Diario #5

Diario del Festival 32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

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Miércoles 22/11/2017 DISTRIBUCIÓN GRATUITA

La banda oriental The Oriental Band Proyecciones, eventos, charlas y una visita en comitiva muy especial. La República de Corea es el País Invitado de Honor, y viene a demostrar por qué es una potencia cinematográfica gigante.

Screenings, events, conferences, and a very special delegation. Our Honor Guest Country, the Republic of Korea comes to confirm why they are a world power of cinema.

COMPETENCIA ARGENTINA — ARGENTINE COMPETITION

Los vagos

Todo lo que veo es mío Everything I See Is Mine

The Bums

En su debut como director, Gustavo Biazzi –responsable de la fotografía de películas como La patota (Santiago Mitre, 2015) y El cielo del centauro (Hugo Santiago, 2015)– cuenta la historia de un grupo de jóvenes, sus expectativas, temores y berretines en un momento tan particular de la vida como es la adolescencia, antes de que la carroza de la adrenalina juvenil se convierta en la calabaza del compromiso y las responsabilidades.

Biazzi se cuela en la rutina desordenada de un grupo de amigos que vacacionan entre Posadas e Ituzaingó, guiado por el caminar flotante de Ernesto, el protagonista. Su conexión con los personajes es, según el mismo director, esencial: “La película surgió de una limitación personal. Me resulta difícil expresarme en la vida corriente y la película fue apareciendo como consecuencia de esa dificultad”. Historia de vínculos y percepciones humanas, Los vagos puede

incluirse en el género coming of age en su forma más pura: el de películas en las que los personajes pasan de una etapa a otra en la vida. “Se podría decir que en ese sentido sí pertenece al género”, afirma Biazzi.

Reproduciendo el ritmo que oscila entre la parsimonia de una resaca rencorosa y el estallido hormonal de una noche donde el sexo marca agenda, Biazzi observa de cerca el nacimiento de una nostalgia que hace fuerza por entrar en la mirada encendida de esos chicos que surfean por sentimientos enigmáticos. Saben que no pueden luchar contra el inminente desenlace de una época idílica; solo les queda dejarse llevar por la marea de la incertidumbre.

In his directorial debut, director Gustavo Biazzi – responsible for the cinematography of such films as Paulina (Santiago Mitre, 2015) and Le ciel du centaure (Hugo Santiago, 2015)– tells the story of a group of youngsters, their expectations, fears and obsessions, before the carriage of young adrenalin becomes the pumpkin of commitment and responsibilities.

Biazzi seeks into the disorganized routine of a group of friends on vacation between Posadas and Ituzaingó, guided by the floating walk of Ernesto, the main character. His connection with the characters is essential, according to the director. The film “came from a personal limitation. I find it hard to express myself in real life, and the film appeared as a consequence to that difficulty.” A story of bonds and human perceptions, The Bums could be included in

the coming-of-age genre in its most pure of forms –the films in which the character go from one stage in life to another. “We might say that, in that sense, it does belong to the genre,” Biazzi states.

Recreating the pace that swings between the lack of urgency of a resentful hangover and the hormonal burst of a night defined by sex, Biazzi closely observes the birth of a nostalgia that struggles to enter the glowing gaze of these kids who surf through puzzling feelings.

Knowing that they cannot fight against the impending end of an idyllic era, all they can do is let themselves be swept along by the tide of uncertainty.

Hoy, 10:30, ALD 4; Hoy, 21:10, ALD 4; JU 23, 15:50, ALD 4

Argentina, 92’

D: Gustavo Biazzi

Today, 10:30, ALD 4; Today, 21:10, ALD 4; THU 23, 15:50, ALD 4

Artista clave del siglo XX, Marcel Duchamp vivió 10 meses en Buenos Aires entre septiembre de 1918 y julio de 1919. ¿Qué hizo el creador del arte conceptual con el mingitorio de porcelana más famoso de la historia durante su estadía porteña?

A través de las posibilidades infinitas de la ficción, Mariano Galperín y Román Podolsky reconstruyeron los días del artista entre visitas a los lagos de Palermo y el ritual del mate. En un elegante blanco y negro, la película muestra al artista en la intimidad de una pieza alquilada, besando su pipa y obsesionado por el ajedrez, develando las imágenes que nunca se encontraron sobre ese misterioso y breve exilio.

El interés de los directores se centró, por un lado, en Marcel Duchamp como referente no tanto de las vanguardias artísticas del siglo XX, sino también como un modo de vivir la vida sin ataduras ni apegos, en

ejercicio pleno de su libertad. “Por otra parte, se planteaba el desafío de imaginar una Buenos Aires lejana en el tiempo, que desde un espíritu todavía bastante aldeano comenzaba a abrirse a las ideas y las producciones de la modernidad”, agregan los directores.

Así, el viaje concreto y real del artista de Nueva York a Buenos Aires abre la perspectiva de otro viaje, según cuentan los directores. “Es el viaje de la mirada personal del artista sobre una geografía y una sociedad que le son ajenas y desconocidas. La película es una deriva de esa mirada en su cruce con lugares, personajes y costumbres”.

A key artist from the 20th century, Marcel Duchamp lived in Buenos Aires for ten months, between September 1918, and July 1919. What did the creator of conceptual art with the most famous porcelain urinal in history do during his stay in Buenos Aires? Through the infinite possibilities of fiction, Mariano Galperín and Román Podolsky reconstructed the artist’s days between visits to the Palermo lakes and the ritual of mate. In elegant black and white, the film shows the artist in the intimacy of a rented room, kissing his pipe and obsessed by chess, revealing the never-found images of that mysterious, brief exile.

The interest of the directors focused, on one hand, in Marcel Duchamp as a key figure of both of the art vanguards of the 20th century, and also a way of moving through life without

any bonds or attachments, in full exercise of his freedom. “On the other hand, there was the challenge of imagining a Buenos Aires distant in time that, while keeping the spirit of a village, was starting to open up to the ideas and productions of modernity,” the directors add.

This way, the artist’s concrete and real journey from New York to Buenos Aires opens up the perspective of another journey, as stated by the directors. “It is the journey of an artist’s personal view of a geography and a society that is alien and unknown to him. The film moves through that view and its encounters with places, characters and customs.”

Hoy, 13:40, ALD 3; Hoy, 19:10, ALD 3; JU 23, 14:50, ALD 3

Argentina, 83’

D: Mariano Galperín, Román Podolsky

Today, 13:40, ALD 3; Today, 19:10, ALD 3; THU 23, 14:50, ALD 3

COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION

Bolivia / Brasil - Bolivia / Brazil, 82’ D: Martín Boulocq

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Eugenia La rutina de Eugenia se bifurca por pequeños atajos cuando decide abandonar a su esposo en medio de un paisaje montañoso. Se encuentra, entonces, frente a algo parecido a una hoja en blanco. En esta sorpresiva travesía, en la cual desde la butaca nos sentimos compañeros, ella circula por espacios desconocidos, siempre guiada por su curiosidad. La aventura se hilvana a través de momentos y detalles tan pequeños como naturales. El nuevo largometraje de Martín Boulocq hace zoom en un personaje que emprende un safari por sus emociones rotas. A través de una narración intimista, Eugenia transita un universo en el que lo hombres –su padre, su hermano e incluso el director de la película– le dan las órdenes mientras ella busca una isla donde pueda, por fin, ser quien realmente es.

Eugenia’s everyday routine branches off through small shortcuts as she decides to leave her husband in the middle of a mountainous landscape. She faces, then, something that feels like a blank slate. In this surprising journey, the audience is her companion, willing to follow her while she crawls through unknown spaces, guided by her curiosity. The adventure takes place through small, natural situations. Martín Boulocq’s fourth feature film zooms in on a character that must embark on a safari through her broken emotions. Though an intimate narrative, Eugenia transits a universe where men –father, brother, filmmaker– give the orders while she looks for an island where she can finally be herself.

Hoy, 10:30, CIN 2; Hoy, 19:00, CIN 2; JU 23, 13:15, CIN 2

Today, 10:30, CIN 2; Hoy, 19:00, CIN 2; THU 23, 13:15, CIN 2

COMPETENCIA INTERNACIONAL — INTERNATIONAL COMPETITION

A fábrica de nada

Western

The Nothing Factory

Durante una noche, un grupo de obreros portugueses se dan cuenta de que la administración del lugar está a punto de robarse la maquinaria y las materias primas con las que llevan a cabo sus tareas en la fábrica.

Pronto toman una decisión: se organizan para ocupar el lugar, proteger los equipos e impedir el desplazamiento de la producción.

Como consecuencia de ello, los trabajadores se ven obligados a permanecer allí, sin nada que hacer, mientras los patrones avanzan con negociaciones individuales para arreglar los despidos. Llevados por un sentimiento de urgencia y alguna clase de instinto vital que todavía perdura, y mientras ven colapsar tanto sus trabajos como las instituciones en las que alguna vez creyeron, son forzados a embarcarse –reticentes y asustados– en una experiencia inesperada, una aventura colectiva. El primer largometraje de ficción

de este director portugués, parte activa de la productora Terratreme (un singular equipo que trabaja como colectivo audiovisual y con un fuerte componente político en todas sus producciones), fue estrenada en la Quincena de los Realizadores del último Festival de Cannes con una particularidad: el primer texto de los créditos reza “Una película de João Matos, Leonor Noivo, Luisa Homem, Pedro Pinho y Tiago Hespanha”, miembros de la productora. Además de su valor estéticodiscursivo como musical “del lamento”, es una invitación para repensar el rol de los trabajadores y sus lugares de labor.

One night, a group of Portuguese workers realizes the administration is about to steal the machinery and raw materials necessary for carrying out their labor. The soon make a decision: they organize is order to protect the equipment and prevent the displacement of the production. As a consequence of this, the workers see themselves forced to remain in their posts, with nothing to do, while the bosses carry out individual negotiations to sort out the layoffs.

Driven by a sense of urgency and a kind of survival instinct that still remains, while they witness the destruction of their jobs and the institutions they believed in, they are forced to embark, with reluctance and fear, on an unforeseen experience, a collective adventure. The first fiction feature by this Portuguese director, an active part of

the Terratreme production company (a unique team that works as an audiovisual collective with a strong political component in all of their productions), was screened for the first time at the Directors’ Fortnight at the latest Cannes Film Festival with one peculiarity: the first text in the credits reads “A film by João Matos, Leonor Noivo, Luisa Homem, Pedro Pinho, and Tiago Hespanha,” members of the production company. Apart from its aesthetic value and that its discourse as a musical “of lamentation”, the film is an invitation to rethink the role of workers and their working places.

Hoy, 09:00, AUD; Hoy, 18:00, AUD; JU 23, 11:10, ALD 3

Portugal, 176’

D: Pedro Pinho

Today, 09:00, AUD; Today, 18:00, AUD; THU 23, 11:10, ALD 3

Una compañía alemana opera sobre el cauce de un río en un pueblo rural de Bulgaria.

Los obreros llevados allí para trabajar son alemanes. Se trata de hombres solos en territorio extranjero, lo cual puede despertar tanto un sentido de la aventura como algunos prejuicios frente a diferencias culturales e idiomáticas. Uno de ellos no parece interesado en las formas de compartir los momentos libres con sus compañeros, pero desarrolla paulatinamente una legítima curiosidad por la cultura de la aldea.

Directo desde la sección Un Certain Regard de la última edición del Festival de Cannes, la tercera película de Valeska Grisebach –luego de Star (2001) y Longing (2006), con la que compitió en Berlín y ganó una Mención Especial en nuestro 21º Festival– es narrativamente prodigiosa: todo se sugiere, nada se explicita. Su inequívoco título remite tanto al género como

A German company operates on a riverbed in a rural town in Bulgaria. The workers brought there are all men, and all German. They are men alone in a foreign land, which could awaken a sense of adventure as well as some prejudice faced with cultural and linguistic differences.

One of them doesn’t seem interested in sharing his free time with his workmates, but grad ually develops a legitimate curiosity for the culture of the village.

Straight out of the Un Certain Regard section of the latest edition of the Cannes Film Festiva, the third film by Valeska Grisebach –after Star (2001) and Longing (2006), with which she competed in Berlin and won a Special Mention at our 21st Festival– is narratively prodigious; everything is

a una posición geopolítica e histórica: en este western no hay indios (pero sí hay un caballo), aunque hay otros (en el mismo sentido de lo ajeno que se vuelve, quizás, antagonista). Esos otros tienen una historia en común con estos visitantes alemanes, y albergan sus razones y sospechas. Lo que sucede entre el protagonista y uno de los hombres de la aldea constituye una conmovedora y discreta utopía sostenida en la amistad, que prescinde involuntariamente de una misma lengua, pero está atravesada por un deseo mutuo de reconocimiento.

Hoy, 12:50, AUD; Hoy, 21:50, AUD; JU 23, 19:50; ALD 3

Alemania / Bulgaria / Austria Germany / Bulgaria / Austria, 120’ D: Valeska Grisebach

suggested, nothing is explicitly stated. Its unequivocal title refers to a genre as well as a geopolitical and historical position: in this western there are no Indians (but there is a horse), even though there are others (in the same sense of the foreign that becomes, perhaps, antagonistic). Those others share a common history with these German visitors and harbor their ideas and suspicions. What happens between the main character and one of the men of the village constitutes a moving, discreet utopia based on friendship, which involuntarily does so without a common language, but is pierced by a mutual desire for recognition.

Today, 12:50, AUD; Today, 21:50, AUD; THU 23, 19:50; ALD 3

COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION

Las olas

Uruguay / Argentina, 88’ D: Adrián Biniez

The Waves

Un día de verano como cualquier otro, Alfonso interrumpe sus quehaceres cotidianos para refrescarse en el mar.

Cuando sale, está en otra costa, con otro traje de baño, en un tiempo impreciso, y se relaciona con las personas de su vida. Las olas es un paso adelante en el cine de Adrián Biniez (su ópera prima Gigante tuvo un exitoso recorrido en festivales internacionales durante 2009 y 2010, y El 5 de Talleres compitió en el 29° Festival). Aquí dobla la apuesta, contando la vida de un personaje que entra y sale del mar como si pasara los capítulos de su propio libro de aventuras: la película está dividida en segmentos que llevan nombres de cuentos clásicos, como La isla del tesoro o Viaje al centro de la Tierra. Y, al mismo tiempo, va tejiendo un relato de ribetes fantásticos que propone una experiencia divertida para el espectador.

One summer’s day that seems to be just as any other, Alfonso interrupts his everyday errands in the city to cool off in the sea. When he comes out of the water, he’s on a different coast, wearing a different bathing suit, at an imprecise time, and relates with people from his life. The Waves is a step forward in the work of Adrián Biniez (his first film, Giant (2009), had a successful run at international festivals in 2009 and 2010, and El Cinco competed at the 29th Festival). Here, he doubles the stakes by narrating the life of a character who enters and comes out of the ocean as if he was living in different chapters of his own adventure book –the film is divided into segments, named after classic stories like Treasure Island and Journey to the Center of the Earth). At the same time, he weaves a story with fantastic elements that proposes a fun experience for the audience.

Hoy, 13:15, CIN 2; Hoy, 21:40, CIN 2; JU 23, 16:00, CIN 2

Today, 13:15, CIN 2; Today, 21:40, CIN 2; THU 23, 16:00, CIN 2

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TEMÁTICAS – THEMES

La ley de la frontera

The Law of the Border Este año, la programación del Festival se ve atravesada más que nunca por la cruda realidad actual de los refugiados, y las dificultades que deben soportar los inmigrantes de todo el mundo en lugares ajenos y situaciones delicadas.

This year, the Festival’s program is crossed by the raw current reality of refugees, and the hardships immigrants all around the world have to endure in strange places and delicate situations.

En esta edición del Festival, la programación tiene una particularidad: muchas de las películas que la integran muestran la actual situación de los refugiados e inmigrantes en distintas partes del mundo. El público podrá ver estas historias urgentemente actuales en films como Marea humana, donde el artista chino Ai Weiwei y un equipo de más de 2000 personas documentan la situación de los refugiados en 23 países, con imágenes apabullantes. O L’Héroïque lande, la frontière brûle, film sobre la jungla de Calais, Francia, donde jóvenes atrapados en el descontrol de las guerras y la violencia policial intentan cruzar para llegar a Inglaterra.

Invitada del 32º Festival, la legendaria actriz Vanessa Redgrave construye en Sea Sorrow un documental sobre la crisis mundial de los refugiados desde su activismo en el tema.

Al mismo tiempo, The Charmer, de Milad Alami, cuenta la historia de un inmigrante iraní en Dinamarca, que trabaja durante el día en una empresa de mudanzas para

poder enviar dinero a familiares en su tierra natal; mientras que El mar la mar, de los norteamericanos J.P. Sniadecki y Joshua Bonnetta, plasma una postal de resistencia sobre el Desierto de Sonora en la frontera entre Estados Unidos y México.

Hay más: la cálida En el séptimo día, de Jim McKay, muestra a un grupo de amigos mexicanos que pasan sus días trabajando en restaurantes o en obras en construcción en Brooklyn; el film argentino Estoy acá (Mangui Fi), de Juan Manuel Bramuglia & Esteban Tabacznik, narra el desafío de adaptación de dos inmigrantes senegaleses que entablaron una gran amistad en Buenos Aires. Finalmente, la bella y trágica El silencio del viento, de Álvaro Aponte Centeno, es una ficción alrededor de la realidad que padecen los indocumentados que cruzan la frontera de agua desde República Dominicana hacia Puerto Rico. En un mundo en el que las fronteras se cierran cada vez más, el cine continúa derribando barreras.

At this edition of the Festival, the program has one uncommon feature: there are several films that echo the current situation of refugees and immigrants around the world. Audiences will be able to see these urgently current stories in films like Human Flow, where Chinese artist Ai Weiwei and his team of more than 2,000 people document the refugee situation in 23 countries, including some overwhelming images. Or The Wild Frontier, a film about the jungle of Calais, France, where young men trapped in the chaos of war and police violence try to cross and reach England.

An invitee of the 32nd Festival, legendary actress Vanessa Redgrave builds in Sea Sorrow a documentary on the world refugee crisis from the perspective of his activism on the subject.

Meanwhile, Milad Alami’s The Charmer tells the story of an Iranian immigrant in Denmark who works at a moving trucks business in order

to send money to his relatives back home; and El mar la mar, from North Americans J.P. Sniadecki and Joshua Bonnetta, captures a postcard of resistance over the Sonoran Desert, in the border between the US and Mexico.

There’s more: Jim McKay’s warm On the Seventh Day shows a group of Mexican friends who spend their days working at restaurants or construction sites in Brooklyn; the Argentine film I Am Here –from Juan Manuel Bramuglia and Esteban Tabacznik– depicts the challenge of adapting through the lives of two Senegalese immigrants who became close friends in Buenos Aires. Finally, Álvaro Aponte Centeno’s beautiful and tragic Silence of the Wind is a fiction that revolves around the reality suffered by the undocumented that cross the water border from the Dominican Republic to Puerto Rico.

In a world where borders keep closing, cinema continues to bring down barriers.

VENTANA DOCUMENTAL – DOCUMENTARY SHOWCASE

Fiesta popular Popular Celebration

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¿Cómo llegaste a conocer esta historia y luego decidir realizar el documental?

Conocí esta historia solo por pasar por la Rambla en alguna vacación y ver el ambiente increíble que había ahí, popular, lleno de gente; si uno realmente no se detiene y participa, es prácticamente invisible, de otro lado. Es como si no estuviera ahí, especialmente para una simbología hegemónica instalada del marplatense medio que los niega, los hostiga. Yo diría que los desaparece y, sin embargo, no los puede evitar.

How did you find about this story and then decide to embark on this documentary?

I came across it just by walking the Rambla (boardwalk) when I was on vacation here, and seeing the incredible, popular, crowded environment –unless you actually stop and participate, it’s practically invisible from anywhere else. It’s as if it wasn’t there, especially because of dominant symbols installed in everyday Mar del Plata citizens, which negates them and pesters them. I would say they make them disappear, but despite that, they can’t be avoided.

¿Cuál es la motivación de la gente que allí se junta, según descubriste mientras filmabas el documental?

Es un espacio realmente apropiado por trabajadores de todo el país que pueden no venir por años y al volver están firmes ahí.

Son de la Patagonia, Jujuy, Capital, etcétera.

La gente concurre porque es su espacio; es un lugar mágico porque no tiene puertas, ni entradas ni salidas, y sin embargo existe desde hace más de 30 años, resiste, rompe la cultura del shopping y la mercancía. Es un espacio colectivo construido por trabajadores tanto del lado de los espectadores como de los artistas, son como ríos subterráneos de las clases populares que se conectan a lo largo del tiempo y el espacio.

What is the motivation of the people who gather there, according to what you discovered while shooting the documentary?

It’s a place that has been truly appropriated by working class people from all over the country –even if they haven’t been there for years, wen they return they won’t miss it. They come from Patagonia, from Jujuy, from the Capital, and so on. People come because it’s their space; it’s a magical place because it has no doors, no entrances, no gates, and yet has existed for more than 30 years –it resists, it breaks away from the culture of the mall and the merchandise. It is a collective space built by working people both in the audience and among the artists: they are like subterranean rivers of the popular classes that connect through time and space.

Hoy, 12:30, AMB 4 (Se proyecta con Open the Doors)

Today, 12:30, AMB 4 (Screened with Open the Doors)

Nicolás Bratosevich registra el clásico escenario marplatense en el que trabajadores, jubilados y jóvenes bailan al ritmo de un legendario imitador de Antonio Ríos que venció al tiempo y resiste con su propia fiesta frente al mar.

Nicolás Bratosevich captures a classic Mar del Plata spot where workers, senior citizens and young people dance to the rhythm of a legendary Antonio Ríos imitator, who beat time and continues to resists with his own party by the sea.

Rambla, sin tu amor no soy nadie D: Nicolás Bratosevich

REPÚBLICA DE COREA - PAÍS INVITADO DE HONOR –REPÚBLICA DE COREA - HONOR GUEST COUNTRY

Promesas del Este Eastern Promises

¿Cuál es el secreto de una de las cinematografías nacionales más fuertes del mundo? La gran delegación coreana de invitados y una excelente selección de películas nos traen la clave detrás del cine de la República de Corea, el País Invitado de Honor de esta edición.

Industria del cine coreano: Los secretos del éxito Korean Film Industry: The Secrets of Its Success Con / With Whitney Kim (Contents Panda - N.E.W.), James Seo (CJ E&M), Hewon Park (Kross Pictures). Modera / Moderated by: Marcelo Alderete.

15:00 Salón Recova - Gran Hotel Provincial

What is the secret behind one of the stronger national cinemas in the world? The big Korean delegation and an excellent selection of films bring us the key to the cinema of our Guest Country of Honor: Republic of Korea.

En 2012, el Festival realizó, en colaboración con el KOFIC (Korean Film Council), un foco sobre nuevos directores coreanos: un grupo de cineastas jóvenes que presentaban sus primeras y segundas películas, y producciones independientes.

Este año, nuevamente gracias a la colaboración del KOFIC, el 32º Festival recibe a la República de Corea como País Invitado de Honor. Modelo absoluto para cualquier industria cinematográfica –su producción local compite en la taquilla al mismo nivel que los tanques de Hollywood que dominan absolutamente el resto de los mercados–, el cine coreano tiene una presencia importantísima a lo largo y ancho de la programación, pero también en las distintas áreas y propuestas del Festival. La carrera por el Astor en la Competencia Internacional incluye a The First Lap, film de Kim Dae-hwan sobre una joven pareja coreana a punto de ser padres, en un viaje que los enfrenta con sus miedos e inseguridades, con abandonar sus sueños y transformarse en una familia reflejo de las suyas. En la Competencia Argentina, el crítico de cine, autor y profesor Kim Youngjin será uno de los miembros del Jurado.

Enfocados Programado por Marcelo Alderete, el Foco sobre films recientes de la República de Corea recorre comedias de bajo presupuesto, obras de autor personales, cine de género y superproducciones que, a pesar de su destino popular, no dudan en enfrentarse a momentos históricos y polémicos de la historia del país, y revelan por qué el cine coreano sigue interesando al resto del mundo: posee una vitalidad cada vez más difícil de encontrar en otras cinematografías. El programa incluye una perla: la versión restaurada de Die Bad, un clásico moderno (se estrenó en 2000) cargado de furia, violencia y juventud, cuyo director Ryoo Seung-wan se

transformaría en uno de los realizadores más taquilleros de su país.

La mujer es el futuro del hombre En un año con tres películas (todas protagonizadas por su musa, y nueva esposa, la maravillosa Kim Min-hee), el director Hong Sang-soo demuestra que su cine no se detiene ante nada y que la ficción, a veces, puede servir para tratar de entender la vida (o, al menos, reescribirla como un triste cuento moral). En la sección Autores, el 32º Festival proyecta dos de ellas.

Filmada en pocos días durante el Festival de Cannes, Claire’s Camera cuenta la historia de una joven asistente de una empresa dedicada a la venta internacional de películas, que es despedida de su trabajo a causa de una supuesta infidelidad, lo que la llevará a recorrer sin destino las calles y escenarios típicos de la ciudad (junto a otra musa cinéfila que ya vimos en Madame Hyde, film de apertura del Festival: Isabelle Huppert). Como una contracara de esta película luminosa, El día después es una nueva variación –filmada en blanco y negro en Seúl durante el crudo invierno coreano– sobre las relaciones maritales y las infidelidades, las discusiones, llantos y recriminaciones que involucran a sus protagonistas.

Detrás de la pantalla La clave del cine no se encuentra solo en el talento delante de la pantalla.

Por eso, la delegación de la República de Corea incluye a ocho profesionales, entre decision makers y productores, que presentarán cuatro proyectos en el marco del Mardoc.Lab y Lobolab, algunos de los mercados que conforman Film.ar, la zona profesional del Festival para el desarrollo de la industria audiovisual argentina e internacional.

Abajo desde la izquierda / Left below : Mo Ji-eun, Kim Young-jin, Jung Byung-gil. Arriba desde la izquierda / Left above: Jang Woo-jin, Song Hyun-young, Shim Chan-yang, Lim Tae-gue.

In 2012, and in collaboration with KOFIC (the Korean Film Council) the Festival did a focus on new Korean directors -a group of young filmmakers who presented their first and second features, as well as independent productions.

This year, and once again thanks to the collaboration of KOFIC, the 23rd Festival receives the Republic of Korea as an Honor Guest Country. An absolute example for any film industry –its local production competes, box-office-wise, at the same level as the Hollywood blockbusters that dominate the rest of the markets– Korean cinema has a very important presence across our program, but also in the different areas and activities of the Festival. The race for the Astor in the International Competition includes The First Lap, a film by Kim Dae-hwan about a young couple who are about to become parents, on a trip that will confront them with their fears and insecurities, with abandoning their dreams and turning into a reflection of their families. In the Argentine Competition, film critic, author and teacher Kim Young-jin will be one the members of the Jury.

In Focus Programmed by Marcelo Alderete, the Focus on recent films from the Republic of Korea covers low-budget comedies, personal auteur works, genre films and big-budget productions that, apart from their popular fate, dare to depict historical and controversial moments in the history of the country, and reveal why Korean cinema is still interesting for the rest of the world -its vitality becomes harder and harder to find in other cinematographies. The program includes a gem: the restored version of Die Bad, a modern classic (it was released

in the year 2000) full of rage, violence and youth, whose director Ryoo Seung-wan would turn into one of the most financially successful filmmakers in his country.

Woman Is the Future of Man In a year with three films (all of them starring his muse, and new wife, the wonderful Kim Min-hee), director Hong Sang-soo proves that his cinema stops at nothing, and that fiction can sometimes be useful to try to understand life (or at least rewrite it as a sad moral tale).

In the Auteurs section, the 32nd Festival is screening two of them.

Shot in just a few days during the Cannes Film Festival, Claire’s Camera tells the story of a young assistant at an international film sales company who’s fired from her job due to a supposed infidelity, which will lead her to wander the streets and typical sceneries of the city (along with another cinephile muse we have already seen in Madame Hyde, the Festival’s opening film: Isabelle Huppert). As a flipside to this luminous film, The Day After is a new variation -shot in black and white in Seoul during the harsh Korean winteron marriage relationships and infidelities, arguments, crying and recriminations that involve its main characters.

Behind the Screen The key to cinema doesn’t just lie on the talent in front of the screen. That is what the delegation from the Republic of Korea includes eight professionals, between decision makers and producers, that will present four projects as part of Mardoc.Lab and Lobolab, some of the markets that form Film.ar, the professional area of the Festival for the development of the local and international audiovisual industries.

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GENERACIÓN VHS — GENERATION VHS

La ley de Murphy Murphy’s Law

El ya clásico (y premonitorio) film de Paul Verhoeven cumple 30 años, y el Festival lo festeja de la mejor manera: proyectándolo en el Ambassador.

Paul Verhoeven’s classic (and premonitory) film turns 30, and the Festival celebrates it in the best way: screening it in the Ambassador theater.

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Cuando se estrenó, a mediados de 1987, nadie podía pensar en que Robocop iba a convertirse en un clásico. Pero todavía más difícil es, treinta años después, establecer dentro de ese parámetro el magnetismo que provocan sus imágenes. Porque Robocop no es un clásico clausurado: revisión tras revisión, su fotografía helada y su naturalismo brutal siguen pegando como la primera vez. La primera película del holandés Paul Verhoeven en Hollywood estira su sombra y actualiza su discurso crítico de la sociedad estadounidense, y la obsesión por el consumo y la tecnología en la forma de una sátira desquiciada.

El mismo Verhoeven supo decir que no podía creer el nivel de violencia con el que la sociedad norteamericana vivía el día a día; así, calibró su mirada más ácida y ensambló esta distopía regada de parodia sobre cómo las corporaciones regulan la criminalidad a su antojo detrás de su fachada política. Y lo hizo a lo bestia, tanto por su violencia extrema –salpicando el mainstream a puro gore europeo– como por su comedia estrambótica.

El éxito fue tal que a nadie le importó que el holandés se estuviera riendo de ellos y no con ellos. Y es que Robocop era un gran chiste que, visto hoy, parece exaltar cierto carácter profético. Que aquel Detroit apocalíptico parezca por momentos reflejar algunas postales del horror actuales puede ser una de las razones del magnetismo de la película. También están, claro, los jóvenes Peter Weller y su cyborg melancólico, Miguel Ferrer pre Twin Peaks, Nancy Allen post De Palma y Kurtwood Smith antes de That ‘70s Show, desatados todos al servicio de una de las películas de acción más inclasificables de la historia del cine.

La película tuvo dos muy buenas secuelas a cargo de Irvin Kershner (¡sí, el de El imperio contraataca!) y Fred Dekker (el mismo de los entrañables miniclásicos The Monster Squad y Night of the Creeps –o El terror llama a su puerta–), varios intentos fallidos en televisión y una reciente remake a cargo del brasileño José Padilha.

Hoy / Today, 18:50, AMB 1; JU / THU 23, 16:00, AMB 1

Upon its release in 1987, no one could have imagined that Robocop would become a classic. But it’s still harder to describe the magnetism its images provoke thirty years later. Because Robocop resists time: rewatch after rewatch, the film’s ice-cold cinematography and brutal naturalism work just as well as they did the first time around. Dutch filmmaker Paul Verhoeven’s first Hollywood film casts and even larger shadow and updates his critical views on American society and their obsession with consumerism and technology in the form of an unhinged satire. Verhoeven himself said that he couldn’t believe the level of violence with which American society moved through their everyday life. He calibrated his sharpest view and assembled this parodyfilled dystopia about the way corporations regulate criminality to their liking behind a political façade. And he did it the most brutal way possible, not only for its extreme violence –splattering mainstream cinema with pure European gore–, but also for its outlandish sense of comedy.

The success was such that no one cared that the Dutch filmmaker was actually laughing at them instead of with them. Because Robocop was a big joke that today seems to highlight a sort of prophetical character.

The fact that this apocalyptic Detroit seems to reflect some current horror postcards may be one of the reasons behind the film’s magnetism. Of course, there’s also a young Peter Weller and his melancholy cyborg, a pre-Twin Peaks Miguel Ferrer, a postDe Palma Nancy Allen and Kurtwood Smith before That ‘70s Show, all of them frenzied and at the service of one of the most unclassifiable action films in history.

The film spawned two very good sequels directed by Irvin Kershner (yes, the one from The Empire Strikes Back!) and Fred Dekker (who also did the lovable mini-classics The Monster Squad and Night of the Creeps), many failed attempts for TV, and a recent remake from Brazilian director José Padilha.

Robocop Estados Unidos - USA, 102’ D: Paul Verhoeven

ACTIVIDADES ESPECIALES — SPECIAL ACTIVITIES

Leamos de cine Reading Cinema

Presentación de Hablemos de Cine (Antología) Vol.1

Moderan / Moderated by: Diego Batlle, Guillermo Colantonio, Jorge Maestro & Isaac León Frías.

A inicios de 1965, un grupo de estudiantes de la Universidad Católica en Perú dio a conocer el primer número, mimeografiado, de una revista de apariencia humilde, pero muy combativa en sus posiciones. Se llamaba Hablemos de Cine, y salió publicada cada quince días durante ese año. Luego, ya impresa, editó 77 entregas durante veinte años. Con motivo del cincuentenario del número 1, que se cumplió en 2015, se planeó una amplia antología en forma de libro, cuyo primer volumen, editado por Isaac León Frías y Federico de Cárdenas, presentamos.

Hablemos de Cine marcó un antes y un después en la crítica cinematográfica en Perú. Esta antología intenta dar a conocer a las nuevas generaciones el aporte de una publicación especializada que se considera histórica en el campo de la cultura cinematográfica en América Latina.

In early 1965, a group of students from the Catholic University in Peru unveiled the first, mimeographed issue of a magazine that appeared to be humble, but actually had very fierce positions. It was called Hablemos de Cine (“Let’s Talk About Film”), and was published every two weeks that year. Later, already in a printed version, they released 77 issues through the course of 20 years. An extensive anthology in the shape of a book was planned for the 50th anniversary of the first issue, which took place in 2015. We are presenting its first volume, edited by Isaac León Frías and Federico de Cárdenas.

Hablemos de Cine marked a milestone in film criticism in Peru. This anthology tries to drive new generations to discover the contribution of a specialized publication that made history in the field of Latin American film culture.

EXPRESO DE MEDIANOCHE — MIDNIGHT EXPRESS

Donnie Darko

La proyección de la milagrosa opera prima de Richard Kelly en esta edición del Festival es todo un acontecimiento ya que, al no haberse estrenado en cines locales, es la primera oportunidad para verla en pantalla grande en Argentina.

Donnie Darko es una enorme película de viajes en el tiempo, un inolvidable retrato de época (1988), una película que describe la adolescencia como pocas y una comedia ácida y brillante, entre otro montón de cosas. Y tiene a Jake Gyllenhaal en la actuación de su vida, a un montón de actorazos secundarios (Jena Malone, Mary McDonnell, Drew Barrymore, Patrick Swayze, e incluso a un Seth Rogen recién salido de Freaks and Geeks haciendo de bully), y dos secuencias de montaje inolvidables musicalizadas por “Head Over Heels” de Tears for Fears y “Mad World”, también de Tears for Fears pero en un cover monumental a cargo de Michael Andrews y Gary Jules. La versión que se proyecta no es el director’s cut editado unos años después sino el corte estrenado en cines, que para muchos es bastante superior.

Hoy / Today, 00:00, AMB 1; JU / THU 23, 12:20, AMB 1

The screening of Richard Kelly’s miraculous first feature in this edition of the Festival is quite an event: since the film never had a local theatrical release, this is the first chance of seeing it on a big screen in Argentina. Donnie Darko is a great film about time travel, an unforgettable portrait of an era (1988), a film that describes adolescence like few others and a brilliant, sharp comedy, among lots of other things. And it has Jake Gyllenhaal in the performance of a lifetime, many great actors in supporting roles (Jena Malone, Mary McDonnell, Drew Barrymore, Patrick Swayze and even a Seth Rogen playing a bully, just out of Freaks and Geeks), and two unforgettable montages to the sound of Head Over Heels, by Tears for Fears, and Mad World, also from Tears for Fears but in a monumental cover version by Michael Andrews and Gary Jules. The version screened is not the “Director’s Cut” released a few years later, but the theatrical one, regarded by many people as a much better one.

Estados Unidos - USA, 113’ D: Richard Kelly

NUEVOS AUTORES – NEW AUTHEURS

Italia 90 Italy ‘90

Fabio Grassadona cuenta cómo encaró –junto a Antonio Piazza– la realización de Sicilian Ghost Story, donde rescatan un caso policial, mafia mediante, de un modo absolutamente particular.

Fabio Grassadona describes the way he and Antonio Piazza approached the making of Sicilian Ghost Story, the film where they bring back a police case involving the mafia in an absolutely peculiar way.

En Sicilian Ghost Story aparece un hecho mafioso real como elemento central. ¿Qué impacto tuvo el hecho que cuenta la película –y la mafia– en sus vidas?

Vivimos en Palermo durante los 70 y 80 cuando la mafia dejó cientos de muertos producto de su guerra con el gobierno.

Este tipo de experiencias obviamente nos marcó, incluso en términos artísticos. Este secuestro ocurrió a mediados de los 90 y luego decidimos irnos de Sicilia. Fue al mismo tiempo en que nos convertimos en escritores y directores, con nuestras historias personales a cuesta. Tiempo después regresamos y exploramos en las profundas razones de por qué la mafia había afectado nuestras vidas. La historia de este chico secuestrado por supuesto es terrible, pero nosotros elegimos verlo desde el punto de vista mítico. Cuando decidimos filmar esta historia, este caso ya estaba completamente olvidado para el común de la gente. Entonces quisimos que fuera también un acto de amor para este joven. ¿Cómo decidieron cruzar un tema tan trágico con elementos fantásticos?

La historia está basada en la oposición

entre los dos amantes, y en contrapunto del mundo visible (real) y otro mundo invisible (irreal). Todo lo que está conectado con el secuestro y muerte de Giuseppe viene de la realidad, no cambiamos nada. Creamos un personaje ficcional, Luna, y la historia de amor que vive con Giuseppe es complemente fantástica; así se desarrolla una especie de cuento de hadas en el particular contexto siciliano.

Más allá de lo truculento de la historia, hay un tratamiento visual cargado de climas oníricos. ¿Cómo trabajaron ese equilibrio?

Trabajamos con el concepto de fábula y, gracias a la tarea conjunta con el director de fotografía, buscamos evidenciar la presencia de la naturaleza como una especie de narradora secreta de la historia. También buscamos crear un tiempo que no existe, un tiempo fuera del tiempo. Nuestra preocupación era que, por ejemplo, la música pudiera completar la experiencia emotiva tanto del protagonista como del espectador.

Hoy / Today, 21:50, ALD 3

In Sicilian Ghost Story, a real event involving the mafia appears as a central element. What impact did the event described in the film have in your lives, as well as in the mob?

We were living in Palermo during the ‘70s and ’80s when the mafia left hundreds of casualties in its war with the government. This particular kidnapping took place in the midnineties, and then we decided to leave Sicily.

At the same time, we became writers and directors, carrying our own personal stories.

Some time later, we returned and explored the way the mafia had affected our lives. The story of this kidnapped boy is surely terrifying, but we chose to see it from a mythical point of view. When we decided to film this story, this case had been completely forgotten. So we wanted it to be an act of love towards this young man as well.

How did you decide to cross such a tragic subject with fantastic elements?

The story is based on the opposition between

two lovers, and as a counterpoint to the visible (real) world and another invisible (unreal) world. Everything connected with the kidnapping and murder of Giuseppe comes from real life, we didn’t change anything. We created a fictional character, Luna, and the story Giuseppe lives is completely fantastic.

This way, a kind of fairy tale unfolds in the peculiar context of Sicily.

In spite of the story’s disturbing nature, there’s a visual treatment that features dreamlike atmospheres. How did you work on that balance?

We worked with the notion of fable, and through our work with the DP, we sought to show the presence of nature as some sort of secret narrator to this story. We also aimed to create a time that does not exist, a time out of time. For example, our concern was that the music would complete the emotional experiences of both the protagonist and the viewer.

VIDRIERA — SHOWCASE

Ganadores y Jurado del Concurso de Cortometrajes Raymundo Gleyzer / Winners and Jury of the Raymundo Gleyzer Short Film Contest.

Camila restaurada / Camila restored: Annamaria Muchnik, Graciela Galán, Susú Pecoraro, Lita Stantic & Fernando Madedo.

7

GUÍA DE PROGRAMACIÓN — PROGRAM GUIDE

Miércoles 22

- Wednesday 22nd

9:00 | AUD

12:20 | AMB 1

14:10 | ALD 5

10:30 | ALD 4

12:30 | AMB 4

14:30 | ALD 2

A fábrica de nada Pedro Pinho 176’ | INT Los vagos Gustavo Biazzi 92’ | ARG

10:30 | CIN 2 Eugenia Martín Boulocq 82’ | LAT

11:10 | ALD 3

Wajib Annemarie Jacir 96’ | INT

11:30 | ALD 5

I Want to Bahman Farmanara 93’ | AUT

11:50 | ALD 2

Pabellón 4 Diego Gachassin 71’ | PAN

12:00 | AMB 2

Les Garçons Sauvages Bertrand Mandico 110’ | NAU

12:10 | ALD 1

Camila María Luisa Bemberg 105’ | RES

12:10 | AMB 3

Ábalos, una historia de cinco hermanos Josefina Zavalía Ábalos, Pablo Noé 84’ | DOC

Barbara Mathieu Amalric 97’ | AUT Rambla, sin tu amor yo no soy nadie / 35’ Nicolás Bratosevich Open the Door / 47’ Shahram Karimi DOC

12:50 | AUD

Western Valeska Grisebach 120’ | INT

13:00 | CIN 1

Did You Wonder Who Fired the Gun? Travis Wilkerson 90’ | ALT

13:10 | ALD 4

Réquiem para un film olvidado Ernesto Baca 66’ | ARG

13:15 | CIN 2 Las olas Adrián Biniez 88’ | LAT

13:30 | ALD 6

La batalla de los sexos Jonathan Dayton, Valerie Faris 122’ | AUT

13:40 | ALD 3

Todo lo que veo es mío Mariano Galperín, Román Podolsky 83’ | ARG

Equipo Staff

8

El origen de la tristeza Oscar Frenkel 71’ | PAN

14:50 | ALD 1

El silencio de los fusiles Natalia Orozco 118’ | PCL

14:50 | AMB 3 Inventory / 9’ Paradise - An Imperialist Tragicomedy / 60’ Zelimir Zilnik ZIL

15:00 | COL Black Film / 14’ Kenedi Is Getting Married / 80’ Zelimir Zilnik ZIL

15:10 | AMB 4

Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle Grace Winter Luc Plantier 85’ | DOC

15:15 | CIN 1 Tormentero Rubén Imaz 80’ | LAT

15:30 | AMB 2

The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic / 30’ Brooklyn – Gusinje / 85’ Zelimir Zilnik ZIL

15:50 | ALD 4

Barrefondo Jorge Leandro Colás 76’ | ARG

16:00 | AMB 1

Brawl in Cell Block 99 S. Craig Zahler 132’ | HOR

16:00 | CIN 2

The Dead Nation Radu Jude 83’ | AUT

16:30 | ALD 3 Thelma Joachim Trier 116’ | INT

16:50 | ALD 5 Chacun sa vie Claude Lelouch 113’ | LEL

17:10 | ALD 2

El volcán adorado Fernando Krapp 67’ | PAN

17:20 | CIN 1 Mariana Chris Gude 64’ | LAT

17:30 | AMB 3

For Ella / 10’ Throwing Off the Yolks of Bondage / 12’

Pirika on Film / 53’ Zelimir Zilnik ZIL

18:50 | AMB 1

17:50 | AMB 4

Robocop Paul Verhoeven 102’ | VHS

18:00 | ALD 1

Eugenia Martín Boulocq 82’ | LAT

Makala Emmanuel Gras 96’ | DOC

10 ediciones - 5 películas. Concurso Raymundo Gleyzer: La peli de Batato Goyo Anchou, Peter Pank 150’ | PAR

18:00 | AUD

A fábrica de nada Pedro Pinho 176’ | INT

18:25 | AMB 2 The Villainess Byung-gil Jung 123’ | SKO

18:30 | ALD 4

Las expansiones / 32’ Manuel Ferrari Hello, Horse! / 24’ Laila Pakalnina Niebla / 15’ Flavia de la Fuente Où en êtes-vous, JeanMarie Straub? / 10’ Jean-Marie Straub ALT / AUT - PRG 2

18:50 | ALD 6

La suave noche Luz Rapoport, Sofía Bordenave 70’ | PAN

19:00 | CIN 2

19:00 | COL

Silo Danube, Vukovar / 1’ Marble Ass / 87’ Zelimir Zilnik ZIL

19:10 | ALD 3

Todo lo que veo es mío Mariano Galperín, Román Podolsky 83’ | ARG

19:30 | ALD 5

Behind the Dark Night Shim Chan-yang 117’ | SKO

19:50 | ALD 2

Cien caminos - Suárez segunda parte Fernando Blanco 85’ | BSO

20:00 | CIN 1

En el séptimo día Jim McKay 92’ | AUT

20:10 | AMB 3 Kikí / 22’ Adorfo Arrietta Merlín / 58’ Udolfo Arrietta ADO

CINEMAR Museo Mar

(Av. Camet y López de Gomara)

Agustín Mango

Gastón Olmos

Micaela Berguer

Guillermo Pintos

Sol Santoro

Javier Diz

Juan Martínez

Wonderstruck Todd Haynes 117’ | AUT

Explanada / Esplanade 20 h - El fútbol o yo, de Marcos Carnevale

20:30 | AMB 4

Real - O plano por trás da História Rodrigo Bittencourt 90’ | PCL

21:10 | ALD 4

21:50 | AUD

Western Valeska Grisebach 120’ | INT

21:50 | ALD 3

Los vagos Gustavo Biazzi 92’ | ARG

Sicilian Ghost Story Fabio Gassadonia, Antonio Piazza 120’ | NAU

21:15 | AMB 2

22:00 | ALD 2

Plus Ultra / 13’ Helena Girón, Samuel M. Delgado Fajr / 12’

Lucía Humberto Solás 160’ | RES

22:10 | ALD 5

La Bouche / 19’

Los unos y los otros Claude Lelouch 180’ | LEL

Camilo Restrepo

22:45 | AMB 4

Lois Patiño

Aliens / 23’ Luis López Carrasco ALT / AUT - PRG 4

21:20 | AMB 1 Outrage: Coda Takeshi Kitano 104’ | AUT

21:30 | ALD 6

Cuentos de chacales Martín Farina 70’ | PAN

21:40 | ALD 1

Los guantes mágicos Martín Rejtman 90’ | RES

21:40 | CIN 2

Caniba Vérena Paravel, Lucien Castaing-Taylor 95’ | AUT

22:50 | AMB 3

Noches de otoño Flavia de la Fuente 66’ | ALT

23:30 | AMB 2

Reencuentro Lawrence Kasdan 105’ | VHS

00:00 | AMB 1 Donnie Darko Richard Kelly 113’ | VHS

Las olas Adrián Biniez 88’ | LAT

Las entradas gratuitas de las películas del día se retiran a partir de las 9 am en la boletería de Museo Mar. Free tickets for the films of the day can be picked up from the Mar Museum ticket office starting 9 am.