Diario del Festival - Día 7

Diario del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

N°7 jueves 24 de NOVIEMBRE DE 2016

Distribución Gratuita

Humor oculto Ph: Fabricio Reyna

Una temprana cinefilia llevó a Ted Fendt a realizar distintas tareas relacionadas con las películas, incluso a filmar en 16 mm una serie de cortos y un largo, que ya dieron forma a una obra con mundo propio dentro de la comedia independiente. Además de presentar su filmografía completa hasta la fecha, Fendt es invitado del Festival para ser parte del jurado de la Competencia Argentina.

RETRATO FINAL Hace poco más de un mes, Andrzej Wajda fallecía tras haber dejado una filmografía de más de medio siglo que marcó a distintas generaciones. Como testamento, el cineasta polaco dejó una película que encuadra magistralmente la vida de un pintor que, como él, fue uno de los artistas más importantes de su país.

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competencias c o mp e t e n c i a i n t e r n a c i o n a l

Nocturama

C o mp e t e n c i a i n t e r n a c i o n a l

People That Are Not Me Israel – 80’ Dirigida por Hadas Ben Aroya Con Hadas Ben Aroya, Yonatan Bar-Or, Meir Toledano

Francia – 130’ Dirigida por Bertrand Bonello Con Finnegan Oldfield, Vincent Rottiers, Hamza Meziani

De la forma más desnuda posible, Bonello filma una realidad que define el presente francés. Suerte de relectura de la Elephant de Gus Van Sant, los espacios citadinos, neutros y vacíos, son el termómetro de una violencia que evita los estallidos y se concentra en un silencio que se hace tan concreto como aterrador.

La historia de Joy tiene un mismo cuerpo delante y detrás de cámara. El duelo de un amor, una adolescencia melancólica y demorada, y una serie de encuentros que corroboran la verdadera dimensión de una pérdida, son las claves que ensaya la israelí Hadas Ben Aroya, directora y protagonista de esta catártica ópera prima.

HOY, 09.00 y 22.00 I AUD VI 25, 16.20 I AUD

HOY, 12.10 y 19.30 I AUD VI 25, 14.10 I AUD

CO M P ETENCIA LATINOA M ERICANA

Jesús

CO M P ETENCIA LATINOA M ERICANA

Cuatreros Argentina – 83’ Dirigida por Albertina Carri Narrada por Albertina Carri

Chile – 86’ Dirigida por Fernando Guzzoni Con Nicolás Durán, Alejandro Goic

El crimen de odio de Daniel Zamudo –un adolescente asesinado por otros de su misma edad– desgarró hondamente a la sociedad chilena. Jesús pone el ojo en los victimarios, para describir la violencia subterránea de una sociedad conservadora y desigual que la acoge como cotidiana. Una película de violencia latente, una historia de terror callado.

“Busco películas, también una familia, una de vivos, una de muertos” dice Albertina Carri sobre ésta, su última película, que nuevamente no se parece a nada. Pero como siempre, extiende las formas de interpelar el duelo, la identidad, el acto político a extremos desconcertantes, subversivos y hermosos.

HOY, 10.20 y 18.50 I CIN 1 VI 25, 18.50 I CIN 1

HOY, 13.10 y 21.40 I CIN 1 VI 25, 16.00 I CIN 1

Below her mouth

CO M P ETENCIA AR G ENTINA

Los decentes Argentina / Austria / Corea del Sur – 100’ Dirigida por Lukas Valenta Rinner Con Iride Mockert, Martín Shanly, Andrea Strenitz, Mariano Sayavedra

No solo los cuerpos quedan al descubierto en esta película: también los límites en las relaciones humanas respecto al sexo, y las formas alternativas de conectarse con personas de distintos géneros y clases sociales a través de lo erótico.

El romance queer del año, las dos mujeres protagonistas de Below Her Mouth se encierran un fin de semana para vivir el sexo a pleno, con una frontalidad inédita para represenar el deseo en una película. Eso es obra de la directora, actriz y productora April Mullen, que en este caso formó un equipo de filmación integrado por mujeres. “Queríamos expresar honestamente la visión de las mujeres de la

intimidad, la honestidad, la lujuria, el sexo, el amor y lo que nos motiva... lo que nos lleva al punto de no retorno, no importa el género. Para hacerlo lo más fiel posible, incluimos mujeres en todos los rubros clave, desde el sonido, el diseño, la edición, el vestuario, la iluminación y la música. En el rodaje, una tropa de mujeres permitiría que las actrices se sientan apoyadas y puedan olvidarse de todo lo que ha-

HOY, 13.10 Y 21.40 I ALD 5 VI 25, 16.00 I ALD 5

bía en la habitación para escaparse al cuerpo de la otra actriz”, dice Mullen, quien vino al Festival junto a la guionista Stephanie Fabrizi y a su productora Melissa Coghlan para presentar la

película. Una cita imperdible con una pantalla que se prende fuego.

Below her mouth HOY, 19.40 I ALD 2

Actividades especiales E l pa p e l d e l c i n e : l a b i b l i o t e c a d e l f es t i va l

La mirada diagonal Esta banda de estudiantes surgida en La Plata no domina solamente las diagonales de la ciudad que habita: se lanzó hace varios años a analizar el cine desde miradas oblicuas y complejas. El ángulo teórico o académico es un camino laborioso para plantarse frente a una película o un conjunto de obras, más cuando la crítica ignora mayormente la libertad de formato que brinda Internet para continuar los tiempos y las mañas periodísticas, detrás de lugares comunes y calificativos perezosos. Álvaro Fuentes, editor de La Cueva de Chauvet, comenta en su introducción a La Imagen Primigenia cuáles son los orígenes e intenciones del grupo de redactores del sitio.

El presente libro de La Cueva de Chauvet es la expresión en papel de un proyecto que ya tiene vida en internet desde hace más de dos años, cuando nos trazamos el objetivo de generar un espacio en el cual poder volcar las reflexiones que el cine nos despertaba, muchas de ellas nacidas en aulas universitarias. Había entonces un doble objetivo: divulgar aquellas problematizaciones teóricas utilizando el cine como puente, pero también crear un ámbito de escritura de cine, arte que constituye una pasión irrenunciable para todos los que conformamos la revista. Pero los orígenes de este espacio se remontan todavía más atrás, cuando hace aproximadamente diez años un reducido grupo de estudiantes de la carrera de Filosofía (FaHCE-UNLP) de la Universidad de La Plata nos abocamos a la tarea de editar y publicar periódicamente una revista en papel de cine y filosofía. Si bien el centro de las reflexiones era esa peculiar mixtura entre especulación filosófica y arte cinematográfico, los campos de indagación eran amplios (también contábamos con literatos, sociólogos, historiadores, cada uno aportando desde su perspectiva), aunque siempre con la divulgación del análisis teórico a través del cine como prioridad. Aquella entrañable publicación se llamaba “La ventana indis-

creta”. Esa primera iniciativa representó un antecedente ineludible para la estructura de secciones que hizo propio el actual sitio virtual de análisis cinematográfico La Cueva de Chauvet. Las mixturas disciplinarias, con el cine como punto articulador, se siguen multiplicando, integrando nuevas ramas de un modo orgánico, y dando como resultado secciones tales como “Cine y Psicología”, “Cine y Comunicación”, “Cine y Literatura”, “Mundos distópicos”, entre otras.

Generalmente, las secciones de este libro tienen cierto sesgo disciplinario, como por ejemplo la de Cine y Filosofía, denominada “Alegorías de la cueva”, donde todos los escribas tienen título de grado en dicha especialización académica. Lo mismo ocurre con la de Cine y Literatura, “La palabra en imagen”, o con la de Cine y Psicología, “Rosebud”, con especialistas de la literatura y la psicología respectivamente. También en la sección de Cine y Comunicación, “Lenguajes del mundo”, donde el grueso de las notas pertenece a estudiantes y graduados de carreras de periodismo. O la sección “Mundos distópicos”, que también estaba en “La ventana indiscreta” y donde el escriba principal no podía ser otro que un científico naturalista. Incluso en la sección “Arquitectos”, que tiene

como autores de las notas a docentes o estudiantes de la carrera de cine, aún cuando no nos hayamos propuesto que fuera así. Sumamos una sección sobre géneros fronterizos, “Géneros al margen”, donde los escribas realzan los gustos e intereses propios a la hora de ver cine, así como se da continuidad a la línea exploratoria abierta en la sección de Cine y Comunicación, en torno a la categoría de “lenguaje cinematográfico”.

No pretendemos que lo multidisciplinario de nuestra propuesta tienda a la formación de compartimentos de conocimiento endogámicos o estancos. La variedad de áreas teóricas y el unificado interés por el cine, tienen como principal objetivo brindar una reflexión integral y colaborativa del arte cinematográfico. Esperamos que este libro constituya un primer paso en ese auspicioso camino. Álvaro Fuentes Presentación del libro La cueva de Chauvet Con Fernando E. Juan Lima, Fernando G. Varea y Álvaro Fuentes.

Modera Ezequiel Iván Duarte.

HOY, 16.30 I Sala 6 - Paseo Aldrey

Foro Audiovisual Internacional

Cine de coproducción Este año, como parte de las actividades de fomento a la coproducción audiovisual que desarrolla el INCAA, el Festival inaugura el primer Foro Audiovisual Internacional, escenario en el que confluyen tres mercados de coproducción cinematográfica: Lobolab, LatinArab y Mardoc.lab.

El propósito de este nuevo espacio consiste en promover y fortalecer la difusión y comercialización del cine nacional y regional alrededor del mundo. El Foro Audiovisual Internacional fue inaugurado el 23, y se desarrolla entre hoy y mañana en las instalaciones del NH Gran Hotel Provincial, donde más de cincuenta directores y productores del país y la región exponen sus proyectos de ficción y documental en la etapa de desarrollo, frente a referentes de la industria audiovisual de EE.UU., Europa y varios países árabes. Los participantes no solo compiten por importantes premios, como la suscripción de acuerdos para la financiación de sus proyectos, sino que asisten a tutorías, charlas magistrales a cargo de expertos, sesiones de pitching y asesorías presenciales con referentes de las distintas áreas de la industria cinematográfica.

Lobolab ya se había constituido en un encuentro de fomento a la coproducción audiovisual en la edición 2015 del Festival, y en esta oportunidad vuelve a convertirse en una cita obligada para productores, realizadores y actores de la industria cinematográfica internacional. Los representantes latinoamericanos de los quince proyectos de largometraje en etapa de desarrollo que participan en el foro tendrán reuniones con un jurado que, luego de evaluar sus trabajos, otorgará un primer premio de 100.000 pesos

argentinos, un segundo premio que consiste en un pasaje y acreditación al EFM (European Film Market, Berlinale 2017) y un tercer premio compuesto por servicios de post producción integral de la película, otorgado por HD Argentina. Los jurados de la premiación son Luís Urbano, de Portugal, Eva Sangiorgi, de México, y Benjamín Domenech, de Argentina.

Mardoc.lab representa un espacio de intercambio entre los principales referentes del cine documental argentino y los actores más importantes del sector audiovisual europeo. Los representantes de los veinticinco proyectos documentales ganadores del premio al desarrollo otorgado por el INCAA participan de una agenda de encuentros con personalidades destacadas de instituciones y empresas audiovisuales de Europa para difundir sus proyectos, y conocer las posibilidades de financiación que ofrecen los Fondos Europeos al cine documental. Los invitados internacionales son Abel Flores de México, Alejandra Marana de Argentina, Anders Riis-Hansen de Dinamarca, Astrid Castillón Lopera de Colombia, Bruce Rabinowitz de Italia, Valentina Kielland-Gross de Estados Unidos, Gabriela Sandoval de Argentina, Lola Mayo de España, Hanna Kehrwalsd de Alemania, Paolo Moretti de Italia, Paula Gastaud de Brasil y Sonja Henrici de Alemania.

Por último, el Festival Internacional de Cine LatinArab participa de este foro como parte de un proyecto de cooperación audiovisual entre los países árabes y Latinoamérica que consiste en el estímulo de proyectos, acuerdos internacionales y apertura de mercados emergentes para consolidar una industria vigorosa y articulada que atienda a problemáticas y desafíos comunes a ambas regiones. En esta primera convocatoria, participan trece proyectos en desarrollo y en posproducción con potencial de ser coproducciones birregionales; y, dentro del LatinArab Pitch, diez proyectos en fase de desarrollo de los cuales los jurados deberán elegir al Mejor Pitch Documental y al Mejor Pitch de Ficción. Ambos ganadores obtienen el Premio Al Jazeera Documentary Channel, que consiste en la firma de un contrato de coproducción con la cadena por 15.000 dólares, y el Premio Haddock Films, que entrega 40.000 pesos argentinos. Por su parte, los proyectos que ya se encuentran en instancias de posproducción participan del LatinArab WIP, que cuenta con el Premio Lahaye Pomeranec, que ofrece servicios de posproducción por un valor de 15.000 dólares, y el premio SZ Traducciones, que brinda el subtitulado integral al inglés o al español del largometraje terminado.

3 1 º f e s t i v a l i n t e r n a c i o n a l d e c i n e d e m a r d e l p l ata

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autores a d i ó s a A n d r z e j Wa jd a Af t e r i m a g e

El último cuadro Hace poco más de un mes, el 9 de octubre, moría el cineasta polaco Andrzej Wajda. Como legado, nos dejó películas que, durante más de medio siglo, trazaron sus propios caminos dentro del cine mundial. Con Afterimage, su última película con un título testamentario, volvió con todo a su pasión juvenil por la pintura y se despidió con la misma lucidez que tuvo al filmar su obra maestra Cenizas y diamantes.

Poco antes de entrar a su novena década, Andrzej Wajda le confesó a un periodista que le hubiera gustado ser pintor. Si eligió sostener la cámara en vez del pincel es porque le temía a la soledad del artista que vive encerrado en su diminuto y claustrofóbico taller, amaneciendo y yéndose a dormir con la imagen de un cuadro no terminado. Andrzej Wajda nunca podría haber sido esa clase de pintor, aquel que cual rockero rebelde tira un cuadro por la ventana por sentirse bloqueado. Nunca creyó en esas construcciones estereotipadas sobre el artista, por eso jamás se detuvo a contemplar una idea. El director polaco confiaba en las imágenes, y fue así cómo consiguió vencer a los censores que controlaban que no se hable en contra del régimen comunista: poniendo todo el peso en el plano y no en la palabra.

Desde sus 27 años, cuando dirigió su ópera prima, Generación (1955), aquella donde actuaba un Roman Polanski post púber, no paró nunca de filmar, pasando la barrera de las 50 películas. “No hay que esperar a que venga una idea genial. Hay que trabajar con las ideas que tienes”, explicó hace dos años en una entrevista

cuando le preguntaron cómo hizo para mantener la pasión por su trabajo durante tanto tiempo.

Afterimage (2016), la última película que filmó Wajda, es nada más ni nada menos que el retrato de su pintor favorito: Wladyslaw Strzeminski, el creador del unismo, que se convirtió en el artista plástico polaco más importante del siglo XX. La biopic, un proyecto que tuvo en el tintero más de 20 años, dibuja aquella soledad del pintor que tanto temía Wajda, y que finalmente lo terminó acercando al cine.

Pero no desde la locura del bloqueo creativo, porque eso solo se lo pueden permitir los ricos –y a Wajda siempre le interesaron más los personajes pobres que no tienen tiempo para enredarse en crisis existenciales–, sino en cómo lograr que un plato de comida se pose delante de sus ojos cuando el estómago cruja.

Situada en los años 50, en un escenario opresivo donde los artistas eran perseguidos políticamente si no respondían con su obra a la ideología del partido comunista estalinista, Wajda encuadra a Strzeminski (Boguslaw Linda) entre la docencia y la intimidad con su obra, dejando algunos huecos para narrar la particular relación

que tenía con su pequeña hija Nika, fruto del matrimonio con la artista Katarzyna Kobro. La escena más significativa de la película reside en un plano compartido entre padre e hija: la niña visita en el hospital a un Strzeminski enfermo y hundido en la miseria, debido a los derechos que perdió por no pintar lienzos gigantes con la cara de Stalin. Nika sabe que ese encuentro es la despedida, así que decide esconder su calzado viejo y rotoso y llevar puestos unos zapatos nuevos que pide prestados. No es una cuestión de coquetería sino un acto de amor: la niña le hace creer a su padre que por fin pudo comprarse zapatos nuevos para que pueda apagarse sin preocupaciones. Y escribo esta frase estrenando un par de zapatos, para despedirme con esta nota de Andrzej Wajda, el padre que cualquiera hubiera querido tener.

Uno de los primeros trabajos de Wajda, el cortometraje Ceramika ilzecka (1951), comenzaba a partir de un cuadro donde

E n t r e v i s ta c o n F r i mm e l & C o v i

soldados escoltan un carruaje. Era un documental que reflejaba el proceso de trabajo de los ceramistas del pueblo de Ilza (Polonia), resaltando el swing de los tornos cuando agitan sus caderas cubiertas de arcilla. Durante sus 66 años de carrera se dedicó en gran parte a narrar historias de la Segunda Guerra Mundial, denunciando las injusticias y revelando los engaños políticos que ocurrían en su tierra natal, pero también le dio espacio a adaptaciones literarias de época, incluso se dio el lujo de retratar, como persona y personaje, a uno de sus héroes: Lech Walesa. Con su última película vuelve al origen. Cierra el círculo como el 0 que acompaña el 9 que lo precede. Andrzej Wajda fue un pintor como él deseó a sus 20 años, solo que manchó celuloides en vez de lienzos blancos. Maia Debowicz Afterimage HOY, 15.20 I AMB 2

Mister Universo

Lo ordinario excepcional Desde hace algunos años, la prolífica pareja creativa formada por Rainer Frimmel y Tizza Covi, ha explorado las formas más excepcionales de narrar la experiencia cotidiana, con una visión siempre asombrada, humanidad y amor incondicional por sus personajes. Provenientes del documental, pero rechazando la distinción ilusoria entre ambos registros, los directores desembarcan en el Festival para presentar Mister Universo, su última docu-ficción, que después de La Pivellina y The Shine of a Day, viene a cerrar una trilogía dedicada al espacio del circo: sus peculiares personajes, su alegría festiva y sus rasgos más asperos.

La constante interacción que proponen entre realidad y ficción, entre la vida de directores y actores, y la forma en que se conectan está presente en todas sus películas ¿Podrían contarme un poco sobre ésto?

Creo que nuestro interés por este aspecto viene desde nuestros inicios en el trabajo cinematográfico. Empezamos filmando documentales, en cierto punto nos dimos cuenta que queríamos contar nuestras propias historias, pero sin dejar de lado nunca el tipo de registro documental. Siempre nos ha impresionado cuán naturales y honestos son los actores no profesionales fren-

te a la cámara. Un aspecto importante de nuestro trabajo es que cuando filmamos una película somos parte de la vida real de nuestros actores y, a su vez, las vidas de los actores también hacen parte de nuestra película. ¿Por qué eligen el circo como el campo para explorar estas problemáticas? ¿Qué componente les interesa particularmente de este entorno?

Lo primero es que hay personajes muy interesantes viviendo y trabajando en el circo. Y, por otro lado, el circo nos parece una increíble metáfora de la vida y la sociedad. “No todo lo que brilla es oro”, si echás un vistazo detrás del esce-

nario puedes presenciar la lucha diaria de estas personas por la supervivencia.

La idea de lo cotidiano o, más bien, la de encontrar lo excepcional en lo cotidiano cruza su cine.

Sí, transformar lo ordinario en excepcional es uno de los grandes retos que nos proponemos al filmar. Queremos compartir nuestro asombro por los momentos cotidianos de la vida con un público que también se sienta interpelado por ese tipo de sensibilidad. ¿Cómo es la experiencia de compartir el rol de la dirección?

Para nosotros es una gran ventaja, pero no solo compartir la dirección de nues-

tras películas, sino que dividir las labores técnicas como la producción, fotografía, sonido y edición. ¿Cuál dirían qué es la idea unificadora o la preocupación principal que oficia como hilo conductor de la trilogía?

Primero que nada, queríamos pelear contra los prejuicios que existen contra el circo y las personas que trabajan en él, y poder presentarlos desde otro punto de vista. En todo nuestro trabajo intentamos darle a las relaciones humanas y a la humanidad de los personajes un espacio y un rol muy importante.

Mister Universo HOY, 15.30 I PAS 3

visiones E n t r e v i s ta c o n T e d F e n d t

Comedia análoga Con apenas 27 años, Ted Fendt es un joven cinéfilo de Nueva Jersey con el corazón puesto en el fílmico: investigador, proyeccionista del Film Society of Lincoln Center y traductor de obras de Jean-Marie Straub, Alain Resnais o Luc Moullet. Y no solo por eso es jurado este año de la Competencia Argentina: también es cineasta y sus tres cortos son comedias en miniatura que exploran la lentitud y la precariedad de la clase media estadounidense a través de un humor incómodo, sutil y extrañamente divertido. Filmados en 16mm y ampliados a 35mm, además de desplegar un foco que los reúne, este año el Festival exhibe su primer largometraje, Short Stay. Un recorrido pequeño pero contundente, presentado en Mar del Plata por su mismo realizador, el chico prodigio del cine más curioso e inquieto.

Ph: Fabricio Reyna

Es sorprendente cómo te las arreglas para construir comedias muy agudas sin usar bromas ni punchlines. Todo se trata de tiempos, acumulación, cortes precisos. ¿Podés contarme un poco acerca de estos aspectos?

Creo que esto proviene de mi propio sentido del humor. Casi siempre me veo atraído por situaciones que quizás no son evidentemente graciosas, cosas donde el humor está oculto o que son divertidas solo de forma teórica. Además de las primeras comedias sonoras de gente como Harry Langdon y Charley Chase, donde el humor se ve un poco más en la superficie, un gran referente para mí ha sido Luc Moullet, cuya sensibilidad se dirige al humor físico.

El estilo de sus películas no subraya el chiste y es direccionado a esos pequeños detalles cotidianos que tal vez no son para reírse en voz alta, y que sin embargo son verdaderamente divertidos.

Sos un verdadero entusiasta del celuloide, un formato que comienza a desaparecer y que especialmente tus contemporáneos no eligen. Además sos proyeccionista. ¿Podés hablarme de tu relación con el fílmico? ¿Cómo se expresa en tus decisiones al filmar?

Siempre he trabajado con película análoga de 16mm porque es el lo más práctico para filmar en dos sentidos. Por un lado para comprar la cinta y por otro, porque tengo amigos que me prestan sus cámaras. Siempre me he sentido atraído a la ampliación a 35mm, creo que desde que me hice muy consciente de la fuerza expresiva de esta estética, cuando entré por casualidad a una función de Killer of Sheep en Filadel-

fia a los 17 años. Luego descubrí los grandes traspasos de 16mm a 35mm de Rivette y Rohmer. Las imágenes que me interesan solo son posibles usando fílmico, la forma en que la luz y los colores son reproducidos por el negativo y luego por el material impreso, la textura del grano… es difícil hablar y abarcarlo todo.

Otra cosa que noto es que mientras los cineastas dedicados a las películas narrativas están abandonando este formato y sus valiosos colores y texturas, el mismo está renaciendo de forma muy militante en el trabajo de cineastas más experimentales. Hay pequeños laboratorios de artistas en Nueva York (Mono No Aware, Negativland), Vienna (Filmkoop), Berlin (LaboBerlin) y París (L’Abominable), por citar solo algunos. Se abrieron en la década pasada y se han vuelto lugares activos para que los cineastas continúen trabajando con film análogo, desarrollando, editando e imprimiendo ellos mismos. Hace unos años sentía una especie de urgencia por trabajar en fílmico, tenía el miedo de que en cualquier momento iba a desaparecer, pero ahora realmente no creo que sea así.

Sabemos de tu interés por escribir especialmente para tus personajes, que esquivas la dirección de actores. ¿Cómo los elegís y cuál es tu forma de trabajo con ellos?

Empecé a trabajar con unas pocas personas que conocía desde el colegio. Para Short Stay, que tiene el elenco más grande hasta ahora, tendí a hacer casting de forma instintiva y por recomendaciones de amigos.

Por ejemplo, le pregunté a Marta si tenía una amiga

que pudiese interpretar al personaje de roommate y ella me dijo que tenía que conocer a su propia roommate, Meg. Tomamos un café y después de pocos minutos de conocerla, decidí que ella era la indicada.

Quiero trabajar con personas que estén cómodas en el set y que no se sientan obligadas a “actuar” en el sentido psicológico. Estoy más interesado en que la voz natural y el lenguaje corporal del cast se muestre de forma directa. Siempre que la psicología comienza a entrometerse, se vuelve un bloqueo o una pantalla entre el espectador y el personaje.

Sobre las decisiones formales. Tus películas son tan fluidas que uno indefectiblemente deja de pensar en la forma, aunque vos parecés tener varias ideas concretas al respecto.

He intentado gradualmente filmar con un estilo más neutro, manteniendo la cámara a distancia, no ser demasiado expresivo con los encuadres o movimientos de cámara. Siempre con la idea de que exista una experiencia directa de los personajes, presentándolos de la forma que regularmente se usa en los films mudos, o los primeros sonoros.

Pensando en la relación entre cinefilia y realización. ¿Cómo es el correlato y el diálogo entre ser un investigador de cine y un director de cine?

Es difícil de decir. Trato de no ser un derivado de los trabajos que me interesan, pero al mismo tiempo, de no hacer films aislados o desentendidos de la historia del cine. No copio el estilo ni forma de expresión de nadie más. Si hay algo, es que me gustaría que mis películas vuelvan a la inmediatez de los primeros films sonoros. Cuando el sonido viene y añade una cualidad más concreta al cine mudo más abstracto, como es especialmente evidente en los primeros cortos sonoros de gente como Fatty Arbuckle, Langdon, Chase y Keaton. Andrea Guzmán Broken Specs Travel Plans Going Out Short Stay HOY, 22.30 I COL VI 25, 17.30 I COL

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panorama pa n o rama d e l c i n e a r g e n t i n o

Monger

Los hombres equivocados Jeff Zorrilla, californiano que vive hace seis años en Argentina, decidió explorar el turismo sexual de Buenos Aires en Monger, documental que expone a hombres con nociones cuestionables sobre el sexo opuesto que ya no quieren esconder, y que también desnudan en el camino sus debilidades sentimentales.

Quizá ya sea una pregunta muy trillada para hacerle al director de un documental, pero en tu caso es muy pertinente porque trataste con personas que estaban involucradas en situaciones realmente difíciles de exponer públicamente. ¿Cómo te acercaste a los personajes?

Con mi novia Natalia teníamos que pagar el alquiler del departamento, hace unos tres años, y mientras yo me encontraba en el Festival de Cine de Cosquín, ella un día me llama y me comenta que creía que la señora que nos alquilaba era una madama, porque había buscado su dirección de mail y la había encontrado en uno de los foros de turismo sexual que se mencionan en la película. En realidad, esta señora alquilaba otros departamentos por períodos de una semana, los llenaba de champagne y los ofrecía a la gente del foro, era muy popular entre ellos. Mi novia comenzó a recorrer el sitio, terminó obsesionada y a mi vuelta me lo mostró; yo también me interesé mucho y un día me inventé un usuario (“DocMan”) para preguntar si algunos de sus miembros no querían aparecer en un documental sobre el movimiento monger. Al principio recibí muchos insultos, como sucede siempre con Internet, pero luego algunos de ellos me contactaron por pri-

vado, aceptando la propuesta. El primero en responderme fue Ramiro, y nos vimos con él en un bar que de noche se convierte en prostíbulo. Más allá de esa casualidad, yo venía siguiendo hace muchos años el movimiento de la derecha en los Estados Unidos, la idea de la Alt-Right que surgió recientemente, y si bien en principio no parece vincularse demasiado con el documental, yo veía que el machismo que incluye ese movimiento es el mismo de algunos de los personajes, y que en general en el foro coincidía sobre el planteo de dejar de ocultar el estilo de vida y las ideas “políticamente incorrectas” de sus miembros. Yo quería poner eso a prueba: que si no tenían vergüenza, que hablaran frente a cámara. A Joe lo encontré por Facebook, en otra red de mongers, y me contó sobre sus intenciones de ser un famoso en el mundo del turismo sexual. Alan me contactó por el mismo foro que Ramiro, y me parecía un personaje interesante y más sensible, para contrastarlo un poco con los otros dos.

Si bien Alan funciona como una especie de contrapeso frente a las otras dos historias principales, Joe y Ramiro terminan mostrando una carencia afectiva muy grave. ¿Cómo llegaste a “desnudarlos” así?

Con mucho tiempo. A Ramiro lo conoz-

co hace tres años, y como pasa con los documentales terminamos generando una relación, y sintiendo confianza. Es un hombre muy interesante, porque al final me terminó considerando uno de sus pocos amigos reales, e intenta siempre buscar el contacto humano, pero su manera de ver el mundo simplemente a través del intercambio de dinero lo termina alejando de ese contacto. Con Joe fue mucho más difícil, porque es un hombre mucho menos reflexivo sobre sí mismo. Él armó su idea de lo que es ser un hombre a través de Playboy y de la televisión, y no percibe las consecuencias que tienen sus acciones en los demás. Piensa que está ayudando a la gente porque la trabajadora sexual recibe su dinero, la toma como un producto en un mercado. Ellos construyeron su imagen de hombre a través de la cultura norteamericana.

Por otro lado yo quería que estuviera representada la voz de la mujer, y no incluimos a ninguna mujer en el equipo de rodaje porque no queríamos que ninguno de los personajes masculinos del documental suavizara su manera de ser, o lo que dicen. Sí conté con una editora en la sala de montaje, Jimena García Molt, y decidimos estirar

momentos como los de Joe hablando con la trabajadora sexual. Todos sufrimos la incomodidad de esa escena con la batalla de los idiomas, porque ellos no se entienden entre sí, pero también porque pese a eso Joe está al teléfono hablando con Ramiro y diciéndole en inglés que la mujer “Podría estar mejor”, con ella sentada enfrente suyo y como si no existiera.

Justamente esa cultura norteamericana que mencionás quizá se haya traducido en el triunfo de Donald Trump.

Lo que pasó con Trump cambió completamente la mirada que tenía sobre mi película. Yo quería mostrar algo que existe y que la gente ignoraba, porque estos personajes quizá antes se encontraban dispersos en la Internet pero ahora están totalmente a la luz, tanto entre los votantes como desde que se expuso lo que Trump dijo que le hace a las mujeres. Trump se las está haciendo mucho más fácil: las películas les venden sexo, lujo y dinero, pero si ellos hacían esa vida se los consideraba monstruos. Hoy Trump simboliza todo eso.

Juan Francisco Gacitúa

Monger HOY, 19.10 I ALD 4

A u t o r e s E x t r a ñ a p a r e j a

Al partir, un Facebook y un robot Es absolutamente obvio señalar que Internet es el soporte de gran parte de nuestra vida diaria, con excepciones paradójicas como esta nota, si el lector está sosteniendo el Diario en sus manos, antes o después de recurrir a la grilla para armar su cronograma del día. Y justamente hoy hay un doble programa al respecto, con miradas sobre lo virtual y su contaminación en nuestro mundo, y la tan temida intromisión ajena en nuestra vida virtual. Tapen la webcam con cinta así les podemos comentar de qué se trata.

Edward Snowden llevaba una carrera muy satisfactoria para la CIA y posteriormente en la Agencia de Seguridad Nacional de su país, gracias a una habilidad sorprendente para la programación y un entendimiento superior de Internet y sus estructuras, pero nada lo preparó para enfrentar los dilemas éticos a los que su trabajo lo fue apuntalando: las matanzas de civiles a control remoto, los inescrupulosos métodos de captura y especialmente los masivos e indiscriminados métodos de espionaje sobre ciudadanos estadounidenses, muy lejos de la premisa inicial de evitar ataques terroristas.

Su largo, sacrificado y aún continuo camino desde sus revelaciones a su

vida confinado en Rusia, sin chances cercanas de volver a su hogar (y con un futuro presidente que alguna vez tuiteó que debería ser ejecutado), marcó tanto el riesgo al que se expuso su vida desde entonces como el riesgo aún mayor en el que vivimos los usuarios de Internet en todo el mundo, hace ya varios años. Oliver Stone pone su chapa al servicio de una historia electrizante por sí misma, pero que todavía presenta implicancias graves en nuestras vidas más mundanas y amenas, cuando creemos que realmente no tenemos nada que esconder.

Quizá la liviandad y despreocupación de nuestros hábitos virtuales sea la clave de esta situación. ¿Y quién me-

jor para deconstruirlos que el gran Werner Herzog? El hombre que recorrió cuevas, selvas, mares y otras maravillas naturales esta vez decidió detenerse ante nuestras costumbres, y cómo se están modificando a cada avance: la manera en que delegamos grandes responsabilidades de educación, salud, el trabajo y hasta nuestras relaciones al ecosistema virtual, las fuertes ideologías que hemos construido alrededor de la tecnología y los planes cada vez más ambiciosos (y cada vez menos sorprendentes) de algunos visionarios para seguir acercándonos a los sueños futuristas más icónicos. El alemán confronta y expone fuentes tan diversas como auto-

rizadas, enhebra sus reflexiones con su ya clásico y rústico acento inglés, y hasta se anima a colarse en un eventual viaje a Marte con otro adorable demente como es Elon Musk.

La doble oferta se complementa perfectamente: echar un vistazo a todo aquello con lo que ya podemos permitirnos fantasear, y no tener que fantasear con lo que estamos permitiendo que otros puedan ver.

Lo and Behold, Reveries of the Connected World HOY, 14.20, AMB 4 Snowden HOY, 21.00, AMB 1

grilla de programación jueves 24 09.00 | AUD Nocturama

Bertrand Bonello 130’ / INT

10.00 | AMB 3 WIP - Programa 1

Varios directores 120’ / WIP

10.20 | CIN 1 Jesús

Fernando Guzzoni 86’ / LAT

10.40 | ALD 4 Guillaume et les sortileges

Pierre Léon 62’ / LEO

11.10 | ALD 2

E che vo dale / 8’

Gonzalo De Miceu La bijou / 14’

Paula Magnani, Lucila Presa COA

11.50 | PAS 2 X Quinientos

108’ / PCL

12.10 | AUD People That Are Not Me

Hadas Ben Aroya 80’ / INT

12: 15 | PAS 3 Atlal

Los tomates de Carmelo / 14’ Pulso / 15’

Le Parc

Dani Suzuki

Coger un monstruo / 14’

Michael Y. Lei

La madre de las madres / 14’

12.40 | AMB 2 Damien Manivel 71’ / NAU

Samantha Pineda Sierra, Davy Giorgi Los aeronautas / 11’

León Fernández COL

11.30 | ALD 1

Anocha Suwichakornpong 105’ / NAU

14.20 | ALD 1

14.30 | AUD

The Sad & Beautiful World of Sparklehorse

Esteros

Papu Curotto 84’ / PAN

17.00 | AUD

La reconquista

Jonás Trueba 107’ / INT

Era el cielo

Marco Dutra 102’ / INT

17.00 | CIN 2

14.30 | MAR El deseo

14.30 | PAS 2

13.30 | ALD 4

18.10 | PAS 3

17.00 | AMB 4

Los decentes

Albertina Carri 83’ / LAT

16.50 | ALD 2

14.20 | AMB 4

Werner Herzog 98’ / AUT

Thorsten Schütte 93’ / HOR Doce mujeres

Jeanne Balibar, Pierre Léon 80’ / LEO

15.20 | AMB 2 Afterimage

Luis José Moglia Barth 82’ / HOM

17.10 | ALD 1

Hermosos Perdedores Pop

Andrzej Wajda 98’ / AUT

Agustín Arévalo 60’ / HOR

15.30 | PAS 3

17.10 | PAS 2

Mister Universo

Francesco Munzi 72’ / AUT Rust / 14’

Eloy Domínguez Serén Joshua Solondz Montañas ardientes que vomitan fuego / 14’

Samuel M. Delgado, Helena Girón Um campo de aviação / 14’

Joana Pimenta

Sin norte

ALT

18.30 | AMB 1

Fuga de la Patagonia

Hernán Garbarino

WIP - Programa 2

16.00 | ALD 5

Al silencio / 15’

Mariano Cócolo

Varios directores 120’ / WIP

El aprendiz

El teatro

Tomás De Leone 80’ / ARG

19.50 | CIN 2

20.50 | PAS 3

Michele Lupo 97’ / VHS

Buster Keaton, Eddie Cline 18’ El chivo

Buster Keaton,

No me quites Socotra, la isla de los genios

Fernando Guzzoni 86’ / LAT

19.10 | ALD 4 Monger

Jeff Zorrilla 72’ / PAN

20.00 | ALD 1 Corp. / 9’

Este amanecer es un ejemplo / 9’

Leandro Naranjo

Murciélagos / 12’

Felipe Ramírez Vilches

En su ópera prima, Theo Anthony demuestra que es un bicho de ciudad y traza el mapa de la ciudad de Baltimore con ojo de reodor, recorriendo la urbe para descubrir los sustratos sociales, los rincones más sintomáticos de la cultura. En una entrevista con la revista Filmmaker, Anthony explicó su recorrido: “Mi proceso fue una mezcla en partes iguales de recorrer los agujeros negros de Internet y de trabajo de campo sobre el terreno. A veces encontraba algo o alguien interesan-

s ta ff

Diego Trerotola Cecilia Loidi

Gastón Olmos Paula Vazquez Prieto

Snowden

Rat Film

Los decentes

Lukas Valenta Rinner 100’ / ARG

21.40 | CIN 1 Cuatreros

Albertina Carri 83’ / LAT

E che vo dale / 8’ La bijou / 14’

22.00 | AUD

COA

22.50 | ALD 1 Vida de perros

Fernando Arditi, Mariano Vega 62’ / DOC

Emiliano Rocha Minter 80’ / HOR

Alex Tossenberger 94’ / PAN

Paula Magnani, Lucila Presa

Mat Whitecross 122’ / HOR

21.40 | ALD 5

QTH

Gonzalo De Miceu

Supersonic

23.00 | PAS 1

Al silencio / 15’

Mariano Cócolo

22.40 | CIN 2

Theo Anthony 82’ / DOC

22.00 | ALD 4

te online y salía a filmarlo al día siguiente. Pasé tanto tiempo caminando y manejando por la ciudad, como el tiempo que estuve vagando por Google Maps. Esa mezcla de distancia e intimidad es algo con lo que traté de jugar.” El juego de Rat Film es una cartografía contemporánea, que mezcla distintas formas documentales para explorar y llegar donde antes ningún animal ni ser humano se había animado a meter el hocico.

Rat film HOY, 21.00 I AMB 3

Tom Gries 194’ / VHS

El pozo / 15’

V e n ta n a D o c u m e n ta l R at F i l m

Hacerse la rata

Los crímenes del clan Manson

21.00 | AMB 3

Hernán Garbarino

Jesús

22.30 | COL

Relicto. Un relato mesopotámico

Pablo Polledri

14.00 | AMB 3

La contraseña

Carles Torras 83’ / ESP

Aux quatre coins / 20’ Ted Fendt Le Quadrille / 40’ 61’ / FEN Le Divertissement 22.30 | PAS 2 / 45’ Mientras el Jacques Rivette cuerpo aguante AUT

64’ / ESP

18.50 | ALD 5

Callback

François Truffaut

April Mullen 90’ / AUT

Under the Shadow Jordi Esteva

Babak Anvari 84’ / HOR

Diego Galán 95’ / CIN

Broken Specs / 6’ Travel Plans / 7’ Going Out / 8’ Short Stay

Los 4 golpes / 3’

Laura Jou 14’

Felipe Ramírez Vilches El pozo / 15’

20.40 | AMB 2

Masao Adachi 113’ / ADA

20’

Seoul Station

19.40 | ALD 2

Oliver Stone 134’ / AUT

Yeon Sang-ho 92’ / HOR

Murciélagos / 12’

Robert Siodmak 87’ / NOI

Juan Sebastián Mesa 84’ / PCL

19.50 | PAS 2

Nate Parker 119’ / NAU

Leandro Naranjo

La dama fantasma

Los nadie

Prisoner/ Terrorist

18:15 | AMB 3

18.50 | CIN 1

El nacimiento de una nación

22.30 | ALD 2

19.30 | MAR

21.00 | AMB 1

17.40 | PAS 1

14.00 | ALD 2

20.20 | PAS 1

Hadas Ben Aroya 80’ / INT

Pierre Léon 75’ / LEO

Neergaard-Holm 96’ / CIN

15.50 | AMB 1

Este amanecer es un ejemplo / 9’

Manda huevos

Laura Sánchez Acosta 94’ / HOR

Fernando Lavanderos 93’ / PCL

Pablo Polledri

22.20 | AMB 4

L’Adolescent

19.40 | AMB 4

Tizza Covi, Rainer Frimmel 90’ / AUT

Alex Crowton, Bobby Dass 83’ / HOR

20.00 | COL

People That Are Not Me

Luna e Santur / 11’ Below Her Mouth

Javier Zevallos, Francisco D’Eufemia 78’ / ARG

Corp. / 9’

19.30 | AUD

David Lynch: Eat that Question: The Dockworker’s The Art Life Frank Zappa in His Dream / 18’ Jon Nguyen, Rick Own Words Bill Morrison Barnes, Olivia

17.00 | MAR

Par exemple, Electre

18.00 | AMB 2

Assalto al cielo

Choi Woo-young, Steven Dhoedt 90’ / DOC

Lo and Behold, Reveries of the Connected World

Malcolm St. Clair 20’ / KEA

Jessica Rodríguez Sánchez 96’ / LAT

Adriano Salgado 65’ / PAN

13.10 | ALD 5

Cuatreros

Espejuelos oscuros

Reach for the SKY

Carlos Schlieper 88’ / HOM

Lukas Valenta Rinner Wilson Arango Aire quemado / 14’ 100’ / ARG Yamil Quintana 13.10 | CIN 1 Ascensión / 10’

16.00 | CIN 1

By the Time It Gets Dark

Romántico Juan Andrés Arango italiano

Djamel Kerkar 111’ / ALT

Danilo Baracho

14.10 | CIN 2

Nocturama

Bertrand Bonello 130’ / INT

Tenemos la carne

23.20 | AMB 2 The Challenge

Yuri Ancarani 69’ / NAU

23.40 | AMB 3 Female Student Guerilla

Masao Adachi 73’ / ADA

00.00 | AMB 1 The Greasy Strangler

Jim Hosking 93’ / HOR

Función agregada: EL VAMPIRO NEGRO Flamante copia del clásico de Viñoly Barreto con Olga Zubarry. Un gran film noir argentino.

Hoy, 17.30, COL Andrea Guzmán Juan Francisco Gacitúa

COLABORAN HOY Maia Debowicz

3 1 º f e s t i v a l i n t e r n a c i o n a l d e c i n e d e m a r d e l p l ata

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