Diario #4

Diario del Festival 32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

4

Martes 21/11/2017 DISTRIBUCIÓN GRATUITA

Amor sin barreras Unrestrained Love

Con una actuación avasallante, Daniela Vega llega al Festival a presentar Una mujer fantástica, el nuevo film de Sebastián Lelio.

With an overwhelming performance, Daniela Vega comes to the Festival to present A Fantastic Woman, the new film

by Sebastián Lelio.

LOGOS EMPRESAS

COMPETENCIA ARGENTINA — ARGENTINE COMPETITION

Barrefondo

COMPETENCIA ARGENTINA — ARGENTINE COMPETITION

Réquiem para un film olvidado

Pool Sweeper

Ganador de la Competencia Argentina del 23º Festival con su ópera prima Parador Retiro, el patagónico Jorge Leandro Colás vuelve con su primera ficción, luego de su último documental Los pibes (30º Festival).

Adaptación de la novela de Félix Bruzzone, Barrefondo sigue los pasos taciturnos de Tavo, un piletero que trabaja en un country del Conurbano (sacudido por tentaciones, de dinero y venganza) y narra con inteligencia y esquivando trazos gruesos una historia que se anima a entrar en terrenos del género y exponer algunos ritos conocidos de la anatomía policial y criminal.

“Cuando leí la novela sentí que había muchos elementos con gran potencial cinematográfico”, cuenta Colás. “Su protagonista, la forma en que hablaba, la atmósfera que atravesaba todo el relato, ciertas ambigüedades morales… Todos esos elementos que aparecían claramente filtrados desde la mirada de lo real

componían un mundo muy atractivo y a la vez posible de trasladar a la pantalla en mi primera película de ficción”. El paso a la ficción fue menos un salto que una ampliación del espectro. “Diría que es una película de cruces”, asegura el director. “En cierto sentido, cruza las películas de personajes y atmósferas con las películas de género, ya que hay una trama que tiene que ver con lo policial. Cruza el cine de ficción con un relato muy construido, con algunos elementos de puesta en escena que tienen más que ver con el cine documental.

Incluso cruza –a través de la mayoría de los personajes– algunos límites morales que podrían llegar a incomodar a quienes tengan una idea un poco más maniquea del bien y el mal”.

Hoy, 10:30, ALD 4; Hoy, 18:30, ALD 4; MI 22, 15:50, ALD 4

Winner of the Argentine Competition of the 23rd Festival with his first feature Retiro Shelter, Patagonian filmmaker Jorge Leandro Colás returns with his first fiction, a follow-up to his latest documentary The Football Boys (30th Festival). An adaptation of Félix Bruzzone’s novel, Pool Sweeper follows the taciturn footsteps of Tavo, a pool boy who works in a gated community in the outskirts of Buenos Aires, affected by temptation, money and revenge. The film depicts with intelligence, and avoiding exaggeration, a story that dares to venture into genre territory and expose some well-known rites of both police and criminal anatomy.“When I read the novel I felt there were many elements that had great cinematic potential,” says Colás. “Its main character, the way he talked, the atmosphere of the entire story, certain moral ambiguities…

All of those elements that seemed to be clearly filtered through a realistic eye made up for a very attractive universe that was also possible to translate to the screen in my first fiction film.”

Going out for fiction was less a leap than an expansion of the spectrum. “I would say that it’s a film about crossings,” the director states. “In a certain way, it takes a cinema driven by characters and atmospheres and mixes it with genre films, because there is a plot related to the crime genre.

It crosses fiction cinema with a built-up story with elements from the setting that have more to do with documentary cinema. It even crosses –through most of its characters– some moral boundaries that could discomfort those who have a somewhat more simplistic idea of good and evil.”

Today, 10:30, ALD 4; Today, 18:30, ALD 4; WED 22, 15:50, ALD 4

Argentina, 76’

D: Jorge Leandro Colás

Referente del cine experimental argentino en Super 8 y uno de los cineastas más prolíficos de su generación, Ernesto Baca presenta una historia en primera persona con elementos autobiográficos y un relato (muy) ficcional sobre el fin de la historia (del cine), en el que aparece como un científico que intenta realizar el Proyecto argenta: la primera película virgen de industria nacional, y un soporte que le permita seguir filmando a contracorriente del avance digital.

“Tenía que contar el final de la historia del cine, de una parte”, describe Baca. “Una que nadie parece haber visto, un cambio de tecnología que implicó un cambio de paradigma, al menos para los que venimos del siglo pasado. Los tiempos se aceleran y todo debe ser instantáneo, el valor del tiempo se mide de acuerdo con su rendimiento, y así fue que se descartó una tecnología que empleaba gente y una

concepción diferente de sus películas”, dice convencido. Y ejemplifica: “Pareciera que esta evolución de las herramientas audiovisuales contribuye a su propia desintegración, como una serpiente que se come su propia cola”.

Según el director de Samoa (2005) y Vrindavana (2010), la curva del tiempo ha devuelto al cine al inicio. “Hoy los dispositivos móviles son la evolución del kinetoscopio, y Netflix reemplaza a las salas de cine. Estamos condenados a aceptar lo que nos cuenta una pantalla como una verdad, y las cosas seguirán así mientras que no tengamos que salir de nuestro círculo de confort para comprobar cómo son realmente”.

One of the pillars of Argentine experimental film in Super 8 and one of the most prolific filmmakers of his generation, Ernesto Baca presents a first-person tale with autobiographical elements and a (very) fictional story about the end of (film) history, in which he plays a scientist trying to accomplish the Argenta Project, the first film stock to be manufactured locally –a format that would allow him to continue filming against the advance of digital.

“I had to tell the end of film history, of a part of it,” Baca describes. “One that no one seems to have seen, a change in technology that meant a change of paradigm, at least to those of us who come from last century. Time flies, and everything must be instant, the value of time is measured in accordance to its capacity, and this

way, a technology that employed people and a different conception of films was discarded,” he says, convinced, and exemplifies, “It seems like this evolution of audiovisual tools contributes to its own disintegration, like a serpent biting its own tail.”

According to the director of Samoa (2005) and Vrindavana (2010), the curve of time has taken cinema back to its beginnings. “Today, mobile devices are the evolution of the kinetoscope, and Netflix replaces the theaters. We are condemned to accept what a screen states to be the truth, and things will go on like this until we are able to step out of our comfort zone and see how things are.”

Hoy, 13:10, ALD 4; Hoy, 21:20, ALD 4; MI 22, 13:10, ALD 4

Argentina, 66’ D: Ernesto Baca

Today, 13:10, ALD 4; Today, 21:20, ALD 4; WED 22, 13:10, ALD 4

COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION

Tormentero

México / Colombia / República Dominicana - Mexico Colombia / Dominican, 80’ D: Rubén Imaz

Stormmaker

2

Don Rome es un hombre melancólico que atraviesa su vida sumergido en un estado de confusión permanente.

Entregado al efecto anestésico del alcohol, el ex pescador se revuelca entre los recuerdos que le confirman la dimensión de su soledad. El cuarto largometraje de Rubén Imaz Castro, director de la premiada Familia tortuga (2006) e invitado a esta edición del Festival, está basado en la historia de Rudesindo Cantarell, quien en los años 60 descubrió el pozo petrolero más importante de México y el sexto del mundo, pero que murió abandonado, alcohólico y repudiado por su comunidad.

Coproducción entre México, Colombia y República Dominicana, Tormentero es un drama sensorial sobre los últimos días de un hombre que prefiere vivir con fantasmas antes que sentirse totalmente solo.

Don Rome is a melancholic man who walks through the crumbs of his life submerged in a state of permanent confusion. Having surrendered to the anesthetic effects of alcohol, the ex-fisherman wallows in the memories that confirm the dimensions of his solitude. This fourth film by Ruben Imaz Castro –director of the award-winning Familia tortuga (2006) and a guest at this edition of the festival– is based on the life of Rudesindo Cantarell, who in the 1960s discovered the most important oil well in Mexico –and the sixth in the world– and yet died an alcoholic, neglected and condemned by his community. A co-production between Mexico, Colombia and the Dominican Republic, it is a sensory drama about the final days of a man who chooses to live with ghosts rather than feel completely alone.

Hoy, 12:30, CIN 1; Hoy, 20:00, CIN 1; MI 22, 15:15, CIN 1

Today, 12:30, CIN 1; Today, 20:00, CIN 1; MI 22, 15:15, CIN 1

COMPETENCIA INTERNACIONAL — INTERNATIONAL COMPETITION

Thelma

COMPETENCIA INTERNACIONAL — INTERNATIONAL COMPETITION

Wajib

El despertar sexual y la liberación adolescente como una fuerza sobrenatural capaz de consecuencias tan intensas como devastadoras es un tópico que parece estar siempre en expansión y que cuenta con títulos tan arrolladores como Carrie de Brian De Palma. Para su cuarta película –la anterior fue Louder Than Bombs, protagonizada por Gabriel Byrne e Isabelle Huppert–, el director noruego Joachim Trier utiliza la calma y un estilizado escenario nórdico para construir una idea de terror adolescente hecho de puro pavor existencial. A Thelma la conocemos cuando es solo una niña en un pueblo remoto de Noruega, de caza con su padre. Cuando este apunta su rifle secreta y brevemente hacia su hija, un gesto alerta sobre el peligro que acecha. Ya convertida en estudiante universitaria, Thelma llega a Oslo alejándose de un ambiente religiosamente represivo, e intentando aclimatarse a un mundo del que

no logra sentirse parte. Pero un día conoce a Anja, una cálida y suelta compañera que despertará emociones que la tímida protagonista no se animará a reconocer debido a su crianza religiosa, pero también porque, en el fondo, Thelma sabe que pueden ser el disparador de fuerzas sobrenaturales oscuras y potencialmente mortales que podrían despedazar a cualquiera. Thelma expone la condición humana con un elemento sobrenatural que pone en juego algo con lo que todos podemos relacionarnos.

Es una nueva versión del terror corporal, pero también es una historia de amor.

Hoy, 09:00, AUD; Hoy, 19:45, AUD; MI 22, 16:30, ALD 3

Sexual awakening and adolescent liberation as a supernatural force capable of resulting in consequences both intense and devastating is an ever-expanding topic with titles as irresistible as Brian De Palma’s Carrie. For his fourth film –the previous one was Louder Than Bombs, starring Gabriel Byrne and Isabelle Huppert–, Norwegian director Joachim Trier uses a calm and a stylized Nordic setting in order to build an idea of teen terror that is pure existential dread. We meet Thelma when she is just a child, in a remote Norwegian town, hunting with her father. When he briefly and secretly points his rifle at his daughter, a gesture alerts about the danger that lurks. Now a university student, Thelma goes to Oslo distancing herself from a religiously repressive environment, and trying

to acclimatize herself to a world to which she does not feel like she belongs. However, one day she meets Anja, a warm and much more relaxed companion, who awakens in Thelma emotions that the shy young woman does not dare to recognize, due in part due to her religious upbringing, but also because, deep down, Thelma knows that they could be trigger dark and potentially deadly supernatural forces that, just like love, can tear anyone apart. Thelma exposes human condition with a supernatural element that brings into play something we can all relate to. It’s a new version of bodily horror, but it’s also a love story.

Noruega / Suecia / Francia / Dinamarca - Norway / Sweden / France / Denmark, 116’ D: Joachim Trier

Today, 09:00, AUD; Today, 19:45, AUD; WED 22, 16:30, ALD 3

Pocos directores tienen en su haber tantos récords como la directora Annemarie Jacir, nacida en Bethlehem (una pequeña ciudad ubicada a unos 10 km de Jerusalem), criada en Arabia Saudita y educada en Nueva York.

Su cortometraje Like Twenty Impossibles fue el primero realizado por un ciudadano palestino en ser seleccionado para el Festival de Cannes, y su ópera prima, Salt of This Sea (2008), fue la primera película dirigida por una mujer de aquella nación. Wajib, su tercer largometraje, compitió en Locarno por el Leopardo de Oro y se llevó cuatro galardones (entre ellos, el Don Quixote Award que otorga la International Federation of Film Societies); además de obtener Mención de Honor y premio del Jurado del Festival de Londres. En esta oportunidad, la realizadora pone el foco en una reunión familiar en la bíblica Nazareth –poblada en su mayoría por palestinos cristianos–. Con una aguda crítica política, se adentra en una región

Few filmmakers hold as many records as director Annemarie Jacir, born in Bethlehem (a small city located about 10 km away from Jerusalem), raised in Saudi Arabia and educated in New York. Her short film Like Twenty Impossibles was the first one by a Palestinian director to be selected at the Cannes Film Festival, and her debut featurelength film Salt of This Sea (2008) was the first film ever directed by a woman from that nation. Wajib, her third film, competed for the Golden Leopard at Locarno and grabbed four awards (among them, the Don Quixote Award given by the International Federation of Film Societies). I also won a mention of honor and the Jury prize at the London Film Festival. This time, the director focuses on a family reunion

en conflicto constante desde la perspectiva de un padre divorciado y profesor de escuela sesentón, quien pronto vivirá solo cuando se case su hija. Shadi, su hijo arquitecto, llega de Roma luego de años en el extranjero para ayudar a su padre. Mientras el distanciado dúo –interpretado por Mohammad y Saleh Bakri, padre e hijo en la vida real– pasan el día juntos, los detalles tensos de su relación llegan a un punto álgido, y el corto viaje de Shadi se convierte en una oportunidad para confrontar a su padre y el difícil presente de su país.

Hoy, 12:00, AUD; Hoy, 22:25, AUD; MI 22, 11:10, ALD 3

Palestina / Francia / Alemania / Colombia / Noruega / Qatar / Emiratos Árabes Unidos - Palestine / France / Germany / Colombia / Norway / Qatar / UAE, 96’ D: Annemarie Jacir

in the biblical Nazareth –populated mainly by Christian Palestinians. With a sharp political critique, she goes deep into a region in constant turmoil from the perspective of a divorced father and schoolteacher in his mid-60s, who will soon be living alone after his daughter’s wedding in one month. Shadi, his architect son, arrives from Rome to help his father out after years of living abroad. As the estranged pair –played by real-life father and son Mohammad and Saleh Bakri– spend the day together, the tense details of their relationship come to a head, and Shadi’s short trip turns into an opportunity to confront his father and his country’s troubled present.

Today, 12:00, AUD; Today, 22:25, AUD; WED 22, 11:10, ALD 3

COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION

Mariana

Colombia, 64’ D: Chris Gude

El director y antropólogo estadounidense radicado en Colombia Chris Gude (su ópera prima, Mambo cool, compitió aquí, en esta sección, en 2013) recorre La Guajira, una península en la frontera con Venezuela, tras los pasos de un marinero y un contrabandista que recorren zonas que están al margen de las reglas del Estado. Con un pulso paciente e inmersivo en la narración, la película se abre camino entre los paisajes desolados como lo hacen estos dos hombres en su supervivencia. Más allá del carácter ilegal de sus actividades comerciales, estos hombres y las personas que los rodean habitan y se desplazan por espacios en los que no terminaron de imponerse las sucesivas prácticas y tendencias económicas de cada país. Un discurso de Hugo Chávez que cita a Simón Bolívar remite a esa sensación.

Colombia-based director and anthropologist Chris Gude – whose first feature, Mango Cool, competed here, in this same section, in 2013– travels to La Guajira, a peninsula on the frontier with Venezuela, following the footsteps of a sailor and a smuggler who go through isolated ports and deserted lands at the edges of the rules of State. With a patient pulse and an immersive storytelling, the film makes its way through desolate landscapes in the same way these two men do as a way to survive. Beyond the illegal nature of their business, these men and the people around them inhabit and move through areas where the subsequent economic practices and tendencies of each nation have not yet been fully implemented, as if they found themselves a few steps behind the history of their countries. A speech by Hugo Chavez quoting Simon Bolivar refers us to that feeling.

Hoy, 14:45, CIN 1; Hoy, 22:40, CIN 1; MI 22, 17:20, CIN 1

Today, 14:45, CIN 1; Today, 22:40, CIN 1; WED 22, 17:20, CIN 1

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BANDA DE SONIDO ORIGINAL – ORIGINAL SOUNDTRACK

La nota perfecta Pitch Perfect

Hugo Fattoruso, uno de los gigantes de la música uruguaya, llega a la pantalla grande en esta edición del Festival, con un documental que sigue las andanzas de una leyenda viviente.

Hugo Fattoruso, one of the giants of Uruguayan music, comes to the big screen of this edition of the Festival with a documentary that follows the adventures of a living legend.

Hugo Fattoruso tiene eso que dicho a los cuatro vientos puede ser un lugar común, pero que se comprueba con escucharlo hablar, con ver cómo interactúa con los suyos en el escenario, o con descubrir sus ojos emocionados, en silencio: la humildad de los grandes. Esa es apenas una de las afirmaciones –una de las más importantes– que se revelan en Fattoruso, el bellísimo documental dirigido por Santiago Bednarik que está presentándose en esta edición del Festival. Ahí también se confirman otras cuestiones; desde aquella que promueve al músico uruguayo como uno de los fundadores del rock en Latinoamérica –y que a esta altura incomoda al propio Fattoruso– hasta su estatus de gurú contemporáneo, traducido en las ganas de otros genios a su altura (Chico Buarque, Milton Nascimento, Jaime Roos) que se

desviven por trabajar con él y contagiarse de su talento y generosidad. Y la película explica los porqués, mientras recorre la aventura musical de Fattoruso, primero con su familia, luego persiguiéndolo en sus viajes vanguardistas en los Estados Unidos (con la banda OPA como faro ineludible), su estadía en Brasil y su regreso triunfal a su Uruguay natal, donde fue recibido como un héroe nacional de la cultura popular. Y esa es la clave: darse cuenta de que estamos en presencia de una figura como pocas en la música contemporánea. Y que tenemos la oportunidad de conocerlo y escucharlo.

Fattoruso

D: Santiago Bednarik Hoy / Today, 16:10, ALD 6

Hugo Fattoruso has that thing that, when said out loud, could sound clichéd, but you can confirm once you hear him talk, once you see the way he interacts with his circle onstage, or once you discover his eyes, moved and in silence –the humbleness of the greats. That is just one of the affirmations –one of the most important ones– revealed in Fattoruso, the beautiful documentary directed by Santiago Bednarik that’s being screened at this edition of the Festival. There, other questions are also confirmed; from that which promotes the Uruguayan musician as one of the founders of Latin American rock -and that, at this point, makes Fattoruso himself uncomfortable– to his status of contemporary guru, translated in the willingness from other geniuses of his

stature (Chico Buarque, Milton Nascimento, Jaime Roos) that go out of their ways to work with him and enjoy his talent and generosity.

And the film explains why and goes over Fattoruso’s musical adventure, first with his family, later, joining him in his avant-garde trips across the US (with the band OPA as an inescapable beacon), his time in Brazil and his triumphant return to his native Uruguay, where he has received as a national hero of popular culture. And that is the key: realizing that we’re in the presence of a figure like few others in contemporary music. And that we have the chance of meeting him and listening to him.

F.J. OSSANG

Punk y pandillas en la noche Punk Rock and Gangs in the Night

Después de un paso más que celebrado (y premiado, claro) por el Festival de Locarno, F.J. Ossang presenta en Mar del Plata 9 Fingers, una aventura tan oscura como surrealista.

After his celebrated (and awarded, of course) visit to the Locarno Film Festival, F.J. Ossang brings to Mar del Plata 9 Fingers, an adventure as dark as it is surreal.

PH: Renaud Monfourny

PH:Patrick Mendes

4

Con solo cinco películas en más de treinta años (su debut, L’Affaire des divisions Morituri, se estrenó en 1985), el director francés F.J. Ossang responde a todas las particularidades que lo erigen como un artista de culto, tanto en su país como en el resto del mundo.

Su ánimo contracultural excede el cine, y lo ubica a principio de los 80 en pleno post punk. Su relación con la escena de la música industrial incluye nombres como Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle, que musicalizaron sus primeros cortos, y además participó de manera activa como músico al formar la banda punk Messagero Killer Boy. Su nueva película, 9 Fingers, presentada en esta edición del Festival –y ganadora del premio a Mejor Director en Locarno–, expone, una vez más, las ideas estéticas en las que se basa su resistencia: filmada en 35 mm, en blanco y negro (el único de sus

films filmado en color es Docteur Chance, de 1997, que tiene a Joe Strummer, de The Clash, como protagonista), propone una aventura en mar y tierra en la que hace gala de su gusto por el expresionismo, el film noir, la literatura pulp, el cómic y el humor surrealista.

Todo arranca una noche en una estación de tren abandonada, cuando un hombre es interpelado por la policía. Ante esto comienza a correr, y en el camino se topa con un hombre herido, de quien hereda una fortuna. A partir de ahí es perseguido por una pandilla que lo convertirá primero en rehén, y luego en cómplice de un robo.

Con ese disparador, F.J. Ossang propone otro de sus trips estilizados, cuyas imágenes traducen toda la potencia del cine.

Hoy, 21:05, AMB 2

With only five films directed in more than thirty years (his debut, The Case of the Morituri Divisions, was released in 1985), French director F.J. Ossang responds to all the peculiarities that turn him into a cult artist in his own country as well as abroad. His countercultural spirit exceeds cinema, and drove him to the midst of postpunk back in the early’80s. His relation with the industrial music scene includes such names as Cabaret Voltaire and Throbbing Gristle, whose music was heard in his first short films, and he also played an active role as a musician when he formed the punk band Messagero Killer Boy. His latest film, 9 Fingers, presented at this edition of the festival –and winner of the Best Director award in Locarno–, exposes once again the aesthetic ideas he turned into the basis of his resistance: the film,

shot in 35mm in black and white (his only film in color is Docteur Chance, from 1997, starring The Clash’s Joe Strummer), proposes an adventure across earth and sea, in which he shows off his love for expressionism, film noir, pulp literature, comic books and surrealistic humor.

It all starts one night at an abandoned train station, when a man gets detained by the police.

He starts running, and on his way he bumps into a wounded man, from whom he will inherit a fortune. A mob gang that turns him, first, into a hostage, and, later, into their accomplice in a robbery, also chases him. With this starting point, F.J. Ossang lays out another of his stylized trips, whose images translate all the power of cinema.

Today, 21:05, AMB 2

DANIELA VEGA

Pacto de amor Pact of Love

“¿Qué hacemos con la empatía? ¿Qué hacemos con el amor? ¿Qué cuerpos son habitables y qué cuerpos no son habitables? ¿Qué amores se pueden vivir y qué amores no se pueden vivir? ¿Y quién dijo qué cuerpos son inhabitables? ¿Quién dijo qué amores son inconquistables?”. Pocos invitados al Festival han traído preguntas tan pertinentes como Daniela Vega, la actriz trans que protagoniza Una mujer fantástica, el film del chileno Sebastián Lelio que se llevó el Oso de Plata a Mejor Guion y el Premio Teddy en la última edición del Festival de Berlín, y ahora se suma a la Competencia Latinoamericana de esta edición.

Marina, el personaje de Daniela, es una mesera y cantante de ópera que, luego de la muerte de su amante Orlando, enfrentará el maltrato y la hostilidad de la familia de su novio, que la ve como un monstruo y no le permitirá hacer el duelo de su amor perdido.

Protagonista absoluta de la película, Daniela sorprendió al público y a los críticos especializados, al punto de que su nombre ya se menciona en importantes medios de Estados Unidos como Indiewire por las predicciones a las nominaciones al Oscar 2018. ¿Será Daniela la primera actriz trans en ser nominada al Oscar?

Su camino para llegar a ese lugar fue, también, una sorpresa, ya que, según relató al público de Mar del Plata, su participación inicial era como una colaboradora.

“Fueron como un año y medio, dos años de conversaciones, sin que supiera que Sebastián iba a crear este personaje para mí, porque cuando entré en el proyecto era solamente una consultora. Yo le contaba a él acerca del mundo trans, de la literatura, de los personajes, de la gente, y mi propia visión de la vida, del género, de la masculinidad, de la femineidad, etcétera”, relata Daniela. “Y un día, cerca de fin de año, me envió un guion a mi casa. Y ahí me enteré, leyéndolo, de que el protagonista no era Orlando sino Marina, y que él quería que yo fuese la protagonista de la película. Terminé de leer el guion y no entendía nada. Llamé a Sebastián a

Alemania, y le pregunté qué había hecho. Y me dijo: ‘Nada, hice una película para ti’. Y yo le dije: ‘Creo que tú estás completamente loco, porque yo no voy a ser capaz de hacer todo esto que me estás pidiendo en el guion’. Su respuesta fue: ‘Yo creo que puedes hacerlo y vamos a intentarlo’. Le dije: ‘Ya, bueno, hablamos’. Agarré mi cartera y me fui de fiesta tres días, y cuando se me pasó la resaca empezamos a trabajar. Y así fue como surgió Una mujer fantástica”.

Lelio, uno de los directores más consolidados de Chile, acaba de estrenar Disobedience, su primera película hablada en inglés, en el Festival de Toronto, y ya había mostrado con Gloria su talento para retratar mujeres hermosamente empoderadas. Para lograr una fórmula similar en Una mujer fantástica, cuenta Daniela, la clave fue la intimidad.

“Yo llegué cuando la película era una idea.

Y con el director empezamos a trabajar acerca de cómo hacer un personaje como el de Marina, que tuviera esa complejidad, esas capas emocionales una debajo de la otra, pero sutilmente incorporadas. Fue un proceso largo de un año y medio, en el que con Sebastián nos hicimos amigos y nos conocimos íntimamente. Yo creo que esa intimidad artística es muy importante para generar un personaje con esas características”.

La visibilidad internacional de la película tuvo un efecto en la situación política del colectivo trans de Chile.“Significó una especie de revisión de lo que estábamos haciendo allí pero, como buen país latinoamericano, avanzamos lento y de acuerdo con lo que vamos viendo en otros lugares. En Chile hay una discusión eterna acerca de la Ley de Identidad de Género que aún no está aprobada, y que sigue siendo revisada. Y eso indica que el crecimiento es casi siempre económico, muy poco cultural, y ni hablar en términos de derechos humanos. Lo que la película intenta hacer, más que abrir una puerta, es mostrarte dónde está esa puerta”.

Hoy, 17:30, CIN 2

Daniela Vega, estrella absoluta de Una mujer fantástica, habló con el público del 32º Festival sobre la película elegida por Chile para ir a los premios Oscar.

The absolute star of A Fantastic Woman, Daniela Vega talked to the audiences of the 32nd Festival about the film selected by Chile to represent the country at the Oscars.

“What do we do about empathy? What do we do about love? Which bodies are habitable?

Which bodies are not? Which love affairs can exist and which ones can’t?

And who decides which bodies are habitable?

Who decides which love affaires can’t exist?

Few Festival guests have brought such pertinent questions as Daniela Vega, the trans actress who stars in A Fantastic Woman, the film by Chilean director Sebastián Lelio, a winner of the Silver Bear for Best Script and the Teddy Award at the last edition of the Berlin Film Festival, and now an entry in the Latin American Competition of this edition of the Festival.

Daniela’s character Marina is a waitress and opera singer who, after the death of her lover Orlando, will suffer the mistreatment and hostility of her boyfriend’s family, who sees her as a monster and won’t let her mourn her lost love in peace.

The absolute star of the film, Daniela surprised audiences and critics, to the point that her name is already mentioned in important US film outlets like Indiewire in their predictions for the 2018 Oscars.

Will Daniela be the first trans actress to be nominated for an Oscar?

Her road to that role was also a surprise, since, as she told the Mar del Plata audiences, she originally joined in as a collaborator. “It was a year and a half, two years of conversations.

It was conversation after conversation, without me knowing that Sebastián would create this character for me, because when I joined the project I was just a consultant.

I told him about the trans world, literature, characters, people, and my own vision of life, gender, masculinity, femininity, etc.,” she says. “And one day close to New Year’s Eve, he sent me a script home. And there, I find out reading that the leading role wasn’t Orlando, but Marina, and that he wanted me to star in the film. I finished reading the script and didn’t understand anything. One day I thought it was one thing and the next it was a completely different thing. I called Sebastián to Germany, and asked him what

had he done. And he said: ‘Nothing, I just made a film for you’. And I said: ‘I think you’re completely crazy, because I won’t be able to do all this you are asking in the script’. His answer was: ‘I believe you can and we are going to give it a shot’. I said ‘ok, we’ll talk’. I grabbed my purse and went out to party for three days, and after my hangover cooled off, we started working. And that is how A Fantastic Woman came to be.”

One of Chile’s most established filmmakers (he recently premiered his English language debut Disobedience in Toronto), Lelio had already shown –with Gloria– his unique talent for depicting beautifully empowered women. To achieve a similar formula the key was intimacy, according to Daniela. “I came in when the film was an idea”, she remembers.

“And we started working with the director on how to bring that complexity to a character like Marina, with those emotional layers one below the other, but subtly incorporated.

It was a long process of a year and a half, in which Sebastián and I became friends and grew intimate. I believe that artistic intimacy is very important to create a character with those features”.

The film’s international visibility had an effect on the political situation of the trans collective in Chile, according to Daniela. “It brought a sort of revision of what we were doing in Chile, but as it happens in any Latin American country, we move slowly and following what we observe in other places. In Chile there is an endless debate about the Gender Identity Law, which hasn’t been sanctioned, and it is still under review.

And that indicates that growth is almost economic, very little cultural, and not one bit in terms if human rights. What the film aims to do is not so much opening a door, but showing you where that door is”.

Today, 17:30, CIN 2

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NATHAN SILVER

Retrato de una obsesión

Portrait of an Obsession ¿Podríamos decir que una historia de amour fou ambientada en París es un homenaje al cine francés? ¿Cuáles fueron tus fuentes de inspiración para esta película?

Chris, mi coguionista, y yo sabíamos que queríamos ambientar la película en París y empezamos a discutir acerca de todos esos directores extranjeros que se fueron a esa ciudad e hicieron películas eróticas ahí: Zulawski, Borowczyk, Bertolucci y Polanski.

También sabíamos que queríamos que Lindsay protagonizara la película. La idea de que una mujer tuviera un profundo amour fou no correspondido con un francés nos atrajo inmediatamente.

Thirst Street se ve un poco más “artificial” que tus películas anteriores, con una imagen digital que va hacia terrenos más expresionistas. ¿Cuál fue tu búsqueda en términos de fotografía?

La protagonista está enamorada de las películas antiguas. Sabía que quería que esta película tuviera algo que la remontara a los melodramas con los que yo estaba obsesionado cuando empezó a gustarme

Una historia de amor no correspondido en París contada por la inigualable voz de Anjelica Huston. Amour fou, cinéma du look y melodrama se entrelazan en el nuevo film de Nathan Silver.

A story of unrequitted love in Paris as told by the unique voice of Anjelica Huston. Amour foud, cinéma du look, and melodrama mix together in Nathan Silver’s latest film.

el cine. El director de fotografía y yo charlamos sobre las películas del cinéma du look y de cuán artificial es la luz en ellas, y las coincidencias entre el cinéma du look y los melodramas de los 50 me atraían muchísimo.

La voz en off de Anjelica Huston le da a la película el marco de un cuento romántico. ¿Cómo trabajaste con ella?

Nuestros productores de Washington Square Films la conocían y les mandaron una versión de la película con una voz en off temporaria. Por algún milagro, aceptó hacerla. Chris y yo reescribimos la narración con su voz en mente. Creo que le llevó una media hora grabar todas sus líneas. Captó el tono inmediatamente. ¿Investigaste películas con temas similares (la obsesión, la locura) para inspirarte? ¿Cuáles son tus favoritas?

Sí, vimos muchas, muchas películas. Entre mis favoritas están Una mujer de la vida, Bad Timing, Forest for the Trees, Perversa luna de hiel y En un año de trece lunas.

Hoy, 22:50, CIN 2

EXPRESO DE MEDIANOCHE — MIDNIGHT EXPRESS

The Villainess

Is an amour fou story set in Paris a tribute to French cinema? What were your sources of inspiration for this?

Chris, my co-writer, and I knew that we wanted to set the movie in Paris and we started discussing all these foreign directors that went to Paris and shot erotic films there: Zulawski, Borowczyk, Bertolucci, and Polanski. We also knew that we wanted to have Lindsay star in the movie. The idea of a woman having a deep unrequited amour fou for a French man immediately appealed to us.

Thirst Street has a somewhat more “artificial” look than your previous films, with a digital image that reaches more expressionist territories. What was your search in terms of cinematography?

The main character is in love with old movies. I knew that I wanted this film to have something that harkened back to the melodramas I was obsessed with when I first got into film. The DP and I discussed the movies of cinéma du look and

Es más que claro que la primera secuencia de The Villainess, tercer largometraje de Jung Byung-gil –luego del documental Action Boys, sobre dobles de riesgo de la industria surcoreana, y la ficción Confessions of Murder–, va a pasar a la historia: son ocho minutos y medio de una masacre espectacular perpetrada por nuestra heroína, Sook-hee, coreografiados con maestría. Pero a Sook-hee la vemos recién a los cinco minutos de empezada la escena, ya que todo lo que viene antes está filmado en subjetiva, como suele verse en los videojuegos.

Esta presentación tardía del personaje en carne y hueso sucede en el momento justo, o sea, cuando Sook-hee se da contra un espejo.

Pero Jung no para aquí: toda The Villainess está repleta de grandes ideas visuales –hay también una persecución de motos y una pelea de katanas, todo esto al mismo tiempo– y también de sorpresas. Y, si bien es una película de acción, no se priva de la posibilidad de colar una mini comedia romántica al narrar el comienzo de la relación entre Sook-hee y su vecino Hyun-soo.

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Hoy, 00:10, AMB 1; MI 22, 18:25, AMB 2

It’s pretty clear that the first sequence in , Jung Byung-gil’s third feature –following Action Boys, a documentary about South Korean stuntmen, and the fiction Confessions of Murder– will go down in history: it features eight-and-ahalf minutes of a spectacular, masterfully choreographed massacre perpetrated by our heroine, Sook-hee. But we don’t get to see Sookhee until five minutes after the scene started, because everything that came before was a POV shot, as though it were a video game. This belated character introduction (in the flesh, at least) happens at the most exact of times –that is, when Sook-hee hits a mirror. But Jung doesn’t stop here: the entire film is filled with great visual ideas – there’s also a simultaneous bike chase/katana fight– as well as surprises, and even though it’s an all-out action movie, it also includes a mini-romcom that focuses the beginning of the relationship between Sook-hee and her neighbor Hyun-soo.

Today, 00:10, AMB 1; WED 22, 18:25, AMB 2

Corea del Sur - South Korea, 123’ D: Jung Byung-gil

how artificial the lighting is in those films, and the overlap between cinéma du look and ‘50s’ melodramas really appealed to me.

Anjelica Huston’s voice over provides the film with the framework of a romantic tale. How did you work with her?

Our producers at Washington Square Films knew her and sent her a version of the film with a temp voice-over. By some miracle, she agreed to do it.

Chris and I rewrote the narration with her voice in mind. I think it took around a half hour to record all of her lines. She nailed the tone immediately.

Did you research films with similar themes –obsession, madness, for inspiration? Do you have any favorites?

Yes, we watched many, many films. Among my favorites are La Marge, Bad Timing, Forest for the Trees, Bitter Moon, and In a Year of Thirteen Moons.

Today, 22:50, CIN 2

ACTIVIDADES ESPECIALES — SPECIAL ACTIVITIES

Cine de colección Collectible Cinema Presentación de la colección Cine Pop Hoy / Today, 16:00, Librería de la Recova

Amor, superhéroes, todo el cine que entra en el sillón de casa y ese que en los años 80 formó a una legión entera de cinéfilos. La colección Cine Pop de Editorial Paidós aborda al cine desde los diversos costados del consumo masivo. María Fernanda Mugica y Natalia Trzenko escribieron Amar como en el cine; Juan Manuel Domínguez, Super Hollywood; Sebastián de Caro es el autor de La máquina de chicle y neón, y Maia Debowicz está de estreno con Cine en pijamas, libro que además se encargó de ilustrar. Ideada por Leonardo D’Espósito, esta es una colección que demuestra que la verdadera bestia pop es esa que vive entre romances y ciudades góticas, no teme vestir elegantes pijamas y disfruta mirando E.T.

Love, superheroes, and all the films that fit on a couch at home –and have trained an entire legion of cinephiles back in the ‘80s. The Cine Pop collection published by Paidós tackles the different sides of mass consumption. María Fernanda Mugica and Natalia Trzenko wrote Amar como el cine; Juan Manuel Domínguez wrote Súper Hollywood; Sebastián de Caro is the author of La máquina de chicle y neón; and Maia Debowicz presents Cine en pijamas, a book she also illustrated. From an idea by Leonardo D’Espósito, this is a collection that shows that the true pop beast is the one that lives amid romances and Gotham cities, is not afraid to wear fancy pajamas, and likes to watch E.T.

GRANDEUR ET DÉCADENCE D’UN PETIT COMMERCE DE CINÉMA

Las transformaciones de Godard Godard’s Transformations

El genio del cine francés demuestra que sigue teniendo con qué sorprender. Lejos de la solemnidad o el tono grave, el realizador se encarga de arrancarle risas a la inercia televisiva y, una vez más, expande los límites del cine.

The genius of French cinema proves he still has what it takes. Far from presumptuousness or any grave tone, the filmmaker gets a comedy out of TV inertia and expands the boundaries of film once again.

Godard vuelve al cine dentro del cine, o tal vez deberíamos decir al cine dentro de la televisión. Como si fuera un lado B de El desprecio (1963), pero situado en un mundo en el que el clasicismo al que aquella homenajeaba ya se extinguió por completo, Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma narra las desventuras de un director (Jean-Pierre Léaud, extraordinario) y un productor (Jean-Pierre Mocky) en crisis ante “la omnipotencia de la televisión”.

Esta película casi secreta hasta ahora fue, paradójicamente, un encargo del canal TF1 para su ciclo Série Noire, aunque aquí el género es una excusa para tomar otros caminos. Entre castings eternos y llenos de poesía y estrategias poco legales para conseguir financiación, Godard plantea un debate sobre el cual volvería más de una vez, y que en los 80 estaba en plena efervescencia: el de la muerte del cine, hipótesis que sus películas no han dejado, hasta hoy, de refutar.

Grandeur… le declara la guerra a la inercia de la TV de la mejor manera posible:

demostrándonos cuánto podría brindarnos si la dejáramos en libertad. Godard abraza las posibilidades del video, tantas veces despreciado por los cineastas, y hace que se convierta en uno de los ejes de la película.

El digital nos ha hecho olvidar que las imágenes tienen textura; aquí, en cambio, la imagen es un material maleable que se puede recortar, fundir, detener, y también ser protagonista de algunos de los mejores gags de este festival. En Grandeur… Godard también nos recuerda, a contramano de la solemnidad con que algunos pronuncian su nombre, que sus películas pueden ser muy divertidas.

“No mires atrás”, se escucha una y otra vez; no en vano Eurydice es el nombre de la protagonista femenina. Pero no es este un mensaje contra el pasado del cine, sino a favor de su futuro. Godard nos lo viene repitiendo desde hace décadas, aunque a veces no sepamos escucharlo: la supervivencia del cine, su única posible resistencia, está en abrazar la transformación.

Hoy, 13:00, CIN 2

Godard returns to the film-within-a-film genre, or perhaps we should say film-withintelevision. As though it where the B-side to Contempt (1963) –only set in a world where the classic way of filmmaking that film paid tribute to has become extinguished– Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma narrates the misadventures of a director (an extraordinary Jean-Pierre Léaud) and a producer (played by Jean-Pierre Mocky) overwhelmed by “the omnipotence of television.” Paradoxically, this almost secret film was a commission by TF1 network for its Série Noire, although here the genre is just an excuse to take other directions. Amid endless auditions filled with poetry and questionablylegal financing strategies, Godard raises an issue he would revisit more than once and was vibrant back in the‘80s: the death of cinema, a hypothesis none of his films have yet refuted.

Grandeur… declares war against the inertia of television in the best way: showing us what

we could get from it if we were to set if free.

Godard embraces the possibilities of video, often despised by filmmakers, and succeeds in turning it into one of the film’s core subjects.

Digital has driven us to forget the fact that images have texture. Here, on the other hand, images are a malleable material that can be trimmed, fused together, and stopped –and they can also carry some of the best comedy gags of this Festival. Against the solemnity some people charge his name with, in Grandeur…Godard also reminds us that film can be a lot of fun.

“Don’t look back” is heard over and over again –there is a reason why Eurydice is the name of the female protagonist. Yet this is not a message against the past of cinema, but one in favor of its future. Godard has been repeating it for decades, even if sometimes we are not able to hear it: the survival of film, its only possible resistance, lies in embracing transformation.

Today, 13:00, CIN 2

VIDRIERA — SHOWCASE

Invitadas del 32º Festival en la actividad La Mujer y el Cine / Guests of the 32nd Festival at the activity Woman and Cinema.

Erica Rivas & Esmeralda Mitre.

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GUÍA DE PROGRAMACIÓN — PROGRAM GUIDE

Martes 21

- Thuesday 21TH

9:00 | AUD

12:10 | ALD 1

10:30 | ALD 4

12:10 | AMB 3

Thelma Joachim Trier 116’ | INT

Barrefondo Jorge Leandro Colás 76’ | ARG

10:50 | ALD 6 MLA / 7’ Paulo Pécora Kosmos / 10’ Narcisa Hirsch, Rubén Guzmán, Robert Cahen Elementos / 38’ Jorge Honik ALT - PRG 1

11:10 | ALD 3 Chacun sa vie Claude Lelouch 113’ | LEL

11:30 | ALD 5

I Want to Bahman Farmanara 93’ | AUT

11:50 | ALD 2

Il vedovo Dino Risi 87’ | SOR

Inventory / 9’ Paradise - An Imperialist Tragicomedy / 60’ Zelimir Zilnik ZIL

12:30 | CIN 1 Tormentero Rubén Imaz 80’ | LAT

13:00 | AMB 1

Barbara Mathieu Amalric 97’ | AUT

13:00 | CIN 2

Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma Jean-Luc Godard 90’ | AUT

13:10 | ALD 4

México bárbaro II Varios directores 118’ | VEA

Réquiem para un film olvidado Ernesto Baca 66’ | ARG

12:00 | AMB 2

13:30 | ALD 6

Rumble: The Indians Who Rocked the World Catherine Bainbridge, Alfonso Maiorana 102’ | BSO

12:00 | AUD

Wajib Annemarie Jacir 96’ | INT

Flammes Adolfo G.Arrietta 82’ | ADO

13:50 | ALD 3

Farewell Astrid Johanna Ofner 78’ | ALT

14:00 | ALD 5

How We Live - Messages to the Family Gustav Deutsch 107’ | AUT

14:30 | ALD 2

El origen de la tristeza Oscar Frenkel 71’ | PAN

14:40 | AMB 4

Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle Grace Winter Luc Plantier 85’ | DOC

14:40 | AUD

Les Gardiennes Xavier Beauvois 134’ | INT

Aliens / 23’ Luis López Carrasco ALT / AUT - PRG 4

15:15 | CIN 2

Era uma vez Brasília Adirley Queirós 100’ | LAT

15:50 | ALD 3 Aterrados Demián Rugna 90’ | ARG

16:00 | ALD 4

Las expansiones / 32’ Manuel Ferrari Hello, Horse! / 24’ Laila Pakalnina Niebla / 15’ Flavia de la Fuente Où en êtes-vous, JeanMarie Straub? / 10’ Jean-Marie Straub ALT / AUT - PRG 2

16:00 | AMB 1

14:45 | CIN 1 Mariana Chris Gude 64’ | LAT

14:50 | ALD 1

El silencio de los fusiles Natalia Orozco 118’ | PCL

14:50 | AMB 3

The Second Generation Zelimir Zilnik 90’ | ZIL

15:00 | AMB 2

Plus Ultra / 13’ Helena Girón, Samuel M. Delgado Fajr / 12’ Lois Patiño La Bouche / 19’ Camilo Restrepo

Laissez bronzer les cadavres Hélène Cattet, Bruno Forzani 92’ | HOR

16:10 | ALD 6

Fattoruso Santiago Bednarik 82’ | PCL

8

El mar la mar J. P. Sniadecki, Joshua Bonnetta 94’ | ALT

17:10 | ALD 2

Pabellón 4 Diego Gachassin 71’ | PAN

17:30 | AMB 3

Noches de otoño Flavia de la Fuente 66’ | ALT

17:40 | AUD

El silencio del viento Álvaro Aponte Centeno 84’ | INT

17:50 | CIN 2

Una mujer fantástica Sebastián Lelio 104’ | LAT

18:00 | ALD 1

10 ediciones - 5 películas. Concurso Raymundo Gleyzer: Dhaulagiri, ascenso a la montaña blanca Guillermo Glas, Cristián Harbaruk 70’ | PAR

18:05 | ALD 3

18:20 | ALD 6

Le Crime de la toupie / 18’ La imitación del ángel / 21’ Le Jouet Criminel / 37’ A. Arrietta ADO - PRG 1

18:30 | ALD 4

Barrefondo Jorge Leandro Colás 76’ | ARG

18:40 | AMB 1

Brawl in Cell Block 99 S. Craig Zahler 132’ | HOR

19:00 | AMB 4 Verão danado Pedro Cabeleira 128’ | NAU

19:00 | COL

Black Film / 14’ Kenedi Is Getting Married / 80’ Zelimir Zilnik ZIL

19:20 | ALD 5

Behind the Dark Night Chan-yang Shim 117’ | SKO

19:45 | AUD

Wonderstruck Todd Haynes 117’ | AUT

Sicilian Ghost Story Fabio Gassadonia, Antonio Piazza 120’ | NAU

Thelma Joachim Trier 116’ | INT

16:50 | AMB 4

18:10 | AMB 2

El volcán adorado Fernando Krapp 67’ | PAN

16:30 | ALD 5

Rambla, sin tu amor yo no soy nadie / 35’ Nicolás Bratosevich Open the Door / 47’ Shahram Karimi DOC

Equipo Staff

The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic / 30’ Brooklyn – Gusinje / 85’ Zelimir Zilnik ZIL

19:50 | ALD 2

20:00 | CIN 1 Tormentero Rubén Imaz 80’ | LAT

20:10 | AMB 3

Ábalos, una historia de cinco hermanos Josefina Zavalía Ábalos, Pablo Noé 84’ | DOC

20:30 | CIN 2 All That Jazz Bob Fosse 123’ | RES

21:00 | ALD 1

La noche del cortometraje Varios directores 92’ | PAR

21:05 | AMB 2 9 Fingers F. J. Ossang 90’ | AUT

21:10 | ALD 3

Margaret Kenneth Lonergan 186’ | ESP

21:20 | ALD 4

22:10 | ALD 5

Person to Person Dustin Guy Defa 84’ | NAU

22:25 | AUD

Wajib Annemarie Jacir 96’ | INT

22:30 | ALD 2

Cien caminos - Suárez segunda parte Fernando Blanco 85’ | BSO

22:40 | CIN 1 Mariana Chris Gude 64’ | LAT

22:50 | AMB 3

Le Château de Pointilly / 39’ Tam Tam / 57’ A. Arrietta ADO

23:15 | CIN 2

Réquiem para un film olvidado Ernesto Baca 66’ | ARG

Thirst Street Nathan Silver 83’ | AUT

21:30 | ALD 6

Reencuentro Lawrence Kasdan 105’ | VHS

Flammes Adolfo G. Arrietta 82’ | ADO

21:40 | AMB 1 Robocop Paul Verhoeven 102’ | VHS

23:30 | AMB 2

00:10 | AMB 1 The Villainess Byung-gil Jung 123’ | SKO

22:00 | AMB 4

Caniba Vérena Paravel, Lucien Castaing-Taylor 95’ | AUT

CINEMAR – Museo Mar (Av. Camet y López de Gomara) Auditorio / Auditorium

Agustín Mango

Gastón Olmos

COLABORAN HOY

Micaela Berguer

Guillermo Pintos

Griselda Soriano

Sol Santoro

Javier Diz

Juan Martínez

16:50 | CIN 1

15 h - Zama, de Lucrecia Martel 17 h - La valija de Benavídez, de Laura Casabé (Presentada por la directora)

Explanada / Esplanade 20 h - Casi leyendas, de Gabriel Nesci (Presentada por el director)

Las entradas gratuitas de las películas del día se retiran a partir de las 9 am en la boletería de Museo Mar. Free tickets for the films of the day can be picked up from the Mar Museum ticket office starting 9 am.