Amor ADíos Curador: Guillermo Machuca
Artistas:
Giovanni Contreras Pablo Gandarillas Vilma Olivarez Nicolas Jerez Andrea Ramirez Nicole Veas Natalie Palma Cristián Osorio
11 de noviembre al 26 de noviembre 2017
Galería Metropolitana
Amor adiós, todo junto. Guillermo Machuca I
La exposición “Amor adiós” reúne una de las últimas generaciones de la escuela de Arte y Cultura Visual de la ARCIS. En esta destacan los nombres de Giovanni Contreras, Pablo Gandarillas, Nicole Veas, Cristian Osorio, Vilma Olivares, Nicolás Jerez, Andrea Ramírez, Natalie Palma. Como representantes de una escuela de arte de vocación experimental, las operaciones visuales irían desde el arte objetual, la instalación, el ensamblaje, el video y un cierto privilegio por el imaginario neofigurativa (en pintura y escultura). Pero también por fomentar una visión crítica del arte contemporáneo. En términos de horas pedagógicas, la escuela de Arte y Cultura Visual de ARCIS, se ha caracterizado- en vísperas de su irreversible cierre- por disponer de un horario superior de ramos de orientación teórica, a diferencia de la mayoría de las escuelas de arte del país. Desde su origen incorporó materias y contenidos que incluyen la semiótica, el psicoanálisis, la crítica cultural y todos los sucesivos ismos provenientes de la reflexión teórica en el marco de la llamada globalización (feminismos, anarquismos, marginalismos, indigenismos, y toda la gama de activismos hallables en la actualidad).
II
Abierta en 1983, en plena dictadura, esta escuela acogió a numerosos artistas e intelectuales que no podían ganarse la vida ejerciendo la docencia superior en las universidades tradicionales. Citemos a algunos insignes nombres que pasaron por sus aulas durante sus primeros años: Gaspar Galaz, Nelly Richard, Justo Pastor Mellado, Diamela Eltit, Francisco Brugnoli, Virginia Errazuriz, Gracia Barrios, Carlos Donaire, los hermanos Rivera Scoot, Gustavo Poblete, Guillermo Frommer, Eugenio Dittborn, Pablo Oyarzun, por nombrar solamente a aquellos académicos que se destacaron durante los años 80 y comienzo de los 90. Luego vendrían artistas y teóricos como Carlos Pérez Villalobos, Mario Soro, Pablo Langlois, Francisco Sanfuentes, Mario Z, Sergio Rojas, Gonzalo Arqueros, Willy Thayer, Cristian Salineros, Kika Masry,Carmen Paz Castañeda, Ignacio Gumucio y quien escribe.
III
Esta consistencia a nivel visual y teórico tuvo en el alumnado una recepción variopinta en términos sociales y culturales. No hace mucho escribí un texto llamado “Escuela de abajistas”. Ahí destaqué la presencia de estudiantes - en el Arcis antes de la acreditación que venían de los estratos altos y medios de la sociedad, la mayoría acompañados de un capital cultural de excelencia. Muchos de ellos fueron, con el tiempo, profesores de la escuela. Destaco los siguientes nombres: Sebastián Preece, Lidia Marín, Catalina Gelcic, Claudia Lee, Kika Mazry, Andreas Von Gehr, Patrick Hammilton, Andrés Durán, entre los que recuerdo. Pero también había alumnos de sectores sociales periféricos. No los nombro porque, dado el cierre inminente de la universidad, no han tenido la oportunidad de ejercer la docencia. En este grupo hay muchos grafiteros, pintores reventados, expresionistas y vitalistas cuya profundidad de obra podría ser más espesa que la de muchos de aquellos surgidos de las universidades tradicionales (con sus magísteres devenidos en una producción descafeinada a nivel conceptual).
IV
Ahora la mayoría de los últimos estudiantes de arte de la Arcis, son artistas en formación que se mueven a nivel barrial, primitivos, peregrinos o nómades, cuyas obras oscilan entre el povera más precario y la lucidez experiencial de quién piensa que el arte actual es una colección de gestos decorativos, susceptibles de ser mostrados en ferias de arte contemporáneo, galerías del barrio alto o salas dependientes de multinacionales administradas por gente del Opus Dei o Legionarios de Cristo ( algunos seguramente se resistirán con el tiempo y otros tal vez se integrarán por razones de necesidad social haciendo de su vocación un producto más que circula en los espacios administrados por el sistema artístico actual).
V
En términos generales, la producción artística de la ARCIS se ha movido en todos los frentes del llamado arte neo conceptual (aunque no se trate de un conceptualismo en términos ortodoxos): en los frentes de la pintura primitiva; en los frentes del arte conceptual más reflexivo; en los frentes del arte que ha superado el localismo hasta proyectarse más allá de las fronteras geográficas nacionales. En síntesis, resume dos aspectos del arte periférico o subalterno: el de ser una alternativa política a lo oficial y el de ser un arte cuyo espesor lo hace susceptible de atravesar fronteras culturales, geográficas y políticas (un verdadero receptor de signos opacos de la periferia y de rutilantes focos que alumbran la escena del arte actual).
Amor ADiós, con mayúscula I Amor ADiòs es un extracto de una conocida canción del grupo chileno Los ángeles negros. Su contenido es ambiguo. Remite a la ruptura con el ser amado y también sugiere una cierta imagen arrabalera de la trascendencia divina. Sería una buena letra para el mundo evangélico; y también para el mundo del arte (de un arte entendido como un evangelio). II El artista judío francés Christian Boltanski dijo que todo iba a desaparecer; tal vez lo último en desaparecer seria posiblemente el arte (convertido en despojo, ruina o desastre institucional). En medio de las ruinas del caos institucional los trabajos de Giovanni Contreras, Pablo Gandarillas, Nicol veas, Cristian Osorio, Vilma Olivares, Nicolás Jerez, Andrea Ramírez, Natalie Palma. Exponen los últimos estertores estéticos del eros (de un eros agotado que dice adiós al amor). III Sin embargo, el agotamiento de los amores en el arte han sido un tema decisivo en su historia. No hay que lamentarse de la desaparición de ciertas instituciones que enseñan el arte: de la antigua Roma nos quedan sus ruinas, de la cultura Celta sus mitos y del arte contemporáneo los vestigios de un pasado que se acaba incesantemente (que nunca termina de morir). IV La mayoría de las obras actuales parecen ruinas(al menos en Chile), exceptuando otras que parecen límpidos objetos a punto de ser consumidos. La tradición artística de la Arcis, ha apostado históricamente por la primera opción. Aquí pueden destacarse las andanzas de un estudiante citadino, callejero, desclasado, mezcla entre las clases sociales ilustradas y proletas, imbuido de los efectos locales del povera internacional ( de un povera paleolítico- recolector- urbano), de una concepción de la pintura figurativa o abstracta hecha de retazos de experiencias personales, de una clase de especulación audiovisual que oscila entre los temas de la memoria política y de las tramas proyectadas por los discursos de género sexual, racial y geográfico. V Frente a la prepotente invasión de una clase de estética neo conceptualista o post minimalista descafeinada, los últimos amores artísticos de la Arcis se dejan atrapar por las fábulas y las formas más desapegadas, menos exitistas, a medio camino entre la añoranza
por el amor perdido y el deseo de explotar dicha aĂąoranza hacia un mundo que navega a la deriva.
Textos de artistas Entre objetivos, fundamentos y poĂŠticas
Erguido obsolescente, contenido lineal Las pequeñas grandes fundamentaciones
Pablo Gandarillas
1. Una vida en Puente Alto puede verse sumada en esta memoria/ como un latente rayo de luz ubicado entre el cuerpo ínfimo llamado neurona/ el darse cuenta/ estar consiente/ despertar efusivo/ los sueños/ el inconsciente/ sexualizar el espíritu/ mi muerte/ auto flagelarse/ continuo ejercicio/ La idea mínima/ la reencarnación paradigmática/ cosmovisión del gesto/ crecimiento de uñas y pelo/ Alimentarse diario/ mi obsolescencia programada/ Fenecer ideando. Vivir recordando/ Envasar y engullir mis propios lamentos/ tratar de contenerlos y sellarlos al vació/ Piero Manzoni/ La continuidad del espacio/ los años sobre los ojos y el temperamento coincide con el ser/ mis zapatos hostigados/ caer y levantarse/ la imagen diaria del vehículo/ evadir al sistema. Sentirse obligado/ El deseo y el trabajo/ el pan y té matutino/ Colapso emocional y videos de guerra. Cartel mexicano y Chechenia/ sin anclaje visible hacia la madre/ destetado. Proclamarlo nuestro y mió/ Vuestro papel y su evolución como superficie. Tubo de rayos catódicos/ dispositivo de entretenimiento/ La video grabadora, la video casetera/ los cassette/ el cable uniforme/ Aparato computacional/ disquete/ CD-Room/ USB. Bluetooth/ La Internet y el wíreless. La portabilidad informativa absoluta/ VHS/ MP3/ VCD/ DVD y el Blue-Ray. LED/ LCD/ smart TV y la superficie curva/
La imagen cotidiana/ vacía e impura/ experiencia degenerada/ malévola información insignificante en complejidad/ inmiscuyéndose como lombriz solitaria/ parálisis imaginativa/ comodidad adyacente a lo efímero. Esperanza y goce primitivo/ La barra diagonal como signo de tiempo, el trazo direccional que establece un corte, la separación del espacio representado en un gesto. El slach como símbolo de segregación y división de lo correlativo, la pausa de la secuencia lineal o la suspensión dentro del movimiento. El vació que existe entre dos conjuntos, concepto lineal interrumpido. La abreviación o cambio de paradigma en la digitación de la tecnología computacional.
2. Con la llegada de las tecnologías y la producción en serie de artefactos complacientes y cómodos, no cabe duda que comúnmente sea considerada la palabra desecho como un término concluyente dentro de un consumo y deliberadamente vulgar, bien este término es propio y natural del ser humano, ya que al alimentarse e hidratarse, adquirir nutrientes y todo lo que conlleva el proceso del beber, masticar y tragar, finalmente es excretado u orinado el elemento ingerido, en otras palabras es desechado por inútil, un proceso básico y fundamental para la supervivencia, un evento prehistórico o intuitivo, obvio y de ciclo. Dentro de esta secuencia, comer es lo principal, ya que sin energías el cuerpo se debilita, pierde funcionalidad y termina por fallecer. Se sabe que la digestión, propiamente es un acto puro del animal, como del individuo, ciudadano, poblador o consumista. Defecar produce el bienestar del organismo y también genera un vació dentro del, provocando una continuación de la búsqueda de la instancia nutritiva. Por otro lado la inanición (voluntaria e involuntaria) da por concluido el período, a su vez la muerte crea otra instancia de consumo para el humano, ya que transforma la obsolescencia del hombre en un espacio de interés para las empresas e industrias que sistematizan el funeral, manipulando y canonizando el propio rito del desecho sepultado. El sistema de oferta y demanda para la satisfacción de necesidades básicas, provoca la fabricación de nuevos implementos, materiales y objetos aun más eficientes y llamativos. La conciencia de producción en nuestros tiempos tiene directa relación con el residuo, el hombre y todo lo que rodea eso será potencialmente un material de desecho desde su origen o en su término, un ciclo material establecido y propio del producto, todo cuerpo es mutable, secretor y secular
3. Tomando en cuenta que toda acción deviene de otra, es decir conlleva a una secuela, el destete provoca un cambio dentro del paradigma del dependiente, encaminando a este organismo hacia la autosuficiencia para, transformarlo en un individuo autónomo que se desprende de los cargos familiares y lazos de época moderna. Todo ser necesita sustentarse, provocar el alimento o conseguirlo a toda costa para energizarse y poder reproducirse o en su mayor medida poseer salud, un cumplimiento de ciclo copulativo entre ser salvaje y ahora el ser adiestrado, aquel que solo por “dignarse” a trabajar, conseguirá la comida,
humano dependiente del dinero, la secuela como adquisición del producto comestible a base de la independencia lactante. Una secuela se puede definir como todo acto reaccionario natural a un movimiento, tanto celular como universal, como idea y producción, dependemos de la alimentación para nuestra supervivencia como cuerpo viviente, la resistencia de cada cuerpo en lo absoluto, es contra toda fuerza natural, en un caso físico la temporalidad y la gravedad. En toda secuela prepondera en un acto negativo, ya que se elimina en el caso alimenticio moderno un producto, su contenido, provocando un envase y que posteriormente biológicamente se desechan las heces. En consecuencia de vivir atado a la modernidad, es lamentable no prescindir que somos productores de residuos a lo largo de nuestras vidas, tanto al alimentarnos y deshacernos de los envoltorios, huesos de animal o cuescos de frutas, también como al abrigarnos o vestir la tendencia de la época, usar las zapatillas de última generación y segregar el par anterior, a su vez tiramos todos los recuerdos y memorias que no tengan algún significado trascendental en la vida, toda aquella imagen cotidiana o aun peor todo quiebre emocional o de pareja es botado cual insignificante escombro, eventualmente exonerado cuando ya no queda nada de provecho. Estamos inmersos en una sociedad adquisitiva, que no valora nada, ni la condición de cómo se ejecuto el proceso de fabricación de algún artefacto o elemento natural, menos la vida ajena en general. Obtienen mayor plusvalía objetos innecesarios para el desarrollo, aun así nos sentimos cómodos por tener agua, luz y comer de un envase, siendo que la privatización genera la obsolescencia, creando un sistema de caducidad del viviente frente a los dispositivos. Por eso en necesario quebrar su estructura y delimitar el proceso de desecho u organismo, creando una secuela a partir de su ciclo, somos seres evolucionados supuestamente, pero ridículamente establecemos como natural la sensación de insatisfacción. El quiebre notable de la sucumbida corpulencia ante la presión gravitatoria o sociedad. La carne en descomposición es adquirida y procesada por el servicio médico legal y depositada en una caja, sin suspiro alguno es sepultado bajo tierra y llorado por la nostalgia del ahora. Aquel sentimiento puro de la tristeza y la retrograda tradición no es más que una gran bacanal de mentiras y vulgaridad humana ¡claro esta! el compadre ha muerto; pero engrandecer su presencia temporal con un templo o con un castillo de mármol pulido y sudor de ángeles, es un signo de la fatal idea de inoperancia, sublevada por la vaga convicción de creerse único e irrepetible, humano creado de arcilla por la santísima divinidad ¿El cuerpo inflagelable del descendiente de Adán?¿El cuerpo que no nos pertenece? Por último la pertenencia se genera al desvinculase políticamente de su adquisición, por eso no hay nada de malo en donar los órganos, no hay nada de malo en tatuarse hasta los huesos luego de cumplir la fecha de caducidad, no hay nada de malo en exigirle a los órganos y estos mueran, no hay nada de malo en el suicidio, ni en el auto flagelo, ni auto violentarse. Somos carne y la carne se golpea, se lastima y se expone, toda materia es secular. El cuerpo es desechable al ser vaciado, ya que somos contenedores de emociones, ideas y tiempo, consumida por completo la energía celular solo queda el envase, cual envoltorio de papas fritas arrugado, frió y empujado hacia el suelo, este ya no es
indispensable, queda obsoleto e inoperante, los órganos son sustituidos por formol y aserrín, estos vuelven a contener mudo y descompuesto el cuerpo, ya no es más la tilde de la vida y esperanza. Se lo traga la categoría de lo inútil. Unión/ Quiebre/ Sustento/ Adquisición/ Secuela/ Consumo/ Choque/ Ciclo/ Quiebre/ Secuela/ Adquisición/ Consumo/ Ciclo/ Choque/ Unión/ Sustento/
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017. Envoltorios de snack Amarillos rellenos con hormigón apilados contra la pared.
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017. Envoltorios de snack Amarillos rellenos con hormigรณn apilados contra la pared (detalle).
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017. Dos paneles de acrĂlico con marco de aluminio cubiertos con nylon azul y transparente, sobre el acrĂlico van pegadas boletas de consumos previamente encoladas, aglutinadas y cortadas. En medio tubos y mangueras de distintos materiales ensamblados con huesos de ossobuco y en sus extremos retazos de sistema drenaje de agua y codo de PVC.
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017. Tubos y mangueras de distintos materiales ensamblados con huesos de ossobuco (detalle).
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017. Tubos y mangueras de distintos materiales ensamblados con huesos de ossobuco (detalle de un extremo).
Erguido obsolescente, contenido lineal, Boletas de consumos previamente encoladas, aglutinadas y cortadas sobre acrĂlico (detalle).
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017. Cilindros de papel higiénico rellenos con hormigón apilados y dispuestos en el baño de la galería con sistema de manguera y codos de PVC naranjo.
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017.Cilindros de papel higiénico rellenos con hormigón apilados y dispuestos en el baño de la galería con sistema de manguera y codos de PVC naranjo (detalle)
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017.Sistema de manguera y codos de PVC naranjo (detalle fuera del baño).
Erguido obsolescente, contenido lineal, 2017.Porotito de montaje.
REFORMA/AUSENCIA
DECLARACIÓN Cristián Osorio
Esta serie de pinturas al óleo en sus particulares formatos y dimensiones, son seleccionadas para formar parte de mi imaginario que lleva el nombre REFORMA/AUSENCIA. Relato personal que se vincula directamente a un contexto de contingencia nacional, figurando composiciones de espacios y retratos que remiten una crisis nacional educativa. La educación en chile y directamente en la universidad ARCIS, que en esta exposición de titulación AMOR ADIOS, se retrata el frontis de dicha institución en pleno ambiente insoportable de humareda represiva. Paisaje interior, algunos utensilios y retratos, presentan en su conjunto un breve crónica de un acontecer social de nuestros tiempos, en este caso traducido al medio pictórico.
Fundiciรณn Libertad. ร leo sobre tela 1,23 x 90,3
AUSENTES oleo sobre tela , sin bastidor. Montaje: pende desde cรกncamos
ALZADA Óleo sobre tela, 90 x 1,20
Bodegón Represor. Óleo sobre tela. 40 x 30
De fuego y pintura. Óleo sobre tela encolada en madera. 10 x 15
Capucha. Ă“leo sobre tela. 50 x 40
Matapaco. Ă“leo sobre madera. 25x 25
Cuerpos nostálgicos
El flash Bach reconstruido Giovanni Contreras
Al reproducir una escena cotidiana como el rito de tomar once, para así mostrar el imaginario de un momento difícil situado dentro de las falencias económicas que se pueden dar en las familias de clase medias bajas en algún instante por diferentes circunstancias. La obra nace a través de la memoria personal, la que se sitúa en un acontecimiento que marcó una parte de mi infancia, de un momento en el que no había dinero en casa para comer. Yo con mi madre en el hogar, en una tarde tomando la once, donde lo único que había eran dos panes, aceite y sal para que sintiéramos algo más de sabor, acompañado de una taza de té para cada uno, este fue un momento delicado, silencioso y angustioso que marco parte de mi vida. Este recuerdo me lleva a crear una obra tridimensional, que reflexiona desde un aspecto universal a uno particular, en este caso un momento del día, la hora de tomar la once que es algo cotidiano en que las personas se alimentan y se crean conversaciones ya sean familiares o amistosas. En este caso tomo un momento del diario vivir, para la estructuración de una obra en que introduzco una mirada íntima de un recuerdo importante que marco mi vida de forma angustiante y dolorosa, el cual al reconstruir ese momento con una puesta en escena, que hasta ahora, solo existía en mi memoria, y que es representada en esta instalación compuesta por dos esculturas una femenina y otra masculina de tamaño natural, en las cuales su aspecto es orgánico por su composición armada de bolsas de té, que recrean cuerpos como si fueran momias, quedaron detenidas en el tiempo en que se generó una metáfora visual entre el tiempo y la memoria detenida de forma material para representar ese instante poniendo los personajes alrededor de la mesa como si volviera el instante de la hora de once, pero congelado donde solo el audio esta en movimiento en el relato que brota de los parlantes. En el que se considera un ritual del final del día, donde se comparte, se juntan las familias y se cuentan cosas ya sean del día o recordar anécdotas pero en la instalación, esta misma forma de compartir y relatar crear un ambiente donde se
escuchan temas reflexivo pero al mismo tiempo angustiantes de lo que comparten por medio del audio las personas que dieron sus testimonios en este ritual del tomar once. También utilicé audios de diferentes testimonios de sujetos anónimos, los cuales compartieron un hecho de su vida personal que los marcó en el déficit económico, en que cada historia tiene acontecimientos distintos y únicos pero con el mismo factor de fondo que llevó a que éstos ocurrieran, a causa de la falencia económica. Así es como armo esta puesta en escena donde las personas interactúan con la obra con diferentes sentidos.
Cuerpos nostálgicos. Escultura de té, barniz, bolsas de té, cola fría. Medidas variables.
Cuerpos nostรกlgicos. (Detalle).
Cuerpos nostรกlgicos. (Detalle).
Cuerpos nostรกlgicos. (Detalle).
Cuerpos nostálgicos. Escultura de té, barniz, bolsas de té, cola fría. Medidas variables.
¿Héroes, víctimas, rufianes o cómplices? El tren de la Salud
Vilma Olivares Cayul
La construcción de mis obras basadas en la memoria, siempre está desarrollada desde un punto de vista que me identifica, desde mi origen mapuche, como activista política, como exiliada-migrante, desde la problemática de género y la responsabilidad de trabajar en salud mental, todo plasmado en la desigualdad social y en la crítica de la sociedad. De esta porfiada y errática memoria llena de identidad unas que nos reflejan y otras que subyacen invisibilidades nace este nuevo proyecto, en el cual a través de distintos relatos pretendo querer evocar hechos históricos, hoy a través de una propuesta artística. Este trabajo que pretendo desarrollar a través de la técnica del collage, son distintas miradas de sus protagonistas, para mí un encuentro con la memoria lleno de emotividades, unos desde la rabia, el miedo profundo, las nostalgias y de los acontecimientos anecdóticos, pero principalmente de compartir experiencias de vida a las nuevas generaciones, transmitiendo historias como lo hacían mis antepasados. Desde ahí se construyen mis nuevos proyectos“¿héroes, víctimas, rufianes o cómplices?”, dándoles ese tono irónico o sarcástico con esa mirada crítica que me permite reconocer aciertos y errores a través del tiempo, y un segundo vídeo El tren de la salud es un hito de la historia de la salud en Chile en los años 70, haciendo que estos videos documentales se convierta instrumento reflexivo.
¿Héroes, víctimas, rufianes o cómplices? El tren de la Salud. 2 vídeos instalación, estructura metálica, 3 tv de 21”,3 reproductores DVD y 3 DVD. 50 x 90 x 180 cm.
¿Héroes, víctimas, rufianes o cómplices? El tren de la Salud. (Detalle)
Isla paraíso Jugando Nicolás Jerez
Jugando a inventar, si nos ponemos en el supuesto de que todas nuestras acciones, modo de vida, decisiones en pleno uso de libertad son consecuencia de una cadena, de una corriente del pensamiento que nos define en apariencia y acción desde nuestro nacimiento y muerte, trascendiendo décadas, podríamos encontrarnos de frente con un paradigma totalitario omnipresente y paternal, una continua escalera que sin importar hacia donde avance nos guía y presenta dos caras, avanzando sobre ella el triunfo a la luz y bajo ella, sin que las visitas sepan, fracasos escondidos. Superficialmente, acaso estos triunfos y fracasos definidos por esta cadena de herencia serian correctos o solo reales? ¿La violencia en una de estas caras nos definiría como orgullosos o fracasados? ¿Peor es mascar laucha o se hace camino al andar?
En este juego el triunfo a la luz es una buena máscara para sobrevivir a la realidad como una morada, de la cual seremos participes a través de sus reglas y secretas pillerías para corromperla, acá encontraríamos el progreso, la evolución la historia que no es tirada a la hoguera, las pretensiones, las reglas y el supositorio moral. La moneda tiene dos caras y la cruz de la máscara aparecería como un secreto, algo oculto, el incumplimiento de la ley, de la norma, la moralidad, el deseo sexual expulsado ajeno a reglas y no definido rutinario por ellas. Coqueterías sediciosas sería un buen sistema que mantiene la esencia y permite comunicación, un tesoro pirata que seduce y promete un camino más amplio. Funcionando en la cara visible de esta rutina de éxito se encontraría la indiferencia, buscando éxito individual sobre todo y como consecuencia abusando de recursos humanos y materiales, en este caso la plata se convierte en el centro de este asunto, una película más del genero explotación, el abusivo camino que lleva desearla y a la vez el desprecio hacia quien no la posee, eso nos llevaría a un tipo de clasificación binaria dentro de estas reglas dependiendo del valor de quien usa la máscara o no.
Si este juego fuera así, y una obra de arte existiera en este lugar, podríamos jugar y definirla como una idea y sentir que toma vida en un objeto y experiencia, acaso debería narrar en su sentido más básico lo obvio, querer ser tratada como un par, como otro cuerpo atrapado en esta continua cadena de máscaras, o en su otro caso a revelar la libertad corrompida que se esconde bajo las patrañas que pretendemos ser o no ¿acaso no son lo mismo?, Podría ser que esta mascara se ha roto varias veces pero se sigue usando mientras la persistencia y el orgullo la mantienen unida, algo grita susurros que se oyen a sátira por ahí.
Isla paraíso. Lápiz bic, tinta china, plumón sobre crea cruda.1.70cm x 2.30
Isla paraĂso. (Detalle)
Isla paraĂso. (Detalle)
Peste Objetos, identidades y segregaciones
Natalie Palma
Como línea de trabajo he permanecido durante este proceso involucrada con las pertenencias ajenas de ciertos personajes que he determinado para mis propuestas visuales, esencialmente me interesa el material biográfico inspirado en las conversaciones que he establecido con cada uno, para luego aplicar el ejercicio de confidencia que consiste en el préstamo de objetos concedidos por el participante, siempre considerando un tiempo óptimo para la reflexión y selección de cada material. La recolección de objetos me ha permitido la representación del individuo apartando su apariencia corporal, ya que estos adquieren representar visualmente al sujeto convirtiéndolos en un archivo conteniendo la intimidad de un momento real y a la vez se identifica en la colectividad relativa que nos traslada a un determinado contexto. Desde la definición de pertenencia esta reflexión parte corporalmente desde un territorio cultural, en mi propuesta final del proceso artístico decidí indagar en los límites que se crean a través de la fusión entre razas, la escena de migración dentro de la Región Metropolitana es lo que he determinado peste como una expansión de la población de formas positivas o negativas este límite es mi manera puntual de ensamblar las situaciones con el termino insistente de segregación, de lo que implica la acción de separar. Naturalmente esta consecuencia se genera a menudo desde las diferencias estéticas por la variedad de rasgos exóticos característicos como la piel oscura, por otro lado es indispensable el intercambio cultural que permite una comunicación más amplia como el empleo de modismos en el lenguaje o las costumbres que se hacen visibles al momento de interactuar en cualquier situación, considerando el posible mestizaje. Como enfoque principal de la inserción de la peste en esta propuesta el área de trabajo es la fuente primordial de ingreso necesarias que generan las oportunidades laborales que brinda el país, las situaciones socioeconómicas de cada contexto desataron diferentes propósitos en donde
ellos se encuentran aquí mentalizados poniendo el hombro para adaptarse en Chile con la proyección de la llamada tierra prometida para construir un futuro mejor. Siguiendo mi metodología de producción visual me he acercado a diferentes personas extranjeras para originar una conversación, que a veces ha resultado espontanea, en cambio a otros les he tenido que explicar la propuesta detenidamente en el caso de los Haitianos implica encontrar a uno que maneje el español, a través de contactos he tenido la suerte de conseguirlo. De esta manera he recorrido diferentes lugares observando puntos de encuentro común particularmente el área de trabajo, paralelamente me encuentro en la misma situación de ser trabajadora part time en horario mall compartiendo el mismo flujo de público. En lapsus pequeños he podido dirigirme al sector de los baños públicos como uno de los lugares que concurre el personal para conseguir algo de información, resultando bastante complejo ya que se produce la interrupción de su rutina, ya que tiene que estar pendiente de asistir a las necesidades del cliente, que no esté mojado el lavamanos, sacar la basura que queda fuera de los contenedores para un baño presentable para los próximos usuarios. La primera impresión es extraña y tal vez un poco desentendida pero en el momento que la conversación se va ampliando me han quedado diferentes vivencias, desde el ingreso al nuevo territorio y de cómo van surgiendo datos o contactos para conseguir primero que todo un techo y de la mano un aviso inmediato para obtener trabajo. El pertenecer en un país como migrante me interiorizo en localizar la sustentabilidad económica para buscar diferentes contrastes en los límites de segregación social, evidencia que se materializa en el minuto de plantear con qué objeto se identifican que puede enfocarse en la inspiración de un relato del pasado o simplemente su presente, después de poner atención a cada detalle se completa la empatía para la petición de un objeto simbólico, la mayoría me entrego herramientas de trabajo, las cuales se archivan como ejercicio fundamental de mi línea de trabajo. Para recopilar el material me he apoyado en la grabación de audios que integran interesantes relatos de diferentes experiencias fascinantes y duras que marcan el destino al ingresar en el país, de cierta manera del giro que ha volcado sus vidas como una acción de sobrevivencia y lucha por el sueño propio.
Peste. Objetos recolectados.2, 50cm x 2,50cm x 2,50cm
Peste. (Detalle)
Peste. (Detalle)
Peste. (Detalle)
Panóptica La transportación de la visualidad Andrea Ramírez
“Panóptica se presenta como una posibilidad de recuperación y resignificación del trabajo artístico e investigativo realizado con una intención comunitaria, un proyecto informal que a través de lo virtual y lo real busca generar encuentros y enfrentamientos entre diversas posibilidades de visualidad y escritura encontradas en el cotidiano e invisibilidades por un fetichismo mercantil orientado al exitismo mediático, siendo este el imaginario elegido por “Panóptica” y en el cual recolecta sus retazos y personajes que son un real punto de fuga huérfano del interés más media contemporáneo”. (Máximo Caín) Panoptika es una revista digital colaborativa que reúne collage –video – texto - audio y fotografía, por medio, de publicaciones colectivas que son impulsada por registros de video y audio que realizo de mí entorno, en los cuales, voy descubriendo formas de relaciones locales donde se cruzan signos naturalizados que encierran un grado de resistencia política en la simplicidad y cotidianeidad de las relaciones humanas. Resistencia que surge cuando te detienes a escuchar y dialogar. En donde el habla se instala como un mito que se resiste a las formas establecidas del conocimiento y la estética. El formato web responde a la dificultad de ubicarse en un espacio para la comunicación. Estos registros pueden ser considerados un documento que esta intervenido por el creador de la página, sin embargo, es un documento que evidencia su propia mirada subjetiva planteando siempre una desconfianza sobre ellas. Imágenes de lugares y actividades que se unen a un audio de conversación que tampoco presenta una estructura o un argumento determinado, pero que es registrada en el mismo lugar y con los mismos actores presentes de las imágenes. Ambos materiales son del mismo momento, pero son registrados en diferentes circunstancias haciendo evidente el montaje y la presencia de un ojo detrás de cada registro. Las fotografías que dan origen a la figura de panóptika son ambiguas en el sentido de su origen desde el mito y el juego en donde hace de mediadora (como el culto chamanico) para hablar de una herida y el cuchillo que la origino. El vínculo inseparable del ciclo de la vida y la muerte imposible de ser representación como memoria del dolor y que solo se puede resignificar por medio de la invención de una figura icónica.
Los antepasados que nunca fueron capturados por el medio fotográfico son el mito presencial del miedo de pertenencia. La imposibilidad de reconocer una narrativa histórica y un sentido de pertenencia justifica crear mis propios ídolos e imágenes de culto que figuran dentro de un tiempo ausente.
Las formas de operar siempre están sujetas a las condiciones materiales y locales presentes. El sitio web se justifica en su forma de democratizar el imaginario colectivo y popularbajo parámetros establecidos por el mercado. Los medios digitales y la web, la democratización y lo consumible nos acercan a un escenario apocalíptico de pastiches ilimitados que nos hace sentido como forma de producción actual. Paralelamente en la ciudad de Santiago de Chile se va ampliando la gama tonal de pieles, nuevas formas y contenidos se filtran en prácticas y poética para sostener una frágil identidad. Es en esta pantalla de gamas tonales ampliadas como soporte y mediador de una forma de producción que es publicada por la red indeterminadamente. “Panoptika” se presenta como mediadora, como el icono, la figura, el ídolo de un mito ausente, profano, más bien pagana en el sentido de aquel significante que es vaciado de su significado para ser nuevamente resignificado. “Panóptika” es la alegoría de la figura mítica, que lo ve todo, pero se ausenta de contenido histórico muy de estos tiempos.
Panรณptica. Afiche sitio web, impreso en lรกser. 100cm x 70cm
Panรณptica.
Así sea No nos marchitaremos Nicole Veas
Así sea consta de dos retratos, uno de Jocelyn Wildenstein y otro de Jackie Stallone, ambas celebridades son reconocidas por el exceso de cirugías plásticas en sus rostros. Las fotografías de estos personajes fueron encontradas en internet y luego recortadas para rescatar los rostros y lograr un acercamiento intimo con éstos, los soportes sobre los que pinto son una plancha blanca de madera aglomerada y una plancha de acero oxidada, ambas recogidas de la basura, los retratos fueron pintados con acuarela sobre estos soportes sin ningún tipo de modificación ni preparación previa. Así sea es el significado que en español se la da a la palabra amén, usada por el judaísmo, el cristianismo y el islam a modo de afirmar y confirmar la fe ante Dios y su obra. En así sea, relaciono la necesidad de vencer la muerte y el anhelo de eternidad que gobierna al hombre desde que cobra consciencia de su condición perecible, pinto a estos personajes que, identificándose de manera compulsiva con la apariencia externa de un cuerpo destinado biológicamente a oxidarse y descomponerse, hacen visible el anhelo humano de tener algún tipo de control ante su propia existencia y el inminente final que contempla el ciclo natural de la vida, con el signo de rescatar cuerpos antes desechados y corroídos y usarlos como soporte para mis pinturas, fundando, mediante la pintura, un orden capaz de darle al desecho una nueva vida, convirtiéndolo en una obra de arte que, como cualquier otra obra, anhela también un espacio en lo eterno, intenta esquivar el olvido. Formarme en una escuela en fase terminal, con las condiciones más precarias, ha enriquecido mi mirada hacia lo que está disponible en el lugar y en el momento, aprendí, tal como mis compañeros, a salvarme con los mínimos recursos. Continuar en este camino bajo nuestro contexto es algo que contemplo como un acto de fe innegable.
AsĂ sea. Retrato de Jackie Stone y Joselyn Wildestein, acuarela sobre plancha de acero oxidado, madera aglomerada. 129cm x 91cm, 141cm x 81cm
AsĂ sea. Retrato de Jackie Stone. Acuarela sobre plancha de acero oxidado. 129cm x 91cm
AsĂ sea. Joselyn Wildestein. Madera aglomerada. 141cm x 81cm
Agradecimientos
A Luis Alarcón y Ana maría Saavedra de Galería Metropolitana por tomarnos en cuenta para realizar esta importante exposición. A Mario Soro Vásquez y Claudio Guerrero Urquiza por su paciencia y compromiso para llevar a cabo este proceso que ha culminado de la mejor manera. A Guillermo Machuca por ser parte de este proceso, realizando la curatoria de la exposición, como los textos para el catálogo simplemente gracias.
Galería Metropolitana Directores: Luis Alarcón, Ana María Saavedra
Fotografías Obras: Giovanni Contreras Ash Aravena Pablo Gandarillas Curador: Guillermo Machuca Textos catálogo: Guillermo Machuca Giovanni Contreras Pablo Gandarillas Vilma Olivarez Nicolas Jerez Andrea Ramirez Nicole Veas Natalie Palma Cristián Osorio
Diseño de catálogo: Giovanni Contreras