Sueño y realidad. Un homenaje a Miguel Agraït

SUEﾃ前 Y REALIDAD un homenaje a Miguel Agraﾃｯt

FUNDACIÓN CHIRIVELLA SORIANO DE LA COMUNITAT VALENCIANA Presidente Manuel Chirivella Bonet Vicepresidenta Alicia Soriano Lleó Secretario Joan Mansanet i Mansanet Vocales Ayuntamiento de València Representado por Mairen Beneyto Regidora Delegada de Cultura Generalitat Valenciana Representada por Rafael Ripoll Navarro Secretario Autonomico de Cultura i Esport Diputación de València Representada por Mª Jesús Puchalt Miguel Chirivella Bonet Manuel Chirivella Soriano Eugenio Chirivella Soriano Margarita Soriano Lleó Rafael Tejedor Chapín José Luis Giner Borrull La Fundación Chirivella Soriano recibió la Medalla de las Bellas Artes 2007, que le concedió la Real Academia de BB AA de San Carlos, por la labor que desarrrolla en favor de los artistas valencianos.

Y la Medalla de Plata del Consell Valencià de Cultura 2007 -que se otorga por primera vez como “Benefactora del Patrimonio” por estimular la realización de actividades dirigidas a poner en valor dicho patrimonio desde la iniciativa privada.

EXPOSICIÓN Comisariado GALERÍA PUNTO FUNDACIÓN CHIRIVELLA SORIANO Diseño y dirección de montaje Rafael Tejedor Ayudantes de coordinación José Luis Giner Isabel Lleó Bienvenido Simón Daniel Jordán Amparo Olmos Audiovisual Raquel Quiñones Iluminación, montaje, carpintería y pintura Equipo de la Fundación Chirivella Soriano

CATÁLOGO Textos Manuel Chirivella Bonet Amparo Agraït Zaragozá Román de la Calle Ricard Bellveser Juan Manuel Bonet Javier Carles Manuel García Tomás Llorens Rafa Marí Christian Parra-Duhalde Rafael Prats Rivelles José R. Seguí Salva Torres Rafael Ventura-Melià

Diseño y maquetación Rafael Tejedor Fotografías catálogo obras Tato Baeza Fotografías documentales GALERÍA PUNTO Traducción inglés Traducciones Lambe & Nieto Impresión Imprenta Torres ©De los textos: los autores ©De las imagenes: los propietarios y/o depositarios ©De la presente edición: Fundación Chirivella Soriano de la C.V.

SUEﾃ前 Y REALIDAD un homenaje a Miguel Agraﾃｯt

To live dreaming.

Dreaming to live.

“Nothing belongs to you more properly than your dreams” Friedrich Nietzsche

The rise of rational thought in post-medieval Europe was a violent process compared with the previous ways of structuring culture in general and thought in particular. Reason presented itself as a new methodology for defining both the objects of thought and the connection between thought and action in the objective, subjective and social worlds.

Thus a mode of thought and practical action (“practical reason” in Kantian terms) gradually established itself, and by rejecting “old” ways of thinking (basically classical deductive currents of thought), it fostered the development of new forms of subjectivity.

Reason constitutes a method of thought that justifies itself by being well fitted to a subsequent ethical purpose or principle, and on the other hand it is a powerful ideology which involves adopting a number of principles, the most important of which are linearity of thought and, by extension, of reality itself, the reduction of things to mechanical principles, the over-simplification of argument and analysis, the flatness of the world, the depreciation of other functions of the intellect -especially in the emotional sphere- and increasing individualism in the action of the subject.

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The rationalist type of imaginary which has gradually established itself in the world we live in has discarded what has hitherto been an intrinsic element of the history of humanity: the capacity to dream of a different world, better than the one we have so far managed to construct.

The nature of utopianism, as an indispensable prerequisite of human existence, is something of which people tend to be unaware nowadays. Utopia as eschatological tension, in other words, as that which does not exist in the present but which could exist in the future, has been a feature of human affairs since the beginning of history. It is possible to argue that history needs utopias. As Franz Hinkelammert observes in his Critique of Utopian Reason: “This construction of impossible worlds which illuminate the formation of possible worlds is not just a modern problem; it clearly runs right through human history.”

What would become of our existence without desirable, dreamable and potentially livable future ideals? Could we live at all without dreaming of something better?

Vivir soñando.

Soñar para vivir.

“Nada os pertenece en propiedad más que vuestros sueños”.

Friedrich Nietzsche.

El ascenso del pensamiento racional en la Europa post-medieval fue un proceso violento respecto de las antiguas formas de estructuración de la cultura en general y del pensamiento en particular. La razón se presentó como una nueva metodología para definir tanto los objetos del pensamiento, como el enlace entre el pensamiento y la acción en los mundos objetivo, subjetivo y social.

De este modo se fue abriendo paso una modalidad de pensamiento y de acción práctica (“razón práctica” en términos kantianos) que rechazando las “viejas” formas de pensar, básicamente las corrientes del pensamiento deductivo clásico, propició la constitución de nuevas formas de subjetividad.

La razón constituye un método de pensamiento que se justifica a sí mismo en la adecuación a un fin o principio ético ulterior y, por otro lado, es una poderosa ideología que implica la adopción de varios principios, entre los cuales destacan: la linealidad del pensamiento y, con ella, de la realidad misma, la reducción de las cosas a principios mecánicos, la sobre–simplificación de los argumentos y los análisis, el carácter plano del mundo, la desvalorización de otras funciones –especialmente en el plano emocional– del intelecto y el creciente individualismo en la acción del sujeto.

El imaginario de corte racionalista que se ha ido instalando en el mundo en que vivimos ha desechado lo que ha sido un elemento constitutivo hasta ahora en la historia de la humanidad: la capacidad de soñar con un mundo distinto y mejor al que hemos sido capaces hasta ahora de construir.

El carácter de lo utópico, como factor imprescindible para la existencia humana es algo que actualmente se tiende a desconocer.

La utopía en cuanto tensión escatológica, es decir, como aquello que no está en el presente pero que podría estar en el futuro, ha acompañado el acaecer humano desde los orígenes de la historia.

Es posible sostener que la historia requiere de utopías. Franz Hinkelammert señala en Crítica a la razón utópica que: “Esta construcción de mundos imposibles que alumbran a la formación de mundos posibles, no es sólo un problema de hoy, sino que pasa visiblemente por toda la historia humana”. ¿Qué sería de nuestra existencia sin referentes futuros, deseables, soñables y potencialmente vivibles? ¿Sería posible vivir sin sueños de algo mejor?.

La condición humana nos provee de la capacidad de imaginar escenarios distintos a la realidad que vivimos, desbordando los límites que esa realidad nos impone. Quizá sea el momento de

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The human condition endows us with the ability to imagine scenarios different from the reality in which we are living, transcending the boundaries which that reality imposes on us. Perhaps the time has come to institute an effort to recover the ability to dream, provided we do not lose sight of the radically dissident nature of the utopian ideal, allowing us to remain constantly alert to the temptations involved in exercising power of any kind. This raises the profound question of the ambiguous but inevitable relationship between politics and ethics, which urgently needs to be addressed and reviewed.

The very evolution of rational thought and the results of practical reason, especially those that prevented absolute coordination of thought and action, have served to reveal other facets of reason and have relativised the implicit assumption of a possible “total” rational reduction of the world.

It is probably not possible nowadays to realise a single dream capable of metabolising and subsuming all our demands for a better world. Utopia persists, but is dispersed, properly and legitimately distributed among many individual and collective dreams.

Perhaps what is possible nowadays is the utopia of diversity, of multiple, isolated dreams that can recognise each other and be mutually articulated so as to begin to construct a common dream.

It is time to start working on the basis of a small-scale utopia from which we can progress towards a full-scale utopia.

As we pursue this passionate, disquieting and ultimately uncertain task -for, as Fernando Pessoa said, “at the borders of sleep comes the inevitable thought of impossibility”- the need for art emerges.

Mondrian spoke of the possible disappearance of art. In his view, reality may finally displace artworks, the essence of which lies precisely in the fact that they are a surrogate for the equilibrium which is always lacking in reality around them.

This idea of art as a “surrogate for life”, a social balancing factor, contains a partial recognition of the nature and necessity of art.

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But art is much more than a surrogate; it is a source of revelation of a profound relationship between humanity and the world.

Human beings' capacity to dream, mentioned previously, leads to an attitude of rebelling against having to consume oneself within the transitory, fortuitous limits of one's own personality.

In this unending aspiration towards a more comprehensible, fairer world, towards a world “with meaning”, which we want to absorb and incorporate into our personality, we need art to unite our limited self with the life of the community, to make our individuality “social”.

To achieve that plenitude we long for, we have to take possession of those experiences of others that could potentially be our own.

However, what people learn to regard as their potential includes everything humanity is capable of doing. Art is the indispensable means of achieving that fusion of the individual with the whole. It reflects our infinite capacity to associate ourselves with others, to share experiences and ideas.

The current function of art is therefore to clarify social relationships, to enlighten human beings in increasingly opaque societies, to help them know and change social reality.

Art is the dream that keeps us awake. It is a passionate commitment to the future, for, as André Breton said, “a work of art only has value if the future vibrates within it”.

The dream of knowing contemporary art and making it known to others, the devotion to that task, born of passion, and all it implies in terms of looking to the future, are perhaps the defining factors in the life and work of Miguel Agrait Colomer, which this exhibition seeks to recognise.

iniciar un esfuerzo de recuperación de la capacidad de soñar, con la prevención de no olvidar el carácter radicalmente inconforme del referente utópico, que nos permita mantenernos en alerta permanente frente a las tentaciones propias del ejercicio de todo poder. Surge aquí la profunda relación, ambigua pero inevitable, entre política y ética que urge abordar y revisar.

La misma evolución del pensamiento racional y los resultados de la razón práctica, especialmente aquellos que impidieron una absoluta coordinación entre pensamiento y acción han venido a demostrar otros rostros de la razón y la relativización del supuesto implícito de una posible reducción racional “total” del mundo.

Probablemente hoy no sea posible la realización de un sueño único, capaz de metabolizar y subsumir todas nuestras demandas por un mundo mejor. La utopía subsiste, pero se halla dispersa, distribuida de manera válida y legítima en muchos sueños individuales y colectivos.

Quizá hoy es posible la utopía de la diversidad, de sueños múltiples y aislados que pueden reconocerse y articularse entre sí para comenzar a construir un sueño común. Es el momento de comenzar a trabajar desde una utopía de mínimos que nos permita avanzar desde allí hacia una utopía de máximos.

En esta tarea pasional, inquietante y de final incierto, pues como afirmó Fernando Pessoa “en el umbral del sueño surge el pensamiento inevitable de la imposibilidad”, aparece la necesidad del arte.

Mondrian habló de una posible desaparición del arte. En su opinión la realidad puede acabar desplazando la obra de arte, cuya esencia consiste, precisamente, en ser un sustitutivo del equilibrio del que carece siempre esa realidad circundante.

Esta idea del arte como “sustitutivo de la vida”, como factor socialmente equilibrante contiene un reconocimiento parcial de la naturaleza del arte y su necesidad.

Pero el arte es mucho más que un sustitutivo, es fuente reveladora de una relación profunda entre el hombre y el mundo.

La capacidad de soñar del ser humano, antes aludida, determina una actitud rebelde contra el hecho de tener que consumirse dentro de los límites transitorios y casuales de su propia personalidad.

Ese anhelo permanente hacia un mundo más comprensible y justo, hacia un mundo “con sentido” al que quiere absorber e incorporar a su personalidad requiere del arte para unir su “yo” limitado a una existencia comunitaria, para convertir en “social” su individualidad.

Esa plenitud ansiada precisa de una toma de posesión de aquellas experiencias de los demás que puedan ser potencialmente suyas.

Ahora bien, lo que el hombre aprende como potencial suyo abarca todo cuanto la humanidad es capaz de hacer. El arte es el medio indispensable para esa fusión del individuo con el todo. Refleja su infinita capacidad de asociarse a los demás, de compartir experiencias e ideas.

Por ello la función actual del arte consiste en clarificar las relaciones sociales, en iluminar a los hombres en sociedades cada vez más opacas, en ayudar a éstos a conocer y modificar la realidad social.

El arte es el sueño que nos mantiene despiertos. Es una apuesta pasional de futuro, pues como decía André Breton: “una obra de arte sólo tiene valor si en ella vibra el futuro”.

El sueño de conocer y dar a conocer el arte contemporáneo, la dedicación, desde la pasión, a ese cometido y lo que ello supone de mirada al futuro quizá sean las claves definitorias de la trayectoria existencial de Miguel Agraït Colomer que en esta exposición se pretende reconocer.

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Recognition is simply a life attitude based on the premise that it is impossible to acquire subjective abilities without the contribution of others. It is a process of interaction calling for an unshakable determination to put oneself in the place of others, and requiring empathy.

Activating our memory and recognising others with whom we share common objectives, on the basis of empathy, is essential in any human activity.

But in order that this recognition does not remain a dead letter we have to reach people's deepest essence: their heart. Only by cultivating a feeling of empathy can we recognise in others the common bedrock of humanity that unites us, and achieve true recognition, which is primarily a moral act.

Contemporary art explores new sensibilities and, as Gilles Deleuze puts it, plays a decisive part, both critical and clinical, in making the real perceptible and in contributing to our awareness of our social “becoming”. Art, for Deleuze, does not therefore take place in the imaginary, or to put it another way, the distinction normally established between the imaginary and the real is irrelevant: there are not two independent spheres, that of private, mental, individual imagination and that of a distinct and separate social reality.

With admiration, and from the heart, we must remember and recognise the immense contribution of Miguel Agraït to culture in general and contemporary art in particular.

It is also a matter of recognising a way of life, dominated by the pursuit of achievable dreams, and of a life attitude of bravery, for as Aristotle said: “I count him braver who conquers his desires than him who conquers his enemies, for the hardest victory is victory over self.”

This way of life and life attitude are shared by his most intimate circle, his family, which keeps alive a legacy accepted by all its members from the very first moment.

It also constitutes a reminder that art always seeks to secure a better future, for it encapsulates hitherto unnoticed forces in reality and society, making them visible when they have not yet become established as clichés of contemporary culture.

In the “becoming” of the Fundación Chirivella Soriano, the exhibition in homage to Miguel Agraït will always represent the honour of having contributed to highlighting the decisive role played by a man who, together with his family, changed the artistic landscape of his city.

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Miguel Agraït's “becoming” shows that this dichotomy between dream and reality is in no sense axiomatic.

The infinite world of dreams has no limits; it is a mixture of desires, fears and realities.

It is true that, as Unamuno said, “when someone who dreams us dies, part of us dies with him”. It is true that Miguel Agraït is no longer physically present among us, but the presence of his ideas will always remain to help us remember that one can live dreaming, and not forget that one must dream to live.

Manuel Chirivella Bonet President of Fundación Chirivella Soriano de la C.V.

El reconocimiento no es sino una actitud vital que parte de la premisa de la imposibilidad de lograr capacidades subjetivas sin la contribución de los demás. Es un proceso de interacción que precisa de la inquebrantable decisión de ponerse en lugar del otro, que requiere de la empatía.

Activar nuestra memoria y desde la empatía reconocer al otro con el que compartimos objetivos comunes es fundamental en cualquier actividad humana.

Pero para que ese reconocimiento no se quede en letra muerta es necesario llegar al sustrato más hondo de las personas: a su corazón. Solamente cultivando el sentimiento de la empatía podemos reconocer en el otro el fondo común de humanidad que nos une, y realizar un auténtico reconocimiento, que es primeramente un acto moral.

El arte contemporáneo abre nuevas sensibilidades y adopta, según Gilles Deleuze un papel decisivo, crítico y clínico, de hacer perceptible lo real y de contribuir a que tomemos conciencia de nuestros “devenires” sociales. Por ello para Deleuze el arte no sucede en el imaginario, o lo que es lo mismo, la distinción que suele establecerse entre lo imaginario y lo real carece de relevancia: no existen dos ámbitos independientes, el de una imaginación privada, mental e individual, y el de una realidad social distinta y separada.

Con admiración y desde el corazón debemos recordar y reconocer la ingente labor de Miguel Agraït en beneficio de la cultura en general y del arte contemporáneo en particular.

Es también el reconocimiento a una forma de vida, transida por la persecución de sueños realizables, a una actitud vital valiente, pues como decía Aristóteles: “considero más valiente al que conquista sus deseos que al que conquista a sus enemigos, ya que la victoria más dura es la victoria sobre uno mismo”.

Forma de vida y actitud vital compartida por su núcleo humano más próximo, con su familia que mantiene vivo un legado que ya fue aceptado, desde el momento primero, por todos sus miembros.

Igualmente supone el recordatorio de que el arte siempre persigue la conquista de un futuro mejor, pues capta fuerzas todavía inadvertidas de lo real y lo social, haciéndolas visibles cuando todavía no se han afianzado como clichés en la cultura actual.

En el “devenir” de esta Fundación la exposición en homenaje a Miguel Agraït siempre representará el honor de haber contribuido a destacar el papel decisivo de alguien que junto con su familia modificó el panorama artístico de su ciudad.

El “devenir” de Miguel Agraït demuestra que esa dicotomía entre sueño y realidad en ningún caso es axiomática.

El infinito del sueño no tiene límites; deseos, miedos y realidades mezclados.

Es verdad como afirmó Unamuno que “cuando se muere alguien que nos sueña, se muere una parte de nosotros”. Es cierto que ya no podemos contar con la existencia presencial de Miguel Agraït, pero siempre permanecerá su existencia ideológica para con ella recordar que se puede vivir soñando y no olvidar que es necesario soñar para vivir.

Manuel Chirivella Bonet.

Presidente de la Fundación Chirivella Soriano de la C.V.

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Miguel Agraït Agrait Colomer: The Intimate Side of a Man Who Turned His Dreams into Reality Thinking about Miguel Agraït Agrait Colomer whips up a sea of thoughts on which an overwhelming personality, full of activity and profound feelings, is sailing.

Those who knew him well will agree with me that his outstanding qualities were his vitality, determination and courage, all seasoned with great originality and creative spirit only tempered by the pragmatic realism gained through experience.

A man of many contrasts who liked to make up his own mind, he rebelled unpredictably whenever anyone tried to pigeonhole him under a given label. Miguel had the gift of making the exceptional seem normal thanks to hard work and endeavour. At once, he cast an original light on the normalness of the everyday, eclipsing the monotony often induced by routine with flashes of genius and joie de vivre.

My father wrapped all these qualities up with an inimitable sense of humour and his friends can bear witness to his surrealistic wit.

Yet despite sometimes giving the impression of an absent-minded roguish genius, he always had his feet firmly on the ground, tackling head-on the problems that came his way before putting them in his backpack and continuing on his path.

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Miguel was a born fighter. His heightened sense of duty and work meant that he usually gave a little bit more than was expected or required of him, at the expense of his own efforts and the sacrifice of hours of sleep, time and comfort. And perhaps this winning formula is what today, in hindsight, arouses in us even greater admiration, realising how our father had managed to make his life's big dreams come true.

A music lover since childhood he attended the rehearsals of the Municipal Orchestra conducted by José Iturbi and was a soloist in the choir. He managed to combine this love with his other great dream of becoming captain of the football team of his School (El Pilar). Although his greatest personal triumph was conquering his wife and companion in life and in work Amparo Zaragozá. And, like in so many other things, he made the right choice. Few couples can have shared more hours of the day together: hobbies, work, family, friends and a long life lived intensely side by side. Never intimidated by anyone or anything, they always kept moving forward, each one leaning on the other for support, discussing their points of view over and over again, like two completely complementary and almost symbiotic beings. With a quick, enterprising mind, Amparo was and is the driving force that, in the practice, brought to fruition countless collaborations with the press, critics and intellectuals, as well as with museums and institutions in Spain and worldwide, who kept her in contact with Paris, New York or Taipei via Madrid, Berlin or Rotterdam.

Miguel Agraït Colomer: El lado íntimo de un hombre que hacía realidad sus sueños.

Cuando uno piensa en Miguel Agraït Colomer, se arremolina un mar de pensamientos en los que navega una personalidad arrolladora, llena de actividad y profundos sentimientos.

Los que lo conocían bien estarán de acuerdo en que de su personalidad sobresalían su vitalidad, determinación y coraje, todo ello sazonado con una gran originalidad y espíritu creativo solo mesurado por un pragmático sentido realista de la vida ganado a la experiencia.

Hombre de contrastes al que le gustaba formar sus propias opiniones, se rebelaba con actitudes imprevisibles a ser encasillado bajo etiquetas. Miguel tenía el don de convertir en normalidad lo excepcional a base de trabajo y esfuerzo mientras que, del mismo modo, iluminaba con sus ingenios la normalidad de lo cotidiano, apagando con momentos de genialidad y alegría la monotonía que a menudo se instala en las rutinas.

Mi padre empaquetaba todas esas cualidades con un inimitable sentido del humor y sus amigos dan fe de sus salidas surrealistas.

Pese a su aspecto ocasional de genio travieso y distraído, mantenía los pies bien plantados en la tierra afrontando de cara los problemas que le salían al paso para después cargarlos en una mochila que se colgaba a la espalda con la que seguir caminando.

Miguel era un luchador nato. Con gran sentido del deber y del trabajo, tendía a hacer un poco más de lo que se esperaba o necesitaba, a costa de su propio esfuerzo, de sus horas de sueño, de su tiempo, de su confort. Y quizás esta fórmula ganadora es la que hoy, volviendo la vista atrás, nos despierta en él mayor admiración, al comprobar que nuestro padre consiguió hacer realidad los grandes sueños de su vida.

Amante de la música desde su niñez había cantado de solista en el coro y asistía a los ensayos de la Orquesta Municipal dirigida entonces por José Iturbi, lo que compaginaba con su otro sueño de haber llegado a ser capitán del equipo de futbol del Pilar.

Aunque su mayor éxito personal fue la conquista de su mujer y compañera de vida y profesión Amparo Zaragozá. Y no se equivocó en su elección, como en tantas cosas. Pues pocas parejas han compartido más horas al día: aficiones, trabajo, familia, amigos y una larga vida vivida intensamente. Sin achantarse ante nada ni nadie, tiraban siempre adelante apoyándose el uno en el otro, discutiendo sus puntos de vista hasta la saciedad, como dos seres completamente complementarios casi simbióticos. De mente ágil y emprendedora Amparo era y es el motor que llevó a la práctica innumerables colaboraciones tanto con los medios de prensa, críticos e intelectuales, como con museos e instituciones nacionales e internacionales que la mantuvieron en contacto con Paris, NY o Taipéi pasando por Madrid, Berlín o Rotterdam.

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In bringing up their children they showed great tolerance and generosity, and ahead of their time, they exercised freedom of thinking, expression and choice. They instilled in us a profound sense of the southern European family: a iure sanguinis clan to which one belongs for life for better and for worse, with all its virtues and its drawbacks, with laughter and fallouts, but always present, a system of interdependent organs with different functions but all equally necessary to maintain total and balanced whole.

Without a doubt the great vocation that as a background inspired Miguel Agrait all times throughout his life, was to live for and through the art of his time. He started his love for art as a young man visiting the few exhibitions on show at Sala Mateu and at Círculo de Bellas Artes and buying a little painting with his first savings. Almost without realising it, what started off as a hobby soon turned into one of those irreparable addictions that guide our every step along life's path and that we can only see when looking back from a certain distance.

A tireless and spontaneous self-taught enthusiast, he learned day by day about his passion surrounding himself with great artists, critics, insiders and aficionados, visiting exhibitions and consulting his well-stocked art library which he was continuously collecting, turning his passion into his profession and his profession into a religion. His visit to the Venice Biennale in 1972 was an eyeopener to what was happening in the international art scene and from that moment on he did everything within his power to stage exhibitions in Valencia of some of the best international and Spanish artists, such as Dubuffet, Hockney, Hamilton, Liechtenstein, Warhol,

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Picasso, Tàpies, Miró, Chillida, Julio González etc. Years later, in 1997, Miguel and Amparo received the José Mateu Prize for "the gallery's ongoing work in popularising contemporary art" as part of the Alfons Roig Awards presented by Diputación de Valencia.

It was no accident that they had been equally engaged in the promotion and diffusion of promising young talents from Valencia abroad, like Equipo Realidad and Equipo Crónica, among others.

Miguel had an excellent visual memory and could recall the names of whole hosts of artists, remembering the art fair, museum or exhibition where he had seen this or that particular work. My father simply enjoyed the art world, debating and learning, and was ready to give his time and views freely to anyone who came up to him to talk about art, deigned to visit his gallery or shared his table. And he did it all so naturally, because it was not in his character to brag about his work, which was for him nothing but a dream come true.

In the great theatre of contemporary art he received kings, major collectors and relevant Spanish and international artists, decked in his Austrian jacket, in the same setting where just a few hours earlier he had helped to unload lorries, hammer nails and devise ingenious solutions to resolve a distribution and last-minute problems dressed in a lumberjack shirt. Never a shy man, my father was a great communicator and he used to coolly sell incomprehensible works of art in languages he did not speak, though he was quick to admit that he was unable to sell a work he did not like.

En la formación de sus hijos demostraron tolerancia y generosidad, y adelantándose a su época ejercían la libertad de pensamiento, expresión y elección. Nos inculcaron un profundo sentido de la familia sud-europea: Un clan iure sanguinis al que se pertenece de por vida para lo bueno y para lo menos bueno, con sus virtudes y desventajas, con carcajadas y con enfados, pero siempre presente, un sistema de órganos interdependientes con distintas funciones pero todos ellos igualmente necesarios para que el todo sea completo y equilibrado.

Sin duda alguna la gran vocación que como telón de fondo constante inspiró la vida de Miguel Agraït, fue vivir por y para el arte de su tiempo. Comenzó su afición desde jovencito visitando las escasas exposiciones que se mostraban en la Sala Mateu y el Círculo de Bellas Artes y comprando con sus primeros ahorros algún cuadrito. Lo que fue una afición, se transformó casi sin percibirlo en una de esas grandes adicciones irreparables que guían nuestros pasos a lo largo del camino y que solo reconocemos cuando volvemos la vista atrás.

Autodidacta espontáneo e incansable, se educaba en su afición día a día rodeándose de grandes artistas, críticos, conocedores y aficionados, visitando exposiciones y consultando la nutrida biblioteca de arte que no paraba de coleccionar, convirtiendo así su pasión en profesión y su profesión en religión. Su visita a la Bienal de Venecia en 1972 fue para él una revelación del panorama artístico internacional a partir de cuyo momento se esforzó por traer por primera vez a Valencia exposiciones de relevantes artistas internacionales y nacionales como Dubuffet,

Hockney, Hamilton, Liechtenstein, Warhol, Picasso, Tàpies, Miró, Chillida, Julio González etc. Años después, en 1997, los premios de la diputación de Valencia Alfons Roig concedían a Miguel y Amparo el Premio José Mateu a la "trayectoria de la Galería por su labor de difusión del Arte Contemporáneo". No en vano se habían comprometido paralelamente con la promoción y difusión de jóvenes valores artísticos valencianos en el extranjero, como el Equipo Realidad, Equipo Crónica entre otros.

Miguel tenía una excelente memoria visual y podía recordar los nombres de multitud de artistas identificando la Feria, Museo o exposición en que había visto una u otra obra. Mi padre simplemente disfrutaba del mundo del arte, del debate y del aprendizaje, y regalaba su tiempo y opinión a cualquier aficionado que se acercara a conversar, se dignara visitar su Galería o compartir su mesa. Todo ello con naturalidad, pues no estaba en su naturaleza alardear de una labor que no era para él sino un sueño realizado.

En el gran teatro del arte contemporáneo recibió reyes, grandes coleccionistas y artistas nacionales e internacionales engalanado con su chaqueta austriaca, en el mismo escenario en el que unas horas antes había descargado camiones, clavado clavos y concebido ingeniosas soluciones a distribuciones y problemas de última hora enfundado en sus camisas de leñador. Sin conocer la timidez y como gran comunicador que era, mi padre vendía con templanza obras de arte indescifrables en cualquier lengua no hablada, aunque se reconocía incapaz de vender una pieza que no le gustara.

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Towards the end of his days there was very little capable of surprising him, as he had contemplated in his prime the sources of inspiration which contemporaries were now drinking from, he was well acquainted with the hardships artists went through and he had suffered first-hand disappointments and letdowns by organisations that he himself had helped to found. Despite everything, like a phoenix, he was able to rise once and again from his own ashes and retaining the visual innocence of the new collector. His eyes would light up when recognising the strength of a vibrant colour or discovering a new visionary technology. He never lost his faith in art, as he often said that the basements of large museums are full of masterpieces and that time would put things in their rightful place, because once the artist and his gallerist had disappeared, it is the artwork that will speak alone and for itself.

As eye witnesses to his dream, our parents give us the gift in our childhood of the presence and affection of great artists and art enthusiasts who sat around our table. It is no mean feat when this could mean Joan Tápies praising our paella while talking about Joan Brossa's poetry, or artists who told us all about their exile like Arroyo, Renau and Soria. Our adolescence was a whirlwind of excursions to the new contemporary art museums which were springing up in Spain (Cuenca, Villafamés, Malpartida, etc.) and trips to international art fairs, where we discovered happenings in Basel, the sumptuous private salons of the City Hall of Paris, the cathedral in Cologne, jazz in Chicago... Miguel and Amparo tacitly taught us that the world was full of places waiting to be explored, of flavours waiting to be tasted and that contemporary art is unquestionably one of many valid vehicles to attain knowledge.

We drank a creative and heterogeneous atmosphere without realising how privileged we were. When looking back with the perspective of time, the figure of our father grows in stature every day without losing a bit of his accessibility and proximity.

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Our father loved his siesta and often said that he would not mind dying if death is no more than a very long nap. He left us one Saturday in March, at home, at the time of his siesta. He had filled our home and so many corners of our lives with his boundless activity, support and dedication, that it was very hard for us to get used to the idea of letting go someone so exceptional and to get used to the unfillable gaps he left. But our mother's courage to live and my father's lively character have enabled us to make the transition from the profound sadness we were sunk in to the joy of having the privilege to pay him a well-deserved tribute. More difficult was accepting the death of our brother and also gallerist Miguel Agraït Agrait Zaragozá, who died prematurely and unexpectedly one year after our father.

The Agraït Agrait Zaragozá family would like to express our heartfelt gratitude to Fundación Chirivella Soriano for providing this dreamtof opportunity to remember Miguel Agraït Agrait Colomer and his work.

The enthusiasm and efficacy with which the foundation's and Punto's teams have merged together in this shared project deserves a special mention. We are keenly aware of the personal and professional responsibility of the legacy which Miguel Agraït Agrait has left us. The unconditional trust that our father always placed in us is the foundation for our own self-confidence. We know that, even if upstairs, our two Miguels are present and still with us, we know that the works are what will ultimately endure and finally we have taken as our own the motto of the city of Paris inscribed on the medal which this adoptive city awarded to our parents for their contribution to the world of art, “Fluctuat nec mergitur”. He who rises with the wave is not swallowed by it.

Amparo Agraït Agrait Zaragozá

Al final de sus días pocas cosas le sorprendían, pues había contemplado en su esplendor las fuentes de las que beben los contemporáneos, conocía bien las dificultades por las que pasan los artistas y había sufrido en sus carnes sentidas decepciones por parte de organizaciones en cuyo nacimiento había participado.

Pese a todo ello, se regeneraba una y otra vez como un ave fénix y conservaba la inocencia visual del nuevo coleccionista, saliéndole chispas por los ojos al reconocer la fuerza de un color vibrante o descubrir una nueva tecnología visionaria. Nunca perdió la fe en el arte, pues a menudo decía que los sótanos de los grandes museos se hallan llenos de obras maestras y que el tiempo se encarga de poner a cada uno en su lugar, porque una vez desaparece el artista y su galerista, es la obra la que habla sola.

A nuestro padre le encantaba tomar la siesta y comentaba que no le importaría morirse si la muerte no es más que una siesta muy larga. Se nos fue un sábado de marzo en su casa a la hora de sus siestas. Llenaba tanto la casa y tantos rincones de nuestras vidas con su gran actividad, apoyo y dedicación, que fue duro acostumbrarnos a la idea de dejar ir a un tipo tan excepcional y a los vacíos irremplazables que dejó. Pero el coraje de vivir de nuestra madre y la vivaz personalidad de mi padre nos han facilitado la transición desde la profunda tristeza que nos invadía a la felicidad de poder hoy rendirle un merecido homenaje. Más difícil fue aceptar la muerte de nuestro hermano y también galerista Miguel Agraït Zaragozá, que se nos fue prematura e inesperadamente un año después de su padre.

Como testigos de su sueño, nuestros padres regalaron nuestra niñez con la presencia y el cariño de grandes artistas y aficionados sentados a nuestra mesa, lo cual no es poco cuando se podía tratar de Tápies alabando nuestra paella mientras conversaba sobre la poesía de Joan Brossa o de artistas que nos narraban su exilio como Arroyo, Renau o Soria. Nuestra adolescencia transcurrió entre excursiones a los nuevos museos de arte contemporáneo que se iban abriendo en España (Cuenca, Villafamés, Malpartida etc) y viajes a las ferias internacionales, en las que descubrimos los happenings de Basilea, los suntuosos salones privados del Ayuntamiento de Paris, la catedral de Colonia, el jazz de Chicago... Tácitamente Miguel y Amparo nos enseñaron que el mundo está lleno de rincones dignos de explorar, de sabores por degustar y que el arte contemporáneo es sin duda uno de tantos validos vehículos de conocimiento. Mamamos un ambiente creativo y heterogéneo sin darnos cuenta del privilegio que estábamos viviendo. Al mirarla desde la perspectiva del tiempo, la figura de nuestro padre va creciendo ante nosotros cada día sin perder un ápice de su accesibilidad y cercanía.

La familia Agraït Zaragozá queremos agradecer desde el corazón a la Fundación Chirivella Soriano esta soñada oportunidad de recordar a Miguel Agraït Colomer y su obra. La ilusión y la eficacia con que los equipos de la Fundación y PUNTO se han fusionado para trabajar en este proyecto común merece una especial mención.

Tenemos presente la responsabilidad personal y profesional del legado que Miguel Agraït nos dejó. La confianza incondicional que nuestro padre depositó siempre en nosotros es el cimiento de nuestra seguridad. Sabemos que aunque en el piso de arriba nuestros Migueles siguen presentes, sabemos que las obras son al final las que prevalecen y hemos adoptado por nuestro el lema de la ciudad de París inscrito en la medalla que esta ciudad adoptiva concedió a nuestros padres por su contribución al mundo del arte, “Fluctuat nec mergitur”. (Es batido por las olas pero no se hunde).

Amparo Agraït Zaragozá

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REAM AND REALITY: a tribute to Miguel Agraït “An art gallery is built day by day, month by month, year by year, with one’s eyes wide open to the political, social and economic events affecting culture and the art world and which furthermore have a direct affect on the individual, his life and the most intimate part of his being.”

Miguel Agraït

–I– It is not without a certain emotion that I realise that the various professional activities of Miguel Agraït Colomer (1929-2010) in the art world, undertaken from Valencia, including attending many international art fairs to represent his gallery, Galería Punto, largely runs parallel chronologically to my own career as Professor of Aesthetics and Theory of Art, since I started teaching in the University of Valencia-Estudi General in 1968.

Felipe Garín, Calduch, Coll, Canogar. 1972

For this reason, and thanks to a frank and sincere friendship— replete with manifold collaborations, a frequent exchange of ideas, specific input in certain projects, an explicit acknowledgement of the efforts and the difficulties undergone and, above all, a considerable roster of good friends in common—when writing these lines, it is only too logical to start by disclosing, with due sincerity, the enormous sympathy that united me and still unites me with the active trajectory started by Miguel Agraït and his family team which enabled the opening and the materialisation of a farreaching gallery project in March 1972, in which, above all else, the priority has always been to make contemporary art its unquestionable and accepted focal point and, whenever possible, to opt for the most significant and influential of one all the feasible possibilities in any given case.

Rafael Canogar, exposición 1972

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SUEÑO Y REALIDAD: un homenaje a Miguel Agraït.

“Una Galería de Arte se crea día a día, mes a mes, año tras año, con los ojos bien abiertos a los acontecimientos políticos, sociales y económicos, que se suceden en torno al mundo del arte y de la cultura y que además repercuten de manera directa sobre el individuo, su vida y lo más íntimo de su ser”.

Miguel Agraït.

-IHe de reconocer, no sin cierto tono de emotividad personal, que las distintas actividades profesionales de Miguel Agraït Colomer (1929-2010) en el contexto artístico, desarrollada desde Valencia, entre las que figuran las numerosas Ferias Internacionales en las que participó, representando a la Galería Punto, han corrido en buena medida cronológicamente paralelas a mi dedicación como profesor de Estética y Teoría del Arte, desde que en aquel emblemático año de 1968 ejercité mis primeras lanzas como joven docente e investigador en la Universitat de València-Estudi General.

Galería Punto, 1972

Por tal motivo, tras una franca y sincera amistad -en la que no han faltado las numerosas colaboraciones, los frecuentes intercambios de ideas, el respaldo a determinados proyectos, el reconocimiento explícito de los esfuerzos y las dificultades habidas y, sobre todo, un considerable repertorio de entrañables amigos comunes-, al redactar estas líneas, es lógico comenzar puntualizando públicamente, con la debida sinceridad, la reconocida simpatía que me unió y sigue haciéndolo con la activa trayectoria, desarrollada por Miguel Agraït y el relevante equipo familiar que ha hecho posible, desde aquel lejano mes de marzo de 1972, la puesta en marcha y la realización de un sostenido proyecto galerístico, en el que, ante todo, se ha intentado que el protagonista indiscutible y evidente fuese siempre el arte contemporáneo y, a ser viable, el más destacado y pujante de entre las opciones factibles, en cada circunstancia vivida.

Galería Punto, 1972

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Without a doubt, Miguel Agraït is among those few people who have been collaborating for decades within the difficult context of contemporary art in Valencia, in the arduous task of ensuring that a small number of collectors, specialised public, researchers, critics, students and artists could increase their relationships, interchange and mutual knowledge, gradually forming—since the decline of Franco’s dictatorship and the arrival of a complex transition to democracy and the drawn-out change between centuries—a sociocultural framework in which the difficult history of our artistic present has been written.

Entering a new century, with four decades of professional dedication, thus justifies this publicly shared acknowledgment and the welldeserved awards received throughout his career including the prize given by the Diputación de Valencia (the “José Mateu” Prize for galleries in the Alfons Roig Awards). The founders of Galería Punto, Miguel Agraït and Amparo Zaragozá, were also awarded the Médaille de la Ville de Paris (Échelon Vermeil), whose motto is “Fluctuat nec mergitur”, awarded by the City Council of Paris, for its thirty plus years working tirelessly in the furtherance of cultural life, with the prize being presented on 15 December 2006.

Incidentally, when the institution awarded this prize for the very first time it went to Picasso. Other significant prizes awarded to Galería Punto were the Camel Award (Milan) and the Michetti Award for its support of Italian art.

M. Agraït, C. Moreno, E. Sanz, Canogar y V. Aguilera, 1972

No doubts that those activities—for instance that of the art dealer— where economy and culture are obliged to advance hand in hand, where mercantile and human relations sustain their own needs and dialogues, where professional dedication and generous enthusiasm find themselves face to face, constitute a sensible and praiseworthy aspect of the everyday life of the city that very often remains unnoticed in comparison to other priorities of a more political character, with greater economical influence or a more immediate effect as far as ordinary needs are concerned. Nevertheless, fortunately the pragmatic aim to compensate for such amnesia sometimes imposes itself clearly in certain given contexts. And this is perhaps one of those times.

Coll, Sixto y Agulló. Grup D’Elx. 1972

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Sin duda, Miguel Agraït se encuentra entre aquellas personas –nunca numerosas– que han colaborado y apostado para hacer posible, durante décadas, en el nada fácil contexto de la plástica valenciana contemporánea, que una reducida nómina de coleccionistas, público especializado, investigadores, críticos, estudiantes y artistas pudiesen acentuar sus relaciones, intercambios y mutuos conocimientos, conformando así paulatinamente -desde el declive del franquismo, la llegada de la compleja transición democrática y el dilatado tránsito entre centurias- el marco sociocultural, en cuya interna escenografía se ha escrito la difícil, pero apasionante, historia de nuestro presente artístico.

Entrar en el nuevo siglo, con cuatro décadas en el haber profesional, ya justifica, por cierto, este reconocimiento que públicamente compartido queremos ofrecerle, así como los galardones conseguidos a lo largo de su trayectoria, entre ellos el merecido premio que en su momento le fue otorgado por la Diputación de Valencia (Premi Alfons Roig, en la modalidad “José Mateu” para Galerías). También les fue concedido a los Fundadores de la Galeria Punto, Miguel Agraït y Amparo Zaragozá, “La Medaille de la Ville de Paris Échelon Vermeil”, cuyo lema es “Fluctuat nec mergitur”, otorgado por el Ayuntamiento de París, por su incidencia de más de 30 años en la vida cultural, siéndoles entregado el 15 de Diciembre de 2006. El primer premio de esta institución se creó para dárselo precisamente a Picasso. Asimismo otros galardones significativos, otorgados a la Galería Punto, fueron Camel Award (Milán) y el Michetti por su respaldo al arte italiano.

Manuel Viola, exposición, 1972

Vicente Aguilera, Miguel Agraït, Anzo. 1973

Indudablemente aquellas actividades –como es precisamente el papel de galerista– donde economía y cultura se dan obligadamente la mano, donde las relaciones mercantiles y las humanas sostienen sus propias exigencias y diálogos, donde la dedicación profesionalidad y el entusiasmo altruista se miran de frente y cara a cara, constituyen un sensible y encomiable sector de la vida ciudadana, que a menudo pasa desapercibido frente a otros ámbitos de mayor resonancia política, mayor poder económico e incidencia más inmediata en las necesidades cotidianas. Sin embargo, a veces, por fortuna, el objetivo pragmático de compensar tales olvidos, en determinadas coyunturas, se impone claramente.

Y ésta quizás sea una de ellas, no sin reconocer la debida oportunidad y explícita justicia que supone la iniciativa.

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This uneasy balance that contemporary art strikes on a day-to-day basis in its complex relationship with society has often been explained away by recurring to a twofold reasoning: first of all, from the viewpoint of economics, there is an argument that, in the end, the abundance of heterodox art practices—and these make up the bulk of contemporary art—do nothing but basically hinder any possible reconversion into objects of exchange; secondly, it has been argued how, for reasons of democratic responsibility, with its obligation to rationalise investments, expenses and efforts devoted to public initiatives, there is a tendency to favour, first and foremost, what is capable of producing maximum consensus in the short term.

Maestros Japoneses Contemporáneos. Invitación, 1973

– II – It is worth bearing in mind that, compared to technology and science—both domains fully appreciated as effective instruments and paradigms of progress—the art world, in general, socially and institutionally speaking, has been relegated to a clearly subordinate role, in other words, confined to spheres of a more individualist and, above all, elitist type. At times, it has been considered as a kind of document, as a sign of prestige, as a profitable commodity or even as a strange object with a mere curiosity interest.

Undoubtedly, both arguments (economic profitability and desired consensus) are nothing but controversial spearheads for a much more comprehensive question, not always properly formulated, which is aimed directly at the very heart of the issue. It is a matter, no more nor less, of underscoring that the true purpose of contemporary art is none other than turning itself into the very ground of opposition and engagement, which is to say, into the genuine space of difference. And, on a social level, this acknowledgement generates in itself an important critical front, either focused on working towards the domestication of the proposals or else towards an outright frontal rejection. Art and politics do not make good travel companions, as I have been able to testify personally.

This attitude of relative or accentuated indifference has, to a certain degree, abetted the increased autonomy of art practices and of the theoretical approaches to contemporary art, even though artists, in their own way, have always more or less maintained their ambition to strengthen the bonds existing between art and life.

Since we are not only talking about art but rather, and more specifically, of contemporary art, the aforementioned indifference and subordinateness have very often been overturned by the overbearing presence of animosity, directly aimed at undermining it in the belief that it is the ostentation of nothingness and, in consequence, accusing it of total irrelevance. These attacks come from such diverse fronts as specific sections of the cultural sphere, some domains of politics or in response to short-term priorities of electoral pressures. And, as one might expect, galleries dealing in contemporary art have a good insight into such difficulties, indifference, ostracism and letdowns, usually interwoven together, that have a direct bearing on their work of diffusion and legitimisation of contemporary art, especially in such critical times as the present.

Salvador Soria, 1973

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Joan Cardells y Jorge Ballester. Equipo Realidad. 1973

A menudo, incluso, esta nada fácil situación por la que ha atravesado y sigue cruzando -día a día- el arte contemporáneo, en sus complejas relaciones con la sociedad, se ha querido explicar recurriendo a una doble argumentación: por un lado incidiendo en el hecho de que, al fin y al cabo, las abundantes prácticas artísticas de carácter heterodoxo, -que configuran el principal bagaje del arte contemporáneo- no hacen sino dificultar básicamente su posible reconversión en objetos de cambio, en el marco de la economía; por otra parte, también se ha traído a colación cómo la responsabilidad democrática, frente a la obligada racionalización de las inversiones, los gastos y los esfuerzos de las iniciativas públicas, tiende preferencialmente a propiciar, ante todo, aquello que asegura, de manera inmediata, el logro del máximo consenso.

- II Conviene constatar que, frente a la ciencia y la técnica –considerados ambos dominios plenamente como eficaces instrumentos y paradigmas del progreso– el ámbito del arte, social e institucionalmente, por lo general, ha sido caracterizado por su clara subsidiaridad, es decir por su relegación a esferas más bien de tipo individualista y, sobre todo, de alcance elitista. A lo sumo, a veces se le ha tomado como documento, como instrumento de prestigio, como rentable mercancía o incluso como extraño objeto de mera curiosidad.

Esta atmósfera de relativa o marcada indiferencia ha ayudado, por cierto, a incrementar, en buena medida, la autonomía tanto de las propias prácticas artísticas como de los planteamientos teóricos del arte contemporáneo, aunque los artistas, de algún modo, siempre han sostenido, más o menos, sus aspiraciones a potenciar los enlaces y transvases existentes entre el arte y la vida.

Sin duda, ambas argumentaciones (la de la posible rentabilidad y la del deseado consenso) no son sino polémicas puntas de lanza de una cuestión de mucho mayor calado, no siempre bien explicitada, pero que se orienta directamente al núcleo real del problema. Se trata, ni más ni menos, de subrayar y dejar patente que el auténtico sentido del arte contemporáneo no ha sido otro sino el de convertirse en el ámbito propio de la resistencia y el compromiso, es decir en el genuino espacio de la diferencia. Y este reconocimiento socialmente no hace sino generar, en torno a él, un marcado frente crítico, que se abre bien sea hacia el correspondiente intento de domesticación de las propuestas o bien hacia el franco y compartido rechazo de las mismas. Arte y política no son fáciles compañeros de viaje. Lo puedo ratificar personalmente.

Bien es cierto que tratándose, en concreto, no sólo de arte, sino sobre todo de arte contemporáneo, la subsidiaridad o la indiferencia –a las que nos hemos referido– a menudo se han visto alteradas por la drástica presencia de una cierta animadversión, directamente empeñada en deslegitimarlo, considerándolo como ostentación de la nada y, en consecuencia, tachándolo de totalmente irrelevante, desde ópticas tan dispares como puedan serlo, por ejemplo, determinados sectores de la esfera cultural, de la dimensión política o de las prioridades propias del urgente rendimiento electoral. Y, como cabe suponer, las galerías de arte contemporáneo saben mucho de tales dificultades, indiferencias, soledades y sinsabores, tejidos todos ellos al unísono, en torno a las coordenadas de su propia tarea de difusión y legitimación del arte actual, sobre todo en momentos tan críticos como el presente.

Jean Dubuffet, exposición, 1974

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But, does the very cultural industry itself, in its social projection, not in fact function with regards contemporary art, as the potentially most effective tool to balance, compensate or neutralise its possible excess of subjectivity, its deviations from established guidelines and its unrelenting insistence on differentiation? But has contemporary art perhaps given way to this pressure in its ongoing quest for differentiated resistance? If anything, the opposite is true and, through its open-ended investigations, it has become a redoubt of the non-identical, always aiming to strengthen the enigmatic quality of its values and, in the end, responding to the forceful rallying cry to subversion.

Certainly, if we take all this into consideration, we will be better able to understand the origin and the extent of some of the unrelenting reactions of uneasiness when confronting the objects of contemporary art, because, ultimately, the very presence of contemporary art in itself already bears it embryologically and sows, motivates and spreads these kinds of attitudes and resources of deep and critical opposition. In fact, the way in which it generates and propitiates a cultural critique of the environment, progress or tradition, becomes an object of permanent confrontation. This is its power, its commitment and its goal.

Julio Gonzalez. Invitación, 1974

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José Cano, M. Agraït, Javier Calvo y Miguel Agrait Zaragozá, 1974

As we noted earlier, none of this is removed from the work carried out by the galleries devoted to the promotion of contemporary art, which, though moving within specialised circles, could not remain on the sidelines of the major issues pointed out above, which directly affect the need for a justified legitimisation of the emerging poetics within each given chronological context. And, in this regard, the driving forces behind Galería Punto, over this extended period of wide-ranging experiences and hands-on participation, know full well the meaning of day-to-day involvement with this task of continuous and whole-hearted support for the various expressions of art. To this end one has to be infected with the art virus. A virus for which there is no cure and which lasts a whole lifetime, if it has been radically and intensely transmitted, as is the case in hand. And its effects are all-consuming, always on the lookout for the new and for value.

It could be said, in fact, that contemporary art never delivers certainties but rather clusters of suspicions. It doesn’t bring nor promise an oasis of calm existence, rather objects of potential anxiety which question the cosy naivety of the conventional. Yet, this kind of art does not run from life nor, for this reason, does it put limits on its own functionality. Instead, its intrinsic functionality consists, in a way, of being deeply problematic, which is to say, in constantly raising suspicions, in preparing us—insofar as subjects— for self-criticism, to face up to difficulties, and to make difference feasible and, above all, to maintain it in the midst of the preestablished.

¿Acaso la propia industria cultural, en su proyección social, no funciona, de hecho, frente al arte contemporáneo, como el instrumento potencialmente más eficaz para equilibrar / compensar / neutralizar sus posibles excesos de subjetividad, sus desvíos frente a las pautas establecidas y sus imperativos de persistente diferenciación? ¿Pero acaso ha cedido, por ello, el arte contemporáneo en sus persistentes búsquedas en favor de la resistencia diferenciada? Más bien ha sucedido lo contrario y, a través de sus plurales investigaciones, se ha convertido en reducto de lo no-idéntico, aspirando siempre a poder consolidar el carácter enigmático de sus valores, atendiendo siempre, a fin de cuentas, a la indómita llamada de la subversión.

Sin duda, si tenemos todo esto en cuenta, podremos entender mucho mejor las raíces y el alcance de algunas de las persistentes reacciones de desconcierto frente a las manifestaciones del arte en la contemporaneidad, porque, en el fondo, la propia presencia del arte contemporáneo ya conlleva embrionariamente y siembra / motiva / fomenta por doquier, este tipo de actitudes y recursos de profunda y crítica oposición. No en vano él mismo, en la medida en que genera y propicia una cultura crítica frente al entorno, el progreso o la tradición, se convierte en objeto de permanente confrontación. Esos son sus poderes, sus compromisos y sus metas.

Joan Cardells, Coll, Jorge Ballester, Miguel Agraït y Wolf Vostell.

Galería Punto. 1974

Nada de todo ello, como hemos apuntado, es ajeno a la tarea desarrollada por la red de galerías dedicadas a la promoción del arte contemporáneo, las cuales, aunque dentro de los circuitos especializados, no por ello permanecen al margen de las álgidas cuestiones apuntadas, que afectan directamente a la necesidad de una fundada legitimación de las poéticas emergentes, en cada contexto cronológico. Y, en tal sentido, los responsables de la Galería Punto, en este dilatado periodo de amplia experiencia e inmediata participación, saben bien lo que significa el día a día en esa tarea de continuado y franco respaldo a las manifestaciones artísticas. Para ello hay que haber sido contagiado con el virus del arte. Algo difícil de curar ya de por vida, si se ha contraído con radical penetración e intensidad, como es el caso que nos ocupa. Y sus efectos son determinantes, siempre a la expectativa de la novedad y el valor.

Diríase, en efecto, que el arte contemporáneo nunca aporta certezas sino más bien sospechas arracimadas, no instituye ni promete oasis de tranquila existencia sino objetos de potencial ansiedad, cuestionando, de este modo, la cómoda ingenuidad de lo establecido. Pero el arte así cualificado no huye de la vida ni, por ello, margina su propia funcionalidad, sino que, más bien, su intrínseca funcionalidad consiste, de forma determinante, en ser profundamente problemático, es decir en levantar constantes sospechas, en prepararnos y disponernos -como sujetos- para la autocrítica, para las dificultades, para hacer viable y mantener, ante todo, la diferencia en medio de lo preestablecido.

Pop Art. Invitación, 1974

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This “presentness” that has such an intense affect on contemporary art requires a twofold perspective: inasmuch as radicalised newness/nowness and inasmuch as reinforced activity/functionality.

From the latter optic, we could underscore the exhibition function/activity of contemporary art projects. More than telling us about something, providing us with guidelines for interpretation or clues about meanings, works of art limit themselves to showing themselves, to presenting themselves in their stark bareness, in radical transparency: just as they are. And it is precisely in this laying themselves bare that they can take us by surprise.

FIAC. París, 1975

Thus, contemporary art should not limit itself to being the documentation of a situation, but should also accept, on many occasions, an active role that will have a strong impact on its own vital circumstances. It is no accident that this recurrent enigma, this ambiguity that surrounds its complex existence, tainted by the sign of negativity, are also the very features that form part of, and are produced by, our complex everyday life in these times of hardship.

It should come as no surprise then that contemporary aesthetics— returning now to the field of specialisation in hand—needs to redefine many of its parameters and also much of its criteria. The self-absorption of contemporary art, the accentuation of its immanent character as an enigmatic resource, only comprehensible as far as the embodiment and extension of its own poetics, has taken it closer, in leaps and bounds, to a growing and ever more radical absence of references, towards a kind of congenital intransitiveness of meaning. We find ourselves on a horizon where history, tradition, experience and even the inherited baggage of theoretical instruments seem, as a whole, distant or remote, any time we enter directly into the tunnel of a continuous and perpetual present, in other words, in a “presentness” which is more radical and out on a limb than ever.

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Therefore it is that performative quality that is increasingly foregrounded on all levels of art production. Works of art no longer speak of realities but actually create them. They don’t speak but rather show, displaying themselves to us. This is, in the end, a specific mode of "acting". The works are set into action, they activate themselves in the immediate demonstration of their questions, in view of the fact that not even their interpretation is a question of mere deciphering. Rather, above all else, it is a question of the viewer having to reconstruct them, in his own performance/acting.

From this point of view, to "read" also means to act and to intervene, beyond mere decoding on the basis of certain linguistic traces.

We all feel compromised when confronted with contemporary art.

There is a lot to be said for it and it needs to be spoken, which brings us yet again to the interface between images and words.

Miguel Agraït, Guinovart. ART BASEL. 1975

Pero ese “actualismo”, que afecta tan intensamente al arte contemporáneo, supone una doble perspectiva: en cuanto actualidad / presente radicalizados y en cuanto actividad / funcionalidad potenciadas. Cabría desde esta segunda vertiente, hacer especial hincapié en la función / actividad exhibitiva de las propuestas artísticas contemporáneas. Más que hablarnos o decirnos algo respecto a algo, facilitándonos pautas de interpretación o pistas de su sentido, las obras se limitan directamente a mostrarse, a presentarse en su descarnada flagrancia, en su radical acuidad: tal como son. Y justamente, en / desde ese mostrarse, actúan revulsivamente.

Juan Barjola, exposición 1975

De ahí, quizás, que el arte contemporáneo no se limite a ser documento de una situación, sino que también asuma, a menudo, papeles activos, fuertemente incidentes en las propias circunstancias vitales. No en vano ese recurrente enigma, esa ambigüedad que le circunda o su compleja existencia, marcada por el signo de la negatividad, también son –todos y cada uno de ellos– rasgos sobrevenidos que forman parte –derivados de su propia mano– de nuestra perpleja cotidianidad, en tiempos de penuria.

No extrañará, pues, que la estética contemporánea –por referirnos ahora a nuestro propio campo personal de especialización– necesite redefinir muchos de sus parámetros y también muchos de sus criterios. El ensimismamiento del arte contemporáneo, la acentuación de su carácter inmanente, como reserva enigmática, sólo comprensible en cuanto encarnación / extensión de su propia poética, ha ido acercándonos, a pasos agigantados, hacia la ausencia creciente y cada vez más radicalizada de referencias, hacia una especie de congénita intransitividad del sentido. Nos hallamos así frente a un horizonte donde la historia, la tradición, la experiencia e incluso el bagaje heredado de instrumentos teóricos van quedando como lejanos / alejados, en su conjunto, toda vez que nos hemos introducido directamente en el túnel de un presente continuo y perpetuo, es decir en el “actualismo” más radicalizado y en el límite que nunca.

Es, pues, esa dimensión performativa la que se privilegia cada vez más, en todos los niveles del hecho artístico. Las obras no hablan de realidades sino que las crean, no dicen sino que muestran, se nos muestran. Lo que, al fin y al cabo, supone un específico modo de “actuar”. Las obras son puestas en acto, se activan en la mostración inmediata de sus interrogantes, toda vez que tampoco el hecho de interpretarlas es ya un mero descifrarlas, sino, ante todo, se trata de reconstruirlas, por parte del nuevo espectador, desde su propia mostración / actuación. De ahí que “leer” también sea un modo de actuar y de intervenir, más allá de la mera decodificación, a partir de las tramas lingüísticas.

Todos nos sentimos comprometidos frente al arte contemporáneo.

Da que hablar y necesita ser hablado. De nuevo, pues, el encuentro entre las imágenes y las palabras.

José Ortega, Miguel Agraït. ART BASEL. 1975

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That is the challenge. To intervene and decide whether or not the existence of meaning is possible behind the skin of the enigma of works of art, opting for one side or the other of a coin that is still being tossed in the air. Or to struggle to interpret from the miseen-activité of the work—from its active and internal poetics—the possibility of meaning and potential for surprise that raises the abilities of the receiver to the maximum; or even to accept the absence of meaning not as a strictly transitory limitation, but rather as a definitive and insurmountable barrier.

This is the new invitation that is ultimately issued by works of contemporary art. And, fundamentally, it is a matter of struggling against such difficulties, teaching ourselves how to live on the frontier, between the enigma and the construction of meaning, realising that, finally, the very interpretation of works of art is nothing but "a finality without an end", a motivation for us, an investment of our own vitality, though in the end always remaining unsure of finding the definitive thread in the labyrinth. In fact, it would only seem that one of its aims is to increase, in each individual case, the practice of difference, with this being, perhaps, the only risky way of participating in the definition of the present, in the midst of its complexity, from the enigmatic and unsettling perspective of contemporary art. Because, contemporary art is undoubtedly more troubling than pleasurable, perhaps in much the same way as we might find science, philosophy or any other medium of knowledge.

Karel Appel, exposición 1976

For this reason, there are many aspects to cover on the activity of a gallery specialised in contemporary art. First of all, we would have to agree to recognise its primary goal, which is economic.

Nevertheless, besides this and closely related with said primary aim, it cannot be denied that it has a significant educational and cultural role to play in its immediate and close relationship with its clients—which is to say, in an obligatory attention to their preferences and tastes—as well on another more collective level, in which there is no shortage of major initiatives instigated by Miguel Agraït. I am referring specifically, from the nostalgia of one who is now no more than an Honorary Professor, to the explicit organisation of parallel cultural activities targeting a wider public, albeit connected to the university. And, within this line, the Department of Aesthetics and Theory of Art at the University of Valencia-Estudi General, which I coordinated for so many years, has collaborated in different occasions throughout the last few decades in facilitating in situ conferences and public talks with certain artists in several of the galley’s spaces.

And, to bear witness to the aforesaid, we have a long list of published programmes that will undoubtedly prove invaluable in lending it its proper historical importance. Miguel Agrait even took an active part in specialised publications in aesthetics, whenever we requested his collaboration. Trahit sua quemque voluptas (Virgil, Ecl. ii, 65). At the end of the day, everyone is a victim of his own passion.

ART BASEL. Suiza, 1976

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Ese es el reto. Intervenir decidiendo si tras la piel de los enigmas de las obras es posible o no que exista un sentido, optando por la cara o la cruz de la moneda que aún gira en el aire: o pugnar por interpretar desde la puesta en acto de las obras -desde su activa e interna poética- esa posibilidad de sentido y de revulsión, potenciando, para ello, al máximo las habilidades del receptor; o bien asumir la ausencia de sentido no como un límite coyuntural y quizás estrictamente transitorio, sino como una frontera definitiva e insalvable.

Esa sería la nueva invitación que, al fin y al cabo, nos lanzan las obras de arte contemporáneo. Y, en el fondo, se trata, ni más ni menos, de pugnar con tales dificultades, de instruirnos en ese perpetuo habitar en la frontera, entre el enigma y la construcción del sentido, reconociendo, a fin de cuentas, que la interpretación misma de las obras no es sino “una finalidad sin fin”, una incentivación efectiva, una inversión de nuestra propia vitalidad, pero sin estar, en el fondo, nunca seguros de encontrar el hilo definitivo en el laberinto. De hecho, sólo se apuntaría, en sus objetivos, a incrementar, en cada caso, la práctica de la diferencia, siendo quizás ésta la única manera arriesgada de participar en la definición del presente, en medio de su complejidad, desde la enigmática y revulsiva perspectiva del arte contemporáneo.

Porque, sin duda, el arte contemporáneo se halla más próximo a la aspereza que al placer, pero quizás no menos que realmente lo puedan estar la ciencia, la filosofía o cualesquiera otros medios de conocimiento.

75 Años de Pintura Valenciana, exposición, 1976

Por ello la actividad de una galería, especializada en arte contemporáneo, tiene múltiples flancos que cubrir. Sin duda, ante todo, hay que convenir en el reconocimiento de su principal objetivo económico. Pero, junto a él y en estrecha sintonía con tal finalidad primaria, tampoco se halla ausente su destacado rol educativo y cultural, tanto en el estrecho e inmediato contacto personal con sus clientes -es decir en la obligada atención a sus preferencias y gustos- como en esa otra dimensión, de carácter colectivo, en la que no han faltado tampoco importantes incursiones, por parte de Miguel Agraït. Me refiero ahora específicamente, con la añoranza de quien ya sólo es Profesor Honorario, a la organización explícita de actividades culturales paralelas, dirigidas a un público amplio, pero prioritariamente universitario. Y en esta línea, el propio Departamento de Estética y Teoría del Arte de la Universitat de València-Estudi General, tantos años por mí coordinado, ha colaborado en diferentes ocasiones, durante estas décadas, propiciando conferencias y charlas colectivas con determinados artistas, en los distintos locales de la galería, en sus emplazamientos.

Ahí está, para ratificar lo dicho, todo un conjunto de programas editados para constatarlo y darle la debida relevancia histórica, en su favor. Incluso participando directamente Miguel Agrait en proyectos de publicaciones especializadas en Estética, cuando recurrimos a su colaboración. Trahit sua quemque voluptas (Vir. Buc. 2, 65). A cada cual, le arrastra, sin duda, su pasión.

G. Orellana, V. Aguilera, A. Zaragozá, M. Agraït. 1976

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– III – To our way of thinking, ever since the outset, Amparo Zaragozá and Miguel Agraït were clear about their need to anchor their project on a minimal foundation that would respond strictly to their professional needs and ambitions. This project, summed up in a strict formula, would consist, first of all, in availing of a space for exhibitions dedicated exclusively to contemporary art in a central location in the city, and secondly, and logically, putting together an ongoing exhibition programme based on seriousness and prestige.

Certainly, as far as the second condition is concerned, we ought to remind ourselves that, in this case, Galería Punto could, since the beginning and for a series of decisive years, rely on the solid support of the fondly-remembered art critic Vicente Aguilera Cerni (Valencia, 1920-2005) for his immediate and prolonged advice and friendship. One would have to remember that in the early seventies—the moment which we are specifically referring to, if we think of the opening of the gallery—Aguilera Cerni had already had a major, recognised career to his credit, with a strong echo both here in Spain as well as internationally, above all in Italy and France. On the other hand, within the framework of Valencia—

Luis Feito, exposición 1977

always so prone to polarised philias and phobias—and against the critical historical backdrop of the time, his importance as a critic, in lending a voice and legitimisation to contemporary art, and as its undisputed historical promoter, was well acknowledged.

Within this list of issues, it is only fair to point out that the roster of artists that punctuates the curriculum of Galería Punto is not only numerically striking but also qualitatively distinguished. And, the aforementioned relationship between Galería Punto and the figure of Vicente Aguilera and his role as adviser of the gallery programme, must be properly underscored at this moment of public recognition of the combative and enthusiastic figure of Miguel Agraït. And this is perhaps also the moment to recall—and indeed I feel the obligation to do so here—the long list of friends from the field of art criticism and the history or theory of art, who almost without premeditation, would, on their visits to Valencia, use the spaces of Galería Punto as a meeting place and, in so doing, turn the gallery into the best and most welcoming space for encounter.

As far as the exhibition spaces are concerned, one can readily assume that the majority of us remember, with similar interest and affection, both the initial emplacement on the first floor of no. 37 Barón de Cárcer (formally, and still popularly, known as Avenida del Oeste) where the Punto project was first consolidated, as well as the later subsequent move to the actual premises on the ground floor of the same building, as well as the open versatile space of the basement. The opening of the latter was deservedly celebrated during a big party in honour of the continuity of the gallery project and the constant refinement of its aims. Miguel Agraït and Amparo Zaragozá, I remember well, were beside themselves with joy and satisfaction on that celebrated occasion.

Eduardo Arroyo, exposición 1977

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- III A nuestro modo de entender, desde un primer momento, Amparo Zaragoza y Miguel Agraït tuvieron muy claro la necesidad de arrancar de un planteamiento mínimo, que diera estricta respuesta a sus aspiraciones y exigencias profesionales. Dicho planteamiento, resumiéndolo en una estricta formulación, podría consistir, en primera instancia, en disponer de un espacio de exposiciones dedicado exclusivamente al arte contemporáneo, ubicado en un lugar idóneo de la ciudad, y, en una segunda faceta, en contar, lógicamente, con una programación continuada, de rigor y de prestigio.

Ciertamente, en lo que respecta a la segunda de las condiciones, hay que recordar cómo, en este caso concreto, la Galería Punto contó con un sólido respaldo en el inmediato y prolongado asesoramiento y amistad que, desde el primer momento y durante una serie de años decisivos, representó muy activamente el recordado crítico Vicente Aguilera Cerni. (Valencia, 1920–2005).

Piénsese que en los inicios de la década de los setenta –que es el momento al que específicamente nos referimos, si pensamos en la apertura de la galería– Aguilera Cerni había desarrollado ya un importante y consolidado itinerario personal, de fuerte resonancia nacional e internacional, sobre todo en el contexto italiano y francés. Por otro lado, en el marco valenciano -tan saturado siempre de radicales filias y fobias- y en esa determinante coyuntura histórica, su peso específico, como crítico, vocero y legitimador del arte contemporáneo e indiscutible promotor histórico del mismo, era más que consabido.

M. Agraït, R. Solbes, J. Teixidor, J. Ballester, M. García, J. Renau, E. Carrazzoni. 1977

En esa línea de cuestiones, es justo reconocer, por lo tanto, que la nómina de artistas que articula el currículum de la Galería Punto es no sólo numéricamente impactante sino cualitativamente muy destacada. Y el citado enlace con la figura de Vicente Aguilera, por parte de la Galería Punto, contando con su participación como asesor de la programación de la misma, debe ser justamente subrayado, en estos momentos de compartido reconocimiento para la figura luchadora y entusiasmada de Miguel Agraït. Aunque tampoco estará de más rememorar –y así me veo obligado a hacerlo, por mi parte– la extensa lista de amigos, vinculados al mundo de la crítica, la historia o la teoría del arte, con los que, de manera casi habitual, acabábamos citándonos, en sus visitas a Valencia, en los espacios de la galería Punto, convertidos así, en cierta medida, como oportuno y acogedor lugar de encuentro.

En lo atinente, pues, a dichos locales expositivos, es fácil constatar que, en una buena mayoría, recordamos, con parecido interés y afecto, tanto aquella primera planta de la Avenida del Oeste –Barón de Cárcer, 37– donde se fue consolidando la trayectoria del proyecto “Punto”, como también su traslado muy posterior –en el mismo edificio– a las actuales dependencias de la planta baja, contando asimismo con el amplio y versátil espacio del sótano, cuya inauguración, sin duda, se celebró merecidamente, en una significativa fiesta tanto de continuidad del proyecto galerístico como de recurrente matización de objetivos. Miguel Agraït y Amparo Zaragozá, lo recuerdo bien, estaban fuera de sí de alegría y satisfacción en aquella celebrada jornada.

Manolo García, Doro Balaguer, Miguel Agraït, Josep Renau, Manolo Valdés, Rafael Solbes. Galeria Punto. 1977

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In fact, Galería Punto had made great efforts to take part in a series of international art fairs and events, something always fundamental and essential if one wishes to play the part justifiably called for by true professionalism. And in this joint endeavour, the effectively active new generation, personified by their sons and daughter, Miguel, Nacho and Amparo, fully assured the hopedfor continuity of this collective project. History is very often cruel.

And the two Miguels, father and son, after their absence, remain today in our memory, especially in these moments of direct commemoration and homage.

Without a doubt, it is not a question now of undertaking a thorough study, that could only be improvised, on the basic influence of art galleries on the production of artwork in the Valencian art scene from the end of Franco’s dictatorship through the transition to democracy and right up until the present moment. Perhaps others have already done so or will do so in the future. And yet, the causes that might have been behind the hardships and the constant efforts—of both private and public institutions involved in that enterprise—at the time to collectively or individually support the social introduction of contemporary art are, at the same time, plural and complex.

Equipo Crónica. Estudio, 1978

On the one hand, on a historical level, we should never forget the importance and the weight of the gaping and deep chasm in the experience of modernism. Only with the transition to democracy did educational and cultural policies start to flourish, driven by a desire to recover spaces of intervention and the loss of memory.

And in this context of a return to "normality", certain cultural projects would begin to thrive, notwithstanding a timid beginning, which were able to consciously signal the empty gaps and lacunae of artistic contemporaneity.

Equipo Crónica, exposición 1978

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Nevertheless, in the middle of that drive towards intermittent recoveries in the public context, there were tensions between the actual forms of expression of traditional culture and the manifestations of contemporary art. And, in these cases, the scales have tipped readily towards the first option. Curiously, within the ruthless realm of cultural politics, the potential initiatives of contemporary art have come into competition—why is it nearly always a question of competition?—with diverse performing arts. And all of that weighed and still weighs on what could be qualified as the necessary development of the artistic education of the citizenship. Paideia and politics. Two systems that we need if we are not to let ourselves be uncritically carried away by opposing influences. Things would be very different if, as citizens, we would have bathed more often in those waters of human education.

En realidad, la Galería Punto ha sabido esforzarse por estar presente en toda una serie de convocatorias y ferias internacionales, algo siempre fundamental e imprescindible si se quiere asumir el auténtico papel, al que obliga justificadamente la profesionalidad respectiva. Y en dicha tarea conjunta, la nueva generación, tan eficazmente activa, en la presencia de sus hijos, Miguel, Nacho y Amparo, aseguraba por completo la esperada continuidad de la empresa, ya compartida. La historia, a menudo, es cruel. Y los “miguel”, padre e hijo, tras su ausencia, permanecen hoy afincados en nuestra memoria, especialmente en estos momentos de directa rememoración y homenaje.

Sin duda, no se trata ahora de desarrollar, quizás extemporáneamente, un estudio, que sería repentizado, sobre el tema de la básica incidencia de las galerías de arte en el horizonte del hecho artístico valenciano, desde los finales del franquismo, pasando por la transición democrática, hasta arribar a la actualidad. Quizás otros lo han hecho o lo llevarán a cabo. Pero las causas que han podido propiciar las dificultades y los esfuerzos permanentes –tanto de las instituciones privadas como de las públicas, que en dicha empresa se aventuraron– a la hora de respaldar colectiva e individualmente la implantación social del arte contemporáneo son, a la vez, plurales y complejas.

Manolo Valdés, Amparo Zaragozá. Bienal de Venecia. 1978

Miguel Agraït, Vicente García, Amparo Zaragozá, Rafael Solbes, Manolo Valdés, Jorge Ballester. 1978

Por una parte, nunca hay que relegar la importancia y la incidencia del amplio y profundo paréntesis que las experiencias propias de la modernidad tuvieron históricamente entre nosotros. Sólo con la transición democrática comenzaron a aflorar políticas educativas y culturales, deseosas de recuperar espacios de intervención y la memoria perdida. Y será en ese contexto de recuperación de la “normalidad” cuando aflorarán, no sin timideces y titubeos, determinados proyectos culturales, capaces de señalar conscientemente los huecos y lagunas de la contemporaneidad artística.

No obstante, incluso en medio de ese afán de intermitentes recuperaciones, no han faltado tampoco, en el contexto público, las tensiones entre las formas de expresión propias de la cultura tradicional y las manifestaciones propias del arte contemporáneo.

Y, en tales casos, la balanza fácilmente se ha decantado globalmente hacia la primera de las opciones. Pero curiosamente, también han entrado en posible competencia, en ese marco escabroso de políticas culturales, -¿por qué casi siempre en competencia?- las más diversas artes del espectáculo frente a las potenciales iniciativas del arte contemporáneo. Y todo ello ha pesado y pesa en lo que podría calificarse como el obligado desarrollo de la educación artística del ciudadano. Paideia y política. Dos engranajes que tanto necesitamos, para no dejarnos ventilar por influencias ajenas acríticamente. Otro gallo nos cantara de habernos bañado, como ciudadanos, más a menudo en tales dominios de la formación humana.

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We should bear in mind that the fact of focussing on contemporary art, within the context of institutional policies, also means paying immediate and special attention to different sectors: to citizens as potential public, to artists, as creators of cultural events and objects, and to the promotional private initiatives which Miguel Agraït actively engaged in within all fields, where one would effectively have to insert galleries as mediating entities of exhibition and commercial proposals. These potential actions in the social segments and areas involved would also be articulated in the field of cultural policies, basically following three lines: a programme of diffusion of contemporary art, another one supporting artists and, finally, a patrimonial project in reference to contemporary art.

Joan Miró, exposición 1978

In any case, when having to address the difficulties and the causes that might justify institutional policies which overlook contemporary art, we should also take into consideration the committed convictions that, at least in certain cases, made its growth both possible and feasible. Among these convictions, we can single out two inspirational principles. On one hand, there is the need to democratise access to knowledge in all its aspects, to responsibly try and ensure that cultural heritage is made truly available to the majority of citizens.

In other words, culture should not remain in the hands of an elitist few. On the other hand, there is the need to directly support and encourage artistic activities, helping artists effectively involved in said task to mature their potential. Precisely at moments of crisis such as this one, it might strike one as surprising to talk about education and culture, political participation and civil engagement.

But that is the case. It is never too late, even if the future is not precisely rosy or promising.

It is at this crossroad of issues where one can find the necessary dialogue between public and private initiatives with regards to contemporary art production. And if we bring these up now in this reflection, written as a spontaneous homage to Miguel Agraït, it is precisely because the history of this gallery has travelled a great length in parallel with the normalising trajectory of our burgeoning democracy, within whose framework it is only right to enclose the claims of contemporary art. However, it is undoubtedly impossible even to bring to mind the figure of our celebrated gallerist without acknowledging the profound anxiety of the current situation. It would now even seem that just by recalling the chronological profile of these preceding decades we have placed ourselves very far from the suffocating present-day environment. But that should not impede us from casting an analytical look back at the past without anger.

In this way, returning to the historical optic of the 1980s, the appearance of the IVAM and, before that, the development of the Sala Parpalló (with their serious and ambitious programmes, in their initial phases), coupled with the continuous hopeful emergence and subsequent gradual disappearance of art galleries, as well as the significant input from various banking institutions in the field of art and culture, as much as the beginning of the Consortium of Museums and the sustained success of ARCO—to name just a few key references from those fast-lived decades—certainly influenced the situation and the overall context of our contemporary art and consequently, also the everyday ebb and flow of the very guidelines proper to art galleries. Nowadays most of them have sadly all but vanished, the victims of an unforeseen recession.

Antonio Saura, exposición 1978

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Joan Cardells. Catálogo exposición 1979

En cualquier caso, frente a las dificultades y las causas justificativas del olvido del arte contemporáneo en las políticas institucionales, también conviene traer a colación la presencia de las convicciones comprometidas que, al menos en determinados casos, han hecho no sólo posible sino viable su cultivo. Y, entre tales convicciones, destacan dos móviles, dos principios inspiradores: por un lado, la necesidad de democratizar el saber, en todas sus vertientes, de intentar responsablemente que el patrimonio cultural pueda ser realmente accesible a la gran mayoría de los ciudadanos, es decir que no quede como raptada / secuestrada la cultura en reductos elitistas; y, por otro lado, la necesidad de respaldar y fomentar directamente las actividades artísticas, ayudando a los creadores, empeñados eficazmente en tales tareas, a desarrollar sus potencialidades. Justo en estos momentos de crisis, puede parecernos sorprendente hablar de educación y de cultura, de participación política y compromiso ciudadano. Pero así es. Nunca es tarde, aunque el futuro no sea precisamente halagüeño ni prometedor, sin más.

De este modo, tengamos muy en cuenta que el hecho de atender al arte contemporáneo, en el marco de una política institucional, supone prestar especial atención, de forma inmediata, a diversos sectores: a los ciudadanos, en cuanto público potencial, a los artistas, como generadores de manifestaciones y objetos culturales, a la iniciativa promocional privada en la que Miguel Agraït participó muy activamente en todos los campos, donde habría precisamente que encuadrar a las galerías como entidades mediadoras de las propuestas expositivas y comerciales pertinentes.

Tales posibles actuaciones, sobre los segmentos y ámbitos sociales imbricados, se articula a su vez, en el marco de la política cultural, al menos en tres líneas: un programa de difusión del arte contemporáneo, una línea de respaldo a los artistas y un proyecto patrimonial de arte contemporáneo.

En tal entrecruzamiento de cuestiones es donde dialogan necesariamente las iniciativas públicas y las privadas, frente al hecho artístico contemporáneo. Y si las traemos a colación en estas reflexiones, redactadas a manera de espontáneo homenaje a Miguel Agraït, es porque precisamente la historia de esta galería ha discurrido, en buena parte, paralelamente a la aventura normalizadora de nuestra democracia, en cuyo marco es justo encuadrar las reivindicaciones propias de nuestro arte contemporáneo. Aunque, sin duda, ya no es posible ni siquiera recordar la figura de nuestro celebrado galerista, sin sentir el ahogo intenso de la triste situación presente. Incluso parece que recordando ahora el perfil cronológico de aquellas décadas anteriores, nos hallamos muy lejos del agobiante contexto actual.

Pero ello no nos va a impedir analíticamente mirar hacia atrás sin ira.

De este modo, desde el horizonte histórico de los ochenta, la aparición del IVAM, como antes el desarrollo de la Sala Parpalló (y sus rotundos programas de inicio, en ambos casos), el persistente goteo de esperanzadas emergencias y luego desapariciones escalonadas de galerías de arte, como la relevancia de determinadas intervenciones de entidades bancarias en este ámbito artístico-cultural, la puesta en marcha del Consorci de Museus y el sostenido tirón de ARCO –por citar sólo algunas referencias fundamentales de aquellas décadas vividas con celeridad– influyeron aunque sólo fuera transitoriamente en la situación y el contexto globales de nuestro arte contemporáneo y consecuentemente también en el cotidiano sístole y diástole de las coordenadas propias de las galerías de arte. Hoy casi del todo desaparecidas, a golpe de inesperada recesión.

Joan Cardells 1979

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– IV– The fundamental question, then, was already on the table of the politicians responsible for cultural affairs, in charge of redesigning the policies of the new cultural vision of the Transition: What precisely is it that we want in the context of contemporary art in Valencia? And, which kind of art should be given sustained support?

These questions were explicitly formulated on the threshold of the eighties when, in the cultural context, a certain euphoria for recovery was in the air along with a sort of unquestionable desire for normalisation. No doubt about it, these were—as one can well remember—two key words: to recover broad historical swathes of our memory and to normalise the cultural development of the present, with one eye on the standards of behaviour and action exemplified in international forums. Obviously, talking about the diffusion and support to be lent to contemporary art could signify different things, but it was clear that it was viewed as a challenge, in full acknowledgement of the obstacles that it would no doubts meet along the way.

Antoni Tàpies. Galería Punto. 1979

One initial option could have been to focus our attention on certain historical artists, associated with the “isms” of the first half of the twentieth century. In the end, it was through them that we could arrive at a better understanding of the diachronic development of that past, with its fundamental aesthetic ideas, that would help to transform the artistic profile at that time. But it is equally true that, without them, it would have been very difficult to understand our contemporary artistic situation. This gave rise to an interest in the possibility of rereading and rediscovering, at that particular moment in time, the key to their works. Was there any other way of fulfilling the undeniable obligation we had back than—and indeed still have today—to rewrite the history of contemporary art, if we cannot have a contextual dialogue with its main protagonists?

Roberto Matta, exposición 1979

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For sure, that avant-garde option could find no place within the— inevitably limited—plans of institutional policies, notwithstanding their optimism and hopefulness. Nevertheless, at that historical moment, Josep Renau, for instance, became a paradigmatic figure, a direct object of recovery, together with other figures from our artistic or literary history (Gil Albert, Arturo Ballester, Tonico Ballester, Pérez Contel) who, in the eighties, became the centre of attention, from the viewpoint of Valencian culture. In fact, this would be the ambition that, later on, the IVAM would follow, and also one of the basic lines of its resourceful programme of events.

- IVLa pregunta fundamental estaba, pues, sobre la mesa de los responsables políticos en materia cultural, encargados de rediseñar las líneas de actuación de la nueva política cultural de la transición: ¿qué es lo que se desea, para el contexto valenciano, precisamente en materia de arte contemporáneo? Y, en concreto, ¿a qué tipo de arte se trata de dar decidido respaldo?

Tales preguntas se formulaban explícitamente ya próximo el umbral de los ochenta, cuando en el contexto cultural se vivía una cierta euforia de recuperación y de indudables deseos de normalización.

Sin duda esas eran -lo recordamos bien- dos palabras clave: recuperar amplios segmentos históricos de nuestra memoria y normalizar el desarrollo cultural del presente, mirando de frente (o quizás de reojo) las pautas de comportamiento y actuación ejemplificadas en los foros internacionales. Efectivamente hablar de difundir y respaldar el arte contemporáneo podía significar diversas cosas, pero estaba claro que, ante todo, se planteaba como reto, a sabiendas de las dificultades que, sin duda, todo ello acabaría acarreando.

Joan Miró, exposición 1979

Una primera opción podía consistir en atender a determinados artistas históricos, vinculados a las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. Al fin y al cabo era a través de ellos como se podía entender perfectamente el desarrollo diacrónico de ese pasado, con sus fundamentales aportaciones estéticas, que ayudaron a transformar los perfiles artísticos de la época. Pero también es cierto que, sin ellos, era bien difícil comprender, incluso, aquella nuestra situación artística coetánea. De ahí el interés de poder releer, redescubrir, desde el presente de entonces, las claves de sus obras. ¿Hay algún otro modo de cumplir con la indiscutible obligación que teníamos –y seguimos teniendo– de reescribir la historia del arte contemporáneo, si no acudimos a dialogar contextualmente con sus protagonistas?

Lucio Muñoz, exposición 1979

Pero, ciertamente, tal opción vanguardista no podía entrar en los planes –siempre limitados– de una política institucional, por muy optimista y esperanzadora que fuere. Sin embargo, bien es cierto que, en aquella coyuntura histórica Josep Renau, por ejemplo, se había convertido en una figura paradigmática, objeto directo de recuperación, junto a otras figuras de nuestra historia artística o literaria (Gil Albert, Arturo Ballester, Tonico Ballester, Pérez Contel) que se transformaron, en los ochenta, en eje de atención compartida, desde la óptica de la cultura valenciana. De hecho, esta sería la apuesta que, más tarde, seguirá el IVAM, también como una de las líneas básicas de su eficaz programa de actuación.

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That said, it was precisely within this line of action that, and thanks to flawless and premonitory advice, Miguel Agraït was able to intercede—in one of his first selective decisions—as one can readily see when consulting the list of the gallery’s notable exhibitions aimed at recovering emblematic figures.

A second option, when addressing the need to outline which type of art was to be supported and diffused and what cultural politics were to be strategically studied, would have been to lend direct attention to a few select and well-established artists in the art scene from Valencia. Historically speaking, this would have seemed the safest and most obvious option. Those artists already counted on a prestigious track record of their own and a mature body of work.

Among them, we could find those who, since the post-war years, had opted for a problematic recovery of the spirit of modernism.

At the end of the day, the enduring neo-avantgardes were the ones able to respond, in one way or another, to the demands of this transition, or at least were getting ready for them.

This option was also resolved within an institutional programme of plural and distinct public and private bodies, gradually opening exhibition spaces to many of these artists, announcing awards and increasing the publication of extensive texts exploring their work.

Some of the artists involved were Hernández Mompó, Salvador

Antoni Tàpies. Exposición 1979

Soria, Alfaro, Genovés, Equipo Crónica, Equipo Realidad as well as a long etcetera of Spanish and international artists. And, once more, as one had come to expect, Galería Punto aligned itself completed with this policy, reinforcing these exhibition proposals.

Andreu Alfaro, Antoni Tàpies. Galería Punto. 1979

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Miguel Agrait’s international gaze was steadfast whenever his possibilities allowed it. The spaces of his gallery bore witness to shows by Adami, Alechinsky, Appel, Christo, Donald Judd, Dubuffet, Richard Hamilton, Hartung, Hockney, Jasper Johns, Kenneth Noland, Lindstrom, Man Ray, Matta, Meret Oppenheim, Peter Phillips and J. Rafael Soto… to name just a few and in alphabetical order. I still have many cherished memories of those exhibitions, and they were also worthy of my dedication as an art critic in certain media.

It was in Agrait’s gallery where, still a young teacher, I began to write about art. I had the feeling that that literary attention could improve my scholarly and teacherly performance. And I believe that it proved right.

Pues bien, justamente en esa concreta línea de actuación, Miguel Agraït había sabido intervenir premonitoria y acertadamente aconsejado, –como una de las primeras decisiones selectivas suyas–, según puede constatarse, con sólo consultar su nómina de destacadas exposiciones, destinadas a recuperar figuras emblemáticas.

Una segunda opción –frente a la necesidad de delimitar a qué tipo de arte se trataba de respaldar y difundir, con la política cultural que estratégicamente se estudiaba– podía ser la de atender directamente a una determinada nómina de artistas ya más consolidados de nuestro panorama artístico valenciano.

Históricamente se perfilaba como una propuesta segura y fácil de acertar. Contaban, tales artistas, con una trayectoria y una obra maduras y ya configuradas con suficiente prestigio. Entre ellos figuran quienes, desde la posguerra, optaron por una difícil recuperación del espíritu de la modernidad. Son, por cierto, las resistentes neovanguardias que, a fin de cuentas, supieron conformar, de algún modo, las puertas de aquella transición, al menos disponiéndonos para ello.

También esta opción se convirtió, por cierto, en programa institucional de distintos y plurales organismos –públicos o privados–, que atendieron expositivamente, de modo paulatino, a muchos de tales artistas, creando determinados galardones y potenciando la publicación de amplias monografías sobre sus itinerarios. Sin

Eva Mus, Joan A. Toledo, L. Muñoz, M. Valdés, Juana Mordó, R. Solbes, Martí Quinto, Miguel Agraït y Amparo Zaragozá. 1979

duda no nos faltaban artistas en este apartado: Hernández Mompó, Salvador Soria, Alfaro, Genovés, Equipo Crónica, Equipo Realidad, además de artistas españoles e internacionales en un largo etc. Y, una vez más, como era de esperar la Galería Punto se encontraba plenamente en esa línea de actuaciones, potenciando tales propuestas expositivas.

José Ortega e hijo, Miguel Agraït. FIAC. 1979

La mirada internacional de Miguel Agraït siempre se mantuvo activa, en la medida de sus posibilidades. Por los espacios de su galería desfilaron muestras de Adami, Alechinsky, Appel, Christo, Donald Judd, Dubuffet, Richard Hamilton, Hartung, Hockney, Jasper Jhons, Kenenth Noland, Lindstrom, Man Ray, Matta, Meret Oppenheim, Peter Phillips o J. Rafael Soto…por citar alfabéticamente sólo algunos. Muchas de tales muestras permanecen en mi recuerdo, igual que merecieron mi dedicación como crítico de arte, en determinados medios de comunicación. Fue en su galería donde comencé a escribir sobre arte, siendo joven profesor.

Sentí que aquella atención literaria podría mejorar mi rendimiento académico y docente. Y considero que así fue.

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The third option would present itself, in equal measure, as completely crucial in the context of the situation explained above: the attention given to emerging artists. In other words, to openly support the emergence of young talents that would still be in the process of defining their language, who needed diffusion and an entrance into art circuits and who could also bring new conceptions, new ideas, new ways of seeing and expressing reality. And the perspicacious driving forces behind Galería Punto were not only able to pay full attention to that call for emerging names, but also articulated, during periods of time, an exhibition activity involving a curator, each time a different one, in charge of facilitating a selective and personal reading of the most outstanding proposals within the emerging art scene. And so, we must recognise that a whole series of today’s significant and active curators, well known and reputable in the field of contemporary art, collaborated directly with Galería Punto in this task of introducing and promoting upand-coming new values. In point of fact, Miguel Agraït was always in his element in that context of lending attention to young and emerging artists. And to a large extent, that has partly been his legacy to the gallery’s current policy.

Amparo Zaragozá, Miguel Agraït, Felipe Garín. 1980

As a matter of fact, a decision to provide the maximum support for contemporaneity means, in principle, opting for works engaged with the reality of their time; furthermore, young art is generally usually synonymous with risk-taking and experimentation, striving to push back the limits of the conventional. It is no accident that these emerging values often go hand in hand with the alternative, with artistic positions on the sidelines of official aesthetics. In the midst of the postmodern eclecticism of the eighties, young art presented itself immediately as different and plural, coexisting effortlessly with heterogeneous ideas. And this was clearly the situation that was beginning to be outlined.

There can be no doubt that the aim of the project behind these intermittent initiatives to invite young curators to Galería Punto was to somehow turn, and as a result of conscious choice, the space of the gallery into an area of fertile interchange, encounters, confrontations and debates among the different emerging options of young contemporary art.

This decision fitted in perfectly with the programme outlined by the direct management of Galería Punto and, as we mentioned earlier, with the guidance and advice of Vicente Aguilera since the exhibition space opened in 1972. This decision consisted in ditching any type of anachronistic, reiterative or traditionally mimetic proposal; in renouncing any sign of pure ornamental commercialism or the virtuosity of techné. In addition there was a decision to eschew any form of mere amateurism, which is to say, approaching art as some form of hobby or sideline for part-timers.

Manolo Millares, exposición 1980

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Una tercera opción se perfilaba ciertamente, en igual medida, como del todo determinante de la situación que comentamos: la atención a los artistas emergentes. Es decir respaldar abiertamente el desarrollo del arte joven, que aún se hallaba en proceso de configurar y definir su propio lenguaje, que necesitaba de la difusión y de la penetración en los circuitos y que, además, podía aportar nuevas concepciones, nuevos planteamientos, nuevas maneras de ver y de expresar la realidad. Y los responsables de la Galería Punto, con perspicacia, no sólo supieron atender abiertamente a esa nómina de nombres emergentes sino que asimismo articularon, durante un conjunto de temporadas, una actividad expositiva, encomendada a un comisario, cada vez diferente, que debía facilitar una lectura selectiva y personal de aquellas aportaciones más destacadas, propias de dicho contexto emergente. Y así hay que reconocer que toda una serie de -hoyrelevantes y activos comisarios, bien conocidos y considerados en el marco del arte contemporáneo, colaboraron eficazmente, en aquella coyuntura, con la Galería Punto en esta concreta tarea de sondeo y promoción de nuevos valores. En realidad, Miguel Agraït siempre se movió como pez en el agua en este contexto de atención al mundo joven y emergente. Y en buena medida esa ha sido una parte de su herencia a las líneas actuales de la galería.

Rafael Canogar, exposición 1982

En realidad, una opción por la máxima contemporaneidad supone, en principio, apostar paralelamente por obras comprometidas con su tiempo; además el arte joven, por lo común, es siempre sinónimo de riesgo y experimentación, tendiendo a alterar los límites de lo establecido; no en vano, tales valores emergentes a menudo van unidos a lo alternativo, a posiciones artísticas ubicadas en los márgenes de la oficialidad estética; asimismo el arte joven -en medio del eclecticismo posmoderno de los ochenta- se perfilaba inmediatamente como diverso y plural, coexistiendo sin dificultades con los planteamientos más heterogéneos. Tal era claramente la situación que se perfilaba.

Sin duda, el proyecto al cual se daba vueltas, con esta iniciativas intermitentes, de invitar a jóvenes comisarios, apuntaba a que el espacio de la Galería Punto pudiera, de alguna forma, convertirse, por pleno derecho y elección consciente, en un ámbito de fecundos intercambios, encuentros, confrontaciones y debates entre las diferentes opciones emergentes del arte joven contemporáneo.

José Garnería, Vicente Aguilera, Jorge Glusberg, Sartoris, J. A. Blasco Carrascosa, Román de la Calle. 1981

Tal decisión enlazaba directamente con aquel programa que hicieron propio, los responsables directos de la Galería Punto, desde la apertura del espacio galerístico, en 1972, aconsejados acertadamente, como ya hemos comentado más arriba, por Vicente Aguilera, consistente en dejar totalmente a un lado cualquier tipo de propuestas anacrónicas, reiterativas o tradicionalmente miméticas, fundadas en supuestos estéticos manidos; de renunciar a todo atisbo de puro comercialismo ornamental y a los virtuosismos estrictamente tecnicistas; amén de alejarse, de manera decidida, del mero amateurismo, es decir del arte como hobby coyuntural para aficionados.

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Nevertheless, beyond all of these obstacles already pointed out, it is clear that with the aim of running certain projects and programmes, Galería Punto was conscious that, along this chosen path, it would sooner or later be necessary to face the risks of strict localism as much as the risk of propitiating unilateral and embryonic reductionisms. In other words, it was inevitable to directly confront the pressure to diffuse the work of local artists, as much as the reductive preferences for certain aesthetic options which are safely protected by tradition and the customary market, drastically relegating all other artistic proposals to a total absence in exhibition venues.

It is beyond question that the design and running of an art gallery requires a certain degree of knowledge in areas such as history of art, the mediums in current usage and the situation of the art scene at any given moment, the local and national cultural context, as well as wide-ranging information on the happening aesthetic tendencies on an international level. In short, it is a matter as much of counting on criteria to take informed decisions as of maintaining extended contacts with artists, critics, other galleries, public entities, museums, associations, the press and art centres. All of this gradually gelled together in the project undertaken, finally bearing its fruits.

ARCO. Madrid, 1982

I would like to reproduce here a somewhat long quote I came across, written by Miguel Agraït himself, for a text a few years back in which I was asking him about his views and reflections garnered from his long experience. I have already copied a fragment in the opening motto, and I now wish to reproduce it in its entirety: “An art gallery is built day by day, month by month, year by year, with one’s eyes wide open to the political, social and economic events affecting culture and the art world and which furthermore have a direct affect on the individual, his life and the most intimate part of his being.

Furthermore, I believe that a gallery needs to pay special heed to technological advances and to cultural contributions of all kinds, as well as to take into account the creations and views of artists inasmuch as they are the true chroniclers of reality, so that one can see with the eyes of a prophet the good and bad of what occurs and learn how to render, convey or denounce it. Without a doubt, it is an arduous yet fascinating task. And it is to that task that I have tried to devote myself.” M. A. Equipo Crónica, exposición 1982

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Sin embargo, además de todos estos obstáculos ya indicados, bien es cierto que con esta aspiración a llevar a cabo determinados proyectos y programas, la Galería Punto era consciente de que, en este camino, había que saber enfrentarse, antes o después, tanto con el estricto localismo como con el riesgo de propiciar unilaterales y larvados reduccionismos. Es decir, había que medirse tanto con las posibles presiones dirigidas a difundir las obras de los artistas del lugar, como con las reductivas tomas de partido en favor de determinadas opciones estéticas, amparadas en la tradición y en el mercado habitual, y no de otras, relegando drásticamente el resto de propuestas artísticas a una total ausencia del espacio expositivo.

Sin duda el diseño y la gestión de una galería de arte era evidente que exigía un determinado grado de conocimientos en ámbitos tales como la historia del arte, los medios y la situación artísticos de la escena actual, el contexto cultural tanto valenciano como nacional, así como con información amplia de las tendencias estéticas internacionales. Es decir, de hecho se trataba de contar tanto con criterios formados para poder tomar decisiones, como con amplios contactos con artistas, críticos, otras galerías, entidades públicas, museos, asociaciones, prensa y centros especializados.

Y todo ello vino paulatinamente consolidándose en el proyecto emprendido, hasta dar sus frutos.

Cesar Manrique, exposición 1983

Tierno Galbán, Amparo Zaragozá. ARCO. 1982

Me gustaría traer a colación una cita, algo extensa quizás, que conservo escrita por el propio Miguel Agraït, para un texto de hace algunos años, donde le preguntaba su parecer y apelaba a su experiencia. Parte de ella la he aportado ya en el motto inicial, y quiero retomarla entera ahora: “Una Galería de Arte se crea día a día, mes a mes, año tras año, con los ojos bien abiertos a los acontecimientos políticos, sociales y económicos, que se suceden en torno al mundo del arte y de la cultura y que además repercuten de manera directa sobre el individuo, su vida y lo más íntimo de su ser.

Además, considero que una galería requiere prestar una especial atención a los avances tecnológicos y a las aportaciones culturales de toda índole, así como tomar en consideración las creaciones y opiniones de los artistas, como auténticos cronistas de la realidad, para ver con los ojos de un profeta lo bueno y lo negativo del acontecer y saber así plasmarlo, comunicarlo o denunciarlo. Sin duda alguna, una ardua aunque apasionante labor. Y a ella he intentado dedicarme yo mismo”. M. A.

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–V– But, broadly speaking, what was the socio-artistic profile of the situation in which the now historic Galería Punto was gradually asserting its practice? Certainly, since the mid seventies, something new could be "sensed" in the visual art scene in Valencia. Yet this was perhaps excessively adorned with hopes and illusions still largely unspecified and undefined. Logically, this was a response in step with the global expectations fostered at that period on all levels.

In that sense, the decade of the eighties, once underway, did turn into a kind of promising no man's land where the most diverse personal and collective projects and aspirations were catalysed.

And, above all, it appeared like that for the various strata or generations of artists that together would add up to the Valencian cultural landscape, still influenced, perhaps, by the prestige of preceding stylistic options, which they seemed to accept momentarily while at once basically searching for their own vernacular.

They were united, perhaps, by a new, reborn interest in painting itself. Something similar would also happen, a few years later, with sculpture. But, in truth, there were no networks of relationships that could help the local context in Valencia to share common concerns with other contexts on a national scale and, much less, internationally, with a view to promoting their work or exchanges.

Joan Miró, exposición 1983

Certainly, throughout the eighties, above all in the metropolitan area of Valencia, a number of different municipal activities took place, such as competitions and prizes, in so doing developing a certain awareness of cultural decentralisation. Some of them still continue their distinguished labour today. And, unquestionably, the celebration of a periodical recurring art event—an exhibition, a competition or a fair—never fails to generate a complementary recourse that motivates artists to participate while adding interest on behalf of the general public.

These competitions—when based on well-defined and structured criteria, and also properly organised and funded—generated at the time, in parallel to their growing prestige, many positive results in the young art scene in Valencia. In fact, a good portion of the history of the decade would necessarily have to study this huge phenomenon of competitions in relation with visual arts.

FIAC. París 1983

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-VPero ¿cuáles eran, en grandes líneas, los perfiles socioartísticos de aquella situación, en la que iba consolidándose, paso a paso, el itinerario de la hoy histórica Galería Punto? Indudablemente, desde mediados de los setenta, algo nuevo “se palpaba” en el ambiente de la plástica valenciana. Pero ese algo quizás estaba excesivamente tejido de esperanzas e ilusiones aún propiamente sin especificar en sus líneas generales. Era, lógicamente, una respuesta coordinada con las expectativas globales que el período, a todos los niveles, propiciaba.

En ese sentido, la posterior década de los ochenta, una vez recién estrenada, se convertiría en una especie de prometedor no man's land donde se catalizaban los más dispares proyectos y aspiraciones, tanto personales como colectivos. Y, sobre todo, lo era para amplios estratos generacionales de artistas que paulatinamente se habían ido ya incorporando al panorama cultural valenciano, quizás muy influidos aún por el prestigio de opciones estilísticas precedentes, a las que -como epígonosparecían adscribirse de momento, mientras que, en el fondo, buscaban, a partir de ellas y con tal apoyatura, sus propios lenguajes.

Quizás les unía un nuevo y renacido interés por la pintura misma.

Algo así ocurriría, algunos años más tarde, también en torno a la escultura. Pero, en realidad, no había una infraestructura de relaciones que, desde el contexto valenciano, aglutinase y pusiese en contacto esas comunes inquietudes con otros niveles nacionales y, mucho menos, internacionales, de cara a la promoción o el intercambio.

Antonio Seguí, exposición 1983

Sin duda, en el transcurso de los ochenta, sobre todo en el área metropolitana de Valencia, desarrollando una cierta conciencia de descentralización cultural, tomaron cuerpo diversas iniciativas municipales relacionadas con certámenes, premios, bienales o concursos. Algunas de ellas aún continúan en la actualidad su destacada labor. Y es que, ciertamente, la celebración de un acontecimiento artístico -bien sea exposición, concurso o cita ferialcuando se basa en una convocatoria de carácter periódico, no deja de generar un recurso complementario de motivación participativa para los artistas y de interés añadido para el público.

Tales convocatorias –siempre que se partiese de criterios bien definidos y estructurados, estando además relativamente dotadas y organizadas de forma adecuada– generaron ya entonces, paralelamente a su prestigio, consecuencias beneficiosas para el joven horizonte artístico valenciano. En realidad, una buena parte de la historia de la década, en relación a las artes plásticas, pasa necesariamente por el estudio de este extendido fenómeno de los certámenes periódicos.

Darío Villalba, exposición 1983

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Nevertheless, it is not a matter of making any extensive descriptions in this brief historical overview, nor to produce lists of events in which Galería Punto has participated, nor to bring up other facts and figures that might have had a bearing on its particular path.

In fact, all of this is contained in the gallery’s résumé, and the press dossiers archived by the family speak of all these facts and events.

In this tribute to Miguel Agraït it makes more sense to project our desires towards the future, of course trusting that the years to come will be added to Galería Punto’s curriculum of artistic activities and its sustained attention to contemporary art. It is worth bearing in mind that while its dialogue with art over these last four decades has not always been easy, it has always been hopeful as much as fruitful.

David Hockney, exposición 1984

I met Miguel Agraït personally on various occasions, thanks precisely to this type of competitions, as we were often sitting on the same jury. Practically always focused on attracting the attention of promising young talents, for art galleries these competitions provided very interesting sources of information when it came to acknowledging and calibrating the new artistic proposals within the corresponding context. It is no accident that Miguel Agraït served for twelve years on the committee of the ARCO art fair in Madrid. And although in the end the readjustments and revisions of the guidelines in operation at the fair caused him serious distress and condemned him to certain ostracism, life went on. In fact, his responsibility as a gallerist led him to take part at many art fairs apart from ARCO. I cite from memory: Art Basel, Art Cologne, FIAC-Paris, Art Chicago, Art Miami, Art Toronto, Art Casablanca, Art Berlin, Art Paris and Art Munich. Demonstrated over many years, this sustained effort was instrumental in supporting the art and artists he firmly believed in. Here and now, it would be impossible to list—although it is something I have done on another occasion—the hundred plus Spanish and international institutions and art centres that Miguel Agrait has collaborated with throughout these decades, his eyes always set on ensuring for his gallery—his true work of art—the greatest achievements and the presence of the most outstanding artists and of their works.

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Following this line of thought and memory, we are obliged to remember the recognition and awards that Galería Punto received from institutions that were able to rightfully value its activities brought to completion as much as its possibilities for the future. Among them are the Alfons Roig Awards granted by the Diputación de Valencia and the Médaille de la Ville de Paris (Échelon Vermeil), already cited at the opening of this text. Fortunately, this other appreciative side of reality also exists, although, sometimes, it is maintained discreetly hidden, waiting for its time to come. And now Fundación Chirivella-Soriano has opportunely responded to that challenge by preparing this homage-exhibition coinciding with Galería Punto’s fortieth anniversary (1972-2012) in the foundation’s superb exhibition spaces. A homage metonymically catalysed in the figure of Miguel Agraït Colomer.

David Hockney, invitación exposición 1984

Más sentido tiene en este homenaje a Miguel Agraït, proyectar hacia el futuro nuestros deseos, apostando, por supuesto, en favor de que nuevos lustros vengan a sumarse en la trayectoria de la Galería Punto en su actividad artística y en su sostenida atención al arte contemporáneo. No en vano hay que reconocer que, en este periodo de cuatro décadas, sus diálogos con el arte no siempre han devenido fáciles, pero sí han sido tan esperanzados como fructuosos.

Javier Calvo, exposición 1984

Precisamente en este tipo de certámenes coincidí personalmente en múltiples ocasiones con Miguel Agraït, en nuestra tarea compartida como miembros de los respectivos jurados. Siempre despertando la atención hacia los valores emergentes, tales convocatorias, de cara a las galerías de arte, se convierten en interesantes contextos de información, a la hora de conocer y calibrar las nuevas propuestas artísticas del contexto correspondiente.

No en vano Miguel Agraït formó parte, durante 12 años, del Comité de Arco. Aunque, al final, los reajustes y revisiones de líneas implantadas en la Feria le causaran serios disgustos y un determinado ostracismo. La vida seguía. De hecho, su responsabilidad como galerista le hizo participar asimismo en otras numerosas ferias de arte, además de Arco. Cito a vuela pluma: Art Basel, Art Cologne, Fiac-París, Art Chicago, Art Miami, Art Toronto, Art Casablanca, Art Berlin, Art Paris o Art Munich.

Todo un sostenido esfuerzo, demostrado durante años, en respaldo del arte y los artistas en los que decididamente creía. No podemos referenciar aquí y ahora, aunque me he preocupado de listarlos puntualmente y suman cerca de medio centenar, las instituciones y los centros internacionales y nacionales con los que colaboró a lo largo de estas décadas Miguel Agraït, puesta siempre su mirada en conseguir para su galería -su auténtica obra-- los mayores logros y la presencia de los más destacados artistas y sus obras.

En esta línea de rememoraciones, también es obligado hacernos eco de los reconocimientos y galardones recibidos por la Galería Punto de aquellas instituciones, que han sabido valorar debidamente tanto el itinerario llevado a cabo como sus posibilidades de futuro.

Entre ellos el de los “Premios Alfons Roig” de la Diputación de Valencia y “La Médaille de la Ville de Paris Échelon Vermeil”, ya citados también al principio de este texto. Por fortuna, esta otra cara afectivamente estimativa de la realidad también existe, aunque a veces se mantenga discretamente oculta, en espera de su cuarto creciente. Y a tal envite a dado respuesta oportuna la Fundación Chirivella-Serrano, planificando, en los excelentes espacios expositivos de su sede, esta muestra de homenaje, en los cuarenta años cumplidos (1972-2012) de existencia de la Galería Punto.

Homenaje catalizado metonímicamente en la figura de Miguel Agraït Colomer.

Sin embargo, no se trata aquí de extendernos descriptivamente ya más en este breve recorrido histórico, ni tampoco de abordar listas de eventos en los que ha participado la Galería Punto o de aportar otras informaciones que hayan podido afectar a su particular itinerario. En realidad, el guión de su curriculum empresarial y los dossiers de prensa que atesora la familia nos recuerdan sobradamente tales hechos y acontecimientos periódicos.

Luis Feito, exposición 1984

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If looking through the rearview mirror has, as we can see, its merits in terms of orientation and realisation, it is no less true that we are obliged to maintain our gaze fixed on the active situation that runs perpetually, constantly remodelled, in front of the windscreen. Only relying on the two gazes of self-esteem and future, and with the immediate commitment of continuity, may we go back to certain twists and turns in our collective and personal memory—as if finding ourselves at home—through this heartfelt homage, capable of turning a dream into a reality, thanks to the selected pieces by some of the Spanish and foreign artists who by exhibiting their works took part in the historical adventure recalled here.

Ramón de Soto, exposición 1984

We are acquainted with the weakness of our art market and the limits of local art collecting. We are well aware of how the current downturn has put the brake on and drastically limited the enthusiasm of galleries and young artists. Likewise, we are also aware that things are no easier for art historians, aesthetes and critics when trying to give a committed response to the present biased situation and to go beyond a mere dependency on power and its controls.

And, following in that anti-optimistic tone, what can we say of museums, private and public institutions, research centres and publishers? We had better take a deep breath before talking and meditate in silence.

As such, more and more we are missing specific policies supporting creativity which we ardently cry out for, above all at certain specific phases in the life of an artist, perhaps at the time in which he emerges with such strength and hope, but also equally in support of the diffusion and the promotion of contemporary art. There are few things left to expect in this critical frustrating horizon currently before our eyes. It is in this line of always engaged interventions— even with limited possibilities—where, in certain circumstances, being oneself and knowing how to endure from day to day, working for art and its commercialisation in a rigorously professional way, are the best merits when paying tribute to a gallerist and friend like Miguel Agraït Colomer (1929-2010) and by doing that, also to his whole family, who keep on fighting their ground.

Especially when that "being" and "enduring" now extends for no more nor less than forty years of prolonged and engaged commitment. Gaudet patientia duris (Lucan, Phar. ix, 403). Patience rejoices in adversity.

For all those among us who have experienced firsthand those four decades of a long-lasting adventure, the moment has also arrived to reflect, between analysis and emotion, following the zigzagging thread of memory.

Genovés, Andreu Alfaro, Anzo. 1985

Román de la Calle Professor of Aesthetics and Theory of Art University of Valencia. Estudi General

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Si “mirar por el espejo retrovisor” tiene –como hemos podido constatar– sus merecidas compensaciones de reconocimiento y orientación, no es menos cierto que, además, estamos obligados a no perder de vista la activa situación que discurre, perpetuamente y siempre nueva, ante el parabrisas. Sólo contando con ambas miradas, de autoestima y de futuro e inmediato compromiso de continuidad, podremos volver a visitar determinados recodos de nuestra memoria colectiva y personal -como encontrándonos ya en nuestra propia casa- a través de este sentido homenaje, capaz de convertir un sueño en realidad, frente a las obras seleccionadas de algunos de los artistas, nacionales e internacionales, que participaron con sus exposiciones en aquella histórica aventura, ahora rememorada.

ART COLOGNE. Köln, 1985

Conocemos la debilidad de nuestro mercado artístico y las limitaciones presentes de nuestro coleccionismo. Sabemos que la crisis actual ha puesto freno y coto drásticamente al entusiasmo de galerías y jóvenes creadores. No ignoramos que los historiadores del arte, los estetas y los críticos no lo tienen tampoco fácil si quieren responder comprometidamente a la sesgada situación actual e ir más allá de la mera dependencia del poder y sus controles. ¿Y qué decir, en esa misma tónica antioptimista, de museos, instituciones privadas y públicas, de centros de investigación y de editoriales? Más vale que respiremos dos veces antes de hablar y que meditemos en silencio.

De ahí que cada vez echemos más de menos políticas específicas de ciertos soportes a la creación y las reclamamos ardientemente, sobre todo en determinadas etapas de la vida de un artista, quizás cuando emerge con más fuerza y esperanza, como también igualmente de soporte a la difusión y promoción del arte contemporáneo. Poco es ya viable en este crítico horizonte frustrante en el que vivimos. En esa línea de intervenciones siempre comprometidas –incluso con las posibilidades limitadas– es donde, en determinadas circunstancias, saber estar y resistir en el día a día de la actividad artística y su mercantilización rigurosamente profesional es el mejor de los timbres y méritos a los que quepa apelar, cuando se homenajea a un galerista y amigo como Miguel Agraït Colomer (1929–2010) y paralelamente también a todo su equipo familiar, que sigue persistentemente en la brecha.

Sobre todo, cuando ese “saber estar” y ese “resistir” ha comportado ya, nada menos, que una prolongada deriva de cuarenta años de permanente y comprometida aventura. Gaudet patientia duris.

(Luc. Phar. 9,403). La capacidad de resistencia se complace en las necesidades.

Para cuantos hemos vivido de cerca justamente esas cuatro décadas de prolongada aventura es también el momento efectivo de reflexionar, entre el análisis y la emotividad, al hilo zigzagueante del recuerdo.

Miguel Agraït, J. Michavila. 1985

Román de la Calle Catedrático de Estética y Teoría del arte Universitat de València. Estudi General

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Miguel Agraït, apuntes para el recuerdo. ricard juan manuel javier manuel tomás rafa christian rafael josé r. salva rafael

BELLVESER BONET CARLES GARCÍA LLORENS MARÍ PARRA-DUHALDE PRATS RIVELLES SEGUÍ TORRES VENTURA-MELIÀ

MIGUEL AND AMPARO Ricard Bellveser How much should I write? I asked.

One page.

One page? Do you really think so little space can contain so much world?

Whenever we went to Galería Punto, journalists, art critics or commentators always made note of a little board next to Miguel Agrait and Amparo Zaragozá's office with press cuttings featuring news or reviews about the gallery or its artists, or indeed about any other matter that caught their interest.

They had invented what social networks now call a “wall”, something radically different from a notice board. Why did they pin up those newspaper clippings? The answer is simply: out of sheer generosity.

For obvious reasons, they chose any news referring to themselves.

The rest was aimed at creating a network of friends for whom Galería Punto was a place to meet, first in that mezzanine in Avenida Barón de Cárcer, and then in the current ground floor premises. On that board we recognised and read each other, understood the points we shared in common and became each other's colleagues. Each opening was like a party and they invariably ended with a dinner hosted by Miguel and Amparo, always so well-mannered, so discreet and so well-chosen in their initiatives.

The gallery was where many of those who would later form a cultural network in the city of Valencia met, and the birthplace of many initiatives that ended up in FIAC in Paris; ARCO in Madrid; Interarte in Valencia; in Rome, Cologne, Chicago, Miami, Basel,

ART COLOGNE. Köln, 1985

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Toronto or Berlin, where they travelled with work by their roster of artists, sometimes in tough conditions, like when they took Equipo Crónica's work in a trailer pulled by their small car. Those were the days of Alabau, Canogar, Maribel Domenech, Equipo Realidad, Equipo Crónica, Donald Judd, Anzo and Quero; of Mariscal, Andreu Alfaro, Francisca Mompó, Luís Moscardó, Bernardo Tejeda, Ramón de Soto, Amparo Tormo and Rosario Beltrán. Those were the times of Vicente Aguilera Cerni and of the birth of Valencia art criticism. Everything was being invented, even though it had already been invented; the thing is that some of us were not aware of the fact. They probably were, which is why they had sown in that gallery the seed of freedom and progress. And I use the plural because-as you may have already guessed-it is impossible to talk about Miguel without mentioning Amparo, and trying to do so would lead us nowhere. They have always been together, and so they will continue being together because it is more than physical.

In the passage from the 1960s to the 1970s, the couple decided to embark, at their own expense and long before the greed for subsidies, on the adventure of creating an art gallery in Valencia which could be a window for freedom, and they opened it in 1972. The critical and scientific aspects of the business were left to Vicente Aguilera Cerni, an exceptional character without whom the development of art in Valencia-from Antes del Arte to Crónica de la Realidad-would be impossible to grasp. Because Aguilera represented the connection of Valencian and Spanish art with the major European art movements, particularly those showcased at the Venice Biennale.

Without Miguel and Amparo, without Galería Punto, the history of culture in Valencia would have been very different: much poorer, much more provincial, less attractive.

Lucio Muñoz, exposición 1985

Hsiao Chin, M. Benedetti, Amparo Zaragozá, Miguel Agraït 1985

Juan Genovés, exposición 1985

MIGUEL Y AMPARO Ricard Bellveser --¿Cuánto puedo escribir?, pregunté.

-Un folio.

--¿Un folio?, ¿Creéis que me puede caber tanto mundo en tan poco espacio?

Los periodistas, los críticos de arte o sus comentaristas, cuando entrábamos en la Galería Punto, nos encontrábamos, junto al despacho de Miguel Agraït y Amparo Zaragoza, una pequeña pizarra en la que se exhibían los recortes de prensa con noticias o críticas relativas a la Galería, o a alguno de los artistas que exponían en ella, o incluso algún tema que le resultaba singular.

Habían inventado lo que hoy en las redes sociales se llama un “muro”, que es algo muy, muy, muy distinto a un tablón de anuncios. ¿Por qué pinchaban estos trozos de periódico?, yo lo diré: por generosidad. Allí colocaban por razones evidentes, los que les aludían. El resto era para trenzar una red de amigos que teníamos en aquel entresuelo de la avenida del Oeste, primero, y en el actual bajo, después, el lugar de encuentro. En la pizarra nos reconocíamos y nos leíamos, entendíamos los temas en común y nos hacíamos cómplices. Cada inauguración era una fiesta que acababa en cena con Miguel y Amparo de anfitriones, siempre tan correctos, tan acertados en sus iniciativas, tan discretos.

Allí nos conocimos muchos de los que luego formamos cierta malla cultural de la ciudad de Valencia, y de allí nacieron iniciativas que acabaron en la FIAC de París, o en Arco de Madrid, Interarte de Valencia, en Roma, en Colonia, Chicago, Miami, Basel, Toronto o en Berlín, a donde llevaban las piezas de sus artistas,

a veces en condiciones muy penosas, como aquellos equipocrónica transportados en un remolque arrastrado por un modesto utilitario.

Fueron los tiempos de Alabau, Canogar, Maribel Domenech, del Equipo Realidad, del Equipo Crónica, de Donald Judd, de Anzo y de Quero, de Mariscal, Andreu Alfaro, Francisca Mompó, Luís Moscardó, Bernardo Tejeda, Ramón de Soto, Amparo Tormo o Rosario Beltrán, eran tiempos de Vicente Aguilera Cerni y del nacimiento de la crítica de arte valenciana. Todo lo estábamos inventando aunque ya estuviera inventado, lo que sucede es que algunos de nosotros no lo sabíamos. Ellos quizá sí, por eso habían sembrado en esta galería, la simiente de la libertad y del progreso.

Hablo en plural porque no se puede hablar, ya se me habrá entendido, de Miguel sin hacerlo de Amparo, e intentarlo no conduciría a ningún lado. Siempre han estado juntos y así lo van a seguir estando porque es algo que va más allá de lo físico.

En el paso de los años sesenta a los setenta del siglo pasado, este matrimonio decidió, a su costa, antes de la lujuria de las subvenciones, iniciar la aventura de abrir una Galería de Arte en Valencia que fuera ventana de libertad y la inauguraron en 1972.

Los aspectos críticos y científicos del negocio, los pusieron en manos de Vicente Aguilera Cerni, un personaje excepcional, sin el cual se hace casi incomprensible el desarrollo del arte valenciano, desde Antes del Arte hasta la Crónica de la Realidad, pues Aguilera representaba la conexión del arte valenciano y español con las principales corrientes europeas, sobre todo las que desfilaban por la Bienal de Venecia.

Sin Miguel y Amparo, sin Galería Punto, la historia de la cultura valenciana habría sido bien otra, mucho más pobre, más fea, más paleta, menos hermosa.

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A FEW WORDS ON MIGUEL AGRAÏT Juan Manuel Bonet I have always been fascinated by how one actually becomes a gallerist. A passion for art, an ambition to drive forward changes in culture, a hunger for collecting or at least a desire to create a discourse, to establish a hierarchy of the works of one's coevals … Here in Spain there is no equivalent to the many biographies and autobiographies of mythical gallery owners of the stature of Ambroise Vollard, D.H. Kahnweiler, Édouard Loeb, Peggy Guggenheim or Leo Castelli, among others. Some catalogues have delved in this direction, and I am thinking specifically of two dedicated to the unforgettable Juana Mordó and to Fefa Seiquer.

Then there is the one on René Métras published by his children, or the one from the Museum of Fine Arts of Bilbao on Willi Wakonigg and his Sala Studio, or those by Museo Reina Sofía on the Sur bookstore-gallery in Santander or on Lanfranco Bombelli and his Galería Cadaqués… Closer to home, in Valencia itself, worth underscoring is the catalogue for the exhibition Desde Sala Mateu, held at Las Atarazanas in 1998. And we also have the impressive vision of his own work published by Miguel Marcos; and Jaume Vidal i Oliveras's painstaking book on Josep Dalmau, the pioneer in this field; and Javier Tusell and Álvaro Martínez Novillo's work on Biosca; or the memoires of Elvira Farreras, Joan Gaspar's widow. Of course, there is even less bibliography on art collectors here in Valencia.

Vasarely, exposición 1985

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During his lifetime, Miguel Agraït, the founder of the Punto gallery, always aroused a feeling of great warmth in me. And this feeling is what comes to mind when thinking about him now, recalling a pleasant, convivial man always in good cheer albeit with a peculiar sense of humour, passionate about his work, a friend to artists and the rest of the agents in the art world. He was an ambitious and visionary man, yet at the same time modest: whenever he spoke of the origins of the gallery, he always highlighted the leading role played by Vicente Aguilera Cerni, the first art critic in Valencia in the post-war period to earn real prestige among art world insiders.

One is full of admiration for all that Miguel Agrait was able to do, in the company of Amparo Zaragozá, and their children, at their gallery in Barón de Carcer (formerly known as Avenida del Oeste).

Incidentally, it is one of the streets I am most fond of in Valencia, a city that holds many pleasant memories for me, among other things, for its thirties and forties architecture, and for its proximity to La Lonja and the Central Market.

Formed in the taste of the fifties, Miguel Agraït lent the majority of his attention to three things. The first of these was, naturally enough, art informel as represented exemplarily by the El Paso group, among others, and championed so well by the abovementioned Juana Mordó. The second was Pop art (both its US and British variants, as well as European narrative figuration, whose Iberian version was centred in Valencia), and thirdly, geometrical art that embraced everything from Kinetic art to Minimal. The list of names

Amparo Zaragozá, Bengt Lindstrom, exposición 1986

Nassio, exposición 1986 Miguel Agraït, Nassio, Álvaro Pascual-Leone. 1986

PALABRAS PARA MIGUEL AGRAÏT Juan Manuel Bonet Siempre he sentido un enorme interés por saber cómo se convierte uno en galerista. Pasión por el arte, voluntad de contribuir al cambio en materia cultural, afán coleccionista o cuando menos voluntad de articular un discurso, una jerarquización de las obras de los coetáneos… No existe en nuestro país el equivalente a las biografías o autobiografías de galeristas míticos como pueden ser Ambroise Vollard, D.H. Kahnweiler, Édouard Loeb, Peggy Guggenheim, Leo Castelli… Algunos catálogos han apuntado en esa dirección, y estoy pensando en los dos dedicados a la inolvidable Juana Mordó, o en otro sobre Fefa Seiquer, o en el que sobre René Métras han publicado sus hijos, o en el del Museo de Bellas Artes de Bilbao sobre Willi Wakonigg y su Sala Studio, o en los del Reina Sofía sobre la Librería-Galería Sur de Santander o sobre Lanfranco Bombelli y su Galería Cadaqués… En la propia Valencia cabe mencionar el catálogo de la muestra Desde Sala Mateu, celebrada en las Atarazanas, en 1998. También están la impresionante suma sobre su propia labor, publicada por Miguel Marcos; o el minucioso libro de Jaume Vidal i Oliveras sobre Josep Dalmau, pionero absoluto en este terreno; o el de Javier Tusell y Álvaro Martínez Novillo sobre Biosca; o las memorias de Elvira Farreras, la viuda de Joan Gaspar. Claro que todavía menos bibliografía hay sobre nuestro coleccionismo…

Gran simpatía sentí siempre, en vida suya, por Miguel Agraït, el fundador de Punto, y ese sentimiento es el que me sigue inspirando

su memoria, la memoria de un hombre bueno, cordial, siempre de buen humor y con un peculiar sentido del humor, apasionado por su oficio, amigo de los artistas y del resto de los agentes del mundo del arte. Un hombre ambicioso y visionario, y a la vez modesto: a la hora de hablar de los orígenes de la galería, siempre destacaba el papel de faro que para él había tenido entonces Vicente Aguilera Cerni, el primer crítico valenciano de la posguerra en gozar de auténtico predicamento entre los entendidos en arte. Es admirable lo mucho que en compañía de Amparo Zaragozá, y de sus hijos, hizo Miguel Agrait, desde su galería en Barón de Carcer (antaño Avenida del Oeste), una de las arterias que más me gusta (entre otras cosas, por sus arquitecturas “thirties” y “forties”, y por su proximidad a la Lonja y al Mercado Central) de esa ciudad de tan grato recuerdo que es para mí Valencia.

Formado en el gusto “fifties”, tres frentes fueron aquellos a los cuales Miguel Agraït dedicó mayor atención, me refiero naturalmente al informalismo tal como lo representaba entre nosotros el grupo El Paso y lo había defendido sobre todo la citada Juana Mordó, a un pop art (tanto el norteamericano o el británico, como la “figuration narrative” europea, cuya versión ibérica tuvo a Valencia como epicentro), y a una geometría que abarcaba lo mismo el cinetismo que el minimal… La lista de lo que enseñó Punto, impresiona. En ella figuran Pablo Picasso, Julio González, Joan

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showcased in exhibitions at Punto is truly impressive. Among them we have Pablo Picasso, Julio González, Joan Miró, Alberto, Honorio García Condoy, Josep Renau whom the gallery can boast to have supported on his return from exile to Spain, Jean Dubuffet, Hans Hartung, the tachiste Georges Mathieu, Karel Appel, Pierre Alechinsky, Bengt Lindström, Antoni Tàpies, Josep Guinovart, Pablo Serrano, Manolo Millares, Antonio Saura, Rafael Canogar, Manuel Viola, Luis Feito, Manuel H. Mompó, Julio Le Parc, Jesús Rafael Soto, Andy Warhol, Tom Wesselmann, Christo, Donald Judd (another solo show of which Miguel Agrait was rightfully proud), Valerio Adami, Juan Genovés and José Paredes Jardiel, his fellow colleague from Grupo Hondo, Pepe Ortega, Eduardo Arroyo, the collectives Equipo Crónica and Equipo Realidad, the latter which Miguel Agrait felt a true and contagious passion for, Erró, Allen Jones, Peter Phillips, Peter Klasen, Antonio Seguí, Wolf Vostell, Darío Villalba, José María Yturralde, Ana Peters, Carmen Calvo, Mariscal, A.R. Penck, Max Kaminsky, Francisco Leiro, Darío Basso, Amparo Tormo… And besides these names, one would have to add others from younger generations-for instance, this is where we discovered the serious work of Lluís Moscardó-which speak for themselves. Yet behind the names of these artists whose work the gallery helped to popularise, was always the imposing personality of Miguel Agrait. A person who enjoyed taking the art he believed in to art fairs in Spain-he was one of the pioneers of ARCO and sat on its selection committee-and worldwide, where he attended Art Basel, Art Cologne, FIAC in Paris, Chicago. And he found another vent for his passion for art by producing original editions.

Pablo Picasso, exposición 1986

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Thanks to Punto, works by artists like those on show here have made their way into public and private collections in Valencia.

Speaking about the latter, José Martín Martínez, recalls how, when he was starting out, Miguel Agraït's gallery was the main source of the works in the José Martínez Guerricabeitia collection which is now rightly celebrated and even has its own catalogue raisonné.

The sadness we felt on the passing away of Miguel Agraït, two years ago now, was deepened last year, and much more unexpectedly, with the death of his eldest child, the always pleasantlike father like son-and energetic Miguel Agraït Zaragozá, to whom the family gallery he had dedicated so much energy and efforts paid tribute a few months ago with an exhibition tellingly called Punto en negro, dominated by the colour of mourning referred to in the title.

This brief text for the homage to Miguel Agraït organised at Fundación Chirivella Soriano, the distinguished institution whose wonderful gothic headquarters is but a stone's throw from Punto, is one of the first I have written since fate has took me back to Paris, my hometown, and it brings to mind the fact that in 2006, the gallerist had one of the fondest days of his life, when he received the Gold Medal of the city of Paris, the world capital of modern art, from the deputy mayor Anne Hidalgo, of Spanish descent.

ARCO. Madrid 1987

Miquel Barceló, exposición 1987

Miró, Alberto, Honorio García Condoy, Josep Renau al cual tenía muy a gala haber apoyado en su retorno al país natal, Jean Dubuffet, Hans Hartung, el “tachiste” Georges Mathieu, Karel Appel, Pierre Alechinsky, Bengt Lindström, Antoni Tàpies, Josep Guinovart, Pablo Serrano, Manolo Millares, Antonio Saura, Rafael Canogar, Manuel Viola, Luis Feito, Manuel H. Mompó, Julio Le Parc, Jesús Rafael Soto, Andy Warhol, Tom Wesselmann, Christo, Donald Judd -otra individual de la que Miguel Agraït estaba justamente orgulloso-, Valerio Adami, Juan Genovés y su compañero (en el Grupo Hondo) José Paredes Jardiel, Pepe Ortega, Eduardo Arroyo, los equipos Crónica y Realidad -por el segundo Miguel Agraït sentía auténtica y contagiosa pasión-, Erró, Allen Jones, Peter Phillips, Peter Klasen, Antonio Seguí, Wolf Vostell, Darío Villalba, José María Yturralde, Ana Peters, Carmen Calvo, Mariscal, A.R. Penck, Max Kaminsky, Francisco Leiro, Darío Basso, Amparo Tormo… Nombres como estos, a los cuales hay que añadir otros pertenecientes a generaciones más jóvenes -uno descubriría ahí el riguroso trabajo de Lluís Moscardó-, hablan por sí solos. Pero detrás de esos nombres cuya obra contribuyó a difundir, estaba la gran persona que fue Miguel Agraït. Una persona que disfrutaba llevando el arte en el cual creía, a las ferias nacionales -fue uno de los pioneros de Arco y miembro de su comité de selección- e internacionales, y entre las segundas hay que recordar su presencia en Art Basel, en Art Cologne, en la FIAC de París, en Chicago…

O editando obra gráfica original.

Miguel Agraït Zaragozá, C. Cervera, A. Peters, T. Llorens, Amparo Zaragozá 1988

Gracias a Punto, piezas de artistas como los presentes, se han incorporado a colecciones públicas y privadas valencianas. En el segundo campo, José Martín Martínez ha recordado cómo en sus inicios la galería de Miguel Agraït fue la principal proveedora de una colección hoy tan de referencia -y respecto de la cual se dispone de un Catálogo Razonado- como la de José Martínez Guerricabeitia.

A la tristeza que nos produjo la desaparición de Miguel Agraït, acaecida hace dos años, se sumó el pasado, mucho más inesperadamente, la de su hijo mayor, el siempre cordial -de casta le venía al galgo- y “energetic” Miguel Agraït Zaragozá, a quien la sala familiar a la cual tantos esfuerzos había dedicado, homenajeó unos meses después con una muestra significativamente titulada Punto en negro, y en la cual efectivamente dominaba el color de luto aludido en el título.

Este breve texto destinado al homenaje a Miguel Agraït de la Fundación Chirivella Soriano, benemérita institución cuya hermosa sede gótica está a corta distancia de Punto, es uno de los primeros que escribo desde que el destino me ha llevado a residir en París, mi ciudad natal, y ello me lleva a recordar que en 2006, el galerista tuvo una de las grandes alegrías de su vida, cuando de manos de la vicealcaldesa Anne Hidalgo, de origen español, recibió la Medalla de Oro de la ciudad, capital del arte moderno.

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WITH RESPECT AND ADMIRATION Javier Carles

In this well-deserved tribute the city of Valencia is paying to Miguel Agrait Colomer, we should, without the shadow of a doubt, also add the name of his wife, Amparo Zaragozá. The two are critical lynchpins in an art world which would otherwise be impossible to understand, at least for me. Their solid commitment with a certain line, with artists and their respective movements is absolutely crucial.

He knew how to stay at the forefront of changing times in a country that was always in his heart. He was able to foresee the names that would later become common currency in contemporary art, and the creation of art museums that would go on to house seminal exhibitions.

Don Miguel, as I always called him, possessed the clear-sightedness of the chosen few. He backed the collectives Equipo Crónica and Equipo Realidad and he pre-empted other art dealers and gallerists in supporting artists of the international stature of Tàpies, Rafael Canogar, Miró, Donald Judd and later of Ximo Lizana.

He was awarded the Médaille de la Ville by the city of Paris as well as other prizes including the Alfonso Roig or the José Mateu awards. Alongside Juana Mordó and a select few other gallery owners, he was instrumental in the foundation of what would later

Rafael Canogar, exposición 1988

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become ARCO. Galería Punto in Valencia took part, and indeed still takes part, in international fairs including Basel, FIAC, Cologne, Miami, Toronto, Art Madrid and so on and so forth. Since 1972, art critics, writers, historians and scribes like myself of pages and pages about the art world have always felt the duty to stop by whenever spotting the sign for an art gallery with the name Punto, wherever it might be, in art fairs here in Spain or further afield.

In this time for pause and reflection in front of the computer and the blank page, my mind conjures up an image of him in his Austrian jacket at his booth at ARCO, talking to someone or other, praising the qualities of that veteran artist or of this promising young talent who is starting his career working with new technologies.

He left behind three children. One of them, bearing the same name, was taken by fate last year, almost without a chance to say good-bye, at an age when he still had a lot to say in the art world.

I dedicated a radio programme to him because he deserved that and much more. I now use My Way, one of his favourite songs, as the background for my programme. Two fighters still remain on the battleground, Nacho and Amparo, the latter rescued for the cause of the gallery and playing a critical role under the guidance of her brother, Nacho Agrait. Looming behind them is the shadow and the views of Doña Amparo, the matriarch of the clan, Don Miguel's wife, who always knew how to be the best of consultants for an incomparable gallery.

Salvador Soria, exposición 1988

Miguel Agraït, Vicente García, A. Mañez, Amparo Zaragozá,

Nacho Agraït. Karel Appel (one man show). ARCO. Madrid

Carmen Alborch. 1989

CON RESPETO Y ADMIRACIÓN Javier Carles La ciudad de Valencia, rinde un merecido homenaje a Miguel Agraït Colomer, al que sin ningún género de dudas habría que añadir el nombre de su esposa Amparo Zaragozá. Ambos dos, son ejes fundamentales en el mundo del arte. No se entendería o yo por lo menos no podría hacerlo en un ámbito en el que él apostó por una línea, unos autores y sus respectivas tendencias.

Supo adelantarse a un tiempo de progreso, en un país que siempre llevó en el corazón. Anticipó nombres que posteriormente serían santo y seña en el denominado arte contemporáneo, y con el adelanto y la posterior creación de los museos de arte, que posteriormente albergaron exposiciones magníficas.

Don Miguel, como yo siempre le llamé tuvo la lucidez de los elegidos. Apostó por los equipos “Crónica” y “Realidad”. Se anticipó a otros marchantes y galeristas a la hora de elegir a autores de la talla internacional de Tàpies, Rafael Canogar, Miró, Donald Judd y más posteriormente Ximo Lizana.

París le otorgó la medalla de la villa y ganó premios como el Alfonso Roig o el José Mateu. Fue la piedra angular junto a Juana Mordó y alguno más, en los cimientos de lo que después sería ARCO. Su galería Punto de Valencia, participó y hoy lo hace en

ferias internacionales como: Basel, Fiac, Cologne, Miami, Toronto, Art Madrid y un largo etc. Desde 1972, los críticos de arte, escritores, historiadores y los escribidores como yo de páginas y más páginas sobre el panorama plástico, tendremos siempre la obligación de hacer “parada y fonda” ante un letrero que nos indique el camino de una galería de arte que porte el nombre de Punto. No importa donde esté, en ferias de aquí o de acullá.

En este tiempo de reflexión que me otorga el ordenador y la mente ante el papel en blanco, le veo con su chaqueta austríaca en el stand de ARCO hablando con uno u otro y explicando las excelencias de aquel veterano autor o del joven que iniciaba su carrera de la mano de las nuevas tecnologías.

Dejó tres hijos. Uno de ellos con el mismo nombre se lo llevó el destino, casi sin decirnos adiós el pasado año a una edad en la que todavía debía decir mucho en el mundo del arte. Le dediqué un programa de radio porque era merecedor de eso y mucho más. Ahora tengo como sintonía de fondo del programa “A mi manera” una de sus canciones. Quedan en la brecha los dos peleones Nacho y Amparo, rescatada para la causa de la galería y que desempeña un papel fundamental bajo las directrices de su hermano Nacho Agraït. Tras ellos, la sombra y las opiniones de doña Amparo, la matriarca del grupo, esposa de don Miguel que ha sabido ser y estar como asesora de una galería incomparable.

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Also remaining are Niño Viejo, Ortega, May San Alberto, Cristina Ghetti, Paco López, Inma del Valle, Mariscal, Suso33, Pomar, Darío Basso, Julián Calatrava, David Pellicer, Luis Moscardó, Tejeda, Tormo, not forgetting the brilliant Ximo Lizana; and other historical names, such as El Paso, Canogar, Saura, Feito, Millares, Viola, Anzo, Genovés, Phillips, Warhol, Jasper Johns, Ramón de Soto; plus original graphic editions by Miró, Tàpies, Equipo Realidad, Gordillo, Crónica, Vostell. And not forgetting new tendencies.

There are many artists, so many perhaps that it is impossible to list them all, who found refuge on the walls of this mythical gallery that is now celebrating its fortieth anniversary. Interconnecting worlds, dreams and perchance utopias. Undertaking the invaluable endeavour to arrive at a goal which will doubtlessly be written about in art history books, under the guidance of the unrepeatable figure of Miguel Agrait Colomer and his wife Amparo Zaragozá.

Today, in the mind of a now mature art critic for who radio can transmit in colour, I have nothing further to add than to say that Dream and Reality at Fundación Chirivella Soriano in Valencia, is more than a homage to Miguel Agrait Colomer: it is an acknowledgment of a period that was not a time of silence, but rather a time of unhurried and constant research and a steadfast belief in artists that have gone on to become part of art history.

Julio Feo, Enrique Moral, Rafael Canogar. 1990

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This country where sometimes brother hates brother will always be indebted to those names and surnames that guide us along the fascinating path of the visual arts.

Don Miguel. An old fisherman from Asturias once told me, when I was still a teenager, while sewing his nets in the small harbour of Ribadesella, that those the sea had taken with it slept peacefully beyond the horizon. I asked him where they were taken. And looking at the infinite line of the sea he said beyond the stars that come out at night and guide our way. It is there where you now rest, and from that place, in the company of your son Miguel, you help to move the invisible strings of an art space known in Valencia simply as Punto. It is a guiding light in the distance and, looking at it, we notice something flickering inside: like the gestures and flourishes of a conductor playing his best score time and again, replaying it a thousand and one times. He will never rest until perfection reigns over the whole stage. He is such a perfectionist that he has managed to turn his dream into a reality. But that's another story.

Peter Phillips, exposición 1990

Rafa Prats, Antonio Saura, José Garnería. 1989

Pablo Serrano, exposición 1989

Y quedan los nombres de Niño Viejo, Ortega, May San Alberto, Cristina Ghetti, Paco López, Inma del Valle, Mariscal, Suso33, Pomar, Darío Basso, Julián Calatrava, David Pellicer, Luis Moscardó, Tejeda, Tormo sin olvidar al genial Ximo Lizana. Y otros nombres históricos como “El Paso”, Canogar, Saura, Feito, Millares, Viola, Anzo, Genovés, Phillips, Warhol, Jasper Johns, Ramón de Soto.

Ediciones gráficas originales de Miró, Tàpies, Equipo Realidad, Gordillo, Crónica, Vostell. Sin olvidar las nuevas tendencias.

Son muchos, quizás una inmensidad imposible de nombrarlos a todos los creadores que se han cobijado entre las paredes de esta legendaria galería que cumple cuarenta años. Entrelazando mundos, sueños y quizás utopías. Realizando el impagable esfuerzo por alcanzar una meta, que, sin ningún género de dudas, estará escrita en los libros de la historia del arte. Comandada por la figura del irrepetible don Miguel Agraït Colomer y su esposa Amparo Zaragozá.

Hoy en la reflexión de un crítico de arte ya maduro que vive la radio en color, no me queda más que añadir que “Sueño y Realidad” en la Fundación Chirivella Soriano de Valencia, es más que un homenaje a don Miguel Agraït Colomer, es el reconocimiento a un tiempo que no fue de silencio, más bien de aventura pausada y constante en la investigación y la apuesta por unos nombres que forman parte de la historia del arte.

Este país en ocasiones cainita con los suyos estará siempre en deuda con estos nombres y apellidos que son guía en el panorama apasionante de la plástica.

Don Miguel. Me contaba un viejo pescador asturiano mientras cosía las redes en el pequeño puerto de Ribadesella, siendo yo un adolescente, que más allá del horizonte dormitaban aquellos que el mar se había llevado. Le pregunté hacia dónde. Y me dijo (mirando la línea infinita del mar) que más allá de las estrellas que aparecen en la noche y que nos sirven de guía. Usted reposa allí, y desde aquel lugar, junto a su hijo Miguel, ayuda a mover los hilos invisibles de un espacio de arte ubicado en Valencia denominado “Punto”. Es como un referente en la distancia, que al mirarlo, advertimos que algo se mueve en su interior. Son los gestos y los trazos de su director que una y otra vez interpreta su mejor partitura. La repetirá una y mil veces. No descansará hasta lograr que la perfección cubra todo su escenario. Es un perfeccionista de tal nivel que ha logrado convertir el sueño en realidad. Y eso, es otra historia.

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MIGUEL AGRAÏT: THE PROFILES OF A GALLERIST Manuel García

In some ways, writing about the art gallerist Miguel Agraït Colomer (1930-2010) is like writing about Galería Punto, the gallery founded by Miguel Agrait and Amparo Zaragozá in Valencia in 1972.

Talking about the art scene of the city of Valencia at that time, while Franco was still alive, is to cast ourselves back to a provincial city where, in the 1970s, anyone trying to keep up with the modernist discourse had only three points of reference worth mentioning: the galleries Val i Trenta, Theo and Punto.

Sometime later, during the years of Spain's transition to democracy, many new projects flourished, such as Temps, Temple, Nave and other galleries, many regrettably no longer with us.

When speaking about Galería Punto during its first tentative steps in 1972, one is inevitably reminded of the art critic Vicente Aguilera Cerni (1920-2005), the gallery's first adviser.

Given that other contemporary art experts will comment on the merits of Galería Punto, particularly concerning the dissemination of the work of Valencian artists at international art fairs –such as ARCO, Basel, Frankfurt, Miami and very particularly FIAC, in Paris, since the fair's inaugural event in 1974– and its contribution to raising local awareness of seminal artists from other parts of Spain-

J. M. Sanchís, V. Aguilera, M. Agraït, Ricardo Bellveser. 1990

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Arroyo, Feito, Genovés, Saura, Tàpies, etc.–and the world –Adami, Chisto, Erro, Lichtenstein, Warhol, etc.– I will focus instead on paying tribute to Miguel Agrait (and therefore to Amparo Zaragozá and to their children) based on my personal experiences with him and with his gallery.

My relationship with the art gallery is punctuated by three major events, namely, the exhibition of the Col.lectiu d´Artistes Plàstics del País Valencià (1975); the first exhibition of Renau in Valencia (1977); and the exhibition Los sueños del agua (1991).

One of the most notable cultural controversies in Valencia during the period of transition to democracy was the debate that raged around the exhibition project 75 Años de Pintura Valenciana organised by the Valencia City Council following an idea by the art experts Vicente Aguilera Cerni, Felipe Garín Llombart, Joaquim Michavila and Ernesto Contreras. The initiative had to face the opposition of a significant group of Valencian art practitioners which included the collectives Equipo Crónica and Equipo Realidad as well as artists like Rafael Armengol, Artur Heras, Hernández Mompó, Juan Genovés, among others. This opposition was materialised in the form of an alternative exhibition titled Els altres 75 Anys de Pintura Valenciana (1976) which was organised thanks to the support of the local galleries from Valencia, Punto, Temps and Val i Trenta.

My contribution to this project of the Col.lectiu took the form of coordinating the catalogue and publishing an interview which I held with Renau in Berlin (1975).

At this historical point in time, opposing the Francoist institutions

FIAC. París 1989

Peter Phillips, exposición 1990

MIGUEL AGRAÏT: PERFILES DE UN GALERISTA Manuel García Escribir sobre el galerista de arte Miguel Agraït Colomer (19302010), es una manera de escribir sobre la Galería Punto, fundada en Valencia en 1972, por Miguel Agraït y Amparo Zaragozá.

Hablar el panorama artístico de la capital valenciana en aquellos años - antes de la muerte del dictador - es hablar de una ciudad de provincias, donde los discursos de la modernidad apenas tenían, en los setenta, tres interlocutores dignos de mencionar: la Galería Val i Trenta, la Galería Theo y la Galería Punto.

Luego vendrían, en la transición democrática, nuevas aventuras artísticas como las galerías Temps, Temple, la Nave, etc., hoy, lamentablemente desaparecidas.

Citar a la Galería Punto en sus inicios en 1972 es una manera, asimismo, de rememorar la figura del crítico de arte Vicente Aguilera Cerni (1920-2005), asesor inicial de esta sala de arte.

Como los méritos de la Galería Punto sobre todo en el campo de la difusión de algunos artistas valencianos en las ferias internacionales de arte –Arco, Basel, Frankfurt, Miami y, sobre todo, la FIAC de Paris desde su fundación en 1974– y la difusión, en la escena artística local, de artistas importantes del arte español –Arroyo, Feito, Genovés, Saura, Tàpies, etc.– y del arte extranjero –Adami, Christo, Erro, Lichtenstein, Warhol, etc.– van a ser comentados

Juan Genovés, exposición 1989

por otros expertos en arte contemporáneo, dedicaré estas líneas de homenaje a Miguel Agraït (y por lo tanto a Amparo Zaragozá y sus hijos) , a partir de mi experiencia personal con este personaje y esa galería.

Tres experiencias marcan mi relación con esta galería de arte: la muestra del Col.lectiu d´Artistes Plàstics del País Valencià (1975); la primera exposición en Valencia de Renau (1977) y la muestra ”Los sueños del agua” (1991).

Una de las experiencias culturales más notables de la transición democrática, en la capital valenciana, fue el debate artístico que se planteó con el proyecto de exposición “75 Años de Pintura Valenciana” del Ayuntamiento de Valencia, ideado por los expertos en artes Vicente Aguilera Cerni, Felipe Garín Llombart, Joaquim Michavila y Ernesto Contreras, que encontró la oposición de un importante grupo de artistas valencianos como el Equipo Crónica, el Equipo Realidad, Rafael Armengol, Artur Heras, Hernández Mompó, Juan Genovés, etc. y que se tradujo en una muestra alternativa titulada “Els altres 75 Anys de Pintura Valenciana (1976), que pudo llevarse a cabo gracias al apoyo de las galerías de arte valencianas Punto, Temps y Val i Trenta. A ese proyecto del Col.lectiu pude contribuir coordinando el catálogo y publicando una Entrevista con Renau hecha en Berlín (1975).

En aquellos momentos históricos enfrentarse, desde unas galerías de arte privadas, a las instituciones franquistas, como lo hizo Miguel Agraït, Amparo Bisquert y Vicente García, tenía mérito y suponía riesgos.

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from private art galleries the way Miguel Agraït, Amparo Bisquert and Vicente García did says a lot and entailed significant risk.

Miguel Agraït was originally a collector, an art lover and, in practical terms, a good dealer in the art market, something many Valencian artists know all too well, including Carmen Calvo, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Juan Genovés or Mariscal, who exhibited in Galería Punto at some time or other.

Barely a few years later, after Renau's international success at the Venice Biennale (1976), Galería Punto organised the first solo exhibition by the artist (1977). In 1975 Miguel and Amparo were the first gallerists to pull back the “iron curtain” in Berlin to visit Renau at his studio in Mahlsdorf-Sud, on the outskirts of East Berlin.

An excellent catalogue, with essays by Doro Balaguer, Valeriano Bozal, Manuel García and Tomás Llorens, designed by Jorge Ballester and with a portrait by Enrique Carrazoni, pays testimony to the event. Furthermore, Miguel Agraït would become the first gallerist to edit graphic works by Renau: Autorretrato del capital (1975) and Recollons-Beach (1977).

The last time I went to Galería Punto was to present the project Nostalgia de futuro (2007) and the T-shirt Tinc nostàlgia de future designed by Artur Heras. On that occasion, we were welcomed

by Miguel Agraït Zaragozá (1959-2011), his successor, a young man full of life, elegance and talent, just like his father, and to whom I also dedicate a fond tribute. It was precisely around that time when Anne Hidalgo presented Galería Punto with the Médaille de la Ville de Paris (2007) to reward the gallery's continued presence at the FIAC art fair in Paris ever since it started; a truly international recognition of this gallerist from Valencia.

Now, coinciding with this homage to Miguel Agraït promoted by Fundación Chirivella Soriano in its exemplary headquarters at Palau Joan de Valeriola, I have no more than praise for a character who devoted himself to the renewal of Valencia's art scene come hell or high water.

An exemplary illustration of the good collector, gallerist and international promoter that was Miguel Agraït (Senior).

Valencia, 9 September 2012

Another experience I shared with Galería Punto was the show Los sueños del agua (1991), with works by the photographer Alfonso Herraiz, sculptures by Mau Monleón and paintings by Isabel Tristán. The exhibition was part of an initiative launched by Galería Punto which consisted in inviting art critics once a year to present new artists at the gallery.

Genovés, Amparo Zaragozá, Jorge Glusberg. 1990

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ART COLOGNE. Köln, 1991

Donald Judd, exposición 1991 Darío Villalba, exposición 1990

Miguel Agraït era de origen un coleccionista, de hecho un apasionado del arte y en la práctica un buen profesional del mercado del arte. Eso lo saben muy bien algunos artistas valencianos como Carmen Calvo, el Equipo Crónica, el Equipo Realidad, Juan Genovés, Mariscal, que expusieron en su día en la Galería Punto.

Apenas unos años más tarde, tras la recuperación internacional de Renau en la Bienal de Venecia (1976), se organizó la primera muestra personal de este artista en la Galería Punto (1977). Miguel y Amparo fueron los primeros galeristas en cruzar el “telón de acero” en Berlín (1975), para visitar a Renau en su estudio de Mahlsdorf-Sud, a las afueras de la capital de la República Democrática Alemana. Un excelente catálogo, con textos de Doro Balaguer, Valeriano Bozal, Manuel García y Tomás Llorens diseñado por Jorge Ballester y un retrato de Enrique Carrazoni--, dan fe de ese evento. Miguel Agraït se convertiría, además, en el primer galerista en editar obras gráficas de Renau: “Autorretrato del capital” (1975) y “Recollons-Beach” (1977).

Miguel Agraït Zaragozá (1959-2011), su sucesor, un muchacho lleno de vida, gracia y talento como su padre, a quien también rindo afectuoso recuerdo en estas líneas. Por esas fechas, precisamente, Anne Hidalgo entregaba a la Galería Punto la Médaille de la Ville de Paris (2007) por su presencia, desde la fundación, en la Foire International d´Art Contemporain de la capital francesa. Un reconocimiento internacional a este galerista valenciano.

Ahora, en ocasión de este Homenaje a Miguel Agraït, promovido por la Fundación Chirivella Soriano, en su ejemplar espacio del Palau Joan de Valeriola, sólo tengo palabras de elogio para este personaje que se entregó a la renovación de la escena artística valenciana. Contra viento y marea.

Toda una lección del buen coleccionista, galerista y promotor internacional, que fue Miguel Agraït (Senior).

Valencia 9 de Septiembre de 2012

Otra experiencia con la Galería Punto fue a través de la muestra “Los sueños del agua” (1991), con obras del fotógrafo Alfonso Herraiz, esculturas de Mau Monleón y pinturas de Isabel Tristán.

Esta muestra se inscribía en una iniciativa de la Galería Punto de invitar a críticos de arte, una vez al año, a presentar nuevos artistas en su sala de arte.

La última vez que acudí a la Galería Punto, fué para presentar el proyecto “Nostalgia de futuro” (2007) y la “samarreta” “Tinc nostàlgia de futur” diseñada por Artur Heras. Nos atendió, entonces,

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REMEMBERING MIGUEL AGRAIT Tomàs Llorens I cannot remember exactly when we met for the first time. The art scene in Valencia is small and it often seems that we have always known each other. It must have been through Vicente Aguilera. Or maybe through Valdés or even Juanjo Estellés. In any case, it was long before Amparo and Miguel opened the gallery. They were property developers and had decided to start an art collection.

And they did so with their characteristic energy and soon became a legend of sorts. Opened to the public in 1972, the gallery came about almost as a natural outcome of that same spirit. Artists, collectors and critics-captained by Vicente Aguilera-started gathering there. It was as if the hitherto undersized Valencian art world had multiplied two or threefold.

Throughout its four decades of life, Galería Punto has raised awareness in Valencia about some of the leading players of twentieth century Spanish and international art. And likewise, through its ongoing attendance at major Spanish and international fairs, they have publicised many young local talents outside Valencia. Seen through the optic of art history, the list of exhibitions organised, of catalogues published, of artworks showcased in Valencia and around the world by Amparo and Miguel bear witness to a colossal task.

In those early years, I was unable to follow their activity directly because I had to move to England for work. However, I used to visit them whenever I came back on holidays, and news about them filtered through indirectly from friends in common. On some occasions they asked for my collaboration. In 1977, when Spain's transition to democracy was barely underway, I wrote an essay for the catalogue of the exhibition The American Way of Life. It was the first time since 1939 that Renau's works were exhibited in Spain.

He was a man of rare modesty and affability. The art trade is tough and, how should I put it, none too mannerly. However, I never heard him complaining or saw him get angry. Neither did I see him disheartened. He endured hardship and conflicts as if he did not pay heed to them. But what was really surprising was that the energy he put into the task he was to undertake was always invested with an almost playfulness sense. As if everything were a game. For forty years, Miguel worked in the art trade without ever losing the curiosity and wonderment of his first day as a collector.

When recalling today that Miguel is no longer among us, I cannot overlook the unique way he accepted it.

Obviously, without his infectious enthusiasm Galería Punto would not have been able to do what it accomplished. And the art scene in Valencia would be different today-probably smaller and much more mediocre.

Ramón de Soto, exposición 1992

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Miguel Agraït, Natividad Navalón, Ramón de Soto, Vicente Aguilera. 1992

Guinovart, exposición 1992

Cristina Alabau, José Saborit, Amparo Zaragozá, Simón Marchand, Nacho Agraït, J. Genovés, J. Barjola. ARCO. 1992

RECORDANDO A MIGUEL AGRAIT Tomás Llorens No puedo precisar cuándo nos vimos por primera vez. El mundo del arte valenciano es pequeño y a veces parece que nos conocemos todos desde siempre. Debió ser a través de Vicente Aguilera, o de Valdés, o quizá de Juanjo Estellés. En todo caso fue bastante antes de que Amparo y Miguel abrieran la galería.

Eran promotores y constructores y habían decidido empezar una colección de arte. Lo hicieron con su brío característico y pronto se convirtieron en una especie de leyenda. La galería, que se abrió al público en 1972, nació como una consecuencia natural de ese mismo espíritu. A su alrededor comenzaron a congregarse artistas, coleccionistas y críticos, encabezados por Vicente Aguilera.

Era como si el mundo del arte valenciano, hasta entonces bastante reducido, se multiplicara por dos o por tres.

En esos primeros años no pude seguir directamente su actividad porque me tuve que ir a trabajar a Inglaterra. Pero les visitaba cuando volvía en vacaciones y les seguía indirectamente, a través de amigos comunes. Alguna vez pidieron mi colaboración. En 1977 (la Transición estaba apenas empezando) escribí un texto para el catálogo de su exposición de The American Way of Life.

Era la primera vez desde 1939 que se exponían en España obras de Renau.

Y es que a lo largo de sus 40 años de vida la Galería Punto ha dado a conocer en Valencia a algunos de los mejores protagonistas del arte español e internacional del siglo XX. Al mismo tiempo,

gracias a su presencia continuada en las principales ferias de arte nacionales e internacionales, ha dado a conocer fuera de Valencia a muchísimos jóvenes artistas valencianos. Vista desde la perspectiva de un historiador del arte, la lista de exposiciones realizadas, de catálogos publicados, de obras de arte diseminadas en Valencia y en todo el mundo por Amparo y Miguel dan testimonio de una tarea gigantesca.

Recordando hoy, que ya no está entre nosotros, a Miguel no puedo dejar de señalar la manera peculiar con que la asumió.

Era un hombre de una modestia y una afabilidad muy poco frecuentes. El mundo del comercio del arte es duro y, ¿cómo decirlo?, no muy caballeroso. Sin embargo nunca le oí quejarse, nunca le vi enfadado. Tampoco le vi nunca desanimado. Pasaba por encima de las dificultades y de los conflictos como sin prestarles atención. Pero lo más sorprendente es que la energía que ponía al servicio de la tarea que se había marcado estaba siempre revestida de una especie de aire deportivo. Como si todo fuera un juego. Miguel trabajó durante 40 años en el comercio del arte sin perder en ningún momento la curiosidad y el asombro de su primer día de coleccionista.

Es evidente que sin su entusiasmo contagioso la Galería Punto no habría podido hacer lo que ha hecho. Y el mundo del arte valenciano sería hoy diferente; seguramente más pequeño, más mediocre.

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MIGUEL AGRAÏT, A GALLERIST IN THE OLD AND BEAUTIFUL STYLE Rafa Marí

Last September I published a review on Joan Antoni Toledo in which I recalled a conversation I held with the deceased painter quite a few years back. Sometime later, it occurred to me that we have held that conversation in Galería Punto. In Ocurrió en Valencia (2012), the book I coordinated with contributions from twenty two well-known characters from Valencia, making using of a brilliant spiral literary structure reminiscent of Henry James (though in a very different style and language), the painter Joan Verdú mentioned a question he had asked Tàpies in the 1980s, and the short yet profound reply given by the Catalan artist. And that conversation also took place at Punto. It would almost seem that, when it came to art, in Valencia nearly everything happened in Punto.

Ever since it opened in 1972, I have had the good fortune to see some superb exhibitions (Joan Miró, Matta, Dubuffet, Picasso, Dalí, Renau, Warhol, Lichtenstein…) at the gallery located in Avenida Barón de Cárcer and also to meet great painters and sculptors.

Allen Jones, exposición 1992

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Forty years have elapsed, and my cultural enrichment in the anything but hostile Indian territory of Galería Punto has proven invaluable.

However, along that long winding path, what has remained most indelibly marked in my memory is the personality of the gallery founder, Miguel Agraït Colomer. A man of great discretion, respectful to everyone he met, he always did his best to avoid the spotlight. He was truly proud of Punto, his “little baby”. Agraït embodied the best virtues of the old style gallerist. A successful entrepreneur, for him art was a passion rather than a business –although in the long-term it did turn out to be one and he did not renounce that possibility–. He always took good care of his artists, was not frightened of long-term investment, and his enthusiasm never flagged when it came to attending art fairs.

And although he paid proper attention to liaising with the media, he bore no grudges when we overlooked some of the exhibitions he had invested all his affection in: “I did everything without expecting any kind of personal recognition,” Miguel Agrait admitted to me just one year before he died. “My reward is the knowledge that some of the best exhibitions in Valencia have been at Punto,” he added. I never fail to be moved whenever I recall those words, and my emotion swells even further when I realise that Agrait was actually one of the last great Mohicans of a noble trade that is now in danger of disappearing, devoured on all sides.

Bengt Lindstrom, exposición 1992

FIAC. París 1993

MIGUEL AGRAÏT, GALERISTA A LA VIEJA Y HERMOSA USANZA Rafa Marí Publiqué el pasado septiembre una reseña sobre Joan Antoni Toledo en la que contaba una conversación que mantuve hace bastantes años con el desaparecido pintor. Más tarde me acordé de que esa charla la tuvimos en la galería Punto. En el libro 'Ocurrió en Valencia' (2012), que coordiné y en el que colaboraron 22 conocidos personajes valencianos, el pintor Joan Verdú nos relata, con una brillante arquitectura literaria en espiral que me recuerda a la de Henry James (con estilo y lenguaje muy diferentes), una pregunta que le hizo a Tàpies en la década de los ochenta y la breve pero profunda respuesta que le dio el artista catalán.

Esa charla también se produjo en la galería Punto. Se diría que en lo concerniente al arte, en Valencia casi todo ha ocurrido en Punto.

Inaugurada en 1972, desde esa fecha tuve la fortuna de ver en la galería de Barón de Cárcer magníficas exposiciones (Joan Miró, Matta, Dubuffet, Picasso, Dalí, Renau, Warhol, Lichtenstein…) y conocer a grandes pintores y escultores. Han discurrido cuarenta años y mi enriquecimiento cultural en el territorio nada apache de

FIAC. París. 20º Aniversario, 1993

Punto ha sido impagable. Pero en este largo camino de aprendizaje lo que más se ha fijado en mi memoria ha sido la personalidad del fundador de la galería, Miguel Agraït Colomer. Hombre de gran discreción, respetuoso con todos, rehuía cualquier protagonismo. Estaba muy orgulloso de Punto, su 'criatura'. Agraït encarnaba las mejores virtudes del galerista a la vieja y hermosa usanza. Empresario de éxito, el arte para él no era un negocio –aunque a la larga podía llegar a serlo, tampoco renunciaba a esa posibilidad– sino una pasión. Mimaba a sus artistas, no le asustaban las inversiones a largo plazo y nunca decayó su entusiasmo a la hora de asistir a las ferias de arte.

Cuidaba las relaciones con la prensa, pero no era rencoroso cuando ignorábamos algunas exposiciones en las que había puesto mucho cariño. “He hecho las cosas sin buscar reconocimiento personal alguno”, me confesó Miguel Agraït un año antes de morir. “En Punto se han realizado algunas de las mejores exposiciones de Valencia, esa es mi mejor compensación”, añadió.

Me emociono cada vez que recuerdo esas palabras. Y mi emoción aumenta cuando intuyo que Agraït fue en realidad uno de los últimos grandes mohicanos de un noble oficio que ahora puede desaparecer, devorado por unos y otros.

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TO THE GALLERIST, THE ENTREPRENEUR, THE INNOVATOR, THE CONVERSATIONALIST, THE FRIEND

become an increasing and more intense activity fostering the promotion of the happening art of the moment and, through it, of the dissemination of local culture.

Christian Parra-Duhalde

Poetics first precedes poetry and then succeeds and invokes it. The task of the pioneer is to beat new paths towards a winning destination. These paths are the traces he leaves behind, and an existential paradigm.

In the knowledge that this tribute to Miguel Agrait Colomer is providing room for other reflections and testimonies that will surely prove much more effective than these lines in examining his life's work and legacy, I have chosen to pay homage to a friend and to remember the conversationalist. And there can be no doubt that Miguel was indeed a pioneer, and as such, an activist refusing to be pinned down by stereotypes. Together with his life companion and partner, Amparo Zaragozá, he decided to devote himself to sowing seeds in a barren land. And so, in the Valencia of the early 1970s, bogged down in clichéd aesthetics and lacking any refuge for contemporary art, Galería Punto opened with boundless ambition, investment (their personal assets) and innovation. In 1972, the year it was founded, their ambition bore fruit in exhibitions

by Manuel Viola, Canogar and Anzo, among others, and also in their collaboration in the Venice Biennale, taking part with a sculpture by Amador. These were good omens of what would

ART MIAMI. EE UU, 1993

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Miguel Agrait Colomer was an attentive man, always ready to converse. And though austere in gesture, and deprecating about his own professional sphere, attenuated somewhat by his respect for other people's work, he was a distinctively open and expansive person, a sure sign of ongoing personal growth. A landmark in the local art world, a cultural embassy at major international art events, the first space in Valencia to showcase Japanese abstract art with pieces from the precursor of MoMA, a platform for Tàpies, Saura, Chillida, Picasso, and also for Feito, Barceló and Sicilia, and the introducer in Spain of the oeuvre of Donald Judd, Karel Appel and Max Kaminsky, Galería Punto embodied the personality, vocation and tenacity of Miguel Agrait with all his characteristic generosity.

And while in life he was able to personally reap some moments of gratitude, like when he received the Médaille de la Ville de Paris in 2006 in reward for his contribution to culture, I hope that now, two years after his physical departure, these lines may pay tribute to his assertiveness and decisiveness in times of blunders and doubts. Because I held him in great esteem and respect, because I both criticised and admired him, free from futile and fatuous mutual interests or suspicions, these simple words express an acknowledgment of gratitude.

Equipo Realidad, exposición 1993

Rafael Canogar, exposición 1994

AL GALERISTA, AL EMPRESARIO, AL INNOVADOR, AL INTERLOCUTOR, AL AMIGO

Maribel Domenech, exposición 1994

Christian Parra-Duhalde La poética antecede a la poesía y luego la sucede, la invoca. La labor de un pionero consiste en abrir sendas transitables con éxito de destino. Esas sendas son sus huellas y un modelo existencial.

Asumiendo que la presente ocasión de homenaje a Miguel Agraït Colomer da para otras reflexiones y testimonios que ahondarán en su aventura y su legado de forma más cabal que estas palabras, vayan como el homenaje al amigo y el recuerdo al interlocutor.

Efectivamente, Miguel fue un pionero y, como tal, un activista que trasciende los estereotipos: de ahí que -junto a su compañera y socia Amparo Zaragozá- decidiera dedicar sus afanes a sembrar en un paisaje yermo. Así en la Valencia de principios de los setenta, ausente de bastiones para el arte contemporáneo y sumida en estéticas tópicas, surge la Galería Punto con voluntad de apertura, apuesta (la de su erario) e innovación; una voluntad que el mismo año 1972 de su fundación, se contrastaría con muestras de Manuel Viola, Canogar y Anzo entre otros, y su colaboración con la Bienal de Venecia a través de la participación de la escultura de Amador. Augurios de lo que sería una creciente e intensa actividad en pro de la promoción del arte de última factura y, con ello, difusor de la cultura de esta tierra.

Miguel Agraït Colomer era un hombre atento y dispuesto al diálogo y aunque gestualmente adusto presto a la chanza intelectual sobre su propio ámbito profesional, aspecto éste que matizaba con el respeto hacia el trabajo ajeno, lo que le distinguía como un personaje abierto y plural, seña de un constante crecimiento personal. Hito en el discurso artístico local, embajada cultural en los más relevantes eventos internacionales del arte, primer espacio que albergó en Valencia el arte japonés abstracto con fondos del antecedente del MOMA, escaparate de Tàpies, Saura, Chillida, Picasso, y de Feito, Barceló y Sicilia e introductora en España de la obra de Donald Judd, Karel Appel y Max Kaminsky, Galería Punto encarnó su carácter, su vocación y su tenacidad con la generosidad de la que era merecedor.

Y si vivió esos momentos de gratitud con la entrega del Premier Prix de la Ville de París, en 2006, por su contribución cultural, sea, a dos años de su partida material, este un homenaje a su asertividad y decisión en tiempos de errores y dudas. Porque le estimé y le respeté, porque le critiqué y le admiré, sin recelos ni intereses mutuos estériles o fatuos, estas simples palabras son de agradecimiento.

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REMEMBERING MIGUEL AGRAÏT COLOMER Rafael Prats Rivelles

Two and a half years after he left us, whenever I visit Galería Punto I still get the feeling that he will be there to greet me. Always smiling, ready with a joke, a funny story or an ironic embellishment: “Maestro, how honoured I am!” After that, a handshake or a hug that would conclude with the hearty laughter we released in unison, often to the surprise of standers-by.

I met Miguel when his gallery was in its infancy, on the first floor of number 37 Avenida Barón de Cárcer. At the time, Spain was coming out the other side after having wandered through the cultural desert for more than three decades, and projects like Miguel's instilled hope for a better future. Going to see those first shows at Galería Punto was like catching a glimpse of a world that had been stolen away from us up until then.

Remembering Miguel is to take stock of the existence of a project based on a profound love for contemporary art creation that was turned into a reality. My memory also prompts me to acknowledge

Amparo Zaragozá. ART CHICAGO. EE UU, 1995

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the crucial accompaniment of Amparo Zaragozá, his wife, without whose support things would probably never have been as they were.

But, on the other hand, I cannot stop thinking of another two people who are also no longer with us and who played a critical role in the development of the idea: Vicente Aguilera Cerni and Miguel Agraït Zaragozá. The former was an art critic whose advice was always there to ensure that everything was as it should be; not at all a bad choice. The latter was Miguel and Amparo's eldest child and a tireless collaborator in the work of the gallery who left us last year still at a young age.

Remembering Miguel Agraït Colomer is tantamount to recognising a project whose achievements acquire an even greater dimension in hindsight, because it means appreciating his whole-hearted support for contemporary culture at a time when Valencia was lacking in major public exhibition centres. That means Miguel was one of the few individuals who shook Valencia's art scene awake from its drowsy sleep, scoring achievements aimed at bringing us in step with the reality of the international art world.

ART CHICAGO. EE UU, 1995

Lucio Muñoz, exposición 1994

Eduardo Chillida, exposición 1996

RECORDANDO A MIGUEL AGRAÏT COLOMER Rafael Prats Rivelles Todavía hoy -dos años y medio desde que nos dejó-, cuando acudo a Galería Punto, siento la sensación de que va a salir a recibirme. Sonriente, dispuesto a hacerme alguna broma, contarme un chascarrillo o, con una exageración irónica, decirme: “¡Maestro, cuánto honor!” A continuación, un apretón de manos o un abrazo para concluir con una ruidosa carcajada que emitíamos a coro, en complicidad, causando sorpresa entre los presentes.

A Miguel lo conocí cuando su proyecto acababa de iniciar su andadura, en el primer piso del edificio número 37 de la avenida del Barón de Cárcer. España estaba terminando de cruzar un desierto cultural de más de tres décadas e iniciativas como la de Miguel contribuían a crearnos la esperanza de un futuro mejor.

Acudir a aquellas primeras exposiciones de Galería Punto suponía acercarse a un universo que, hasta entonces, se nos había escamoteado.

Recordar a Miguel es percatarse de la existencia un proyecto que se hizo realidad, basado en una gran afición por la creación artística contemporánea. El recuerdo me lleva a constatar el

acompañamiento fundamental de Amparo Zaragozá, su esposa, sin cuyo apoyo probablemente las cosas no hubieran podido ser como fueron.

No puedo evitar, por otra parte que me lleguen a la memoria dos personas que también nos abandonaron y que jugaron un papel importante en el desarrollo de la idea: Vicente Aguilera Cerni y Miguel Agraït Zaragozá. El primero fue el crítico de arte cuyo asesoramiento no faltó para que todo saliera adecuadamente; aquella no fue mala elección. Y el segundo era el mayor de los hijos del matrimonio Agraït-Zaragozá, colaborador incansable en las actividades galerísticas, que nos dejó el año pasado a temprana edad.

Recordar a Miguel Agraït Colomer supone reconocer un trabajo cuya valoración, con la perspectiva del tiempo, se hace mayor, pues supone registrar una apuesta por un universo cultural contemporáneo en unos momentos en que Valencia no contaba con los grandes centros institucionales de exhibición artística.

Miguel, por tanto, fue uno de los poquísimos que espabilaron el adormecido panorama artístico en Valencia, alcanzando unos logros orientados a ponernos al día en la realidad plástica internacional.

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THE ROAD OF VOCATION J. R. Seguí Passion is an emotion, or perhaps it is a frame of mind that some decide to explore intensely. In many cases it is not fleeting or momentary. In order to understand it, some people need to express it outwardly and also to share it. Besides that, some passions mark lives or fates. Some passions are born never to die and other passions accompany us and are passed on no matter how difficult that might seem in this world with such a diversity of personalities.

Miguel Agraït had a passion that he brought to life and to which he devoted his own life: art. A passion he shared and with which he seduced us.

In the early 1970s, when Galería Punto, the grand dame of contemporary art galleries in Valencia, opened its doors to the amazement of citizens and artists alike, taking on the challenge all one its own yet conscious that Valencia could one day be a modern and open city, I was a teenager dazzled by books, cinema, theatre, comics and the art of manuals. The kind of art that reached us through schoolbooks. But I was still afraid to enter an art gallery. Galleries-in those days few and far between and of a heavily marked tendency-were like sanctuaries which one entered with a certain sense of awe due to the silence reigning in them, the solitude conveyed by the person behind the desk and the gaze he/she would shoot at you when you dared to cross the threshold.

Ramón de Soto, Román de la Calle, David Perez. 1996

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Some years would pass before that fear would disappear under its own weight, allowing one to become aware-and an eye-witnessof the existence of other languages beyond landscapes, still lifes, clichés and the masterpieces from Art History culled from text books.

That is how I discovered Punto.

More than forty years have elapsed since the day Galería Punto opened its doors. We owe Miguel Agraït and his wife Amparo Zaragozá a debt of gratitude for the opportunity they lent us to discover another world, other languages, other expressive possibilities we would have never got to know without the natural passing of the years or the normalisation of a complex political and cultural life.

In those same years, as part of an unrealised nation, Valencia had its own new history to build. Long before art centres turned us into first-class citizens or contemporary art museums conquered our senses, contemporary art galleries-in this case, Punto-were the only points of reference from which to ascertain the fact that contemporary expressiveness is individual but easy to share. For many years, Punto operated like a true public exhibition venue or small modern and contemporary museum. And it acted as such until our current map of museums was set in place. And even so, they are still at it.

Amparo Zaragozá, Miguel Agraït. 1997

Miguel Agraït y Nacho Agraït Zaragozá. ART CHICAGO. EE UU, 1997

ART CHICAGO. EE UU, 1997

EL SENDERO DE LA VOCACIÓN J. R. Seguí La pasión es una emoción. O quizás, un estado de ánimo que algunos deciden vivir íntimamente. En muchos casos no es pasajera, ni momentánea. Hay quien necesita exteriorizarla para entenderla y, también, compartirla. Hay pasiones que además marcan vidas o destinos. Pasiones que nacen y jamás mueren, acompañan e incluso, por complejo que pueda parecer en este mundo de personalidades tan diversas, se transmiten. Miguel Agraït tenía una pasión que la convirtió en vida y a la que le dedicó la suya: el arte. Una pasión que compartió y con la que nos sedujo.

En los primeros setenta, cuando Punto, galería decana de arte contemporáneo, abría sus puertas ante el asombro de la ciudadanía y de los propios artistas, sola ante el peligro pero consciente de que Valencia podía ser también una ciudad moderna y abierta, yo era un adolescente eclipsado por los libros, el cine, el teatro, los tebeos y el arte de los manuales. Aquel que nos llegaba a través de los libros escolares. Sin embargo, aún tenía miedo a entrar en una galería de arte. Las galerías-pocas entonces y de tendencia más que singularizada- eran como una especie de santuario a las que daba cierto respeto acceder por el silencio que se encontraba en ellas, la soledad que transmitía quien las vigilaba y la mirada que cruzaba cuando alguien se atrevía a abrir sus puertas.

Tuvieron que pasar los años para que ese miedo cayera por su propio peso y uno fuera consciente y testigo directo de que existían otros lenguajes más allá de los paisajes, bodegones, tópicos y obras maestras de la Historia del Arte que nos llegaban desde el papel impreso. Así descubrí Punto.

Han transcurrido más de 40 años desde que Galería Punto abrió sus puertas. A Miguel Agraït y a su mujer Amparo Zaragozá les debemos la oportunidad de habernos permitido descubrir otro mundo, otros lenguajes, otras posibilidades expresivas a las que no hubiéramos llegado sin el lógico transcurrir de los años o la normalización de una vida política y cultural tan compleja.

En esos mismos años, Valencia como parte de una nación irrealizada tenía su nueva propia historia por construir. Mucho antes de que los centros de arte nos convirtieran en ciudadanos de primera o los museos de arte contemporáneo nos conquistaran los sentidos, las galerías de arte contemporáneo- y en este caso Punto - se convirtieron en únicos puntos de referencia desde los que comprobar que la expresividad contemporánea es individual pero fácil de compartir. Punto actuó como verdadera sala de exposiciones o pequeño museo de arte moderno y contemporáneo durante muchos años. Así fue hasta que se consolidó nuestro mapa museístico. Pero aún así, en ello continúan.

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Dozens and dozens of artists have passed through the gallery space-a whole universe full of magic, mysticism and personal commitment towards its time and towards a sometimes misunderstood art. Time has turned most of them into undisputed references of international, national or local art: art practitioners Punto firmly supported and continues to support, and who Miguel Agraït and Amparo Zaragozá wanted to share with us; art practitioners they discovered in their studios, at international fairs, and that they then shared with others. Those artists they believed should be part of our collective imaginary or of our most personal cultural history.

“We never took that into account”, she answered to the question of whether the audacity of opening an art gallery in the seventies was not like travelling along a path or thorns and that the slow and arduous pilgrimage would be more difficult to endure than the mere occasional lack of understanding. Furthermore, when they were also putting their own economy at risk without knowing for sure if time would prove whether they were right or wrong.

But they also wanted to be directly involved in creative life by editing graphic work, an activity which time has proved was worth the effort and that was no accident or done simply with the purpose of immediate profit in mind.

“Vocation. We never lived off the gallery, but for the gallery. Our savings always went into it”, she answered without hesitating for a second.

I recently had the luck to share a few hours with Amparo Zaragozá for a series of interviews I was involved in. She invariably answered all my questions in the plural, as if someone were whispering words in her ears. And in that talk in which Amparo eventually overcame an initial nervousness when revealing the truth in front of a recorder, there were two moments that captured to perfection the meaning of passion and vocation.

"40 Aniversario Grupo El Paso'', 1997

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“What is the secret of having kept afloat so many years in such a complex world?” I asked towards the end of the conversation.

Perhaps some people will now understand the passion I was talking about and why it remains alive among their heirs and, luckily, scattered among ourselves.

September 2012

F. Mompó, C. Alborch, C. Alabau, M. Agraït Zaragozá. 1997

Maribel Domenech. Instalación 1998

Decenas y decenas de artistas han pasado por sus salas. Un universo repleto de magia, misticismo y compromiso personal con su tiempo y el arte, a veces, incluso incomprendido. El tiempo ha convertido a la gran mayoría de ellos en referentes indiscutibles del arte internacional, nacional o local. Artistas por los que Punto apostó y apuesta y Miguel Agraït y Amparo Zaragozá quisieron compartir. Artistas que descubrían en sus estudios, en las ferias internacionales y después compartían con todos los demás. Aquellos que consideraban debían formar parte de nuestro imaginario colectivo o de nuestra historia cultural más personal.

“Nunca nos importó”, contestó cuando le pregunté si el atrevimiento de abrir en aquellos setenta una galería de arte había significado recorrer un sendero de espinas y ser ese lento y complicado peregrinar más duro que una mera incomprensión puntual. Más aún, cuando ellos, además, arriesgaban su patrimonio sin ser conscientes todavía si el tiempo acabaría o no dándoles la razón.

Pero además, también decidieron participar directamente de vida creativa con la edición de obra gráfica que el tiempo ha demostrado fue siempre un acierto y no fruto de la casualidad ni estaba emboscada en el inmediato mercantilismo.

”La vocación. Nunca hemos vivido de la galería, sino para la galería. Nuestros ahorros siempre han ido a ella”, respondió sin dudarlo.

Hace poco tiempo tuve la suerte de compartir unas horas con Amparo Zaragozá con motivo de una serie de entrevistas que llevaba entre manos. En todo momento, ella mantuvo sus respuestas en plural, como si alguien le dictara al oído. Y hubo en aquella charla en la que Amparo, al fin, había dejado de lado el nerviosismo inicial que supone sincerarse ante una grabadora, dos instantes que bien resumen lo que es pasión y vocación.

”¿Me confiesa el secreto para haberse podido mantener tantos años en este mundo tan complicado?”, pregunté para concluir la conversación.

Quizás ahora algunos entenderán la pasión de la que hablaba y comprenderán porque se mantiene viva en sus herederos y, por suerte, repartida entre nosotros.

Septiembre de 2012

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MIGUEL, PUNTO AND PERIOD Salva Torres When I think of Miguel Agraït he is between Man Ray and Meret Oppenheim. The day I first visited Galería Punto I was taken aback by his severe expression, by the somewhat cold reaction when I entered the gallery. We exchanged a few surreptitious glances, following me from Man Ray's solarised self-portrait to Oppenheim's extreme white nakedness. Letting myself be carried along by the surreal undercurrent in those photographs, I imagined Miguel Agraït serving a sentence in that gallery as a punishment for hating culture.

However, nothing could have been further from the truth, as he was intimately bound to it with everything he had exhibited there for a long time.

When I disclosed the fact that I was a journalist I intuited in his expression a glimpse of the passion that was concealed at first sight. Later I understood that that was his way of lending all the prominence to the gallery he had founded with Amparo, his wife, in 1972. It would be easy to summarise it with “Miguel y punto”, an expression meaning something like “Miguel and period” in English, a word play with the name of the gallery. Just as it was easy from that moment onwards to become friends with a man for whom the world had no frontiers. On hearing my Basque accent he started raking his memory in search of a story which undoubtedly epitomises his open mind.

Equipo Realidad, exposición 1998

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He admired Josep Renau both as an artist and as a person. But what many people did not know is that it was Renau who had commissioned Picasso to make Guernica. After informing me of that fact, which I took to be a sign of his passion for my homeland, Miguel dexterously shook me down from the tree I was starting to climb. “Had you notice that painting has no berets or anything that would make us think of the Basque Country? There is no reference to it because as a subject matter, the Guernica does not allude to Guernica, but to Spain in war, to the suffering still produced by so much confrontation.”

For him, Galería Punto was a window open to that other civilised world that his own city, his own country, sometimes denied him.

The Spain of people fighting with cudgels depicted by Goya found its full stop there. Miguel was fond of thinking that art would be able to tame so much verbal ferocity, so many triggers ready to be pulled from the opposite trench. And he thought so with that mixture of humility and haughtiness he always felt for his “little baby”. Miguel Agraït, a knight without a lance, would love to know that a bunch of friends is now drawing his portrait. Punto and period.

Peter Phillips, exposición 1999

ART CHICAGO. EE UU, 1999

Luis Feito, exposición 2000

MIGUEL, PUNTO Y SEGUIDO Salva Torres A Miguel Agraït lo recuerdo entre Man Ray y Meret Oppenheim.

Esa primera vez que entré en la Galería Punto me sorprendió su expresión adusta, la manera un tanto fría con la que acompañó mi entrada. Cruzamos en silencio unas cuantas miradas, las mismas que me llevaban del autorretrato solarizado de Ray a la desnudez muy blanca de Oppenheim. Dejándome arrastrar por el surrealismo de aquellas fotografías, imaginé a Miguel Agraït cumpliendo condena en aquella galería por detestar la cultura. Nada más lejos de una realidad que guardaba íntima ligazón con cuanto allí se venía exponiendo desde mucho tiempo atrás.

Cuando le desvelé que era periodista, su expresión ya dejó entrever la pasión que a primera vista se escondía. Luego entendí que era su manera de ceder todo el protagonismo a la galería que, junto a su mujer Amparo, fundó en 1972. Sería fácil resumirlo con la expresión 'Miguel y Punto'. Como fácil fue, a partir de ese momento, trabar amistad con quien tenía por frontera el mundo.

Mi acento vasco pronto le llevó a tirar de memoria y a narrar un episodio sin duda revelador de su mente abierta.

Admiraba a Josep Renau, como artista y como ser humano. Y lo que no mucha gente sabía es que fue Renau quien encargó a Picasso la realización del Guernica. Tras suministrarme ese dato, cuyo destilado ingerí como propio de todo fervor por lo autóctono, Miguel sacudió con naturalidad el árbol en el que yo mismo empezaba a encaramarme. “¿Se ha fijado que en ese cuadro no hay boinas ni nada que tenga que ver con el País Vasco? Y no hay referencia alguna porque el tema del Guernica no es Guernica, sino la España en guerra, el dolor que todavía hoy genera tanto enfrentamiento”.

La Galería Punto fue para él como una ventana abierta a ese otro mundo civilizado que, en ciertas ocasiones, su propia ciudad, su propio país, le negaba. La España a garrotazos de Goya tenía en Punto un aparte. A Miguel le gustaba pensar que el arte domaría tanta fiereza verbal, tanto gatillo presto a ser disparado desde la oportuna trinchera. Lo pensaba con esa mezcla de humildad y altanería que siempre sintió por su criatura. A Miguel Agraït, caballero sin espada, le gustará saber que un puñado de amigos ahora le retrata. Punto y seguido.

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HALF A CENTURY OF A PRIVATE COLLECTOR R. Ventura-Melià It might have been a friend of his son who introduced me to Miguel Agraït when he opened Galería Punto in Avenida del Oeste.

Throughout my life I have met more than a few businessmen who were into art and had their own collections, some quite considerable for Valencia. Like José María Jiménez de la Iglesia, Saludes, Guillermo Caballero and Fandos, the last of which was also involved in a gallery.

Yet each one was completely different and had his own tastes.

Agraït never seemed to give much importance to things and if he had a Tàpies or a Miró he never bragged about it. Just as he never thought it was anything special that his gallery held the first exhibition by Josep Renau, while the artist was still living in East Berlin. Not even when he introduced me to John Irwin or to one of the New York pop artists who was a close friend of Andy Warhol's. Just as his children claim that he had a great sense of humour we could also say that he had no vanity (not as a property developer either...). And his generosity was also surprising in both of these spheres, business and art, in which he had such strong bonds. He never struck me as a man who envied others or who held grudges or found fault with others from his profession, about whom he knew a lot of stories and escapades.

All these qualities meant that, for me, dealing with him was always a pleasure and highly rewarding, and we never had an argument that I can remember. He seemed to be a sincere and frank man.

With him things seemed to run smoothly. But, at the same time, he was serious, professional and knew how to adapt to the many changing circumstances, some of which never failed to surprise me.

I interviewed his artists, all of whom he defended fiercely, even at art fairs here in Spain and abroad (other gallerists were much more dogmatic in their tastes when it came to the artists they represented or defended). Artists from Valencia always had an open door and his whole-hearted support. And all art critics and journalists found in him an open person who helped them in any way possible with their work. I published these interviews in Valencia Semanal, or in Avui, Información or in Levante-EMV. In one way it was like interviewing him indirectly through a kind of mirror or jigsaw puzzle. The person who made the most of these opportunities was myself. And I am still grateful to him for the various chances to speak with some outstanding artists. As could not be otherwise. And also for being able to contemplate so many works of art, whether in exhibitions or in his office, where he kept them for himself, or had them on sale. Sometimes only to reappear years later, like those by Equipo Realidad.

A half a century of a gentleman from Valencia.

Allen Jones, exposición 2000

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TIAF. Toronto, 2000

"Man Ray versus Meret Oppenheim", exposición 2000

MEDIO SIGLO DE UN COLECCIONISTA PARTICULAR R.Ventura-Melià Puede ser que un amigo del hijo me presentó a Miguel Agraït cuando abrió la galería Punto a la avenida del Oeste. A lo largo de la vida he podido conocer unos cuantos empresarios que tenían afición y tenían una colección de arte considerable para Valencia. Como José Maria Jiménez de la Iglesia, Saludes, Guillermo Caballero, y uno de ellos tenía participación en una galería, como también la tuvo Fandos.

Pero cada uno era completamente diferente y también sus gustos.

Agraït nunca se daba ninguna importancia y si tenía un Tàpies o un Miró no presumía, como no pareció nada especial que hiciera la primera muestra de Josep Renau, cuando vivía todavía en Berlín Este. Ni tan siquiera cuando me presentó a John Irwin o a uno de los artistas Pop de Nueva York, amigo íntimo de Andy Warhol. Como sus hijos dicen que tenía mucho sentido del humor podemos decir que no tenía ninguna infatuación (tampoco como constructor...). Y su generosidad también era sorprendente en estos dos ambientes, negocios, arte, que tienen fuertes lazos.

Tampoco fue un hombre que nunca pareciera envidiar a los otros o tener un resentimiento y criticar a otros de su oficio, sobre los que conocería muchas anécdotas y travesuras.

"Man Ray versus Meret Oppenheim", expo. 2000

Todas estas particularidades han hecho que su trato haya resultado para mí un placer, enriquecedor, y nunca hemos tenido una discusión que yo recuerde. Parecía un hombre sincero y llano.

Todo resultaba más fácil. Pero era serio, profesional y había sabido adaptarse a muchas y diferentes circunstancias, algunas de las cuales no me han dejado de sorprender.

He entrevistado a sus artistas, a todos los cuales él ha defendido, incluso en ferias nacionales e internacionales (otros galeristas eran mucho más dogmáticos en sus gustos cuando se trataba de artistas que representaban o defendían). Los artistas valencianos han tenido la puerta abierta y su apoyo. Y todos los críticos y periodistas han encontrado un hombre abierto y que daba facilidades para hacer el trabajo. He publicado estas entrevistas en Valencia Semanal, o en Avui, Información o en Levante-EMV. Es una forma de entrevistarlo a él de forma indirecta mediante un espejo o con un puzzle. El que más ha gozado con estas oportunidades he sido yo mismo. Y aún le estoy agradecido por las diversas ocasiones de dialogar con creadores de un alto nivel. No puedo estar ni hacer menos. También para contemplar tantas obras, sea en exposiciones o en su despacho, donde las guardaba para sí mismo, o las tenía en venta. A veces reaparecían años después, como las del Equipo Realidad.

Es medio siglo de un señor de Valencia.

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