‌es mole de olla anuario 2012
superficies
espacios artístico- culturales en la nuBe
NOTA DEL EDITOR: Superficies versa sobre contenidos en arquitectura, espacios, y artes plásticas. En esta especial edición, nos permitimos hacer también un recuento de las ediciones pasadas, las cuales nos permiten ver la evolución y desarrollo de l proyecto es mole de olla, tanto en su diseño como en su objetivos y recursos. Ve más en: www.gicweb.com.mx
super ficies
INDEX nueva época 2
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1ª. Edición
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2ª. Edición
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nueva época 1
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Es esta una propuesta de giocando IN Compañía [gIC]para todos aquellos interesados o no en las artes y la cultura en general... Es un espacio 'en la nuBe' en el cual se publicarán diversos contenidos separados en categorías artísticas y culturales (esta separación es totalmente arbitraria y sólo persigue fines de organización).
Este anuario pretende replantear la discusión respecto la memoria, permanencia y vigencia de las manifestaciones artísticas actuales, en repetidas ocasiones utilizadas como un objeto no reutilizable, desechable. ... es mole de olla difundirá paulatinamente, sus contenidos para que disfrutes de ellos día con día. En nuestras redes sociales notificaremos los nuevos contenidos alojados.
buen provecho y a darle que…. es mole de olla!
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Estudio para artistas
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Leyendo a Virginia Woolf estos días, he confirmado que tener un cuarto propio es fundamental para la creación, no sólo en el sentido de reivindicación feminista por su emancipación y liberación como lo enfoca Virginia, sino también por el hecho de desarrollar el proceso creativo y el ambiente para concretar la obra. Virginia dice que “la independencia intelectual depende de cosas materiales (…) por eso he insistido tanto en la necesidad de tener dinero y un cuarto propio” menciona la necesidad de “beber vino y tener un cuarto propio”. Dos días después de terminar de leer el ensayo que Virginia escribió en 1928, llega a mis manos un libro titulado “Diseño de estudios para artistas”. Al ver las fotografías imagino a Virginia escribiendo Un cuarto propio en alguno de estos estudios… otro argumento lo acompañaría. En Frogo, una pequeña isla canadiense al noreste de Terranova, con una población de menos de 3.000 habitantes, una organización que busca contribuir al desarrollo de la comunidad de la isla a través del arte y la cultura, encargaron a un estudio de arquitectura noruego el diseño de una serie de estudios para artistas en diferentes emplazamientos de la isla. Cuatro de ellos están construidos: el Long Studio, con una superficie de 120 metros cuadrados que, apoyado en pilotes, levanta la estructura del suelo ofreciendo espectaculares vistas del Atlántico; el Bridge Studio, de 30 metros cuadrados, sobre una colina empinada con vistas a un estanque; el Squish Studio, de 30 metros cuadrados y ubicado a las afueras de un pequeño pueblo; y, por último, el Tower Studio, de 50 metros cuadrados, situado en una zona rocosa. Virginia decía que “el espíritu es el más caprichoso de los insectos, palpitante, revoloteante”; así pues, al contemplar esta arquitectura emplazada en un paraje natural de contemplación me pregunto si en Frogo, el espíritu-insecto de los artistas vuela hacia otros infinitos. CK
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arquitectura
Bridge studio 10
…es mole de olla | superficies| arquitectura | número 5 | 2012
Squish Studio
Tower Studio
Qué piensas al respecto? http://www.gicweb.com.mx/escenaen-la-nube/es-mole-de-ollacontenidos/arquitectura/
Long Studio 11
Blake Carrington Erosion/Evaporation
espacio
”es una obra, encargada por la Radio del Museo Reina Sofía, que utiliza los planos arquitectónicos del museo como si se tratase de partituras musicales abiertas. Se realizó con un programa de sonificación hecho a medida que escanea los planos en tiempo real de diferentes maneras, traduciéndolos a todo tipo de sonidos, desde drones sombríos a polirritmos enérgicos.” (sinopsis Reina Sofía)
Este es un espacio sonoro que, además, está inspirado en un espacio arquitectónico, el Museo Reina Sofía en Madrid, España. Hoy día, la noción de espacio se tergiversa entre la lógica física y la digital. Los espacios no son más una materia que se puede tocar. Los espacios están en constante cambio y construcción, deconstrucción en la digitalización. Escucha este espacio en: http://www.gicweb.com.mx/ escena-en-la-nube/es-molede-olla-contenidos/espacioe-imagen/
Quizá la inmaterialidad del espacio sea considerada una aberración o una falta de lógica elemental, pero el arte sonoro tiene entre sus vastas posibilidades constituir parte fundamental de la creación de ambientes y espacios digitales. Escuchar y habitar este espacio. 12
giocando IN Compañía T: @gicstwit F: giocandoINCompania
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1陋. edici贸n
Cuando miro maquetas de edificios en exposiciones o en la escuela de arquitectura, cuando observo los belenes o nacimientos de navidad, esos pequeños pueblos en miniatura, imagino la vida que se desarrollaría en ellos. Resulta curioso mirar por ejemplo un barrio representado en una maqueta y tener la vista de pájaro privilegiada desde las alturas. La mirada sobre estas representaciones urbanísticas se convierte en una visión de conjunto y a la vez de detalle. Pues bien, algo parecido a estas ideas han llevado a Efim Graboy y Daria Turetski, creativos israelíes a realizar un delicioso video para conocer la ciudad de Kiev en Ucrania. ¿Es una maqueta enloquecidamente detallada? ¿Una animación increíblemente realista? ¿Un truco? Un recorrido primaveral por una ciudad que parece una miniatura arquitectónica... Es mejor que veas el vídeo en el siguiente enlace. http://vimeo.com/38388574 es increíble.
En realidad se trata de miles de fotos fijas una tras otra. Un total de 4.500 fotos seleccionadas de entre 25.000 imágenes tomadas con una Canon 550D a lo largo de 5 días y dos noches. Es el trabajo de muchos meses de postproducción de sus creadores. Según el blog de arquitectura edgargonzalez.com el efecto "miniatura" se consigue con la doble técnica de time lapse y tilt shift (objetivo descentrable, muy usado en fotografía arquitectónica): "Esto ocurre porque como cuando miramos una maqueta de arquitectura enfocamos a una distancia corta y difuminamos lo que queda fuera de la zona de atención. Con este tipo de grabación, al apreciar el mismo efecto, el ojo piensa que estamos viendo una maqueta a escala". Miremos el Pequeño Gran Berlín: http://vimeo.com/14014317 Y ahora la diminuta ciudad de la samba, rodada durante el Carnaval de 2011:http://vimeo.com/37157187 Si te has quedado con ganas de ver más minimundo, aquí va una selección de 10 tilt shifts alucinantes: http://www.photoble.com/photoinspiration/astonishing-tilt-shift-videos
De tiempo, fot贸grafos y arquitectura.
Algunos atesoramos recuerdos de infancia sobre arquitecturas abandonadas, arquitecturas que nos causaban miedo debido a las historias o las pelis que nos mostraban estos sitios como el lugar perfecto para la morada de fantasmas o monstruos, a otros nos causaban curiosidad y ganas de jugar en ellos, de alguna u otra forma nos causaban fascinaci贸n.
Recordamos alguna fábrica, un edificio de vivienda medio destruido, que siempre mirábamos sin atrevernos a entrar, otros con más suerte y valentía han jugado entre la espesura de los muros de una iglesia antigua, de alguna estación de tren, de una casona enorme entre el bosque (recuerdo que me fue compartido en mi niñez y me impresionó tanto que lo he hecho mío), y otros que tuvimos menos suerte recordamos haber jugado entre ladrillos, varillas de acero sin su respectivo recubrimiento de hormigón y un poco de arena o grava en medio de un solar habitado por la hierba abundante y de gran altura como selva desde la mirada de un niño.
El fotógrafo español Daniel Romero, autor de la fotografía que da inicio a este texto, atesora un recuerdo de su infancia en Cataluña, al noreste de España: el de una fantasmagórica fábrica de neumáticos a donde iba a jugar al salir de clase. Desde entonces, como quien marcha a cazar tiempos perdidos, comparte la búsqueda de sitios despoblados con su pasión por la fotografía. Cuenta que el primer lugar en el que entró con una cámara fue la Ciudad de los Muchachos de Collserola, también Cataluña, un antiguo orfanato del Auxilio Social franquista en ruinas desde 1977. Pronto le cogió gusto y fue ampliando su radio de acción. Acompañado por otros apasionados del tema, empezó a recorrer Europa por carretera buscando edificios abandonados. “Lo que para mucha gente es basura o decadencia, para mí es un paisaje hermoso en el que hacer una buena foto. En esta especialidad convivimos desde profesionales que quieren un decorado original para hacer fotografía de moda, hasta los que optan por trabajos más documentales o artísticos”.
Pero deshabitado no quiere decir necesariamente desierto: “A veces nos hemos tropezado con gente haciendo psicofonías, con jóvenes de fiesta, con coleccionistas de antigüedades, con exploradores urbanos, con vagabundos y con okupas (parakaidistas), con grafiteros o con gente que busca tuberías de cobre. Aprendes a reconocer los signos de los que entran para instalarse: vidrios rotos, piedras bajo las ventanas. Ahí vas con más precaución. Una vez dentro, suele oler a humedad y madera podrida; es un olor característico que se te mete en la piel”. Otros fotógrafos como Alberto Cabero, Ian Ference, Andrew Moore, M.J Grist, entre otros, se han dejado seducir por estos espacios captando imágenes de su interior, del exterior, de día, de noche, a color o en blanco y negro, pero siempre evidenciando el estado de ruina de estos sitios como ícono de la imagen.
Europa es el escenario de la mayoría de estas fotos. Bélgica, por ejemplo, es el paraíso del abandono: palacios, escuelas, hospitales, teatros. Curiosamente, en Italia hay muchas iglesias vacías, y en Portugal, muchos hoteles. Ahora, con la crisis, se prevé un gran aumento de empresas y fábricas abandonadas por doquier. Así pues, las arquitecturas abandonadas evidencian no sólo el paso del tiempo, también las circunstancias de la transformación de las ciudades, las usanzas de otros tiempos; se han convertido en el espacio de creación de personas que ahora las ocupan por un instante. Cada quien mira en estas arquitecturas lo que quiere ver de ellas.
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Aún recuerdo el impacto que generó en mi vida esa frase. Fue a mediados de los 90, cuando tenía cerca de 10 u 11 años, adolescente. La vi en un video musical pero, con honestidad, no recuerdo de quién era. El recuerdo visual es el de una silueta humana pintada con aerosol sobre una pared grisácea con el mensaje escrito en su imaginario tórax. Como si fuera un ente parco, pero con voz y vida.
Comprendo ahora, que aquel mensaje enmarcado en la silueta, que demandaba atención y generaba conciencia. Era una proyección de los deseos del autor ante la falta de espacios de expresión artística o el resultado de una acción transgresora de la legalidad pero con fines de expresión en un sentido más concreto.
Hoy, con un poco de curiosidad, me entero que aquello que el autor pintó en la pared tiene como sobrenombre “The Phantom” y que la frase ha trascendido de la pared a los hechos, convirtiéndose en una ONG que ayuda a las personas sin hogar a través del arte. Del arte callejero. Y es esa expresión que en aquel entonces quizá no pretendía ser artística lo que hace escribir esto. Aquella silueta que mandaba un mensaje claro y conciso en un método, que muchos criticarán como inválido. Pero, la sociedad cambia y con ello cambia también su expresión artística. Hoy en día es común ver efímeras obras de arte en un lienzo improvisado o permanente, apto o adaptado, en lugares inimaginables. El street art quizá este contextualizado por la ilegalidad, pero no deja de tener una gran proyección y técnicas que son dignas de admiración.
El street art aparece a mediados de los 90’s, principalmente en ciudades europeas como Londres, París y Barcelona. Aparece como motivo para llevar a un terreno de mayor realización y apreciación artística de las obras que solían plasmar en las calles de las ciudades. Artistas como Banksy, Space Invaders, Shepard Fairey, Blek Le Rat, son algunos de los artistas más reconocidos por sus trabajos en cada una de sus ciudades natales.
Pero, finalmente este texto no será la verdad absoluta sobre el street art y su historia, orígenes, tintes políticos, sociales y demás. Por el contrario, pretende ser un detonador del interés del lector por si desea llegar al fondo de esta forma contemporánea de expresión artística. Los hechos ya están descritos, solo falta seguirlos, si es que desean.
Sitios Street Art en el mundo http://unurth.com/ http://streetartview.com/ http://www.streetartutopia.com/ 106 mejores fotos de Street Art-2011 http://www.streetartutopia.com/?p=5 982 Space Invaders Home Page http://www.space-invaders.com/ Banksy web http://www.banksy.co.uk/ Blek le rat web http://bleklerat.free.fr/ PelĂcula sobre Banksy Exit through the gift shop http://www.youtube.com/watch?v=Ui GHcJ7bfnA
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2陋. edici贸n
Todo empezó con una visita a la bienal de Clermont-Ferand, Francia, la gran cita de los cuadernos de viaje... El cuadernos de viajes en Francia es un género muy apreciado. Resulta impresionante que exista una bienal dedicada al tema y que haya alcanzado su undécima edición. La Biennale du Carnet de voyage, celebrada en Clermont-Ferrand, (http://www.rendezvous-carnetdevoyage.com), durante el mes de noviembre, es una ocasión impagable para ver de cerca lo que dibujantes de todo el mundo guardan en sus libretas cuando viajan, con toda la variedad de estilos y temas posibles: desde apuntes sueltos y espontáneos, hasta acuarelas reposadas retratando modelos de todos los colores imaginables, de países lejanos o cercanos, en ciudades pobladas o paisajes deshabitados. En otros países de Europa, la edición a gran escala de estos cuadernos comienza a ser más frecuente, y para los viajeros representan una alternativa para caminar de la mano de estos hermosos dibujos a través de lo cotidiano de cada ciudad.
Ya desde el siglo XIX existĂa la costumbre de viajar-dibujando. Entre mis cuadernos de viajes antiguos favoritos estĂĄ la obra de Turner en Venecia...
Y la de Delacroix en Marruecos (ambos del siglo XIX).
Algunos diarios de viaje contemporáneos como Tres años de viaje, de los franceses Claire y Renaud Marca, donde narran su aventura alrededor del mundo, han alcanzado la categoría de guías turísticas, por su información detallada y registro de lo esencial para un turista. http://www.reno-marca.com
Lo más difícil de hacer un cuaderno de viaje ilustrado es que te aguanten tus compañeros de viaje, ya que cada dibujo te puede llevar entre treinta minutos y dos horas. Por ello conviene viajar solo cuando se quiere dibujar.
Imaginaba que estos viajeros que encuentro dibujando en las plazas de diversas ciudades, lo hacían para tener un recuerdo y como mucho enseñárselo a los amigos, pero al visitar la feria de Clermont-Ferand, te das cuenta que hay gente que vive de ello. Ahora hay guías turísticas “acuareladas” de Australia…
De China…
De otras partes del mundo…
Una pregunta que me surge al ver sus cuadernos es ¿cómo trabajan estos viajeros dibujantes? "Lo primero es buscar un sitio tranquilo y a la sombra, sin mucho barullo de gente y a ser posible un lugar donde sentarse", dice un ilustrador gaditano. “Como no siempre es posible, a veces toca bocetar de pie, hacer pruebas de color y rellenar de vuelta en el hotel”. Lleva dos cuadernos, uno para anotar y otro para las acuarelas, y va comprando botellitas de agua. Le gusta incluir pequeños collages en sus acuarelas pegando tickets de transportes, entradas de museo, coloristas cajetillas de tabaco o flores que aportan textura y cotidianeidad.
"Cuando dibujas te fijas en más detalles", dice. También sirve para conocer gente. "En París nadie te mira, pero en Mali a los dos minutos de sentarte tienes un corro de niños alrededor". En un viaje en tren por la China rural (ocho horas, de pie y sin aire acondicionado) sus acuarelas le consiguieron un asiento en un vagón, eso sí, pasó toda la noche haciendo retratos a los otros viajeros. En lugares así, “los dibujos también sirven para comunicarte por pictogramas", dice el ilustrador, que ha jugado al Pictionary en más de una recepción de hotel asiático. No hace falta irse lejos para empezar un cuaderno de viajes. Se puede empezar en la propia ciudad, sentándonos en un banco del parque, en una plaza o mirando desde la ventana. En algunas ciudades se organizan paseos de bocetos (sketch crawl), una iniciativa internacional que consiste en reunirse con más personas para dibujar. En España, el blog urban sketches hace eco de estas citas y propone sus propios retos. En México podríamos quedar para pintar las concentraciones en el zócalo, quizá…
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(No quiero crecer) Corta edad, cara tierna, sonrisa juguetona, mirada retadora, colores pastel, y un par de huesos simbolizando la muerte describen una de las obras de Yoshitomo Nara, creando una comparaci贸n entre la simplicidad infantil y lo perversa que puede ser una vida madura.
Los trabajos de Nara se caracterizan por contener mayormente niñas o mascotas con armas, luciendo atavíos que nos hacen pensar en el estereotipo de un menor completamente tierno. Pero, al contrario de esto, las miradas de cada uno de los individuos plasmados en su obra pueden parecer malvadas o controladoras. Las creaciones del Nara juegan a mostrar una apariencia sagaz y a la vez destructiva y, en muchas de las ocasiones, colmadas de un contexto político y social meramente crítico. La presencia de elementos materiales -como cuchillos, pistolas, segadoras, etc.- en conjunción con los actores principales de la obra, distan de ser congruentes con la idea estética principal. El propio Nara se refiere a su obra como la comparación entre elementos estéticos que cuentan con un significado de poder, pero al plasmado en su obra, pierden todo valor, minimizándolo gráficamente. El trabajo de Nara puede ser sencillo, pero generador de curiosidad sobre su obra. Esta es una atenta invitación a buscar más sobre su obra y una breve reseña de Nara. Yoshitomo Nara nació en 1959 en Hirosaki, Japón. Actualmente reside en Tokio. Su obra ha sido expuesta en diferentes partes del mundo, como Colonia, Los Ángeles, Nueva York, Londres, Seúl, Dusseldorf, San Francisco, etc. Ha editado 2 libros recopilatorios de su trabajo y actualmente es considerado un artista pop de culto.
Si estás interesado en anunciarte en …es mole de olla; escríbenos a gicsmail@gicweb.com.mx
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MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo
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MAXXI, italiano de nacimiento, es un museo, archivo, biblioteca y espacio físico que da la bienvenida, compromete y une a la gente de todas las edades a la arquitectura y el arte contemporáneo: teatro, danza, música, moda, gráfico, el cine publicitario, etc.
MAXXI fue diseñado por el arquitecto angloiraquí Zaha Hadid, elegido entre 273 candidatos de todo el mundo. La propuesta de Zaha Hadid convenció al jurado por su capacidad de integrarse en el tejido urbano y la solución arquitectónica innovadora para interpretar el potencial de la nueva institución y dotarla de una extraordinaria secuencia de espacios públicos. La complejidad de los volúmenes, muros curvos y la secuencia de galerías iluminadas por la luz natural son un complot espacial y funcional, donde los visitantes pueden seguir los senderos a través de diversos e inesperados ambientes. MAXXI explora los límites y las intersecciones de la arquitectura, con eventos que están destinados a mostrar los nuevos lenguajes, la multiplicidad de temas, las tendencias en la investigación actual en los planos nacional e internacional, mediante propuestas artísticas contemporáneas. MAXXI Arte ha construido con el tiempo su colección a través de compras, premios, regalos y préstamos gratuitos, con el objetivo de ampliar su Patrimonio para ofrecer a su audiencia una visión más completa e informada sobre el arte contemporáneo nacional e internacional.
http://www.fondazionemaxxi.it/
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La casa del árbol o, ¿el árbol como casa? arquitectura ¿Quién no soñó cuando niñ@ tener una casa en el árbol, donde jugar, divertirnos, escondernos, dormir en ella, tener un refugio ?...
Pero vale pensar no sólo en la típica casita de madera que utiliza al árbol como columna de soporte, también podemos reflexionar sobre lo que sería vivir en un árbol sin casita, es decir, hacer del árbol nuestra casa…
El árbol se adapta plásticamente a las condiciones del entorno en el que crece; tiene muchas ramas, y es, en sí mismo, un contexto de actividades desarrolladas a escalas más pequeñas pero no menos variadas. Sin embargo, el aspecto más intrigante de los árboles es que son estructuras cuyas partes conservan sus rasgos específicos, pero que, a la vez, establecen fuertes lazos entre sí, aunque no estén envueltas por ninguna membrana común. Esta condición se advierte cuando, por ejemplo, dos personas sentadas en ramas diferentes de un árbol se ponen a conversar: cada una ocupa un lugar con sus propias características, pero se comunican a través de una estructura compartida por ambas.
Así pues, Sou Fujimoto, arquitecto japonés, pensó que vivir en una casa de la densa trama que forman los barrios residenciales de Tokio, puede parecerse a vivir en un árbol. Llegar a una experiencia semejante ha sido el propósito de su proyecto. Concebida como un árbol, la casa que ha diseñado este arquitecto, se estratifica en muchas y pequeñas plataformas ligadas entre sí mediante un único espacio fluido, que dota de continuidad al conjunto. Este modo de organización hace posible que el interior pueda experimentarse de dos maneras: bien como un único y extenso recinto, bien como un conjunto de habitaciones diferentes que pueden agruparse con discrecionalidad para dar una respuesta adecuada a los distintos programas. A ello contribuye la disposición del mobiliario —que puede utilizarse para acotar recintos y garantizar su privacidad—, y de los tramos interiores de escaleras —que pueden usarse como pequeñas gradas que vinculan unos espacios con otros—. 44
Pese a su afinidad biológica, la casa no se parece a un árbol. Por el contrario, su enfático color blanco y su rectilínea estructura de acero ponen en evidencia su condición de objeto artificial posado en la ciudad; aunque su organización, sus escalas diversas y el modo de relación corporal que propician sus espacios interiores puedan aludir, en cierto sentido, a las ricas experiencias sensoriales que nuestros antepasados remotos tuvieron cuando habitaban allá arriba, en los frondosos árboles.
Para gustos, especies de árboles… de las cuales hay centenas en el mundo. También existen diversos diseños de casas de árbol, y de casas como árbol, desde la imagen más tradicional de la diminuta casita de madera, hasta la casa de Fujimoto. Pero entre los dos extremos hay otras casas que permiten la vida permanente en ellas interactuando de distintas formas con el elemento vegetal. 45
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…es mole de olla | superficies| arquitectura | número 4 | 2012
Los bosques siempre verdes no son los únicos ambientes donde existen estas estructuras, también las hay en los olivares del sur de Europa y en la sabana africana.
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plástica dónde quedó su lengua? “Tienes que pensar a través de tu cuerpo. Es el
mediador; es nuestro regalo, ya sea gordo, flaco, moreno, rubio, negro, blanco, fuerte o débil. No importa, ¡mi mente es mi cuerpo!” Ernesto Neto Ernesto Neto llega a tierras mexicanas y trae consigo su LENGUA… este artista brasileño reconocido por sus instalaciones plásticas, que ponen en juego las destrezas sensoriales del espectador generando en él interés y motivación; para experimentar en ese ambiente creativo y dinámico ofreciendo al visitante la oportunidad de formar parte de esta muestra lúdica y cotidiana de la vida. A través de 125 piezas, expuestas en total comunión. Una de la otra, en estructuras, instalaciones, dibujos y fotografías, nos invita a realizar un divertido y ameno viaje, en el que nuestro cuerpo es el medio para poder vivir una gran aventura. En este sentido, los invito que se den la oportunidad de experimentar cosas diversas y distintas de los contextos monótonos y presentes de cada una de sus realidades. Ya que siempre “El que busca, encuentra”
Más info. http://www.sanildefonso.org.mx/ 48
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