샤넬 화인 주얼리에서 대담한 기술력과 독창적이고 자유로운 아이디어의 결합이라는 창의적 표현이 담긴 55.55 네크리스를 탄생시켰습니다.
이 네크리스는 N°5 향수병의 모든 코드를 재현한 디자인으로, 55.55캐럿이라는 인상적인 무게로 커팅 된 다이아몬드가 가운데 위치하며 700여 개의 다이아몬드가 주위를 감싸고 있습니다.
그 아이디어를 담아낼 수 있는 완벽한 다이아몬드 원석을 탐색하는 일. 더 크고 무거운 원석을 찾기보다 완벽한 퀄리티의 스톤을 찾는 것, 그 누구도 시도하지 않았던 접근법 입니다.
이 특별한 작품은 이제 샤넬 하우스의 유산 속에 남아 우리에게 다시금 확인 시킵니다.
샤넬의 창작물은 영원하다는 것을.
A RESEARCH PROJECT IN 100 QUESTIONS
PARTICIPANT: Russell Tovey, Actor/Writer/Curator
WEARING: 002F9_Suede Sheepskin Stone Island Ghost Piece
LOCATION: London, 51.5072*N 0.1276*W
QUESTION 03 OF 100 ARE THERE ANY QUOTES YOU LIVE BY? NEVER APOLOGISE FOR ENTHUSIASM.
QUESTION 05 OF 100 WHO OR WHAT ELSE WOULD YOU HAVE LIKED TO BE?
I'D RUN AN ART INSTITUTION.
QUESTION 42 OF 100 WHICH BUILDING WOULD YOU LIKE TO LIVE IN? THE TATE MODERN.
QUESTION 45 OF 100 WOULD YOU RATHER RISE EARLY OR STAY UP LATE? OR BOTH? RISE EARLY AND STAY UP LATE.
QUESTION 51 OF 100 WHAT’S SOMETHING YOU RECENTLY DISCOVERED ABOUT YOURSELF? I ENJOY MY OWN COMPANY.
QUESTION 61 OF 100 DO YOU HAVE A FAVOURITE TEXTILE? DRILL AND CARGO.
QUESTION 63 OF 100 WOULD YOU GO INTO SPACE IF GIVEN THE OPPORTUNITY?
HELL NO.
QUESTION 71 OF 100 WHAT IS ON YOUR WALLS AT HOME? PRETTY PREDICTABLE. IT’S A LOT OF ART.
QUESTION 88 OF 100 WHO OR WHAT DO YOU TURN TO IN A CRISIS?
I RUN MOST GROWN-UP STUFF VIA MY DAD.
QUESTION 91 OF 100 DESCRIBE A SMELL YOU WOULD RECOGNISE WITH YOUR EYES CLOSED. MY DOG.
Original research commissioned by:
A RESEARCH PROJECT IN 100 QUESTIONS
PARTICIPANT: Peggy Gou, DJ/Producer
WEARING: 40123_Crinkle Reps R-NY
LOCATION: Seoul, 37.5519*N 126.9918*E
QUESTION 03 OF 100
ARE THERE ANY QUOTES YOU LIVE BY? IF YOU DON’T ASK, YOU DON’T GET.
QUESTION 27 OF 100
WHAT ARE YOU GROWING?
THE 1D ANSWER WOULD BE HAIR AND NAILS. THE 3D ONE WOULD BE COMMUNITY. THE 4D, MYSELF.
QUESTION 39 OF 100
WHAT ADVICE WOULD YOU GIVE YOUR YOUNGER SELF?
DON’T TAKE RUBBISH FROM OTHER PEOPLE.
QUESTION 51 OF 100
WHAT’S SOMETHING YOU RECENTLY DISCOVERED ABOUT YOURSELF?
I’M VERY IMPATIENT, BUT THAT’S ACTUALLY SOMETHING I’VE KNOWN FOR A VERY LONG TIME.
QUESTION 55 OF 100 WHO IS THE SMARTEST PERSON YOU KNOW?
MY MUM. SHE’S THE WISEST WOMAN I KNOW.
QUESTION 69 OF 100
WHAT HAVE YOU LEARNED FROM YOUR FRIENDS?
DON’T GIVE THEM MORE THAN THREE DRINKS.
QUESTION 77 OF 100
WHAT’S YOUR GO-TO SUBJECT WHEN MAKING SMALL TALK?
I USUALLY START WITH COMPLIMENTS.
QUESTION 80 OF 100
WHAT ARE YOU GRATEFUL FOR? MY WORK ETHIC.
QUESTION 89 OF 100
WHAT IS THE MOST ATTRACTIVE QUALITY IN A PARTNER?
IF YOU MAKE ME LAUGH, I’M YOURS.
Original research commissioned by:
김희천 스터디
메종 에르메스 도산 파크 지하1층 서울특별시 강남구 도산대로45길 7
02 3015 3248
MAISON HERMÈS DOSAN PARK B1F
7, Dosan-daero 45-gil, Gangnam-gu, Seoul, Korea
+82 2 3015 3248
Frieze Seoul 2024 coincides with the internationally renowned Gwangju and Busan Biennales and, in the coming weeks, Korean artists take center stage from London to New York to São Paulo. This feels like a significant moment in the conversation between Korea and the global art world. We aim in this issue to reflect that dialogue as well as we can. As they say, “A good word spoken goes well, and a good word heard is beautiful.”
올해 프리즈 서울은 세계적인 명성을
자랑하는 광주비엔날레, 부산비엔날레와
동시에 개최되어 그 의의를 더욱 깊이 합니다. 그리고 이어지는 몇 주 간 한국 작가들은 런던, 뉴욕, 상파울루를 포함한 국제 무대의 중심에 서게 됩니다.
이처럼 한국 미술이 세계 미술계와 소통하는 중요한 전환점을 맞이하면서, 이번 호에서는 그 뜻깊은 예술적 교류의 순간들을 기록하고자 했습니다. “좋은
말은 듣는 이에게도 아름답고, 말하는
이에게도 아름답다”라는 말처럼, 올 가을 미술이 만들어내는 아름다운 대화에 독자
여러분을 초대합니다.
Matthew McLean, Editor, Frieze Week 매튜 맥클린, 에디터, 『프리즈 위크』
12
Let’s Go
Pat Lee talks to Je Yun Moon 14
Loving the Alien The strange beauty of Mire Lee
18
Planet of Sound
Nicolas Bourriaud’s Gwangju Biennale
50 On View
Major exhibitions across Seoul
68
Two by Two
A close read of Kang Seung Lee
12
Let’s Go 패트릭 리 디렉터와 문지윤 큐레이터의
Loving the Alien 기이한 아름다움을 지닌 이미래의 작업 세계 18
Planet of Sound 니콜라 부리오의 광주비엔날레
50
On View
서울 전역에 걸쳐 개최하는 주요 전시
68
Two by Two 이강승 작가의 작품에 대한 고찰
Frieze Seoul director Pat Lee talks to Je Yun Moon, curator of the fair’s new LIVE program, about the vitality of performance art and highlights of the week.
프리즈 서울의 패트릭 리 (Pat Lee) 디렉터와 첫 프리즈 라이브 (Frieze LIVE) 프로그램을 기획한 문지윤 큐레이터가 만나 ,
퍼포먼스 아트가 지닌 역동성과
LET’S GO
At Tate Modern’s Turbine Hall next month, rising star Mire Lee approaches her most epic installation to date. Johanna Hedva considers the meaning of the artist’s visceral practice. 국제 미술계에서 주목 받고 있는 이미래 작가의 가장 야심 찬 설치 작품이 다음 달 런던 테이트 모던의 터바인 홀 ( Turbine Hall at Tate Modern) 에서 공개될 예정이다 끈적이고 질척이는 내장 같은 그녀의 작업 속 의미를 요한나 헤드바 (Johanna Hedva) 작가가 들춰본다
LOVING THE ALIEN
Dream last night: A small, round, silver thing has sprouted in my face. It’s the size and shape of a single tine of a fork, below my right eye. It looks like it’s made of metal, but as I pull on it, it lengthens and goes soft and wide and becomes like an octopus tentacle without suction cups. I pull and pull and it keeps coming out of my face. In the dream I am horrified and fascinated as it unscrolls, stretchy and pearlescent, down to my belly button. Then I wake abruptly. My hand moves up to touch my cheek, instinc t ively, and there is disappointment that I find it, in real life, to be smooth. I had this dream while researching Mire Lee’s work. I was really into her blog, which has images of anime porn, amp utees and what I think is a cooked pig’s foot squashed against a grill rack. Lee makes kinetic sculpture k ind of animat ronic machines a nd installations that
move, churn, drip, squirt and wobble. The materials include pumps, motors and PVC hoses filled with grease, glycerin, silicone, slip and oil. Although all are animated, some have had their movements arrested. Made of epoxy, silicone or clay that’s hardened onto fabrics and hung from the wall or ceiling, they look like flayed skins, hides, entrails. It has been noted that Lee’s work smells. Watching the ones that move feels like watching sad machines, limping little things (even if they are room-sized) trying to prove themselves. There’s a cute pathetic-ness. There are the obvious art-historical references: Eva Hesse, Louise Bourgeois, Tim Hawkinson; and I also think of Senga Nengudi and Rebecca Horn, artists who take over rooms and make them into worlds. Movies like Mamoru Oshii’s Ghost in the Shell (1995), Shinya Tsukamoto’s Tetsuo: The Iron Man (1989)
photograph: Sang-tae Kim
어젯밤의 꿈: 작고, 둥근 은색의 무언가가 내 얼굴에 돋아났다 크기와 모양은 작은 포크 한 개 만한 그것이, 내 오른 눈 밑에 서 메탈릭 소재처럼 보이는 그것을 잡아
당기자 빨판 없는 문어의 촉수처럼 부드
럽고 넓게 늘어났다 잡아당길수록 그것은
계속 내 얼굴로부터 나오기 시작했고, 꿈
속의 나는 탄력적이고 진주 빛깔을 띄는 그것이 내 배꼽까지 늘어지는 것을 보며 공포에 질림과 동시에 매료되었다 그리고
나는 불현듯 잠에서 깼다 본능적으로 나
는 손을 들어 뺨을 만져보았고, 현실에선
말끔함을 깨닫고 실망감이 들었다 나는 이미래의 작업을 리서치하던 시
기에 이 꿈을 꾸었다 당시 그녀의 블로그
에 빠져있었는데, 그곳엔 애니메이션 포르
노, 절단된 신체들과, 내가 추측하기론 그 릴에 짓눌린 돼지의 발 같아 보이는 이미 지들이
Above Mire Lee. Courtesy: the artist and Tina Kim Gallery, New York; photograph: Melissa Schriek
Right, above “Mire Lee: Black Sun,” 2023. Courtesy: the artist and New Museum, New York; photograph: Dario Lasa
Right, below Mire Lee, Look, I’m a fountain of filth raving mad with love 2022. Courtesy: the artist and Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; photograph: Axel Schneider
and David Cronenberg’s body horror make an atmosphere. Even if I didn’t know about the two-person exhibition of Lee’s work with that of H.R. Giger (at the Schinkel Pavilion in Berlin in 2021–22), I already found myself in the scene in James Cameron’s Aliens (1986) where the crew finds the lair of eggs, and then look up in terror to see that the queen alien’s glowing, semi-translucent ovipositor, a huge tube like an air-conditioning duct, is producing dozens more.
Lee has said she wants her pieces to fail and collapse, to be crude and wild, as a sort of metaphor for how emotions can be too much. Her bio on Tina Kim Gallery’s website begins, “Mire Lee is known to create kinetic sculptural installations that appear shabby, ridiculous and precarious.” What strikes me about this statement is trying to think of kinetic sculptural installations that are not that. Suddenly, I am aware of how artificial and forced such work feels when it assumes control and elegance, its materials crafted and sheened; I can only see the labor and production costs, the engineering wizardry, the brute strength of alchemizing raw stuff into polished forms.
In an interview with frieze in 2022, Lee said that sculpture is stupid: “I’ve always loved the rigidity, or stupidity as I like to think of it, of sculpture as a medium t here’s so much of it that’s hard to alter.” I love a sculptor saying that sculpture is stupid. I wonder about the relationship between stupidity and beauty. Is it stronger than the relationship between stupidity and ugliness? What I mean is, Lee’s work produces something grotesque, monstrous and uncanny because it relies on, stands on top of, a dominant mode of normative beauty. Would we see the ugliness if we did not see it next to an ideal that is pure, clean, smooth and functional? When will we get out from under this binary of beautiful/ugly?
Lee’s work evokes bodies not “the body,” but bodies plural: there’s the feeling of cancerous growth, obscene proliferation, infestation. I know I should say something here about abjection, that Julia Kristeva should appear. (After all, Lee’s exhibition at the New Museum in New York in 2023 was titled “Black Sun,” after Kristeva’s 1987 book.) But what strikes me most is that the squish and ick and bulbous feel of Lee’s work is grounded in a practical materialism that insists on the disgusting-ness of bodies as an ontology. Rather than abjection, it simply suggests a default position. What else is a body if not gross? Is that a radical thought? For me, it’s a no-brainer: that we know it’s a body because of how repulsive it is t he leaks, stinks, telos toward decay. All the writing on Lee’s work that I’ve read lingers on the element of the grotesque, but for me, I can only see the beautiful ghost that animates it. Isn’t the ghost of beauty beauty itself?
이 마모루(Mamoru Oshii)의 《공각기동대 (Ghost in the Shell )》(1995), 츠카모토 신야 (Shinya Tsukamoto)의 《철남》(1989)과 같 은 영화들과 데이비드 크로넨버그(David Cronenberg)의 바디 호러 필름들의 분위 기 이미래 작가와 H.R. 기거(H.R. Giger)
의 베를린 쉰켈 파빌리온에서 개최된 2인
전을 몰랐지만, 나는 이미 제임스 카메론 (James Cameron)의 《에일리언(Aliens)》 (1986)의 한 장면 속으로 뛰어들어 가고
있었다 선원들이 알의 둥지를 발견하고,
공포에 떨며 위로 올려다보는 장면이었
다 거대하고 빛나는 반투명의 생식관, 마
치 공조 덕트처럼 거대한 튜브로부터 여
왕 에일리언이 무수히 많은 알을 산란하
고 있었다
작가는 자신의 작품들이 실패하고 붕
괴되기를 원한다고 말한다 조잡하고 야
만스러워야 한다고, 마치 초과한 감정들
이 그렇듯이 말이다 티나 킴(Tina Kim)
갤러리 웹사이트에 올라온 이미래의 소개
는 이렇게 시작된다. “이미래는 허름하고
우스꽝스럽고 취약해 보이는 키네틱 설치
조각을 만든다.” 이 문장이 인상적으로 느
껴지는 것은, 그 설명에 부합하지 않은 키
네틱 조각물을 떠올려 보려고 할 때이다
문득 나는 이러한 작업들이 통제와 우아
함을 가정할 때 얼마나 인공적이고 강제
적으로 느껴질 수 있는지 깨닫는다 그것
들의 광택 나도록 다듬어진 구성물로부터
내겐 단지 노동력과 제작비가 보인다 원
료를 깔끔한 형태로 변형시키는 과정으로
서의 공학적 마술과 원시적인 힘을 볼 뿐
이란 말이다
이미래는 2022년에 프리즈(frieze) 매
거진과의 인터뷰에서, 조각이 어리석다고
말했다. “저는 항상 조각이라는 매체가 가
진 완고함, 또 그 어리석음을 좋아했습니
다. 변형하기 어려운 부분이 많죠.” 나는
조각가가 조각이 어리석다고 말하는 것
이 좋다 어리석음과 아름다움 사이의 관
계에 대해 사유한다 그게 어리석음과 추
악함 사이의 관계보다 강력한가? 이미래
는 뭔가 특이하고 기괴하며 기묘한 것을
만들어낸다 왜냐하면 그것은 규범적 아
름다움의 지배적인 양식에 기대기 때문이
다 만약 순수하고 깨끗하며, 매끄럽고, 기
능적인 이상 옆에 병치되지 않고서야 우
리는 추악함을 볼 수 있을까? 우리는 언제
야 아름다움과 추악함의 이진법에서 벗어
날 수 있을까?
이미래의 작품은 다양한 몸들의 형상
을 떠올리게 한다. ‘몸’이 아니라 ‘다수의 몸
들’을 일컫는다: 이 작품들은 종양과 같은
성장력, 추잡한 번식력과, 감염 등의 감상
을 촉발한다 여기서 물러나야 할 ‘거부감’
에 대해 언급해야 할 필요성을 느끼며, 율
리아 크리스테바(Julia Kristeva)의 아브젝
시옹(abjection) 개념이 등장할 수밖에 없
다. (이미래 작가의 2023년 뉴욕 뉴 뮤지
엄(New Museum)의 전시 제목은 크리스
테바의 1987년 책 『블랙 썬(Black Sun)』에
서 착안했다.) 그의 작업에서 느껴지는 점
액질의, 끈적거리며 불룩한 모습들은 실
용적 물질주의에 근거해, 몸체의 혐오성
을 존재론으로 인식하려는 시도이다 추방
대신, 그것은 단순한 디폴트 상태로서 선
취한다 몸이 역겹지 않고서야 무엇이겠는
가? 극단적인 발상일까? 나에게는 그렇지
않다 몸이 주는 역겨움으로 우리는 몸의
본질을 이해할 수 있기 때문이다 누수,
“Hyundai Commission:
Elizabeth Peyton
daystar hakuro
David Zwirner
Ryosokuin Temple, Kyoto September 8–24, 2024
Inspired by the Korean musical tradition of pansori, the artistic director of this year’s Gwangju Biennale, Nicolas Bourriaud, is exploring metaphors of sound to locate our present. Colin Siyuan Chinnery tunes in.
올해 광주 비엔날레의 예술감독인 니콜라 부리오 (Nicolas Bourriaud) 는 한국 전통 가극문화 판소리의 양식을 차용한다 소리의 은유적 가능성을 통해 현재를 논의하는 그의 기획 방향에 콜린 시유안 친너리 (Colin Siyuan Chinnery) 가 귀를 기울인다
PLANET OF SOUND
COLIN SIYUAN CHINNERY
Taking pansori, a Korean form of music and storytelling, as a soundscape of the 21st century is a unique way of approaching an exhibition. How did you come up with the idea?
NICOLAS BOURRIAUD
I began with vernacular elements of Korean culture I w anted to start with something that could be located. That’s how I discovered pansori, this minimalistic, operatic musical form, which appeared at the end of the 17th century and originally accompanied shamanistic rituals. It’s linked to very specific places in the south of Korea, but it also has to do with the shamanistic ambition of entering non-human spaces. It was an interesting metaphor for me to start with.
I wanted to show how artists in the 21st century are completely re-envisioning the notion of space, and that sound is very much used to define space. So I had the core elements for an exhibition that would be quite operatic. I identified three main sounds that correspond to space. The first being feedback, or the “Larsen effect.” It’s the sound produced when two emitters are too close to each other. It expresses saturation t he lack of space. The first part of the exhibition is about saturation, about the hyper-densification of space and about the difficulty to find your own space in society, both physically and mentally.
The second sound is polyphony. This interests me as a metaphor for the intertwining of realms, and the way some artists are integrating non-human spheres into their work and organizing a kind of polyphonic vision of the world, which is not only theirs but includes the other.
The third sound corresponds to those artists looking for what the French philosopher Tristan Garcia calls the great “outdoor” or way out. Because of the saturated space we’re living in, because the planet is shrinking, they are either looking for the infinitely small or the infinitely huge.
So this operatic exhibition starts with a sound piece by Emeka Ogboh made in the streets and marketplaces of Lagos, Nigeria. When you enter the exhibition, you have the impression of being in a very urban-saturated space.
CSC I n Korea, shamanistic practices are associated with the idea of healing. So, there’s a connection between pansori and healing. Polyphony is a metaphor for coexistence and the necessity of dissonance. Feedback can be thought of as the destructive echo chamber created by social media.
NB E xactly: an echo chamber. That’s the idea for the first floor. Another image is the loop, one of the most prominent forms in today’s world, at every level of economics, politics and aesthetics. Obviously, we have to get out of all the loops that we have installed.
I never make a show as an illustration of a statement or an idea, but I’m trying for an almost musical type of curating here. It’s like an opera I ’m writing the libretto and then the artists are the singers. The coexistence of their works in the same space or along a defined route is how meaning is created, through dialogues. I want to confront my own theories with the way artists are envisioning the questions I’m exploring.
CSC We relate to sound in a very different way to images: it’s more primordial
콜린 시위안 치너리
(COLIN SIYUAN CHINNERY)
음악과 스토리텔링이 접목된 한국적 양 식인 판소리를 21세기의 사운드스케이프 (soundscape)로 소환하는 참신한 접근법 을 채택하셨습니다 기획 방향을 도출한 과정이 궁금합니다
니콜라 부리오 (NICOLAS BOURRIAUD)
한국 문화의 토착적 요소로 시작했습니다
장소 특정적인 것으로부터 출발하고 싶었
습니다. 그렇게 판소리를 발견하게 되었 습니다 이 간결하고 오페라적인 음악 형
식은 17세기 말에 등장했고, 무속적 의식 을 배경으로 유래되었습니다 판소리는 한 국 남부의 특정 지역들과, 무속적 포부가 다다르고자 하는 비( 非)인간의 영역과도 관련이 깊습니다 이는 담론을 시작하기 에 아주 흥미로운 상징이 되어주었습니다
관점까지 반영한 다선율의 비전이기 때문 입니다 세 번째 소리는 프랑스 철학자 트 리스탕 가르시아(Tristan Garcia)가 광활 한 “외부 세계(outdoor)”라고 표현한 것, 혹은 그것으로부터의 탈출구를 모색하는 예술가들에게 해당합니다 우리가 사는 공 간은 더욱 포화 상태에 다다르고, 지구는 계속 축소되기 때문에 무한히 극소하거나 무한히 광대한 세계를 찾아 나섭니다 그렇게 이 오페라적인 전시는 나이지 리아 라고스의 거리와 시장에서 만들어진 에메카 오그보(Emeka Ogboh)의 사운드 작업으로 시작합니다 전시장에 들어서면 관객은 매우 포화상태의 도시 공간에 놓 인 듯한 인상을 받습니다 CSC 한국의 무속은 치유의 개념과도 긴 밀히 맞닿아있습니다 그런 점에서 판소 리와 치유는 궤를 같이 합니다 이와 같 이, 소리의 다중성, 즉 폴리포니는 공존과 그에 따르는 필수적인 불협(dissonance) 에 대한 은유이며 상징입니다. ‘피드백 (Feedback)’은 곧 소셜 미디어로부터 생 성된 파괴적인 반향실(echo chamber) 효 과에 비유할 수 있을 것입니다 NB 그렇습니다 반향의 방 그것이 첫 번째 층의 핵심 아이디어입니다 또 다른 이미지는 바로 루프(loop)입니다 오늘날 세계에서 경제, 정치, 미학의 모든 층위에 서 가장 현저하게 드러나는 형태 중 하나 입니다 우리가 설치한 모든 루프에서 벗 어나야만 한다는 것은 너무 명백한 현실 입니다
저는 결코 전시를 성명이나 아이디어 에 대한 예증의 일환으로 접근하지 않습 니다 오히려 여기선 거의 음악적인
Opposite Nicolas Bourriaud at Bernhard Leitner’s 1987 Le Cylindre Sonore, Paris, 2024 Photography Nicole Maria Winkler
and more sensuous. We feel sound without having to think about it. How have you designed the physical space to work with this medium?
NB The entrance to the exhibition is a tunnel. People are conducted along a specific route; I don’t want them to roam too freely ... The first floor is devoted to the very urban-saturated space. The second floor is about the feeling of oppression we can get in what appears to be a much more open space t he countryside but which is not actually so. It brings together artworks that are different but lead to the same conclusion. There is a new video by Liam Gillick, for example, shot on Fogo Island, a very beautiful, seductive landscape, which he has juxtaposed with very bureaucratic, administrative sounds. Then you have Max Hooper Schneider, whose work is about extinction and the way we are witnessing, at the moment, a kind of post-apocalyptic state in the world.
The third floor is polyphonies possibilities of dialogues with the vegetal world, the mineral world, even the robotic world. The fourth floor is about the infinitely big. Here you have artists like Marguerite Humeau, Josèfa Ntjam or Jura Shust, all interested in shamanism. The top floor t he fifth is about the molecular, how to show today’s world with the smallest components possible. For example, there is Marina Rheingantz, a Brazilian artist who represents the world with an almost impressionist, postmolecular approach. After the saturation you have when entering the tunnel, you will leave with this view of the infinitely small. Then there is actually a second part to the exhibition.
CSC The pavilions?
NB There are the pavilions, but there is also a continuation of the main exhibition, located in different buildings in the neighborhood called Yangnim: mainly sound pieces. The idea is to have people discover another part of the city.
CSC Th is brings me to my next question, which is the relationship of the Biennale to the “Gwangju spirit” that came out of the Gwangju Uprising in 1980 against the military dictatorship, which was brutally crushed at the time. How are you incorporating the Gwangju spirit into your curatorial thinking?
NB The uprising and its consequences are still very much present in the city’s life. This notion is even more important today when we see walls being built every where in the world and countries isolating themselves. I think that the legacy of the Gwangju spirit is the possibility for artists to build their own maps of the spaces they live in, which is not allowed in totalitarian or dictatorial countries.
The control of space, the way you see space and the possibility to claim space are all very important for me. The Korean artist Choi Haneyl is making work about the place allotted to homosexuals in Korea, for example a nd this is also a matter of space. That which has no place cannot be emancipated.
CSC Th is brings us back to the idea of sound: walls and isolationism are about containment, and sound is the very opposite of containment. Sound is flux, it’s flow, energy, vibrations, and it cannot have borders.
NB You mentioned walls, and there’s a work by the American artist Na Mira that
is of particular interest in that respect. She’s been working in Seoul around people’s memories of the wall that was built by the American army in the middle of the city after the Korean War.
CSC The origins of the Biennale in the Gwangju spirit are quite similar to how documenta was launched in Europe’s postwar rubble. You’ve worked in Taipei and Istanbul, but you’re a European curator. Have you encountered differences of opinion with audiences, artists, curators in East Asia?
NB Well, it’s a very complex question.
On a personal level, I have always been struck by the fact that my theories especially relational aesthetics have been more favorably received in Asia than in Europe in some ways.
When I was 20, I spent two months in a monastery in Thiksey in the Ladakh region of northern India. I have always been interested in Buddhist philosophy; it has impregnated my way of seeing the world and I have written a lot about it. I think there are cultural and semantic elements that I use, which speak much more directly to someone who’s also famil iar with this approach to life and thinking. I have a constant relationship with Asia because I try to integrate Asian philosophy into my own way of thinking.
의 해석을 통해 저 역시 제 이론에 도전하
고자 합니다
CSC 우리는 이미지와는 매우 다른 방식
으로 소리를 경험합니다 소리는 조금 더
원시적이고 감각적이며, 우리는 사유를
거치지 않고서도 소리를 지각합니다 이
매체를 복합적으로 수용할 수 있는 공간
을 어떻게 기획하셨는지 궁금합니다
NB 일단 전시장의 입구를 터널로 조성
했습니다 특정한 경로를 따라 관객이 안
내됩니다 너무 자유로운 방랑은 원하지
않기 때문입니다 첫 번째 층은 매우 밀
집된 도시 공간에 주목합니다 두 번째 층
은 마치 전형적인 시골과 같이, 보기에는
트인 공간이지만 실상은 그렇지 못한 곳
에서 느끼는 억압감을 다룹니다 이 층은
각자 상이한 예술 작품들이 같은 결론으
로 도달하는 공간입니다 예를 들어, 리암
길릭(Liam Gillick)의 신작 비디오 작업에
서는 포고 아일랜드에서 촬영된 매우 매
혹적인 풍경과 매우 관료적이고 행정적인
사운드가 대비를 이룹니다 그 다음 막스
후퍼 슈나이더(Max Hooper Schneider)의
작품은 멸종과 우리 눈앞에서 펼쳐지고
있는 포스트-아포칼립스적인 세계를 그립
니다 세 번째 층은 폴리포니 식물의 세계, 광물의 세계, 심지어 로봇의 세계까지 확
장될 수 있는 담론의 가능성 에 전념합니
다 네 번째 층은 무한한 광대함을 다룹니
다 여기에는 마르게리트 위모(Marguerite Humeau), 조세파 엔탐(Josèfa Ntjam), 주
라 슈스트(Jura Shust)와 같은 예술가들이
포함되어 있고, 모두 무속신앙과의 연관
성을 가지고 있습니다 다섯 번째 층인 맨
꼭대기 층은 분자적인 것, 즉 동시대 세상
을 어떻게 가장 극소하고 미시적인 구성
요소로 그려낼 수 있는지를 모색합니다
? NB 파빌리온들로 구성되기도 한 섹션 이지만, 본 전시의 연장선으로 양림이라는 동네 곳곳에서 전시가 이어집니다 각종 건물에 사운드 작품들 위주로 전시됩니다 사람들이 도시의 다른 면모를 발견할 수 있도록 하고 싶었습니다 CSC 다음 질문으로 이어지는 것 같습니 다 바로 광주 비엔날레와 광주 민주화 운 동으로부터 비롯된 ‘광주 정신’에 대한 질 문입니다. 1980년 군부독재에 대항하며 촉발되었던 이 운동은 당시 잔인하게
Above Nicolas Bourriaud at Bernhard Leitner’s 1987 Le Cylindre Sonore, Paris, 2024
Photography Nicole Maria Winkler
The 15th Gwangju Biennale, “Pansori, a soundscape of the 21st century,” is on view from September 7 to December 1.
Nicolas Bourriaud is artistic director of the 15th Gwangju Biennale. He lives in Paris, France.
Colin Siyuan Chinnery is co-founder of Sound Art Museum in Beijing, China. He lives in Beijing.
그런 부분들과 긴밀히 관련된 미국 작가
나미라(Na Mira)의 작품입니다 한국전쟁
이후 서울 중앙에 세워진 미군 기지의 벽
에 대한 사람들의 추억에 관해 작업해 온
작가입니다
CSC 비엔날레의 기원과 광주 정신과의 관련성은 유럽에서 세계대전의 잔해로부 터 시작한 도큐멘타(Documenta)와 상당 히 유사합니다. 유럽 출신의 큐레이터지 만, 타이베이와 이스탄불에서 일하셨습니
다 동아시아에서 만난 관객, 예술가, 큐레
이터들과의 의견 차이를 경험한 적이 있
는지 궁금합니다
NB 여러 생각을 들게 만드는 질문입니
다 개인적인 측면에서는, 제 이론들 특
히 관계의 미학 이 어떤 면에서는 유럽보
다 아시아에서 더 호의적으로 받아들여진
것에 항상 놀라곤 했습니다
20살 때 인도 북부 라다크 지역에 위
치한 틱시 사찰에서 두 달간 지냈습니다
저는 항상 불교 철학에 관심이 많았고, 이
는 제가 세상을 보는 방식에 깊은 영향을
주었습니다 당시 경험에 대한 글도 많이
기술해 왔습니다 작업에서 차용하는 문화
적, 의미론적 요소들이 있는데, 이는 불교
적 사고방식이나 삶을 대하는 방식에 공 감하는 사람들에게 훨씬 직관적으로 다가 간다고 생각합니다 동양적 철학을 제 사
유의 방식에 통합하고자 하기에, 아시아와
의 관계를 지속해 왔습니다
Sooyoung Leam, assistant curator of the 14th Gwangju Biennale in 2023, offers some insider tips on where to go in Gwangju.
Girls Bookshop
62-65 Chungjang-ro 1F, Dong-gu, Gwangju
This small bookstore run by a theater director is a haven for bibliophiles or anyone interested in independent publications specializing in the arts.
Gwangsu Bakery
39 Yongbong Taekji-ro, Buk-gu, Gwangju
One of the best coffee and pastry shops near the Gwangju Biennale hall.
Daein Market
9-10 Jebong-ro 184beon-gil, Dong-gu, Gwangju
A traditional market full of energy, creativity and food. It also hosts a night market on certain Saturdays.
The locals’ hidden favorite for an affordable, hearty and healthy meal.
Home of Others
75-2 Seoljuk-ro 202beon-gil, Buk-gu, Gwangju
A great place to chill over drinks after a long day.
애서가와 예술, 사회인문학 독립 출 판물에 관심 있는 이들에게 의미 있는 공 간으로 다가올 것이다
광수빵집 광구광역시 북구 용봉택지로 39 광주 비엔날레관
Above Choi Haneyl, Physically: The tower made through our elbows, 2023. Courtesy: the artist; photograph: Kim Sangtae Right Jura Shust, Hardens on the surface and heals the wound II 2023. Courtesy: the artist and Management, New York; photograph: installshots.art
Sooyoung Leam is an independent curator. She lives in Seoul, Korea.
Frieze Seoul 2024
Titled “Seeing in the Dark,” the 2024 Busan Biennale draws on the city’s history as a port to explore hidden pasts. From Chinatown to the fish market, Hayoung Chung maps some key locations featured in this year’s exhibition.
부산비엔날레 2024 《어둠에서 보기》는 부산이 항구로서 지닌 역사적 배경을 통해 도시의 어둠에 감춰진 과거를 들여다본다 화려한 차이나타운부터 자갈치시장까지 , 정하영이 올해 비엔날레의 주요 공간을 소개한다
PORTS OF ENTRY
When summer arrived, I often used to visit Busan, where I encountered a bustling port with stacks of building-sized shipping containers, a briny fish market filled with lively chatter and beach tents lining the hot sands of Haeundae. The city revealed its true self after sunset, with the lights of fishing boats twinkling on the horizon and tourists mingling with locals, sitting in small groups under the beach lights, engaged in lively conversation. Busan has always held a special appeal for me with its sense of “aliveness.”
The title of this year’s Busan Biennale, an event initiated by local artists in 1981, is “Seeing in the Dark.” During the European Enlightenment, visibility and light were equated with knowledge, while darkness was something to be dispelled. This Biennale’s co-curators, Vera
Mey and Philippe Pirotte, challenge this belief, presenting darkness as a space for an inclusive, alternative history.
Recalling their research trip from Busan to Fukuoka, Mey explains, “Busan is a port city. It has a long history of trade and the movement of different peoples, making it quite unique within Korea. This diversity is seen in places like Chinatown, where signage for Russian and Kazakh communities can be found. We were interested in this idea of ‘pirate enlightenment’ to think about different communities that are often socially or politically excluded from normative lives.” Pirate enlightenment, a notion from American anthropologist David Graeber, revisits the early autonomous societies of pirates, untouched by gove rnment or large capital, and mostly
무더운 여름, 나는 부산행 기차에 몸을
싣곤 했다 거대한 컨테이너들을 분주히
적재하는 항구, 시끌벅적한 대화 소리가 가득한 수산시장, 형형색색의 파라솔들
이 늘어선 해운대가 그곳에서 나를 맞
이했다 그러나 부산의 참모습은 어둠이
내린 후에야 비로소 드러난다 밤바다
의 수평선에서 반짝이는 고깃배들, 백사
장 조명 아래 여행객, 현지인 할 것 없이
도란도란 이야기꽃을 피우는 광경 이렇
게 ‘살아있는’ 부산은 내 마음을 늘 일렁
거리게 했다
1981년 현지 예술가들의 주도로 움 튼 부산비엔날레가 올해 내건 제목은
《어둠에서 보기》이다. 유럽 계몽주의에
서 빛과 가시성은 깨달음과 동일시되었 고, 어둠은 쫓아내야 할 대상에 그쳤다
Above Bang Jeong-A, America, his unwavering attitude 2021. Courtesy: Busan Biennale
existing in the shadows. The co-curators note their distinctive decision-making process as one of the conceptual foundations, referencing the idea of a council of the best pirates, selected regardless of cultural background or skin color.
In addition, Busan’s role as “a route for the spread of Buddhism to Japan,” as Mey describes it, introduces another curatorial axis: the way of Buddhist monks. In an alternative community, monks regularly make collective decisions on monastic rules and communal property, finding themselves as a “self without place.” This metaphoric self can be the migrant, the refugee, the proletarian rebel, the drop out or the pirate. Busan is a meeting point of these two apparently antithetical ideas piracy and Buddhism fi nding harmony and illumination in their darkness.
So, how did Mey and Pirotte approach the city? To continue Busan’s legacy of diversity, their Biennale introduces artists rarely seen in Korea, such as John Vea from Auckland and Tracy Naa Koshie Thompson from Ghana.
Local artists such as monk Song Cheon, who has practiced traditional Buddhist art for decades at Tongdosa Temple, add local flavor. Besides the main venue at the Museum of Contemporary Art Busan, exhibition spaces across the city were chosen to capture the full breadth of city life. Here are some of the venues that inspired the curatorial team, to give a sense of the scope and spirit of the Biennale and the true character of Busan after night falls.
Choryang House (117-8 Choryangsang-ro, Dong-gu, Busan)
Choryang, the old name of the neighborhood where Busan station is located, means “the path through the grassy field.” As a crucial crossroads between sea and land, what was once fields became the center of the Japanese community, serving as a trading post during the Joseon Dynasty, and was later transformed into Busan station. The twostory Choryang House, situated in the foothills behind the station, was built in the 1960s, a Western-style home resembling a ship that invites us to imagine its former owner’s possible involvement in the city’s dominant industry. This striking building has been transformed into a gallery space for the first time for this year’s edition.
Beomeosa (250 Beomeosa-ro, Geumjeong-gu, Busan)
The myth of the Nirvana Fish at this temple captivated Mey and Pirotte when they were researching the history of local temples and guided their curatorial discourse on the way of life of Buddhist monks. According to a 16th-century geographical study, the name Geumjeongsan (Golden Well Mountain) comes from a golden fish that descended from the sky and swam in a well, leading to the establishment of the temple. Despite numerous fires and restorations, the 7th-century remnants within the threestory stone pagoda and the temple’s foundations still reflect Busan’s significance in Buddhist history.
Youngju Mansion is reached via a winding hillside road. This 350-squarefoot art space sits in the basement of an old apartment building from the late 1960s, part of a postwar public housing
날레의 규모와 정신, 무엇보다 어둠 속 에서 빛을 발하는 부산의 진면모를 들 여다보자 초량재 (부산특별시 동구 초량상로 117-8) 초량은 부산역이 자리한 동네의 옛 지명으로, 풀밭의 길목’을 의미한다 육 지와 바다를 잇는 교통의 요지인 초량 은 과거 드넓은 초원이었다 이후 조선 시대 일본인의 거점으로 교역의 중심 이 되었으며 개발을 거쳐 현재의 부산 역으로 변모했다 부산역 뒤편 산자락 에 1960년대 지어진, 선박 형태를 띤 이 2층 양옥은 당시 집주인이 해양 도 시 부산의 주 산업에 종사했음을 짐작 하게 한다 이 인상적인 건축물은 이번 비엔날레에서 전시 공간으로 처음 탈바 꿈한다
범어사 (부산 금정구 범어사로 250) 부산 지역 사찰의 역사를 조사하던 메이와 피로트를 사로잡은 금빛 물고기 의 전설이 전해지는 범어사는, 비엔날레 가 제시하는 담론에 수도승의 삶의 방 식을 더하게 된 계기가 되었다. 16세기 한 지리서는 하늘에서 내려온 금빛 물 고기, 범어가 우물에서 놀았다는 전설 에서 금정산의 이름을 따왔으며 범어 사 또한 건립되었다고 기록한다 수차 례의 화재와 복원 후에도 3층
project. In 2008, three female artists/ curators revitalized it as a space to introduce underrepresented artists. Mey was intrigued not only by its program’s focus on personal and micro-histories but by the location. In Busan, hills with views of the port have traditionally been home to blue-collar workers and new migrants, watching for incoming ships in order to rush down to the harbor to find work. “We were interested,” says Mey, “in how the idea of perspective and seeing relates to looking at art and considering workers’ histories in the city.”
Jagalchi Fish Market (52 Jagalchihaean-ro, Jung-gu, Busan) When asked about the most memorable restaurant she had come across in Busan, Mey answered without hesitation: “Eating at the fish markets and seeing the lives of everyday Busan people was very inspiring.” Today home to more than 500 thriving units, Jagalchi Fish Market began following Korea’s independence, when refugees set up street stalls to sell their catches. You can select seasonal seafood and eat it raw on the spot, with local vendors selling their goods on makeshift wooden boards, just as they did in the past.
Chinatown Chinatown’s long history dates back to the 19th-century Qing Dynasty and the area developed as more Chinese immigrants moved there during the Japanese colonial period in the first half of the 20th century. Once home to the Chinese Consulate, the area has diversified over the past decades, as the Chinese community has gradually relocated to other regions, and now includes immigrants from Russia and Kazakhstan. With its lanterns and central arch, different regional cuisines and street names in various Central Asian languages, it is reminiscent of an ancient Chinese city (visit Jang Seong Hyang, where the protagonist of Park Chan-wook’s 2003 film Oldboy eats dumplings). If anywhere in Busan tells us that foreigners are no longer strangers, it is Chinatown.
Opposite Jagalchi Fish Market, Busan. Photograph: Andia/Universal Images Group/Getty Images
Above Song Cheon, Three Tathagoatas Buddhist Painting of Boguksa Temple, 2016. Courtesy: Busan Biennale
찾기 위해 항구로 달려 내려가야 했기 때문이다 메이는 “이러한 관점과 시선
이 미술 감상 그리고 이 도시 노동자의
역사를 고려하는 태도로 이어지는지에 주목했습니다.”라고 덧붙였다
자갈치 시장 (부산특별시 중구 자갈치 해안로 52)
부산을 통틀어 가장 기억에 남는 식
당을 묻는 질문에 메이는 주저 없이 수
산 시장을 꼽았다. “시장에서 식사하고,
부산 시민들의 일상을 가까이서 볼 수
있는 경험이 깊은 영감을 주었습니다.”
라며 말이다 오늘날 500여 개 점포가
성행하고 있는 자갈치 시장은 해방과 한국 전쟁을 거치며 내려온 피난민들이
직접 잡은 해산물을 파는 노점을 연 데
서 유래되었다 마치 예전 그 모습처럼
상인들의 나무 좌판이 늘어선 이곳에서 갓 잡아 올린 제철 해산물을 그 자리에 서 맛볼 수 있다
차이나타운
19세기 청나라 조계지로 거슬러 올
라가는 오랜 역사를 지닌 차이나타운은
20세기 전반 일제강점기를 거치며 이주 해 온 중국 이민자들에 의해 본격적으 로 형성되었다 한때 중국 영사관이 자 리하기도 했지만
New York-based Miyoung Lee is a passionate patron, serving on the boards of the Whitney and Studio Museum and supporting Lee Bul’s upcoming Facade Commission at the Met. She talks kinship, the changing status of artists in Korea and her absolute commitment to quality. 예술에 대한 깊은 애정을 가진 이미영은 뉴욕 휘트니 미술관 (Whitney Museum of Art) 과 할렘 스튜디오 미술관 (The Studio Museum in Harlem) 이사회 멤버로 활동하며 , 적극적인 미술 후원자로 알려져 있다 최근에는 메트로폴리탄 미술관 (The Met) 에서 공개될 이불 작가의 파사드 커미션을 지원하기도 했다 . 그녀는 작가들과의 연대 의식 , 한국 미술의 국제적 위상 상승 , 그리고 미술품의 예술적 가치 등 컬렉팅에 대한 자신의 철학을 전한다 .
“I TRY TO COLLECT SOMETHING THAT IS MUSEUM-WORTHY”
MATTHEW MCLEAN
I understand you are just back from Venice. What were your impressions of this year’s Biennale?
MIYOUNG LEE
I love going to Venice. I don’t have to go during the opening and, in fact, there are pros and cons to not going then. Going in June was actually lovely: the weather was great, the crowds were manageable and you could walk into a pavilion without standing in line. You could appreciate the art. I read some articles about the Biennale before going, but I didn’t want to know too much. I was aware I was not going to recognize many artists and that this year’s edition was trying to celebrate overlooked or undiscovered figures as well as indigenous artists working today. The idea was to shine a light on many voices. Was it my personal aesthetic? Probably not, compared with other biennials, but I was moved par t icularly by Bouchra Khalili’s The Mapping Journey Project [2008–11]: an eight-channel video depicting the personal stories of refugees, with just a hand holding a marker tracing a map. People traveled hundreds of miles or risked their lives, or took years just to get from A to B. Those stories were incredible.
I loved the US pavilion by Jeffrey Gibson. It was so joyous! I saw the video
at the very end three times it was so much fun!
MM That video was the standout of the pavilion for me.
ML Yes. Those naysayers who thought Gibson’s project was too colorful I totally disagreed. I always pay attention to the Korean pavilion, obviously, and this year I thought it was quite stunning because it was all about linking your sense of smell to your memories. The artist, Koo Jeong A, is very conceptual. It looks almost like nothing has been done to the building until you actually enter it, which I thought was a very daring move. The more I got to know about the project, the more layered I found it to be.
MM I k now you bought your first piece of art very young while backpacking but, in terms of your experience of going to exhibitions or biennials, have there been key moments on your journey into art or becoming a collector?
ML I g uess one of the problems I have with my collecting journey is that maybe I am too easily moved. I do like to get into the curator’s or the artist’s mind and see what they are trying to do. Even if it’s not something aesthetically appealing to me, I appreciate the process, the effort or the objective. I usually get something good out of a show. Maybe I’m too easy a grader in that regard!
Opposite Miyoung Lee at her home in Seoul, 2024
On wall: Lawrence Weiner, ABOVE BELOW THE HAZE, 2012
Photography Adrianna Glaviano
매튜 맥클린(Matthew McLean) 베니스에서 금방 돌아오셨다고 들었
습니다 올해 베니스 비엔날레(Venice Biennale)는 어떻게 보셨는지 궁금합니다. 이미영
베니스 비엔날레는 언제나 기대되는 행사
입니다 개막식은 그 나름대로의 의미를
지니지만, 오히려 그 이후 방문할 때만 누
릴 수 있는 이점들이 있는 것 같습니다. 6
월에 방문하니 날씨도 좋고, 관객들이 많
지 않아 대기 시간 없이 파빌리온에 바로
입장할 수 있었습니다 작품을 집중해서
감상할 수 있는 환경이었죠 베니스로 향하기 전에 몇 가지 관련
기사를 읽었지만, 직접 가서 경험하고 싶
었습니다 이번 비엔날레에서는 미술사에
서 상대적으로 소외되거나 잘 알려지지 않은 작가들과 원주민 작가들을 중심으로 조명하기 때문에, 제가 모르는 작가들이 많을 것이라 예상했습니다 다양한 목소리 를 포용하고자 하는 기획 취지에 맞게, 편
견 없이 감상하고 싶었습니다 개인적으로
는 다른 비엔날레들과 비교했을 때, 올해
베니스 비엔날레의 전반적인 미감은 제
취향과는 다소 달랐습니다 그럼에도 불구
하고, 깊은 감동을 받았습니다 특히 부크 라 카릴(Bouchra Khalil) 작가의 8채널 영 상 작품 〈The Mapping Journey Project〉 (2008-11)는 지도 위에 궤적을 그리는 손
만을 비추며 난민들의 개인적인 서사를 전달하는 매우 인상적인 작품이었습니다 수백만 킬로미터에 달하는 여정과 생사를
MM 저도 그 작품이 확실히 파빌리온에 서 돋보였다고
MM It’s beautiful to be so open in that way and to have your sensibility so alive.
ML Well, I’m not a paid critic so I can simply enjoy art. And that really is why I collect because it gives me such joy.
MM You’re very generous in loaning your works for exhibitions. What motivates you to share your collection in that way?
ML Th at’s one of the best parts of collecting! Some people collect the domestically scaled piece that fits in their living room. Obviously, I’m not like François Pinault I c an’t buy huge installations but, to the extent that I can, I try to collect something that is museum-worthy. If a museum does ask to borrow a piece, I’m very happy to lend because art should be shared. I think sharing art is just as important for me as discovering art. The two aspects are equally fun. So, at any given moment in time, there are quite a few things on loan. I have someone who helps me keep track of what comes in and out. My email inbox always has messages from curators or museum administrators asking me to sign documents.
MM W hat is it like seeing a piece you’ve loaned in situ in an exhibition?
ML I don’t tend to make a big deal about it. I’ll maybe sneak a selfie or
something! But I am just very happy to see a piece in a show, witness the conversation with other works by the artist, and see how the curator has interpreted that piece. I know Christine Sun Kim has a show coming up at the Whitney Museum of American Art in New York and I have a request to respond to. I’m already very excited about that exhibition; I’m going to lend and will be very happy to see the work there.
MM How do you feel about “sharing” your collection in the sense of letting it be photographed for Frieze Week?
ML I h ave to say, this is the first time that somebody will be taking a photograph in my house. When we do have collection visits, I don’t ask people to post on Instagram: “Oh, I’m at Miyoung’s house and she has a Cindy Sherman.”
I don’t want that. Though, when I look at an interior-decorating magazine and there’s a photoshoot of somebody’s living room, the first thing I do look at is what art is on the wall!
MM On the subject of your support for institutions, could you tell me how you became involved with the Whitney?
ML Supporting the Whitney has been an overwhelming joy. I’ve been a committee member for close to 15 years and a board member for almost ten. I started on the Painting and Sculpture
다 시각적으로 저에게 매력적이지 않더
라도, 그들의 과정, 노력, 목표에 공감하고
존중하는 마음을 갖기 때문에 대개의 경
우 전시에서 긍정적인 요소를 찾는 것은
어렵지 않습니다 어쩌면 그런 점에서 제
가 너무 관대하다고 볼 수도 있겠네요!
MM 풍부한 감수성과 열린 마음으로 예
술을 감상한다는 것은 참으로 아름다운
일인 것 같습니다
ML 비평을 업으로 삼고 있지 않기 때문
에 저만의 방식대로 예술을 온전히 즐길
수 있죠 컬렉팅을 하는 궁극적인 이유 역
시 그 과정에서 제가 느끼는 설레는 감정
들 때문입니다
MM 미술관 전시를 위한 소장품 대여에
대해 매우 호의적이십니다 이와 같은 방
식으로 컬렉션을 공유하려는 동기는 어디 서 비롯되나요?
ML 컬렉팅 활동의 가장 큰 매력이라고
생각합니다! 어떤 분들은 자신의 거실에
걸 수 있는, 주거 공간에 적합한 크기의 작
품을 소장합니다 피노(Pinault)처럼 대규
모 설치 작품을 소장하는 것은 어렵지만,
제가 관리할 수 있는 범위 내에서 미술관
에 전시될 만한 유의미한 작품들을 최대
한 소장하려고 합니다
미술관에서 소장품 대여를 요청할 경
Above, left Carol Bove, Polka Dot, 2016
Above, right
Samara Golden, Missing Pieces from A Fall of Corners #3, 2015–16
acquisition committee. A very good friend, who’s an excellent collector Greg Miller i s still on the committee, and he really got me on the right path. The Whitney’s emphasis on emerging artists is a passion I share. The Whitney Biennial is one of my all-time favorite art events. And I can even walk to the museum!
But my first involvement with a museum was actually with the Studio Museum in Harlem. That was a happy coincidence a f riend on their acquisition committee invited me to attend a meeting with her because she thought I might like it. There I got to meet Thelma Golden, who has been an inspiration and an art mentor ever since.
MM W hat do your board roles at these institutions require of you?
ML I f you find an institution with which your values align a s I did with the Whitney and Studio Museum your presence is important. You need to come to the openings and to meetings. Be a cheerleader for the employees. Financial support is obviously important, whether big or small. Beyond regular dues, you can help with the costs of a specific show or acquisition. Unfortunately, in the US, because we have very little government support, institutions must rely on patrons. Whatever you can do is really meaningful to museums and artists.
For me, it is not just about acquiring but also about supporting artists and institutions. Yes, I am writing some checks when I’m not even buying art. They are literally just support checks. But the intangible returns I get from friendships, knowledge and conversations with curators and artists I would never be able to have those if I weren’t supporting museums. You can’t put a value on that. If you see art only as a financial investment, you will have a very limited art journey.
MM You’ve been to many fairs over the years what draws you to them?
ML I fi nd art fairs very helpful. I can’t go to every single one of them, but a fair gives me an opportunity to visit another city and pick up the vibe. With Frieze Los Angeles, for example, the fair itself is key, but to see the gallery scene around LA is also a very important part of the experience. It’s the same with Frieze London it’s a great opportunity to see the fair itself, the museum shows, gal leries and maybe satellite fairs. These trips allow you to broaden your horizons. Then you can also have some fun in the evening and try some new restaurants, too.
I’m not just saying this to be flatteri ng, but I really am so excited about Frieze Seoul. This is the third time I’ll be attending. I think the art scene in Korea
저 살펴보곤 합니다! MM 기관 후원에 대한 이야기로 넘어가
보고자 합니다 휘트니 미술관과의 인연 은 어떻게 시작되었나요?
ML 휘트니 미술관을 후원할 수 있게 되
어 매우 기쁩니다. 15년 가까이 작품수집
심의위원회(acquisition committee) 위원
으로, 또 10여 년 동안은 이사회 일원으로 활동해 왔습니다 회화 및 조각품 수집심
의위원회에서 시작했었습니다 저의 친한
동료이자 훌륭한 컬렉터인 그레그 밀러 (Greg Miller)가 당시 저를 이끌어주었고, 현재까지도 위원회에 함께하고 있습니다
신진 작가들에 대한 휘트니 미술관의 적 극적인 지원에 깊이 공감하며, 휘트니 비
엔날레(Whitney Biennial)는 제가 가장
좋아하는 미술 행사 중 하나이기도 합니
다 게다가 휘트니 미술관은 집에서 걸어
서 갈 수 있는 거리에 있어요! 하지만 저의 기관 후원 활동은 할렘
스튜디오 미술관(the Studio Museum in Harlem)에서 시작했습니다 행복한 우연
이었죠 스튜디오 미술관의 작품수집심의
위원희에 있던 동료의 제안으로 회의에
참석하게 되었습니다 그리고 거기서 텔
마 골든(Thelma Golden)을 만나게 되었는
닝 행사와 미팅에 필히 참석해야 하고, 직 원들을 격려해주어야 합니다 규모와 상관
없이, 재정적 지원도 언제나 중요하고요 이러한 기본적인 이사회 멤버로서의 역할 외에도 특정한 작품의 수집이나 전시를 후원할 수 있습니다 안타깝게도 미국에 서는 정부의 예술 지원이 매우 제한적이 거나 전무하기 때문에 예술 기관들이 후
원자들에게 크게 의존할 수밖에 없는 현
실입니다 어떠한 방식의 지원이든 기관과
예술가들에게 큰 의미를 지닙니다 예술가와 기관을 지원하기 위해 미술 품 수집을 하는 것이기도 합니다 때로는 순수한 후원금을 지원하는 방식을 수렴하 기도 하지만, 그것은 말 그대로, 그저 재정 적 후원입니다 이러한 복합적인 후원 방 식들로 미술관과의 깊이 있는 관계를 지 속하면서, 큐레이터와 예술가들과의 교류 를 통해 지식과 우정을 쌓을 수 있었습니 다 이는 금전적 가치로 절대 환산할 수 없 는 소중한 경험이죠 예술을 단순히 금전 적 투자로만 인식할 경우, 예술에서 얻을
수 있는 다양한 가능성이나 이점들이 매
우 제한적일 것입니다 MM 수년간 많은 아트페어를 방문하셨 습니다. 아트페어에서 특히 매력적으로 느 끼시는 점은 무엇인가요?
Above, left Do Ho Suh, Doormat: Leave Me Alone, 2003
Above, right
Haegue Yang, The Intermediate – Dragon Conglomerate, 2016
On wall, left to right: Jordan Casteel, Naima’s Gift (Deon, Kym and Noah) 2023; Dianna Molzan, Untitled, 2021; Mickalene Thomas, Portrait of Din #7, 2018
is becoming so significant. The artists, the museum shows t he whole buzz is getting stronger and stronger.
MM W hat are you looking forward to doing around town during Frieze Seoul?
ML I ’m really looking forward to Anicka Yi’s show at Leeum Museum of Art. I know she’s going to do something out of this world and I think it’s going to blow everyone’s mind. Last year, the Leeum show was Suki Seokyeong Kang, and I still love looking at the images from that exhibition.
The restaurant scene in Korea is getting really exciting, too. Can someone please get me a reservation at Mingles?!
MM Can you tell me a little bit about your journey from Seoul to New York, for people who are unfamiliar with your story?
ML It’s a somewhat funny story because it actually starts in the US. I was born in the US. My father was finishing his doctorate here and he met my mother. His intention all along was to go back to Korea. They got married in the US, had me and, after a few years, he returned to Korea and started his career in government.
I was educated in Korean schools but went to the US for college. My family thought I would return to Korea at some point. Unfortunately, that never
happened. I started working in the US, met my husband and the rest is history. I have two kids now. I’ve lived in New York longer than anywhere else.
MM It’s really home.
ML Yes, at this point. My husband’s British and he had a similar path. He left the UK and made his way here to the US.
MM Is collecting something you share with your husband?
ML He likes attending the gallery dinners, meeting the artists and curators, serving institutions and learning about art, but he probably wouldn’t do a six-hour stint at an art fair like me. He generally defers to me on acquisitions, though, sometimes, I do drag him to the gallery and say: “You may not understand this, but I do want you to at least like it.”
MM I u nderstand you’re also supporting Lee Bul’s Facade Commission at the Metropolitan Museum of Art in New York, which opens around Frieze Seoul. ML It’s just afterwards, in September. I was sure to remind them: “Please do not open this during Frieze Seoul.” I’m so happy and proud that Lee Bul is doing this. She is one of the first artists I collected, and I have so much admiration for her as a woman artist. In Korea in the 1970s and ’80s, it would have taken a lot of courage on her part to do what she was
Above Left to right: Suki Seokyeong Kang, Narrow Meadow #19-04, 2015–19; Suki Seokyeong Kang, GRANDMOTHER TOWER – tow #20-05, 2020
On wall: Sadie Benning, Untitled “Telephone Drawing ,” 2015
Opposite, top Hannah Levy, Untitled, 2020
Opposite, bottom
On wall: Cindy Sherman, Untitled, 2016
On bench: Kathleen Ryan, Bad Lime (Tortoise) 2023
곳곳에 위치한 다양한 갤러리를 방문하는
것도 아트페어 경험의 핵심적인 일부분
입니다 프리즈 런던(Frieze London) 역시
아트페어 방문을 중심으로 그 기간에 개
최되는 다른 미술관 전시를 관람하고 갤
러리나 타 페어를 방문하며 폭넓은 예술
경험을 할 수 있는 기회를 제공합니다 저
녁 시간에는 특별 행사에 참석하거나 새
로운 레스토랑을 탐방하며 즐거운 시간을
보낼 수도 있고요 그리고 일부러 과장해서 말하는 것이
아닙니다 프리즈 서울에 대한 기대가 정
말 큽니다 이번이 세 번째 방문이 될 텐
데, 한국 미술계의 위상이 나날이 높아지
고 있는 것 같습니다 해외에서 한국 기반
의 예술가들이나 미술관 전시, 한국 예술
현장 전반에 대한 기대가 점점 더 커지고
있다는 것을 실감하고 있습니다
MM 프리즈 서울 기간 동안 서울에서 어
떤 다른 일정들도 계획 중이신가요?
ML 리움미술관에서 예정된 아니카 이
(Anicka Yi) 작가의 전시를 무척 기대하고
있습니다 이 세상을 초월하는 작품 세계
로 우리에게 또 다른 신선한 충격을 줄 것
이라고 믿습니다 작년 프리즈 서울 기간
동안 리움미술관에서 열린 강서경 작가의
전시를 방문했는데, 전시 이미지들을 지금
도 즐겨 찾아볼 만큼 좋은 기억이 남아 있
습니다. 한국의 레스토랑 씬도 한 층 다채롭고
풍부해지고 있는 것 같습니다 밍글스 예
약 좀 도와주세요! MM 잘 모르시는 분들을
돌아가셔서 정부에서 일을 시작하셨습 니다 저는 한국에서 공부를 하다가 대학 진 학을
미국으로 갔습니다 부모님께 서는 제가 언젠가 한국으로 돌아올 것이 라 기대하셨지만, 아쉽게도 그러지 않았 습니다 미국에서
메트로폴리탄 미술관의 커미 션 작품을 이불 작가가 제작하게 되어 매 우 기쁘고 자부심을 느낍니다 이불 작가 의 작품은 제 초기 소장품 중 하나이며, 여 성 예술가로서 깊은 존경심을 품어 왔습 니다. 1970년대와 80년대 한국에서 이불 작가처럼 작업을 한다는 것은 매우 큰 용 기가 필요했습니다 그 당시에는 저도 서 울에 거주하고 있었는데, 한국 사회 전반 에 만연했던 집단주의적 분위기와 그로 인한 여성들이 감내야 했던 압박감이 크 게 느껴졌습니다 그러한 사회적 분위기 속에서도 굴하지 않으시고 자신만의 길을 당당히 구축해 나가신 거죠 그렇다고 1980년대에 한국 미술이 갑 자기 활발해진 것은 아닙니다. 20세기 전 반을 걸쳐 한국 현대미술은 다양한 양상 을 보이며 발전했습니다. 단색화 작가들 을 비롯하여 포스트-단색화, 즉 단색화 세 대 이후의 작가들은 국내보다는 해외에 서 먼저 주목을 받은 경우가 많았습니다 최근 뉴욕 구겐하임 미술관(Solomon R. Guggenheim Museum)에서 경안이라는 훌륭한 큐레이터의 기획으로 1960년대와 70년대 한국 실험미술을 조망하는 전시가 개최되었습니다 당시 작가들은 국내에서 인정받지 못했음에도 불구하고 묵묵히 자 신의 예술적 신념을 지켜왔습니다
doing at that time. I was in Seoul at the same time; there was a lot of pressure to conform, especially for women she was brave and just did her own thing.
But Korean art didn’t fall out of the sky and start in the 1980s. There has been a wonderful history of Korean art throughout the 20th century. The dansaekhwa artists and then postdansaekhwa artists were not recognized in their own country and it actually took people outside Korea to validate them.
The Solomon R. Guggenheim Museum in New York recently had a show about experimental art in Korea in the 1960s and ’70s, curated by the brilliant Kyung An. Those artists did not get proper recognition but, nonetheless, they kept working away. I have a lot of respect for that. Now, it’s different. In Venice, Kim Yun Shin, who is approaching 90, is showing a whole installation of wooden sculptures. Better late than never!
MM Do you feel a particular responsibility to support Korean or Koreandiaspora artists? Or is it maybe because of shared experience or concerns that their work might resonate with you? Or, actually, is it more simply that you like lots of different things and some of them happen to be Korean?
ML It’s all of the above. There’s definitely some responsibility and kinship because we have shared experiences. But it has to start with good art. The art scene in Korea is just becoming so exciting. The artists that are coming out of Korea, the museum shows, the whole buzz is more and more vibrant. But the quality has to be there first. You can’t just cheer for a team because you’re related to it. If, say, I’m collecting from Commonwealth and Council, which is run by two Koreans, it’s because they show good art. The additional bonus is that they happen to be two of the loveliest art people out there, in my opinion. MM W ho is on your “wish list” right now?
ML There’s been a lot of sculpture on my list recently. Leilah Babirye, who has work in Venice. Dana Schutz her paintings, but also her sculptures. I saw Willem de Kooning’s sculptures in Venice and they reminded me of Schutz: or vice versa. Then there’s a very quiet but beautiful piece by Amy Yao, which is a pile of rice in a corner, reminiscent of a Felix Gonzalez-Torres candy installation. Also the sculptor Rose B. Simpson.
MM So, for my last question: if there were a fire and you could save just one work, what would it be?
ML E asy! A Timothy GreenfieldSanders photograph that’s hanging in my bedroom. He was a parent at my kids’ school and, at a charity fundraising event, he took a black and white photograph of them when they were around eight and ten. He perfectly captures my daughter’s idealism and my son’s brash, devil-may-care attitude. He just nailed their personalities, even at that young age.
판단 기준으로 삼
아야 하는 것이죠 특정 팀과의 개인적인
친분은 무조건적인 지지의 정당한 근거가
될 수는 없습니다 예를 들어, 두 명의 한 국인 설립자를 둔 커먼월스 앤드 카운실
(Commonwealth and Council)의 작품을
소장하게 된다면, 그 이유는 그들이 좋은
미술을 보여주기 때문입니다 물론, 제가
생각하기에 그들은 가장 친절한 미술계
인사 중 두 분이라는 사실도 큰 장점이죠
MM 현재 ‘위시리스트’에 포함된 작가는
누구인가요?
ML 최근에는 특히 조각 작품들이 눈
에 띄고 있는 것 같습니다 예를 들어, 베
니스 비엔날레에 참여한 레일라 바비라
이(Leilah Babirye) 작가의 작품이 그렇습
니다. 데이나 슈츠(Dana Schutz) 작가는
회화 작품도 훌륭하지만, 조각 작업도 매
우 흥미롭습니다 베니스에서 윌렘 드 쿠
닝(Willem de Kooning)의 조각을 보았을
때, 슈츠 작가의 조각이 떠올랐습니다 그
반대로 슈츠 작가의 작품이 드 쿠닝을 떠
올리게 한다고 할 수도 있겠죠 그리고 고
요한 아름다움을 지닌 에이미 야오(Amy
Yao)의 작품도 있습니다 구석에 쌀 한 무
더기를 쌓은 그녀의 작품은 펠릭스 곤잘
레스-토레스(Felix Gonzalez-Torres)의 사
탕 설치 작품을 연상시킵니다 조각가 로
즈 심슨(Rose B. Simpson)도 떠오르네요
MM 마지막 질문입니다 만약 집에 화재
가 발생해서 단 하나의 작품만을 지킬 수
있는 상황이라면, 어떤 작품을 선택하시
겠어요?
ML 단연코 제 침실에 있는 티모시 그
린필드-샌더스(Timothy GreenfieldSanders)의 사진입니다! 제 아이들이 재학
중이던 학교의 학부모였던 그는 자선 모
금 행사의 일환으로 당시 8살과 10살이었
던 제 아이들의 흑백 초상화를 촬영했습
니다 딸의 순수한 이상주의와 아들의 장
난기 넘치는 명량함을 예리하게 포착했죠
아이들이 어렸을 때 찍은 사진이지만 개
성이 잘 살아 있어요
Miyoung Lee is a collector and trustee of the Whitney Museum of American Art, New York, USA. She lives in New York.
Choi Goen, the winner of this year’s Frieze Seoul Artist Award, uses the expendable products of city life to examine the cycle of making, placing, destruction and re-creation.
올해 프리즈 서울 아티스트 어워드 (Frieze Seoul Artist Award) 의 수상자인 최고은 작가는 도시 생활 속에서 흔히 소비되는 가전이나 산업 자재를 미술품으로 변형하며 , 이를 통해 현대사회 속 생산과 유통 , 폐기와 재생산을 아우르는 순환적 구조를 탐구한다
RE-MAKE/RE-MODEL
Dinosaurs have always fascinated me. These creatures dominated the primordial Earth, but now are gone, leaving only fossils as evidence of their presence. Whenever I see these displayed in a museum, I wonder about what remains after everything else has vanished. What will endure from today’s world? If COEX burned down, if Seoul fell into ruin, what would testify to our existence? That my imagination tends in this direction may stem from a slight disillusionment with the city.
At Frieze, there are works by Choi Goen instead of dinosaur fossils. Choi has become known for her series that involves gathering, cutting and refashioning second-hand white goods into abstract forms. Apart from their time-worn pallidity, brought about by a natural process of aging, her “White” series shares a kinship with fossils as ontological evidence. Choi has traveled the outskirts of the city, gathering these materials like a practiced archaeologist. The further she ventures from Seoul, the more outdated and virtually functionless the appliances she retrieves. She refers to these materials as products of stratification with monumental qualities. Anyone driving along the Seoul Ring Expressway, which encircles the city like a cell membrane, can witness transnational recycling facilities mush rooming all around. These sites are fueled by the life cycles and changing economic circumstances of the city’s saturated population particularly young students and newlyweds. Workers of countless nationalities dismantle, sort and load the corpses of refrigerators, air conditioners,
washing machines and dishwashers into containers destined for “emerging” countries, while the logos of global electrical giants adorn apartment buildings in the background.
In a city like Seoul, it’s not unusual for things we order at midnight to be delivered to our doorstep before we leave for work the next morning. People are no longer amazed that this is possible; instead, they are shocked and angry when this becomes impossible due to strikes, for example. The city’s nights are no longer the time of wandering ghosts or spirits but rather the time of shadowy servants of material infrastructure, the darkness colonized by our daytime. To be honest, I’m cautious about using such terms since I know nothing about colonial ambitions, but it’s disconcerting to sense a material foundation that I can’t touch beneath my seemingly perfect, technologically connected life. This is not an ethical or political frustration but a sensory failure. I suspect Choi’s work also stems from such frustrations.
In 2019, when she exhibited her sculpture of a freestanding air-conditioner shell in the annex courtyard of the Seoul Museum of Art (SeMA), which is housed in the former Belgian consulate, I wondered how it appeared to the caffeine-infused office workers in the bustling streets of Gangnam. White Home Wall: Welcome (2024), one of two largescale sculptures installed at COEX, similarly arrived through the city’s narrowed arteries and aged wrinkles. Its perfect, polished surface reflects both the desire for self-expression and institutional demands. Meanwhile, her series using
그들을 자국이라 부를 수 있다면 내가 가 장 좋아하는 자국은 공룡이다 원시 지 구를 지배하던 공룡은 모두 사라졌다 종 전체의 우울한 종말을 암시하는 흔적이 기 때문일까? 박물관에 숭고하게 진열된 공룡 화석을 볼 때마다 나는 무엇이 사라 진 후의 자국에 대해 생각하기를 멈출 수 없다 나는 현실에서 이 생각을 지속한다 코엑스가 사라진다면, 서울이 폐허 속에 묻힌다면 스크린 위에서 반짝이는 것이 퇴색한 후에 무엇이 남아 이 도시의 자국 이 될까? 프리즈 서울(Frieze Seoul)에는 공 룡 화석 대신 최고은의 작품이 놓여 있 다 그는 중고 백색 가전을 수집해 절단 하고 때로는 추상화된 형태로 다시 조립 하는 연작을 통해 미술계에 데뷔했다 그 의 대표작 《화이트》 시리즈는 시간의 흐
글로벌 전자 기업의 아파트가 즐비하게 늘어서 있다 서울과 같은 도시에 사는 한, 자정에 주문한 생필품이 다음날 출근 전 문 앞에 배송되는 일은 그다지 낯설지 않다 사람 들은 어떻게 이것이 가능한지보다 종종 파업과 같은 재난으로 이런 일이 실현 불 가능할 수 있다는 사실에 더 쉽게 놀란 다 도시의 밤은 방황하는 유령이나 영혼 의 시간이 아니라 도시의 낮이 식민화한 물질-인프라의 시간이다 물론 나는 식민 주의에 대해 거의 아는 게 없는 한국인이 지만 모든 것이 완벽한 첨단 기술로 시 각화된 나의 삶에 더듬을 수 없는 물질 적 근거가 있음을 직감하는 순간은 무척 당혹스럽다 나는 최고은의 작업 역시 이 감각적 실패가 주는 좌절감을 딛고 있으 리라 추측한다 2019년, 옛 벨기에 영사관을 고쳐 만 든 서울시립미술관 분관의 앞뜰에서, 그 가 백색 에어컨의 외피를 발라내어 세 운 조각은 카페인 음료를 들고 강남대로 를 걷는 한낮의 회사원들에게 어떤 의미 로 다가갔을까? 몇 년이 지나 〈화이트 홈 월〉은 도시의 좁은 혈관과 깊은 주름을 연상시키는 도로망을 따라 코엑스에 도 달했다 매끄럽게 연마된 순수한 흰 벽 은 자기표현의 욕구와 제도의 욕구를 동 시에 반영한다 한편, 그는 비교적 최근에 구리와 황동 파이프 배관을 이용한 새 시
리즈를 시작했다 이 요소는 우리 주위의 어디에나 있으면서 그럼에도 거의 눈에 띄지 않는다 파이프는 건물의 외피를 관 통해 벽과 벽, 면과 면을 꿰매듯 잇고 좌
Opposite Choi Goen in her studio in Seoul, 2024
Photography Hasisi Park
copper and brass piping began relatively recently. These materials are perhaps the most ubiquitous yet entirely invisible of all those around us. Choi’s pipes pierce the building’s skin, stitching wall to wall, surface to surface. In the three-person exhibition “Yolk,” at Cylinder gallery in Seoul in 2023, Choi’s pipes extended from their pedestal, attacking the purity of sculpture. They are unconcerned with transporting water or gas; they exist to prove themselves, thereby proving the world, incorporating other materials like cement, concrete, glass and polyu rethane as they go. The movement of the pipes is variable and dynamic, deriving from the force of pressing, tearing, splitting, bending and cutting. This force is no longer constrained by the limits of the human body, can no longer be considered “corporeal.”
I n 2019, when the “White” series was showcased at SeMA, Choi also had a solo exhibition at Thomas Park New York. Its curator, Park Mimi, rewrote the opening lines of Wallace Stevens’s poem “Disillusionment of Ten O’Clock” (1915). “The houses are haunted / By white night-gowns” became “the (Korean) apartments are haunted by white air conditioners.” She continued: “In Korean, a wife is ‘a-nae,’ which means an ‘indoor person.’ [...] It is not surprising to see at the center of Korean women’s desires new refrigerators, new air conditioners, along with new big apartments. You are living in a house of desire, specially built by other people; you might realize at one point you don’t even know what you really desire other than cutting a fridge in half.” Park captures Choi’s shrewd,
preemptive approach as a Korean woman artist. But I think this sentiment also aligns with the general outlook of our era. The act of cutting vertically to transition to a horizontal order reflects a new generation’s attitude toward place and space. Since the 1990s, contemporary art in Korea has been significantly influenced by the biennials in Gwangju, Seoul and Busan and primarily shaped by spectacular installations that are intricately tied to cultural symbols. Recently, though, young artists in Seoul have begun to challenge this trend. While using the technical legacy of previous generations, they don’t want to blend in with a space, but to establish an equal order with the other objects within it. They seek to break away from treating material as a relational or historical ingredient. Choi is one of these young “sculptors.” As a curator, I believe that good art should challenge the way we see and use materials and media. That is both the virtue and the duty of art. Today, almost everywhere is filled with sensors that define me by my scale, depth, velocity and material, but none of which ask who I truly am. The experience of living in such a city is both painful and intriguing. And, suddenly, it will make us want to cut the fridge in half or ram pipes through the walls.
간의 한계에 귀속되지 않기 때문에 우리
는 더 이상 그것을 신체적’이라 부르지
않는다
서울시립미술관에 《화이트》 시리즈
가 놓인 2019년, 최고은은 뉴욕에서 개인
전을 개최했다 뉴욕 전시를 기획한 박상
미는 월리스 스티븐스(Wallace Stevens)
의 시구 “그 집들에는 흰 잠옷이 떠돈다.”
를 다음과 같이 고쳐 썼다. “한국의 아파
트에는 흰 에어컨이 떠돈다.” 그는 이렇게
감상을 잇는다. “‘wife’를 한국어로 옮긴
아내’는 집 안에 있는 사람’을 뜻한다. (...)
한국 여성이 품은 욕망의 중심에서 넓은
새 아파트, 새 냉장고, 새 에어컨을 엿보
는 것은 그다지 특별한 일이 아니다 다
른 사람이 지은 욕망의 집에 살다보면 당
신 또한 문득 냉장고를 반으로 자르는 것
외에는 자신이 진정으로 원하는 게 무엇
인지 모른다는 사실을 깨닫게 될 것이다.”
박상미의 관점은 최고은이 서울의 젊은
여성 작가로서 선취하는 지점을 잘 짚는
다 다만 나는 아내’의 어원이 가진 시대
착오성과 무관히 이 정서 혹은 욕망이 우
리 시대 전반의 일반성에 더 가깝다고 말
하고 싶다 수직으로 서 있는 것을 절단 해 수평으로 전환하는 일은 장소와 공간
에 대한 새로운 세대의 태도와도 일치한
다. 1990년대 이후 한국의 동시대 미술은
광주, 서울, 부산에서 차례로 발생한 비엔
날레의 영향과 함께, 주로 장소를 다루는
설치 작품에 의해 번영했다 그러나 최근
서울의 젊은 작가들 사이에서는 이러한
관습에 반하는 움직임이 감지된다 그들
은 앞선 세대가 축적한 기술적 유산을 활
용하면서도 장소에 일시적으로 녹아들기
보다 복수의 객체가 공존하는 공간을 보
여주려 한다 물질을 역사나 관계성의 내
Above Choi Goen with White Home Wall: Welcome 2024
Park
Nari Ward 나리 워드 ongoin’
213 Itaewon-ro, Yongsan-gu, Seoul August 28–October 19, 2024
Seoul-born Yeong-shin Ma is a leading figure in graphic novels. His most recent work is Artist (2022), which traces the fortunes of three creative goons in their forties. Specially commissioned for Frieze Week, Ma offers a new episode in the life of Kwak Kyeongsu: socialite, crypto-investor and (sometimes) painter...
서울에서 태어나고 자란 마영신 작가는 한국 독립 만화계를 대표하는 만화가 중 한 명이다. 그의 가장 최근 작품인 『아티스트』 (2022)는 찌질한 40대 예술가 삼인방의 삶을 다룬 만화이다. 『프리즈 위크(Frieze Week)』의 특별 커미션으로 해당 원작 속 인물을 단독 주인공으로 내세운 에피소드를 새롭게 공개하는데, 이는 예술계의
UPON A SHIFTING
PLATE
Panel 1: [Artist. Lecturer at an art university.] | Mr. Kwak recently made some money from cryptocurrency. | “If things keep up like this ...” Pa nel 2: “... I might just hit financial freedom!” | Mr. Kwak began to feel more optimistic. Pa nel 3: Even though Mr. Kwak’s mood has been at the mercy of the volatile crypto market ... Pa nel 4: ... he’s been feeling on top of the world lately. | “Who’s up for drinks right now?” Pa nel 5: “Hey. What are you up to? Let’s go grab a drink.” | “Right now? I’m at work.” Panel 6: “I can meet up over the weekends.” Pa nel 7: “One does not schedule their drinking.” | Muahaha.
Panel 8: With his newfound wealth, Mr. Kwak relished in spontaneous drinking bouts with artists in Seoul. | “Hey, hang on a sec.” Pa nel 9: “I’ll get you a used Mercedes, buddy.” | [Aspiring actor.] Pa nel 10: “Really?” | “An actor should cruise around in a sleek car.” | Glug, glug, glug. Pa nel 11: “Bro, you’re the best!” | “I got you.” | Bubble, bubble, bubble. Pa nel 12: “Heh heh.” Pa nel 13: And so, Mr. Kwak ditched his lectures, went on a bender and started talking big to everyone. | “I’ll get you a better camera.” | “Invite a few of your model friends over.” | [Photographer.] Pa nel 14: “I’ll get you an air conditioner when you get married.” | “Invite a few of your actress friends over.” | [Independent film director.]
Panel 15: “You want a speaker? You got it.” | “Invite over some female webtoon artists you know.” | [Cartoonist.] Pa nel 16: “With looks like yours, it’d be a crime not to pass on those genes.” | [Writer in her mid-30s.] Pa nel 17: “I’ll cover the cost of freezing your eggs.” | “Whoa, you know it’s not cheap.” Pa nel 18: “What about me, Kyeongsu?” | “Hey bro, we’ve got a gig at 1969 for our new album release. Come through.” Pa nel 19: [Concert venue 1969.] Pa nel 20: “Body lover ~” | “... Lots of familiar faces here.” | Looking around. Pa nel 21: “Encore! Encore!” | “Oh, come on, another encore?” Pa nel 22: “The afterparty with the ladies is calling my name, though.”
Panel 23: Buzzing. Pa nel 24: “There he goes, hogging all the girls for himself.” | “Bro, let’s go out for a smoke.” Pa nel 28: “... Look at those little jerks acting like they don’t even see me.” | “Bro, what’d you say the budget is for my new speakers?” Pa nel 29: “They used to suck up to me ...” Pa nel 30: [A few days later.]
Panel 31: “What the ...” Pa nel 32: Mr. Kwak’s cryptocurrency had tanked big time. Pa nel 33: And just like his crypto had crashed, Mr. Kwak’s reputation quickly plummeted. | “Huh?” Pa nel 34: “This dude unfollowed me already?” Pa nel 35: Mr. Kwak attempted to fill the void by picking up his paintbrush ... Pa nel 36: ... but his creative enthusiasm quickly drained away. Pa nel 37: Only to be replenished by new hopes and dreams. | “This new coin is going to blow Bitcoin out of the water!” | Pissing.
HENRIQUE OLIVEIRA
MARCUS COATES
PASCALE MARTHINE TAYOU
THIJS BIERSTEKER
TOMOKO SAUVAGE
SEPTEMBER 4-7
ANDREA BOWERS
FRIEZE SEOUL
Andy St. Louis rounds up some of the outstanding shows in Seoul during Frieze Week 2024, from Elmgreen & Dragset’s installations to a survey of feminist art in Asia.
Leeum Museum of Art
“Anicka Yi: There Exists Another Evolution, but in This One” Art Spectrum 2024: “Dream Screen” September 5–December 29
There are two highly anticipated exhibitions at Leeum Museum of Art, where Korean American artist Anicka Yi makes her Asian institutional debut, and Rirkrit Tiravanija brings together an engaging showcase of young Asian art.
Co-organized by UCCA Beijing, “Anicka Yi: There Exists Another Evolution, but in This One” presents around 40 works, including new commissions that expand Yi’s experimental practice as well as earlier works that trace the development of her unorthodox use of organic matter, animatronics and fragrance over the past 15 years. The exhibition features the artist’s recent projects, which focus on the intelligence of non-human entities such as machines, fungi and seaweed to raise questions about anthropocentric thinking.
The museum unveils the newest edition of its long-running Art Spectrum exhibition series: a thematic group presentation of young artists hailing from across the region. With Rirkrit Tiravanija as artistic director, “Dream Screen” navigates the varied creative sensibilities of millennial artists and collectives. Among the 24 participants are Choi Yun, Kim Heecheon and Lee Eunsae (Korea), Wang Bo and Zhang Vivien (China), Kamonlak Sukchai (Thailand) and Yi-Fan Li (Taiwan).
Amorepacific Museum of Art
“Elmgreen & Dragset: Spaces” September 3–February 23, 2025
ON VIEW
Berlin-based duo Elmgreen & Dragset mark 30 years of artistic collaboration with one of their biggest exhibitions to date. Held in the cavernous galleries of the Amorepacific Museum of Art, “Elmgreen & Dragset: Spaces” shows off the artists’ singular ability to construct new identities and subvert specific his torical or social contexts through their uncanny spatial interventions. The various rooms staged in this exhibition invite viewers to situate themselves amid alternate realities that evoke facets of urban life across cultures and time. Their most ambitious work on view is a domestic space reminiscent of The Collectors, originally presented at the Danish and Nordic Pavilions at the Venice Biennale in 2009. In Seoul, viewers approach the house from the outside before exploring the interior, prompting conflicting impulses of in nocuous curiosity and deliberate invasion of privacy. Elsewhere, the artists reimagine The Whitechapel Pool (2018) as a luxury swimming pool devoid of patrons and filled with an array of lifeless white sculptures. Ambitious and affective, the exhibition echoes with absence yet bears indelible traces of myriad lives.
Ilmin Museum of Art “IMA Picks 2024”
Bek Hyunjin, Kim Minae & Cha Jeamin
August 30–November 17
Ilmin Museum of Art spotlights three contemporary Korean artists whose practices forge new perspectives on “aesthetic reality.” In “IMA Picks 2024,”
리움 미술관 아니카 이: 《There Exists
Another Evolution, but in This One》
아트스펙트럼 2024: 《Dream Screen》 2024년 9월 5일 – 2024년 12월 29일 올해 9월, 리움 미술관에서 개최되는 두 개의 전시가 국내외 예술계의 이목을 끌
고 있다 바로 한국계 미국인 작가 아니
카 이(Anicka Yi)의 아시아 첫 미술관 개
인전과 태국 작가 리크리트 티라바니자 (Rirkrit Tiravanija)가 주도하는 아시아 청
년 작가들의 주제전이다
UCCA 베이징과의 공동 기획으로 열
리는 아니카 이의 개인전 《There Exists
Another Evolution, but in This One》은 작
가의 지난 15년간의 예술적 행보를 아우
르는 40여 점의 작품들로 구성된다 유기
물, 기계, 냄새 등 독창적인 재료를 활용
한 초기작을 비롯하여, 실험적인 작업 세
계를 극대화하는 신작 커미션까지 총망
라한다 최근 기계, 박테리아, 해조류와 같
은 비인간 지능에 대한 탐구를 중점적으
로 진행해 온 작가는, 이번 전시를 통해
인간 중심적 사고에 대한 근본적인 질문
을 던진다. 20여 년의 역사를 자랑하는 ‘아트스펙
《Dream Screen》에서는 밀레니얼 세대 작가들과 콜렉티브들의 다채로운 창의적 감수성 을 조명한다 총 24명의 참여작가 중, 한 국의 최윤, 김희천, 이은새를 비롯하여, 중 국의 왕보(Wang Bo), 장 비비엔(Zhang Vivien), 태국의 카몬락 숙차이(Kamonlak Sukchai), 대만의 이환이(Yi-Fan Li) 등이 이름을 올렸다
아모레퍼시픽 미술관 엘름그린&드라그셋(Elmgreen & Dragset): 《Spaces》 2024년 9월 3일 – 2025년 2월 23일 베를린을 기반으로 활동하는 아티스트
Above Elmgreen & Dragset, The Screen, 2021. Courtesy: Amorepacific Museum of Art, Seoul; photograph: Elmar Vestner
엘름그린 & 드라그셋 (Elmgreen & Dragset) 의 대규모 개인전을 비롯하여 , 아시아 여성 미술을 조망하는 《접속하는 몸 : 아시아 여성 미술가들》까지 , 올해 프리즈 위크 (Frieze Week) 기간 동안 서울에서 개최되는
Bek Hyunjin, Kim Minae and Cha Jeamin mount concurrent solo exhibit ions across the three floors of the museum’s historic building, each independent of the others.
Bek’s multidisciplinary output includes abstract paintings, installations and performances executed without clear plans or objectives. He relies on intuitive processes to guide his engagement with the canvas as a space where gesture, movement and poetic and musical rhythm overlap. Through sculpture, Kim responds to architectural space by metaphorically exposing the contradictions of institutional structures. She reimagines the exhibition space as a perceptual frame within which viewers find themselves on equal terms with her playful sculptures. Quietly captivating video installations by Cha are informed by on-site research and personal interviews with individuals afflicted by anomalous maladies. The resulting works explore mysterious phenomena experienced by marginalized members of society, whether cognitively, emotionally or physically.
SONGEUN
“Portrait of a Collection: Selected Works from the Pinault Collection” September 4–November 23 Masterworks from one of the world’s great contemporary art collections fill the galleries of SONGEUN, where “Portrait of a Collection” presents around 60 pieces owned by French billionaire François Pinault, including video installations, sculptures, drawings and paintings. Caroline Bourgeois, chief curator of the Pinault Collection, has assembled a star-studded list of 22 established and emerging artists. The exhibition emphasizes “companionship,” a core tenet of Pinault’s collecting ethos. His long-term collabor at ions have resulted in deep holdings of works by artists including David Hammons, Marlene Dumas, Luc Tuymans and Rudolf Stingel, all of whom are featured prominently in the exhibition, in dialogue with younger artists. The exhibition unfolds across three floors of the Herzog & de Meuron-designed SONGEUN building, creating connec t ions among artists from different generations
빌리온에서 처음 선보였던 〈컬렉터의 죽 음(The Collectors)〉과 유사한 주거 공간 을 구현한 작품이다 집 외관을 먼저 살피 고 내부로 진입하도록 설계된 동선은, 관 람객들로 하여금 사적 공간에 대한 순수 한 호기심과 의도된 침범 사이의 상충되 는 갈등을 불러일으킨다 다른 전시실에
서는 〈The Whitechapel Pool〉(2018)을 새
롭게 선보이는데, 수영객 대신 일련의 경
직된 흰색 조각상들이 호화로운 수영장을
채우고 있다 이처럼 부재와 공허를 전면
에 내세운 이번 전시는 우리 삶의 무수한
잔상을 담아내어 강렬한 인상과 깊은 울
림을 전달한다
일민 미술관
《IMA Picks 2024》
백현진, 김민애, 차재민 2024년 8월 30일 – 2024년 11월 17일
일민미술관의 《IMA Picks 2024》는 미 학적 현실에 대한 새로운 시각을 제시하
는 세 명의 현대 한국 작가, 백현진, 김민
애, 차재민을 조명하고, 각 작가의 개인전
은 3개 층에 걸쳐 개최한다. 회화, 설치미
술, 행위예술 등 다양한 예술 분야를 넘나
들며 활동하는 백현진은 뚜렷한 계획이나 목적 없이 작업한다 그가 직관적으로
Above Riar Rizaldi, Otonomi Feral, 2024. Courtesy: the artist
and cultures that collectively reveal a compelling portrait of an extraordinary collection.
National Museum of Modern and Contemporary Art
“Connecting Bodies: Asian Women Artists” September 3–March 3, 2025
Contemporary reassessments of historically overlooked artists continue to inform the exhibition program at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA). Following the success of last year’s survey of Korean experimental art of the 1960s and ’70s, which traveled to the Solomon R. Guggenheim Museum in New York and Hammer Museum in Los Angeles, MMCA presents “Connecting Bodies: Asian Women Artists,” bringing feminist art practices from throughout Asia into comparative cultural dialogue. The exhibition focuses on artists from the 1960s to the present day through the lens of transcorporeality, a social-environmental theory that overlaps with feminist discourse, preserving horizontal connections while resisting hierarchies.
More than 100 artworks by 60 artists engage with topics such as “bodies as spaces of resistance,” “territory of sexuality,” “between goddess and monster,” “street performances,” “body, language, gestures” and “multiple bodies.” The thematic structure offers multidimensional explorations of Asian women artists that transcend chronological classification and encourage intergenerational readings of their works. Shigeko Kubota (Japan), Lee Bul (Korea), Pacita Abad (Philippines), Melati Suryodarmo (Indonesia), Mrinalini Mukherjee (India) and Yin Xiuzhen (China) are notable participants, but visitors are certain to make new discoveries throughout this landmark exhibition.
Above Yee I-Lann, “Measuring Project: Chapters One to Seven,” 2021–22. Courtesy: the artist and National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul
와 오랜 시간 협력 관계를 유지해 온 데이
비드 하몬스(David Hammons), 마를린 뒤
마스(Marlene Dumas), 로익 투이만(Luc Tuymans), 루돌프 스틴겔(Rudolf Stingel)
등 거장들의 작품들을 주축으로 신진 작
가들의 작품을 선보인다 헤르조그 앤 드
뫼롱(Herzog & de Meuron)이 설계한 송
은문화재단 사옥에서, 여러 시대와 문화를
대표하는 작가들의 작품을 3개 층에 걸쳐
유기적으로 연결하여 전시함으로써 피노
컬렉션의 웅장한 면모를 드러낸다
국립현대미술관 서울
《접속하는 몸: 아시아 여성 미술가들》
2024년 9월 3일 – 2025년 3월 3일 국립현대미술관은 미술사에서 간과되어
온 작가들에 대한 현대적 재고를 전시 기
획에 꾸준히 다뤄 왔다 작년 뉴욕 구겐하
임(Guggenheim) 미술관과 로스앤젤레스
해머(Hammer) 미술관에서 성황리에 개
최되었던 1960-70년대 한국 실험미술에
대한 전시의 호응에 이어, 올해 국내에서
는 아시아의 여성주의 미술을 초국가적· 비교문화적 관점에서 조망하는 《접속하는
몸: 아시아 여성 미술가들》를 준비했다
여성 작가들 을 다각적으로 접근하며,
분류 를 넘어서 동시대적 관점에서 새롭게 고 찰하는 시도이다 구보타 시게코(Shigeko Kubota, 일본), 이불(한국), 파시타 아바드 (Pacita Abad, 필리핀), 믈라티 수리오다르 모(Melati Suryodarmo, 인도네시아), 므 리날리니 무케르지(Mrinalini Mukherjee, 인도), 인시우젼(Yin Xiuzhen, 중국) 등 저 명한 작가들의 참여와 더불어
본 전시는 생태학, 사회학, 여성주의를 결 합하는 ‘횡단신체성(transcorporeality)’ 개 념을 차용하여 1960년대부터 현재까지의 아시아 여성 미술가을 조망하며, 위계적 질서에 저항하고 수평적 연대의 가능성을 제시하고자 기획되었다 60명의 참여작가의
frieze.com/membership-subscriptions
Photo: Sergiy Barchuk
Designer Rejina Pyo pioneers her brand of the artful and the practical in dressing from London: but her vision is deeply shaped by the energy and traditions of the city she was born in, she tells Joe Bobowicz.
주목받아 왔다 조
(Joe Bobowicz) 와의 인터뷰에서 그녀는 런던을 중심으로 활동하고 있지만 브랜드의 방향성은 언제나 자신이 성장한 서울의 에너지와 전통에 기반하고 있음을 전한다
“SEOUL IS THE NEW YORK OF ASIA”
JOE BOBOWICZ
You started your label ten years ago with a clear objective to empower women. Who was the first woman to inspire you creatively?
REJINA PYO
My mother was the first person I knew who had a style all her own and a distinctive sartorial point of view. She would effortlessly put together outfits in such a unique and stylish way and possessed an exceptional sense of color. Her home is filled with special objects she has collected, including artworks, furniture and clothing. When I return home, I can see the threads of inspiration in my collections. She was never afraid to be different, which made a significant impact on me, especially growing up in Korea.
JB W hen designing, you always keep the realities of women’s lives in mind, blending offbeat quirks with practicality.
RP Designing for modern women is all about understanding the demands of their busy lives and creating pieces that complement their lifestyle. I aim to create unique and timeless designs, while ensuring the garment remains practical and wearable. I believe that artful details and distinctive silhouettes in bold colors can elevate our sense of self and empower us.
JB There’s a sculptural aspect to your silhouettes and cuts. Are there elements of architecture that guide you?
RP A rt and architecture have always been central to my work. For my graduate collection, I collaborated with a Korean sculptor to create aged-wood totems that models carried and wore with the garments. Each collection since has evolved as an ongoing story. Architect ural silhouettes, volume and sculpture are present in all my designs, from
voluminous sleeves to the shapes of our wooden heels. I see these media as interconnected sources of inspiration that inform and evolve into one another.
JB You’ve commented before on your love of the Tudor and Jacobean architecture in London, and the Barbican’s brutalist glory. What do you like about Seoul’s buildings?
RP S eoul has an extraordinary cityscape. I love its jumble of old and new. At first sight especially to Western tourists who might be used to the grandeur and elegance of architecture in Europe parts of Seoul can appear very ugly: a seemingly endless repetition of identical-looking tower blocks built in haste (and out of great need) in the aftermath of the civil war. But, in between all these high-rise apartments, which to me actually have their own charm, you find extraordinary buildings that have sprung up in the last 25–30 years, designed by a host of pioneering Korean and international architects. You can also find pockets of traditional Korean hanok buildings around Seoul, which I am particularly fond of t he serenity of the design, the lateral living and multipurpose use of space, and an internal courtyard that centers every t hing and brings a great sense of tranquility.
JB From Roger Hilton to Gillian Ayres, you’re a big fan of abstraction. What inspires you about it?
RP I ’m equally drawn to both abstract and figurative art. In abstract pieces, I’m fascinated by the direct exploration of composition, surface, colors and texture. I love that each viewer brings their own unique interpretation to the work.
JB A fter your Central Saint Martins fashion MA in 2011, you were invited
조 보보위츠( JOE BOBOWICZ)
10년 전, 여성들에게 힘을 실어주겠다는
분명한 목표로 브랜드를 시작하셨습니다
레지나 표의 창작 여정에 영감을 준 첫 번 째 여성은 누구였는지 궁금합니다 레지나 표(REJINA PYO)
제 어머니입니다 어머니를 보며, 본인만 의 확고한 스타일과 견고한 디자인의 옷 에 대한 안목을 처음으로 형성하게 되었 습니다 독창적이면서도 세련되게 옷을 스 타일링하시는 능력은 물론, 색을 조합하시 는 감각 또한 뛰어나세요 수년간 수집하
신 예술품, 가구, 의류 등의 특별한 오브제 들로 집을 꾸미셨는데, 본가를 방문할 때 마다 제 컬렉션 속에서 영감이 되었던 요
소들의 실마리를 발견하곤 하죠 어머니께
서는 남들과 달라 보이시는 것을 두려워
하지 않으셨고, 한국에서 성장한 저에게 그러한 점이 큰 영향을 주었습니다
JB 옷을 디자인하는 과정에서 언제나
여성들의 현실적인 삶을 중심으로 실용성 과 개성의 조화를 이루고자 하시는 것 같 았습니다 RP 현대 여성을 위한 디자인에 있어 제 가 가장 중요시하는 점은, 그들의 바쁜 일 상에서 비롯되는
Opposite Rejina Pyo, 2024 Photography Jukka Ovaskainen
공통적으로 찾 아볼 수 있습니다 이러한 매체들은 서로 상호작용하며 새로운 조합을 만들어낼 수 있는 디자인적 영감의 원천입니다 JB 런던의 튜더 왕조 시대 건축물과 자 코비안 양식의 건축물, 그리고 브루탈리 즘의 성지인 바비칸(Barbican)에 대한 관 심을 예전에 언급하신 적이 있습니다 그 렇다면 서울의 건축물들에 대해서는 어떻 게 생각하시는지 궁금합니다. RP 서울은 정말 아름다운
on a residency at Rotterdam’s Museum Boijmans Van Beuningen. Was that your first time working in the art world?
RP Yes. It was a great joy to be given such complete creative freedom and not be constrained by what is wearable or how to produce the work at scale. It was so different to developing a collect ion. I could experiment with rigid materials and distorted or oversized shapes and really play around with size. I thought about how static pieces sit within the exhibition space. It was a very collaborative experience, too. I worked with metal workers to achieve some of the shapes, and operating within the limitations of those materials was actually really exciting.
JB For your SS20 collection, you famously referenced Etel Adnan. Which female artist is your longeststanding muse?
RP There is no specific person. I admire so many artists for various reasons.
I’m fascinated by their drive to create, their authenticity and the depth of emotions both pain and joy that they express over extended periods, resulting in powerful bodies of work.
JB I n 2023, you designed artist Ángela de la Cruz’s outfit for her opening at Galerie Krinzinger in Vienna, and Chantal Joffe asked specifically that her subject, the art historian Katy Hessel, wear one of your dresses for a sitting. How did you get involved with such a rich artistic community?
RP I have always spent any spare time I have visiting London’s many galleries. Now I am lucky enough to be invited to events like Frieze, where I meet artists. Conversations happen naturally, and I find these interactions enriching. There are many similarities between art and design, especially for women in these industries. Working or collaborating with women like Chantal Joffe, Katy Hessel and Ángela de la Cruz is a dream come true.
JB Despite being a London-based designer and graduate of Central Saint Martins, you first studied art at Hongik University in Seoul, before working for a Korean retailer. What, in your eyes, makes the Seoul creative scene unique, especially when compared to London?
RP I t hink of Seoul as the New York of Asia, with a palpable energy and a sense that anything is possible. One aspect of the creative scene in Seoul that feels a bit different to London is how positive creative collaborators are. The answer is always “yes” to any idea, no matter how challenging it might be; there is a very “can-do” attitude a sense that people are on your side. In London, it can sometimes be a bit more of an uphill struggle to get people on board! Every time I return to Seoul I come away feeling so inspired
J B W hich Korean artists will you be looking out for at Frieze Seoul?
RP M ire Lee and Yun Suknam. rejinapyo.com
JB 2011년에 센트럴 세인트 마틴 (Central Saint Martins)에서 패션 석사 학위를 받으시고, 로테르담의 보이만스
반 뵈닝겐(Boijmans Van Beuningen) 미
술관에서 입주 작가로 초청받으셨습니다
순수 미술 분야에서 작업하신 것은 그때
가 처음인가요?
RP 네, 맞습니다 옷의 기능이나 대량
생산을 고려하지 않아도 된다는 점에서
큰 창의적 자유를 느꼈습니다 컬렉션을
만드는 과정과는 완전히 달랐죠 뻣뻣한
소재를 사용하거나 형태를 일부러 비틀고
과장되게 표현하는 등 여러 실험을 할 수
있었습니다. 정말 다채로운 크기의 작품을
구상하며, 움직이지 않는 오브제를 실제
공간에 어떻게 보여줄지 고민하는 것도
신선한 경험이었습니다 당시 다양한 분야
의 협업자들과도 작업할 수 있었습니다
금속공들과 함께 특정한 형태를 구현하면
서, 금속이라는 재료의 특성과 제약 안에
서 작업을 구현하는 과정도 매우 흥미로
웠습니다
JB SS20 컬렉션에서는 에텔 아드난
(Etel Adnan)의 작업을 주요 레퍼런스로
삼으신 것으로 알려졌습니다. 지속적으로
영감을 주는 여성 아티스트가 있는지 궁
금합니다
RP 특정한 인물은 없습니다 저는 여러
예술가들의 다양한 면모를 보면서 존경심
을 느낍니다 예술가들이 창작에 쏟는 열
정과 진심, 그리고 그들이 오랜 시간 쌓아
온 경험을 바탕으로 작품에 담아내는 희로
애락과 다채로운 감정 표현에 항상 감탄하
곤 합니다 감동적인 작품은 이러한 요소
들이 어우러져 탄생한다고 생각합니다
JB 2023년 크린징거 갤러리(Galerie Krinzinger)에서 열린 앙헬라 데 라 크 루즈(Ángela de la Cruz)의 개인전 오프
닝 때 그녀가 입을 옷을 특별히 디자인하 신 걸로 알고 있습니다. 그리고 샹탈 조페 (Chantal Joffe)가 그린 미술사학자 케이 티 헤셀(Katy Hessel)의 초상화에서 헤셀
The Queen of Naples, Caroline Bonaparte Murat, owned thirty-four Breguet watches. Start with one. Make History with us.
“BRUSH STROKES MADE LIVE WITH LG TRANSPARENT OLED TV”
“SHAPING THE LAYERS OF MY FATHER’S PAINTING AND MY BROTHER’S REIMAGINED ART”
Buenos Aires, Argentina, 1916
Amex O ce in
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Writer Leslie Dick responds to the many layers of meaning in a haunting piece by Kang Seung Lee, whose work is currently on view at the Museu de Arte de São Paulo and the Venice Biennale.
Dick)
TWO BY TWO
Making a drawing that is a copy of a photograph, the image enters the eyes, moving down the arm, into the hand, as the pencil moves, leaving marks on the surface of the parchment. This embodied practice, almost automatic, opens the mind to wandering; memories entangled with future anticipations, pulled in both directions.
The drawing shows a double body, José Leonilson’s Lazaro (1993), two men’s shirts sewn together at the hem, arms reaching down to the floor. Later the object was made again, repeated: a threedimensional pattern cut and sewn, in sambe, woven by hand and traditionally used for funeral shrouds. The name Lazaro (who returns to life) embroidered in antique gold thread from Kyoto, using an alphabet of stylized hands, derived from the paintings of Martin Wong.
Hands making marks, hands stitching fabric, hands weaving a surface, hands scraping goatskin, hands forming words while pebbles and seed pods layer time and place, and a garden bears witness to our momentary passing. Later still, the double shirt will be worn by two dancers, their movements impeded and connected by twisted fabric. The shirt is a doorway, an echo, a reflection, as our beloved dead enter the shared now, within and beside us always.
향해 뻗어 나간다 이강승의 드로잉은 이중의 몸을 묘사한 다 이는 두 벌의 남성 셔츠 밑단이 위아래 로 봉합되어 소매 한 쌍이 바닥으로 뻗은 호세 레오닐슨(José Leonilson)의 옷 설치 작품 〈Lazaro〉(1993)를 기록한 것이다 이 후, 레오닐슨의 셔츠를 다시 한 번 제작하 는데, 이번에는 전통 장례식 수의에 사용 되는 소재인 삼베를 자르고 꿰매어 입체 적인 형상으로 새롭게 재현한 것이다 천 에는 ‘라자로(Lazaro, 부활한 자)’라는 이 름이, 마틴 웡(Martin Wong)의 회화에서 양식화된 수어 알파벳을 글꼴로 활용하여 교토에서 구한 금실로 수 놓였다 자국을 남기는 손, 천을 봉합하는 손, 화면 을 짜는 손, 염소가죽을 긋는 손, 단어를 형성하는 손 그 한편에서는 시간과 장소 를 겹겹이 축적하는 조약돌과 씨앗, 그리 고 덧없이 지나가는
“Sala de vídeo: Kang Seung Lee” is on view at the Museu de Arte de São Paulo, Brazil, until November 17.
Kang Seung Lee will be in conversation with Pablo José Ramírez for Frieze Talks, in association with Kiaf SEOUL and KAMS. For more information, visit: frieze.com
Leslie Dick is a writer and senior critic at Yale School of Art, New Haven, USA. She lives in Connecticut, USA.
《Sala de vídeo: Kang Seung Lee》는 브라질 상파울루의 상파울루 미술관(Museu de Arte de São Paulo)에서 11월 17 일까지 진행된다. 프리즈 서울, 키아프 서울, 예술경영지원센터(KAMS)가 공동주최하는
Right Kang Seung Lee, Untitled (Lazaro, Jose Leonilson 1993), 2023. Courtesy: the artist and Commonwealth and Council; photograph: Paul Salveson
