival is a part of that development. We want more and more Argentine and foreign producers to select Mar del Plata as the place to present their films. We want international figures to see this event in its full dimension: an absolutely singular opportunity to participate in the only Class A festival in the region. This is a unique moment for meeting the true protagonists of the cinema, those who build the industry with their talent: directors, producers, distributors, actors, technicians, cinephiles and the public. We are investing in this event and its yields, our gaze always fixed on the future. This catalog is a faithful reflection of a careful selection of the best of national and international cinema. With six competitive sections, a comprehensive overview of new authors and aesthetic trends, revisions and tributes to cinematic milestones and special activities, the Festival offers a wide range of proposals. During these ten days, the screens bring closer to our guests an experience in which all of us are protagonists.The cinema calls us to participate, to be an essential gear of an industry that grows, expands borders, wins over screens abroad, and moves new audiences. The show is about to start. Letâ&#x20AC;&#x2122;s be part of it! RDH President of INCAA

32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

La realización de una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es siempre un motivo de alegría y orgullo. Desde su recuperación en 1996 (año de la 12ª edición), el encuentro se ha ido transformando, creciendo, ampliando sus horizontes. Por supuesto que ha habido momentos difíciles (para el Festival y para el país), pero la decisión de defender un lugar tan importante y representativo para nuestra cultura ha sabido mantenerse en el tiempo, atravesando contratiempos y crisis, como una saludable y plausible muestra de determinación política. Año tras año el festivo ritual se reitera y las calles de Mar del Plata se pueblan de cine. En las salas, en las plazas, en los cafés y lugares de encuentro, el público habla, piensa, respira cine. Las películas se cuentan por cientos, cada uno construye su propio y personal recorrido. Pero con el correr de los años las actividades se han multiplicado: mesas redondas, debates, charlas con maestros, presentación (y publicación) de libros, muestras pictóricas y fotográficas. El “planeta” Festival de Mar del Plata sigue mutando para acompañar los cambios sociales y culturales, para seguir dialogando con los asistentes (hablándoles, pero también escuchándolos) y abriendo puertas para nuevas miradas, para diversas posibilidades de goce. El Festival es nuestro. Es la oportunidad de encontrarnos con el cine del mundo y de vernos reflejados en lo más reciente de la producción local. Cada año es nuevo, pero la esencia múltiple y diversa, desafiante y feliz, sigue presente. De las primeras ediciones en las que descubrimos tantos (entonces nuevos) maestros en las proyecciones de Contracampo, a aquellas hermosas funciones con música en vivo en el Teatro Colón, el Festival se mantiene coherentemente heterogéneo a través del tiempo. Ahora es el momento de la 32ª edición, de cuya programación da cuenta este catálogo. ¡A disfrutar, una vez más, de nuestro querido Festival de Mar del Plata! Fernando E. Juan Lima Vicepresidente del INCAA

The production of a new edition of the Mar del Plata International Film Festival is always a motive for pride and joy. Since the festival was recovered in 1996, the year of the 12th edition, the event has been continually transforming, growing and broadening its horizons. Of course, there have been difficult moments –for the festival and for the nation–, but the decision to defend such an important and representative space for our culture has managed over time to stand, even through setbacks and crisis, as a healthy and plausible demonstration of political determination. Year after year the ritual of the festival is repeated and the streets of Mar del Plata are populated by cinema. In the theaters, in the plazas, in the cafes and meeting spaces, the public speaks, thinks and breathes cinema. There are hundreds of films being screened, each constructing its own and personal path. However, over the years, the activities have multiplied: panels, debates, master classes, presentations (and publications) of books, as well as exhibitions of photographs and paintings. The Mar del Plata Festival “planet” continues evolving to accompany social and cultural changes, to dialogue with audience members (talking to them, but also listening) and to open doors for new gazes, for diverse possibilities of enjoying. The festival is ours. It is the opportunity for us to meeting with the cinema of the world and to see ourselves reflected in the latest local productions. Each year is new, but the multiple and diverse essence, challenging and joyful, continues to be present. From the first editions in which we discovered so many (at the time new) great masters in the “Contracampo” projections, those beautiful screenings with live music at the Colon Theater, the festival has maintained itself as coherently heterogeneous throughout its history. Now, we have reached the 32nd edition, whose program is contained within this catalogue. Enjoy, once again, our beloved Mar del Plata Festival! FJL Vice President of INCAA

32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

Señoras y señores: estamos prologando la 32ª edición del Festival, lo que significa que hay 31 antecedentes de este escrito. Algunos prólogos fueron buenos, otros regulares, y otros únicamente fueron. No queremos que con este pase lo mismo. Un prólogo es el primer encuentro con los lectores y, según dice el refrán popular, “la primera impresión es la que vale”. Hablemos del Festival. Será bueno. Les gustará. Recordarán las películas vistas, comprarán los libros editados, tendrán como biblia cinematográfica este catálogo, e incluso, tal vez, encuentren algún error –lo que ocurriría por primera vez en su historia–. Hemos elegido entre más de 3000 películas enviadas desde 93 países. Seleccionamos lo que consideramos mejor. Constituimos un jurado diverso y, al mismo tiempo, homogéneo. Recibimos, como siempre, el apoyo de las autoridades y de los residentes marplatenses; también –y sean ellos bienvenidos– de los visitantes que engalanarán la ciudad, sus calles, paseos, comercios y salas. Pero ante todo hemos recibido el constante aliento y las sugerencias de todos los miembros del INCAA, quienes también impulsaron y aceptaron nuestras propuestas. José Martínez Suárez Presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Ladies and gentlemen: we are prefacing the 32nd edition of the Festival, which means that there are 31 precedents to this writing. Some prefaces were good, others were fair, and others just were. We don’t want this one to suffer the same fate. A preface is the first encounter with the readers and, as the proverb says, “It’s the first impression that counts.” Let’s talk about the festival. It will be good. You will like it. You will remember the films you saw, buy the books published, have this catalog as a film bible and perhaps even find a mistake –which would be a definite first. We have chosen among more than 3,000 films sent from 93 countries. We have selected what we considered to be the best. We have constituted a jury that is both diverse and homogenous. We have received, as always, support from the authorities and the residents of Mar del Plata; also –and they are most welcome– from the visitors that will adorn the city, its streets, its promenades and theaters. But above all, we have received constant encouragement and suggestions from all members of INCAA, who also encouraged and accepted our proposals. JMS President of Mar del Plata International Film Festival

32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

Queridos amigos, Bienvenidos a la edición número 32 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. O, más bien, “bienvenidos de nuevo”. Parece que están leyendo las cartas introductorias en esta sección de nuestro catálogo. ¿Por qué otra razón leerían esta? Pero ¿ya leyeron el resto de esta publicación? Está llena de información acerca de todas las películas maravillosas que presentaremos este año, así que, si todavía no lo leyeron, ¡déjenme sugerirles que hagan eso primero! Después de todo, durante el tiempo que les está llevando leer esta carta, alguien podría estar comprando las últimas entradas para las películas que más les interesan, ¡y todavía no saben nada de ellas! Esta carta estará esperándolos después, se los prometo… …Ok, ¡bienvenidos de nuevo! Ahora que ya leyeron el catálogo e hicieron por lo menos una selección preliminar de las películas que quieren ver y compraron las entradas, entenderán por qué estamos tan entusiasmados con esta programación. Y por “estamos” me refiero a nuestro estimado presidente, José Martínez Suárez, y yo, todos nuestros programadores, que trabajan muy duro, los miembros del staff del INCAA, el gran número de voluntarios del Festival y las personas y compañías que proveen tantos servicios de gran valor. Cuando Mar del Plata presentó la primera edición de este evento en 1954, había solo un puñado de festivales de cine en el resto del mundo. ¡Hoy hay más de 3000! Así que hay mucha competencia, no solo por películas, sino también por los invitados y sponsors. Haber podido reunir una programación de películas tan rica, variada y arriesgada como esta es una hazaña de la que todos estamos orgullosos. Y nos hace felices que ustedes puedan verlos en los maravillosos cines de Mar del Plata, que ayudan a fomentar el tipo de sentimiento comunitario que es imposible que exista si ustedes ven películas solos en sus casas. Y sé por experiencia cuánto más apasionante puede ser cuando los asistentes a un festival “descubren” una película todos juntos en lugar de sentarse como blancos pasivos de un tanque diseñado para impactar a todos de la misma manera. Esperamos verlos pronto… ¡en la oscuridad! Peter Scarlet Director Artístico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Dear Friends, Welcome to the 32nd edition of the Mar del Plata International Film Festival. Or perhaps “welcome back.” It appears you are reading the introductory letters in this section of our catalogue. Why else would you be reading this one? But have you already read the rest of this publication? It’s packed full of information about all the wonderful films we’re presenting this year, so if you haven’t read it yet, please permit me to suggest that you do that first! After all, during the time it’s taking you to read more of this letter, someone else may be buying the very last tickets to the films that may interest you most – and you don’t even know about them yet! This letter will be waiting for you later, I promise… …Okay, welcome back! Now that you’ve read the catalogue, made at least a preliminary choice of the films you want to see, and purchased your tickets, you may understand why we’re all so excited about this program. By “we” I mean our esteemed President, José Martinez Suárez and I, all of our hard-working colleagues in the programming department, as well as the members of INCAA’s staff, the festival’s large number of volunteers, and the individuals and companies who provide so many valuable services. When Mar del Plata hosted the first edition of this event in 1954, there were only a handful of film festivals in the rest of the world. Today there are more than 3,000 of them! So there is heated competition, not only for films, but also for guests and sponsors. To have been able to assemble a program of films as rich varied and risk-taking as this, is an achievement of which we are all proud. And we’re happy you’ll be able to watch them in Mar del Plata’s wonderful cinemas, which help foster the sort of community feeling that can’t exist when you’re watching movies at home alone. And I know from experience how especially exciting it can be when the members of a film festival audience “discover” a film together, instead of sitting as the passive targets of a tent pole juggernaut, one designed to “push everyone’s buttons” in exactly the same way. We look forward to seeing you all soon – in the dark! PS Artistic Director of Mar del Plata International Film Festival

Competencias â&#x20AC;&#x201D; Competitions

mardelplataďŹ lmfest.com

Jurados competencia internacional — international competition jury

Kenneth Lonergan Nació en 1962 en el barrio del Bronx. Es dramaturgo, guionista y director de cine. Dirigió las obras This Is Our Youth (1996), The Waverly Gallery (2000) y The Starry Messenger (2009), entre otras. Escribió los guiones de Analízame (1999) y Pandillas de Nueva York (2002, nominado al Oscar), y dirigió y escribió los films Puedes contar conmigo (2000, nominado al Globo de Oro y al Oscar como Mejor Guion), Margaret (2011, proyectada en este Festival) y Manchester frente al mar (2016), por el que ganó el Oscar al Mejor Guion en 2017. Eng Born in the Bronx in 1962, his plays include This is Our Youth (1996), The Waverly Gallery (2000) and The Starry Messenger (2009). He also co-wrote the screenplays for Analyze This and Gangs of New York (2002), WGA and Academy Award nomination for Best Original Screenplay. His first film as writer-director, You Can Count On Me (2000), was an Academy Award and Golden Globe Nominee for Best Screenplay. His other films include Margaret (2011, screened at this Festival's edition), and Manchester by the Sea (2016), for which he won the Oscar for Best Original Screenplay in 2017.

Érica Rivas Nació en 1974 en Ramos Mejía. Actriz argentina de teatro, cine y televisión, recibió numerosos premios por su trabajo; entre ellos, Platino del Cine Iberoamericano, Martín Fierro, Premios Cóndor y Premios Sur. Participó, entre varias obras, en Un tranvía llamado Deseo (2011), dirigida por Daniel Veronese, y en Escenas de la vida conyugal (2015-2017), de Ingmar Bergman, dirigida por Norma Aleandro. Dentro de su filmografía se destacan Por tu culpa (2010), de Anahí Berneri; Relatos salvajes (2014), de Damián Szifron; y La cordillera (2017), de Santiago Mitre, entre otras. Eng Born in Ramos Mejia in 1974, she is an Argentine screen, television and theater actress, and has won numerous awards including the Platino del Cine Iberoamericano, Martín Fierro, Premios Cóndor and Premios Sur. She has acted in many plays including Tennessee Williams’ Streetcar Named Desire (2011) directed by Daniel Veronese and Ingmar Bergman’s Scenes from a Marriage (2015-17) directed by Norma Aleandro. Her filmography includes Por tu culpa (2010) by Anahí Berneri, Damián Szifron’s Relatos salvajes (2014), and La cordillera (2017) by Santiago Mitre, among others.

Edouard Waintrop Cinéfilo desde que tiene memoria, fue crítico de cine en el diario parisino Libération por 26 años. Además se desempeñó como director del Festival Internacional de Cine de Friburgo, en Suiza, desde 2007 hasta 2011. En la actualidad es director artístico de la Quincena de los Realizadores en el Festival de Cannes. Escribió el libro Les Anarchistes Espagnols: 1868-1981 (2012) y coescribió Le Talmud et la République (1991). Eng A cinephile for as long as he can remember, he has been a film critic in the Parisian newspaper Libération for 26 years. He also served as director of the International Film Festival of Fribourg, in Switzerland, from 2007 to 2011. He is currently the artistic director of the Directors’ Fortnight at the Cannes Film Festival. He wrote the book Les Anarchistes Espagnols: 1868-1981 (2012) and co-wrote Le Talmud et la République (1991).

Amedeo Pagani Nació en Addis Abeba, y se inició escribiendo guiones y diálogos para películas como Portero de noche (Liliana Cavani), e Il maestro e Margherita (Alexsandar Petrovic). Desde 1988 ha producido o distribuido unas 50 películas con su compañía Bim, con la que ganó decenas de premios en festivales de todo el mundo. Es miembro de prestigiosas instituciones culturales y cinematográficas, comités y jurados, y miembro fundador de la Academia de Cine Europeo. Recibió numerosos premios, incluido el David di Donatello a Mejor Productor por Garage Olimpo (2000), de Marco Bechis. Eng He was born in Addis Abeba, and started his career by writing scripts and dialogues for films like The Night Porter (Liliana Cavani) and The Master and Margaret (Aleksandar Petrovic). Since 1988, he has produced and / or distributed about 50 films through his company Bim, winning dozens of awards at festivals all over the world. He has been a member of prestigious cultural and cinematographic committees and juries, and is a founding member of the European Film Academy. He has been personally awarded many prestigious awards, including the David di Donatello for Best Producer, for Marco Bechis' Garage Olimpo in 2000.

Boyd van Hoeij Crítico de cine freelance, vive en París y Luxemburgo. Escribió reseñas para la revista americana Variety durante cinco años, y en 2013 comenzó a trabajar para The Hollywood Reporter, medio para el cual cubre festivales como Berlín, Cannes, Venecia y Toronto. Es también editor de la revista Winq y colaborador para De Filmkrant, Indiewire y The Atlantic. También da cursos y talleres de análisis cinematográfico y crítica de cine por todo el mundo. Eng He is a freelance film writer based in Paris and Luxembourg. He reviewed films for U.S. trade paper Variety for five years before moving to The Hollywood Reporter in 2013, where he covers festivals including Berlin, Cannes, Venice and Toronto. He’s also the film editor of Winq magazine and contributes to De Filmkrant, Indiewire and The Atlantic. He also conducts shot-by-shot analysis of film classics and film-criticism workshops around the globe.

Jurados competencia LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN competition jury

Nahuel Pérez Biscayart Nació en 1986 en Buenos Aires. Luego de un breve paso por una escuela técnica, comenzó a cursar talleres de actuación. En televisión participó como actor de las series Disputas, Sol negro, Sangre fría y Mujeres asesinas, entre otras. Algunas de las películas en las que se destacó son El aura (2005), de Fabián Bielinsky; La sangre brota (2008), de Pablo Fendrik; y 120 battements par minute (2017), de Robin Campillo, ganadora del Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes y exhibida en este Festival.Eng Born in Buenos Aires in 1986, after a brief period in a technical school, he began to study acting. On televisión, he participated in various series such as Disputas, Sol negro, Sangre fría and Mujeres asesinas, among others. Some of his more notable cinema performance included his work in El aura (2005) by Fabián Bielinsky, Pablo Fendrik’s La sangre brota (2008), and 120 battements par minute (2017) by Robin Campillo, winner of the Grand Prix at the Cannes Film Festival.

Lois Patiño Cineasta y artista, nació en 1983 en Vigo. Sus films se han podido ver en multitud de festivales y centros de arte internacionales, en Locarno, Toronto, Rotterdam, San Francisco y la Viennale. Se han desarrollado focos sobre su trabajo en eventos como el NYFF, Flaherty Seminar, Bafici y el Festival de Cali. Con Costa da morte (2013) obtuvo el premio al Mejor Director Emergente en el Festival de Locarno. Su corto Montaña en sombra (2012) ganó premios en Clermont-Ferrand y en Oberhausen. La Universidad de Harvard le otorgó en 2016 la beca Robert Fulton III.Eng A filmmaker and artist born in Vigo in 1983, his films have been screened at numerous festivals and international art centers including Locarno, Toronto, Rotterdam, San Francisco and the Viennale. The New York Film Festival, the Flaherty Seminar, Bafici and the Festival of Cali have all held focus sections of his work. With Costa da morte (2013) he won the prize for Best Emerging Director at the Locarno Film Festival. His short film Montaña en sombra (2012) won awards at Clermont-Ferrand and Oberhausen. Harvard University awarded him a Robert Fulton III grant in 2016.

James Lattimer Es curador, crítico y cineasta residente en Berlín. Comenzó trabajando para el Forum de la Berlinale en 2008, y tres años después se sumó al comité de programación. Sus textos se publicaron en Cinema Scope, Slant Magazine, Fireflies, Film Parlato y Senses of Cinema, entre otros medios. Su primer cortometraje como director, All Still Orbit, en colaboración con Dane Komljen, fue parte de la competencia en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam en 2016, y se exhibió en el Festival de Mar del Plata ese mismo año. Eng James Lattimer is a film curator, critic, and filmmaker based in Berlin. He started working for the Berlinale Forum in 2008 and joined their selection committee in 2011. His writing has appeared in Cinema Scope, Slant Magazine, Fireflies, and Senses of Cinema. His first short film, All Still Orbit, a collaboration with Dane Komljen, premiered in competition at the 2016 Rotterdam International Film Festival and was screened at the Mar del Plata Film Festival that same year.

JURADO COMPETENCIA ARGENTINA — ARGENTINE COMPETITION JURY

Laila Pakalnina Nació en 1952 en Liepaja. Se graduó en el Moscow Film Institute (VGIK) en 1991. Entre cortos y largometrajes, su obra abarca alrededor de treinta títulos; entre ellos, El zapato (1998), Pitons (2003), El rehén (2006) y Ausma (2015). Sus películas se exhibieron en festivales como Cannes, Venecia, Berlinale, Locarno, Karlovy Vary, Roma y otros, y se hicieron de numerosos premios. En esta edición se proyecta su corto Hello, Horse!. Eng Born in Liepaja in 1952, she graduated from the Moscow Film Institute (VGIK), Department of Film Directing, in 1991. She has written and director over thirty short and feature length films including: The Shoe (1998), The Python, The Hostage (2006) and Ausma (2015). Her films have screened in official programs at Cannes, Venice, Berlinale, Locarno, Karlovy Vary, Rome and other international festivals, where they have won numerous awards. At this edition of the festival we will screen her short film Hello, Horse!.

Kim Young-jin Nació en Seúl en 1965. Se desempeña como crítico desde 1992, cuando comenzó a publicar en distintos medios, sobre todo en la revista semanal Cine 21, donde participó desde 1995 hasta 1999. Fue editor y colaborador de Film 2.0. Es profesor de cine en la Universidad de Myongji desde 2006, y en la actualidad publica en The Hankyoreh. Escribió los libros The Critic of Blood Merchant y The Unknown Masters. Eng Born in 1965 in Seoul, he has been writing film critiques for various journals since 1992, contributing regularly to the weekly film magazine, Cine 21, from 1995 to 1999. From 2000 to 2006, he wrote film critiques as an editor at Film 2.0. Since 2006, he has been a professor of film at Myongji University, and is currently writing for The Hankyoreh. He wrote the books The Critic of Blood Merchant and The Unknown Masters.

Bruno Forzani Nació en 1976 en Menton. Junto con Hélène Cattet conforman una dupla con la que llevan dirigidos una serie de cortos y tres largometrajes. Su debut fue en 2009 con Amer (24º Festival de Mar del Plata); en 2012 su corto O Is for Orgasm formó parte del film colectivo The ABCs of Death (27º Festival de Mar del Plata), y ese mismo año llegaría The Strange Color of Your Body’s Tears (28º Festival de Mar del Plata). Su nuevo film, Laissez bronzer les cadavres, forma parte de la programación de esta edición del Festival. Eng Born in 1975 in Menton, together with Hélène Cattet he has directed a series of short films and three feature length films. In 2009, they made their debut film, Amer (24th Festival of Mar del Plata), and in 2012 their short film O is for Orgasm formed part of the collective The ABCs of Death (27th Festival of Mar del Plata). That same year they completed The Strange Color of Your Body’s Tears (28th Festival of Mar del Plata). Their new film, Laissez bronzer les cadavres, is screening at this year’s edition of the festival.

Jurados competencia wip — wip competition jury

Juan Pablo Miller Nació en Buenos Aires en 1977. En 1997 inició la carrera de Comunicación Social en la Universidad de Buenos Aires. Paralelamente comenzó a trabajar en producción de cine en diversas áreas, hasta que en 2009 fundó su propia productora, Tarea Fina. Entre sus producciones se encuentran Las acacias e Invisible de Pablo Giorgelli (exhibida en esta edición del Festival); Un amor, de Paula Hernández; Cómo funcionan casi todas las cosas, de Fernando Salem; La luz incidente, de Ariel Rotter; y El pampero, de Matías Lucchesi, entre otras. Eng Born in Buenos Aires in 1977, he began studying social communication at the Universidad de Buenos Aires in 1997. Parallel to this, he began to work in different areas of film production until, in 2009, he founded his own production company, Tarea Fina. His productions include Pablo Giorgelli’s Las acacias and Invisible (screened at this edition of the festival), Un amor by Paula Hernandez, Fernando Salem’s Cómo funcionan casi todas las cosas, La luz incidente by Ariel Rotter and Matías Lucchesi’s El pampero, among others.

Agustina Llambí Campbell Nació en 1981 en Buenos Aires. Fue directora de producción de películas como Nacido y criado, Leonera y Carancho, todas de Pablo Trapero, y de La rabia, de Albertina Carri; fue productora ejecutiva de Excursiones, de Ezequiel Acuña. En 2011 cofundó la productora La Unión de los Ríos. Es productora de El estudiante, de Santiago Mitre; Los salvajes, de Alejandro Fadel; El cielo del centauro, de Hugo Santiago; La patota y La cordillera, ambas de Santiago Mitre; y coproductora de Los vagos, ópera prima de Gustavo Biazzi. En la actualidad está produciendo Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel. Eng Born in Buenos Aires in 1981, she served as production manager on various films such as Nacido y criado and Leonera y Carancho by Pablo Trapero, and Albertina Carri’s La rabia. She was executive producer of Ezequiel Acuña’s Excursiones. In 2011, she co-founded La Unión de los Ríos production company which has produced El estudiante, La patota and La cordillera by Santiago Mitre, Los salvajes by Alejandro Fadel, and Hugo Santiago’s El cielo del centauro. The company was co-producer of the film Los vagos, the debut film of Gustavo Biazzi. She is currently producing Muere, monstruo, muere by Alejandro Fadel.

Anette Dujisin Trabaja entre Italia y Portugal. En Italia trabaja como programadora en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, dedicada a primeras obras. En Portugal gestiona una plataforma VOD de cine independiente y de autor, Filmin Portugal, y también se dedica a la distribución cinematográfica de obras en salas de cine. Es programadora del Festival de Cine Italiano que se realiza en Portugal, Brasil, Angola y Mozambique. Eng She works between Italy and Portugal. In Italy, she is a programmer for the Critics’ Week of the Venice Film Festival, dedicated to debut films. In Portugal, she manages a VOD platform for independent and auteur cinema, Filmin Portugal, and also works in film distribution in movie theaters. She is the programmer of the Italian Film Festival that is held in Portugal, Brazil, Angola and Mozambique.

JURADOS NO OFICIALES — NON-OFFICIAL JURIES

ASA (Asociación Argentina de Sonidistas Audiovisuales) ASA (Argentine Association of Sound Technicians) Diego Martínez / Jose Eugenio Caldararo / Catriel Vildosola

ACCA (Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina) ACCA (Argentine Film Journalists Association) Blanca María Monzón / Fernando Brenner / Guillermo Álamo

ADF (Autores de Fotografía Cinematográfica Argentina) ADF (Argentine Authors of Cinematography) José María Gómez / Paola Rizzi / Fernando Lorenzale

ARGENTORES (Sociedad General de Autores de la Argentina) ARGENTORES (Argentine General Society of Authors) Graciela Maglie / Irene Ickowicz / Martín Salinas

CINE.AR Juan Taratuto / Alejandra Marano / Fernando Salem

EDA (Asociación Argentina de Editores Audiovisuales) EDA (Argentine Audiovisual Editors Association) Pablo Barbieri / Jordana Berg / Irene Blecua

FEISAL (Federación de Escuelas de la Imagen y el Sonido de América Latina) FEISAL (Latin American Federation of Image and Sound Schools) Atilio Perín / Simón Alejandro García / Esteban Ferrari

FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica) FIPRESCI (International Federation of Film Critics) Diego Brodersen / Guilherme de Alencar Pinto / Andrés Nazarala

32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

FNA (Fondo Nacional de las Artes) Cecilia Kang / Pablo Chernov / Julian D'angiolillo

Greenpeace Marcelo Piñeyro / Elena Roger / Romina Gaetani RECAM (Reunión Especializada de Autoridades Cinematográficas y Audiovisuales del Mercosur) RECAM (Specialized Meeting of Mercosur Cinematographic and Audiovisual Authorities) Lorena Bianchini / Sylvia Bahiense / Augusto Netto / Ángela Viglietti SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música) SADAIC (Argentine Society of Music Authors and Composers) Agustín Clemente Leyes / Gustavo Miguel Loubet / Carlos Enrique Simoes

SAE (Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales) SAE (Argentine Society of Audiovisual Editors) Valeria Otheguy / Pablo Mari / Alejandro Carrillo Penovi

SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes) SAGAI (Argentine Society of Actors and Interpreters Management) Felipe Colombo / Thelma Biral / Sergio Surraco

SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) SICA (Argentine Film Industry Union) Ana Carolina Vergara / Marcelo Salvioli / Mariana Bruno

SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación) SIGNIS (World Catholic Association for Communication). Isabelle Verbrugge / Néstor Briceño / Eduardo Héctor Freire

Asociación de Directores de Cine PCI PCI Filmmakers Association Martín Desalvo / Constanza Sanz Palacios / Federico Esquerro

Competencia Internacional â&#x20AC;&#x201D; International Competition 28 30 32 34 36 38 40 42 44 46 48 50 52 54

Al desierto Invisible Western Primas The First Lap Columbus Good Luck Les Gardiennes Thelma Wajib A fĂĄbrica de nada Ramiro El silencio del viento 5 Therapy

competencia internacional — international competition

Al desierto To the Desert Julia trabaja como camarera en el turno noche del casino de Comodoro Rivadavia. Ahí conoce a Armando, un cliente que le propone una posibilidad interesante de empleo en la industria petrolera. Así, lo que empieza con una cita matutina, currículum en mano, deviene una travesía pesadillesca en medio del paisaje árido de la Patagonia, un espacio que Ulises Rosell utiliza con el mismo poder cinematográfico de un western, con la inclemencia del sol y la oscuridad de la noche azotando a los protagonistas. Inspirada en las historias de las cautivas del siglo XIX, Al desierto plantea una relación que encierra un misterio, y que irá cambiando de forma a medida que el polvo va cubriendo las ropas de la pareja (Valentina Bassi y Jorge Sesán llenan la pantalla con una intensidad al límite). Rosell consigue transmitir la inclemencia del ambiente, en planos en los que la desolación patagónica se siente en la piel y la sequedad en la boca. Al desierto es una road movie a pie, una aventura de supervivencia –además de un tour de force psicológico–, en la que los personajes, encerrados afuera, no tienen nada que perder.

Julia works as a waitress on the night shift of the Comodoro Rivadavia casino. There, she meets Armando, a customer who offers an interesting work opportunity in the oil industry. And so, what starts out as a morning appointment, résumé in hand, becomes a nightmarish journey in the middle of the arid landscape of the Patagonia, a space Ulises Rosell uses with the cinematic power of a western, with the inclemency of the sun and the darkness of night ravaging the protagonists. Inspired in the stories of captive women from the 19th century, To the Desert lays out a mysterious relationship that will shift shape as the dust covers the clothes of both main characters (Valentina Bassi and Jorge Sesán filling the screen with maxed-out intensity). Rosell manages to convey the inclemency of the environment in shots where the Patagonian desolation is felt on the skin and its dryness in the mouth. To the Desert is a road movie on foot, an adventure of survival –as well as a psychological tour de force- where the characters, locked outside, have nothing to lose.

Ulises Rosell Escribe y dirige películas de ficción, documentales y series de TV. Realizó el cortometraje Dónde y cómo Oliveira perdió a Achala (ganador de Historias breves 1995), y los largometrajes Bonanza (2001) y El etnógrafo (2012). Eng He has written and directed narrative films, documentaries and television series. He directed the short film Dónde y cómo Oliveira perdió a Achala (winner of Historias breves 1995), and the feature films Bonanza (2001) and El etnógrafo (2012).

Argentina / Chile, 2017 / 94’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Ulises Rosell G: Ulises Rosell, Sergio Bizzio F: Julián Apezteguia E: Alejandro Brodersohn DA: Nicolás Oyarce S: Santiago Fumagalli M: Ángel Parra P: Ezequiel Borovinksy, Alejandro Israel, Catalina Donoso Knaudt CP: Ajimolido Films, Wankacine, Triciclo Films I: Valentina Bassi, Jorge Sesán, Alejandro Goic, Héctor Morales

Contacto / Contact Ajimolido Films Alejandro Israel T +54 11 4863 9844 +54 9 11 5185 1568 E ajimolidofilms@ gmail.com W ajimolidofilms.com

Notas del director Me interesaba trabajar una relación de dos personajes aislados del mundo como mero desafío narrativo. Suponía que, sin la mirada del entorno cotidiano y con la presión de la supervivencia, se abrían las posibilidades que permitirían que los personajes evolucionaran hacia terrenos menos transitados. Para eso convoqué a dos actores de larga trayectoria pero de formación casi opuesta: Valentina Bassi y Jorge Sesán. La propuesta fue que se vieran las caras por primera vez en el set, sin ensayos previos y con la cámara prendida. La desolación era total kilómetros a la redonda, el viento patagónico golpeaba incesante; confirmamos que todo se mantuvo igual en los últimos dos siglos.

Director's Statement I was interested in working on a relationship between two characters isolated from the world merely as a narrative challenge. I supposed that without the gaze of the everyday environment and with the pressure for survival, new possibilities would open that would allow the characters to evolve towards less-covered ground. In order to do so, I summoned two actors with large careers but almost opposite training: Valentina Bassi and Jorge Sesán. The idea was for them to see their faces for the first time on the set, with no previous rehearsals and the camera on. The desolation in a radius of many kilometers, the Patagonian wind blew incessantly, and we confirmed that everything was kept the same in the last two centuries.

competencia internacional — international competition

Invisible Ely se abre paso en su adolescencia con la madurez necesaria para enfrentar las obligaciones y adversidades de la vida adulta, balanceando sus estudios secundarios con el trabajo en una veterinaria y sosteniendo la economía del hogar ante la depresión de su madre, que no sale del departamento en el que viven. Pero un embarazo no deseado la expone a una realidad que ignora y que mitiga la determinación de cualquier mujer, más allá de su edad o autosuficiencia: el Estado se asume con las manos atadas y la deja a su suerte, su pareja canaliza sus temores imponiendo una decisión, los docentes se limitan a reclamar su atención en clase y el único sostén está en una compañera del colegio. En su segundo largometraje, Pablo Giorgelli acompaña con empatía la interpretación formidable de Mora Arenillas, manteniendo la distancia apropiada y sin cargar las tintas. A su vez, Arenillas utiliza siempre el criterio correcto para alternar entre la sugestión y la revelación de sus temores en una instancia contradictoria y tristemente usual: obligada a valerse por sí misma, no puede decidir qué hacer con su cuerpo.

Ely makes her way through adolescence with the maturity necessary to face the obligations and adversities of adult life, balancing her high school studies with her work at a veterinarian’s office, and providing for her family while her mother goes through a depression, never leaving the apartment they live in. However, an unwanted pregnncy exposes her to a reality that ignores and weakens the determination of any woman, no matter her age or her self-determination: the State pretends to have its hands tied leaving her to her own devices, her partner channels his fears, imposing a decision, the teachers limit themselves to asking her to pay attention in class and the only support she gets is from a classmate. In his second feature, Pablo Giorgelli accompanies a wonderful performance by Mora Arenillas with empathy, keeping the appropriate distance and not overdramatizing. In turn, Arenillas always uses the correct criteria to alternate between the suggestion and the revelation of her fears in a contradictory and sadly common situation: forced to fend for herself, she cannot decide what to do with her body.

Pablo Giorgelli Nació en 1967 en Buenos Aires. Su primer largometraje, Las acacias (2011), compitió en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, donde se alzó con tres premios y la prestigiosa Camera d’Or a la Mejor Ópera Prima de todo el festival. Eng Born in 1967 in Buenos Aires, his first feature film, Las acacias (2011), competed in the International Critics’ Week of the 2011 Cannes Film Festival where it won three awards and the prestigious Camera d’Or for the Best First Feature Film of the entire festival. Argentina / Brasil / Uruguay / Alemania / Francia - Argentina / Brazil / Uruguay / Germany / France, 2017 / 87’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Pablo Giorgelli G: Pablo Giorgelli, María Laura Gargarella F: Diego Poleri E: María Astrauskas DA: Ailí Chen S: Edson Secco, Martín Litmanovich M: Pedro Onetto P: Juan Pablo Miller, Ariel Rotter CP: Tarea Fina, Aire Cine I: Mora Arenillas, Mara Bestelli, Diego Cremonesi, Agustina Fernandez, Paula Fernández Mbarak, Jorge Waldhorn

Contacto / Contact Tarea Fina Juan Pablo Miller T +54 11 4544 2916 +54 9 11 3 891 3036 E jpmiller@ tareafina.com W tareafina.com

Notas del director Siempre me conmovió la gente que se siente sola. Ese momento de vulnerabilidad en el que uno se siente desamparado y debe sobreponerse al dolor y a la tristeza. De ahí viene esta película. De mi propia tristeza y desamparo. De alguna gente que conocí en mi barrio de monoblocks, donde filmé la película. Los invisibles, los anónimos. Gente que trabaja y sobrevive. Gente con la necesidad instintiva de rebelarse ante un futuro que, les dicen, no les pertenece. Gente que debe convivir con las consecuencias de un sistema que los excluye un poco más cada día. Gente que no quiere estar sola y resiste como puede. Los invisibles, los anónimos. Nosotros.

Director's Statement I’ve always been moved by people who feel lonesome. That moment of vulnerability when one feels defenseless and must overcome pain and sorrow. My own sense of sorrow and defenselessness –and that of people I knew in the housing complex where I grew up and shot my film– is the origin of this movie. Invisible, anonymous people. People who work and get by. People with the instinctive need to rise up against a future that –they are told– does not belong to them. People who have to deal with the consequences of a system that excludes them a little more every day. People who don’t want to be alone and who resist as best they can. The invisible, the anonymous. Us.

competencia internacional — international competition

Western Una compañía alemana opera sobre el cauce de un río en un pueblo rural de Bulgaria. Los obreros llevados allí para trabajar son todos hombres y alemanes. Se trata de hombres solos en territorio extranjero, lo cual puede despertar tanto un sentido de la aventura como algunos prejuicios frente a diferencias culturales e idiomáticas. Uno de ellos no parece interesado en las formas de compartir los momentos libres con sus compañeros, pero desarrolla paulatinamente una legítima curiosidad por la cultura de la aldea. La tercera película de Valeska Grisebach es narrativamente prodigiosa; todo se sugiere, nada se explicita. Su inequívoco título remite tanto al género como a una posición geopolítica e histórica: no hay indios (pero sí hay un caballo), aunque hay otros que tienen una historia en común con los visitantes y albergan sus razones y sospechas. Lo que sucede entre el protagonista y uno de los hombres de la aldea constituye una conmovedora y discreta utopía sostenida en la amistad, que prescinde involuntariamente de una misma lengua, pero está atravesada por un deseo mutuo de reconocimiento.

A German company operates on a riverbed in a rural town in Bulgaria. The workers brought there are all men and all German. They are men alone in a foreign land, which could awaken a sense of adventure as well as some prejudice faced with cultural and linguistic differences. One of them doesn’t seem interested in sharing his free time with his workmates, but gradually develops a legitimate curiosity for the culture of the village. This third film by Valeska Grisebach is narratively prodigious; everything is suggested, nothing is explicitly stated. Its unequivocal title refers to a genre as well as a geopolitical and historical position: there are no Indians (but there is a horse), even though there are others that share a common history with the visitors and harbor their ideas and suspicions. What happens between the main character and one of the men of the village constitutes a moving, discreet utopia based on friendship, which involuntarily does so without a common language, but is pierced by a mutual desire for recognition.

Valeska Grisebach Nació en 1968 en Bremen, Alemania. Se graduó en la Academia del Film de Viena, donde estudió con Michael Haneke. Dirigió los largometrajes Be My Star (2001) y Longing (2006, Mención Especial en el 21° Festival). Eng She was born in Bremen, Germany, in 1968, and graduated from the Film Academy Vienna, where she studied with Michael Haneke. She directed the features Be My Star (2001) and Longing (2006, Special Mention at the 21st Festival). Alemania / Bulgaria / Austria - Germany / Bulgaria / Austria, 2017 / 120’ / DCP / Color / Alemán / Búlgaro - German / Bulgarian D, G: Valeska Grisebach F: Bernhard Keller E: Bettina Böhler DA: Beatrice Schultz S: Uve Haubig P: Jonas Dornbach, Janine Jackowski, Maren Ade, Valeska Grisebach, Michel Merkt CP: Komplizen Film I: Meinhard Neumann, Reinhardt Wetrek, Syuleyman Alilov Letifov, Veneta Frangova, Vyara Borisova

Contacto / Contact CDI Films E info@cdifilms.com.ar

Notas del director Muchos caminos distintos llevaron a esta película, y se juntaron para crear una historia. Uno era el género del western, que siempre me cautivó de una manera extraña, cálida, y eventualmente disparó mi deseo por volver a eso, como un lugar en el cual ya estuve. Como chica, me identificaba con los héroes masculinos de los westerns y al mismo tiempo me enamoraba de ellos, así que siempre era excluida desde el vamos. Quizás este conflicto también contribuyó a mi deseo por explorar este género “masculino” per se. Quería acercarme a los personajes masculinos, solitarios, inflados y a menudo melancólicos del western. Todo esto se correspondía con el tema de la xenofobia latente, algo que hace rato quería explorar en el cine.

Director's Statement Several different paths led to this film that, increasingly and by association, joined together to form a story. One was the Western genre. It never ceased to captivate me in a strange, cozy way, and eventually triggered my desire to return to it – as if to a place I’d been before. As a girl, I identified with the male heroes of Western films and at the same time had crushes on them, so I was always excluded from the start. Perhaps this conflict also contributed to my wish to explore this per se “male” genre. I wanted to get closer to the solitary, inflated, often melancholic male characters of the Western. All of this corresponded with the subject of latent xenophobia –something I’ve long wanted to explore in a film.

competencia internacional — international competition

Primas Primas es, primero, un retrato de dos chicas unidas por el vínculo familiar del título, Rocío y Aldana. Pero estas dos adolescentes argentinas, además, comparten la carga de haber sufrido actos horribles de violencia que interrumpieron sus infancias. Entre conversaciones y paseos, se liberarán de las sombras de un pasado repleto de abusos. Un relato sucede al otro, y en esas palabras el presente se abre por completo a las heridas de otro tiempo, a un espanto que chocó de frente con sus vidas cambiándolas para siempre. Pero sus vidas no les pertenecen a sus agresores, ni a los comentaristas ni a los que suponen. El relato es propio de cada una de ellas, que reconocen la maldad y el horror en sus cuerpos, lo miran de frente y lo desafían. Con el objetivo de visitar a su tía, viajan de Argentina a Montreal, vislumbran su llegada a la adultez y movilizan sus vidas cotidianas. Danza, teatro y expresiones corporales son herramientas para el relato, uno que pasa a través de sus cuerpos para construir una perspectiva única, dolorosa, donde la resiliencia le hace frente a la crueldad.

Primas (Cousins) is, first, a portrayal of Rocío and Aldana, two girls drawn together by the family bond of the title, but these two Argentine teenagers also share the burden of having suffered from horrible acts of violence that disrupted their childhoods. Between conversations and walks, they will free themselves from the shadows of a past filled with abuse. One story follows another, and through their words the present opens completely to the wounds of another time, to terrible situations that collided head on with their lives, changing them forever. However, their lives do not belong to their aggressors, nor to those who comment or suppose they know. The story is their very own, and they acknowledge the evil and the horror in their bodies: they look at it in the eye and defy it. They travel from Argentina to Montreal to visit their aunt, they get a glimpse of their adulthood and put their everyday lives in motion. Dance, drama and physical theater are tools for the story, one that pierces through their bodies in order to build a unique, painful perspective in which resilience confronts cruelty.

Laura Bari Nació en Argentina y actualmente vive en Montreal. Es una cineasta autodidacta. Dirigió los largometrajes Antoine (2009, 24° Festival) y Ariel (2013). Eng Born in Argentina, she currently lives in Montreal. She is a self-taught filmmaker and directed the feature films Antoine (2009, 24th) and Ariel (2013).

Canadá / Argentina - Canada / Argentina, 2017 / 100’ / DCP / Color / Español - Spanish D, E: Laura Bari S: Andreas Mendritzki M: Florencia Di Concilio P: Andreas Mendritzki, Aonan Yang, Laura Bari CP: GreenGround Productions I: Rocío Alvarez, Aldana Bari

Contacto / Contact GreenGround Productions Andreas Mendritzki T +514 659 4846 E andreas@ greenground.ca W greenground.ca

Notas del director Me fascina la singularidad y la diferencia, y elijo el cine como modo de fusionar temas de arte, cultura, educación y salud. Mis películas apuntan a consolidar la diferencia entre lo real y lo imaginario, una dualidad que es parte esencial de la condición humana, en particular por los héroes anónimos cotidianos que protagonizan los films. Sus universos me inspiran a contar historias que son hermosas y horribles, desesperantes y alegres, necesarias e inciertas. Con Primas completo una trilogía de documentales (con Antoine y Ariel) no solo para crear una zona de conciencia común sino también para dar lugar a que el proceso de metamorfosis por el arte sea verdadero; la poesía impregna esperanza en medio de la devastación.

Director's Statement Fascinated by singularity and difference, I chose film as a way to merge arts, culture, education and mental-health issues. My films aim to consolidate the split between the real and the imaginary, a duality that is an integral part of the human condition – particularly so for the everyday unknown heroes that are the films’ protagonists. Their universes inspire me to tell stories that are beautiful and ugly, despairing and joyful, necessary and uncertain. With Primas I complete a trilogy of feature documentary films, (Antoine; Ariel) to not only build a zone of common consciousness but also to allow the process of metamorphosis-trough-art to be true; poetry imbues hope in the midst of devastation.

competencia internacional — international competition

The First Lap Cho-haeng - La primera vuelta Su-hyeon es una aspirante a artista que, resignada, se dedica a dar clases. Su novio Ji-young también es un empleado. Viven juntos desde hace seis años, hasta que la tranquilidad de sus vidas se interrumpe cuando Ji-young revela que está embarazada. Las visitas a sus respectivas familias, con sus diferentes realidades sociales, enfrentará a la joven pareja a la posibilidad y los miedos de transformarse ellos mismos en una familia. Entre reproches, problemas del pasado que nunca fueron resueltos y la incertidumbre sobre un futuro que se acerca inexorablemente, la joven pareja realizará un viaje que los dejará al comienzo de una nueva vida. La secuencia final, filmada durante el momento en que el pueblo coreano tomaba las calles pidiendo por la renuncia de su presidente Park Geun-hye (hechos ocurridos en el otoño de 2016), demuestra no solo la inmediatez de la película, sino el talento de su director para unir lo íntimo con lo social y demostrar que la ficción siempre será la mejor herramienta para hablar de la realidad.

Su-hyeon is an aspiring artist who, resigned to her fate, makes her living as a teacher. Her boyfriend, Jiyoung, also has a job just to make a living. They have been living together for six years, until the peacefulness of their lives is interrupted when Ji-young reveals that she is pregnant. Their visits to their respective families, from different social backgrounds, confront the young couple with their possibility and fears of their becoming a family. Between reproaches over past problems that were never resolved and the uncertainty of a future that is relentlessly coming closer, the young couple takes a trip that will leave them at the beginning of a new life. The final sequence, filmed at the moment when the Korean people took to the streets demanding the resignation of President Park Geun-hye (October of 2016), demonstrates not only the immediacy of the film, but also the talent of its director for uniting the intimate with the social, and demonstrating that fiction is always the best tool for talking about reality.

Kim Dae-hwan Nació en 1985 y estudió cine en la Universidad Dankook. End of Winter (2014), su debut como director, fue premiado en el festival de cine de Busan y seleccionado para la sección Forum de la Berlinale. The First Lap es la segunda parte de su Trilogía Familiar. Eng Born in 1985, he studied film at Dankook University. His directorial debut End of Winter (2014) was awarded at the Busan Film Festival and selected for Berlinale’s Forum. The First Lap is the second piece of his Family Trilogy. Corea del Sur - South Korea, 2017 / 101’ / DCP / Color / Coreano - Korean D, G, E: Kim Dae-hwan F: Son Jin-young DA: Jung Bo-ran S: Yoon Sang-il, Na Jun-tek P: Jang Woo-jin, Lee Im-gul CP: Bomnaefilms I: Cho Hyun-chul , Kim Sae-byuk

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Notas del director Los jóvenes coreanos contemporáneos son hijos de la generación baby boomer. La mayoría son graduados universitarios, pero padecen las dificultades de insertarse en el mercado laboral y una crisis de los valores tradicionales. La historia de estos jóvenes en torno a las tensiones que produce el “casamiento” busca plantear interrogantes sobre el significado de dicho término en la vida de los coreanos, y los cambios manifiestos en el tiempo. Mi propósito fue construir un relato basado en las vivencias de las personas más cercanas, aquellas con las que podemos cruzarnos cotidianamente. Procuré no imponer limitaciones a los actores. El mayor objetivo y logro de la película fue compartir los interrogantes y buscar las respuestas dentro de situaciones espontáneas.

Director's Statement Young people in contemporary Korea are the children of the baby boom generation. Most of them have a college degree, but nevertheless experience hardships when trying to enter the job market, as they also witness a crisis in traditional values. The story of these young people and the tensions that arise from "marriage" aim to pose questions about the meaning of that term in Korean life, end expose the changes time has brought. My goal was to build a story based on the experiences of familiar people, the kind of people we run into everyday. I tried not to impose restrictions on the actors. The film's biggest goal and achievement was to share questions and try to find the answers within spontaneous situations.

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Columbus Cuando un famoso erudito de la arquitectura se enferma de repente, su hijo Jin se encuentra varado en Columbus, Indiana, una ciudad del Medio Oeste de EE.UU. conocida por sus edificios modernistas. Jin comienza una amistad con Casey, una chica inteligente y aficionada a la arquitectura que trabaja en la biblioteca de la ciudad. Con una intimidad curiosa, Jin y Casey exploran la ciudad y sus propios conflictos emocionales: la relación distante de Jin con su padre y la reticencia de Casey a dejar a su madre, una adicta a las drogas en recuperación. Con un ritmo propio de su ambientación a fines del verano, el debut cinematográfico del reconocido videoensayista coreano Kogonada se despliega como una conversación a la deriva y profundamente atrapante que se reinventa a sí misma de forma constante. Su estilo evocador está lleno de bellos cuadros que incorporan de forma elegante la arquitectura de la ciudad. A Kogonada le intriga la manera en que experimentamos el espacio y la ausencia y, si bien solemos ver el modernismo como intrínsecamente alienante, aquí es también un bálsamo espiritual. Columbus es una combinación armoniosa entre la narración cerebral y la emocional; una meditación lírica acerca de la amplitud espiritual.

When a renowned architecture scholar falls suddenly ill, his son Jin finds himself stuck in Columbus, Indiana, a Midwestern city renowned for its modernist buildings. Jin strikes up a friendship with Casey, a bright girl and architecture enthusiast who works at the city library. With a curious intimacy, Jin and Casey explore both the town and their conflicted emotions: Jin’s estranged relationship with his father and Casey’s reluctance to leave her mother, a recovering drug addict. Paced to the naturalistic rhythms of its late-summer setting, the film debut of notorious Korean video-essayist Kogonada unfolds as a gently drifting, deeply absorbing conversation that constantly reinvents itself. His atmospheric style is strewn with gorgeous tableaus that elegantly incorporate the city’s architecture. Kogonada is intrigued by how we experience space and absence, and although we typically see modernism as intrinsically alienating, here it’s also a spiritual salve. A harmonious blend of cerebral and emotional storytelling, Columbus is a lyrical meditation on spiritual spaciousness.

Kogonada Nació en Seúl, Corea del Sur. Es crítico de cine y ensayista visual para el sello Criterion Collection y la revista Sight & Sound. Columbus es su primer largometraje. Eng Born in Seoul, South Korea, he is a film critic and visual essayist for the Criterion Collection and the magazine Sight & Sound. Columbus is his first feature length film.

Estados Unidos - USA, 2017 / 101’ / DCP / Color / Inglés - English D, G, E: Kogonada F: Elisha Christian DA: Diana Rice M: Hammock P: Andrew Miano, Aaron Boyd, Danielle Renfrew Behrens, Chris Weitz, Giulia Caruso, Ki Jin Kim CP: Superlative Films, Depth of Field, Nonetheless Productions, Inc I: John Cho, Haley Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes, Rory Culkin

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Notas del director Hace unos años hicimos una excursión por el día a Columbus, con mi mujer y mis dos hijos. Poco antes había leído algo acerca de una meca de la arquitectura modernista en los campos de Indiana; un pueblo tranquilo en el conservador Medio Oeste que funcionaba como un museo viviente (y fantasmal) de la promesa del modernismo. Inmediatamente tuve la inspiración de hacer una película ahí. La muerte es separación, y toda separación es una especie de muerte. Ambas cosas me atormentaron desde siempre; el pequeño y último adiós. Tengo padres ancianos e hijos que crecen y siento cada vez más el peso de esa próxima separación. ¿Hay un sentido en la ausencia? ¿Cómo sostenemos esa inevitabilidad? La historia de Columbus emerge de estas preguntas.

Director's Statement I took a day trip to Columbus a few years ago with my wife and two boys. I had recently read about this mecca of modernist architecture in the farmlands of Indiana. This quiet town in the conservative Midwest functioning as a living (and ghostly) museum to the promise of modernism. I immediately felt inspired to make a film there. Death is separation, and all separation is a kind of death. I’ve always been haunted by both. The small and final goodbye. I have aging parents and growing children and increasingly feel the weight of this coming separation. Is there meaning in the absence? How do we contend with the inevitability of it. The story of Columbus emerges from these questions.

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Good Luck Koloku - Buena suerte A la hora de retratar una de las actividades más antiguas de la humanidad, el cine siempre encuentra el camino hacia su estado más primario. El último trabajo de Ben Russell registra de manera inmersiva el sacrificio y la alienación cotidiana de los trabajadores de dos minas: una ubicada en Serbia, 400 metros por debajo del suelo y administrada por el Estado, y otra que opera a cielo abierto en Surinam, de manera ilegal. Las extensas tomas y planos consiguen quebrar la pasividad del espectador sin recurrir a subrayar lo evidente de cada realidad, optando por respaldarse en su contundencia formal para transmitir el esfuerzo físico junto a aquellos momentos en los que la fraternidad y la esperanza logran imponerse, entre la hostilidad habitual de ambos entornos. Aludiendo constantemente a los contrastes (naturales, sociales y narrativos), el documental imita la tarea monumental y paciente de los sujetos que observa, incluyendo los planos fijos que ellos mismos pueden decidir cuándo cortar. No sobran los casos en los que es tan pertinente hablar de una película como un tour de force, pero este es uno de ellos.

When depicting one of humanity’s most ancient activities, film always finds the path towards its most primal state. In an immersive way, Ben Russell’s latest work captures the everyday sacrifice and alienation of the workers of two mines: one located in Serbia, 400 meters below the ground and run by the State, and another, open-pit, that operates illegally in Surinam. The long takes and compositions manage to break the audience’s passivity without resorting to overstating what’s is clear in each reality, opting to rely on the power of its form in order to transmit the physical effort along with those moments in which fraternity and hope manage to prevail among the usual hostility of these environments. Constantly alluding to contrasts (natural, social and narrative), the documentary imitates the monumental and patient task of the subjects it observes, including the fixed shots they themselves can decide to cut. There aren’t many cases in which it’s very appropriate to talk of a film as a tour de force, but this is one of them.

Ben Russell Nació en 1976 en Estados Unidos. Su primer largometraje Let Each One Go Where He May (2009) recibió la Beca Guggenheim y el Premio FIPRESCI en Rotterdam. Codirigió Spell to Ward Off the Darkness (2013) junto a Ben Rivers. Eng Born in the United States in 1976, his first feature length film Let Each One Go Where He May (2009) won the Guggenheim grant and the FIPRESCI Award in Rotterdam. He co-directed Spell to Ward Off the Darkness (2013) together with Ben Rivers. Francia / Alemania - France / Germany, 2017 / 143’ / DCP / Color - B&N / Serbio / Saramaccan - Serbian / Saramaccan D, G: Ben Russell E: Ben Russell, Maja Tennstedt S: Jakov Munizaba P: Janja Kralj, Guillaume Cailleau CP: KinoElektron and CaSk Films

Contacto / Contact Stray Dogs Lison Hervé T +33 0 182 284 215 E lison@stray-dogs.com W stray-dogs.biz

Notas del director El origen del cine está directamente ligado con la representación del trabajo: las primeras imágenes en movimiento son literalmente de trabajadores (Trabajadoras saliendo de la fábrica Lumière). No puedo evitar ver que mi trabajo opera en tándem con esta kino-investigación de 120 años. La mina de oro ilegal Kiiki Negi en Surinam que conocí filmando Let Each One Go Where He May es la misma mina de oro retratada en Good Luck. Tanto antes como ahora me emocionó la vitalidad de la comunidad de los mineros en Saramacca, la sorprendente amabilidad y generosa humanidad que parecía existir como función del desastre ecológico que estaba efectivamente sucediendo.

Director's Statement Cinema’s origin is directly bound up in the representation of labor—the very first moving images made are literally of workers: Workers Leaving the Lumière Factory. I can’t help but see instances of my own work as operating in tandem with this 120-year-old kinoinquiry. The illegal Surinamese Kiiki Negi gold mine that I visited while filming Let Each One Go Where He May is the same gold mine depicted in Good Luck. Then as now, I was overwhelmed by the vitality of the community of Saramaccan miners, by the surprisingly kind and generous humanity that appeared to exist as a function of the ecological disaster that was actively taking place.

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Les Gardiennes The Guardians / Las guardianas Ambientada en la Francia rural de 1915, Les Gardiennes cuenta la historia de una familia de campo apenas comenzada la Primera Guerra Mundial. La matriarca Hortense es la responsable de que todo funcione en la granja familiar, ya que todos sus parientes masculinos han sido enviados al frente. Hortense necesita ayuda en las labores del campo, y contrata a una jornalera, Francine, que hace la cosecha “como un hombre”. Todo cambiará cuando la joven conozca a Georges: la atracción entre ambos dará lugar a una relación epistolar a distancia cuando él regrese al frente, y la situación dará un giro dramático cuando los estadounidenses aparezcan en el pueblo. Xavier Beauvois, un favorito del Festival de Cannes –No olvides que vas a morir (1955) ganó el Premio del Jurado, y su mayor éxito internacional, De dioses y hombres, se llevó el Gran Premio–, adapta la novela del mismo nombre de Ernest Pérochon, y entrega una película de guerra plenamente feminista, en la cual el conflicto en sí queda fuera de campo para dar lugar al modo en que una sociedad puramente agrícola se enfrentó a uno de los períodos más desoladores de la historia, en el que las mujeres comenzaron a apartarse de los roles que todavía desempeñaban a comienzos del siglo XX.

Set in 1925 rural France, The Guardians follows the saga of a country family soon after the outbreak of World War I. Matriarch Hortense is responsible for running everything on the family farm, since all the male members have been sent to the front. Hortense needs help to work the fields, and she finds a new farmhand, Francine, who is “as good as a man” for the harvest. Everything will change after Francine meets Georges, as their mutual attraction will lead to a longdistance, epistolary relationship when he returns to the battlefield. But things will take a dramatic turn when the Americans turn up in the village. Cannesfavorite Xavier Beauvois –his directorial breakthrough Don’t Forget You’re Going to Die (1995), won the Jury Prize at Cannes, and his biggest international success Of Gods and Men (2010) received the Grand Prix– adapted Ernest Pérochon's novel of the same name to deliver a purely feminist war film, where the war is not explicitly depicted, and instead depicts the way in which a purely agricultural society coped with one of the most devastating historical periods, when women started to stray from their early 20th-century roles.

Xavier Beauvois Nació en Auchel, Francia. Trabajó como asistente de dirección de André Téchiné y Manoel de Oliveira antes de dirigir sus propias obras, entre ellas, Nord (1991), De dioses y hombres (2010) y La Rançon de la gloire (2014). Eng Born in Auchel, France, he worked as director’s assistant for André Téchiné and Manoel de Oliveira before directing his own films, among them, North (1991), Of Gods and Men (2010) and The Price of Fame (2014). Francia / Suiza - France / Switzerland, 2017 / 134’ / DCP / Color / Francés - French D: Xavier Beauvois G: Xavier Beauvois, Frédérique Moreau, Marie-Julie Maille F: Caroline Champetier E: Marie-Julie Maille DA: Yann Mégard S: Christophe Giovanonni M: Michel Legrand P: Sylvie Pialat, Benoit Quainon, Pauline Gygax, Max Karli, Michel Merkt, Romain Le Grand, Vivien Aslanian CP: Les Films du Worso, Rita Productions, Pathé, Orange Studio, France 3 Cinéma, KNM, Versus Production, RTS Radio Télévision Suisse I: Nathalie Baye, Laura Smet, Iris Bry

Contacto / Contact Pathé International Amélie Stevens T +33 171 723 000 E amelie.stevens@ pathe.com W patheinternational.com

Notas del director ¿Cómo expresar la guerra, de una manera poderosa, sin que se vea directamente? Hemos visto demasiadas imágenes: están gastadas, impermeables al sufrimiento. Quería transmitir la destrucción psíquica y física de estos hombres sin mostrarla. Para mí una película excepcional sobre la guerra es Los paraguas de Cherburgo. Un elemento clave en la construcción del guión son las idas y venidas de los hombres de licencia, como si sus llegadas interrumpieran ese otro combate, el de las mujeres contra la naturaleza para mantener las granjas y alimentar a los soldados. También estoy fascinado por un deseo de honrar a ese mundo de mujeres, del cual mi generación es la última guardiana.

Director's Statement How to convey the war, powerfully, yet without seeing it directly? We have seen too many images: they are worn, impermeable to suffering. I wanted to convey the psychic and physical destruction of these men without showing it. The Umbrellas of Cherbourg is for me an exceptional film about the war. A key element in the construction of the script is the coming and going of the men on furlough, as if their arrival disturbs the other combat, that of the women with nature, to keep the farms going and to feed the soldiers. I am also gripped by the desire to honor this world of women, of which my generation is the last custodian.

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Thelma El despertar sexual y la liberación adolescente como una fuerza sobrenatural capaz de consecuencias tan intensas como devastadoras no es una idea nueva, como bien lo sabe Brian De Palma desde Carrie. Pero Joachim Trier lleva estos elementos hacia un calmo y estilizado escenario nórdico construyendo una idea de terror adolescente hecho de pura luz y pavor existencial. A Thelma la conocemos cuando es solo una niña, en un pueblo remoto de Noruega, de caza con su padre. Cuando este apunta su rifle secreta y brevemente hacia su hija, sabemos que hay algo, como mínimo, muy peligroso en la chica. Ya convertida en estudiante universitaria, Thelma llega a Oslo alejándose de un ambiente religiosamente represivo, e intentando aclimatarse a un mundo del que no logra sentirse parte. Pero un día conoce a Anja, una cálida y mucho más suelta compañera que despertará en Thelma emociones que la tímida protagonista no se animará a reconocer, en parte por una crianza religiosa, y en parte porque, en el fondo, Thelma sabe que pueden ser el disparador de fuerzas sobrenaturales oscuras y potencialmente mortales que, como el amor, pueden despedazar a cualquiera.

Sexual awakening and adolescent liberation as a supernatural force capable of resulting in consequences that are as intense as they are devastating is not a new idea, as Brian De Palma has known well since Carrie. However, Joachim Trier brings these elements to a calm and stylized Nordic setting, constructing an idea of adolescent terror that is pure light and existential dread. We meet Thelma when she is just a child, in a remote Norwegian town, hunting with her father. When he briefly and secretly points his rifle at his daughter, we know that there is something, at the very least, very dangerous inside this girl. Now a university student, Thelma goes to Oslo distancing herself from a religiously repressive environment, and trying to acclimatize herself to a world to which she does not feel she belongs. However, one day she meets Anja, a warm and much more relaxed companion who awakens in Thelma emotions that the shy young woman does not dare to recognize, in part due to her religious upbringing and, in part, because deep down Thelma knows that they could be the trigger for dark and potentially deadly supernatural forces that, like love, can tear apart anyone.

Joachim Trier Nació en Copenhague en 1974 y estudió cine allí y en Inglaterra. Sus películas han tenido un largo recorrido en festivales internacionales. Su ópera prima Reprise (2006) obtuvo el premio al Mejor Director en Karlovy Vary; Oslo, 31 de agosto (2011) participó de Un Certain Regard, y Louder Than Bombs (2015), de la Selección Oficial del Festival de Cannes. Eng He was born in Copenhagen in 1974 and studied Film there and in England. His films have been shown at various international festivals. Reprise (2006), his first film, won the award for Best Director at Karlovy Vary; Oslo, August 31st (2011) was part of the Un Certain Regard section, and Louder Than Bombs (2015) was an Official Selection at the Cannes Film Festival. Noruega / Suecia / Francia / Dinamarca - Norway / Sweden / France / Denmark, 2017 / 116’ / DCP / Color / Noruego - Norwegian D: Joachim Trier G: Eskil Vogt, Joachim Trier F: Jakob Ihre E: Olivier Bugge Coutté S: Gisle Tveito P: Thomas Robsahm CP: Motlys, Film i Väst, Le Pacte, Filmpool Nord, Snowglobe, B-Reel Films, Dont Look Now I: Eili Harboe, Kaya Wilkins, Ellen Dorrit Petersen, Henrik Rafaelsen

Contacto / Contact Memento Films International T +33 153 349 033 E sales@ memento-films.com W international. memento-films.com

Notas del director Soy un director que viene de la butaca del cine, de ver películas; muchas veces me preguntan sobre Bergman y Antonioni, pero estamos más en la tradición de Lynch y Cronenberg, y por supuesto Hitchcock: la manera en que manejaba conceptos de psicología humana, y cómo la ansiedad y el trauma, el yo interior, podían ser el punto de partida para contar una historia de suspenso. Queríamos algo que tuviera una potencia visual como para adentrarse en pesadillas y misterios, apoyándonos en el género. Una historia sobrenatural más que un relato alegórico, que igualmente trate sobre seres humanos. Y luego intentamos descifrar cómo contar esa historia.

Director's Statement I am a filmmaker who comes from the cinema seat having watched movies; many times I am asked about Bergman and Antonioni, but we are more in the tradition of Lynch and Cronenberg, and of course Hitchcock, the way he used human psychological concepts – and how anxiety and trauma, the inner self, was the starting point of a suspense story. We wanted something that had a visual potential to venture into nightmares and mystery, leaning on genre – a supernatural story more than an allegorical tale that is still about human beings. And then we tried to figure out how to tell it.

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Wajib Pocos directores tienen los récords que tiene la directora Annemarie Jacir: su cortometraje Like Twenty Impossibles fue el primero realizado por alguien de Palestina en ser seleccionado para el Festival de Cannes, y su ópera prima Salt of This Sea (2008) fue la primera película dirigida por una mujer palestina. En su tercera película, una reunión familiar esconde una aguda crítica política en una región en conflicto constante desde la perspectiva de un padre divorciado y profesor de escuela sesentón, quien vivirá solo luego del casamiento de su hija un mes después. Shadi, su hijo arquitecto, llega de Roma luego de años en el extranjero para ayudar a su padre. Mientras el distanciado dúo –interpretado por Mohammad y Saleh Bakri, padre e hijo en la vida real– pasan el día juntos, los detalles tensos de su relación llegan a un punto álgido, y el corto viaje de Shadi se convierte en una oportunidad para confrontar a su padre y al difícil presente de su país.

Few filmmakers have so many records as director Annemarie Jacir: her Like Twenty Impossibles was the first short film by a Palestinian director to be selected at the Cannes Film Festival; and her debut feature-length film Salt of This Sea (2008) was the first film ever directed by a Palestinian woman. In her third film, a family reunion drives a sharp political critique on a region in constant turmoil, from the perspective of a divorced father and school teacher in his mid-60s, who will soon be living alone after his daughter’s wedding in one month. Shadi, his architect son, arrives from Rome after years abroad to help his father. As the estranged pair –played by real-life father and son actors Mohammad and Saleh Bakri– spend the day together, the tense details of their relationship come to a head, and Shadi's short trip turns into an opportunity to confront his father and his country’s troubled present.

Annemarie Jacir Nació en 1974 en Palestina. Su película Like Twenty Impossibles (2003) fue el primer cortometraje árabe seleccionado para el Festival de Cannes, y finalista de los Premios de la Academia. Su segundo trabajo, Salt of this Sea (2008), obtuvo catorce premios internacionales. Eng Born in Palestine in 1974, her film Like Twenty Impossibles (2003) was the first Arab short film selected for the Cannes Film Festival, and was a finalist for the Academy Awards. Her second film, Salt of this Sea (2008), won fourteen international awards. Palestina / Francia / Alemania / Colombia / Noruega / Qatar / Emiratos Árabes Unidos - Palestine / France / Germany / Colombia / Norway / Qatar / UAE, 2017 / 96’ / DCP / Color / Árabe - Arabic D, G: Annemarie Jacir F: Antoine Heberle E: Jacques Comets M: Koo Abu Ali P: Ossama Bawardi CP: Philistine Films I: Mohammad Bakri, Saleh Bakri

Contacto / Contact Pyramide International Ilaria Gomarasca T +33 142 960 220 E ilaria@ pyramidefilms.com W inter.pyramidefilms.com

Notas del director Wajib puede traducirse como “deber social”. Cuando mi hermana se casó, el wajib de su marido era entregar las invitaciones con su padre. Decidí acompañarlos en silencio, mientras veía cómo se pasaban cinco días atravesando la ciudad y las aldeas de los alrededores entregando cada invitación. Como observadora silenciosa, era por momentos divertido y en otros momentos doloroso. Se filtraban de a poco aspectos de esa relación especial entre padre e hijo; las tensiones de un cariño puesto a prueba. Así comencé a trabajar en la idea de una película acerca de este frágil vínculo.

Director's Statement Wajib loosely means “social duty”. When my husband's sister got married, it was his wajib to deliver the invitations with his father. I decided to silently tag along as he and his father spent five days traversing the city and surrounding villages delivering each invitation. As the silent observer, it was at times funny and other times painful. Aspects of that special relationship between father and son, the tensions of a sometimes tested love between them, came out in small ways. I began working on the idea for a film about this fragile relationship.

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A fábrica de nada The Nothing Factory / La fábrica de nada Una noche, un grupo de obreros portugueses se da cuenta de que la administración del lugar está a punto de robarse la maquinaria y las materias primas con las que llevan a cabo sus tareas en la fábrica. Como consecuencia de su decisión de organizarse y ocupar el lugar para proteger los equipos e impedir el desplazamiento de la producción, los trabajadores se ven obligados a permanecer en sus puestos de trabajo, sin nada que hacer, mientras al mismo tiempo los patrones llevan adelante negociaciones individuales para arreglar los despidos. Llevados por un sentimiento de urgencia y alguna clase de instinto vital que todavía perdura, y mientras ven colapsar tanto sus trabajos como las instituciones en las que alguna vez creyeron, son forzados a embarcarse –reticentes y asustados– en una experiencia inesperada, una aventura colectiva. Estrenada en la Quincena de los Realizadores del último Festival de Cannes, A fábrica de nada es al mismo tiempo una invitación para repensar el rol del trabajo en una época en la que la crisis se volvió la principal forma de gobierno, un himno a la impotencia destituyente, y un musical del lamento.

One night, a group of Portuguese workers realizes the administration is about to steal the machinery and raw materials necessary for carrying out their labor. As a consequence of their decision to organize, protect the equipment and prevent the displacement of the production, the workers see themselves forced to remain in their posts, with nothing to do, while the bosses carry out individual negotiations to sort out the layoffs. Driven by a sense of urgency and a kind of survival instinct that still remains, while they witness the destruction of their jobs and the institutions they believed in, they are forced to embark, with reluctance and fear, on an unforeseen experience, a collective adventure. Shown for the first time at the Directors’ Fortnight at the latest Cannes Film Festival, The Nothing Factory is at once an invitation to rethink the role of labor at a time when crisis has become the main way of ruling, an anthem to impotence in the face of dismissals, and a musical of lamentation.

Pedro Pinho Realizador, guionista y productor, estudió cine en Lisboa y en París. Codirigió los documentales Bab Sebta (2008), con Frederico Lobo, y As cidades e as trocas (2014), con Luisa Homem. Su primer mediometraje de ficción, Um fim do mundo (2013), se estrenó en la Berlinale. Eng A director, writer and producer, he studied cinema in Lisbon and Paris. He co-directed the documentary features Bab Sebta (2008), with Frederico Lobo, and As cidades e as trocas (2014), with Luisa Homem. His first medium-length fiction The End of the World (2013) was screened at the 63rd Berlinale.

Portugal, 2017 / 176’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D: Pedro Pinho G: Pedro Pinho, Luisa Homem, Leonor Noivo, Tiago Hespanha F: Vasco Viana E: Cláudia Oliveira, Edgar Feldman, Luísa Homem S: João Gazua, Tiago Raposinho, Carlos Abreu M: José Smith Vargas, Pedro Rodrigues P: João Matos, Leonor Noivo, Luísa Homem, Pedro Pinho, Susana Nobre, Tiago Hespanha CP: Terratreme Filmes I: José Smith Vargas, Carla Galvão, Njamy Sebastião, Joaquim Bichana Martins, Daniele Incalcaterra

Contacto / Contact Memento Films International T +33 153 349 020 E sales@ memento-films.com W international. memento-films.com

Notas del director En Portugal y Europa, los últimos años han causado una redefinición brutal de la manera en que vemos el mundo. Una ausencia de posibilidades y discursos válidos acerca del presente nos ha hecho sentirnos, a menudo, ineficaces. A fábrica de nada nace de ahí. El cierre de una fábrica de ascensores (una de las muchas que cierran todos los meses en las áreas industriales alrededor de Lisboa) funciona como un microcosmos y parábola para explorar dramáticamente las texturas y consecuencias de la sensación de impotencia que la mayoría de la gente atravesó durante ese tiempo. Bajo la sombra de la bancarrota, los personajes intentan mantenerse a flote y buscan maneras de rearmar sus vidas.

Director's Statement In Portugal and Europe, the last few years have caused a brutal redefinition of the way in which we look at the world. A lack of prospects and valid discourses about the present has often made us feel ineffectual. The Nothing Factory stems from there. The closing of an elevator factory (one of many that close every month in the industrial outskirts of Lisbon) works as a microcosm and a parable for dramatically exploring the textures and consequences of the feeling of impotence that most people felt during that time. Under the shadow of bankruptcy, the characters try to stay afloat and look for ways to reshape their lives.

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Ramiro Ramiro es poeta y propietario de una librería en Lisboa. No le va demasiado bien con ninguna de las dos cosas –está en un largo bloqueo creativo, la pila de libros de su autoría descansa inmóvil en un cajón, y a su local solo entran amigos y conocidos–, pero tampoco parece estar sumido en una crisis. Más bien se balancea entre una leve frustración y cierto conformismo de quien, ya sea por comodidad o pesimismo, no espera demasiado de la vida. Así, la habilidad de Ramiro, la película, es encontrar en la aparente monotonía cotidiana el brillo de lo particular en cada uno de sus movimientos. Manuel Mozos acompaña con lenta calidez las horas que Ramiro pierde en el bar con sus amigos, descubre la relación de este con su abuela y con su joven vecina embarazada. Con todo, la película extiende su abrazo para darle calor a toda una pandilla de hermosos perdedores que todavía no se dieron cuenta de que pueden ser felices teniéndose unos a otros.

Ramiro is a poet and owns a bookstore in Lisbon. He isn’t doing well with either of those two things –he’s had writer’s block for a long time, and the store is visited only by friends and acquaintances–, but neither does he seem to be in crisis. Rather, he swings between a mild frustration and a certain conformity of someone who, whether for convenience or pessimism, doesn’t expect much from life. And so, the facility of Ramiro, the film, lies in finding within the apparent everyday monotony of the main character’s life, the glow of the uniqueness in each of his moves. Manuel Mozos accompanies with slow warmth the hours Ramiro spends at the bar with his friends, discovering his relationship with his grandmother and with a young pregnant neighbor. With all that, the film extends its embrace to give warmth to an entire gang of beautiful losers who haven’t yet realized they can be happy having one another.

Manuel Mozos Nació en Lisboa en 1959. Se graduó de la Escola Superior de Teatro e Cinema, con especialización en montaje, área principal en la que se desempeñó desde entonces. Actualmente trabaja en la ANIM - Cinemateca Portuguesa. Dirigió, entre otras películas: A Glória de Fazer Cinema em Portugal (2014, 30º Festival), Cinzas e Brazas (2015). Eng He was born in Lisbon in 1959, and graduated from the Escola Superior de Teatro e Cinema, majoring in editing, which is his main activity. He currently works at the National Moving Images Archive Department in the Cinemateca Portuguesa. He directed A Glória de Fazer Cinema em Portugal (2014, 30º Festival), and Cinzas e Brazas (2015).

Portugal, 2017 / 104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D: Manuel Mozos G: Mariana Ricardo, Telmo Churro F: João Ribeiro E: Pedro Filipe Marques DA: Artur Pinheiro S: Miguel Martins M: Bruno Pernadas P: Luís Urbano, Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria I: António Mortágua, Madalena Almeida, Fernanda Neves, Vitor Correia, Sofia Marques

Contacto / Contact O Som e a Fúria Fabienne Martinot T +351 213 58 2518 E geral@ osomeafuria.com fm@osomeafuria.com W osomeafuria.com

Notas del director Comencemos con la siguiente premisa: el cine es un juego. Toda película trae consigo una serie de reglas, de mayor o menor formalidad, mayor o menor interioridad. En términos generales, el juego de Ramiro está concebido con sutileza, en sutilezas. Es una película asible como la línea de una larga circunferencia compuesta por un arco con un ángulo muy grande: la curvatura de la línea existe, es lejana, y percibirla requiere un devaneo. Si la velocidad fuera una regla se diría que Ramiro es un film sobre un escritor y un librero que enfrenta varios bloqueos –en su escritura, en sus relaciones, en su negocio, y en su adaptación más o menos difícil al presente–. No es que el tiempo sea una desventaja: Ramiro, de hecho, puede ser todo eso.

Director's Statement Let’s begin with the following premise: cinema is a game. Every film brings with it a set of rules, with greater or lesser formality, greater or lesser interiority. In a general frame, Ramiro’s game is envisaged in subtlety, in subtleties: this is a film that is grasped like the line of a long circumference that is composed by an arc with a very wide angle: the curvature of the line exists, it is far, and perceiving it requires wandering. If speed were a rule it would be said that Ramiro is a film about a writer and bookshop keeper who faces several blockades –in writing, in relationships, in his own business, and in his more or less difficult adaptation with present time. It is not that time is a disadvantage: Ramiro, in fact, can be all of that.

competencia internacional — international competition

El silencio del viento Silence of the Wind Lejos de mostrar a Puerto Rico como una isla paradisíaca donde uno puede hartarse del jugo de coco y obtener el mejor bronceado caribeño, El silencio del viento devela la incómoda realidad que padecen los inmigrantes indocumentados que cruzan la frontera de agua escapando del hambre y la ausencia de futuro de su República Dominicana natal. El trabajo del monosilábico y esquivo Rafito, el personaje que nos introduce en este mundo hostil, consiste en ingresar inmigrantes ilegales y ocultarlos un tiempo a cambio de un pago. Álvaro Aponte-Centeno plasma en imágenes naturalistas la vida familiar y laboral del protagonista sin condenarlo. Poniendo en el centro de la escena la reciente pérdida de su hermana, quien trabajaba a la par de él, Aponte-Centeno le da forma a una película que funciona como un largo y doloroso duelo sin pausa. La cámara rodea los espacios en silencio, ya sean selvas o ciudades, replicando en técnica la tensión entre poder ingresar a un territorio o quedarse totalmente afuera. El silencio del viento elige contar un relato sórdido pero no por eso renuncia a modelar con bellos planos.

Far from showing Puerto Rico as an island paradise where one can drink lots of coconut milk and achieve the best Caribbean tan, Silence of the Wind reveals the uncomfortable reality suffered by illegal immigrants that cross the border of water escaping the famine and lack of future of their native Dominican Republic. The job of the monosyllabic, elusive Rafito, the character that inserts us in this hostile world, consists in helping illegal immigrants enter and hiding them for a while in exchange for money. Álvaro Aponte-Centeno conveys, though naturalist images, the work and family life of the protagonist without condemning him. Putting the recent loss of her sister, who used to work with him, at the center of the scene, Aponte-Centeno shapes a film that works as a long, painful mourning. The camera surrounds the spaces in silence, whether jungles or cities, technically replicating the tension between being able to enter a land or being left out completely. Silence of the Wind chooses to tell a sordid tale, but does not renounce portraying it with some beautiful images.

Álvaro Aponte-Centeno Dirigió tres cortometrajes que cosecharon distintos premios: Luz (2010), Mi santa mirada (2012), seleccionado para la Competencia Oficial del Festival de Cannes, y Yahaira (2015). Eng He directed three short films that won various awards: Luz (2010), Mi santa mirada (2012), selected for the Official Competition of the Cannes Film Festival, and Yahaira (2015).

Puerto Rico, 2017 / 84’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Álvaro Aponte Centeno F: PJ López E: Nino Martínez Sosa DA: Nydia Mercedes González S: Maite Rivera Carbonell M: Rafael Aponte Ledée, Álvaro Aponte Centeno P: Maite Rivera Carbonell I: Israel Lugo, Elia Enid Cadilla, Amanda Lugo Alvarado, Kairiana Nuñez Santaliz, Iris Martínez

Contacto / Contact Cercamon Sebastien Chesneau T +971 566 063 824 E sebastien@ cercamon.biz W cercamon.biz

Notas del director ¿Quiénes son? ¿Dónde viven? ¿Cómo viven? ¿Tienen familia? ¿Cómo es su familia? ¿Cómo es su vida diaria? ¿Reciben amor? ¿Cómo son sus emociones? ¿Cómo se sienten con la vida? ¿Cómo se sienten con la muerte? Eso es lo que más me interesa saber sobre las personas que están detrás de ciertos problemas sociales del mundo contemporáneo en que vivimos, para intentar acercarnos al universo de cada uno de ellos sin juzgarlos y hacernos preguntas, cuestionarnos, buscando comprender mejor el mundo para poder cambiarlo. En El silencio del viento abordo como tema principal la pérdida y la muerte en un hombre, y de lo particular voy a lo general, exponiendo como subtema la inmigración entre las islas del Caribe.

Director's Statement Who are they? Where and how do they live? Do they have family? How is their daily life? Do they receive love? How are their emotions? How do they feel about life? How do they feel about death? It is what interests me most about people who are behind certain social problems of the contemporary world we live in, trying to get closer to the universe of each of them without judging and asking questions, questioning things, seeking to a better understanding of the world to be able to change it. In Silence of the Wind I approach the main theme of loss and death in a man, and from the particular I go to the general, exposing like sub-theme the immigration between the islands of the Caribbean.

competencia internacional — international competition

5 Therapy 5 Terapia “Maté mucho: la sociedad, las drogas, la cárcel. Pero nada ni nadie me mató con tanta rigidez y performance como yo”. 5 Therapy retrata las cinco novelas autobiográficas del artista ucraniano Stas Dombrowski, un ex adicto a las drogas y criminal que, a los 17 años, se enteró de que era VIH positivo, y durante las dos décadas siguientes se sumergió en la autodestrucción completa. Su prontuario indica siete encarcelamientos. El último terminó en 2007, cuando fue liberado de una prisión de máxima seguridad por sus problemas de salud, y logró salir del pozo en el que estaba y vivir una vida nueva en sobriedad, ayudando a otros con los mismos problemas que él. Se las arregló para transformar toda esta experiencia en obra creativa: es escritor, con siete novelas publicadas, poeta, artista y actor, y durante los últimos años se interesó en todo evento cultural informal en Odesa y Kiev. Con esos antecedentes, no sorprende que haya terminado interpretándose a sí mismo en una película cercana al falso documental, e incluso convenció a convenció a lo mejor de la sociedad artística de Odesa a que participe en ella.

“I killed a lot: society, drugs, prison. But nothing and no one killed me with such rigidity and performance, as I did.” 5 Therapy depicts the autobiographical novels of Ukrainian artist Stas Dombrowski, a former drug addict and criminal, who learned at 17 that he was HIV positive, and over the next two decades, submerged in complete self-destruction. His criminal record counts seven convictions. The last one ended in 2007, when he was liberated from a high security prison because of ill health, and was able to push off from the bottom and live a new and sober life, helping others who find themselves in his place. He managed to transform all this experience into creative work: he is a writer with several published novels, a poet, an artist and an actor, and in the last few years, he had a stake in every informal culture event in Odessa and Kiev. With that record, it is no surprise that the ended up playing himself in a a film that borders the mockumentary, and even convinced to include in it the cream of Odessa's artistic society.

Alisa Pavlovskaya Nació en 1987 en Yaroslavl, Rusia, en una familia de artistas. En 2012 se graduó como directora de fotografía en la VGIK. Dirigió el documental Toporkesta (2012) y el largometraje I Don’t Want to Die (2013), y trabajó como directora de fotografía en numerosos cortos, videoclips y series de TV. Eng Born in Yaroslavl, Russia, in 1987, to a family of artists. In 2012, she graduated as a cinematographer from VGIK. She directed the documentary Toporkesta (2012) and the feature film I Don’t Want to Die (2013), and worked as a cinematographer on several short films, music videos and TV series. Ucrania - Ukraine, 2017 / 74’ / DCP / Color / Ruso - Russian D, G: Alisa Pavlovskaya F: Maria Perkunova P: Valeriy Kalmykov, Victor Vilhelm CP: TrueMan Production I: Stas Dombrovskiy, Victor Brevis, Alina Putyshyna, Elena Dashevskaya, Sonya Kulagina

Contacto / Contact Ant!pode Sales & Distribution T +7 962 965 6918 E festivals@ antipode-sales.biz W antipode-sales.biz

Notas del director Hicimos una película totalmente independiente. Esto no es cine de arte, ni experimental: es una película a toda escala, un blockbuster social. Buscamos productores de forma independiente, y quizás esta sea la principal diferencia con las formas tradicionales que se utilizan en la realización de películas.

Director's Statement We produced a fully independent film. This is neither art house, nor experimental cinema; this is a full scale film, a social blockbuster. We independently search for production funding and perhaps this is the main difference as compared to the traditional approach used in filmmaking.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition 58 60 62 64 66 68 70 72 74 76 78 80 82 84

Chaco El teatro de la desaparición Eugenia Baronesa Era uma vez Brasilia Una mujer fantástica Rey La telenovela errante Mariana Tormentero Cocote Las olas La familia Ata tu arado a una estrella

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Chaco Danièle Incalcaterra, codirector de Chaco junto con la suiza Fausta Quattrini, ha estado involucrado desde hace años en una tarea aparentemente imposible: devolver a los nativos guaraníes ñandevas 5000 hectáreas de bosque paraguayo que heredó de su padre, quien a su vez recibió esas tierras como una cesión del General Stroessner durante la dictadura en Paraguay. Nunca estuvo en los planes del director explotar en su beneficio esas tierras pero, tras recibirlas, una idea germinó en él: el sueño de convertir esta tierra en una reserva natural, con un observatorio científico junto a los nativos. La llamó Arcadia, y la convirtió en el lugar de su utopía personal. La lucha de Incalcaterra y Quattrini por recomponer aquelllo que los negocios sucios de un poder despótico rompieron no es nueva: su tarea de devolver algo de justicia a un pueblo cuyos derechos fueron históricamente vulnerados ya había llegado a la pantalla grande con El impenetrable, su film anterior presentado fuera de concurso en el Festival de Venecia. Ahora, los directores nos ofrecen esta historia que no por fantástica es menos real, con tintes de thriller, cine político y documental ecológico.

For years, Danièle Incalcaterra, co-director of Chaco alongside Fausta Quattrini, has been involved in an apparently impossible task: giving back to the Ñandeva Guarini natives 5,000 hectares of Paraguayan forest he inherited from his father who, in turn, received these lands as a cession from General Stroessner during the dictatorship in Paraguay. In was never in the director’s plans to exploit those lands to his benefit, but after receiving them, an idea blossomed in him: the dream of turning that land into a natural reserve, with a scientific observatory, together with the natives. He named it Arcadia, and turned it into the place of his personal utopia. The struggle by Incalcaterra and Quattrini to repair what the dirty work of a despotic power broke is not new: their task of giving back some justice to a people whose rights have been historically violated had already reached the big screen with El impenetrable, their previous film, shown out of competition at the Venice Film Festival. Now, the directors offer us this story that is fantastic but real, with shades of a thriller, a political film and an ecological documentary.

Danièle Incalcaterra & Fausta Quattrini Danièle nació en 1954 en Roma, Italia. Fausta nació en 1964 en Suiza. Dirigieron juntos varios largometrajes; entre ellos, Contr@site (2003) y El impenetrable (2012).Eng Danièle was born in Rome, Italy in 1954. Fausta was born in Switzerland in 1964. Together they have directed a number of feature length films including Contr@site (2003) and El impenetrable (2012).

Argentina / Italia / Suiza - Argentina / Italy / Switzerland, 2017 / 106’ / DCP / Color / Español / Italiano / Guaraní - Spanish / Italian / Guarani D, G: Danièle Incalcaterra, Fausta Quattrini F: Cobi Migliora E: Marzia Mete, Fausta Quattrini M: Luciano Zampar P: Danièle Incalcaterra, Riccardo Annoni, Alexandre Iordanescu CP: Start SA, Elefant Films

Contacto / Contact Danièle Incalcaterra T +41 7 8771 2399 E danieleincalcaterra@ gmail.com riccardo@start.mi.it

Notas del director Como en un thriller que combina la historia personal del protagonista con un contexto kafkiano en el que tiene que actuar, el escenario principal de acción es un lugar secreto ubicado en el último piso de un edificio en el corazón de Asunción. Un gran salón de vidrio con una vista sobre toda la ciudad. Allí el protagonista se reúne con los aliados y defensores de Arcadia. Este polo urbano, enrarecido y algo artificial, contrasta con la naturaleza salvaje, hostil y magnífica del Chaco. Las incursiones en el bosque tienen un doble sentido: por un lado la exploración de otra dimensión posible, oscura y peligrosa, y por el otro el arrepentimiento de la misma pérdida de la película.

Director's Statement Like in a thriller that combines the character’s personal history with a Kafkian context in which he has to act, the main scenery for the action is a secret place located in the top floor of a building in the heart of Asunción. A large glass hall with a view of the entire city. There, the protagonist gathers with the allies and defenders of Arcadia. This urban venue, rarefied and somewhat artificial, contrasts with the wild, hostile, magnificent nature of Chaco. The incursions in the forest have a double meaning: on one hand, the exploration of another possible dimension, both dark and dangerous, and on the other, the regret for the very loss of the film.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

El teatro de la desaparición The Theatre of Disappearance Desde que apareció en 2003 como la nueva gran promesa del circuito del arte argentino, el rosarino Adrián Villar Rojas trazó una carrera espectacular que tuvo como último techo El teatro de la desaparición, la instalación que llevó a cabo en el Roof Garden del MET, en Nueva York. Suerte de extensión de aquella, la película del mismo nombre es una trilogía de segmentos independientes entre sí en los que, a partir de diferentes elementos narrativos, se disparan estímulos que reflexionan sobre la naturaleza destructiva del ser humano y su relación con el planeta. Villar Rojas no entrega pistas fáciles ni propone respuestas cómodas: el magnetismo de sus imágenes, con su ritmo interno y aura surreal, interconecta lugares apartados en un collage de formas alienadas, hipnóticas y de una distorsión casi postapocalíptica. En esa extraña búsqueda de la belleza, de golpes lentos pero certeros, la potencia del cine genera un efecto demoledor.

Since his appearance in 2003 as the great new hope of the Argentine art circuit, Adrián Villar Rojas, from Rosario, has traced a spectacular career that had its peak in The Theater of Disappearance, the installation he held on the Metropolitan Museum of Art’s Roof Garden, in New York. A kind of extension of the installation from which it takes its name, the film is a trilogy of segments independent from each other that, through different narrative elements, trigger some stimuli that reflect on the destructive nature of humans and their relationship with the planet. Villar Rojas does not give easy clues, nor does he propose reassuring answers: the magnetism of his images, with their internal rhythm and surreal aura, interconnects removed places in a collage of alienated, hypnotic shapes of an almost post-apocalyptic distortion. It is in that strange search for beauty, of slow but well-aimed blows, that the power of film generates a demolishing effect.

Adrián Villar Rojas Nació en 1980 en Rosario, Argentina. Estudió bellas artes en la Universidad Nacional de Rosario y cine en la Escuela Provincial de Artes Visuales General Manuel Belgrano, Rosario. Dirigió el cortometraje Lo que el fuego me trajo (2013). Eng Born in Rosario, Argentina in 1980, he studied fine arts in the Universidad Nacional de Rosario and film in the Escuela Provincial de Artes Visuales General Manuel Belgrano, Rosario. He directed the short film Lo que el fuego me trajo (2013). Argentina / Corea del Sur - Argentina / South Korea, 2017 / 120’ / DCP / Color D, G: Adrián Villar Rojas F: Mario Caporali E: Andrea Kleinman, Julia Straface, Iara Rodríguez Vilardebó S: Lena Esquenazi P: Benjamín Domenech, Santiago Gallelli, Matías Roveda CP: Rei Cine

Contacto / Contact Rei Cine Camila Grisolía T +54 9 11 5804 6700 E cg@reicine.com.ar

Notas del director Durante años he intentado documentar lo más exhaustivamente posible los procesos de trabajo que, alrededor del mundo, voy desarrollando junto a mi equipo. De materiales residuales, realizados desde los márgenes de una práctica –como será posible apreciar en la primera pieza de la trilogía–, pasamos –como se hará evidente en las dos restantes– a la construcción de un acontecimiento formal autosuficiente que ya no es ni documento ni documental, sino una “cosa” con vida y muerte propias que –como todo lo palpitante de este mundo– luchará por ser algo en sí mismo, dejar una huella –acaso en el mar– y desaparecer.

Director's Statement For years I have tried to document as exhaustively as possible the work processes I embark upon with my crew around the world. From residual material made from the margins of a practice –as can be appreciated in the first piece of the trilogy–, to tackling –as made evident in the second two pieces– the building of a selfsufficient formal event that is no longer document or documentary, but a “thing” with a life and death of its own that –as everything that beats in this world -will fight to be something in itself, to leave a mark –in the sea, perhaps- and then disappear.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Eugenia La rutina de Eugenia se bifurca por pequeños atajos cuando decide abandonar a su esposo en medio de un paisaje montañoso. El relato es la hoja en blanco de la protagonista, y escena a escena irá descubriendo una nueva identidad. En esta sorpresiva travesía, el espectador es su gran compañero, dispuesto a escoltarla mientras ella repta por espacios desconocidos, guiada por su curiosidad. La búsqueda se hilvana a través de momentos y situaciones pequeñas y naturales, charlas, comidas, trabajos fallidos; esquivando las grandilocuencias del melodrama en favor de tajadas de vida hipnóticas en su sobriedad; desde cocinar caramelo hasta actuar en una película interpretando a una famosa guerrillera, sin perderse de compartir la cama con una mujer. Entintado con un abanico de grises, el cuarto largometraje de Martín Boulocq hace zoom en un personaje que deberá emprender un safari por sus emociones rotas. A través de una narración intimista, el director muestra cómo Eugenia transita un universo masculino; allí, son ellos –padre, hermano, director de cine– quienes dan la orden mientras Eugenia busca una isla donde pueda por fin ser ella misma.

Eugenia’s routine branches off through small shortcuts when she decides to leave her husband in the middle of a mountainous landscape. The story is the blank slate of the main character, and scene after scene she will discover a new identity. In this surprising journey, the audience is her companion, willing to follow her while she crawls through unknown spaces, guided by her curiosity. The search takes place through small, natural situations, through talks, meals, failed jobs; dodging the bombast of melodrama in favor of slices of life that are hypnotic in their sobriety from cooking caramel to playing a famous guerrilla fighter in a film and even sharing a bed with a woman. Inked with a wide variety of grays, Martín Boulocq’s fourth feature film zooms in on a character that must embark on a safari through her broken emotions. Though an intimate narrative, the director shows how Eugenia transits a male universe; where men –father, brother, filmmaker– give the orders while Eugenia looks for an island where she can finally be herself.

Martín Boulocq Nació en Cochabamba, Bolivia. Su primera película, Lo más bonito y mis mejores años (2005), se proyectó en varios festivales y fue aclamada por la crítica entre las 12 películas fundamentales de la historia de ese país. Su película Los Girasoles (2014) fue exhibida en el 29º Festival. Produjo varios films, como Rojo, amarillo y verde y El olor de tu ausencia. Eng Born in Cochabamba, Bolivia, his first feature film The Most Beautiful of My Very Best Years (2005) was screened in many festivals, and was acclaimed by local critics who included it among the twelve essential films in Bolivian history. His film Los Girasoles (2014) was screened in the 29th Festival. He also produced several films, including Rojo, amarillo y verde and The Smell of Your Absence. Bolivia / Brasil - Bolivia / Brazil, 2017 / 82’ / DCP / B&N / Español - Spanish D, G, F, E, M: Martín Boulocq DA: Andrea Camponovo S: Martín Boulocq, Confraria de Sons & Charutos P: Andrea Camponovo, Martín Boulocq, Rolando Lora I: Andrea Camponovo, Alvaro Eid, Alejandra Lanza, Simón Peña, Ricardo Gumucio

Contacto / Contact FiGa Films Sandro Fiorin T +1 323 229 9816 E sandro@figafilms.com lidia@figafilms.com W figafilms.com

Notas del director La película surge de dos ideas. La primera se originó luego de haber filmado unas imágenes en Mendrisio, un pequeño poblado al sur de Suiza, cuando acompañé a Andrea en un viaje muy personal buscando algún rastro de su familia paterna en 2011. Estas imágenes contenían el germen de un personaje femenino que me interesaba explorar. La segunda fue un tratamiento que escribí después de haber leído el libro sobre la Tania de Gustavo Rodríguez y que en un principio pretendía ser una película de época. El estrecho vínculo que tuvo mi familia paterna con los movimientos armados de izquierda en los 70 resonó de una forma nueva para mí luego de esa lectura.

Director's Statement The film comes from two ideas. The first one was originated after having shot some images in Mendrisio, a small municipality in the south of Switzerland, when I accompanied Andrea in a very personal trip in search of any trace of her father’s family in 2011. These images contained the root of a female character I was interested in exploring. The second one was a treatment I wrote after having read Gustavo Rodríguez’s book about Tania, which at first was going to be a period film. The tight bond my father’s side of the family had with the armed left-winged movements of the ‘70s resounded in me in a new way after that reading.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Baronesa La crudeza no impide la irrupción de la comedia. En la ópera prima de Juliana Antunes, las imágenes rústicas y despojadas que pueblan la cotidianidad de dos chicas brasileñas con escasos recursos se vuelven amables cuando el humor asoma por los huecos de los ladrillos a la vista. Baronesa es un documental que nació a partir de una inquietud por descifrar los destinos de los colectivos que salían del centro de Belo Horizonte y se perdían por su periferia. En particular, uno que llevaba el mismo nombre de la directora: Juliana. Ese capricho fue el puente para chocarse con la poderosa semilla que gestó Baronesa, y conocer que dentro de esas construcciones a medio terminar vivían mujeres que no salían de sus hogares. La cámara se enamora de los improvisados salones de belleza donde las dos protagonistas, Leidiane y Andreia, matan el tiempo entre esmaltes de color. La película es el registro de seis meses de filmación, durante los cuales la directora y su equipo convivieron con un grupo de personajes que aspiran cocaína desde un celular y juegan con un chancho en el medio de la selva. Montada por Affonso Uchoa, codirector de Arábia (2017), Baronesa nos acerca a un microcosmos muy lejano como un colectivo cuyo recorrido tiene un inicio pero no un final.

Crudeness does not deter the explosion of comedy. In Juliana Antunes’ directorial debut, the rustic, strippedoff images that populate the everyday nature of two Brazilian girls of limited resources become pleasant once humor appears through the cracks of the exposed bricks. Baronesa is a documentary born from a concern for deciphering the destinations of the buses that left from downtown Belo Horizonte and disappeared into the outskirts. One in particular that bears the director’s name: Juliana. That whim was the bridge that was built so she could crash against the powerful seed that gestated Baronesa, and to find out that inside those unfinished buildings lived women that never left their homes. The camera falls in love with the impromptu beauty salons where the two protagonists, Leidiane and Andreia, kill time among colored nail polish. The film captures six months in which the director and her team lived with a group of characters who snort cocaine from a cell phone and play with a pig in the middle of the jungle. Edited by Affonso Uchoa, co-director of Araby (2017), Baronesa draws us close to a very distant microcosm like a bus whose itinerary has a beginning but no an end.

Juliana Antunes Nació en 1989. Estudió cine en la Universidad UNA, en Belo Horizonte. Es socia fundadora de Ventura junto con Marcella Jacques y Laura Godoy. Actualmente está desarrollando su segundo largometraje, Hit and Back Copacabana. Eng Born in 1989, she graduated in filmmaking from UNA University, in Belo Horizonte. She is a founding partner in Ventura, with Marcella Jacques and Laura Godoy. Currently, she is developing her second feature film, Hit and Back Copacabana. Brasil - Brazil, 2017 / 71’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D, G: Juliana Antunes F: Fernanda De Sena E: Affonso Uchoa, Rita M. Pestana S: Pedro Durães P: Juliana Antunes, Laura Godoy, Marcella Jacques I: Andreia Pereira De Sousa, Leid Ferreira, Felipe Rangel

Contacto / Contact Ventura Marcella Jacques T +55 319 8803 2162 E venturacine@ gmail.com /baronesaofilme

Notas del director Jaqueline, Suely, Bethânia. Los barrios con nombres femeninos suelen estar en los suburbios, donde todos los días suceden historias extraordinarias en las vidas de las mujeres que allí residen. La búsqueda de esas peculiares biografías hizo posible el film. A través de una intensa investigación se armó la narrativa, gracias a la complicidad entre las mujeres que filmaban y las que eran filmadas, lo que dio como resultado un film que se mueve constantemente entre la realidad y la ficción. El guion se armó diariamente durante conversaciones, recuerdos, provocaciones y retomas. Trabajamos para reordenar lo real, ya que sin transformación no hay arte.

Director's Statement Jaqueline, Suely, Bethânia. The neighborhoods that have female names are, almost in their entirety, located on the suburbs, where every day extraordinary stories take place in the lives of the women living there. The search of those peculiar biographies made the film possible. Through a vivid and immersive research process the narrative was build, thanks to the complicity between the women filming and the ones being filmed, resulting in a film that transits constantly between reality and fiction. The screenplay was made on the daily basis during conversations, memories, provocations and retakes. We worked trying to rearrange what was real, since there is no art without transformation.

COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION

Era uma vez Brasília Once There Was Brasília / Érase una vez Brasilia El agente intergaláctico WA4 tiene una misión: viajar en el tiempo hasta 1959, al planeta Tierra, más precisamente a Brasil, con el objetivo de asesinar al presidente Juscelino Kubitschek justo el día de la inauguración de Brasilia, la nueva capital federal. Pero algo sale mal, y la pequeña nave rudimentaria que comanda lo envía a 2016, donde caerá del cielo sobre un terreno apartado de Ceilândia, una de las ciudades brasileñas más peligrosas y con mayor índice de homicidios. Con ese punto de partida, el director Adirley Queirós (ganador del premio a Mejor Película Latinoamericana el año pasado con la genial Branco sai, preto fica) plasma un film de iconografía postapocalíptica, en un paisaje desolado y derruido entre tinieblas. Pero Era uma vez Brasília se despliega como mucho más que un agudo exponente del género: esta invasión accidental ocurre al mismo tiempo

Intergalactic agent WA4 has a mission: traveling back in time to 1959, to planet Earth, more specifically to Brazil, with the mission of assassinating President Juscelino Kubitschek the very day of the inauguration of Brasilia, the new federal capital. But something goes wrong, and the small, rudimentary spaceship he commands sends him to 2016, where he will fall from the sky over a remote land in Ceilândia, one of the most dangerous cities in Brazil, with one of the highest homicide rates. From that starting point, director Adirley Queirós (winner of last year’s Best Latin American Film award with the great White Out, Black In) conveys a film with a post-apocalyptic iconography, in a desolate, dark and destroyed landscape. But Once There Was Brasília is much more than a sharp example of the genre: this accidental invasion happens at the the exact time when

destituida, y el congreso quedará en manos de Michel

whose speeches heard in voiceover make up a context that borders on tragicomedy. This way, the film crosses its clever –in their simplicity- visual ideas while confirming the popular wisdom that reality is always greater than fiction.

borde de la tragicomedia. Así, la película cruza sus ingeniosas –de tan sencillas– ideas visuales, mientras, reafirmando lo que dice el repetido refrán, la realidad hace lo suyo para superar a la ficción.

Adirley Queirós Cineasta brasileño y ex jugador de fútbol profesional. Dirigió varios cortometrajes y el documental A cidade é uma só? (2013). En 2014 filmó su primer largometraje de ficción, Branco sai preto fica, ganador de la Competencia Latinoamericana en el 29° Festival. Eng Brazilian filmmaker and ex-professional soccer player, he directed various short films and the documentary The City is One Only? (2013). In 2014, he filmed his first feature length narrative film, White Out Black In, winner of the Latin American competition at the 29th Festival. Brasil - Brazil, 2017 / 100’/ DCP/ Color / Portugués - Portuguese D, G: Adirley Queirós F: Joana Pimenta E: Adirley Queirós, Frederico Benevides, Guile Martins DA: Denise Vieira S: Francisco Craesmeyer, Guile Martins, Fernando Henna, Daniel Turini P: Adirley Queirós, Simone Queiroz, Julia Alves, João Matos CP: Cinco da Norte, Sancho & Punta, Terratreme Filmes I: Wellington Abreu, Marquim do Tropa, Andreia Vieira, Franklin Ferreira

Contacto / Contact Cinco da Norte Adirley Queirós E ceiperiferia@ gmail.com cincodanorte@ gmail.com /eraumavezbrasilia

Notas del director ¿Qué nos queda por filmar, cuando nuestra violencia estética fue apropiada, asimilada y domada, cuando no causamos más miedo, ni rabia, ni extrañamiento? Esta película aborda un Brasil hundido en la inmovilidad, que no logra imponerse contra una ola reaccionaria que amenaza las conquistas históricas de un pueblo pobre, negro, marginal. El cinismo se impone. Para avanzar, para buscar otras posibilidades imaginarias, estéticas, es necesario asumir el lugar en el que estamos ahora: inmovilizados, presos, viviendo en la penumbra de los tiempos. Es necesario probar otras narrativas, que no pasen solo por el coro fantasmagórico y sin riesgos del “Fora Temer”. Proponemos a nuestros personajes historias dentro de ese momento político brasileño. Luego lo filmamos como un documento histórico, inmersos en la creencia y la aventura de lo real: por ende, una etnografía de ficción.

Director's Statement What is left for us to film when our aesthetic violence has been appropriated, assimilated and tamed, when it no longer causes us fear, anger or alienation? This film tackles a Brazil collapsed into immobility that is unable to stand up against a reactionary wall that threatens the historical conquest by a poor, black and marginalized peoples. Cynicism prevails. To advance, to find other imaginary and aesthetic possibilities it is necessary to accept the place where we are now: immobile, imprisoned, living in the shadow of our times. It is necessary to try other narratives that don’t merely go through the phantasmagoric and safe chorus of “Fora Temer”. We propose filming our historical characters within this Brazilian political moment. Then we film as if it were a historical document, immersed in the belief and adventure of what is real: thus, an ethnography of fiction.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Una mujer fantástica A Fantastic Woman Sebastián Lelio, uno de los directores más consolidados de Chile (acaba de estrenar Disobedience, su primera película hablada en inglés, en el Festival de Toronto) ya había mostrado con Gloria su talento para retratar mujeres hermosamente empoderadas. Lo hace de nuevo con Una mujer fantástica, que comienza con Marina y su novio Orlando enamorados y planificando el futuro. Ella es una joven camarera y aspirante a cantante, y él es veinte años mayor que ella. Una noche, luego de celebrar el cumpleaños de Marina, ella lleva a Orlando a la sala de emergencias, pero él muere justo después de haber llegado. En lugar de llorar por su amante, Marina se llena de sospechas: por los médicos, por la familia de Orlando e incluso por una mujer detective que investiga si ella estuvo involucrada en su muerte. La ex mujer de Orlando le prohíbe ir a su funeral y su hijo la amenaza con echarla del departamento que solían compartir. ¿Por qué? Porque Marina es una mujer trans, y para gran parte de la familia de Orlando su identidad sexual es una aberración. Interpretada por la maravillosa actriz trans Daniela Vega, Marina tiene que batallar contra las mismas fuerzas con las que peleó durante toda su vida para convertirse en la mujer que es hoy: una mujer fuerte, directa y fantástica.

One of Chile’s most established filmmakers, (he recently premiered his English language debut Disobedience in Toronto), Sebastian Lelio has already shown –with Gloria– his unique talent for depicting beautifully empowered women. He has done it again with A Fantastic Woman, which opens with Marina and her boyfriend Orlando, in love and planning for the future. She is a young waitress and aspiring singer, and he is 20 years older than her. After celebrating Marina's birthday one evening, she rushes Orlando to the emergency room, but he passes away just after arriving. Instead of being able to mourn her lover, suddenly Marina is treated with suspicion: by the doctors, by Orlando's family, and even by a woman detective who investigates to see if she was involved in his death. Orlando's ex-wife forbids her from attending the funeral and his son threatens to throw her out of the apartment the couple shared. Why? Because Marina is a trans woman, and for most of Orlando's family, her sexual identity is an aberration. Played by amazing trans actress Daniela Vega, Marina battles the very same forces that she has spent a lifetime fighting, just to become the woman she is now – a complex, strong, forthright and fantastic woman.

Sebastián Lelio Nació en 1974 en Mendoza, Argentina. Es director, guionista, productor y montajista. Se graduó en la Escuela de Cine de Chile. Dirigió varios largometrajes; entre ellos, La sagrada familia (2006), premiada en el Festival de San Sebastián, El año del tigre (2011) y Gloria (2013). Eng Born in Mendoza, Argentina in 1974, he is a director, script writer, producer and editor. He graduated from the Escuela de Cine de Chile. He has directed various feature length films; among them La sagrada familia (2006), awarded at the Festival de San Sebastián, El año del tigre (2011) and Gloria (2013). Chile / Estados Unidos / Alemania / España - Chile / USA / Germany / Spain, 2017 / 104’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Sebastián Lelio G: Sebastián Lelio, Gonzalo Maza F: Benjamín Echazarreta E: Soledad Salfate DA: Estefanía Larraín S: Alberto Alén M: Matthew Herbert P: Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Rocío Jadue, Mariane Hartard, Ben von Dobeneck CP: Fabula, Participant Media, Komplizen Film, Muchas Gracias, Setembro Cine I: Daniela Vega, Francisco Reyes, Luis Gnecco, Aline Kuppenheim, Nicolas Saavedra

Contacto / Contact Funny Balloons Peter Danner T +33 140 130 586 E festivals@ funny-balloons.com W funny-balloons.com

Notas del director Veo Una mujer fantástica como una película de esplendor estético, vigor narrativo, tensión y emoción. Politonal, multiexperimental y multiemocional. Es tanto una celebración como una exploración de su personaje principal: Marina Vidal. ¿Qué ve el público cuando ve a Marina? ¿Una mujer, un hombre o la suma de ambos? Verán a un ser humano que cambia constantemente frente a sus ojos, que fluye, vibra y se modifica. Lo que ven no es precisamente lo que ven, y esta condición convierte a Marina en un vórtice que despierta las fantasías y el deseo del espectador, invitándolo a explorar los límites de su propia empatía.

Director's Statement I see A Fantastic Woman as a film of aesthetic splendor, narrative vigor, tension and emotion. Polytonal, multiexperimental, multi-emotional. It's a film that is both a celebration and examination of its main character: Marina Vidal. What will the viewers see when they see Marina? A woman, a man, or the sum of both? They will see a human being who constantly changes before their eyes, who flows, vibrates, and modifies herself. What they are seeing isn't precisely what they are seeing, and this condition turns Marina into a vortex that attracts the viewer's fantasy and desire, inviting them to explore the limits of their own empathy.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Rey King Frente a una historia con una gran cuota de leyenda como la de Orélie Antoine de Tounens –aquel abogado francés que, con el apoyo del pueblo mapuche, se proclamó rey de la Araucanía y la Patagonia a mediados del siglo XIX–, el director Niles Atallah emprendió el único camino adecuado: alejarse lo máximo posible de las convenciones de cualquier biopic y trazar la notoria línea que conecta aquellas épocas aparentemente disímiles con nuestra actualidad, y la manera en que se edifica o distorsiona nuestra memoria. La historia se materializa en las luchas y discursos que se reinventan (allí están los pueblos originarios peleando por sus tierras, o las fuerzas represivas invocando la lealtad y el orden público), pero también se vuelve tangible en la descomposición de las escenas que el director capturó en soporte fílmico, enterradas durante años e incorporadas con sus imperfecciones al resto del material. Los recursos que se disponen entre lo onírico y lo simbólico terminan conformando esa imagen espejada que el pasado siempre nos devuelve, además de la variedad de dimensiones de las que el cine se vale cuando existe una apuesta ambiciosa detrás de cámara.

Face with a story that contains a lot of legend like that of Orélie Antoine de Tounens –that French lawyer who, with the support of the Mapuche people, proclaimed himself king of the Araucanía and the Patagonia in the mid-19th century-, director Niles Atallah took the only appropriate path: staying as far away from biopic conventions as possible, and instead tracing the significant line that connects those apparently dissimilar times with our present and the ways in which our memory is built or distorted. History materializes in struggles, and discourses reinvent themselves (we have the indigenous peoples fighting for their lands, or the repressive forces invoking loyalty and public order), but it also becomes tangible in the breakdown of the scenes the director captured on film, buried for years and added, with all of their imperfections, to the rest of the material. The resources, arranged between the dreamlike and the symbolic, end up forming that mirror image that the past always gives back to us, along with the variety of dimensions cinema makes use of when an ambitious wager is made behind the camera.

Niles Atallah Nació en 1978. Vive y trabaja en Santiago de Chile, donde cofundó la productora Diluvio. Escribió y dirigió cortometrajes, video instalaciones, videos musicales y largometrajes. Su primera película, Lucía (2010), se estrenó en San Sebastián y ganó numerosos premios. Eng Born in 1978, he lives and works in Santiago de Chile, where he co-founded a production company called Diluvio. He wrote and directed short films, video installations and features. His first film, Lucía (2010), premiered at San Sebastián and won numerous awards. Chile / Francia / Holanda / Alemania / Qatar - Chile / France / Holland /Germany / Qatar, 2017 / 90’ / DCP / Color / Español / Mapudungun - Spanish / Mapudungun D, G: Niles Atallah F: Benjamin Echazarreta E: Benjamin Mirguet DA: Natalia Geisse S: Roberto Espinoza M: Sebastián Jatz Rawicz P: Lucie Kalmar, Niles Atallah, Stienette Bosklopper, Titus Kreyenberg CP: Mômerade, Diluvio, unafilm, Circe Film I: Rodrigo Lisboa, Claudio Riveros, Eduardo Barril

Contacto / Contact Mômerade / Diluvio Lucie Kalmar, Niles Atallah E lucie@momerade.fr niles@diluvio.cl W momerade.fr diluvio.c

Notas del director Cuando me encontré por primera vez con la historia de Orllie-Antoine de Tourens, Rey de Araucania y la Patagonia, me intrigó la naturaleza enigmática del francés. Enterrada bajo capas de mitos y leyendas, había una cantidad suficiente de evidencia concreta de este hombre y su reino como para evitar que ambos queden en el olvido absoluto. Sin embargo, había tantos agujeros en la historia que apenas podía concebirse una visión fragmentada. Rey se materializó mientras examinaba los muchos pedazos de su historia. Esta película es un viaje a través de un reino de sueños olvidados, los recuerdos en pleno deterioro y las fantasías de un fantasma.

Director's Statement When I first encountered the story of Orllie-Antoine de Tounens, King of Araucania and Patagonia, I was intrigued by the enigmatic nature of this Frenchman. Buried under layers of myths and legends, there was just enough concrete evidence of this man and his kingdom to prevent them both from slipping into total oblivion. However, there were so many holes in the story that only a fragmented vision could be pieced together at best. King came into being as I sifted through the many pieces of this king’s story. This film is a journey through a realm of forgotten dreams, the decaying memories and fantasies of a ghost.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

La telenovela errante The Wandering Soap Opera Desde su debut con Tres tristes tigres, Raúl Ruiz desarrolló una carrera que lo erigió como uno de los faros del cine contemporáneo. Su muerte en 2011 ponía fin a una filmografía compuesta por más de un centenar de títulos y, como toda muerte de un cineasta, la noticia traía consigo no solo el pesar de su desaparición física, sino también la infinita tristeza de vivir en un mundo sin sus nuevas películas. Sin embargo, para un cineasta que convirtió en sello distintivo la irrupción de lo fantástico en la vida cotidiana para generar asombro en el mundo externo a sus personajes, la muerte no podía ser un impedimento, sino más bien su forma final de demostrarnos su idea de lo que es el cine. Una serie de hechos ruizianos confabularon para ello, y una cofradía en secreto llevó a cabo el plan: Valeria Sarmiento, Chamila Rodríguez y Galut Alarcón. Ese plan es lo que veremos aquí: la última película de Raúl Ruiz (codirigida con Valeria Sarmiento), a menos que él mismo quiera seguir asombrándonos.

Since his debut with Three Sad Tigers, Raúl Ruiz developed a career that turned him into a beacon of contemporary film. His death in 2011 put an end to a filmography made up of about one hundred titles and, like any filmmaker’s death, the news carried with it not only the sorrow of his passing, but the infinite sadness of living in a world without his new films. However, for a filmmaker who created a trademark of the irruption of the fantastic in everyday life in order to cause amazement in the world outside his characters, death could not be an impediment, but rather his final way of showing us his idea of what film is. A series of ruizian events conspired to this end, and a secret brotherhood carried out the plan: Valeria Sarmiento, Chamila Rodríguez and Galut Alarcón. That plan is what we will see here: Raúl Ruiz’s last films (codirected with Valeria Sarmiento), unless he himself is planning to really surprise us.

Raúl Ruiz & Valeria Sarmiento Raúl nació en 1941 en Puerto Montt, Chile. En 1973 se exilió en Francia, donde dirigió más de 120 películas, muchas de ellas proyectadas en el Festival. Falleció en 2011 en Francia. Valeria es guionista, directora y montajista chilena, y vive en París. Trabajó junto a Ruiz, su esposo, desde su matrimonio en 1969. Eng Raúl was born in Puerto Montt, Chile in 1941. In 1973, he went into exile in France where he directed more than 120 films, many of them projected at the Festival. He died in 2011 in France. Valeria is a Chilean writer-director and editor based in Paris. She worked along Ruiz, her husband since their marriage in 1969. Chile, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento G: Raúl Ruiz F: Leo Kocking, Héctor Ríos, Rodrigo Avilés E: Galut Alarcón DA: Pía Rey, Rodrigo Bazaes S: Mauricio Molina, Nadine Vulliième M: Jorge Arriagada P: Raúl Ruiz, Chamila Rodríguez, Andrés Racz, Leo Kocking, Enrique León CP: Poetastros I: Luis Alarcón, Patricia Rivadeneira, Francisco Reyes, Mauricio Pesutic, Liliana García

Contacto / Contact Poetastros Chamila Rodríguez T +56 9 264 1488 E chamilacine@ gmail.com W poetastros.com

Notas del director La película gira en torno al folletín de televisión. Se estructura en base a la presunción: la realidad chilena no existe, más bien es un conjunto de teleseries. Son cuatro provincias audiovisuales y se respira la guerra entre los bandos. Los problemas políticos y económicos están disueltos en una jalea ficcional dividida en capítulos vespertinos. Toda la realidad chilena está tratada desde el punto de vista de la telenovela y cumple la función de filtro revelador de esta misma realidad.

Director's Statement The film revolves around the soap operas. It’s structured from a presumption: Chilean reality does not exist; it is just a group of television series. There are four audiovisual provinces and there is a war between the four groups. The political and economic issues are dissolved in a fictional jelly divided into late afternoon chapters. The entire reality of Chile is treated from the point of view of soap operas and acts as a filter that reveals that very reality.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Mariana Chris Gude vuelve a Colombia (específicamente a La Guajira, una península en la frontera con Venezuela) tras los pasos de un marinero y un contrabandista que recorren puertos aislados y tierras desérticas, al margen de las reglas del Estado y el capital. Con un pulso paciente e inmersivo en la narración, la película se abre camino entre los paisajes desolados como lo hacen estos dos hombres en su supervivencia, entre los personajes y las historias que se cruzan a su paso, la quietud de los sitios que atraviesan y la lealtad a una tierra sin fronteras o identidades definidas. Más allá del carácter ilegal de sus actividades comerciales, estos hombres y las personas que los rodean habitan y se desplazan por espacios en los que no terminaron de imponerse las sucesivas prácticas y tendencias económicas de cada país, como si se encontraran varios compases por detrás de la historia que vivieron sus patrias, o quizá como si se hubieran quedado sin ella. Al menos eso reflexiona Hugo Chávez a través de la radio, en una escena en la que rememora la última proclama de Simón Bolívar mientras nuestros personajes principales atraviesan nuevamente las trochas.

Chris Gude returns to Colombia – specifically La Guajira, a peninsula on the frontier with Venezuela – following the footsteps of a sailor and smuggler who travelled through isolated ports and deserted lands, at the edges of the rules of State and capital. With a patient pulse and an immersive narration, the film opens the path between desolate landscapes as well as the one between these two men in their survival, between the characters and the histories that cross their paths, the stillness of these places through which they travel, and their loyalty to a land without frontiers or defined identities. Beyond the illegal nature of their commercial activities, these men and the people around them inhabit and move through spaces in which the subsequent economic practices and tendencies of each nation have not yet been fully implemented, as if they found themselves a number of steps behind the history of their countries, or perhaps as if they were not even there. At least that is what Hugo Chavez reflects on the radio in a scene that recalls Simon Bolivar’s final proclamation as our main characters once again head down the trail.

Chris Gude Nació en 1985 en Nueva York. Estudió geografía y antropología en Middlebury College. Su primera película, Mambo Cool (2013), se exhibió en el 28º Festival, además del FIDMarseille, Viennale, Punto de Vista y Cartagena, entre otros. Mariana es su segunda película. Eng Born in New York in 1985, he studied geography and anthropology at Middlebury College. His first film, Mambo Cool (2013), screened at the 28th Mar del Plata Film Festival, as well as at FIDMarseille, Viennale, Punto de Vista and Cartagena, among others. Mariana is his second film. Colombia, 2017 / 64’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Chris Gude F: Liberman Arango E: Felipe Guerrero S: Neil Benezra, Francisco Pedemonte P: Felipe Guerrero, Chris Gude CP: mutokino I: Jorge Gaviria, Edward Duigenan, Mago Cayory, Marcos Fidel Maldonado, Yair Mejía

Contacto / Contact mutokino Felipe Guerrero T +54 9 11 3215 8055 E mutokino@gmail.com W mutokino.com mutokino.com/web/ portfolio/mariana

Notas del director Mariana navega por un territorio acuoso que se extiende desde las Antillas Menores hasta Nueva York, y su curso ha de circular entre exilio y patria, pasado y futuro, metrรณpolis y periferia, silencio y combustiรณn. La bandera que flamea de su mรกstil es cada vez mรกs deshilachada, precaria y solitaria.

Director's Statement Mariana sails through a watery territory that extends from the Lesser Antilles to New York, and its course circulates between exile and the motherland, past and future, metropolis and periphery, silence and combustion. The flag that flutters in its pole is increasingly unraveled, precarious and lonely.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Tormentero Stormmaker Según Freud, los sueños son la realización alucinatoria de los deseos oprimidos en el plano consciente. Don Rome, el protagonista melancólico de Tormentero, atraviesa las migajas de su vida sumergido en un estado de confusión permanente. Entregado al efecto anestésico del alcohol, el ex pescador se revuelca entre los recuerdos que le confirman la dimensión de su soledad. Las fotos que atestiguaban su amistad con otros pescadores se volvieron color sepia cuando, de forma inocente, Don Rome descubrió un yacimiento de petróleo que arrasó con el trabajo cotidiano de él y de sus compañeros. El cuarto largometraje de Rubén Imaz Castro, director de la premiada Familia tortuga (2006), persigue a este personaje esquizofrénico hasta hacernos dudar de nuestra propia cordura. Jugando con una clave lyncheana, en la que es imposible detectar el límite entre soñar despierto y dormido, entre fantasía y realidad, el relato se funde con los sonidos de la mente lastimada del protagonista. Una mente demasiado convulsionada para un cuerpo tan callado. Tormentero es un drama sensorial que nos arrastra de las narices en un viaje introspectivo por los últimos días de un hombre que prefiere vivir con fantasmas antes que sentirse totalmente solo.

According to Freud, dreams are the hallucinatory realization of repressed desires in the conscious plane. Don Rome, the melancholy lead character of Tormento, walks through the crumbs of his life submerged in a state of permanent confusion. Having surrendered to the anesthetic effects of alcohol, the ex-fisherman wallows in the memories that confirm the dimensions of his solitude. The photos that testify to his friendships with other fishermen turn sepia when, innocently, Don Rome discovers an oil deposit that sweeps away their daily work. This fourth film by Ruben Imaz Castro, the director of the award-winning Familia tortuga (2006), follows this schizophrenic character to the point of making us doubt our own sanity. Playing with a Lynchean key, in which it is impossible to distinguish the border between dreaming and daydreaming, between fantasy and reality, the story melts into the sounds of the lead character's damaged mind, a mind that is too troubled for such a quiet body. Tormentero is a sensorial drama that drags us by the nose hairs through an introspective journey of the final days of a man who prefers to live with ghosts rather than feel himself completely alone.

Rubén Imaz Su ópera prima Familia tortuga (2006) se estrenó en San Sebastián, y obtuvo varios premios internacionales. Su segundo film, Cefalópodo (2010), ganó el premio a Mejor Actor en el Festival de Guadalajara. En 2012 produjo Fogo, de Yulene Olaizola. Su tercera película, Epitafio (2015), se estrenó en el festival de cine de Tallinn. Eng His debut film Familia tortuga (2006) premiered at San Sebastian and won various international awards. His second film, Cefalópodo (2010), won the prize for Best Actor at the Guadalajara Film Festival. In 2012, he produced Fogo, de Yulene Olaizola. His third film, Epitafio (2015), premiered at the Tallinn Film Festival. México / Colombia / República Dominicana - Mexico / Colombia / Dominican Republic, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Rubén Imaz G: Fernando del Razo, Rubén Imaz F: Gerardo Barroso Alcalá E: Israel Cárdenas, Rubén Imaz DA: Sofía Guzmán, Claudio Castelli S: José Miguel Enríquez M: Galo Durán, Camilo Plaza Giraldo P: Julio Bárcenas, Rubén Imaz, Gerylee Polanco Uribe, Oscar Ruiz Navia, Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas CP: Axolote Cine, Contravía Films, Aurora Dominicana I: José Carlos Ruiz, Gabino Rodríguez, Mónica Jiménez, Rosa Márquez, Waldo Facco, Nelly Valencia, Ausencio Valencia, Leo Verdejo

Contacto / Contact Contravía Films Natalia Pavia E salesandfestivals@ contraviafilms.com.co /TormenteroFilm

Notas del director Las características del personaje principal permiten al lenguaje cinematográfico proponer diferentes niveles de percepción. Las múltiples fantasías de Don Rome se presentan de distintas formas, tanto simples y directas como complejas y oníricas. La línea que podría separarlas se vuelve menos definida con el transcurrir de la película. En la fusión entre la naturaleza y la industria hay una integración orgánica pero también un juego de poder entre dos fuerzas combativas que se desplazan tan lento que el proceso no puede percibirse a simple vista. En el abrazo que se dan las ramas de un árbol y las cadenas de una bomba industrial se asienta un nuevo orden irreversible.

Director's Statement The characteristics of the protagonist allow the cinematographic language to propose different levels of perception. The many fantasies of Don Rome come in different forms, both simple and direct, as well as complex and dreamlike. The line that could separate them becomes less defined as the film progresses. In the fusion between nature and industry there is an organic integration, but also a power play between two fighting forces that move so slowly that the process cannot be perceived with the naked eye. In the embrace given by the branches of a tree and the chains of an industrial bomb a new irreversible order takes its place.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Cocote Alberto, el jardinero de una familia de clase alta en Santo Domingo, debe volver a su pueblo natal cuando se entera de la muerte de su padre. Pronto descubrirá que este fue asesinado por un poderoso teniente de la zona, y los cimientos de su fe evangelista comenzarán a tambalear: además de cuestionar continuamente sus creencias religiosas y hacerlo participar en rituales fúnebres que no comparte, su familia le exige hacer justicia por mano propia asesinando al teniente. Nelson Carlo de los Santos Arias se introduce de manera profunda y respetuosa en la cultura dominicana, las maneras en que sus habitantes afrontan las injusticias que sufren cotidianamente, y la relación espiritual y psicológica que entablan con la muerte, la memoria y sus seres queridos. La película se apoya en variaciones formales constantes y en decisiones audaces que no se desvían de un acercamiento empático a los personajes y sus valores, ni tiñen sus acciones con exotismo. El trance que alcanzan las ceremonias y la tensión que generan las disputas latentes no son más que las maneras pasionales en que todos buscamos respuestas, y Cocote las retrata de manera avasallante, sin necesidad de subrayarlas.

Alberto, the gardener of an upper-class family in Santo Domingo, must return to his hometown when he finds out about his father’s death. He will soon discover that the man was killed by a powerful lieutenant from the area, and the foundations of his Evangelical faith start to shake. On top of continuously questioning his religious beliefs and making him part of funeral rites he does not share, his family demands that he take the law into his own hands and murder the lieutenant. Nelson Carlo de los Santos Arias delves deeply and respectfully into Dominican culture, the ways in which its inhabitants face the injustice they suffer every day, and the spiritual and psychological relationships they have with death, memory and their loved ones. The film relies on constant variations in form as well as audacious choices that do not detour from an empathetic approach to the characters and their values, or color their actions with exoticism. The trance states they enter in their ceremonies and the tensions that latent disputes generate are no more than the passionate ways in which all of us seek for answers, and Cocote depicts them overwhelmingly, without the need to overstate them.

Nelson Carlo de los Santos Arias Nació en 1985 en Santo Domingo. Estudió cine en Buenos Aires y luego en Edinburgh College of Art. Hizo una maestría en Bellas Artes de Cine/Video en CalArts. Su película Santa Teresa y otras historias (2015) fue elegida como la Mejor Película Latinoamericana en el 30° Festival. Eng He was born in Santo Domingo in 1985, and studied film in Buenos Aires and later at the Edinburgh College of Art. He received an MFA in film/video from CalArts. His film Santa Teresa y otras historias (2015) was chosen as Best Latin American Film at the 30th Festival. República Dominicana / Argentina / Alemania / Qatar - Dominican Republic / Argentina / Germany / Qatar, 2017 / 106’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, E: Nelson Carlo de los Santos Arias F: Roman Kasseroller DA: Natalia Aponte S: Nahuel Palenque P: Fernando Santos Díaz, Lukas V. Rinner CP: Guasabara Cine, Nabis Filmgroup, Pandora Film Produktion I: Vicente Santos, Judth Rodríguez, Yuberbi de la Rosa, Pedro Sierra, Isabel Spencer

Contacto / Contact Luxbox Fiorella Moretti T +33 769 300 457 E festivals@ luxboxfilms.com W luxboxfilms.com

Notas del director Mi trabajo encuentra su interés en la manera en que producimos conocimiento. Al enfrentarme a un país en el que la mayoría ha luchado por pensarse a sí misma a través de ciencias sociales como la antropología, la sociología y demás, me parece necesario empezar una conversación que analice nuestras religiones. Una institución fundamental en la producción de valores. Con Cocote me propongo hablar de los “Misterios”, que son tan antiguos como el catolicismo y mezclan creencias del oeste de África y el cristianismo que se fusionaron gracias a la colonización del Caribe. A pesar de que esta creencia se ha practicado mucho en la isla, siempre fue tratada como marginal por la clase dominante.

Director's Statement My work is interested in how we produce knowledge. To face a country in which the majority of the citizens have struggled to think of themselves through social sciences such as anthropology, sociology, among others; I find it necessary to open a conversation analyzing our religions. A fundamental institution in the production of values. With Cocote I propose to talk about “los Misterios” (Mysteries), which is as ancient as Catholicism, and synchronizes West African beliefs and Christianity that merged due to the colonization of the Caribbean. Despite the fact that this belief has been practiced widely on the island, it has always being treated as marginal by the ruling class.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Las olas The Waves Un día de verano que aparenta ser como cualquier otro, Alfonso interrumpe sus quehaceres cotidianos en la ciudad para refrescarse en el mar. Cuando sale, está en otra costa, con otro bañador y en un tiempo impreciso. Ese misterio va revelando sus capas cada vez que entra al agua: vuelve a salir vestido de manera diferente, en otra playa, y se relaciona con distintas personas que formaron parte de su vida. Las olas es un paso adelante en el cine de Adrián Biniez, cuyo talento para el humor asordinado descubrimos en Gigante (2009), y quien dotó de nuevos adjetivos el malgastado costumbrismo en El 5 de Talleres (2014). Aquí dobla la apuesta contando la vida de un personaje que entra y sale del mar como si pasara los capítulos de su propio libro de aventuras (la película está dividida en segmentos que llevan nombres de cuentos clásicos, como La isla del tesoro o Viaje al centro de la Tierra). Al mismo tiempo, va tejiendo un relato de ribetes fantásticos: en cada espacio y época en la que Alfonso participa –ya sea como niño o como adulto–, vemos al mismo actor (Alfonso Tort), en un gesto que sumerge a la película en terrenos en los que el absurdo se desliza en viñetas de un virtuoso surrealismo y con una frescura extraordinaria.

One summer’s day, that appears to be the same as any other, Alfonso interrupts his everyday errands in the city to cool off in the sea. When he comes out of the water, he’s on a different coast, wearing a different bathing suit and in what may be some other time. The mystery reveals its layers every time he enters the water: he comes back out dressed differently, on another beach, and comes into contact with people that were part of his life. Las olas is a step forward in the work of Adrián Biniez, whose talent for deadpan humor was revealed in Gigante (2009), and who gave new adjectives to a tired subgenre like the comedy of manners in El 5 de Talleres (2014). Here he doubles the stakes by narrating the life of a character that enters and comes out of the sea as though he were living in different chapters of his own adventure book (the film is divided in segments named after classic tales, like Treasure Island and Journey to the Center of the Earth). At the same time, he weaves a story with fantastic tinges: in each space and time where Alfonso appears –as a kid or as an adult-, we see the same actor (Alfonso Tort), in a gesture that immerses the film in terrains in which the absurd slides into vignettes of a virtuous surrealism with extraordinary freshness.

Adrián Biniez Nació en 1974 en Remedios de Escalada, Argentina, y vive en Montevideo. Su cortometraje 8 horas ganó el primer premio en Bafici en 2006. Dirigió los largometrajes Gigante (2009), ganador del Oso de Plata en el Festival de Berlín, y El 5 de Talleres (2014, 29º Festival). Eng Born in Remedios de Escalada, Argentina, in 1974, and living in Montevideo, his short film 8 horas won first prize at Bafici 2006. He directed the features Giant (2009), winner of the Silver Bear at the Berlinale, and El Cinco (2014, 29th Festival). Uruguay / Argentina, 2017 / 88’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Adrián Biniez F: Nicolás Soto Díaz, Germán De León E: Alejo Moguillansky, Pablo Riera DA: Alejandro Castiglioni S: Daniel Yafalián P: Agustina Chiarino, Fernando Epstein CP: Mutante Cine I: Alfonso Tort, Fabiana Charlo, Julieta Zylberberg

Contacto / Contact Mutante Cine Agustina Chiarino T +59 898 000 176 E aguchia@yahoo.com contacto@ mutantecine.com W mutantecine.com

Notas del director Las olas surge de las ganas de trabajar sobre lo fantástico y un subgénero de lo fantástico: los recuerdos, algunos de ellos tan idealizados que se convierten en mitos personales. Y de la fascinación de poder filmar una película donde el 95% es luz diurna en escenarios naturales. Y el humor. Y lo episódico. Y los discos de Ghost Box Records que escribieron la película en alguna siesta.

Director's Statement Las olas comes from the willingness to work on the fantastic and a subgenre of the fantastic: memories, some of which are so idealized that they become personal myths. And the fascination for being able to shoot a film in which 95% is daylight in natural sceneries. And humor. And the episodic. And the albums by Ghost Box Records that wrote the film during a siesta.

Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

La familia The Family La familia, elocuente relato de la violencia que atraviesa Venezuela, muestra la relación padre-hijo a partir de un hecho que tiene fuertes consecuencias. En una pelea callejera, Pedro mata por accidente a otro niño de un barrio rival. Temiendo una segura venganza, su padre Andrés decide irse del barrio y llevárselo lo más lejos posible. El escape no estará exento de otras situaciones complicadas y peligrosas, pero el eje allí son el padre y el hijo que, casi por la fuerza, retoman una relación que tenía sus problemas. En su primer largo, Gustavo Rondón Córdova tiene muy claro que no hace falta forzar la brutalidad de la situación que ellos viven (se siente sin necesidad de ser gráficos) ni empalagarse con esa otra posible película sobre una familia que se recompone a partir de una tragedia. La familia es un retrato de esa relación y de la dificultad de conformar una sociedad que se piense a sí misma como tal. Allí manda una suerte de espíritu de tribu, donde la violencia se aplica al que aparece más débil o sin tantas conexiones. Con esos elementos, el director logra escapar del cliché de exportación para festivales para crear un film honesto y vital.

La familia, an eloquent account of the violence Venezuela in going through, shows a fatherson relationship through an event with powerful consequences. During a street fight, Pedro accidentally kills another kid from a rival neighborhood. Fearing inevitable revenge, his father Andrés decides to leave the neighborhood and take him as far away from there as possible. The escape will include other complicated and dangerous situations, but at the center of the film are the father and son who, almost by force, resume a relationship that used to have some issues. In his first feature, Gustavo Rondón Córdova knows very well that it is not necessary to force the brutality of the situation they are going through (one can feel it without the need to be graphic) or become cloying with that other possible film about a family that pulls itself together through a tragedy. La familia is a depiction of that relationship and of how difficult it is to build a society that thinks of itself as such. Some kind of tribal spirit rules there where violence is practiced on those who seem weaker or not well-connected. With those elements, the director manages to steer clear from the festival export cliché and create a film that is honest and full of life.

Gustavo Rondón Córdova Nació en Caracas, Venezuela. Se graduó como comunicador social de la Universidad Central de Venezuela y se especializó en dirección de cine en FAMU, República Checa. Su cortometraje Nostalgia fue seleccionado en la Berlinale 2012. La familia es su primer largometraje. Eng Born in Caracas, Venezuela, he graduated in social communications from the Universidad Central de Venezuela and specialized in film direction at FAMU in the Czech Republic. His short film Nostalgia was selected by the 2012 Berlinale. La familia is his second feature length film. Venezuela / Chile / Noruega - Venezuela / Chile / Norway, 2017 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Gustavo Rondón Córdova F: Luis Armando Arteaga E: Andrea Chignoli, Cristina Carrasco, Gustavo Rondón Córdova DA: Matías Tikas S: Miguel Hormazábal, Marco Salaverría M: Alejandro Zavala P: Natalia Machado Fuenmayor, Marianella Illas, Rubén Sierra Salles, Rodolfo Cova, Gustavo Rondón Córdova CP: La Pandilla Producciones, Cine Cercano, Factor RH, Ávila Films, DHF I: Giovanni García, Reggie Reyes

Contacto / Contact La Pandilla Producciones Natalia Machado T +58 41 2207 2141 +58 41 2629 8047 E natalia@lapandilla.net correo@lapandilla.net W lapandilla.net

Notas del director En una Caracas áspera, que a la vez es muchas ciudades latinoamericanas, Andrés es un padre soltero que trabaja duro para apenas sobrevivir. En ausencia de una madre, consciente o inconscientemente, el padre hace que su hijo Pedro, de doce años, se críe solo y también sobreviva. Ellos están moldeados por un contexto social hostil y su nexo se pone a prueba a partir de un evento violento en el cual el hijo pone una condena sobre sus hombros. El padre piensa que la protección física es lo que importa y huyen. En su tránsito, quizás de manera involuntaria, dos personas se conocerán de vuelta para así construir una realidad común con lo que queda de ellos y la posibilidad de una nueva existencia.

Director's Statement In a rough Caracas, which is many Latin American cities at the same time, Andrés is a single father who works hard in order to barely survive. In the absence of a mother, consciously or unconsciously, the father makes his twelve-year-old son Pedro raise himself and also survive. They are molded by a hostile social context, and their bond is put to the test through a violent event in which the son gets a prison sentence put upon his shoulders. The father thinks physical protection is what matters and they flee. During their journey, and maybe involuntarily, two people will meet each other once more to build a common reality with what’s left of them and the possibility of a new existence.

Fuera de Competencia — out of competition

Ata tu arado a una estrella Tie Your Plow to a Star En 1997, a treinta años de la muerte del Che Guevara, Fernando Birri recorría América Latina con la simple y potente premisa de revisitar su figura, además de redescubrir en distintos testimonios el significado y la vigencia de las utopías. Carmen Guarini registró aquel rodaje (un material extraordinario con las apariciones de Ernesto Sábato, Osvaldo Bayer, Eduardo Galeano, León Ferrari y los habitantes de La Higuera) para seguir los pasos del director en Cuba (donde fundó la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños) e Italia (su país de residencia actual, donde realizó sus propios estudios de cine), y finalmente entrevistarlo en su hogar, donde demuestra que a los 92 años su lucidez y falta de solemnidad están intactas. En la confianza mutua que sostienen, Guarini y Birri se permiten un intercambio franco y agudo, que evita los lugares comunes y la autocomplacencia, y el documental señala con claridad un mérito clave en la carrera del realizador santafesino: no solo les brindó voz y espacio a las comunidades en los márgenes, sino que también procuró que esas comunidades produjeran sus propias expresiones.

In 1997, thirty years after Che Guevara’s death, Fernando Birri traveled across Latin America with the simple but powerful premise of revisiting his figure, along with rediscovering in different testimonies the meaning and validity of utopias. Carmen Guarini recorded that shoot –some extraordinary footage with appearances by Ernesto Sábato, Osvaldo Bayer, Eduardo Galeano, León Ferrari and the inhabitants of La Higuera– in order to follow the footsteps of the director in Cuba, where he founded the San Antonio de los Baños International School of Film and Television, and Italy, his current country of residence, where had pursued his own film studies, and finally interview him in his home, where he shows that, at 92, his lucidity and lack of solemnity are still intact. With their mutual trust, Guarini and Birri allow themselves to have a frank, sharp exchange that avoids cliché and self-indulgence, and the documentary clearly points out a key merit in the career of the filmmaker from the Santa Fe province: not only did he give a voice and a space to communities in the margins, but he also made sure those communities produced their own expressions.

Carmen Guarini Nació en 1953 en Argentina. Es cineasta, productora y antropóloga. Estudió en la Universidad de Nanterre, Francia. En 1986 fundó la poductora Cine-ojo junto a Marcelo Céspedes. Realizó varios largometrajes, como La noche eterna (1990), Tinta roja (1998) y Calles de la memoria (2013). Eng Born in Argentina in 1953, she is a filmmaker, producer and anthropologist. She studied at the University of Nanterre, France. In 1986, she founded the production company Cine-ojo with Marcelo Céspedes. She made many features, such as La noche eternal (1990), Tinta roja (1988) and Calles de la memoria (2013). Argentina, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, E, P: Carmen Guarini F: Martín Gamaler, Carmen Guarini DA: Marcelo Céspedes S: Estudio Pomeranec M: Gustavo Pomeranec CP: El Desencanto Films, MC Producciones I: Fernando Birri, Eduardo Galeano, Ernesto Sábato, León Ferrari, Tanya Valette

Contacto / Contact El Desencanto Films Carmen Guarini T +54 11 4371 6449 E carmenguarini@ cineojo.com.ar W eldesencantofilms.com

Competencia Latinoamericana de Cortometrajes — Latin American Short Film Competition 88 88 89 89 90 90 91 91

Sob o vèu da vida oceânica Cerulia Tonalidades Macanao El hilo El contramaestre Duelo Playa

Competencia Latinoamericana de Cortos — Latin American Short Film Competition

Sob o vèu da vida oceânica — Unravelling the Ocean’s Veil Levantando el velo del océano Brasil - Brazil, 2017 / 9’ / DM / Color / Portugués - Portuguese D: Quico Meirelles G: Felipe Poroger E: Francisco Teivelis DA: Chico Zullo S: Alan Zilli M: Bruno Bonaventure, Jesús Sánchez P: Francisco Teivelis CP: O2 Filmes I: Helio Vaccari, Marco Aurélio, Julia Ianina

Ey, vos, humano que lee esta sinopsis. Sí, vos, que te quejás del tiempo y la muerte, del amor y la existencia. Hoy es tu día de suerte: mi vida es mucho peor que la tuya. Y dura solo seis minutos.

Hey you, human being reading this synopsis. Yes, you who complains of time and death, of love and existence. Today is your lucky day: my life is way worse. And it only lasts six minutes.

Contacto / Contact O2 Filmes Quico Meirelles T +55 119 9989 2399 E quico@o2filmes.com W o2filmes.com /o2filmes

Quico Meirelles Nació en 1988. Su madre es bailarina y su padre cineasta, por lo que creció viendo grandes actuaciones, yendo al teatro y, sobre todo, visitando sets de cine. Se graduó de la escuela de cine en 2012. Eng Born in 1988, his mother is a dancer and his father is a filmmaker, so he grew up watching great performances, going to the theatre and, above all, going to film sets. He graduated film school in 2012.

Cerulia México - Mexico, 2016 / 13’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Sofía Carrillo F: Paola Chaurand E: Uri Espinosa Cueto DA: Lou Peresandi, Sofía Carrillo S: Odín Acosta P: Paola Chaurand I: Diana Bracho

Cerulia inicia un viaje para despedirse de la casa de su niñez, pero los recuerdos y la presencia de los abuelos no la dejarán partir.

Cerulia returns home to bid her final farewell to the house where she grew up, but her childhood memories and the presence of her grandparents won't let her go.

Sofía Carrillo Nació en 1980 en México. Es licenciada en Artes Audiovisuales por la Universidad de Guadalajara. Es artista multidisciplinaria, y trabaja en dirección, animación clásica y dirección de arte. Dirigió y animó varios cortometrajes, como Prita noire (2011) y La casa triste (2013). Eng Born in Mexico in 1980, she holds a Bachelor’s Degree in audiovisual arts from the University of Guadalajara. She is a multidisciplinary artist and works in direction, classic animation and art direction. She directed and animated many short films, including Prita noire (2011) and La casa triste (2013).

Contacto / Contact Instituto Mexicano de Cinematografía IMCINE Gloria Mascorro T +52 555 448 5345 E festivals@imcine.gob.mx itandehui.alderete@ imcine.gob.mx W imcine.gob.mx

Tonalidades — Shades Perú / España - Peru / Spain, 2017 / 10’ / DM / Color - B&N / Español - Spanish D, G, F, E, P: Alejandro Small S: Tomás Gistau Soldi CP: Gallinazos Cine I: Gus Gracey

Un hombre pinta. Inmerso en su trabajo, el ambiente que lo rodea evoca imágenes de las que no se puede desligar.

A man paints. Immersed in his work, the environment around him evokes images from which he cannot separate himself.

Contacto / Contact Gallinazos Cine Alejandro Small T +51 986 685 866 E gallinazos.distribucion@ gmail.com /gallinazoscine gallinazoscine

Alejandro Small Nació en 1991 en Arequipa, Perú. Dirigió los cortometrajes Lisandro y el amor (2011) y SOPLA! (2014), premiados en el Concurso Nacional de Cortometrajes de Perú. Su mediometraje Microbús (2014) se estrenó en el FICValdivia, y pasó por Bafici, Transcinema y Márgenes. Eng He was born in Arequipa, Peru, in 1991. He directed the shorts Lisandro y el amor (2011) and SOPLA! (2014), awarded at Peru’s National Short Film Contest. His mid-length feature Microbús (2014) premiered at FICValdivia and was screened at Bafici, Transcinema and Márgenes.

Macanao Venezuela, 2017 / 12’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Clarissa Duque F: Michell Rivas E: Eduardo García DA: Clarissa Duque, Sorel Fabiani S, M: Marcos Salaverria P: Inés Massa, Federica Porte CP: AWA Productions

Una mesa servida para tres donde solo desayunan dos. Un padre que se refugia en el trabajo y una hija que se inventa leyendas marinas para enfrentar el duelo por su madre. En una isla solitaria, Aymará, una niña de cinco años, y su padre, un humilde carpintero que restaura barcos viejos, se acompañan por el solitario camino de aceptar la pérdida de un ser querido. Pero Aymará decide tomar su propio camino.

A table served for three where only two have breakfast. A father that takes shelter in his work and a daughter who invents sea legends in order to face her mourning for her mother. On a lonely island, Aymará, a five-year-old girl, and her father, a humble carpenter who restores old ships, accompany each other through the lonely path to accepting the loss of a loved one. But Aymará decides to take her own road.

Clarissa Duque Nació en 1982 en Venezuela. Estudió cine en la ULA en Venezuela y en el SICA, en Argentina. Dirigió los cortometrajes Galus Galus y Culinary Dreams, y el largo documental Tambores de agua. Actualmente dirige la productora AWA Productions. Eng Born in Venezuela in 1982, she studied film at the ULA in Venezuela and at SICA in Argentina. She directed the short films Galus Galus and Culinary Dreams, and later the feature length documentary Tambores de agua. She currently runs the production company AWA Productions.

Contacto / Contact AWA Productions Inés Massa T +1 424 213 0077 E creative@ awaproductions.com W awaproductions.com /macanaofilm

Competencia Latinoamericana de Cortos — Latin American Short Film Competition

El hilo — The Thread Chile / Costa Rica, 2017 / 6’ / DCP / B&N / Español - Spanish D, F. P: Pablo Polanco, Pietro Bulgarelli E: Alonso Viquez S: Pietro Bulgarelli M: Oscar Burotto CP: Astrum Argentum I: María Lucrecia Rain Quiriante, Marcos Rain Barrera, Gabriela Fellet

Una anciana ciega enhebra un hilo infinito mientras su casa flota en el mar. A veces, le pide a su dios despertarse del sueño de estar viva. Otras, se olvida de cuál es el sueño.

A blind old lady threads an endless thread while her house floats in the sea. Sometimes, she asks her god to wake her up from the dream of being alive. Other times, she forgets which is the dream.

Contacto / Contact Astrum Argentum Pablo Polanco T +51 979 851 802 E ppolanko@gmail.com

Pablo Polanco & Pietro Bulgarelli Pablo nació en 1976 en Chile. Estudió en el Instituto Profesional Arcos (Chile) y en el SICA (Argentina). Pietro nació en 1986 en Costa Rica. Estudió en la Escuela de Ciencias de la Comunicación Colectiva de la Universidad de Costa Rica, y se graduó como director de fotografía en el SICA. Eng Born in Chile in 1976, Pablo studied at the Arcos Professional Institute (Chile) and at SICA (Argentina). Pietro was born in Costa Rica in 1986. He studied at the School of Collective Communication Sciences in the University of Costa Rica, and graduated as a cinematographer from SICA.

El contramaestre — The Boatswain Cuba, 2017 / 13’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, F, E: Alejandro Pérez S, P: Karen Andersen CP: EICTV

Carlos vive aislado en el interior de las montañas de la Sierra Maestra en Cuba, después de una vida entera de trabajo en alta mar. Su día a día transcurre entre los recuerdos de otros tiempos, el trabajo en el campo y sus animales, los únicos compañeros de viaje de este náufrago en tierra.

Carlos lives isolated deep in the mountains of the Sierra Maestra in Cuba, after an entire life of working in the high seas. His day to day life takes place between memories of another time, work in the field and his animals, the only travelling companions of this man who is a castaway on land.

Alejandro Pérez Egresado de dirección documental en la EICTV (Cuba) y licenciado en Economía y Periodismo en la Universidad Carlos III de Madrid. En Cuba ha realizado cortometrajes documentales y de ficción como El contramaestre y El espectáculo. Eng He graduated in documentary filmmaking from EICTV (Cuba) and holds a degree in economic science and journalism from Madrid’s Universidad Carlos III. In Cuba, he has directed several short films including El contramaestre and El espectáculo.

Contacto / Contact EICTV Giselle Cruz T +53 47 383 152 +53 58 384 238 E gielena14@gmail.com promocioninternacionaleictv@ gmail.com W eictv.org

Duelo Cuba, 2017 / 12’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Alejandro Alonso P: Rafael Ramírez, Alejandro Alonso CP: EICTV Escuela Internacional de Cine y TV

Yoán se encuentra atormentado por sus pesadillas. La angustia por la ausencia de su padre y las visiones de espíritus que lo asedian de noche le impiden conciliar el sueño. A sus 17 años ha aprendido a concebir la vida como una gran batalla.

Yoán is haunted by nightmares. The anguish for the absence of his father and the visions of spirits that haunt him during the night prevent him from getting to sleep. At 17, he has learnt to conceive of life as a great battle.

Contacto / Contact Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) T +53 47 383 152 E promocioninternacional@ eictv.co.cu W eictv.org

Alejandro Alonso Nació en 1987 en Cuba. Dirigió los cortometrajes documentales Evocación (2010), Crisálida (2012) y The Farewell (2014). Eng Born in Cuba, in 1987, he directed the short documentary films Evocación (2010), Crisálida (2012) and The Farewell (2014).

Playa — Beach México, 2017 / 13’ / DCP / Color B&N / Español - Spanish D, G, E, P: Francisco Borrajo F: Francisco Borrajo, Montserrat Ayala S: Axel Muñoz Espino CP: Colectivo Colmena I: Nicolasa Ortiz Monasterio, Juan Pablo de Santiago

Playa es una síntesis de conversaciones en Super 8 y Super 35mm que narra de una forma experimental la relación de una pareja de 21 años hasta su separación. Reflexión sobre cómo decidimos construir nuestras propias memorias, testimonio de una generación que vive creando memorias para compartir y que siente nostalgia por recuerdos que adaptan incluso de otras generaciones. Este cortometraje está pensado como un recuerdo o un sueño, que cualquiera podría incorporar a su propia memoria.

Beach is a summary of conversations in Super 8 and Super 35mm that narrates, in an experimental way, the 21 year relationship of a couple up to their separation. A reflection on how we decide to build our own memories, the testimony of a generation that lives creating memories to share and that feels nostalgia for memories they adapt from other generations, even. This short film is imagined as a memory or a dream that anyone could incorporate into their own memory.

Francisco Borrajo Editó varios cortometrajes; entre ellos, La libertad de Hugo (FICM 2014), La asunción de José (Festival Distrital 2016, Festival de Cine de Bogotá) y Libélula (FICM 2016, Generation Berlinale 2017, Cinelatino 2017). Eng He has edited various short films, among them La libertad de Hugo (FICM 2014), La asunción de José (Festival Distrital 2016, Festival de Cine de Bogotá) and Libélula (FICM 2016, Generation Berlinale 2017, Cinelatino 2017).

Contacto / Contact Colectivo Colmena Francisco Borrajo T +52 1 551 360 0238 +52 1 5535 3023 E hola@colmena.com panchoborrajo@gmail.com W colmena.tv

Competencia Argentina — Argentine Competition 94 96 98 100 102 104 106 108 110 112 114 116

Aterrados Barrefondo El azote Estoy acá (Mangui Fi) Hasta que me desates La nostalgia del centauro Los Corroboradores Los vagos Réquiem para un film olvidado Soldado Todo lo que veo es mío Un viaje a la luna

Competencia Argentina — Argentine Competition

Aterrados Terrified Algo muy extraño está pasando en un barrio del conurbano bonaerense. Objetos que se mueven, apariciones extrañas y cañerías que hablan son los primeros indicios de que lo Paranormal –así, en mayúsculas– vino para quedarse. Azorado, el Comisario Funes convoca a Mario Jano para que lo ayude a desentrañar el misterio. Se les unirán la doctora Albrec y el norteamericano Rosentok, formando un grupo de investigación que vivirá una verdadera escalada a la locura. Si bien Rugna venía demostrando en su obra que sabe imprimir como pocos un “tono nacional” –expresión para nada peyorativa, demostrada de manera contundente en No sabés con quién estás hablando, en competencia en la edición pasada–, en Aterrados logra construir una de las películas de género más personales, terroríficas e indiscutiblemente “argentas” de todos los tiempos. Los sustos, ya lo sabemos, hay que dárselos en vida.

Something very strange is happening in a neighborhood in the outskirts of Buenos Aires. Objects that move on their own, strange apparitions and water pipes that speak are the first sign that the Paranormal –with a capital “P”– has come to stay. Bewildered, Commissioner Funes call Mario Jano to help him untangle the mystery. Joining them is Doctor Albrec and Rosentok, from the United States, to form an investigative team that will experience a real ascent into madness. While Rugna has already demonstrated in his work that he knows like few others how to imprint upon his film an “Argentine color” –not meant in anyway pejoratively, as he proved resoundingly with No sabés con quién estás hablando, in competition in the last edition of the festival–, in Aterrados he manages to construct one of the most personal, terrifying and unquestionably “Argentine” genre films of all times. Because frights, as we well know, must be enjoyed while we are still alive.

Demián Rugna Es director, guionista y diseñador audiovisual argentino, especializado en cine fantástico y de terror. Realizó el largometraje La última entrada (2007) y No sabés con quién estás hablando (2016, 31° Festival). Codirigió ¡Malditos sean! (2013 28° Festival) junto a Fabián Forte. Eng He is an Argentine director, screenwriter and audiovisual designer who specializes in fantastic and horror films. He made the feature The Last Gateway (2007) and No sabés con quién estás hablando (2016, 31th Festival). He co-directed ¡Malditos sean! (2013, 28th Festival) with Fabián Forte. Argentina, 2017 / 90’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, M: Demián Rugna F: Mariano Suárez E: Lionel Cornistein DA: María Laura Aguerrebehere, Andrea Kluger S: Pablo Isola P: Fernando Díaz CP: Machaco Films S.R.L I: Maxi Ghione, Norberto Gonzalo, Elvira Onetto, George Lewis, Agustín Rittano

Contacto / Contact Machaco Films S.R.L Fernando Díaz T +54 9 11 5484 8721 E fernandodiazmail@ gmail.com W machacofilms.com.ar /aterradoslapelicula

Notas del director Personalmente soy un convencido de que la verdadera industria audiovisual se desarrolla gracias al género fantástico, y desde hace diez años peleo apasionadamente con la difícil tarea de hacer este tipo de cine en mi país, bregando por un cambio cultural respecto del consumo de cine fantástico. Aterrados muestra horrores sobrenaturales que nos hacen reflexionar sobre las sensaciones creadas por sociedades con pensamientos negativos y nefastos. Enemigos invisibles que hacen “desaparecer” a nuestros protagonistas, secuestrándolos y torturándolos.

Director's Statement Personally I’m convinced that the real audiovisual industry is developed thanks to the fantastic genre, and for the last ten year I have been struggling passionately with the difficult task of making this kind of cinema in my country, working towards a cultural change regarding the consumption of fantastic films. Aterrados shows supernatural horrors that make us reflect on the sensations created by societies with negative, harmful thoughts. Invisible enemies that make our main characters “disappear,” kidnapping and torturing them.

Competencia Argentina — Argentine Competition

Barrefondo Pool Sweeper En medio de un verano inclemente, Tavo trabaja como piletero en un country del conurbano bonaerense, formando parte silenciosa de un paisaje y de una comunidad que lo mantiene a raya por cuestiones de clase. En ese lugar, es testigo de una situación extraña que termina por envolverlo en una trama policial de la cual terminará convertido en el centro, cuando comience a intercambiar información sobre las casas en las que trabaja con una pandilla de delincuentes. Adaptación de la novela del autor argentino Félix Bruzzone, Barrefondo sigue los pasos taciturnos de un personaje sacudido por tentaciones –las del dinero y la venganza–, mientras traza con inteligencia y esquivando trazos gruesos una historia que se anima a entrar en terrenos del género, sin perder el nervio de un realismo que expone algunos ritos conocidos de la anatomía policial y criminal.

In the middle of an unforgiving summer, Tavo works as a pool boy at a gated community in the suburbs of Buenos Aires, playing a silent role in an environment and community that keep him at bay for reasons of class. There he is witness to a strange situation that ends up getting him mixed up in a criminal plot of which he will end up becoming the center once he starts giving information about the houses he works in to a gang of delinquents. An adaptation of Argentine author Félix Bruzzone's novel, Barrefondo follows the taciturn footsteps of a character shaken by the temptations of money and revenge, while tracing, with intelligence and without exaggeration, a story that dares to enter the territory of genre without losing the sinews of a realism that exposes the well-known rites of police and criminals.

Jorge Leandro Colás Nació en Río Negro. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y se especializa en cine documental. Su ópera prima, Parador Retiro (2008), ganó el premio a Mejor Película Argentina en el 23º Festival y participó en más de 30 festivales. También dirigió Gricel (2012) y Los pibes (2015), exhibidas en los festivales de Mar del Plata y Bafici. Eng He was born in Río Negro, studied Image and Sound Design at UBA and specializes in documentary filmmaking. His first feature, Parador retiro (2008) won the Best Argentine Film award at the 23rd Festival and was screened at over 30 festivals. He also directed Gricel (2012) and Los pibes (2015), shown at the Mar del Plata and Bafici Argentina, 2017 / 76’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish D, G: Jorge Leandro Colás F: Leonel Pazos Scioli E: Karina Expósito DA: Diana Orduna S: Carlos Olmedo P: Carolina M. Fernández CP: Salamanca Cine I: Nahuel Viale, Sergio Boris, María Soldi, Claudio Da Passano, Osqui Guzmán

Contacto / Contact Salamanca Cine Carolina M. Fernández T +54 11 2067 7542 E produccion@ salamancacine.com.ar W salamancacine.com.ar

Notas del director El agua limpia y cristalina de una pileta de natación en un country. El agua barrosa y turbia de una zanja en un barrio humilde. Seguramente, en algún lugar remoto, en algún pozo, en algún desagüe, esas aguas se cruzan y se mezclan. También en el personaje central de Barrefondo hay un cruce y una mezcla. Hay un punto donde Tavo, el piletero honesto y familiar, se fusiona con el otro Tavo, el que marca casas y las entrega para robar. Dejando de lado preconceptos y prejuicios, la película también busca situarse en un punto de cruces éticos y estéticos. El bien y el mal, la verdad y la mentira, el documental y la ficción, el registro crudo y la representación.

Director's Statement The clean, crystal-clear water of a swimming pool at a gated community. The muddy, turbid water of a ditch in a poor neighborhood. It’s likely for those waters to cross and mix in some remote place, in some well, in some drainage. There’s also a cross and a mixture in the main character of Barrefondo. There’s a point where Tavo, the honest, warm pool boy, merges with the other Tavo, who marks houses and hands them over to be robbed. Leaving preconceptions and prejudice aside, the film also seeks to stand at a place of ethical and aesthetic intersections. Good and evil, truth and lies, documentary fiction, raw style and representation.

Competencia Argentina — Argentine Competition

El azote The Scourge Carlos, un asistente social en la ciudad de Bariloche, mantiene una lucha dura y continua por ayudar a encauzar las vidas de los estudiantes del colegio en el que se desempeña. La tarea está en seria desventaja frente al entramado de corrupción, pobreza, drogas y abusos que acecha a los jóvenes, y además le impide poner su propia vida en orden, recuperar a su ex pareja y asistir a su madre inválida. Su empatía logra reducir los impulsos violentos de los chicos que tutoriza, y su temple lo sostiene frente a las agresiones de aquellos que lo ven como un obstáculo para perpetuar la miseria, pero cada batalla le va quitando la confianza en poder cambiar las cosas, y se acerca el momento clave para no sacrificar el futuro de los alumnos. El prolífico Campusano demuestra nuevamente que el ritmo de su producción no hace más que contribuir a la audacia y contundencia de sus obras, con una historia que explora las problemáticas más complejas que afrontan las comunidades de las periferias en nuestro país, sin renunciar a la empatía por sus personajes, las heridas que los transformaron y los demonios que aún los persiguen.

Carlos, a social worker from the city of Bariloche, maintains a long, continuous struggle helping channel the lives of the students at the school where he works. The task is at a great disadvantage faced with of a framework of corruption, poverty, drugs and abuse that haunts the teenagers, and also prevents him from putting his own life in order, trying to get back together with his former partner and assisting his disabled mother. His empathy manages to reduce the violent impulses of the kids he tutors, and his spirit protects him from the aggressions of those who see him as an obstacle in their plans to perpetuate misery, but each battle nibbles away at his confidence in being able to change things, and the critical moment in which he will try not to sacrifice the future of his students is approaching. The prolific Campusano shows once more that the pace of his production contributes to the boldness and strength of his works, with a story that explores the most complex dilemmas faced by the communities in the peripheries of our country, without giving up any kind of empathy for his characters, the wounds that transformed them and the demons that are still chase them.

José Celestino Campusano Nació en 1964 en Quilmes. Estudió parte de la carrera de realizador argumental en el Instituto de Cine de Avellaneda. Dirigió varios largometrajes; entre otros, Vikingo (2009, 24° Festival), Fango (2012, Mejor Director de la Competencia Argentina en el 27° Festival) y El sacrificio de Nehuén Puyelli (2016, 31° Festival). Eng Born in Quilmes in 1964, he studied part of the fiction filmmaker major at Avellaneda’s Instituto de Cine. He has directed many features, which include Vikingo (2009, 24th Festival), Fango (2012, Best Director of the Argentine Competition at the 27th Festival) and El sacrificio de Nehuén Puyelli (2016, 31st Festival). Argentina, 2017 / 89’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, P: José Celestino Campusano F: Eric Elizondo E: Horacio Florentín S: Assiz Alcaraz, Nahuel Reyes Sosa M: Claudio Miño CP: Cinebruto I: Kiran Sharbis, Facundo Sáenz Sañudo, Gastón Cardozo, Ana María Conejeros, Nadia Fleitas

Contacto / Contact Cinebruto José Celestino Campusano T +54 9 11 6527 5208 E cinebruto@gmail.com W cinebruto.com /cinebruto

Notas del director Un azote en el imaginario colectivo resulta un recurso brutal tan económico como expeditivo para disciplinar a los insurrectos, más aún cuando desde la más temprana edad intentan cuestionar o modificar el orden secular. Gracias a asistentes sociales de los barrios vulnerables de Bariloche, pudimos componer este incondicional film apuntando al mayor grado de verosimilitud posible, apoyándonos también en el generoso aporte de los habitantes del lugar y de la Municipalidad.

Director's Statement A lash is, to the collective imaginary, a brutal resource that is as inexpensive as it is efficient to discipline insurgents, even more so when they try to question or modify secular order from an early age. Thanks to social assistants from the vulnerable neighborhoods of Bariloche, we were able to compose this unconditional film aiming for the highest degree of authenticity possible, also relying on the generous contribution from the inhabitants of the place and the Municipality.

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Estoy acá (Mangui Fi) I Am Here Para Ababacar y Mbaye –dos inmigrantes senegaleses que se conocieron y entablaron una gran amistad en Buenos Aires–, el desafío va más allá de adaptarse a las costumbres y condiciones de vida en Argentina, o de lidiar con la indiferencia y el racismo que sufren cotidianamente: ambos llegaron a una instancia de sus vidas en la que deben definir un rumbo, y a su vez aceptar que sus identidades y necesidades se volvieron más complejas. La decisión de dejar su país estuvo impulsada por el objetivo urgente de sostener económicamente a sus familias, pero la estadía en Buenos Aires los cruzó con nuevas personas, nuevas maneras de ver las cosas, y hasta una situación económica distinta de aquella que encontraron a su llegada. El respeto y la distancia de los directores son claves para ofrecer una mirada superadora y comprensiva de estas realidades. Estoy acá retrata individualmente a los dos personajes para explorar sus historias y los posibles caminos que se abren en sus vidas, y a su vez los expone discutiendo dos posturas distintas sobre el futuro que quieren emprender, la imagen que tienen de ambos países y qué fue lo que los hizo emigrar en primer lugar.

For Ababacar and Mbaye –two Senegalese immigrants who met and became very good friends in Buenos Aires–, the challenge goes beyond adapting to the customs and living conditions in Argentina, or dealing with the indifference and racism they suffer every day: they have both reached an instance in their lives in which they must define a course and, at the same time, come to terms with the fact that their identities and needs have become more complex. The decision to leave their country was driven by the urgent goal of supporting their family financially, but their stay in Buenos Aires made them meet new people, new ways of seeing things, and even a financial situation that is different from the one they found when they arrived. The directors’ respect and distance are key in order to offer a comprehensive, understated look upon these realities. I Am Here portrays the two characters individually in order to explore their stories and the possible paths that open in their lives, and at the same time it exposes them while discussing two different stances on the future they want to pursue, the image they have of both countries and what it was that made them migrate in the first place.

Juan Manuel Bramuglia & Esteban Tabacznik Juan Manuel estudió Comunicación Audiovisual (UNLP) y cine (FUC). Se desempeña como director de fotogtrafía, montajista y coordinador de post. Esteban estudió Filosofía (UBA) y cine (FUC). Es director y guionista. Sus cortos han participado de numerosos festivales internacionales. Eng Juan Manuel studied audiovisual communication (UNLP) and film (FUC). He works as cinematographer, editor and post-production coordinator. Esteban studied philosophy (UBA) and film (FUC). He is a writer-director. His works have been screened at many international festivals. Argentina, 2017 / 77’ / DCP / Color / Wólof / Español / Inglés - Wolof / Spanish / English D, G: Juan Manuel Bramuglia, Esteban Tabacznik F: Juan Manuel Bramuglia E: Alberto Ponce, Esteban Tabacznik, Juan Manuel Bramuglia S: Francisco Pedemonte, Virginia Scaro, Victoria Marechal P: Esteban Tabacznik, Juan Manuel Bramuglia, Ababacar Sow, Mbaye Seck I: Ababacar Sow, Mbaye Seck, Florencia Curto, Marcos Filardi

Contacto / Contact Cais Cine, Nelo Cine Esteban Tabacznik, Juan Manuel Bramuglia T +54 11 4538 7398 E estabacz@ yahoo.com.ar W caiscine.com

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Notas del director Hacer una película es elegir una entre todas las posibles. El documental nos enfrentó a esta situación de una manera desnuda, y el propio proceso de ir haciéndolo posible fue, al mismo tiempo, ir encontrando esa película que buscábamos. Queríamos hacer un documental que dijera algo sobre los senegaleses y que también se adentrara en la intimidad de sus personajes. La amistad de Ababacar y Mbaye era la mejor forma de deslizarse en ambas direcciones. El mundo senegalés se abría con la riqueza y la complejidad de ese suceder continuo que tan bien puede capturar el cine documental.

Director's Statement Making a film is choosing one between all the possible ones. Documentaries confronted us with this situation in a naked way, and the very process of making it possible meant, at the same time, finding that film we were looking for. We wanted to make a documentary that would say something about the Senegalese and also go deep into the intimacy of the characters. The friendship between Ababacar and Mbaye was the best way of slinging in both directions. The Senegalese world opened up with the richness and complexity of that continuous flow that documentary cinema can capture so well.

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Hasta que me desates Until You Untie Me Cuando presentó Mujer lobo, una historia de venganza cargada de sexo y sangre, Tamae Garateguy demostró una audacia desfachatada con la que llegó a lugares que el cine de género local pocas veces había visitado. Hasta que me desates comparte con aquella el riesgo por lo extremo, esta vez recuperando el gusto por el thriller erótico, un género que antes invadía las pantallas pero que hoy se convirtió en rara avis. La película sigue los pasos de dos protagonistas; por un lado, una joven bailarina que, luego de un fatal accidente en el que perdió a su familia, queda sumida en un pozo anímico que la lleva a la autodestrucción, coqueteando con la muerte. Por el otro, un médico que carga con la infamia de alguna mala praxis en su haber. Los caminos entre ellos se cruzan, en el que es el comienzo de una espiral donde la fascinación y la locura se retuercen en una historia de amor pesadillesca, y donde el sexo explora zonas de fetichismo extremo, con sadomasoquismo gráfico y bondage estilizado incluidos. Una vez más, se siente en el pulso de Garateguy un placer perverso por jugar a traspasar los límites, y en su búsqueda por las emociones fuertes encuentra una voz tan urgente como única.

When she presented She Wolf, a tale of revenge filled with sex and blood, Tamae Garateguy showed an impertinent boldness with which she went to places local genre cinema had hardly ever visited. Hasta que me desates shares with that film the risk for the extreme, this time bringing back the taste for the erotic thriller, a genre that used to invade the screens but has now become rare. The film follows the footsteps of two protagonists. On one hand, a young dancer who, after a fatal accident in which she lost her family, is left immersed in a pit of despair that leads her towards self-destruction, flirting with death. On the other, a doctor bearing the infamy of a malpractice case. Their paths meet in what is the beginning of a spiral in which fascination and madness squirm in a nightmarish love story, and where sex explores areas of extreme fetishism, complete with graphic S&M and stylized bondage. Once more, one can perceive in Garateguy’s hands a perverse pleasure for going beyond the limits, and in her search for strong emotions she finds a voice as urgent as it is unique.

Tamae Garateguy Nació en 1973 en Buenos Aires. Codirigió UPA! Una película argentina (2006) y realizó los largometrajes Pompeya (2010, Mejor Película Argentina del 25º Festival) y Mujer lobo (2013). En 2015 estrenó All Night Long y UPA 2! El regreso en el 30º Festival. Eng Born in Buenos Aires in 1973, she co-directed UPA! Una película argentina (2006) and made the feature length films Pompeya (2010, Best Argentine Feature at the 25th Festival) and Mujer lobo (2013). In 2015, her films All Night Long and UPA 2! El regreso premiered at the 30th Festival.

Argentina, 2017 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Tamae Garateguy G: Miguel Forza de Pauls F: Connie Martin E: Eliane Katz, Martin Busacca DA: Sheila Szulaski, Jimena Mejuto S: Guillermo Picco, Pablo Gamberg M: Sami Buccella P: Tamae Garateguy, Santiago Giralt, Federico Carol CP: Los Griegos Films, Río Films I: Martina Garello, Rodrigo Guirao Díaz, Paula Carruega, Naiara Awada, Jazmín Rodríguez

Contacto / Contact Los Griegos Films Federico Carol T +54 9 11 6306 5288 E federico@ losgriegosfilms.com W losgriegosfilms.com

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Notas del director La idea de Hasta que me desates surgió de una obra ya existente: un cortometraje documental llamado Letting You Go, de Kim Faber, que tuve el placer de ver siendo jurado en Bogoshorts, un gran Festival de cortos en Colombia, y que cuenta la historia de una joven danesa que transmite a su familia su deseo de morir. Este trabajo me conmovió tan profundamente que terminó siendo la inspiración de esta película, en la que vuelvo a los temas que me llaman una y otra vez: la muerte, el sexo y el dolor.

Director's Statement The idea for Hasta que me desates came from a preexisting work: a documentary short named Letting You Go, directed by Kim Faber, which I had the pleasure of seeing while being a member of the jury at Bogoshorts, a great short-film festival in Colombia, and that tells the story of a young Danish woman who transmits to her family her desire to die. That work moved me so deeply that it ended up being the inspiration for this film, in which I go back to my usual themes: death, sex and pain.

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La nostalgia del centauro The Centaur’s Nostalgia En algún lugar recóndito de los cerros tucumanos viven Alba y Juan, una pareja de ancianos que responden a valores y costumbres de una tradición gauchesca que los trasciende. A esta altura de la vida, ya se han dicho todo, y el eco de sus voces resuena solo para dar órdenes a sus cabras o para repetir de memoria un sinfín de rimas antiguas del imaginario rural. La nostalgia del centauro espía los días y las noches de esa vida taciturna, examina algunas particularidades (la relación entre el gaucho y los caballos), mientras captura la esencia de esa calma en cuadros bucólicos de una espectacularidad única, sin caer nunca en el pintoresquismo, y plasmando un puñado de imágenes espectrales que contienen en su singularidad toda la potencia del cine. La cámara de Nicolás Torchinsky explora en lugares y detalles recónditos, como buscando el secreto de cierta magia que, aunque rústica, va revelando su extraña belleza poco a poco, como esos árboles que se dejan ver cuando la niebla de la mañana se esfuma.

In some remote place in the mountains of Tucumán, live Alba and Juan, an elderly couple with the values and customs of a gaucho tradition that transcends them. At this stage in life, they have told each other everything, and the echo of their voices reverberates only to give orders to their goats or to recite an endless number of old couplets from the rural tradition. La nostalgia del centauro spies on the days and nights of that taciturn life, examining some peculiarities (such as the relationship between the gaucho and the horses), while capturing the essence of that calm in unique and spectacular pastoral frames that never turn picturesque. The film conveys a handful of ghostly images that contain, in their singularity, all the power of film. Nicolás Torchinsky’s camera explores in hidden places and details, as if it were looking for the secret behind a certain magic that, even though rustic, reveals its strange beauty little by little, like those trees that become visible with the dissipation of the morning fog.

Nicolás Torchinsky Nació en Buenos Aires en 1984. Estudió en la Universidad del Cine y participó del taller ProaCine 2007. Escribió y codirigió numeros cortometrajes, incluidos Cuadro de mi vida y Fracción de sentido, junto a Sebastián Lingiardi y Rodrigo Sánchez Mariño. Eng Born in Buenos Aires in 1984, he studied at the Universidad del Cine and was part of the 2007 ProaCine workshop. He wrote and co-directed many short films, including Cuadro de mi vida and Fracción de sentido, together with Sebastián Lingiardi and Rodrigo Sánchez Mariño. Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Nicolás Torchinsky F: Baltasar Torcasso E: Ana Poliak S: Sebastián Gonzalez, Sofía Straface M: Pablo Butelman P: Nicolás Torchinsky, Victoria Gómez Acuña CP: Cabeza Negra Cine, Zebra Films, Universidad del Cine, Puente Films, Milkwood, Mercurio, El Cono del Silencio I: Juan Armando Soria, Alba Rosa Díaz

Contacto / Contact Cabeza Negra Cine Nicolás Torchinsky T +54 9 11 5001 0208 E nicolas.torchinsky@ gmail.com cabezanegra.cine

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Notas del director Todo comenzó con un viaje a la provincia de Tucumán en búsqueda de locaciones para otro proyecto. La ruta y la amistad con Mirta Gloria Soria –hija de los protagonistas– me llevaron a conocer al gaucho Armando Soria y a su compañera Alba Rosa Díaz. Después de varios días de convivencia e intercambio, vislumbré la posibilidad de una película. No me interesaba hacer exclusivamente un registro de su forma de vida, sino abrir la puerta a un universo de resonancias poéticas entre su presente y su pasado, su memoria, su relación, su tradición y su cercanía con la muerte. Creo que la película termina construyendo la posibilidad de generar un encuentro entre ese universo, presente y pasado al mismo tiempo, con nuestro presente occidentalizado, multicultural y globalizado.

Director's Statement It all started with a trip to the province of Tucumán in search of locations for another project. The road and the friendship with Mirta Gloria Soria –the daughter of the protagonists- led me to meet gaucho Armando Soria and his partner Alba Rosa Díaz. After many days of coexistence and exchange, I saw the possibility of a film. I wasn’t interested in depicting their way of life exclusively; what I wanted was to open the door to a universe of poetic resonance between their present and their past, their memory, their relationship, their tradition and their closeness to death. I think the film ends up building the possibility of generating an encounter between that universe, at once present and past, with our westernized, multicultural and globalized present.

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Los Corroboradores The Corroborators París. Suzanne, una periodista e investigadora francesa, viaja a Buenos Aires convocada por Martín Dressler. Pero Dressler nunca acude a la cita. Entonces, Suzanne comienza a investigar, recorriendo los más importantes edificios de la ciudad. Así descubre que Los Corroboradores fueron una sociedad secreta porteña que, a fines del siglo XIX, se propuso copiar París en Buenos Aires. Los Corroboradores enviaban fotógrafos y arquitectos a París para realizar el calco más perfecto posible. Pero, en la década del 30, misteriosamente se desvanecieron, y pasaron a ser un mito incierto hasta el día de hoy. Suzanne cree que ellos están tras la desaparición de Dressler. Y que están persiguiéndola. A través de archivos inéditos y de entrevistas a especialistas, no solo se repasa la historia ya conocida sobre los principales edificios de la París del Plata, sino que se agregan datos y piezas a un rompecabezas aún incompleto.

Paris. Suzanne, a French journalist and researcher, travels to Buenos Aires, contacted by Martin Dressler. However, Dressler never shows up for their meeting. So, Suzanne begins to investigate, touring the most important buildings of the city. She learns that The Corroborators were a secret Buenos Aires society that, at the end of the 19th Century, proposed to copy Paris in Buenos Aires. The Corroborators sent photographs and architects to Paris to create the most perfect replica possible. However, in the 1930s, they disappeared mysteriously, and became a doubtful myth until today. Suzanne believes that they are behind the disappearance of Dressler. And that they are after her. Through unreleased documents and interviews with specialists, not only is the already known history of the famous buildings of the “Paris of the River Plate” reviewed, but also we learn of new information and missing pieces to a jigsaw puzzle that to this day remains unfinished.

Luis Bernárdez Nació en 1975 en Buenos Aires. Realizó el cortometraje Estacionamiento (Historias Breves 9), el cual recibió la Mención al Montaje en UNCIPAR 2015 y participó en Pifan (Corea del Sur) y Shnit, entre otros festivales. Eng Born in Buenos Aires in 1975, he made the short film Estacionamiento (Historias Breves 9), which received the Mention for Editing at UNCIPAR 2015 and was shown at Pifan (South Korea) and Shnit, among other festivals.

Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color - B&N / Español / Francés - Spanish / French D, G: Luis Bernárdez F: Pigu Gómez E: Ernesto Felder DA: Mirella Hoijman S: Nahuel Palenque M: Pedro Irusta P: Federico Eibuszyc, Luis Bernardez, Bárbara Sarasola Day, Pablo Giles, Pablo Destito CP: Pucará Cine, Mulata Films I: Andreé Leonet, Carlos Altamirano, Daniel Schávelzon, Rafael Cippolini, Gabriel Dimeglio

Contacto / Contact Pucará Cine Federico Eibuszyc T +54 11 5727 4274 +54 11 3400 5866 E fedetut@gmail.com trampaluz@gmail.com W pucaracine.com

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Notas del director ¿Los porteños somos extranjeros en nuestra ciudad? Si uno recorre ciertas calles y avenidas, podría creer que está en Europa. Edificios, bulevares y pasajes se erigieron siguiendo ese modelo. Así se construyó el mito y orgullo porteño: somos la París del Plata. Pero, si documentamos esa ficción que nos constituye, las preguntas nos llevan a Los Corroboradores. ¿Cómo existir sabiendo que se habita en una ficción? ¿Cómo vivir en una escenografía ajena? ¿Por qué dejamos de ser nosotros para intentar ser otro? Los Corroboradores es una reflexión sobre nuestras aspiraciones como país. Sobre los mitos que nos moldean. Sobre nuestra identidad y arquitectura. Sobre lo que hemos sido y lo que nos gustaría ser.

Director's Statement Are we “porteños” strangers in our own city? If you walk certain streets and avenues, you could think you’re in Europe. Buildings, boulevards and passageways were built following that model. And this is how the “porteño” myth and pride was built: we are the Paris of the Plate. But if we document that fiction that constitutes us, the questions lead us to the Corroborators. How do we exist knowing we’re living inside a fiction? How do we live in someone else’s scenery? Why do we stop being us in order to try to be someone else? Los Corroboradores is a reflection on our aspirations as a country. On the myths that mold us. On our identity and our architecture. On what we were and what we’d like to be.

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Los vagos The Bums El pasaje de la adolescencia a la adultez es un momento tan complejo en la vida de un ser humano que el cine tuvo que inventar su propio subgénero: el coming of age. Como Seth y Evan en Supercool, los protagonistas de Los vagos quieren explotar los restos de adolescencia que les queda en el tintero, antes de que la carroza de la adrenalina juvenil se convierta en la calabaza del compromiso y las responsabilidades. Guiada por el caminar flotante de Ernesto, el protagonista, la ópera prima de Gustavo Biazzi se cuela en la rutina desordenada de un grupo de amigos mientras vacacionan entre Posadas e Ituzaingó. Reproduciendo el ritmo que oscila entre la parsimonia de una resaca rencorosa y el estallido hormonal de una noche donde el sexo marca agenda, el director debutante observa de cerca el nacimiento de una nostalgia que hace fuerza por entrar en la mirada encendida de esos chicos que surfean por sentimientos enigmáticos. Saben que no pueden luchar contra el inminente desenlace de una época idílica; solo les queda dejarse llevar por la marea de la incertidumbre. Biazzi los acompaña con su cámara haciendo realidad el sueño de Ernesto: volver eterno ese verano inolvidable.

The passage from adolescence to adulthood is such a complicated time in a human being’s life that cinema had to invent its own subgenre: the coming of age story. Like Seth and Evan in Superbad, the protagonists of The Bums want to take advantage of whatever is left of their adolescence before the carriage of youthful adrenaline turns into the pumpkin of adult commitments and responsibilities. Guided by the floating walk of Ernesto, the main character, Gustavo Biazzi’s first feature film slips into the messy routine of a group a friends taking a vacation that brings them from Posadas to Ituzaingó. Recreating a pace that swings between the unhurriedness of a nasty hangover and the hormonal bursts of a night defined by sex, the first-time director closely observes the birth of a nostalgia that struggles to enter the glowing gaze of these kids who surf through puzzling feelings. Knowing that they cannot fight against the impending end of an idyllic era, all they can do is let themselves be swept along by the tide of uncertainty. Biazzi follows them with his camera making Ernesto’s dream come true: to make that unforgettable summer eternal.

Gustavo Biazzi Nació en 1978 en Posadas, Misiones. Trabajó como director de fotografía en películas como La patota (Santiago Mitre, 2015), El cielo del centauro (Hugo Santiago, 2015) Los dueños (Radusky-Toscano, 2013) y Castro (Alejo Moguillansky, 2009). Eng Born in Posadas, Misiones, in 1978, he has worked as cinematographer on such films as Paulina (Santiago Mitre, 2015), El cielo del centauro (Hugo Santiago, 2015), The Owners (Radusky-Toscano, 2013) and Castro (Alejo Mogullansky, 2009).

Argentina, 2017 / 92’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Gustavo Biazzi F: Alejo Maglio E: Leandro Aste DA: Augusto Latorraca S: Pablo Gamberg, Guillermo Picco P: Gustavo Biazzi, Santiago Carabante, Agustina Llambi Campbell, Fernando Brom, Giselle Lozano CP: La Unión de los Ríos I: Agustín Avalos, Ana Clara Lasta, Emanuel Gómez, Juan Pablo Vitale, Marcelo Enríquez, Walter Casco, Bárbara Hobecker

Contacto / Contact La Union de los Ríos Agustina Llambi Campbell, Giselle Lozano T +54 11 4815 4677 E info@ launiondelosrios.com

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Notas del director Anga’u es una expresión de la lengua aborigen guaraní que significa recuerdo, amor. Esta expresión es utilizada en Misiones como algo que no es del todo cierto. Los vagos es el relato de un recuerdo de amor, pero también de engaños, de cosas que se confunden. Ernesto recuerda su amor por Paula, por sus amigos, por sus aventuras amorosas de verano. Pero pierde lo que quiere, lo destruye y sufre por la pérdida. Finalmente se recluye, hasta que lentamente se transforma, crece.

Director's Statement Anga’u is an expression from the Guarani aboriginal language that means memory, love. This expression is used in Misiones as something that isn’t entirely true. The Bums is the story of a memory of love, but also of deceit, of things that get mixed up. Ernesto remembers his love for Paula, for friends, for summer loves. But he loses what he loves, he destroys it and suffers for the loss. Finally, he confines himself, until he slowly tranforms and grows.

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Réquiem para un film olvidado En diciembre de 2012, Kodak dejó de producir celuloide, lo que significó el fin de una era y el comienzo de otra para el cine, con la tecnología digital instalándose a nivel industrial en todo el mundo. También tuvo un efecto fulminante en Ernesto Baca, uno de los pilares del cine experimental en Argentina. Réquiem para un film olvidado comienza con ese golpe emocional, con el director en primera persona, en una propuesta que intercala elementos biográficos (su vida en Florencio Varela, la relación con su madre, sus maestros, la influencia de Claudio Caldini, y… ¡hasta su propio velorio!) con otros de (ciencia) ficción, en la que el propio Baca aparece como un científico en su laboratorio, activando dispositivos con el objeto de llevar adelante Proyecto argenta, la primera película virgen de industria nacional que le permita –a él y también a su grupo de amigos del Club de Super 8– seguir filmando a contracorriente del avance digital. “¿Cuántos megapíxeles tiene un sentimiento?”, se pregunta Baca mientras, con un trabajo espectacular de montaje y sonido, un gran uso de textos (La sociedad del espectáculo, de Guy Debord) y mucho buen humor, continúa defendiendo los materiales con los que pone en evidencia eso que llama “reflejos falsos” de un cine industrial desapasionado.

In December, 2012, Kodak ceased to produce celluloid, which meant the end of one era for cinema and the beginning of another, with digital technology settling down on an industrial level around the globe. It also was a powerful blow to Ernesto Baca, one of the pillars of experimental film in Argentina. Réquiem para un film olvidado starts with that emotional blow, with the director in first person, in a film that alternates biographical elements (his life in Florencio Varela, his relationship with his mother, his teachers, the influence of Claudio Caldini, and… even his own funeral!) with elements of (science) fiction, in which Baca himself appears as a scientist in his lab, activating devices with the aim of carrying out Proyecto argenta, the first film stock to be manufactured locally, which will allow him and also his group of friends at the Super 8 Club to go on filming against the digital current. “How many megapixels does a feeling have?”, Baca asks himself while, with some spectacular editing and sound work, a great use of texts (Guy Debord’s Society of the Spectacle) and lots of good humor, he continues defending the materials with which reveals what he calls the “false reflections” of a dispassionate industrial cinema.

Ernesto Baca Nació en Florencio Varela en 1969. Es realizador cinematográfico y docente en la Escuela Superior de Cine en México. Se especializa en la experimentación con la imagen y vanguardia de la representación, y dirigió las películas Cabeza de palo (2002), Samoa (2005), Música para astronautas (2008) y Vrindavana (2010). Eng Born in Florencia Varela, province of Buenos Aires, in 1969, he is a filmmaker and teacher at the Escuela Superior de Cine of Mexico. He specializes in experimentation of image and avant garde representation and has directed the films Cabeza de palo (2002), Samoa (2005), Música para astronautas (2008) and Vrindavana (2010). Argentina, 2017 / 66’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish D, G: Ernesto Baca F: Sebastián Tolosa S, M: Matías Mielniczuk P: Cecilia Fiel I: Ernesto Baca, Susana Varela, Pilar Boyle

Contacto / Contact Kaumodaki Films Cecilia Fiel, Ernesto Baca T +54 9 11 6200 0417 +52 155 6155 3881 E ceciliafiel@gmail.com

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Notas del director Matando el tiempo en sus diferentes fases, el film ha quedado como testigo y resabio de un siglo mordido por el desuso. La historicidad perpetra su próximo funeral, el Dios mercado lo expulsa al olvido, a su desaparición, como parte de una ceremonia macabra, donde se acaba rápidamente la reflexión sobre lo real. Estamos dispuestos a pasar a la virtualidad en un clic, a reeditar una vieja realidad sobre píxeles inestables, solo para darles placer a las terminales sensoriales. Hemos donado todas nuestras memorias a Facebook: son los custodios de una generación que sale de la sala de parto con su celular en mano, siendo conscientes de que el ADN transmite en diferido una conectividad efímera.

Director's Statement Killing time in its different phases, film has remained as a witness and aftertaste of a century bitten by lack of use. Historicism perpetrates its next funeral the God of market expels it to oblivion, to its disappearance, as part of a macabre ceremony where the reflection on reality ends quickly. Qe are willing to become virtual with one click, to reedit an old reality on unstable pixels, just to pleasure sensory terminals. We have donated all of our memories to Facebook: they are the guardians of a generation that leaves the delivery room cell phone in hand, conscious that the ADN transmits a pre-recorded ephemeral connectivity.

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Soldado El joven correntino Juan José González ingresa como voluntario al Regimiento de Infantería 1 Patricios, sin mayores objetivos que obtener un empleo seguro y poder satisfacer el deseo que su madre depositó en él. La rutina diaria del Ejército impone sus reglas y provoca la despersonalización de cada miembro, evocando constantemente epopeyas en duras lecciones y ejercicios de cara a conflictos que la fuerza no atraviesa hace décadas. El documental de Manuel Abramovich no persigue un final dramático o un desfile de proezas –su protagonista tampoco enfrenta sus nuevas obligaciones como si se trataran de un Via Crucis, más allá de las dificultades–, pero el tedio acecha a la vida en la guarnición, y se siente el peso de no haber seguido la voluntad propia al comenzar a dejar atrás la adolescencia. Soldado retrata con prolijidad y precisión el trunco mutualismo entre un individuo que intenta cubrir sus necesidades y los ritos anacrónicos que adopta para poder atenderlas, mientras devela paulatinamente las capas de su personalidad y las sensaciones que asoman en silencio pero con fuerza.

A young man called Juan José González, from the province of Corrientes, enters the First Infantry Regiment “Patricios,” for no other reason than to secure a job for himself and fulfill the wish that his mother implanted in him. The Army’s daily routine imposes its rules and causes the depersonalization of each of its members, constantly evoking other times with its tough lessons and exercises to prepare for conflicts that the army has not faced in decades. Manuel Abramovich’s documentary doesn’t pursue a dramatic ending or a parade of exploits –and its character does not face his new obligations as though they were an ordeal, even though some of them are in fact difficult-, but rather it portrays the tedium that haunts life in the garrison, and one can feel the regret of not having followed one’s own desire when starting to leave adolescence behind. Soldado depicts, neatly and with precision, the truncated mutualism between an individual trying to cover his needs and the anachronistic rites he adopts in order to tend to them, while gradually unveiling the layers of his personality and the sensations that begin to appear silently but forcefully.

Manuel Abramovich Nació en 1987. Estudió dirección de fotografía en la ENERC, en la Universidad Di Tella, el Berlinale Talents y el IDFA Summer School. Dirigió el corto La reina (ganador del Cóndor de Plata) y Solar, su primer largo, recibió el premio ACCA en Bafici 2016. Su tercer largometraje, Años luz, se estrenó en el último Festival de Venecia. Eng Born in 1987. He studied Cinematography at ENERC, Di Tella University, the Berlinale Talents and the IDFA Summer School. He directed the short film La reina (winner of the Silver Condor) and Solar, his first feature, received the ACCA award at Bafici 2016. His third feature, Años luz, premiered at the latest edition of the Venice Film Festival.

Argentina, 2017 / 73’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, F: Manuel Abramovich E: Anita Remón S: Sofía Straface P: Gema Juárez Allen, Alejandra Grinschpun CP: Gema Films, Sake Argentina I: Juan José González

Contacto / Contact Gema Films Gema Juárez Allen T +54 11 4966 0110 E gema@gemafilms.com W gemafilms.com /gemafilms

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Notas del director El ejército es una gran puesta en escena, casi como una ficción. Vivo frente a los cuarteles donde filmé esta película. Cada vez que paso caminando, me detengo a mirar ese universo paralelo detrás de los barrotes. Una ciudad enjaulada, donde todos visten el mismo uniforme y siguen las mismas reglas, casi como en una prisión. Siempre me dio curiosidad saber cómo los militares construyen un personaje para el mundo exterior, una gran puesta en escena donde miles de personas tienen que actuar para los demás. ¿Quiénes son estas personas detrás de los uniformes?

Director's Statement The army is one big staging, almost like a fiction. I live across the street from headquarters where I shot this film. Every time I walk by it, I stop to observe that parallel universe behind the bars. A caged city, where everyone wears the same uniform and follows the same rules, almost like a prison. I have always been curious about how the military build a character for the outside world, a great staging where thousands of people have to act in front of the rest. Who are the people behind these uniforms?

Competencia Argentina — Argentine Competition

Todo lo que veo es mío Everything I See Is Mine En 1918 sucedieron en la Ciudad de Buenos Aires dos importantes hechos históricos: la inesperada llegada de la nieve y la visita de una estrella dadaísta, Marcel Duchamp. El artista que se animó a pintarle bigotes a la Mona Lisa tocó suelo porteño escapando de las restricciones de la Primera Guerra Mundial, y teniendo como único contacto con sus compañeros del movimiento las cartas de puño y letra en las que describía las extrañas costumbres de los argentinos. A través de las posibilidades infinitas de la ficción, Todo lo que veo es mío reconstruye los días de Duchamp entre las visitas a los lagos de Palermo y el ritual del mate. Filmado en un elegante blanco y negro, el largometraje de la dupla Galperín-Podolsky muestra al creador del arte conceptual en la intimidad de una pieza alquilada, besando su pipa y enloquecido por encontrar la jugada perfecta de ajedrez, y devela las imágenes que nunca se encontraron sobre ese misterioso y breve exilio en la capital más austral de Sudamérica. Cada plano onírico que se acerca a la belleza compulsiva nos impregna en la retina la ilusión de que, al salir de la sala, podremos encontrar una huella de Duchamp en alguna esquina.

In 1918, two important events took place in the City of Buenos Aires: an unexpected snowfall and the visit of Dadaist star Marcel Duchamp. The artist who dared to paint a moustache on the Mona Lisa touched Buenos Aires soil, getting around the restrictions of World War I and having as his only contact with the other members of the movement the handwritten letters in which he described the strange customs of the Argentinians. Through the endless possibilities of fiction, Everything I See Is Mine reconstructs Duchamp’s days among visits to the Palermo lakes and the ritual of mate. Shot in elegant black and white, the feature film by the Galperin-Podolsky duo shows the creator of conceptual art in the intimacy of a rented room, kissing his pipe and desperately searching for the perfect chess move, disclosing the images that were never found about that mysterious and brief exile in the most southern capital of South America. Every dreamlike shot that comes close to a compulsive beauty impregnates our retina with the illusion that, upon leaving the theater, we will be able to find Duchamp’s footprint on some corner.

Mariano Galperín & Román Podolsky Mariano nació en 1962 en Buenos Aires. Es director, guionista y fotógrafo. Dirigió varios largometrajes, incluidos 1000 Boomerangs (1994), Chicos ricos (2000) y Dulce de leche (2012, 27° Festival). Román es licenciado en Educación, director de teatro y dramaturgo. Entre sus obras más conocidas figuran Harina y Guardavidas. Eng Mariano was born in Buenos Aires in 1962, and is a director, screenwriter and photographer. He has directed many features, including 1000 Boomerangs (1994), Rich Kids (2000) and Dulce de leche (2012, 27th Festival). Roman has a Bachelor’s degree in education and is a theater director and playwright. His most wellknown plays include Harina and Guardavidas. Argentina, 2017 / 83’ / DCP / B&N / Francés - French D, G: Mariano Galperín, Román Podolsky F: Diego Robaldo E: Andrés Tambornino DA: Lorena Ventimiglia S: Pablo Gamberg, Guillermo Picco M: Diego Tuñón P: Marcela Ávalos CP: Galperín, Podolsky, Amada Films I: Michel Noher, Malena Sánchez, Julieta Vallina

Contacto / Contact Galperín, Podolsky, Amada Films Marcela Ávalos T +54 9 11 6055 6111 E marcela@ amadafilms.com.ar W amadafilms.com.ar

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Notas del director No se trata tanto de mostrar, desde una perspectiva biográfica, qué hizo Marcel Duchamp en los diez meses que pasó en Buenos Aires entre 1918 y 1919, sino de presentar esa estadía como un fluido de hechos e imágenes en el que lo objetivo y lo subjetivo se entremezclan, produciendo una ensoñación de múltiples sentidos. Nuestra película ocurre en la mente de Marcel Duchamp. Recuerda e imagina el viaje junto a Yvonne Chastel a la Argentina, jugando al ajedrez, bebiendo, escuchando tangos o durmiendo. Una suerte de vínculo íntimo con la ciudad, en la que se sintió un verdadero porteño.

Director's Statement It’s not entirely about showing, from a biographical perspective, what Marcel Duchamp did in the ten months he spent in Buenos Aires between 1918 and 1919, but also in representing that stay as a flow of events and images in which the objective and subjective intertwine, causing a daydream of multiple senses. Out film takes place in the mind of Marcel Duchamp. It remembers and imagines the trip to Argentina alongside Yvonne Chastel, playing chess, drinking, listenting to tango or sleeping. Some sort of intimate bond with the city, in which he felt like a true “porteño.”

Competencia Argentina — Argentine Competition

Un viaje a la luna A Trip to the Moon A los catorce años, Tomás está entrando en la adolescencia, ese momento de la vida en el que no solo hay que enfrentarse a los cambios físicos y emocionales, sino que también algunos recuerdos empiezan a tomar formas más traumáticas. Por eso tiene visitas continuas a un psiquiatra, por eso actúa un poco raro, es algo ermitaño y soporta como puede la extremada normalidad de su familia, que muere por que llegue el verano para ir a un tiempo compartido en la playa, mientras que Tomás quiere escapar… a la luna. La ópera prima de Joaquín Cambre cuenta la historia de una obsesión que toma ribetes de locura, con un personaje que hace equilibrio entre la candidez y la oscuridad, con la imaginación como arma letal. Es en ese terreno donde la película define su condición de coming of age, un género al que responde con los mejores elementos: hay un trauma que dejar atrás, una obsesión que guía el camino, un grupo familiar del que hay que distinguirse, y aparece, sobre todo, la posibilidad de un amor. Ese que hace que el tiempo no avance, y que dicta las mejores canciones. Y también está esa luna, que cuando está roja predice que algo importante está por suceder.

At fourteen years of age, Tomás is entering adolescence, that time in your life in which not only do you have to face physical and emotional changes, but in which there are also memories that start taking more traumatic forms. That is why he continuously visits a psychiatrist, why he acts a bit weird. He is a bit of a hermit, bearing, as much as he can, the extreme normalcy of his family, who are dying for summer to arrive so they can go to a time share at the beach, while Tomás wants to escape… to the moon. Joaquín Cambre’s first feature tells the story of an obsession that borders on insanity, with a character balancing between innocence and darkness, his imagination a lethal weapon. It is in this terrain that the film defines itself as a coming-of-age, a genre it answers to with the best elements: some trauma to leave behind, an obsession that guides the way, and a family from which to distinguish himself. And, above all, the possibility of love appears; that which makes time stop, and which dictates the best songs. And also, there is the moon, which, when it is red, foretells that something important is about to happen.

Joaquín Cambre Nació en 1977 en Buenos Aires. Realizó más de 200 videoclips y comerciales con los que obtuvo varios premios y nominaciones. Dirigió los cortometrajes Pinchame (2003) y Gambeteando la vida (2004), y el telefilm Poquita ropa (2010). Un viaje a la luna es su primer largometraje.Eng Born in Buenos Aires in 1977, he has made more than 200 music videos and commercials, for which he received many awards and nominations. He directed the shorts Pinchame (2003) and Gambeteando la vida (2004) and the TV movie Poquita ropa (2010). A Trip to the Moon is his first theatrical feature.

Argentina, 2017 / 87’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Joaquín Cambre G: Laura Farhi, Joaquín Cambre F: Nicolás Trovato E: Nicolás Goldbart DA: Alejandra Isler S: Bechen de Loredo M: Emilio Haro, Gabriel Barredo P: Joaquín Cambre, Diego Peskinsm Pablo Leva, Humberto Garza CP: Virgen Films I: Ángelo Mutti Spinetta, Leticia Brédice, Germán Palacios, Ángela Torres, Luca Tedesco, Luis Machín

Contacto / Contact Joaquín Cambre T +54 9 11 4970 0675 E jcambre@gmail.com moveyourfilm@ gmail.com W jcambre.com /viajealalunalapelicula

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Notas del director Un viaje a la luna nos permite viajar por la mente de un chico que está entrando en la adolescencia. El film está contado absolutamente desde su mirada, delirante, fantasiosa y en busca de respuestas. La transición entre la niñez y la adultez, el primer amor y la locura son los pilares de esta historia que tiene a la luna como gran incógnita y obsesión del protagonista. El personaje de Tomás se va haciendo cada vez más dueño de la película, y su visión de la realidad se va distorsionando mientras la trama avanza. Su estado de locura va convirtiendo la aparente calma de la primera mitad en un estado de turbulencia en el cual todos los personajes se muestran frágiles.

Director's Statement A Trip to the Moon allows us to travel through the mind of a boy who is entering adolescence. The film is told completely through his eyes, delirious, fanciful and looking for answers. The transition between childhood and adulthood, the first love and madness are the pillars of this story that has the Moon as great mystery and obsession of the protagonist. The character of Tomas owns the film more and more, and his view of reality becomes distorted as the plot moves forward. His state of madness is turning the apparent calm of the first half into a state of turbulence in which all characters appear fragile.

Competencia Argentina de Cortometrajes — Argentine Short Film Competition 120 120 121 121 122 122 123 123 124 124

¡No! Despechada Doce clavos En la sorprendente era de la comunicación Miedo Motocross Pasión oriental Pixied Son Y ahora elogiemos las películas

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Competencia ARGENTINA de Cortos — ARGENTINE Short Film Competition

¡No! — No! Argentina, 2017 / 12’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Pedro Maccarone, Max Franco F: Florencia Labat E: Pedro Maccarone DA: Julieta Nguyen S, M: Nicolás Requena P: Natalia Fernández CP: Tungsteno Films I: Alberto Ajaka, Pía Romano, Natalia Fernández, Pedro Maccarone, Max Franco En Argentina una mujer es asesinada cada 18 horas por violencia de género. Esta historia, en tiempo real, son todas sus historias. En 18 horas esto volverá a suceder. ¡No! es un pedido de auxilio. Una queja a la incesante impunidad. Un reclamo de justicia.

In Argentina, a woman is murdered every 18 hours as a consequence of violence against women. This story, told in real time, is all their stories. In 18 hours this will happen again. No! is a cry for help. A lament against the endless impunity. A demand for justice.

Pedro Maccarone & Max Franco Se conocieron cursando la carrera de dirección y producción de cine y TV en 2004, cuando formaron Tungsteno Films. Entre sus trabajos se encuentran los cortos Carnada, 2 Dudes, 1 Van y ¿Dónde está Susan?, programados en la sección Las Venas Abiertas de esta edición del Festival. Eng They met while studying Film and TV Direction and Production in 2004, the year they formed Tungsteno Films. Their works include the shorts Carnada, 2 Dudes, 1 Van and ¿Dónde está Susan? which were programmed at the Open Wounds section of this edition of the Festival.

Contacto / Contact Tungsteno Films Pedro Maccarone T +54 9 11 5933 7447 E ukpulp@gmail.com W tungstenofilms.com /tungstenofilms

Despechada — Crushed Argentina, 2017 / 13’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, I: Jazmín Stuart F: Lucas Timerman E: Ignacio Stella S: Jésica Suárez M: Camilo Sesto, Cannonball Adderley P: Jazmín Stuart, Lucas Timerman, Eugenia Marano, Ana Franca Ostrovsky

Llueve. Una mujer espera dentro de un auto estacionado. Escucha maníacamente la canción que la hace llorar, mientras monta guardia en la puerta del hombre que la abandonó.

It’s raining. A woman is waiting inside a parked car. She maniacally listens to the song that makes her cry, as she stakes out the home of the man who dumped her.

Jazmín Stuart Es directora, guionista y actriz. Siempre en paralelo a su labor actoral, en 2012 estrenó su primer largometraje Desmadre, y en 2015 el segundo, Pistas para volver a casa. Escribió y dirigió Depto, serie web de UN3TV, y acaba de finalizar el rodaje de su tercer largo, Recreo. Eng She is a director, screenwriter and actress. Always working in parallel with her acting, in 2012 she released her first feature, Desmadre, and in 2015, her second one, Pistas para volver a casa. She wrote and directed Depto, a UN3TV web series, and has just finished shooting her third film, Recreo.

Contacto / Contact Jazmín Stuart T +54 11 4403 9271 E jazminstuart@gmail.com

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Doce clavos — Twelve Nails Argentina, 2017 / 15’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Paula Hernández F: Iván Gierasinchuk E: Rosario Suárez DA: Julieta Dolinsky S: Martín Grignaschi P: Paula Hernández, Paula Zyngierman CP: Maravilla Cine I: Valeria Lois, Edgardo Castro

Madrugada. Ana duerme sola en una cama de dos plazas. El celular suena y, aturdida, enciende la luz del velador. Con cierto resquemor, se levanta de la cama y, a las 2 AM de una noche de esas a las que les sale humo por la boca, emprende la tarea de asearse, vestirse, maquillarse, caminar hacia la avenida y subirse a un taxi que la conducirá hacia la otra punta de la ciudad, para adentrarse en algo más que la oscuridad de la noche.

Late night. Ana is sleeping alone in a double bed. Her cellphone rings. Dazed, she turns on the bedside lamp to shake off her sleep. Reluctantly, she gets out of bed and, at 2 AM on one of those nights when you can see the vapor of your breath, she showers, gets dressed, puts on her makeup, walks to the avenue and takes a cab to the other side of town, so she can go deep into something more than the darkness of the night.An emotional turning point during the final stretch of a relationship.

Contacto / Contact Maravilla Cine Paula Hernández T +54 11 4776 6727 +54 9 11 5015 0500 E pauher2@gmail.com pauzyn@gmail.com

Paula Hernández Nació en Buenos Aires en 1969. Directora, guionista y productora, realizó varios cortometrajes, el documental Familia Lugones (2007), la miniserie Vientos de agua (2005), y los largometrajes Herencia (2001), Lluvia (2008) y Un amor (2011). Eng Born in Buenos Aires in 1969, she is a director, screenwriter and producer. She has made shorts, the documentary Familia Lugones (2007), the miniseries Vientos de agua (2005), and the films Herencia (2001), Lluvia (2008) and Un amor (2011).

En la sorprendente era de la comunicación In the Amazing Communication Age

Argentina, 2017 / 15’ / DCP / Color / Español - Spanish D, E, P: Augusto González Polo G: Augusto González Polo, Alejandro Jovic F: Augusto González Polo, Sergio Toledo DA: Daniel Manrique S: Hernán Ruiz Navarrete M: Las Liebres CP: Momento Naranja I: Marcelo Márquez, Javier Scholles, Juan Emilio González, Vanesa Klate Un hombre intenta romper con la rutina de su aislado pueblo apelando a nuevas redes sociales que, según dicen, le permitirían conocer posibles parejas.

A man tries to break away from the routine of the isolated town where he lives by using new social networks that, some say, would make it possible for him to meet potential lovers.

Augusto González Polo Nació en 1979 en Corrientes, Argentina. Director y guionista, dirigió Capital (Todo el mundo va a Buenos Aires) (2007), Cualquier(a) noche (2001) y Granada y al paraíso (2016). Eng He was born in 1979 in Corrientes, Argentina. A director and writer, he directed Capital (Todo el mundo va a Buenos Aires) (2007), Cualquier(a) noche (2001) and Granada y al paraíso (2016).

Contacto / Contact Momento Naranja Augusto González Polo T +54 9 11 4088 3708 E info@ momentonaranja.com.ar momentonaranja@ gmail.com W momentonaranja.com.ar/ era-2 momentonaranja

Competencia ARGENTINA de Cortos — ARGENTINE Short Film Competition

Miedo — Fear Argentina, 2017 / 10’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Juan Pablo Menchon F: Malena Vázquez DA: Julieta Vázquez, Marcela Tazzioli S: Sebastián Pappalardo M: Felipe Quintans P: Sofía Carricaburu CP: Linternazul I: Ariel Rodríguez, El Pequeño

Lucas tiene 9 años y El Pira 8, pero parece mas viejo, como todos los perros. En la inmensidad del campo, en la noche más oscura, esperan. Un aleteo lejano, esa pelotita de colores, un diente flojo, la cadena de la bici, el cohete de Astro que despega, la luz del vapor en la pileta, la mirada de Bela, el jugo y las galletitas. En el horizonte, las primeras luces. Lucas apaga la linterna con la que jugaban y se prepara. A veces una historia de miedo puede ser también una historia de valentía.

Lucas is nine years old and El Pira is eight, though he seems older, like all dogs. In the immensity of the countryside, in the darkest of nights, they wait. A flapping of wings from afar, that small colored ball, one loose tooth, the bicycle’s chain, Astro’s rocket launching, the light of the steam in the pool, Bela’s gaze, the juice, and the cookies. In the horizon, the first lights. Lucas switches off the flashlight they were playing with and gets ready. Sometimes a scary story can also be a story of courage.

Contacto / Contact Linternazul Juan Pablo Menchon T +54 9 11 6500 3044 E nomegustalacebolla@ gmail.com

Juan Pablo Menchon Nació en Dolores, provincia de Buenos Aires. Estudió montaje en la ENERC y trabajó en muchos largos, cortos y videos nacionales e internacionales como editor y asistente de montaje. Miedo es su primer trabajo como director. Eng Born in Dolores, province of Buenos Aires, he studied editing at ENERC and worked on many feature length films, short and international and national videos as an editor and assistant editor. Miedo is his first film as a director.

Motocross Argentina, 2017 / 15’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Francisco Chiapparo F: Ignacio Oyuela E: Leonardo Funes DA: Noelia Volpe S: Martín Scaglia P: Leonardo Funes, Francisco Chiapparo CP: Paraíso Films I: Verónica Gerez, Rocío Muñoz, Santiago Nader

Vero es actriz y está desempleada. Ensaya para presentarse a un casting de conductora en un programa de motocross de El Garage. Renata, su amiga, la ayuda a pasar letra a la vez que busca desalentarla. ¿Qué sería mala suerte? ¿Conseguir el trabajo o no conseguirlo?

Vero is an unemployed actress rehearsing for an audition, for a job as a TV host in a motocross show in El Garage. Her friend Renata is helping her with her lines and trying to discourage her. What would be considered bad luck in this case? Getting the job or not getting it?

Francisco Chiapparo Nació en Buenos Aires en 1986. Realizador audiovisual, editor y docente, estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Dirigió el largometraje Son ellas (2016) y codirigió el cortometraje De día la noche (2015). Eng Born in Buenos Aires in 1986, he is an audiovisual director, editor and teacher. He studied Image and Sound Design at the UBA, and directed the feature length film Son ellas (2016) and co-directed the short De día la noche (2015).

Contacto / Contact Paraíso Films Leonardo Funes T +54 11 6194 3870 E lezefunes@gmail.com fmchiapparo@gmail.com

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Pasión oriental — Oriental Passion

Una pareja llega a la habitación oriental de un hotel de alojamiento, en el que puede llegar a ser su último encuentro antes de separarse por tiempo indefinido. Un cortometraje sobre las dificultades para entregarse y comprometerse, y sobre la soledad que uno puede sentir aun estando acompañado.

A couple arrives at the Eastern room of a motel, in what may be their last encounter before separating indefinitely. A short film about the difficulties of surrendering and committing to someone, and also the loneliness one can feel even if she or her is with someone.

Santiago Korovsky Nació en 1985 en Buenos Aires. Dirigió el documental Salir a escena, el cortometraje El año pasado en Mardelplá y la serie web Algo de Carlos. Como actor participó en la película Mamá se fue de viaje y en la series Tiempo libre, El galán de Venecia y Periodismo total, entre otras. Eng He was born in 1985 in Buenos Aires. He directed the documentary Salir a escena, the short film El año pasado en Mardelplá, and the web series Algo de Carlos. As an actor, he starred in Mamá se fue de viaje and series Tiempo libre, El galán de Venecia and Periodismo total, entre otras.

Argentina, 2017 / 13’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Santiago Korovsky F: Luciano Badaracco E: Ana Godoy, Santiago Korovsky, Milena Travaglia, Florencia Gomez Garcia DA: Vicky Chacón S: Mariano Sosa, Javier Fernandez Jensen, Edgardo Fernández P: Florencia Clerico, Santiago Korovsky, Paloma Torras I: Julieta Novelli, Santiago Korovsky Contacto / Contact Santiago Korovsky T +54 9 11 3458 2685 +54 11 4571 9567 E santiagokoro@gmail.com Palomatorras1@gmail.com /pasioncorto

Pixied Argentina, 2017 / 9’ / DM / Color D, : Agostina Ravazzola, Gabriela Sorroza G, E, DA, P: Agostina Ravazzola, Gabriela Sorroza, Belén Tagliabue F: Belén Tagliabue S: Martín Scaglia M: Urraka CP: Indias Films I: Pablo Anguiano El Sr. Pix cree que tiene un don: piensa que mueve los objetos con solo desearlo. Así, todos los días la afeitadora lo afeita, la cafetera le prepara el café, etc. Pero un día se da cuenta de que vive en una ilusión, y que los objetos se mueven solos sin seguir sus órdenes. El Sr. Pix buscará descubrir el misterio mientras intenta escapar de los objetos, ya que ellos pretenden devolverlo a su rutina. El Sr. Pix es un personaje de un film, pero no lo sabe.

Mr. Pix believes he has a gift: he thinks he can move objects with his mind. So, every day the shaver shaves him, the coffee machine makes coffee, etc. But one day he realizes he lives in a fantasy, and that the objects actually don't follow his orders. Mr. Pix will try to unravel the mystery as he tries to run from these objects, because they intend to bring him back to his routine. He is a character in a film, but he doesn’t know it.Mr. Pix is a character in a film, but he doesn’t know it.

Agostina Ravazzola & Gabriela Sorroza Agostina se especializó en producción y animación. Trabaja en cine, TV y publicidad desde 2008, y dirigió el corto El puente. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Gabriela es animadora y motion grapher, y forma parte del equipo de Comunicación del Ministerio de Cultura de la Nación. Eng She specialized in production and animation. She has been working in film, TV and advertising since 2008 and directed the short El puente. Gabriela is an animator and motion grapher, and is part of the Communication Team of the Ministry of Culture of the Nation.puente competed at many festivals around the world.

Contacto / Contact FilmsToFestivals Gisela Chicolino T +54 9 11 2450 1740 E info@filmstofestivals.com filmstofestivals@gmail.com W filmstofestivals.com /Pixiedshortfilm

Competencia ARGENTINA de Cortos — ARGENTINE Short Film Competition

Son Estados Unidos - USA, 2017 / 8’ DCP / Color / Inglés - English D, G: Alejo Santos F: Federico Cantini E: Alejo Santos S: Gaspar Scheuer P: Lucía Aguirre, Carlos Berrizbeitia, Alejo Santos I: Kevin Johansen

A mediados del siglo xix, Konstantin Tsiolkovsky dijo: “La Tierra es la cuna del hombre, pero no se puede vivir en una cuna eternamente”. Más de dos siglos después, el hombre busca, sin resultados, un nuevo hogar. A través del tiempo y el espacio, el astronauta Martínez manda un mensaje a su hijo. Serán duras palabras sobre el futuro y el presente de la Tierra.

In the mid-19th century, Konstantin Tsiolkovsky said: “Earth is the cradle of man, but you cannot live in a cradle forever.” More than two centuries later, man is seeking a new home, to no avail. Astronaut Martínez sends a message to his son through time and space. Harsh words about Earth’s future and present time.

Contacto / Contact Alejo Santos T +54 9 11 5579 8178 E alejosantos.as@gmail.com

Alejo Santos Nació en Buenos Aires y estudió en la Universidad del Cine. Trabaja en cine y publicidad como editor. Fue seleccionado para participar en el Talents Buenos Aires 2015 y el Talents Berlín 2016. Dirigió los cortometrajes Matar a un perro (2013, 28º Festival) y Weltende. Eng Born in Buenos Aires, he studied at the Universidad del Cine, and works as an editor in film and advertising. He was selected to take part in Talents Buenos Aires 2015 and Talents Berlin 2016. He directed the shorts Matar a un perro (2013, 28th Festival) and Weltende.

Y ahora elogiemos las películas Let Us Now Praise Movies

Argentina, 2017 / 15’ / DCP / Color / Español / Inglés Spanish / English D, G: Nicolás Zukerfeld F: Fernando Lockett E: Malena Solarz, Nicolás Zukerfeld DA: Brenda Greco S: Valeria Fernandez P: Rogelio Navarro CP: Fidelia Cine I: Lucas Granero, Nicolás Daniluk, Mariana de la Mata, Agustín Gagliardi Lucas trabaja en una librería y escribe en una revista de cine. Conoce a Mariana, que fotocopia su DNI. También a Nicolás, un historietista. Se reencuentra con Agustín, que es mozo y produce cine independiente. Y ahora elogiemos las películas es una semblanza de las pequeñas tareas que son la base fundamental de las grandes obras de arte.

Lucas works at a stationery store and writes for a film magazine. He meets Mariana, who needs to Xerox her ID card. And Nicolás, a cartoonist. He reunites with Agustín, who works as a waiter and produces independent films. Y ahora elogiemos las películas sketches the small tasks that are the foundation of the great works of art.

Nicolás Zukerfeld Egresado de la Universidad del Cine, continúa allí su actividad como docente. Escribe crítica y realizó diversos cortometrajes. Codirigió el largometraje colectivo A propósito de Buenos Aires (2006) y el largometraje El invierno llega después del otoño (2016), este último junto a Malena Solarz. Eng After graduating from the Universidad del Cine, he continued on there as a teacher. He writes critiques and has made a number of short films. He served as part of the directing team of the collective feature length film A propósito de Buenos Aires (2006) and co-directed El invierno llega después del otoño (2016), together with Malena Solarz.

Contacto / Contact Fidelia Cine Rogelio Navarro T +54 9 11 3110 5446 +54 9 11 4091 1982 E nzukerfeld@gmail.com rogelio.navarro@ cinefidelia.com W fidelia-cine.com

work in progress

¿Qué clase de joven le abre la puerta a un vampiro? Carlos Damián Rodríguez, Martiniano Zurita

El hijo del cazador Federico Robles, Germán Scelso

El motoarrebatador Agustín Toscano

Existir Gabriel Grieco

Hebreos 13:2 Fernando Domínguez

La ciudad y los árboles Marcos Rodríguez

La luna representa mi corazón Juan Martín Hsu

La película infinita Leandro Listorti

La rompiente Juan Schnitman

La yunga Gala Negrello

Los pasos Renzo Blanc

Lucy y el gramófono Rubén Guzmán

Mochila de plomo Darío Mascambroni

Vendrán lluvias suaves Iván Fund

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Proyecciones Especiales â&#x20AC;&#x201D; Special Screenings

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LumiĂ¨re. L'Aventure commence Margaret Sea Sorrow

mardelplataďŹ lmfest.com

PROYECCIONES ESPECIALES — SPECIAL SCREENINGS

Lumière! L'Aventure commence Lumière! La aventura comienza Los hermanos Lumière han sido universalmente considerados los padres del cine: su primera serie de películas de un solo plano y de menos de un minuto marcaron el primer paso de una revolución artística. Pero pocos espectadores hoy tienen idea de lo increíbles que son estas películas. Ahora, en un programa que sirve de ejemplo del enorme esfuerzo de Thierry, copias recientemente restauradas de decenas de estas obras maestras pueden apreciarse de la manera en que fueron concebidas. Estas joyas breves contienen todas las características del cine: risas, lágrimas, espectáculo, sorpresas e imágenes imponentes. ¿Son documentales? Sí pero, como Godard señaló hace años, es restrictivo pensar en ellas como solamente eso, ya que mucho del mundo que registraron de forma tan fiel es hoy tan remoto para nosotros que parece de ciencia ficción. O, como dice André Bazin, estas películas nos dan acceso a una emoción que nunca antes había existido: una nostalgia que no es la nuestra. Peter Scarlet

The Lumière Brothers have long been universally hailed as the fathers of cinema: their first-ever series of single-shot films, each running less than a minute, marked the first step in an artistic revolution. But few spectators today have any idea of how stunning these films are. Now, in a program embodying dozens of these timeless masterpieces can be appreciated the way they were intended to be seen. These brief jewels contain all the characteristics of movies– laughter, tears, spectacle, surprises, and breathtaking sights. Are they documentaries? Yes, but as Godard pointed our years ago, it’s limiting to think of them only that way - since much of the world they captured so faithfully is now as remote to us as science fiction. Or, as André Bazin noted, these films give us access to an emotion that had never existed before: a nostalgia that is not our own. PS

Thierry Frémaux Nació en 1960 en Tullins-Fures, Francia. Es el actual director del Institut Lumière y del Festival de Cine de Cannes. Tiene una maestría en Historia Contemporánea de la Lumière University Lyon 2. Lumière! es su primera película como director. Eng He was born in Tullins-Fures, France, in 1960, and is the current director of the Insititut Lumière and the Cannes Film Festival. He has a Master’s degree in contemporary history from the Lumière University Lyon 2. Lumière! Is his first film as a director.

Francia - France, 2016 / 90’ / DCP / B&N / Francés - French D: Thierry Frémaux G: Bertrand Tavernier, Thierry Frémaux E: Thierry Frémaux, Thomas Valette, Fabrice Calzettoni, Maëlle Arnaud M: Camille Saint-Saëns P: Bertrand Tavernier, Thierry Frémaux CP: Institut Lumière I: Auguste Lumière, Louis Lumière, Martin Scorsese, Thierry Frémaux

Contacto/Contact Wild Bunch E sales@wildbunch.eu W wildbunch.eu

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Margaret Margaret (Anna Paquin) es una adolescente que, tras presenciar un accidente de tránsito en el que muere una mujer, comienza a convencerse de que es la culpable de dicha tragedia. Esa situación afecta su cotidianeidad, su ánimo, sus relaciones, cambia su vida por completo. Pero esa es solo la trama que dispara una dilemas morales y (des)conexiones con la realidad, y que articula discusiones sobre la percepción de las cosas. Igual de compleja es la historia detrás de la segunda película de Kenneth Lonergan, quien años después ganaría un Oscar por su guion de Manchester by the Sea. La versión original del director, como así también una serie de sucesivos cortes pedidos por distintos productores, fue rechazada, lo cual postergó el estreno de la película por cinco años. El 32º Festival tiene el honor de proyectar, por primera vez en Argentina, la versión original realizada por el director, figura clave del cine independiente americano, quien este año nos visitará para formar parte del jurado de la competencia internacional.

Margaret her everyday life, her mood, her relationships, changing her life completely. But that is only the plot that triggers a film of many with reality, and articulates discussions on the perception of things. Equally complex is the history behind the second film by Kenneth Lonergan, who would go on to win an Oscar years later for his script for Manchester by the Sea. The director's original cut, as well as a series of follow up cuts demanded by various producers, were all rejected, resulting in a five year delay in the film's release. The 32nd edition of the festival is honored to screen, for the first time ever in Argentina, the original cut by a director who is a key figure of American independent cinema, and who we are proud to have serving on this year's international jury.

Kenneth Lonergan

Nació en 1962 en el barrio de Bronx, en Nueva York. Es dramaturgo, guionista y director de cine. Escribió el guion de Analízame (1999) y de Pandillas de Nueva York (2002), y dirigió los films Puedes contar conmigo (2000) y Manchester junto al mar (2016). Eng Born in the borough of the Bronx, in New York City, he is a playwright, screenwriter and film director. He wrote the scripts for Analyze This (1999) and Gangs of New York (2002), and directed the films You Can Count on Me (2000) and Manchester by the Sea (2016).

Estados Unidos - USA, 2011 / 186’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Kenneth Lonergan F: Ryszard Lenczewski E: Scott Brock, Mike Fay, Anne McCabe DA: James Donahue, Dan Leigh S: Michael Barosky M: Nic Ratner, Dan Bora, Christian Rutledge P: Blair Breard, Gary Gilbert, Anthony Minghella, Sydney Pollack, Scott Rudin CP: Fox Searchlight Pictures, Gilbert Films, Mirage Enterprises I: Jeannie Berlin, Jean Reno

Contacto/Contact Park Circus Films Graham Fulton T +44 0 141 332 2175 E graham@parkcircus.com W parkcircus.com /parkcircusfilms @ParkCircusFilms park.circus.films

proyecciones especiales — special screenings

Sea Sorrow Con Sea Sorrow, la actriz Vanessa Redgrave da sus primeros pasos como directora. A los ochenta años. ¿Por qué una actriz consagrada como ella decidió volcarse a la dirección recién ahora? Hay un hecho puntual, y es que Redgrave decidió realizar este documental cuando vio aquella desgarradora y viralizada imagen del pequeño Alan Kurdi muerto en la orilla del mar. Pero la realidad es que Redgrave viene trabajando con refugiados desde hace muchísimos años, y esta película no es más que la extensión natural de su activismo. El título de la película viene de uno de los monólogos de Próspero en La tempestad de Shakespeare, que Ralph Fiennes recita en un momento de la película. El resto incluye imágenes de archivo y a la propia Redgrave contando hechos de su infancia en Londres durante la Segunda Guerra Mundial, en conexión directa con la crisis actual.

With Sea Sorrow, actress Vanessa Redgrave takes her first steps as a director. At the age of eighty. Why did such an established performer only now decide to turn to filmmaking? There’s a particular reason for this, and it’s that she decided to make this documentary when she saw that piercing image of little Alan Kurdi lying dead on the seashore. But the truth is that Redgrave has been working with refugees for a very long time, and this film is nothing more than a natural extension of her activism. The film’s title comes from one of Prospero’s monologues in Shakespeare’s The Tempest, which Ralph Fiennes recites in one of the film’s scenes. The rest includes archive images and Redgrave herself talking about events from her childhood in London during World War II, which she relates to the current crisis.

Vanessa Redgrave Nació en 1937 en Greenwich, Inglaterra. Es actriz de cine, teatro y televisión. Algunos de los films en los que participó: Blow-Up (1966), Asesinato en el Expreso de Oriente (1974) y Expiación, deseo y pecado (2007). Sea Sorrow es su primera película como directora. Eng Born in Greenwich, England, in 1937, she is a film, theater and television actress. She has acted in numerous films including Blow-Up (1966), Murder on the Orient Express (1974) and Atonement (2007). Sea Sorrow is her first film as a director.

Reino Unido - UK, 2016 / 74’ / DCP / Color / Inglés - English D: Vanessa Redgrave F: Andrew Dearden E: Folasade Oyeleye S: Martin Clark, Ariel Sultan P: Carlo Nero CP: Dissent Projects LTD I: Vanessa Redgrave, Ralph Fiennes, Martin Sherman, Alfred Dubs, Emma Thompson

Contacto/Contact Autlook Films Youn Ji E youn@autlookfilms.com W autlookfilms.com

Panorama

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mardelplataďŹ lmfest.com

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Autores — Auteurs

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12 jours 120 battements par minute 9 Fingers Also Known As Jihadi Barbara Caniba Claire's Camera El día después Coco En el séptimo día Ex Libris – New York Public Library Félicité Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma How We Live - Messages to the Family I Want to João, o maestro L’Héroïque lande, la frontière brûle La batalla de los sexos

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La forma del agua Last Flag Flying Le Vénérable W. Lucky Marea humana Marshall Mrs. Fang Madame Hyde Napalm Outrage: Coda Piazza Vittorio The Dead Nation Thirst Street Tres avisos por un crimen Visages Villages Wonderstruck Hello, Horse! Où en êtes-vous, João Pedro Rodrigues? Fajr

PANORAMA AUTORES — Auteurs

12 jours 12 Days / 12 días Bajo la ley francesa, en un plazo de doce días todas las personas que fueron ingresadas contra su voluntad en un hospital psiquiátrico deben tener una entrevista con un juez, que de acuerdo con la conversación que mantenga con el paciente y su historia clínica definirá si esa persona puede reinsertarse en la sociedad o deberá permanecer bajo observación. La instancia puede volverse tan fría e injusta como lo indica su premisa, y 12 jours pone el foco en las sensaciones e historias de vida que estos pacientes exponen en las entrevistas que atraviesan en un hospital de Lyon: hay testimonios desgarradores y momentos de mayor liviandad, y Depardon emprende una aproximación empática y humana a cada uno de ellos, que invariablemente transmiten la angustia de no poder continuar normalmente con sus vidas, o al menos enfrentar los recuerdos y las ideas que los persiguen.

Under French law, within a twelve-day window, all the people who have been admitted to a psychiatric hospital against their will must have an interview with a judge who, based on the conversation they have with the patient, will decide whether that person can be reinserted into society or must remain under observation. That instance can become as cold and unjust as its premise indicates, and 12 jours focuses on the sensations and life stories these patients reveal in the interviews they are subjected to at a hospital in Lyon. There are some harrowing testimonies as well as lighter moments, and Depardon’s approach is empathetic and human, while the patients invariably transmit their anguish for not being able to carry on normally with their lives, or at least confront the memories and ideas that haunt them.

Raymond Depardon Nació en Francia en 1942. Fotógrafo, fotoperiodista y realizador, es un referente del cine documental contemporáneo. Entre sus películas se encuentran Reporters (1981), La cautiva del desierto (1990), Un homme sans l’Occident (2002), Profils paysans, le quotidien (2005) y Diario de Francia (2012, 27º Festival). Eng He was born in France in 1942. A photographer, photojournalist and filmmaker, he is a model of contemporary documentary filmmaking. His films include Reporters (1981), Captive of the Desert (1990), Untouched by the West (2002), Profils paysans, le quotidien (2005) and Journal de France (2012, 27th Festival). Francia - France, 2017 / 87’ / DCP / Color / Francés - French D, F: Raymond Depardon E: Simon Jacquet S: Claudine Nougaret M: Alexandre Desplat P: Claudine Nougaret CP: Wild Bunch, Palatine Etoile 14

Contacto / Contact Wild Bunch Eva Diederix, Silvia Simonutti T +33 0 493 997 354 E ediederix@ wildbunch.eu ssimonutti@ wildbunch.eu W wildbunch.biz/movie/12days

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120 battements par minute 120 Beats Per Minute / 120 pulsaciones por minuto Los dificultosos primeros años de lucha contra el sida fueron muy documentados, pero en el caso de 120 battements par minute el ángulo la vuelve novedosa. Está tratada de una manera vibrante y energética, como si la cámara estuviera en medio del campo de batalla. El centro del film es la actividad, a principios de los 90 en Francia, de la organización ACT UP, un grupo de 50 personas que decide actuar de manera directa y brutal para llamar la atención sobre el HIV, mientras los laboratorios demoran sus nuevas medicaciones y el gobierno no hace campañas para concientizar. La urgencia inicial va dando paso a una segunda parte más grave, en la que algunos activistas empiezan a sufrir los efectos de la enfermedad. Y es allí cuando cobra gran protagonismo Sean (Nahuel Pérez Biscayart), uno de los miembros más combativos. Es un film vivo y urgente, que habla de la muerte pero lo hace con humor y sin excesivo sentimentalismo ni un abuso de los lugares comunes en los que a veces han caído otros films sobre este tema. Diego Lerer

The difficult first years of the struggle against AIDS were widely documented, but in the case of 120 Beats per Minute manages to find a different angle on the story. The treatment of the subject is vibrant and energetic, as though the camera were in the middle of a battlefield. The center of the film is the activity, in early 90s France, of the ACT UP organization, a group of 50 people who decided to act in a forceful, direct manner in order to attract attention to HIV, while laboratories delayed their new medications and the government would not launch any awareness campaigns. The initial urgency paves the way for a severer second part, in which some activists start suffering from the effects of the disease. It is at this pointy that Sean (Nahuel Pérez Biscayart), one of the organization’s most combative members, gains more importance. 120 BPM is an intense, urgent film that talks about death but does so with humor and without becoming excessively sentimental or abusing the clichés present in other films about this subject matter. DL

Robin Campillo Nació en 1962 en Francia. Es guionista, editor y director de cine. Guionó El empleo del tiempo (2001) y Entre los muros (2008), de Laurent Cantet. Realizó los largometrajes Les Revenants (2004, adaptado en EE.UU. como serie de TV bajo el nombre de The Returned en 2015), y Eastern Boys (2013). Eng Born in France in 1962, he is a screenwriter, editor and director. He wrote Laurent Cantet’s Time Out (2001) and The Class (2008). He made the film The Returned (2004, adapted in the US as a TV series), and Eastern Boys (2013). Francia - France, 2017 /140’ / DCP / Color / Francés - French D, E: Robin Campillo G: Robin Campillo, Philippe Mangeot F: Jeanne Lapoirie P: Hugues Charbonneau, Marie-Ange Lucian CP: Les Films de Pierre I: Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Adèle Haenel, Antoine Reinartz

Contacto / Contact CDI Films T +54 11 4373 7967 +54 11 4374 4219 E info@cdifilms.com.ar W cdifilms.com.ar PlaytimeIntl

PANORAMA AUTORES — Auteurs

9 Fingers 9 Doigts / 9 dedos Ganadora del premio a Mejor Director en Locarno, la nueva obra del músico y poeta punk F. J. Ossang comienza como un film noir, filmado en nítidos 35mm en blanco y negro. Una noche, en una estación de tren abandonada, un hombre llamado Magloire está fumando un cigarrillo cuando, de repente, aparece la policía para pedir documentos. Magloire comienza a correr, sin equipaje y sin futuro, hasta que se encuentra con un hombre moribundo de quien hereda una fortuna. Ni bien esa enorme cantidad de dinero llega a sus manos, los problemas comienzan. Una pandilla liderada por un hombre llamado Kurtz lo persigue, y pronto lo convertirán primero en rehén, y luego en cómplice. Luego de un robo frustrado, todos deberán huir en un buque de carga que lleva algo peligroso y volátil. Nada sale como debía –el veneno y la locura contaminan a todos–, y ahora los hombres de Kurtz parecen ser piezas de una conspiración liderada por el misterioso “9 Dedos”.

A winner of the Best Director award at the last edition of the Locarno Film Festival, the latest from punk musician and poet F. J. Ossang opens like in a film noir, shot in a crisp, black and white 35mm. One night, in an abandoned train station, a man called Magloire is smoking a cigarette when the police shows up for an ID check. He starts running, with no luggage and no future, until he meets a dying man from whom he inherits a fortune. As soon as he gets his hands on this huge amount of money, thought, trouble begins. A gang lead by a man named Kurtz is on on his heels, and will soon make him a hostage first… and an accomplice later. After an aborted break-in, they will all have to flee aboard a cargo ship with a dangerous volatile freight. Nothing happens as it was supposed to be –poison and madness contaminate everybody– as Kurtz’s men now seem to be the pawns of a conspiracy, led by the mysterious “9 Fingers.”

F.J. Ossang Nació en Francia en 1956. Estudió filosofía y derecho antes de entrar al Instituto de Altos Estudios Cinematográficos en 1981. Entre sus películas se encuentran The Case of the Morituri Divisions (1985, Competencia Oficial en el Festival de Cannes), Docteur Chance (1997, 13º Festival) y Dharma Guns (2010). Eng Born in France in 1956, he studied philosophy and law before beginning his studies at the Instituto de Altos Estudios Cinematográficos in 1981. His films include The Case of the Morituri Divisions (1985, Official Competition at Cannes), Doctor Chance (1997, 13th Festival) and Dharma Guns (2010).

Francia / Portugal - France / Portugal, 2017 / 90’ / DCP / B&N /Francés - French D, G: F. J. Ossang F: Simon Roca E: Walter Mauriot DA: Rafael Mathias Monteiro S: Julien Cloquet M: Jack Belsen P: Sébastien Haguenaue, Bruce Satarenko, Luis Urbano CP: 10:15 Productions, OSS/100 films & documents, O som e a furia I: Paul Hamy, Damien Bonnard, Pascal Greggory, Gaspard Ulliel, Lisa Hartmann

Contacto / Contact Capricci Films – FR E international@capricci.fr /capricci

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Also Known As Jihadi También conocido como Yihadi En 1969, el director japonés de vanguardia Masao Adachi dirigió

In 1969, avant-garde Japanese film director Masao Adachi directed

A.K.A. Serial Killer, el retrato del asesino serial de 19 años Noro Nagayama que ilustra la “teoría del paisaje” de Adachi, el cual reza que, cuando un paisaje está bien descripto y filmado con oficio, puede revelar las estructuras de opresión que le dieron forma y que sigue transmitiendo. La famosa ópera prima de Éric Baudelaire fue sobre Adachi, pero el tema del paisaje atrapado en medio de su doble status –como un enigma silencioso y un texto a descifrar– también impulsa sus otras películas y su trabajo fotográfico. Aquí, Baudelaire se apropia del método “paisaje” y lo aplica a un joven jihadista francés. Haciendo uso de documentos legales, la película retrata la vida de un joven nacido en Vitry. La cámara filma el hospital donde nació, luego el colegio secundario al que asistió, su universidad, su lugar de trabajo, luego su viaje a Egipto, Turquía y, finalmente, el camino hacia Alepo, donde se unió al frente de AlNusra en 2012. Jean-Pierre Rehm (Catálogo de FIDMarseille)

A.K.A. Serial Killer, a portrait of a 19-year-old serial killer Noro Nagayama that illustrates Adachi’s “landscape theory”, according to which once a landscape is well-described and skilfully filmed, it can reveal the structures of oppression that have shaped it and that it keeps transmitting. Éric Baudelaire’s famous first feature film was about Adachi, but the issue of landscape caught between its double status –at once a silent enigma and a text to decipher– is also driving his other films and photography work. In this one, Baudelaire takes over the “landscape” method and applies it to a young French jihadist. Exploiting some legal documents, the film follows the life path of a young man who was born in Vitry. The camera films the maternity hospital, then the boy’s high school, his university, his work place, then his trip to Egypt, Turkey and finally the road to Aleppo, where he joined the Al-Nusra front in 2012. JPR (FIDMarseille Catalog)

Eric Baudelaire Nació en Salt Lake City, Utah, en 1973 y estudió en la Universidad Brown. Realizó los cortometrajes [SIC] (2009) y The Makes (2010) y los largos L’Anabase de May et Fusako Shigenobu, Masao Adachi et 27 années sans images (2011), The Ugly One (2013) y Letters to Max (2014), todos ellos de amplio recorrido en festivales internacionales. Eng Born in Salt Lake City, Utah in 1973, he studied at Brown University. He made the short films [SIC] (2009) and The Makes (2010), and the feature length films L’Anabase de May et Fusako Shigenobu, Masao Adachi et 27 années sans images (2011), The Ugly One (2013) and Letters to Max (2014), all of which were widely shown on the international film festival circuit.

Francia - France, 2017 / 101’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Eric Baudelaire F: Claire Mathon, Alan Guichaoua E: Claire Atherton S: Nicolas Becker, Claire Atherton P: Olivier Marboeuf, Eric Baudelaire, Alexandra Delage, Cédric Walter CP: Spectre Productions

Contacto / Contact Phantom T +33 0 180 060 834 E diff@ lafabrique-phantom.org

foto: Roger Arpajou

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Barbara Barbara (1930-1997) fue un ícono de la canción francesa, aunque no resultó tan famosa fuera de su país. Mathieu Amalric se desmarca por completo de los lugares comunes de la biopic y del documental de tributo para construir un film algo caótico (a la Tournée) pero absolutamente fascinante. Cine dentro del cine (Amalric es también el director de una película sobre Barbara que tiene como protagonista a una actriz llamada Brigitte que interpreta Jeanne Balibar): estamos ante una sucesión de situaciones ficcionales, de recreaciones, de shows en vivo, de grabaciones de discos, de ensayos y de amores apasionados con algo de falso making of, musical y road movie. Balibar está en todo su esplendor como actriz, cantante y pianista. Más allá de los parecidos físicos, del trabajo con la voz y de la mimetización de los gestos y movimientos de la artista real, Amalric ofrece una obra llena de matices para dar vida en pantalla a una mujer excéntrica, desbordante y en muchos sentidos extrema hasta lo irritante. Diego Batlle

Barbara (1930-1997) was a Franch chanson icon, even though she did not achieve as much fame outside her country. Mathieu Amalric steers clear from every biopic and tribute documentary cliché in order to build a somewhat chaotic (a-la-On Tour), but absolutely fascinating, film. A film within a film (Amalric also plays the director of a film about Barbara starring an actress named Brigitte, played by Jeanne Balibar): we are in front of a series of fictional situations, reenactments, live shows, album recordings, rehearsals, and passionate loves that are part fake behind-the-scenes, part musical, and part road movie. Balibar shines as an actress, a singer and a pianist. Apart from her physical resemblance, the work done with her voice and the perfect imitation of the gestures and movements of the real artist, Amalric offers a work filled with subtleties when giving onscreen life to a woman who was eccentric, overwhelming and in many ways extreme to the point of becoming irritating. DB

Mathieu Amalric Nació en Francia en 1965. Trabajó como actor para cineastas como Alain Resnais, Arnaud Desplechin y Tsai Ming-liang. Entre sus trabajos como director se encuentran los largometrajes Le Stade de Wimbledon (2001, 21º Festival), Tournée (2010, 25º Festival) y El cuarto azul (2014; Astor de Plata al Mejor Director, 29º Festival). Eng Born in France in 1965, he as worked an actor for filmmakers such as Alain Resnais, Arnaud Desplechin and Tsai Ming-liang. His works as a director include the feature length films Wimbledon Stage (2001, 21st Festival), On Tour (2010, 25th Festival) and The Blue Room (2014; Astor de Plata for the Best Director, 29th Festival).

Francia - France, 2017 97’ / DCP / Color / Francés - French D: Mathieu Amalric G: Mathieu Amalric, Philippe Di Folco F: Christophe Beaucarne E: François Gedigier DA: Laurent Baude S: Olivier Mauvezin P: Patrick Godeau CP: Waiting for Cinema I: Jeanne Balibar, Mathieu Amalric, Vincent Peirani, Fanny Imber, Marc Bodnar, Pierre Léon

Contacto / Contact Gaumont Ariane Buhl T +33 146 432 180 E ariane.buhl@ gaumont.com

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Caniba Caniba, muy perturbador retrato en forma de entrevista de Issei Sagawa –quien fue encarcelado y deportado de París en 1981 por asesinar y comerse a la estudiante holandesa Renée Hartevelt–, se dirige con osadía a territorios inesperados al convertirse en un relato shakespereano acerca de los celos y la rivalidad entre Sagawa y su hermano, quien lo cuida desde que el primero tuvo un ACV unos años atrás. Semiparalizado, recluido en las afueras de Tokio y en busca de expiación, Sagawa no tiene problemas en hablar de su crimen, de su propio deseo de ser consumido y de la fama que adquirió: luego de su regreso a Japón, intentó vivir de su reputación publicando mangas morbosos, convirtiéndose en crítico de sushi e incursionando en el cine porno. En Caniba, el canibalismo se revela como algo mucho más intrínseco a la condición humana que lo que muchos de nosotros podríamos suponer. Esta inquietante obra de etnografía sensorial es claramente no apta para espectadores impresionables o con problemas cardíacos. Andréa Picard (Catálogo Festival de Toronto)

A deeply disturbing interview-portrait of Issei Sagawa –who was imprisoned and deported from Paris in 1981 for murdering and cannibalizing Dutch student Renée Hartevelt– Caniba heads boldly into unforeseen territory, morphing into a Shakespearean tale of the jealousy and rivalry between Sagawa and his brother, who takes care of him ever since Sagawa suffered a stroke a few years ago. Semi-paralyzed, housebound on the outskirts of Tokyo, and seeking atonement, Sagawa is forthcoming about his crime, his own wish to be consumed, and the fame he acquired: after his return to Japan, he sought to make a living off of his notoriety by publishing gruesome mangas, becoming a sushi critic, and dabbling in porn films. In Caniba, cannibalism is revealed as something far more intrinsic to the human condition than most us of would suppose. This unnerving work of sensory ethnography is definitely not for the squeamish or faint of heart. AP (TIFF Catalog)

Vérena Paravel & Lucien Castaing-Taylor Vérena nació en Suiza en 1971 y Lucien en el Reino Unido en 1966. Sus films y videos en conjunto fueron proyectados en festivales como CPH: DOX, Locarno y Berlín. Dirigieron el proyecto en cuatro partes Canst Thou Draw Out Leviathan with a Hook (2012-2016), y su documental Leviathan (2012) ganó el premio FIPRESCI en Locarno. Eng Vérena was born in Switzerland in 1971 and Lucien in the UK in 1966. Their joint films and videos were screened at such festivals as CPH:DOX, Locarno and Berlin. They directed the four-part project Canst Thou Draw Out Leviathan with a Hook (20122016) and the documentary Leviathan (2012) which won the FIPRESCI award at Locarno.

Francia - France, 2017 / 95’ / DCP / Color / Japonés - Japanese D, F, E, P: Vérena Paravel, Lucien Castaing-Taylor S: Nao Nakazawa, Véréna Paravel, Lucien CastaingTaylor I: Norte Productions, Sensory, Ethnography Lab

Contacto / Contact Elle Driver T +33 156 434 870 E sales@elledriver.eu W elledriver.fr

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Claire's Camera Keul-le-eo-ui ka-me-la / La cámara de Claire La sola presencia de Kim Min-hee debería justificar por sí sola la existencia de cualquier película, no solo las de Hong Sang-soo. Sin embargo, una gran parte de la crítica no supo –o no quiso– ver en Claire’s Camera algo más que un simple divertimento. En un mundo cada vez más oscuro y tenebroso, una película bella, breve y luminosa pareciera no merecer ser tomada en serio. Claire’s Camera fue filmada en pocos días durante el Festival de Cannes y estrenada un año después en el mismo evento. En su trama, la joven asistente de una empresa dedicada a la venta internacional de películas es despedida de su trabajo a causa de una supuesta infidelidad, lo que la llevará a recorrer sin destino las calles y escenarios típicos de la ciudad. Claire y su cámara, sin saberlo, registrarán a los protagonistas de estos amores cruzados, con el trasfondo de una bella y pequeña ciudad que, año tras año, se ve invadida por un ruidoso festival de cine. Marcelo Alderete

The very presence of Kim Min-hee should be enough to justify the existence of any film, not only one by Hong Sangsoo. However, most critics weren’t able –or didn’t want– to see in Claire’s Camera something more than simple entertainment. In a world as increasingly dark and gloomy as this one, a beautiful, short, luminous film doesn’t seem to deserve to be taken seriously. Claire’s Camera was shot in a few days during the Cannes Film Festival and premiered there one year later. In it, the young assistant at a company devoted to international film sales is fired from her job due to a supposed infidelity, which will lead her to aimlessly walking the typical streets and sceneries of the city. Without realizing it, Claire and her camera will capture the protagonists of those crossed loves, with the backdrop of a small, beautiful city that, year after year, is invaded by a noisy film festival. MA

Corea del Sur / Francia - South Korea / France, 2017 / 69’ / DCP / Color / Coreano / Inglés / Francés - Korean / English / French D, G: Hong Sang-soo F: Lee Jinkeun E: Hahm Sungwon S: Kim Mir M: Dalpalan P: Kang Taeu CP: Jeonwonsa Film Co I: I: Isabelle Huppert, Kim Min-hee, Chang Mi-hee, Jung Jin-young, Yoon Hee-sun, Lee Wan-min, Kang Taeu, Shahira Fahmy, Mark Peranson

Contacto / Contact Jour2Fête T +33 175 432 682 E sales@jour2fete.com W jour2fete.com

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El día después Geu-hu / The Day After El día después, contracara de la luminosa Claire’s Camera, está

The Day After, flipside of the luminous Claire’s Camera, was

filmada en blanco y negro en la ciudad de Seúl durante el crudo invierno coreano, y la mayoría de sus escasas escenas transcurren durante la noche. La intensidad que atraviesan algunas de sus secuencias (algo que, sospechamos, la llevó a ocupar un lugar en la Selección Oficial en Cannes) llaman la atención en el cine de Hong Sang-soo. No así su trama, otra variación sobre las relaciones maritales y las infidelidades. Peleas (a los gritos y golpes), llantos, recriminaciones (justas y de las otras) y discusiones que parecen comentar algunos datos recientes de la vida del director. En un año con tres películas (todas protagonizadas por su musa Kim Min-hee), Hong demuestra que su cine no se detiene ante nada y que la ficción, a veces, puede servir para tratar de entender la vida. O, al menos, reescribirla como un triste cuento moral. Marcelo Alderete

shot in black and white in the city of Seoul during the raw Korean winter, and most of its bare scenes take place at night. The intensity of some of its sequences (which we suspect led to its becoming part of the Cannes’ official selection) are quite rare for a Hong Sang-soo film. Not so its plot: a variation on marital relationships and infidelities. Fighting (with shouts and blows), crying, recriminations (both fair and otherwise) and arguments that seem to comment on some recent events in the director’s life. In a year with three films (all of them starring his muse Kim Min-hee), Hong shows that his cinema stops at nothing, and that fiction can sometimes be useful for trying to understand life. Or, at least, for rewriting it as a sad moral tale. MA

Hong Sang-Soo Nació en Corea del Sur en 1960, y estudió cine en la Universidad de Chung-Ang. Debutó como director de largometrajes con The Day a Pig Fell into the Well (1996); lo siguieron, entre otros, Night and Day (2008), En otro país (2012), Our Sunhi (2013; 28º Festival), Hill of Freedom (2014; 29º Festival), Right Now, Wrong Then (2015; 30º Festival) y Yourself and Yours (2016, 31º Festival). Eng Born in South Korea in 1960, he studied film at the Chng-Ang University. He made his debut as a feature-film director with The Day a Pig Fell into the Well (1996); followed by, Night and Day (2008), In Another Country (2012), Our Sunhi (2013; 28th Festival), Hill of Freedom (2014; 29th Festival), Right Now, Wrong Then (2015; 30th Festival), and Yourself and Yours (2016, 31th Festival). Corea del Sur - South Korea, 2017 / 92’ / DCP / B&N / Coreano - Korean D, G, M: Hong Sang-soo F: Kim Hyung-koo I: Kwon Haeh-yo, Kim Min-hee, Kim Sae-byuk, Cho Yun-hee

Contacto / Contact Zeta Films Carlos Zumbo T +54 11 4371 4801 E info@zetafilms.com W zetafilms.com @zeta_films

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Coco Monsters Inc. y Cars 2 ya nos habían anticipado que para Pixar las fronteras fueron hechas para ser cruzadas (y no para ser reforzadas con muros construidos para dividir pueblos a pura demagogia). Así que no es ninguna sorpresa que los creadores de Toy Story 3 se sumerjan ahora en la tradición mexicana del Día de los Muertos. Coco cuenta la historia de Miguel, un niño mexicano que sueña con convertirse en músico consagrado como su ídolo Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt en la voz original en inglés), a pesar de la incomprensible prohibición de la música en su familia. Desesperado por probar su talento, Miguel terminará envuelto en una misteriosa cadena de eventos, en la impresionante y colorida Tierra de los Muertos. En el camino, se cruzará con el simpático timador Héctor (Gael García Bernal), y juntos se embarcarán en una extraordinaria travesía para develar la verdadera razón detrás de la historia familiar del protagonista.

Monsters Inc. and Cars 2 had already suggested to us that, for Pixar, borders were meant to be crossed (and not reinforced with walls built to divide people for pure demagoguery). So it’s no surprise that the creators of Toy Story 3 delve deep into the Mexican tradition of the Day of the Dead. Coco tells the story of Miguel, a Mexican kid who dreams of becoming a renowned musician just like his idol Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt in the original English voice), in spite of the inexplicable ban on music in his family. Desperate for proving his talent, Miguel will end up embroiled in a mysterious chain of events, in the impressive and colorful Land of the Dead. On his way, he meets likeable con artist Héctor (Gael García Bernal), and together they embark on an extraordinary journey to reveal the true reason behind the main character’s family history.

Lee Unkrich & Adrián Molina Lee nació en 1967 en Ohio, Estados Unidos. Codirigió los films Toy Story 2 (1999), Monsters Inc. (2001) y Buscando a Nemo (2003). Toy Story 3 fue su debut como director en solitario. Adrián es animador y guionista. Trabajó como animador en varias películas de Pixar; entre ellas, Ratatouille (2007) y Monsters University (2013). Eng Born in Ohio in 1967, Lee co-directed the films Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001) and Finding Nemo (2003). Toy Story 3 (2010) was his debut as a solo director. Adrián is an animation artist and scriptwriter. He worked in several Pixar films, including Ratatouille (2007) and Monsters University (2013).

Estados Unidos - USA, 2017 / 99’ / DCP / Color / Inglés - English D: Lee Unkrich, Adrián Molina P: Darla K. Anderson I: Gael García Bernal, Anthony Gonzalez, Benjamin Bratt, Renée Victor

Contacto / Contact The Walt Disney Company Latin America Maitena de Amorrortu T +54 230 426 2027 E maitena.de.amorrortu@ disney.com W disneylatino.com

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En el séptimo día On the Seventh Day En el séptimo día cuenta una historia pequeña pero de resonancias tan universales como actuales: un grupo de amables inmigrantes mexicanos de Puebla pasan sus días trabajando en restaurantes o en la construcción. Viven en Brooklyn, todos juntos, en un pequeño departamento donde comparten el trabajo, la cotidianeidad y la pasión por el fútbol. Con emoción y delicadeza, la película retrata la situación de estos hombres que, ilegales, trabajan, comparten y viven sin resignar sus tradiciones ni su idioma. Un particular dialecto los une, les da una identidad, y a la vez marca la diferencia entre ellos y los norteamericanos. Cada encuadre replica la idea de la película: la unión en ese pequeño lugar en el que viven, la solidaridad, el disfrute del fútbol. Así, se van apropiando del espacio de Sunset Park, urbano y ajeno, por el que hacen extensos recorridos en bicicleta o caminando. En un ir y venir se intensifica su condición de nómades en un país que, ahora más que nunca, los repele. Marcela Gamberini

On the Seventh Day tells a story that is small but has repercussions as universal as they are current: a group of amiable Mexican immigrants from Puebla spend their days working in restaurants and construction jobs. They live together in Brooklyn, in a small apartment where they share their work, their everyday life and their passion for soccer. With emotion and delicacy, the film depicts the situation of these man who, being illegal, work and live without giving up their traditions and their language. A particular dialect brings them together, gives them an identity and at the same time, makes the difference between them and North Americans. Each framing replicates the film’s idea –the union in that small place they live in, their solidarity, their taste for soccer. In this way, they start making their own the urban, alien space in Sunset Park where they take long walks and rides on their bikes. Their comings and goings intensify their condition as nomads in a country that, now more than ever, repels them. MG

Jim McKay Nació en 1962 en Nueva Jersey. Es director, guionista y productor, y cofundador de C-Hundred Film Corp. Con su primera película de ficción, Girls Town (1995), obtuvo el Premio Especial del Jurado en Sundance. Sus otros largometrajes han tenido un gran reconocimiento internacional. Además, dirigió varias episodios de series de TV, como The Wire, Big Love y Mr.Robot.. Eng Born in 1962 in New Jersey, he is a director, script writer and producer and co-founder of C-Hundred Film Corp. His first feature length film Girls Town (1995) won the Special Jury Award at Sundance. His other feature films have been very well recognized internationally. He has also director various episodes of television shows such as The Wire, Big Love and Mr.Robot. Estados Unidos - USA, 2017 / 92’ / DCP / Español / Inglés - Spanish / English D, G: Jim McKay F: Charles Libin E: Karim López DA: Maite Pérez-Nievas P: Jim McKay, Michael Stipe, John S. Johnson, Charles Miller, Naomi Spiro I: Fernando Cardona, Gilberto Jimenez, Abel Pérez, Genoel Ramírez, Alfonso Velázquez

Contacto / Contact Cinetic Media John Sloss, Eric Sloss T +1 212 204 7979 E john@ cineticmedia.com eric@ cineticmedia.com

foto: Zipporah Films

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Ex Libris – New York Public Library Ex Libris - Biblioteca pública de Nueva York Infatigable retratista de la realidad norteamericana, el octogenario Frederick Wiseman ahonda en su interés por diseccionar el funcionamiento de las instituciones. Ahora, el director de Titicut Follies descubre en los entresijos de la Biblioteca de Nueva York no solo un ejemplo de ética aplicada al servicio público sino, sobre todo, un punto de encuentro para las diferentes sensibilidades y realidades que forman el multiétnico tejido social de esa gran ciudad, en la que, por ejemplo, podemos encontrar a Elvis Costello y Patti Smith presentando sus proyectos literarios. Como ocurría en Boxing Gym, el retrato incisivo pero inevitablemente parcial que construye Wiseman deviene, hoy más que nunca, una suerte de utopía estadounidense, un discreto manifiesto sobre el valor del conocimiento como herramienta de progreso, y sobre la nobleza del compromiso individual con el bien común. Manu Yáñez

Indefatigable portraitist of the reality of the U.S., octogenarian Frederick Wiseman delves into his interest for dissecting the workings of institutions. This time, the director of Titicut Follies discovers the intricacies of the New York Public Library, not just an example of applied ethics at the service of the public, but rather, and above all, a meeting point of different sensitivities and realities that form the multiethnic social fabric of that great city in which, for example, we can find Elvis Costello and Patti Smith presenting their library projects. As occurred in Boxing Gym, the incisive but inevitably partial portrait that Wiseman constructs becomes, now more than ever, a kind of U.S. utopia, a discrete manifesto about the value of knowledge as a tool for progress, and about the nobility of the individual’s commitment to the common good. MY

Frederick Wiseman Nació en Boston en 1930. Es uno de los documentalistas más renombrados del mundo, y dirigió decenas de películas, como The Cool World (1963), Titicut Follies (1967), High School (1968), Hospital (1970), Missile (1987), Ballet (1995), Boxing Gym (2010), Crazy Horse (2011, 26 º Festival) y En Berkeley (2013, 28º Festival), entre otras. Eng Born in Boston in 1930, he is one of the most renowned documentary filmmakers in the world and has directed dozens of films including The Cool World (1963), Titicut Follies (1967), High School (1968), Hospital (1970), Missile (1987), Ballet (1995), Boxing Gym (2010), Crazy Horse (2011, 26th Festival) and At Berkeley (2013, 28th Festival).

Estados Unidos - USA, 2017 / 197’ / DCP / Color /Inglés - English D, E, S, P: Frederick Wiseman F: John Davey CP: EX LIBRIS Films, LLC

Contacto / Contact Zipporah Films, Inc. Emily Glaser T +1 617 576 3603 E info@zipporah.com W zipporah.com /ZipporahFilmsInc @ZipporahFilms exlibristhemovie

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Félicité La vida en Kinshasa, capital de la República Democrática del Congo, no ofrece muchas posibilidades a sus habitantes. Y Félicité, una mujer fuerte e independiente que canta en un bar, no es la excepción. Aunque la clientela parezca no prestarle atención, ella se entrega a su música con una fuerza estremecedora. Cuando su hijo sufre un accidente, corre al hospital para enterarse de que la operación que el adolescente necesita cuesta mucho más de lo que tiene. Inicia así una carrera desesperada por las empobrecidas calles de la ciudad en busca de ayuda. Pero, cuando todo parece un mar de desolación, la persona menos esperada se ofrece a estar cerca para tallar soluciones: Tabu, el borracho del bar. Con una estética naturalista, no exenta de lirismo, el director abre la puerta a la vida de Kinshasa, y a la de Félicité en particular. Sus mini recitales, intercalados a lo largo de la película, nos ofrecen un contrapunto dramático de su difícil realidad.

Life in Kinshasa, the capital of the Democratic Republic of the Congo, does not offer many possibilities to its inhabitants. And Félicité, a strong, independent woman who sings at a bar, is no exception. Even though the clientele doesn’t seem to pay any attention to her, she surrenders herself to her music with a powerfully heartrending strength. When her son suffers an accident, she rushes to the hospital to find out that the cost of the operation the teenager needs is much more than she has. And so begins a desperate race through the impoverished streets of the city in search of help. However, when everything seems to be a sea of grief, the most unexpected of people offers to stay near to carve out solutions: Tabu, the bar’s drunk. With a naturalist aesthetic that does not lack lyricism, the director opens the door to life in Kinshasa and that of Félicité in particular. Her mini shows, interspersed throughout the film, offer us a dramatic counterpoint to her difficult reality.

Alain Gomis Nació en 1972 en Francia, con origen senegalés. Estudió una maestría de cine en la Sorbonne. Dirigió los largometrajes L'afrance (2001), ganador del León de Plata en Locarno, Andalucia (2007), Aujourd’hui (2012) y Les Délices du monde (2013). Eng He was born in France in 1972, of Senegalese origin, and received a Master’s degree in film at La Sorbonne. He directed the feature films L'afrance (2001), winner of the Silver Lion at Locarno, Andalucia (2007), Today (2012) and Les Delices du monde (2013).

Francia / Senegal - France / Senegal, 2016 / 123’ / DCP / Color / Lingala D, G: Alain Gomis F: Céline Bozon E: Fabrice Rouaud DA: Oumar Sall S: Benoit De Clerck, Jean-Pierre Laforce, Fred Meert M: The Kasaï Allstars P: Arnaud Dommerc, Alain Gomis, Omar Sall CP: Andolfi, Cinekap I: Véro Tshanda Beya, Gaetan Claudia, Papi Mpaka

Contacto / Contact Jour2Fête T +33 175 432 682 E sales@jour2fete.com W jour2fete.com

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma The Rise and Fall of a Small Film Company Ascenso y caída de una pequeña compañía cinematográfica El director Gaspard Bazin prepara una película y hace un casting

The director Gaspard Bazin is preparing to make a film and

buscando a sus intérpretes. Su productor es Jean Almereyda, quien se encuentra en bancarrota y es perseguido de manera violenta por sus acreedores. Eurydice, la esposa del productor, participa del casting con la ilusión de convertirse en una estrella. La historia debía ser una adaptación de The Soft Centre, de James Hadley Chase, de acuerdo con el encargo de la recién privatizada emisora TF1, pero, esperablemente, Jean-Luc Godard llevó el asunto hacia un manifiesto inquieto y profundo en defensa del cine, frente al avance arrollador de la televisión. A tres décadas de su realización, la película permaneció inédita hasta este año y llega a la pantalla grande en nuestro país por primera vez, con el enorme Jean-Pierre Léaud como protagonista y una sorprendente actualidad en una época en la que el séptimo arte pareciera estar nuevamente en jaque por otra forma masiva de exhibición.

holds a casting to find his actors. His producer is Jean Almereyda who is bankrupt and being violently pursued by his creditors. Eurydice, the producer’s wife, participates in the casting, hoping to become a star. The story should have been an adaptation of James Hadley Chase’s The Soft Centre, according to the commission of the then recently privatized TF1 television station, however – as could be expected – Jean-Luc Godard turned the subject into a disturbing and deep defense of cinema, faced with the devastating advance of television. Three decades after it was finished, the film remained unreleased until this year, and it reaches our theaters for the first time ever, with the great JeanPierre Léaud as the lead of a surprisingly current film in a time when cinema appears to be, once again, threatened by a massive form of audiovisual exhibition.

Jean-Luc Godard Nació en París en 1930. Mítico realizador de la Nouvelle Vague, dirigió, entre muchas otras, Sin aliento (1960), Vivir su vida (1962), El desprecio (1963), La Chinoise (1967), Nouvelle Vague (1990), Elogio del amor (2001, 17º Festival) y Notre Musique (2004, 20º Festival). Eng Born in Paris in 1930, he is the mythic filmmaker of the French New Wave. He has directed, among his many films, Breathless (1960), My Life to Live (1962), Contempt (1963), La Chinoise (1967), New Wave (1990), In Praise of Love (2001, 17th Festival) and Our Music (2004, 20th Festival). Francia - France, 1986 / 90’ / DCP / Color / Francés - French D: Jean-Luc Godard G: James Hadley Chase F: Caroline Champetier, Serge Le François S: François Musy, Pierre-Alain Besse I: Jean-Pierre Léaud, Jean-Pierre Mocky

Contacto / Contact Capricci Films E international@capricci.fr /capricci

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How We Live - Messages to the Family So leben wir - botschaften an die familie Cómo vivimos - Mensajes a la familia “Imaginen que estamos sentados en casa, que la pantalla está

“Imagine we are sitting at home, the screen is set up,

puesta, el proyector está listo y empezamos a ver películas juntos”, sugiere la voz calma del director al comienzo de How We Live. El film asume esa misma calma al emprender este viaje vía películas amateur tomadas de archivos de Austria, Italia, Holanda e Inglaterra. Para eso se vale de un amplio despliegue arqueológico de formatos en forma de carta: de antiguas películas familiares a color a imágenes digitales de celulares y de Skype. Los registros familiares que estructuran la película son como postales en movimiento, y narran varias vidas y caminos de vida del siglo XX. Pero también hablan del cine como herramienta de la vida diaria que sirve como puente entre distancias temporales que lograron que la “familia del hombre” fuera posible como comunidad, con biografías que están cada vez más marcadas por patrones migratorios. Alejandro Bachmann

the projector ready, and we start watching home movies together,” suggests the calm voice of the director at the beginning of How We Live. The film assumes this same calm as it undertakes its journey via amateur film recordings gathered from archives in Austria, Italy, Holland and England. The film employs a broad media-archeological array in the form of letter writing: from color home movies to video and digital cell phone images to Skype. The family recordings that structure the film are like moving postcards, telling of various lives and life paths from the 20th century. But they also speak to the medium of film as a tool of everyday life, to a function of bridging distances that have come to make the “family of man” possible as a community, its biographies increasingly marked by migratory patterns. AB

Gustav Deutsch Nació en Austria en 1952. Realizador, entre otras, de la emblemática serie Film.ist, compuesta por los documentales Film ist. (1-6) (1998), Film ist. (7-12) (2002) y FILM IST. Una chica y una pistola (2009), y de Shirley - Visiones de la realidad (2013), su primera película de ficción, todas proyectadas en el foco que le dedicó el 30º Festival. Eng Born in Austria in 1952, he made, among other works, the emblematic Film.ist series, made up of the documentaries Film ist. (1-6) (1998), Film ist. (7-12) (2002) and FILM IST. A Girl & a Gun (2009), and Shirley – Visions of Reality (2013), his first fiction film, all of them screened as part of the 30th Festival focus dedicated to his work. Austria, 2017 / 107’ / DCP / Color - B&N / Alemán / Inglés / Francés - German / English / French D, G, E: Gustav Deutsch F: Gustav Deutsch, Mostafa Tabbou S: Johannes Schmelzer-Ziringer M: Christian Fennesz P: Gabriele Kranzelbinder CP: KGP Kranzelbinder Gabriele

Contacto / Contact sixpackfilm Brigitta Burger-Utzer T +43 1526 0990 E office@ sixpackfilm.com

PANORAMA AUTORES — Auteurs

I Want to Delam Mikhad / Quiero El escritor Bahram Farzaneh atraviesa un bloqueo creativo, y tras sufrir un accidente automovilístico descubre el poder de una canción que lo pone en movimiento, física y creativamente. El argumento es simple, y tiene una referencia ineludible: “Esta es la historia del Irán de hoy, y esa música es el señor Rouhaní”, expresó el director Bahman Farmanara. Se refería sin rodeos a la situación política en su país desde la asunción del nuevo presidente en 2013, que alivianó algunas de las severas restricciones artísticas de los años previos –las que mantuvieron en prisión a Jafar Panahi y aún hoy le restringen su derecho a hacer películas–, pero siguen controlando con recelo la producción cinematográfica: el título original de esta obra era I Want to Dance, pero la palabra “bailar” no pasó el filtro de la censura iraní.

Writer Bahram Farzaneh has writer’s block, and after suffering an automobile accident he discovers the power of a song that puts him in motion, both physical and creatively. The plot is simple and has an inescapable reference: “This is the story of today’s Iran, and that music is Mr. Rouhaní,” director Bahman Farmanara expressed. He was bluntly referring to the political situation in his country since the new president took office in 2013, who softened some of the severe artistic restrictions from the previous years –those that kept Jafar Panahi in prison and still restrict his right to make films –, but still controls film production warily: the film’s original title was I Want to Dance, but the word “dance” didn’t pass the filter of Iranian censorship.

Bahman Farmanara Nació en 1942 y se graduó en la Universidad del Sur de California en 1966. Produjo la primera película de Abbas Kiarostami (The Report, 1974) y dirigió, entre otras, Prince Ehtejab (1973, Quincena de Realizadores), Tall Shadows of the Wind (1976, Semana de la Crítica), Smell of Camphor, Fragrance of Jasmine (1996) y A House Built on Water (1998). Eng He was born in 1942 and graduated from the USC in 1966. He produced Abbas Kiarostami’s first feature (The Report, 1974) and directed, among others, Prince Ehtejab (1973, Cannes Directors’ Fortnight), Tall Shadows of the Wind (1975, Critics’ Week), Smell of Camphor, Fragrance of Jasmine (1996) and A House Built on Water (1998).

Irán - Iran, 2017 / 93’ / DM / Color / Farsi D: Bahman Farmanara G: Omid Sohrabi, Bahman Farmanara F: Davoud Amiri E: Abbas Ghanjavi DA: Keyvan Moghadam S: Abbas Rastegarpoor M: Karan Homayounfar P: Ali Taghipour I: Reza Kianian, Mahnaz Afshar, M. R. Golzar, Armeneh Zeytoonchian

Contacto / Contact LAT-E Florencia Schapiro, Morgane Bisson T +9821 6671 1814 +9891 2323 5420 E bahman.farmanara@ gmail.com

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João, o maestro João, the Maestro / João, el maestro Oscar Wilde afirmaba que el dolor es el único camino que

Oscar Wilde stated that pain was the only road to perfection.

conduce a la perfección. Esa frase ilustra la vida de João Carlos Martins, un pianista brasileño que, tras alcanzar una exitosa carrera musical, debió luchar con problemas de salud que amenazaron con terminarla. João, el maestro persigue las huellas de este personaje, desde su difícil infancia hasta una adultez en la que su cuerpo se divide entre el placer de sentir la vibración de los aplausos y las dolencias que le impiden acariciar las teclas del instrumento. Narrada al pulso de sus conciertos de piano, y musicalizada con grabaciones originales de Martins, aúna todos los elementos de las clásicas biografías, poniendo el acento en la obsesión del protagonista por la música clásica y su perfecta ejecución. Mauro Lima decide priorizar los pianos enérgicos y evitar las áreas morbosas, y logra así una obra imponente e inspiradora.

That phrase illustrates the life of João Carlos Martins, a Brazilian pianist who, after achieving a successful music career, had to struggle with health issues that threatened to end it. João, el maestro follows the footsteps of this character, from his difficult childhood to an adulthood in which his body is split between the pleasure of feeling the vibration of applause and the maladies that prevent him from caressing the instrument’s keys. Narrated to the beat of his piano concertos and musicalized with original recordings by Martins, it combines all the elements of classic biopics, emphasizing the main character’s obsession for classical music and its perfect execution. Mauro Lima chooses to prioritize energetic pianos and avoid morbid areas, and achieves an impressive, inspiring work.

Mauro Lima Nació en 1967 en San Pablo. Director y guionista, empezó su carrera a mediados de los noventa y dirigió, entre otros, los films Louro incendiária (1996), Deus Jr. (2000), Taina 2 - Aventura continua (2004) y su film más celebrado: Meu nome nao é Johnny (2008). Eng He was born in Sao Paulo in 1967. A writer and director, he started his career in the mid-nineties and directed, among others, the films Louro incendiária (1996), Deus Jr. (2000), Taina 2 - Aventura continua (2004) and his most celebrated film, My Name Ain’t Johnny.

Brasil - Brazil, 2017 / 116’ / DCP / Color / Portugués / Inglés / Español - Portuguese / English / Spanish D, G: Mauro Lima F: Paulo Vainer E: Julia Pechmann, Bruno Lasevicius DA: Claudio Amaral Peixoto S: François Wolf M: João Carlos Martins P: Paula Barreto, Romulo Marinho CP: LC Barreto, Filmes do Equador I: Alexandre Nero, Rodrigo Pandolfo, Alinne Morais, Caco Ciocler, Fernanda Nobre and Davi Campolongo

Contacto / Contact LC Barreto Paula Barreto T +55 21 981 216 779 +55 21 240 8161 E paula@ lcbarreto.com.br assistentepaula@ lcbarreto.com.br W lcbarreto.com.br joaoomaestrofilme.com.br @joaoomaestrofilme

PANORAMA AUTORES — Auteurs

L’Héroïque lande, la frontière brûle The Wild Frontier / La frontera salvaje Invierno de 2016. La Jungla de Calais es una ciudad en desarrollo de unos 12.000 habitantes. A comienzos de la primavera, la zona del sur, sus tiendas, calles y casas son destruidas por completo. Su población desalojada muda sus hogares a la zona del norte para encontrar refugio y seguir viviendo. En el otoño, Francia organiza el desmantelamiento permanente de la Jungla. Pero la Jungla es un territorio que muta, una ciudad-mundo, una ciudad del futuro: incluso si es destruida, siempre resurge de las cenizas. Rodada con jóvenes atrapados en el descontrol de las guerras, la violencia policial y sus intentos de cruzar la frontera para llegar a Inglaterra, L’Héroïque lande, la frontière brûle podría ser un episodio olvidado de la Odisea de Homero.

Winter 2016. The Calais Jungle is a growing city of about 12,000. In the early spring, the Southern zone, its shops, streets and houses, are completely destroyed. Its expelled population move their houses to the Northern zone to find shelter and keep on living. In the fall, France organizes the permanent dismantling of the Jungle. But the Jungle is a mutating territory, a world-city, a city of the future: even if destroyed, it always rises from its ashes. Shot with young people trapped in the turmoil of wars, police violence, and their attempts at crossing the border to get to England, The Wild Frontier could be a forgotten episode of Homer’s Odyssey.

Nicolas Klotz & Élisabeth Perceval Nicolas nació en 1954 en Neuilly-sur-Seine, Francia. Dirigió La Nuit Bengali (1988), Paria (2000), La cuestión humana (2007) y Low Life (2011), entre otras películas. Élisabeth es una actriz, guionista y directora francesa. Dirigió el corto Mata Atlantica (2016). Eng Nicolas was born in Neuilly-sur Seine, France, in 1954, he directed The Bengali Night (1988), Paria (2000), Heartbeat Detector (2007) and Low Life (2011), among other films. Élisabeth is a French actress, screenwriter and director. She directed the short film Mata Atlantica (2016). Francia - France, 2017 / 225’ / DCP / Color /Amárico / Árabe / Inglés / Francés / Turco - Amharic / Arabic / English / French / Turkish D: Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval F: Nicolas Klotz E: Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval S: Mikael Barre M: Ulysse Klotz P: Thomas Ordonneau, Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval, Julien Sigalas CP: Shellac, Mata Atlantica, Stempel Films

Contacto / Contact Shellac Thomas Ordonneau, Félicie Roger E sales@ shellac-altern.org W shellac-altern.org

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La batalla de los sexos Battle of the Sexes El 20 de septiembre de 1973, en el Astrodome de Houston,

On September 20th, 1973, at the Houston Astrodome,

el tenista bocón y autodeclarado misógino Bobby Riggs (“amo a las mujeres, pero en la cama y en la cocina”), campeón de Roland Garros y Wimbledon, y ya retirado a los 56 años, retó a duelo a Billie Jean King, de 29 años, militante en defensa de los derechos de la mujer, y en plena actividad con doce campeonatos Grand Slam en su haber. Aquello llevó el nombre de “Batalla de los Sexos”, y fue un tremendo acontecimiento mediático al borde de lo circense. La dupla de directores de Pequeña Miss Sunshine recluta a Steve Carell y a Emma Stone para interpretarlos, y logran transmitir el clima de época con humor, alegría y sobrado talento. Prepárense para diálogos chispeantes, relaciones socialmente “controvertidas” y la perfecta reproducción de un tema de marcada actualidad, aun décadas después. Un verdadero ace cinematográfico.

big-mouthed tennis player Bobby Riggs, a self-proclaimed misogynist (“I love women, but in the bedroom and the kitchen”), Roland Garros and Wimbledon champion and already retired at 56, challenged 29-year-old Billie Jean King, a women’s rights activist and a fully active 12-time Grand Slam champion, to a duel. It was given the name of “Battle of the Sexes,” and was a tremendous, circus-like media event. The directing duo of Little Miss Sunshine recruit Steve Carell and Emma Stone to play them, and succeed in transmitting the zeitgeist with humor, joy and lots of talent. Be prepared for some brilliant dialogue, socially “controversial” relationships and the perfect reproduction of a subject matter that is very current even decades later. A true cinematic ace.

Jonathan Dayton & Valerie Faris Valerie nació en Los Ángeles en 1958, y Jonathan en Alameda en 1957. Comenzaron su carrera dirigiendo el programa de MTV The Cutting Edge y diversos videoclips, y codirigieron Pequeña Miss Sunshine (2006) y Ruby, la chica de mis sueños (2012). Eng Valerie was born in Los Angeles in 1958, and Jonathan, in Alameda in 1957. They started her career directing the MTV show The Cutting Edge and many music videos, and codirected the films Little Miss Sunshine (2006) and Ruby Sparks (2012).

Estados Unidos - USA, 2017 / 121’ / DCP / Color / Inglés - English D: Jonathan Dayton, Valerie Faris G: Simon Beaufoy F: Linus Sandgren E: Pamela Martin DA: Alexander Wei, Judy Becker S: Mildred Iatrou, Jonathan Klein M: Sara Bareilles P: Danny Boyle, Christian Colson, Robert Graf I: Emma Stone, Steve Carell, Andrea Riseborough, Natalie Morales, Sarah Silverman

Contacto / Contact 20th Century Fox Argentina Cecilia Bianchini E cecilia.bianchini@ fox.com

PANORAMA AUTORES — Auteurs

La forma del agua The Shape of Water Con el correr de los años y las películas, Guillermo del Toro ha aprendido el delicado arte de la mutación autoral como pocos, ajustándose a los distintos proyectos sin perder autenticidad en su voz cinematográfica. Valgan como prueba las diferencias entre Titanes del Pacífico y La cumbre escarlata, dos películas que nacen de la cinefilia más pura y honesta, esa que se cultiva desde la infancia. Aquí, mientras aprovecha para homenajear al cine y su potencia conmovedora, Del Toro sublima otra obsesión: el Monstruo de la Laguna Negra. El resultado es su película más refinada, cuyo centro es una historia de amor entre una joven muda amante de los musicales y un ser acuático capturado por las fuerzas militares en plena Guerra Fría. Un elenco insuperable, romanticismo, humor, suspenso y un impresionante despliegue visual conforman un relato fantástico en todas las acepciones de la palabra. Un futuro clásico. Pablo Conde

As years and films go by, Guillermo del Toro has learned of the delicate art of auteur mutation like few other people, adjusting to different projects without ever losing authenticity in his cinematic voice. The differences between Pacific Rim and Crimson Peak, two films born from the most pure and honest cinephilia, cultivated since childhood, serve as proof of this. Here, while getting to pay tribute to film and its power to move, Del Toro sublimates another obsession: Creature from the Black Lagoon. The result is his most refined movie, whose center is a love story between a young mute woman who loves musicals and a water being captured by military forces in the midst of the Cold War. An unbeatable cast, romanticism, humor, suspense and an impressive visual display make up this tale that is, in every sense of the word, fantastic. A future classic. PC

Guillermo del Toro Nació en 1964 en Guadalajara, México. Estudió en el Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos. Dentro de su reconocida trayectoria se encuentran films como El laberinto del fauno (2006), Hellboy (2004) y Titanes del pacífico (2013). Eng Born in Guadalajara, Mexico, in 1964, he studied at the Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos. His renowned career includes such films as Pan’s Labyrinth (2006), Hellboy (2004) and Pacific Rim (2013).

Estados Unidos - USA, 2017 / 119’ / DCP / Color / Inglés - English D: Guillermo del Toro G: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor F: Dan Laustsen E: Sidney Wolinsky DA: Paul Austerberry P: Guillermo del Toro, J. Miles Dale CP: Double Dare You I: Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg, Octavia Spencer

Contacto / Contact 20th Century Fox Argentina Cecilia Bianchini E cecilia.bianchini@ fox.com

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Last Flag Flying Flamea la última bandera En esta road movie lírica de Richard Linklater, tan graciosa como desgarradora, tres veteranos de la armada de la época de Vietnam –Doc (Steve Carell), de voz suave; Sal (Bryan Cranston), inestable y sin filtro; y Mueller (Laurence Fishburne), silenciosamente medido– se reúnen para llevar a cabo una tarea sagrada: el entierro apropiado para el hijo único de Doc, quien fue muerto en los primeros días de la invasión en Irak (la conexión que uno puede encontrar con El último deber, la película de Hal Ashby de 1973, no es casual: esta película también está basada en una novela de Darryl Ponicsan). Mientras el trío de viejos amigos viaja por la costa este, Linklater nos entrega una rica representación de la amistad, un gran mosaico de la vida común en Estados Unidos durante la era Bush y una notable meditación sobre el paso del tiempo y la naturaleza de la verdad. En resumen, Last Flag Flying es una gran película de uno de los mejores directores de Estados Unidos.

In Richard Linklater’s lyrical road movie, as funny as it is heartbreaking, three aging Vietnam-era Navy vets— soft-spoken Doc (Steve Carell), unhinged and unfiltered Sal (Bryan Cranston), and quietly measured Mueller (Laurence Fishburne)—reunite to perform a sacred task: the proper burial of Doc’s only child, who has been killed in the early days of the Iraq invasion (the connection one might find with Hal Ashby’s 1973 The Last Detail is not coincidental: this one is also based on a Darryl Ponicsan novel). As this trio of old friends makes its way up the Eastern seaboard, Linklater gives us a rich rendering of friendship, a grand mosaic of common life in the USA during the Bush era, and a striking meditation on the passage of time and the nature of truth. To put it simply, Last Flag Flying is a great movie from one of America’s finest filmmakers.

Richard Linklater Nació en 1960 en Houston, Estados Unidos. Es director, guionista y productor, y una de las figuras más emblemáticas del cine independiente norteamericano. Dirigió, entre otras, Slacker (1991), Antes del amanecer (1995), Despertando a la vida (2001), Escuela de rock (2003) y Boyhood (2014). Eng Born in Houston, Texas, in 1960, he is a director, screenwriter and producer, and one of the most emblematic figures of American independent film. He directed Slacker (1991), Before Sunrise (1995), Waking Life (2001), School of Rock (2003) and Boyhood (2014), among other films.

Estados Unidos - USA, 2017 / 124’ / DCP / Color / Inglés - English D: Richard Linklater G: Richard Linklater, Darryl Ponicsan F: Shane F. Kelly E: Sandra Adair DA: Doug Huszti, Gregory A. Weimerskirch S: Justin Hennard M: Graham Reynolds P: Ginger Sledge, John Sloss, Thomas Lee Wright CP: Amazon Studios, Big Indie Pictures, Cinetic Media, Detour Filmproduction I: Bryan Cranston, Laurence Fishburne, Steve Carell, J. Quinton Johnson, Deanna Reed-Foster

Contacto / Contact DigiCine Eric Mc Crea Steele T +54 11 4314 1900 +54 9 11 5458 0129 E ericmc@ digicine.com.ar mgigaglia@ imagemfilmes.com.br W digicine.com.ar /digicinearg @DigicineArg /digicinearg

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Le Vénérable W. The Venerable W. / El venerable W. Wirathu es un maestro budista birmano que asegura defender “la protección de la raza y de la religión” en nombre de la cultura y la identidad. Barbet Schroeder lo elige como personaje central para cerrar su “trilogía del mal”, iniciada con General Idi Amin Dada (1974) y continuada por El abogado del terror (2007), demostrando que su antihéroe es un personaje mucho más complejo y peligroso de lo que aparenta. Le Vénérable W. va detrás de la pregunta sobre cómo una comunidad históricamente pacífica puede contener a un individuo de ribetes tan diabólicos. Mediante el uso de archivos, Schroeder investiga su historia y rastrea numerosas muestras de racismo cotidiano y de una maldad insólita y calculada (reuniones secretas, boicots políticos, planes perversos) que dan cuenta de una política de represión, violencia y destrucción.

Wirathu is a Burmese Buddhist master who guarantees that he will defend “the protection of the race and of the religion” in the name of culture and identity. Barbet Schroeder selects him as the central character to close his “trilogy of evil”, that he began with General Idi Amin Dada (1974) and continued with Terror’s Advocate (2007), demonstrating that his anti-hero is a much more complex and dangerous character than he seems to be. The Venerable W. goes behind the question of how a historically pacifist community can contain an individual of such diabolical characteristics. Using archival material, Schroeder investigates his history and traces numerous examples of day-to-day racism and a shocking malice that is calculated (secret meetings, political boycotts, perverse plans) to tell of a politics of repression, violence and destruction.

Barbet Schroeder Nació en Teherán en 1941. Comenzó su carrera asistiendo a Jean-Luc Godard en Los carabineros (1963). Ese año fundó junto a Eric Rohmer la clásica compañía francesa Les Films du Losange. Dirigió, entre otras, Mariposas en la noche (1987), El beso de la muerte (1994), La virgen de los sicarios (2001, 16º Festival) y El abogado del terror (2007). Eng Born in Tehran in 1941, he started his career assisting Jean-Luc Godard in Les Carabiniers (1963). That year, he founded the classic French company Les Films du Losange with Eric Rohmer. He has directed many films, including, Barfly (1987), Kiss of Death, Our Lady of the Assassins (2001, 16th Festival) and Terror’s Advocate (2007). Francia / Suiza - France / Switzerland, 2017 / 100’ / DCP / Color / Birmano / Inglés / Español Burmese / English / Spanish D, G: Barbet Schroeder F: Victoria Clay Mendoza E: Nelly Quettier S: Florian Eidenbenz, Georges Prat M: Jorge Arriagada P: Margaret Menegoz, Lionel Baier CP: Les Films du Losange, Bande à Part I: Maria de Meideros

Contacto / Contact Les Films du Losange Lise Zipci T +33 144 438 713 E l.zipci@filmsdulosange.fr W filmsdulosange.fr/ international filmsdulosange.fr/en/ film/235/the-venerable-w /VenerableW

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Lucky Uno de los últimos papeles para una brillante carrera de seis décadas, y sin lugar a dudas una culminación artística inmejorable: en la piel de Lucky, un hombre parco y rutinario pero demasiado activo para sus 90 años, Harry Dean Stanton entrega una interpretación basada en las virtudes de sus mejores trabajos, transmitiendo las emociones justas sin renunciar a un registro pulcro, y reflejando en la expresión de un personaje todas aquellas historias que tranquilamente podrían pertenecerle. En su debut como director, John Carroll Lynch provee siempre el tono indicado para el lucimiento de su protagonista, evitando la tentación por el sentimentalismo o la reivindicación simplista que tantos otros retratos de la ancianidad proponen, mientras otro director con el mismo apellido (y que también hizo brillar a Stanton este año) se roba por un tiempo la película con la búsqueda de una tortuga.

One of the last roles of a brilliant six-decade career, and undoubtedly an unbeatable artistic farewell: Harry Dean Stanton plays Lucky, a frugal, workaday man that is nevertheless too active for his 90 years. Delivering a performance based on the best of his work, Stanton transmits just the right emotions without abandoning a quality of meticulousness, managing to reflect in the character’s expressions all those stories that could easily belong to him. Director John Carroll Lynch, in his debut film, always provides the appropriate tone for his star to show off his talents, avoiding the temptations of sentimentality and the simplistic recognition that so many other depictions of old age offer, while another director with the same last name (and who also made Stanton shine this year) steals the film for a while with the search for a turtle.

John Carroll Lynch Nació en 1963 en Boulder, Colorado. Reconocido por interpretar a Norm en Fargo de los hermanos Coen (1996), actuó en más de cien papeles en cine, series de TV y teatro, y fue dirigido por autores como Scorsese, Fincher y Clint Eastwood, entre otros. Lucky es su primera película como director. Eng He was born in Boulder, Colorado, in 1963, and is known for having played the role of Norm in the Coen brothers’ Fargo (1996). He has played more than one hundred roles in film, TV and theater, and was directed by such auteurs as Scorsese, Fincher and Clint Eastwood, among others. Lucky is his directorial debut. Estados Unidos - USA, 2017 / 88’ / DCP / Color /Inglés - English D: John Carroll Lynch G: Logan Sparks, Drago Sumonja F: Tim Suhrstedt E: Slobodan Gajic DA: Almitra Corey P: Greg Gilreath, Adam Hendricks, John Lang, Logan Sparks, Drago Sumonja, Danielle Renfrew Behrens, Ira Steven Behr, Richard Kahan I: Harry Dean Stanton, David Lynch, Ron Livingston, Ed Begley, Jr., Tom Skerritt

Contacto / Contact Magnolia Pictures Matt Cowal, Arianne Ayers T +1 212 924 6701 E publicity@magpictures. com

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Marea humana Human Flow En todos los aspectos de su documental, el activista y

In all aspects of his documentary, the Chinese activist

artista chino Ai Weiwei apunta a mostrar la inmensidad de una situación insostenible: el mundo se está achicando, muchas comunidades deben escapar de sus lugares de origen, y la respuesta no puede seguir consistiendo en aislarlas. En Human Flow, un equipo de más de 2000 personas documenta la situación de los refugiados en 23 países, dando voz a los testimonios e historias particulares y ofreciendo datos e imágenes apabullantes sobre las crisis migratorias que se están desarrollando ahora mismo. Weiwei sabe cómo lograr que su idea –y el mecanismo artístico que usa para transmitirla– no opaque ni desvíe el foco de las mismas personas que está retratando, y llega a quebrar su rol de registro y contemplación cuando el peligro de alguna situación lo hace necesario.

and artist Ai Weiwei aims at showing the immensity of an unsustainable situation: the world is getting smaller, many communities must escape from their places of origin, and the answer cannot continue to be isolating them. In Human Flow, a team of more than 2,000 people document the situation of the refugees in twenty-three nations, giving voice to their specific testimonies and stories, offering overwhelming data and images about the migratory crisis that is developing right now. Weiwei knows how to make it so his idea – and the artistic mechanism that he uses to communicate it – do not cover up or stray from the focus of the very people that he is portraying, and he manages to break his role of recording and contemplating when the danger of a situation makes it necessary.

Ai Weiwei Ha sido reconocido como el artista chino más influyente de las últimas décadas, y es un importante activista político. Su producción incluye diversas técnicas como la escultura, la pintura, la instalación, la fotografía, el cine, la música y la arquitectura. Eng He has been recognized as one of the most influential Chinese artists of the last few decades, and an important political activist. His production includes diverse techniques such as sculpting, painting, installations, photography, film, music and architecture.

Estados Unidos - USA, 2017 / 140’ / DCP / Color / Inglés - English D: Ai Weiwei G: Chin-Chin Yap, Tim Finch, Boris Cheshirkov F: Zanbo Zhang, Xie Zhenwei E: Niels Pagh Andersen S: Christian Conrad M: Karsten Fundal P: Ai Weiwei, Chin-Chin Yap, Heino Deckert CP: Participant Media, AC Films, Ai Weiwei Studio I: Iraa Abboud, Hiba Abed, Rami Abu Sondos, Asmaa Al-Bahiyya, Eman Al-Masina

Contacto / Contact LAT-E Florencia Schapiro, Morgane Bisson T +54 9 11 4056 6450 +54 911 5739 2310 E fschapiro@lat-e.com morgane@lat-e.com W humanflow.com /latecine

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Marshall De superhéroe de cómics a superhéroe de la vida real: Chadwick

From comic-book superhero to real-life superhero:

Boseman se saca el traje de Black Panther para interpretar a Thurgood Marshall, el primer juez afroamericano de la Corte Suprema de los Estados Unidos. Tras quince años dedicados principalmente a las series televisivas, Reginald Hudlin también vuelve al cine dejando de lado las comedias como Boomerang y House Party, para ponerse serio en una apasionante mezcla de biopic y drama de juicios. Y para eso elige un caso clave de los comienzos de la carrera de Marshall, cuando ya era un popular abogado de causas civiles. Quien también brilla, alejado de sus roles humorísticos, es Josh Gad en el rol de Sam Friedman, un joven y precavido abogado que será de mucha utilidad para Marshall, tratando de dilucidar la verdad en un caso en el que un afroamericano es acusado de abusar de una mujer de clase alta.

Chadwick Boseman takes off the Black Panther suit to play Thurgood Marshall, the first African-American US Supreme Court judge. After fifteen years devoted mainly to television series, Reginald Hudlin also returns to film leaving behind comedies like Boomerang and House Party to get serious in this thrilling mix between biopic and courtroom drama. And in order to do so he chooses a key case from the beginning of Marshall’s career, when he was already a popular civil attorney. Also shining outside his comedy roles is Josh Gad as Sam Friedman, a young, cautious attorney who will be of great use to Marshall, trying to find out the truth in a case in which an African American man is accused of abusing a high-class woman.

Reginald Hudlin Director, guionista, productor y actor nacido en 1961 en Illinois. Realizó, entre otros, los largometrajes House Party (1990) y Boomerang, y varias series de TV, como New Girl y Bones. Es uno de los productores de Django sin cadenas (2012). Eng Director, screen writer, producer and actor, he was born in Illinois in 1961. He has directed many feature films including House Party (1990) and Boomerang, as well as various televion series such as New Girl and Bones. He is one of the producers of Django Unchained (2012).

Estados Unidos - USA, 2017 / 118’ / DCP / Color / Inglés - English D: Reginald Hudlin G: Jacob Koskoff, Michael Koskoff F: Newton Thomas Sigel E: Tom McArdle DA: Jeff Schoen, Richard Hoover S: Craig Mann M: Marcus Miller P: Chris Bongirne, Chadwick Boseman, John Cappetta I: Chadwick Boseman, Josh Gad, Kate Hudson, Sterling K. Brown, Dan Stevens

Contacto / Contact UIP (Sony Pictures) Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 +54 11 4373 02614 E rosana_berlingeri@uip. com W uip.com.ar /SonypicturesARG

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Mrs. Fang Fang Xiuying / Sra. Fang La lenta y segura muerte de la mujer que da título a la película –una sexagenaria con Alzheimer terminal– es el eje que mueve a este nuevo documental de Wang Bing, ganador del Leopardo de Oro en Locarno. Pero su larga y casi escalofriante estancia en una cama es apenas el centro del mundo que Wang explora. A través de su rostro, que parece extrañamente acusatorio o asombrado por lo que lo rodea, vemos a la que parece ser su extendida familia hablar sobre su estado y observarla, sin que la figura de un médico aparezca, esperando la llegada de la muerte. Ese coro de observadores sigue también con sus cosas, y para Wang esa relación entre la vida y la muerte en un mismo espacio es lo que importa: observar cómo las miserables condiciones económicas de los protagonistas no les permite hacer otra cosa que mirar a la Señora Fang y continuar trabajando para sobrevivir, mientras ella, de a poco, se extingue de manera inevitable y brutal. Diego Lerer

The slow, sure death of the titular woman –a sexagenarian with terminal Alzheimer’s– is backbone of this new documentary documentary by Wang Bing that won the Golden Leopard at Locarno. However, her long and almost chilling stay in a bed is only the center of the world Wang explores. Through her face, which seems strangely accusing or amazed by what surrounds it, we see what seems to be her extended family talking about her state and watching her, without the appearance of a doctor figure, waiting for her death. That choir of watchers continues taking care of its things, and to Wang that relationship between life and death in one same space is what matters: observing how the miserable economic conditions of the protagonists don’t allow them to do anything other than watch Mrs. Fang and continue working in order to survive while, little by little, inevitably and brutally, she passes away. DL

Wang Bing Nació en 1967 y se graduó de la Beijing Film Academy en 1996. Considerado uno de los principales documentalistas de la actualidad, dirigió, entre otros, The Ditch (2010), Three Sisters (2012, ganador del premio Orizzonti de Venecia), Ta’ang y Dinero amargo (ambas de 2016, y proyectadas en el foco que el 31° Festival le dedicó al director). Eng Born in 1967, he graduated from Beijing Film Academy in 1996, and is currently considered one of the foremost documentary filmmakers in the world. He has directed, among many other films, The Ditch (2010), Three Sisters (2012, winner of the Orizzonti Award at Venice), Ta’ang and Bitter Money (both in 2016, and projected as part of a section focused on the director at the 31st Festival). Hong Kong / Francia / Alemania - Hong Kong / France / Germany, 2017 / 86’ / DCP / Color / Mandarín - Mandarin D: Wang Bing E: Wang Bing, Dominique Auvray DA: Wu Shenfang, Zhu Zhu S: Wang Bing, Shan Xiaohui, Emmanuel Soland, Ding Bihan P: Pierre-Olivier Bardet, Yang Wang, Kong Lihong CP: Idéale Audience, Wil Productions

Contacto / Contact Asian Shadows International Sales Limited Lya T +86 136 0272 1891 E lya@chineseshadows.com W chineseshadows.com chineseshadows.com/ mrs-fang @ShaShadows

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Madame Hyde Mrs. Hyde / Sra. Hyde La señora Géquil es una profesora odiada tanto por sus colegas como por sus alumnos. Una noche de tormenta, mientras experimenta en su laboratorio, es alcanzada por un rayo que la deja desmayada. Al despertar, se siente muy distinta: es la peligrosa Sra. Hyde. En el año en que despedimos a Jerry Lewis –quien también supo deformar este clásico de R. L. Stevenson con El profesor chiflado–, el director de La France entrega su propia reversión que es, también, una película sobre la escolaridad y la dificultad inherente a la transmisión de conocimiento. Así, es solo convirtiéndose en otra mujer que la Sra. Géquil podrá finalmente tener algún efecto en sus alumnos. Las dificultades y esperanzas que conllevan el mundo escolar hoy le sirven a Bozon para encarar la cuestión de en qué medida real los cambios que atravesamos internamente nos ayudan a lograr lo que buscamos, y lo hace en el marco de un relato tan divertido como dinámico y, claro, inquietante.

Mrs. Géquil is a shy teacher despised by her colleagues and students. On a stormy night, while conducting an experiment in her lab, she is struck by lightning and faints. When she wakes up, she feels decidedly different: she’s the dangerous Mrs. Hyde. On this year when we say farewell to Jerry Lewis, -who also knew how to deform R.L. Stevenson’t classic with The Nutty Professor-, the director of La France delivers his own version, that is also a film about school and the inherent difficulties of passing on knowledge. And so, it is only by becoming another woman that Mrs. Géquil will finally be able to have some effect on her students. The difficulties and hopes of today’s school world serve Bozon for raising the question of how in a real sense the internal changes we go through help us find what we’re looking for, and he does so within a story that is as amusing as it is dynamic and, of course, disturbing.

Serge Bozon Nació en 1972 en Francia. Trabajó como actor en películas de Pierre Léon, Mathieu Amalric y Ado Arrietta, entre otros. Dirigió las películas L’Amitié (1998), Mods (2002), La France (2007) y Tip Top (2012), todas programadas en diferentes secciones del Festival de Cannes. Eng He was born in France in 1972 and worked as an actor in films by Pierre Léon, Mathieu Amalric and Ado Arrietta, among others. He directed the films L’Amitié (1998), Mods (2002), La France (2007) and Tip Top (2012), all of them programmed in different sections of the Cannes Film Festival.

Francia - France, 2017 / 95’ / DCP / Color / Francés - French D: Serge Bozon G: Axelle Ropert, Serge Bozon F: Céline Bozon E: Françoise Quiqueré DA: Laurie Colson S: Renaud Guillaumin, Valène Leroy P: David Thion, Philippe Martin CP: Les Films Pelléas, Frakas Productions I: Isabelle Huppert, Romain Duris, José García, Pierre Léon

Contacto / Contact mk2 Films Marie Tarascon T +33 0 144 673 256 E intlfest@mk2.com W mk2films.com /mk2films

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Napalm Claude Lanzmann visita Corea del Norte por tercera vez, y recuerda un episodio de su primer viaje, cuando en 1958 integró una delegación de intelectuales cercana al Partido Comunista Francés (Chris Marker era parte de ella). Durante esa estadía, Lanzmann se enamoró de una enfermera, pero la relación transcurrió bajo estricta vigilancia del régimen. A los noventa años, el realizador lo cuenta casi con las palabras exactas de La liebre de la Patagonia, su autobiografía publicada en 2009. Sin embargo, no es lo mismo leer la historia que ver a Lanzmann repetirla con el anhelo de un viejo que revive la urgencia y los matices del erotismo. Pero hay una vuelta más (y Lanzmann se encarga de repetirlo): está haciendo cine. Es decir, está interpretando a un anciano parecido a sí mismo que recupera un momento dorado de su juventud. El resultado es una experiencia cinematográfica fascinante. Quintín

Claude Lanzmann visits North Korea for the third time, and remembers an event from his first trip when, in 1958, he was part of a delegation of intellectuals with ties to the French Communist Party (whose membership included Chris Marker). During that stay, Lanzmann fell in love with a nurse, but the relationship ended under strict surveillance of the regime. At 90, the filmmaker tells it with almost the exact words in The Patagonian Hare: A Memoir, his autobiography published in 2009. However, reading the story is not the same as seeing Lanzmann repeating it with the yearning of an old man reviving the urgency and aspects of eroticism. But there is one more twist (and Lanzmann repeats it): he is making film. That is to say, he is playing an old man who looks like himself and recovers a golden moment from his youth. The end result is a fascinating cinematic experience. Q

Claude Lanzmann Nació en Francia en 1925. Director, guionista, productor y periodista, escapó de la ocupación alemana en 1940. Desde 1986 es el editor de la revista Les Temps Modernes. Realizó, entre otras, la emblemática Shoah (1985), Le Rapport Karski (2010) y El último de los injustos (2013, 28º Festival). Eng Born in France in 1925, he is a director, screen writer, producer and journalist. He escaped from the German occupation in 1940. Since 1986, he has been the editor the magazine Les Temps Modernes. He has directed, among others, the landmark film Shoah (1985), The Karski Report (2010) and The Last of the Unjust (2013, 28th Festival).

Francia - France, 2017 / 100’ / DCP / Color / Francés - French D: Claude Lanzmann F: Caroline Champetier E: Chantal Hymans S: Camille Lotteau P: François Margolin CP: Margo Cinéma, Orange Studio

Contacto / Contact Orange Studio Aida Benelkhadir T +33 631 685 405 E aida.benelkhadir@ orange.com

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Outrage: Coda Kitano siempre vuelve. Aunque esta vez lo hace para despedirse de su saga Outrage. Las películas del realizador sobre la yakuza (la mafia japonesa) siempre fueron historias crepusculares; gánsteres en salida, a punto de enfrentarse a traiciones y misiones que siempre podrían ser las últimas. Pero también fueron ejercicios estilizados sobre el género y sus imágenes icónicas. En esa extraña mezcla de corazón y estilo, sumada a la actuación zen de Kitano, se encuentra el secreto de la obra del realizador. En Outrage: Coda, el personaje interpretado por Beat Takeshi se encuentra en la isla de Jeju en Corea del Sur trabajando para un nuevo jefe, sin mayores sobresaltos, hasta que la aparición de un mafioso de otro clan hará que las cosas cambien, por supuesto, para mal. El final, a puros tiros, sangre y violencia, está a la altura de la leyenda de este gánster de rostro impávido. Marcelo Alderete

Kitano always returns. Although this time it is to say goodbye to his Outrage saga. The director’s films about the yakuza (the Japanese mafia) have always been crepuscular tales; gangsters on their way out, about to face betrayal and missions that could be their last. But they were also stylized exercises of genre and its iconic images. In this strange blend of heart and style, coupled with Kitano’s Zen performance, lies the secret to the director’s oeuvre. In Outrage: Coda, the character played by Beat Takeshi is in the Jeju island in South Korea working uneventfully for a new boss until the appearance of a mobster from another clan makes things change, for the worst, of course. The ending, filled with gunfire, blood and violence, is on par with the legend of this straight-faced gangster. MA

Takeshi Kitano Nació en Tokio en 1947. Figura clave del cine japonés contemporáneo, es actor, comediante de TV, escritor, pintor y poeta. Debutó como director con Violent Cop (1989), a la que le siguieron, entre otras, Flores de fuego (1997), El verano de Kikujiro (1999), Aquiles y la tortuga (2008, 23º Festival), Outrage (2010, 25º Festival) y Ryuzo y sus siete secuaces (2015, 30º Festival). Eng Born in Tokyo in 1947, he is a key figure in contemporary Japanese cinema. He is an actor, television comedian, writer, painter and poet. He debuted as a director with Violent Cop (1989), which was followed by, among others, Fireworks (1997), Kikujiro (1999), Achilles and the Tortoise (2008, 23rd Festival), Outrage (2010, 25th Festival) and Ryuzo and His Seven Henchmen (2015, 30th Festival). Japón - Japan, 2017 / 104’ / DCP / Color / Japonés / Coreano - Japanese / Korean D, G, E: Takeshi Kitano F: Katsumi Yanagijima DA: Norihiro Isoda S: Yoshifumi Kureish P: Masayuki Mori, Takio Yoshida CP: Bandai Visual, Tv Tokyo, Warner Bros. Pictures Japan, Tohokushinsha Film Corporation, Office Kitano I: Beat Takeshi, Toshiyuki Nishida, Nao Omori, Pierre Taki, Yutaka Matsushige

Contacto / Contact Celluloid Dreams T +33 149 700 370 E info@celluloid-dreams. com

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Piazza Vittorio Abel Ferrara nació en el Bronx neoyorquino, pero estuvo ligado desde siempre a Italia y a los italianos. Tras Napoli, Napoli, Napoli y Pasolini, filmó Piazza Vittorio, pintoresco registro sobre la historia y el presente de la plaza más grande, populosa y cosmopolita de Roma. Un barrio caótico, un poco roñoso, que fue elegido por el propio director y su amigo Willem Dafoe (ambos aparecen en pantalla) para vivir. La zona es un modelo de convivencia multiétnica y religiosa, ya que está llena de africanos, de indios y paquistaníes, de latinoamericanos, de chinos e inmigrantes de muchas otras regiones. Por supuesto, no faltan los italianos que se quejan de la “invasión extranjera”, pero a su vez disfrutan de la comida, la música, las costumbres y los trabajos (que ellos mismos no quieren hacer) que aportan los extranjeros. Un recorrido por bulliciosas calles (y las historias de vida) donde la convivencia puede resultar bastante alegre y armónica. Diego Batlle

Abel Ferrara was born in the Bronx, in New York, but has always been linked to Italy and Italians. After Napoli, Napoli, Napoli and Pasolini, he shot Piazza Vittorio, a picturesque film about the history and the present of the largest, most crowded and most cosmopolitan squares in Rome. A chaotic, somewhat filthy neighborhood that was chosen by the director himself and his friend Willem Dafoe –both appear on screen– to live in. The area is a model of multi-ethnic and religious coexistence, given that it is filled with Africans, Indians and Pakistanis, Latin Americans, Chinese, and immigrants from many other regions. Of course we can find Italians that complain about the “foreign invasion,” but, at the same time, enjoy the food, the music, the customs and the work (which they themselves don’t want to do) the foreigners provide. A walk around crowded streets (and life stories) where coexistence can be joyful and harmonious. DB

Abel Ferrara Nació en Nueva York en 1951. Dirigió numerosos films, incluidos The Driller Killer (1979), Un maldito policía (1992), El funeral (1996), Mary (2005, 21° Festival) y Pasolini (2014, película de apertura del 29º Festival). También dirigió documentales como Chelsea on the Rocks (2008, 23° Festival), videoclips y series de TV como División Miami. Eng Born in New York in 1951, he has directed numerous films including The Driller Killer (1979), Bad Lieutenant (1992), The Funeral (1996), Mary (2005, 21st Festival) and Pasolini (2014, opening film at the 29th Festival). He has also directed documentaries such as Chelsea on the Rocks (2008, 23rd Festival), music videos and television series such as Miami Vice. Italia / Estados Unidos - Italy / USA, 2017 / 69’ / DCP / Color / Italiano / Inglés - Italian / English D: Abel Ferrara E: Fabio Nunziata

Contacto / Contact Minerva Pictures T +39 0 684 242 430 E info@ minervapictures.com w minervapictures.com

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The Dead Nation Tara moarta / La nación muerta The Dead Nation es un ensayo documental que muestra la impresionante colección de imágenes tomadas por el fotógrafo Costica Axinte en una pequeña ciudad rumana durante los años 1930 y 1940. La banda sonora, compuesta sobre todo por extractos del diario de un médico judío de la misma época, nos dice de qué tratan realmente las fotografías: el surgimiento del antisemitismo y, finalmente, una desgarradora descripción del Holocausto rumano, un tema que rara vez se habla en la sociedad rumana contemporánea. Luego de Scarred Hearts (ganadora del premio a la Mejor Dirección en la edición pasada del Festival de Mar del Plata), Radu Jude vuelve a explorar el pasado de la historia de Rumania, y lo hace recreando una época. Pero esta vez no desde la ficción, sino desde la documentación de un momento en el que la historia de su país, y del mundo, cambiaba para siempre. Marcelo Alderete

The Dead Nation is a documentary essay that shows the impressive collection of images taken by photographer Costica Axinte in a small Romanian city between 1930 and 1940. The soundtrack, made up mainly of extracts from the journal of a Jewish doctor of that time, tells us what the photographs are really about: the emergence of anti-Semitism and, finally, a heartrending description of the Romanian Holocaust, a subject rarely spoken of in contemporary Romanian society. After Scarred Hearts (winner the of the Best Director award at the previous edition of the Mar del Plata Festival), Rady Jude explores once more Romania’s history, and does so by recreating an era. However, this time he doesn’t do it through fiction, but rather through the documentation of a moment when the history of his country, and that of the world, changed forever. MA

Radu Jude Nació en Bucarest, Rumania, en 1977. Comenzó su carrera cinematográfica asistiendo a directores como Costa-Gavras y Cristi Puiu. Dirigió, entre otros, los largos Aferim! (2015) y Scarred Hearts (2016, Astor de Plata a Mejor Director y premios ADF y Signis en el 31º Festival). Eng He was born in Bucarest, Romania, in 1977. He started his film career assisting such directors as Costa-Gavras and Cristi Puiu. He directed, among others, the features Aferim! (2015) and Scarred Hearts (2016 Silver Astor for Best Director and ADF and Signis awards at the 31st Festival).

Rumania - Romania, 2017 / 83’ / DCP / B&N / Rumano - Romanian D, G: Radu Jude F: Costică Acsinte E: Cătălin Cristuțiu S: Dana Bunescu P: Ada Solomon CP: Hi Film Productions

Contacto / Contact Hi Film Productions Ada Solomon T +40 212 524 867 E office@hifilm.ro ilinca.belciu@ gmail.com W hifilm.ro /taramoarta

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Thirst Street Luego del suicidio de su novio, Gina se encierra en la rutina siempre inquieta de su trabajo como azafata. Durante una noche libre en París, impulsada por una compañera a intentar conocer a alguien nuevo, tiene un romance ocasional con el seductor Jerome, conexión que él ignorará a la mañana siguiente pero por la que ella sentirá algo especial. El enamoramiento de Gina no tardará en convertirse en una obsesión, y tratará de conseguir la atención no correspondida de su amante hasta las últimas consecuencias. La nueva película de Nathan Silver no se presta al impulso de retratar la manía de su protagonista sin considerar la vulnerabilidad que la origina, resistiéndose a caer en los clichés sexistas del stalker thriller, y permite que los colores, las luces y los cuerpos conformen la atmósfera adecuada para una historia que recorre los rincones más oscuros de la mente.

After her boyfriend’s suicide, Gina locks herself in the always restless routine of her work as a flight attendant. During a night off in Paris, and pushed by a workmate to try to meet someone new, she has a casual affair with the seductive Jerome, a hook up that he will ignore the morning after, but that will cause her to feel something special. It won’t be long until Gina’s infatuation becomes an obsession, and she will try to get the unrequited attention of her lover come hell or high water. The new film by Nathan Silver doesn’t portray its main character’s mania without considering the vulnerability that it originates from, resisting the sexist clichés of the stalker thriller, allowing colors, lights and bodies to form the right atmosphere for a story that travels through the darkest corners of the mind.

Nathan Silver Nació en Massachusetts en 1983 y se graduó en la Tisch School for the Arts. Dirigió varios largometrajes, como Exit Elena (2012), Soft in the Head (2013), Uncertain Terms (2014) y Stinking Heaven (2015). Su corto Riot (2015) fue proyectado en el 30º Festival y su anteúltima película, Actor Martinez (2016), en el 31º Festival.Eng He was born in Massachusetts in 1983 and graduated from the Tisch School for the Arts. He directed many features, such as Exit Elena (2012), Soft in the Head (2013), Uncertain Terms (2014), and Stinking Heaven (2015). His short Riot (2015) was shown at the 30th Festival, and his penultimate film, Actor Martinez (2016), at the 31st Festival. Francia / Estados Unidos - France / USA, 2017 / 83’ / DCP / Color / Francés / Inglés - French / English D: Nathan Silver G: Nathan Silver, C. Mason Wells F: Sean Price Williams E: Hugo Lemant, John Magary DA: Anna Brun S: Arjun G. Sheth M: Paul Grimstad P: Louise Bellicaud, Claire CharlesGervais, Josh Mandel, C. Mason Wells, Ruben Amar, Katie Stern, Joshua Blum, Matthew Ellison, David Solal, Elsa Leeb, Jordan Goldnadel CP: In Vivo Films, Industry Standard Films, Maudit, Papermoon Films, Washington Square Films, Yellow Bear Films, Tim Films, The Third Generation I: Lindsay Burdge, Damien Bonnard, Esther Garrel, Lola Bessis, Jacques Nolot, Françoise Lebrun

Contacto / Contact Stray Dogs Lison Hervé T +33 0 182 284 215 E lison@stray-dogs.com W stray-dogs.biz

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Tres avisos por un crimen Three Billboards Outside Ebbing, Missouri Es realmente difícil sentir empatía por los personajes principales de esta tercera genialidad del director de Escondidos en Brujas y Siete psicópatas. Por supuesto, es algo buscado: si el humor negro ya era un deporte que practicaba con fuerza olímpica, aquí profundiza su arte hasta límites insospechados. Los tres avisos del título se refieren a la única forma que una madre desolada encuentra para reclamarle al sheriff la falta de resultados en la búsqueda del asesino de su hija. Los carteles desatarán un infierno grande en ese pueblo chico, al despojar a todos de falsas amabilidades, correcciones políticas o, en muchos casos, valores morales “clásicos”. Cambiando de tono y humor, este feroz y virtuoso cóctel se debate constantemente entre la carcajada y la compasión por esos personajes despojados de pruritos. Sin dudas, una de las mejores películas del año. Reírse nunca dio tanta culpa.

It is really difficult to feel empathy for the main characters of this third work of genius from the director of In Bruges and Seven Psychopaths. Of course, it’s intentional: if black humor was already a sport he practiced with Olympic strength, here he furthers his art to astounding levels. The “three billboards” of the title refers to the only way a devastated mother finds to complain to the sheriff about the lack of results in the search for the person who murdered her daughter. The billboards will unleash some big hell in that small town, depriving everyone of false courtesy, political correctness and, in many cases, “classic” moral values. Shifting tone and humor, this ferocious, virtuous cocktail struggles constantly between laughter and compassion for those characters devoid of any kind of filter. Without a doubt, one of the best films of the year. Laughing has never made you feel this guilty.

Martin McDonagh Nació en Inglaterra en 1970. Director, guionista y dramaturgo, realizó, entre otras, Escondidos en Brujas (2008) y Siete psicópatas (2012). Tres avisos por un crimen tuvo su premiere en el Festival Internacional de Cine de Venecia y ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Eng Born in England in 1970, he is a director, screenwriter and playwright. His films include In Bruges (2008) and Seven Psychopaths (2012). Three Billboards Outside Ebbing, Missouri premiered at the Venice International Film Festival and won the audience award at the Toronto International Film Festival. Reino Unido - UK, 2017 / 115’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Martin McDonagh F: Ben Davis E: Jon Gregory DA: Jesse Rosenthal, Inbal Weinberg S: Joakim Sundström M: Karen Elliott, Chris Piccaro P: Graham Broadbent, Peter Czernin, Martin McDonagh I: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage, Abbie Cornish

Contacto / Contact 20th Century Fox Argentina E cecilia.bianchini@ fox.com W international.mementofilms.com

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Visages Villages Faces Places / Caras lugares Recorriendo la campiña francesa en una camioneta transformada en un laboratorio fotográfico improvisado, Agnès Varda y el artista callejero conocido como JR se dedican a tomar fotos de personas cuyos rostros no se ven habitualmente en cine. Obreros, ex mineros, mucamas, todos se ofrecen a que sus facciones sean impresas en gigantescas fotografías que forman collages en paredes y fachadas. En su primera película codirigida, Varda se dedica a explorar Francia y su propia vida, en un periplo que incluye visitas a ex amigos de la Nouvelle Vague, una cita tensa con Godard, tumbas célebres, y hasta la centogenaria abuela de JR. A los 89 años, la consagrada directora y fotógrafa demuestra con Visages Villages que sigue viva y trabajando, y nos regala una idea tan valiosa como necesaria: que no hace falta ser una persona torturada y perversa para ser un gran artista.

Traveling around the French countryside in a van transformed into a photo lab, Agnès Varda and the street artist known as JR take pictures of people with faces you do not usually see on film. Workers, former miners, maids: all of them let their features be imprinted in enormous photographs that make up collages on walls and façades. In her first co-directed film, Varda explores France as well as her own life, in a journey that includes interviews with former French New Wave friends, an awkward encounter with Godard, famous tombs, and even JR’s hundred-year-old grandmother. At 89, the renowned director and photographer shows, with Faces Places that she is still alive and working, and gives us an idea as valuable as it is necessary: that you don’t have to be a tortured, perverse person in order to be a great artist.

Agnès Varda & JR Nació en 1928 en Bruselas. Inició su carrera como fotógrafa. Realizadora emblema de la Nouvelle Vague, dirigió, entre otras, Cléo de 5 a 7 (1961, proyectada en el 12º Festival), Las criaturas (1966), Sin techo ni ley (1985, 27º Festival) y Las playas de Agnès (2008, 23º Festival). JR es artista callejero y cineasta. Dirigió varios cortometrajes y el documental Women Are Heroes (2010). Eng She was born in Brussels in 1928, and began her career as a photographer. An important figure of the French New Wave her films include Cleo from 5 to 7 (1961, shown at the 12th Festival), The Creatures (1966), Vagabond (1985, 27th Festival) and The Beaches of Agnès (2008, 23rd Festival). JR is a street artist and filmmaker. He has directed various short films, as well as the doucmentary Women Are Heroes (2010). Francia - France, 2016 / 89’ / DCP / Color / Francés - French D: Agnès Varda, JR F: Claire Duguet E: Agnès Varda, Maxime Pozzi S: Olivier Goinard P: Rosalie Varda CP: Cine Tamaris, Social Animals I: Agnès Varda, JR

Contacto / Contact IFA Cinema E ifa@fibertel.com.ar W ifacinema.com.ar /CohenMediaGroup @CohenMediaGroup

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Wonderstruck Adaptación del libro de Brian Selznick, Wonderstruck cuenta

Adapted from the book by Brian Selznick, Wonderstuck tells

dos historias en paralelo separadas por cincuenta años, y protagonizadas por niños en distintas épocas de la ciudad de Nueva York. En 1927, una chica sorda de clase alta decide huir de casa en búsqueda de su madre –una actriz famosa al estilo de Lillian Gish– en una aventura con ecos de Chaplin. En 1977, un chico llamado Ben también se escapará, para encontrar a su padre que nunca conoció, a una Manhattan convertida en la ciudad de la furia del post Vietnam. La película más mainstream de Todd Haynes lo es en el mejor sentido de la palabra. Con su amor por el cine y la historia, Wonderstruck recupera el espíritu ATP del cine familiar de los años 70 al mismo tiempo que toma esa Nueva York del joven Scorsese (que ya hizo su propia adaptación de Selznick con Hugo) para generar sensaciones parecidas a las que nos dieron las primeras películas de Spielberg, y lograr una coming of age mágica y perfecta.

two parallel stories separated by fifty years, with two children from different eras of the city of New York. In 1927, a deaf girl from a high class home runs away in search of her mother –a famous actress in the style of Lillian Gish– in an adventure with echoes of Chaplin. In 1977, a boy called Ben also escapes from his home, in order to find the father he never knew, in a Manhattan transformed into the desolate urban landscape of post-Vietnam. This is most mainstream of Todd Haynes’ film, in the best sense of the word. With his love for the cinema and for history, Wonderstruck recovers the PG spirit of family films of the 1970s, at the same time that it takes the New York of the young Scorsese (who also adapted Selznick with Hugo) to create sensations similar to those that we felt with the first films of Spielberg, and achieve a magical and perfect coming of age.

Todd Haynes Nació en 1961 en California, Estados Unidos. Considerado pionero del New Queer Cinema, construyó una obra cinematográfica que dialoga con temáticas de la comunidad LGBTI. Entre sus películas más importantes se destacan Velvet Goldmine (1998), I’m Not There (2007) y Carol (2015), ganadora de la Queer Palm en el Festival de Cannes. Eng Born in California, U.S., in 1961, he is considered a pioneer of the New Queer Cinema, having built up a film career that establishes a dialogue with themes from the LGBTI community. Among his most important films are Velvet Goldmine (1998), I’m Not There (2007) and Carol (2015), winner of the Queer Palm at Cannes.

Estados Unidos - USA, 2017 / 117’ / DCP / Color - B&N / Inglés - English D: Todd Haynes G: Brian Selznick F: Ed Lachman E: Affonso Gonçalves M: Carter Burwell P: Christine Vachon, Pam Koffler, John Sloss CP: Killer Films, Cinetic Media I: Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Millicent Simmonds, Jaden Michael, Tom Noonan

Contacto / Contact The Swen Group Inc Eli Lipnik T + 55 11 3171 3030 E info@swengroup.us W www.swengroup.us www.wonderstruckmovie. com

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Hello, Horse! Zirdin, Hallo! / ¡Hola, caballo! La biografía de Laila Pakalnina, nacida en Liepaja, Letonia, en 1962, no es diferente de la de muchos cineastas. Salvo porque su primer sueño fue ser vendedora de helados, hasta que descubrió que la profesión de cineasta era mucho mejor. Sin embargo, al recorrer su extensa filmografía –31 títulos hasta ahora, entre cortos y largometrajes, documentales y de ficción– nos damos cuenta de que hay pocos cineastas como ella, y no solo por su prolífica obra. En vez de crear un universo, Pakalnina lo encuentra en el mundo que la rodea y lo retrata con cariño y sin estridencias. Como ocurre en su –por ahora– último cortometraje Hello, Horse!, en el que, a través de los paisajes que se transitan al recorrer una ruta cerca de la frontera oriental de Letonia, vemos a personas, animales y ruidosos vehículos que la atraviesan, mientras van cambiando las estaciones. El cine de Pakalnina no es más –ni menos– que nuestro mundo, pero visto a través de su cámara y sus ojos. Marcelo Alderete

The biography of Laila Pakalnina, born in Liepaja, Latvia, in 1962, is not unlike that of many filmmakers, except for the fact that her first dream was to become an ice-cream saleswoman, until she discovered that the filmmaking profession was much better. However, when going through her extensive filmography –31 titles to date, between shorts and features, documentaries and fictions–, we realize that there are few filmmakers like her today, and not only for her prolific oeuvre. Instead of creating a universe, Pakalnina finds it in the world around her and depicts it with affection and without stridency. As in her most recent short film Hello, Horse!, in which we see, in the landscapes covered when traveling through a road near Latvia’s eastern border, people, animals and noisy vehicles passing by as seasons change. Pakalnina’s cinema is nothing more –and nothing less– than our world, only seen through her camera and her eyes. MA

Laila Pakalnina Se graduó en 1991 en el Instituto de Cine de Moscú (VGIK). Como guionista y realizadora dirigió documentales, cortometrajes y largometrajes de ficción. Sus películas se han proyectado en festivales internacionales de la talla de Cannes, Venecia y Locarno, recolectando numerosos premios. Eng She graduated from the Moscow Film Institute (VGIK) in 1991. As a writer-director, she made documentaries, short films and features. Her films have been screened at such international festivals as Cannes, Venice and Locarno, winning many awards.

Letonia - Latvia, 2017 / 24’ / DCP / Color D, P: Laila Pakalnina F, E: Ivars Burtnieks S: Anrijs Krenbergs

Contacto / Contact Hargla Company T +371 29 235 618 E laila.pakalnina@ inbox.l /zirdzinhallo

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Où en êtes-vous, João Pedro Rodrigues? Where Do You Stand Now, João Pedro Rodrigues? / ¿Dónde estás ahora, João Pedro Rodrigues? Este trabajo por encargo del Centro Pompidou es un autorretrato lírico que ofrece un complemento importante y explícitamente autobiográfico de O ornitólogo. Mezclando archivo de películas familiares con paseos solitarios y recuerdos del inicio de su carrera y la sociedad con João Rui Guerra da Mata, el nuevo film de Rodrigues mira hacia atrás desde la ventaja de la mediana edad para meditar acerca de las personas y experiencias que ayudaron a forjar su visión y su voz. Siguiendo la migración de la mariposa monarca, y huyendo del frío norteamericano para pasar el invierno en las plácidas montañas de Michoacán en México, esta es una película que erra por las costas heladas del lago Walden en Concord, Nueva Inglaterra, el pueblo donde Henry David Thoreau y Nathaniel Hawthorne se miraron en silencio, bajo la nieve en el cementerio Sleepy Hollow.

Commissioned by the Centre Pompidou, this is a lyrical selfportrait that offers an important and explicitly autobiographical complement to The Ornithologist. Intermingling home movie footage with solitary wanderings and memories of his early career and partnership with João Rui Guerra da Mata, Rodrigues’ new film looks back from the vantage of mid life to meditate on the people and experiences that helped shape his vision and voice. Following the migration of the Monarch butterfly, fleeing the North American’s cold to spend winter in the pleasant mountains of Michoacán in Mexico, this is a wandering film through lake Walden’s frozen banks in Concord, New England, the town where Henry David Thoreau and Nathaniel Hawthorne look at each other in silence, under the snow in Sleepy Hollow Cemetery.

João Pedro Rodrigues Nació en Lisboa en 1966 y, tras graduarse en cine en esa ciudad, dirigió el corto Parabéns! (1997), ganador del Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia. Realizó, entre otras, Odete (2005, 21º Festival), Morir como un hombre (2009) y el mediometraje Iec Long, codirigido con João Rui Guerra da Mata (2014, 30º Festival). Eng He was born in Lisbon in 1966 and, after graduating in film in that city, he directed the short film Happy Birthday! (1997), winner of the Special Jury Prize at the Venice Film Festival. He made, among other films, Two Drifters (2005, 21st Festival), To Die Like a Man (2009) and the mid-length Iec Long, codirected with João Rui Guerra da Mata (2014, 30th Festival). Portugal / Francia - Portugal / France, 2017 / 21’ / DCP / Color / Portugués / Inglés - Portuguese / English D, G: João Pedro Rodrigues F: João Pedro Rodrigues, Jacob Wiener, José Magro, João Rui Guerra da Mata, Amândio Coroado E: ão Pedro Rodrigues, Tomás Paula Marques S: Nuno Carvalho P: João Pedro Rodrigues CP: Le Centre Pompidou, Filmes Fantasma, Le Fresnoy I: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata

Contacto / Contact Agencia - Portuguese Short Film Agency Salette Ramalho T +351 252 646 683 E agencia@curtas.pt liliana@curtas.pt W curtas.pt/agencia

PANORAMA AUTORES — Auteurs

Fajr Una obra de doce minutos de hipnótico e inconmensurable

A 12-minute work of a hypnotic, immense heart, and a

corazón, y un ejercicio de belleza mesmerizante que embriaga el tránsito –o, mejor, el tiempo suspendido– de la noche al amanecer en el desierto, escenario de depuración de los espíritus y de alargamiento en vertical de la poética de los espacios. Dos figuras humanas se levantan hieráticas en un mar de arena y de silencio marroquí. Y, aunque ese tour de force con la meditación y el vértigo va a ser enervado por el fajr (que significa tanto “amanecer” como “cántico musulmán de llamada a la oración”, único sonido que fragmenta el del viento en la película), no puedo evitar la asociación de este lugar sin límites de Fajr, de las figuras en consunción, con otra mímesis reciente de seres espirituales con el espacio que moran: el de Silencio de Scorsese. Allí estaban en clave católica y narrativa, pero en absoluto distantes de la evanescencia del aire y los sueños de esta obra de Lois Patiño, finalmente agua y sueño en un tránsito bellísimo y onírico que revoca el desierto en su némesis. José Luis Losa

mesmerizing exercise in beauty that inebriates the transition –or, better yet, the suspended time– from night to dawn in the desert, the scenery of the purification of spirits and the vertical lengthening of the poetic of spaces. Two human figures rise up hieratically in a Moroccan sea of sand and silence. And even if that tour de force with meditation and vertigo will be weakened by the fajr (which means “dawn” as well as “the Muslim canticle that calls for prayer,” the only sound that fragments that of the wind in the film), I can’t help but link this borderless place in Fajr, of the figures in consumption, to another recent mimesis of spiritual beings with the space they dwell in: that of Scorsese’s Silence. There, they were present in a Catholic, narrative key, but absolutely not far from the evanescence in the air and the dreams of this work by Lois Patiño, finally water and sleep in a beautiful, dreamlike transit that the desert reverses upon its nemesis. JLL

Lois Patiño Nació en 1983 en Vigo. Estudió psicología y cine. Dirigió varios cortometrajes, el largo Costa da morte (2013), que le valió un premio a Mejor Director Emergente en Locarno, y la videoinstalación Estratos de la imagen (2015). Eng Born in Vigo in 1983, he studied psychology and film. He has directed many shorts, the feature length Costa da morte (2013), for which he won an award for Best Emerging Director at Locarno, and the video installation Estratos de la imagen (2015).

España / Marruecos - Spain / Morocco, 2017 / 12’ / DCP / Color - B&N D, G, F, E, S, P: Lois Patiño M: Adhan

Contacto / Contact Lois Patiño T +34 652 315 417 E loispatinho@ gmail.com W loispatino.com

Nuevos Autores — New Auteurs

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3/4 Fuck You Jessica Blair Hannah Il monte delle formiche Les Garçons Sauvages Ouroboros Person to Person Sicilian Ghost Story The Charmer Verão danado

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PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

3/4 3/4 gira en torno a la ausencia de la pareja y las recompensas de la perseverancia. Todor, un padre que cría a dos hijos en la Bulgaria suburbana, enfrenta la partida de su hija mayor, Mila, una estudiante de piano que se prepara para una importante audición en Alemania, mientras que Niki, su hijo menor, desperdicia el verano entre ataques benignos de humor juvenil y angustia adolescente. El trasfondo es escaso: más allá de una referencia a la madre ausente de los chicos sobre el comienzo, nunca se la ve ni se habla de ella; Todor, un astrofísico, se preocupa por sus hijos pero se lo ve más cómodo cuando interactúa con un colega menor que él. Metev, quien hasta ahora había trabajado dentro del terreno de la no ficción, tiene una extraordinaria sensibilidad para la dinámica familiar: Niki y Mila charlan y se molestan mutuamente de forma impresionantemente natural, mientras que sus frustraciones frente a la actitud laissez-faire de Todor se manifiestan en sutiles muestras de resentimiento. Metev lleva adelante esta narración modesta con seguridad, composiciones inventivas y un uso sugestivo del fuera de campo. Jordan Cronk

3/4 hinges on the absence of a partner and the rewards of perseverance. Raising two children in suburban Bulgaria, single father Todor is facing the departure of his eldest, Mila, a piano student preparing for a big audition in Germany, while his younger son, Niki, idles away the summer through benign fits of juvenile humor and adolescent angst. Backstory is sparse: beyond an early reference to the children’s absent mother, she’s never seen or discussed; Todor, an astrophysicist, cares deeply for his children but seems to more comfortably interact with a junior colleague. Metev, who up to now has worked in nonfiction, has an extraordinary sensitivity for family dynamics; Niki and Mila converse with and annoy one another with an impressively natural rapport, while their frustrations with Todor’s laissez-faire attitude manifest in subtle displays of resentment. Metev confidently arranges this modest narrative around inventive compositions and the suggestive use of offscreen space. JC

Ilian Metev Nació en Sofía, Bulgaria, en 1981 y se crio en Alemania. Es egresado de la Escuela Nacional de Cine y Televisión del Reino Unido. Dirigió el cortometraje Goleshovo (2008) y el largometraje documental Sofia’s Last Ambulance (2012), que tuvo su estreno en la Semana de la Crítica en Cannes. Eng Born in Sofia, Bulgaria in 1981, and raised in Germany, he graduated from the UK National Film and Television School. He directed the short film Goleshovo (2008) and the feature-length documentary Sofia’s Last Ambulance (2012) which premiered at the Critics’ Week in Cannes.

Bulgaria, 2017 / 82’ / DCP / Color / Búlgaro - Bulgarian D, E: Ilian Metev G: Ilian Metev, Betina Ip F: Julian Atanassov S: Mirko Reinhard P: Ingmar Trost, Ilian Metev CP: Sutor Kolonko, Chaconna Films I: Mila Mihova, Nikolay Mashalov, Todor Velchev, Simona Genkova, Kaloyan Georgiev

Contacto / Contact Artscope, Memento Films Internationa T +44 773 258 0813 +97 254 544 4493 E sales@ memento-films.com W sata@ memento-films.com

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Fuck You Jessica Blair El coming of age es un subgénero que se caracteriza por presentar algún evento trascendente que hace madurar por la fuerza a sus protagonistas. O, al menos, cambiarlos de lugar. Fuck You Jessica Blair es una excepción a estos códigos evolutivos: una dupla de mejores amigas postadolescentes se ven enredadas en preguntas sin respuestas mientras deambulan sin norte intercambiando frases banales. Discusiones eternas y laberínticas sobre la rabia de la culpa, la búsqueda de la identidad, el lugar de pertenencia y las elecciones sexuales. La ópera prima de Karni Haneman (directora, guionista, editora, productora y protagonista de esta comedia aséptica) relata una historia quieta a través de una narrativa pausada. Entre situaciones extrañas, como una bicicleta que parece llover del cielo, las desorientadas jóvenes se topan con un par de chicos en un paisaje israelí tan abierto y desolado como sus certezas del mañana.

The “coming of age” is a sub-genre that is characterized by a transcendent event that leads to the main character’s maturation through the force of her or his efforts, or at least to a change of her or his place in the world. Fuck You Jessica Blair is an exception to these evolutionary codes: a couple of post-adolescent best friends find themselves tangled in questions without answers while they ramble with no destination, exchanging banal comments. They carry on with never-ending, labyrinth-like arguments about the anger of guilt, the search for identity, a place of belonging and decisions about sexual preferences. This debut film by Karni Haneman (director, scriptwriter, editor, producer and actor in this aseptic comedy) tells a quiet story with a slow paced narrative. Moving through strange situations, like a bicycle that seems to rain down from the sky, these disoriented young women run into a couple of boys in an Israeli landscape that is as open and desolate as their certainty about the future.

Karni Haneman Nació en Israel en 1986 y se graduó del Departamento de Cine y TV de la Universidad de Tel Aviv, donde escribió y dirigió el cortometraje Stairway (2009). Está realizando un máster en la Royal Central School of Speech and Drama. Fuck You Jessica Blair es su primer largometraje. Eng Born in Israel in 1985, she is a graduate of the Film and Television department at Tel-Aviv University, where she wrote and directed the short film Stairway (2009). She’s pursuing her MFA at the Royal Central School of Speech and Drama. Fuck You Jessica Blair is her first film.

Israel, 2017 / 81’ / DCP / Color / Hebreo / Inglés - Hebrew / English D, G, P: Karni Haneman F: Mathias Zagoni E: Neta Braun, Karni Haneman S: Nati Taub M: Hilly Boimel I: Jessy Danner, Karni Haneman, Orr Sigoli, Guy German, Maya Maron

Contacto / Contact Karni Haneman T +44 773 258 0813 +97 254 544 4493 E karni.haneman@gmail. com W facebook.com/ FYouJessicaBlair karnihaneman @karnih /karni.haneman

PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

Hannah La historia comienza con Hannah despidiendo a su marido en la cárcel, y continúa con su camino mientras intenta llevar adelante una vida en soledad, enfrentando el desinterés de sus hijos y su entorno, los fantasmas del pasado y el peso ineludible de la angustia y la alienación que una rutina intensa no llega a controlar. Andrea Pallaro dispone una atmósfera inquieta y volátil para una interpretación impecable de Charlotte Rampling, quien transmite de manera sobria pero contundente la fragmentación en la identidad de su personaje, su búsqueda infructuosa de la empatía ajena, y la necesidad imperante de definir su rol familiar y de pareja; especialmente, la dirección en la que quiere llevar su propia vida. En cada uno de sus mínimos gestos y ademanes, la legendaria actriz es capaz de transmitir esos pesares de una manera poderosa.

The story begins with Hannah saying goodbye to her husband in jail, and continuing on her way while she tries to move forward with her solitary life, facing the indifference of her children and her surroundings, the ghosts of the past and the inescapable weight of the anguish and alienation that the intense routine of her life is unable to control. Andrea Pallaro lays out an unsettling and volatile atmosphere for an impeccable interpretation by Charlotte Rampling, who communicates with sobriety but forcefulness the fragmentation in her character’s identity, her fruitless search for the empathy of another, and the absolute necessity to define her role in her family and with her husband; and especially, the direction in which she wants to take her own life. In each one of her minimal gestures and movements, the legendary actress is capable of communicating those sorrows powerfully.

Andrea Pallaoro Nació en Trento, Italia. Se licenció en el Hampshire College antes de estudiar dirección de cine en el California Institute of the Arts. Dirigió el cortometraje Wunderkrammer (2008) y el largometraje Medeas (2013). Eng Born in Trento, Italy, he received a bachelor’s degree at Hampshire College before studying filmmaking at the California Institute of Arts. He directed the short film Wunderkrammer (2008) and the feature length Medeas (2013).

Italia / Francia / Bélgica - Italy / France / Belgium, 2017 / 93’ / DCP / Color / Francés - French D: Andrea Pallaoro G: Andrea Pallaoro, Orlando Tirado F: Chayse Irvin E: Paola Freddi DA: Marianna Sciveres S: Guilhem Donzel P: Andrea Stucovitz, John Engel, Clément Duboin CP: Partner Media Investment, Left Field Ventures, Good Fortune Films I: Charlotte Rampling, André Wilms

Contacto / Contact The Festival Agency Kim Reybaud T +33 954 904 863 E info@ thefestivalagency.com W thefestivalagency.com

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Il monte delle formiche The Mount of Ants / El monte de las hormigas Estamos en un área pequeña de los Apeninos donde cada año llegan enjambres de hormigas voladoras desde Italia y el centro de Europa para aparearse y morir. Se unen al igual que las voces que recitan textos de Goethe, Emery, Braibanti y Maeterlinck aparecen en la película: no por casualidad, sino porque todos ellos fueron mirmecólogos que, en el estudio de los insectos, encontraron una manera de pensar el ciclo universal de la vida y la muerte. De la misma forma natural, Palladino vuelve a sus probables maestros (desde Piavoli a Straub-Huillet y la poesía de Attilio Bertolucci) y usa la película para representar la idea de un análisis entomológico que le confía a la cámara la tarea de seguir a las hormigas en vuelo y acompañar a los fieles y los curiosos que participan en la procesión que celebra la natividad de María. Lorenzo Esposito (Extracto de texto publicado en PardoLive, 70º edición del Festival de Locarno)

We are in a small area of the Apennines where every year swarms of winged ants arrive from across Italy and central Europe to mate and die. They join together in the same way the voices from texts by Goethe, Emery, Braibanti and Maeterlinck are featured in the film: not by chance, but rather because they were famous myrmecologists, who in the study of these social insects found a way to think about the universal cycle of life and death. In the same natural way, Palladino refers back to his likely teachers (from Piavoli to Straub-Huillet and the poetry of Attilio Bertolucci) and uses the film to represent the idea of an entomological analysis that entrusts the camera with the task of following the ants in flight, and accompanying the faithful and curious who participate in the procession that celebrates the birth of Mary. LE (Extract from a text published in PardoLive, 70th Locarno Festival)

Riccardo Palladino Nació en Italia en 1982 y estudió cine en Bolonia. Es cineasta, ensayista y profesor. Su primer mediometraje documental Brasimone (2014) participó en Visions du Réel 2014 y en muchos otros festivales. Eng He was born in Italy in 1982, and studied film in Bologna. He is a filmmaker, essayist, and professor. His first mid-length documentary film Brasimone (2014) participated in Visions du Réel 2014, and many other festivals.

Italia - Italy, 2017 / 63’ / DCP / Color / Italiano / Francés / Alemán - Italian / French / German D: Riccardo Palladino F: Eugenio Barzaghi E: Riccardo Palladino, Carlotta Cristian S: Marco Neri, Alessandro Quaglio, Paolo Segat, Marco Fallon M: Benedetta Gelati, Miguel Negrão, Dave Seidel P: Riccardo Palladino, Lara Brucci, Luca Ricciardi CP: Cameramano, Minollo Film, RAI Cinema I: Franca Maurizzi

Contacto / Contact Lara Brucci T +39 338 878 4383 +39 327 162 1526 E cameraamano@ gmail.com /Il-Monte-delle-Formiche649676425205963

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Les Garçons Sauvages The Wild Boys - Los jóvenes salvajes Célebre por hacer del cortometraje un formato de libertad, originalidad y agitación, el director francés Bertrand Mandico presenta su debut en el largo, en el que plasma su fabuloso cóctel de surrealismo, experimentación y singularidad, esta vez puesto al servicio del cine de aventuras. Claro que, en sus manos, el género cinematográfico se subvierte bajo sus propias reglas. Pero también el género como identidad: Les Garçons Sauvages relata la travesía de un grupo de jóvenes que, por cometer un crimen, son condenados a servir al capitán de un barco que los lleva a una isla con características sobrenaturales, un paraíso hedonista que los modificará de manera insospechada. Mandico exprime las herramientas del cine creando un embrujo visual y sonoro de marcado erotismo y un bienvenido afán provocador.

Celebrated for having made the short film into a mode of liberty, originality and agitation, the French director Bertrand Mandico presents his debut feature length film, in which he materializes his fabulous cocktail of surrealism, experimentation and originality, this time put at the service of an adventure film. Of course, in his hands, the cinematographic genre is subverted to his rules. However, also, it is genre as identity: Les Garçons Sauvages tells of the journey of a group of young people who, for having committed a crime, are condemned to serve the captain of a boat who brings them to an island with supernatural characteristics, a hedonistic paradise that will change them in a suspicious manner. Mandico squeezes the tools of cinema to create a visual and sonorous spell of marked eroticism and a welcome provocative quest.

Bertrand Mandico Nació en 1971 y se graduó como animador en París. Dirigió varios cortos y mediometrajes que fueron seleccionados en festivales como Cannes y Venecia, y ganó premios en varios festivales internacionales. Les Garçons Sauvages es su primer largometraje. Eng He was born in 1971, and graduated as an animator in Paris. He directed many short- and medium-length films that were selected at festivals like Cannes and Venice, and won awards at many international festivals. Les Garçons Sauvages is his first feature film. Francia - France, 2017 / 110’ / DCP / Color - B&N / Francés - Inglés / French - English D, G: Bertrand Mandico F: Pascale Granel E: Laure Saint Marc DA: Bertrand Mandico S: Simon Apostolou M: Pierre Desprats, Hekla Magnusdottir P: Emmanuel Chaumet CP: Ecce Films I: Pauline Lorillard, Vimala Pons, Diane Rouxel, Anaël Snoek, Mathilde Warnier

Contacto / Contact Ecce Films Louise Rinaldi T +33 142 583 714 E rinaldi@eccefilms.fr W eccefilms.fr

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Ouroboros El título de la película refiere al signo que representa a una serpiente mordiéndose la cola, el símbolo que remite a la naturaleza cíclica de las cosas, a la idea del eterno retorno. Es la primera y una de las metáforas que la directora Basma Alsharif articula para plasmar un relato sugestivo y de marcado tono experimental sobre el conflicto palestino en la Franja de Gaza. Dividida en varios segmentos, señalados por títulos que aluden a distintos momentos del día, Ouroboros pone en pantalla a un hombre (interpretado por el artista italiano Diego Marcon) que se desplaza por distintas partes del mundo reflexionando sobre el amor y la pérdida. En esta travesía signada por el dolor y la búsqueda por entender a la humanidad en su abismo, hay un halo de melancolía sobre lo que fue, pero también una esperanza sobre lo que viene.

The title of the film refers to the sign of a serpent biting its own tail, the symbol that refers to the cyclical nature of things, to the idea of the eternal return. It is the first (and one of a number) metaphor that director Basma Alsharif articulates in order to convey a suggestive narrative, distinctly experimental in tone, about the Palestine conflict in the Gaza Strip. Divided into various segments, indicated by title cards that refer to different times of the day, Ouroboros shows a man, played by Italian artist Diego Marcon, who travels through different parts of the world reflecting upon love and loss. In this journey marked by grief and the search for understanding humanity in its abyss, there is an aura of melancholy about what used to be, but also some hope about things to come.

Basma Alsharif Nació en Kuwait en 1983 y creció en Francia y Estados Unidos. Hizo un máster en la Universidad de Illinois en 2007 y trabajó entre Gaza, El Cairo, Ammán, Beirut y Sharjah. Dirigió We Began by Measuring Distance (2009), Home Movies Gaza (2013), Deep Sleep (2014) y O, Persecuted (2014, 29º Festival). Eng Born in Kuwait in 1983, she was raised in France and the US. She received an MFA from the University of Illinois in 2007 and worked between Gaza, Cairo, Amman, Beirut and Sharjah. She directed We Began by Measuring Distance (2009), Home Movies Gaza (2013), Deep Sleep (2014) and O, Persecuted (2014, 29th Festival). Francia / Palestina / Bélgica / Qatar - France / Palestine / Belgium / Qatar, 2017 / 77’ / DCP / Color / Chinook / Inglés / Italiano - Chinook / English / Italian D, G, E, DA: Basma Alsharif F: Ben Russell S: Federico Chiari M: Yann Gourdon, Bunny People P: Eyal Sivan, Emilie Dudognon, Mohanad Yaqubi, Serge Kestemont CP: Momento ! , Ida.Ida, Idioms Film, Galerie Image Farès, Luna Blue I: Diego Marcon, Neemah Abu Ghena, Jessica Bellanger, Bo Gallerito, Sky Hoping

Contacto / Contact Momento ! Distribution Samia Labidi T +33 659 016 425 E samia.labidi.hanafi@ gmail.com W momento-films.com basmalsharif /basmalsharif ouroborosthefilm

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Person to Person De persona a persona Todo mosaico de Nueva York es un estándar ambicioso para el

Every mosaic of New York is an ambitious standard for

director que lo plantea, y más cuando se trata de un argumento con tantas historias. Dustin Guy Defa afronta el desafío con las herramientas y los intérpretes adecuados, y sobre todo con las búsquedas que determinan el destino de cada personaje en un mismo día de otoño: una particular edición de un vinilo de Charlie Parker, la resolución de un crimen, la redención después de una acción dañina o la exploración de la propia sexualidad. El director encuentra nuevas facetas para rostros reconocidos (Philip Baker Hall, Isiah Whitlock Jr., Michael Cera y Abbi Jacobson) y descubre posibilidades muy prometedoras en los papeles de Tavi Gevinson, George Sample III y Bene Coopersmith, conformando un ensamble de personajes que intentan encontrar sus identidades mientras siguen el pulso de la ciudad que habitan.

the director that lays it out, especially when its plot is made up of so many stories. Dustin Guy Defa faces the challenge with the right tools and performers and above all with the pursuits that determine the fate of each character during an autumn day -a particular vinyl edition of a Charlie Parker record, the solving of a crime, redemption after a harmful action or the exploration of one’s own sexuality. The director finds new facets to well-known faces (Philip Baker Hall, Isuah Whitlock Jr., Michael Cera and Abbi Jacobson) and discovers very promising possibilities in the roles played by Tavi Gevinson, George Sample III and Bene Coopersmith, forming an ensemble of characters trying to find their own identities while following the pace of the city they live in.

Dustin Guy Defa Actor, director y guionista norteamericano. Debutó en el largometraje con Bad Fever (2011), que formó parte del festival SXSW y fue incluida entre los mejores films de 2012 por The New Yorker. Dirigió varios cortometrajes, entre ellos Lost Turtle (2009), y Family Nightmare (2011) estrenado en Sundance. Eng He is an American writer, director and actor. He directed his feature debut, Bad Fever (2011), which is selected at SXSW and was named one of the best films of 2012 by The New Yorker. He directed several short films, including Lost Turtle (2009), and Family Nightmare (2011), which premiered at Sundance. Estados Unidos - USA, 2017 / 84’ / DCP / Color / Inglés - English D, G, E: Dustin Guy Defa F: Ashley Connor DA: Katie Hickman S: Danny Meltzer P: Toby Halbrooks, James M. Johnston, Sara Murphy CP: Human People I: Michael Cera , Abbi Jacobson , Tavi Gevinson

Contacto / Contact Celluloid Dreams T +33 149 700 370 E info@ celluloid-dreams.com

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Sicilian Ghost Story Cuento siciliano de fantasmas En la última película de los directores de Salvo (2013), nuevamente la historia se vincula –de alguna manera– con la mafia. Es claro que para Grassadonia y Piazza incorporar el entorno a su deriva cinematográfica implica siempre tener a la mafia como parte del paisaje del sur de Italia. Así, lo que comienza bellamente como el encuentro sutil, temeroso, cargado de nerviosismo y tensión entre dos compañeros de escuela va mutando en una historia de amor trágico. Inspirada en el caso de Giuseppe di Matteo, secuestrado durante meses por la mafia en 1993 para tratar de impedir que su padre obrase como informante de la Justicia en su contra, la potente relación de la pareja de enamorados funciona como fábula que se abre a lo fantástico. Esta apuesta a la abstracción (el inicio recuerda al de L’amico de famiglia, de Paolo Sorrentino) y la libertad para cruzar los géneros son datos que se agradecen en el ámbito del algo alicaído cine italiano contemporáneo. Fernando Juan Lima

In the latest film by the directors of Salvo (2013), the story is once again linked –in some way– to the mafia. It is clear that for Grassadonia and Piazza, including the environment in their cinematic drifting means always having the mafia as part of the landscape of southern Italy. And so, what starts beautifully as the subtle, fearful, nervous and tense reunion between two friends from school starts mutating into a tragic love story with magical or supernatural ingredients. Inspired by the case of Guiseppe di Matteo, kidnapped by the mafia for many months in 1993 to try to stop his father from giving testimony against them in court, the powerful relationship of both lovebirds works as a fable that opens up to the fantastic. Potent and lyrical, this wager on abstraction (the beginning reminds one of Paolo Sorrentino’s The Family Friend) and the freedom to cross genres are welcome in the somewhat weak panorama of contemporary Italian film. FJL

Fabio Grassadonia & Antonio Piazza Escribieron y produjeron el corto Rita. Su primer largometraje, Salvo (2013), ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica y el Prix Révélation en Cannes. También son consultores de guiones para instituciones europeas como la Berlinale Residency y el Next Step de la Semana de la Crítica. Eng They wrote and directed the short film Rita, and the feature-film Salvo (2013), which won the Grand Prix of the Critics’ Week and the Prix Révélation in Cannes. They are also script consultants for European Institutions like the Berlinale Residence and the Critics’ Week Next Step. Italia - Italy, 2017 / 120’ / DCP / Color / Italiano - Italian D, G: Fabio Gassadonia, Antonio Piazza F: Luca Bigazzi E: Cristiano Travaglioli DA: Laura Inglese S: Federico Amodio M: Anton Spielman P: Nicola Giuliano, Francesca Cima, Carlitta Calori, Massimo Cristaldi CP: Indigo Films SRL, Cristaldi Pics SRL, Rai Cinema I: Julia Jedlikowska, Gaetano Fernandez, Corinne Musallari, Lorenzo Curcio, Anrea Falzone

Contacto / Contact SBP Woldwide S.A. Adrián Cañete, Matáis Condito T +54 11 2076 5243 +54 11 4373 1669 E adro@cinematiko.com.ar matiascondito@ tve-sbp.com W tve-sbp.com.ar /sbpfilms sbpfilms

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The Charmer Charmøren / El encantador Esmail, un inmigrante iraní en Dinamarca, trabaja durante el día en una empresa de mudanzas para poder enviar dinero a familiares en su tierra natal, y por las noches intenta asegurar su estadía en el país europeo seduciendo a mujeres danesas con la esperanza de poder mantener una relación estable con alguna de ellas. Su plan está signado por la desesperación, sujeto al deseo ajeno y expuesto a que intervenga lo imprevisto. Por ejemplo, cuando se enamora de una joven nacida en Irán con ciudadanía danesa (algo que en teoría resolvería todos sus problemas, pero abre el juego a sus sentimientos) y es perseguido por un hombre que trae un hecho doloroso de su pasado. Alami explora una arista de la cuestión migratoria que el cine ha sabido tratar en clave cómica, pero que en esta película adquiere un tono más oscuro, evitando tanto la complacencia como la tentación a la misantropía.

Esmail, an Iranian immigrant in Denmark, works during the day for a moving company in order to be able to send money to his family back home, and at night tries to guarantee his stay in the European country by seducing Danish women with the hope of being able to maintain a stable relationship with one of them. His plan is marked by desperation, subject to a foreign desire and exposed to unforeseeable interventions. For example, when he falls in love with a young woman who was born in Iran, but has Danish citizenship (which in theory would resolve his problems, but brings into play his feelings) and when he is pursued by a man who brings a painful memory from his past. Alami explores an artist of migration who the cinema has previously dealt with in comic turns, but who, in this film, acquires a darker tone, bypassing complacency as well as the temptation towards misanthropy.

Milad Alami Nació en Irán. Se graduó en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca. Sus trabajos han sido seleccionados en Cannes, Nueva York, Clermont Ferrand y Karlovy Vary. Su cortometraje Mommy (2015) ganó el Premio de la Academia Danesa a Mejor Cortometraje. Eng Born in Iran, he graduated from the National Film School of Denmark. His films have been selected by the festivals of Cannes, New York, Clermont Ferrand and Karlovy Vary. His short film Mommy (2015) won the Best Short Film Award of the Danish Academy.

Dinamarca - Denmark, 2017 / 100’ / DCP / Color / Danés / Inglés / Farsi - Danish / English / Farsi D: Milad Alami G: Milad Alami, Ingeborg Topsøe F: Sophia Olsson E: Olivia Neergaard-Holm M: Martin Dirkov P: Stinna Lassen CP: Good Company Films I: Ardalan Esmaili, Soho Rezanejad, Lars Brygmann, Susan Taslimi

Contacto / Contact Alma Cinema T +33 149 700 370 E sara@ almacinema.com W almacinema.com

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Verão danado Damned Summer / Verano dañado Con un anclaje político detrás de sus detalles formales y estéticos, Verão danado sigue las experiencias de Chico, un joven suelto en Lisboa que tiene un título universitario pero no consigue trabajo, tiene incertidumbres que no puede resolver, y una vida que la realidad de su país no le permite llevar hacia las responsabilidades y seguridades de la adultez. El hedonismo se presenta entonces como el único camino para él y su grupo de amigos. Así, pasan las noches entre fiestas, romances y la experimentación con distintas drogas, y el verano se desarrolla como un limbo sin un estado consecuente. Entre la belleza de los lugares, los rostros y las situaciones que los personajes atraviesan, la película conforma un fresco de la situación de una generación sin posibilidades de proyectar un futuro que trascienda la experiencia de vivir la próxima noche.

With a political anchoring behind the formal and aesthetic details, Verão danado follows the experiences of Chico, a young man on his own in Lisboa. He has a university degree, but cannot find work. He has uncertainties he cannot resolve and the reality of his country does not allow him to achieve the responsibilities and securities of adulthood. And so, hedonism becomes the only path for him and his friends. They spend their nights among parties, romance and experimenting with different drugs, and the summer turns into a limbo without consequences. Between the beauty of the places, the faces and the situations that the characters pass through, the film creates a portrait of the situation of a generation without possibilities for projecting a future that transcends the experience of living for the next night.

Pedro Cabeleira Nació en 1992 en Portugal. Se graduó en Dirección en Lisbon Theatre and Film School, donde filmó su mediometraje Estranhamento (2013). Después de graduarse fundó la compañía productora Videolotion con Joana Peralta y Marta Ribeiro. Eng Born in 1992 in Portugal, he graduated in directing from Lisbon Theatre and Film School where he shots his medium-format film, Estranhamento (2013). After graduating, he founded Videolotion, a production company, with Joana Peralta and Marta Ribeiro.

Portugal, 2017 / 128’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D, G: Pedro Cabeleira F: Leonor Teles E: Ruben Gonçalves S: Tiago Raposinho P: Pedro Cabeleira, Marta Ribeiro CP: Videolotion I: Pedro Marujo, Lia Carvalho, Ana Valentim, Daniel Viana, Sérgio Coragem

Contacto / Contact Slingshot Films Manuela Buono T +39 3 66 146 1542 E info@slingshotfilms.it festivals@slingshotfilms.it W slingshotfilms.it/ damned-summer

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Cabros de mierda El silencio de los fusiles El vigilante Extraño pero verdadero Fattoruso Real - O plano por trás da História Violeta al fin Wiñaypacha

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Cabros de mierda The Young Shepherd Los contornos que delimitan a la ficción del documental son difusos. En 1946 Orson Welles inauguró en el cine industrial estadounidense el uso de metraje documental para ilustrar, en una película de ficción, el horror de los campos de concentración nazis. Al igual que lo que sucedía en El extraño, el director chileno Gonzalo Justiniano utiliza sus propios registros fílmicos de la dictadura de Pinochet para ilustrar el horror de un gobierno de facto en su ficción Cabros de mierda. Su decimosegunda película reconstruye las vivencias del recorrido que hizo con su cámara por La Victoria en 1983, material que hoy complementa con una historia con personajes que luchan por el regreso de la democracia. Guiado por un misionero estadounidense, álter ego del director, el espectador habita el clima de miedo de esos sangrientos días al ponerse en la piel de Gladys, una joven madre que representa a todas las víctimas del terrorismo de Estado chileno.

The borders that separate fiction from documentary are blurry. In 1946, Orson Welles was the first to use documentary footage in a U.S. commercial, fiction film to illustrate the horrors of the Nazi concentration camps. In the same manner as The Stranger, Chilean director Gonzalo Justiniano uses his own footage of Pinochet’s dictatorship to illustrate the terror of a de facto government in his fictional film, The Young Shepherd. His twelfth film reconstructs the experiences of his travels in La Victoria in 1983, complementing his documentary material with a story about characters who fight for the return of democracy. Guided by a missionary from the United States, the director’s alter ego, the audience lives the climate of fear of those bloody days by putting ourselves in the shoes of Gladys, a young mother who represents all the victims of Chilean state terrorism.

Gonzalo Justiniano Nació en 1955 en Santiago de Chile. Es productor, guionista y director de cine. Realizó varios largometrajes; entre otros, Sussy (1988), Amnesia (1994), B-Happy (2003), Lokas (2008) y ¿Alguien ha visto a Lupita? (2011), premiados en festivales como Berlín, San Sebastián y La Habana Eng Born in Santiago de Chile in 1955, he is a producer, screenwriter and director. He made many feature length films, including Sussy (1988), Amnesia (1994), B-Happy (2003), Lokas (2008) and ¿Alguien ha visto a Lupita? (2011), awarded at such festivals as Berlin, San Sebastian and La Habana.

Chile, 2017 / 124’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Gonzalo Justiniano F: Miguel Ioan Littin E: Carolina Quevedo DA: Carlos Garrido S: Romina Núñez M: Miguel Miranda P: Jorge Infante, Roberto Trejo, Gonzalo Justiniano CP: Sahara Films Producciones S.A. I: Nathalia Aragonese, Danniel Contesse, Elías Collado, Corina Posada, Luis Dubö

Contacto / Contact Sahara Films Producciones S.A. Gonzalo Justiniano T +569 9862 3661 +569 9841 2772 E gjusti@sahara.cl trejo.roberto@ gmail.com W cabrosdemierda.cl @cabrosdemierda

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El silencio de los fusiles When the Guns Go Silent La guerra civil más larga de América Latina no podía terminar de manera fácil. Después de medio siglo de lucha armada y tres procesos de paz fallidos, las FARC colombianas, la guerrilla más antigua del mundo, entablaron un diálogo con el Estado, con el fin de entregar las armas y emprender una transición a la vida política. Fue un proceso que tardó más de seis años, e incluyó desde un Premio Nobel de la Paz y un polémico referéndum hasta la influencia clave de Hugo Chávez. En una larga serie de conversaciones, los protagonistas (de Juan Manuel Santos a la cúpula guerrillera) relatan a la periodista Natalia Orozco una historia del detrás de escena de las negociaciones, que no por ser la “historia oficial” deja de ser un revelación fascinante de las ideas, pasiones, prejuicios y decisiones ocultas que tomaron los estrategas políticos que lograrían la paz más esperada de la región.

The longest civil war in Latin America could not end easily. After half a century of armed struggle and three failed peace processes, the Colombian FARCs, the oldest guerrilla army in the world, opened a dialog with the State, with the aim of surrendering their weapons and setting forth a transition to political life. It was a process that took more than six years, and included a Nobel Peace Prize as well as a controversial referendum and the key influence of Hugo Chávez. In a long series of conversations, the protagonists (from Juan Manuel Santos to the guerrilla leaders) tell journalist Natalia Orozco a history of the behind-the-scenes of the negotiations, which in spite of being the “official story”, is still a fascinating disclosure of the ideas, passions, prejudices and hidden decisions taken by the political strategists that accomplished the most anticipated peace in the region.

Natalia Orozco Periodista y corresponsal internacional para radio, prensa y TV, trabajó en Europa y Washington DC, y se especializó en Cooperación Humanitaria y Ciencias Políticas en París. Dirigió informes periodísticos como Guantánamo, ¿hasta cuándo? (2011) y Gitanos, ciudadanos sin patria (2013), y escribió y dirigió el documental Benghazi, más allá del frente armado. Eng A journalist and international correspondent for radio, press and TV, she has worked in Europe and Washington, DC and specialized in Humanitarian Cooperation and Political Science in Paris. She directed such journalistic reports as Guantánamo, ¿hasta cuándo? (2011) and Gitanos, ciudadanos sin patria (2013), and wrote and directed the documentary Benghazi, más allá del frente armado. Colombia / Francia - Colombia / France, 2017 / 118’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish D, G: Natalia Orozco F: William Alfonso Gutiérrez E: Etienne Boussac S: Joaquín Vásquez M: Alejandro Ramírez P: Natalia Orozco, Christine Camdessus, Serge Gordey, Julián Giraldo CP: Pulso Mundo S.A.S., Alegría Productions, RCNTV I: Juan Manuel Santos, Timoleón Jiménez, Humberto de la Calle, Sergio Jaramillo, Pablo Catatumbo

Contacto / Contact Cineplex Elba McAllister T +1 954 330 3112 +57 310 270 0552 E elbamc@cineplex.com.co lbamc@ cineplexusa.com W cineplex.com.co /silenciofusiles @silenciofusiles

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El vigilante The Night Guard Mientras todos duermen, Salvador cuida una obra en

While everyone sleeps, Salvador watches over a construction

construcción. El sereno de carácter apacible se mezcla entre la multitud para tomar el tren que lo acerca a su trabajo, sin saber que ese día dejará de ser uno más del montón. Una tarde, a metros de los adoquines que él protege con su insomnio, la policía descubre una camioneta que esconde un cadáver. Como en una película de Hitchcock, el hombre común se encuentra de repente en una situación extraordinaria: ser testigo de un crimen extraño. Invitándonos a flotar en una nube de tensión constante, el debutante director mexicano distribuye las fichas de un rompecabezas en los alrededores de un edificio imaginario. Presos de un mismo espacio, el terreno y el cuerpo del protagonista, acompañaremos a Salvador en la ardua lucha moral entre contar lo que vio o enterrar el recuerdo debajo del hormigón armado.

site. The gentle night watchman mixes in with the multitude to take the train that brings him to work, not knowing that this day he will no longer be just another person in the crowd. One evening, a few yards from the cobblestones that he protects with his insomnia, the police discover a van with a dead body inside. Like in a Hitchcock film, the common man suddenly finds himself in an extraordinary situation: he is witness to a strange crime. Inviting us to float in a cloud of constant tension, the first-time Mexican director distributes the pieces of a puzzle throughout the area surrounding an imaginary building. Prisoners of the same space, terrain and body as the main character, we accompany Salvador in an arduous moral struggle between telling what he saw and burying his memory below the concrete.

Diego Ros Estudió en la Universidad de Notre Dame, trabajó como montajista de comerciales de TV y cortos documentales, y como posproductor y supervisor de efectos visuales en largos de ficción durante doce años, antes de escribir y dirigir su primer largometraje. Eng He studied at the University of Notre Dame and worked as an editor in TV commercials and documentary shorts, and as post-producer and visual effects supervisor in narrative features for twelve years before writing and directing his first feature.

México - Mexico, 2016 / 75’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, E: Diego Ros F: Galo Olivares DA: Federico Cantú S: Daniel García Olvera, Miguel Hernández, Mario Martínez M: Miguel Hernández, Mario Martínez P: Diego Ros, Jack Zagha, Yossy Zagha, Laura Pino CP: Vigilante Cine, Avanti Pictures, IMCINE I: Leonardo Alonso, Ari Gallegos, Héctor Holten, Lilia Mendoza, Noe Hernández

Contacto / Contact Vigilante Cine T +1 619 937 8115 E diegorossss@ gmail.com

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Extraño pero verdadero Strange But True Jonathan y Yesi son recolectores de basura en la capital mexicana, y viven un romance atravesado por la sordidez del universo en el que se mueven. A las miserias propias y ajenas que surgen de manera cotidiana y la constante amenaza del Maestro Limpio –el chofer del camión en el que viajan todas las noches– se suma el hallazgo de un cadáver junto a una gran cantidad de dinero, con un plan posterior que los someterá a una opresión aún mayor que la que ya conocen. El segundo largometraje de Michel Lipkes sumerge al espectador en esta atmósfera, apoyándose tanto en los vaivenes de su argumento como en un trabajo preciso y contundente en la fotografía y la música, y explorando los rincones más oscuros de la periferia y la condición humana, entre quienes intentan alejarse de esa espiral y quienes se entregan a su recorrido descendente.

Jonathan and Yesi are garbage collectors in Mexico City and their romance is crossed by the sordidness of the universe in which they move. On top of their own miseries and those that surround them, and the constant threat of Mister Clean – the driver of the truck that they ride every night –, there is also the issue of a dead body they find alongside a large sum of money, and the plan that will follow, putting them under greater pressure than they had known before. Michel Lipkes’ second feature film submerges the audience into this atmosphere, supported by the ups and downs of the story as well as by precise and powerful cinematography and music, and an exploration of the darkest corners of the periphery and the human condition for those who try to escape this downward spiral and those who follow its descending path.

Michel Lipkes Nació en Ciudad de México en 1978. Estudió en el Centro de Capacitación Cinematográfica de esa ciudad, fue docente y programador, y cofundó la productora Axolote Cine. Dirigió varios cortos, incluyendo El niño sin piernas no puede bailar (2008) y Cielo en la tierra (2002), y el largo Malaventura (2011). Coprodujo decenas de films, incluido La última película, de Raya Martin y Mark Peranson. Eng He was born in Mexico City in 1978 and studied at the city’s Centro de Capacitación Cinematográfica. He has been a teacher and programmer, and co-founded the production company Axolote Cine. He directed many shorts, including The Legless Boy Cannot Dance (2008) and Heaven on Earth (2002), and the feature-film Malaventura (2011). He produced dozens of films, including The Last Picture, directed by Raya Martin and Mark Peranson. México - Mexico, 2017 / 90’ / DCP / B&N / Español - Spanish D: Michel Lipkes G: Michel Lipkes, Gabriel Reyes, Rubén Imaz F: Gerardo Barroso E: León Felipe González, Michel Lipkes DA: Claudio Ramírez S: Alex Muñoz M: Galo Durán P: Michel Lipkes, Matías Meyer CP: Películas Extrañas, Axolote Cine, Ajenjo Cine I: Alfredo Blanco, Kristyan Ferrer, Luis Enrique Parra, Itzel Sarmientos

Contacto / Contact Axolote Cine Michel Lipkes E mlipkes@ yahoo.com.mx

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Fattoruso Es ya un clásico del esnobismo antibeatle decir que el mejor tema de los buenos de Liverpool es “Rompan todo”, de los Shakers. También hay que decir que podría serlo. Esa canción, una de las primeras muestras del talento como compositor de Hugo Fattoruso –quien venía formándose en la escena de jazz de Montevideo junto a su padre y su hermano Osvaldo–, sería solo el comienzo de una carrera espectacular que continúa en estos días. Este documental recorre su vida y su obra, desde aquel fervor beat en Buenos Aires, pasando por su estadía en los Estados Unidos, la vanguardia de OPA, sus temporadas en Brasil y el regreso definitivo a su Uruguay natal, las colaboraciones con Airto Moreira, Chico Buarque, Milton Nascimento, Jaime Roos y una infinidad de nombres que morían por tenerlo en sus filas para contagiarse de su espíritu. Fue el propio Osvaldo quien arriesgó la máxima definitiva: “Hugo es un santo”. Y algo de eso habrá.

It has long been a classic snobbish anti-Beatle comment to say that the best song by the good boys from Liverpool is “Rompan todo” (“Break it All”) by Los Shakers. Also, it must be said, that it may be true. This song, one of the first displays of the song writing talents of Hugo Fattoruso – who was formed, along with his father and brother, Osvaldo, in the jazz scene of Montevideo –, was just the beginning of a spectacular career that continues to this day. This documental follows the history of his life and work, from the beat fever in Buenos Aires, through his time in the United States, the avant garde of OPA, his time in Brazil, and his definitive return to his native Uruguay, his collaborations with Airto Moreira, Chico Buarque, Milton Nascimento, Jaime Roos and an infinite number of musicians that would die to count him in their ranks to become infected by his spirit. It was Osvaldo himself who dared to utter the definitive statement: “Hugo is a saint.” And it may be true.

Santiago Bednarik Nació en 1989 en Montevideo, Uruguay. Estudió ingeniería audiovisual en esa ciudad y trabaja como docente. Es guionista, director y director de posproducción, edición y sonido. Dirigió el corto experimental Casa y numerosos videoclips. Eng Born in Montevideo, Uruguay, in 1989, he studied Audiovisual Engineering in there and works as a teacher. He is also a screenwriter, director and post-production, editing and sound director. He directed the experimental short Casa and a number of music videos.

Uruguay / Brasil / Argentina- Uruguay / Brazil / Argentina, 2017 / 82’ / DCP / Color / Español / Portugués / Inglés- Spanish / Portuguese / English D, G, E, S: Santiago Bednarik F: R amiro Gonzáles PampillónDA: Luanda Fattoruso M: H ugo Fattoruso P: Sebastián Bednarik, Andrés Varela, Manuela Formosinho CP: Coral Cine, A Gente, Canal BrasilI: Hugo Fattoruso, Fito Páez, León Gieco, Chico Buarque, Djavan

Contacto / Contact Coral Cine Sebastían Bednarik T +598 2 400 6210 +598 9137 1459 E mercedessader@ gmail.com santiagobed@ gmail.com W coralcine.com /fattorusodoc fattorusodoc

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Real - O plano por trás da História Real - A Historic Plan / Real - El plan detrás de la historia Mientras Brasil sigue atravesando tiempos de convulsiones políticas y económicas, Rodrigo Bittencourt se remonta a la génesis del Plan Real, el proyecto de estabilización que el gobierno de Itamar Franco diseñó en pos de terminar con la hiperinflación durante los noventa. El director sigue esta historia a través del ascenso del economista Gustavo Franco, desde sus días de profesor universitario y su llegada al Ministerio de Hacienda liderado por Fernando Henrique Cardoso (quien asumiría la presidencia de Brasil en 1995) hasta su gestión al frente del Banco Central y la comisión parlamentaria que debió enfrentar por el caso Banestado. Cuidando el ritmo e introduciendo al espectador en los tecnicismos económicos, pero sin evitar los aspectos polémicos y divisorios que estas políticas produjeron, la película echa un vistazo sobre un período cuyas marcas aún son visibles en la realidad latinoamericana.

While Brazil continues suffering through times of political and economic convulsion, Rodrigo Bittencourt retraces the genesis of the Plan Real, the stabilization project that Itamar Franco’s government designed to end hyperinflation in the 1990s. The director follows this history through the rise of economist Gustavo Franco, from his days as a university professor to his arrival in the Treasury Department led by Fernando Henrique Cardoso (who would become president of Brazil in 1995) to his time as head of the Central Bank and the parliamentary commission that had to confront the Banestado case. With solid pacing, while introducing the audience to the very technical aspects of economics without avoiding the contentious and divisive realities that these policies produced, the film takes a hard look at a period whose markings are still very much visible in the reality of Latin America.

Rodrigo Bittencourt Es escritor, músico, y director de cine y televisión. Publicó los libros Red Enarmel y Opera Embolada of Brazil. Dirigió los cortometrajes Por Acaso Gullar (2006) y Ruídos - O filme (2011), y el largometraje Totalmente inocentes (2012), donde también compuso la banda sonora. Eng He is a writer, musician and film and TV director. He published the books Red Enarmel and Opera Embolada of Brazil. He directed the short films Por Acaso Gullar (2006) and Ruidos - O filme (2011), as well as the feature Totalmente incocentes (2012), for which he also composed the score. Brasil - Brazil, 2017 / 90’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D: Rodrigo Bittencourt G: Mikael de Albuquerque F: Fabio Burtin E: Hélio Villela, Chico Ribeiro DA: Chico de Andrade S, M: Maycon Ananias, Rodrigo Bittencourt P: Ricardo Rihan, Marco Audrá CP: LightHouse Produções Cinematográficas, Maristela Filmes I: Emilio Orciollo Netto, Paolla Oliveira, Cássia Kis, Tatto Gabus Mendes, Norival Rizzo

Contacto / Contact Maristela Filmes Marco Audrá T +55 11 3051 2428 +55 11 3051 6768 E m.audra@ maristelafilmes.com.br contato@maristelafilmes. com.br W maristelafilmes.com.br /realofilme

Panorama de Cine Latinoamericano — Panorama of Latin American Cinema

Violeta al fin Violeta at Last La primera escena de esta película sigue bajo el agua los pies de Violeta que, a los 72 años, decide aprender a nadar. Es solo una de las decisiones que eligió tomar en una etapa de la vida en la que dar pasos es sellarlos. Pero hay otras más significativas. Por un lado, llevar adelante con determinación el divorcio de su pareja de toda la vida. Por otro, intentar conservar su propia casa, cueste lo que cueste, contra la opinión de sus hijos, que apuestan a una venta segura. Con todo esto, Violeta al fin no orienta sus focos hacia el drama familiar lacrimógeno, sino que adquiere el semblante y el brillo de los ojos del personaje (Eugenia Chaverri, hermosa y radiante) para plasmar un relato sobre cómo los caminos de la vejez pueden ser múltiples y tan lúcidos como los de esta heroína, que conlleva en su valor y rebeldía sus más encantadores superpoderes.

The first scene of this film is shot underwater, following the feet of Violeta who, at the age of 72, has decided to learn how to swim. It is just one of the decisions she takes at a stage in life in which making changes is somehow more definitive. And there are other, bigger, decisions. On one hand, the decision to finish getting divorced from the man she was married to her whole life, and on the other, she has decided to hold on to her house, no matter what the cost, against the wishes of her children, who are hoping for a sure sale. With all of this, Violeta at Last does not put its focus on a tear jerking family drama, but rather acquires its countenance and shining eyes from its character (the beautiful and radiant Eugenia Chaverri) to create a tale about how the paths of old age can be many and as lucid as those of this heroine, whose valor and rebelliousness bring forth her most enchanting super powers.

Hilda Hidalgo Nació en Costa Rica, donde estudió Periodismo. Se graduó en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños, Cuba. Escribió y dirigió media docena de cortos de ficción y documentales, y el largometraje Del amor y otros demonios (2010). Fundó y dirigió la Nueva Escuela de Cine y TV de la Universidad Veritas de Costa Rica. Actualmente trabaja en su compañía Producciones La Tiorba. Eng She was born in Costa Rica, where she studied Journalism, and she graduated from the International School of Film and TV in San Antonio de los Baños, Cuba. She has written and directed half a dozen fiction and documentary shorts, as well as the feature length documentary Del amor y otros demonios (2010). She founded and ran the New School of Film and TV from Costa Rica’s Veritas University. She currently works at her company Producciones La Tiorba. Costa Rica / México - Costa Rica / Mexico, 2017 / 85’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Hilda Hidalgo F: Nicolás Wong Díaz E: Ariel Escalante DA: Olga Madrigal S: Nano Fernández, Matías Barberis M: Camilla Uboldi P: Laura Imperiale, Hilda Hidalgo CP: Cacerola Films, Producciones La Tiorba I: Erika Rojas, Olger González, Andrés López Lozano, Anabelle Ulloa, Oscar Castillo

Contacto / Contact Habanero Marina Porto Búzios T +55 22 999 728 481 E acalvino@ habanerofilmsales.com patriciamartin@ habanerofilmsales.com

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Wiñaypacha Como la pareja de ancianos de Cuentos de Tokio, la maravillosa

Like the elderly couple in Ozu’s wonderful Tokyo Story (1953),

película de Ozu filmada en 1953, los protagonistas de Wiñaypacha cargan sobre sus espaldas encorvadas la tristeza de ser olvidados por su hijo. Sin embargo, no invierten en enojo ni acumulan reproches. Pasan sus días tejiendo las frazadas que les dan calor por las frías noches, mastican coca y sueñan con que algún viento pueda traer a su primogénito de regreso a casa. La ópera prima de Oscar Catacora dibuja con líneas tenues la emotiva historia de sus abuelos, quienes le enseñaron a hablar en aymara cuando a sus siete años sus padres lo enviaron a convivir con ellos en las alturas de Acora, zona sur-central de Puno. Wiñaypacha, la primera película de Perú en lengua aymara, imprime sobre la pantalla postales panorámicas pintadas por el aliento nostálgico de un matrimonio zen que, pese a la soledad, despierta todas las mañanas abrazado a la ilusión de la espera.

the main characters of Wiñaypacha carry upon their bent backs the sadness of being forgotten by their son. Nonetheless, they do not invest in anger nor build up blame. They spend their days weaving the blanket that keeps them warm on cold nights, chewing on coca leaves, and dreaming of a wind that will bring their firstborn back home. This debut film by Oscar Catacora draws with delicate lines the emotional story of his grandparents who taught him to speak aymara when he was seven years old and his parents sent him to live with them in the highlands of Acora, southern-central region of Puno, Peru. Wiñaypacha, the first Peruvian film in the aymara language, imprints upon the screen panoramic postcard images painted with the nostalgic breath of a zen like couple who, despite their solitude, wake up every morning embraced by the illusion of hope.

Oscar Catacora Nació en 1987 en la comunidad de Huaychani, Perú, en un hogar de campesinos. Estudió en la Escuela Profesional de Arte de la Universidad Nacional del Altiplano, y dejó los estudios para enlistarse en el ejército peruano. En 2011 ingresó a Ciencias de la Comunicación Social en la UNA. Escribió y dirigió El sendero del chulo (2007), donde también actuó, y La venganza del Súper Cholo (2013). Eng He was born in 1987 in the community of Huaychani, Peru, to a farming family. He studied at the Professional Art School of the Universidad Nacional del Altiplano, and quit his studies in order to enlist in the Peruvian army. In 2011, he began studying Social Communication Sciences at UNA. He wrote and directed El sendero del chulo (2007), in which he also acted, and La venganza del Súper Cholo (2013).

Perú - Peru, 2017 / 86’ / DCP / Color / Aimará - Aymara D, G, F: Oscar Catacora E: Irene Cajías DA: Hilaria Catacora S: Rosa María Oliart P: Tito Catacora CP: Cine Aymara Studios I: Rosa Nina, Vicente Catacora

Contacto / Contact Cine Aymara Studios Tito Catacora T +951 011 931 +931 872 567 E cineaymarastudios@ yahoo.com luhram@gmail.com / winaypacha.eternity

Panorama de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema 196 197 198 199 200 201 202 203 204 205

Años luz Córdoba sinfonía urbana Cuentos de chacales El volcán adorado Entre Perón y mi padre La suave noche Pabellón 4 Proyecto 55 Un cine en concreto El origen de la tristeza

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PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Años luz Si esperamos casi una década por la vuelta de Lucrecia Martel, lo mínimo que podíamos obtener era más que “apenas” una película (las comillas son, claro, porque esa película es Zama, una obra maestra y probablemente una de las mejores películas en la historia del cine argentino). Zama no vino sola. Trajo con ella un diario de rodaje escrito por Selva Almada –El mono en el remolino– y este documental de Manuel Abramovich, que como un intruso sonoro capturó el meticuloso trabajo de la directora salteña y la cálida, humana y divertida precisión con la que ajusta cada detalle que sucede en los planos de su película. “Yo estoy a años luz de poder ser la protagonista de una película”, le dice Martel a Abramovich cuando este le plantea por mail su idea de un documental que la tenga a ella como personaje principal. Lo que dice la directora es, en parte, cierto: Martel está a años luz. Del resto.

If we have waited almost a decade for Lucrecia Martel’s return, the least we could get was more than “just” a film (the quotation marks are, of course, due to the fact that the film in question is Zama, a masterpiece and probably one of the best films in Argentine film history). Zama didn’t come alone. It brought with her a shooting journal written by Selva Almada –El mono en el remolino– and this documentary by Manuel Abramovich, who, as a sound intruder, captured the meticulous work of the director from Salta and the warm, human, joyful precision with which she adjusts every single detail that happens in the film’s shots. “I am light years away from being able to be the protagonist of a film,” says Martel to Abramovich when he mails her his idea of making a documentary with her as the main character. What the director says is, in part, true: Martel is light years away. From the rest.

Manuel Abramovich Nació en 1987 en Buenos Aires. Estudió dirección de fotografía en la ENERC. Participó en el Talent Campus de la Berlinale 2012. Dirigió varios cortometrajes, como La reina (2013) y Las luces (2014), y el largo Solar (Bafici 2016). Eng Born in Buenos Aires in 1987, he studied cinematography at the ENERC. Selected forthe Talent Campus at the 2012 Berlinale 2012, he has directed many short film, including La reina (2013) and Las luces (2014), as well as the feature Solar (Bafici 2016).

Argentina, 2017 / 75’ / DCP / Color / Español - Spanish D, F: Manuel Abramovich E: Iara Vilardebó S: Sofía Straface P: Manuel Abramovich, Benjamín Domenech, Santiago Gallelli CP: Rei Cine

Contacto / Contact Rei Cine Benjamín Domenech T +54 9 11 45 55 10 77 E info@reicine.com.ar bd@reicine.com.ar W reicine.com @reicine

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Córdoba sinfonía urbana Córdoba, a City Symphony Córdoba sinfonía urbana se inscribe en el género del relato poético y político. Construye un retrato de la ciudad de Córdoba, tejido alrededor del cauce del río que la atraviesa de punta a punta. El río Suquía, ese que luchó por recuperar su nombre original en el poema de Arturo Capdevilla, al cruzar el corazón de la urbe experimenta un proceso de contaminación al ritmo que suceden diversos acontecimientos. Algunos mínimos y cotidianos, otros de agitada revuelta social, cargan las aguas con todo tipo de impurezas y tensiones. La película fue realizada de manera colectiva, con ocho directores sumando miradas en el marco del taller Retratos 01, dictado en el Cineclub Municipal Hugo del Carril y coordinado por Germán Scelso.

Córdoba sinfonía urbana fits in the genre of poetic and political tale. It constructs a portrait of the city of Cordoba, woven along the riverbank that crosses it from one end to the other. Upon crossing through the heart of the urban landscape, the Suquia River, which struggled to recover its original name in the poem by Arturo Capdevilla, experiences a process of contamination that follows the rhythm of various actions. Some are minor and quotidian, others the result of turbulent social conflicts: filling the water with all kinds of impurities and tensions. The film was directed by a collective of eight directors contributing their gazes in the framework of the Retratos 01 workshop, dictated in the Hugo del Carril Municipal Cineclub and coordinated by German Scelso.

Germán Scelso Nació en 1976 en Buenos Aires. Es director y montajista. Realizó el cortometraje El engaño (2009) y los largometrajes La sensibilidad (2012) y El modelo (2013). Sus trabajos se han exhibido en el FIDMarseille y el Bafici, entre otros festivales. Eng Born in Buenos Aires in 1976, he is a director and editor. He made the short film El engaño (2009) and the features La sensibilidad (2012) and El modelo (2013). His works have been shown at FIDMarseille and Bafici, among other festivals.

Argentina, 2017 / 60’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Polo Obligado, Daniela Goldes, Antonio Moro, Natalia Comello, Manuel Torrado, Martín Álvarez, Micaela Conti, Germán Scelso E: Germán Scelso P: Germán Scelso

Contacto / Contact Germán Scelso T +54 11 2640 5417 E scelsog@gmail.com

PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Cuentos de chacales Jackal Stories Como hizo Linklater en Boyhood, donde registró el

Like Linklater did in Boyhood, in which he captured a boy’s

crecimiento de un niño hasta hacerse adulto durante doce años, Martín Farina presenta una arriesgada propuesta en la que el documental, la ficción y el cine experimental se entrecruzan sin que podamos distinguirlos. Francisco Cruzans es filmado desde el día de su nacimiento hasta el presente. Un cocktail voyeur que condensa una vida en 70 minutos, alternando, en aparente caos, imágenes de archivo, videos familiares en VHS y relatos de un séquito de personajes misteriosos en un patchwork cinematográfico que desconcierta e hipnotiza. “La memoria no es el registro de un suceso original. Es la reconstrucción del modo en que lo recordamos la última vez”, se afirma en palabras blancas escritas sobre fondo negro. No hay una intención servil de retratar una realidad objetiva, sino de reconstruir una vida a base de retazos arbitrarios, transformando el día a día en una sucesión de instantes poéticos.

growth for twelve years until he became an adult, Martín Farina presents a daring venture in which documentary, fiction and experimental film intertwine without us being able to distinguish between them. Francisco Cruzans is filmed from the day of his birth to present day. A voyeuristic cocktail that condenses a life in 70 minutes, alternating –in apparent chaos– among archival images, VHS home movie and anecdotes from a group of mysterious characters in a hypnotic, disconcerting cinematic patchwork. A title card with white words on black background states, “Memory is not the capture of an original event. It is the reconstruction of the way in which we remember it last.” There is no slavish intention of depicting an objective reality, but rather reconstructing through arbitrary fragments, turning everyday life into a string of poetic instants.

Martín Farina Nació en Buenos Aires. Es Licenciado en Comunicación por la Universidad Nacional de La Matanza. Estudió música y filosofía, y ejerció el periodismo en el grupo La Otra. Dirigió los largometrajes documentales Fulboy (2014), El hombre de Paso Piedra (2015) y El profesional (2016). También codirigió con Marco Berger la ficción Taekwondo (2016). Eng Born in Buenos Aires, he earned a Bachelor’s Degree in Communication from the National University of La Matanza. He studied Music and Philosophy, and practiced journalism at La Otra group. He directed the documentary features Fulboy (2014), El hombre de Paso Piedra (2015) and El profesional (2016). He also co-directed the fiction film Taekwondo (2016) with Marco Berger. Argentina, 2017 / 70’ / DM / Color - B&N / Español - Spanish D, G, F, E, DA, S, P: Martín Farina M: Juan Ignacio Serrano CP: Cinemilagroso, The Open Reel I: Francisco Cruzans, Juan Ignacio Serrano, Licina Picón, Stela Maris Serrano, Zalmon Markus

Contacto / Contact Cinemilagroso Martín Farina T +54 11 3004 2444 E farinamartin@ gmail.com W cinemilagroso.com.ar

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El volcán adorado The Beloved Volcano El 26 de febrero de 1999 un grupo de estadounidenses, peruanos y argentinos emprendieron una expedición en Salta para cristalizar uno de los descubrimientos más significativos de la historia argentina: en la cumbre del volcán Llullaillaco, a 6700 metros de altura sobre el nivel del mar, hallaron los cuerpos de tres niños perfectamente conservados por el frío. Ese tesoro arqueológico hoy se exhibe en el Museo de Arqueología de Alta Montaña. Christian Vitry, el protagonista de El volcán adorado, fue uno de los líderes de aquella misión. El especialista en geografía y ciencias biológicas se propone un nuevo desafío: subir hasta la cumbre para develar la temperatura de los cuerpos incas. El segundo documental dirigido por Fernando Krapp (codirector de Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora Venturini) enmarca de cerca el proceso de preparación de Vitry, entre charlas informativas y humanas con la comunidad kolla, quienes deben darle el permiso para emprender su ascenso en la zona, y relatos personales que hacen de esta historia un verdadero diario de viaje.

On February 26, 1999, a group of Americans, Peruvians and Argentinians embarked on an expedition in the province of Salta in order to crystallize one of the most significant discoveries in Argentine history: at the top of the Llullaillaco volcano, 6,700 meters above sea level, they found the bodies of three children that had been perfectly preserved by the cold. This archeological treasure is now on display at the High-mountain Archeological Museum. Christian Vitry, the protagonist of El volcán adorado, was one of the leaders of that mission. The specialist in geography and biological science proposes a new challenge: going to the top of the mountain to find out the temperature of the Incan bodies. The second documentary directed by Fernando Krapp (co-director of Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora Venturini) closely frames Vitry’s preparation process, among informative and human talks with the Koya community –who must give him permission to start climbing in the area–, and personal stories that turn this story into a real travelogue.

Fernando Krapp Nació en 1983 en Adrogué. Estudió guion en la ENERC y letras en la UBA. Es periodista cultural, guionista y director de cine. Codirigió, junto a Agustina Massa, Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora Venturini (Bafici 2013, Premio Argentores). Eng He was born in Adrogué in 1983 and studied screenwriting at ENERC and literature at UBA. He is a cultural journalist, screenwriter and film director. He co-directed, together with Agustina Massa, Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora Venturini (Bafici 2013, Argentores Award).

Argentina, 2017 / 67’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, DA: Fernando Krapp F: Juan Ignacio Zevallos E: Francisco D`Eufemia S: Lucas Page M: Martín Minervini P: Fernando Krapp, Nadia Martínez CP: Bosque Cine, Poncho Cine I: Christian Vitry, Equipo Qhapac Ñan, Comunidad Kolla Tolar Grande

Contacto / Contact Bosque Cine Fernando Krapp T +54 9 11 4074 4384 E bosque.cine@ gmail.com thunderkrapp@ gmail.com W bosque-cine.com.ar ponchocine.com.ar bosquecine

PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Entre Perón y mi padre Perón, My Father and I “Yo competí con Perón por la atención de mi padre”. Además de Blas Martínez, no hay mucha gente que pueda decir esta frase y que sea cierta: el hijo del periodista y escritor Tomás Eloy Martínez narra la relación con su padre a partir de su vínculo con el peronismo y las consecuencias que eso le trajo al autor de La novela de Perón y Santa Evita, que incluyeron el exilio y una paternidad a distancia. Según el escritor, la historia siempre envidió a la novela, porque esta última puede cubrir con su ficción todos los agujeros que la historia no puede evitar. Y Blas decide, también, rellenar los huecos de la historia con su padre recurriendo a materiales de otro orden. Así, mientras oímos a Perón desde las cintas originales de su histórica entrevista con Martínez en Puerta de Hierro, el relato familiar del director se nutre de escenas de películas viejas y home movies, en un patch work en el que Buster Keaton y Humphrey Bogart se mezclan con José López Rega, cuya voz emerge detrás de la de Perón, como un tenebroso villano del cine clásico.

“I competed with Peron for my father’s attention.” Other than Blas Martinez, there aren’t many people who can make that claim and have it be true. The son of journalist and writer Tomas Eloy Martinez (Saint Evita and The Peron Novel) distance paternity. According to Tomas Eloy Martinez, history has always envied the novel, because by using fiction the latter can cover all the holes that history cannot avoid. And so, his son Blas decides, as well, to fill the holes of his history with his father using materials of a different kind. While we hear the voice of Peron from the original tapes of his historic interview with Martinez in 1969 in the Puerta de Hierro in Madrid, we see the story of the director’s family through scenes of old films and home movies, a patchwork in which Buster Keaton and Humphrey Bogart mix with Peron’s infamous Minister of Social Welfare, Jose Lopez Rega, whose voice emerges behind Peron’s, like a villain in the shadows of a classic movie.

Blas Eloy Martínez Nació en 1972 en Buenos Aires. Licenciado en Ciencias Políticas, estudió en la Universidad del Cine y en The New School en Nueva York. Dirigió los largometrajes La oficina (2005), El notificador (2010), y las series de TV La Argentina según Perón y Cartas del pueblo, junto a Cecilia Priego. Eng He was born in Buenos Aires in 1972. He holds a Bachelor’s Degree in political science, having studied at the Universidad del Cine and the New School in New York. He directed the features La oficina (2005) and El notificador (2010), and the TV series La Argentina según Perón and Cartas del pueblo, co-directed with Cecilia Priego. Argentina, 2017 / 73’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish D: Blas Eloy Martínez G: Blas Eloy Martínez, Cecilia Priego F: Iván Gierasinchuk E: Alejandra Almirón S: Emiliano Biaiñ M: Leonardo Martinelli P: Blas Eloy Martínez, Cecilia Priego CP: Micromundos

Contacto / Contact Micromundos Blas Eloy Martínez T +54 9 11 6729 2736 E beloymartinez@ micromundosmedia.com W micromundos.com.ar MicromundosMedia

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La suave noche The Good Night La magia del cine documental reside en que, en menos

The magic of documentary film lies in the fact that, in

de dos horas, podemos conocer más a una persona, hasta entonces invisible, que a nuestra propia familia. La suave noche resalta esa cualidad enigmática que tiene el ojo humano cuando se encuentra con el lente de la cámara, y en esa poderosa fusión logra acercarnos a la piel de una historia que nos desprende de la realidad cotidiana para devolvernos de una manera distinta. El largometraje de Rapoport-Bordenave tatúa sobre el plano la relación que tiene Juan Carmona, un alercero que vive en la cordillera, con la generosidad de la naturaleza. A través de su quebrada voz, y de las melodías que tararean las hojas sacudidas por el viento, la película nos envuelve en un espacio sin piso ni techo, invitándonos a flotar en los recuerdos fuera de foco de un marisquero.

under two hours, we are able to get to know a person –who until then had been invisible to us– better than a member of our own family. La suave noche highlights that enigmatic quality the human eye has when it meets the camera lens, and in that powerful fusion, manages to draw us closer to the flesh and blood of a story that detaches us from everyday reality to then return as different people. The film by Rapoport-Bordenave tattoos on the screen the relationship Juan Carmona, a larch tree worker in the Andes, has with the generosity of nature. Through his broken voice and the melodies hummed by the leaves stirred by the wind, the film envelops us in a space with no floor or roof, inviting us to float in the out-of-focus memories of his previous life as a shellfish catcher.

Luz Rapoport & Sofía Bordenave Luz es licenciada en cinematografía. Dirigió el cortometraje ¿Me ves? y los documentales Pluma y bongó, Plantas silvestres comestibles y Yo sé que te gusto. Sofía es abogada especialista en derecho indígena y derechos humanos. Eng Luz received her degree in cinematography and directed the short film ¿Me ves? And the documentary films Pluma y bongó, Plantas silvestres comestibles and Yo sé que te gusto. Sofia is a lawyer specializing in indigenous law and human rights. Argentina / Chile, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish D, P: Luz Rapoport, Sofía Bordenave G: Sofía Bordenave, Luz Rapoport F: Luz Rapoport E: Martín Sappia S: Lázaro De Giovanni M: Eric Johansen I: Juan Carmona, Rita Novillo Corvalan, Joaquín Rapoport, Waldo Nempu, Danilo Queupan, Julio Cuevas, Teresa Marioli Ancapan Marileo

Contacto / Contact Luz Rapoport Sofía Bordenave T E

+54 9 294 448 5182 +54 9 351 381 7172 luz.rapoport@ gmail.com

sofiabordenave@ yahoo.com.ar

PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Pabellón 4 Cell Block 4 Alberto Sarlo, abogado y escritor de La Plata, intenta un

Alberto Sarlo, an attorney and writer from La Plata, embarks

proyecto utópico: enseñarles filosofía, literatura y boxeo a 52 presos del Pabellón 4 de una cárcel de máxima seguridad ubicada en Florencio Varela, en el conurbano bonaerense. Los internos hablan de Hegel, de Sartre, de Dostoievski, del superhombre, y escriben cuentos en los que desnudan su alma y cuentan partes de sus experiencias tumberas. La filosofía los ayuda a repensar sus vidas, sus destinos y las decisiones tomadas. Carlos “Kongo” Mena, un preso que acaba de salir en libertad, vuelve a la cárcel como ayudante de Sarlo, dando su visión desde un lugar más cercano a la realidad de los otros internos. Alberto logra que Carlos sea el primer ex presidiario contratado para enseñar en las cárceles bonaerenses. Para muchos de ellos es la viva imagen de que la redención es posible.

on a utopian project: to teach philosophy, literature and boxing to 52 convicts from Cell Block 4 in a maximum security prison located in Florencio Varela, in the outskirts of Buenos Aires. The inmates talk about Hegel, Sartre, Dostoevsky, the superman, and write stories in which they bare their souls and tell of their experiences as convicts. Philosophy helps them to rethink their lives, their fates and the decisions they made. Carlos “Kongo” Mena, an inmate who has just been released, returns to the jail as Sarlo’s assistant, providing his perspective, somewhat closer to that of the reality of the other inmates. Alberto succeeds in turning Carlos into the first ex-convict hired to teach at Buenos Aires prisons. For many of them, he is proof that redemption is indeed possible.

Diego Gachassin Nació en 1970 en Quilmes. Escribió, dirigió y produjo el largometraje de ficción Vladimir en Buenos Aires (2002), y codirigió los documentales Habitación disponible (2005) y Los cuerpos dóciles (2015, Mención Especial en la Competencia Argentina del 30º Festival). Eng Born in Quilmes in 1970, he wrote, directed and produced the fiction feature Vladimir en Buenos Aires (2002), and co-directed the documentaries Habitación disponible (2005) and Los cuerpos dóciles (2015, Special Mention at the Argentine Competition of the 30th Festival). Argentina, 2017 / 71’ / DCP / Color / Español - Spanish D, F, G, P: Diego Gachassin E: Fernando Vega S: Hernán Gerard, Fernando Vega CP: El Acorazado Cine I: Alberto Sarlo, Carlos “Kongo” Miranda Mena

Contacto / Contact El Acorazado Cine Diego Gachassin T +54 9 11 6167 9463 E diegogachassin@gmail. com /pabellon4pelicula

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Proyecto 55 Como si todo le hubiera sucedido a él, Miguel Colombo soñó durante meses que presenciaba inmóvil el paso de un bombardeo, la destrucción de los cuerpos que se volvían indistinguibles, los escombros y el fuego. Sus antepasados trajeron desde Europa los recuerdos de ataques aéreos que pusieron reiteradamente en jaque sus vidas, y la Masacre de Plaza de Mayo en 1955 articuló las memorias que heredó con el escenario de la ciudad que habita. Junto a un grupo de artistas que elaboran una obra sonora sobre aquella jornada, el director indaga en los detalles del bombardeo, la memoria sobre el hecho en nuestra sociedad y el rastro de muerte que la violencia dejó a su paso en distintos conflictos bélicos y políticos a lo largo de la historia, con el fin de exorcizar las pesadillas y ofrecer a sus hijos un encuentro empático y sensato con el pasado.

As though all of it had happened to him, Miguel Colombo dreamt for months that he witnessed, motionless, a bombing, the destruction of bodies that were rendered indistinguishable, the debris and the fire. His ancestors had brought from Europe the memories of air strikes that repeatedly put their lives at risk, and it was the Plaza de Mayo Massacre in 1955 articulated the memories he had inherited along with the cityscape of the metropolis he lives in. Along with a group of artists who developed a sound work about the Massacre, the director delves into the details of the bombing –our society’s memory of the event and the trail of death that the violence left in different military and political conflicts throughout history–, with the aim of exorcising nightmares and offering his children an empathetic and prudent encounter with the past.

Miguel Colombo Nació en 1978 en Salta. Estudió en la ENERC, con especialidad en montaje. En 2010 fundó la productora El Camino Cine. Dirigió los largometrajes Rastrojero, utopías de la Argentina potencia (2006) y Huellas (2012). Eng Born in Salta in 1978, he studied at ENERC, specializing in editing. In 2010, he founded the production company El Camino Cine. He directed the features Rastrojero, utopías de la Argentina potencia (2006) and Huellas (2012).

Argentina, 2017 / 73’ / DCP / Color - B&N / Español / Inglés / Francés - Spanish / English / French D, G, P: Miguel Colombo F: Miguel Rivarola E: Alejandra Almirón, Miguel Colombo CP: El Camino Cine I: Leandro Tartaglia, Maximiliano Bellmann, Héctor Raggio, Roberto Jacoby, Daniel Cichero

Contacto / Contact El Camino Cine Miguel Colombo T +54 9 11 5511 5467 E miguelcolombo@gmail. com W elcaminocine.com.ar /proyecto55film

PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Un cine en concreto A Concrete Cinema ¿Cómo medir la pasión por el cine? Cientos de películas lo intentaron, con historias más o menos inspiradas y efectivas, pretendiendo hacer de una emoción –que, como todo amor, es único– algo universal. Un cine en concreto se acerca a ese hechizo intangible que implica vivir con la necesidad de pertenecer al cine. De devolverle algo, aun sintiéndolo como algo inalcanzable. Porque cuenta la historia de Omar, un albañil de Villa Elisa (pequeño pueblo de Entre Ríos), que reniega de la idea de que las pantallas grandes desaparezcan. Y hará todo por conservar aquello a lo que supo aferrarse desde niño, aunque tenga que construirlo con retazos. Así, la quimera de Omar, con sus tristezas y sus alegrías, con sus ladrillos al viento, las butacas desvencijadas, un viejo proyector oxidado y esos carteles escritos a mano, lleva consigo la satisfacción y la calma que provocan las misiones cumplidas.

How do we measure our passion for film? Hundreds of movies have tried it, with more or less inspired and effective stories, intending to turn an emotion –which, like any love, is unique– into something universal. A Concrete Cinema draws close to the intangible spell that is implied by the need to somehow belong to film, to give something back to it, even if we feel it is impossible. The film tells the story of Omar, a construction worker from Villa Elisa, a small town in the province of Entre Ríos, who rejects the idea that big screens may disappear. He will do anything he can to preserve that which he has held on to since he was a child, even though he has to build it with the remnants of what was. Omar’s pipe-dream, with its joys and sadness, with its bricks to the wind and ramshackle seats, with an old, rusty projector and some hand-written cards, carries the satisfaction and calm of a mission accomplished.

Luz Ruciello Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires, donde vive actualmente. Trabaja como asistente de dirección y continuista en cine y publicidad desde 2002. Dirigió los cortos Seis horas así (2001), Madreselva (2015) y La creciente (2016), y el videoclip The Alcoholic (2011), de la banda Röyksopp. Eng She studied Image and Sound Design at the University of Buenos Aires. Currently living in Buenos Aires, she has been an assistant director and script supervisor for film and advertising since 2002. She directed the shorts Seis horas así (2001), Madreselva (2015) and La creciente (2016), as well as the music video for Röyksopp’s The Alcoholic (2011). Argentina, 2017 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Luz Ruciello F: Lluís Miras Vega E: Carlos María Cambariere S: Javier Stavropulos M: Maxi Prietto P: María Soledad Laici

Contacto / Contact Luz Ruciello María Soledad Laici T +54 9 11 5750 5115 +54 9 11 5860 0612 E luzruciello.mail@ gmail.com soledadlaici@ gmail.com W litoralcine.com /uncineenconcreto /198338724 uncineenconcreto

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El origen de la tristeza The Origin of Sadness Las idealizaciones de la infancia, aunque justificadas, omiten que incluso las más felices son también el prólogo a la pérdida de la inocencia y a las inevitables revelaciones que la vida presenta sobre sus aspectos más oscuros. En la historia de Gabriel y sus amigos –una adaptación de la novela del mismo título escrita por Pablo Ramos–, los días de fútbol y juegos en el Viaducto de Sarandí, los recorridos por el cementerio de Avellaneda y las excursiones a una misteriosa quinta son escenas en las que confluyen la amistad, el descubrimiento del amor, los encuentros con el peligro y el paso a la adolescencia. Pero, desde ese punto, la realidad se abrirá paso en el entorno familiar y el barrio del protagonista, que comenzará a percibir el modo brusco en que la vida concluye sus etapas.

The idealizations of childhood, though justified, do not mention that an even happier time is that before the loss of innocence and the inevitable revelations that life presents of its darkest aspects. In the story of Gabriel and his friends – an adaptation of the novel with the same name, written by Pablo Ramos –, the days of soccer and games in the Sarandi Viaduct, the walks through the Avellaneda Cemetery and the trips to a mysterious country house are scenes in which friendship, the discovery of love, encounters with danger and the passage of adolescence come together. However, at this point, reality will pave the way in the main character’s family setting and neighborhood, and he will being to perceive the brusque way in which life’s stages come to an end.

Oscar Frenkel Estudió realización cinematográfica en la Escuela Aquilea. Dirigió más de cien videoclips. En 2012 codirigió con Pablo Ramos la serie Animal que cuenta, para Canal Encuentro. Eng He studied filmmaking at Aquilea School and has directed more than one hundred music videos. In 2012, he co-directed the series Animal que cuenta, for Canal Encuentro, with Pablo Ramos.

Argentina, 2017 / 71’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Oscar Frenkel G: Pablo Ramos F: Eduardo Pinto E: Marcelo Martínez DA: Oscar Escanilla S: Guillermo Quintana M: Ernesto Snajer P: Javier Leoz CP: Suda Cine I: Joaquín Gorbea, Belén Szulz, Santiago Mehri, Luciana Rojo, Lola Carballo

Contacto / Contact Suda Cine Oscar Frenkel T +54 9 11 4162 8679 +54 9 11 5869 5974 E loskyfrenkel@ gmail.com javierleoz@ sudacine.com.ar W sudacine.com.ar sudacine.com.ar/cine/ el-origen-de-la-tristeza /elestanodelospeces

Banda Sonora Original â&#x20AC;&#x201D; Original Soundtrack

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Bunch of Kunst - A Film About Sleaford Mods Cien caminos - SuĂĄrez segunda parte Sepultura Endurance American Valhalla Rumble: The Indians Who Rocked the World

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foto: Daniel Waldhecker

PANORAMA Banda Sonora Original — Original Soundtrack

Bunch of Kunst - A Film About Sleaford Mods Banda de idiotas - Una película sobre Sleaford Mods A cuarenta años de su definición, al punk lo mataron y lo revivieron tantas veces como las que cambió de forma. A esta altura del siglo XXI quizás se pueda decir que la actualización del género tiene en los Sleaford Mods su mejor versión. Andrew Fearn y Jason Williamson, dos chicos de Nottingham, conforman un dúo en el que se concentra la energía y el desencanto propios del héroe moderno de clase trabajadora, puesto a funcionar en una fórmula simple y demoledora: mientras uno dispara una base de electrónica dura, el otro escupe textos desencantados sobre la destrucción social británica –y europea, de paso–. El efecto es letal. Tanto como para que alguien ya se anime a poner esa verborrea filosa en la misma escala que las de Ray Davies, Mike Skinner y Jarvis Cocker. Este documental da cuenta de ese impacto, y sigue los pasos del dúo desde sus primeros días hasta este presente de un éxito que todavía no mide su techo.

Forty years after it was defined, punk has been killed and brought back to life as often as it changed shapes. At this point in the 21st century, you can perhaps say the best version of the genre’s update is found in the Sleaford Mods. Andrew Fearn and Jason Williamson, two Nottingham boys, make up a duo in which the energy and disenchantment of the modern working-class hero is gathered and set in motion in a simple but shattering formula: while one of them fires up a stiff electronic track, the other spits out disenchanted verses about Britain’s – and Europe’s (while they’re at it) – social destruction. The effect is lethal. So lethal, in fact, that one could dare to put that edgy verbal diarrhea at the same level as that of Ray Davies, Mike Skinner or Jarvis Cocker. This documentary shows their impact, and follows the duo’s footsteps from their beginnings to their present day success that has yet to reach its peak.

Christine Franz Periodista musical residente en Berlín, trabaja como editora de música, productora y directora para el canal de TV franco-alemán ARTE. También ha sido voluntaria en el Festival de Glastonbury por diez años. Bunch of Kunst es su primera película. Eng She is a Berlin-based music journalist, and works as a music editor, producer, and director for the French-German TV network ARTE. She has also volunteered at the Glastonbury Festival for 10 years. Bunch of Kunst is her first feature film.

Alemania - Germany, 2017 / 102’ / DCP / Color - B&N / Inglés / Alemán English / German D, G, P: Christine Franz F: Daniel Waldhecker E: Oliver Werner S: Harald Ansorge, Julius Hofstädter M: Sleaford Mods, EXTNDDNTWRK I: Jason Williamson, Andrew Fearn, Steve Underwood, Iggy Pop, Geoff Travis

Contacto/Contact Magnetfilm GmbH Frauke Knappke T +49 030 2462 8156 E frauke.knappke@ magnetfilm.de W magnetfilm.de bunchofkunst.com bunchofkunst

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Cien caminos - Suárez segunda parte One Hundred Paths. Suárez Second Part Entre dos luces - Suárez primera parte se metía detrás

Entre dos luces - Suárez primera parte went behind the

de escena con una banda fundamental para el rock independiente de los 90 de la que no había quedado demasiado registro: un lado de un casete, cuatro discos, un EP de versiones, algunos clips y no mucho más. Si en la primera parte la cámara de Fernando M. Blanco capturaba la cotidianidad del grupo arriba y abajo del escenario, ahora en Cien caminos. Suárez segunda parte el director acompaña a Gonzalo, Rosario, Fabio y Diego por Europa. El acercamiento a ese mundo privado de la banda se mantiene en el viejo continente (incluida una hermosa versión de “All Apologies”, de Nirvana, por Gonzalo Córdoba en una camioneta con un xilofón), pero lo mejor de esta continuación es la contagiosa excitación del grupo durante la excursión. Ojalá Blanco cierre una trilogía íntima con ese efímero regreso de Suárez que produjo hace dos años el Festival. Nazareno Brega

scenes of a band that was fundamental in the ‘90s indie rock scene, but didn’t leave too many traces: one cassette side, four albums, an EP with versions, some music videos and not much else. If in the first part Fernando M. Blanco’s camera captured the everyday life of the group on and off stage, now in Cien caminos. Suárez segunda parte the director accompanies Gonzalo, Rosario, Fabio and Diego through Europe. The approach to that private world of the band continues in the old continent (and includes a beautiful version of Nirvana’s “All Apologies” by Gonzalo Córdoba on a xylophone, in a van), but the best thing about this follow-up is the contagious excitement of the group on tour. Hopefully, Blanco will close this as an intimate trilogy with that brief comeback by Suárez triggered by the Festival two years ago. NB

Fernando Blanco Nació en Buenos Aires en 1974. Es realizador, camarógrafo, editor, productor y músico. Desde 1997 ha realizado numerosos videoclips. Su largometraje documental Entre dos luces - Suárez primera parte fue seleccionado en el 30° Festival. Eng Born in Buenos Aires in 1974, he is a director, cameraman, editor, producer, and musician. Starting in 1997, he directed several music videos. His documentary feature Entre dos luces - Suárez primera parte was programmed in the 30º Festival.

Argentina, 2017 / 85’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, F, E, S: Fernando Blanco M: Suárez P: Fernando Blanco, Rosario Bléfari, Gonzalo Córdoba, Pablo Córdoba, Diego Fosser, Fabio Suárez CP: 100% Films I: Rosario Bléfari, Gonzalo Córdoba, Fabio Suárez, Diego Fosser

Contacto/Contact 100% Films Fernando Blanco T +54 11 6364 6839 E fernando@

100porcientofilms.com.ar mavi@ 100porcientofilms.com.ar W 100porcientofilms.com.ar 100porcientofilms.com. ar/cien-caminos-suarezsegunda-parte /100porcientofilms

PANORAMA Banda Sonora Original — Original Soundtrack

Sepultura Endurance El metal atravesó variaciones constantes en los más de 30 años que pasaron desde la formación de Sepultura. La banda lo sabe mejor que nadie, justamente porque lideró varios de esos cambios, integrando en cada una de sus metamorfosis elementos oblicuos a la ortodoxia del género o a su obra previa, y llevando al metal por nuevos horizontes que muchos artistas posteriores ayudaron a desarrollar. Sepultura Endurance recorre esta evolución continua, los cambios de estilo y formación que atravesó la banda y la relación de sus miembros actuales con esa historia. Los testimonios exploran distintas aristas del fenómeno (e incluyen presencias de lujo, como las de Lars Ulrich, Scott Ian y Corey Taylor), el material de archivo sorprende y el sonido de la banda nunca decepciona, pero sobre todo el documental se asoma sin restricciones a la química que sigue sosteniendo al gran grito del thrash.

Heavy metal music (aka, “metal”) has faced constant variations in the 30 plus years that have passed since Sepultura was formed. The band knows this better than anyone, precisely because it led many of those changes, integrating in each one of their metamorphoses elements that were not in line with the orthodoxy of the genre or their previous work, and taking metal to new horizons that many subsequent artists helped develop. Sepultura Endurance traces that continuous evolution, the changes in style and lineup the band went through and the relationship of their current members with that history. The testimonies explore different aspects of the phenomenon (including important guests appearance by figures like Lars Ulrich, Scott Ian and Corey Taylor), the archive footage is remarkable and the band’s sound never disappoints, but above all, the documentary leans out with no restrictions to observe the chemistry that still holds together the great cry of thrash metal.

Otavio Juliano Director, productor, y guionista, sus trabajos incluyen Third World California (2006) y A árvore da música (2011), seleccionada en más de 20 festivales en todo el mundo. Eng A director, producer and writer, his works include Third World California (2006) and The Music Tree (2011), selected in more than 20 film festivals around the world.

Brasil - Brazil, 2017 / 103’ / DCP / Color / Inglés / Portugués - English / Portuguese D, G: Otavio Juliano E: Luciana Ferraz M: Sepultura P: Luciana Ferraz, Otavio Juliano CP: Interface Filmes I: Lars Ulrich, Corey Taylor, Phil Anselmo, Scott Ian, Sepultura

Contacto/Contact Interface Filmes Luciana Ferraz T +55 11 975 443 448 E lucianaferraz@ interfacefilmes.com.br W interfacefilmes.com.br sepulturafilme.com.br

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American Valhalla Luego de casi medio siglo de carrera, y con The Stooges fuera de juego, había quienes pensaban que a Iggy Pop ya no le quedaban cartas por marcar. Pero se sabe: la iguana cambia de piel constantemente. A los setenta años, el llamado “padrino del punk” acciona una de las mejores movidas de su carrera: recurre a Josh Homme, líder de Queens of the Stone Age, para encarar la composición y la producción de Post Pop Depression, su álbum definitivo, el mejor en muchísimo tiempo. American Valhalla indaga en la intimidad de la relación entre ellos, recorre el galanteo de la previa y se introduce en la dinámica de trabajo, en un estudio en medio del desierto californiano, a partir de los textos que los propios protagonistas escribieron a modo de diario de viaje íntimo. Hasta la figura de David Bowie –que murió apenas terminada la grabación– sobrevuela la experiencia como certificando uno de los últimos gestos auténticos y maduros que el punk contemporáneo supo plasmar.

After almost half a century on in his career, and with the Stooges out of the game, there were those who thought that Iggy Pop had no cards left to play. But it is known: the iguana changes its skin constantly. At seventy, the so-called “godfather of punk” activates one of his best career moves: he turns to Josh Homme, leader of Queens of the Stone Age, in order to compose and produce Post Pop Depression, his definitive album, his best in a very long time. American Valhalla delves into the intimacy of their relationship, covers the initial courtship and depicts the work dynamic in a studio in the middle of the California desert by means of some texts the protagonists themselves had written in the form of a travel log. Even the figure of David Bowie –who died after the recording wrapped– flies over the experience as if it were certifying one of the last authentic, mature gestures contemporary pop was able to convey.

Andreas Neumann & Joshua Homme Andreas nació en Alemania en 1967. Produjo y dirigió cientos de comerciales internacionales y videoclips. Joshua nació en California en 1973. Tocó en muchas bandas antes de ser el productor y cantante de The Queens of the Stone Age. Eng Andreas was born in 1967 in Germany. He produced and directed hundreds of international commercials and music videos. Joshua was born in California in 1973. He played in multiple bands before becoming a producer and lead singer of The Queens of the Stone Age.

Estados Unidos - USA, 2017 / 81’ / DCP / Color / Inglés - English D: Andreas Neumann, Joshua Homme G, P: Joss Crowley F: Andreas Neumann, Jason Adler E: Tim Woolcott S: Wid Cook CP: Eagle Rock Films, Do Stuff Corporation, Siouxx Productions, American Valhalla I: Iggy Pop, Joshua Homme, Dean Fertita, Matt Helders, Troy Van Leeuwen, Matt Sweeney, Patrick "Hutch" Hutchinson, Anthony Bourdain

Contacto/Contact More 2 Screen Clare McCollum E clare@more2screen.com W more2screen.com @more2screen /more2screen

more2screen

PANORAMA Banda Sonora Original — Original Soundtrack

Rumble: The Indians Who Rocked the World Rumble: los indios que rockearon el mundo En 1958, el músico estadounidense Link Wray editó “Rumble”, quizás el primer tema musical en ser prohibido por el gobierno de su país por temor a que generara delincuencia juvenil. Lo curioso del caso es que se trataba de un tema instrumental: lo amenazante no era su inexistente letra, sino los tres acordes de guitarra distorsionada y la actitud desafiante de Wray, un proto rockero de la etnia Shawnee de Carolina del Norte. Rumble toma su nombre de esa canción, y rastrea la influencia fundamental que diez músicos descendientes de los pueblos originarios de América (prácticamente ignotos para el gran público, como Buffy Sainte-Marie, Charlie Patton y Mildred Bailey) tuvieron en los orígenes del rock & roll. La película avanza a través de los testimonios de figuras del género como Iggy Pop, Slash y Steven Van Zandt, y de conocedores como Martin Scorsese, que contagian su genuino interés por el tema. Lucas Garófalo

In 1958, US musician Link Wray released “Rumble,” perhaps the first musical piece to be banned by the government of that country for fear of it generating juvenile delinquents. What’s curious about this is that it was an instrumental theme: it wasn’t its non-existent lyrics that were threatening, but the three distorted guitar chords and the defying attitude of Wray, a proto-rocker of North Carolina’s Shawnee ethnicity. Rumble takes its name from that song, and traces the fundamental influence ten musicians of Native American ascent (practically unknown to mass audiences, such as Buffy Sainte-Marie, Charlie Patton and Mildred Bailey) had in the origins of rock & roll. The film moves forward through testimonies by figures from the genre like Iggy Pop, Slash and Steven Van Zandt and connoisseurs like Martin Scorsese, who transmit their genuine interest on the subject. LG

Catherine Bainbridge & Alfonso Maiorana Catherine es cofundadora de Rezolution Pictures, dirigió varios documentales, ficciones y proyectos interactivos. Alfonso reside en Montreal y trabajó en películas de Hollywood, largometrajes independientes y series de televisión. Dirigió, entre otras, The Big World, que tuvo su estreno en el Festival de Montreal. Eng Co-founder of Rezolution Pictures, Catherine has directed several documentaries, fiction films and interactive media projects. Based in Montreal, Alfonso worked on Hollywood films, independent features, and television series. He directed, among others, The Big World premiered at the Montreal International Film festival.

Canadá - Canada, 2017 / 102’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Catherine Bainbridge, Alfonso Maiorana F: Alfonso Maiorana E: Jeremiah Hayes, Ben Duffield M: Benoît Charest P: Catherine Bainbridge, Christina Fon, Linda Ludwick, Lisa M. Roth CP: Rezolution Pictures Inc I: Mildred Bailey, Randy Castillo, George Clinton

Contacto/Contact Films Transit International Jan Rofekamp T +1 514 844 3358 E janrofekamp@ filmstransit.com

Hora Cero â&#x20AC;&#x201D; Midnight Screamings

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Brawl in Cell Block 99 Housewife How to Talk to Girls at Parties Laissez bronzer les cadavres Les AffamĂŠs Lowlife Matar a Dios The Disaster Artist Tokyo Vampire Hotel

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PANORAMA hora cero — midnight screamings

Brawl in Cell Block 99 Riña en el pabellón 99 Hay que pensar mucho para nombrar un debut actual

One would have to think a lot in order to come up with a

más contundente que el de S. Craig Zahler con Bone Tomahawk, que tomó por sorpresa a la cinefilia con la misma efectividad con que sus salvajes protagonistas lo hicieron con sus víctimas. En su nueva brutalidad cinematográfica, Zahler trueca la escalpación por los puños desnudos de Vince Vaughn. La consigna es sencilla: su protagonista debe matar a un delincuente, huésped de la peor prisión de máxima seguridad, para lo que deberá descender al mismísimo infierno. Además de director y guionista, Zahler es novelista y músico, por eso es lícito establecer un paralelo entre Brawl y alguno de los primeros temas de los Pixies, siguiendo su fórmula ruido-silencio-ruido y reemplazando aquí el ruido por los esporádicos estallidos de violencia, esos que hacen de esta alucinante y alucinada película uno de los pináculos de Hora Cero.

debut as powerful as S. Craig Zahler’s Bone Tomahawk, which took cinephilia by surprise with the same effectiveness as its savage protagonists did to their victims. In his new cinematographic brutality, Zahler switches scalping for Vince Vaughn’s naked fists. The premise is simple: the main character has to kill a criminal, an inmate at the worst maximum security prison, and to do so he will have to descend into hell itself. Apart from being a writer-director, Zahler is also a novelist and musician, which makes it legitimate to establish parallels between Brawl and some of the Pixies’ first songs, taking their loud-quiet-loud formula and replacing the noise with sporadic outbursts of violence, which turn this astounding film into one of the pinnacles of Midnight Screamings.

S. Craig Zahler Nació en 1973 en Miami, Estados Unidos. Es director, escritor, guionista y músico. Escribió el guion de The Incident (2011) y dirigió Bone Tomahawk (2015). Escribió las novelas A Congregation of Jackals (2010) y Corpus Chrome, Inc. (2014), entre otras. Eng He was born in Miami, in 1973, and is a director, writer, screenwriter and musician. He wrote the script for The Incident (2011) and directed Bone Tomahawk (2015). He wrote the novels A Congregation of Jackals (2010) and Corpus Chrome, Inc. (2014), among others.

Estados Unidos - USA, 2017 / 132’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: S. Craig Zahler F: Benji Bakshi E: Greg D'Auria DA: Freddy Waff S: Rich Bologna M: S. Craig Zahler, Jeff Herriott P: Jack Heller, Dallas Sonnier CP: Assemble Media, Cinestate, IMG Films, XYZ Films I: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Don Johnson, Udo Kier

Contacto/Contact Park Circus Films Graham Fulton T +44 0 141 332 2175 E graham@parkcircus.com W parkcircus.com /parkcircusfilms @ParkCircusFilms park.circus.films

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Housewife Ama de casa Dejemos hablar al propio director acerca de su segundo largometraje: “Es casi una continuación de mi trabajo anterior, los temas recurrentes de la sexualidad, la familia, la claustrofobia social y las pesadillas. Esta vez desde la perspectiva femenina. Si se puede decir que Baskin era mi homenaje a Carpenter y Stephen King, ahora son Argento y Fulci”. Y se queda corto, porque también Mario Bava y Michele Soavi dicen presente en este tributo al costado más esotérico del giallo, una división del terror europeo en el que el sadoerotismo también juega un rol importante. La trama sigue a Holly, a quien, a los siete años, le tocó ser testigo de la sangrienta muerte de su padre y hermana en manos de su demencial madre. Veinte años después, Holly y su esposo son atraídos por una amante de ambos a unirse a las filas de una sospechosa agrupación. Una pesadilla de proporciones bíblicas bañada en sangre.

We shall let the director himself speak about his second feature film: “It is almost a continuation of my previous work, the recurring themes of sexuality, family social claustrophobia and nightmares. If we can say that Baskin was my tribute to Carpenter and Stephen King, now it is to Argento and Fulci.” But this falls short, because also Mario Bava and Michele Soavi are present in this tribute alongside that most esoteric of giallo cinema, a sub-genre of European horror in which sado-eroticism also plays an important role. The plot follows Holly who, at seven years of age, had to testify about the bloody murder of her father and sister at the hands of her demented mother. Twenty years later, Holly and her husband are lured by a lover the two share to join the ranks of a suspicious association. A nightmare of biblical productions, bathed in blood.

Can Evrenol Nació en 1982 en Estambul, Turquía. Es director, guionista, editor y productor. Luego de realizar numerosos cortometrajes de género dirigió Baskin (2015), su primer film como director. Eng Born in Istambl, Turkey, he is a director, writer, editor and producer. After making many genre shorts he directed Baskin (2015), his first feature length film.

Turquía - Turkey, 2017 / 82’ / DCP / Color / Inglés - English D: Can Evrenol G: Cem Özüduru, Can Evrenol F: Tayman Tekin E: Osman Bayraktaroglu, Firat Guler DA: Cagri Aydin P: Müge Büyüktalas, Metin Anter, Erhan Ozogul I: Clémentine Poidatz, David Sakurai, Alicia Kapudag

Contacto/Contact Lowlife LLC Narineh Hacopian T +1 310 488 4586 +1 213 761 7719 E narineh@gmail.com

PANORAMA hora cero — midnight screamings

How to Talk to Girls at Parties Cómo hablar con las chicas en las fiestas Basada en un cuento corto de Neil Gaiman, la nueva película del director de la inolvidable Hedwig and the Angry Inch es tan estrambótica como apasionante: es 1977 en Croydon, un pueblo del sur de Londres y, durante una noche de juerga, tres punks adolescentes llamados Enn, John y Vic aterrizan de forma accidental en una casa ocupada por extraterrestres de apariencia humana. Entre ellos se encuentra la también adolescente Zan, quien pide a sus compañeros que le permitan salir durante 48 horas para recorrer el pueblo junto a Enn. La película funciona como retrato de una época y también como farsa de ciencia ficción, pero lo que más resalta es, por un lado, el coming of age en forma de historia de amor entre Enn y Zan y, por el otro, Nicole Kidman interpretando a la matriarca punk Queen Boadicea, con un peinado que remite a Cruella de Vil, Siouxsie Sioux y el Bowie de Laberinto en partes iguales.

The new film by the director of the unforgettable Hedwig and the Angry Inch –based on a short story by Neil Gaiman– is as outlandish as it is enthralling: it’s 1977 in Croydon, a town south London, and during a night out, three teenagers named Enn, John and Vic accidentally land in a house occupied by human-like aliens. Among them is Zan, who is also a teenager and asks her people to allow her to go out for 48 hours and walk around town with Enn. The film works as both a period piece and a science-fiction farce, but its highlights are, on one hand, the coming-of-age in the form of a love story between Enn and Zann and, on the other, Nicole Kidman playing punk matriarch Queen Boadicea with a hairstyle that’s equal parts Cruella de Vil, Siouxsie Sioux the Labyrinth-era Bowie.

John Cameron Mitchell Nació en El Paso, Texas, en 1963. Es actor, guionista y director. Su primer largometraje fue el musical Hedwig and the Angry Inch (2001), que también escribió y protagonizó. Dirigió también Shortbus (2004) y El laberinto (2011). Participó como intérprete en las series Girls (2012) y Vinyl (2016). Eng Born in El Paso, Texas in 1963, he is an actor, script writer and director. His first feature length film was the musical Hedwig and the Angry Inch (2001), which he wrote and starred in. He also directed Shortbus (2004) y Rabbit Hole (2011). He acted in the television series Girls (2012) and Vinyl (2016).

Reino Unido - UK, 2017 / 102’ / DCP / Color / Inglés - English D: John Cameron Mitchell G: John Cameron Mitchell, Philippa Goblet, Neil Gaiman F: Frank G. DeMarco E: Brian A. Kates DA: Helen Scott S: Josh Ward M: Nico Muhly, Jamie Stewart P: Howard Gertler, Iain Canning, Emile Sherman I: Nicole Kidman, Elle Fanning, Matt Lucas, Stephen Campbell Moore

Contacto/Contact The Festival Agency Kim Reybaud T +33 954 904 863 E info@ thefestivalagency.com W thefestivalagency.com

foto: Michelangelo Marchese

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Laissez bronzer les cadavres Let the Corpses Tan / Dejad que los cadáveres se bronceen Tras las brillantes Amer y The Strange Colour of Your Body’s Tears –experiencias extremas ya vividas en Hora Cero–, la dupla Cattet-Forzani vuelve a recurrir a su rabiosa cinefilia para adaptar una violenta novela de Jean-Patrick Manchette y JeanPierre Bastid en la que todo puede pasar. Dejad que los cadáveres se bronceen suele aparecer en mesas de saldos, dato no menor, ya que se trata de una clásica novela negra pulp. Un grupo de delincuentes se refugia en un derruido caserío, entre personas inocentes. La llegada de dos policías desata un infierno plagado de balas, cuero y mucha sed de sangre. Evitando el cliché del simple western moderno, los directores nos adentran en una verdadera explosión audiovisual en la que los principales atacados son los sentidos del espectador. Una embriagadora mezcla de western, giallo, euro thriller setentoso y cine experimental, pura pulsión y cinefilia.

After the brilliant Amer and The Strange Colour of Your Body’s Tears –extreme experiences already lived in Midnight Screamings–, the Cattet-Forzani duo resorts once more to their rabid cinephilia in order to adapt a violent novel by Jean-Patrick Manchette and Jean-Pierre Bastid in which anything can happen. Let the Corpses Tan tends to appear in the bargain bin, which is not a minor detail, given that it’s a classic noir pulp novel. A group of criminals finds shelter in a village in ruins, among innocent people. The arrival of two policemen unleashes a version of hell beleaguered by bullets, leather and lots of bloodlust. Avoiding the cliché of the simple modern western, the directors give us a true audiovisual explosion in which the main victims are the viewers’ senses. An inebriating combination of western, giallo, 70s’ Eurothriller and experimental film, pure drive and cinephilia.

Hélène Cattet & Bruno Forzani Nacidos en Bélgica en 1976, Hélène y Bruno trabajan juntos desde 2000. Dirigieron cortos como El fin de nuestro amor (2004, 24º Festival) y un segmento de The ABCs of Death (2012, 27º Festival). Su primer largo fue Amer (2009, 24º Festival), seguido de El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo (2013, 28º Festival). Eng Born in Belgium in 1976, Hélène and Bruno have worked together since 2000. They directed the short films La Fin de notre amour (2004, 24th Festival) and a segment of The ABCs of Death (2012, 27th Festival). Their first feature length film Amer (2009, 24th Festival) was followed by The Strange Colour of Your Body’s Tears (2013, 28th Festival).

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2017 / 92’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Hélène Cattet, Bruno Forzani F: Manu Dacosse E: Bernard Beets S: Yves Bemelmans, Olivier Thys P: Eve Commenge, François Cognard CP: Anonymes Films, Tobina Film I: Elina Löwensohn, Stéphane Ferrara, Hervé Sogne, Bernie Bonvoisin, Pierre Nisse

Contacto/Contact Bac Films Distribution Juliette Béchu T +33 180 491 008 E j.bechu@bacfilms.fr W bacfilms.com/ international

PANORAMA hora cero — midnight screamings

Les Affamés The Ravenous / Los hambrientos Un puñado de personas se conocen mientras huyen para preservar sus vidas. Cada una enfrenta la amenaza zombie a su manera, en un mundo que ya no está controlado por la razón. No, no estamos ante “una más de zombies”, sino ante una de esas bienvenidas excepciones que resultan refrescantes por sus búsquedas individuales, islas en un mar de muertos vivos. El escenario es familiar –enfermedad contagiosa, voracidad de los infectados, peligro inminente y sensación apocalíptica–, pero la apuesta es mucho más alta, comenzando por su cuidada y artesanal confección cinematográfica. Aquí la periferia se presenta como posible escapatoria, un paraíso para –intentar– reconquistar. No faltan los sobresaltos ni el salvajismo desbocado, pero hay algo en el reposo planteado que recuerda tanto a Terrence Malick como a George Romero (Q.E.P.D.), con una pizca, ínfima pero inolvidable, de Mel Brooks.

A handful of people meet while running away to save their lives. Each one facing the zombie threat in her or his own way, in a world no longer controlled by reason. No, this isn’t just “another zombie flick”, but one of those welcome exceptions that becomes refreshing because of the characters’ individual ambitions, islands in a sea of the living dead. The setting is familiar – contagious disease, voracity of the infected, imminent danger and apocalyptic sensation –, but the stakes are much higher, beginning with its carefully crafted cinematic confection. Here, the periphery is presented as a possible escape, a paradise to -try toreconquer. Of course there are jump scares here and out of control wildness, but there’s something about the moments of repose that reminds one of Terrence Malick as much as of George Romero (RIP), with a touch, small but unforgettable, of Mel Brooks.

Robin Aubert Nació en 1972 en Québec, Canadá. Es actor, guionista y director. En 1999 comenzó a dirigir cortos, que le valieron numerosos reconocimientos, y en 2005 dirigió su primer largometraje, SaintsMartyrs-des-Damnés. Eng Born in Quebec, Canada in 1972, he is an actor, script writer and director. In 1999, he began directing short films that have won him numerous awards, and in 2005 he directed his first feature length film, Saints-Martyrs-des-Damnés.

Canadá - Canada, 2017 / 96’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Robin Aubert F: Steeve Desrosiers E: Robin Aubert, Francis Cloutier DA: André-Line Beauparlant S: Jean-Sébastien Beaudoin-Gagnon P: Stéphanie Morisette CP: La Maison de Prod I: Marc- André Grondin, Monia Chokri, Micheline Lanctôt, Brigitte Poupart, Charlotte St-Martin

Contacto/Contact Alma Cinema Sara May T +33 155 280 316 E sales@almacinema.com W almacinema.com /almacine

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Lowlife Malviviente El Monstruo es el último representante del eterno linaje de los Luchadores, pero en algún momento dejó de hacer el bien como sus ilustres antepasados para ser –muy a su pesar– un malviviente. No es el único que protagoniza esta negrísima fábula de gente que superó el hecho de estar al borde para caerse de un sistema que los ignora. Aquí, donde la vida es baja, vale todo. Aquí, con sordidez, el exploitation reina. La comparación sencilla y muy a mano que suele recibir Lowlife es con Pulp Fiction: sí, ahí están las tramas corales entrecruzadas en una violenta Los Ángeles, los saltos en el tiempo en la narración y el flirteo con los géneros. Y el fanatismo de Prows por Tarantino, por qué no. Sin embargo, ahí se terminan los puntos de contacto. Lowlife es otra cosa, vibra a una frecuencia única, y construye su desbocada personalidad en uno de los debuts más contundentes que ha dado el cine de género de los últimos tiempos. Rabiosamente, Prows se gana un lugar privilegiado en el panteón de directores de Hora Cero. Pablo Conde

El Monstruo is the last representative of the eternal lineage of the Luchadores, but at some point he ceased to do good like his distinguished ancestors and became –in spite of himself– a lowlife. He is not the only protagonist in this very dark fable about people who overcame being on the edge to fall from a system that ignores them. Here, where life is low, everything is fair. Here, in sordidness, exploitation reigns. The simplest, very handy thing to do is to compare Lowlife with Pulp Fiction: yes, there are many intertwined plots in a violent Los Angeles, leaps in time and genre-flirting. As well as Prows’ admiration for Tarantino, why not? However, the similarities end there. Lowlife is another thing altogether, it vibrates at a unique frequency and builds its wild personality in one of the most powerful genrefilm debuts in recent years. Rabidly, Prows wins a special place in in the pantheon of Midnight Screamings directors. PC

Ryan Prows Graduado del American Film Institute, escribió y dirigió contenidos para diversas plataformas, incluyendo videoclips, series web, sketches y contenido de marca para canales online. Se encuentra desarrollando su film de graduación Narcocorrido. Lowlife es su debut como director. Eng A graduate from the American Film Institute, he has written and directed content for a variety of platforms, including music videos, web series, sketches, and branded content for online channels. He is currently developing his thesis film Narcocorrido. Lowlife is his debut feature film.

Estados Unidos - USA, 2017 / 96’ / DCP / Color / Inglés / Español - English - Spanish D: Ryan Prows G: Tim Cairo, Jake Gibson, Shaye Ogbonna, Ryan Prows, Maxwell Towson F: Benjamin Kitchens E: Brett W. Bachman, Jarod Shannon DA: Callie Andreadis S: Owen Granich-Young M: Kreng P: Narineh Hacopian, Derek Bishé, Tim Cairo CP: Lowlife LLC I: Nicki Micheaux, Mark Burnham, Ricardo Adam Zarate, Jon Oswald

Contacto/Contact Lowlife LLC Narineh Hacopian T +1 310 488 4586 +1 213 761 7719 E narineh@gmail.com lowlifethemovie@ gmail.com W lowlifethemovie.com @lowlifethemovie /lowlifethemovie lowlifethemovie

PANORAMA hora cero — midnight screamings

Matar a Dios To Kill God ¿Qué pasaría si Dios se apareciera en una casa de familia en pleno festejo de fin de año? Con este disparador, los realizadores Caye Casas y Albert Pintó proponen un cuento que juega con el absurdo en un escenario que podría convertirse en apocalíptico. El condicional tiene asidero: quien aparece para atentar contra el futuro de la humanidad –y la paz de una familia muy poco apacible, por cierto– es un enano barbudo con ropas de vagabundo que asegura ser Dios (Emilio Gavira, uno de los marcianitos de El milagro de P. Tinto). Lo que sigue es un ejemplo de cómo hacer una comedia negrísima en un único espacio y muchas ideas. “Al planeta le iría mejor sin nosotros, solo con animales y plantas”, dice uno de los personajes, exponiendo así una misantropía a la que la película le va en zaga, y plasmada en un desorbitado festival gore como plato de postre.

What would happen if God appeared at a family home in the middle of a New Year’s Eve celebration? Using this plot device, the directors Caye Casas and Albert Pintó propose a story that plays with the absurd in a scenario that could become apocalyptic. There is a catch: the character that appears to threaten the future of humanity –and the peace of a not at all peaceful family– is a bearded dwarf dressed like a vagabond, who assures them that he is God (Emilio Gavira, one of the Martians from El milagro de P. Tinto). What follows is an example of how to make a black comedy in a unique space and with a lot of ideas. “The planet would be better off without us, just with animals and plants,” says one of the characters, displaying a misanthropy which the film carries in tow, and is materialized in an exorbitant festival of gore, served up like a plate of dessert.

Caye Casas & Albert Pintó Caye trabaja como dibujante y humorista gráfico desde 1999. Realizó cortos como I Love Cine Rambla (2009) y RIP (2017). Oriundo de Catalunya, Albert dirigió numerosos cortometrajes, entre los que se destacan Lucille (2010) y Aún hay tiempo (2014). El corto NADA S.A. (2014), codirigido por ambos, fue premiado en más de 40 festivales. Eng Caye has been working as a cartoonist and graphic humorist since 1999. He directed short films such as I Love Cine Rambla (2009) and RIP (2017). From Catalunya, Albert has directed many short films, notably Lucille (2010) and Aún hay tiempo (2014). The short film NADA S.A. (2014) which they made together has won awards in more than 40 festivals.

España - Spain, 2017 / 90’ / DCP / Color / Inglés / Español - English / Spanish D, G: Caye Casas, Albert Pintó F: Miquel Prohens E: Jordi López DA: Cristina Borobia, Toni Castells S: Adrià Campmany, Bernat Fontiana M: Francesc Guzmán Bonet P: Norbert Llaràs CP: Alhena Production I: Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja, Emilio Gavira

Contacto/Contact Alhena Production Norbert Llaràs T +34 935 572 265 +34 629 517 866 E info@alhena.cat W alhena.cat /peliculamataradios

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The Disaster Artist El artista del desastre Tommy Wiseau escribió, dirigió y protagonizó un drama psicológico sobre el amor y la traición. Al menos eso fue lo que intentó. Su película, The Room, estuvo repleta de decisiones estéticas y narrativas muy extrañas, resultó involuntariamente graciosa, y se convirtió en objeto de culto. En The Disaster Artist, otro personaje peculiar, James Franco, cuenta cómo se concibió esta fallida obra de arte. Franco no solo dirigió la película con un excelente ojo y oído para la comedia, sino que también entregó una de sus mejores interpretaciones, imitando los extraños modos y el acento de Wiseau. Lo acompaña su hermano Dave como Greg Sestero, compañero de aventuras de este Ed Wood del siglo XXI, y otros célebres amigos –Seth Rogen, Zac Efron, Bryan Cranston, Judd Apatow, Melanie Griffith y Sharon Stone– que suman su aporte a esta celebración de una de las mejores películas malas de la historia del cine. María Fernanda Mugica

Tommy Wiseau wrote, directed and starred in a psychological drama about love and betrayal. Or at least that’s what he tried to do. His film, The Room, filled with very weird aesthetic and narrative choices, ended up as something involuntarily funny and became a cult favorite. In The Disaster Artist, another peculiar character, James Franco, tells how this failed work of art was conceived. Not only did Franco direct the film with an excellent eye and ear for comedy, but also gave one of his best performances, imitating Wiseau’s strange ways and accent. He is joined by his brother Dave as Greg Sestero, partner in crime of this 21st century Ed Wood, and other famous friends –Seth Rogen, Zac Efron, Bryan Cranston, Judd Apatow, Melanie Griffith and Sharon Stone– who contribute to this celebration of one of the best bad movies in history. MFM

James Franco Nació en California en 1978. Reconocido por su trabajo actoral en películas como 127 horas (2010) y El hombre araña (2002), es también un prolífico guionista, escritor, productor y director. Dirigió, entre otras, Child of God (2013) y As I Lay Dying (2013). Actualmente trabaja en la serie The Deuce (2017). Eng Born in California in 1978, he is recognized for his acting work in films such as 127 Hours (2010) and Spider-Man (2002). He is also a prolific script writer, writer, producer and director. He has directed, among other films, Child of God (2013) and As I Lay Dying (2013). He is currently working on the series The Deuce (2017).

Estados Unidos - USA, 2017 / 105’ / DCP / Color / Inlgés - English D: James Franco G: Scott Neustadter, Michael H. Weber F: Brandon Trost E: Stacey Schroeder DA: Chris Spellman S: Gabe Hilfer P: Vince Jolivette, James Franco, Seth Rogen, James Weaver, Evan Goldberg CP: New Line Cinema, Good Universe I: Dave Franco, James Franco, Seth Rogen, Ari Graynor, Alison Brie, Jacki Weaver, Paul Scheer, Josh Hutcherson, Zac Efron

Contacto/Contact Warner Bros. Pictures Argentina Mariana Mutri E mariana.mutri@fox.com

PANORAMA hora cero — midnight screamings

Tokyo Vampire Hotel Hotel Vampiro de Tokyo Sion Sono adapta al formato largometraje una miniserie, filmada en Rumania y en su país natal, lanzada exclusivamente para la plataforma de Amazon Japón, y una vez más demuestra que –sin importar dónde se vea su trabajo o quién lo financie– sigue siendo uno de los directores-guionistas más talentosos y creativos del mundo. Solo basta una breve enumeración de elementos de trama y estética que se pueden vislumbrar en las más de dos horas y media de metraje: rituales satánicos en latín, asesinatos masivos con ametralladora, la posible destrucción total del mundo por bombas nucleares plantadas por vampiros conspirativos, habitaciones de hotel pintadas con bellísimos colores primarios, un concurso a contrarreloj donde hombres y mujeres deben encontrar pareja o serán asesinados, y coreografías con espadas y armas que podrían ser la envidia del mejor director de films de acción. Jaime Grijalba

Sion Sono adapts to feature length format a miniseries shot in Romania and his home country and released exclusively for Amazon Japan, and once more proving that –no matter where his work is seen or who finances it– he is still one of the most talented and creative writer-directors in the world. Just a brief list of plot and aesthetic elements that can be glimpsed in the more than two and a half hours of running time would be enough: Satanic rituals in Latin, mass machine-gun murders, the possible total destruction of the world by nuclear bombs planted by conspiratorial vampires, hotel rooms painted with beautiful primary colors, a contest against time where men and women must find a partner or be murdered, and choreographies with swords and weapons the best action-film director would envy. JG

Sion Sono Nacido en Toyokawa, Japón, en 1961, escribe poesía desde joven. Dirigió películas como Suicide Club (2001), Guilty of Romance, Himizu (ambas de 2011 y exhibidas en el 26º Festival), Why Don’t You Play in Hell? (2013; 28º Festival), Tokyo Tribe (2014; 29º Festival) y Love & Peace (2015, 30º Festival). Eng Born in Toyokawa, Japan in 1961, he has been writing poetry since he was young. He has directed many films, including Suicide Club (2001), Guilty of Romance and Himizu (both in 2011 and screened at the 26th Festival), Why Don’t You Play in Hell? (2013, 28th Festival), Tokyo Tribe (2014, 29th Festival) and Love & Peace (2015, 30th Festival).

Japón - Japan, 2017 / 142’ / DCP / Color / Japonés - Japanese D, G: Sion Sono F: Maki Ito, Tomoaki Iwakura E: Jyunichi Ito, Yoshiki Ushiroda, Emi Onodera DA: Takashi Matsuzuka S: Fumihiko Yanagiya M: Tomonobu Kikuchi P: Naoko Komuro, Tomoo Fukatsu CP: Nikkatsu Studio, Django Film I: Kaho, Shinnosuke Mitsushima, Ami Tomite, Megumi Kagurazaka, Yumi Adachi

Contacto/Contact Nikkatsu Corporation Mami Furukawa T +81 356 891 014 E m.furukawa@ nikkatsu.co.jp

Las Venas Abiertas — Open Veins

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Los olvidados Mala vida Mirada de cristal México bárbaro II Sexo, zombies y Bret Michaels Carnada 2 Dudes 1 Van ¿Dónde está Susan?

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PANORAMA las venas abiertas — open veins

Los olvidados What the Waters Left Behind La fuerza impiadosa de una terrible inundación en Villa Epecuén dejó, en 1985, a más de 1500 personas sin hogar, cientos de cajones fúnebres flotando sobre el cementerio y ciertos lugareños abandonados en el tiempo. Tres décadas después, las aguas bajaron y dejaron al descubierto las ruinas de un pueblo que creció alrededor de las propiedades minerales y curativas de su lago. A este paisaje desértico llega el equipo de rodaje de un documental junto con una epecuense que describirá su infancia antes del desastre, y las cosas no van a tardar en volverse problemáticas. O más específicamente macabras, sangrientas y tortuosas: los hermanos Onetti se sumergen sin miramientos en el slasher, y no se privan de revisitar nuestro pasado reciente para resignificarlo, o incluso interpretar la letra de un tango con demasiada literalidad.

The relentless force of a terrible flood in Villa Epecuén in 1985 left more than 1,500 people without homes, hundreds of coffins floating over the cemetery and some locals abandoned over time. Three decades later, the waters receded and exposed the ruins of a town that grew around the mineral, curative properties of its lake. A documentary crew arrives in this deserted landscape with a local woman who will describe her childhood before the disaster, and it won’t be long until things turn problematic. Or, more specifically, macabre, bloody and tortuous: the Onetti brothers go full slasher, and dare to revisit our recent past in order to redefine it, or even to interpret the lyrics of a tango too literally.

Luciano & Nicolás Onetti Nacieron en Azul, Buenos Aires. Luciano dirigió los neo giallos Sonno profondo (2013, 28º Festival) y Francesca (2015). Los olvidados es la primera película codirigida con su hermano Nicolás, anteriormente productor y guionista. Eng They were born in Azul, Buenos Aires. Luciano directed the neo-gialli, Deep Sleep (2013, 28th Festival) and Francesca (2015). Los olvidados is the first film he has co-directed with his brother Nicolás, who previously served as producer and screenwriter.

Argentina, 2017 / 98’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Luciano Onetti, Nicolás Onetti G: Carlos Goitia, Nicolás Onetti, Luciano Onetti F: Facundo Nuble M: Luciano Onetti DA: Sebastián Del Prado P: Nicolás Onetti, Michael Kraetzer, Mariano Oliveros, Fernanda Goitia, Diego Savignano, Pablo Guisa Koestinger CP: Black Mandala Films, Rusty Robot, Onetti Brothers Productions I: Mirta Busnelli, Gustavo Garzón, Agustín Pardella, Victoria Maurette, Victorio D'Alessandro

Contacto/Contact Nicolás Onetti T +54 9 0228 11558 8463 E niconet7@hotmail.com

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Mala vida A Bad Life Una estrella de música pop adolescente que está aprovechando su momento de ascenso, otra joven de espíritu aún más rebelde, un joven eternamente enamorado y un puñado de delincuentes de poca monta conforman un grupo de personajes que tienen algo en común: los espera un destino compartido pero de final incierto. Ellos son solo algunos de los curiosos personajes que dan forma a Mala vida, una película que transita el terreno de la comedia negra, con ribetes disparatados. Este conglomerado de coloridos y bizarros personajes confluyen en un momento –el menos– indicado, para desencadenar situaciones inesperadas de violencia y caos general. El nuevo film del realizador de Plaza de almas y Monumento sorprende con un registro nuevo, cierto desenfreno y mucha frescura, plasmando un estilo poco frecuente en el cine local.

A teenage pop music star who is taking advantage of her rise to fame, another young woman with a more a rebellious spirit, a young man who is always in love and a handful of low-level criminals make up a group of characters that have something in common: a shared destiny with an uncertain future. These are just a few of the curious characters that shape Mala vida, a film that travels through the terrain of the black comedy, with some ludicrous trimmings. This band of colorful and bizarre characters comes together at the –least– right time, unleashing unexpected situations of violence and general chaos. The new film by the director of Plaza de almas y Monumento surprises with its new way of filming, its abandon and freshness, realized in a style that is very uncommon in Argentine film.

Mad Crampi & Fernando Díaz Fernando es un director, guionista y productor argentino. Dirigió películas como Plaza de almas (1997) y La extranjera (2008). Mad Crampi es músico, poeta y cineasta. Dirigió, entre otras, Run Run, Bunny! (2003, 18º Festival) y Todos mis muertos (2012, 27º Festival). Eng Fernando is an Argentine director, screenwriter and producer. He directed films such as Plaza de almas (1997) and La extranjera (2008). Mad Crampi is a musician, poet and filmmaker. He directed, among others, Run, Run, Bunny! (2003, 18th Festival) and Todos mis muertos (2012, 27th Festival).

Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Mad Crampi, Fernando Díaz F: Salvatore Luccerto E: Juan Pablo Olguín DA: Silvana Gizzi, Andrea Kluger, Fernando Díaz S: Pablo Isola M: Los Tormentos P: Fernando Díaz CP: Machaco Films S.R.L I: Maxi Ghione, Joaquín Berthold, Vera Spinetta, Belén Chavanne, Sebastián “Berta” Muñiz

Contacto/Contact Machaco Films S.R.L Fernando Díaz T +54 9 11 5484 8721 E fernandodiazmail@ gmail.com W machacofilms.com.ar /machacofilms user9642334 machacofilms

PANORAMA las venas abiertas — open veins

Mirada de cristal Crystal Eyes Exagerada a un punto sobrenatural, de gestos

Extravagant to the point of being supernatural, with

euroterroríficos y con una composición visual flash-neón, Mirada de cristal se erige eficiente como un giallo pop. Y, entre sus guantes de cuero, los asesinatos enmascarados y la música de sintetizadores con perfume a drama valerialyncheano, aprovecha estos bríos para demostrar que en Argentina se puede filmar un cine estético. A propósito, dicen que el mundo de la moda es frívolo pero también perverso. Y la maldición de una supermodelo fallecida en extrañas circunstancias aqueja a la próxima chica de tapa. Por eso, los ToyBoys, Inc. Movies, que ya habían sorprendido con Un viernes negro: La maldición del gato, se destacan con esta Suspiria moderna aplicando un entendimiento preciso de la obra de Mario Bava, de Lucio Fulci y, fundamentalmente, de Dario Argento, maestro de la sequenza lunga y la violencia coreografiada. Hernán Panessi

Eurohorrifying gestures and a flash-neon visual composition, Mirada de cristal stands up efficiently as a pop giallo. And, with its leather gloves, its masked murders and its synthesized music with the scent of a valerialynchean drama, it uses that elegance to show that aesthetical cinema can be made in Argentina. To this end, they say the fashion world is frivolous, but also perverse. And the curse of a supermodel that died in mysterious circumstances haunts the next cover girl. That is why the people at ToyBoys, Inc. Movies, who had already surprised everyone with Un viernes negro: La maldición del gato, stand out once more with this modern Suspiria by employing a precise understanding of the work of Mario Bava, Lucio Fulci and, especially, Dario Argento, master of the sequenza lunga and choregraphed violence. HP

Ezequiel Endelman & Leandro Montejano Trabajaron juntos en la realización de cortometrajes y videoclips. En 2014 lanzaron la serie web de terror No podrás dormir esta noche. Su tercer episodio fue la génesis de Mirada de cristal. Eng They have worked together making short films and music videos. In 2014, they released the horror web series No podrás dormir esta noche. Its third episode was the genesis for Mirada de cristal.

Argentina, 2017 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Ezequiel Endelman, Leandro Montejano F: Vanina Gottardi, Cecilia Casas E: Ezequiel Endelman DA: Ezequiel Endelman, Leandro Montejano, Issis Trash S: Oscar Pata, Francisco Palleiro M: Pablo Fuu P: Ezequiel Endelman, Leandro Montejano, Tamae Garateguy CP: ToyBoys, Inc. Movies, De Okinawa Cine I: Silvia Montanari, Adriana Salgueiro, Claudia Lapacó, Anahí Polit, Erika Boveri

Contacto/Contact ToyBoys, Inc. Movies Ezequiel Endelman T +54 9 11 5717 6724 E endelito@hotmail.com /eze.endelman

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México bárbaro II En 1910, el periodista norteamericano John Kenneth Turner escribió una serie de artículos llamados México bárbaro, denunciando la oscuridad y el sadismo de la dictadura de Porfirio Díaz. Más de 100 años después, un convoy de jóvenes cineastas abrazan y rediseñan ese concepto con su propia visión del horror, su México bárbaro personal. La segunda edición de la antología reúne a 9 directores mexicanos para pintar las leyendas y tradiciones más curiosas, brutales y sangrientas de su país. Y, en sus entrañas, un mundo de historias que forman parte de la cultura popular chicana: desde un soldado pagano hasta la brujería infantil, pasando por ritos sexuales y una reversión moderna de La Llorona. Por acá flota la chance de ver un lienzo del cine de terror azteca, de conocer cuáles son sus miedos y de descubrir por qué siguen teniendo tanta fascinación por la muerte. Hernán Panessi

In 1910, the American journalist John Kenneth Turner wrote a series of articles called Barbaric Mexico, denouncing the darkness and sadism of the dictatorship of Porfirio Diaz. More than 100 years later, a band of young filmmakers embrace and redesign that concept with their own vision of horror, their personal Barbaric Mexico. The second edition of the anthology brings together nine Mexican directors to paint the most curious, brutal and bloody legends and traditions of their country. And, in its gut, a world of stories that are part of Chicano popular culture: from a pagan soldier to child witchcraft, through sexual rites and a modern revisioning of La Llorona. Floating here is the possibility of seeing a canvas of Aztec horror cinema, knowing what their fears are and discovering why they continue to have so much fascination for death. HP

Los directores / The directors Lex Ortega, Abraham Sánchez, Fernando Urdapilleta, Diego Cohen, Ricardo Farías, Christian Cueva, Michelle Garza, Carlos Meléndez, Sergio Tello.

México - Mexico, 2017 / 118’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Lex Ortega, Abraham Sanchez, Fernando Urdapilleta, Diego Cohen, Ricardo Farías, Christian Cueva, Michelle Garza, Carlos Melendez, Sergio Tello S: LSD Audio P: Abigail Bonilla CP: RABYA Producciones, LSD Audio, Mr. Blue, Monkey Bussisness, La Palma de Oro Films, Nobody, Giant Films, Grotesque

Contacto/Contact Rabya Producciones Abigail Bonilla Vargas T +044 55 1883 2208 E abigail.comunicando@ gmail.com rabyaproducciones@ gmail.com @MexBarbaroFilm /mexicobarbarofilm

PANORAMA las venas abiertas — open veins

Sexo, zombies y Bret Michaels Sex, zombies and Bret Michaels Como una suerte de Delirium y Fin de semana de locura sazonada con una pizca de aquella época en que VideoFlims, FARSA y compañía movían la pelota de las comedias alocadas y bajo presupuesto, Sexo, zombies y Bret Michaels entroniza su cualquierismo en un concepto claro: no le importa nada. Su humor se tensa entre las faltas de respeto a todos los pósters nacionales (de Campanella a Olmedo, da igual) y su fanatismo baboso por la cultura pop (Mortal Kombat, las pelis de terror). Y, como corolario de esta buddy movie subnormal y millennial, el deseo irrefrenable por tener actividad sexual, una misteriosa rusa y más problemas de los que enfrenta cualquier protagonista promedio. Sexo, zombies y Bret Michaels es la continuadora del cine de adultescentes yanqui que cambió a una generación entera. Pero eso sí: lo que late en sus adentros es un espíritu 2.0 y youtuber, más criollo que Francella y el Diego juntos. Hernán Panessi

Like a sort of Delirium meets Weekend at Bernie’s seasoned with a pinch of that time when groups like VideoFlims, FARSA and company were making goofball low-budget comedies, Sexo, zombies y Bret Michaels enthrones its absurdity on a clear concept: it doesn’t care a bit. Its humor tautens between its lack of respect for all national icons (whether Campanella or Olmedo, they are all the same) and its slimy taste for pop culture (Mortal Kombat, horror movies). And, as a corollary to this retarded millennial buddy movie, the uncontrollable urge to engage in sexual activity, a mysterious Russian woman and more trouble than the average protagonist can deal with. Sexo, zombies y Bret Michaels is the continuation of the U.S. “adultescent” films that changed an entire generation. But this much is true: what beats inside is a 2.0, YouTuber spirit, more Argentina than Francella and Maradona rolled up in one. HP

Samot Márquez Estudió dirección de cine en la Escuela Profesional de Eliseo Subiela. Tras varios cortometrajes dirigió Entre las sombras (2013, 28º Festival), su primer largo, realizado sin presupuesto ni apoyo. Actualmente está trabajando en Jazmín, su tercera película. Eng He studied filmmaking at the Escuela Profestional de Eliseo Subiela. After directing numerous short films, he directed Beneath the Shadows (2013, 28th Festival), his first feature length film, made with no budget or support. He is currently working on Jazmín, his third feature.

Argentina, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish D, F, E: Samot Márquez G: Samot Márquez, Pablo Legeren, Emmanuel Danann DA: Lilia Lemoine S: Andrés Pande Thomas M: Pablo Legeren P: Samot Márquez, Pablo Legeren CP: A Darle Átomos producciones I: Pablo Legeren, Emmanuel Danann, Lilia Lemoine

Contacto/Contact A Darle Átomos Samot Márquez T +54 11 4401 5900 +54 11 6452 3239 E samotmarquez@ gmail.com pablolegeren@ hotmail.com /ZombiesyBretMichaels

229 cortometrajes tungsteno films — tungsteno short films

Carnada — Bait Argentina / Ecuador, 2017 / 4’ / DM / Color D, G: Pedro Maccarone, Max Franco F: Hernán Eizmendi E: Pedro Maccarone S: Julián Alonso M: Ezequiel Vila P: Michael Endara, Guillermo Ros, Nicolás Castellano CP: Tungsteno Films I: Pía Romano, Pedro Maccarone, Max Franco Una joven escapa de una feroz bestia a toda velocidad por una espesa selva. De pronto, una misteriosa puerta. ¿Podría conducir hacia su salvación?

A young woman is escaping at full speed through a thick jungle from a ferocious beast. Suddenly, a mysterious door. Could it lead her to salvation?

2 Dudes 1 Vang — 2 tipos 1 vang Argentina, 2017 / 14’ / DM / Color / Inglés - English D, G: Pedro Maccarone, Max Franco E: Pedro Maccarone S, M: Nicolás Requena P: Natalia Fernández CP: Tungsteno Films I: Guillermo Jáuregui, Gabriela Beltramino, Pedro Maccarone, Max Franco Dos desagradables muchachos son un éxito en Internet con su show pornográfico 2 Dudes 1 Vang, que consiste en recorrer la ciudad en busca de chicas dispuestas a divertirse dentro de su camioneta. En su último episodio, la diversión duró poco.

Two obnoxious boys are an internet success with their pornographic show 2 Dudes 1 Vang, which consists in going around town in search of girls willing to have fun inside their van. In their last episode, the fun did not last long.

¿Dónde está Susan? — Where Is Susan? Argentina, 2017 / 6’ / DM / Color / Inglés - English D, G: Pedro Maccarone, Max Franco E, S: Pedro Maccarone P: Natalia Fernández CP: Tungsteno Films I: Victoria Maurette, Belén Hofmann, Natalia Fernández, Pedro Maccarone, Max Franco En 1994, se realizó una extraña llamada de auxilio al 911. Luego de 23 años de investigación policíaca inconclusa, se ha viralizado.

Pedro Maccarone & Max Franco Pedro (Buenos Aires, 1986) y Max (Buenos Aires, 1968) se conocieron estudiando dirección y producción de cine y TV en 2004. Juntos formaron Tungsteno Films y coescribieron y dirigieron el mediometraje Wow (2013, 28º Festival) y los cortos All Bitches, Gone y Shh! (30º Festival). Eng Pedro (Buenos Aires, 1986) and Max (Buenos Aires, 1968) met while studying film and TV production and direction in 2004. Together, they formed Tungsteno Films and co-wrote and co-directed the medium length feature film Wow (2013, 28th Festival), as well as the short films All Bitches, Gone and Shh! (30th Festival).

In 1994, a distress call was made to 911. Twenty-three years after its unresolved police investigation, it has gone viral. Contacto/Contact Tungsteno Films Pedro Maccarone T +54 9 11 5933 7447 E ukpulp@gmail.com W tungstenofilms.com @TungstenoFilms tungstenofilms tungstenofilms TungstenoFilms

Ventana Documental â&#x20AC;&#x201D; Documentary Showcase 232 233 234 235 236 237 238 239 240

78/52 Ă balos, una historia de cinco hermanos Fame Makala Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle Muchos hijos, un mono y un castillo Open the Door Ni juge ni soumise Rambla, sin tu amor yo no soy nadie

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78/52 Enredados en interminables discusiones sobre el daño que causa la revelación prematura del final de un argumento, a veces olvidamos imaginar qué habrán sentido los espectadores en 1960, cuando Psicosis de Alfred Hitchcock emprendía la dedicada y paciente descripción de una secretaria que sería asesinada a los 40 minutos de la película, reinventando para siempre las posibilidades de aterrar al espectador. 78/52 indaga de manera obsesiva en las motivaciones, virtudes técnicas, influencias y antecedentes de la icónica escena de la ducha –aquella que necesitó de 78 planos, 52 cortes y una semana de rodaje para hacerse realidad–, y para eso recurre a una batería inmejorable de testimonios y opiniones (desde Peter Bogdanovich y Jamie Lee Curtis hasta Marli Renfro, doble de cuerpo de Janet Leigh) que recorren todas las aristas del momento más punzante de la historia del cine.

Entangled in the endless arguments about how much a story is ruined by finding out the ending of beforehand, at times we forget to imagine what audience members must have felt in 1960 when Alfred Hitchcock’s Psycho began its dedicated and patient description of a secretary who would be murdered 40 minutes into the film, changing forever the possibilities for terrifying an audience. 78/52 obsessively examines the motivations, technical virtues, influences and history behind the iconic shower scene which famously required 78 camera set ups, 52 editing cuts and a week of filming to achieve. And in order to conduct this investigation, the film resorts to an unsurpassable battery of testimonies and opinions (from Peter Bogdanovich and Jamie Lee Curtis to Marli Renfro, who was Janet Leigh’s body double) who discuss the sharpest artists of those times in the history of cinema.

Alexandre O. Philippe Estudió Escritura Dramática en la Tisch School of the Arts (NYU), y es el director creativo de Cinema Vertige y Exhibit A Pictures. Escribió, dirigió y produjo varias películas de ficción y documentales premiados, como The People vs. George Lucas, The Life and Times of Paul the Psychic Octopus, and Doc of the Dead. También es uno de los dueños y cocreadores de Fried Comics. Eng He studied Dramatic Writing at the Tisch School of the Arts (NYU), and is Creative Director of Cinema Vertige and Exhibit A Pictures. He has written, directed and produced numerous award-winning films and documentaries, including The People vs. George Lucas, The Life and Times of Paul the Psychic Octopus, and Doc of the Dead. He is also co-owner and co-creator of Fried Comics.

Estados Unidos - USA, 2017 / 91’ / DCP / B&N / Inglés - English D, G: Alexandre O. Phillipe F: Robert Muratore E: Chad Herschberger S: Phillip Lloyd Hegel M: Jon Hegel P: Kerry Deignan Roy CP: Exhibit A Pictures

Contacto / Contact Dogwoof Luke Brawley T +44 207 253 6244 E cluke@dogwoof.com W dogwoofglobal.com/ 7852

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Ábalos, una historia de cinco hermanos Ábalos, una historia de cinco hermanos / Ábalos, A Five Brothers Tale En los años 40, Los Hermanos Ábalos dieron a conocer la música y las danzas tradicionales del monte santiagueño en los circuitos porteños de la época, alcanzando una fama que los catapultó, incluso, al cine: se los puede ver interpretando su “Carnavalito quebradeño” en La guerra gaucha (1942), el clásico de Lucas Demare. Los hermanos permanecieron unidos durante 60 años ininterrumpidos, transformándose en una de las bandas legendarias de la música folclórica argentina, única en su estilo. A sus 88 años, el último integrante de la banda, Vitillo Ábalos, comienza una aventura: rescatar del olvido el repertorio que creó e interpretó toda su vida con sus hermanos, ahora ausentes. Acompañado por Juan, su sobrino nieto, decide emprender un viaje sonoro que los llevará por caminos que nunca habían imaginado.

During the ‘40s, the Ábalos Brothers introduced their traditional music and dances from the groves of Santiago del Estero in the Buenos Aires scene, achieving a fame that even catapulted them to cinema. They can be seen playing their “Carnavalito quebradeño” in Lucas Demare’s classic La guerra gaucha (1942). The brothers remained together for 60 uninterrupted years, becoming one of the legendary bands of Argentine folk music, unique in their style. At 88, the last band member, Vitillo Ábalos, starts an adventure: rescuing from oblivion the repertoire he created and performed throughout his entire life with his brothers, now departed. Joined by Juan, his grandnephew, he decides to embark on a sound journey that will lead them through roads they had never imagined.

Josefina Zavalía Ábalos & Pablo Noé Son productores y cineastas. Dirigieron y produjeron juntos los micros de Una historia, 10 canciones. Eng They are producers and filmmakers. Together, they directed and produced the Una historia, 10 canciones shorts.

Argentina, 2017 / 74’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Josefina Zavalía Ábalos, Pablo Noé G: Josefina Zavalía Ábalos F: Nahuel Varela E: Adrián Bao, Pablo Barboza, Juan José Gómez S: Tomás Tyrrell M: Juan Gigena Ábalos, Tomás Tyrrell P: María Vacas, Josefina Zavalía Ábalos, Pablo Noé I: Víctor Manuel “Vitillo” Ábalos, Juan Gigena Ábalos

Contacto / Contact María Vacas T +54 9 11 5479 0658 E mariavacas@ gmail.com W lapelicula.abalos.com.ar /AbalosVitillo

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Fame Fama Más allá de ser famosa mundialmente por su cerámica,

Beyond being world famous for its ceramics, the small

la pequeña ciudad de Grottaglie, en el sur de Italia, repite una característica cara a este tipo de pueblos: sufre de un aburrimiento letal. Allí, al lugar del que intentó huir, vuelve Angelo, artista plástico dispuesto a sacudir la modorra reinante y terminar con el “desierto cultural” del que, según él, sufre su ciudad natal. Para eso se asocia con amigos y colegas, expertos y talentosos prodigios del street art, con el objetivo de fundar un colectivo de artistas para intervenir la fachada de toda Grottaglie, ante los ojos incrédulos de los vecinos y el fastidio de las autoridades, más la complicidad de una madre casi tan chiflada como él. Este documental registra esa avanzada, cuando el vandalismo y el arte se fusionan en uno de los actos punk más lúcidos que, por lo recóndito, adquiere una potencia y una belleza extraordinarias.

city of Grottaglie in the south of Italy repeats a common quality of such towns: it is deadly boring. An artist named Angelo tried to flee from there once, but now he returns with the aim of shaking off the reigning apathy of the town and ending the “cultural desert”, as he puts it, from which his home town suffers. To this end, he teams up with friends and colleagues, experts and talented prodigies of street art, in order to start an artist collective to change all the facades of Grottaglie before the unbelieving eyes of the neighbors and to the annoyance of the authorities, with the help of a mother that is almost as mad as he. This documentary records that development, when vandalism and art fuse together in one of the most lucid punk acts that, for its obscurity, acquires an extraordinary power and beauty.

Angelo Milano & Giacomo Abbruzzese Angelo nació en 1983 en Grottaglie, Taranto. De 2008 a 2012 fue el curador del festival Fame de artes públicas. Giacomo nació en 1983 en Taranto, Italia. Dirigió varios cortos, como Archipel (2010) y Stella Maris (2014), premiados en numerosos festivales internacionales. Eng Angelo was born in Grottaglie, Taranto in 1983. From 2008 to 2012 he established and curated the Fame public arts festival. Giacomo was born in 1983 in Taranto, Italy. He directed several short films, including Archipel (2010) and Stella Maris (2014), which received awards at many international festivals. Italia / Francia - Italy / France, 2017 / 57’ / DCP / Color / Inglés - English D, G, E: Giacomo Abbruzzese, Angelo Milano F: Federico Annicchiarico, Jordi Esgleas, Angelo Milano, Marc Rigney, Andrew Telling, Matt Watkins S: Claire Cahu M: Panda Bear, Walls, Jamie XX, Wolf Eyes, Banda Ionica P: Sebastien Hussenot, Marco Alessi CP: La Luna Productions, Dugong Production I: Angelo Milano, Blu, Conor Harrington, JR, Momo, Nug, Ericailcane, Vhils

Contacto / Contact La Luna Productions Sebastien Hussenot T +33 608 455 642 E sebastien@ lunaprod.fr marcoalessi@ gmail.com /FAMEthemovie lunaprod

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Makala Kabwita es un carbonero congoleño que vive en una pequeña aldea junto con Lidia, su pareja, en una choza sin agua ni luz; comen rata frita y sus tres hijos necesitan medicamentos. Para intentar salir de esas condiciones de pobreza demoledoras, Kabwita trabaja con la madera de los árboles, procesándola hasta convertirla en carbón, para así emprender un largo viaje a la ciudad donde poder comercializarlo, con su bicicleta haciendo las veces de carro. La cámara del documental de Emmanuel Gras se convierte en testigo que sigue esta gesta laboral para plasmarla en tres partes diferenciadas, en un camino que revela la cruda realidad de un país sin administración. Pero aunque Makala pueda verse como un retrato de la desesperación, hay en ella una belleza extrañada que puede ser palpada por lo inmaterial del cine y su hechizo al borde de lo hipnótico.

Kabwita is a kind of coalman in the small village in the Congo where he lives with his wife, Lidia, in a hut without water or light. They eat fried rat and their three children need medicine. To try and escape this crushing poverty, Kabwita cuts lumber and processes it into coal, so he can take the long trip to the city, his bicycle serving as a cart, where he can sell it. Emmanuel Gras’s documentary camera becomes a witness that follows this labor to turn it into three different parts, in a journey that reveals the crude reality of a nation without administration. However, although Makala can be seen as a portrait of desperation, there is a surprising beauty that can be felt through the immaterial nature of the cinema and its spell that borders on the hypnotic.

Emmanuel Gras Estudió fotografía cinematográfica en el ENS Louis Lumiére. Dirigió varios cortometrajes; entre otros, La Motivation! (2002) y Tweety Lovely Superstar (2005). En 2012 realizó el documental Bovines, y en 2015, Dalbis. Eng He studied cinematography at the ENS Louis Lumiére. He directed many shorts, including La Motivation! (2002) and Tweety Lovely Superstar (2005). In 2012, he made the documentary Bovines, and in 2015, Dalbis.

Italia / Francia - Italy / France, 2017 / 57’ / DCP / Color / Inglés - English D, F: Emmanuel Gras E: Karen Benainous S: Manuel Vidal M: Gaspar Claus P: Nicolas Anthomé CP: bathysphere I: Kabwita Kasongo, Lydie Kasongo

Contacto / Contact Les Films du Losange Lise Zipci T +33 144 438 713 E l.zipci@ filmsdulosange.fr W filmsdulosange.fr/international ilmsdulosange.fr/en/film/238/ makala

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Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle Marquis de Wavrin, du manoir à la jungle / Marquis de Wavrin, de la casona a la selva Mucho antes de que existiera el canal de TV National Geographic, los europeos no tenían contacto con imágenes en movimiento de las decenas de tribus de Latinoamérica que vivían lejanas a la ilustración. Pero hubo un hombre que en los años 20 acortó la distancia entre esos dos mundos. Este documental traza el camino que recorrió el aventurero Marquis de Wavrin desde sus primeras incursiones turísticas hasta convertirse en un etnógrafo y documentalista fundamental a la hora de observar y comprender a esas pequeñas civilizaciones que aún no habían sido alcanzadas por la gran Civilización. Marquis de Wavrin, du manoir a la jungle, una película conformada por las filmaciones capturadas por el ojo atento del Marquis de Wavrin, no solo se centra en exponer la transformación técnica y narrativa del cine documental antropológico: también nos cuenta la evolución de una persona que cambió el traje de noble colonialista por el de investigador humanista.

Long before National Geographic TV existed, Europeans did not have contact with moving images of the dozens of Latin American tribes that lived far from the Enlightenment. However, in the 1920s there was a man who shortened the distance between these two worlds. This documentary traces the travels of an adventurer named Marquis de Wavrin, from his first incursions as a tourist to becoming an important ethnographer and documentary filmmaker at the time of observing and understanding these small civilizations that had still not been reached by the great Civilization. Marquis de Wavrin, du manoir a la jungle, a film made of the footage captured by the attentive eye of Marquis de Wavrin, not only focuses on revealing the technical and narrative transformation of anthropological documentary cinema, but also narrates the evolution of a person who exchanged the suit of the noble colonist for that of the humanist researcher.

Grace Winter & Luc Plantier Grace estudió historia del arte y antropología social y continuó sus estudios en la Sorbona. En 1979 se sumó a la distribuidora Progrès Films, la cual dirigió por 18 años. Luc estudió ciencias del lenguaje en la Universidad de Avignon, y obtuvo un máster en Cine en Lyon. Dirigió dos documentales radiales. Eng Grace studied Art History and Social Anthropology and continued her studies at the Sorbonne. In 1979, she joined the distribution company Progrès Films, which she directed for 18 years. Luc studied Language Sciences at the University of Avignon, and got a Master’s in Cinema in Lyon. He directed two radio documentaries.

Bélgica - Belgium, 2017 / 85’ / DCP / B&N / Francés / Inglés - French / English D: Grace Winter, Luc Plantier G: Grace Winter F: Dominique Henry, Ella Van Den Hove E: Luc Plantier DA: David Nataf S: Luc Plantier M: Hughes Maréchal P: Martine Barbé CP: Image Création.com

Contacto / Contact Image Création.com Anne Kennes T +32 0 471 731 447 E imagecreation.anne@ gmail.com /221749972

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Muchos hijos, un mono y un castillo Lots of Kids, a Monkey and a Castle El actor español Gustavo Salmerón se puso tras la cámara y

Spanish actor Gustavo Salmerón got behind the camera

ahí se quedó durante catorce años para dirigir este documental –seleccionado y premiado en el Festival de Karlovy Vary– que comenzó a filmar en 2002, en el seno de su propia familia, y utilizando diversos formatos, desde Super 8 hasta la cámara de un iPhone. Durante ese período, el director registró las encantadoras excentricidades de su extraordinaria madre Julita, quien, cuando era pequeña, tenía tres sueños de vida: tener muchos hijos, tener un mono y vivir en un castillo español. Y todos se le cumplieron. A los 81 años, una de sus hijas debe encontrar la vértebra de su bisabuela asesinada, perdida en algún lado entre la exorbitante cantidad de objetos extraños que ha acaparado durante toda su vida, y que revela una muy pintoresca historia familiar. Esta anciana tan particular está a punto de descubrir el sentido de la vida.

and stayed for fourteen years to direct this documentary – selected and awarded at the Karlovy Vary film festival– which he started filming in 2002 within his own family, using several formats, from a Super 8 camera to an iPhone. During tat period, the director captures the winsome eccentricities of his extraordinary mother Julita, who had three childhood dreams: having lots of kids, owning a monkey, and living in a Spanish castle. And all have been granted. At 81 years old, one of her children needs to find the vertebra of his murdered greatgrandmother, lost among the exorbitant amount of weird objects she has hoarded throughout her life, revealing a very picturesque family history. This unique old lady is about to find the meaning of life.

Gustavo Salmerón Actor y director nacido en Madrid en 1970. Actuó en más de treinta films de reconocidos directores como Julio Medem, Agustín Villaronga, Luis García Berlanga y Mario Camus, entre otros. En 2001 dirigió el cortometraje Desaliñada, que ganó el Goya a Mejor Corto otorgado por la Academia Española de Cine. Eng Born in Madrid in 1970, he is an actor and director. He starred in over thirty films by renowned directors like Julio Medem, Agustín Villaronga, Luis García Berlanga, and Mario Camus, among others. In 2001 he directed the short film Salad Days, which won the Spanish Film Academy’s Goya for Best Short Film.

España - Spain, 2017 / 91’ / DCP / Color / Español / Inglés - Spanish / English D, F, P: Gustavo Salmerón G: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres, Beatriz Montañez E: Raúl de Torres, Dani Urdiales S: Alberto Ovejero Deluxe Spain M: Mastretta CP: Gustavo Salmerón P.C.

Contacto / Contact Dogwoof Luke Brawley T +44 207 253 6244 E luke@dogwoof.com W dogwoofglobal.com

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Open the Door Abre la puerta La historia del cine ya definió al film carcelario como un

The history of cinema has already defined the prison film as its

género en sí mismo, con elementos y tics establecidos, tanto en la ficción como en el documental. Lo interesante de este ensayo realizado en Maiano, cárcel de máxima seguridad de Spoleto, en Perugia (Italia), es que los elude a todos. Así, se define más por lo que no es. No hay golpes bajos, no hay tragedias personales, no hay afuera. Tampoco hay malos ni buenos. El director iraní acorta caminos, y sus elecciones le permiten definir su película con una puesta en escena tan minimalista como ingeniosa. Como una mezcla de talking head con performance coreográfica, las dos partes (la primera, en colaboración con Maziar MoKhtari, en el pabellón de hombres; la otra en el de mujeres) que conforman Open the Door consiguen plasmar en imágenes esa extraña sabiduría de los que aceptan su destino sin dejar de vivir –y pensar, sobre todo– el presente.

own genre with its own elements and particular qualities, in fiction as well as in documentary. The interesting thing about this essay, filmed in the maximum security prison of Spoleto, in Perugia, Italy, is that it uses none of those elements and qualities, and so defines itself more for what it is not, than for what it is. There are no cheap shots, no personal tragedies, nothing outside of the prison. Neither are there good guys or bad guys. The Iranian director takes shortcuts and his selections allow him to define the film with a mise en scène that is so minimalist that it is ingenious. Like a mix of talking heads with choreographed performances, the two parts (the first, in collaboration with Maziar MoKhtari, in the men’s space; the other in that of the women) that make up Open the Door manage to portray in images that strange wisdom of those who accept their destiny while they never stop living – and thinking, especially – in the present.

Shahram Karimi Nació en 1957 en Irán, y creció en Shiraz. Es un artista autodidacta y exitoso tanto en su país como en Occidente. Las obras de Karimi han sido exhibidas en lugares como Irán, Turquía, Alemania, Estados Unidos y Suiza. Actualmente vive y trabaja en Alemania y Estados Unidos. Eng He was born in Iran in 1957 and grew up in Shiraz. He is a self-taught artist and is successful in his country as well as the Western World. Karimi’s works have been shown in places like Iran, Turkey, Germany, the US and Switzerland. He currently lives and works in Germany and the US.

Alemania / Italia - Germany / Italy, 2017 / 47’ / DCP / Color / Italiano - Italian D, G: Shahram Karimi F: Shahram Karimi, Maziar Moktari, Luca Lancise E: Shahram Karimi, Franccsco Di Fortunato, Maziar Mokhtari M: Strong Melody, Jane Birkin, The Tiger Lillies, Tine, Hans Zimmer P: Fiamma Arditi CP: Without Borders

Contacto / Contact Shahram Karimi T +49 224 133 6691 +49 163 170 2072 E sk.shahramkarimi@ gmail.com W shahram.karimi.com

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Ni juge ni soumise So Help Me God / Ni jueza ni sumisa Con más de 400 emisiones desde 1982, la serie de TV belga Strip-Tease adquirió estatus de culto filmando a personas comunes expresándose acerca de todo tipo de fenómenos sociales, sin voz en off ni comentarios; una suerte de resistencia a la televisión altamente formateada como modo de descifrar a una sociedad. Ahora, sus creadores siguieron a la extraordinaria y nada convencional jueza Anne Gruwez durante tres años en la resolución de un caso olvidado, una historia verdadera y nunca resuelta de hace más de veinte años: dos prostitutas brutalmente asesinadas en barrios ricos de Bruselas. En una trama detectivesca, la intriga es a menudo el pretexto para describir las vilezas del alma humana, y aquí, a medida que la investigación se reinicia, la reputación de la jueza se vuelve un elemento central, y la raison d’etre del tagline de la película: “Sin concesiones y de un modo políticamente incorrecto. No daréis crédito a vuestros ojos. No es cine: ¡es peor!”.

With more than 400 broadcasts since 1982, Belgian TV series Strip-Tease achieved cult status by filming common people and having them express themselves about all sorts of social phenomena, with no voiceover or commentary whatsoever; a sort of resistance against highly formatted television as a way of deciphering a society. Now, the team behind the show spend three years following the extraordinary, offbeat judge Anne Gruwez, who tries to solve a forgotten case, a true, unsolved twenty-year-old story: two prostitutes who were brutally murdered in rich neighborhoods of Brussels. In a detective story the intrigue is most often a pretext to describe the turpitudes of the human soul and, here, as the investigation resumes, the judge’s reputation becomes a key element, and the raison d’etre of the film’s tagline: “Unapologetic and politically incorrect. You won’t believe your eyes. It’s not cinema, it’s worse!”

Jean Libon & Yves Hinant Jean nació en 1946 en Bélgica. Se graduó en el Arts and Diffusion Institute de Bruselas. En 1985 cocreó la serie de documentales Strip-Tease. Yves nació en 1968 en Liege. Se graduó como periodista en la Université Libre de Bruxelles. Ha dirigido más de 30 películas y documentales. Eng Jean was born in Belgium in 1946. He graduated from Brussels’ Arts and Diffusion Institute. In 1985, he co-created the documentary series Strip-Tease. Yves was born in Liege in 1968. He graduated as journalist at the Université Libre de Bruxelles. He has directed more than 30 films and documentaries.

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2017 / 99’ / DCP / Color / Francés - French D: Jean Libon, Yves Hinant F: Didier Hill-Derive E: Françoise Tourmen S: David Gillain P: Bertrand Faivre, Stéphane Quinet, Patrick Quinet CP: Le Bureau, Artemis Productions I: Anne Gruwez, David Derumier, Marc Slavic, Eddy Wilmet

Contacto / Contact The Bureau Sales Geraldine Bryant T +33 140 333 380 E gb@leburaufilms.com W thebureaufilms.com

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Rambla, sin tu amor yo no soy nadie Amanece en el típico embotellamiento de la Autovía 2 donde unos personajes perdidos –una chica dark, un gitano y una especie de pastor– caminan junto a la ruta. Atraviesan campos de girasoles, llegan a la playa de Mar del Plata, suben a la rambla, y se pierden en un baile popular. Allí, desde hace más de 30 años, se juntan artistas de la calle, bailarines y cantantes. Sin permiso de nadie, bailan grandes, chicos, viejos, trabajadores, trapitos, chorros, prostitutas, desocupados, gente que duerme en la calle, y laburantes de todo el país al son de un imitador de Antonio Ríos. Una vez, cuando la intendencia quiso prohibirlo, este se encadenó por semanas hasta vencer y hacer de la rambla la fiesta popular, libre y gratuita más emblemática de Mar del Plata. Un lugar de trabajo y encuentro de miles de trabajadores que, al ritmo de la cumbia, bailan y cantan que ahí pueden ser alguien.

Morning breaks on a typical traffic jam on Highway 2 where some lost characters –a goth girl, a gypsy and some sort of pastor– walk alongside the road. They walk through sunflower fields, arrive at the Mar del Plata beach, go up the boardwalk and get lost in an open air popular dance ball. There, street artists, dancers and singers have been meeting for more than 30 years. Without asking for anyone’s permission, adults, kids, the elderly, workers, car washers, thieves, prostitutes, unemployed people, people living in the streets, and laborers from around the country dance to the sound of an imitator of Antonio Ríos, the popular cumbia singer. Once, when the mayor wanted to ban the dancing, this singer chained himself there for weeks until he won and turned the boardwalk into most emblematic popular, free popular celebration in Mar del Plata. A workplace and meeting point for thousands who, to the beat of cumbia, dance and sing so that there they can be someone.

Nicolás Bratosevich Documentalista, antropólogo social independiente, docente y cineasta. Dirigió varios cortometrajes, como Ricardo electricista de automóviles (ganador en Bafici 2005). Codirigió el largometraje Agárrese como pueda (2015, 30° Festival), el primer documental sobre el oficio y la historia del catch argentino. Eng Documentarian, independent social anthropologist, teacher and filmmaker. He directed many short films, including Ricardo electricista de automóviles (winner at Bafici 2005). He co-directed the feature Agárrese como pueda (2015, 30th Festival), the first documentary about the craft and history of Argentine pro wrestling.

Argentina, 2017 / 35’ / DM / Color /Español - Spanish D, G, E, P: Nicolás Bratosevich CP: luzmorenaCine I: Antonio Ríos,, Leandro Rey

Contacto / Contact luzmorenaCine Nicolás Bratosevich T +54 9 11 6168 9614 E bratosevich@ yahoo.com.ar W luzmorenacine. wordpress.com

Mar de Chicos — Children by the Sea

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A Hell of a Wedding As duas Irenes Mi mundial Natacha, la película Wonders of the Sea 3D Bákiro Corky Easygoing Teddy El chico Pelo-de-flor Khalkhali - Fire Negative Space Quiero Sabaku Scrambled The Little Bird and the Caterpillar

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PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

A Hell of a Wedding Janjal Dar Aroosi / Una boda infernal Reza y su familia asisten a la boda del hermano del misterioso Manouchehr, quien volvió a Irán después de varios años en el extranjero para organizar una fiesta de casamiento a todo trapo. La primera desilusión de la velada llega cuando los chicos descubren el espacio que les dedicaron en la fiesta: un salón encerrado al final de un jardín, lejos de la comida y los fuegos artificiales, y bajo la vigilancia de un extraño gruñón disfrazado de Minion. Reza y los demás niños invitados emprenden inmediatamente el escape del aburrido recinto al que fueron confinados, y cuando se disponen a arruinar la fiesta a toda costa descubren que se están entrometiendo en los planes de Manouchehr, que son mucho más grandes y peligrosos. Junto al noble perro Chocolate, y con la insistencia de las diabólicas hermanas de Reza, la pandilla será la estrella de la noche.

Reza and his family attend the wedding of the brother of the mysterious Manouchehr, who returned to Iran after many years abroad to organize a huge wedding party. The first disappointment of the evening comes when the boys discover the space reserved for the children: an enclosed hall at the end of a garden, far from the food and the fireworks and under the surveillance of a weird grumpy man in a Minion costume. Reza and the rest of the children immediately try to escape the boring facility they were confined to, and when they decide to ruin the party at all costs they discover they are interfering with Manouchehr’s plans, which are much bigger and more dangerous than theirs. Accompanied by noble dog Chocolate and with the insistence of Reza’s diabolical sisters, the gang will be the stars of the night.

Seyed Reza Khatibi Sarabi Nació en Teherán en 1969, y estudió arte dramático en París. Escribió y dirigió 7 Days in Tehran (2002), It’s Quiet in the Town, Isn’t It? (2007) y Enclose (2009), y codirigió How Is the Orchestra Conducted? (2008), de Mohammad Ahmadi. Eng Born in Tehran in 1969, he studied Dramatic Arts in Paris. He wrote and directed 7 Days in Tehran (2002), It’s Quiet in the Town, Isn’t It? (2007) and Enclose (2009), and co-wrote Mohammad Ahmadi’s How Is the Orchestra Conducted? (2008).

Irán / Francia - Iran / France, 2016 / 94’ / DCP 3D / Color D, G: Seyed Reza Khatibi Sarabi F: Mohammad Ahmadi E: Pegah Ahmadi DA: Mehdi Daylami S: Seyed Alireza Alavian M: Behzad Abdi P: Mohammad Ahmadi CP: Kavir Film Institute, Farabi Cinema Foundation, Choisy Films I: Alireza Khamseh, Mir Taher Mazloomi, Naemeh Nezamdoost, Morteza Zarabi

Contacto / Contact Farabi Cinema Foundation T +98 21 6674 7826 +98 21 6673 6840 E fcf1@dpi.net.ir W en.fcf.ir

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As duas Irenes Two Irenes / Dos Irenes Cuenta la leyenda que en alguna parte del mundo camina un

As duas Irenes portrays the legend that in some part of the

doble de cada uno de nosotros. Irene, la protagonista de As duas Irenes, confirma esta teoría cuando descubre que a pasos de su casa vive otra Irene que es hija de su padre. La duplicidad en este caso no entra en juego por el físico sino por el nombre, la edad y el parentesco, y por la necesidad de ocupar el lugar de la otra, a cualquier precio. La ópera prima de Fabio Meira, director premiado en la Berlinale por el cortometraje The Illusion, retrata la ansiedad por encontrar una identidad en medio de la tormentosa e inestable adolescencia. Pero, lentamente, la historia del doppelgänger se transforma en el cuento del príncipe y el mendigo, escondiendo en los rincones del relato la envidia que las hermanas sienten mutuamente. Una película que centra su fuerza en la complicidad luminosa que entablan las dos Irenes para combatir tanta oscuridad.

world there walks a double for each one of us. Irene, the main character, confirms this theory when she discovers that another Irene who is a daughter of her father lives very close by her house. The double in this case is not a matter of her physical appearance, but rather her name, age and kinship, and for the need to take the other’s place, at any price. The debut feature film of Fabio Meira, who scripted The Illusion –which won best documentary short at Berlin–, tells of the anxiety of finding one’s identity in the middle of the passionate, instability of adolescence. However, slowly, the plot of the doppelgänger becomes the tale of the prince and the pauper, as the sister’s mutual envy comes out of hiding from the corners of the story. It is a film that is centered on the luminous complicity of the two Irenes as they combat a great darkness.

Fabio Meira Nació en 1979 en Goiania, Brasil. Es guionista y director, graduado de la Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba. Trabajó como asistente de dirección de Ruy Guerra y dirigió varios cortometrajes y mediometrajes; entre otros, Dolores (2005), Atlântico (2008), Hoje tem alegria (2010) y Novembro (2013). Eng Born in Goiania, Brazil, in 1979, he is a screenwriter and director and graduated from the Cuba’s International School of Film and TV. He worked as Ruy Guerra’s assistant director and has directed many shorts and mid-length features including Dolores (2005), Atlântico (2008), Hije tem alegria (2010) and Novembro (2013). Brasil - Brazil, 2017 / 88’ / DCP 3D / Color D, G: Fabio Meira F: Daniela Cajías E: Virginia Flores DA: Fernanda Carlucci S: Ruben Valdés, Ricardo Cutz M: Edson Secco P: Fabio Meira, Diana Almeida I: Priscila Bittencourt, Isabela Torres, Marco Ricca, Susana Ribeiro, Inês Peixoto

Contacto / Contact True Colors Catia Rossi / Gaetano Maiorinoi T +39 0 637 352 334 E catia@ truecolours.it gaetano@ truecolours.it W truecolours.it

PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Mi mundial Home Team Es sabido que en el fútbol el camino hacia la gloria está plagado de dificultades, pero ni siquiera aquellos que con su talento logran sortearlas están exentos de caer en las trampas del éxito. Tito descubre esta verdad como lo hacen tantos otros prodigios (reales y ficticios) de la redonda: demasiado temprano para la edad que tiene, demasiado tarde como para prevenir los daños. Con solo trece años, sus notorias habilidades le conseguirán un contrato para sacar de la pobreza a su familia, pero desde ese momento empezará a alejarse del colegio, de sus padres y de la novia que dejó en su ciudad natal, por lo que irá perdiendo paulatinamente sus sostenes emocionales justo antes de que la realidad golpee con fuerza. Mi mundial describe con calidez y sensibilidad cómo la mercantilización del fútbol se cuela en la pasión de un adolescente, elevando sus ilusiones con la misma fuerza con que las derriba.

It is well known, that in in soccer the road to glory is plagued with difficulties, but not even those who are able to circumvent them with their talent are exempt from falling into the traps of success. Tito discovers this truth as has happened to many other prodigies (both real and fictional) all too well: too soon for his young age, too late to stop the damage. Only 13 year old, his notorious abilities manage to get him a contract that will pull his family out of poverty, but from that moment on he will start to move away from school, from his parents and from the girlfriend that he left behind in his hometown. And in doing so, he will slowly lose all his emotional supports just before reality hits him with a terrible blow. My mundial describes, warmly and sensitively, how the business of soccer seeps into the passion of a teenager, lifting up his dreams with the same force with which they will smash them down.

Carlos Andrés Morelli Se graduó en producción audiovisual en Uruguay y realizó una maestría de Guion de Largometraje en Madrid (ESCAC). Ha trabajado como maestro de realización y guion en universidades de España, China, México, Chile y Alemania. Dirigió varios cortometrajes; entre otros, Monstruo (2011) y Dile que quiero verlo (2014). Eng He graduated in audiovisual production in Uruguay and did a Master’s degree in feature film screenwriting in Madrid (ESCAC). He has taught filmmaking and screenwriting at universities in Spain, China, Mexico, Chile and Germany. He has directed many features including Monstruo (2011) and Dile que quiero verlo (2014). Uruguay / Brasil / Argentina - Uruguay / Brazil / Argentina, 2017/ 102’ / DCP / Color / Español / Portugués - Spanish / Portuguese D, G: Carlos Andrés Morelli F: Sebastián Gallo E: Santiago Bednarik, Carlos Morelli DA: Cristina Nigro S: André Sittoni M: Hernán González, Sergio Rojas P: Lucía Gaviglio Salkind CP: La Gota Cine, Panda Films, Pensa & Rocca, U films, Tele I: Facundo Campelo, Candelaria Rienzi, César Troncoso, Néstor Guzzini, Marcel Keoroglian, Verónica Perrotta

Contacto / Contact Habanero Alfredo Calvino T +55 229 9972 8481 E acalvino@ habanerofilmsales.com W habanerofilmsales.com

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Natacha, la película Natacha, the Movie La infancia es un planeta suspendido en el tiempo. Los

Childhood is a planet suspended in time. The mini

minihabitantes se comunican entre sí en su idioma predilecto, intentando construir un mundo de códigos jeroglíficos tan complejos que un adulto jamás podría descifrarlos. Basada en los libros de Luis Pescetti, Natacha visita ese planeta donde el absurdo es el oxígeno que mantiene con vida la imaginación de los niños. Nati y Paty son dos grandes amigas que comparten novios, secretos y el emprendimiento de escribir cartas de amor a cuatro manos para alivianarle la tarea al Cupido de los más bajitos. Mientras se preguntan de dónde vienen los pensamientos, planean una desafiante misión: demostrar que los perros ven en colores, para obtener la mejor calificación en la feria de ciencias y tecnología de la escuela. Con una mirada tierna, los directores reflejan, como afirmaba Truffaut, que cuando hablamos de chicos no existen dramas pequeños.

inhabitants communicate amongst themselves in their preferred language, trying to construct a world of hieroglyphic codes so complex that an adult will never be able to decipher it. Based on the books by Luis Pescetti, Natacha visits this planet in which the absurd is the oxygen that keeps the imagination of children alive. Nati and Paty are great friends who share boyfriends, secrets and a venture in which they write love letters in order to relieve Cupid of the work of helping the youngest ones. While they wonder where thoughts come from, they plan a challenging mission: to prove that dogs see in color in order to win the best grade in the science and technology fair in their school. With a tender gaze, the directors reflect, as Truffaut stated, that in the world of children there are no small dramas.

Fernanda Ribeiz & Eduardo Pinto Fernanda es guionista y directora especializada en educación y cine. Escribió Mundo alas, de León Gieco, tanto la película como la serie para Canal Encuentro. Natacha, la película es su primer largometraje. Eduardo es director, guionista y director de fotografía. Dirigió las películas Palermo Hollywood, Dora, la jugadora, Buen día, día, Caño dorado y Corralón. Eng Writer-director specialized in education and film. She wrote León Gieco’s Mundo alas, both the feature and the series for Canal Encuentro. Natacha, la película is her feature-film debut. Eduardo es director, screenwriter and cinematographer. He directed the films Palermo Hollywood, Dora, la jugadora, Buen día, día, Caño dorado and Corralón.

Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Fernanda Ribeiz, Eduardo Pinto G: Fernanda Ribeiz F: Eduardo Pinto E: Jimena Garcia Molt DA: Marcela Bazzano S: Omar Jadur M: Luis Pescetti, Gustavo Pomenarec P: Nicolás Batlle CP: Magoya Films SA I: Antonia Brill, Lola Seglin, Julieta Cardinali, Joaquín Berthold, Ana María Picchio

Contacto / Contact Magoya Films SA Nicolás Batlle T +54 11 4983 9310 E nfo@ magoyafilms.com.ar magoyafilms@ gmail.com W magoyafilms.com.ar /NatachaLaPelicula natachalapelicula

PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Wonders of the Sea 3D Las maravillas del mar Filmada a lo largo de tres años en distintas locaciones, que van desde las Islas Fiyi hasta las Bahamas, Wonders of the Sea 3D propone un recorrido submarino por lugares recónditos de los océanos de nuestro planeta, revelando imágenes que de tan espectaculares bordean lo fantástico. Jean-Michel Cousteau (hijo del recordado pionero Jacques-Yves) y su equipo se sumergen en un mundo secreto y desconocido, armados con cámaras 3D, y consiguen así plasmar un festival visual que se vuelve una intensa experiencia para todos los sentidos. “Mantengamos el océano limpio, y tendremos un mundo limpio”, dice Arnold Schwarzenegger, quien narra el documental. Así, se alinea con las enseñanzas duraderas de Cousteau, quien bregaba por proteger nuestros tesoros naturales, aun cuando no los podamos entender en su totalidad.

Filmed over three years in various locations, from the Fiji Islands to the Bahamas, Wonders of the Sea 3D is an underwater tour of the most obscure parts of our planet’s oceans, revealing images so spectacular that they border on the fantastic. JeanMichel Cousteau (son of the very well-known pioneer JacqueYves) and his team submerge into a secret and unknown world, armed with 3D cameras, and manage to create a visual festival that becomes an intense experience for all the senses. “We keep the oceans clean, and we will have a clean world,” says Arnold Schwarzenegger who narrates the documentary. And so, the film aligns with the enduring teachings of Cousteau, who fought to protect our natural treasures, even when we could not fully understand them.

Jean-Michel Cousteau & Jean-Jacques Mantello Jean Michel es explorador, educador y productor de cine. Es hijo del renombrado explorador marino Jacques-Yves Cousteau. Dirigió los documentales Cousteau: Alaska: Outrage at Valdez (1989) y Call of the Killer Whale (2009). Jean-Jacques dirigió, entre otras películas, Ocean World 3D (2009) y Air Racers 3D (2012). Eng Jean Michel is an explorer, educator and film producer. He is the son of the renowned marine explorer Jacques-Yves Cousteau. He directed the documentaries Cousteau: Alaska: Outrage at Valdez (1989) and Call of the Killer Whale (2009). Jean-Jacques directed, among other films, Ocean World 3D (2009) and Air Racers 3D (2012). Reino Unido / Francia - UK / France, 2017 / 82’ / DCP 3D / Color / Inglés - English D: Jean-Michel Cousteau, Jean-Jacques Mantello G: Jean-Jacques Mantello, François Mantello, David Chocron F: Jean-Jacques Mantello, Gavin McKinney E: Enzo Mantello M: Christophe Jacquelin P: François Mantello CP: 3D Entertainment Films I: Arnold Schwarzenegger, Celine Cousteau, Fabien Cousteau

Contacto / Contact Conquistador Entertainment Pascal Borno T +1 310 684 3907 +1 310 350 8715 W conquistador-ent.com

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Bákiro — Bakiro Venezuela, 2017 / 15’ / DCP / Color D, G, E: Miguel New DA: Álvaro Torrens, Marcel Ávila S: Lino Ocando M: Carlos Caminos, Sebastián New P: Miguel New, Nathalia Lafuente, Belimar Román, Karen Rodríguez I: Francisco Pacheco, Leónidas Urbina, Daniel Narváez, Nirvana Guerra, Armando Guillén Bákiro, un tímido jabalí, es bedel de un teatro clásico. Sueña con ser cantante pero su voz es horrible. Entonces, impulsado por una misteriosa fuerza que lo arrastra a cantar, descubre su ser interior.

Bakiro is a shy peccary who works as a janitor at a classical music hall. He dreams of being an opera singer, but has a horrible voice. However, moved by a mysterious force that compels him to sing, Bakiro discovers his inner self.

Miguel New Nació en Mérida, Venezuela, en 1973. Estudió sonido en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños. Dirigió el cortometraje Cabeza e´ Vaca (1999) y el largo documental Vinotinto, la película (2009), galardonados en festivales de cine. Eng He was born in Mérida, Venezuela, in 1973, and studied sound at the International Film School in San Antonio de Los Baños, Cuba. He directed the short film Cabeza e´ Vaca (1999) and the feature-length documentary Vinotinto, La película (2009), both of them awarded at film festivals.

Contacto / Contact Cabeza e´ Vaca Miguel New T +1 809 965 0275 E serge@ladistributrice.ca W lmasada13@hotmail.com

Corky Estados Unidos - USA, 2017 / 6’ / DCP / Color D, F, E, DA: Ty Primosch G: Ty Primosch, Karen Mathieson S: Steve Emling, Kelsey Lynch M: Tyler Durham P: Karen Mathieson Contacto / Contact Ty Primosch T +1 773 807 9112 E tprimosch@gmail.com Un sacacorchos al que le falta un tornillo lucha contra una botella de vidrio gigante para poder descorcharla y liberar a siete luciérnagas mágicas que están atrapadas adentro.

A corkscrew with a loose screw battles a giant glass bottle in order to uncork it and free seven magical fireflies trapped inside.

Ty Primosch Animador y director, vive en Nueva York y forma parte de Blue Sky Studios. Trabajó en La era del hielo, Epic, Río 2, Peanuts y Ferdinand. Corky es su debut en el ámbito de los cortos animados independientes. Eng An animator and director from New York, he is currently an artist at Blue Sky Studios. He is credited on Ice Age, Epic, Rio 2, Peanuts and Ferdinand. Corky is his debut independent short animation film.

PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Easygoing Teddy — Medo Trapavko Croacia - Croatia, 2017 / 8’ / DCP / Color / Croata - Croatian D: Tomislav Gregl G: Ivo Balenović E: Tomislav Gregl DA: Tihoni Brcic S: Bojan Kondres, Zana Loncaric P: Irena Skoric CP: Artizana Film d.o.o. Contacto / Contact Artizana Film d.o.o. E artizana.film@gmail.com El amable Teddy es un osito juguetón al que no le importan mucho las reglas del bosque. Un día, luego de salvar a una abeja de un problema, se gana una amistad que cambiará su vida.

Easygoing Teddy is a playful little bear who doesn’t really care about forest rules. One day, after he saves a bee from a trouble, he wins a friendship that will change his life.

Tomislav Gregl Inició sus trabajos en animación en 1987 en el estudio Croatia Films. Trabajó como cameraman y director de fotografía en numerosos films. A su debut como director con Longing (2005) le siguieron Malformance Performance (2007), Up in the Gallery (2009) y Zulejka (2013). Eng His work in animated films began in 1987 at Croatia Film studio. As a cameraman and cinematographer, he has worked on several films. His directorial debut Longing (2005) was followed by Malformance Performance (2007), Up in the Gallery (2009), and Zulejka (2013).

El chico Pelo-de-flor — The Flower-Headed Boy Argentina, 2017 / 2’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, S, P: Vanessa Heeger M: Laouen Belloli CP: Universidad del Cine I: Luis Garay Guevara Contacto / Contact Vanessa Heeger T +54 9 11 6135 2083 E vmheeger@gmail.com Antes de empezar a ir al colegio, las flores que crecen en la cabeza del chico Pelo-de-flor le traían mucha alegría. Ahora que empezó la escuela, él debe aprender a superar las burlas que recibe de sus compañeros.

Before he attended school, the flowers on top of the Flower-Headed Boy’s head always gave him a reason to smile. Now that school has started, he must learn how to overcome the bullying he encounters.

Vanessa Heeger Nació en 1994 en Salvador, Brasil, y vive en Buenos Aires, donde estudia dirección en la Universidad del Cine. Dirigió Ale mató a un hombre (2015). El chico Pelo-de-flor es su primera animación. Eng She was born in 1994 in Salvador, Brazil, and lives in Buenos Aires, where she studies Filmmaking at the Universidad del Cine. She directed Ale mató a un hombre (2015). The Flower-Headed Boy is her first animation.

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Khalkhali - Fire — Khalkhali - Atash / Khalkhali - Fuego Irán - Iran, 2017 / 3’ / DM / Color D, DA: Amineh Foroughi G: Habib Pirjani E: Fariba Jafarzadeh S: Efran Yazdi M: M. Mahdi Gorangi P: Amineh Foroughi CP: Saba Animation Center

Khalkhaali es una chita iraní que vive en un bosque y usa su inteligencia para protegerse tanto a sí mismo como al medioambiente. Un cazador llega al bosque para cazarlo sin éxito, porque Khalkaali es demasiado listo y rápido, y sabe cómo huir del peligro.

Khalkhaali is an Iranian Cheetah who lives in a forest and uses his intelligence to protect himself and the environment. A hunter comes to the forest looking for him but doesn’t succeed, because Khalkhaali is too clever and fast and knows how to escape danger.

Contacto / Contact Irib Media Trade Alireza Shahrokhi T +98 912 626 8775 E shfilmfestivals@gmail.com W iribmediatrade.ir

Amineh Foroughiv Nació en 1970 en Irán. Como director y productor, realizó numerosos cortometrajes de animación; entre ellos, Apple (2014), Mam Sun (2015) y Tak (2015). Eng Born in Iran in 1970, he has directed and produced numerous short animation films; among them, Apple (2014), Mam Sun (2015) and Tak (2015).

Negative Space — Espacio negativo Francia - France, 2017 / 6’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Max Porter, Ru Kuwahata F: Nadine Buss, Simon Gesrel, Max Porter E: Max Porter DA: Ru Kuwahata, Marion Lacourt, Victoria Tanto, Max Porter S: Bram Meindersma, Bram Meindersma P: Nidia Santiago, Edwina Liard CP: Ikki Films, Manuel Cam Studio Mi papá me enseñó a hacer la valija.

My dad taught me how to pack.

Max Porter & Ru Kuwahata Dúo de directores con base en Baltimore, Estados Unidos. Como Tiny Inventions, hace más de diez años que colaboran en distintos cortos, comerciales de TV, videoclips y cómics. Negative Space es su cuarto film profesional. Eng They are a filmmaking duo based in Baltimore, USA. Collaborating for over a decade. As Tiny Inventions, they have directed short films, TV commercials, music videos and comics. Negative Space is their fourth professional film.

Contacto / Contact Sève Films Luce Grosjean T +33 674 232 951 E inscription@sevefilms.com

PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Quiero — I Want México - Mexico, 2017 / 3’ / DCP / Color D, G: Ursula Barba Hopfner F: Luis Montalvo E: Miguel Musalem DA: Mailen Parmiggiani S: Izabel Acevedo M: Urzula Barba Hopfner, Miguel Musalem P: Patricia Martínez CP: Centro de Capacitación Cinematográfica, A.C. I: Ethan Woolrich, Paola Izquierdo Un bebé sale de su cuna para conseguir su juguete favorito. Su madre frustra el intento, lo regresa a su cuna y a partir de ese momento las cosas no serán iguales.

A baby reaches out of his cradle to get his favorite toy. His mother prevents him from doing it, and returns him to the cradle. From then on things will never be the same.

Urzula Barba Hopfner Nació en Guadalajara, México, en 1982. Estudió realización cinematográfica en el Centro de Capacitación Cinematográfica de ese país. Actualmente ejerce en las áreas de dirección, producción y edición. Eng Born in Guadalajara, Mexico, in 1982, she studied filmmaking at that country’s Centro de Capacitación Cinematográfica. She currently works in the areas of direction, production and editing.

Contacto / Contact Centro de Capacitación Cinematográfica, A.C. T +52 55 4155 0090 +52 55 4155 0092 E divulgacion@elccc.com.mx W elccc.com.mx

Sabaku Holanda - The Netherlands, 2016 / 3’ / DM / Color D: Marlies van der Wel G: Marlies van der Wel, Ruben Picavet E: Flip van der Kuil S: Bob Kommer Studio’s M: Sjam Sjamsoedin P: Roel Oude Nijhuis, Gijs Kerbosch, Gijs Determeijer (Halal) CP: Halal Productions

Sabaku pierde a su mejor amigo Búfalo, así que necesita encontrarse un nuevo compañero. Intenta conectar con distintas especies, pero pronto se da cuenta de que eso no es tan fácil como parece. Le espera un duro camino, pero no descansará hasta conseguirlo.

When Sabaku’s best friend Buffalo passes away he needs to find a new partner. He tries connecting with different species, but soon finds out that it isn’t as easy as it seems. Sabaku is in for a bumpy ride, but he won’t rest until he succeeds.

Marlies van der Wel Animadora e ilustradora nacida en Holanda en 1984. Trabaja desde su estudio en Ámsterdam. Comenzó en 2007 trabajando en proyectos comerciales y personales, y finalizó su propio cortometraje animado, Jonas and the Sea, en 2015. Eng Born in 1984, she is a Dutch animator and illustrator who works from her studio in Amsterdam. In 2007, she started working on both commercial and personal projects, and finished her own animated short, Jonas and the Sea, in 2015.

Contacto / Contact KLIK Distribution Ursula van den Heuvel T +31 620 689 423 E ursula@klik.amsterdam

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Scrambled — Desordenado Holanda - The Netherlands, 2017 / 7’ / DCP / Color D, G: Bastiaan Schravendeel DA: Sander Kamermans S: Jeroen Nadorp, Robin van der Heiden (Bob Kommer) M: Daniël Polman P: Tünde Vollenbroek CP: Tünde Animation, Polder Animationo

Esra tiene 19 años y un día pierde el tren, así que mata el tiempo con un juego rápido y luminoso en su celular. Hasta que un cubo mágico vintage llama su atención.

When 19-year old Esra misses her train and kills time playing a fast-paced, flashy game on her smartphone, until a vintage Rubik’s Cube catches her attention.

Contacto / Contact KLIK Distribution Ursula van den Heuvel T +31 620 689 423 E ursula@klik.amsterdam

Bastiaan Schravendeel Es director de cine de animación y cofundador del estudio Polder Animation en Utrecht, Países Bajos. Luego de graduarse del HKU en 2010, su objetivo en Polder Animation ha sido crear films animados de estilo visual y contenido únicos. Eng He is an animation film director and co-founder of studio Polder Animation in Utrecht, the Netherlands. After graduating from the HKU in 2010, his goal at Polder Animation has been to create animated films with a unique visual style and content.

The Little Bird and the Caterpillar — El pajarito y la oruga Suiza - Switzerland, 2017 / 4’ / DCP / Color D, G: Lenna vön Dohren E: Fee Liechti S: Christof Steinmann P: Gerd Gockell, Ted Sieger, Jochen Ehmann, Gabriela Bloch Steinmann CP: Schattenkabinett Gmbh

Verano. Un pajarito cuida y alimenta las hojas verdes de su hogar, bien alto en la copa de un arce. De repente, una oruga hambrienta decide comerse las suculentas hojas. El pajarito logra alejar al glotón, y un viaje de aventuras comienza.

Summertime. High up in a maple tree, a little bird cherishes and nurtures the green leaves of his home. Suddenly a hungry caterpillar sets out to eat the appetizing leaves. The little bird manages to lure away the glutton and an adventure-filled journey begins.

Lena von Döhren Nacida en Berlín, es animadora, directora e ilustradora. Estudió comunicación audiovisual en Ámsterdam y animación en Suiza. Dirigió The Little Bird and the Leaf (2012), The Little Bird and the Squirrel (2014), y actualmente se encuentra planeando el ultimo episodio de la serie Bird. Eng Born in Berlin, she is an animator, director and illustrator. She studied Audiovisual Communication in Amsterdam and animation in Switzerland. She directed The Little Bird and the Leaf (2012), The Little Bird and the Squirrel (2014), and is currently planning the last episode of the Bird series.

Contacto / Contact Magnetfilm GmbH T +49 163 801 0753 E georg.gruber@ magnetfilm.de

Super 8 - 16mm

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Legítima defensa Clasificando sensaciones Autobiográfico 2 Escenas de mesa Umbrales Mimetismo Cuerpo Terremoto Interferencia Lenin Desvío Naceré Corina Puertas Liebig Infancia intervenida La fuente La mujer proyectada Born to Be Blue Metric Film Dá trilogía Valparaíso Copacabana Parque

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PANORAMA Super 8 - 16mm

Sensaciones y umbrales: el cine de Marie Louise Alemann

Feelings and Thresholds: The Cinema of Marie Louise Alemann

Este programa es una introducción al cine de Marie Louise

This program provides an introduction to the cinema

Alemann (1927-2015). Nacida bajo el nombre de Marie Louise Steinheur en Alemania, Alemann dejó Europa a fines de los años 40 rumbo a Argentina. Comenzó sus trabajos en cine a fines de los 60, durante un intenso período de diálogo artístico y colaboración con su amiga Narcisa Hirsch, también inmigrante alemana. En los años 70, Alemann se asoció con un colectivo bastante suelto de colegas cineastas en Buenos Aires, que incluía a Hirsch, Claudio Caldini, Horacio Vallereggio y Juan José Mugni, entre otros. Como Alemann a menudo actuaba en sus películas, a veces les confiaba su cámara Super 8 a Hirsch, Caldini y otros cineastas. Sin embargo, todas sus películas son, en muchos sentidos –visualmente, auráticamente, temáticamente–, distintivamente suyas. Una característica de su cine es la exploración de la performance cinemática. A menudo, Alemann y otros actores se presentaban en cámara en situaciones guionadas e improvisadas, poblando espacios urbanos y rurales con objetos y vestuarios extraños, amenazantes o divertidos, y enmarcándolos en diseños visuales que iban de lo decorativo a lo minimalista. Alemann prestaba especial atención a la capacidad de la cámara de registrar y transformar la presencia corporal de un actor, y su foco en lo corpóreo es evidente a lo largo de todo el programa. El legado de Alemann se extiende a su trabajo con instituciones culturales, en especial el Instituto Goethe, que se estableció en Buenos Aires en 1967. Gracias tanto a Alemann como a Hirsch, el Instituto Goethe se volvió –durante un tiempo– un lugar de proyecciones, talleres y debates sobre cine experimental. Federico Windhausen

of Marie Louise Alemann (1927-2015). Born Marie Louise Steinheur in Germany, Alemann left Europe in the late 1940s for Argentina. She began her filmmaking practice in the late 1960s, during an intensive period of artistic dialogue and collaboration with her friend Narcisa Hirsch, a fellow German émigré. In the 1970s Alemann became associated with a looseknit collective of fellow filmmakers in Buenos Aires which included Hirsch, Claudio Caldini, Horacio Vallereggio, and Juan Jose Mugni, among others. Because Alemann was often an onscreen performer, she relied at times on Hirsch, Caldini, and other filmmakers to operate her Super 8 camera. Yet all of her films are in many ways - visually, aurally, and thematically - very much her own. An important distinguishing feature of her films is her exploration of cinematic performance. Alemann often presented herself and other performers in staged and improvised scenarios, populating urban and rural spaces with odd, menacing, or humorous props and costumes, and framing them within visual designs that ranged from the decorative to the minimalistic. Alemann was especially attentive to the camera’s ability to capture and transform a performer’s bodily presence, and her focus on the corporeal is evident throughout this program. Alemann’s legacy extends to her work within institutions of culture, most prominently the Goethe-Institut that was established in Buenos Aires in 1967. Thanks to both Alemann and Hirsch, the Goethe-Institut became – for a while – a venue for screenings, workshops, and discussions related to experimental cinema. FW

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Legítima defensa Argentina, 1980 / 8’ / DM / B&N D: Marie Louise Alemann

La más impactante de las exploraciones de Alemann sobre su rostro como una máscara (aquí, una agresiva) y una conexión clave entre su cine y su posterior trabajo con la performance Butoh. Filmada por Claudio Caldini.

Alemann’s most striking exploration of her face as a mask –here, an aggressive one– and a key link between her cinema and her later work with Butoh performance. Shot by Claudio Caldini.

Clasificando sensaciones Argentina, 1974 / 18’ / Super 8 / Color D: Marie Louise Alemann

“Distintas sensaciones en formulaciones visuales diferentes” (Alemann). Se proyecta con música en vivo por Alan Courtis.

“Different feelings in several visual formulations” (Alemann). Screened with a live music performance by Alan Courtis.

Alan Courtis Nació en Buenos Aires en 1972. Es músico y fue miembro fundador del grupo Reynols. Actualmente forma parte del colectivo francés L’Autopsie a révélé que la mort était due à l’Autopsie. Eng Born in Buenos Aires in 1972, he is a musician and a founding member of the band Reynols. He is currently a member of the French collective L’Autopsie a révélé que la mort était due à l’Autopsie.

PANORAMA Super 8 - 16mm

Autobiográfico 2

Escenas de mesa

Argentina, 1974 / 5’ / Super 8 / Color D: Marie Louise Alemann

Argentina, 1979/ 7’ / DM / Color D: Marie Louise Alemann

Una performance para la cámara, filmada por Narcisa Hirsch con mucho cuidado por los detalles materiales, que posibilita una liberación de los límites físicos y mentales en un bosque de Bariloche.

A performance for the camera, shot by Narcisa Hirsch with close attention to material details, it allows for a liberation from both physical and mental bonds in a forest in Bariloche.

Una transformación del ritual doméstico de la comida comunitaria, con la típica gelatina redonda de los años 70 en el centro. Una película perdida, hoy solo disponible en un transfer de VHS.

A transformation of the domestic ritual of the communal meal, with a classic 1970s-era gelatin ring at its center. A missing film, now only available in a VHS transfer.

Umbrales

Sensación 77: Mimetismo

Argentina, 1980 / 19’ / DM / Color D: Marie Louise Alemann

Argentina, 1977/ 8’ / DM / B&N D: Marie Louise Alemann

Una exploración del cuerpo expresivo masculino durante una época represiva. Filmada en Buenos Aires y París.

An exploration of the expressive male body during a repressive era. Filmed in Buenos Aires and Paris.

Como secuela de su film anterior, en este corto la cámara juega a las escondidas con una Alemann disfrazada. Ella parece estar intentando desaparecer dentro del follaje en el delta del Tigre, un área donde se escondía gente perseguida políticamente durante la dictadura. Filmado por Claudio Caldini, solo está disponible en un transfer de VHS.

Marie Louise Alemann Nació en Renania del Norte-Westfalia en 1927. Fue cineasta, periodista, fotógrafa y artista de performance. Su primera película fue Yo veo conejos (1967). Realizó alrededor de 30 cortos hasta su último año de producción cinematográfica en 1985. Murió en 2015 en Buenos Aires. Eng Born in North Rhine-Westphalia in 1927, she was a filmmaker, journalist, photographer, and performance artist. Her first film was Yo veo conejos (1967). She directed around 30 shorts until her last year of film production in 1985. She died in Buenos Aires in 2015.

A follow-up to the previous film, this short presents the camera’s hide-and-seek game with a disguised Alemann. She appears to be attempting to disappear into the foliage of the Tigre delta region, an area where some politically persecuted people hid during the dictatorship. Filmed by Claudio Caldini, available only in a VHS transfer. Contacto / Contact Federico Windhausen T +54 11 4554 8403 E fjw2031@nyu.ed

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Cuerpo

Terremoto

Argentina, 2016/ 6’ / Super 8 / B&N D: Manuel Reyes M: Nina Righi

Argentina, 2016/ 4’ / Super 8 / Color D, M: Manuel Reyes

Película negativa en blanco y negro, inspirada en el texto Cuerpo utópico de Foucault.

A negative film in black and white, inspired by Foucault’s text Utopian Body.

Found footage, intervenido y pintado a mano, de un viaje a las cataratas del Iguazú.

Interferencia

Lenin

Argentina, 2016/ 3’ / Super 8 / B&N D, M: Manuel Reyes

Argentina, 2016/ 5’ / Super 8 / Color D, M: Manuel Reyes

Película pintada a mano con líneas blancas sobre fondo negro.

Hand-painted film with white lines over a black background.

Found footage deteriorado de un viaje a Rusia, que recorre monumentos y paisajes.

Manuel Reyes Es Licenciado en Artes Multimediales, cineasta experimental, músico, y docente de cine y fotografía. Sus obras audiovisuales fueron premiadas en los festivales de cine de Cipolletti y Río Negro Proyecta. Realizó la obra Derrames (Performance audiovisual), presentada en el Museo Ernesto de la Cárcova, y en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Actualmente trabaja para la banda sonora del largometraje documental Comparsa. Eng He has a Bachelor’s Degree in Multimedia Arts and is an experimental filmmaker, musician, and film and photography teacher. His audiovisual works received awards at the Cipoletti and Río Negro Proyecta film festivals. He made Derrames (Performance audiovisual), showed at the Ernesto de la Cárcova Museum and Buenos Aires’ Museum of Modern Art. He is currently working on the soundtrack for the documentary feature Comparsa.

Found footage of a trip to the Iguazu Falls, intervened and hand-painted.

Deteriorated found footage of a trip to Russia with visits to monuments and landscapes.

Contacto / Contact Manuel Reyes T +54 9 11 5021 1278 E manureyesl@ gmail.com W manureyes.com.ar

PANORAMA Super 8 - 16mm

Desvío

Naceré

Argentina / Uruguay, 2013 / 5’ / Super 8 / B&N D: Marto Álvarez

Argentina, 2014 / 4’ / Super 8 / B&N D: Marto Álvarez

Un viaje por las dos orillas.

Vacilaciones previas a la existencia, durante las cuales el ojo se pregunta en qué parva nacerá. Homenaje a Luis.

A journey along two shores.

Corina

Puertas

Argentina, 2015 / 4’ / Super 8 / B&N D: Marto Álvarez

Argentina, 2016 / 4’ / Super 8 / B&N D: Marto Álvarez

Retrato del nacimiento, apogeo y renacimiento de Corina.

Portrait of the birth, peak and rebirth of Corina.

Puertas del mar. Misterios a ser develados por el ojo dispuesto.

Marto Álvarez Nació en Buenos Aires en 1972. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, se capacitó en fotografía, colorimetría, cine experimental y documental, y cursa una maestría en Periodismo Documental en la UNTREF. Realiza cine experimental en Super 8, y exhibe individual y colectivamente en espacios culturales y festivales. Eng Born in Buenos Aires in 1972, he studied Image and Sound Design at the UBA, trained in photography, colorimetry, experimental and documentary film. He is currently doing a Master’s in Documentary Journalism at UNTREF. He makes experimental Super 8 films and shows them individually and collectively in cultural spaces and festivals.

Hesitations prior to existence, during which the eye asks itself in which heap it will be born. An homage to Luis.

Doors to the sea. Mysteries that will be revealed by the keen eye.

Contacto / Contact Filmo Marto Álvarez T +54 9 11 5452 1409 E marto@filmo.com.ar martoalvarez@gmail.com W filmo.com.ar

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Liebig

Infancia intervenida

Argentina, 2017 / 3’ / Super 8 / B&N D: Ana Villanueva, Marto Álvarez M: Julián Petrina

Argentina, 2016/ 4’ / Super 8 / B&N D: Ana Villanueva M: Julián Petrina, Diego Unk

Registro de un pueblo de Entre Ríos, donde la naturaleza parece ser cómplice de la historia de una fábrica ya borrosa.

Recuerdos interiores desordenados que intentan conectarse con una infancia intervenida. 322 fotos carnet encontradas en Maipú 812.

The filming of a town in Entre Ríos where nature seems to be an accomplice to the already hazy history of a factory.

Disorganized internal memories that aim to connect with an intervened childhood. 322 passport photos found in 812 Maipú St.

La fuente

La mujer proyectada

Argentina, 2016/ 3’ / Super 8 / B&N D: Ana Villanueva M: Julián Petrina

Argentina, 2016/ 2’ / Super 8 / B&N D: Ana Villanueva M: Julián Petrina

Los puntos se unen para que sea imposible salir del círculo, pero un error en el código permite la liberación.

Dots connect so there is no chance of leaving the circle, but an error in the code allows for liberation.

La proyección de una mujer recorre la casa de su infancia. Las paredes son protagonistas de esa historia personal. ¿Cuál es la diferencia entre la imagen de la mujer proyectada y la propia mujer que proyecta? Las imágenes se unen, hasta que una de las dos decide rendirse.

Ana Villanueva Nació en Buenos Aires en 1979, es artista visual e ingeniera. Su obra se compone de instalaciones, piezas sonoras y películas en Super 8. Eng Born in Buenos Aires in 1979, she is a visual artist and engineer. Her work consists of installations, sound pieces, and Super 8 films.

A woman’s projection moves through her childhood home. The walls are the protagonists of this personal history. What is the difference between the image of a projected woman and the very woman who is projected? The images unite, until one of them decides to surrender.

Contacto / Contact Ana Villanueva T +54 9 11 5598 2795 E ana.rstp@gmail.com W cargocollective.com/ AnaVillanueva

PANORAMA Super 8 - 16mm

Born to Be Blue Argentina, 2016 / 7’ / 16mm / Color - B&N D: Federico Lanchares

Un collage sobre el fin de las utopías conformado por material encontrado de la década del 70 y película 16mm rayada e intervenida con solventes.

A collage about the end of utopias made with found footage from the ‘70s and scratched 16mm film stock intervened with solvents.

Metric Film Argentina, 2017 / 2’ / 16mm / B&N D: Federico Lanchares

Película que surge del encuentro entre la sucesión aritmética de Fibonacci (siglo XIII) y el Método para hacer una infinidad de dibujos diferentes con cuadrados de dos colores separados por una diagonal, del Padre Dominique Doüat (siglo XVIII).

A film born from the meeting between the Fibonacci sequence (13th century) and Pere Dominique Doüat’s Method for Making an Infinity of Different Drawings with Two-Colored Squares Separated by a Diagonal (18th century).

Federico Lanchares Nació en La Plata en 1967. Programador de cine y cineasta amateur, se graduó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Vivió en Inglaterra, México y España, donde realizó estudios de posgrado. Dirige la muestra Semana del Film Experimental de La Plata, desde su fundación en 2010. Eng He was born in La Plata in 1967. A film programmer and amateur filmmaker, he graduated from the Fine Arts Department of the National University of La Plata. He lived in England, Mexico and Spain, where he did post-graduate studies. He has directed the La Plata Experimental Film Week exhibit since it was founded in 2010.

Contacto / Contact Federico Lanchares T +54 0221 566 1573 E federico41@ hotmail.com

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Dá trilogía Una metáfora que simboliza el movimiento de la naturaleza misma. Conjunto que evoca lo simbólico, referente a movimientos y rupturas dentro de la memoria, de donde la raíz brota para conservar una extraña y pequeña armonía. Los puntos de mira, los signos para guiar nuestro conocimiento emergen bajo una secuencia de crecimiento, de luces que evolucionan, crecen y ceden a la vez. Algunas sufren la misma suerte y otras mueren.

A metaphor that symbolizes the movement of nature itself. An ensemble that evokes the symbolic and refers to movements and breakdowns within the memory, from where the root sprouts in order to preserve some strange, small harmony. The crosshairs, the signs that guide our understanding emerge under a sequence of growth, of lights that evolve, grow and suddenly yield. Some meet the same fate, and others die.

Reina Escofet Nació en Argentina en 1974. Es artista visual y licenciada en Artes Visuales. Desarrolla su trabajo en relación con la fotografía, el cine experimental y las artes gráficas. Dirigió Lo que fluye es sangre, Manos (todos en Super 8), Hilitos y Suavidad que canta, entre otros. Es docente de Arte Gráfico y Lenguaje Visual, y forma parte del colectivo de cine experimental Galáctica. Eng Born in Argentina in 1974, she is a visual artist and has a Bachelor’s Degree in visual arts. Working in photography, experimental film and graphic arts, she directed Lo que fluye es sangre, Manos (all in Super 8), Hilitos and Suavidad que canta, among others. She teaches Graphic Art and Visual Language, and is part of the experimental film collective Galáctica.

Argentina, 2013 / 9’ / Super8 / Color D: Reina Escofet

Contacto / Contact Kaumodaki Films Reina Escofet T +54 9 11 6972 5745 E reina.escofet@gmail.com W reinaescofetmartinez. tumblr.com

PANORAMA Super 8 - 16mm

Valparaíso

Copacabana

Argentina, 2016 / 7’ / Super 8 / B&N D, E: Guillermo Detzel

Argentina, 2016 /6’ / Super 8 / B&N D, E: Guillermo Detzel

Film que registra una estadía muy breve en Valparaíso: un recorrido por la bahía, el puerto y el centro de la ciudad.

A film that captures a very short stay in Valparaiso: a tour around the bay, the port and the city center.

Filmado en los festejos de la Virgen de Copacabana de la comunidad boliviana en Tolosa, La Plata, durante agosto de 2016.

Shot during the Virgen de Copacabana festivities in the Bolivian community of Tolosa, La Plata, in August, 2016.

Parque Argentina, 2016 / 7’ / Super 8 / B&N D, E: Guillermo Detzel

Imágenes registradas durante el invierno 2016 y el verano 2017 en la casa del director y en el Parque Saavedra de La Plata.

Images shot in the winter of 2016 and the summer of 2017 in the director’s home as well as the Saavedra Park in La Plata.

Guillermo Detzel Licenciado en Comunicación Social por la Universidad Nacional de La Plata, es cineasta amateur y docente. Ha participado de muestras colectivas en museos de Buenos Aires, La Plata y Mar del Plata. Se desempeñó como operador de proyección, camarógrafo en televisión, asistente de cámara y asistente de producción en distintos proyectos audiovisuales. Eng He received his Bachelors degree in social communication from the National University of La Plata, and is an amateur filmmaker and teacher. He has taken part in collective exhibits at museums in Buenos Aires, La Plata and Mar del Plata. He has worked as a projection operator, television cameraman, camera assistant and production assistant in different audiovisual projects.

Contacto / Contact Guillermo Detzel T +54 221 597 3733 +54 221 453 4840 E detzel2001@yahoo.com.ar guillermo.detzel@ gmail.com

Estados Alterados — Altered States

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Did You Wonder Who Fired the Gun? El mar la mar Farewell From a Year of Non-Events Le Fort des fous Noches de otoño Niebla Red Capriccio Prototype Aliens Elementos Farpões baldios Jeunes hommes a la fenetre Kosmos La Bouche Las expansiones MLA Où en êtes-vous, Jean-Marie Straub? Plus Ultra Fantasy Sentences Scaffold Alona Diarios de niebla Limbo Los perros de Amudsen Traces of the Inscribed

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PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Did You Wonder Who Fired the Gun? ¿Te preguntaste quién disparó el arma? Conocido por ser uno de los cineastas que han asumido de forma más clara que la vanguardia formal no puede serlo si no es también una vanguardia política (y que lo contrario es puro gesto vacío), Travis Wilkerson abandona la voz ficticia de sus películas anteriores para abordar una historia profundamente personal: la investigación en primera persona del legado de su abuelo, un supremacista blanco que vivió toda su vida bajo la sombra de haber asesinado, a sangre fría y sin haber pagado por ello, a un hombre negro. Rodada en pleno apogeo de las políticas extremistas y racistas de Donald Trump y quienes le siguen el juego, y realizada adaptando una performance del propio Wilkerson, Did You Wonder Who Fired the Gun? es una road movie con tintes de terror que avanza por el lado más oscuro del presente norteamericano y el legado latente de racismo, desigualdad y violencia. Gonzalo de Pedro

Known for being one of the filmmakers that has taken on most clearly the idea that the formal avant garde cannot be “avant garde” if it is not also a political avant garde (and that it is otherwise merely an empty gesture), Travis Wilkerson abandons the fictional voice of his previous films to tackle a profoundly personal history: the first person investigation of the legacy of his grandfather, a white supremacist who lived his whole life under the shadow of having murdered – in cold blood and without having paid for it – a black man. Filmed at the height of the extremist and racist politics of Donald Trump and those who film his game, and directed by adapting one of Wilkerson’s own performances, Did You Wonder Who Fired the Gun? is a road movie with shades of terror that advances on the darkest side of the U.S.’s present history and the latent legacy of racism, inequality and violence. GP

Travis Wilkerson Nació en 1969 en Colorado, Estados Unidos. Dirigió varios largometrajes; entre ellos, An Injury to One (2002), Proving Ground (2009) y Machine Gun or Typewriter? (2015, 30° Festival). Además de la dirección se dedica a la crítica cinematográfica y la docencia en la Universidad de Colorado y en CalArts. Eng Born in Colorado, U.S., in 1969, he has directed many feature films including An Injury to One (2002), Proving Ground (2009) and Machine Gun or Typewriter? (2015, 30th Festival). Apart from directing, he is a film critic and teaches at the University of Colorado and CalArts.

Estados Unidos - USA, 2017 / 90’ / DCP / Color - B&N / Inglés - English D, G, F, E, S, M, P: Travis Wilkerson

Contacto / Contact CreaTive Agitation Travis Wilkerson T +1 213 200 53494 E exlow@mac.com W traviswilkersonfilms.com

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El mar la mar El Desierto de Sonora abarca la frontera entre Estados Unidos y México. Son mesetas hermosas pero severas, vastas y áridas, interrumpidas por montañas escarpadas. La tierra es seca, llena de rocas, y solo soporta césped, matorrales y cactus. El terreno es hostil, pero igualmente pasan por él todo tipo de cosas: cables de electricidad, sistemas climáticos, trenes, murciélagos, ondas electromagnéticas, helicópteros, cercas, gente. Algunas de estas cosas se ven y otras solo se oyen, emergiendo del acople que lleva el viento o en las voces en off que hablan de cruces de frontera, resistencia, sufrimiento; todo deja rastros. El hecho de mirar cómo cada vez más facetas del paisaje son escarbadas y acumuladas es un proceso similar a la inmersión, a ser llevado por el fluir de las asociaciones y sensaciones evocadas por este lugar, sus torbellinos, sus corrientes. Es como dice el poema: un paisaje desconocido pero innegable, cautivo de la sombra y de la luz, un océano atravesado por barcos con quillas pesadas y a toda vela, el mar, la mar. James Lattimer

The Sonoran Desert straddles the border between the US and Mexico. It’s beautiful yet severe, vast, arid plateaus broken up by jagged mountains. The soil is dry, strewn with rocks, it only supports grass, scrub and cacti. The terrain is harsh, but all manner of things pass through it nonetheless: electric cables, weather systems, trains, bats, radio waves, helicopters, fences, people. Some of these things are seen and some only heard, emerging from the feedback carried on the wind or in the voiceovers that tell of border crossings, endurance, suffering; everything leaves a trace. Watching as ever more facets of the landscape are mined and collected is a process akin to immersion, akin to being swept along by the flow of associations and sensations conjured up by this place, its eddies, its currents. It’s like the poem says: a landscape unknown, yet certain, in thrall as much to shadow as to light, an ocean traversed by ships with full sails and heavy keels, the sea, the sea. JL

J.P. Sniadecki & Joshua Bonnetta J.P. nació en 1979 en Michigan, Estados Unidos. Dirigió los documentales People’s Park (2012, 27° Festival), Yumen (2013) y The Iron Ministry (2014), entre otros. Joshua nació en 1979 en Canadá. Es director, editor, productor y compositor. El mar la mar es su primer largometraje documental como director. Eng J.P. was born in Michigan, U.S., in 1979. He directed the documentaries People’s Park (2012, 27th Festival), Yumen (2013) and The Iron Ministry (2014), among others. Joshua was born in Canada in 1979. He is a director, editor, producer and composer. El mar la mar is his first documentary as a director.

Estados Unidos - USA, 2017 / 94’ / 16mm / Color - B&N / Inglés / Español - English - Spanish D, F, E, S: Joshua Bonnetta, J.P. Sniadecki

Contacto / Contact Joshua Bonnetta & J.P. Sniadecki T +1 269 267 2335 E jpsniadecki@gmail.com

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Farewell Abschied Von Den Eltern / Adiós Novelista, dramaturgo, artista y cineasta, Peter Weiss se destaca como una de las figuras artísticas más importantes del idioma alemán en el siglo XX. En su novela autobiográfica Aschied von der Eltern, describe el peripatético de sus comienzos y sus primeras incursiones en la creación artística, enmarcadas como una lucha para escapar tanto de los hechos históricos como de las riendas de su familia. La ópera prima de Astrid Johanna Ofner adapta la novela de Weiss; el texto completo de la película viene de la novela y el escritor suele aparecer como voz en off, pero por momentos es leído en cámara por un actor que lo interpreta. En cada cuadro, uno siente la mano personal de su creadora, especialmente a través de la imagen impresionista en Super 8, pero también en la manera en que Ofner filma los poco apreciados cuadros de Weiss y sus documentos personales. Mark Peranson

Novelist, playwright, artist and filmmaker, Peter Weiss stands tall as one of the German language’s main artistic figures of the 20th century. In his 1961 autobiographical novel Abschied von den Eltern, he describes his early peripatetic and his initial forays into artistic creation, framed as a struggle to escape both historical events and the reins of his family. Astrid Johanna Ofner’s first feature adapts Weiss’ novel; the entirety of the film’s text comes from Weiss’ novel and is often spoken as voiceover, but sometimes read on camera by an actor depicting the young Weiss. In every frame, one feels the personal hand of its creator, foremost through impressionistic Super 8 photography, yet also in the way Ofner films Weiss’ underappreciated paintings and his personal documents. MP

Astrid Johanna Ofner Nació en 1968 en Linz. Estudió filosofía, dirección, fotografía y estudios sobre realización en distintos países de Europa. Trabajó como actriz teatral y protagonizó Antígona (1991) de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Dirigió los cortos Savannah Bay (1989), Ins Leere (1993), Jetzt und alle Zeit (1993) y Sag es mir Dienstag (2007). Eng She was born in 1968 in Linz, and studied philosophy, film directing, photography, and film directing studies in several European countries. She worked as a stage actress and starred in Jean-Marie Straub and Danièle Huillet’s Antigone (1991). She directed the short films Savannah Bay (1989), Ins Leere (1993), Jetzt und alle Zeit (1993) and Sag es mir Dienstag (2007). Austria, 2017 / 78’ / DCP / Color - B&N / Alemán - German D, P: Astrid Johanna Ofner G, E: Astrid Johanna Ofner, Hans Hurch F: Astrid Johanna Ofner, Peter Roehsler CP: trotzdemfilm, Little Magnet Films, Nanookfilm I: Sven Horst, Lawrence Tooley, Anna Conradi, Nora Conradi, Coline Cisar

Contacto / Contact Austrian Film Comission Anne Laurent T +43 1 5263 3230 E festivals@afc.at W abschied-von-den eltern.at

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From a Year of Non-Events Aus Einem Jahr der Nichtereignisse / En un año sin eventos Willi vive solo en una granja en el norte de Alemania. Ahí hay

Willi lives alone on a farmstead in northern Germany. Inside,

muebles viejos, superficies cubiertas con papel y chucherías; relojes, gatos y telarañas; fotografías, vidrios sucios de ventanas y polvo; manzanas del año pasado. Afuera hay pollos, sillas plásticas de jardín, construcciones anexas, bancos cubiertos de musgo; ortigas, amargones, briznas de césped; árboles y prados salvajes que se unen con el paisaje a lo lejos. Willi tiene casi noventa años. Los realizadores lo visitan durante un año y filman lo que ven, le hablan, lo escuchan y documentan dos cosas a la vez: la rutina de Willi y el proceso de ellos de registrarla. Las imágenes en celuloide y pedazos de guía negra que hay entre ellas pueden ser de ahora, pero también pueden ser de entonces. Este año es tan tranquilo como todos los anteriores, pero igualmente pasan cosas: el sol se mueve, el agua se congela y vuelve a derretirse, las plantan crecen y se secan, las texturas cambian. Siempre hay cambio y siempre hay repetición; entre ellos está la vida. James Lattimer

there are pieces of old furniture, surfaces covered in papers and knick-knacks; clocks, cats and cobwebs; photographs, dirty window panes and dust; last year’s apples. Outside, there are chickens, plastic garden chairs, outbuildings, moss-covered benches; nettles, dandelions, blades of grass; trees and wild meadows that join up with the landscape beyond. Willi is nearly ninety years old. The filmmakers visit him over the course of a year and film what they see, they talk to him, listen to him and document two things at once, Willi’s routine and their own process of capturing it. The celluloid images and pieces of black leader between them may be from now, but they could be from then. This year is as uneventful as all the others, but things happen nonetheless: the sun moves, water freezes and melts again, plants grow and die back, textures shift. There is always change and there is always repetition; between them is life. JL

Ann Carolin Renninger & René Frölke Ann nació en 1979 y estudió Estudios Culturales en Lipzig, Estrasburgo y París. Produjo varios documentales e inició Joon Film, una plataforma de colaboración artística entre cineastas. René nació en 1978 en Alemania Oriental. Es montajista freelance, director de fotografía y realizador. Eng Ann was born in 1979 and studied Cultural Studies in Leipzig, Strasbourg, and Paris. She produced several documentaries, and started Joon Film, a platform for artistic cooperation in filmmaking. René was born in 1978 in East Germany, and is a freelance editor, cinematographer, and director. Alemania - Germany, 2017 / 83’ / DCP / B&N / Alemán - German D, F: Ann Carolin Renninger, René Frölke E: René Frölke P: Ann Carolin Renninger CP: joon film

Contacto / Contact joon film Ann Carolin Renninger T +49 305 306 8445 E ac@joonfilm.de W joonfilm.de

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Le Fort des fous La fortaleza de los locos Estructurada en tres actos –y filmada en Argelia, en la isla Citerea y en la Grecia posterior a la debacle económica–, Le Fort des fous cambia de tonos y espacios temporales para crear un retrato contemporáneo de los alcances del imperialismo, la historia y, por último, el persistente trabajo que es la revolución. Desde el luminoso comienzo –ambientado en una Argelia colonial donde los que están en el poder hablan en una lengua enrevesada que solo ellos entienden–, Mari cambia a una exploración, en registro documental, de un grupo de utopistas que resisten la norma imperialista. En el capítulo final Mari se inserta a ella misma en la película al entrevistar a anarquistas y activistas en Grecia. Estas discusiones, filmadas en planos únicos y fijos en un digital sucio, actúan como una decisión estética cargada de política y cuestiona el rol que cumple el hecho de dar testimonio y escuchar a la hora de convulsionar los patrones del pasado. Kiva Reardon (Catálogo Festival de Toronto)

Structured over three acts –and filmed in Algeria, on Kythira Island, and in post-economic-collapse Greece– Le Fort des fous shifts tones and temporal spaces to create a contemporary portrait of the far reaches of imperialism, history and, ultimately, the dogged work of revolution. From its luminous opening –a period piece set in colonial-era Algeria where those in power speak in a muddled tongue only they understand– Mari shifts to a documentary-style exploration of a band of utopians who resist imperialist rule. In the final chapter, Mari inserts herself into the film as she interviews anarchists and agitators in Greece. These discussions, filmed in stationary single takes in harsh digital, act as a politically charged aesthetic choice that interrogates the role of bearing witness and listening at the moment when the patterns of the past are being disrupted. KR

Narimane Mari Nació en Argelia en 1969. Produjo varias películas y dirigió el mediometraje Prologue (2007), la serie de TV Scholars in the Land of Islam y el largometraje de ficción Loubie Hamra / Bloody Beans (2013, 28ª Festival). Eng Born in Algiers in 1969, she produced several films and directed the medium-length film Prologue (2007), the TV series Scholars in the Land of Islam, and the fiction feature-length film Loubie Hamra / Bloody Beans (2013, 28th Festival). Francia / Argelia / Qatar / Grecia / Alemania - France / Algeria / Qatar / Greece / Germany, 2017 / 120’ / DCP / Color / Francés / Árabe / Griego / Inglés - French / Arabic / Greek / English D, G, F, DA: Narimane Mari E: Narimane Mari, Corentin Doucet S: Antoine Morin M: Los Cousinos, Cosmic Neman, Dr Schonberg P: Narimane Mari, Olivier Boischot, Fenia Cossovitsa, Mina Driouche, Ann Carolin Reninger CP: Centrale Electrique, Blondes, Xenia Films, Joon Film I: Antoine Morin, Rachid Haddad, Michel Haas, Thekla Gounaridi

Contacto / Contact Centrale Electrique Narimane Mari T +33 651 602 909 E narimanemari@ gmail.com

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Noches de otoño — Autumn Nights Argentina, 2017 / 66’ / DCP / Color D: Flavia de la Fuente P: Quintín (Eduardo Antin) CP: Solita Films Solita Films Flavia de la Fuente T +54 9 11 4024 8703 +54 9 11 2372 1959 E quinfla@fibertel.com.ar flaviadelafu@gmail.com /flavia.delafuente

“No me di cuenta de que había tantos grados de oscuridad”, dijo alguna vez el cineasta Peter Hutton. Lo mismo podrán decir los espectadores sobre Noches de otoño. Flavia de la Fuente vuelve a los mismos espacios de su 15 días en la playa para registrar la caída de la noche y las variaciones de la oscuridad, con imágenes tan placenteras como misteriosas. Una vez más, Flavia se empeña en mostrar lugares que nadie parece mirar (porque están ahí, a la vista: las casas, las playas, el mar) y, con una paciencia en desuso, les dedica el tiempo necesario para extraerles una belleza impensable. Marcelo Alderete

“I didn’t realize there were so many degrees of darkness,” filmmaker Peter Hutton once said. This could also be said by the viewers of Autumn Nights. Flavia de la Fuente returns to the same spaces from her 15 Days at the Beach to document nightfall and the variations of darkness, with images as pleasant as they are mysterious. Once more, Flavia insists on showing places no one seems to look at (because they are there, in plain sight: the houses, the beaches, the sea), and, with an unusual patience, she devotes the time necessary to extract some unimaginable beauty. MA

Niebla — Mist Argentina, 2017 / 15’ / DCP / Color D: Flavia de la Fuente P: Quintín (Eduardo Antin) CP: Solita Films

La niebla tiene un efecto curioso sobre el cine. Por un lado impide la producción de esas imágenes que parecen artificiales a fuerza de ser nítidas. Por el otro, la niebla le otorga a cada plano un carácter misteriosamente narrativo. El placer de mirar el mar y la playa bajo la niebla permite eludir el mundo cotidiano y sospechar la belleza de lo incierto e inestable.

The mist has a curious effect on film. On one hand, it prevents the production of those images that seem artificial by being sharp. On the other, the mist provides each shot with a mysterious narrative character. The pleasure of staring at the sea and the beach under the mist allows one to escape the everyday world and suspect the beauty of the uncertain and the unstable.

Flavia de la Fuente Nació en Buenos Aires. En 1991 cofundó y dirigió la revista El Amante. Fue programadora del Bafici. En 2012 comenzó a filmar películas con su pequeña cámara, como 15 días en la playa (2013), El paseo (2014) y Los diarios de FF (2015, 30° Festival). Eng Born in Buenos Aires, in 1991 she co-founded and directed the magazine El Amante, and later served as a programmer for the Bafici Festival. In 2012, she began to shoot films with her little camera such as 15 días en la playa (2013), El paseo (2014) and Los diarios de FF (2015, 30th Festival).

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Red Capriccio Canadá - Canada, 2014 / 7’ / D, E, S: Blake Williams P: Marco Gualtieri CP: BM Films

Una película de found footage en 3D anáglifo sobre las máquinas y el paisaje que intercala movimiento con estasis, crescendos con glissandos y rojos con azules. Sus tres movimientos retratan un vehículo policial Chevy Caprice, la autopista Turcot Interchange de Montreal y una pista de rave vacía.

An anaglyph 3D found footage film about machines and landscape that interlaces motion with stasis, crescendos with glissandos, and reds with blues. Its three movements depict a parked Chevy Caprice police vehicle, Montréal’s Turcot Interchange, and an empty rave room.

Prototype — Prototipo Canadá / Estados Unidos Canada / USA / 2017 / 63’ / DCP 3D / Color D, G, F, E, S: Blake Williams P: Marco Gualtieri CP: BM Films Contacto / Contact BM Films Blake Williams T +1 647 918 3850 E blake.williams@utoronto.ca W blakewilliams.net/ prototype-2017 Con esta película polimorfa 3D de ficción, Blake Williams continúa con la indagación estética y filosófica que había explorado en sus cortos experimentales. Evocando la historia de Orfeo de forma libre y críptica, Prototype explora una gama de dispositivos proto y metacinematográficos, experimenta con ingeniosos métodos híbridos creados por el propio Williams, y también hace alusiones tecnológicas y estilísticas al diseño narrativo multipantalla de Numéro deux, de Godard, y la disposición escultural de los monitores en las instalaciones del pionero del video Nam June Paik. Andréa Picard (Catálogo Festival de Toronto)

With this polymorphous 3D fiction film, Blake Williams continues the lines of aesthetic and philosophical inquiry he explored in his experimental shorts. Loosely and cryptically evoking the story of Orpheus, Prototype explores a range of proto- and meta-cinematic devices, experiments with Williams’ own inventive hybrid methods, and also makes technological and stylistic allusions to the multi-screen narrative design of Godard’s Numéro deux and the sculptural arrangement of monitors in the installations of video pioneer Nam June Paik. AP (TIFF Catalog)

Blake Williams Nació en Houston, Texas, y actualmente trabaja, escribe y estudia en Toronto. Sus trabajos en video han sido seleccionados en festivales internacionales como Toronto, Locarno, Nueva York y Oberhausen. Eng Born in Houston, Texas, and currently works, writes, and studies in Toronto. His video work has screened internationally at venues such as the Toronto, Locarno, New York, and Oberhausen film festivals.

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Aliens España - Spain, 2017 / 23’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish D, G, P: Luis López Carrasco F: Ion de Sosa E: Luis López Carrasco, Sergio Jiménez S: Jorge Alarcón I: Tesa Arranz

Figura clave de la escena madrileña en los 80 y cantante de los Zombies, Tesa Arranz ha pintado más de 700 retratos de criaturas extraterrestres. Al confrontar las pinturas de la cantante con sus recuerdos, poemas y diarios, Aliens retrata el paisaje emocional dentro de la historia española en el que la felicidad, los experimentos pesadillescos y la alienación iban de la mano.

Tesa Arranz, a key figure in the 1980s Madrid scene and singer of the Zombies, has painted over 700 portraits of outer-space creatures. Confronting the singer’s paintings with her memories, her poems and diaries, Aliens depicts the emotional landscape, in Spanish history, where happiness, nightmarish experimentations and alienation walked hand in hand.

Contacto / Contact OFF ECAM Ismael Martín T +34 915 121 060 E info@offecam.com

Luis López Carrasco Nació en Murcia en 1981. Es productor, director, escritor, y cofundador del colectivo audiovisual Los Hijos, cuyas películas fueron reunidas en una retrospectiva en el 25º Festival. El futuro, su primer largometraje en solitario, fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2013. Eng He was born in Murcia in 1981. He is a producer, director, writer, and co-founder of the audiovisual collective Los Hijos, whose films were screened in a retrospective held by the 25th Festival. His first solo film El futuro premiered at the 2013 Locarno film festival.

Elementos Argentina, 2017 / 38’ / DM / Color - B&N / Español Spanish D, G, F, E, S: Jorge Honik Contacto / Contact Jorge Honik T +54 0294 449 3639 +54 9 0294 461 3236 E cuqui@ elbolson.com La primera película de Honik en casi 40 años explora la miríada de posibilidades del video digital creando una analogía con los cuatro elementos de la naturaleza. El quinto proyecta la esencia humana como desecho, con un vaciadero que funciona como metáfora de un medio capaz de producir imágenes sin límite. Aaron Cutler & Mariana Shellard

Honik’s first film in nearly forty years explores the myriad possibilities of digital video by creating an analogy with the four natural elements. The fifth element projects human essence as waste, with a dumping ground serving as metaphor for a medium capable of endless production of images. AC & MS

Jorge Honik Realizador de cine experimental en los años 60 y 70 en formato Super 8, y actualmente en video digital. Dirigió varias películas; entre ellas, La mirada errante, Seis piezas breves y El inmortal (29ª Festival). Eng He made experimental films in Super 8 in the 1960s and 70s, and currently works in digital video. He has directed numerous films, among them, La mirada errante, Seis piezas breves and El inmortal (29th Festival).

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Farpões baldios — Barbs, Wastelands / Púas, baldíos Portugal, 2017 / 25’ / DCP / Color / Portugal - Portuguese D, G, E, DA: Marta Mateus F: Hugo Azevedo S: Olivier Blanc, Hugo Leitão P: Joana Ferreira, Isabel Machado CP: C.R.I.M. I: Maria Clara Madeira, Gonçalo Prudêncio, Maria Catarina Sapata, José Codices, Francisco Barbeiro

En el siglo XIX, en los campos luminosos del Alentejo, luego de generaciones de hambre y miseria, los campesinos de Portugal iniciaron una valiente lucha para mejorar las condiciones de trabajo. Los personajes protagonistas de esta película, resistentes de esta lucha, cuenta su historia en sus propias palabras a las nuevas generaciones, para mantener viva la memoria del lugar.

In the 19th century, in the bright fields of the Alentejo and after generations of hunger and misery, Portugal’s peasants initiated a brave struggle to improve work conditions. The main characters in this film, the resisters of this struggle, tell their story to new generations in their own words, in order to keep the memory of the place alive.

Marta Mateus Nació en 1984 en Estremoz. Estudió Psicología en la Universidad Nova de Lisboa (NOVA - UCSH), y dibujo y fotografía en AR.Co. Trabajó como actriz y asistente de dirección. Eng Born in 1984 in Estremoz, Portugal, she studied psychology at the Universidad Nova de Lisboa (NOVA - UCSH), and drawing and photography at AR.Co. She has worked as an actress and director’s assistant.

Contacto / Contact Portugal Film - Portuguese Film Agency Filipa Henriques T +351 918 538 364 +351 968 373 970 E portugalfilm@ indielisboa.com prints@portugalfilm.org W portugalfilm.org portugalfilm.org/film/ farpes_baldios

Jeunes hommes a la fenetre

Young Men at Their Window / Los jóvenes en la ventana Francia - France, 2017 / 18’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Loukianos Moshonas F: Mauro Herce E: Quentin Maussang, Loukianos Moshonas DA: Bertrand Scalabre S: François Boudet P: Emmanuel Chaumet CP: AKA Productions, Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains I: Charles Dugoujon, Quentin Maussang Las réplicas digitales del mundo son, observadas con la lupa de los programas de diseño y fotografía, poco más que una nube de píxeles y ruido. A través del diálogo entre dos trabajadores del diseño digital (el nuevo lumpen-proletariado), el trabajo de Moshonas retrata la distancia entre lo real y sus réplicas, y la distancia entre el hoy y las políticas que decían estar destinadas a cambiarlo. Gonzalo De Pedro

The digital replicas of the world are, when observed with the magnifying glass of design and photography programs, not much more than a cloud of pixels and noise. Through the dialog between two digital design workers (the new lumpenproletariat), Moshonas’ work depicts the distance between reality and its replicas, as well as the distance between today and the policies that they said were destined to change it. GDP

Loukianos Moshonas Nació en Atenas en 1985. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lyon y en Le Fresnoy, en Lille. Dirigió varios cortometrajes; entre ellos, Que rien de tout ceci (2009) y Manodopera (2016). Eng Born in Athens in 1985, he studied at the School of Fine Arts of Lyon and in Le Fresnoy, in Lille. He has directed numerous short films, among them, Que rien de tout ceci (2009) and Manodopera (2016).

Contacto / Contact Ecce Films Emmanuel Chaumet T +33 142 583 714 E chaumet@eccefilms.fr

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Kosmos Argentina, 2017 / 10’ / DM / Color - B&N D, G, DA, S, P: Narcisa Hirsch, Rubén Guzmán, Robert Cahen F: Narcisa Hirsch, Rubén Guzmán, Robert Cahen, Clara Frías E: Rubén Guzmán, Clara Frías M: André Bon, Frédéric Kahn, Franck Yeznikian CP: La medina Este trabajo en video a tres manos cuenta una historia sensorial acerca de un universo en simultánea expansión y decaimiento. De una manera que remite a Hirsch y sus Inscripciones (2015), este corto filmado en la Patagonia evoca un vals entre la manifestación y lo no manifiesto. Aaron Cutler & Mariana Shellard

This three-handed video work tells a sensorial tale of a universe in simultaneous expansion and decay. In a manner reminiscent of Hirsch’s Inscripciones (2015), the Patagonia-shot Kosmos evokes a waltz between manifestation and the non-manifest. AC & MS

Contacto / Contact La medina Narcisa Hirsch, Rubén Guzmán, Robert Cahen T +54 11 4307 4939 E topos7777@gmail.com la.noforma@gmail.com W narcisahirsch.com.ar

Narcisa Hirsch, Rubén Guzmán & Robert Cahe Narcisa nació en 1928 en Berlín. Es cineasta experimental de larga trayectoria. Rubén es fotógrafo, profesor e investigador universitario, curador y programador de medios audiovisuales. Robert nació en 1945 en Francia. Trabaja en cine y TV desde 1972. Eng Born in Berlin in 1928, she is an experimental filmmaker with a long trajectory. Ruben is a photographer, university professor and researcher, curator and programmer of audiovisual media. Robert was born in France in 1945 and has been working in film and television since 1972.

La Bouche — La boca

Todo cabe en el rostro, filmado en primer plano, de un músico que descarga todo su dolor acumulado sobre su bongó. En este corto concebido como un contraplano, o quizás como el lado B de un single de muchas caras –de su anterior cortometraje, Cilaos (2016)–, el colombiano Restrepo vuelve a dar voz a los muertos, los desaparecidos, los olvidados que interpretan un musical en ese no lugar donde las heridas no se curan si no es cantando y bailando. Gonzalo de Pedro

Everything is possible in the face, shot in close-up, of a musician who vents all his amassed pain upon his bongo. In this short film, conceived as a reverse shot, or maybe the B-side of a single with many faces –of his previous short, Cilaos (2016) –, Colombian director Restrepo gives voice to the dead, the disappeared, the forgotten that perform a musical in that nowhere in which wounds are not healed but rather they are sung and danced. GDP

Camilo Restrepo Nació en 1975 en Medellín, Colombia. Desde 1999 vive y trabaja en París. Dirigió varios largometrajes; entre ellos, Tropic Pocket (2011) y Como crece la sombra cuando el sol declina (2014). Eng Born in 1975 in Medellin, Colombia, he has been living and working in Paris since 1999. He has directed various feature length films, among them Tropic Pocket (2011) and Como crece la sombra cuando el sol declina (2014).

Francia - France, 2017 / 19’ / DCP / Color D: Camilo Restrepo G: Camilo Restrepo, Sophie Zuber F: Guillaume Mazloum, Cécile Plais E, S: Mathieu Farnarier P: Helen Olive, Martin Bertier CP: 5à7 Films I: Mohamed “Diable Rouge” Bangoura, Issiaga “Ella” Bangoura, Raymond Camara, Karamoko Daman, Mabinty Kohn, Marie Touré Contacto / Contact 5à7 Films Helen Olive T +33 680 326 302 E heaolive@yahoo.co.uk contact@camilo-restrepofilms.net W camilo-restrepo-films.net

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Las expansiones — The Expansions

Un recorrido por las notas escritas a raíz de la conquista de una ciudad (de)nominada Buenos Aires. “Las expansiones” entendidas no solo geográficamente, sino también como límite interno y externo. Como punto(s) de partida: los primeros barcos que arribaron a la costa del ilusoriamente denominado río de “la plata” desde Europa.

A journey through the notes written after the conquest of a city named Buenos Aires. “The expansions” understood not only geographically, but also as an inner and outer limit. As starting point(s): the first ships that arrived on the coast of the illusively named river “plate” from Europe.

Argentina / Alemania Argentina / Germany, 2017 / 32’ / DCP / Color / Alemán / Francés / Portugués / Español German / French / Portuguese / Spanish D, S, P: Manuel Ferrari F: Fernando Lockett, Manuel Ferrari E: Hernán Hevia S: Francisco Pedemonte M: Osvaldo Golijov CP: Bunker Cine/ma I: Jorge Alencar, Andreas Bolm, Neto Machado, Nicolas Mondon

Contacto / Contact Bunker Cine/ma Manuel Ferrari T +54 11 4551 1854 E lasexpansiones@ gmail.com

Manuel Ferrari Es montajista, productor y cineasta. Fue uno de los realizadores del film colectivo A propósito de Buenos Aires (2005) y dirigió Cómo estar muerto/Como estar muerto (2009) y Crónicas de Solitude (2015). Eng He is an editor, producer and filmmaker. He was one of the directors of the film collective A propósito de Buenos Aires (2005) and he directed the films Cómo estar muerto/Como estar muerto (2009) and Crónicas de Solitude (2015).

MLA Argentina, 2017 / 4’ / DM / Color - B&N /Español - Spanish D, G: Paulo Pécora F: Paulo Pécora, Sebastián Tolosa E: Mariano Juarez S: Mariano Juárez P: Paulo Pécora, Fernando Domínguez CP: Ríoabajo I: Marie-Louise Alemann

Las películas autobiográficas de la artista experimental alemana-argentina Marie Louise Alemann exploran la performatividad y las capas del ser. El retrato que Paulo Pécora hace de Alemann, registrado en 2013, le rinde un cálido tributo. La figura de Alemann aparece gradualmente de entre un mar de granos de Super 8 en banco y negro, mientras su voz suave nos cuenta cómo el cine se volvió parte de su vida. Aaron Cutler

The autobiographical films made by GermanArgentine experimental artist Marie Louise Alemann explore performativity and layers of the self. Paulo Pécora’s portrait of Alemann, recorded in 2013, pays her loving tribute. Alemann’s figure gradually comes into view from amidst a sea of black-and-white Super 8 grains while her voice speaks gently about how cinema entered her life. AC

Paulo Pécora Nació en Buenos Aires. Es periodista y cineasta. Estudió en la Universidad del Salvador y en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Realizó varios largometrajes; entre ellos, El sueño del perro, Marea baja y Amasekenalo. Eng Born in Buenos Aires, he is a journalist and filmmaker. He studied at the Universidad del Salvador and the Universidad del Cine in Buenos Aires. He has made a number of feature length films, among them El sueño del perro, Marea baja and Amasekenalo.

Contacto / Contact Ríoabajo Paulo Pécora T +54 9 11 6710 7998 E papecora@yahoo.com

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Où en êtes-vous, Jean-Marie Straub? —

Where Are You, Jean-Marie Straub? ¿Dónde estás, Jean-Marie Straub? Francia / Suiza - France / Switzerland, 2016 / 10’ / DCP / Color D: Jean-Marie Straub E: Christophe Clavert I: Neguib, Kiwi Contacto / Contact BELVA Films GmbH E straubhuillet@bluewin.ch La película más reciente –¡pero no la última!– de Jean Marie Straub, obra por encargo del Centro Pompidou en ocasión de su retrospectiva Straub-Huillet de 2016, es un sencillo film-diario rodado en Suiza. Bajo la cálida luz del sol suizo y en un contexto de sonidos hogareños cotidianos, Straub y su colaboradora Barbara Ulrich se turnan para acariciar a uno de sus gatos, mientras recuerdan a otro felino que permanecía en la falda de Huillet durante la filmación de su corto sobre Arnold Schöenberg. Ted Fendt

Commissioned by the Centre Pompidou in 2016 on the occasion of their Straub-Huillet retrospective, the most recent –but not the last!– film directed by Jean-Marie Straub is a simple, diaristic film shot in Switzerland. In warm Swiss sunlight and a background of everyday household sounds, Straub and his collaborator Barbara Ulrich take turns petting one of their cats, recalling another cat sitting on Huillet’s lap in their short film on Arnold Schöenberg. TF

Jean-Marie Straub Nació en Metz, Francia, en 1933. Junto a Danièle Huillet, realizaron films como Moses and Aaron (1968), Black Sin (1988) y Antigone (1991). Tras la muerte de Huillet en 2006, dirigió Un conte de Michel de Montaigne (2012; 28º Festival) y Dialogue d’ombres (1954-2013; 29º Festival), entre otros. Eng He was born in Metz, France, in 1933. In collaboration with Danièle Huillet, he directed such films as Moses and Aaron (1968), Black Sin (1988), and Antigone (1991). After Huillet’s death in 2006, he directed Un conte de Michel de Montaigne (2012; 28th Festival), and Dialogue of Shadows (1954-2013; 29th Festival), among others.

Plus Ultra España - Spain, 2017 / 13’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, F, E: Helena Girón, Samuel M. Delgado S: Juan Carlos Blancas P: Jose A. Alayón, Beli Martínez CP: El Viaje Films, Filmika Galaika I: David Pantaleón, Rubén Rodríguez, María Isabel Díaz, Elena Navarro, Mercedes Pintado “Plus Ultra” es el lema del Estado español. Con él se alentaba a los navegantes a conquistar nuevas tierras, olvidando la advertencia de la mitología griega: Non terrae plus ultra (“No existe tierra más allá”). Canarias –banco de pruebas de las tácticas utilizadas en la colonización de América– se convierte en el escenario de una fábula sobre el territorio.

“Plus Ultra” is the motto of the Spanish State. With it, the navigators were encouraged to conquer new lands, forgetting about the warning of Greek mythology: Non terrae plus ultra (“There is no land beyond”). The Canary Islands –testing ground for the tactics used in the colonization of Americabecomes the stage for a fable about territory.

Helena Girón & Samuel M. Delgado Sus trabajos indagan en las relaciones entre mitología y materialismo. Sus películas han tenido un amplio recorrido en festivales internacionales, entre ellos Toronto, Locarno y Nueva York. Eng Their works focus on the relationship between mythology and materialism. Their films have been widely screened at international film festivals, including Toronto, Locarno and New York.

Contacto / Contact Helena Girón, Samuel M. Delgado T +34 616 546 885 E helenagiron@ gmail.com samuelmdelgado@ gmail.com W labandanegra.net elviajefilms.com

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Fantasy Sentences — Phantasiesätze / Frases de fantasía Alemania / Dinamarca Germany / Denmark, 2017 / 17’ / DCP / Color - B&N / Ucraniano - Ukrainian D, G, E: Dane Komljen F: Jenny Lou Ziegel S: Simon Apostolou M: Aaron Hemphill P: Zsuzsanna Kiràly CP: Flaneur Films Hubo una vez un programa de radio conducido por un hombre llamado Walter Benjamin. En una ocasión, le pidió a una niña de 11 años que jugara un juego; que tomara unas palabras al azar que él le decía y formara frases. Las llamó “oraciones de fantasía”. Ahora, imagínense jugando al mismo juego al revés y con imágenes, no sonidos. ¿Pueden adivinar las palabras? Recuerdo – Familia – Transición / Bosque – Aflicción Cemento / Zorro – Gato – Cine. James Lattimer

There was once a radio show presented by a man called Walter Benjamin. One time, he asked an 11-year-old girl to play a game, to take the random words he gave her and form phrases. He called it “fantasy sentences”. Now, imagine playing the same game in reverse but with images, not sounds, can you guess the words? Recollection – Family – Transition / Forest – Affliction - Concrete / Fox – Cat – Cinema. JL

Contacto / Contact Flaneur Films Zsuzsanna Kiràly E hello@ flaneur-films.com W flaneur-films.com 232134862

Dane Komljen Nació en 1986 en Yugoslavia. Estudió dirección de cine en la Facultad de Artes Dramáticas en Serbia, y arte contemporáneo en Le Fresnoy, Francia. Dirigió varios cortometrajes y el largometraje All the Cities of the North (2016, 32ª Festival). Eng Born in Yugoslavia in 1986, he studied film direction at the School of Dramatic Arts in Serbia, and contemporary art in Le Fresnoy, France. He has directed various short films and the feature length film All the Cities of the North (2016, 32nd Festival).

Scaffold Canadá - Canada, 2017/ 15’ / DCP / Color / Bosniano / Inglés - Bosnian / English D, G: Kazik Radwanski F: Nikolay Michaylov E: Ajla Odobasic DA: Zoe Koke P: Daniel Montogomery, Nikolay Michaylov, Kazik Radwanski CP: MDFF I: Jasmin Geljo, Igor Drljaca, Nicole Fairbairn Dos inmigrantes de Bosnia trabajan arriba de un andamio pintando las paredes de una casa en la capital de Canadá. No vemos sus rostros, pero sí sus manos que toman una brocha, sus pies que suben escalones, un viejo que barre su vereda y niños que caminan hacia su escuela tomados de la mano. Bresson vive. Jaime Grijalba

Two Bosnian immigrants work on a scaffold painting the walls of a house in the capital of Canada. We do not see their faces, but we do see their hands grabbing a paintbrush, their feet climbing steps, an old man sweeping his sidewalk and children holding hands on their way to school. Bresson lives. JG

Kazik Radwanski Nació en 1985 en Toronto. Estudió cine en la Universidad de Ryerson. En 2008 cofundó la compañía de producción MDFF. Dirigió los largometrajes Tower (2012) y How Heavy This Hammer (2015). Eng Born in Toronto in 1985, he studied film at Ryerson University. In 2008, he co-founded the MDFF production company. He directed the feature length films Tower (2012) and How Heavy This Hammer (2015).

Contacto / Contact La Distributrice De Films Serge Abiaad T +1 514 577 9389 E serge@ladistributrice.ca W ladistributrice.ca ladistributrice.ca/ catalogue-films/scaffold

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PROGRAMA ESPECIAL RAFAeL RAMÍREZ / Special Program: Rafael Ramírez Más nombres para R.R.

More Names for R.R.

Los heterónimos son personalidades poéticas necesarias

Heteronyms are poetic personalities necessary for uncomfortable art. They manifest both as the symptom of and the antidote against the determinism of a society plagued with stupid logics and boring people. Heteronyms are those bodies that smuggle information in the border between reality and fiction. They provide their creator with an internal, peaceful dialog. To the extent that one accepts the existence of many worlds and gives shape to heteronyms, one solves the apparent contradictions of one’s being. They tell me that heteronymists come from Portugal. Who knows why. I will ask: Alberto Caeiro, Álvaro de Campos, Ricardo Reis, María José and many others. There are more than seventy of them. What madness. However, in Cuba I met Mateo Mondeccai, translator of an immense literary production named “Umbralism,” an unsolved mystery, a pain in the neck for literary agents. It was he who introduced me to R.R. and his films, so captivating that they took me to Venus-Pluto. R.R.’s films are like the verification of a dream that seemed almost impossible: making science fiction in Cuba. As shown by his masterful Alona and other titles as intriguing as his recent Los perros de Amundsen. Whether they are documentaries or not, whether they are dreams of real events, what difference does it make. One cannot question film about its effectiveness at turning us into better people and, why not, the healthy heteronyms of others. JM (a.k.a. AD)

para el arte incómodo, se manifiestan como el síntoma y a la vez como el antídoto contra el determinismo de una sociedad plagada de lógicas estúpidas y de gente aburrida. Los heterónimos son esos cuerpos que trapichean información en la frontera entre la realidad y la ficción. Aportan al creador un diálogo interno y pacífico. En la medida en que acepta la existencia de diversos mundos y les da forma a sus heterónimos, resuelve las aparentes contradicciones de su ser. Según me dicen, los heteronimistas vienen de Portugal. A saber por qué. Lo voy a preguntar: Alberto Caeiro, Álvaro de Campos, Ricardo Reis, María José y tantos otros. Hay más de setenta. Vaya locura. Sin embargo, en Cuba conocí a Mateo Mondeccai, traductor de una inmensa producción literaria conocida como “Umbralismo”, un misterio pendiente de resolver, un dolor de cabeza para los agentes literarios. Fue él quien me presentó a R.R. y a sus películas, tan arrebatadoras que me llevaron a Venus-Plutón. El cine de R.R. es como la constatación de un sueño que parecía casi imposible: hacer ciencia ficción en Cuba. Así lo demuestra su magistral Alona y otros títulos tan sugerentes como su reciente Los perros de Amundsen. Si son documentales o no, si son sueños o son hechos verdaderos, ¿qué más da? No se le puede cuestionar al cine su eficacia al hacernos mejores personas y, cómo no, los saludables heterónimos de otros. Julius Maynard (a.k.a. Andrés Duque)

PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Alona Cuba, 2016 / 13’ / DM / Color / Inglés / Español - English / Spanish D: Rafael Ramírez G: Juan Carlos Ortega, Rafael Ramírez, Lisandra López F: Laura Sanz E: Juan Carlos Ortega S: Jesús Bermúdez M: Adrián Ronda, Rafael Morante P: Alexis Arencibia CP: EICTV

Los habitantes de una casa son estudiados por una fuerza maligna. No parecen advertir su destino, con la excepción de un anciano, quien está seguro de que la culminación de su obra maestra los salvará de lo inevitable.

A malignant force analyzes the people living in a house. They don’t seem to notice their fate, except for an old man who is sure that finishing his masterpiece will save everyone from the inevitable.

Diarios de niebla Cuba, 2015 / 13’ / DM / B&N D: Rafael Ramírez G: Lisandra López Fabe F: Laura Sanz E: Matteo Faccenda S: Jesús Bermudez M: Rafael Ramírez, Jesús Bermúdez P: Yamila M. Montero CP: EICTV

Behamut Limited Corporation montó esta película sobre los restos del material encontrado en Ciudad Dzershinsky luego de su implosión. El doctor James Cracker Fishboume se hizo cargo de su aspecto estético.

Behamut Limited Corporation has edited this film using the remaining materials found in Dzershinsky City after it imploded. Doctor James Cracker Fishboume was in charge of its aesthetic aspects.

Rafael Ramírez Se graduó en comunicación audiovisual en la Universidad de Artes de Cuba y estudió documental en la EICTV. Dirigió numerosos cortometrajes, condujo la orquesta de jazz experimental The Royal Bakunin Orchestra, y publicó varios libros, incluido Purple Traffic, una traducción de poemas de Emily Dickinson. Actualmente está trabajando en su primer largometraje. Eng He graduated in audiovisual communication at the University of Arts of Cuba and studied documentary at the EICTV. He directed several short films, conducted the experimental jazz orchestra The Royal Bakunin Orchestra, and published several books, including Purple Traffic, a translation of Emily Dickinson’s poetry. He is currently working on his first feature film.

Contacto / Contact Rafael Ramírez E herrakenaton@gmail.com Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) Giselle Cruz T +53 47 383 152 E promocioninternacional@ eictv.co.cu W eictv.org

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Limbo Cuba, 2016 / 13’ / DM / Color / Español - Spanish D, F, E: Rafael Ramírez G: Lisandra López S: Alejandro Alonso Estrella, Jesús Bermúdez

En una apartada región del país, una familia transforma las acciones cotidianas en ritos. Su existencia circular está centrada en el padre, alrededor del cual el limbo de la nación ordena sus formas.

In a faraway region, a family tranforms everyday actions into rituals. Their circular existence is focused on the father, around whom the limbo of the nation organizes its forms.

Los perros de Amudsen Cuba, 2017 / 27’ / DCP / Color - B&N / Español / Inglés Spanish / English D, G: Rafael Ramírez F: Elisa Barbosa Riva E: Matteo Faccenda S: Jesús Bermúdez M: Rafael de Jesús R. Betancourt CP: EICTV

Un inspector que investiga accidentes industriales escribe poemas con un método que inventó él mismo. Su trabajo creativo separa su mundo del de la gente que lo rodea.

An inspector who investigates industrial accidents writes poems using a method he has invented himself. His creative work separates his world from that of those around him.

Traces of the Inscribed — Indicios de lo inscrito Cuba, 2017 / 5’ / DM / B&N / Inglés / Español - English / Spanish D, F, E, S, P: Rafael Ramírez

Una traducción-traición. Film que trata de asir el hálito del poeta José Kozer y devolverlo a la nada.

A translation/treason. A film that tries to grasp the breath of poet José Kozer and return him to nothingness.

La sección Estados Alterados está dedicada a la memoria de Hans Hurch.

The section Altered States is dedicated to the memory of Hans Hurch.

Focos y Retrospectivas â&#x20AC;&#x201D; Focus and Retrospectives

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mardelplataďŹ lmfest.com

Ado Arrietta

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Les Intrigues de Silvia Couski Tam Tam Flammes Merlin Belle Dormant Le Crime de la toupie La imitación del angel Le Jouet Criminel Le Château de Pointilly Grenouilles Kikí Eco y Narciso Vacanza permanente Dry Martini

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focos y retrospectivas ado arrietta — focus and retrospectives ado arrietta

El cine de Ado Arrietta fue y es admirado por personajes como Marguerite Duras, Jonas Mekas, Jean-Claude Biette, Raúl Escari, Severo Sarduy, Enrique Vila-Matas, Pierre Léon y Serge Bozon, entre otros. Sin embargo, su obra es una de esas filmografías que aún se mantienen (casi) secretas, al menos por este lado del mundo. Arrietta comenzó su historia de amor con el cine de niño, en los cineclubes de Madrid. En esta temprana educación informal, descubrió primero el cine norteamericano y luego nombres como Cocteau, Antonioni y Bresson. Luego, llegarían el teatro y la pintura, hasta que su decisión de hacer películas derivó en la compra de una cámara 16mm Kodak con la cual rodaría, junto a un grupo de amigos, Le Crime de la toupie, film que marcaría el nacimiento de Arrietta cineasta. Tratar de describir su obra en este breve texto parece imposible. Lotte Eisner, luego de ver una de sus películas, comentó: “Nunca había visto una película como esta, hecha con el material del sueño”. Cineasta artesanal, alejado de escuelas, movimientos y conceptos prefabricados de profesionalismo, Arrietta hizo su cine como y cuando quiso. Alteró la ortografía de su nombre como Adolfo, Adolpho, Adorfo, Udolfo, Udolpho, Alfo, Ado, e incluso remontó sus obras, reduciéndolas en su duración con la idea de que sean mejores, años después de haber sido estrenadas. Un gesto que muestra a un artista (y a un arte) vivo, siempre escapando de los peligros del aburguesamiento del artista reconocido y de la admiración museística tan cara a los cinéfilos. En palabras de Pierre Léon, otro cineasta de la misma estirpe: “Arrietta es una ostra melancólica que filma sea como sea y sin preocuparse por hacer obra o dejar huella; solo es consciente de la felicidad fugitiva (no del placer) que ello procura: que otros reúnan las perlas en collares. Arrietta filma parezca lo que parezca porque la urgencia juega en la misma liga que la vida”. Esa felicidad fugitiva de la que habla Léon es la que podrá disfrutar el público en esta retrospectiva completa de la obra de Ado Arrietta, que el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata se enorgullece en presentar. Cecilia Barrionuevo y Marcelo Alderete

The cinema of Ado Arrietta was and continues to be admired by such personalities as Marguerite Duras, Jonas Mekas, Jean-Claude Biette, Raúl Escari, Severo Sarduy, Enrique Vila-Matas, Pierre León and Serge Bozon, among others. However, his work is one of those filmographies that is still kept (almost) secret, at least in this part of the world. Arrietta started his love story with cinema as a boy, in the film societies in Madrid. During this early informal training, he discovered American film first and then names like Cocteau, Antonioni and Bresson. Later would come theater and painting, until his decision to make films led to the purchase of a 16mm Kodak camera with which he would shoot, with a group of friends, Le Crime de la toupie, a film that would mark the birth of Arrietta the filmmaker. Trying to discover his work in this brief text seems impossible. Lotte Eisner, after seeing one of his films, commented, “I have never seen a film like this one, made with the stuff of dreams.” An artisan of filmmaking, far removed from schools, movements and prefabricated concepts of professionalism, Arrietta made his films the way he wanted to and whenever he wanted to. He altered the spelling of his name to Adolfo, Adolpho, Adorfo, Udolfo, Udolpho, Alfo, Ado, and even reedited his works, trimming down their running time with the idea of improving them, years after their release. A gesture that shows a living artist (and art), always escaping the dangers of the gentrification of the renowned artist and the museum-like admiration cinephiles are so fond of. In the words of Pierre León, another filmmaker of the same lineage, “Arrietta is a melancholy oyster who somehow manages to film, unconcerned with building up an oeuvre or making his mark, only aware of the fleeting happiness (not pleasure) that it brings: let others string the pearls into necklaces. Arrietta simply films, because urgency plays in the same league as life.” That fleeting happiness León mentions will be enjoyed by the audience of this complete retrospective of the work of Ado Arrietta that the Mar del Plata International Film Festival is proud to present. CB & MA

Ado Arrietta Nació en Madrid en 1942. A los 22 años realizó su primera película. En 1967 se trasladó a París, donde realizó gran parte de su obra. El cine de Arrietta continúa siendo una pasión secreta y discreta. Su nombre debería mencionarse más a menudo al lado de algunos de sus hermanos cinematográficos: Jean Eustache, Philippe Garrel, Jacques Rivette, Werner Schroeter, Andy Warhol, Kenneth Anger o Jack Smith. Sus películas, como las de Jean-Claude Biette, Paul Vecchiali y Jean-Claude Guiguet, siguen siendo un secreto dentro de la historia del cine. Eng Born in Madrid in 1942. When he was 22 he made his first movie. In 1967 he moved to Paris, where he did most of his work. Arrieta's cinema continues to be a secret and a discreet passion. His name should be mentioned more often, alongside some of his brothers in cinema: Jean Eustache, Philippe Garrel, Jacques Rivette, Werner Schroeter, Andy Warhol, Kenneth Anger or Jack Smith. His films, like the ones by Jean-Claude Biette, Paul Vecchiali or Jean-Claude Guiguet remain a secret within the history of cinema.

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Les Intrigues de Silvia Couski Les Intrigues de Sylvia Couski es un musical, o quizás un cuento de hadas… Todo reducido a superficie como en las pinturas de los Primitivos, como en los sueños, como en los musicales… Una historia como pretexto para una serie de retratos, y una serie de retratos como pretexto para una historia inventada en una ciudad inventada (París), una ciudad de travestis que intentan vivir la Belle Époque de las fiestas y el arte…. La película de Arrietta está hecha en París así que pensé que era francesa y me sorprendió ver que una película francesa filmara el mundo de los travestis, porque este tema ha sido tabú en el cine francés moderno (nuevo). Luego, descubrí que Arrietta era español, de Madrid, y que París era solo uno de sus paraderos. Francesa o española, encuentro la película de Arrietta cautivadora, informativa, entretenida y preciosa. Como dije, su tema es la escena del travestismo en París, descrita con la elegancia de Jack Smith, la franqueza de Andy Warhol y la ternura de Arrietta. Saludo al poeta. Jonas Mekas (Traducido por Manuel Asín para la edición Adolpho Arrietta. Obras. 1966-2008 / Intermedio)

Les Intrigues de Sylvia Cousky is a musical comedy, or maybe a fairy tale… Everything reduced to the surface as in the paintings of the Primitive School, as in dreams, as in musical comedies… A story as a pretext for a series of portraits, and a series of portraits as a pretext for an invented story in an invented city (Paris), a city of transvestites trying to relive the Belle Époque of festivities and art. Arrietta’s film was made in Paris so I thought it was French and I was surprised to see a French film recording the world of the transvestite because this subject has been a taboo in modern (new) French cinema. Later I found out that Arrietta was Spanish, from Madrid, and that Paris was only one of his stations. French or Spanish – I found Arrietta’s film compelling, informative, entertaining, and beautiful. As I said, its subject is the Paris transvestite scene and it’s depicted with the flair of Jack Smith, the directness of Andy Warhol, and the special tenderness of Arrietta. I salute the Poet. JM (Translated by Manuel Asín for the publication Adolpho Arrietta. Works. 1966-2008 / Intermedio)

Francia - France, 1974 / 71’ / DCP / Color D, P: Adolpho Arrieta G, F, E: Ado Arrietta I: Marie France, Javier Grandes, Gaëtane Gaël, Michèle Moretti, Howard Vernon, Hélène Hazera, Costa Comnéne, Michel Cressolle, Michelle Meyer, Severo Sarduy, Maud Molyneux, Miguel Angel de Yrazazabal

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Tam Tam Tam Tam quizás sea su mejor film: inolvidables escenas iniciales en Nueva York en las que las cámaras de Mekas sirven de soporte a un pequeño journal del escritor que es esperado en París en una fiesta a la que nunca acudirá. Sarduy, que interviene como actor en el film, ha manifestado en una entrevista cardinal que lo que más le interesa en el cine de Arrietta es la unidad que se utiliza en el trabajo, la unidad de escritura. Según Sarduy, el cine, al menos hasta el underground, ha trabajado siempre con grandes unidades, de relato, de intriga, de montaje, de ficción. (…) "En Arrietta –continúa diciendo–, creo, y eso es sensible sobre todo cuando actúa en sus películas, se pasa a una unidad de trabajo aún más pequeña, que estaría al límite de la articulación que produce el sentido. Lo que este dilata, hasta constituir la materia prima misma del film, es algo que podría llamarse escena, algo, en todo caso, interior a la secuencia. El tiempo de la escena es el tiempo del film". Enrique Vila-Matas (Extracto. Traducido por Manuel Asín para la edición Adolpho Arrietta. Obras. 1966-2008 / Intermedio)

Tam Tam may be his best film: unforgettable opening scenes in New York, in which Mekas’s cameras serve as a kind of journal of a writer who is expected at a party in Paris that he will never attend. In a significant interview, Severo Sarduy, who acts in the film, says that what he finds most interesting about Arrietta’s films is the unit that he works with, the unit of writing. At least until the “underground”, according to Sarduy, film has historically dealt with big units of narrative, intrigue, editing, fiction. […] “With Arrietta,” he continues, “I think we move to an even smaller unit of work, which is right at the limit of the structure that produces meaning; this can be sensed particularly when he acts in his own films. And the element that he expands, so much so that it becomes the actual material of the film, is what we could call a scene, or in any case something smaller than a sequence. The time of the scene is the time of the film." Enrique Vila-Matas (Excerpt. Translated by Manuel Asín for the publication Adolpho Arrietta. Works. 1966-2008 / Intermedio)

Francia - France, 1976 / 57’ / DM / Color D, G, E, P: A. Arrietta F: Adolpho Arrietta, Bernard Avreux I: Javier Grandes, Maud Molyneux, Enrique Vila-Matas, Paquita Paquin, Severo Sarduy, Gaëtane Gaël, Costa Comnéne, Vicente Criado, Hélène Hazera, Marcia Moreto, Mercedes Robidosa, Conchita Sitges, Serge Casado, Kate Manheim, Richard Foreman, Hollis Mekas

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Flammes Bárbara, una niña que tiene miedo a los truenos, traza con su mano una sombra en la pared, la sombra de una silueta con casco. Tras la tormenta sigue pensando en la silueta. Pasa el tiempo. La niña ya mayor no teme el fuego y solo le gustan los bomberos. Incluso esconde uno en su habitación. Normalmente es el dragón quien vomita fuego, se lleva a la hija del rey, la secuestra y un héroe viene a salvarla, pero aquí es la hija quien secuestra a su salvador. Una noche, el edificio de Bárbara arde. Nadie interviene. En cada piso que se quema, ¿es un amigo, un ladrón, un padre… quien espera junto a la ventana, tan tranquilo? No, solo un bombero que no puede intervenir, porque está ya allí, en el interior, cautivo. (…) Si el bombero es, como todos los héroes de Arrietta, una imitación del ángel, es porque no hay amor sin disfraz ni seducción sin uniforme, ni incendio sin salvadores frustrados: “todas mis películas cuentan la historia de una perversión" (Arrietta). El incendio no está en la película, pero yo lo veo como su perspectiva oculta, digamos como su verdad. Cuando pasa un ángel, esto es lo que pasa: un incendio oculto. Serge Bozon (Extracto de En llamas, en Cahiers du Cinéma, nº 682, octubre de 2012. Traducido por Manuel Asín para Adolpho Arrietta. Obras. 1966-2008 / Intermedio)

Barbara, a little girl, afraid of thunder, traces a shadow on the wall with her hand, the shadow of a helmeted silhouette. Since the storm occurred, the silhouette has not left her thoughts. When the girl has grown up, she no longer fears fire and only likes firemen. She even hides some in her bedroom. Usually, the dragon spits fire, grabs the king’s daughter, holds her hostage, and a hero comes to rescue her. Here it is the girl who sequesters her rescuer. One night Barbara’s building catches fire. Nobody intervenes. On each burning floor, is it a friend, a thief, a relative...who calmly waits near the window? No, just a fireman who cannot intervene, because he is already there, on the inside, captive (…) If the fireman is, like all Arrietta’s heroes, an imitation of the angel, it is because there is no love without disguise, no seduction without a uniform, no fire without trapped rescuers. “All my films tell a story of perversion.” (Arrietta) The fire is not in the film, but I see it as his hidden perversion, in other words, his truth. When an angel passes, that is what happens: a hidden fire. Serge Bozon (Excerpt from On Fire, in Cahiers du Cinéma, #682, october 2012. Translated by Manuel Asín for Adolpho Arrietta. Works. 19662008 / Intermedio)

Francia - France, 1978 / 82’ / DCP / Color D, G, E: Adolfo G. Arrietta F: Thierry Arbogast S: Fred Pardon, Claude Coiffier P: INA, Adolfo G. Arrietta I: Caroline Loeb, Javier Grandes, Dionys Mascolo, Isabel García Lorca, Pascal Greggory, Jeffrey Carey, Marilù Marini, Jaime Santiago, Paquita Paquin, Eloise Bennet, Enrique Vila- Matas, Raúl Escari

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Merlín Quien tiene genio no está libremente encerrado en una lámpara esperando aumentar de tamaño en el viento; calla y trabaja, entregando pacientemente trozos de la historia cuyo ensamblaje final conoce ya; tener genio es verdaderamente recurrir a él, tomarle prestado, jugar con él para “rehacerse”: es, de algún modo, más científico. (…) Adolpho Arrietta es un genio; si lo dudan vayan a ver Merlín. Merlín es un genio que tiene genio. No sé si viene de Cocteau o de la Mesa Redonda, o de la interpolación de sus lecturas, pero con Arrietta el cuento (no el teatro) besa en la boca a la leyenda, y apenas nos reconocemos. Digamos más bien que la magia teatral, casi infantil, de Cocteau, su juego con los dobles y su alegre sincretismo encuentran en Arrietta no un exégeta entusiasta o un copista escrupuloso sino un aprendiz inventor, un pillastre tan serio como un antipapa, un perfecto Ginifer, finalmente, ese demonio al que Merlín “tiene el poder de dar la forma que quiera y manejar a su antojo”. Pierre Léon (Extracto de Comme un guetteur mélancolique, publicado en Cinéma, nº 11, primavera de 2006. Traducido por Manuel Peláez para Adolpho Arrietta. Obras. 1968-2008 / Intermedio)

An ingenious person is not freely ensconced in a lamp hoping to grow in the wind. He works quietly, patiently delivering pieces of the story, already cognizant of the final assemblage. Being ingenious means really drawing on it, borrowing it, playing with it in order to be “remade”: it is more scientific in a sense. (…) Adolpho Arrietta is a genius. If you have any doubts, watch Merlín. Merlin is a genius who is ingenious. I don’t know if whether it comes from Jean Cocteau or from the Round Table, or from the interpolation of his readings, but with Arrietta the story (not the play) kisses the legend on the lips, and is almost a stranger. Better still, we could say that Cocteau’s theatrical, almost childish magic, his play with doubles and gay syncretism, is met by Arrietta not as a lover of exegesis or an unscrupulous copyist, but in the guise of an apprentice inventor, a scoundrel as serious as an antipope, ultimately as the perfect Ginifer, that demon that Merlin “has the power to change into any form and train as he pleases.” PL (Excerpt from Like a Melancholy Watchman, published in Cinéma, #11, Spring 2006. Translated by Manuel Peláez for Adolpho Arrietta. Works. 1968-2008 / Intermedio)

España - Spain, 1990 / 58’ / DM / Color D, G, E, P: Udolfo Arrietta F: Carlos Gusi DA: María Elena S: Ibiriku CP: Ruedo Films, Udolfo Arrieta I: Francis Lorenzo, Clara Sanchis, Gonzalo Armero, Javier Grandes, Udolfo Arrieta, Gabriel Moreno, Martín Puente, Angélica Barea

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Belle Dormant Por alguna extraña razón, los cuentos y el cine nunca han congeniado del todo. Es como si el cine hubiera tenido que inventar sus propios cuentos, su propia mitología, y en un tiempo récord. Arrietta ha sabido hacerlo como nadie. En todo ese tiempo, ha aprendido dos cosas para reconciliar a estos amantes desde siempre enfadados. La primera: un cuento en el cine tiene que tener algo cinematográfico. Y aquí son muchas cosas: la representación borgeana de un reino que vive dentro de otro, solo que dormido e invisible, es una de ellas. El hecho de que ese mundo esté inmóvil y, por lo tanto, que capturarlo en fotografía sea inútil para dar testimonio de él es algo aún mayor. ¿Cómo lograr que un cuento funcione en cine? Haciendo que necesite el cine. Segunda lección aprendida: ¿y si en el cine los cuentos no funcionan porque no los cuentan los niños, o porque, a menudo, no los cuentan para niños? Jugando a contar, Arrietta ha conseguido amigos dispuestos a jugar con él, y entre ellos brilla la niña eterna Ingrid Caven. Fernando Ganzo

For some strange reason, stories and cinema never got along very well. It’s as though cinema had to invent its own stories, its own mythology, and in record time. Arrietta knew how to do it like no one else. All that time, he has learned two things two reconcile those lovers that have always been mad at each other. The first one: a story in film has to have something cinematic. And here, there are many things: the Borgean representation of a kingdom living inside another kingdom, only dormant and invisible, is one of them. The fact that that world is motionless and, therefore, capturing it photographically is useless in order to give testimony of it is a greater one. How does one make a story work on film? Making it need film. Second lesson learned: and what if, on film, stories don’t work because they’re not told by children or because they’re usually not told by children? In his game of storytelling, Arrietta has found friends willing to play with him, and among them shines the eternal child Ingrid Craven. FG

Francia - France, 2016 / 82’ / DCP / Color D: Ado Arrietta F: Thomas Favel E: Ado Arrietta S: Mathieu Descamps M: Benjamin Esdraffo, Ronan Martin CP: Paraiso Productions, Pomme Hurlante Films et Hellish Producciones I: Niels Schneider, Agathe Bonitzer, Mathieu Amalric, Ingrid Caven, Serge Bozon

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Le Crime de la toupie — El crimen de la pirindola España - Spain, 1965 / 18’ / DM / B&N D, G, F, E, P: A. Arrietta I: Javier Grandes

La imitación del angel España - Spain, 1967 / 21’ / DM / B&N D, G, F, E, P: A. Arrietta I: German Portillo,Fernando Mora, Javier Grandes

Le Jouet Criminel Francia - France, 1969 / 37’ / DM / B&N D, G, F, E, P: A. Arrietta I: Jean Marais, Florence Delay, Javier Grandes, Jean-Charles Tisson, Michèle Moretti, Philippe Bruneau, Sylvain Godet, André Julien Que los ángeles pasen

Let the angels come inside

“Un día tuve un sueño”, dice el narrador de Le Crime de la toupie, un sueño que no difiere del resto sino por un cambio de escenario. Estamos, de pronto, en el campo o en un jardín, un ángel pasea, o al menos es un hombre joven que se envolvió en una sábana blanca y cortó alas de cartón con tijeras (como otros lo harán más adelante en La imitación del ángel y Le Jouet Criminel); luego, otro muchacho se pone un sombrero mientras que un tercero está amordazado y atado a un árbol (al igual que Jean Marais, en la primera escena de Le Jouet Criminel): pareciera ser un sueño erótico… Difícil decir con qué plano concluye esta secuencia onírica, ya que en Arrietta el sueño no es contradictorio con el estado de vigilia: dormidos o no, la vida no es más que un incesante ensueño. La imitación del ángel y Le Jouet Criminel abolirán cualquier distancia entre el cineasta y el soñador, logrando restituir como pocas películas “la materia del sueño”. Estas son también las películas más eróticas de Arrietta, el sueño como una forma pura de deseo, el deseo en estado bruto, todavía flotante e indeciso. Imagino que el chico de Le Crime de la toupie habrá soñado bastante con los serafines y jugado un tiempo largo con el trompo hasta controlar todos los hechizos, para lograr que los giros del juguete revelen casi de inmediato un ángel travieso detrás de su hombro. El trompo es el objeto al cual se aferra la ensoñación, una posible definición del cine en la medida en que la ensoñación es la intersección del sueño y de la vida, la brecha del deseo, allí por donde los ángeles incursionan. Y Arrietta y sus personajes no piden nada más que eso: estar entre los ángeles. Marcos Uzal (Extracto de Toupie or not toupie - Publicado en revista Vértigo, nº 39, invierno de 2011)

“One day I had a dream,” says the narrator of Le Crime de la toupee, a dream that doesn’t differ from the rest of his dreams except for a change in scenery. Suddenly, we are in the country or in a garden. An angel is walking, or at least it is a young man who covered himself in a white blanket and cut of cardboard wings with scissors (as others would do later in La imitación del ángel and Le Jounet Criminel); later, another young man wears a hat while a third one is gagged and tied to a tree (like Jean Marais in the first scene of Le Jouet Criminel): it seems like an erotic dream… It’s hard to say which shot ends this dream sequence, because in Arrieta’s cinema, sleep isn’t contradictory with wakefulness: asleep or not, life is no more than an endless fantasy. La imitación del ángel and Le Jouet Criminel will abolish any kind of distance between the filmmaker and the dreamer, managing to restore “the matter of sleep” like few other films. These are also Arrietta’s most erotic films, dreams as a pure form of desire, desire in a brutish state, still floating and indecisive. I imagine the boy in Le Crime de la toupie must have dreamt quite a bit with seraphs and played for quite a long time with the spinning top until he gained control of every spell, so that the top’s spinning would almost immediately reveal a naughty angel over his shoulder. The spinning top is the object the dream state clings to, a possible definition of film insomuch as the dream state is the intersection between sleep and life, the breach of desire, there where the angels penetrate. And Arrietta and his characters ask for no more than that: to be among the angels. MU (Extract from Toupie or not toupie – Published in issue nº 38 of Vértigo magazine, winter, 2011) Contacto/Contact RE:VOIR / Pip Chodorov T +33 0 954 225 111 E pip@re-voir.com

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Le Château de Pointilly Francia - France, 1972 39’ / DM / B&N D, G, F, E, P: A. Arrietta I: Françoise Lebrun, Dionys Mascolo, Javier Grandes, Virginie Mascolo

Una muchacha habla de su infancia, vemos algo de lo que dice: una niña que ríe. Que sueña bajo una gran mesa de despacho. Que dibuja, dibuja un castillo de leyenda sobre el que escribe: castillo de Pointilly. Por encima de la niña que dibuja, hay alguien. Alrededor de la niña, sobre su mirada, por todas partes a su alrededor, alguien. Una sombra. Esa sombra está ahí desde el comienzo. Alguien vela por la niña. Sombra muda, de naturaleza lejana, y presente: el padre. Pointilly representa lo que, precisamente, nunca será alcanzado en la vivencia. Es la tumba de lo imposible, la edad de oro de la fusión original, la noche autista, es cierto, pero de todos los dioses sin exceptuar uno solo. Marguerite Duras (Extracto de Comme un guetteur mélancolique - Publicado en Le Monde extérieur, Outside 2, París: POL, 1993. Traducido por Manuel Serrat Crespo para Adolpho Arrietta. Obras. 1966-2008)

A young woman talks about her childhood. We see something of what she is talking about: a little girl laughing, who is dreaming under a large desk, who is drawing, drawing a castle from a legend under which she writes: château de Pointilly. From above the child who is drawing, there is someone. Around the little girl, above and out of her view, all around her, someone. A shadow. Right from the start this shadow is there. Someone is watching over the child. A mute shadow, of a far-away nature, and present: the father. Pointilly represents what, in fact, will not be attained in that which is experienced. It is the tomb of the impossible, the golden age of the original fusion, the autistic night, admittedly, but of all the gods with the exception of none. MD (Excerpt from Comme un guetteur mélancolique, published on Le Monde extérieur, Outside 2, París: POL, 1993. Translated by Manuel Serrat Crespo for Adolpho Arrietta. Works. 1966-2008)

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Grenouilles Francia - France, 1984 35’ / DM / Color D, G, E: A. Arrietta F: Claude Michaud S: Jean-Pierre Laforce, Jean-Pierre Fénie P: INA, Les Films du Passage, Gonzalo Cores I: Pascal Greggory, Eva Ionesco, Javier Grandes, Élizabeth Bourgine, Anne Wiazemsky, Jean-Louis Vitrac, Adolfo Arrieta “Pues está rodada en las ruinas de Empùries, en la Costa Brava, en Catalunya, durante un mes de agosto; figúrate cómo estaba la playa en ese momento, llena de veraneantes. Fue el rodaje más caótico que te puedes imaginar”, explicaba en una entrevista Ado Arrietta. De ese caos surgió Grenouilles, un film de espías, playa y venganza que el crítico Frédéric Majour define como tourneriana en su relación con el negro y la noche. “Pensemos en la larga escena de la piscina, que evoca a La mujer pantera. Pensemos, también, en esos hombres rana, salidos de alguna desconocida Atlántida, tal como los hombres pez del último film de Tourneur, War Gods of the Deep / The City Under the Sea”.

“Well, it was shot in the Empùries ruins, in Costa Brava, in Catalonia, during the month of August. Imagine the beach at that time of the year, filled with summer vacationers,” Ado Arrietta explained in an interview. From that chaos came Grenouilles: a film about spies, a beach and revenge that critic Frédéric Majour defines as tourneurian in its relation with the color black and the night. “Let us consider the long pool scene, which evokes Cat People. Let us also think of those frog men that seem out of some unknown Atlantis, just like the fish men in Tourneur’s last film: War Gods of the Deep / The City Under the Sea.”

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Kikí España - Spain, 1989 22’ / DM / B&N D, G: Adorfo Arrietta F: Jaime Peracaula E: Roberto Fandiño DA: Javier Fernández S: Goldstein & Steinberg CP: Televisión Española I: Clara Sanchis, Javier Grandes, Costa Comnéne, Miriam de Maeztu, Anthony Blake, Gonzalo Armero “Kikí se hizo para una serie (Delirios de amor) que hacía Luis Eduardo Aute, y el rodaje fue muy agradable. Había una libertad absoluta y yo me sentía muy, muy cómodo y estaba encantado de hacer una película en un estudio, porque cambia completamente la idea del espacio. Había un apartamento dentro de un estudio, y en realidad el decorado era mucho más grande de lo necesario, para tener más libertad de movimiento con la cámara. Esa es la idea del decorado cinematográfico. Yo lo encontré muy divertido y apasionante. Kikí está basada en Colette (La Chatte, 1933). Es el nombre de un gato.” Ado Arrietta (Extracto de Sobre los ángeles, entrevista realizada por Alberte Pagán)

“Kikí was made for a series (Delirios de amor) by Luis Eduardo Aute, and the shoot was very pleasant. There was absolute freedom and I felt very, very comfortable and was delighted to be making a film at a studio, because the idea of space changes completely. There was an apartment inside the studio, and actually the set was much larger than it needed to be, to have more freedom when moving the camera. That is the idea of a film set. I found it fun and exciting. Kikí is based con Colette (La Chatte, 1933). It is the name of a cat.” AA (Extract from Sobre los ángeles, an interview performed by Alberte Pagán)

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Eco y Narciso España - Spain, 2003 19’ / DM / Color D, G, E: Ado Arrietta F: Angel Luis Fernández S: Luis Marmol I: Sylvia Riolobos, Julio Montejo, Stefan Weinert, Regina Degiorgis, Carlos Marrero, Enrique Sarasola, Guadalupe Marcote, Sonia Gara

Eco y Narciso son, ante todo y en lo que concierne a Arrietta, la expresión del deseo. Si escuchamos con atención, es con la palabra “amor” repetida por Eco que Narciso desaparece. Si miramos con atención, es en rosa roja que él se metamorfosea. Ni “adiós” ni narciso. Lo que se pone en juego acá no es otra cosa que la pasión. Si el cine de Arrietta tiene que ver con el universo de la infancia, el de los cuentos de hadas, su mirada sobre el mundo no tiene evidentemente nada de infantil, aunque quede teñida por esa inocencia que caracteriza a la infancia, como en el cine de Jacques Tourneur. Frédéric Majour (Extracto de Les Règles du jeu Publicado en revista Vértigo, nº 39, invierno de 2011)

Eco and Narciso are, above all and as far as Arrietta is concerned, the expression of desire. If we listen closely, it is with Eco’s repetition of the word “love” that Narciso disappears. If we look closely, it is a red rose that he is transformed into. Not into a “goodbye” or a narcissus. What is at stake here is nothing other than passion. In spite of Arrietta’s cinema having to do with the childhood universe, that of fairytales, his view of the world has, of course, nothing to do with childhood, even though it’s tinted by that innocence that is characteristic of childhood, like the films of Jacques Tourneur. FM (Extract from Les Règles du jeu – Published in issue #39 of Vértigo magazine, winter 2011)

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Vacanza permanente España - Spain, 2006 29’ / DM / Color D, G, F, E, S, P: A. Arrietta Contacto/Contact RE:VOIR Pip Chodorov T +33 0 954 225 111 E pip@re-voir.com

Vacanza permanente es, sin duda, la película más áspera de Arrietta. Se siente el esfuerzo, pero es también ese mismo esfuerzo el que emociona cuando uno conoce el resto de su obra. Como si entráramos en su laboratorio, para observarlo buscando la gracia en los objetos más banales, lo posible en algunas caras y gestos disparadores de ficción en algunas conexiones, los fantasmas sobre una pantalla de televisión (un ángel de Cocteau, el Dorian Gray de Albert Lewin): “Deléitame”, parece susurrar el cineasta sobre todo aquello que filma. Marcos Uzal (Extracto de Toupie or not toupie - Publicado en revista Vértigo, nº 39, invierno de 2011)

Vacanza permanente is, undoubtedly, Arrieta’s roughest film. One can feel the effort, but it is also that very effort that moves you when you experience the rest of his work. As though we had entered his lab and watched him looking for humor in the most banal of objects, what is possible in some faces and gestures that trigger fiction through certain connections, the ghosts on a television screen (an angel by Cocteau, Albert Lewin’s Dorian Gray): “Delight me,” the filmmaker seems to whisper about everything he films. MU (Extract from Toupie or not toupie – Published on issue 39 of Vértigo magazine, winter 2011)

Dry Martini — Buñuelino cocktail España - Spain, 2008 7’ / DM / Color D, G, F, S: Adorpho Arrietta E: Mauro Ruvolo I: Donatello Fumarola Contacto/Contact RE:VOIR Pip Chodorov T +33 0 954 225 111 E pip@re-voir.com Me propusieron hacer un documental sobre Buñuel para el extra de un DVD, y lo que hice fue tomar un texto de Buñuel en el que habla del alcohol y el tabaco. Es un texto muy divertido en el que habla de lo que a él le parecía el alcohol y el tabaco, le encanta fumar y le encanta beber. La película es sobre todo el texto de Buñuel sobre fondo negro, y de vez en cuando hay una imagen, una ilustración. Le llamo Dry Martini porque Buñuel explica muy bien lo que es un dry martini y él mismo había inventado una receta para el dry martini que se llamaba buñuelino. Ado Arrietta (Extracto de Sobre los ángeles, entrevista realizada por Alberte Pagán)

It was proposed to me to make a documentary about Buñuel for a DVD extra, and what I did was use a text by Buñuel in which he talked about alcohol and tobacco. It is a very amusing text in which he talks about what he thought of alcohol and tobacco: he loves to smoke and he loves to drink. The film is, mostly, Buñuel’s text on a black background, and from time to time there is an image, an illustration. I call it Dry Martini because Buñuel explains very well what a dry martini is and he himself had invented a recipe for a dry martini called ‘buñuelino. AA (Extract from Sobre los ángeles, interview performed by Alberte Pagán)

Claude Lelouch

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Una chica y los fusiles Un hombre y una mujer Los unos y los otros Chacun sa vie

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Claude Lelouch tenía apenas 28 años cuando el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata lo premió como Mejor Director por Una chica y los fusiles (1965). Al año siguiente, llegó una andanada de premios por Un hombre y una mujer: la Palma de Oro en Cannes, dos Oscar y muchos otros premios en todo el mundo. Vivir por vivir, en 1967, marcó su vuelta a Mar del Plata, donde ganó el premio a Mejor Actriz para Annie Girardot. Desde entonces, la prodigiosa carrera de Lelouch incluyó más de 59 largometrajes como director, 47 de ellos basados en sus propios guiones. Pero los premios fueron pocos. Y pasó de ser mimado por la crítica (fue alabado hasta por Cahiers du Cinéma) a un cineasta que muchos críticos no tomaban muy en serio. El encono era mutuo; una vez afirmó: “Un día haré una película para los críticos, cuando tenga dinero para perder”. Y sin embargo resulta innegable que Claude Lelouch ha tenido éxito haciendo películas por más de medio siglo, películas que constantemente conectan con su público fiel, y cada tanto lo trascienden. Además, es difícil pensar en una estrella francesa de los últimos cincuenta años que no haya trabajado en al menos un film de Lelouch. Una vez, un célebre director de fotografía que trabajó en películas de autores como Corneau, Fuller, Rivette, Tavernier y Truffaut (y un par de films recientes de Lelouch) comentó lo siguiente: “Nadie le da crédito a Lelouch por esto, pero él quizás sea el único cineasta realmente independiente de Francia”. Por el éxito comercial de sus films, no necesita depender de los fondos del Estado o la TV del que todo el mundo depende. Démosle la bienvenida, entonces, a este tenaz e ingenioso cineasta que vuelve al escenario de sus primeros triunfos, apenas después de su cumpleaños número 80, el 30 de octubre. ¡Viva Claude!

Claude Lelouch was only 28 when the Mar del Plata Film Festival named him Best Director for The Decadent Influence (1965). The next year, a veritable flood of awards for A Man and a Woman: the Palme d’Or at Cannes, two Oscars, and a host of other awards worldwide. Live for Life in 1967 marked his return to Mar del Plata, where it won the Best Actress Prize for Annie Girardot. Since then, Lelouch’s prodigious career includes 59 more films as director, 47 of them based on his own screenplays. But awards – only a trickle. And he went from being a critics’ darling (even Cahiers du Cinema once sang his praises), to becoming a filmmaker whom many critics found it hard to take seriously. The scorn was mutual – he famously remarked, “One day I’ll make a film for the critics, when I have money to lose.” Yet it’s an undeniable fact that Claude Lelouch has for over half a century succeeded in making films, which consistently appeal to his faithful core audience – and once in a while, beyond it. In addition, it’s hard to think of a French film star of the past fifty years who hasn’t appeared in at least one Lelouch film. A celebrated cinematographer of films by such esteemed auteurs as Corneau, Fuller, Rivette, Tavernier and Truffaut (and of a pair of Lelouch’s later films) once commented, “Nobody gives Lelouch credit for it, but he can be considered the only real independent filmmaker in France.” Because of the financial success of his films, he doesn’t have to rely on the funding from the state or from TV that everybody else depends on. So let’s welcome this tenacious and inventive filmmaker as he returns to the scene of his earliest triumphs, only a short time after his 80th birthday on October 30. Viva Claude!

Claude Lelouch Nació en París en 1937. Su comedia Una chica y los fusiles (1965) ganó el premio a la Mejor Dirección en el 8º Festival. Con Un hombre y una mujer (1966) fue galardonado con la Palma de Oro en Cannes y el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Eng Born in Paris in 1937, his comedy The Decadent Influence (1965) won the award for best direction at the 8th Festival. With A Man and a Woman (1966) he won the Gold Palm at Cannes and the Oscar for Best Foreign Language Film.

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Una chica y los fusiles Une fille et des fusils / The Decadent Influence Como lo hacían varios realizadores franceses que por aquellos años 60 estaban dando sus pasos iniciales en el cine, Claude Lelouch declaraba de manera bastante explícita sus intenciones en sus películas. En este caso, contando la historia de un grupo de trabajadores parisinos tan influenciados por los westerns y las películas de gánsteres que deciden convertirse en los criminales que hasta ese momento solo admiraban en la pantalla, copiando sus habilidades (desde el combate hasta el póker) e intentando hacer sus propios golpes delictivos. Entre un elenco mayormente joven, se encuentran en sus primeros papeles futuras figuras como Jean-Pierre Kalfon y Pierre Barouh. El film cruzó el Atlántico para ser proyectado en la octava edición de este mismo Festival, en la que se llevó el premio a la Mejor Dirección.

Like many French filmmakers who, during the ‘60s, were taking their first steps in film, Claude Lelouch declared his intentions behind his films quite explicitly. In this case, telling the story of a group of Parisian workers so influenced by westerns and gangster movies that they decide to become the criminals that, until then, they had only admired on the screen. Copying the criminals abilities (from combat to poker), the workers attempt to pull off their own crimes. In a mainly young cast, we find some early roles by future figures such as JeanPierre Kalfon and Pierre Barouh. The film crossed the Atlantic to be screened at the eighth edition of this festival, where it took home the award for Best Director.

Francia - France, 1964 / 90’ / DCP / B&N / Francés - French D: Claude Lelouch G: Claude Lelouch, Pierre Uytterhoeven F: Jean Collomb E: Claude Barrois, Claude Lelouch M: Pierre Vassiliu P: Claude Lelouch, Felix C. Ziffer CP: Les Films 13, Les Films de la Pleiade I: Janine Magnan, Jean-Pierre Kalfon, Pierre Barouh, Amidou, Jacques Portet, Betty Beckers

Contacto/Contact Les Films 13 Tia Sackda-Sananikone E tia.sackda@lesfilms13.com W lesfilms13.com /claudelelouch.officiel @lelouchofficiel claudelelouch

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Un hombre y una mujer Un homme et une femme / A Man and a Woman Las imágenes siguen vívidas. ¿Cómo podríamos olvidar

The images remain vivid. How could we forget Claude

la clásica saga romántica de Claude Lelouch sobre amantes desventurados en las orillas de Deauville, que triunfó en el Festival de Cannes en 1966 y se llevó dos premios Oscar, a Mejor Película Extranjera y Mejor Guion? Ahí estaba el Mustang rojo claro de Jean-Louis Trintignant, que desafiaba el tiempo y el espacio para cruzar Francia a toda velocidad con rumbo al balneario y hacia los brazos de Anouk Aimee. Hay una escena sensual, conmovedora e incómoda en la habitación de hotel Deaville en la que Anne rechaza a Jean-Louis porque todavía no terminó de aceptar la muerte de su marido un año atrás. Y aquel inolvidable final en la estación de tren, con los dos amantes girando sobre el andén al compás de la canción de Francis Lai, que fue aún más famosa que la película; el himno de una generación.

Lelouch's classic romantic saga of star-crossed lovers embraced on the shores of Deauville, which topped the Cannes Film Festival in 1966 and grabbed 2 Oscars, for Best Film in a Foreign Language and Best Screenplay. There was Jean-Louis Trintignant's bright red Mustang, which defied space, time and inclement weather to speed across France to the beach resort and into the arms of Anouk Aimee. There was the sensual, touching, awkward scene in the Deauville hotel room, when Anne repulses Jean-Louis because she has not yet come to grips with her husband's death a year earlier. And the unforgettable ending at the train station, with the two lovers whirling around the platform to the strains of Francis Lai's song, which became even more famous than the film, a theme song of a generation.

Francia - France, 1966 / 102’ / DCP / Color - B&N / Francés - French D, F, P: Claude Lelouch G: Claude Lelouch, Pierre Uytterhoeven E: Claude Barrois, Claude Lelouch DA: Robert Luchaire M: Francis Lai CP: Les Films 13 I: Anouk Aimée, Jean-Louis Trintignant, Pierre Barouh, Valérie Lagrange, Antoine Sire

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Los unos y los otros Les Uns et les autres / Within Memory Un viaje épico a través del tiempo, los países y las historias de cuatro familias, marcadas principalmente por la Segunda Guerra Mundial y unidas por el idioma universal de la música. La ambición de Lelouch aquí atraviesa el desafío de semejante premisa con tanta valentía como ingenio: la dirección y el montaje hacen su trabajo manteniendo la fluidez de un argumento que se extiende por tres horas y con múltiples ramificaciones que terminan convergiendo. Todo ese esfuerzo prepara el terreno para el lucimiento avasallante de la fotografía, la banda sonora (a cargo de Francis Lai y Michel Legrand) y la monumental coreografía del final con el Bolero de Ravel, ideada por Maurice Béjart, y con la presencia del bailarín estrella de su compañía, el argentino Jorge Donn.

An epic journey through the times, the countries and the histories of four families, marked centrally by World War II and linked through the universal language of music, Lelouch’s ambition here overcomes the challenge of such a premise with equal amounts of bravery and inventiveness. The direction and editing keep the flow of a three-hour narrative with multiple plot lines that end up converging. All that effort paves the way for the overwhelming showcase of the photography, the score (by Francis Lai and Michel Legrand) and the monumental closing choreography with Ravel’s Bolero, conceived by Maurice Béjart and with the presence of the star dancer of his company, Argentinian Jorge Donn.

Francia - France, 1981 / 180’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Claude Lelouch F: Jean Boffety E: Sophie Bhaud, Hugues Darmois DA: Jean-Louis Povéda S: Jean-Pierre Lelong M: Francis Lai, Michel Legrand P: Claude Lelouch, Narcissa Van der Lip CP: Les Films 13, TF1 Films Production I: Robert Hossein, Nicole Garcia, Géraldine Chaplin, James Caan, Jacques Villeret

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Chacun sa vie Everyone's Life / Cada uno con su vida En la película más reciente de Lelouch, un festival de jazz llega a la ciudad de Beaune, que será el escenario de los enredos y complicaciones amorosas de doce hombres y doce mujeres (un cóctel de estrellas francesas, desde Jean Dujardin y Johnny Hallyday hasta Julie Ferrer y Marianne Denicourt), captados por el reconocido pulso de Lelouch para sostener la fluidez de estructuras narrativas complejas, intacto a los ochenta años y con más de cuarenta largometrajes en su haber. La generosidad del director con cada historia narrada le permite abordar con soltura los malentendidos, tabúes y prejuicios que siguen dominando nuestras vidas románticas actuales, además de permitirse ciertos lujos con las interpretaciones, como contar con el enorme Hallyday haciendo de sí mismo y de un doble suyo.

In Lelouch’s most recent film, a jazz festival arrives to the city of Beaune, which will be the backdrop to the amorous mixups and complications of twelve men and twelve women (a cocktail of French stars, from Jean Dujardin and Johnny Hallyday to Julie Ferrer and Marianne Denicourt), captured by Lelouch’s famous ability for handling complex narrative structures, which is still intact after eighty years of life, with more than forty features under his belt. The director’s generosity in every story allows him to tackle, with skill, the misunderstandings, taboos and preconceptions that still dominate our current romantic lives, apart from treating himself with some of the performances, as is the case with the great Hallyday playing himself and his own imitator.

Francia - France, 2017 / 113’ / DCP / Color / Francés - French D: Claude Lelouch G: Grégoire Lacroix F: Robert Alazraki DA: Bernard Warnas S: Jean Gargonne, Harald Maury M: Laurent Couson, Francis Lai, Dimitri Naiditch P: Jean-Paul De Vidas, Samuel Hadida, Victor Hadida, Claude Lelouch CP: Les Films 13, Davis Films, France 2 Cinéma I: Éric Dupond-Moretti, Johnny Hallyday, Nadia Farès, Jean Dujardin, Christophe Lambert

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Maurice Pialat

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L'Enfance Nue Loulou Sous le soleil de Satan Van Gogh

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“Sepan que, si yo no les gusto, ustedes tampoco me gustan a mí”. La manera en que el cineasta francés Maurice Pialat agradeció su Palma de Oro a Sous le soleil de Satan en el Festival de Cannes en 1987 se volvería legendaria, en gran medida porque graficaba muy bien esa extraña posición que el director de A nos amours, fallecido en 2013, ocupaba en el panteón francés: tan popular como rabiosamente antipopulista, una figura en constante tensión con la maquinaria del cine y el universo que lo elevaba a ese pedestal. Alguna vez llamado el Cassavetes francés, Pialat se distinguió del resto de sus contemporáneos con retratos tan crudos como piadosos. “Lo que entiendo como realismo va mucho más allá de la realidad… El cine transforma lo sórdido en algo maravilloso, convierte lo ordinario en excepcional”, le dijo alguna vez a la revista Cahiers du Cinéma. Cabe preguntarse si los nombres más relevantes del cine francés actual (Desplechin, Denis, Dumont) no serían otros si no hubiera existido, antes de este realismo elíptico que se ha vuelto canon, aquella sedición manifiesta de Pialat con respecto a las suturas narrativas, una idea de representación poderosa y al mismo tiempo inasible. Tan fragmentada como lo son las vidas de las personas, una película de Pialat es un tren a toda velocidad con estallidos súbitos e incidentes descontextualizados, con saltos que pueden durar segundos, o años, y con personajes que pueden simplemente aparecer en pantalla, sin introducción alguna. Una idea del cine humilde, no omnisciente, de una bella imperfección hecha especialmente para nosotros, espectadores imperfectos.

“Know that if you do not like me, I do not love you either.” French director Maurice Pialat’s way of offering his thanks for the Palma de Oro awarded to his Under the Sun of Satan, at the 1987 Cannes Film Festival, became legendary, in large part because it made powerfully clear this strange position that the director of To Our Loves, who passed away in 2013, occupied in the French pantheon: as popular as he was rabidly anti-populist, a figure of the film world who was in constant tension with the machinery of the cinema and the universe that placed it on a pedestal. Once called the French Cassavetes, Pialat distinguished himself from his contemporaries with portraits that were as crude as they were pious. “What I understand by realism goes beyond reality… The cinema transforms what is sordid into something marvelous, it makes the ordinary exceptional,” he once said to the film magazine Cahiers. It is enough to wonder if the most relevant names of contemporary French cinema (Desplechin, Denis, Dumont) would be different if he had not existed, faced with that elliptical realism that has become canonic, Pialat’s revolt made manifest with respect to the narrative sutures, an idea of representation that is as powerful as, at the same time, it is elusive. Deliberately as fragmentary as our friends’ real lives are to us, a film by Pialat is a runaway train with sudden explosions and decontextualized incidents. Jump cuts can span seconds or years, primary characters can simply appear on the screen without being “introduced”. An idea of a humble cinema, not omniscient, and of a beautiful imperfection made especially for us, the imperfect spectators.

Maurice Pialat Nació en Cunlhat, Francia, en 1925. Estudió Artes Plásticas, luego se dedicó al teatro y después al cine. Tras una serie de cortometrajes, debutó con L’Enfance nue (1969). Entre su filmografía se destacan A nuestros amores (1983, exhibida en el 27º Festival) y Sous le soleil de Satan (1987, Palma de Oro en Cannes). Murió en 2003. Eng Born in Cunlhat, France in 1925, he studied fine arts, and then dedicated himself to theater and then film. After a series of short films, he debuted with Naked Childhood (1969). Some highlights of his filmography are To Our Loves (1983, exhibited at the 27th Festival) and Under the Sun of Satan (1987, winner of the Gold Palm at Cannes). He died in 2003.

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L'Enfance Nue Naked Childhood François, el protagonista de la ópera prima de Maurice

François, the main character in Maurice Pialat’s debut feature,

Pialat, comparte varias cosas con Antoine, el héroe de otro debut incandescente: el de François Truffaut, que aquí figura en los créditos como productor. Pero, a diferencia de Antoine, la ira contenida de François estalla todo el tiempo, sin previo aviso, cuando tira a la mascota de su familia adoptiva por el hueco de las escaleras o dispara trozos de metal a los autos que pasan debajo del puente. A diferencia de Jean-Pierre Léaud, Michel Terrazon no disfrutó luego de una carrera cinematográfica relevante, pero las andanzas de su criatura (y sus dolores y pequeñas, esporádicas alegrías) siguen siendo tan deslumbrantes hoy como en el momento del estreno, hace casi cincuenta años. La prosapia documentalista/realista del realizador se revela en varias escenas, en las conversaciones en la cocina o en la boda que cierra el film. El resto es un potente arco narrativo dispuesto para describir la tristeza diaria de un chico nacido y criado para desobedecer a sus padres y madres. Y al mundo. Diego Brodersen

shares a lot in common with Antoine, the hero of another incandescent debut: that of François Truffaut, credited here as producer. But unlike Antoine, Françoise’s contained rage explodes all the time, unannounced, when he throws his adoptive family’s pet through a stairwell or shoots pieces of metal at the cars that pass under a bridge. Unlike Jean-Pierre Léaud, Michel Terrazon didn’t enjoy a relevant film career afterwards, but his creature’s adventures (as well as his pain and his sporadic moments of joy) are still as amazing today as they were then the film came out, almost fifty years ago. The filmmaker’s documentary/realist lineage can be seen in many scenes, in the kitchen conversations or in the wedding that closes the film. The rest is a potent narrative arc that describes the daily grief of a boy born and raised to disobey his fathers and mothers. And the world. DB

Francia - France, 1969 / 83’ / 35mm / Color / Francés - French D: Maurice Pialat G: Arlette Langmann, Maurice Pialat F: Claude Beausoleil S: Henri Moline P: Véra Belmont, Guy Benier, Claude Berri, Mag Bodard, François Truffaut I: Michel Terrazon, Linda Gutenberg, Raoul Billerey

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Loulou Coger o no coger. Esa es la cuestión. En realidad, una de las muchas cuestiones que atraviesan la aparentemente (engañosamente) sencilla historia de Nelly y Loulou. Nelly, interpretada por una jovencísima, bellísima Isabelle Huppert, abandona estrepitosamente a su marido y el confort de su amplio departamento para echarse a los brazos y miembro de Loulou (visceral y ya gigante Gérard Depardieu), un vago en general y ocasional ladrón de poca monta con los bolsillos llenos de un enorme carisma. La resaca de la revolución sexual nunca se vio de manera tan precisa como en el quinto largometraje de Pialat, un relato de esperanzas y decepciones donde la lucha de clases abandona el estadio de la retórica para hacerse piel, carne y sangre. Poseer o no poseer. Esa quizá sea la cuestión central en Loulou, que en su magistral secuencia en el patio de la familia proletaria desnuda muchísimas más tensiones, conflictos y contradicciones que el más sesudo de los análisis político-sociales. Diego Brodersen

To fuck or not to fuck. That is the question. Actually, it is one of the many questions around the apparently (deceptively) simple story of Nelly and Loulou. Nelly, played by a very young and very beautiful Isabelle Huppert, storms out of her married life and the comfort of her large apartment and into the arms and private parts of Loulou (a visceral and already huge Gérard Depardieu), a lazy small-time crook with his pockets filled with charisma. The hangover of the sexual revolution has never been depicted as precisely as in Pialat’s fifth film, a tale of hope and disappointment where class struggle ceases to be rhetorical and becomes skin, flesh and blood. To possess or not to possess. That may be the core question in Loulou, which, in its masterful sequence in the courtyard of the proletarian family, bares a lot more tensions, conflicts and contradictions than in the brainiest of socio-political analyses. DB

Francia - France, 1980 / 110’ / 35mm / Color / Francés - French D: Maurice Pialat G: Arlette Langmann F: Pierre-William Glenn, Jacques Loiseleux E: Yann Dedet DA: Alain Alitbol, Max Berto, Jean-Pierre Sarrazin S: Dominique Dalmasso, Gérard Loupias M: Larry Coryell, William Flageollet, Hubert Laws, Philippe Sarde P: Alain Alitbol, Max Berto, Jean-Pierre Sarrazin I: Isabelle Huppert, Gérard Depardieu, Guy Marchand

Contacto/Contact Gaumont T +33 0 146 432 194 E classic@gaumont.fr

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Sous le soleil de Satan Under the Sun of Satan La obra literaria de Georges Bernanos fue la base de

Georges Bernanos’ literary work was the basis for two

dos grandes películas de Robert Bresson (Mouchette y Diario de un cura rural) y del “film religioso” en la obra de Maurice Pialat. Las comillas vienen al caso: no existen en la historia del cine muchos ejemplos de una espiritualidad tan carnal como en la versión del Padre Donissan encarnada por Gérard Depardieu. ¿Cree el protagonista en Dios? Sin dudas cree en el Diablo, a quien se encuentra una noche fría, en medio de un campo desierto, poco antes de toparse con una chica que acaba de asesinar a su amante, la rabiosamente sincera Mouchette (Sandrine Bonnaire, en su segunda colaboración con el realizador). Hay pocos milagros de la pantalla grande tan potentes como el de Sous le soleil de Satan, la otra cara de la resurrección del Ordet de Dreyer: si allí había luminosidad y paz en un universo rígido y conflictuado, aquí el regreso a la vida solo es posible mediante el sacrificio literal, confirmación de la materialidad satánica del mundo. Diego Brodersen

great films by Robert Bresson (Mouchette and Diary of a Country Priest) and Maurice Pialat’s “religious film.” The quotation marks are relevant: there aren’t many examples of a spirituality as carnal as that of Gérard Depardieu’s Father Donissan in film history. Does the main character believe in God? He definitely believes in the Devil, whom he runs into one cold night, in the middle of a deserted land, shortly before bumping into a girl who has just murdered her lover, the rabidly sincere Mouchette (Sandrine Bonnaire, in her second collaboration with the director). There are few big-screen miracles as powerful as that of Under the Sun of Satan, the flipside of the resurrection of Dreyer’s Ordet: if in the latter film there was light and peace in a rigid, conflicted world, here the return to life is only made possible through literal sacrifice, a confirmation of the satanic material nature of the world. DB

Francia - France, 1987 / 97’ / 35mm / Color / Francés - French D: Maurice Pialat G: Georges Bernanos, Sylvie Pialat, Maurice Pialat F: Willy Kurant E: Yann Dedet DA: Katia Wyszkop S: Valérie Condroyer P: Claude Abeille, Michael Lentz, Daniel Toscan du Plantier I: Gérard Depardieu, Sandrine Bonnaire, Maurice Pialat

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Van Gogh Cuatro años después del famoso “puedo decir que a mí tampoco me gustan ustedes” –la frase dedicada con sorna a la audiencia al recibir la Palma de Oro por Sous le soleil de Satan–, Pialat ofreció la menos esperada de las películas biográficas: un retrato de los últimos dos meses de vida del artista Vincent Van Gogh que es casi la antítesis (o, en plan conciliador, la contraparte) del famoso largometraje de Vincente Minnelli, Sed de vivir. Jacques Dutronc compone a un Van Gogh complejo y definidamente neurótico a fines del siglo XIX, al cual se le han eliminado casi todos los rasgos de romanticismo. El guion, escrito por Pialat –quien tuvo un paso por la pintura antes de dedicarse de lleno al cine–, se toma varias libertades biográficas en busca del libre albedrío creativo y le escapa al melodrama recargado como si se tratara del mismísimo Diablo. La austeridad parece aquí, irónicamente, la mejor manera de retratar las angustias y dolores extremos de un creador. Diego Brodersen

Four years after the famous “I can say I don’t like you either”, the phrase dedicated, with derision, to the audience after receiving the Palm d’Or for Under the Sun of Satan, Pialat offered the most unexpected of biographical films: a portrayal of the last two months in the life of artist Vincent Van Gogh that is almost the antithesis (or, if we want to be conciliatory, the counterpart) of Vincente Minnelli’s famous Lust for Life. Jacques Dutronk plays a complex, definitely neurotic Van Gogh in the late 19th century whose romantic features have been completely eliminated. The script, written by Pialat –who was briefly a painter before devoting himself entirely to film–, takes quite a few biographical liberties in search of creative freewill and escapes overcharged melodrama as though it were the Devil itself. Ironically, austerity seems to be the best way of depicting the extreme distress and sorrow of a creator. DB

Francia - France, 1991 / 158’ / 35mm / Color / Francés - French D, G: Maurice Pialat F: Gilles Henry, Jacques Loiseleux, Emmanuel Machuel E: Yann Dedet, Nathalie Hubert, Hélène Viard DA: Philippe Pallut, Katia Wyszkop S: Jean-Pierre Duret P: Patrice Arrat, Patrick Lancelot I: Jacques Dutronc, Alexandra London, Bernard Le Coq

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Zelimir Zilnik

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Early Works Paradise - An Imperialist Tragicomedy The Second Generation Brooklyn - Gusinje The Way Steel Was Tempered Oldtimer Marble Ass Kenedi Is Getting Married The Old School of Capitalism Pirika on Film Little Pioneers June Turmoil Black Film Inventory The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic Tito Among the Serbs for the Second Time Throwing Off the Yolks of Bondage For Ella Silo Danube, Vukovar

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La ingenuidad de los excluidos

The Naïveté of the Disenfranchised

La obra de Zelimir Zilnik, miembro icónico de la llamada Ola Negra y ganador del Oso de Oro en Berlín por su debut Early Works, abarca los últimos 50 años de historia yugoslava. Su cámara registró las protestas estudiantiles de 1968; fue testigo del ascenso al poder de Milosevic y registró, en un cinetráct, las congregaciones posteriores en contra del régimen; calcificó la transición final del país hacia el capitalismo. Zilnik no era un mero cronista, sino que pertenece a esa rara especie de cineastas que se las arreglaron para imaginar y recrear su propia historia en el cine (como la obra de Peter von Bagh, por ejemplo). Este es un cineasta que tuvo que reinventarse a él mismo y su método continuamente y, a veces, dolorosamente, resistiendo siempre las tentaciones de compromiso y chocándose de frente con muchas limitaciones económicas y políticas de su época. Zilnik es una figura clave de la resistencia cinematográfica que viene en todas formas y tamaños. Su resistencia puede ser intelectual, ya que siempre fue un artista de izquierda que jamás recurrió al dogmatismo, o estética (se opone de forma violenta a las nociones aceptadas de “cine de calidad”). En una exoneración al menos parcial del tropo del “artista marxista” comprometido, Zilnik siempre predica con el ejemplo. Como un cronista devenido documentalista devenido activista, Zilnik alberga pocas fantasías acerca del clima político actual, lo cual puede hacer que, en ocasiones, se incline hacia el escepticismo y el pesimismo. Sin embargo, mientras su fe en un sistema justo –ya sea comunista o liberal– disminuye, una nueva fe –y un nuevo interés– por el individuo aumenta en fuerza. Zilnik es tanto un humanista (esta palabra ha perdido mucho de su encanto por exceso de uso) como un comediante que fortalece su entusiasmo por la vida con un sentido del humor inevitable. Paul Celan escribió una vez en una carta: “No veo ninguna diferencia entre un apretón de manos y un poema”. ¿Qué es un apretón de manos? ¿Es posible hacer una película que también sea un apretón de manos? Este es el acto más simple de la solidaridad humana, y la obra entera de Zilnik pareciera ser un monumento a esto. Boris Nelepo (Retrospectiva programada por Boris Nelepo y Cecilia Barrionuevo).

The oeuvre of Zelimir Zilnik, an iconic member of the socalled Black Wave and a winner of the Berlin Golden Bear for his debut Early Works, encompasses the last 50 years of Yugoslavian history. His camera was there for the student protests of 1968; it witnessed Milosevic’s rise to power and captured, in a cinétract, the subsequent rallies against his regime; it calcified the country’s final transition to capitalism. No mere chronicler, Zilnik belongs to a rare kind of filmmakers who have managed to imagine and recreate their own country in cinema (akin to the work of Peter von Bagh, for instance). This is a filmmaker who had to reinvent himself and his method continuously and sometimes painfully, resisting along the way the temptations of compromise and facing head-on the many social, economic, and political limitations of his time. Zilnik is a key figure of cinematic resistance which comes in all shapes and sizes. His resistance may be intellectual, since he remains a leftist artist without ever resorting to dogmatism, or aesthetic (he violently opposes the accepted notions of “quality filmmaking”). In an at least partial exoneration of the compromised “Marxist artist” trope, Zilnik always preaches by example. A chronicler cum documentarian cum activist, he harbors few fantasies about the current political climate, which might make him lean, on occasion, toward skepticism and pessimism. However, as his faith in a just system, whether communist or liberal, wanes, a new faith—and a new interest— in the individual increases in power. Zilnik is as much a humanist (the word has by now lost most of its luster through overuse) as a comedian fortifying his zest for life with an inimitable sense of humor. Paul Celan once wrote in a letter: “I see no difference between a handshake and a poem.” What is a handshake, and is it possible to make a film that could be also a handshake? This is the simplest act of human solidarity, to which Zilnik's entire body of work stands as a monument. BN (Retrospective programmed by Boris Nelepo and Cecilia Barrionuevo).

Zelimir Zilnik Nació en 1942 y vive en Novi Sad, Serbia. Desde fines de los 60, en la antigua Yugoslavia, sus films y documentales socialmente comprometidos y su estilo visual único lo hicieron merecedor de elogiosos reconocimientos, pero también de la censura, en los 70, por su estoica crítica al aparato gubernamental. Películas de bajo presupuesto con temas de desafiante posición política marcan la prolífica carrera de Zilnik, que incluye más de 50 trabajos entre cortos, largometrajes, ficciones y documentales. Eng He was born in 1942, and is based in Novi Sad, Serbia. From the late 60s, his socially engaged films and documentaries in former Yugoslavia and his unique visual style earned him critical accolades, but also censorship in the 70s for his unflinching criticism of the government apparatus. Low budget filmmaking and challenging political themes mark Zilnik’s prolific career that includes over 50 feature and documentary films and shorts.

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Early Works Rani radovi / Primeros trabajos Filmada durante la conmoción política de 1968, esta obra explora los impulsos radicales detrás del malestar de la juventud en un país donde los revolucionarios de una generación anterior hoy conforman el establishment. Tres hombres jóvenes y una chica hermosa se van de casa y viajan por el país en busca de una sociedad justa y un socialismo real, pero descubren trágicamente que una revolución inconclusa fracasó en su intento de cambiar la naturaleza del hombre, si bien logró cambiar la cara del poder. Llena de humor negro, sexo franco y cuadros estrafalarios, la película se convierte en una alegoría revolucionaria de la Nueva Izquierda Europea. Si bien causó que Zilnik tuviera problemas con las autoridades del país, la corte yugoslava finalmente falló a favor de él, en una decisión que sentó jurisprudencia. Amos Vogel, Film As a Subversive Art

Filmed during the political ferment of 1968, this work explores the radical impulses behind the unrest of the young in a country where the revolutionaries of an earlier generation now form the Establishment. Three young men and a beautiful girl leave home and move across the country in search of a just society and true socialism, only to discover tragically that an unfinished revolution, while changing the face of power, has failed to change the nature of man. Filled with black humor, frank sex, and bizarre tableaux, the film becomes a revolutionary allegory of the European New Left. Though it brought Zilnik into conflict with his country’s authorities, the Yugoslav courts subsequently ruled in his favor in a landmark decision. AV, Film As a Subversive Art

Yugoslavia, 1969 / 75’ / 35mm D: Zelimir Zilnik G: Zelimir Zilnik, Branko Vucicevic, Karl Marx, Friedrich Engels F, E: Karpo Acimovic Godina I: Milja Vujanovic, Bogdan Tirnanic, Cedomir Radovic, Marko Nikolic, Slobodan Aligrudic

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Paradise - An Imperialist Tragicomedy Paradies. Eine imperialistische Tragikomödie Paraíso - Una tragicomedia imperialista La dueña de una corporación en problemas decide contratar a un grupo de anarquistas para simular un secuestro y así justificar la quiebra de su compañía. Paradise, la segunda película de Zilnik (la cual, dicen, sirvió de inspiración para La tercera generación, de Fassbinder), satiriza el secuestro de Peter Lorenz, un político de derecha que pasó dos semanas cautivo del grupo terrorista Movimiento 2 de Junio. Lorenz era un candidato a alcalde de Alemania Occidental, y el incidente tuvo lugar tres días antes de las elecciones. Cuando la Ola Negra Yugoslava fue prohibida, Zilnik fue recibido en Alemania Occidental como refugiado político y niño mimado de festivales. En lugar de sacar partido de su capital simbólico y crear una imagen pública de disidente perseguido, Zilnik eligió poner su nuevo entorno bajo su habitual microscopio de ironía, provocación y fervor, concentrándose especialmente en las actividades de la Fracción del Ejército Rojo. La sociedad democrática reaccionó rápido, deportándolo y censurándolo.

The owner of a struggling corporation decides to hire a group of anarchists to fake her kidnapping in order to justify her company’s bankruptcy. Zilnik’s second feature, Paradise (said to have inspired Fassbinder's The Third Generation) satirizes the kidnapping of Peter Lorenz, a right-wing politician who had spent two weeks held in captivity by the 2 June Movement terrorist group. Lorenz was a West Berlin mayoral candidate, and the incident took place three days before election. Once the Yugoslav Black Wave is suppressed, Zilnik was welcomed in West Germany as a political refugee and festival pet. Instead of cashing in his symbolic capital and creating a persecuted dissident persona, he chooses to put the new environment under his trademark microscope of irony, provocation, and fervor, focusing especially on the activities of RAF. The democratic society was quick to react with deportation and censorship.

República Federal Alemana - Federal Republic of Germany, 1976 / 60’ / DM D, G: Zelimir Zilnik F: Andrej Popovic E: Elisabeth Orlov S: Horst Schönberger M: Peda Vranesevic, Sparifankel I: Gisela Siebauer, Michael Straleck, Dan van Husen, Natasa Stanojevic, Filiz Jakub

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The Second Generation Druga generacija / La segunda generación Un adolescente criado en Alemania es enviado por sus

A teenager raised in Germany is sent by his immigrant

padres inmigrantes de vuelta a Yugoslavia, una patria que apenas recuerda. El joven desplazado es un marginado tanto con sus compañeros serbios como con sus pares alemanes. A su familia le preocupa que haya perdido control sobre su vida. La base de esta película es un documental que Zilnik había rodado un año antes, llamado The First Trimester of Pavle Hromis (1983). The Second Generation marca el comienzo de su acercamiento al tema de la inmigración, que seguiría con Kenedi Is Getting Married (2007). También podría considerársela una obra personal si tomamos en cuenta la experiencia desafortunada de Zilnik en Alemania Occidental. Como la cima del período televisivo de Zilnik, la película adopta la forma de un docudrama que resulta muy orgánico para el director y está perfectamente musicalizada por lo que podría ser una presentación útil de lo mejor del punk yugoslavo.

parents back to Yugoslavia –a motherland he barely remembers. The displaced young man is an outcast with his Serbian classmates as well as German peers. His family is worried that he has lost control of his life. The basis for this film is a documentary Zilnik shot a year earlier called The First Trimester of Pavle Hromis (1983). The Second Generation marks the beginning of the director’s exploration of immigration, which would be followed by Kenedi Is Getting Married (2007). It could be regarded as a personal work as well, taking into consideration Zilnik’s unfortunate experiences in West Germany. A peak of Zilnik’s TV period, the movie takes on the form of a docudrama so organic for the director and so perfectly soundtracked by what could be a serviceable introduction to the riches of Yugoslavian punk rock.

Yugoslavia, 1984 / 90’ / DM D: Zelimir Zilnik G: Zelimir Zilnik, Miroslav Mandic F: Ljubomir Becejski E: Slobodan Jandric S: Karoly Stanyo, Martin Jankov, Dorđe Krstic, Vladimir Stanojevic M: Disciplina kicme, Azra, Obojeni Program, Paraf, Katarina II, Xenia I: Vladimir Sinko, Petar Bosančic, Dragan Sokoljanski, Sanja Zlatkovic, Danica Jankovic

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Brooklyn - Gusinje Bruklin – Gusinje Una joven costurera es atraída hacia un pueblo de montaña en la frontera entre Yugoslavia y Albania para ser camarera en un café, con la promesa de libertad y más dinero. Se enamora de un hombre recién llegado de Nueva York con la esperanza de que él la rescate de la monotonía de su vida cotidiana y se la lleve a Estados Unidos. Fue precisamente la televisión la que le permitió a Zilnik convertir sus reacciones frente a la agitación política en películas sin perder tiempo. Este melodrama etnográfico hecho por encargo para la TV de Belgrado muestra el encuentro entre las culturas, lenguajes, costumbres y tradiciones familiares de Serbia y Albania en un paisaje montañoso fascinante. Simultánea al alza del sentimiento antialbano entre los serbios, su intención fue mitigar el odio, que crecía cada vez más. Un acto de solidaridad y, al mismo tiempo, una combinación inesperada de historia de amor y bosquejo antropológico, donde una canción de Patti Smith es lo único que da esperanza.

A young seamstress is lured to a bordering mountain town between Yugoslavia and Albania to wait tables in a cafe with the promise of freedom and more money. She falls in love with a man –recently returned from New York– whom she hopes will rescue her from the drudgery of her everyday life and bring her back to the States. It was precisely television that allowed Zilnik to package his gut reactions to political upheaval into new movies with no time wasted. This ethnographic melodrama commissioned by Belgrade TV shows the meeting of Serbian and Albanian cultures, languages, customs and family traditions in the fascinating mountainous landscape. Concurrent with the upswing of anti-Albanian sentiment among the Serbs, it was supposed to mitigate the growing hatred. An act of solidarity and, at the same time, an unexpected combination of love story and anthropological sketch, where a Patti Smith song provides the only hope.

Yugoslavia, 1988 / 85’ / 16mm D, G: Zelimir Zilnik F: Dragoljub Mancic E: Vladimir Milenkovic S: Ratko Kusic I: Ivana Zigon, Lidija Stevanovic, Skelzen Uljevic, Becir Uljevic, Seco Sabovic

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The Way Steel Was Tempered Tako se kalio celik / Así se templó el acero Un fundidor llamado Leo sueña con una vida sin problemas, pero las condiciones sociales están lejos de ser estables: su trabajo es difícil y peligroso, la fábrica está en bancarrota y los jefes están intentando robar lo más que puedan antes de que el barco termine de hundirse. La comedia más perdurable de Zilnik, que sigue dándose por TV a menudo, toma su título, de forma irónica, de la icónica novela de Nikolai Ostrovsky, un monumento a la doctrina del Realismo Soviético. “Los cambios dramáticos en Yugoslavia son registrados por The Way Steel Was Tempered, una comedia proletaria satírica que tiene como trasfondo el colapso financiero y la economía gris. Aquí, Zilnik lleva a cabo un comentario sobre el fin del socialismo, sus símbolos ya borrosos y la decadencia de su sistema de valores: todos roban, la pasan bien y viven del sistema. Lo único que diferencia a los trabajadores de sus jefes es el poder que hay en juego”. Dimitris Kerkinos

The smelter Leo dreams of a trouble-free life, but the social conditions are far from stable: his job is hard and dangerous, the factory is bankrupt, and the bosses are trying to steal as much as they can before the ship goes down. Zilnik’s most enduring comedy, which still frequently plays on TV, is named ironically after the iconic Soviet novel by Nikolai Ostrovsky, a monument to the doctrine of Socialist Realism. “The dramatic changes in Yugoslavia are chronicled in The Way Steel Was Tempered, a satirical proletarian comedy which takes place against a backdrop of the financial collapse and the grey economy. Here, Zilnik comments on the end of socialism, its faded symbols, and the decline of its value system: everyone’s stealing, having a good time and leeching off the system. The only thing that sets the workers apart from their bosses is the power which is at stake.” DK

Yugoslavia, 1988 / 101’ / 35mm D: Zelimir Zilnik G: Zelimir Zilnik, Branko Andric F: Miodrag Milosevic E: Slobodan Jandric S: Vladimir Stanojevic, Karoly Morvai I: Lazar Ristovski, Tatjana Pujin, Ljiljana Blagojevic, Relja Basic, Jovica Milosevic

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Oldtimer Stara masina / Veterano Igor, un rockero entrado en años, trabaja en Radio Student, en Liubliana. Se da cuenta de que el conserje trabaja para la policía, interviniendo las paredes y observando a los periodistas que critican el régimen. Decide irse a Grecia. Mientras viaja por (lo que todavía era) Yugoslavia, Igor se encuentra con manifestaciones e indignación: es el comienzo de la “revolución antiburocrática” de Milosevic. Aquí Zilnik registra su ascenso al poder mientras reinventa el género de la road movie, solo posible en una tierra al borde de la desintegración, para que cada movimiento de ahí en adelante implique deterioro y falsedad, reuniendo viajantes para luego separarlos de forma igual de arbitraria. El peligro inminente se asomaba sobre la tierra de Tito hasta que la tragedia se desató finalmente a comienzos de los años 90. El protagonista de Oldtimer profetiza: “La guerra todavía no empezó, pero es mejor estar preparados”.

The aged rocker Igor works at the Radio Student in Ljubljana. He notices that the janitor works for the police, tapping the walls and observing the journalists who are critical of the regime. He decides to leave for Greece. Travelling through (what was still) Yugoslavia, Igor comes across demonstrations and outrage: it is the beginning of Milosevic’s “antibureaucratic revolution.” Here Zilnik captures Milosevic's rise to power while reinventing the road movie genre, made possible only in a land on the brink of disintegration, so that any movement in it henceforth equals deterioration and falsehood, pairing fellow travelers at random and splitting them up just as arbitrarily. The imminent danger loomed large over Titoland until the tragedy finally erupted in the early 90s. The protagonist of Oldtimer prophesies, "The war has not started yet, but it is better to be prepared.”

Yugoslavia, 1989 / 81’ / 16mm D, G: Zelimir Zilnik F: Andrej Lupinc E: Sonja Peklenk S: Marko Tajic I: Boris Nin (Marjan Ogrinc), Rahela Macic, Andrej Rozman, Snezana Niksic

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Marble Ass Culo de mármol En la atmósfera desolada de la guerra, la destrucción

In the desolate atmosphere of war, destruction and

y la violencia omnipotente, Merlin y Sanela consuelan a sus clientes a través del afecto físico. Zilnik tuerce los roles de género preestablecidos y se burla de una sociedad que vive en estado de derramamiento permanente de sangre pero se aferra a normas ilusorias. Ese es precisamente el punto ilustrado por el personaje de Merlin quien, esforzándose por comunicar en un mundo extrañado y arrasado, anda en drag y vende su cuerpo, pero aun así termina siendo la persona más normal y amigable en una ciudad plagada de violencia militarista. En 2009, el festival LGBT Merlinka fue bautizado así en homenaje a Vjeran Miladinovic. “Atrapado en el calor brutal de la guerra, Zilnik demuele la testosterona belicista con el martillo de la tragicomedia en Marble Ass, la primera película serbia en incluir a una actriz transgénero y una de las mejores películas jamás hechas sobre la estupidez de la guerra”. Celluloid Liberation Front

omnipotent violence, Merlin and Sanela comfort the clients with physical affection. Zilnik bends the established gender roles and mocks a society that lives in the state of permanent bloodshed and yet clings tenaciously to its illusive norms. That’s precisely the point illustrated by the Merlin character who, in striving to communicate in a world made strange and razed to the ground, wears drag and sells his body, and yet remains the most normal and amicable person in a city beset by militarist violence. In 2009 the LGBT festival Merlinka was named after Vjeran Miladinovic. “Caught in the brutal heat of war, Zilnik demolishes warmongering testosterone with the wrecking ball of tragicomedy in Marble Ass, the first Serbian film to feature a transgendered actress and one of the greatest films ever made about the folly of war.” CLF

República Federal de Yugoslavia - Federal Republic of Yugoslavia, 1995 / 87’ / 35mm D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vladimir Milenkovic M: Love Hunters, Zbogom Brus Li, Dejan Kijevcanin I: Vjeran Miladinovic, Nenad Milenkovic, Nenad Rackovic, Lidija Stevanovic, Suzana Zlatanovic (Luna Lu)

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Kenedi Is Getting Married Kenedi se zeni / Kenedi se casa Luego de construir una casa para su familia, Kenedi queda muy endeudado. Finalmente, decide buscar dinero en el negocio del sexo. Cuando se entera de que las nuevas leyes europeas son mucho más progresistas en lo que refiere al matrimonio gay, Kenedi comienza a buscar a alguien con quien casarse y así obtener un estatus legal en la Unión Europea. La oportunidad surge durante el EXIT Music Festival. La mayoría de las veces, Zelimir Zilnik cuenta historias de gente al borde de la inexistencia. Tal vez sea en el incansable, casi patológicamente optimista gitano Kenedi, quien cree que no pertenece a ningún lugar frente al inexpugnable bastión de la “Fortaleza Europa”, que Zilnik encontró a su héroe arquetípico, capaz de alzarse en defensa de la gente que ha estado apoyando por décadas. El crítico de cine Jurij Meden va un poco más allá y considera a Kenedi el álter ego del director, mientras celebra este particular ciclo de docudramas como la obra más personal de Zilnik.

After building a house for his family, Kenedi finds himself deeply in debt. Ultimately, Kenedi decides to look for money in the sex business. When he finds out about new liberal European laws on gay marriages, Kenedi sees prospects in looking for a “marriage material,” to obtain a legal status in the European Union. The opportunity arises during EXIT Music Festival. Most of the time, Zelimir Zilnik tells stories of people on the edge of non-existence. It is perhaps in the restless, almost pathologically optimistic, gypsy Kenedi, who feels like he doesn’t belong anywhere in front of the unassailable bastion of “Fortress Europe,” that Zilnik has found his archetypal hero willing to stand up for the people he has been supporting for decades. Film critic Jurij Meden goes so far as to call Kenedi the director’s alter ago, while celebrating this particular cycle of docudramas as Zilnik’s most personal work.

Serbia, 2007 / 80’ / 35mm D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vuk Vukmirovic, Branislav Klasnja I: Kenedi Hasani, Salji Hasani, Beni Haliti, Max Steiner, Philipp Eisenmann

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The Old School of Capitalism Stara skola kapitalizma / La vieja escuela del capitalismo The Old School of Capitalism, película semificcional y la obra

A semifictional work and the masterpiece of Zilnik’s most

maestra del período más reciente de Zilnik, está ambientada durante la primera oleada de revueltas de trabajadores en Serbia. Esta película de alcance enciclopédico aborda la repentina contienda de clases librada entre trabajadores despedidos y los beneficiarios de unos cuestionables acuerdos de privatización que se hicieron millonarios durante la era Milosevic. Zilnik orquesta aquí varias escenas complejas repletas de personajes que tienen discusiones intensas. Al seguir esta discusión política improvisada, Zilnik filma con tres cámaras en simultáneo, un testamento de su método democrático, y les permite a los antagonistas charlar las cosas o incluso pelearse por ellas, evitando cualquier solución predigerida. Rodada en apenas once días, la película registra el final de la transición del país hacia el capitalismo. Todos los trabajadores y activistas se interpretan a ellos mismos.

recent period, The Old School of Capitalism is rooted in the first wave of workers revolts in Serbia. This comedy of encyclopedic scope addresses the sudden class warfare waged between workers, who found themselves kicked to the curb, and the beneficiaries of questionable privatization deals, who amassed immense wealth during Milosevic’s era. Zilnik orchestrates here several complex scenes populated by a lot of characters caught up in heated arguments. Steering their improvised political discussion, he films it with three cameras simultaneously in a testament to his democratic method and allows the antagonists to talk it over or even fight it out, refraining from offering any ready-made solutions. Filmed over a mere 11 days, the film captures the country’s final transition to capitalism. All the workers and activists play themselves.

Serbia, 2009 / 122’ / 35mm D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vuk Vukmirovic P: Sarita Matijevic I: Zivojin Popgligorin, Robert Paroci, Zoran Paroski, Lazar Stojanovic, Branimir Stojanovic

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Pirika on Film Pirika na filmu / Pirika en el cine Zelimir Zilnik conoció a Pirika Capko, una chica de la calle, mientras filmaba Little Pioneers. Luego, la incluyó en el elenco de Early Works como la hermana del personaje principal. Cuarenta y cinco años después, se la encontró en la calle e hizo una película entera sobre ella. Pirika on Film es una prueba concluyente del nivel de prudencia y tacto con el que Zilnik trata a sus personajes. Alimentadas por la duda, sus películas permiten que los antagonistas hablen las cosas o se peleen por ellas, y evitan postular Verdades con V mayúscula u ofrecer soluciones fáciles. El conmovedor epílogo de esta película es particularmente importante en el contexto de la obra del director. Termina con una conversación con ex ciudadanos yugoslavos y soviéticos, quienes tratan de explicar cómo fue que encontraron su lugar en un mundo que cambió. Pirika on Film es, de alguna manera, una secuela, una remake y una reconsideración del espléndido debut de Zilnik.

Zelimir Zilnik had first met street urchin Pirika Capko when he was shooting Little Pioneers. Then he cast her in Early Works as the sister of the main character. Forty-five years later, he bumped into her on the street and made an entire film about her. Pirika on Film proves most conclusively the amount of caution and tact with which Zilnik treats his characters. Fueled by doubt, his films allow antagonists to talk it over or even fight it out, and refrain from positing capital-T Truths or offering ready-made solutions. A touching epilogue of this film is particularly important in the context of the director’s oeuvre. It ends with a conversation with former Yugoslavians and Soviet citizens, who try to explain how they have found a place for themselves in a changed world. Pirika on Film is in a way a sequel, remake and reconsideration of Zilnik’s splendid debut.

Serbia, 2013 / 53’ / DM D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vuk Vukmirovic P: Sarita Matijevic I: Piroska Capko, Teodora Tabacki, Gabriella Benak, Biljana Stankovic, Zelimir Zilnik

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Little Pioneers — Pioniri maleni mi smo vojska prava, svakog

dana ničemo ko zelena trava / Pequeños pioneros

Yugoslavia, 1968 / 18’ / 35mm D: Zelimir Zilnik F: Miodrag Jaksic Fanđo E: Dragan Mitrovic S: Dragan Stanojevic Contacto/Contact Sarita Matijevic E zilnik@hotmail.com

El título de la película está tomado de una canción pionera. Zelimir Zilnik documenta la población invisible y las historias no contadas de niños que viven en las calles. Ellos hablan abiertamente de sus experiencias con el abuso y la miseria. Los funcionarios de la Yugoslavia comunista se rehusaban a reconocer su existencia. Fue aquí que el director conoció a Piroska Capko, quien se convertiría en la protagonista de Pirika on Film (2013).

The title of the film is taken from a pioneer song. Zelimir Zilnik documents the invisible population and the untold stories of children living on the streets. They speak openly about their experiences of abuse and squalor. The officials of communist Yugoslavia refused to acknowledge their existence. Here, for the first time, the director meets Piroska Capko, who will become a protagonist of Pirika on Film (2013).

June Turmoil — Lipanjska gibanja / Crisis de junio Yugoslavia, 1969 / 10’ / 35mm D: Zelimir Zilnik F: Dusan Ninkov E: Miodrag PetrovicSarlo S: Bogdan Tirnanic, Branko Vucicevic Contacto/Contact Film Archive of the Int. Short Film Festival Oberhausen Carsten Spicher E spicher@kurzfilmtage.de El único documento de las manifestaciones estudiantiles de Belgrado en junio de 1968 fue rodado en gran parte en el patio del Kapetan Misino Zdanje (el edificio de la Facultad de Filosofía). El famoso actor Stevo Zigon declama, frente a una inmensa multitud, el monólogo de Robespierre de La muerte de Danton, de Georg Büchner. Zelimir Zilnik pasa de observador a participante de la Historia, no su director.

The only document of student demonstrations in Belgrade in June 1968 was shot for the most part in the court of Kapetan Misino Zdanje (the Faculty of Philosophy building). The famous actor Stevo Zigon declaims, in front of an immense crowd, Robespierre's monologue from Georg Büchner's Danton's Death. Zelimir Zilnik turns from an observer into a participant of History, and not its director.

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Black Film — Crni film / Película negra Yugoslavia, 1971 / 14’ / 35mm D: Zelimir Zilnik F: Karpo Acimovic Godina E: Kaca Stefanovic S: Dusan Ninkov Contacto/Contact Film Archive of the Int. Short Film Festival Oberhausen Carsten Spicher E spicher@kurzfilmtage.de Zilnik se lleva a su casa a un grupo de gente que vive en las calles de Novi Sad, contra la voluntad de su mujer y ante la confusión de las autoridades. En esa época, el director escribió un manifiesto en el que habla de lo inútil del humanismo abstracto, la explotación de la pobreza y el cine “casi involucrado” y con conciencia social. Ejemplo de cine radical y accionista, Black Film termina con una pregunta: “El cine, ¿arma o mierda?”.

Zilnik picks up a group of homeless men from the streets of Novi Sad and takes them home, to his wife’s dismay and the authorities' confusion. At that time, the director wrote a manifesto where he talks about the worthlessness of abstract humanism, the exploitation of poverty, and “quasi-involved,” socially conscious filmmaking. An example of radical, actionist cinema, Black Film ends with a question: “The cinema – weapon or shit?”

Inventory — Inventur - Metzstrasse 11 / Inventario República Federal Alemana Federal Republic of Germany, 1975 / 9’ / DM D: Zelimir Zilnik F: Andrej Popovic Contacto/Contact Sarita Matijevic E zilnik@hotmail.com

En Alemania, Zilnik se acercó a los extranjeros que llegaron allí a trabajar: trabajadores migrantes como él. Desde el mismo punto de vista, registra a los residentes de un edificio mientras bajan las escaleras. Este retrato melancólico de una sociedad multicultural amontonada bajo un solo techo ofrece una muestra de la vida trabajadora, y se revela como una comedia en algunos momentos, mientras que en otros captura cuán divertido puede resultar el rodaje de un film colectivo.

In Germany Zilnik was drawn to the foreigners who came to work there: migrant workers like himself. He captures, from the same viewpoint, the residents of a building walking down the stairs. This melancholy portrayal of a multicultural society crammed under one roof furnishes a report on the life of workers, at times revealing itself as a comedy, at others chronicling the fun that a collective film shoot may yield.

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The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic Komedija i tragedija Bore Joksimovica La comedia y tragedia de Bora Joksimovic Yugoslavia, 1977 / 30’ / DM D: Zelimir Zilnik F: Ljubomir Becejski E: Slobodan Jandric Contacto/Contact Sarita Matijevic E zilnik@hotmail.com

Luego de abandonar Alemania, Zilnik regresa a Yugoslavia y se hace un lugar en la televisión. Al comienzo se le permitió trabajar en el departamento de comedia. El director retrata a un escritor amateur, un mecánico que trabaja en el mantenimiento de la calefacción de un teatro de Zrenjanin, y que decide probar suerte como dramaturgo. Zilnik les puso a muchas de sus películas el nombre de sus personajes principales, como si estuviera compilando su propio panteón.

After leaving Germany, Zilnik returns to Yugoslavia and carves out a niche for himself on TV. In the beginning he was allowed to work in a comedy department. The director portrays an amateur writer, a heating maintenance mechanic in the Zrenjanin theatre who decides to try his luck as a playwright. Zilnik named a number of his films after their main characters, as though compiling a pantheon of his own.

Tito Among the Serbs for the Second Time Tito entre los serbios por segunda vez República Federal de Yugoslavia - Federal Republic of Yugoslavia, 1994 / 43’ / DM D: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Dara Arsenov S: Zoran Prodanovic I: Dragoljub Ljubicic, Milan Pavlovic

Belgrado, 1994. Un actor vestido con el uniforme del Mariscal Tito camina por las calles y habla con el pueblo, que entabla discusiones francas e intensas con su ex líder. “Quise confrontar a la gente con su pasado. El pasado desaparece; nunca es evaluado de forma racional. Se convierte en un gran agujero negro, en un tabú, en una grieta en nuestra identidad. Y en Bosnia los tabúes llevan a la represión y la brutalidad”. Zelimir Zilnik

Belgrade, 1994. An actor dressed in Marshal Tito’s uniform walks the streets and talks to the people, who engage in frank and heated discussions with their former leader. “I wanted to confront people with their past. The past disappears, it is never rationally appraised. It becomes a big black hole, a taboo, a gap in our identity. And taboos lead to repression and the savagery in Bosnia.” ZZ

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Throwing Off the Yolks of Bondage Do jaja / Arrojando las yemas de la esclavitud República Federal de Yugoslavia - Federal Republic of Yugoslavia, 1996 / 12’ / DM D: Zelimir Zilnik F: Nikola Majdak Jr., Nenad Mladenovic, Aca Kostic E: Slavica Lalic Contacto/Contact Sarita Matijevic E zilnik@hotmail.com El régimen de Milosevic arregló los resultados de las elecciones de otoño de 1996, lo cual fue causante de las congregaciones en masa en Serbia. Esta película documenta las protestas y su carga política y crítica, pero también su espíritu festivo. Durante el séptimo día de las protestas la película fue editada y proyectada por primera vez. Este cinétract es otro capítulo más en el proyecto a gran escala de Zilnik de registrar la turbulencia política de su país.

Milosevic’s regime has rigged the results of elections in autumn 1996, which caused the mass rallies in Serbia. The film documents the protests and their political and criticizing charge, but also the carnival spirit. On the seventh day of the protests the film was edited and had a premiere screening. This cinétract is yet another chapter of Zilnik’s large-scale project of capturing his country's political turbulence.

For Ella — Za Ellu / Para Ella República Federal de Yugoslavia - Federal Republic of Yugoslavia, 1997 / 10’ / DM D: Zelimir Zilnik F: Dušan Ninkov E: Aleksandar Komnenovic M: Peđa Vraneševic Contacto/Contact Sarita Matijevic E zilnik@hotmail.com Los amigos de Jovica lo llaman “Fitzgerald”. Un día, Jovica, un proyectorista de la infancia de Zilnik, un viejo pianista de jazz y uno de los actores de The Way Steel Was Tempered, se entera de la inesperada muerte de Ella Fitzgerald. Jovica está desesperado; toca el piano toda la noche y llora. Su mujer lo amenaza diciéndole que va a echarlo de la casa si no se deshace del piano.

“Fitzgerald” is Jovica’s nickname among his friends. One day Jovica, a film projectionist from the childhood of Zilnik, an old jazz pianist and one of the actors from The Way Steel Was Tempered, hear of Ella Fitzgerald's unexpected death. Jovica is desperate; he plays the piano all night long and cries. His wife threatens him saying that she will throw him out of the house unless he gets rid of the piano.

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Silo Danube, Vukovar — Silos Dunav, Vukovar República Federal de Yugoslavia - Federal Republic of Yugoslavia, 1993 / 1’ / 35mm D: Zelimir Zilnik F: Siniša Reljin, E: Margita Nemet Contacto/Contact Film Archive of the Int. Short Film Festival Oberhausen Carsten Spicher E spicher@kurzfilmtage.de La devastación y los bombardeos en Vukovar, durante la guerra de independencia de Croacia, provocan que cientos de toneladas de trigo se escapen de un elevador de granos destruido. Miles de cuervos descienden sobre el trigo. En 1992, Zilnik renunció a Novi Sad TV y se convirtió en uno de los primeros directores del mundo en pasarse al video. Silo Danuve, Vukovar se convirtió en la última película que el director rodó en 35mm.

In Vukovar, during the Croatian War of Independence, after the devastation of the town and the bombings, hundreds of tons of wheat have leaked out of a destroyed grain elevator. Thousands of ravens descend upon the wheat. In 1992, Zilnik resigned from Novi Sad TV and became one of the first directors in the world to switch to video. Silo Danube, Vukovar became the last film the director shot on 35mm.

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Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución — Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution 326 327 328 329 330

Angels of Revolution Chagall-Malevich Kharms L'Utopie des images de la Révolution russe Octubre

focos y retrospectivas Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución — focus and retrospectives Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution

Angels of Revolution Angely Revolucii / Ángeles de la revolución La intersección entre política, arte y religión fue, desde siempre, un área peligrosa y zona de guerra. Ciertamente lo fue para los artistas de la Unión Soviética, y lo es en este relato que Fedorchenko pinta con paleta y tonos wesandersonianos para narrar la historia de seis artistas, liderados por Polina Schneider, que se las vieron negras para introducir la doctrina leninista a través del arte en un pueblo indígena de la Siberia profunda. El humor de Fedorchenko en esta tragicómica historia real coquetea con Bresson para terminar apostando por la acidez del ridículo y por una libertad absoluta en el uso de recursos en la pantalla, que van desde marionetas hasta la transformación del aspect ratio en un theremín, con una imaginación inagotable que mantiene vivos los 113 minutos de la película. Esa libertad es la que le permite al director reírse de un personaje que exclama “Salve el genio del arte”, al tiempo que su película no deja de hacerle honor a esa máxima.

The intersection of politics, art and religion has always been a war zone. Certainly it was for the artists of the Soviet Union, and certainly it is in this tale by Fedorchenko that he paints with the palette and tones of Wes Anderson, telling the story of six artists, led by Polina Schneider, who have the extremely difficult task of using their art to introduce the Leninist doctrine to an indigenous village in deep Siberia. Fedorchenko's humor in this tragicomic true story flirts with Bresson and ends up opting for a biting humor of the ridiculous and complete freedom in his employment of cinematic resources, ranging from the use of marionettes to a screen frame that functions like a theremin, with an inexhaustable imagination that lasts the entire 113 minutes of the film. It is this freedom that allows the director to laugh at a character who exclaims, "Save the genius of art," while his film never stops honoring that motto.

Alexey Fedorchenko Nació en Yekaterinburg, Rusia, en 1966. Estudió ingeniería y más tarde dramaturgia en el VGIK ruso. Dirigió varios mediometrajes documentales y los largometrajes First on the Moon (2005), Silent Souls (2010, ganadora del Ástor de Plata a Mejor Dirección y Guion en el 25º Festival) y Celestial Wives of the Meadow Mari (2013), entre otros. Eng Born in Yekaterinburg, Russia in 1966, he studied Engineering and Drama at the Russian VGIK. He directed many medium-length documentaries as well as the features First on the Moon (2005), Silent Souls (2010, winner of the Silver Astor for Best Director and Script at the 25th Festival) and Celestial Wives of the Meadow Mari (2013), among others.

Rusia - Russia, 2014 / 113’ / DCP / Color / Ruso - Russian D: Alexey Fedorchenko G: Denis Osokin F: Shandor Berkeshy M: Andrey Karasev P: Dmitry Vorobyev, Alexey Fedorchenko, Leonid Lebedev CP: 29th February Film Company I: Darya Yekamasova, Polina Aug, Pavel Basov, Georghi Iobadze, Konstantin Balakirev

Contacto/Contact ANT!PODE Sales & Distribution Evgeniya Chulkova T +7 962 965 6918 E festivals@ antipode-sales.biz W antipode-sales.biz

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Chagall-Malevich Shagall-Malevich La primera película de Aleksandr Mitta en más de una

Aleksandr Mitta’s first film in over a decade is a fantastical

década es una biopic fantástica y extravagante sobre un pintor que encarnó, como muy pocos artistas, esas mismas características. En el montaje, la puesta en escena y la fotografía, el ojo atento al detalle puede observar aquellos lineamientos que constituyeron la obra de Marc Chagall, los principios que impartió estando al frente de la Escuela de Arte de Vítebsk y los aspectos en los que su rival artístico, Kazimir Malevich, salió al cruce con el suprematismo, en un momento en que la estética no podía concebirse sin su ética, y el trazo correcto de un pincel era parte del rumbo político de la revolución. En sus mejores momentos, Chagall-Malevich alcanza el balance entre sus libertades formales y el desarrollo de sus historias alteradas por el devenir de la Historia.

and extravagant biopic about a painter who embodied, like few others, those very characteristics. In the editing, the mise en scène and the cinematography, the eye that is attentive to detail can observe the guidelines that make up the work of Marc Chagall, the principles that he imparted standing in front of the Vitebsk Art School and the aspects in which his artistic rival, Kazimir Malevich, came to the crossroads with his suprematism, at a moment in which aesthetics could not be conceived of without his ethics, and the correct brushstroke was part of the political course of the revolution. In its best moments, ChagallMalevich achieves a balance between its formal liberties and the development of its stories that were changed by the path of History.

Alexander Mitta Nació en 1933 en Moscú. Se graduó en cinematografía en el VGIK ruso en 1960. Con su película Someone Calls, Open the Door (1966), ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Dirigió y escribió, entre otras, Moscow, My Love (1974), Tales of Wanderings (1982) y Lost in Siberia (1991). Eng Born in Moscow in 1933, he graduated as a Filmmaker at the Russian VGIK in 1960. With his film Someone Calls, Open the Door (1966), he won the Golden Lion at the Venice Film Festival. He wrote and directed the films Moscow, My Love (1974), Tales of Wanderings (1982) and Lost in Siberia (1991), among others.

Rusia - Russia, 2014 / 120’ / DCP / Color / Ruso - Russian D, G: Alexander Mitta F, E: Sergei Machilsky DA: Eduard Galkin, Lyudmila Gaintseva S: Oleg Tatarinov M: Alexey Aygi P: Shneidermann Larisa, Elizaveta Lesovaya CP: ShiM-Film I: Leonid Bichevin, Kristina Shneidermann, Anatoliy Beliy, Semen Shkalikov

Contacto/Contact INTERCINEMA Natasha Zakharova T +7 495 134 4014 E natasha@ intercinema.ru W intercinema.ru intercinema.ru/ chagall-malevich

focos y retrospectivas Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución — focus and retrospectives Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution

Kharms Daniil Yuvachev fue un escritor ruso de la primera mitad del siglo XX. Se creía un genio. Y quizás lo fuera. Pero las editoriales, por entonces, no querían publicar sus cuentos ni poemas. Así, sobrevivía escribiendo libros infantiles encerrado en el desorden de su departamento, siempre al borde de la pobreza. A pesar de los malos tragos, Daniil Kharms –como se hacía llamar– salía adelante del mismo modo que los personajes alucinados que creaba: forjándose su propio mundo, que distaba mucho de coincidir con la realidad. Arrogante, amante del escándalo, altanero, mujeriego y convencido de su talento, desafiaba a quienes querían oírlo en los habituales encuentros literarios a los que frecuentaba en los rincones de Leningrado. Kharms es una biopic que describe la vida fascinante de quien vivía en una batalla constante contra la sociedad de la época, mientras lidiaba con sus propios demonios.

Daniil Yuvachev was a Russian writer from the first half of the 20th century. He believed he was a genius. And perhaps he was. But the publishing houses of the time did not want to publish his short stories or poems. So he survived writing children’s books confined in his messy apartment, always on the verge of poverty. In spite of the bad times, Daniil Khrams -as he called himselfgot by in the same manner as the astonishing characters he created: by forging his own world, which had very little to do with reality. Arrogant, fond of scandals, haughty, a womanizer and convinced of his talent, he defied those who wanted to hear him in the literary encounters he used to frequent on the corners of Leningrad. Kharms is a biopic that describes the fascinating life of a man who lived in constant battle against the society of the time, while dealing with his own demons.

Ivan Bolotnivok Nació en Moscú en 1969. En 2004 se graduó de la escuela de guionistas y directores de Aleksei German y Svetlana Karmalita. Trabajó en la producción de la película de German Qué difícil es ser un dios (exhibida en el 29º Festival). Dirigió los documentales A Melody for German (2008) y The Theatrical Novel (2015), entre otros. Kharms es su primera película de ficción. Eng He was born in Moscow in 1969. In 2004, he graduated from the Aleksei German and Svetlana Karmalita’s school of writers and directors. He worked in the production of the German film Hard to Be a God (screened at the 29th Festival). He directed the documentaries A Melody for German (2008) and The Theatrical Novel (2015), among others. Kharms is his first fiction film.

Rusia / Lituania / Macedonia - Russia / Lithuania / Macedonia, 2017 95’ / DCP / Color - B&N / Ruso - Russian D: Ivan Bolotnikov G: Ivan Bolotnikov, Sergei Soloviev F: Shandor Berkeshi P: Andrei Sigle, Eva Norviliene, Sasho Pavlovsky CP: Manufaktura Production, Proline Film, Tremora I: Wojciech Urbanski, Aistė Dirziūtė, Darius Gumauskas, Artyom Semakin, Grigory Chaban

Contacto/Contact ANT!PODE Sales & Distribution Evgeniya Chulkova T +7 962 965 6918 E festivals@ antipode-sales.biz W antipode-sales.biz

foto: LES POISSONS VOLANTS

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L'Utopie des images de la Révolution russe The Russian Revolution Through Its Films Si la Revolución soviética marcó a fuego la historia social

If the Soviet Revolution branded the social history of

del siglo XX, lo mismo puede aseverarse sobre la revolución artística que significó un grupo de directores, actores y técnicos en la industria cinematográfica a partir de ese período. Desde los experimentos del montaje de Lev Kuleshov hasta la espectacularidad de Serguéi Eisenstein, pasando por el visionario Yákov Protazánov, Pudovkin y Dovzhenko, entre muchos otros, los nombres se traducen en obras que exponen ficciones y documentales que dan cuenta de una libertad creativa y una energía hasta entonces inédita en el cine ruso. Este documental recorre, a partir de extractos de films y textos de los artistas, la producción cinematográfica desde la década del 10 hasta los años 30, cuando la ficción se permitía erosionar la realidad en películas que ayudaron a construir el imaginario visual y poético de la Revolución.

the 20th Century, the same can be asserted about the artistic revolution that came from a group of directors, artists and technicians in the film industry starting in this period. From Lev Kuleshov’s experiments in editing to the spectacular films of Sergei Eisentstein through the visionary work of Yakov Protazanov, Pudovkin and Dovzhenko, among others, these names translate into works of fiction and documentary that realized a level of creative energy and freedom that were until then unknown in the Russian cinema. This documentary traces, using extracts from films and texts by the artists, the film production from the 1910s through the 30s, when fiction was allowed to erode reality in films that helped construct a the visual and poetic imaginary of the Revolution.

Emmanuel Hamon Fue asistente de dirección de Maurice Pialat y Robert Altman, y luego comenzó a dirigir documentales para televisión. Entre sus films se destacan Maurice Papon, itinéraire d’un home d’ordre (2010) y De Sarajevo à Sarajevo (2014). L’Utopie des images de la Révolution russe tuvo su premiere en el último Festival de Venecia. Eng He was assistant director for Maurice Pialat and Robert Altman, and later started directing television documentaries. His films include Maurice Papon, itinéraire d’un home d’ordre (2010) and De Sarajevo à Sarajevo (2014). The Russian Revolution Through Its Films premiered at the latest edition of the Venice Film Festival.

Francia - France, 2017 / 88’ / DCP / Color - B&N / Francés - French D: Emmanuel Hamon G: Thomas Cheysson E: Anne Renardet S: Matthieu Deniau, Studio Orlando P: Sophie Goupil CP: Les Poissons Volants I: Virginie Efira, Xavier Legrand, Damien Chapelle, Aurélien Recoing, Emmanuel Salinger

Contacto/Contact Les Poissons Volants Saskia Nilly T +33 174 704 474 E saskia.nilly@ poissonsvolants.com production@ poissonsvolants.com W poissonsvolants.com /LesPoissonsVolants1989

FOTO: LOBSTER

FOCOS Y RETROSPECTIVAS CENTENARIO DE LA REVOLUCIÓN RUSA: ARTE, CINE, REVOLUCIÓN — FOCUS AND RETROSPECTIVES CENTENNIAL OF THE RUSSIAN REVOLUTION: ART, FILM, REVOLUTION

Octubre Octjabre / October - Ten Days That Shook the World Luego del éxito de La huelga (1924) y de El acorazado Potemkin (1925), a diez años de la Revolución de 1917, el Comité Central del Partido Comunista encargó a Sergei Eisenstein la realización de Octubre, la reconstrucción de los acontecimientos ocurridos desde febrero hasta octubre de aquel año. Dividida en cinco capítulos –que abarcan desde los primeros días del gobierno provisional de Kerensky hasta el momento en que los bolcheviques llegan al poder, con el pueblo oprimido como protagonista–, la epopeya coral del realizador soviético representa uno de los picos más altos del cine mudo, y sus técnicas narrativas y de montaje inéditas fundaron las bases para el desarrollo del film documental. Casi un siglo después, Octubre sigue siendo una de las películas más importantes de la historia del cine. Se proyecta la versión restaurada y reconstruida en 2012, con música de Edmund Meisel a cargo de la Orquesta Sinfónica de Berlín conducida por Frank Strobel.

of Strike (1924) and The Battleship Potemkin Committee of the Communist Party commissioned Sergie Eisenstein with directing the film October, a reconstruction of the events that occurred from February through October of 1917. Divided into five chapters – beginning with the first days of Kerensky’s provisional government and ending with the Bolsheviks taking power, with the people of the nation as the protagonists –, the choral epic of the Soviet filmmaker represented one of the peaks of silent film. And his narrative techniques and unprecedented editing / montage techniques created the basis for the development of documentary film. Almost a century later, October continues to be one of the most important films in the history of cinema. Screening of the film's restored and reconstructed 2012 version, with original score by Edmund Meisel played by the Berlin Symphony Orchestra, conducted by Frank Strobel.

Sergei M. Eisenstein & Grigoriy Aleksandrov Eisenstein nació en Riga, Letonia, en 1898. Es uno de los más destacados directores y pensadores del cine ruso, autor de, entre otras, El acorazado Potemkin (1925), Que viva México (1932) e Iván el terrible (1945). Murió en 1948. Aleksandrov nació en Ekaterinburg, Rusia, en 1903. Fue colaborador de Eisenstein como codirector, como guionista y como actor. Dirigió su primera película Jolly Fellows en 1930. Murió en 1983. Eng Eisenstein was born in Riga, Larvia in 1898. He is one of the most important directors and thinkers of Russian film. He directed Battleship Potemkin (1925), Qué viva México (1932) and Ivan the Terrible (1945). He died in 1948. Aleksandrov was born in Ekaterinburg, Russia in 1903, and was Eisenstein’s collaborator as co-director, writer and actor. He directed his first film, Jolly Fellows, in 1930. He died in 1983.

Rusia - Russia, 1928 / 101’ / DCP / B&N D, G: Sergei M. Eisenstein, Grigoriy Aleksandrov F: Edouard Tissé CP: Sovkino I: Boris Livanov, Vassili Nikandrov, Vladimir Popov

Contacto/Contact Munich Film Museum Stefan Droessler T +49 89 233 22575 E stefan.droessler@muenchen.de W muenchner-stadtmuseum.de

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Corea del Sur: País Invitado de Honor

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South Korea: Guest Country of Honor

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Loser’s Adventure The Seeds of Violence Autumn, Autumn Behind the Dark Night A Taxi Driver Die Bad The Battleship Island The Villainess

FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS I NVITADO DE HONOR — FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

En 2012, también en colaboración con el KOFIC (Korean Film Council), el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata realizó un foco sobre nuevos directores coreanos. Aquella vez se trató de un grupo de directores nóveles que presentaban sus primeras y segundas películas y producciones independientes. Esta vez, la selección también incluye títulos realizados con grandes presupuestos y que lograron cifras millonarias en taquilla al momento de su estreno. Esta muestra de películas –que van desde comedias de bajo presupuesto a personales obras de autor, cine de género y superproducciones que, a pesar de su destino popular, no dudan en enfrentarse a momentos históricos y polémicos de la historia del país– revelan por qué el cine de Corea del Sur sigue interesando al resto del mundo: una vitalidad cada vez más difícil de encontrar en otras cinematografías. Este año el Festival recibe a Corea del Sur como País Invitado de Honor. A las películas mostradas en esta selección se suman una serie de charlas y visitantes, directores y profesionales del cine de diferentes áreas, que visitarán el Festival con el fin de compartir con la audiencia los secretos del éxito del cine coreano. Marcelo Alderete

In 2012, in collaboration with the KOFIC (Korean Film Council), the Mar del Plata International Film Festival focused on new Korean directors. At the time, it was a group of new directors who presented their first and second films and along with other independent productions. This time, the selection also includes titles made with large budgets and that have made the millions ranging from low budget comedies to personal works of art, genre films and super-productions that, despite their popular quality, do not hesitate to face significant and controversial moments of the country's history - revealing why South Korean cinema continues to interest the rest of the world: a vitality This year the Festival receives South Korea as the Guest Country of Honor. Along with the films screen in this selection are a series of talks and visitors, directors and film professionals from various places, who will visit the Festival in order to share with the audience the secrets of the success of Korean cinema. MA

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Loser’s Adventure La aventura del perdedor El cine y el deporte siempre se llevaron bien. Especialmente con los perdedores, quienes con sus derrotas nos enseñan que ganar no siempre es lo más importante; desde la canónica Rocky (1976) hasta clásicos de la generación VHS como Jamaica bajo cero (1993). Ya desde su mismo título, Loser’s Adventure nos deja en claro el destino de nuestros protagonistas, un grupo de muchachos grandes cuyas vidas parecen haberse desviado de sus sueños de juventud, pero a quienes, sin embargo, se les presenta la posibilidad de formar un grupo de lucha libre para participar de un torneo. El director Ko Bong-soo ya había demostrado su talento y amor por este tipo de personajes en su ópera prima Delta Boys (2016), realizada en nueve días por la irrisoria suma de 2184 dólares. Loser's Adventure, filmada en once días, vuelve a dejar en claro el amor del realizador por la velocidad, sus actores (los mismos de su película anterior) y los personajes alejados de una sociedad que ve en el éxito económico y profesional el mayor de sus logros. Marcelo Alderete

Film and sports have always gotten along well. Especially with losers, who show us, with their defeats, that winning isn’t always what is important; from the canonical Rocky (1976) to classics from the VHS generation like Cool Runnings (1993). By its very title, Loser’s Adventure makes the fate of our protagonists clear. They are a group of grown up boys whose lives seem to have taken a detour from the dreams of their youth, but to whom the opportunity arises to form a wrestling team in order to take part in a tournament. Director Ko Bong-soo had already shown his talent and love for this type of characters in his first feature, Delta Boys (2016), made in nine days for the ridiculous sum of 2,184 dollars. Loser’s Adventure, shot in eleven days, again shows the love the director has for speed, for his actors (the same ones from his previous film) and characters distanced from a society that sees financial and professional success as the best of achievements. MA

Ko Bong-soo Nació en 1976 en Seúl. Se graduó en el Soodo High School. Su cortometraje A Cup of Coffee (2006) fue premiado en el Chicago Northwestern Film Festival. Su largometraje musical Delta Boys (2016) fue recientemente premiado en el XVII Festival Internacional de Cine de Jeonju. Eng He was born in Seoul in 1976, and graduated at the Soodo High School. His short film A Cup of Coffee (2006) was awarded at the Chicago Northwestern Film Festival. His musical feature Delta Boys (2016) was recently awarded at the 17th Jeonju International Film Festival.

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 105’ / DCP / Color / Coreano - Korean D, G, F, E: Ko Bong-soo M: Cryingnut P: Kim Jun-jong I: Kim Chung-gil, Beak Seungh-wan, Shin Min-jea, Ko Sung-wan

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FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS I NVITADO DE HONOR — FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

The Seeds of Violence Las semillas de la violencia Existe una tendencia en el cine coreano de los últimos años a tener como protagonistas a hombres al borde del estallido. Son historias marcadas por una violencia, social e interna, que parece estar a punto de explotar en cualquier momento, y que conduce no solo la historia sino también su puesta en escena; desde Breathless, debut de Yang Ikjune vista en la edición 11º del Bafici, hasta Alive, de Park Jung-bum, visto en el 29º Festival de Mar del Plata. En esta ópera prima, el director Lim Tea Geu cuenta, en tiempo real y sin despegarse de su protagonista, la historia de un joven que durante el cumplimiento del servicio militar deberá hacerse cargo de una misión fuera de su cuartel (hay aquí ecos lejanos de El último deber, de Hal Ashby) para tratar de evitar la furia de uno de sus superiores. Sin embargo, no podrá evitar caer en una escalada de violencia asordinada que, como indica el título de la película, parece nacer de los secretos, frustraciones y sentimientos reprimidos que se ocultan en las relaciones humanas. Marcelo Alderete

There has been a tendency in the South Korean cinema of the last few years to have men on the edge as protagonists. These are stories marked by a violence, both inner and social, that seems to be about to explode at any moment, and that not only leads the story but also the mise-en-scène; from Breathless, Yang Ik-junes’ debut, seen at the 11th edition of Bafici, to Park Jung-bum’s Alive, seen at the 29th Mar del Plata Film Festival. In this first feature, director Lim Tea Geu tells, in real time and without ever distancing himself from his protagonist, the story of a young man who, during military service, must take on a mission outside his quarters (some distant echoes of Hal Ashby’s The Last Detail) in order to try to avoid the wrath of one of his superiors. However, he won’t be able to escape falling into a spiral of muted violence that, as the title indicates, seems to be born from the repressed secrets, frustrations and feelings that hide in human relationships. MA

Lim Tea Geu Nació en 1985. Se graduó de la Escuela de Cine de la Universidad Chungang en 2013, y del Posgrado de Contenidos Cinematográficos en la Universidad Dankook en 2017. The Seeds of Violence es su primer largometraje. Eng He was born in 1985 and graduated from the Chungang University's Film School in 2013. In 2017, he graduated from Dankook University’s Graduate School of Cinematic Content. The Seeds of Violence is his first feature film.

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 82’ / DCP / Color / Coreano - Korean D: Lim Tea Geu G: Moon Gwang-baek F: Son Jin-yong E: Lim Tea Geu P: Park Haeo I: Lee Gaseop, Jung Jae-yun, Kim Soy, Park Seon-gil

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Autumn, Autumn Otoño, otoño En Autumn, Autumn (cuyo título original hace referencia a Chuncheon, la localidad turística a la que asisten los personajes) se cruzan dos historias, cada una con dos protagonistas. Pero no como un truco ingenioso de guion, sino como un simple y leve comentario generacional sobre sus personajes. En la primera de ellas, un joven recuerda a través de un llamado telefónico la ausencia de un amigo y los momentos de un pasado que pudo haber continuado en el presente, pero que ya no ocurrirá. La segunda retrata el encuentro de una pareja de mediana edad y la posibilidad de una relación, en la que también pesarán el paso del tiempo, las historias previas y las convenciones sociales. En su segunda película, Jang Woo-jin demuestra una capacidad asombrosa de utilizar las herramientas básicas del cine –la duración del plano y la utilización de la luz (él es su propio director de fotografía)– para registrar el transcurrir del tiempo, la incomodidad sentimental de sus personajes y una leve tristeza que parece marcar las relaciones de estos tiempos. Marcelo Alderete

In Autumn, Autumn (whose original title refers to Chuncheon, the tourist town the characters travel to) two stories intertwine, each with two protagonists. Not as a clever screenwriter’s trick, but rather as a simple, mild generational commentary on its characters. In the first, a young man is reminded, through a phone call, of the absence of a friend and the moments of a past that could have continued into the present, but won’t. The second depicts the meeting of a middleaged couple and the possibility of a relationship in which the passing of time, previous histories and social conventions will also play an important role. In his second film, Jang Woojin shows amazing skill in using the basic tools of film –the length of the shot and the use of light (he is his own director of photography) – in order to capture the passing of time, the emotional awkwardness of his characters and a certain mild sadness that seems to mark relationships these days. MA

Jang Woo-jin Nació en 1985 en Ulsan, Corea del Sur. Estudió en Hongik University School of Film, Video and Moving Image, en Sejong, y en Dankook University Graduate School of Cinematic Content. Realizó el largometraje Sae-chul-bal (2014). Eng Born in Ulsan, South Korea, in 1985, he studied at the Hongik University School of Film, Video and Moving Image, in Sejong, and at the Dankook University Graduate School of Cinematic Content. He directed the feature film Sea-chul-bal (2014).

Corea del Sur - South Korea, 2016 / 77’ / DCP / Color / Coreano - Korean D, G, F, E, S: Jang Woo-jin M: Mo Seong-min P: Jang Woo-jin, Kim Dae-hwan, Kim Dong-ho CP: Bomnae Films, Tiger Cinema I: Yang Heung-ju, Lee Se-rang, Woo Ji-hyeon

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Behind the Dark Night Detrás de la noche oscura Los falsos documentales que retratan las manías de un

Mockumentaries that depict the obsessions of a group of

grupo de personajes con un trabajo en común suelen funcionar bien para mostrar las glorias y miserias de los seres humanos y sus profesiones. En Behind the Dark Night, el joven realizador Shim Chan-yang centra su mirada en una banda de jóvenes que realizan una película de superhéroes mientras uno de ellos registra el backstage de la preproducción. Al tratarse de una historia bastante autobiográfica, el director diluye la crítica con humor y amor hacia sus jóvenes y nerds protagonistas. Pero lo que termina de transformar al film en otra cosa está en la última parte (las películas de superhéroes “de verdad” nos enseñaron que no hay que irse de la sala antes de los títulos finales), cuando descubrimos que todo lo que vimos no era una gran broma, sino algo que conviene no espoilear. Como los superhéroes y los villanos, Shim parece tener que ocultar personalidades: la de un director low-fi y la de un realizador con futuro hollywoodense. Habrá que esperar a la secuela para ver cómo sigue la historia. Marcelo Alderete

characters with a job in common tend to be good at showing the glories and miseries of human beings and their professions. In Behind the Dark Knight, young filmmaker Shim Chan-yang centers his eye on a gang of young men who make a superhero movie while one of them films the behind-the-scenes of the pre-production. Being in large part an autobiographical story, the director waters down the critique with humor and love for his nerdy leading characters. But what ends up turning the film movies have taught us we don’t have to leave the theater before the end credits), when we discover that everything we have seen is not one big prank, but something we had better not spoil. Like superheroes and villains, Shim seems to have to hide personalities: that of a lo-fi director and a filmmaker with a future in Hollywood. We will have to wait until the sequel to find out how it goes. MA

Shim Chan-yang Dirigió el cortometraje Minsu Kim in Wonderland (2015). Behind the Dark Night es su primer largometraje. Eng He directed the short film Minsu Kim in Wonderland (2015). Behind the Dark Night is his first feature length film.

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 117’ / DCP / Color / Coreano - Korean D, G: Shim Chan-yang

Contacto/Contact Foot-Made Pictures Chan-Yang Shim E shimchanfilm@ gmail.com

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A Taxi Driver Un chofer de taxi A Taxi Driver se centra en un momento tan histórico como traumático para la sociedad coreana: en 1980, el pueblo de la ciudad de Gwangju se alzó contra la dictadura que gobernaba el país. La represión militar no tardó en reaccionar, causando una masacre con cientos de víctimas civiles. El hecho se convirtió en un símbolo de la lucha por la democracia, y de la oposición de los surcoreanos ante los regímenes autoritarios. El levantamiento de Gwangju y sus consecuencias ya fueron mostradas por el cine surcoreano, en películas como A Petal, de Jang Sun-woo, y Peppermint Candy, de Lee Chang-dong. Esta vez, Jang Hun elige ficcionalizar los hechos y transformarlos en un cuento lleno de emoción y lágrimas, en el que un chofer de taxi y sus colegas ayudan a un periodista extranjero a entrar y escapar de una ciudad sitiada. Una aventura que los llevará a transformarse en héroes anónimos e inesperados que, casi sin saberlo, lograrán cambiar la historia de un país. Marcelo Alderete

A Taxi Driver centers on a moment as historic as it was traumatic for Korean society: in 1980, the people from the city of Gwangju stood up against the dictatorship that ruled the country. The military didn’t take long to react, causing the massacre of hundreds of civilians. The event turned into a symbol of the struggle for democracy, the opposition of South Koreans to authoritarian regimes. The rising of Gwangju and its aftermath have already been shown by South Korean cinema, in films like Jang Sun-woo’s A Petal and Lee Chang-dong’s Peppermint Candy. This time, Jang Hun chooses to fictionalize the events and turn them into a tale full of emotion and tears in which a taxi driver and his colleagues help a foreign journalist to enter and escape a city under siege. An adventure that will turn them into anonymous, unexpected heroes who, almost without realizing it, will change a country’s history. MA

Jang Hun Nació en 1975 en Corea del Sur. Fue asistente de dirección de Kim Ki-duk. Dirigió el cortometraje The Villains (2007) y los largometrajes Rough Cut (2008), Secret Reunion (2010) y The Front Line (2011). Eng Born in South Korea, he served as assistant director to Kim Ki-duk. He directed the short film The Villains (2007) and the features Rough Cut (2008), Secret Reunion (2010) and The Front Line (2011).

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 137’ / DCP / Color / Coreano - Korean D: Jang Hun G: Eom Yu-na I: Song Kang-ho, Thomas Kretschmann, Yoo Hae-jin, Ryu Jun-yeol, Park Hyuk-kwon

Contacto/Contact California Filmes T +55 11 2899 9000 W californiafilmes.com.br

FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS I NVITADO DE HONOR — FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

Die Bad Morir mal Die Bad está incluida en esta selección de nuevas películas

Die Bad is included in this selection of new Korean films

coreanas no solo por la aparición de una copia recientemente restaurada, sino para recuperar una película llena de furia, violencia y juventud que no tiene el mismo reconocimiento que otros títulos del cine coreano moderno. Se estrenó en 2000 (el mismo año de Barking Dogs Never Bite, Joint Security Area y The Foul King, por ejemplo), se filmó con 3000 dólares durante tres años, y su elenco incluía a un futuro director (Jang Kung-jae, autor de Sleepless Night) y a la futura estrella Jeong Jae-yeong (Right Now, Wrong Then). Se trata de cuatro cortos interconectados, con historias que tratan sobre las violentas vidas de personajes fuera de la ley y las relaciones masculinas. Con el paso del tiempo, el director Ryoo Seung-wan se transformaría en uno de los realizadores más taquilleros de su país, con un estilo depurado en thrillers que, en algunos casos, mantenían ecos de aquella violencia juvenil. Aunque la furia de Die Bad nunca volvería a repetirse. Marcelo Alderete

not only because of the surfacing of a recently restored print, but also to recover a film full of anger, violence and youth that is not as well-acknowledge as other titles of modern Korean cinema. It opened in 2000 (the same year as Barking Dogs Never Bite, Joint Security Area and The Foul King, for example), was shot on a 3,000-dollar budget throughout the course of three years and its cast included a future director (Sleepless Night’s Jang Kung-jae) and future star Jeong Jae-yeong (Right Now, Wrong Then). It is made up of four interconnected shorts, with stories that deal with the violent lives of characters outside the law and male relationships. Over time, director Ryoo Seung-wan would become one of the most successful directors in his country, with a polished style in thrillers that, in some cases, had echoes of that youthful violence. Although the fury of Die Bad would never be repeated. MA

Corea del Sur - South Korea, 2000 / 95’ / DCP / Color / Coreano - Korean D, G: Ryoo Seung-wan F: Cho Yong-kyou E: Ahn Byeong-ki M: Kim Dong-kyu, Kim Sung-hyun P: Kim Sun-kuk I: Park Seong-bin, Ryo Seung-bum, Bae Jung-shik

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The Battleship Island La Isla Acorazado Hay una isla llamada Isla Acorazado a la que muchos coreanos fueron enviados a la fuerza para servir al ejército imperial japonés y extraer carbón. El director Ryoo Seung-wan llevó al cine la trágica historia de esa isla, con muchos paralelismos con la crítica conceptual de Bong Joon-ho en Snowpiercer. Así como los líderes del último vagón necesitan cooperar con los del primero para hacer que el tren avance, los colaboradores coreanos son esenciales en las minas de la Isla Acorazado. La película expone el tema de los projaponeses, una mancha en la historia de la Corea moderna, con seriedad. En Corea hubo polémicas en el momento de su estreno, lo cual dio lugar a un corte del director que dura 19 minutos más e incluye una escena notoria en la que los projaponeses son erradicados. El segmento en que Mu-young ejecuta a un traidor que vendió coreanos a la Isla Acorazado vuelve mucho más clara la conciencia de la película. Nam Dong-chul

There’s an island called Battleship Island, where many Koreans were forcibly drafted into serving the Japanese imperial army and mining coal, where they were treated miserably. Director Ryoo Seung-wan cinematized the island’s tragic history, with parallels to Bong Joon-ho’s conceptual critique in Snowpiercer. Just as leaders in the tail carriage must cooperate with the head carriage to make the train roll onwards, Korean collaborators are essential in Battleship Island’s mines. The film seriously brings up the pro-Japanese issue, a stain in the history of modern Korea. Controversies rose in Korea at the time of the release, prompting a director’s cut that is 19 minutes longer and includes a noticeable scene in which the pro-Japanese are eradicated. The segment in which Mu-young executes a traitor who sold Koreans out to Battleship Island makes the consciousness of this film much more clear. NDC

Ryoo Seung-wan Nació en 1973 en Onyang, Corea del Sur. Es director y guionista y uno de los cineastas surcoreanos más exitosos actualmente, con films como Veteran (2015), The Berline File (2013) y The City of Violence (2006). Su primer largometraje, Die Bad (2000), se proyecta en esta misma sección del Festival. Eng He was born in 1973 in Onyang, South Korea. He is a director and writer. He started his career with Die Bad in 2000 and became one of the most successful current Korean directors, with films like Veteran (2015), The Berline File (2013) and The City of Violence (2006). His first film Die Bad (2000) is also programmed in this section of the Festival.

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 132’ / DCP / Color / Coreano - Korean D: Ryoo Seung-wan M: Adam Klemens P: Cho Sung-min CP: Filmmaker R & K I: Hwang Jung-min, So Ji-sub, Song Joong-ki, Lee Jung-hyun, Kim Su-an

Contacto/Contact CJ E&M Film Division l CJ Entertainment T +82 2371 8470 E eunji.kim3@cj.net

FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS I NVITADO DE HONOR — FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

The Villainess La villana Cuando la nueva ola de cine coreano hizo su aparición allá por el año 2000, fue en su mayoría con películas que trabajaban sobre los géneros cinematográficos, en muchos casos pervirtiéndolos y dotándolos de un vitalidad extinguida en otras partes del planeta. The Villainess parece querer recuperar ese espíritu y, a la vez, lograr ser la película de acción más grande de los últimos tiempos. Es casi un resumen y a la vez muestrario de todas las posibilidades de este tipo de cine. Para seguir siéndole fiel a una tradición, la historia que cuenta es la de una venganza. Nuestra protagonista, la villana del título, fue entrenada para matar. El gobierno, para quien terminará trabajando, le promete que, luego de unos años de servicio, podrá seguir con su vida pero, obviamente, las cosas se complicarán. En su tercera película como director, Jung Byung-gil logra mezclar la acción, los tiros y las patadas con el melodrama más desatado, y a la vez crear un personaje inolvidable. Incluso en el cine de acción, el futuro es mujer. Marcelo Alderete

When the new wave of Korean film made its appearance back in the year 2000, it was mostly with films that worked on genre, in many cases perverting them and providing them with a vitality that was extinct in other parts of the planet. The Villainess seems to want to gain back that spirit and, and the same time, become the biggest action movie of the last few years. It is almost a summary, as well as a collection of samples, of all the possibilities of this type of films. In order to continue being faithful to a tradition, the story it tells is that of a revenge. Our main character, the villainess of the title, was trained to kill. The government, for which she will end up working, promises with her life, but of course things will get complicated. In his third film as a director, Jung Byung-gil manages to mix action, shootouts and kicks with the wildest of melodramas and, at the same time, create an unforgettable character. Even in action cinema, the future is woman. MA

Jung Byung-gil Nació en 1980 en Corea del Sur. Es guionista y director de cine. Realizó el documental Woo-ri aeksyeon-bae-woo-da (2008) y el largometraje de ficción Confesiones de un asesino (2012). Eng Born in South Korea in 1980, he is a film writer and director. He made the documentary Woo-ri aek-syeonbae-woo-da (2008) and the narrative feature Confessions of Murder (2012).

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 123’ / DCP / Color / Coreano - Korean D: Jung Byung-gil G: Jung Byeong-sik, Jung Byung-gil F: Park Jung-hun E: Heo Sun-mi M: Koo Ja-wan P: Moon Young-hwa I: Kim Ok-vin, Shin Ha-kyun, Sung June, Kim Seo-hyung, Cho Eun-ji

Contacto/Contact Energía Distribución T +54 11 4821 2044 E marketing@ energiaentusiasta.com W energiaentusiasta.com

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Clásicos Restaurados CINAIN

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Restored Classics - CINAIN

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Camila Pizza, birra, faso Los guantes mágicos Lucía All That Jazz Blow-Up

CLÁSICOS RESTAURADOS - CINAIN — RESTORED CLASSICS - CINAIN

All That Jazz “Son los excesos los que convierten a All That Jazz en

“It’s the excesses that make All That Jazz as appealing as it

algo tan atractivo, un poco a la manera en que el increíble ensimismamiento de Joe Gideon fascina a quienes lo rodean. Lo ven como aquello que deberán soportar para acercarse al encanto y el talento que vienen con ello. Tomamos la extravagancia de All That Jazz no como la indiscreción de un artista, sino más bien como la naturaleza fundamental de la empresa. Luego de haber llevado a cabo las versiones cinematográficas de sueños ajenos (Cabaret y Lenny), aquí el Sr. Fosse lleva a cabo las de los suyos”. Vincent Canby (Extracto de crítica publicada en The New York Times, 20 de diciembre de 1979) Una presentación de Park Circus. Restauración en 4K realizada por Twentieth Century Fox y Academy Film Archive en colaboración con The Film Foundation. Restauración a partir del negativo de cámara original, realizado en Sony Colorworks en Culver City, California.

is, in much the way that Joe Gideon's incredible self-absorption fascinates the people around him. They see it as what they have to put up with to associate with the charm and talent that go All That Jazz not as an artist’s indiscretion but as the fundamental nature of the enterprise. dreams (Cabaret and Lenny), Mr. Fosse is here attending to his own.” VC (Extract from the review published in The New York Times, September 20th, 1979) A presentation by Park Circus. 4K restoration by Twentieth Century Fox and the Academy Film Archive in collaboration with the Film Doundation. Restoration from the original camera negative, made by Sony Colorworks in Culver City, California.

Bob Fosse

Nació en Chicago en 1927. Arrancó su carrera como bailarín en teatro y cine. Dirigió Sweet Charity (1969), Cabaret (1972), Lenny (1974) y Star 80 (1983). Ganador de numerosos premios internacionales, entre ellos el Oscar a Mejor Director por Cabaret. Murió en 1987. Eng Born in Chicago in 1927, he started his career as a dancer in theater and film. He directed Sweet Charity (1969), Cabaret (1972), Lenny (1974) and Star 80 (1983). Winner of many international awards, including the Best Director Oscar for Cabaret. He died in 1987.

Estados Unidos - USA, 1979 / 123’ / DCP / Color / Inglés - English D: Bob Fosse G: Bob Fosse, Robert Alan Aurthur F: Giuseppe Rotunno E: Alan Heim DA: Philip Rosenberg S: Stan Bochner, Jay Dranch, Bernard Hajdenberg, Sanford Rackow M: Ralph Burns P: Robert Alan Aurthur CP: Columbia Pictures Corporation, Twentieth Century Fox Film Corporation I: John Lithgow, Wallace Shawn

Contacto/Contact Park Circus Films Graham Fulton T +44 0 141 332 2175 E graham@parkcircus.com W parkcircus.com @ParkCircusFilms /parkcircusfilms

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Pizza, birra, faso Los ecos del impacto provocado por la primera película de Adrián Caetano y Bruno Stagnaro todavía resuenan. Como sus personajes, Pizza, birra, faso tomó al cine argentino por asalto, llenando un espacio y ocupando un lugar que se venía preparando. Punta de lanza del llamado Nuevo Cine Argentino, se convirtió en el film insignia de una manera de entender y hacer cine, contraponiéndose a los vicios y tics que la producción local venía repitiendo sin recapacitar. A veinte años de su estreno –justo en el momento que eligió Stagnaro para presentar su aplaudida serie Un gallo para Esculapio–, Pizza, birra, faso sigue siendo un título clave y una de las razones fundamentales por las cuales el cine argentino ya no pudo mirar más para otro lado. Una presentación de CINAIN – Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional. Restauración realizada por el Plan Recuperar DAC/Gotika en Buenos Aires. Con la supervisión de Bruno Stagnaro, Adrián Caetano y Marcelo Lavintman.

The echoes of the impact caused by the first film by Adrián Caetano and Bruno Stagnaro still resound. Like their film’s characters, Pizza, birra, faso took Argentine film by storm, filling an empty space and occupying a plot that was being prepared. Spearhead of the so-called New Argentine Cinema, it became the emblem of a way of understanding and making films, in opposition to the vices and clichés that local productions repeated without reconsidering. Twenty years after its release -right at the moment when Stagnaro chose to present his acclaimed series Un gallo para esculapio- Pizza, birra, faso is still a key title and one of the main reasons Argentine cinema could no longer look the other way. A presentation by CINAIN -Cinematheque and Archive of National Image. Restoration performed by Plan Recuperar DAC/Gotika in Buenos Aires, under the supervision of Bruno Stagnaro, Adrián Caetano and Marcelo Lavintman.

Israel Adrián Caetano & Bruno Stagnaro Adrián nació en Montevideo en 1969. Dirigió, entre otras Un oso rojo (2002), Francia (2009, proyectada en el 24º Festival) y El otro hermano (2017). Bruno nació en Buenos Aires en 1973. Dirigió las series Okupas y Vientos de agua, y recientemente estrenó su nueva serie Un gallo para Esculapio. Eng Adrián was born in Montevideo in 1969. He directed, among others, Red Bear (2002), France (2009, 24th Festival) and The Lost Brother. Bruno was born in Buenos Aires in 1973. He directed the TV series Okupas, Vientos de agua, and recently premiered his latest show Un gallo para Esculapio.

Argentina, 1998 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Israel Adrián Caetano, Bruno Stagnaro F: Marcelo Lavintman E: Andrés Tambornino DA: Sebastián Rosés S: Martín Grignaschi M: Leo Sujatovich P: Bruno Stagnaro CP: Palo y a la Bolsa Cine I: Héctor Anglada, Jorge Sesán, Pamela Jordán, Alejandro Pous, Walter Díaz, Adrián Yospe

Contacto/Contact Boga Bogagna Alicia Garcias T +54 11 4524 0907 +54 9 11 3659 9751 E info@bogabogagna.com alicia@bogabogagna.com W bogabogagna.com @bbogagna bogabogagna

CLÁSICOS RESTAURADOS - CINAIN — RESTORED CLASSICS - CINAIN

Los guantes mágicos Tha Magic Gloves Rejtman lleva aún más lejos su personal estética, que

Rejtman takes his personal aesthetic, which combines a

combina una enorme cantidad de acontecimientos contados con un mínimo de movimientos de cámara y gestos, y una gran cantidad de diálogos (monólogos sucesivos, habría que decir) que ocultan mucho más de lo que dicen. Es un estilo tan personal como inimitable que se despega también de casi todo el Nuevo Cine Argentino. Los guantes mágicos demuestra que se puede combinar precisión narrativa con humanidad y ternura, profundidad conceptual con liviandad anecdótica, y entregar una serie de trabajos actorales impecables alejados en todo momento del lucimiento personal. Diego Lerer Una presentación del Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken con apoyo de Mecenazgo Cultural. Restauración realizada en Cinecolor Argentina (Buenos Aires). Con la producción ejecutiva de Constanza Sanz Palacios y Paula Félix-Didier.

great amount of events told with a minimum of camera moves and gestures and a maximum amount of dialog (successive monologues, we should say) that hide much more than they reveal. It is a style as personal as it is inimitable, and detached from almost all of the New Argentine Cinema. The Magic Gloves proves that you can combine narrative precision with humanity and tenderness, conceptual deepness with anecdotic lightness, personal ostentation. DL A presentation by the Pablo C. Ducrós Hicken Film Museum with the support of Mecenazgo Cultural. Restoration performed by Cinecolor Argentina (Buenos Aires). With executive production by Constanza Sanz Palacios and Paula Félix-Didier.

Martín Rejtman Nació en Buenos Aires en 1961 y estudió cine en la Universidad de Nueva York. Dirigió, entre otras, Rapado (1992), Silvia Prieto (1999), Copacabana (2006) y Dos disparos (2014). Sus películas han realizado un largo recorrido internacional. Como escritor publicó varios libros, incluido Literatura y otros cuentos. Eng He was born in Buenos Aires in 1961 and studied film at NYU. His films include Cropped Head (1992), Silvia Prieto (1999), Copacabana (2006) and Two Shots Fired (2014). His films have been shown widely around the world. As a writer, he has published many books, including Literatura y otros cuentos.

Argentina, 2003 / 90’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Martín Rejtman F: José Luis García E: Rosario Suárez DA: Daniela Podcaminsky S: Guido Beremblun M: Diego Vainer, Vicentico P: Martín Rejtman, Hernán Masaluppi CP: Rizoma Films I: Gabriel Fernández Capello (Vicentico), Valeria Bertuccelli, Fabián Arenillas, Susana Pampín, Cecilia Biagini, Diego Olivera, Leonardo Azamor

Contacto/Contact Rizoma Films Hernán Musaluppi T +54 11 4556 1519 E info@rizomafilms.com.ar W rizomafilms.com.ar

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Lucía El primer largometraje de Humberto Solás es un recorrido épico a través de tres episodios claves de la historia cubana (la guerra de independencia en 1895, la lucha contra el dictador Machado en 1933 y los comienzos de la Revolución Cubana), narradas desde la acción de tres mujeres de clases sociales distintas y el mismo nombre. La película aborda tanto el contexto histórico y político de cada suceso como el rol fundamental de la mujer en estos procesos transformadores, y las actitudes y nociones patriarcales a las que se enfrentaron. Presentada por la Film Foundation, está restaurada por la Cineteca di Bologna en el laboratorio L’Immagine Ritrovata, en colaboración con el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), y con el financiamiento de Turner Classic Movies y The Film Foundation’s World Cinema Project.

The first feature film by Humberto Solas is an epic tour through three key episodes in Cuban history (the 1895 Cuban War of Independence, the 1933 struggle against the dictator, Machado, and the beginnings of the Cuban Revolution), narrated through the actions of three women of different social class, but who share the same name. The film takes on the historic and political context of each event as well as the fundamental role of women in these transformative processes, and the patriarchal attitudes and notions that they had to confront. Presented by the Film Foundation, the film was restored by Cineteca di Bologna at the L’Immagine Ritrovata laboratory, in collaboration with the Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), and with the financing of Turner Classic Movies and The Film Foundation’s World Cinema Project.

Humberto Solás Nació en 1941 en La Habana. A los 18 años realizó el cortometraje La huida (1959), al que siguieron varios cortos y largometrajes de reconocimiento internacional, como Lucía (1968) y El siglo de las luces (1992). Participó como jurado del 16º Festival, y su película Miel para Oshún (2001) se proyectó en la 17º edición. Murió en 2008. Eng Born in Havana in 1941, at 18, he made the short film La huida (1959), which was followed by a number of internationally-acclaimed shorts and features, including Lucía (1968) and Le siècle des lumières (1992). He was a member of the jury at the 16th Mar del Plata Film Festival, and his film Honey for Oshun (2001) was screened at the 17th edition. He died in 2008.

Cuba, 1968 / 160’ / DCP / B&N / Español - Spanish D: Humberto Solás G: Julio García Espinosa, Nelson Rodríguez, Humberto Solás F: Jorge Herrero E: Nelson Rodríguez DA: S: Eugenio Vesa Figueras, Ricardo Istueta, Carlos Fernández M: Leo Brouwer, Joseíto Fernández P: Raúl Canosa, Camilo Vives CP: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC) I: Raquel Revuelta, Eslinda Núñez, Adela Legrá, Eduardo Moure, Ramón Brito, Adolfo Llauradó

Contacto/Contact Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC) T +537 838 2859 E presidenciaicaic@icaic.cu W cubacine.cu

CLÁSICOS RESTAURADOS - CINAIN — RESTORED CLASSICS - CINAIN

All That Jazz “Son los excesos los que convierten a All That Jazz en

“It’s the excesses that make All That Jazz as appealing as it

Bob Fosse

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Blow-Up Blow-Up es la historia de un día en la vida de un fotógrafo, y

Blow-Up is the story of a day in the life of a photographer

lo que descubre a lo largo de ese día. En el parque, toma fotos de dos personas y, más tarde, examinando las fotografías, descubre algo que se le había escapado antes. Un elemento de realidad que parece real y que, de hecho, lo es. Sin embargo, la realidad contiene una dosis de libertad difícil de explicar. Al final del día, el fotógrafo ha descubierto varias cosas, como jugar con una bola imaginaria, lo cual no está mal como resultado, al fin y al cabo. Blow-Up es quizás como el zen: cuando uno intenta explicarla, acaba por traicionarla. Michelangelo Antonioni Una presentación de Criterion, Cineteca di Bologna e Istituto Luce-Cinecittà, en colaboración con Warner Bros. y Park Circus. Restauración realizada en Criterion (Nueva York) y en L’Immagine Ritrovata (Bolonia) bajo la supervisión del director de fotografía Luca Bigazzi.

and what he experiences during that day. At the park, he takes pictures of two people and later on, examining the photographs, he discovers something he had failed to see. An element of reality that appears real and, as a matter of fact, is. However, reality has a quality of freedom about it that is hard to explain. By the end of the day the photographer has learnt a few things, like playing with an imaginary ball, which is not too bad of a result, after all. Blow-Up is, perhaps, like Zen: the moment you explain it, you betray it. MA A presentation by Criterion, Cineteca di Bologna and Istituto Luce-Cinecittà, in collaboration with Warner Bros. and Park Circus. Restoration performed at Criterion (New York) and L’Immagine Ritrovata (Bologna) under the supervision of cinematographer Luca Bigazzi.

Michelangelo Antonioni Nació en Ferrara, Italia, en 1912. Estudió Economía en la Universidad de Bologna y comenzó su carrera trabajando como periodista de cine. Dirigió, entre otras, El eclipse (1962), El pasajero (1975) e Identificación de una mujer (1982). Murió en 2007. Eng Born in Ferrara, Italy, in 1912, he studied economics at the Univeristy of Bologna and started his career working as a film journalist. He directed L’eclisse (1962), The Passenger (1975) and Identification of a Woman (1982), among other films. He died in 2007.

Reino Unido / Italia / Estados Unidos - UK / Italy / USA, 1966 111’ / DCP / Color / Inglés - English D: Michelangelo Antonioni G: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni, Edward Bond F: Carlo Di Palma E: Frank Clarke DA: Asshenton Gorton S: Robin Gregory, Mike Le Mare M: Herbert Hancock P: Carlo Ponti, Pierre Rouve CP: Bridge Films, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Carlo Ponti Production I: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles, Jane Birkin

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Generación VHS — Generation VHS

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Doble de cuerpo Donnie Darko Reencuentro Robocop Twin Peaks: Fuego camina conmigo

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focos y retrospectivas Generación VHS — focus and retrospectives generation vhs

Doble de cuerpo Body Double En 1984, Brian de Palma ya tenía media docena de obras maestras en su bolsillo. Y todavía se guardaba una última, la más extrema de sus películas de los años 80. Doble de cuerpo es el último acto de amor a su mayor referencia y maestro, Alfred Hitchcock. Reelaborando los temas y las formas de La ventana indiscreta y Vértigo, cuenta la historia de obsesión de un voyeurista accidental que es testigo de un asesinato y queda inmerso en una trama laberíntica de ribetes terroríficos. Las ideas visuales del director de Carrie (sus clásicos planos secuencia, los travellings circulares, el uso del color) llegan aquí a lugares nuevos, recargando sus elementos y convirtiendo al cine en un arte de la exageración y el artificio. Maltratada en el momento de su estreno, Doble de cuerpo ocupa hoy un lugar de distinción, ahí donde se guardan los hallazgos de mayor extrañeza y misterio.

In 1984, Brian de Palma already had half a dozen masterworks under his belt. And he was still holding on to one more, the most extreme of his films from the 1980s. Body Double is the final act of love to his greatest reference and teacher, Alfred Hitchcock. Reworking the themes and forms of Rear Window and Vertigo, he tells a story of the obsession of an accidental voyeur who is witness to a murder and ends up immersed in a labyrinthine plot of terrifying tones. The visual ideas of the director of Carrie (his classic panning sequence, the circular traveling shots, the use of color) reach new places here, recharging their elements and transforming the cinema into an art of exaggeration and artifice. Mistreated at the time of its premiere, today Body Double holds a place of distinction alongside the strangest and most mysterious of revelations.

Brian De Palma Nació en Nueva Jersey, Estados Unidos, en 1940. Como director de cine fue parte clave del llamado Nuevo Hollywood en los años 70. Algunos títulos de su extensa filmografía son El fantasma del paraíso (1974), Carrie (1976), Vestida para matar (1980) y Misión imposible (1996). Eng Born in New Jersey in the United States, in 1940, as a filmmaker he was a key part of the New Hollywood Era in the 1970s. Some titles from his extensive filmography: The Phantom of Paradise (1974), Carrie (1976), Dressed to Kill (1980) and Mission Impossible (1996).

Estados Unidos - USA, 1985 / 114’ / DCP / Color / Inglés - English D: Brian De Palma G: Robert J. Avrech, Brian De Palma F: Stephen H. Burum E: Gerald B. Greenberg, Bill Pankow DA: Ida Random S: John H. Arrufat, David A. Whittaker M: Pino Donaggio P: Brian De Palma, Howard Gottfried CP: Columbia Pictures Corporation, Delphi II Productions I: Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Guy Boyd

Contacto/Contact Park Circus Films Graham Fulton T +44 0 141 332 2175 E graham@parkcircus.com W parkcircus.com @ParkCircusFilms /parkcircusfilms park.circus.films

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Donnie Darko Si tratamos de recordar cuál fue la última Gran Película de Culto, de esas que cambian vidas, crean “sanas” obsesiones y se transforman en verdaderos hitos, Donnie Darko se lleva todos los números. Un rápido repaso: premisa intrincada y apasionante (a Donnie lo visita un amigo ¿imaginario? que le anuncia el fin del mundo en 28 días), cosmogonía propia rica en detalles y posibilidades (determinismo filosófico, viajes en el tiempo, etc.), frases citables (“¡A veces dudo sobre tu compromiso con Sparkle Motion!”), elenco ecléctico y efectista (Drew Barrymore, Patrick Swayze) y una banda sonora inolvidable (Echo and the Bunnymen, Duran Duran, y tantos más). Pero lo que termina de ubicar a esta oda a la angustia adolescente en el panteón de las mejores midnight movies, o películas de medianoche, es cómo un guionista y director de 26 años entiende que la pasión debe ser el centro de todas las cosas.

If we try to remember the last Big Cult Movie, those that change lives, create “healthy” obsessions and become true landmarks, Donnie Darko is the obvious choice. A quick glance back: intricate, fascinating premise (Donnie is visited by an imaginary friend -or is he?- who announces that the end of the world will be coming in 28 days), its own cosmogony filled with details and possibilities (philosophical determinism, time travel, et cetera), great quotes (“Sometimes I doubt your commitment to Sparkle Motion!”), an eclectic, gimmicky cast (Drew Barrymore, Patrick Swayze), and an unforgettable soundtrack (Echo and the Bunnymen, Duran Duran and many others). But what ends up placing this ode to teenage angst in the pantheon of the best midnight movies is how a 26-year-old writer-director understands that passion must be at the center of all things.

Richard Kelly Nació en 1978 en Virginia, Estados Unidos. Es director de cine y guionista. Su debut, Donnie Darko, se convirtió en película de culto de manera instantánea. Luego dirigió Southland Tales (2006) y The Box (2009). Eng Born in Virginia, U.S., in 1978, he is a director and script writer. His debut film Donnie Darko, became an immediate cult film. Later on he directed Southland Tales (2006) and The Box (2009).

Estados Unidos - USA, 2001 / 113’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Richard Kelly F: Steven Poster E: Sam Bauer, Eric Strand DA: Alec Hammond S: David Esparza M: Michael Andrews P: Adam Fields, Nancy Juvonen, Sean McKittrick CP: Pandora Cinema, Flower Films, Adam Fields Productions I: Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Mary McDonnell, Holmes Osborne, Maggie Gyllenhaal, Daveigh Chase

Contacto/Contact Lakeshore Entertainment Chris Gray T +1 310 867 8028 E cgray@lakeshore entertainment.com W lakeshore entertainment.com archive.hi-res.net/ donniedarko

focos y retrospectivas Generación VHS — focus and retrospectives generation vhs

Reencuentro The Big Chill Primero, contexto. Lawrence Kasdan venía de coguionar algunos éxitos, como Indiana Jones y los cazadores del Arca perdida o El imperio contraataca y El regreso del Jedi, además de escribir y dirigir su ópera prima, Cuerpos ardientes. Currículum tenía. El elenco de Reencuentro, insuperable: Tom Berenger, Glenn Close, Jeff Goldblum, William Hurt, Kevin Kline, Mary Kay Place, Meg Tilly y JoBeth Williams. La propuesta: hacer una comedia coral, construida básicamente en una sola locación, que sirviera como fresco de época. Así nació este megahit generacional ambientado en los años 80. Parte sátira social, parte reflejo fiel de una dura transición (de hippies de los 60 a neo-yuppies), esta cálida comedia dramática asume al aburguesamiento como una de las etapas necesarias para crecer y, a la vez, como algo contra lo cual rebelarse. Una verdadera celebración.

First, some context. Lawrence Kasdan had just co-scripted some blockbusters, such as Raiders of the Lost Ark or The Empire Strikes Back and Return of the Jedi, apart from having written and directed his first feature, Body Heat. He had quite a resume. The cast of The Big Chill was unbeatable: Tom Berenger, Glenn Close, Jeff Goldblum, William Hurt, Kevin Kline, Mary Kay Place, Meg Tilly and JoBeth Williams. The challenge: making an ensemble comedy, built basically in a single location, that would work as portrait of the time. That is how this generational megahit from the ‘80s was born. Part social satire, part faithful reflection of a tough transition (from ‘60s’ hippies to neo-yuppies), this warm comedy-drama accepts gentrification as one of the stages necessary for growing up and, at the same time, as something to rebel against. A true celebration.

Lawrence Kasdan Nació en 1949 en Miami, Estados Unidos. Antes de Cuerpos ardientes (1981), su debut como realizador, se volvió una celebridad por su guion de El imperio contraataca (1980). También dirigió Silverado (1985), Wyatt Earp (1994) y Mumford (1999), entre otras. Eng Born in 1949 in Miami, before making Body Heat (1981), his debut film as a director, he had already become a celebrity for his script for Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back (1980). He also directed Silverado (1985), Wyatt Earp (1994) and Mumford (1999), among others.

Estados Unidos - USA, 1983 / 105’ / DCP / Color / Inglés - English D: Lawrence Kasdan G: Lawrence Kasdan, Barbara Benedek F: John Bailey E: Carol Littleton DA: Ida Random S: Dennis Drummond, Patrick Drummond, Robert Grieve M: Meg Kasdan, Mike Deasy P: Lawrence Kasdan, Marcia Nasatir, Barrie M. Osborne, Michael Shamberg CP: Columbia Pictures Corporation, Carson Productions, Columbia-Delphi I: Tom Berenger, Glenn Close, Jeff Goldblum, William Hurt, Kevin Kline

Contacto/Contact Park Circus Films Graham Fulton T +44 0 141 332 2175 E graham@parkcircus.com W parkcircus.com @ParkCircusFilms /parkcircusfilms park.circus.films

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Robocop Treinta años se cumplen desde la aparición de la primera

It’s the 30th anniversary of the release of the first film

película que el holandés Paul Verhoeven hizo en el seno de Hollywood, una crítica bestial al american way of life al que miraba azorado, en la forma de un policial ultraviolento. Lo curioso es que pocos films consiguen ajustarse a una mirada actual de la manera en que lo hace Robocop: la historia sobre una ciudad de Detroit distópica, en un país dominado por las corporaciones y la tecnología y donde la policía está privatizada, transforma hoy lo que fue sátira en una fábula visionaria, con una crudeza sin miramientos. El tiempo también convirtió al Alex Murphy mutante de Peter Weller en ícono cyberpunk (y hasta en símbolo religioso: crucificado y vuelto a la vida), y a su historia de venganza futurista en un objeto extraño de humor corrosivo y del pop más brutal.

Dutch director Paul Verhoeven made in Hollywood, a brutal critique of the American way of life he looked at in amazement, in the form of an ultraviolent cop movie. What’s curious is that few films manage to adjust to a current viewpoint the way Robocop does -the story of a dystopian Detroit in a country dominated by corporations and technology where the police force is privatized, turns what used to be a satire into a visionary fable, with some unceremonious rawness. Time also turned Peter Weller’s mutant Alex Murphy into a cyberpunk icon (and even a religious symbol: crucified and returned to life), and his futuristic story of revenge into an object of strange corrosive humor and brutal pop.

Paul Verhoeven Nació en 1938 en Ámsterdam. Se graduó en matemáticas y física antes de unirse a la Armada, donde empezó a rodar sus primeros documentales. Dentro de su extensa filmografía como director se destacan Delicias turcas (1973), El cuarto hombre (1983), El vengador del futuro (1990) y Bajos instintos (1992). Eng Born in Amsterdam in 1938, he received his degree in mathematics and physics before joining the navy, where he filmed his first documentary films. Some highlights from his extensive filmography as a director include Turkish Delight (1973), The Fourth Man (1983), Total Recall (1990) and Basic Instinct (1992).

Estados Unidos - USA, 1987 / 102’ / DCP / Color / Inglés - English D: Paul Verhoeven G: Edward Neumeier, Michael Miner F: Jost Vacano, Sol Negrin E: Frank J. Urioste DA: John Marshall, Gayle Simon, William Sandell S: Steve Bartlett, Michael J. Benavente P: Jon Davison, Stephen Lim, Edward Neumeier, Arne Schmidt, Phil Tippett CP: Orion Pictures I: Peter Weller, Nancy Allen, Dan O'Herlihy, Ronny Cox, Kurtwood Smith

Contacto/Contact Park Circus Films Graham Fulton T +44 0 141 332 2175 E graham@parkcircus.com W parkcircus.com @ParkCircusFilms /parkcircusfilms park.circus.films

focos y retrospectivas Generación VHS — focus and retrospectives generation vhs

Twin Peaks: Fuego camina conmigo Twin Peaks: Fire Walk with Me Tras su tercera temporada –o The Return–, este fue el año de Twin Peaks. Su vuelta no podría haber sido más contundente, ni en resonancia ni en vuelo artístico. La dupla Lynch/Frost logró expandir los límites de los formatos (¿serie televisiva / largometraje secuenciado / videoarte en entregas / flujo de conciencia con estructura?) mientras ampliaban el universo que habían construido hasta extremos insospechados. Pero si en algo hicieron hincapié los flamantes 18 episodios fue en la importancia extrema de este largometraje, al que transformaron más en credo que en canon. Aquí estamos prácticamente en otra Twin Peaks que detalla los eventos previos a la serie inicial, y en la que el tono zumbón queda de lado para dar lugar a lo que bien podría ser una de las películas más terroríficas de todos los tiempos. Es muy recomendable haber visto previamente las dos primeras temporadas. Y dejarse llevar. Todo un evento. Pablo Conde

With its third season –or The Return-, this was the year of Twin Peaks. Its return couldn’t have been more powerful, both for its repercussions and its quality. The Lynch/Frost duo managed to expand the limits of formats (TV series / sequenced featurefilm / video art in installments / flow of consciousness with structure?) while broadening the universe they had built to unsuspected extremes. However, if there was something these eighteen new episodes highlighted, it was the great importance of this film, which they turned into more of a creed than a canon. Here we are in practically another Twin Peaks that details the events prior to the initial series, and in which the humorous tone is left aside in order to prompt what could be one of the most terrifying films of all time. It works much better if you’ve seen the first two seasons. And then you have to let yourself be carried along. It’s quite an event. PC

David Lynch Nació en 1946 en Montana, Estados Unidos. Es director de cine, guionista, actor, músico y productor. Dirigió Cabeza borradora (1977), Terciopelo azul (1986), Carretera perdida (1997) y Mulholland Drive (2001), entre otros films, además de la serie Twin Peaks. Eng Born in Montana, U.S., in 1946, he is a director, script writer, actor, musician and producer. He directed Eraserhead (1977), Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) and Mulholland Drive (2001), among other films, as well as the series Twin Peaks.

Estados Unidos / Francia - USA / France, 1992 / 135’ / DCP / Color / Inglés - English D: David Lynch G: David Lynch, Robert Engels, Mark Frost F: Ronald Víctor García E: Mary Sweeney DA: Patricia Norris S: Clare C. Freeman P: Gregg Fienberg, Mark Frost, Tim Harbert, David Lynch, Johanna Ray, John Wentworth, Francis Bouygues CP: New Line Cinema, CiBy 2000, Twin Peaks Productions I: Sheryl Lee, Ray Wise, Mädchen Amick, Dana Ashbrook, Phoebe Augustine, David Bowie

Contacto/Contact mk2 Films Marie Tarascon T +33 144 673 256 E intlfest@mk2.com W mk2films.com /mk2films

Homenajes — Tributes Alberto Sordi 358 359 360 361

Cuentos de verano Il vedovo Los complejos Detenuto in attessa di giudizio

mardelplataﬁlmfest.com

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Disculpen, voy a ser breve, es que está por comenzar una película de Sordi y no me la quiero perder, aunque ya la he visto por lo menos media docena de veces. Por identificación, ADN o presencia de una gran colonia de inmigrantes, el cine italiano impactó mucho en estas pampas. Entre todos esos rostros inolvidables, el de Alberto Sordi llegó a un público que lo reconoció como propio en su desfachatez, chamuyo y personajes. Era alguien con recursos para conseguir algo que de otro modo, sea pinta, posición social o dinero, no podría obtener nunca. Un tipo capaz de transmitir ironía, pero también cierta credulidad y la posibilidad de cambiar de la risa a la lágrima. Sus ojos lo ayudaban. Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, con sus respectivos personajes, mostraron otros perfiles afines a nuestro público, pero que me disculpen: Sordi fue el preferido por nosotros. Cuando fue figura e invitado principal en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, su máscara agigantada ocupó las portadas de las revistas de actualidad. Sordi es un nombre que uno ha escuchado nombrar durante los últimos 60 años que ha concurrido al cine. Sordi no defraudaba, emocionaba tanto con la risa como agobiaba por el humor ácido. Lo vimos en muchas películas. Alrededor de cien. Verlo manejar un taxi con Fellini de pasajero, riéndose de sí mismo y de la vida, nos reforzó la ilusión de encontrarlo en cualquier esquina. Este año se cumple el octogésimo de su debut cinematográfico. Fue homenajeado en festivales de distintas partes del mundo, y hoy nos toca a nosotros encontrarnos varias veces con él, para gozar de su mímica, su estilo, su voz y su desparpajo. Cuando supimos que se había ido, sentimos que se había muerto un amigo, uno de esos que uno tiene desde joven y, aunque no lo haya visto nunca, lo quiere y lo admira. Su viaje eterno fue en 2003. Hace 14 años que no lo tenemos. Se nota.

Forgive me, I will have to brief. It is just that a film with

José Martínez Suárez

JMS

Contacto/Contact Istituto Italiano di Cultura di Buenos Aires T +54 11 5252 6800 E iicbuenosaires@esteri.it

Sordi is about to start and I don’t want to miss it, even though I have already seen it at least half a dozen times. Maybe because people identify with him, or maybe it is our DNA, or maybe presence of a large number of Italian immigrants, but Italian cinema has had a great impact in these pampas. Among all those unforgettable faces, that of Alberto Sordi reached a public that recognized it as their own in its audacity, shiftiness and characterizations. Someone capable of getting something –whether style, social position or money– that he could never obtain by other means. Someone capable of transmitting irony, but also a certain gullibility and the possibility of shifting from laughter to tears. His eyes helped. Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, with their respective characters, revealed other profiles attuned to our public, but forgive me: Sordi was our favorite. When he was the main guest at the Mar del Plata International Film Festival, his enormous face occupied the covers of the magazines of the moment. Sordi is a name that one has heard named over the 60 years that was part of the cinema. Sordi never failed us; he moved us as much with laughter as he overwhelmed us with his biting humor. We saw him in many films. About a hundred. Seeing him driving a taxi with Fellini as his passenger, laughing at himself and at life, reinforced our illusion that we could find him on any street corner. This year is the eightieth anniversary of his debut in the cinema. He has been honored in festivals all over the world, and today it is our turn to reunite with him, to enjoy his mimicry, his style, his voice and his self-confidence. When we heard he was gone, we felt as if a friend had died, one of those friends that one has had since youth and, though I never met the man, I love and admire him. His voyage to eternity began in 2003. 14 years that we have not had him with us. We can feel it.

homenajes alberto sordi — tributes alberto sordi

Cuentos de verano Racconti d’estate / Love on the Riviera Esta coproducción franco-italiana reunió a varias figuras

This French-Italian coproduction gathered many popular

populares de la época en distintos períodos de sus carreras, con Sordi en la plenitud del personaje arquetípico en la comedia a la italiana, mientras Michèle Morgan se encontraba en la cumbre de su etapa europea, y un joven Marcello Mastroianni estaba a las puertas de dos de sus papeles más reconocidos (en 1960 protagonizaría La dolce vita, de Federico Fellini, y un año después La noche, de Michelangelo Antonioni). Entre las impactantes postales del golfo de Tigullio, se desarrollan varias historias entre personas que persiguen el vértigo de un romance y la comodidad de un buen pasar económico, o la suma de esas posibilidades. Los conflictos en cuestión y el lucimiento de cada intérprete lograron equilibrarse correctamente gracias al trabajo colectivo en el guion, sobre el argumento de Alberto Moravia.

figures of the time in different periods of their careers, with Sordi in the prime of his archetypical Italian-style comedy character, while Michèle Morgan was at the peak of her European period, and a young Marcello Mastroianni was at the about to take on two of his most highly-regarded roles (in 1960, he would star in Federico Fellini’s La dolve vita, and one year later, in Michelangelo Antonioni’s La Notte). Among striking images of the Tigullio Gulf, many stories unfold between people chasing after the vertigo of a romance and the comfort of living well, or the sum of those possibilities. The conflicts at hand and the brilliance of each performer managed to balance correctly thanks to the collective work of screenwriting, from a story by Alberto Moravia.

Gianni Franciolini Nació en Florencia en 1929. Estudió Periodismo en Francia, donde comenzó su carrera y dirigió el documental Vérité sur l’Italie (1938). Dirigió un total de 19 películas, la mayoría comedias neorrealistas. Racconti d’estate es su anteúltimo film. Murió en 1960. Eng Born in Florence in 1929, he studied journalism in France, where he started his career and directed the documentary Vérite sur l’Italie (1938). He directed a total of nineteen films, most of them neorealist comedies. Girls for the Summer is his penultimate film. He died in 1960.

Italia / Francia - Italy / France, 1958 / 109’ / DCP / Color / Italiano - Italian D: Gianni Franciolini G: Sergio Amidei, Edoardo Anton, René Barjavel, Ennio Flaiano, Gianni Franciolini, Alberto Moravia, Alberto Moravia, Rodolfo Sonego, Alberto Sordi F: Enzo Serafin E: Adriana Novelli DA: Giorgio Giovannini S: Mario Amari, Rocco Roy Mangano M: Piero Piccioni P: Mario Cecchi Gori, Franz de Blasi CP: Gallus Films, Maxima Film Compagnia Cinematografica, Monteluce Film I: Alberto Sordi, Michèle Morgan, Marcello Mastroianni, Sylva Koscina, Gabriele Ferzetti

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Il vedovo The Widower Risi ya se había posicionado con el público y la crítica desde 1955, con Pan, amor y…, pero Il vedovo fue el primer giro importante de su filmografía, por el ángulo que aportó a una historia de por sí retorcida, y la evidente intención satírica sobre la sociedad italiana y el milagro económico que atravesó en la posguerra. Sordi, además, integró una faceta mucho más oscura a su registro cómico, interpretando a un empresario en grandes problemas financieros que pergeñará un complejo plan para convertirse en el viudo de su adinerada y distante esposa, y concretar así su salvación económica. La actriz Franca Valeri no solo logró un trabajo brillante, sino que además tuvo la idea original de “Cretinetti”, el genial y pegadizo apodo con el que atormentará al personaje de Sordi durante la película.

Risi had already positioned himself with audiences and critics in 1955 with Bread, Love and Dreams, but The Widower was the first important change of direction in his filmography caused by the new angle he gave to an already twisted story, and the obvious satirical intention on Italian society and the economic miracle it went through after the war. Further, Sordi added a much darker side to his comic persona, playing a businessman in big financial trouble who concocts a complex plan to become the widow of his wealthy, distant wife, in order to achieve economic salvation. Not only did actress Franca Valeri do a wonderful job here, but she also had the original idea for “Cretinetti,” the ingenious and catchy nickname with which she haunts Sordi’s character throughout the film.

Dino Risi Nació en Milán en 1916. Su película Hermosas pero pobres (1957) y sus secuelas Una vida difícil (1961) e Il sorpasso (1962) son reconocidas como hitos de la comedia italiana. En 2002 recibió el Premio a la Trayectoria en el Festival de Venecia. Murió en 2008. Eng Born in Milan in 1916, his film Poor, But Handsome (1957) and its sequels A Difficult Life (1961) and The Easy Life (1962) were acknowledged as milestones of Italian comedy. In 2002, he received the Lifetime Achievement Award at the Venice Film Festival. He died in 2008.

Italia - Italy, 1959 / 87’ / DCP / B&N / Italiano - Italian D: Dino Risi G: Fabio Carpi, Sandro Continenza, Dino Risi, Rodolfo Sonego, Dino Verde F: Luciano Trasatti E: Alberto Gallitti DA: Piero Filippone S: Giuseppe Serafini M: Armando Trovajoli P: Edgardo Cortese, Cino Del Duca, Elio Scardamaglia CP: Cino del Duca, Paneuropa I: Alberto Sordi, Franca Valeri, Livio Lorenzon, Nando Bruno, Ruggero Marchi

homenajes alberto sordi — tributes alberto sordi

Los complejos I complessi / Complexes Una vez que el cine italiano dejó atrás al neorrealismo y las esperanzas que el movimiento depositaba en un renacimiento social, los directores se volcaron a formar sus diversos espejos del resultado de esa reconstrucción, enfocándose en los caminos que ciertos individuos y grupos debían atravesar para alcanzar la prosperidad, o simplemente encontrar su lugar. Durante la década de 1960, se volvería usual el estreno de películas episódicas como I complessi, en las que pequeñas historias ilustraban aspectos y costumbres de la vida italiana en aquel período. En el más reconocido de estos tres episodios, Sordi interpreta a un sobrecalificado y elegante postulante a conductor del noticiero de la RAI, que supera todas las pruebas y escollos que le presenta un jurado notoriamente inclinado a excluirlo por el tamaño de su dentadura, pero a la vez temeroso de explicitar ese ridículo motivo.

Once Italian cinema left neorealism and the hopes that movement had of a social renaissance, the directors turned to shaping their diverse mirror images of the result of that reconstruction; focusing on the paths certain individuals and groups had to cross in order to achieve prosperity or simply to find their place. During the 1960s, the release of episodic films like Complexes would become common. In them, small stories would illustrate aspects and customs of Italian life from that period. In the most well-known of these three episodes, Sordi plays an overqualified, elegant applicant for a job as news anchor at RAI, who overcomes every challenge and obstacle presented by a jury that is noticeably trying to exclude him due to the size of his teeth, but at the same time is fearful of stating such a ridiculous reason.

Luigi Filippo D’Amico, Dino Risi & Franco Rossi

Luigi nació en 1924. Su ópera prima, Bravissimo (1955), dio inicio a una colaboración con Alberto Sordi que continuaría en varios films. Dino nació en Milán en 1916. Es uno de los referentes de la comedia italiana. Franco nació en Florencia en 1919. Alcanzó popularidad cuando dirigió a Alberto Sordi en Il seduttore (1954). Eng Luigi was born in 1924. His first feature, Bravissimo (1955), was the beginning of a collaboration with Alberto Sordi that would continue through in many films. Dino was born in Milan, 1916, he is one of the most prominent Italian comedy filmmakers. Franco was born in Florence in 1919. He gained popularity when he directed Alberto Sordi in Il seduttore (1954).

Italia / Francia - Italy / France, 1965 / 100’ / DCP / B&N / Italiano - Italian D: Luigi Filippo D’Amico, Dino Risi, Franco Rossi F: Ennio Guarnieri, Mario Montuori E: Roberto Cinquini, Giorgio Serrallonga DA: Giancarlo Bartolini Salimbeni, Giorgio Giovannini, Luciano Spadoni S: Biagio Fiorelli, Ferdinando Pescetelli, Giulio Tagliacozzo M: Armando Trovajoli P: Ennio Di Meo, Gianni di Stolfo, Gianni Hecht Lucari, Mario Milani, Egidio Quarantotto CP: Documento Film, S.P.C.E. I: Nino Manfredi, Ilaria Occhini, Riccardo Garrone, Umberto D'Orsi, Ugo Tognazzi, Alberto Sordi

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Detenuto in attessa di giudizio Why / Detenido en espera de juicio Uno de los roles más complejos que interpretó Sordi, en una de las representaciones más crudas de las injusticias en la sociedad italiana: el topógrafo Giuseppe Di Noi (poco casual elección de apellido, para señalar la desprotección del hombre común ante el sistema judicial) es encarcelado por la policía italiana cuando intenta atravesar la frontera con su familia para pasar sus vacaciones. Sin conocer el motivo de la detención, y sin la posibilidad de defenderse, pasará de cárcel en cárcel mientras el tiempo y el laberinto kafkiano en el que fue introducido irán venciendo sus fuerzas y esperanzas. La actuación le valió a Sordi el Oso de Plata en el Festival de Berlín, además de confirmar su oficio fuera de su zona de confort. La película, además, incluye la penúltima aparición cinematográfica de la maravillosa Elga Andersen.

One of Sordi’s most complex roles, in one of the bleakest representations of the injustices of Italian society: topographer Giuseppe Di Noi (a not-so-casual choice for the last name, pointing to the vulnerability of the common man before the legal system – “noi” means “we” in Italian) is incarcerated by the Italian police when he tries to cross the border with his family while on vacation. Without knowing the reason for his detention, and without the possibility of defending himself, he will go from jailhouse to jailhouse, while time and the Kafkaesque labyrinth he was put in crush all of his strength and hope. Sordi won the Silver Bear at the Berlin Film Festival for this performance, which also confirmed his talents outside his comfort zone. The film also includes the penultimate film appearance of the wonderful Elga Andersen.

Nanni Loy Nació en 1925 en Cagliari. Graduado del Centro Experimental de Cine en Roma, dirigió, entre otras, Parola di ladro (1957), Cuatro días de rebelión (1962) y Scugnizzi (1989). Por su trabajo en Detenuto in attesa di giudizio, Sordi ganó el Oso de Plata al Mejor Actor en el Festival de Berlín. Murió en 1995. Eng Born in Cagliari in 1925, he graduated from Rome’s Centro Experimental de Cine. He directed many films, including Honor Among Thieves (1957), The Four Days of Naples (1962) and Scugnizzi (1989). For his work on In Prison Awaiting Trial, Sordi won the Silver Bear for Best Actor at the Berlinale. He died in 1995.

Italia - Italy, 1971 / 102’ / DCP / Color / Italiano - Italian D: Nanni Loy G: Sergio Amidei, Emilio Sanna, Rodolfo Sonego F: Sergio D'Offizi E: Franco Fraticelli DA: Gianni Polidori S: Mario Amari, Massimo Iabone M: Bruno Nicolai P: Gianni Hecht Lucari, Fausto Saraceni CP: Documento Film I: Alberto Sordi, Elga Andersen, Andrea Aureli, Lino Banfi, Antonio Casagrande

Funciones Paralelas â&#x20AC;&#x201D; Parallel Programs

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mardelplataďŹ lmfest.com

funciones paralelas historias breves — parallel programs short stories

Historias Breves

short stories

Ocupamos un terreno abandonado. Cortometrajes. Sembramos semillas dispersas. Directores jóvenes. Plantas, árboles y flores se multiplicaron creando un paisaje multicolor. Imágenes y sonidos. Autores cinematográficos concretaron sus sueños de filmar. Dramas, comedias, aventuras. 22 años, 139 cortometrajes, 144 directores debutantes, más de 3000 nuevos técnicos y actores, miles de metros de celuloide y cantidades multiplicadas de discos rígidos. Historias breves. En 2017 celebramos el nacimiento de nuevos brotes que serán los cineastas del mañana.

We occupy abandoned territory. Short films. We sow scattered seeds. Young directors. Plants, trees and flowers have multiplied creating a multicolor landscape. Images and sounds. Film auteurs fulfilled their dreams of shooting. Dramas, comedies, adventures. 22 years, 139 shorts, 144 first-time directors, more than 3,000 new technicians and actors, thousands of meters of celluloid and large amounts of hard drives. Short stories. In 2017, we celebrate the birth of new sprouts that will be the filmmakers of tomorrow.

Capacocha D: Tomás Pernich, 16’ Bruno, un cura peruano, llega a Buenos Aires luego de que su iglesia se prendiera fuego. Se reencuentra con Juan, un amigo que conoció en la cárcel hace muchos años. Bruno piensa que trabajará en un restaurant peruano, pero Juan tiene otros planes para él.

Bruno, a Peruvian priest, arrives in Buenos Aires after his church burns down. He reunites with Juan, a friend he met in jail many years ago. Bruno thinks he will start working at a Peruvian restaurant, but Juan has other plans for him.

Carla D: Lucía Ayelén Dobal, 12’ A sus trece años, Carla siente que su cuerpo está cambiando. Frente a los acosos de su madre y de sus compañeros, deberá tomar una decisión: seguir creciendo con el mandato que le impone el entorno o ser la mujer que quiere ser.

At thirteen, Carla feels her body is changing. Harassed by her mother and schoolmates, she must make a choice: continue growing up with the mandate her environment imposes on her or be the woman she wants to be.

El último cuentista D: Adrean Ramírez, 14’ Sandro Guzmán, personaje rural del interior de la provincia de Tucumán, se prepara para asistir a un velorio y contar chistes, tradición que heredó y mantiene viva desde hace más de cincuenta años. Risas, llantos, dolor y compañía.

Sandró Guzmán, a rural character from the province of Tucumán, prepares to attend a wake and tell jokes, a tradition he inherited and has kept alive for more than fifty years. Laughter, crying, grief and company.

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La de Messi D: Mauro Iván Ojeda, 13’ Lautaro (11) y José (6) aprendieron a encontrar en lo que otros desechan el sustento diario que su familia necesita. Lautaro protege a su hermanito de una situación que se intuye violenta entre sus padres. Al día siguiente, José descubre un mensaje en su álbum de figuritas del Mundial. La de Messi, su favorita, ya no luce como antes. Su familia tampoco.

Lautaro (11) and José (6) learned to find the daily sustenance their family needs from what others discard. Lautaro protects his little brother from an apparently violent situation between their parents. The next day, José discovers a message in a World Cup sticker album. Messi, his favorite player, doesn’t look like he used to. Neither does his family.

La sombra quema D: Ezequiel Yoffe, 19’ En el árido paisaje de la Cordillera, un hombre llega con la obsesión de recuperar a su mujer. Al llegar descubre que ella ya no lo espera, lo que genera un drama pasional cargado de violencia.

In the arid landscape of the Andes, a man arrives with the obsession of getting his wife back. Upon arrival, he finds out she is no longer waiting for him, which triggers a violence-ridden drama of passion.

Superdulce D: Guido Villaclara, 17’ Un siniestro pote de dulce de leche llega a la rutinaria vida de Alejandro y Lucía, y lo cambiará todo.

A sinister jar of dulce de leche interrupts Alejandro and Lucía’s routine life, and it will change everything.

Toda mi alegría D: Micaela Gonzalo, 13’ 1997, vísperas de Navidad. Camila (11) le roba una camisa a su hermano, anda en bici y se distrae con un chico judío que compra pirotecnia. Se tira al agua, salpica a todos, juega con sus primos y se pone un vestido para la cena. Luego de observar a su familia a través de una cámara VHS, Camila comenzará a registrarse a ella misma.

Christmas Eve, 1997. Camila (11) steals a shirt from her brother, rides her bicycle and entertains herself with a Jewish kid who is buying fireworks. She jumps in the water, splashes everyone, plays with her cousins and puts on a dress for dinner. After observing her family through a VHS camera, Camila starts to record herself.

FUNCIONES PARALELAS La Noche del Cortometraje — parallel programs short films night

La noche del cortometraje

short film night

El cortometraje es una herramienta de diálogo con el

Short films are a tool for communicating with the audience in which we express our geography, history, everyday life and culture from all parts of our country, each with its particular nuances. For some time, thanks to the ideas of the filmmakers and to public policies, the short film has found its place in the taste of audiences eager to come across these stories that are small in their running time but big in their quality. Once again, I invite you to enjoy the magic of short films and continue accompanying this audiovisual industry with your presence. LA INCAA Short-film Department

espectador en la que se expresa nuestra geografía, la historia, la cotidianidad y la cultura desde todas partes del país, con sus diferentes matices. Desde hace un largo tiempo, y gracias a las ideas de los realizadores y de las políticas públicas, se ha posicionado en el gusto del público, ávido de encontrarse con estas historias pequeñas en cuanto a duración pero grandes en cuanto a calidad. Los invito a volver a disfrutar de lo mágico del cine contado en pocos minutos y a seguir acompañando esta industria audiovisual con su presencia. Liliana Amate Departamento de Cortometrajes INCAA

Al silencio D: Mariano Cócolo, 16’ La historia de una despedida, una elegía. Un hombre viaja al corazón de la montaña llevando en su espalda todo el peso de su historia; como una cruz, un gran bolso lo acompaña en su andar.

The story of a farewell, an elegy. A man travels to the heart of the mountain, carrying on his back the whole weight of his history; like a cross, a big bag accompanies him on his journey.

Amalia y Eduardo D: Tomás Morelli, 5’ Amalia y Eduardo se preparan para su cita. El único problema es que viven en siglos diferentes. Los protagonistas desafiarán las leyes del tiempo a través del montaje y llegarán a la hora justa para ver su propia película. Gracias al cine, hace 100 años que en Argentina no existen amores imposibles.

Amalia and Eduardo get ready for their date. The only problem is that they live in different centuries. The protagonists defy the laws of time through editing and arrive at the right time in order to see their own film. Thanks to cinema, impossible loves haven’t existed in Argentina for the past 100 years.

Bienvenida Nur D: Gabriel Bertini, 10’ Una mujer árabe llega a Argentina escapando de la guerra para reencontrarse con su prima y adaptarse a la nueva cultura.

An Arab woman arrives in Argentina escaping from war in order to reunite with her cousin and adapt to the new culture.

Copia A D: Gervasio Rodríguez Traverso, Pablo Alberto Díaz, 6’ Aventuras y desventuras de Demódoco, un proyectorista de cine que descubre por azar una original forma de conseguir placer. Sin embargo, abusar de ella acarrea consecuencias demasiado riesgosas.

The adventures and misadventures of Demódoco, a film projectionist who randomly discovers an original way of finding pleasure. However, abusing it brings very dangerous consequences.

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Corp. D: Pablo Polledri, 9’ Ambición, explotación laboral, contaminación ambiental, degradación humana, plusvalía, corrupción y mucho más en el fantástico mundo del libre mercado.

Ambition, labor exploitation, environmental pollution, human degradation, capital gains, corruption, and much more is featured in the amazing world of the free market.

El secreto D: Rodrigo Tenuta, Ángel Zamora, 6’ Julián vive en su mundo imaginario. En un barco abandonado, junto al Canal de Beagle, guarda sus tesoros. Una cámara Super 8 lo llevará por retazos de la historia y el cine que se esconden en Ushuaia, y así encontrará el secreto.

Julián lives in an imaginary world. He keeps his treasures in an abandoned ship by the Beagle Channel. A Super 8 camera will lead him through fragments of history and film hiding in Ushuaia, and on this way he will find the secret.

Error 404 D: Mariana Wainstein, 14’ En una empresa, el jefe y sus empleados trabajan frente a sus computadoras, concentrados, productivos. De repente se corta Internet. La empresa está en crisis. En ese breve lapso, los personajes conectan con algo más que con su propia pantalla. Hasta que Internet vuelve.

In a company, the boss and his employees work in front of computers, intensely, productively. Suddenly, the internet stops working. The company is in crisis. In that brief period, the characters connect with something else besides their own screen. Until the internet starts working again.

Flor de durazno D: Cristian Monetti, 2’ 1917, Carlos Gardel actúa en la película Flor de durazno en la provincia de Córdoba. Durante el rodaje conquista a Lucía, una asistente de dirección, a quien le obsequia un anillo de brillantes. En el presente, Lucía, ya anciana y rodeada por su familia, lleva aún ese anillo en su mano.

1917, Carlos Gardel acts in the film Flor de durazno in the province of Córdoba. During the shoot, he wins the heart of Lucía, an assistant director, and gives her a diamond ring. In the present day, and surrounded by her family, an elderly Lucía still has that ring on her finger.

FUNCIONES PARALELAS La Noche del Cortometraje — parallel programs short films night

Los dos cines de Yody Jarsún D: Alejandro Gallo Bermúdez, 5’ Una lata de película, una frontera tropical y dos cines, uno de cada lado del río.

A can of film, a tropical border and two movie theaters, one on each side of the river.

Once D: Hebe Urricelqui, Juan Cruz Llobera, 7’ Las historias pueden contarse de muchas maneras. Once retrata un episodio verídico, ocurrido en Argentina en 2012. Un accidente de tren que costó la vida de muchas personas que todos los días tenían la misma rutina: la de montarse en la desidia de un transporte descuidado.

Stories can be told in many different ways. Once depicts a true event that took place in Argentina in 2012: a train accident that ended the lives of many people who had the same routine every day, that of riding the indifference of a neglected transportation system.

Reflectorista D: David Nazareno, 11’ Alejandro García es un reflectorista con más de 25 años de carrera en la cinematografía argentina. A partir de anécdotas, reflexiona acerca de la profesión y pone en tela de juicio las falencias de la industria, así como el sueño que ha dejado trunco por ser daltónico: ser director de fotografía.

Alejandro García is a “best boy” who has been working in Argentine films for more than 25 years. Through different anecdotes, he reflects on the profession and brings into question the flaws of the industry, as well as the dream he could never fulfill due to his color blindness: being a cinematographer.

Solemne y melancólico D: Luciana Bilotti, 3’ Una matrioska en tono de comedia sobre las dificultades de construcción del cine en el interior de Argentina, inmersa en un exagerado intento de regionalismo.

A comedic “matryoska” tale on the difficulties of making a film in the Argentine provinces, immersed in an exaggerated attempt at regionalism.

FUNCIONES PARALELAS Cortos Premiados CINE.AR — PARALLEL PROGRAMS CINE.AR Awarded Short Films

Cortos premiados CINE.AR

CINE.AR Awarded Short Films

El Premio CINE.AR del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) galardona a cortometrajes argentinos en diversos festivales de cine del país para difundirlos en sus pantallas de canal lineal y plataforma VOD.

The National Film and Audiovisual Arts Institute (INCAA) gives the CINE.AR Award to Argentine short films in different film festivals to promote the though its network screens and VOD platforms.

Clausura D: Jesús Barbosa, 11’ Hace veintiocho y doce años, la Madre Priora y La Hermana Susana llevan una vida de claustras y, por medio de sus narraciones habladas a través de las rejas, nos cuentan cómo esta decisión cambió sus vidas y el sentido que ahora les dan.

For twenty-eight and twelve years, respectively, Mother Priora and Sister Susana have been living in a cloister. Through their oral stories, heard through the window bars, they tell us how this decision changed their lives and how they reflect on it now.

El mes del amigo D: Florencia Percia, 17’ Mientras acepta la difícil idea de separarse de su novio, Emilia se muda a un departamento céntrico. Entre cajas y cosas embaladas, casi por azar, comienza a vivir la vida de la antigua inquilina.

As she deals with the hard notion of breaking up with her boyfriend, Emilia moves into a dontown apartment. Randomly, amidst boxes and packages, she starts living the life of the previous tennant.

La revancha D: Pablo Bochard, 6’ Un chico, una chica, un tablero de ajedrez. Una historia de amor que atraviesa el tiempo y el espacio.

A boy, a girl, a chess board. A love story through time and space.

371

No hay bestias D: Agustina San Martín, 21’ Luego de la curiosa desaparición de su tía, Mateo se ve inmerso en los recuerdos obtusos de su niñez en el monte. En una serie de conversaciones telefónicas atravesadas por imágenes de dos familias en una misma casa, nos adentramos en un viaje atemporal entre tres relatos donde se confunden los visibles con los invisibles.

After the mysterious disappearance of her aunt, Mateo finds himself immersed in obtuse memories of this childhood in the mountains. In a series of phone conversations that feature images of two families in the same house, we enter a timeless journey between three stories where the visible blurs with the invisible.

Puelo Park D: Fabián Soto, Emmanuel Olivares, Bruno Ruiz, Rafael Rigonatto, 8’ A través del relato de tres jóvenes, conocemos cómo es el crecimiento del skateboarding en un pequeño lugar al norte de la Patagonia. Esfuerzo, compañerismo, competencias de skateboarding y la importancia del skate park de Lago Puelo.

Through the story of three young men, we'll get to witness the growth of skateboarding in a small town in northern Patagonia. Effort, teamwork, skateboard competitions, and the importance of Lago Puelo Skate Park.

Sueños de Paine D: Esteban Degregori, 13’ La primera travesía en cordada de las tres Torres del Paine en Chile fue lograda por Oriol Baró (España), Paula Alegre y Esteban Degregori (Argentina) en enero de 2015. Durante tres días la cordada escaló un total de 2000 metros de roca vertical en las distintas torres.

The first climbing traverse in the three Paine Towers in Chile was achieved by Oriol Baró (Spain), Paula Alegre, and Esteban Degregori (Argentina) in January 2015. In three days, she climbed a total of 2000 meters of vertical rock in the different towers.

FUNCIONES PARALELAS Primeras producciones. ENERC NOA y NEA — parallel programs ENERC First Productions - NOA and NEA

Primeras producciones. ENERC NOA y NEA, y presentación del ciclo lectivo 2018 Sedes Enerc

ENERC First Productions - NOA and NEA Branches and introduction of the 2018 academic year for Enerc Branches

Violencia e identidad de género, infancia y contexto social, entre otras temáticas, se entrelazan en estos seis cortometrajes de ficción íntegramente realizados en las provincias del noreste y noroeste argentino como tesis de finalización de estudios de los estudiantes de las sedes regionales de la ENERC, que brindan en todos los puntos de nuestro país formación audiovisual pública y gratuita. La proyección será acompañada por la presentación del ciclo lectivo que se inicia en 2018 en las regiones NEA, NOA, Patagonia y Cuyo.

Gender violence and identity, childhood and social context, among other subject matters, are interweaved in these six fiction features entirely made in the provinces of the Argentine Northeast and Northwest as graduate theses by students from ENERC’s regional branches, which provide public, free audiovisual training in the entre country. The screening will be accompanied by the introduction of the academic year that starts in 2018 in the NEA, NOA, Patagonia and Cuyo regions.

El después D: Leandro Vallejo, 13’ Fabricio Garrido es un psiquiatra atormentado por una tragedia familiar que recibe a un nuevo paciente, Víctor Mansilla, quien dice poseer un invento que puede ayudarlo a corregir los eventos más trágicos de su pasado.

Fabricio Garrido is a psychiatrist whose family has been struck by tragedy. He receives a new patient, Victor Mansilla, who claims to have invented something that can change the past and correct the tragedy.

El trabajo D: M. E. Pelu Romero, 14’ Ana y su madre consultan a un Pai umbandista para vengarse de Diego, la pareja de Ana, quien la golpea.

Ana and her mother visit an Umbanda sorcerer to take revenge on Diego, Ana’s boyfriend, who frequently hits her.

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Eva D: Dana Gómez, 15’ Eva es una mujer trans definida por su entrega, dedicada a ayudar a niños del barrio desde su rol de asistente social. Será esta interacción entre sus dos facetas la que la llevará a entender que vivir sus ideales puede ser algo muy difícil.

Eve is a transsexual woman with a strong sense of duty. She dedicates her life to helping little children as a social worker in her hometown. It’s in the process of combining these two experiences that she realizes that doing the right thing can be difficult.

Hambre D: Diana Quiroga, 12’ Hambre cuenta la historia de María, una niña sumergida en la pobreza junto a su particular familia. El relato nos obliga a ver cómo es vendida por su madre a un extraño, quien será el encargado de catalizar su destino.

Hunger tells the story of María, a girl sunk in poverty along with her peculiar family. The story leads us to the moment her own mother sells her to a stranger, who will be the ultimate responsible for her fate.

Ruido blanco D: Constanza Epifanio, 13’ En una sociedad apática, Zamira, una joven curiosa y crítica, se desarrolla de niña a mujer en el seno de una familia absorbida por los medios. Zamira se siente sola, y para acercarse a su madre debe cambiar.

In an apathetic society, a young and curious girl named Zamira grows up in a family consumed by TV and media. Zamira feels lonely, she has to change in order to be accepted by her mother.

Vidas habitables D: Gisela Villanueva, 14’ Georgina es una mujer transexual a la que están por desalojar de su casa. Omar pertenece a la policía y sufre la humillación por parte de su jefe, que no soporta su orientación sexual. Julia es una joven transexual que tiene conflictos con su apariencia.

Georgina is a transgender woman who is being evicted. Omar is a policeman who is being humiliated by his chief because of his sexual preferences. Julia is a young transgender woman conflicted with her physical appearance.

FUNCIONES PARALELAS concurso Raymundo Gleyzer — parallel programs raymundo gleyzer Contest

10 ediciones - 5 películas. Concurso Raymundo Gleyzer

10 EDITIONS - 5 FILMS. RAYMUNDO GLEYZER CONTEST

El Concurso Federal de Desarrollo de Proyectos Raymundo Gleyzer se creó para brindar la oportunidad a jóvenes realizadores de producir su primera película. Está dirigido a guionistas, directores y productores que tengan un proyecto de largometraje y aún no tengan los antecedentes exigidos por el INCAA para acceder a los subsidios. Se caracteriza por su espacio formativo, donde cada equipo tiene la posibilidad de trabajar junto a un jurado capacitador con cada uno de los proyectos. Este concurso ha generado, a lo largo de sus 10 ediciones, una multiplicidad de películas de todos los puntos del país. He aquí una pequeña muestra de ellas.

The Raymundo Gleyzer Federal Contest for the Development of Projects was created in order to provide young filmmakers with the opportunity to produce their first film. It is aimed at screenwriters, directors and producers that have a feature film project but lack the prerequisites required by INCAA (the Argentine film institute) to apply for grants and subsidies. It is characterized by its educational component in which each team has the chance to work alongside a training jury on its project. This contest has helped make, in its ten editions, multiple films from all over the nation. Here is a small sample.

Cetáceos D: Florencia Percia, 77’ Clara y Alejandro se mudan a una casa nueva. Pocos días después, él viaja por trabajo y ella se queda sola, rodeada de cajas cerradas. Ese desorden la impulsa a aceptar una serie de invitaciones azarosas que la alejarán del mundo cerrado y hermético en el que vive.

Clara and Alejandro move to a new house. A few days later, he goes on a business trip and she stays alone, surrounded by packed up boxes. That mess draws her to accept a series of random invitations that will distance her from the enclosed, hermetic world in which she lives.

Dhaulagiri, ascenso a la montaña blanca D: Guillermo Glass y Cristián Harbaruk, 70’ Un montañista y documentalista inicia un viaje por Argentina para volver a reunirse con los dos amigos con los que intentó hacer cumbre en el Himalaya. Solo y con ellos, intentará entender qué pasó con Darío, el cuarto amigo, el que decidió seguir subiendo, el único que no volvió con vida de la expedición.

A mountain climber / documentary filmmaker embarks on a journey through Argentina to reunite with two friends with whom he had tried to reach a summit in the Himalayas. Alone and with them, he will try to understand what happened to Darío, their fourth friend, who decided to keep climbing and is the only one who did not return from the expedition alive.

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Fin de semana D: Moroco Colman, 74’ Carla llega para acompañar a Martina después de años de ausencia. La relación entre ellas es distante, hay algo de lo que no hablan. Martina tiene encuentros furtivos con Diego, un hombre que le dobla la edad. Ambos se someten a un juego sexual fuerte y fuera de control.

Carla returns to accompany Martina after years of absence. The relationship between them is distant; there is something they do not talk about. Martina has some furtive encounters with Diego, a man twice her age, and the two submerge themselves in a powerful and out of control sex game.

La peli de Batato D: Goyo Anchou y Peter Pank, 150’ Batato Barea fue un clown/literario/travesti que se convirtió en genio y figura del underground porteño en la postdictadura. Desde una radicalidad poética y libertaria, sus intervenciones fueron determinantes en la ampliación del imaginario social sobre teatro, género y sexualidades.

Batato Barea was a clown/literary figure/transvestite who became an important figure of the post-dictatorship underground scene in Buenos Aires. With a poetic and libertarian radicalness, his interventions played an important role in the expansion of the social imaginary upon theater, gender and sexualities.

Tigre D: Silvina Schnicer y Ulises Porra Guardiola, 93’ Rina vuelve después de mucho tiempo a su isla, en las profundidades del delta de Tigre. Allí ella crio a su hijo y pasó la mayor parte de su vida. Ahora quiere recuperar su casa y volver a reunirse con Facundo, que también salió de la isla. Ambos, madre e hijo, descubrirán que todo ha cambiado.

Rina returns, after a long time, to her island in the depths of the Tigre delta. She raised her son and spent much of her life there. Now she wants to recover her house and reunite with Facundo, who also left the island. Both mother and son will discover that everything has changed.

FUNCIONES PARALELAS Pantalla UBA — parallel programs uba screen

pantalla uba

uba screen

Muestra de trabajos de la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires

Exhibit of works from the Image and Sound Design major of the University of Buenos Aires

En el cine habitan los más diversos estilos expresivos. No es difícil visualizar que, así como la palabra escrita construye ensayos, novelas, cuentos y poemas, el audiovisual es versátil en el empleo de sus materiales significantes al plasmarlos en múltiples formatos. Lo figurativo, lo abstracto, lo narrativo, lo experimental: todo tiene espacio en este medio y es objeto de producción y de reflexión en el trabajo realizado en los talleres de la carrera. Aquí presentamos una selección de películas de corta duración que dan cuenta de ello.

The most diverse expression styles inhabit cinema. It is not hard to visualize that, just like the written word builds essays, novels, short stories and poems, the world of audiovisual is versatile in the use of its significant materials when capturing them in multiple formats. The figurative, the abstract, the narrative, the experimental: everything has a place in this medium and is an object of production and reflection in the work conducted at the school’s workshops. Here, we present a selection of short films that are proof of that.

Afrontera D: Felipe Campos, 20’ Dos países en una misma ciudad, conformados por un mismo conjunto de personas, que se sumergen en un diálogo colectivo sin importar la condición simbólico-territorial en la que se encuentran.

Two countries in one same city, formed by the same group of people, who plunge into a collective dialog regardless of the symbolic-territorial condition they find themselves in.

Ahí viene el avioncito D: Nicolás Solé, 4’ La abuelita le hace el juego del avioncito a su nieto. Cuando este ve que ella se pone a llorar, se da cuenta de que el avioncito de fantasía se ha estrellado, y los sobrevivientes se calcinan vivos en el incendio en su mejilla.

Grandma plays the little plane game with her grandson. When he sees her bursting into tears, he realizes that the little fantasy plane has crashed, and that the survivors are burning alive in the fire in her cheek.

Coronados D: Josefina Alen, Abril Lucini, 16’ Una mirada despojada y distante nos sumerge en el universo del culturismo argentino. Con pretenciosa objetividad, retrata diversas situaciones dentro de una, dos o todas las competencias.

A stripped down and distant gaze plunges us into the universe of Argentine bodybuilding. With pretentious objectivity, it depicts different situations within one, two or all of the competitions.

Educación rural D: Federico García Bedoya, 13’ Documental que muestra la convivencia en el CEPT N° 16, una institución educativa rural de Lobos, en la Provincia de Buenos Aires, que a través del sistema de internado de alternancia brinda educación secundaria a los jóvenes de la comunidad.

A documentary that shows the coexistence of students and faculty at CEPT Nº 16, a rural educational institution in Lobos, in the Buenos Aires Province, which, through a rotating boarding system, provides highschool education to the young men and women of the community.

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El nirvana de Benito D: Ariel Fossa Luengo, 30’’ En un universo paralelo, Benito ha logrado llegar al nirvana a través de la meditación y trascender a un plano espiritual de baile y color.

In a parallel universe, Benito has managed to reach nirvana through meditation and transcend to a spiritual plane of dance and color.

Experimental 1 D: Verónica Flores, 37’’ Experimentación libre a partir de recortes de imágenes y collage analógico.

Freestyle experimentation through image cutouts and analog collage.

Fuera de temporada D: Sebastián Badino Lynch, 17’ En plena madrugada, Victoria huye por los médanos de un pueblo de playa fuera de temporada. En su huida necesitará confiar en la ayuda de Dante, un carpintero del puerto que la refugia en su casa.

Late at night, Victoria flees through the sand dunes of an off-season beach town. During the escape, she will have to trust in the help of Dante, a carpenter from the port that gives her refuge in his home.

Hochi D: Melisa Serpas, 10’ Muchos okinawenses emigraron a Latinoamérica durante la Segunda Guerra; así surgió el primer periódico para orientar a la población japonesa sobre los acontecimientos de su país. Setenta años después, este periódico se dedica al fomento y la difusión de actividades culturales de la comunidad japonesa.

Many Okinawans emigrated to Latin America during World War II, which was how the first newspaper to orient the Japanese population about the events that happen in their country appeared. Seventy years later, that newspaper is devoted to the encouragement and promotion of cultural activities from the Japanese community.

Komorebi D: Agustina Abeijon, 34’’ Algunas palabras japonesas no tienen una traducción literal al español, simplemente significan un suceso, o un instante en el encuentro entre dos personas. En este trabajo se retratan dos de estas palabras empleando técnicas de animación.

Some Japanese words do not have a literal translation into Spanish; they simply mean an event, or an instant in the encounter between two people. This work depicts two of those words employing animation techniques.

FUNCIONES PARALELAS Pantalla UBA — parallel programs uba screen

La araña de mi jardín D: Daniela Bazzano, 12’ En clave de autorretrato, una búsqueda personal, reflexiva y experimental de la directora a través de los distintos estados emocionales que transita al ahondar en imágenes del pasado, reflexionando acerca de los problemas y beneficios que conlleva su trastorno bipolar.

A self-portrait, a personal, reflective and experimental search by the director through the different emotional stages she goes through when digging out images from the past, reflecting on the problems and benefits of her bipolar disorders.

Leal D: Julieta Caputo, Guadalupe Sierra, 9’ Irrealidades expandidas, futuros posibles, deseos de una suspensión temporal que nunca sucede. El uso de la simultaneidad de pantallas crea una nueva experiencia de temporalidad en la que se pone en duda cualquier posibilidad de una epifanía.

Expanded unrealities, possible futures, hopes for a suspension of time that never happens. The use of simultaneous screens creates a new way of experiencing time in which every possibility of an epiphany is called into question.

Mizuki D: Maximiliano Cabrera, 1’ Spot publicitario sobre un restaurante de cocina fusión japonesa.

Advertisement about a Japanese fusion restaurant.

Nosotros, los de entonces D: Gabriela Estrin, 2’ Cortometraje ficcional realizado con material de archivo. Mediante la yuxtaposición de imágenes visuales y sonoras se narra una historia acerca de los recuerdos, el amor y el olvido.

Fictional short film made with archival footage. Through the juxtaposition of visual and sound images, a story about memories, love and oblivion is told.

Podestá D: Joaquín Caba, 13’ Juancho es un entrenador de salto en trampolín con más de treinta años de experiencia. Entrena a tres deportistas: sus hijas Valentina y Delfina, e Ivanna. Ellas necesitan un entrenamiento de alto rendimiento pero, como no cuentan con el apoyo del Estado, Juancho se dedica a cubrir sus necesidades.

Juancho is a springboard diving coach with more than thirty years of experience. He trains three athletes: his daughters Valentina and Delfina, and Ivanna. They need high-performance training but, not having support from the State, Juancho dedicates himself to covering their needs.

FUNCIONES PARALELAS Programa Gipuzkoa Coopera — parallel programs Gipuzkoa Coopera Program

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Programa de Gipuzkoa Coopera Con la colaboración del festival de San Sebastián y el INCAA.

Gipuzkoa Coopera Program With the collaboration of the San Sebastian Film Festival and INCAA.

Estos cortometrajes fueron realizados bajo el Programa

These short films were made under the Gipuzkoa Coopera

Gipuzkoa Coopera en colaboración con el Festival de San Sebastián y el INCAA para el fomento de la creación audiovisual argentina entre adolescentes en situación de desigualdad. Todos fueron llevados a cabo por los alumnos de la Escuela Nº37 de la ciudad de Mar del Plata.

Program in collaboration with the San Sebastián Film Festival and INCAA to help Argentine audiovisual creation among lowincome teenagers. They were all made by students from School Number 37 from the city of Mar del Plata.

Mi vecino vende plantas 7’ Juan está harto de su vecino. Un día decide delatarlo. Enseguida se arrepiente.

Juan is sick of his neighbor. One day, he decides to rat him out. He immediately regrets it.

Julieta 14’ Julieta les hace bullying a sus compañeros. Se cree importante, fuerte, poderosa. ¿Por qué lo hace?

Julieta bullies her schoolmates. She thinks she’s important, strong, and powerful. Why does she do it?

Canta para mí 11’ Un aparente agente de casting engaña a Antonella a través de las redes sociales.

A fake casting agent deceives Antonella through social networks.

ÍNDICE POR PELÍCULA — index by film # 3/4 ¡No! 12 jours 120 battements par minute 5 Therapy 78/52 9 Fingers

174 120 136 137 54 232 138

A fábrica de nada 48 A Hell of a Wedding 242 A Taxi Driver 337 Ábalos, una historia de cinco hermanos 233 Afrontera 376 Ahí viene el avioncito 376 Al desierto 28 Al silencio 366 Aliens 271 All That Jazz 346 Alona 278 Also Known as Jihadi 139 Amalia y Eduardo 366 American Valhalla 211 Angels of Revolution 326 Años luz 196 As duas Irenes 243 Ata tu arado a una estrella 84 Aterrados 94 Autobiográfico 2 256 Autumn, Autumn 335

Bákiro 247 Barbara 140 Baronesa 64 Barrefondo 96 Behind the Dark Night 336 Belle Dormant 289 Bienvenida Nur 366 Black Film 320 Blow-Up 347 Born to Be Blue 260 Brawl in Cell Block 99 214 Brooklyn - Gusinje 312 Bunch of Kunst - A Film About Sleaford Mods 208

C Cabros de mierda Camila Caniba Canta para mí

186 342 141 379

Capacocha 364 Carla 364 Cerulia 88 Cetáceos 374 Chaco 58 Chacun sa vie 300 Chagall-Malevich 327 Cien caminos - Suárez segunda parte 209 Claire's Camera 142 Clasificando sensaciones 255 Clausura 370 Coco 144 Cocote 78 Columbus 38 Copacabana 262 Copia A 366 Córdoba sinfonía urbana 197 Corina 258 Corky 247 Coronados 376 Corp 367 Cortometrajes Tungsteno Films 229 Cuentos de chacales 198 Cuentos de verano 358 Cuerpo 257

D Dá trilogía Despechada Desvío Detenuto in attessa di giudizio Dhaulagiri, ascenso a la montaña blanca Diarios de niebla Did You Wonder Who Fired the Gun? Die Bad Doble de cuerpo Doce clavos Donnie Darko Dry Martini Duelo

E Early Works Easygoing Teddy Eco y Narciso Educación rural El azote El chico Pelo-de-flor El contramaestre

261 120 258 361 374 278 264 338 350 121 351 293 91 309 248 292 376 98 248 91

El después El día después El hilo El mar la mar El mes del amigo El nirvana de Benito El origen de la tristeza El secreto El silencio de los fusiles El silencio del viento El teatro de la desaparición El trabajo El último cuentista El vigilante El volcán adorado Elementos En el séptimo día En la sorprendente era de la comunicación Entre Perón y mi padre Era uma vez Brasilia Error 404 Escenas de mesa Estoy acá (Mangui Fi) Eugenia Eva Ex Libris – New York Public Library Experimental 1 Extraño pero verdadero

F Fajr Fame Fantasy Sentences Farewell Farpões baldios Fattoruso Félicité Fin de semana Flammes Flor de durazno For Ella From a Year of Non-Events Fuck You Jessica Blair Fuera de temporada

G Good Luck Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma

372 143 90 265 370 377 205 367 187 52 60 372 364 188 199 271 145 121 200 66 367 256 100 62 373 146 377 189 172 234 276 266 272 190 147 375 287 367 322 267 175 377 40

148

Grenouilles

H Hambre Hannah Hasta que me desates Hello, Horse! Hochi Housewife How to Talk to Girls at Parties How We Live - Messages to the Family

I I Want to Il monte delle formiche Il vedovo Infancia intervenida Interferencia Inventory Invisible

291 373 176 102 170 377 215 216 149 150 177 359 259 257 320 30

J Jeunes hommes a la fenetre João, o maestro Julieta June Turmoil

272 151 379 319

Kenedi Is Getting Married 316 Khalkhali - Fire 249 Kharms 328 Kikí 292 Komorebi 377 Kosmos 273

L'Enfance Nue 303 L'Utopie des images de la Révolution russe 329 L’Héroïque lande, la frontière brûle 152 La araña de mi jardín 378 La batalla de los sexos 153 La Bouche 273 La de Messi 365 La familia 82 La forma del agua 154 La fuente 259 La imitación del angel 290 La mujer proyectada 259 La nostalgia del centauro 104 La peli de Batato 375

381 La revancha La sombra quema La suave noche La telenovela errante Laissez bronzer les cadavres Las expansiones Las olas Last Flag Flying Le Château de Pointilly Le Crime de la toupie Le Fort des fous Le Jouet Criminel Le Vénérable W. Leal Legítima defensa Lenin Les Affamés Les Garçons Sauvages Les Gardiennes Les Intrigues de Silvia Couski Liebig Limbo Little Pioneers Los complejos Los Corroboradores Los dos cines de Yody Jarsun Los guantes mágicos Los olvidados Los perros de Amudsen Los unos y los otros Los vagos Loser’s Adventure Loulou Lowlife Lucía Lucky Lumière. L'Aventure commence

M Macanao Makala Mala vida Marble Ass Marea humana Margaret Mariana Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle Marshall

370 365 201 72 217 274 80 155 291 290 268 290 156 378 255 257 218 178 42 285 259 278 319 360 106

Matar a Dios Merlin Metric Film México bárbaro II Mi mundial Mi vecino vende plantas Miedo Mimetismo Mirada de cristal Mizuki MLA Motocross Mrs. Fang Mrs. Hyde Muchos hijos, un mono y un castillo

N Naceré Napalm Natacha, la película Negative Space Ni juge ni soumise Niebla No hay bestias Noches de otoño Nosotros, los de entonces

368 344 224 279 299 108 333 304 219 345 157

128

90 235 225 315 158 129 74 236 159

Octubre Oldtimer Once Open the Door Où en êtes-vous, Jean-Marie Straub? Où en êtes-vous, João Pedro Rodrigues? Ouroboros Outrage: Coda Pabellón 4 Paradise - An Imperialist Tragicomedy Parque Pasión oriental Person to Person Piazza Vittorio Pirika on Film Pixied Pizza, birra, faso Playa Plus Ultra

220 288 260 227 244 379 122 256 226 378 274 122 160 161

Podestá Primas Prototype Proyecto 55 Puelo Park Puertas

Q Quiero

258 162 245 249 239 269 371 269 378

330 314 368 238 275 171 179 163 202 310 262 123 180 164 318 123 343 89 275

250

R Rambla, sin tu amor yo no soy nadie Ramiro Real - O plano por trás da História Red Capriccio Reencuentro Reflectorista Réquiem para un film olvidado Rey Robocop Ruido blanco Rumble: The Indians Who Rocked the World

237

378 34 270 203 371 258

Sabaku Scaffold Scrambled Sea Sorrow Sepultura Endurance Sexo, zombies y Bret Michaels Sicilian Ghost Story Silo danube, vukovar Sob o vèu da vida oceânica Soldado Solemne y melancólico Son Sous le soleil de Satan Sueños de Paine Superdulce

240 50 191 279 352 368 110 70 353 373 212 250 276 251 130 210 228 181 323 88 112 368 124 305 371 365

Tam Tam 286 Terremoto 257 The Battleship Island 339 The Charmer 182 The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic 321 The Dead Nation 165

The Disaster Artist 221 The First Lap 36 The Little Bird and the Caterpillar 251 The Old School of Capitalism 317 The Second Generation 311 The Seeds of Violence 334 The Villainess 340 The Way Steel Was Tempered 313 Thelma 44 Thirst Street 166 Throwing Off the Yolks of Bondage 322 Tigre 375 Tito Among the Serbs for the Second Time 321 Toda mi alegría 365 Todo lo que veo es mío 114 Tokyo Vampire Hotel 222 Tonalidades 89 Tormentero 76 Traces of the Inscribed 279 Tres avisos por un crimen 167 Twin Peaks: Fuego camina conmigo 354

U Umbrales Un cine en concreto Un hombre y una mujer Un viaje a la luna Una chica y los fusiles Una mujer fantástica

V Vacanza permanente Valparaíso Van Gogh Verão danado Vidas habitables Violeta al fin Visages Villages

W Wajib Western Wiñaypacha Wonders of the Sea 3D Wonderstruck

256 204 298 116 297 68 293 262 306 183 373 192 168 46 32 193 246 169

Y Y ahora elogiemos las películas

124

ÍNDICE POR DIRECTOR — index by director A Abbruzzese, Giacomo 234 Abeijon, Agustina 377 Abramovich, Manuel 112,196 Alami, Milad 182 Aleksandrov, Grigoriy 330 Alemann, Marie Louise 255-256 Alen, Josefina 376 Alonso, Alejandro 91 Alsharif, Basma 179 Álvarez, Martín 197 Álvarez, Marto 258-259 Amalric, Mathieu 140 Anchou, Goyo 375 Antonioni, Michelangelo 347 Antunes, Juliana 64 Arrietta, Ado 285-293 Atallah, Niles 70 Aubert, Robin 218 B Baca, Ernesto Badino Lynch, Sebastián Bainbridge, Catherine Barbosa, Jesús Bari, Laura Baudelaire, Eric Bazzano, Daniela Beauvois, Xavier Bednarik, Santiago Bemberg, María Luisa Bernardez, Luis Bertini, Gabriel Biazzi, Gustavo Bilotti, Luciana Bing, Wang Biniez, Adrián Bittencourt, Rodrigo Blanco, Fernando Bochard, Pablo Bolotnikov, Ivan Bonnetta, Joshua Bordenave, Sofía Borrajo, Francisco Boulocq, Martín Bozon, Serge

110 377 212 370 34 139 378 42 190 342 106 366 108 368 160 80 191 209 370 328 265 201 89 62 161

Bramuglia, Juan Manuel Bratosevich, Nicolás Bulgarelli, Pietro

100 240 90

C Caba, Joaquín 378 Cabeleira, Pedro 183 Cabrera, Maximiliano 378 Caetano, Israel Adrián 343 Cahen, Robert 273 Cambre, Joaquín 116 Campillo, Robin 137 Campos, Felipe 376 Campusano, José Celestino 98 Caputo, Julieta 378 Carrillo, Sofía 88 Carroll Lynch, John 157 Casas, Caye 220 Castaing-Taylor, Lucien 141 Catacora, Óscar 193 Cattet, Hélène 217 Centeno, Álvaro Aponte 52 Chiapparo, Francisco 122 Cócolo, Mariano 366 Cohen, Diego 227 Colás, Jorge Leandro 96 Colman, Moroco 375 Colombo, Miguel 203 Comello, Natalia 197 Conti, Micaela 197 Cousteau, Jean-Michel 246 Crampi, Mad 225 Cueva, Christian 227 D D’Amico, Luigi Filippo Dayton, Jonathan De la Fuente, Flavia De los Santos Arias, Nelson Carlo De Palma, Brian Defa, Dustin Guy Degregori, Esteban Del Toro, Guillermo Delgado, Samuel M. Depardon, Raymond Detzel, Guillermo Deutsch, Gustav Díaz, Fernando

360 153 269 78 350 180 371 154 275 136 262 149 225

Díaz, Pablo Alberto Dobal, Lucía Ayelén Duque, Clarissa

366 364 90

E Eisenstein, Sergei M. Eloy Martínez, Blas Endelman, Ezequiel Epifanio, Constanza Escofet, Reina Estrin, Gabriela Evrenol, Can

330 200 226 373 261 378 215

F Farías, Ricardo 227 Farina, Martín 198 Faris, Valerie 153 Farmanara, Bahman 150 Fedorchenko, Alexey 326 Ferrara, Abel 164 Ferrari, Manuel 274 Flores, Verónica 377 Foroughi, Amineh 249 Forzani, Bruno 217 Fossa Luengo, Ariel 377 Fosse, Bob 346 Franciolini, Gianni 358 Franco, James 221 Franco, Max 120, 229 Franz, Christine 208 Frémaux , Thierry 128 Frenkel, Oscar 205 Frölke, René 267 G Gachassin, Diego Gallo Bermúdez, Alejandro Galperín, Mariano Garateguy, Tamae García Bedoya, Federico Garza, Michelle Gassadonia, Fabio Giorgelli, Pablo Girón, Helena Glass, Guillermo Godard, Jean Luc Goldes, Daniela Gómez, Dana

202 368 114 102 376 227 181 30 275 374 148 197 373

Gomis, Alain 147 González Polo, Augusto 121 Gonzalo, Micaela 365 Gras, Emmanuel 235 Gregl, Tomislav 248 Grisebach, Valeska 32 Guarini, Carmen 84 Gude, Chris 74 Guzmán, Rubén 273 H Hamon, Emmanuel 329 Haneman, Karni 175 Harbaruk, Cristián 374 Haynes, Todd 169 Heeger, Vanessa 248 Hernández, Paula 121 Hidalgo, Hilda 192 Hinant, Yves 239 Hirsch, Narcisa 273 Homme, Joshua 211 Hong, Sang-soo 142-143 Honik, Jorge 271 Hopfner, Ursula Barba 250 Hudlin, Reginald 159 I Imaz, Rubén Incalcaterra, Daniele

76 58

J Jacir, Annemarie Jang, Hun Jang, Woo-jin JR Jude, Radu Juliano, Otavio Jung, Byung-gil Justiniano, Gonzalo

46 337 335 168 165 210 340 186

K Karimi, Shahram Kasdan, Lawrence Kelly, Richard Kim, Dae-hwan Kitano, Takeshi Klotz, Nicolas Ko, Bong-soo Kogonada Komljen , Dane

238 352 351 36 163 152 333 38 276

383 Korovsky, Santiago Krapp, Fernando Kuwahata, Ru

123 199 249

L Lanchares, Federico 260 Lanzmann, Claude 162 Lelio, Sebastián 68 Lelouch, Claude 297-300 Libon, Jean 239 Lim, Tae-gue 334 Lima, Mauro 151 Linklater, Richard 155 Lipkes, Michel 189 Llobera, Juan Cruz 368 Lonergan, Kenneth 129 López Carrasco, Luis 271 Loy, Nanni 361 Lucini, Abril 376 Lynch, David 354 M Maccarone , Pedro 120, 229 Maiorana, Alfonso 212 Mandico, Bertrand 178 Mantello, Jean-Jacques 246 Mari, Narimane 268 Márquez, Samot 228 Mateus, Marta 272 McDonagh, Martin 167 McKay, Jim 145 Meira, Fabio 243 Meirelles, Quico 88 Melendez, Carlos 227 Menchon, Juan Pablo 122 Metev, Ilian 174 Milano, Angelo 234 Mitchell, John Cameron 216 Mitta, Alexander 327 Molina, Adrián 144 Monetti, Cristian 367 Montejano, Leandro 226 Morelli, Carlos Andrés 244 Morelli, Tomás 366 Moro, Antonio 197 Moshonas, Loukianos 272 Mozos, Manuel 50

N Nazareno, David Neumann, Andreas New, Miguel Noé, Pablo

368 211 247 233

O Obligado, Polo Ofner, Astrid Johanna Ojeda, Mauro Iván Olivares, Emmanuel Onetti, Luciano Onetti, Nicolás Orozco, Natalia Ortega, Lex Ossang, F. J.

197 266 365 371 224 224 187 227 138

P Pakalnina, Laila 170 Palladino, Riccardo 177 Pallaoro, Andrea 176 Pank, Peter 375 Paravel, Vérena 141 Patiño, Lois 172 Pavlovskaya, Alisa 54 Pécora, Paulo 274 Pelu Romero, M. E. 372 Perceval, Élisabeth 152 Percia, Florencia 370,374 Pérez, Alejandro 91 Pernich, Tomás 364 Phillipe, Alexandre O. 232 Pialat, Maurice 303-306 Piazza, Antonio 181 Pinho, Pedro 48 Pintó, Albert 220 Pinto, Eduardo 245 Plantier, Luc 236 Podolsky, Román 114 Polanco, Pablo 90 Polledri, Pablo 367 Porra Guardiola, Ulises 375 Porter, Max 249 Primosch, Ty 247 Prows, Ryan 219 Q Quattrini, Fausta Queirós, Adirley Quiroga, Diana

58 66 373

R Radwanski, Kazik 276 Ramírez, Adrean 364 Ramírez, Rafael 278-279 Rapoport, Luz 201 Ravazzola, Agostina 123 Redgrave, Vanesa 130 Rejtman, Martín 344 Renninger, Ann Carolin 267 Restrepo, Camilo 273 Reyes, Manuel 257 Ribeiz, Fernanda 245 Risi, Dino 359, 360 Rodrigues, João Pedro 171 Rodríguez Traverso, Gervasio 366 Rondón Córdova, Gustavo 82 Ros, Diego 188 Rosell, Ulises 28 Rossi, Franco 360 Ruciello, Luz 204 Rugna, Demian 94 Ruiz, Bruno 371 Ruiz, Raúl 72 Russell, Ben 40 Ryoo, Seung-wan 338-339 S Salmerón, Gustavo 237 San Martín, Agustina 371 Sanchez, Abraham 227 Santos, Alejo 124 Sarmiento, Valeria 72 Scelso, Germán 197 Schnicer, Silvina 375 Schravendeel, Bastiaan 251 Schroeder, Barbet 156 Serpas, Melisa 377 Seyed Reza, Seyed Reza 242 Shim, Chan-yang 336 Sierra, Guadalupe 378 Silver, Nathan 166 Small, Alejandro 89 Sniadecki, J. P. 265 Solás, Humberto 345 Sole, Nicolás 376

Sono, Sion Sorroza, Gabriela Soto, Fabián Stagnaro, Bruno Straub, Jean-Marie Stuart, Jazmín

222 123 371 343 275 120

T Tabacznik, Esteban Tello, Sergio Tenuta, Rodrigo Torchinsky, Nicolás Torrado, Manuel Trier, Joachim Unkrich, Lee

100 227 367 104 197 44 144

U Urdapilleta, Fernando 227 Urricelqui, Hebe 368 V Vallejo, Leandro Van der Wel, Marlies Varda, Agnés Verhoeven, Paul Villaclara, Guido Villanueva, Ana Villanueva, Gisela Villar Rojas, Adrián Vön Dohren, Lenna

372 250 168 353 365 259 373 60 251

W Wainstein, Mariana 367 Weiwei, Ai 158 Wilkerson, Travis 264 Williams, Blake 270, 279 Winter, Grace 236 Wiseman, Frederick 146 Y Yoffe, Ezequiel

365

Z Zahler, S. Craig 214 Zamora, Ángel 367 Zavalía Ábalos, Josefina 233 Zilnik, Zelimir 309-323 Zukerfeld, Nicolás 124