Día #10

Diario del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

N°10 domingo 27 de NOVIEMBRE DE 2016

Distribución Gratuita

Hasta la victoria, siempre La última jornada del Festival es de pura fiesta: cineastas y películas ganadoras de todas las competencias celebran las victorias. Y el público todavía tiene un día completo para seguir viendo el cine del que hablará hasta la próxima edición. Un triunfo del cine para todo el mundo. Nos vemos el año que viene.

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competencia internacional Mejor Película

People that are not me La joven cineasta israelí de 27 años, Hadas Ben Aroya, ya había llamado la atención con su corto Sex Doll, un recorrido en miniatura lleno de glitter, referencias pop y rosa furioso sobre el colorido despertar sexual de una pre adolescente. Este año, la directora presentó su ópera prima, People that are not me, un retrato generacional que filmó usando estrictamente a actores no profesionales: “hacer un film sobre gente auténtica requiere también una estricta dosis de autenticidad por mi parte” dijo la directora. Junto a sus amigos y a modo de relato de iniciación, recorre a través del sentido del humor, el letargo y el descreimiento de su época, la vida de una veinteañera tan perdida como impetuosa que vaga por la ciudad comiendo comida chatarra, aferrada a sus auriculares y viviendo en una extrañada y alienada y muy activa sexualidad.

“En realidad, hay muchas películas que me encantan cuyo tema es la sexualidad femenina, esta es una subcategoría que me gusta particularmente. Con Sex Doll, me centré en la sexualidad femenina en las etapas iniciales de su desarrollo, que personalmente me parece fascinante porque, por una parte, las chicas jóvenes se sienten muy sexuales y descubren muchos impulsos fuertes y nuevas pasiones, pero por otra, todavía son torpes y los chicos su edad no han alcanzado la misma

etapa aún, entonces se quedan en una especie de limbo, no son de aquí ni de allá. Este fue el estado que quise retratar en esa película” declaró Ben Aroya. En el caso de People that are not me, la joven realizadora retoma estos temas recurrentes, pero lo hace alejándose de la intimidad del cuarto de una adolescente para retratar una soledad urbana y una incomodidad generacional. “La sociedad occidental les enseña a los jóvenes que son como pequeños unicornios especiales. Bueno, yo no. Y quería hacer una película sobre todos aquellos que crecieron pensando que eran unicornios, sobre mis amigos y sus vidas no unicornianas. Quería hacer una película sobre mí, sobre mis amigos y mi generación. Quería hacer una película que no fuera biográfica ni pornográfica. Con suerte, si el espejo que pongo es lo suficientemente claro, podré hacer que se rían al verse a sí mismos intentándolo”.

M e j o r d i r e c t o r S c a r r e d H e a r t s

Radu Jude Uno de los directores imprescindibles de la Nueva Ola Rumana, Radu Jude, recorre la historia de su país a través de la poesía y la enfermedad de Max Blecher, uno de los poetas malditos y olvidados de los años 30, amenazados por el fantasma fascista que luego impregnaría a toda Europa. Scarred Hearts no solo da cuenta de las tensiones entre el cine y la Historia, entre la creatividad artística y el dolor físico, sino que narra con pulso certero la vida de un hombre, sus amores y el alma escondida detrás de las que serían sus últimas palabras.

Es importante la forma en la que elige delinear el contexto político de ese momento: las conversaciones de Blecher con algunas personas que simpatizaban con el fascismo y su argumentación en contra de la ideología antisemita. ¿Se basó en la vida del autor además de en sus escritos?

Estas son cosas que no están en sus escritos, sino que se descubrieron después. Él murió justo en el momento en el que Rumania se estaba convirtiendo en un Estado fascista.

No quise huir de este aspecto porque para mí fue muy doloroso tomar conciencia de la conexión de mi país con el antisemitismo y el nazismo. Rumania fue el segundo país, después de Alemania, con mayor cantidad de muertos judíos. Esto es algo de lo cual a la gente no le gusta hablar, y yo quería incluir esa parte en la película porque mi lectura de Blecher es desde el presente hacia el pasado. Creo que es importante verlo bajo esta luz.

El contexto de la inminente guerra contribuye a crear esa atmósfera opresiva que rodea a Blecher. Su encierro se filtra al estilo de la película y el entorno se va haciendo cada vez más cerrado, más claustrofóbico, sobre todo gracias al uso de la cámara fija. ¿Pensó en esta relación entre la historia y la puesta en escena?

Sí, por supuesto, la idea era poner en relación la puesta con la parte narrativa, jugar con las convenciones del cine. La gente suele creer que cuanto más se mueve la cámara, o algo en la pantalla, más cinematográfica es la película. Aquí los personajes se mueven muy poco, así que establecí que la cámara debía moverse muy poco para lograr lo opuesto a lo que exige la convención; para ir en contra de la idea de que el cine debe estar moviéndose todo el tiempo. El encierro de Blecher es el nuestro frente a la pantalla.

Entrevista de Jeremy Elphick en el pasado Festival de Locarno.

M e j o r G u i o n p a r a d i s e

Andrei Konchalovsky “Durante el nazismo, la idea de un paraíso alemán se usó para justificar el asesinato de millones de judíos que, según el pensamiento de Hitler, habían causado la decadencia de Alemania. En ese momento, el destino de mi propia familia cambió radicalmente y nos convertimos en refugiados. Ahora, una vez más y menos de un siglo después, estamos asistiendo nuevamente a esa misma histeria racista. Tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo, nuestra única esperanza consiste en redescubrir lo que esa idea de paraíso justificó, para no olvidar nunca y, lo más importante, no repetir nunca esa tragedia.” El guion que Andrei Konchalovsky sitúa en plena Segunda Guerra Mundial es mucho más que la historia de prisioneros de campos de concentración, de soldados seguidores del ideario de exterminio nazi y del colaboracionismo moral en los países ocupados: representa el encuentro entre presente y pasado a partir de los destinos de tres personajes para los que muerte y paraíso se han convertido en una misma realidad.

Konchalovsky deja entrever, en la compleja escritura del universo de Paradise, que aún debajo de la inhumanidad de los tiempos bélicos y la desesperación que impone la supervivencia, late el deseo de aferrarse a la vida, un deseo vital e irrenunciable, el mismo que impulsa a comprender ese escenario opaco y ajeno en el que se encuentran inmer-

sas cada una de sus criaturas. “Intenté comprender y amar a mis personajes. Porque es fácil retratar a un nazi como un animal o como un sádico, y hacer sentir al espectador inmediatamente que es malvado, que es una mala persona. El mal es mucho más sofisticado. Y eso fue aquí lo importante para mí. Me gustan los tres personajes, las relaciones que se establecen entre ellos, la ocasional colaboración que se gesta en ese encuentro. Y me gusta este oficial nazi, por eso me hace sufrir. En general, en la vida, cuando querés a alguien y esa persona hace cosas terribles, no dejás de amarla por eso. Solo sufrís. Creo que no hay que ofrecer prejuicios y verdades digeridas al espectador. Hay que propiciar el encuentro con la seducción del personaje, nada más. Como en toda gran novela, siempre podés querer a personajes maravillosos aún cuando estén totalmente equivocados.”

competencia internacional Mejor actriz

aquarius

Sonia Braga Clara es una viuda de 65 años, crítica de música retirada, dueña de una vivacidad envidiable y de un departamento junto al mar donde ha pasado toda su vida. Aunque Clara ha jurado quedarse en su hogar hasta la muerte, una empresa que ya ha comprado todo el lote de departamentos amenaza con planes diferentes para el edificio. Sônia Braga interpreta a una mujer con todas su complejidades, con un ímpetu y tenacidad que la industria del espectáculo generalmente se niega a permitir a las mujeres de su edad y que, en su opinión, es uno de los mejores roles de su carrera.

Has estado en muchos films grandiosos pero Clara, tu rol en Aquarius, es realmente sorprendente.

Clara es el mejor rol, tengo que decirlo. Cuando leí el guion, mi corazón latía tan rápido que me quedé sin respirar porque página tras página, todo tenía mucho sentido para mí. Era casi como ciencia ficción porque todo parecía muy familiar.

El personaje está basado en la madre de Kleber, pero en Clara yo veía a mi propia madre y a la madre de mi madre. Veía a esas mujeres luchadoras de los años 60 que creían en convertir a Brasil en un lugar mejor para todos. Y veía a las mujeres que conocí cuando empecé a hacer películas. Todas estas mujeres venían a mi con

Mejor actor

Clara. Su personaje estaba dentro de mi, pero igualmente para interpretarlo necesitaba un maestro que me dirigiese y Kleber es uno. Es un observador del mundo, una mezcla de filósofo, político, artista y crítico de cine. Él ilumina todo lo que hace.

Es raro ver una actriz en sus 60s interpretando un papel tan imponente. Clara realmente lo hace todo.

En uno de los festivales en los que estuvo la película, una chica me preguntó por qué nunca vemos mujeres como Clara en las películas. Y tenía mucha razón. No las vemos en las películas, pero las vemos en nuestra vida diaria. A la industria no le gusta mostrarlas, pero las mujeres como Clara no son parte de la ficción. Las encuentras en tu vida, así que en ese sentido Aquarius es casi como un documental porque muestra cómo es realmente en la vida.

M o o n l i gh t

Mahershala Ali El guion de Moonlight de Barry Jenkins llegó en un momento ascendente de la carrera del actor Mahershala Ali, muy reconocido por su papel en la serie House of Cards. “Pensé que era lo mejor que había leído,” confiesa Ali a la revista Indiewire sobre el guión de Moonlight. “Estaba en la oficina de mi agente y varias personas diferentes se acercaron a decirme: ‘Tenés que leer Moonlight, hay un papel muy bueno para vos.’ Probablemente fueron tres o cuatro personas que mencionaron Moonlight en el tiempo que estuve en la oficina. Así que se hablaba mucho sobre el proyecto. Yo era un fan de Barry Jenkins porque había visto Medicine for Melancholy –que fue hecha en 2008–, y en ese momento yo estaba viviendo en Bay Area, así que realmente me conecté con esa película sobre la gentrificación en ese lugar. La combinación del rumor que me precedió antes de leer el proyecto con sentarme a leerlo y movilizarme a través de esta historia con una respuesta tan visceral, hizo que yo estuviese definitivamente feliz de ser parte”.

En Moonlight, Mahershala Ali interpreta a Juan, un cubano exiliado en Estados Unidos que protege a Little, un niño gay que sufre el bullying de sus compañeros de escuela. Ali tuvo una comprensión profunda de su personaje, para terminar creando una interpretación de sensibilidad extraordinaria: “Juan es un cubano de piel muy

oscura, y la gran mayoría de los cubanos en Miami son de piel bastante clara –Barry y yo hablábamos mucho de esto–. Creo que Juan estaba tratando de asimilarse de alguna manera y adoptó conscientemente aspectos de la cultura afroamericana, porque eso es lo que estaba más cercano a él. Creo que encontró cierto grado de consuelo en la comunidad afroamericana, aunque él no es afroamericano. Así que no encaja totalmente con ninguna de las comunidades en Miami. Realmente no tiene su tribu. Así que reconoce lo que Little está experimentando; de alguna manera, es un reflejo de su propia experiencia y crianza, la de él sin sentirse realmente contenido o luchando por identificarse con quien realmente era.”

M e n c i ó n E s p e c i a l N o c t u r a m a

Léo Hinstin La carrera de Léo Hinstin lleva poco más de una década, pero es abrumadora en variedad y cantidad: más de 30 participaciones en cine, trabajos para publicidad, videos musicales y hasta pequeñas obras para instalaciones en distintos museos del mundo. La versatilidad para el cine es fundamental, pero en el caso de un director de fotografía debe ser un desafío extra. Hinstin se expone a las tareas más disímiles entre sí, alternando entre una producción industrial nutrida en explosiones y disparos y obras de diez minutos realizadas en 16 milímetros, o entre un documental dirigido por Claude Lanzmann y una publicidad de la casa de comidas rápidas más famosa del mundo. Si cada formato tiene sus particularidades y hasta sus límites creativos, el mérito de Hinstin se combina entre su capacidad de adaptación a cada necesidad y el avance que cada trabajo significó en la construcción de su estilo.

Por todo esto, el reto de Nocturama no debe haberle resultado extraño. Ya había participado en una película con una faceta poco amistosa de París, As Above, So Below; y en Sin escape de John Erick Dowdle demostró que el vértigo de un tiroteo no tiene por qué sacrificar ni un ápice de belleza y corrección pictóricas. Como afir-

maba en una entrevista el director de esta última película, al hablar sobre Hinstin, “Simplemente amamos su estilo, su actitud optimista y las imágenes que consigue. Es muy punk rock y no se siente atado a las reglas. La mayoría de los DP están como ‘No, no, esperá una hora por la luz’, y Leo Hinstin simplemente se muestra dispuesto”. Para ese rodaje, había llegado desde Francia sin llevar a ningún asistente, trabajando exclusivamente con técnicos tailandeses. Esa actitud y esa capacidad de arreglárselas con cualquier disposición de los recursos conformaron un cuerpo de trabajo que es toda una proeza y una demostración de ingenio, para un período en el que creemos que podemos embellecer cualquier imagen desde nuestros celulares.

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Competencia latinoamericana Mejor Película

Martírio Vincent Carrelli, como conductor de un grupo de cineastas comprometidos íntimamente con el drama de los indios guaraní-kaiowa en Mato Grosso del Sur, define a la situación actual de las comunidades como la más dramática en más de 100 años de conflicto con el gobierno brasilero. Martírio es la denuncia audiovisual, respaldada por imágenes de archivo de casi cuarenta años de trabajo con los indígenas, y es la voz que unifica esas voces que son desoídas por “acciones etnocidas”. Es la cruel síntesis de un conflicto que no vislumbra una solución en un futuro cercano y, a la vez, la obra que resume “años de trabajo como indigenista y como cineasta”. ¿Cómo nace el interés en el tema de Martírio?

Con más de cuarenta años de vivir y trabajar con los pueblos indígenas, todo lo que afecta a los indios me afecta demasiado. El caso del genocidio de los índios guaraníkaiowa, es la situación más dramática de la realidad indígena brasileña contemporánea. El número de homicidios creció de forma exponencial a partir de 2011. Fue ahí que tomé la decisión de emergencia de reconectarme con este drama y enfrentar el desafío de esta película.

Llama mucho la atención la cantidad y calidad del material de archivo utilizado, ¿cómo fue la búsqueda y la selección de los archivos para contrastar con la realidad de hoy y la historia contada por sus propios protagonistas?

Fuimos a buscar la historia del origen del despojo de los indios, y nos pareció que era un proceso muy bien documentado, incluso en los documentos oficiales. Sobre

la cuestión de fondo es la historia de la relación autoritaria del Estado brasileño con las poblaciones indígenas y su proyecto de disolución etnocida de los indios en general. ¿Cuáles fueron los desafíos a la hora del rodaje?

El desafío fue testimoniar la opresión violenta que estas personas viven día a día, sentir la rebelión, la indignación, y la tristeza de la impotencia ante la situación. La única acción posible en estos momentos es la película, para compartir, informar, gritar a los cuatro rincones del mundo, y en la cara del país, esta barbarie. Agustina Salvador Para ver la versión original extendida de la entrevista www.mardelplatafilmfest.com

Premio Especial del Jurado

El auge de lo humano En su estreno en el último Festival de Cine de Locarno, Eric Kohn escribió un texto sobre El auge de la humano, de Eduardo Williams, que ubicaba a la película como uno de los estrenos del año. Reproducimos algunos fragmentos de su crítica: El auge de lo humano da un paso adelante en su formalismo aventurero, desplazándose desde diferentes lugares del planeta de manera seductora, superando trucos de cámara más caros con incesante innovación. Con ingenio argumental, la película ofrece mucho menos contenido, pero es rica en observación. El viaje comienza con Exe, de 25 años de edad, quien es despedido de su aburrido trabajo en el supermercado local y pierde sus días con amigos, jugando sexualmente frente a una cámara web para ganar dinero con cibersexo. Mientras Exe se pasea del vecindario inundado hasta los interiores oscuros y sombríos de su departamento abarrotado, los transeúntes ocasionales advierten la cámara temblorosa, que a menudo se queda atrás y se desvía fuera de su curso.

Ese enfoque parecería una aproximación de aficionado si Williams no estuviera usando agudamente el estilo del cine amateur para explorar estas vidas en términos íntimos. Posteriormente, Exe carga un video online de algunos jóvenes de Mozambique que participan de un exhibicionismo similar, y amplía sus caras para llenar la pantalla. Mientras que la escena transcurre, sin ningún filtro, Williams nos mete en la habitación con ellos -y permanecemos en su mundo, que está claramen-

c o mp e t e n c i a d e c o r t o s

AIRE QUEMADO El corto mexicano Aire quemado, dirigido por Yamil Quintana, es el relato de tres amigos adolescentes que pasan el día jugando y divirtiéndose a bordo de una camioneta. Cargando con un misterioso bulto en el baúl, los amigos son perseguidos y alcanzados por el flagelo de una violencia que termina cambiando el rumbo de sus historias para siempre. Quintana nació en Oaxaca, México. Trabaja como guionista y periodista. Aire quemado es su primer corto.

te lleno de las mismas preocupaciones de Exe: el enojado Alf odia su trabajo, no puede soportar su barrio y quiere algo mejor. Eventualmente, él huye de la ciudad con otro amigo, y El auge de lo humano encuentra una vez más su camino a otro capítulo.

Al igual que el trabajo de cámara flotante en Enter the Void, la perspectiva en El auge de lo humano tiene en general una cualidad fantasmal, creando el sentido del voyeurismo aun cuando la fuente de la perspectiva permanece incierta. Eso, por sí mismo, es una declaración provocativa sobre el grado en que la vida privada ya no existe. (...)

El auge de lo humano ofrece un astuto comentario sobre la disonancia de la conectividad tecnológica y la comunicación personal. No importan las posibilidades de red global que ofrece la era digital, todavía es posible sentirse solo. Eric Kohn

otros premios

premio DAC Mejor Director Argentino en Competencia Néstor Frenkel por Los Ganadores

Competencia argentina Mejor Película

EL APRENDIZ En su ópera prima, Tomás De Leone elige retratar una historia construida desde el interior de su personaje, hacia el afuera profundo de un pueblo indiferente. Pablo, el protagonista, trabaja de aprendiz en una cocina, lugar que funciona como único refugio de sus sueños. Con un entorno familiar complejo y sus amigos que deciden ganarse la vida de manera non sancta, Pablo se debate entre la aceptación de su destino y el miedo a sus deseos. Con brillantes y sutiles actuaciones, El aprendiz despliega una insondable observación sobre las vacilaciones que cruzan la mente antes del inevitable salto al vacío. ¿Cómo fue tu acercamiento al tema de la película?

Empecé a escribir el guion con la misma perspectiva del mundo que tiene el personaje del film. Mucho deseo, muchas ganas, pero imposibilidad de poner todo eso en acción, de dar ese paso inicial. Por ese entonces viajé a Quequén -donde transcurre la película- y al ver esos escenarios, que combinan lo agreste y lo industrial, me pareció que había encontrado el marco de la película. La historia nació con esas primeras impresiones que tuve ahí.

Un pueblo ventoso, portuario y algo despoblado. Tuve una conexión inmediata, porque esas imágenes escenificaban una sensación que yo llevaba conmigo. Cuando tuve el espacio, lo demás fue comenzar a seguir al personaje principal y el vagabundeo que tiene. Y digo vagabundeo, no por el hecho de caminar sin rumbo, sino por su falta de hoja de ruta.

Tu película trabaja sobre una violencia latente, los conflictos personales de un protagonista en busca de su identidad, y los desajustes a los que se enfrenta, ¿qué elementos tuviste en cuenta a la hora de la escritura del guion para lograrlo?

Quería que los diálogos no fuesen una verbalización de lo que le pasa a los personajes. Quería evitar esos atajos. Que la narración en sí misma contase lo que les pasa. Es por eso que hay una serie de situaciones en la película que pueden parecer cotidianas, comunes y silvestres, pero que son atravesadas por la violencia, pero en forma asordinada. De hecho, creo que la película es un drama asordinado. Los personajes hacen un gran consumo de energía para reprimir lo que está sucediendo. Y el personaje principal, Pablo, está metido en esa lógica. Hasta que aparece Mercedes -Malena Sánchez- y propone otro modo. Otro modo de estar y de vincularse con el mundo. Y eso es muy subversivo para Pablo. Elegir el modo en que nos relacionamos con los demás es un ejercicio de compromiso muy grande con uno mismo.

Yo creo que Pablo transita ese camino, el de entregarse a sí mismo para poder darse a los demás, que no es otra cosa que un ejercicio de autoafirmación. Agustina Salvador Para ver la versión original extendida de la entrevista www.mardelplatafilmfest.com

M e j o r d i r e c t o r L o s d e c e n t e s

Lukas Valenta Rinner Lukas Valenta Rinner repite triunfo en nuestro Festival, tras haber ganado con Parabellum el premio de Mejor Película del Panorama Argentino, en la edición anterior. Cuando le describió a Agustina Salvador en el sitio oficial del Festival sus intenciones con Los decentes, por la que se lleva el galardón a Mejor Dirección, contó que quiso “explorar lo que pasa cuando las normas sociales comienzan a corromperse. Es una temática que ya estaba presente en Parabellum. Desde el guion planteamos esta progresión a través de nuestra protagonista Belén.

Ella comienza como un personaje gris y oprimido. Pero a lo largo de la película, con su liberación, que va surgiendo en el club nudista, aumenta también la presión en la casa, y poco a poco comienza a rebelarse a través de pequeños sabotajes, hasta que en algún momento el equilibrio estalla”.

Sobre la estructura de las escenas en Los decentes, Rinner señaló que “comienzan generalmente después del núcleo de acción. Como la película narra varias historias que hablan de la comunicación, o mejor dicho de la no-comunicación y el desencuentro, me parece que estos momentos anticlimáticos pueden resultar muy trágicos y có-

Mejor corto

MURCIéLAGOS Dirigida por Felipe Ramírez Vilches, Murciélagos explora la vida íntima de un equipo de jugadores de la Selección Argentina de Fútbol para Ciegos, cuyo logro deportivo ha recorrido el mundo.

Pasión, sangre, sudor y lágrimas: la historia de futbolistas que, frente a la dificultad, la clavaron en el ángulo. Ramírez Vilches nació en Capital Federal en 1993. Actualmente se encuentra en el segundo año de diseño de Imagen y Sonido en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Murciélagos es su primer documental.

micos a la vez. Pero pienso que aunque había una base en el guion, mucho de lo que vemos en la película se generó durante el rodaje con los actores. Entre Mariano Sayavedra e Irdide Mockert se creó una energía muy especial, que aparecía cada vez que poníamos la cámara, y que no necesitaba palabras”.

La dirección de actores y la soltura que demostraron para interpretar un guion audaz develan el trabajo cuidadoso de Rinner, para una película en la que los cuerpos ponen en tensión las relaciones humanas y sus límites, además de las formas alternativas de conectarse a través de lo erótico. Tuvo recompensa.

m e j o r d i r e c t o r AL SILENCIO

Mariano Cócolo Con Al silencio, Mariano Cócolo se propuso contar la historia de una despedida, una elegía, el viaje de un hombre al corazón de la montaña. En su espalda, ese hombre carga todo el peso de su historia; como una cruz, un gran bolso lo acompaña en su andar. Cócolo estudió en la Escuela Regional Cuyo de Cine y Video, en Mendoza. Es director de fotografía y cámara. Al silencio es su primer cortometraje. Actualmente desarrolla su primer largometraje, La casa, seleccionado en el Concurso Raymundo Gleyzer y ganador del LABEX 2015.

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otros premios premios no oficiales / foro audiovisual internacional / concursos / wip

MAR DE CHICOS

Mencion videomanía latinoamericana

Mejor Corto

JONAS & THE SEA de Marlies van der Wel

“Invisible”, por Fakuta y Cristóbal Briceño, de Rosario González

Mención Especial

Mención videomanía internacional

LIKE de Daniel Martínez Lara & Rafa Cano Méndez

Mención Especial

SPRING JAM de Ned Wenlock

“Señorita”, por Vince Staples, de Ian Pons Jewell

ADF

Ventana Sur

“Blood Window”

Mejor Director de Fotografía de la Competencia Internacional

El premio consiste en una proyección especial exclusiva para la industria durante la próxima edición de Blood Window en Ventana Sur, el mercado de cine latinoamericano que se realiza del 29 de noviembre al 3 de diciembre en la ciudad de Buenos Aires.

Hipersomnia de Gabriel Grieco

Marius Panduru por SCARRED HEARTS de Radu Jude SIGNIS

Mejor Película de la Competencia Internacional

Lahaye Post

Mejor Película Panorama Argentino

Scarred Hearts de Radu Jude

SOLDADO ARGENTINO SOLO CONOCIDO POR DIOS de Rodrigo Fernandez Engler

Mención especial

EL CRISTO CIEGO de Christopher Murray

SAE Premio a la trayectoria César D´Angiolillo (editor, director)

ACCA

Mejor Película de la Competencia Internacional

Mejor Edición de Película Argentina de todas las Competencias

Aquarius de Kleber Mendonça Filho

Valeria Otheguy por PINAMAR de Federico Godfrid

FIPRESCI

Mejor Película Argentina de todas las Competencias

Sadaic

Mejor Música de Película Argentina de todas las Competencias

Los globos de Mariano González FEISAL

Darío Ramos Maldonado por AMATEUR de Sebastián Perillo

Mejor Película de Realizador Latinoamericano de hasta 35 años todas Competencias

SAGAI “Patacón de Cine”

Mejor Actriz Revelación

Jessica Rodriguez Sánchez por ESPEJUELOS OSCUROS

Iride Mockert por LOS DECENTES de Lukas Valente Rinner

MENCIóN

Christopher Murray por EL CRISTO CIEGO

MENCIóN

SICA

Los Inrocks

Mejor película Hora Cero

EL MAGO DE LOS VAGOS de Pedro Otero

Premio WIP Latinarab Bajar, subir, bajar de Elad Abraham

Premio lobolab 3er premio Incentivo Incaa para Un crimen común de Francisco Márquez y producido por Maximiliano Schonfeld 2do premio especial del jurado-Alta definición Argentina para El empleado y el patrón (Uruguay) dirigida por Maniel Nito y producida por Delfina Montecchia Proyecto Ganador Lobolab para Loba (Bolivia) dirigida y producida por Kiro Russo

Concurso de Graffitis

Frank Robles Abril Raineri Emmanuel Pelegrino Delfina Linares

MEJOR TRAILER

Daniel Casabe Emiliano Torres

MEJOR AFICHE

Pablo Di Patrizio

MEJOR ENSAYO CINEMATOGRAFICO

Domingo Di Nubila María Aimaretti

Argentores

Fernando Restelli por Construcciones de Fernando Restelli

Fernando Ramondo por NO TE OLVIDES DE MI de Fernanda Ramondo

MARTíRIO de Vincent Carelli

Premio Haddock Films al Mejor Pitch de Ficción de Foro de Coproducción Latino Árabe 2016 para Casarao de Cintia Domit Bittar

WIP

Mejor Guion de Película Argentina de todas las Competencias

Realización Técnica y Temáticas Sociales de Película en Competencia Latinoamericana

Premio Latinarab Premio Al Jazeera documentary Channel al Mejor Pitch Documental para In the heart of the dead de Gilmar Rodríguez

Mejor Actor Revelación

Nahuel Viale por EL APRENDIZ de Tomás de Leone

Arturo Castro Godoy por EL SILENCIO

Foro Audiovisual Internacional - Argentina

Cinecolor

Cono del Silencio

Vladimir Durán por Adiós Entusiasmo de Vladimir Durán

INCAA

Natural Arpajou por Extraño de Natural Arpajou

INCAA TV

Mejor Corto INCAA TV

MURCIéLAGOS de Felipe Ramírez Vilches

Premio del Público

Mejor película - Cinecolor

Aquarius de Kleber Mendonça Filho

grilla de programación domingo 27 10.00 | AUD

13.30 | ALD 4

14.30 | PAS 2

16.20 | ALD 4

17.30 | COL

18.50 | CIN 1

20.00 | ALD 1

Moonlight Barry Jenkins 111’ / INT

Murciélagos

Los ofendidos

Nacido en Siria

Irma Vep

Pinamar

L’Idiot

Marcela Zamora 82’ / PCL

Hernán Zin 80’ / DOC

Olivier Assayas 99’ / ASA

Federico Godfrid 83’ / ARG

Pierre Léon 61’ / LEO

Na Hong-jin 156’ / HOR

14.50 | AMB 3

16.50 | ALD 2

17.40 | PAS 1

20.10 | AMB 3

Videomanía 1

Deux Rémi, deux

Zipi & Zape y la

19.10 | ALD 4

Downhill

Varios directores 80’ / HOR

Pierre Léon 66’ / LEO

isla del capitán

Austerlitz

15.00 | PAS 1

17.00 | AMB 4

Sergei Loznitsa 95’ / AUT

La casa eléctrica

19’

Los ganadores Néstor Frenkel 78’ / ARG

10.20 | CIN 2 Martírio

Vincent Carelli, Ernesto De Carvalho, Tatiana Almeida 162’ / LAT

11.10 | ALD 2 The Dreamed Path

Angela Schanelec 86’ / AUT

12.10 | AMB 3 Liebig

Christian Ercolano 68’ / PAN

12.30 | CIN 1 Aquarius

Kleber Mendonça Filho 142’ / INT

12.40 | AMB 2 Night and Fog in Zona

Jung Sung-il 235’ / WAN

12.50 | PAS 3 Life After Life

Zhang Hanyi 80’ / NAU

13.10 | ALD 5 El sonido de las cosas

Ariel Escalante 78’ / PCL

12’ / COA Felipe Ramírez Vilches El aprendiz

Tomás De Leone 80’ / ARG

14.00 | ALD 2

14.10 | CIN 2 The Man from Mo’Wax

Matthew Jones 108’ / HOR

14.20 | ALD 1 Biette

Pierre Léon 109’ / LEO

14.20 | AMB 4 Nunca vas a estar solo

Alex Anwandter 81’ / NAU

14.30 | AUD People That Are Not Me

Hadas Ben Aroya 80’ / INT

14.30 | MAR

Sueños diurnos

Oskar Santos 100’ / CHI

18.00 | AMB 2 Answer Print

El aeronauta

17.00 | AUD

Mónica Savirón 5’

Buster Keaton, Eddie Cline 22’ / KEA

Paterson

How I Fell in Love

Jim Jarmusch 115’ / AUT

with Eva Ras

17’

André Gil Mata 74’ / ALT

Le Cancre

Paul Vecchiali 76’ / AUT

19.30 | MAR El centroforward

Gente de cine

Jamais contente

Émilie Deleuze 90’ / CHI

El auge del

18.10 | PAS 3

humano

La caída del

19.40 | AMB 4

Imperio romano

La Mort de Louis XIV

15.30 | PAS 3

Anthony Mann 188’ / GRA

Con gusto a rabia

18.30 | AMB 1

Cinema Novo

Eryk Rocha 90’ / CIN

Fernando Ayala 93’ / HOM

16.00 | ALD 5

17.10 | ALD 1

El mago de Ozzy Alberto Rodríguez, los vagos Pedro Otero Nacho La Casa 80’ / HOR 90’ / CHI

Mirad los lirios del campo

16.00 | CIN 1

17.30 | AMB 3

La caja vacía

Videomanía 2

Ernesto Arancibia 109’ / HOM

Claudia Sainte-Luce Varios directores 80’ / HOR 101’ / PCL

Albert Serra 115’ / AUT

Moana: Un mar

19.50 | CIN 2

de aventuras

Your Name.

Ron Clements, John Musker 103’ / AUT

Makoto Shinkai 105’ / CHI

18.50 | ALD 5

Soldado argentino solo conocido por Dios

No te olvides de mí Fernanda Ramondo 87’ / ARG

22.20 | AMB 4 Hipersomnia

20.30 | AUD

19.40 | ALD 2

19.50 | PAS 2

22.30 | ALD 2 Tunnel

22.30 | PAS 2

King Vidor 83’ / ZON

El amor inmoral

20.40 | AMB 2 I Had Nowhere to Go

Douglas Gordon 100’ / ALT

21.10 | AMB 1

Cesare Canevari 81’ / VHS

22.40 | CIN 2 Yourself and Yours

Hong Sang-soo 86’ / AUT

22:45 | PAS 3

De Palma

Noah Baumbach, Jake Paltrow 107’ / CIN

21.40 | ALD 5 Al silencio

Mariano Cócolo 15’ / coa

Rodrigo Fernández Lukas Valenta Engler Rinner 98’ / PAN 100’ / ARG

Gabriel Grieco 90’ / HOR

Kim Seong-hun 126’ / AUT

20.30 | COL

Los decentes

22.00 | ALD 4 Patricio Valladares 82’ / HOR

Lav Diaz 226’ / AUT

141’ / INT

The Age of Shadows

17.00 | MAR

The Woman Who Left

René Mugica 80’ / HOM

15.10 | AMB 1 Kim Jee-woon 140’ / AUT

The Wailing

Scarred Hearts murió al amanecer Radu Jude

17.00 | CIN 2 Eduardo Williams 97’ / LAT

21.40 | CIN 1

Gushing Prayer

Masao Adachi 72’ / ADA

22.50 | ALD 1

Wet Woman in the Wind

Shiota Akihiko 77’ / AUT

23.20 | AMB 2 Destruction Babies

Mariko Tetsuya 108’ / AUT

L a m o r t d e L o u i s XIV A u t o r e s

Final sin maquillaje Se suele usar mucho el adjetivo “pretenciosa” o “pretencioso” como reacción inmediata a la salida de ciertas películas, sobre todo si para el gusto del espectador (o crítico), estas ambicionan abarcar mucho más de lo que son capaces de entregar, queriendo tal vez arreglar el mundo o hablar sobre la condición humana con una profundidad inasible, algo que claramente no logran y terminan siendo objeto de tan odiosa pero a la vez justa sentencia verbal. Sin embargo, no creo que ninguno de los espectadores que vaya a ver la última película del director catalán Albert Serra (Historia de la meva mort, Honor de cavalleria) pueda siquiera llegar a pronunciar esa palabra, ya que no hay misterio ni pretensión más allá de la anunciada en el título: la muerte de Louis XIV. Esto es porque Albert Serra se recluye no necesariamente en un espacio pero sí en un estado, relacionado estrictamente con el denominado Rey Sol de Francia, interpretado por el ya veterano Jean-Pierre Léaud,

s ta ff

Diego Trerotola Cecilia Loidi

quien da vida al maniatado personaje de una manera que ayuda al único objetivo propuesto: desarrollar de manera realista y detallada la enfermedad, agonía y muerte de uno de los reyes más importantes de la historia de Europa. Con una meticulosidad impresionante, la cinta se presenta filmada con luz natural y de velas, la tenue y marrón fotografía ayuda a darle un ambiente sepulcral, donde por casi dos horas lo que todos esperan es que el maquillado y siempre engalanado monarca estire la pata. Léaud aporta con unas toses y espasmos que llegan a ser terroríficos, en los que sentimos dentro de nosotros mismos el desgarro que lo está llevando lenta y dolorosamente a la muerte. También preocupa respecto al estado de salud del actor… o de su impresionante talento para lograr preocuparnos.

Detalles y secuencias particulares quedan grabados en la mente, como cuando el rey se ve obligado a comer para demostrar que, tal vez, está mejorando, como si fuera una puesta en escena de la inmortalidad de un hombre que se está rindiendo ante la edad y los exGastón Olmos Paula Vazquez Prieto

Andrea Guzmán Juan Francisco Gacitúa

cesos de toda una vida palaciega. Serra captura con la cámara y pinta con la luz los movimientos de las manos de los doctores y de la corte que lo rodea, la mirada perdida del rey, los temblores de sus manos, todo para ir en dirección al inevitable final que tiene una coda bastante sorprendente, la cual provocará las reacciones más poderosas en los espectadores.

Pretencioso habría sido de Serra seguir su plan original, de poner a Léaud en una cama durante tres días frente al Louvre, agonizando. Tal vez ahí el sentido detrás de su filme, más allá de la inevitabilidad de la muerte, habría quedado más claro, pero acá el filme se presenta como una aproximación casi de cine directo, como si hubiéramos viajado en una máquina del tiempo y nos hubieran mostrado ahí mismo la muerte en sí, sin maquillaje y sin esperanza de algo posterior. La muerte en su materialidad pura. Jaime Grijalba Gómez

La mort de Louis XIV HOY, 19.40 I AMB 4

COLABORAN HOY

Jaime Grijalba Gómez Agustina Salvador

3 1 º f e s t i v a l i n t e r n a c i o n a l d e c i n e d e m a r d e l p l ata

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