Diario del Festival 32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
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Sábado 25/11/2017 DISTRIBUCIÓN GRATUITA
Animarse a más Re-Animator
Detrás de muchos de los tanques de Pixar aparece el nombre de un argentino que, desde el gigante de la animación, s e ocupa de crear universos de fantasía: Gastón Ugarte presenta Coco en Mar del Plata.
An Argentine name is behind many of the Pixar blockbusters. Gastón Ugarte creates fantasy universes inside the giant of animation, and comes to Mar del Plata to present Coco.
HONG SANG-SOO
Las pasiones de Hong Hong’s Passions
En dos películas bien diferentes (¿opuestas?, ¿complementarias?), Hong Sang-soo posa la cámara sobre su gran musa: Kim Min-hee. Ella, por supuesto, llena la pantalla de luz.
In two very different (opposing?, complementary?) films, Hong Sang-soo focuses his camera on his great muse: Kim Min-hee. And she, of course, lights up the screen.
Claire’s Camera
El día después
La sola presencia de Kim Min-hee debería justificar por sí sola la existencia de cualquier película, no solo las de Hong Sang-soo (un Festival hecho enteramente con películas protagonizadas por la actriz de The Handmaiden tampoco sería una mala idea, ¿no?). Pero en esta breve y bastante encantadora película, una gran parte de la crítica internacional no supo –o no quiso– ver, sin embargo, algo más que un simple divertimento. Quizás haya sido un prejuicio con respecto a sus condiciones de producción: Claire’s Camera fue filmada en Cannes en unos pocos días, mientras sucedía el festival más importante del mundo, y estrenada un año después en el mismo evento. Como sea, en un mundo cada vez más oscuro y tenebroso, una película bella, concisa y luminosa pareciera no merecer ser tomada en serio. En su trama, la joven asistente de una empresa dedicada a la venta internacional de películas es despedida de su trabajo a causa de una supuesta infidelidad, lo que la llevará a recorrer sin destino las calles y escenarios típicos de la ciudad. Es ahí donde conocerá a Claire, una profesora de música –interpretada por otra musa del cine contemporáneo: Isabelle Huppert– que pasea por la ciudad a la que llegó acompañando a una amiga cineasta cuya película es parte del festival. Claire y su cámara, sin saberlo, registrarán a los protagonistas de estos amores cruzados, con el trasfondo de una ciudad balnearia que, año tras año, se ve invadida por un ruidoso festival de cine. “Si te saco una foto, ya nunca serás la misma persona”, dice Claire en un momento. Algo parecido sucede cuando ves una película de Hong.
Corea del Sur / Francia - South Korea / France, 69’ D: Hong Sang-soo
The Day After The very presence of Kim Min-hee should be enough to justify the existence of any film, not only one by Hong Sang-soo (actually, a whole festival made of films featuring the star of The Handmaiden, wouldn’t be such a bad idea, wouldn’t it?). However, most critics weren’t able –or didn’t want– to see in Claire’s Camera something more than simple entertainment. It may have been the result of some prejudice regarding the conditions in which the film was made: Claire’s Camera was shot in a few days in Cannes, during the most important film festival in the world, and premiered there one year later. Whatever the reason, in a world as increasingly dark and gloomy as this one, a beautiful, short, luminous film sadly appears not to deserve to be taken seriously. In the film, a young assistant at a company devoted to international film sales is fired from her job due to a supposed infidelity, which will lead her to aimlessly walking the typical streets and sceneries of the city. That’s where she will meet Clara, a music professor –played by another muse of contemporary cinema: Isabelle Huppert– who walks through the town she arrived to accompanying her best friend, a filmmaker with a film in the festival. Without realizing it, Claire and her camera will capture the protagonists of those crossed loves, with the backdrop of a small, beautiful coastal city that, year after year, is invaded by a noisy film festival. “If I take a photo of you, you are not the same person anymore,” says Clara. Somethins similar to what happens when you see a Hong film. Hoy / Today, 15:00, ALD 5; DO / SUN 26, 18:30, ALD 5
Contracara de la luminosa Claire’s Camera, El día después está filmada en blanco y negro en la ciudad de Seúl durante el crudo invierno coreano, y la mayoría de sus escasas escenas transcurren durante la noche. La intensidad que atraviesan algunas de sus secuencias (algo que, sospechamos, la llevó a ocupar un lugar en la Selección Oficial en Cannes) llaman la atención en el cine de Hong Sang-soo. No así su trama, otra variación sobre las relaciones maritales y las infidelidades. El drama sigue a Areum, una mujer que atraviesa el primer día de trabajo en una pequeña editorial. Su jefe, Bongwan, tuvo como amante a la mujer que ocupaba anteriormente ese mismo puesto, a la que finalmente dejó. En una escena dramáticamente opaca, Bongwan desayuna con su esposa, que lo desafía sospechando sus infidelidades, mientras él permanece casi impávido. Los recuerdos de la mujer a la que dejó pesan sobre él. Ese día la esposa de Bongwan encuentra una nota de amor, irrumpe en la oficina y confunde a Areum con la otra mujer. El día después está repleta de peleas (a los gritos y golpes), llantos, recriminaciones (justas y de las otras) y discusiones, que parecen comentar algunos datos recientes de la vida del director. En un año con tres películas (todas protagonizadas por su musa Kim Min-hee), Hong demuestra que su cine no se detiene ante nada y que la ficción, a veces, puede servir para tratar de entender la vida. O, al menos, reescribirla como un triste cuento moral.
Corea del Sur - South Korea, 92’ 2
D: Hong Sang-soo
A flipside of the luminous Claire’s Camera, The Day After was shot in black and white in the city of Seoul during the raw Korean winter, and most of its bare scenes take place at night. The intensity of some of its sequences (which we suspect led to its becoming part of the Cannes’ official selection) is quite rare for a Hong Sang-soo film. Not so its plot: a variation on marital relationships and infidelities. The story follows Aerum, a woman on her first day working in a small publishing house. The woman who had that job before her was a lover of Areum’s boss Bongwan, who finally broke up with her. In a dramatically dim scene Bongwan has breakfast with her wife, who defies him about infidelity, while he remains with an almost blunt face. The memories of the woman who left weigh down on him. That day Bongwan’s wife finds a love note, bursts into the office, and mistakes Areum for the woman who left. Thus, The Day After has plenty of fighting (with shouts and blows), crying, recriminations (both fair and otherwise) and arguments that seem to comment on some recent events in the director’s life. In a year with three films (all of them starring his muse Kim Minhee), Hong shows that his cinema stops at nothing, and that fiction can sometimes be useful for trying to understand life. Or, at least, for rewriting it as a sad moral tale. Hoy / Today, 22:15, AMB 2
Un día de furia asiática Outrage: Asia Tiros, patadas, venganzas y ¿por qué no? historias de realeza vampírica. Sion Sono, Ryoo Seung-wan y Takeshi Kitano son los responsables de una jornada de adrenalina pura.
Shootings, kicks, revenges, and –why not?– stories of vampire royalty. Sion Sono, Ryoo Seung-wan and Takeshi Kitano lead a journey of pure adrenaline.
Die Bad
Tokyo Vampire Hotel Japón - Japan, 142’
Corea del Sur - South Korea, 95’
D: Sion Sono
D: Ryoo Seung-wan
La ópera prima de Ryu Seung-wan, estrenada en 2000, tiene un origen más bien particular: en realidad está compuesta por cuatro cortometrajes realizados a lo largo de tres años y exhibidos originalmente de forma independiente. Pero tampoco se trata de una antología ya que, si bien cada una tiene su estética particular, la historia que narra es la misma en cuatro momentos diferentes en la vida de sus protagonistas. Y los cuatro cortos están atravesados por unas escenas de pelea de alto impacto, pero no de manera convencional: en lugar de las típicas peleas coreografiadas que tanto hemos visto en el cine oriental de género, las de Die Bad son sucias, por momentos casi imposibles, filmadas con una cámara de mano inquieta pero que nunca pierde de vista lo que sucede en cuadro. Los quince minutos finales, un montaje paralelo entre una pelea mano a mano y otra entre decenas de personajes, son especialmente notables en este sentido, y difícilmente olvidables.
The origin of Ryu Seung-wan’s first feature is very peculiar: released in 2000, the film is actually made up of four different short films that were shot over the course of three years, and originally screened independently from one another. But it’s not an anthology, either, because even though they are aesthetically different, they all tell the same story at four different periods in the characters’ lives. And the four shorts feature high-impact fight scenes, but not in a conventional way. Instead of the excellently and neatly choreographed fight scenes we see all the time in Asian genre films, Die Bad’s fight scenes are raw, often unbearable, and shot with a nervous hand-held camera that nevertheless keeps a constant eye on what is happening. The final fifteen minutes, a montage between a one-on-one fight and a fight between dozens of characters, are especially remarkable, and quite unforgettable. Hoy / Today, 22:40, CIN 2; SA / SAT 25, 23:50, ALD 5
Prácticamente un participante ilustre del Festival de Mar del Plata, el japonés Sion Sono está presente cada año, dando muestras –cada vez más feroces, cada vez más insólitas– de por qué es considerado uno de los directores más subversivos, inquietos e imaginativos del cine japonés. Tokyo Vampire Hotel, su nueva locura (versión resumida de una serie que el director filmó para Amazon), transcurre en un futuro inmediato, en el año 2021, cuando la realeza vampírica construye un hotel con la intención de alimentarse de la sangre de sus huéspedes. Al mismo tiempo, dos clanes (los Drácula y los Corvin) se pelean por una mujer con características muy especiales. Ese es solo el punto de partida para una promesa de acción, humor delirante, absurdo y muchísima sangre, un combo de situaciones al que el director de Suicide Club nos tiene acostumbrados años tras año, y que hará las delicias de los devotos al cine de medianoche.
Practically an illustrious participant of the Mar del Plata Film Festival, Japanese director Sion Sono is present every year, proving –each time in a more ferocious and outrageous way– why he is considered to be one of the most subversive, restless and imaginative of Japanese director. Tokyo Vampire Hotel, his new insanity (an edited version of a series the director shot for Amazon), takes place in an immediate future –the year 2021– when vampire royalty builds a hotel with the intention of feeding from the blood of its guests. At the same time, two clans (the Draculas and the Corvins) fight for a woman who has very special features. This is just the starting point for a promise of action, delirious comedy, absurdity, and lots of blood: a combo of situations the director of Suicide Club delivers every year, and will delight midnight-movie fans. Hoy / Today, 21:50, ALD 3; DO / SUN 26, 22:10, ALD 3
Outrage: Coda A pura furia yakuza, Kitano se pone al frente y detrás de la cámara para cerrar su trilogía Outrage, que empezó en 2010. Las expectativas habían quedado altas luego de Outrage 2 (2012), y por supuesto que el director supo encontrar la forma de estar a la altura. Luego de cinco años de haber sobrevivido a la guerra salvaje entre los clanes Sanno y Hanabishi, Otomo se encuentra en un rol diferente del que ocupaba en las esferas más poderosas de la mafia. Ahora trabaja en Corea del Sur para Mr. Chang y todo parece haberse relajado. Pero, por supuesto, nada puede permanecer demasiado tranquilo durante mucho tiempo y un incidente (mucho más pequeño que sus consecuencias) es la chispa que hacía falta para que todo se descontrole, a fuerza de plomo y lucha. Los proyectos de Chang se cruzan (no de una manera amable) con los negocios del clan Hanabishi. En este nuevo contexto frente a viejos conocidos, Otomo no podrá hacer otra cosa que volver a Japón. Una vez allí, será el momento de resolver asuntos pendientes de manera definitiva. Tiros, sangre y violencia son los condimentos para una película repleta de vértigo de esas en las que Takeshi Kitano se mueve con una comodidad zen.
With pure yakuza rage, Kitano puts himself in front of and behind the camera in order to close his Outrage trilogy, which he started in 2010. The expectations were high after Outrage 2 (2012), and of course the director was able to find the way of living up to them. Five years after having survived the savage war between the Sanno and Hanabishi clans, Otomo now plays a role that is different than the one he had in the most powerful spheres of the mafia. He now works in South Korea for Mr. Chang, and everything seems to have cooled off. But, of course, nothing can remain this quiet for a long time, and chaos is unleashed by an incident (a much smaller one than its actual consequences) that brings an array of bullets and fighting. Chang’s own projects cross with those of the Hanabishi clan, and not in a very nice way. In this new context, facing his old acquaintances, Otomo can do nothing but return to Japan. Once there, he will have to solve some unfinished business, once and for good. Shooting, blood and violence are the condiments for one of those vertigo-filled movies through which Takeshi Kitano moves with a Zen comfort.
Hoy / Today, 15:35, AMB 1
Japón - Japan, 104’ D: Takeshi Kitano
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MAR DE CHICOS – CHILDREN BY THE SEA
PANORAMA DE CINE ARGENTINO – ARGENTINE CINEMA PANORAMA
Niños peculiares Peculiar Kids
Luis Pescetti está en Mar del Plata para acompañar a Natacha, la película, inspirada en sus populares libros. Antes de las funciones, se acercará a las salas para conversar con el público y leer algunos de sus textos Luis Pescetti is in Mar del Plata to join Natacha, the Movie, inspired by his popular books. Before the screenings, he will attend the theaters to chat with the audience and read some of his texts. ¿Cómo surgió el personaje de Natacha? ¿Por qué crees que se convirtió en este fenómeno? Fui profesor de música durante años en escuelas primarias; los profesores vamos a muchas escuelas, muchos salones, trabajamos con chicos de lunes a viernes. En segundo grado tenía a una niñita muy simpática, pizpireta, y yo solía decir algo como “me voy a un lugar a hacer una cosa”. Una vez junté a esa chica con esta idea, y desarrollé esa conversación. Me fui a vivir a México y cada vez que volvía a Argentina me decían que el cuento que había escrito a partir de esa experiencia lo usaban los promotores del libro, que era El pulpo está crudo, y que los chicos se reían. Por ese feedback se me ocurrió desarrollar más historias de Natacha. Años después conocí los trabajos de filosofía para niños de Matthew Lipman y me gustó jugar con la filosofía, el lenguaje, el humor. Y así fue creciendo el mundo de Natacha: primero creé a los papás y luego agregué un grupo de varones que eran muy particulares. Todo esto, libro a libro (hoy son nueve), se fue dando como un equilibrio; así se fue haciendo el contrapeso de personajes hasta que más tarde se descubrió que la mamá de Natacha era así porque su madre, la abuela, era un personaje todavía mayor. Así se fue completando el cuadro: las chicas con las que tienen la disputa, los varones, los papás. ¿Creés que películas como Natacha pueden abrir el camino para que se haga más cine infantil en Argentina? Ojalá Natacha abra primero su propio camino; le deseo lo mejor a esta historia de niños reales que tienen conflictos reales y los resuelven como pueden hacerlo realmente. Eso me gustaría que tenga un buen destino. ¿Qué es lo que más te gusta de la película? Lo que más me gusta es que me sorprendió encontrar a niños tan parecidos a los de las escuelas en las que yo me inspiré. Dio toda la vuelta.
Natacha, la película Argentina, 70’ D: Fernanda Ribeiz, Eduardo Pinto
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How was the character of Natacha born? Why do you think she became the phenomenon it is now? I was a music teacher in elementary schools for many years; teachers go to lots of schools, to lots of classrooms, we work with kids from Monday to Friday. At second grade, I had a very lovable, lively girl, and used to say something like, “I’m going somewhere to do something.” Once, I mixed this girl with this idea, and developed that conversation. I moved to Mexico and every time I returned to Argentina they would tell me that the story I had written based on that experience was used by the promoters of the book, which was El pulpo está crudo, and that kids laughed with it. With that feedback, I thought of developing more Natacha stories. Years later, I discovered Matthew Lipman’s work on philosophy for children and I liked the idea of playing with philosophy, language and humor. This way, Natacha’s world continued to grow –first I created her parents, and then I added a group of very peculiar boys. All of this, book after book (they are nine, so far), was like some kind of balance; then a counterbalance in the characters was made until later on it was discovered that Natacha’s mom was like because her mother, the girl’s grandmother, was an even bigger character. The picture was completed that way -the girls with whom they have the dispute, the boys, the parents. Do you believe films like Natacha can pave the way for more children’s films to be made in Argentina? I hope Natacha paves its own way; I wish the best for this story of real kids who have real conflicts and solve them the way they really can. I would like that to succeed. What do you enjoy most about the film? What I like the most is that I was surprised to find children as similar to those school kids that inspired me. It went all the way around. Hoy / Today, 16:10, ALD 6; DO / SUN 26, 13:30, ALD 6
A años luz del resto Light Years Away from the Rest Manuel Abramovich logró meter su cámara (y su oído) en el rodaje de Zama, la última obra maestra de Lucrecia Martel. El resultado, Años luz, confirma no solo el valor enorme de la realizadora salteña, sino la carrera en ascenso del director de Solar. Manuel Abramovich managed to get his camera (and his ear) into the shoot of Zama, Lucrecia Martel’s latest masterpiece. The result, Años luz, not only confirms the enormous value of the filmmaker from Salta, but also the ascending career of the director of Solar. Si esperamos casi una década por la vuelta de Lucrecia Martel, lo mínimo que podíamos obtener era más que “apenas” una película (las comillas son, claro, porque esa película es Zama, una obra maestra y probablemente una de las mejores películas en la historia del cine argentino). Zama no vino sola. Trajo con ella un diario de rodaje escrito por Selva Almada –El mono en el remolino– y este documental de Manuel Abramovich, que como un intruso sonoro capturó el meticuloso trabajo de la directora salteña y la cálida, humana y divertida precisión con la que ajusta cada detalle que sucede en los planos de su película. “Yo estoy a años luz de poder ser la protagonista de una película”, le dice Martel a Abramovich cuando este le plantea por mail su idea de un documental que la tenga a ella como personaje principal. Lo que dice la directora es, en parte, cierto: Martel está a años luz. Del resto. “Lejos de la idea de un making of, Años luz nació como una película secundaria, desprendida de la que ella está filmando”, cuenta Abramovich que, desde el comienzo de su film, muestra cómo se acercó al rodaje. “Me interesaba la idea de que, para Años luz, Zama fuera todo el tiempo como un gran fuera de campo, una película en la que viéramos a Lucrecia filmando su película, pero sin tener acceso directo a su material de trabajo. Percibirla a través de su mirada, de sus indicaciones, de sus gestos”, asegura el director, que también participó en esta edición del Festival con Soldado (Competencia Argentina) y se perfila como un realizador local más que prometedor.
Años luz Argentina, 75’ D: Manuel Abramovich
If we have waited almost a decade for Lucrecia Martel’s return, the least we could get was more than “just” a film (the quotation marks are, of course, due to the fact that the film in question is Zama, a masterpiece and probably one of the best films in Argentine film history). Zama didn’t come alone. It brought with her a shooting journal written by Selva Almada –El mono en el remolino– and this documentary by Manuel Abramovich, who, as a sound intruder, captured the meticulous work of the director from Salta and the warm, human, joyful precision with which she adjusts every single detail that happens in the film’s shots. “I am light years away from being able to be the protagonist of a film,” says Martel to Abramovich when he mails her his idea of making a documentary with her as the main character. What the director says is, in part, true: Martel is light years away. From the rest. “Far from the idea of a behind-the-scenes, Años luz was born as a secondary film, detached from the one she was shooting,” says Abramovich who, at the beginning of the film, shows how he approached the shoot. “I was interested in the idea that, in Años luz, Zama was this huge, constant out-of-field element, a film in which we would see Lucrecia shooting, but without having direct access to her material. And experience it through her eyes, her indications, her gestures,” states the director, who was also part of this Festival’s edition with Soldado (Argentine Competition) and whose work reveals him as a more than promising local filmmaker.
Hoy / Today, 22:30, ALD 2; DO / SUN 26, 19:50, ALD 2
GASTÓN UGARTE
Pix.ar Gastón Ugarte, el argentino que trabaja en Pixar, habla de su experiencia con Coco, el nuevo título del estudio en el que trabajó en películas como Wall-E, Valiente y Un gran dinosaurio. Gastón Ugarte, the Argentinian working at Pixar, talks about his experience with Coco, the new title from the studio where he worked on films like Wall-E, Brave and The Good Dinosaur. ¿Cómo llegaste a un estudio tan grande como Pixar? Cuando me recibí de la universidad empecé a trabajar en distintos estudios de Nueva York. Empecé haciendo cortometrajes y después conseguí trabajo en Sony Pictures para formar parte del equipo de realización de Reyes de las olas, su segunda película animada. Unos años después escuché por colegas de Sony que Pixar Animation Studios estaba buscando modeladores para su siguiente película original, que era Wall-E. Armé un portfolio, lo mandé y me llamaron. Me entrevistaron a las semanas, me llamaron de vuelta y me ofrecieron trabajo; eso fue hace ya diez años. Empecé como parte del equipo de diseño de fondos con Wall-E, Up, Valiente y un especial de Toy Story para Halloween. Ya a partir de Un gran dinosaurio comencé a tener un equipo a cargo como supervisor de modelaje; en Coco tengo la misma posición. Fue un reto muy lindo pero tomó un período de adaptación. Al principio estaba acostumbrado a ir a la oficina, modelar todo el día e irme a mi casa. De repente pasé a estar en reuniones gran parte del día y producir. Entonces me implicó mucha más responsabilidad y tuve que aprender a ser mentor, formar equipo, buscar buena química entre colegas, etcétera. ¿De qué manera encaraste tu trabajo en Coco?
Mi equipo es responsable de crear los fondos de la película, todo lo que no es un personaje: desde las piedritas hasta las flores y las montañas. En el caso de Coco tuvimos que crear Santa Cecilia, el mundo de los vivos y el mundo de los muertos. Primero los artistas armaron el arte conceptual para empezar a darle ideas al director, Lee Unkrich, sobre cómo podría verse el mundo. Fue un desarrollo muy lento en el cual fuimos buscando el look del film. Básicamente nosotros ayudamos al director a encontrar lo que él quería; le mostrábamos opciones y nos iba diciendo cuáles de todas esas cosas le servían. Por ejemplo, él quería que el mundo de los muertos contrastara bien con el de los vivos. Construimos Santa
Cecilia basándonos en ciudades de México bien chatas, donde predominan los colores naturales, la luz natural, mucho sol. Para el mundo de los muertos el director quería contrastar la planicidad de Santa Cecilia, y por eso es una ciudad vertical donde predominan las luces frías, artificiales, fluorescentes. ¿Qué aprendiste trabajando al lado de Lee Unkrich? Es el director con el que más aprendí. Él era editor, y eso hizo que se fijara en otros aspectos fuera de lo que es la historia, la composición de los personajes y todo lo que puede resultarles más relevante a los directores que vienen puramente del ámbito de la animación. Lee es un director muy completo, sabe un poco de todo y siempre tiene algo para aportar. Hay unas reuniones que se llaman animation dailies, a las que asisten básicamente todos los supervisores de cada departamento y los animadores les muestran las distintas secuencias. Lee siempre daba críticas súper constructivas, y me impresionaba mucho porque él, al venir del ámbito de la edición, se enfrentaba a cracks de la animación y les ofrecía un punto de vista muy rico. ¿De qué forma se acercaron a la historia que rodea a Coco y a la cultura mexicana? Sabíamos que estábamos tocando un tema sumamente delicado y muy sentimental para el pueblo mexicano, y Pixar contaba con que íbamos a tener que hacer mucha investigación previa. La base de nuestro trabajo siempre es investigar acerca de lo que vamos a contar, hacemos viajes para empaparnos del tema. Con Coco sentíamos que teníamos que honrar al pueblo mexicano como corresponde. Hicimos varios viajes a México; en las primeras instancias yo no tuve la chance de ir, pero sé que vivieron en casas de familias locales, ayudaron con la preparación de las ofrendas y pudieron absorber la vibra de la celebración, y eso es algo que ayudó a que esta última quedara bien plasmada en la pantalla. La investigación fue muy completa y creo que eso quedó bien reflejado.
How did you get to work at such an important studio as Pixar? When I graduated from college, I started to work at different studios in New York. I started off making short films, and then I got a job at Sony Pictures to become part of the crew for Surf’s Up, their second animated feature. A few years later, I heard from colleagues at Sony that Pixar Animation Studio was looking for modelers for their next original film, which was Wall-E. I made a portfolio, sent it and got a call from them. I was interviewed a few weeks later, I got called back and they offered me a job –that was ten years ago. I started as part of the background design team with Wall-E, Up, Brave and a Toy Story Halloween special. In The Great Dinosaur I was already having a team in charge as modeling supervisor; in Coco I have the same role. It was a very nice challenge but there was a period of adjustment. At first I was used to go to the office, model all day and return home. Suddenly I was spending most of the days in meetings and producing. So it meant a lot more responsibility, and I had to learn to be a mentor, to form a team, to search for good chemistry between colleagues and so on. How did you approach you work in Coco? My team was responsible of creating the film’s backgrounds, everything that is not a character –from the little stones to the flowers and the mountains. In Coco’s case, we had to create Saint Cecilia, the world of the living and the world of the dead. First the artists put together the conceptual art in order to start providing ideas to the director, Lee Unkrich, on how the world could look like. It was a very slow development in which we searched for the film’s look. Basically, we helped the director in finding what he wanted; we would show him options and he would tell us which things were useful to him. For example, he wanted the world of the dead to be in good contrast with that of the living. We built Saint Cecilia basing ourselves on very flat cities in Mexico, where natural
colors, natural light and lots of sun prevail. For the world of the dead the director wanted to contrast the flatness of Saint Cecilia, and that is why it’s a vertical city where cold, artificial, fluorescent lights prevail. What did you learn while working alongside Lee Unkrich? He’s the director from whom I learned the most. He used to be an editor, and that made him pay attention to other aspects besides the story, the composition of the characters and all that may be relevant to directors that come from the animation field only. Lee is a very complete director, he knows something about everything, and always has something to contribute. There are some meetings called animation dailies, to which basically every supervisor from every department attends for the animators to show them the different sequences. Lee’s criticism was always very constructive, and it would impress me a lot, because he, who came from the field of editing, would face top animators and offer them a very rich point of view. How did you approach the story around Coco and Mexican culture? We knew that we were dealing with a very delicate subject, very sensitive for the Mexican people, and Pixar was counting on us doing lots of research. The basis of our work is always to do research on what we’re going to tell –we make trips to learn more about the subject. With Coco, we felt we had to honor the Mexican people the way they deserved. We made many trips to Mexico; in the first stages I didn’t have a chance to go, but I know they lived at the homes of local families, helped with the preparation of offerings and were able to absorb the celebration’s vibe, and that is something that helped the latter be captured well on the screen. The research was very complete, and I think that shows in the film.
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GENERACIÓN VHS – GENERATION VHS
Doble de cuerpo Body Double Doble de cuerpo no fue para nada bien recibida por la crítica, y De Palma obtuvo una nominación a los infames premios Razzie a Peor Director por esta película, algo que no debería extrañarnos, porque ya lo había estado por dos obras maestras como Vestida para matar y Caracortada. Vista hoy, 33 años después de su estreno, semejante reacción resulta bastante inexplicable. Doble de cuerpo arranca con un enorme momento de cine dentro del cine que también sirve de secuencia de títulos de tipografía vampírica, la cual se condice con aquella película que se está rodando (y de la que el protagonista será despedido unos minutos después porque su claustrofobia no le permite estar dentro de ataúdes) pero no con lo que vamos a ver a continuación. O sí, si tenemos en cuenta el proceso de “vampirización” de cines ajenos (y del suyo propio) que lleva adelante De Palma en todas sus películas pero especialmente en esta. Doble de cuerpo es una sucesión de secuencias que desbordan de cine, una película que se permite ser elegante (ese seguimiento de Scully a Gloria y la partitura de Pino Donaggio, una de las más bellas de su carrera) y brutal (¡el asesinato del taladro!), pero siempre mantentiendo ese espíritu juguetón que tanto amamos de De Palma.
Estados Unidos - USA, 114’ D: Brian De Palma
Body Double was a critical flop at the time of its release, and De Palma received a Worst Director nomination at the infamous Razzie awards for this film –which shouldn’t sound strange, as he had already been nominated for two masterpieces like Dressed to Kill and Scarface. If you see it today, 33 years after its release, such a reaction seems inexplicable. Body Double starts with a great film-within-a-film moment that also serves as title sequence with the vampire-like font. The credits are consistent with the film being shot in the story (a production from which the protagonist will be fired a few minutes later, because his claustrophobia doesn’t allow him to stay inside a coffin) but not with what we will see later. Well, maybe it is, if we take into consideration the “vampirization” of other people’s work (as well as his own) De Palma performs in all of his films –and especially in this one. Body Double is a series of sequences that are pure cinema, while also a film that allows itself to be both elegant (those scenes where Craig Wasson’s Scully follows Deborah Shelton’s Gloria, and the beautiful score by Pino Donaggio) and brutal (the drill murder!), but always maintaining that playful spirit we love so much about De Palma.
Hoy / Today, 22:40, CIN 1; DO / SUN 26, 20:00, CIN 1
BANDA DE SONIDO ORIGINAL – ORIGINAL SOUNDTRACK
Sepultura Endurance
Cualquier banda decidida a distinguirse en la escena metalera necesita imponerse con su presencia, llevar el virtuosismo de sus miembros a límites siempre expandibles y desarrollar una imagen icónica, además de un estilo inconfundible. Pero con Sepultura esos objetivos parecen mínimos: una banda que superó las tres décadas con una relevancia inobjetable logró algo mucho más complejo. Se popularizó en la escena internacional habiendo surgido desde la periferia, con una fuerte presencia de los ritmos brasileños y originarios en sus álbumes más reconocidos, y supo reinventarse en cada giro sonoro de su carrera, frente a cada cambio abrupto de su alineación y superando aquellas trampas que pueden destruir un legado artístico. Sepultura Endurance sale a buscar sin vueltas (pero con muchos detalles) los pilares que sostuvieron y mantienen en pie a semejante estructura: el material de archivo está lleno de joyas poco vistas de los primeros años de la banda, los testimonios son un desfile de voces autorizadas (desde Lars Ulrich a Corey Taylor) sobre la evolución y la influencia del grupo, sin evitar los aspectos más complicados de sus metamorfosis, y la película nunca deja que pase demasiado tiempo sin que podamos disfrutar a Sepultura en toda su magnitud, en la sala de ensayo o apoderándose de miles de fans desde el escenario. El metal nunca volvió a ser igual desde que apareció Sepultura, porque Sepultura nunca dejó de renovarse.
Brasil - Brazil, 103’ D: Otavio Juliano HORA CERO – MIDNIGHT SCREAMINGS
Any band determined to stand out in the metal scene needs to make a stand with its presence, take the virtuosity of its members to always expansible limits, and develop both an iconic image and an unmistakable style. But in the case of Sepultura those goals seemed minimal, as this is a band with more than 30 years of unobjectionable relevance that achieved something much more complex. They became internationally popular having come from the periphery, with a strong presence of Brazilian and native rhythms in their best-known albums. They also knew how to reinvent themselves at every change of sound in their career, in front of every abrupt lineup change, and overcome the kind of traps that could destroy an artistic legacy. Sepultura Endurance goes on a confident and detailed search for the pillars that held and still hold such a structure. The archive footage is filled with rare gems from their early years, and the testimonies are a parade of authorized voices (from Lars Ulrich to Corey Taylor) that depict the evolution and influence of the band without avoiding the most complicated aspects of their metamorphoses. Also, the film doesn’t let a lot of time go by without us enjoying Sepultura in all their magnitude, at their rehearsals or ruling over thousands of fans on the stage. Metal was never the same after the appearance of Sepultura, because Sepultura never stopped renewing themselves.
Hoy / Today, 21:00, ALD 1; DO / SUN 26, 14:50, ALD 1
HORA CERO – MIDNIGHT SCREAMINGS
How to Talk to Girls at Parties Matar a Dios
6
John Cameron Mitchell agranda su estatus de culto con esta adaptación de un relato breve de Neil Gaiman, sazonando esta vez la ciencia ficción con elementos de comedia juvenil. Así, la película comienza como un relato sobre la adolescencia en el contexto de una Londres (precisamente Croydon, al sur de la ciudad) en 1977, en pleno estallido del punk rock. Ahí está Enn, un chico que edita un fanzine y se la pasa de juerga con sus amigos Vic y John. La noche los lleva a un concierto y a desembocar en un extraño lugar, habitado por un grupo de extraterrestres con máscaras humanas, que aterrizaron en el planeta en misión de investigación. ¡Y no contamos más! Cameron Mitchell cruza géneros (hay romance, comedia, suspenso y metáforas “para pensar”) y da con una versión personalísima del género coming of age, que entre raros peinados (Nicole Kidman es toda una reina glam) reflexiona sobre la adolescencia como un período de rebeldía y confusión, en una propuesta festiva, animada, romántica y musical.
John Cameron Mitchell expands his cult status with the adaptation of a short story by Neil Gaiman, now seasoning sci-fi with teen comedy elements. The film begins as a story about adolescence in the context of 1977 London (more precisely, Croydon, South of the city), amid the outbreak of punk rock. The story features Enn, a boy who publishes a fanzine and parties all the time with his friends Vic and John. The night takes them to a concert, and later end up in a strange place inhabited by a group of aliens wearing human masks who landed on our planet on a research mission. And we won’t tell you more! Cameron Mitchell crosses genres (there’s romance, comedy, suspense and metaphors “that leave us thinking”) and delivers a very personal version of the coming-of-age genre that, features some strange hairdos (Nicole Kidman plays an all-out glam queen) and reflects on adolescence as a period of rebellion and confusion, in a festive, cheerful, romantic and musical film.
Hoy / Today,, 18:35, AMB 1; DO / SUN 26, 19:15, AMB 1
To Kill God
Son pocas las películas que pueden definir su argumento en unas pocas líneas, y muchas menos las que consiguen seducir así al espectador potencial. La española Matar a Dios posee ambas características. Cuenta la historia de una familia que en la fiesta de fin de año recibe la visita inesperada de un enano linyera, que les afirma que es Dios, y que al otro día la humanidad va a dejar de existir. Imposible ignorarla. Y mucho más si al entrar en su mundo descubrimos el dato de que, de esas pocas personas que asisten a esa cena, deberán elegirse dos –que serán “salvadas” por el insólito dios– para que la raza tenga posibilidades de subsistencia. Y más todavía cuando la película ofrece repetidas muestras de (buen) humor desquiciado y negrísimo, y una subida dosis de gore sangriento e ideas visuales ingeniosas, que la colocan al lado de los primeros pasos (se trata de un debut) de gente como Álex de la Iglesia o Javier Fesser. Con todo, la diversión está asegurada.
Few films can define their plot in just a few lines, and even less films succeed in seducing potential viewers by doing so. Spanish film To Kill God is one of them. It tells the story of a family celebrating New Year’s Eve, who receives the unexpected visit of a bum dwarf who claims to be God, and tells them than humankind will cease to exist the following day. No way you can ignore that. Especially if, when entering this world, we realize that two of the dinner guests will be chosen –and “saved” by this unlikely god– in order for humanity to have a chance of surviving. And more especially, if the film offers lots of derange, very black (and good) humor, and a high dose of bloody gore with clever visual ideas –which locates the film alongside the early steps (this is a debut) of people like Álex de la Iglesia or Javier Fesser. Fun guaranteed.
Hoy / Today, 00:00, AMB 1; DO / SUN 26, 21:45, AMB 1
AUTORES – AUTEURS
Sábado de superautores Auteurs on Saturday Lejos de apaciguar el ritmo cerca del cierre, esta edición del Festival cuenta para el comienzo de su último fin de semana con dos nombres fundamentales de la pantalla grande. Engalanando la sección Autores, Frederick Wiseman y Richard Linklater, con sus dos estilos más que personales, prometen un plan inolvidable.
Far from slowing the pace near the end, the Festival enters the last weekend of this edition featuring two essential names of the big screen. Frederick Wiseman and Richard Linklater embellish the Auteurs section with their more than personal styles, and promise an unforgettable weekend plan.
Ex Libris - New York Public Library
Last Flag Flying
El octogenario cineasta bostoniano Frederick Wiseman, infatigable retratista de la realidad norteamericana, invoca en su nueva película la memoria de dos de sus films recientes: In Jackson Heights, una aproximación al armónico cóctel de etnias y culturas que conviven en Queens, y At Berkeley, un estudio del funcionamiento de la prestigiosa universidad californiana. Ahondando en su sempiterno interés por diseccionar el funcionamiento de las instituciones, descubre en los entresijos de la Biblioteca de Nueva York no solo un ejemplo de ética aplicada al servicio público sino, sobre todo, un punto de encuentro para las diferentes sensibilidades y realidades que forman el multiétnico tejido social de esa gran ciudad. En un momento clave de este documental, una arquitecta especializada en el diseño de edificios públicos reniega del concepto de la biblioteca como un recinto destinado a almacenar libros: “¡Las bibliotecas deben ser pensadas como edificios para la gente!”. Adoptando este lema como si se tratara de un mandato estético, Wiseman sitúa las hileras de libros en el trasfondo de las imágenes, mientras que el primer plano lo ocupan los niños que acuden a talleres, los mayores que hacen clases de baile o los trabajadores que atienden las demandas de investigadores y visitantes. Todo ello hilvanado como si se tratara de un discreto manifiesto sobre el valor del conocimiento como herramienta de progreso, y sobre la nobleza del compromiso individual con el bien común.
Estados Unidos - USA, 197’ D: Frederick Wiseman
A tireless portrayer of the reality of the US, octogenarian Frederick Wiseman invokes in his new film the memory of two of his recent works: In Jackson Heights, a approximation to the harmonious cocktail of ethnicities and cultures that coexist in Queens, and At Berkeley, a study of the functioning of the prestigious Californian University. Delving deeper into his ever-present interest for dissecting the functioning of institutions, he discovers in the intricacies of the New York Public Library not just an example of applied ethics at the service of the public, but also, and above all, a meeting point for the different sensibilities and realities that form the multiethnic social fabric of that great city. In a key moment of this documentary, an architect specializing in the design of public buildings rejects the concept of the library as a place destined to keep books, “Libraries should be thought of as buildings for people!”. Adopting that motto as though it were an aesthetic mandate, Wiseman places the rows of books in the background of the images, while keeping in the foreground the children that attend workshops, the adults that go to dance lessons or the workers that attend to the demands of researchers and visitor. All of that put together as though it were a discrete manifesto about the value of knowledge as a tool for progress, and about the nobility of the individual’s commitment to common good. Hoy / Today, 18:10, AMB 2; DO / SUN 26, 12:50, AMB 2; DO / SUN 26, 21:25, AMB 2
Su lugar entre los más destacados directores norteamericanos es algo que Richard Linklater se ha ganado desde hace tiempo. Películas como Boyhood (2014), la trilogía que comenzó con Antes del amanecer (1995) y el humor desbordado de Escuela de rock (2003) son algunas de sus grandes conquistas. Con su nueva película, Last Flag Flying, se adentra sin temor y con cierto desparpajo en la historia de tres veteranos de la armada de la época de Vietnam – Doc (Steve Carell), de voz suave; Sal (Bryan Cranston), inestable y sin filtro; y Mueller (Laurence Fishburne), silenciosamente medido– que se reúnen para llevar a cabo una tarea sagrada: el entierro apropiado para el hijo único de Doc, quien fue muerto en los primeros días de la invasión en Irak (la conexión que uno puede encontrar con El último deber, la película de Hal Ashby de 1973, no es casual: esta película también está basada en una novela de Darryl Ponicsan). Mientras el trío de viejos amigos viaja por la costa este, Linklater nos entrega una rica representación de la amistad, un gran mosaico de la vida común en Estados Unidos durante la era Bush y una notable meditación sobre el paso del tiempo y la naturaleza de la verdad. En resumen, Last Flag Flying es una gran película de uno de los mejores directores de Estados Unidos.
Richard Linklater has earned his place among the most remarkable American directors long ago. Films like Boyhood (2014), the trilogy that started with Before Sunrise (1995) and the outlandish humor of School of Rock (2003) are some of his great conquests. With his new film Last Flag Flying, he goes deep, fearlessly and confidently, into the story of three Vietnam war vets –soft-spoken Doc (Steve Carell), unhinged and unfiltered Sal (Bryan Cranston), and quietly measured Mueller (Laurence Fishburne)–, who reunite to perform a sacred task: the proper burial of Doc’s only child, who has been killed in the early days of the Iraq invasion (the connection one might find with Hal Ashby’s 1973 The Last Detail is not coincidental: this one is also based on a Darryl Ponicsan novel). As this trio of old friends makes its way up the Eastern seaboard, Linklater gives us a rich rendering of friendship, a grand mosaic of common life in the USA during the Bush era, and a striking meditation on the passage of time and the nature of truth. To put it simply, Last Flag Flying is a great movie from one of America’s finest filmmakers.
Estados Unidos - USA, 127’ D: Richard Linklater
Hoy / Today, 21:10, AMB 1
VIDRIERA — SHOWCASE
Mo Jieun, miembro del Comité del KOFIC, Ralph Haiek, presidente del INCAA, y Directores de la competencia Work in Progress / Directors from the Work in Pro- Jang Jin-sang, director del Centro Cultural Coreano / Mo Jieun, KOFIC Comittee memgress Competition. ber, Ralph Haiek, INCAA President, and Jang Jin-sang, Head of the Korean Cultural Center.
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GUÍA DE PROGRAMACIÓN — PROGRAM GUIDE
Sábado 25 10:30 | CIN 2
Baronesa Juliana Antunes 71’ | LAT
11:10 | ALD 3
Hasta que me desates Tamae Garateguy 82’ | ARG
11:30 | ALD 5
Bunch of Kunst - A Film About Sleaford Mods Christine Franz 102’ | BSO
12:10 | AMB 3
For Ella / 10’ Throwing Off the Yolks of Bondage / 12’ Pirika on Film / 53’ Zelimir Zilnik ZIL
12:30 | AMB 4
Fame Giacomo Abbruzzese Angelo Milano 57’ | DOC
12:30 | CIN 1
A Hell of a Wedding Reza Khatibi 94’ | CHI
12:50 | AMB 2
Tito Among the Serbs for the Second Time / 43’ Oldtimer / 81’ Zelimir Zilnik ZIL
- Saturday 25th
13:10 | ALD 4 El azote José Celestino Campusano 89’ | ARG
13:15 | CIN 2 Rey Niles Atallah 90’ | LAT
13:30 | ALD 6
Carnada / 4’ 2 Dudes 1 Van / 14’ ¿Dónde está Susan? / 6’ Pedro Maccarone, Max Franco Sexo, zombies y Bret Michaels / 80’ Samot Márquez VEA
13:30 | AMB 1 Housewife Can Evrenol 82’ | HOR
13:50 | ALD 3 Al desierto Ulises Rosell 94’ | INT
14:30 | ALD 2
Córdoba sinfonía urbana Varios directores 60’ | PAN
14:30 | COL
June Turmoil / 10’ Little Pioneers / 18’ Early Works / 87’ Zelimir Zilnik ZIL - PRG 1
8
Sitges, sus primeros cincuenta años: Madraza Hernán Aguilar 93’ | PAR
14:50 | AMB 3
Dry Martini / 7’ Adorpho Arrietta Belle Dormant / 90’ Ado Arrietta ADO
15:00 | ALD 5 Claire’s Camera Hong Sang-soo 69’ | AUT
15:00 | CIN 1
Il monte delle formiche Riccardo Palladino 63’ | NAU
15:00 | AUD
Lumière. LAventure commence Thierry Frémaux 90’ | ESP
15:10 | AMB 4
L Utopie des images de la Révolution russe Emmanuel Hamon 88’ | REV
15:35 | AMB 1 Outrage: Coda Takeshi Kitano 104’ | AUT
15:40 | AMB 2
Octubre Sergei M.Eisenstein, Grigoriy Aleksandrov 116’ | REV
Colaboran hoy: Juan Francisco Gacitúa Manu Yañez Marcelo Alderete
17:30 | COL
The Way Steel Was Tempered Zelimir Zilnik 101’ | ZIL
19:00 | ALD 5
El mar la mar J. P. Sniadecki, Joshua Bonnetta 94’ | ALT
16:00 | CIN 2
17:50 | AMB 4
19:00 | AUD
16:10 | ALD 6
18:00 | ALD 1
19:00 | CIN 2
Hannah Andrea Pallaoro 93’ | NAU Natacha, la película Fernanda Ribeiz, Eduardo Pinto 70’ | CHI
16:30 | ALD 3 The First Lap Kim Dae-hwan 101’ | INT
17:00 | ALD 5
Sea Sorrow Vanessa Redgrave 74’ | ESP
17:20 | ALD 2
Mala vida Mad Crampi, Fernando Díaz 70’ | VEA
17:20 | CIN 1
Blow-Up Michelangelo Antonioni 111’ | RES
17:30 | AMB 3 Violeta al fin Hilda Hidalgo 85’ | PCL
Nuevas funciones (Auditorium)
Equipo Staff Agustín Mango Micaela Berguer Sol Santoro Juan Martínez Gastón Olmos Guillermo Pintos Javier Diz
14:50 | ALD 1
Added Screenings at Auditorium 15.00 Lumière. L’Aventure commence 19.00 Sea Sorrow
Kharms Ivan Bolotnikov 95’ | REV
10 ediciones - 5 películas. Concurso Raymundo Gleyzer: Fin de semana Moroco Colman 74’ | PAR
18:30 | ALD 4 João, o maestro Mauro Lima 116’ | AUT
18:35 | AMB 1
How to Talk to Girls at Parties John Cameron Mitchell 102’ | HOR
18:35 | AMB 2
Ex Libris – New York Public Library Frederick Wiseman 197’ | AUT
18:50 | ALD 6 As duas Irenes Fabio Meira 88’ | CHI
Sea Sorrow Vanessa Redgrave 74’ | ESP The Dead Nation Radu Jude 83’ | AUT
19:10 | ALD 3
Jeunes hommes a la fenetre / 18’ Loukianos Moshonas Où en êtes-vous, João Pedro Rodrigues? / 21’ João Pedro Rodrigues Farpões baldios / 25’ Marta Mateus Scaffold / 15’ Kazik Radwanski ALT / AUT - PRG 3
20:00 | CIN 1
Wonders of the Sea 3D Jean-Michel Cousteau, Jean-Jacques Mantello 82’ | CHI
20:00 | COL
The Old School of Capitalism Zelimir Zilnik 122’ | ZIL
20:10 | AMB 3
Extraño pero verdadero Michel Lipkes 90’ | PCL
20:30 | AMB 4
Ni juge ni soumise Jean Libon, Yves Hinant 99’ | DOC
21:00 | ALD 1
Sepultura Endurance Otavio Juliano 103’ | BSO
21:10 | ALD 4 The Charmer Milad Alami 100’ | NAU
21:10 | AMB 1
Last Flag Flying Richard Linklater 124’ | AUT
21:30 | ALD 5
22:40 | AMB 2 El día después Hong Sang-soo 92’ | AUT
22:40 | CIN 1
Doble de cuerpo Brian De Palma 114’ | VHS
23:10 | AMB 4 Wiñaypacha Óscar Catacora 86’ | PCL
23:50 | ALD 5
Die Bad Ryoo Seung-wan 95’ | SKO
00:00 | AMB 1
Matar a Dios Caye Casas, Albert Pintó 90’ | HOR
Les Affamés Robin Aubert 96’ | HOR
21:40 | CIN 2
En el séptimo día Jim McKay 92’ | AUT
21:50 | ALD 3
Tokyo Vampire Hotel Sion Sono 142’ | HOR
22:30 | ALD 2
Años luz Manuel Abramovich 75’ | PAN
CINE MAR Museo Mar (Av. Camet y López de Gomara)
Auditorio / Auditorium
15 h - Sólo se vive una vez, de Federico Cueva 17 h - Corralón, de Eduardo Pinto (Presentada por / Presented by Eduardo y Pablo Pinto y Luciano Cáceres)
Explanada / Esplanade
La novia del desierto, de Cecilia Atán y Valeria Pivato (Presentada por las directoras / Presented by the directors)
Las entradas gratuitas de las películas del día se retiran a partir de las 9 am en la boletería de Museo Mar. Free tickets for the films of the day can be picked up from the Mar Museum ticket office starting 9 am.