EL ARTE A PARTIR DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX: LAS POST-VANGUARDIAS ARTÍSTICAS. Los movimientos artísticos que surgieron en la posguerra (es decir, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial en 1945), recibieron la denominación de post-vanguardias o neovanguardias. Debido a las consecuencias de tan brutal acontecimiento, Europa entró en una crisis cultural y política que favoreció la emergencia de un nuevo panorama artístico y permitió que las nuevas tendencias del arte se trasladen de Europa a América, de Francia a Estados Unidos, de París a Nueva York, esta ciudad se convirtió en la nueva capital del arte, el epicentro de las nuevas vanguardias. Las Post-vanguardias buscaban ser expresión de su tiempo, una época cuyo rasgo fundamental era la existencia de una sociedad de consumo masiva. Éstas abarcan una gran cantidad de movimientos y tendencias artísticas que proliferaron rápidamente y se desarrollaron en simultáneo debido a los medios de comunicación, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez fueron acogidas de un modo más natural, menos traumático. La rebelión, el ataque violento a los valores establecidos y a la institución artística, que habían propuesto las Vanguardias Históricas en la primera mitad del siglo XX, ya se habían convertido en algo aceptado por el público. Ahora las Post-vanguardias no procedían de artistas incomprendidos que querían llamar la atención del público, sino que se convirtieron en propuestas nuevas y atractivas. Adquirieron un tinte más atrayente, moderno y exclusivo que favoreció el mercado y la aproximación del público en general. CARACTERÍSTICA DEL ARTE POST-VANGUARDISTA La desacralización del arte En algún momento, las vanguardias dejaron de provocar sorpresa, de estimular al espectador. Ya no podían ofrecer nada novedoso, no porque los artistas hubieran perdido la creatividad, sino porque la sociedad y los medios iban cambiando más deprisa que los artistas. Como consecuencia, se disolvió el pedestal en el que estaba el arte, se rechazaron las distancias entre el espectador y los acontecimientos estéticos; y el artista abandonó la postura elitista para acercarse a los gustos del público. En el arte post-vanguardista ya no aparecían los principios colectivos que rigieron el arte de épocas pasadas. No se opusieron al comercio, ni al consumo, ni a los medios de comunicación masiva, sino que, por el contrario, los utilizaban y así, borraban las fronteras entre el arte y la vida, lo culto (el arte de élite) y la cultura de masas. El abandono de lo novedoso Las vanguardias postulaban la ruptura con el pasado y con las tradiciones, y la búsqueda de lo nuevo y lo desconocido. El arte modernista de las primeras décadas del siglo XX era revolucionario, pero se producía en una sociedad conservadora. Ahora, la sociedad y los individuos que la conforman van cambiando de un modo más acelerado que los artistas. El arte posmoderno buscó rehabilitar lo que había rechazado la Modernidad: la tradición y las prácticas culturales locales. Esto modificó la postura de los artistas ante la sociedad: si durante mucho tiempo se consideraron marginados sociales, ahora se integran conscientemente en el mundo de los medios de comunicación; aparecen en televisión; sus obras se 1
reproducen en objetos de consumo (como remeras, vasos, manteles) y se propagan mediante comerciales, confundiéndose con los objetos culturales masivos. El eclecticismo Durante la Modernidad, las Vanguardias Históricas incluían en sus obras nuevos temas, nuevos materiales y nuevas posturas estéticas. En cambio, en la Posmodernidad, las producciones de la Post-vanguardias resultan de las búsquedas en el pasado. Los artistas posmodernos hacen que los elementos del pasado cohabiten sin contradicciones con el aporte presente; ya no quieren crear un nuevo estilo, sino integrarlos todos, incluso, en una misma obra. Esta postura se presenta en un marco de gran libertad individual, en el que ya no exige enmarcar la obra en una tendencia determinada. Se trata de un momento de eclecticismo artístico que permite la convivencia de diferentes posturas. Este eclecticismo se traduce en trabajos artísticos en los que todo es posible. Los artistas post-vanguardistas recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Asimismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el grafiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de las nuevas tecnologías. Todo ello lo reinterpretan de una forma subjetiva y personal. En síntesis, podemos remarcar que dentro del arte post-vanguardista hay una gran variedad estilística y conceptual, los diversos movimientos que lo integran, y dentro de éstos los diferentes artistas, cada uno con su sello personal, son heterodoxos y diversificados, sin carácter programático, poseen distintas finalidades y muy diversas peculiaridades. Quizá por eso muchos críticos no ven un sello unívoco al arte posmoderno, consideran que estas diversas tendencias solo tienen en común su oposición al proyecto moderno. EL ARTE CONCEPTUAL A mediados de 1960, se inició en el arte un amplio movimiento que se prolongó durante casi una década. Este movimiento es conocido como Arte Conceptual (o también arte de la idea o de la información) y se relacionaba con otras tendencias como el Body Art (Arte corporal), el Land Art (Arte de la tierra), Art & Language (Arte y Lenguaje). El Arte Conceptual aceptaba como obra todo tipo de objeto, ya que renunciaba a esa pieza de lujo única y permanente que había sido la obra de arte hasta ese momento. Surgió, entonces, un arte con acento en las ideas, que vivía sin importar la forma que esas ideas fueran a adoptar. Como consecuencia, el espectador requería, para enfrentarse a las obras, un nuevo modo de atención y de participación intelectual. Este movimiento representó las propuestas introducidas por Marcel Duchamp, quien estaba más interesado por las ideas que el producto final. A partir de ese momento, el arte no volvió a ser el mismo, ya que podía existir fuera de los medios convencionales, como la pintura y la escultura, y por encima de las consideraciones del buen gusto. El Arte Conceptual fue, probablemente, el tipo de arte más amplio y el de crecimiento más acelerado del siglo XX. Sería imposible listar y clasificar todos los actos que se realizaron en su nombre. Este arte influyó de manera importante en otras tendencias, y pueden rastrearse manifestaciones conceptuales en diversas expresiones artísticas. 2
El Arte Conceptual fue, en esencia, un arte de estructura intelectual, que se evidenciaba con total libertad, según la forma que eligiera el artista. Permitió el surgimiento de una generación de artistas nuevos y con estilos y estéticas diferentes, que desarrollaron otros modos de representar sus ideas a través nuevas manifestaciones y operaciones artísticas. La aparición del Arte Conceptual ayudó a revitalizar el arte mediante la utilización del humor y la ironía, de los temas autobiográficos, del lenguaje, de la relación con el medioambiente, etc. Su influencia perdura hasta la actualidad. LAS OBRAS CONCEPTUALES El Arte Conceptual exigió nuevos métodos de elaboración de las obras y, en este aspecto, es en el que ha habido mayores discrepancias. Los medios de concreción de las obras fueron muchos y variados, entre ellos: dibujos, fotografías, películas, cintas magnetofónicas, documentos clavados en la pared, entrevistas, textos, proyectos presentados como documentos sin significación formal, envío de tarjetas postales, telegramas, premisas matéricas, estadísticas, representaciones de actos públicos, entre otros. Para algunos artistas conceptuales, el soporte, es decir, el objeto físico tradicional, conservaba vestigios en las obras; otras veces, se justificaba como medio de difusión. Uno de los campos preferidos del Arte Conceptual fue la investigación entre la imagen estática tradicional y la dinámica actual, que se fue insertando de a poco en los nuevos modos productivos de comunicación visual y de perspectiva general. A pesar del vasto número de obras producidas, el Arte Conceptual produjo menos obras maestras de museo que cualquier otro movimiento artístico del siglo XX LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA DE ON KAWARA: EL USO DE SISTEMAS SERIADOS EN EL ARTE CONCEPTUAL. On Kawara fue un artista japonés, nacido en el año 1933, pero que residió en Estados Unidos desde 1964. Es considerado uno de los artistas que más ha dejado huella en el Arte Conceptual. Uno de los aspectos que el artista indagó y reflejo en sus obras, es cómo el ser humano intenta comprender el transcurrir del tiempo, y cómo para medirlo recurre constantemente a las fechas, las cifras y los números. Es importante destacar que su producción no sólo estudia cómo el hombre ha inventado medidas para “humanizar”, hacer comprensible, este concepto, sino que On Kawara se esforzó por convertir su propia vida en un ejemplo evidente de cómo el tiempo avanza inevitablemente y es una problemática con la que todo ser humano convive cotidianamente. Sus pinturas, telegramas y cartas postales (testigos materiales del paso de los años) trataron de hacer consciente a los espectadores de su leve y humilde lugar en la historia, y de representar la compleja experiencia que para las personas supone el transcurso del tiempo. En enero del año 1966, el artista inició una de sus series más conocidas llamada Today (Hoy), también conocida como Date Paintings (Pinturas de fechas). La serie está integrada por pinturas para las cuales usó tres tamaños diversos y estándar, utilizó un color liso como fondo y una fecha era pintada a mano ocupando el centro de cada superficie. La pintura era colocada en una caja realizada exactamente para sus dimensiones, cuyo interior estaba cubierto con una página del periódico de la fecha del cuadro. Aunque el color de fondo varía, la mayoría de las veces es 3
un tono oscuro cercano al negro. La fecha representada correspondía al mismo día en el que se pintaba, y el idioma utilizado era el que se habla en el país donde vivía On Kawara al momento de realizar la pintura. Cada una de ellas tenía que hacerse en un solo día, si al final de la jornada no era culminada el artista la destruía. Today fue realizada mediante un proceso de composición repetitivo y metódico, que marcaba el paso del tiempo y de la vida del artista. Fue una de las series de obras más duraderas producidas por un artista individual, ya que On Kawara la continuó hasta 2014, el año de su fallecimiento. Asimismo, se acepta ampliamente que es una de las obras más importantes del Arte Conceptual. A mediados de 1968 inició tres nuevas series claramente autobiográficas: I got up, I met y I went. La primera de ellas, I got up (Me desperté), consistió en el envío diario de postales a dos conocidos en las que figuraban, estampadas con un sello de goma y en mayúsculas, la fecha de expedición de la postal (APR. 5 1971), la frase “I got up at” (“Me he despertado a”) y la hora exacta en que aconteció el hecho (I GOT UP AT 11.13 A.M.), el nombre de On Kawara y el lugar preciso desde el cual la postal había sido enviada, y el nombre y la dirección del destinatario. Las postales, siempre en color y de formato horizontal, reproducían imágenes propias del lugar en el que el artista se había despertado en la fecha y hora indicadas. La serie aludía a un hecho privado y preciso de la vida cotidiana del artista, un acontecimiento casi íntimo como es el paso del sueño a la vida consciente luego de despertarse. On Kawara compartía esta información con personas que le eran allegadas tratando de comunicarles su existencia, aunque sea a través del envío de una postal. La serie I met (Yo conocí) fue fruto del deseo del artista de comunicarse con la gente de su alrededor, y consistió en escribir a máquina y archivar diariamente listas en las que On Kawara anotaba los nombres de todas las personas con las que se había encontrado en una fecha determinada. La última de las series iniciadas, I went (Yo fui), consistió en el registro diario de sus recorridos, los cuales representaba sobre la fotocopia de un mapa de la zona en la que el artista se hallaba en una fecha específica, con un bolígrafo rojo trazaba el camino realizado. Estas tres series fueron culminadas en el año 1979. En 1969 inició otra de las series más reconocidas I am still alive (Todavía estoy vivo) consistió en una serie de telegramas enviados intermitentemente durante un período de treinta años a una amplia gama de destinatarios, incluidas figuras del mundo del arte, que llevaban el mensaje "I am still alive".El artista escogió utilizar como medio de comunicación el telegrama, un medio entonces de urgencia, para comunicar un hecho aparentemente normal y cotidiano como es el “seguir estando vivo”. Por otro lado, el hecho mismo del empleo de la expresión del adverbio “todavía” acompañando a la expresión “estar vivo” remite a la posibilidad de que el mensaje, al llegar a su destinatario, sea obsoleto y falso: ¿cuánto puede durar ese “todavía”? La producción artística de On Kawara fue autobiográfica en la manera que siempre persiguió como objetivo dejar rastros de sí mismo (por dónde ha pasado, a qué hora se levantó, con qué personas se encontró, qué ha leído, etc.) Sus obras eran producidas en serie, siguiendo un esquema de trabajo programático, repetitivo y metódico, pero a través del cual podía reflexionar y meditar sobre el transcurrir del tiempo. Con las piezas que creaba y la documentación que recopilaba, conformaba un archivo que pretendía dar cuenta de su existencia como sujeto y como artista. No sólo narraba su vida para las demás personas, sino que la narraba para sí mismo.
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BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA AMIGO, R.; FERRO, F.; HERAS, F.; SCHUSTER, G. (2006). Culturas y estéticas contemporáneas. 1° Ed. Buenos Aires. Aique Grupo Editor. FERRERAS, C.; LABASTÍA, A.; NICOLÍA, C. (2003). Culturas y Estéticas Contemporáneas. Buenos Aires. Puerto de Palos. S.A. Casa de Ediciones. GUASCH, A.M (2009) Autobiografías visuales. Del archivo al índice. Madrid, Ediciones Siruela. Biblioteca Azul. Recuperado de: https://www.academia.edu/35718457/Autobiograf%C3%ADas_visuales_Del_archivo_al_%C3%ADndice
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