Diario del Festival 32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
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Viernes 24/11/2017 DISTRIBUCIÓN GRATUITA
Cinema Paradiso Thierry Frémaux, el Delegado General del Festival de Cannes, vino a Mar del Plata con un programa doble: película y libro.
Thierry Frémaux, General Delegate of the Cannes Film Festival, came to Mar del Plata with a double feature: a book and a film.
COMPETENCIA ARGENTINA — ARGENTINE COMPETITION
El azote
Hasta que me desates
The Scourge
Ganador del premio a Mejor Director en 2012 por Fango, y ya un asiduo de la Competencia Argentina del Festival (su última película, El sacrificio de Neuhen Puyelli, compitió el año pasado), José Celestino Campusano vuelve a Mar del Plata con El azote, la historia de un asistente social que lidia con los problemas de sus alumnos (y los propios) en un colegio en esa zona de Bariloche que no sale en las postales. “Es un drama antropológico y autocrítico”, dice Campusano, quien, como siempre, prefiere la primera persona del plural cada vez que habla de la realización de una de sus películas. Ese “nosotros” incluye tanto a su productora Cinebruto como a las personas que pone delante de la cámara. “La motivación para rodar esta historia es la misma que nos ha llevado a abordar proyectos como Vikingo [24º Festival], Placer y martirio y tantos otros. Se trata de plasmar los códigos de convivencia de un estrato determinado sumando el potencial y el compromiso de ese mismo entorno”, asegura. En este caso, es un entorno repleto de dificultades y barreras. Climáticas, sociales y, claro, políticas. Un contexto que, según Campusano, influye muchísimo a la hora de plasmar un relato cinematográfico. “El frío allí es con piso de tierra, quince grados bajo cero, y en muchos casos con escaso abrigo y con muchas dificultades para ascender socialmente”, cuenta. En ese mundo castigado, surcado por la marginalidad y una violencia latente, El azote se concentra en el mundo interior de sus personajes y sus métodos de supervivencia.
Argentina, 89’
D: José Celestino Campusano
Until You Untie Me
Winner of the Best Director award in 2012 for Mud, and already a regular at the Argentine Competition of the Festival (his latest film, Nehuen Puyelli’s Sacrifice, competed last year), José Celestino Campusano returns to Mar del Plata with The Scourge, the story of a social assistant dealing with the problems of his students (as well as his own) at a school in that area of Bariloche that doesn’t appear on postcards. “It is an anthropological, selfcritical drama,” says Campusano who, as always, prefers the first person plural every time he talks about the making of one of his films. That “us” includes his production company Cinebruto as well as the people he puts in front of the camera. “The motivation to film this story is the same one that has driven us to embark on projects like Viking [24th Festival], Martyrdom and Pleasure and so many others. It’s all about expressing the codes of coexistence of a certain stratum in addition to the potential and commitment of that very environment,” he states. In this case, it’s an environment filled with difficulties and barriers. Climatic, social and, of course, political. A context that, according to Campusano, is highly influential when capturing a cinematic tale. “The cold there is on a dirt floor, fifteen degrees below zero, and in many cases with scarce clothing to warm up and many difficulties in moving up the social ladder,” he tells. In this punished world, pierced through by marginality and a latent violence, The Scourge concentrates in the inner world of its characters and their survival methods. Hoy / Today, 10:30, ALD 4; Hoy / Today, 21:10, ALD 4; SA / SAT 25, 13:10, ALD 4
Todo empezó en Bogoshorts, un festival colombiano de cortos donde Tamae Garateguy –ganadora de esta misma competencia con Pompeya (25º Festival)– fue jurado. “Me vi completamente conmovida por un cortometraje documental que se llama Letting You Go (Dejándote ir) y que cuenta la historia de una joven danesa que quiere morir y pide a su familia que la acompañe en el proceso, y el padre es quien está con ella hasta el final. La muerte y el amor como temas rondaban en mi cabeza sin darme paz. Y eso es lo que me pasa cuando necesito transmitir un sentimiento a través de una película. Así empezó todo”, cuenta la directora, que participó en el 30º Festival con All Night Long y UPA 2! El regreso (con Santiago Giralt y Camila Toker). El resultado es un thriller psicológico que deviene en historia de amor: un encuentro casual entre un hombre y una mujer, ambos con sus vidas barranca abajo, que se transforma en un intenso encuentro que vincula deseo, muerte y prácticas sexuales extremas con una trama policial subyacente. Protagonizada por Martina Garello y Rodrigo Guirao Díaz, Hasta que me desates es pura pulsión. “Para mí la muerte es el gran final, y la sexualidad se presenta ante ella como la gran energía vital”, describe la directora. “La sexualidad irradia infinitas posibilidades, puede ser una fuerza motora, creadora, destructora, salvadora. Puedo decir que en todas mis películas busqué imprimir una energía tanática y sexual fuerte y agresiva. En Hasta que me desates buscamos algo más onírico o de fantasía sexual”.
It all started in Bogoshorts, a Colombian shortfilm festival where Tamae Garateguy –winner of this very competition for Pompeya (25th Festival)– was a jury member. “I was completely moved by a documentary short called Letting You Go, which tells the story of a young Danish woman who wants to die and asks her family to accompany her in the process, and it’s the father who remains with her until the end. Thoughts of death and love as subjects never left me. And that is what happens to me when I need to transmit a feeling through a film. That’s how it all began,” says the director, who was part of the 30th Festival with All Night Long and UPA 2! The Return (the latter alongside Santiago Giralt and Camila Toker). The result is a psychological thriller that becomes a love story: a casual encounter between a man and a woman, both with their lives downhill, that turns into an intense encounter that mixes desire, death and extreme sexual practices with a subjacent detective plot. Starring Martina Garello and Rodrigo Guirao Díaz, Until You Untie Me is pure drive. “To me, death is the grand finale, and sexuality stands in front of it as the greatest vital energy,” describes the director. “Sexuality irradiates endless possibilities, it can be a driving force, a creative one, a destructive one, or it can save you. I can say that in all my films I aim to imprint a strong and aggressive Tanathic and sexual energy. In Until You Untie Me, we aim for something even more dreamlike, or out of a sexual fantasy.”
Hoy / Today, 13:25, ALD 3; Hoy / Today, 19:10, ALD 3; SA / SAT 25, 11:10, ALD 3
Argentina, 82’
D: Tamae Garateguy
COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION
Baronesa La crudeza se lleva bien con la comedia; eso parece querer decir Juliana Antunes en su ópera prima. La vida cotidiana (y con pocos recursos) de dos chicas brasileñas se ilumina con destellos de humor. Baronesa es un documental que nació a partir de una inquietud por descifrar los destinos de los colectivos que salían del centro de Belo Horizonte y se perdían por su periferia. En particular, uno que llevaba el mismo nombre de la directora: Juliana. La película, premiada en Marsella y Valdivia, es el registro de seis meses de filmación de un grupo de personajes que aspiran cocaína desde un celular y juegan con un chancho en medio de la selva. Montada por Affonso Uchoa, codirector de Arábia (2017), la película logra llevarnos delicadamente allí donde todo sucede. 2
Brasil - Brazil, 71’ D: Juliana Antunes
Crudeness gets along with company; that is what Juliana Antunes appears to say in his directorial debut. The everyday life (with few resources) of two Brazian girls is illuminated with flashes of humor. Baronesa is a documentary that is born from a concern for deciphering the destinations of the buses that leave from downtown Belo Horizonte and disappear into the outskirts. One in particular bears the director’s name: Juliana. The film –awarded in Marseille and Valdivia– captures six months of filming a group of characters who snort cocaine from a cell phone and play with a pig in the middle of the jungle. Edited by Affonso Uchoa, co-director of Araby (2017), the film succeeds in drawing us delicately to where everything takes place. Hoy / Today, 10:30, CIN 2; Hoy / Today, 19:00, CIN 2; SA / SAT 25, 10:30, CIN 2
COMPETENCIA INTERNACIONAL — INTERNATIONAL COMPETITION
Al desierto
The First Lap
To the Desert
Una mujer, un hombre y su larga travesía patagónica nutren el misterio en Al desierto, la nueva película de Ulises Rosell. Julia es empleada de casino y Gwynfor es operario petrolero. Cruzan sus vidas casi por azar y, en busca de un futuro prometido para ella, surcan el agreste territorio sureño argentino no sin dificultades geográficas y, sobre todo, emocionales. El vínculo inicialmente amistoso deviene en una compleja relación de sometimiento que transcurre en medio del viento, la tierra y la inmensidad de un territorio hostil. La película es una travesía pesadillesca en el paisaje árido de la Patagonia, un espacio que Ulises Rosell utiliza con el mismo poder cinematográfico de un western, con la inclemencia del sol y la oscuridad de la noche azotando a los protagonistas. Inspirada en las historias de las cautivas del siglo XIX, Al desierto plantea una relación que encierra un misterio, y que irá cambiando de forma a medida que el polvo va cubriendo las ropas de la pareja (Valentina Bassi y Jorge Sesán llenan la pantalla con intensidad). Rosell consigue transmitir la inclemencia del ambiente, en planos en los que la desolación patagónica se siente en la piel y la sequedad en la boca. El resultado es una road movie a pie, una aventura de supervivencia –además de un tour de force psicológico–, en la que los personajes, encerrados afuera, no tienen nada que perder. “Es el tipo de propuestas que me hacen meterme en una sala de cine por una cuestión de climas, escenarios y silencios”.
Argentina / Chile, 94’ D: Ulises Rosell
A woman, a man and a long journey across the Patagonia fuel the mystery in Ulises Rosell’s latest film To the Desert. Julia works at a casino and Gwynfor is an oil worker. They meet almost by chance and plow through the wild Southern territory in search of her promised future, but face with some geographical and, above all, emotional hardships. Their bond, friendly at first, becomes a complex relationship based on submission right in the middle of the wind, the dirt and the immensity of a hostile land. The film is a nightmarish journey through the arid landscape of Patagonia, a space Ulises Rosell uses with the cinematic power of a western, as the inclement sun and the darkness of night ravage the protagonists. Inspired by the stories of captive women from the 19th century, To the Desert lays out a mysterious relationship that will shift shape as the main characters (Valentina Bassi and Jorge Sesán, who fill up the screen with maxed-out intensity) get their clothes covered in dust. Rosell manages to convey the inclemency of the environment in shots in which you can feel the Patagonian desolation on your skin and its dryness in your mouth. The result is a road movie on foot, an adventure of survival –as well as a psychological tour de force– where the characters, locked outside, have nothing to lose. “This type of proposal is what that lures into a theater, looking for atmospheres, sceneries and silences,” says the director.
Hoy / Today, 12:00, AUD; Hoy / Today, 22:00, AUD; SA / SAT, 13:50 ALD 3
Su-hyeon es un aspirante a artista que, resignado, se dedica a dar clases. Su novia Jiyoung también es una empleada y viven juntos desde hace seis años. Pero un día la tranquilidad de sus vidas se interrumpe cuando Ji-young revela que está embarazada. Las visitas a sus respectivas familias, con sus diferentes realidades sociales, enfrentará a la joven pareja a la posibilidad y al temor de transformarse (ellos también) en una familia. Entre reproches, problemas del pasado que nunca fueron resueltos y la incertidumbre sobre un futuro que se acerca inexorablemente, la joven pareja realizará un viaje que los dejará al comienzo de una nueva vida. La secuencia final, filmada durante el momento en que el pueblo coreano tomaba las calles pidiendo por la renuncia de su presidente Park Geun-hye (hechos ocurridos en el otoño de 2016), demuestra no solo la cercanía de la película, sino el talento de su director para unir lo íntimo con lo social y demostrar que el cine es una poderosa herramienta para hablar de la realidad. El film, ganador de la Mención Especial del Jurado Joven y del Premio al Mejor Cineasta Emergente en Locarno 2017, supuso en el festival suizo un soplo de aire fresco y reparador: incluso más allá de una clara referencia con el cine de Hong Sang-soo, el discurso y la estética de The First Lap es singular y original por sus planos, el acompasado seguimiento de la cámara cuando los personajes caminan, y las escenas de discusiones alrededor de una mesa con platos –a nuestros ojos– exóticos.
Corea del Sur - South Korea, 101’ D: Kim Dae-hwan
Su-hyeon is an aspiring artist who, resigned to his fate, makes a living as a teacher. His girlfriend, Jiyoung, also has a job just to make a living. They have been living together for six years, until the peacefulness of their lives is interrupted when Jiyoung reveals that she is pregnant. Their visits to their respective families, from different social backgrounds, confront the young couple with their possibility and fears of their becoming a family. Between reproaches over past problems that were never resolved and the uncertainty of a future that is relentlessly coming closer, the young couple takes a trip that will leave them at the beginning of a new life. The final sequence, filmed at the moment when the Korean people took to the streets demanding the resignation of President Park Geun-hye (which took place in the fall of 2016), demonstrates not only the immediacy of the film, but also the talent of its director for uniting the intimate with the social, and demonstrating that fiction is always the best tool for talking about reality. The film, which won the Special Mention of the Young Jury and the award for Best Emerging Filmmaker at Locarno 2017, proved to be a breath of fresh air at the Swiss festival. Even beyond its clear reference to the cinema of Hong Sang-soo, the discourse and aesthetics of The First Lap is unique and original for its shots, the rhythmic following of the camera when the characters walk, and the scenes with arguments around a table filled with exotic –to our eyes– food plates.
Hoy / Today, 09:00, AUD; Hoy / Today, 19:30, AUD; SA / SAT 25, 16:30, ALD 3
COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION
Rey La leyenda de Orélie Antoine de Tounens –aquel abogado francés que, con el apoyo del pueblo mapuche, se proclamó rey de la Araucanía y la Patagonia a mediados del siglo XIX– es encarada por el director chileno Niles Atallah, quien sigue un camino más que interesante, lejos de las convenciones de cualquier biopic y trazando una notoria línea que conecta aquella época con la actualidad. Por un lado, se plantea una reconstrucción histórica apelando a los principales hechos ocurridos; por el otro, se adentra en el juicio que le hacen posteriormente al protagonista por rebelarse ante las autoridades militares. Ganadora del Gran Premio del Jurado en Rotterdam, Rey construye una poderosa puesta en escena dando cuenta de diversas técnicas y construyendo una dinámica en la que intervienen diferentes voces. Chile / Francia / Holanda / Alemania / Qatar Chile / France / Netherlands / Germany Qatar, 90’ D: Niles Atallah
The legend of Orélie Antoine de Tounesns –that French lawyer who proclaimed himself king of the Araucanía and the Patagonia in the mid-19th century with the support of the Mapuche people– is approached by director Niles Atallah. He follows quite an interesting path, far from the conventions of any biopic, and tracing a clear line that connects that time with the present. On one hand, there’s a historical reconstruction based on the main events that took place; on the other, it depicts the trial the protagonist goes through afterwards for rising against the military authorities. Winner of the Jury’s Grand Prix at Rotterdam, King builds up a powerful mise-en-scène using different techniques and building a dynamic in which different voices take part. Hoy / Today, 12:30, CIN 2; Hoy / Today, 21:40, CIN 2; SA / SAT 13:15 CIN 2
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AUTORES – AUTEURS
Amor a la mexicana Love, Mexican Style
Coco, el nuevo film del gigante animado responsable de Toy Story y Buscando a Nemo, estrena en Mar del Plata y no llega solo. La historia sobre el niño mexicano que quiere ser músico viene acompañado por Gastón Ugarte, un argentino suelto en Pixar. Coco, the new film from the animated giant responsible for Toy Story and Finding Nemo, opens in Mar del Plata and hasn’t arrived alone. The story of the Mexican Boy who wants to be a musician is accompnied by Gastón Ugarte, an Argentinian on the loose in Pixar. Imagínense trabajar en un lugar donde, precisamente, la imaginación no tenga límites. Gastón Ugarte es un argentino que trabaja en Pixar Animation Studios, ESE lugar, la factoría donde la creatividad se desata. Gastón trabajó en películas como Up - Una aventura de altura, WALL•E, Un gran dinosaurio y Coco, la nueva película de Pixar, incluida en esta edición del Festival. Sin duda, Gastón tiene mucho para contar. De eso se tratará esta animadísima –¡en todo sentido!– charla.
Imagine working in a place where, precisely, imgination has no limit. Gastón Ugarte is Argentinian, and works at Pixar Animation Studios, THAT place, the factory where creativity breaks loose. Gastón has worked in such films as Up, WALL•E, The Good Dinosaur and Coco, Pixar’s latest, which is part of this edition of the Festival. There’s no doubt that Gastón has a lot to tell. That is what this very animated –in every sense of the word– talk will be all about.
Monsters Inc. y Cars 2 ya nos habían anticipado que para Pixar las fronteras fueron hechas para ser cruzadas (y no para ser reforzadas con muros construidos para dividir pueblos a pura demagogia). Así que no es ninguna sorpresa que los creadores de Toy Story 3 se sumerjan ahora en la tradición mexicana del Día de los Muertos. Coco cuenta la historia de Miguel, un niño mexicano que sueña con convertirse en músico consagrado como su ídolo Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt en la voz original en inglés), a pesar de la incomprensible prohibición de la música en su familia. Desesperado por probar su talento, Miguel terminará envuelto en una misteriosa cadena de eventos, en la impresionante y colorida Tierra de los Muertos. En el camino, se cruzará con el simpático timador Héctor (Gael García Bernal), y juntos se embarcarán en una extraordinaria travesía para develar la verdadera razón detrás de la historia familiar del protagonista.
Monsters Inc. and Cars 2 had already suggested to us that, for Pixar, borders were meant to be crossed (and not reinforced with walls built to divide people for pure demagoguery). So it’s no surprise that the creators of Toy Story 3 delve deep into the Mexican tradition of the Day of the Dead. Coco tells the story of Miguel, a Mexican kid who dreams of becoming a renowned musician just like his idol Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt in the original English voice), in spite of the inexplicable ban on music in his family. Desperate for proving his talent, Miguel will end up embroiled in a mysterious chain of events, in the impressive and colorful Land of the Dead. On his way, he meets likeable con artist Héctor (Gael García Bernal), and together they embark on an extraordinary journey to reveal the true reason behind the main character’s family history.
Coco Estados Unidos - USA , 99’ D: Lee Unkrich, Adrián Molina
Un argentino en Pixar Con / With Gastón Ugarte. Modera Pablo Conde. Hoy / Today, 17:00 Salón Dauphine - Gran Hotel Provincial CENTENARIO DE LA REVOLUCIÓN RUSA – CENTENNIAL OF THE RUSSIAN REVOLUTION
Películas que estremecieron al mundo Films that Shook the World
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Concebida originalmente para celebrar el décimo aniversario de la revolución bolchevique de 1917, Octubre, la tercera película de Sergei Eisenstein (a veces titulada Diez días que estremecieron al mundo, por el relato del periodista americano John Reed), tuvo problemas desde el comienzo. Su retrato al estilo documental de los eventos que sucedieron en Petrogrado inmediatamente después de la caída del Zar fue criticado por su ironía y su humor. En la mañana del día de su estreno, el 7 de noviembre de 1927, Eisenstein recibió la orden de eliminar toda imagen que retratara al purgado León Trotsky, y se dice que Stalin mismo revisó la obra para asegurarse de que no hayan quedado imágenes de su rival. Cuatro meses después, cuando la versión revisada finalmente se proyectó, su ironía y humor no tuvieron éxito, y el film recibió críticas por “obsceno” y “simbólicamente sobrecargado”. Condenado por su “esteticismo” y “formalismo”, fue censurado por más de 40 años. En 1966, muchos años después de la muerte de Eisenstein en 1948, se reestrenó una versión reeditada con música de Dmitri Shostakovich. No fue hasta 2012, en parte gracias a los tremendos esfuerzos de Naum Kleiman, especialista en la obra de Eisenstein, que surgió una versión restaurada y reconstruida mucho más cercana al diseño original de Eisenstein, y con gran parte de las imágenes de Trotsky recuperadas. Además, la notablemente percusiva banda sonora original, compuesta por Edmund Meisel para el estreno alemán de la película en 1928, fue también restaurada, y en la copia que será proyectada en el 32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es ejecutada por la Orquesta Filarmónica de Radio de Berlín, conducida por Frank Strobel. Peter Scarlet
Originally intended to mark the 10th Anniversary of the triumph of the Bolshevik revolution of 1917, Sergei Eisenstein’s third feature film October (sometimes titled, Ten Days That Shook the World, after American journalist John Reed’s account) immediately encountered problems. Its documentarystyle depiction of the events in Petrograd immediately after the fall of the czar was criticized for its irony and humor. On the morning of its intended premiere on November 7, 1927, Eisenstein was ordered to remove all footage depicting Leon Trotsky, who had just been purged, and Stalin himself reportedly examined the work print to make sure no images of his rival remained. Four months later, when the revised version finally screened, its irony and humor were unsuccessful, and the film was criticized as “obscene” and “symbolically overloaded”. Condemned for “aestheticism” and “formalism,” it was banned for nearly 40 years. In 1966, years after Eisenstein’s death in 1948, a re-edited version was released, with music by Dmitri Shostakovich. It was not until 2012, in part thanks to the painstaking efforts of Eisenstein scholar Naum Kleiman, that a restoration and reconstruction appeared, far closer to Eisenstein’s original design, and with much of the Trotsky footage restored. In addition, the original strikingly percussive score composed by Edmund Meisel for the film’s premiere in Germany in 1928, was restored, and on the copy to be screened at the Mar del Plata Film Festival it is performed by the Berlin Radio Philharmonic Orchestra conducted by Frank Strobel. PS Hoy / Today, 23:25, AMB 2; SA / SAT 25, 15:40, AMB 2
A cien años de la revolución bolchevique y a casi noventa de su primer estreno, Octubre se exhibe en Mar del Plata tal como fue restaurada en 2012 por especialistas en la obra de Eisenstein. In the hundredth anniversary of the Bolshevik Revolution, and almost ninety years after its first release, October is screened in Mar del Plata in its 2012 restored version, made by experts in Eisenstein’s work.
THIERRY FRÉMAUX
Las películas de mi vida The Films in My Life El Delegado General del Festival de Cannes y director del Instituto Lumière volvió a Argentina con varios regalos bajo el brazo: la película Lumiére! L’Aventure commence, la inminente Semana de Cine del Festival de Cannes en Buenos Aires, y la edición argentina de su libro Selección oficial, la primera fuera de Francia.
The Cannes Film Festival’s General Delegate and head of the Lumière Institute returned to Argentina carrying several gifts: the film Lumiére! L’Aventure commence, the imminent Buenos Aires Cannes Film Week, and the Argentine edition of his book Sélection officielle, the first version published outside of France. What can you share with us about the book? It’s not a book about film, it’s a book about a man who works with film and has two jobs: one in Lyon at the Lumière Institute, where cinema was born, and another one in Cannes, which also has offices in Paris. This is the journal I would have loved to read in the sixties. This book can be used thirty years from now, I would very much like that. Because it’s a way to describe a universe where it’s not just me, its all of us, the people who work every year for the glory of cinema, for the love of cinema for making it and showing it. But, as I said, it’s not just a book about film, because it’s also a very personal book. And also, this year lots of things happened outside cinema.
¿Qué nos puede adelantar del libro? No es un libro de cine, es un libro de un hombre que trabaja en el cine y tiene dos trabajos: uno en Lyon, en el Instituto Lumière, donde nació el cinematógrafo, y otro en Cannes, que también es la oficina en París. Es el diario que a mí me hubiera gustado leer pero de los años 60. Este libro puede ser utilizado dentro de treinta años; me encantaría, porque es una manera de describir un mundo que no es solamente mi mundo, es el nuestro, de la gente que cada año trabaja por la gloria del cine, por el amor al cine, por hacerlo y mostrarlo. Pero, como digo, no es totalmente un libro de cine porque es también un libro muy personal. Además este año pasaron muchas cosas afuera del cine. Si este libro les puede servir a futuras generaciones para aprender sobre el Festival de Cannes, ¿qué aprendió usted en todos estos años a cargo de él? En primer lugar, cuando Gilles Jacob me llamó para pedirme que trabaje con él, mi primera respuesta fue que no. Porque estaba bien en Lyon, haciendo muchas cosas por los hermanos Lumière y por la cinefilia. Estaba y estoy enamorado de Cannes, y tenía miedo de ir a trabajar ahí y que afectara la imagen que yo tenía del Festival. Tres o cuatro meses después, finalmente dije que sí, y en quince años no aprendí muchas cosas. Pero aprendí que, como digo en el libro, este trabajo es como ser el Ministro Mundial del Cine, de alguna manera. Hablo con gente día y noche: colegas, amigos, a veces no son amigos. Gente que trabaja conmigo para hacer el Festival de Cannes. Pero el Festival no es algo que existe para sí mismo, para su propia gloria. Es para el cine, para
los autores, los artistas, el público, los profesionales. Yo siempre digo que en Cannes hay cuatro puntos de apoyo: el glamour, los autores, los profesionales y la prensa. Y estas cuatro cosas hacen el equilibrio del Festival. Si uno es más fuerte, hay un desequilibrio. Es un trabajo muy complicado, pero lindo.
As future generations can learn from this book about the Cannes Film Festival, what did you learn all these years running it? At first, when Gilles Jacob called me to ask me to work with him, my first answer was no. I was fine in Lyon, doing lots of things for the Lumière brothers, and cinephilia. I was, and I am, in love with Cannes, and I was afraid of working there and that it would affect the image I had of the Festival. Three or four months later, I finally said yes, and in fifteen years I haven’t learned a lot. But I did learn that, as I say in the book, this job is somehow like being the World Minister of Film. I talk to people day and night: colleagues, friends, sometimes people who are not friends, –people who work with me to make the Cannes Film Festival. But the Festival is not something that exists only for itself,
for its own glory. It is for cinema, for the auteurs, for the audiences, the professionals. I always say that Cannes has four support points: glamour, auteurs, professionals, and the press. And this four things balance the Festival. If one of them is stronger than the others, there is an unbalance. It’s a complicated job, but it’s good. What should audiences expect when they go see Lumière! L’Aventure commence? It’s a film I did not sign, it’s not a film made by me. It’s a film in which I did the editing the composition, the mix, I chose the music, which is by Camille Saint-Saëns. But it’s not my film, it’s a Lumière film. First of all, because with my job in Cannes I can’t make a film and then as you “How do you see it?”. And also because that gives me the chance to say it’s an extraordinary film. Because these are the very first films: they did 1500, and this one includes 108. I wanted to make a film like any other film today, of one hour and a half, but with Lumière films. As a journey into this universe that is totally unknown. Because people may know two, three, four films, but there are 1500. What is your view of local cinema today? Today, Argentine cinema –like Romania, South Korea, Mexico– is a cinema on which I place a lot of trust, and every year there are new names on the map. This is a sign of good health. I’m also here because of the book, the film, the Buenos Aires Cannes Week, but also to meet with producers and directors.
¿Qué debería esperar la gente que irá a ver Lumière! L’Aventure commence? Es una película que no firmé, no es una película mía. Es una película en la que hice el montaje, la composición, el mix, elegí la música, que es de Camille Saint-Saëns. Pero no es una película mía, es una película de Lumière. Primero, porque con mi trabajo en Cannes no puedo filmar una película y después preguntarte: “¿Cómo la ves?”. Y también porque me da la posibilidad de decir que es una película extraordinaria. Porque son las primeras películas: ellos hicieron 1500, y en esta hay 108. Quería hacer una película normal de hoy, de una hora y media, con films de Lumière. Como un primer viaje adentro de este mundo que es totalmente desconocido. Porque la gente quizás conozca dos, tres, cuatro películas, pero hay 1500. ¿Cómo ve hoy el panorama del cine local hoy?
Hoy el cine argentino, como el de Rumania, de Corea del Sur, de México, es un cine en el cual tengo mucha confianza, y cada año hay nuevos nombres en el mapa. Ese es un signo de buena salud. Yo estoy aquí por el libro, por la película, por la Semana de Cannes en Buenos Aires, pero también para ver a productores y directores. Daniel Burman, a cargo de la edición argentina de Selección oficial, y Thierry Frémaux. Daniel Burman, in charge of the Argentine edition of Sélection officielle, and Thierry Frémaux.
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CHAMILA RODRÍGUEZ
Raúl Ruiz y sus pasados futuros Raoul Ruiz and His Future Pasts La actriz y directora de producción Chamila Rodríguez habla acerca de cómo fue el proceso de investigación en el que acompañó a Valeria Sarmiento, quien se ocupó de codirigir, 27 años después, el film de Raúl Ruiz La telenovela errante. Actress and production director Chamila Rodríguez talks about the research process in which she accompanied Valeria Sarmiento, who co-directed, 27 years later, Raoul Ruiz’s film The Wandering Soap Opera.
¿Cómo fue el proceso de rescate de la película? La telenovela errante es el resultado de un trabajo de investigación realizado por la cineasta chilena-porteña Valeria Sarmiento (viuda de Ruiz) y la productora de cine Poetastros, que fundamos y dirigimos Galut Alarcón (cineasta y montajista) y yo. Tomamos como eje dos materiales filmados por Raúl Ruiz entre 1990 y 1991 en Chile. En 2017 seguimos la pista de estos materiales, y encontramos solo una parte de los negativos en Chile y otra en positivos en la Duke University. Completamos lo extraviado en los rollos perdidos de negativos y el sonido magnético de La telenovela errante por un lado, y de Basta la palabra por el otro. La telenovela errante es una película fundamentalmente de montaje, construida con la unión de partes; solo había un guion de diálogos y un texto breve. Entonces el mayor logro de estrenar esta película hoy está en convertir el material que misteriosamente Raúl dejó inacabado. Es un film de Valeria Sarmiento que juega a hacer una resurrección de su marido, lo que se puede definir como un acto de amor diabólico y chamánico del arte cinematográfico de hoy.
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Trabajó varias veces con Raúl Ruiz, ¿qué aprendió con él? Acompañé a Raúl Ruiz como actriz en su última década creativa en Chile; en cine, teatro, televisión y radio teatro. Trabajar con Raúl era imbuirme en un proceso creativo de mucha libertad y experimentación. Aprendí con él que los equipos de trabajo son importantes y a creer en la intuición. Mi historia con Raúl comenzó cuando me vio actuar en la película
Tendida mirando las estrellas y preguntó: “¿Quién es esa actriz con cara de gato?”. Tiempo después me invitó a actuar en su radioteatro Los cinco sentidos. Luego trabajé con él en La recta provincia y Litoral. Ese mismo año, antes de partir a Europa para filmar Misterios de Lisboa (2010), me habló de La noche de enfrente, mi último vuelo artístico junto a él. Más allá de que es un proyecto comenzado hace casi 27 años, ¿cómo dialoga La telenovela errante con el Chile de hoy? Resulta clave porque su espíritu está anclado al inicio de la transición a la democracia. La telenovela errante es una pieza clave en la saga ruiziana sobre la historia de lo que él mismo denominó como el estilema del habla popular chilena, es decir, de la posibilidad de la resistencia de un cuerpo y una lengua a la volatilización neoliberal. A veintisiete años del rodaje de esta obra y su directa relación con una época que marca el inicio de la transformación del alma de nuestro país, fue urgente para nosotros construir la película, y remontar su vigencia visionaria. “¡Chile está maldito!”, me dijo un día Raúl. Creo que hoy quizás sigue pensando lo mismo desde el más allá, o el más acá... no lo sé. ¿Habrá algún otro “nuevo” proyecto de Ruiz? Hoy en Poetastros trabajamos en esta nueva película, con la dirección de Valeria Sarmiento. Pronto saldrá a la luz y seguiremos disfrutando de su infinita genialidad.
What was the rescue process for the film? The Wandering Soap Opera is the result of some research work done by Chilean“porteña” filmmaker Valeria Sarmiento (Ruiz’s widow) and film production company Poetastros, which I founded and manage with Galut Alarcón (filmmaker and editor). At the center were two materials shot by Raoul Ruiz between 1990 and 1991. In 2017, we went after these materials, and found only part of the negatives in Chile and another part in positives at the Duke University. We completed the lost footage in the lost negative reels and the magnetic sound of The Wandering Soap Opera on one hand, and of Basta la palabra on the other. The Wandering Soap Opera is mainly a film made during editing, built with the union of parts; there was only a dialogue script and a brief text. So the greatest accomplishment of releasing this film today lies in turning the footage Raoul mysteriously left unfinished. It is a film by Valeria Sarmiento whose game is to resurrect her husband, something that can be defined as an act of diabolical, shamanic love for today’s cinematic art. You worked with Raoul Ruiz many times. What did you learn from him? I accompanied Raoul Ruiz as an actress in his last creative decade in Chile; in film, theater, television and radio plays. Working with Raoul meant to imbue myself in a creative process of great freedom and experimentation. I learned with him that work teams are important, and also to believe in intuition. My history with Raoul started when he saw me act in the film
Tendida mirando las estrellas and asked, “Who’s this actress with the face of a cat?” Some time later he invited me to act in his radio play Los cinco sentidos. Later, I worked with him in La recta provincia and Litoral. That same year, before heading off to Europe to shoot Mysteries of Lisbon (2010), he talked to me about Night Across the Street, my last artistic flight with him. In spite of being a project that started almost 27 years ago, how does The Wandering Soap Opera relates to Chile today? It’s key because its spirit is anchored in the beginning of the transition to democracy. The Wandering Soap Opera is a key piece in the Ruizian saga on the history of what he himself referred to as the “emblematic style” of the popular Chilean way of talking, that is to say, of the possibility of “resistance” of a body and a language to neoliberal volatilization. 27 years after the shooting of this work and its direct relation to a time that marks the beginning of the transformation of our country’s soul, it was urgent for us to construct the film, bringing back its visionary relevance. “Chile is cursed!,” Raoul told me one day. I believe perhaps he still thinks the same from beyond, or right here… I don’t know. Will there be another “new” Ruiz project? Today we’re working in Poetastros with this new film directed by Valeria Sarmiento. It will soon come to light and we will continue enjoying his infinite genius.
EVENTOS – EVENTS
¡Sorteos INCAA! INCAA Draws!
Como es habitual, el Instituto de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) realiza 12 sorteos anuales entre los espectadores de cine, que se realizan contemplando los BOC (boletos oficiales cinematográficos) de todo el país. Para participar, hay tres modos de sumarse: cargando el boleto en sorteos.incaa. gob.ar (es preciso ingresar, registrarse y cargarlos); depositando el boleto físico en las urnas del cine, o enviando el boleto por correo a Lima 319, CABA. Entre los participantes se sortea un primer premio de $14.000 y once premios de $1.000. Hoy el sorteo correspondiente a octubre se realizará en el marco del 32° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, a las 19 h en el Museo Mar. El acto estará a cargo de la Gerente de Fiscalización Verónica Sánchez Gelós, y será protocolizado por la notaria de dicha ciudad, Escribana Capdeville.
As usual, the Institute of Film and Audiovisual Arts (INCAA) holds 12 annual draws among film audiences, in compliance with the BOC (official film tickets) across the country. In order to participate, there are three ways of joining: loading the ticket at sorteos.incaa.gob.ar (you have to enter, log in and load them); placing the physical ticket in the theater’s ballot box. Among the participants, a first prize of 14,000 pesos and eleven 1,000peso prizes will be drawn. Today, the October draw will be held in the context of the 32nd Mar del Plata International Film Festival, at 7pm at Museo Mar. Audit Manager Verónica Sánchez Gelós will be in charge of the ceremony, which will be protocoled by local public notary Capdeville.
NAHUEL PÉREZ BISCAYART
Tu cuerpo es un campo de batalla
Your Body Is a Battleground
Las escenas de las asambleas de Act Up son intensas, con interacciones constantes y simultáneas entre los personajes. ¿Cómo era la dinámica? Una vez que estuvo todo el casting definido, hicimos tres sesiones de ensayo en las cuales nos conocimos y practicamos las escenas. Se armó algo muy fluido y bastante orgánico entre las diferentes personalidades de cada uno, había algo en la composición general que ya traía una especie de efervescencia, de vida muy rica. Todo el rodaje fue igual, muy libre, las escenas se hacían enteras. Se filmaba con tres cámaras, y eso ayudaba a que estuviéramos todos atentos. A veces durante la escena veías a la cámara correrse de un lugar a otro para tomar las reacciones de otro personaje. La cámara estaba a disposición de la acción, y no la acción al servicio de la cámara. La película tiene un ensamble cast con muchos personajes importantes, pero el tuyo adquiere una suerte de protagonismo progresivo. ¿Cómo lo trabajaste con el director? No hubo un trabajo de personaje. Por supuesto que hablamos un montón, pero él nunca nos impuso que tal personaje tenía
determinadas características. Obviamente, hay cosas muy claras desde el guion que se perciben. Y, si bien muchos personajes están inspirados en personas reales, nunca tuvimos el peso de tener que reproducir o imitar una determinada época. Sí intentamos capturar algo de la manera de hablar, del humor, de la distancia casi irónica con la enfermedad. Sobre todo de la energía que circulaba en el grupo, siempre entendiendo que es nuestra generación que se encuentra con esa generación del pasado. Se habla mucho de la película como una fuerte candidata al Oscar a Mejor Película Extranjera. ¿Te genera expectativa? Desgraciadamente, el sistema funciona así. Me da pena que haya centros de validación de determinadas obras, y que si no pasás por ahí y no recibís la aprobación de esas instituciones o premios tu película tenga menos chances de vivir. Por otro lado, como el sistema es así, hay que jugar con él, entender que esas son las reglas por ahora. Cuantos más premios tenga la película, más va a poder vivir, más gente la va a ver. Quizás la única película extranjera que el público medio estadounidense vea, si ganamos, sea la nuestra. Así de simple.
Además de estar en Mar del Plata como jurado de la Competencia Latinoamericana, Nahuel Pérez Biscayart acompañó 120 battements par minute, el film de Robin Campillo que recibió el Grand Prix du Jury de Cannes 2017. Apart from being in Mar del Plata as part of the Latin American Competition jury, he accompanies 120 Beats per Minute, the film by Robin Campillo that won the Grand Jury Prize at Cannes 2017.
The scenes from the Act Up assemblies are intense with constant and simultaneous interactions from the character. What was the dynamic? Once the cast was decided on, we did three rehearsal sessions in which we met and practiced the scenes. What came out of that was something very free-flowing and quite organic between our different personalities, there was something in the general composition that already had some sort of effervescence, something very rich and lively. The entire shoot was the same, very free, we did entire scenes in one go. Everything was shot with three cameras, and that helped for everyone of us to be attentive. Sometimes, during the scene, you saw the camera moving from one place to the other in order to shoot another character’s reactions. The camera was at the action’s disposal, and not the other way round. The film has an ensemble cast with many important characters, but yours acquires some sort of progressive importance. How did you work on that with the director? There wasn’t any character work. Of course we talked a lot, but he never imposed to us that a certain character had to have a certain qualities. Of course, there are some things that were very
clearly perceived in the script. And even though many characters are inspired in real people, we never had the weight of having to reproduce or imitate a certain period. We did try to capture something about the way of talking, the humor, the almost ironic distance from the disease. Mainly all the energy that floated around the group, always understanding that it is our generation that’s meeting that generation from the past. There’s a lot of talk about the film being a strong contender for the Oscar for Best Foreign Language Film. Is that a prospect for you? Unfortunately, the system works that way. I find it sad that there are validation centers for certain works, and that if you’re not part of it and don’t receive the approval from those institutions or awards you film has less chances of living. On the other hand, due to the system working that way, you have to play along with it; understand those are the rules right now. The more awards the film gets, the more it’s going to live, more people are going to see it. Perhaps the only foreign film the American average audience will see, if we win, is ours. As simple as that.
VIDRIERA — SHOWCASE
Vanessa Redgrave en su Charla con Maestros junto a Peter Scarlet, Director Artístico del Festival / Vanessa Redgrave during her Masterclass together whit Peter Scarlet, Artistic Director of the Festival.
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GUÍA DE PROGRAMACIÓN — PROGRAM GUIDE
Viernes 24
- Friday 24th
9:00 | AUD
12:00 | AUD
10:00 | AMB 3
12:00 | AMB 2
The First Lap Kim Dae-hwan 101’ | INT El hijo del cazador / 7’ Federico Robles, Germán Scelso El motoarrebatador / 7’ Agustín Toscano Existir / 7’ Gabriel Grieco Hebreos 13:2 / 7’ Fernando Domínguez La ciudad y los árboles / 7’ Marcos Rodríguez La luna representa mi corazón / 7’ Juan Martín Hsu La película infinita / 7’ Leandro Listorti WIP - PRG 1
10:30 | ALD 4
Al desierto Ulises Rosell 94’ | INT
Les Garçons Sauvages Bertrand Mandico 110’ | NAU
12:30 | AMB 4 Wiñaypacha Óscar Catacora 86’ | PCL
12:30 | CIN 1
La familia Gustavo Rondón Córdova 82’ | LAT
12:30 | CIN 2 Rey Niles Atallah 90’ | LAT
El azote José Celestino Campusano 89’ | ARG
13:10 | ALD 4
10:30 | CIN 2
13:25 | ALD 3
Baronesa Juliana Antunes 71’ | LAT
10:50 | ALD 6 As duas Irenes Fabio Meira 88’ | CHI
11:10 | ALD 3
Did You Wonder Who Fired the Gun? Travis Wilkerson 90’ | ALT
11:30 | ALD 5 Ouroboros Basma Alsharif 77’ | NAU
Un viaje a la luna Joaquín Cambre 87’ | ARG Hasta que me desates Tamae Garateguy 82’ | ARG
13:30 | ALD 6
Cuentos de chacales Martín Farina 70’ | PAN
13:30 | AMB 1 Housewife Can Evrenol 82’ | HOR
14:10 | ALD 5
Bunch of Kunst - A Film About Sleaford Mods Christine Franz 102’ | BSO
14:30 | ALD 2
Mala vida Mad Crampi, Fernando Díaz 70’ | VEA
14:30 | AMB 3
La rompiente / 7’ Juan Schnitman La yunga / 7’ Gala Negrello Los pasos / 7’ Renzo Blanc Lucy y el gramófono / 7’ Rubén Guzmán Mochila de plomo / 7’ Darío Mascambroni ¿Qué clase de joven le abre la puerta a un vampiro? / 7’ Carlos Damián Rodríguez, Martiniano Zurita Vendrán lluvias suaves / 7’ Iván Fund WIP - PRG 2
14:30 | AUD Invisible Pablo Giorgelli 87’ | INT
14:40 | CIN 1
La telenovela errante Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento 80’ | LAT
14:45 | AMB 4
Fame Giacomo Abbruzzese Angelo Milano 57’ | DOC
14:50 | ALD 1
Sitges, sus primeros cincuenta años: El habitante Guillermo Amoedo 93’ | PAR
8
June Turmoil / 10’ Little Pioneers / 18’ Early Works / 87’ Zelimir Zilnik ZIL - PRG 1
15:30 | AMB 2
Tito Among the Serbs for the Second Time / 43’ Oldtimer / 81’ Zelimir Zilnik ZIL
15:50 | AMB 1 A Taxi Driver Hun Jang 137’ | SKO
16:00 | CIN 2
Hannah Andrea Pallaoro 93’ | NAU
16:10 | ALD 6
Carnada / 4’ 2 Dudes 1 Van / 14’ ¿Dónde está Susan? / 6’ Pedro Maccarone, Max Franco Sexo, zombies y Bret Michaels / 80’ Samot Márquez VEA
17:00 | AUD
Sea Sorrow Vanessa Redgrave 74’ | ESP
17:10 | ALD 2
Córdoba sinfonía urbana Varios directores 60’ | PAN
17:20 | CIN 1
Wonders of the Sea 3D Jean-Michel Cousteau, Jean-Jacques Mantello 82’ | CHI
17:30 | AMB 3
For Ella / 10’ Throwing Off the Yolks of Bondage / 12’ Pirika on Film / 53’ Zelimir Zilnik ZIL
18:00 | ALD 1
Programa Gipuzkoa Coopera Varios directores 32’ | PAR
18:20 | AMB 2
16:30 | ALD 3
Tito Among the Serbs for the Second Time / 43’ Oldtimer / 81’ Zelimir Zilnik ZIL
16:50 | ALD 5
18:30 | ALD 4
Primas Laura Bari 100’ | INT
Claire’s Camera Hong Sang-soo 69’ | AUT
Soldado Manuel Abramovich 73’ | ARG
17:00 | AMB 4
18:30 | COL
L Utopie des images de la Révolution russe Emmanuel Hamon 88’ | REV
Silo Danube, Vukovar / 1’ Marble Ass / 87’ Zelimir Zilnik ZIL
18:40 | ALD 6
Natacha, la película Fernanda Ribeiz, Eduardo Pinto 70’ | CHI
18:50 | ALD 5
Visages Villages Agnés Varda, JR 89’ | AUT
18:55 | AMB 1 Lowlife Ryan Prows 96’ | HOR
19:00 | CIN 2 Baronesa Juliana Antunes 71’ | LAT
19:10 | ALD 3
Hasta que me desates Tamae Garateguy 82’ | ARG
19:15 | AMB 4 Kharms Ivan Bolotnikov 95’ | REV
19:30 | AUD The First Lap Kim Dae-hwan 101’ | INT
Gastón Olmos
Micaela Berguer
Guillermo Pintos
Sol Santoro
Javier Diz
Colaboran hoy: Peter Scarlet Griselda Soriano Pablo Conde
10 ediciones - 5 películas. Concurso Raymundo Gleyzer: Cetáceos Florencia Percia 77’ | PAR
21:05 | ALD 5 Les Affamés Robin Aubert 96’ | HOR
21:10 | ALD 4 El azote José Celestino Campusano 89’ | ARG
21:20 | AMB 1
Matar a Dios Caye Casas, Albert Pintó 90’ | HOR
21:25 | AMB 2
Autumn, Autumn Jang Woo-jin 77’ | SKO
21:30 | ALD 3
Les Intrigues de Silvia Couski Adolpho Arrietta 71’ | ADO
21:35 | AMB 4
19:50 | ALD 2
21:40 | ALD 6
Dry Martini / 7’ Adorpho Arrietta Belle Dormant / 90’ Ado Arrietta ADO Años luz Manuel Abramovich 75’ | PAN
20:00 | CIN 1
Red Capriccio / 7’ Prototype / 63’ Blake Williams ALT
(Av. Camet y López de Gomara)
Agustín Mango
21:00 | ALD 1
19:45 | AMB 3
CINE MAR Museo Mar
Equipo Staff
Juan Martínez
15:00 | COL
Auditorio / Auditorium
15 h - Mamá se fue de viaje, de Ariel Winograd 17 h - Alanis, de Anahí Berneri
Explanada / Esplanade
20 h - Sólo se vive una vez, de Federico Cueva
L’Héroïque lande, la frontière brûle Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval 225’ | AUT La suave noche Luz Rapoport, Sofía Bordenave 70’ | PAN
21:40 | CIN 2 Rey Niles Atallah 90’ | LAT
22:00 | ALD 2
Pizza, birra, faso Israel Adrián Caetano, Bruno Stagnaro 80’ | RES
22:00 | AUD Al desierto Ulises Rosell 94’ | INT
22:00 | CIN 1
Doble de cuerpo Brian De Palma 114’ | VHS
22:15 | AMB 3
Grenouilles / 35’ Eco y Narciso / 19’ Vacanza permanente / 29’
A. Arrietta ADO - PRG 2
23:20 | ALD 1
Sepultura Endurance Otavio Juliano 103’ | BSO
23:25 | ALD 3
Tokyo Vampire Hotel Sion Sono 142’ | HOR
23:25 | AMB 2
Octubre Sergei M.Eisenstein, Grigoriy Aleksandrov 116’ | REV
23:30 | ALD 4 João, o maestro Mauro Lima 116’ | AUT
00:00 | AMB 1
How to Talk to Girls at Parties John Cameron Mitchell 102’ | HOR
Las entradas gratuitas de las películas del día se retiran a partir de las 9 am en la boletería de Museo Mar. Free tickets for the films of the day can be picked up from the Mar Museum ticket office starting 9 am.