MAS ALLA DE LO MODERNO VOL. 1
BIOGRAFIA DE LOS ARQUITECTOS
INFLUENCIA DE SUS DISE;OS EN LA ARQUITECTURA
CREACIONES EMBLEMATICAS
INDICE
JULIO 2014 NUMERO 1
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BIOGRAFIA DE LOS ARQUITECTOS
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INFLUENCIA DE SUS DISEÑOS EN LA ARQUITECTURA
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CREACIONES EMBLEMÁTICAS
Proyecto de arquitectura, dise単o, arte. SIGUE LEYENDO NUESTROS ARTICULOS ACTUALIZADOS SEMANALMENTE EN NUESTRO BLOG:
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Biografía de los Arquitectos TADAO ANDO
“No creo que la arquitectura tenga que hablar demasiado. Debe permanecer silenciosa y dejar que la naturaleza guiada por la luz y el viento hable”.
Nació el 13 de septiembre de 1941, es un arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos. En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara. "Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto", dice.
Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido,1 la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka,2 el Museo de los Niños (1990) en Himeji.3
En 1970 se estableció en Osaka con "Tadao Ando Architect & Associates", empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe. En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya.
Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.
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Su arquitectura no distrae a la hora de la meditaci贸n sino contribuye a la introspecci贸n.
CASA EN SRI LANKA DE TADAO ANDO
En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios. Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas. Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.
Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos: "Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás"
Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker, comparable al premio Nobel.4 También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático. www.creaciones.blogspot.com
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“La arquitectura no es hacer un monumento del autor, se trata de hacer un lugar en relaciĂłn con la genteâ€?
RICHARD MEIER Arquitecto nacido en Newark, Nueva Jersey. Recibió su formación en la Universidad de Cornell y trabajó en el estudio de Marcel Breuer entre los años 1960 y 1963, antes de establecerse por cuenta propia. Comenzó a trabajar en pequeños proyectos, construyendo numerosas casas, a lo que fue sumando proyectos de mayor envergadura, edificios de oficinas, museos y complejos residenciales, desarrollando plantas cada vez más complicadas, con un traslado de ejes que ha llegado a considerarse como típico de gran parte de la arquitectura contemporánea En 1964 inicia su actividad pedagógica en la Cooper Union, en la que permanecerá durante muchos años. En 1979 gana el Concurso para el Museo de Artes Decorativas en Frankfurt, y así inicia su periplo europeo. Obtiene el Premio Pritzker de arquitectura en 1984, que es el reconocimiento internacional de más prestigio en el campo arquitectónico, y en ese mismo año el encargo del proyecto del Centro Getty, en 1988 le otorgan la Royal Gold Medal.
En el curso de diversos años ha sido premiado por el American Institute of Architects 12 veces con el National Honor Award y con el Nueva York City Design Award fue distinguido en 31 oportunidades. Algunas de sus obras principales, The Atheneum New Harmony en Indiana, el Museum für Kunsthandwerk, Frankfurt en Alemania, el High Museum of Art, Atlanta en Georgia, la sede central del Canal Plus, París en Francia y el Getty Center, Los Angeles, en California, el que confirmó su reputación como uno de los arquitectos más brillantes de su generación.
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INFLUENCIA DE SUS DISEﾃ前S
EN LA ARQUITECTURA
Tadao Ando guarda una estrecha relación con la arquitectura tradicional, la cultura y la historia japonesa, lo cual se ve reflejado en todas sus construcciones. También vemos que ha tenido influencias de grandes arquitectos como Le Corbusier y Louis Kahn y como el mismo dice: “Me interesa un diálogo con la arquitectura del pasado pero debe ser filtrado por mi propia visión y experiencia. Estoy en deuda con Le Corbusier o Mies van der Rohe, pero al mismo tiempo tomo lo que ellos hicieron y lo interpreto a mi manera”. Ha sido también notable la contribución voluntaria y propositiva de Ando tras calamidades de gran escala. Tras el terremoto de Kōbe en 1995, Ando tuvo un papel importante en el reordenamiento del nuevo frente marítimo de Hyogo. Tras el derribamiento del World Trade Center en Nueva York el 2001, Ando propuso la creación de un parque circular en la Zona Cero que simbolizara el dolor que significaba el vacío dejado por las Torres Gemelas. Su obra es una arquitectura tranquila y armoniosa con la que hace hincapié en la nada y el espacio vacío para representar la belleza de la simplicidad. La sencillez de su arquitectura se encuentra principalmente influenciada por la cultura japonesa. Con el fin de practicar la idea de la simplicidad, la arquitectura de Ando se constituye principalmente de hormigón, concreto, hierro y vidrio, proporcionando una sensación de limpieza. El cuerpo de la obra de Tadao es conocido por el uso creativo de la luz natural y de las estructuras que siguen las formas naturales del paisaje; caminos de circulación tridimensionales complejos que se entrecruzan entre los espacios interiores y exteriores dando paso a formas geométricas de gran escala.
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Tadao Ando reconocido en todas sus obras por su transparencia, continuidad, volumen, luz y sombra, en el Fort Worth Museum sigue aplicando con fuerza cada uno de sus elementos característicos de su arquitectura. esta obra en especial su concepto se basa en la creación de una edificación capas de generar una relación entre el afuera y el adentro, de crear una continuidad y relación visual a pesar de que sean elementos cerrados. Tadao señala que la arquitectura es algo que cambia la vida por las emociones que genera y los recuerdos que puede ayudar a construir. Sus diseños lo reafirman al reflejar esa sensibilidad artística e intelectual que ha sido reconocida por los grandes arquitectos a nivel mundial. La naturaleza es un referente en la arquitectura japonesa, Ando ha tomado en este sentido el concepto de la luz con un carácter abstracto que distingue la mayoría de sus obras. Ando ha logrado trascender de lo tradicional a lo contemporáneo, mediante el cuidado de la conexión entre hombre y naturaleza, lo espiritual, de lo público y lo privado. La arquitectura de Tadao Ando no escatima en simbolismos, que aunque abstractos, se encuentran siempre presentes en sus creaciones. La utilidad de lo simple es de gran ayuda, puesto que reconecta –a su modo- lo cotidiano del exterior con lo privado al interior de sus construcciones
Según manifiesta Meier, en su obra ha tenido una gran influencia Le Corbusier y Frank Lloyd Wright. Pero también otros arquitectos han sido una referencia para su trabajo. Meier considera que la arquitectura es una disciplina que se encuentra en un continuo flujo, por lo que van cambiando con el paso de los años los arquitectos que marcan estilos y que influencian a los demás.
Meier empezó construyendo casas unifamiliares cuya sencilla elegancia recuerda a las "villas blancas" de los años veinte y treinta. En su inmensa mayoría, sus edificios son blancos, el color que considera el más puro ya que reúne a todos los demás y va cambiando de tonalidad durante el día. La obra de Richard Meier es un muy buen punto de partida para abrir una discusión acerca de la manifestación de la poesía en la arquitectura.
Uno de los aspectos más interesantes de su arquitectura es su énfasis en dos temas recurrentes: el blanco como textura y la abstracción como lenguaje. Esto se evidencia claramente en dos obras en las que el diseño despliega madurez, elegancia, equilibrio y pureza como resultado de la abstracción, de la experiencia y de la búsqueda de la belleza. Ha sido distinguido con numerosos premios. En 1984 le fue otorgado el premio Pritzker, el reconocimiento internacional más importante en arquitectura, y en 1997 recibió el máximo galardón estadounidense de su profesión, la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos.
Desde el principio, Meier ha seguido una línea determinada y permanente en sus proyectos. Ha dejado de lado las tendencias pasajeras y las modas, y se ha mantenido fiel a sus ideas. Aunque sus edificios más recientes muestran un refinamiento respecto a los iniciales, siguen siendo de un mismo estilo inconfundible, en los que Meier concede siempre la misma importancia a la claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización de sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su entorno, y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y exteriores.
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TADAO ANDO CREA CI
ONES EMBLEMATICAS
Casa Azuma (Osaka, Japón)
Uno de los primeros trabajos del arquitecto autodidacta Tadao Ando es la Casa Azuma, en Sumiyoshi, donde dividió en dos un espacio dedicado a la vida cotidiana (compuesto por una geometría austera) mediante la inserción de un espacio abstracto destinado al juego del viento y la luz. Su objetivo, afirma, fue introducir un interrogante en la inercia que ha invadido a la vivienda humana. Gracias a La Casa Azuma, en 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura. Situada en Sumiyoshi, Osaka reemplaza a una de las viviendas tradicionales de la zona construidas en madera. Si bien la zona en la que esta emplazada no es de las más caóticas de la ciudad, existe un evidente contraste entre esta “caja de hormigón” y su ambiente. Construida entre medianeras, esta vivienda se alza en un lote de 57.3 m2 y la superficie total construida es de 64.7 m2, dividida en tres secciones iguales: dos volúmenes y un patio. Se trata de una caja de hormigón que ocupa todo el solar. El edificio, centrípeto en cuanto a su organización del espacio tiene una planta tripartita centrada en un patio descubierto.
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En la planta baja se ubican una sala y una cocina, separadas por el patio externo y la escalera que conduce hacia la planta superior, donde se encuentran los dos dormitorios comunicados por una pasarela. Este espacio central descubierto es la única fuente de luz natural de toda la vivienda. El patio, que actúa como eje de la vida cotidiana de la casa, separa la sala de estar, situada en un extremo de la planta baja, de la cocina-comedor y el baño, situados en otro. En la planta superior, el cuarto de los niños se encara con el dormitorio principal situado al otro lado del patio central, al que se llega por un puente. El edificio presenta una fachada ciega a la calle. La presencia de una puerta sugiere el uso de esta caja.
La Fundación Pulitzer Artes en St. Louis, Missouri abrió sus puertas en 2001 con un edificio diseñado por el internacionalmente reconocido arquitecto japonés Tadao Ando. El Pulitzer está ubicado en 3716 Washington Boulevard (entre Grand Boulevard y la avenida Primavera).
Fundación Pulitzer (St. Louis Missouri)
La Fundación Pulitzer Artes fue fundada como una organización cultural con donaciones de editor Joseph Pulitzer y su familia, para quien debe su nombre. El edificio del museo fue diseñado por Tadao Ando, un renombrado arquitecto japonés que ha ganado el Premio Pritzker. Abrió sus puertas en octubre de 2001. Encargado para el edificio y en vista permanente son la escultura de la pared azul Negro de Ellsworth Kelly, que se encuentra en la Galería principal, y la escultura espiral apretado de Richard Serra Joe, que se encuentra en el patio.
Exposiciones en el Pulitzer rotan cada seis meses aproximadamente. El Pulitzer se dedica a una variedad de programación que se relaciona directamente con la exposición a la vista. Esto incluye simposios, mesas redondas, y una variedad de iniciativas y eventos estudiantiles. Además, el Pulitzer se dedica a una serie de conciertos de cámara de colaboración en curso de la música contemporánea con la Orquesta Sinfónica de Saint Louis. Programas de conciertos son elegidos en base a su relación con las obras de arte expuestas.
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El conjunto habitacional en Rokko es, especialmente en su primera y segunda etapas, el proyecto de vivienda más interesante que ha producido el reconocido arquitecto Tadao Ando. No solamente porque tuvo el coraje y terquedad (características del arquitecto que alguna vez fue boxeador) de ejecutar este proyecto en un terreno sumamente difícil, sino por la extraordinaria respuesta en términos conceptuales, funcionales, formales y tecnológicos que este proyecto supuso, además de su integración al paisaje. La experiencia en Rokko fue fundamental para la carrera de Ando, la que luego aplicara en otras propuestas en terrenos difíciles, particularmente en el Museo de la Madera en Hyogo, o en el Museo de Arte Chichu y en Benesse House, en Naoshima.su relación con las obras de arte expuestas. La idea de crear un conjunto residencial basado en una grilla incrustrada en la ladera de una montaña había sido explorada antes por Ando, en su proyecto no realizado en Okamoto, Kobe, en 1976. Los departamentos de 2 niveles ocupaban dos o tres módulos de la retícula, y de esta manera facilitaban las visuales ininterrumpidas desde cada unidad. La riqueza espacial era lograda por la sucesión de llenos y vacíos de la trama, en la que se incluían terrazas y espacios sociales. Las colinas Rokko se encuentran en las afueras de Kobe. El sitio elegido para la construcción de estas viviendas es una colina boscosa de una pendiente aproximada del 60% (el sitio se encuentra relativamente lejos de la Capilla en el Monte Rokko, otro proyecto de Ando que se ha tratado anteriormente en este moleskine). Desde la colina, es posible divisar la bahía de Osaka, el puerto de Kobe, y a lo lejos, la isla de Awaji y las estribaciones de Fuke que se adentran en el mar. La vista nocturna del puerto es espectacular. La primera etapa del proyecto, conocida como Rokko I, se realizó entre 1978-81 y 1981-83. Fue la etapa más difícil de todas, ya que Ando encontró mucha reticencia entre las autoridades y las mismas inmobiliarias para su construcción.
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Viviendas Rokko (Hyogo, Japón)
La iglesia se encuentra ubicada cerca a Tomamu, en el corazón de la isla de Hokkaido, al norte de Japón. Es una pequeña capilla que pertenece al hotel Alpha Resort, De espaldas al hotel y separado por una pared en L, Ando establece un recinto sacro aislado de lo mundano y enfocando todas las visuales hacia un bosquecillo de árboles de haya ubicado al frente del templo en el que discurre también un arroyuelo. Envueltas en una estética carente de ornamento, muchas de las obras de Tadao Ando basan su riqueza en la relación del edificio con la naturaleza. En ese sentido, la Iglesia sobre el agua, es una de sus más logradas realizaciones en las que utiliza a la naturaleza como elemento involucrado en el diseño. En ella, Ando logra crear un microcosmos en el que combina de manera simple pero magistral conceptos sobre lo profano y lo sacro, lo artificial y lo natural, lo cerrado y lo expuesto, el vacío y el infinito. El aspecto más notable es que Ando ha sustituido la pared frontal del templo, en la que generalmente se disponen imágenes divinas de determinado significado religioso, con una representación más viva y elocuente de la representación del Creador: la naturaleza misma. De esta forma se provee un escenario vivo, multicolor y siempre cambiante, que va desde las paletas sepias en otoño, los glaucos matices del invierno, las floridas manchas en primavera a los intensos verdes en verano.
La arquitectura de Ando se fundamenta en un claro orden geométrico. La composición de la iglesia sobre el agua se basa en la intersección de dos volúmenes (un prisma de base cuadrada de 15 m de lado y un cubo de 10 m de lado) que comparten una esquina en un area de 5 x 5 m. El conjunto se separa del hotel por dos brazos en L de 39m y 75m ubicados al este y sur respectivamente, permitiendo al usuario descubrir la iglesia al rodearla e ingresar por el extremo norte. El estanque al frente de la iglesia es un rectángulo de 45 x 90 m, dividido en cuatro plataformas de 15 m, establece un recinto virtual, una plaza acuática perfectamente visible pero con la que el usuario no puede establecer contacto físico y que comunica la iglesia con la naturaleza. Al mismo tiempo el espacio de la capilla se extiende al exterior, manteniendo un vínculo visual y simbólico con la cruz de metal localizada en medio del estanque. El hecho de trasladar a la cruz fuera del interior de la iglesia de hecho incrementa su impacto visual. Tras rodear la pared en L, el visitante asciende y desciende unas pequeñas escalinatas que rodean un espacio definido por cuatro cruces, las que definen un cubo virtual entendido como un espacio divino que se dispersa hacia los puntos cardinales. El espacio interior a las cruces es una pequeña placita de techo de vidrio, en la que se hallan dispuestas unas bancas en su perímetro.
Capilla Sobre El Agua
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La iglesia de Luz, Ibaraki - Osaka Japon (1989), diseñada por el arquitecto japonés Tadao Ando, es un edificio donde se conjuga la energia de un espacio simbolico con la luz, fundiendolos en uno solo. Este edificio es el reemplazo a una estructura de madera preexistente. Con un presupuesto minimo, el diseño se ciño a un elemento simple carente de adornos, solo lo basico, suelo, pared, techo y aberturas para la luz y es al magnifico tratamiento de la luz que debe su encanto y su nombre. Ubicado en una escondida esquina en un tranquilo suburbio residencial en Ibaraki, Osaka, este pequeño conjunto comprende dos modestos edificios, dispuestos en ángulo, orientándose de acuerdo a la trama vial de la urbanización. El conjunto está compuesto por dos volúmenes (la iglesia y una capilla secundaria) dispuestos en ángulo, coherentes con la trama urbana del entorno. El arribo al conjunto es indirecto, ya que obliga a ingresar por una calle lateral a través de la cual se accede a una pequeña plaza desde donde se distribuyen los accesos a los dos edificios. Ambos consisten en bloques rectangulares de hormigón. El principal, La iglesia de la Luz, es en una caja de 6 x 6 x 18 atravesada por un muro en un ángulo de 15°, que dinamiza el espacio puesto que, al estar separado de la cobertura permite que la luz se filtre al interior creando la impresión de un techo flotante. Esta pared diagonal contiene la puerta de acceso acristalada, que se desliza horizontalmente
En el interior puede observarse la textura áspera del suelo y los bancos. Todo en el diseño es despojado y desnudo para resaltar un muro de fondo con una abertura vertical y otra horizontal formando una cruz que inunda de luz el espacio. Dichas aberturas fueron diseñadas para que ingrese no sólo la luz sino también el aire, pero posteriormente fueron cerradas debido a las inclemencias climáticas. El edificio, construído en concreto, ha abandonado todo ornamento para revestirse de la espiritualidad que confiere la luz, haciendo más intensa su calidad de sacro. Incluso las bancas (que fueron hechas con partes de los andamiajes utilizados para construcción de la iglesia y recubiertas de pintura negra), afirman su carácter austero y minim
La Iglesia De La Luz, En Ibaraki, Osaka 21
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Con este museo dedicado a la educación artística de los niños, la arquitectura de Ando alcanza una monumentalidad que se expresa aquí a una escala mayor que la de sus anteriores obras, donde el visitante es invitado a descubrir la arquitectura en relación con su entorno natural. Este es uno de los primeros proyectos de Tadao Ando donde le ofrecieron la posibilidad de edificar en unos terrenos realmente amplios y, a la vez, de sacar partido a un marco natural espectacular.
El Museo De Los Niños
El museo fue construido en las afueras de la ciudad de Himeji, en la prefectura de Hyogo, Japón. El edificio está situado sobre una colina cubierta con frondoso bosque y con vistas a un lago. Fue concebido como centro cultural educativo, dedicado a fomentar la creatividad y sensibilidad de los niños alentadas por la naturaleza que lo rodea. A través de las obras de estos niños es que su arquitectura adquiere contenido y continuidad en el tiempo. El conjunto está formado por un edificio principal, un espacio abierto intermedio y un taller, unidos mediante geometrías rectas. Está formado por tres volúmenes: dos bloques rectangulares escalonados y uno con planta en forma de abanico de cara al lago, junto a una caída de agua en forma de cascada que conecta visualmente el ambiente del edificio con el lago abajo. El agua y el entorno juegan un papel fundamental en esta obra.
El volumen principal del museo contiene biblioteca, dos teatros, uno interior y otro al aire libre, sala de exposiciones, restaurante y sala polivalente, dispuestos en dos volúmenes escalonados en paralelo. Un estanque separa los dos volúmenes por su lado más corto, formando dos cuadrados y dos rectángulos que se oponen entre sí diagonalmente. Estos cuatro elemento se conectan sólo mediante pasarelas elevadas. El teatro al aire libre está situado en la azotea con una espectacular vista hacia el lago.
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Esta escuela concreta voluminosa de arte, diseño y arquitectura fue terminada por el arquitecto japonés Tadao Ando en la Universidad de Monterrey en México y es uno de los más de 300 proyectos que están siendo exhibidos esta semana en el Festival Mundial de Arquitectura en Singapur estudios Vivienda “702″ y salas de enseñanza de más de 300 estudiantes, del Centro de Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño fue diseñado por Tadao Ando como un hormigón de seis pisos bloquear con un enorme vacío triangular en el centro. Este vacío expone la parte inferior del edificio, creando la apariencia de una estructura retorcida, y crea una gran entrada protegida para el personal, estudiantes y visitantes a continuación. aberturas adicionales en otros lugares alrededor del edificio proporcionan pasillos al aire libre y zonas de reuniones, así como un anfiteatro al aire libre. Las seis plantas del edificio cabida diferentes disciplinas creativas. Instalaciones digitales ocupan las dos primeras plantas, mientras que las artes visuales se encuentran en el segundo piso. Textiles y fotografía comparten el tercer piso, talleres modelismo se agrupan en el cuarto piso y el piso superior alberga el departamento de moda.
Roberto Garza Sada Centro de Arte, Arquitectura y Diseño (CRGS) es un edificio de 6 plantas con una altura de 5,4 metros entre cada nivel. Construido en un área de 20.700 metros cuadrados. El edificio cuenta con una modulación de soportes (columnas) dispuestas en una cuadrícula de 9 metros de lado, con 3 módulos en el lado corto y 11 en el largo. La estructura principal de soporte se basa en 4 cuadros en la dirección de largo, 9 metros espaciados uno de otro, y la descripción de los espacios libres de alrededor de 80 a 65 metros. Los principales cuadros se estabilizan a través de una estructura secundaria que le permite tener la rigidez necesaria para ser estructuralmente estable. El concepto estructural se basa en el principio de acción compuesta, es decir, los elementos de hormigón revestido de acero estructural y unida de manera que de recibir y transmitir esfuerzos conjuntamente (el hormigón no sólo arquitectónico sino estructural) Los acabados del edificio son:. »Pisos de granito o de pulido de hormigón, recubierto de epoxi » muros de concreto aparente, yeso , paneles de yeso o resina panel de »drywall techo o panel de resina prefabricada
Centro Roberto Garza Sada, Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño (Monterrey, México)
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El museo se encuentra en Fort Worth, Tejas, U.S.A. Fue abierto al público el 14 de Diciembre de 2002. Diseñado por el arquitecto japonés Tadao Ando. El museo está en el distrito cultural enfrente del Museo Kimbell diseñado por Louis I. Kahn y cerca de el Museo Amon Carter diseñado por Philip Johnson. El diseño de Tadao Ando esta envuelto de pureza, son 5 pabellones rodeados de agua y un sistema inteligente de iluminación tanto natural como artificial. En una superficie de 4,900m2, el diseño de Tadao encarna los elementos puros, sin adornos típicos de una obre de arte moderna. Se trata de cinco pabellones situados en un estanque de mas de 6.000m2 y con un sistema inteligente de iluminación, tanto natural como artificial.
Los pabellones, de 12 metros de altura, se construyeron con una estructura de hormigón y fachadas de vidrio enmarcadas en metal. El hormigón aporta la estabilidad estructural y climática del proyecto, mientras que el cristal permite una profunda relación con el ambiente. Los pabellones cuentan también con techos voladizos de hormigón que dan sombra al exterior de las edificaciones y acomodan la introducción de luz natural a las galerías a través de continuos tragaluces y triforios. Estos tejados están sujetos por columnas de hormigón con forma de Y, de 12 metros de altura.
Por la noche, con los muros de hormigón bañados en un resplandor de luz, las vidrieras y el acero de las galerías aparecen reflejadas en el estanque como grandes farolas. El museo alberga actualmente más de 2,600 obras, lo cual le pone a la cabeza en las colecciones de arte posterior a la Segunda Guerra Mundial de la zona central de Estados Unidos. La colección permanente contiene más de 3,000 piezas, incluyendo obras de Pablo Picasso, Anselm Kiefer, Robert Motherwell, Susan Rothenberg, Jackson Pollock, Gerhard Richter, Cindy Sherman, y Andy Warhol. El museo cuenta también con un restaurante, el Café Modern, realizado con los mismos materiales que las galerías, pero en este caso de forma circular. En él se utilizan exclusivamente ingredientes frescos y producidos de forma natural. Además, combinan los alimentos de temporada de productores artesanos locales con diversas tradiciones culinarias de todo el mundo. Por último, algo muy característico del museo es su tienda de regalos, que ha sido reconocida como una de las mejores en su tipo por la gran variedad de productos, como unas corbatas inspiradas en la arquitectura de edificio.
Museo de Arte Moderno de Fort Worth www.creaciones.blogspot.com
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RICHARD MEIR CREACI
ONES EMBLEMATICAS
Como parte del programa "50 iglesias para Roma 2000" durante la celebración del Jubileo 2000, la Iglesia Católica encargó al arquitecto norteamericano Richard Meier, la iglesia del Jubileo, también conocida como Iglesia de Dios Padre Misericordioso.
Previamente, se había convocado a un concurso en el que participaron arquitectos de fama internacional, como Tadao Ando, Frank Gehry, Peter Eisenmann, Santiago Calatrava, Gunter Behnisch y Richard Meier, resultando ganador éste último. Con esta obra, no sólo se logró incorporar un monumento más al rico patrimonio eclesial de la ciudad de Roma, si no que se revitalizó el anodino barrio de Tor Tre Teste, con más de 35.000 visitantes al año. La iglesia se sitúa en un terreno plano triangular en Tor Tre Teste (nombrado así por un bajorrelieve de tres cabezas cortadas en una torre de guardia medieval que data del siglo IV) aproximadamente a seis millas al este del centro de Roma. Se encuentra adyacente a un complejo habitacional de media densidad construido en 1970 al borde de un parque público. Los 108.414 pies cuadrados del complejo contienen a la Iglesia y el Centro Comunitario. Su obra se caracteriza por un uso racional de la geometría, la claridad de sus espacios, el soberbio manejo de la luz y el uso del color blanco, como símbolo de pureza ya que es un color que contiene a todos los demás.
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La propuesta de Meier para este concurso destacó por su forma distintiva y elegante, el uso de los materiales en relación a las tecnologías de construcción, la presencia de la luz como un elemento que determina el carcácter de la obra y la fuerte connotación del edificio como un lugar para el hombre, "no sólo como lugar cristiano, sino para toda la comunidad mundial". No obstante, el proyecto de Meier incluye claras referencias a la fe cristiana y católica en particular. El complejo se diferencia formalmente de los edificios de su entorno, convirtiéndose en un hito blanco cuya extensa plaza se prepara para recibir a su feligresía.NEl proyecto se compone de dos elementos: la iglesia en sí y el centro parroquial, que consta de oficinas, un auditorio y un salón de usos múltiples. Ambos edificios se hallan separados por un plano cóncavo y unidos por la mampara de cristal en la fachada del edificio. La capilla está compuesta por tres paredes curvas a manera de velas de un barco, ya que simboliza "el barco en el cual navega la gente de Dios". Tres círculos de igual radio constituyen 3 capas que conjuntamente con la pared opuesta constituyen el cuerpo de la nave. "El conjunto discretamente se refiere a la Trinidad" dice Meier. Tanto en la parte superior como en la fachada principal y la posterior, la iglesia presenta grandes superficies acristaladas, que le garantizan un generoso flujo de luz natural. Los arcos de hormigón están graduados a una altura entre 20 y 30 metros.
Iglesia Del Jubileo
El Museo de Artes Decorativas en Frankfurt, Alemania, fue el primer museo diseñado Richard Meier, quien resultó ganador de un concurso en el que participó Robert Venturi entre otros. Este detalle es significativo en el contexto en que se dio, ya que era 1979, una época en la que el posmodernismo historicista estaba en su apogeo y Venturi era uno de sus más notorios exponentes. La propuesta de Meier es valiosa pues resolvió el proyecto tomando en cuenta uno de los reclamos más airosos del posmodernismo, la integración al contexto histórico, pero lo hizo utilizando un lenguaje moderno, con trazos corbuserianos y sin caer en el facilismo de copiar lenguajes e iconos pretéritos. Pero tal vez lo más importante del museo sea su arquitectura urbana y rol en el ensamblaje de los volúmenes y espacios circundantes. Meier partió de la volumetría de esta casa para el desarrollo de su propuesta, analizando cuidadosamente la proporción de la misma y reduciéndola a una grilla cúbica. Así, se consideraba el tamaño de la villa y las dimensiones y ritmo de las ventanas de la misma en la nueva edificación. Luego, hizo tres copias de este cubo disponiéndolas simétricamente en el terreno y generando una grilla virtual ordenadora. Posteriormente, sobrepuso una grilla girada 3.5 °, cuya rotación obedece a la orientación del río, y que alberga principalmente las circulaciones, tanto exteriores como interiores. Todos los elementos de la composición encajan dentro de estas dos tramas superpuestas.
Este juego de relaciones permite integrar francamente al edificio con el parque circundante, gozando de una fluidez espacial que invita a los paseantes a acercarse al edificio. Una pérgola semicircular aparece como un tensor espacial que recibe al transeúnte y lo conduce hacia el museo. Del mismo modo la plazuela del museo tiene una pérgola similar que, albergando una banca, se comporta como una expansión del museo. A ésta integración entre el interior y exterior contribuye también la generosa superficie vidriada del museo. El ingreso principal, ubicado lateralmente a la circulación aproximación al edificio, es apenas un pequeño cilindro que asoma dentro de una mampara, pero la proporción de los volúmenes que definen el espacio de entrada, tanto al exterior como la múltiple altura al interior, le da un porte significativo. El museo comprende tres niveles, organizados en torno a un espacio central. En el primero, las funciones se distribuyen en torno a un patio. Aquí se encuentra el volumen curvo del foyer de acceso, en cuyo costado se adosan salas de exposición. En otra sección se ubica el Restaurante Emma Metzler. Al otro lado de la piazza se ubica una biblioteca y la administración, mientras que en la mansión decimonónica se ubican salas de estar.
Museo De Las Artes Decorativas
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Está localizado en el área de la Casa de la Caridad, un antiguo enclave monástico, donde el Museo de Arte Contemporáneo crea un diálogo entre el tejido urbano histórico del barrio y el arte contemporáneo dentro del mismo. La intrincada naturaleza del sitio existente se ve reflejada en la organización del edificio donde lo más notable se produce en el acceso principal, que es recorrido en forma paralela por una calle peatonal entre el jardín posterior del museo, y una nueva plaza creada delante del mismo,(Plaça dels Angels ). Este paseo se ensambla con la red peatonal que se desarrolla a través de la vieja ciudad. La suave curvatura de esta circulación acentúa el movimiento centrífugo del hall cilíndrico y describe una quinta fachada, conectando las geometrías del museo con un contexto urbano caracterizado por las intersecciones sesgadas y las bóvedas de iglesias antiguas. El nivel del acceso principal se eleva un metro por sobre la plaza y se alcanza ese nivel a través de una rampa que corre paralela a la fachada. Una vez atravesado este pórtico, los visitantes entran en el área cilíndrica de la recepción que sobrevuela el paseo, creando un círculo que va entrelazando las salas geométricas del museo con las manzanas rectilíneas de la ciudad.
Dentro del acceso, los visitantes ascienden por una rampa dentro de un gran hall de triple altura. Un extenso y vidriado desarrollo permite ver el conjunto de la Plaza, Este volumen transparente sirve para orientar al visitante, uniendo la fachada más pública del museo y los volúmenes más cerrados de las galerías. La pared de cristal de la rampa también ayuda a filtrar la luz natural que entra desde el sur. Las galerías principales son espacios grandes y abiertos que se han diseñado para permitir tanto exposiciones itinerantes como la presentación de grandes obras de arte. A medida que se accede a las galerías principales los visitantes deben atravesar una situación de extrema luminosidad o otra donde la luz penetra solo por ranuras laterales de toda la altura y baldosas de cristal. La iluminación cenital sobre las galerías principales permite ver el arte que se desarrolla por debajo mientras que describen el espacio como un patio interno. Los materiales tradicionalmente resonantes, tales como granito que pavimenta y estuco, cubren los postes indicadores públicos de la plaza, del jardín de la escultura y de la galería de la escultura, por mientras que suavemente los materiales reflexivos tales como suelo del cristal, madera y áreas superficiales de los paneles del aluminio caracterizadas el movimiento y luz. Con su perfil bajo y armonía del contexto, los modelos ligeros de este museo conceden totalmente un nuevo ritmo el movimiento y energía sobre la base medieval.
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Museo De Las Contemporáneo
El nuevo centro de investigación y desarrollo de Italcementi en Bérgamo, Italia, pretende reflejar la posición de la empresa en materia de liderazgo, el avance tecnológico y el compromiso con la investigación y la innovación en el uso del concreto. El edificio aspira a ser un referente de diseño sostenible en Europa y ha logrado la primera acreditación LEED Flatinum en Italia. El proyecto en forma de V refuerza los límites del terreno triangular e incorpora un programa de espacios técnicos y administrativos en dos alas que rodean un patio central. La organización interior del ala del laboratorio responde a los requisitos funcionales altamente específicos del programa. Una rejilla estructural simple y un pasillo central de circulación permiten diseños eficientes y flexibles para diversos sectores. El ala sur contiene a las salas de conferencias, un salón de usos múltiples de dos niveles y una sala de juntas cielo iluminado que en voladizo sobre el segundo nivel. Una alta resistencia, concreto armado y reducción de la contaminación innovaciones que fueron desarrolladas por Italcementi específicamente para el edificio. Este nuevo concreto se utiliza para el revestimiento exterior frente a la autopista, la pantalla norte, el sistema de montantes de muro cortina y el muro prefabricado y elementos de la losa en todo el edificio.
La losa de la estructura forma una quinta fachada virtual de perforación con un sistema de lucernarios que dirigen la luz a oficinas, pasillos de circulación y espacios de laboratorio que animan los interiores con la luz variable natural. El edificio i.lab, creado por el arquitecto Richard Meier, se alza como una referencia para el diseño sostenible en Europa –alineándose con los principios de sostenibilidad del Grupo– gracias a sus características de eficiencia energética y sus sistemas de ahorro, que le permiten disminuir hasta un 60% el consumo de energía en comparación con un edificio tradicional del mismo tamaño. Además, el edificio ha sido diseñado y construido para cumplir con las pautas de la certificación LEED, el sistema de calificación ambiental más riguroso a nivel mundial, obteniendo la categoría Platino, la máxima del sistema. La innovación y diseño de este edificio ha sido distinguido con diversos premios. En 2010, la Comisión Europea reconoció al i.lab con el Premio European Green Building Award en la categoría “Mejor Nuevo Edificio”, y, un año antes, el Chicago Athenaeum y Centro Europeo de Diseño y Estudios Urbanos otorgaron el Green Good Design Award al edificio.
Centro de Investigación y Desarrollo de Italcementi
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El folleto con el que se recibe a los visitantes dice en su primer párrafo: «El Getty Center es un lugar donde se puede apreciar y disfrutar del arte en un ambiente único caracterizado por una arquitectura asombrosa, tranquilos jardines y vistas excepcionales». Fue inaugurado en 1997; su construcción costó unos mil millones de dólares y le corresponde al arquitecto norteamericano Richard Meier el crédito por el diseño y ejecución de esta obra monumental; en primer lugar destaca el enclave en que fue construida, una ladera con vistas al centro de Los Ángeles y a la playa. Tiene dos estaciones de tranvía que trasladan a los visitantes del estacionamiento a la Arrival Square, desde donde se puede ir al Auditorio, a dos de los edificios donde se encuentran las oficinas relacionadas con las instituciones antes mencionadas, al restaurante y cafetería, al Instituto de Investigación y a la sala principal del museo, que en sí misma es un edificio de dos niveles donde se encuentran la librería, los servicios de información en general en diferentes idiomas y un local donde se puede acceder a los servicios de explicación detallada de una buena parte de las obras en exposición. El museo cuenta con cuatro pabellones denominados conforme a los cuatro puntos cardinales: Norte, Sur, Este y Oeste; cada uno cuenta con dos niveles donde se exhiben diferentes exposiciones; se encuentran interconectados entre sí por pasillos y pasarelas con grandes ventanales con vistas del entorno.
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Getty Center, Los Ángeles, California.
El Ayuntamiento de La Haya es un imponente edificio blanco con un gran atrio acristalado. Diseñado por el estadounidense Richard Meier, se acabó de construir a mediados de la década de 1990. A raíz de su color blanco, los habitantes de La Haya enseguida comenzaron a llamarlo el “Palacio de Hielo”. A lo largo del año se organizan en el atrio varios acontecimientos y exposiciones, la mayoría de ellos, gratuitos. El Ayuntamiento de La Haya aloja también una biblioteca pública y los archivos municipales. El Ayuntamiento de La Haya se caracteriza por unas líneas austeras, un tejado acristalado y el predominante color blanco. El atrio y la incidencia variable de la luz dan al edificio una sensación de espaciosidad. Para el arquitecto Meier, la transparencia, la claridad y la perfección eran los elementos clave del diseño, mientras que el color lo pondrían las personas. Aproximadamente 8.000 personas visitan el Ayuntamiento de La Haya cada día. Algunas acuden a hacer uso de los servicios municipales, pero el resto van a ver el atrio, la arquitectura, los acontecimientos y las exposiciones. El Ayuntamiento está rodeado por la sala de conciertos Dr Anton Philips, el teatro de danza Lucent Danstheater, la Iglesia Nueva, Spuiplein y la calle comercial Spuistraat. Cultura, historia, restaurantes, hoteles y tiendas, todo en los alrededores del Palacio de Hielo. Puedes visitar el Ayuntamiento todos los días salvo los domingos.
Nuevo Ayuntamiento (Stadhuis) De La Haya
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Entre muchas otras cosas, la Casa Neugebauer , que se completó en 1998, se erige como un excelente ejemplo de una habilidad arquitectos para diseñar creativamente dentro de los códigos y regulaciones de la ciudad, manteniendo la calidad y el estilo se encuentran en sus otros Buidings.
Como un destacado arquitecto del siglo XX que fusiona principios fundamentales de diseño de sus pares y compañeros de arquitectos con los suyos, Richard Meier es conocido por sus infinitas variaciones de un tema bastante específico de la forma-Neo corbuseriana blanco, en su mayoría con paneles esmaltados y vidrio. El énfasis en la luz, el color, el lugar, la geometría simple y la interacción entre todos estos últimos ayuda Richard Meier & Partners Architects para diseñar una arquitectura que sea clara, comprensible y fácilmente admirable. Situado en una urbanización de prestigio en un sitio frente al mar acre uno-y-uno-mitad, esta casa está orientada al suroeste sobre Doblón Bay. Uno se acerca al sitio en forma de cuña, que los fans hacia el agua, a partir de una avenida de la bobina alineó con los árboles de palma real. En patio delantero de la casa de una arboleda cuadrado de veinticinco palmeras sirve como hoja a un garaje cilíndrico independiente enfrentado en piedra caliza.
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Dado que la zona ajardinada de la explanada se refuerza, los peatones y los coches son libres de circular a través del césped en la voluntad. Más allá, ocultando el agua, se encuentra la fachada horizontal de la casa en sí, vestida en dos por tres losas de piedra caliza pie respaldados por una estructura de marco y la mampostería de concreto. Traspasado a intervalos regulares por las ventanas de ranura verticales, la fachada se esconde un amplio pasillo de acceso, la parte superior iluminado que recorre el largo de la casa. La organización lineal se compone de cinco capas paralelas de adelante hacia atrás: acceso, servicios, comedor, terraza de sol, y una piscina de entrenamiento. A la entrada principal que plantea penetra en la pared de piedra caliza de la fachada frontal de dar hacia el pasillo. Un módulo de cuatro metros y controla la bahía estructural y las dimensiones crecientes de todos los espacios celulares. Los volúmenes principales, incluyendo tanto el sueño y los espacios de vida, están dispuestos en una formación lineal, proporcionando cada habitación una impresionante vista sobre la piscina de entrenamiento de la bahía más allá. Las principales habitaciones y su baño auxiliar, vestidor. y (en una posición) instalaciones de cocina están cubiertos por un techo de mariposa del acero-marco voladizo fuera candeleros de pares en los centros de 15 pies.
Casa Neugebauer
El Museo High, diseñado por Richard Meier en 1984, es una de sus más aclamadas obras. No se trataba de un museo grande como el Centro Getty, pero a pesar de su tamaño Meier (quien también en 1984 recibiera el primo Pritzker ), consiguió un resultado magistral, componiendo sus impecables volúmenes blancos bajo el juego de luz orquestados en un riguroso pero no rígido sistema geométrico que los ordena. La Asociación de Arte de Atlanta fue fundada en 1905, pero en 1926 la familia High donó su casa familiar en la calle Peachtree para albergar una serie colecciones de arte. Posteriormente, el museo sería ampliado llevando el nombre de la familia. Exhibiendo las ideas desarrolladas por el “Grupo de los 5”, el edificio de 4 niveles se asienta en medio de una suave colina, frente a un campo de césped. En la fachada se expresa el típico lenguaje meieriano: volúmenes blancos cuyo juego se apoya en una modulación geométrica claramente dibujada en paneles cerámicos y cuya rigurosidad se alterna con elementos curvos casi lúdicos. La composición geométrica del museo se inicia en un partido en forma de cuadrado, uno de cuyos cuadrantes ha sido reemplazado por un cuarto de círculo. Posteriormente las esquinas serían trabajadas también como cuadrados, articuladas por galerías intermedias.
High Museum Of Art In Atlanta
De este cuadrante se desprende una forma semi-orgánica, un detalle irreverente en medio de la solemnidad geométrica del edificio, la que contiene la cafetería y una galería de arte chino. El ingreso fue definido por una rampa que, enmarcada por un pequeño pórtico, ataca el cuadrante de círculo a 45 grados, cuyo volumen se asoma entre las masas del auditorio y la cafetería Este juego de volúmenes constituye una de las fachadas más célebres de la arquitectura de Meier y tal vez de la arquitectura contemporánea. Precisamente el semicírculo contiene el aspecto más atractivo del edificio, un atrio luminoso por el que ascienden unas rampas que distribuyen la circulación a las galerías. Una iluminación que, por otro lado, dada la fuerte radiación solar en Atlanta, resulta a veces demasiado intensa y perturba la contemplación de obras de arte. El manejo espacial interior es trabajado también sobre la base de la trama geométrica, y un juego de planos superpuestos bajo un amplio influjo de luz. Tanto el concepto de la circulación en rampa como la propia cobertura de este espacio han sido francamente inspirados en el célebre Museo Guggenheim de Nueva York de Frank L. Wright.
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