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Editorial......................................... 4 Soundtrack....................................70 Trivia............................................ 72
Índice Reportaje “Melies, el ilusionista del cine”
Pág. 37
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20 películas imprescindibles del cine de culto Pág. 6
Reportaje Cine de Culto Mexicano
Pág. 68
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DIRECTORIO
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Editorial
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Aniquila al mal olor con
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IronSoul
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Sabes, ¿qué es una película de culto? Una película de culto se caracteriza principalmente por su comunidad de seguidores activa y animada. Altamente comprometido y rebelde en su apreciación, el público del cine de culto son a menudo están en contradicción con las convenciones culturales . Prefieren temas extraños y temas alegóricos que rozan la sensibilidad cultural y se resisten a la política dominante. Las películas de culto transgreden las nociones comunes de buen y mal gusto, y que desafían las convenciones del género y la narración coherente. A menudo, las películas de culto tienen historias de producción problemáticos, coloreados por accidentes, fracasos, leyendas y misterios que envuelven a sus estrellas y directores. A pesar de la accesibilidad a menudo limitada, la película tiene una larga vigencia en la memoria de la sociedad aunque una pobre recaudación al momento de su estreno. Una película de culto se define a través de una variedad de combinaciones que incluyen cuatro elementos principales: • Anatomía: la película en sí - sus características: contenido, estilo, formato y modos genéricos. • Consumo: las formas en que se recibe - las reacciones de la audiencia, las celebraciones del ventilador, y recepciones críticos. • Economía Política: las condiciones financieras y físicas de la presencia de la película - sus titularidades, intenciones, promociones, canales de presentación, y los espacios y tiempos de su exposición. • Estado de la Cultura: la manera en que una película de culto se ajusta a un tiempo o región - la forma en que comenta sobre su entorno, mediante el cumplimiento, la explotación, la crítica, o infractor.
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1922 Título original: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens Año: 1922 País: Alemania Director: F. W. Murnau; Friedrich Wilhelm Plumpe. Género: Terror, sobrenatural.
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utter, un empleado de una compañía inmobiliaria, toma el trabajo de vender una propiedad a un Conde temido por todos: Orlok. Cuando él le muestra actitudes extrañas, Hutter sospecha, después de encontrar un libro de vampiros, que el conde es un vampiro y ha desatado una plaga.
Análisis
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os vampiros siempre han sido criaturas fascinantes de mitos y leyendas en prosa y en habla. Criaturas de la noche, trascendentales e inmortales si su debilidad no es delatada; esto nos lo narran los libros época tras época desde la antigüedad y por ello la gran importancia de éste filme es la introducción del vampirismo y seres sobrenaturales a la pantalla grande y de ahí a la pantalla chica y otros medios. El impacto de estos seres mitológicos brindó a lo sobrenatural la facilidad del séptimo arte y volverse una innovación al paso del tiempo, el establecer un modelo para estos seres y la formación de los estereotipos según la época y trama manejada, imponer terror, tragedia, e inclusive, amor. Sin duda Nosferatu ha sido un logro en el terreno sobrenatural al imponer, de una forma sorpresiva, el miedo, curiosidad y tabú, provocados por aquellas criaturas místicas que hasta nuestros días, se mantienen en
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apogeo. Sin embargo, éste filme tuvo sus limitantes cuando fue producida y estrenada; al momento de hacerla, Murnau quería plasmar la famosa novela de Drácula, pero se le negó la oportunidad y dado el avance del guion, cambio muy pocas cosas como el nombre de los personajes y algunas situaciones. Cuando salió, la semejanza con la novela provocó la destrucción masiva de la cinta, dejando muy pocas regadas por el mundo y, debido a su desgaste, se crearon varias versiones del filme. Sobre su contenido, la banda sonora es fundamental al no haber diálogo alguno. La película ha cambiado de banda sonora de acuerdo a su remasterización y versión. Pero la banda sonora original se llama A Symphony of horror de Hans Erdman y como nos imaginamos, trata de expresar lo más que puede el terror, la angustia y el suspenso al el espectador. Fue una de las primeras películas mudas, por tal motivo, su desgaste provocó daños en la calidad por haber copias de copias de copias (vaya problema) y ahora en varios países ahora se considera de dominio público. Murnau, por su parte, fue una persona sumamente culta en el ámbito de arte y expresión, plasmado notoriamente en ésta obra, una de sus más importantes; para él, Nosferatu representaba la Alemania humillada tras su derrota en la Primera
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Guerra mundial, justificando su aspecto poco agraciado y su poder de llamar las plagas y la muerte. Hoy en día podemos ver el efecto de dicho filme, en el tiempo en el cual se estrenó, impuso miedo de acuerdo a los miedos perseverantes de la humanidad: fealdad, plagas, seres míticos y muerte, un componente clave para el desarrollo del género de terror en lo sobrenatural ya sea en películas románticas vampíricas como Crepúsculo o aterradoras como Drácula 2000; las series televisivas no se quedan atrás con
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breves o consecutivas apariciones como en Conde Vrolok. La ropa, el maquillaje, la estética y los géneros musicales también han sido blanco de esta oscura aceptación, creando una amplia gama de estilos y diseños.
película, surgieron con la facilidad del séptimo arte, el establecer un modelo para estos seres y la formación de los estereotipos según la época y trama manejada. Imponer terror, tragedia, e inclusive, amor.
¿Por qué es de culto?
Sin duda Nosferatu ha sido un logro en el terreno sobrenatural al imponer, de una forma sorpresiva, el miedo, curiosidad y tabú, provocados por aquellas criaturas místicas que hasta nuestros días, se mantienen en apogeo.
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l impacto de estos seres mitológicos ha desarrollado una fascinación por lo sobrenatural desde hace mucho tiempo, plasmados en lienzos, leyendas y mente de las personas que, a partir de esta
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1960
Título original: Psycho Año: 1960 País: Estados Unidos Director: Alfred Hitchcock Género: Terror, Intriga, Película de culto. Asesinos en serie
Sinopsis
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na joven secretaria, tras cometer un robo en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño motel de carretera regentado por un tímido joven llamado Norman. Todo parece normal y tranquilo, tanto en el apartado motel como en la casa de al lado, en la que viven Norman y su madre, pero las cosas no son lo que parecen.
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quemados cerebros de algunos cineastas que se han aferrado a la simple y vana reproducción de ideas. Los thrillers psicológicos han quedado en la bruma del ayer, los asesinos ya no tienen motivos para matar, sólo se enmascaran toman un cuchillo o navaja y comienzan a descuartizar todo cuanto se les atraviese, dónde quedo aquella época en el cine de terror, donde los argumentos valían gritos de sorpresa y rasguños de presión, en donde no tenían que recurrir a efectos sonoros estruendosos para arrancar temor al más valiente.
sicosis, una película que suma un número ilimitado de reseñas, críticas y análisis, la verdad, bien merecida tiene tanta mención, pues en cuanto alguien comienza a hablar de cine, es imposible no evocar esta inolvidable cinta de Hitchcock, ya sea por las fallas que puedan encontrársele o la brillantez de la trama y el argumento que le avala. En estos tiempos los jóvenes están acostumbrados a películas simplistas, parodias de realidades que ya no existen, la meca del cine holliwodense ha alcanzado Quién diría que las películas de miedo hoy las historias más recónditas y las proyecta una y otra producen nostalgia, así es, nostalgia de buen cine, de vez, sólo variándole al reparto y a uno que otro detalle. buenas tramas, de qué sirve que haya tanta tecnología si ya no hay argumentos que nos dejen sin dormir, que nos Cada que se va a estrenar una película de inquieten al grado de temblar aunque no haya frio, de miedo, ya se puede predecir sobre que tratara, tornarnos paranoicos cada que alguien toca a la puerta. ¿adivinamos o el patrón de las historias se ha vuelto Se acabaron los eternos imaginarios de terror, pero nos monótono y repetitivo?, nos anticipamos a lo anclamos al placer del recuerdo, en el que se ha varado proyectado o simplemente sabemos que estamos el tiempo y junto a él, yacen para su posterioridad, en la era de los marcados, exorcizados, de las las obras que grandes cineastas han dejado de legado. muñecas parlantes con entes dentro de ellas, qué Traspasemos el presente a la inversa y vayamos directo diría Alfred, si viera todo lo que acontece en los ya a 1960, un año atiborrado de complejos infortunios para la humanidad pero también de incipientes logros para diversos ámbitos de la sociedad. Para el cine, se proclamaba maestro del género de suspenso, él reservado y poco entusiasta Alfred Hitchcock, su obra maestra hacía retumbar en las paredes de los cines, los gritos de aquellos incautos que caían en su maravillosa y sutil manera de jugar con las mentes a través de la psicología y el miedo. Norman Bates trastocaba a los más cuerdos, las increíbles actuaciones y los bien logrados efectos de musicalización, hacían de esta cinta algo fuera de lo común, inmediatamente el éxito fue rotundo, la prueba de este fenómeno la vemos hoy al considerar psicosis como un clásico. El misterio e intriga que rodean a la película y a su director, hacen de ella una pieza clave para el cine, además de ser la antecesora de múltiples cambios
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en la simbología del lenguaje cinematográfico fue criticada, amada, elogiada y odiada por múltiples críticos, dado que la historia era algo totalmente diferente a lo que se acostumbraba a ver, Hitchcock jugo con las secuencias, los planos y metió ritmo a cada escena según los movimientos de la cámara.
todas las características de una película de culto, ya que en un principio la historia fue rechazada debido a que se trataba de una historia poco comercial basada en un libro. Empecinado en materializarla, Alfred, la produjo ignorando el bajo presupuesto del que disponía, se valió de todas sus armas estratégicas en marketing para que el éxito de su obra fuera arrollador, se encargó de comprar todas las ediciones del libro sobre el cual trataba la cinta, advirtió a su equipo de producción y a sus actores que en caso de revelar cualquier nimiedad de la historia, él mismo los despediría.
Su pasión a hacer cine era evidente, Alfred no sólo proyectaba en la pantalla una historia, él recreaba las emociones humanas en un complejo entramado de símbolos, en una ocasión llego a declarar que su fascinación radicaba en lo que no se podía ver de sus películas es decir la carga detrás de las imágenes. La estética también es protagonista de su éxito como director y del éxito de “Psicosis”, al ver con cuidado cada detalle impreso en las escenas, podemos observar que el manejo de lo visual era de suma importancia para comprender la carga psicológica de la cinta. Es por ello y por todo lo que provoco en la gente que esta película está entre las más importantes del cine y considerada de culto.
Como aderezo se puede decir que cumple con
El misterio provocado por el director alrededor de la película, y su impoluto trabajo en el trato de la historia y de su publicidad, fueron el fuego que hizo que la bomba estallará. No podemos menos, que reconocer a esta extraordinaria película, ícono del cine y del género de suspenso y es que ¿Quién no se ha cautivado ya sea por miedo o por admiración de la escena en la bañera? O cuántos no han escuchado alguna vez esa peculiar música que acompaña a la misma escena ¿para enchinarse la piel, no?
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1968 Ficha técnica Título original: Night of the living dead Año: 1968 Director: George A. Romero Género: Terror, gore, zombis. Película de culto, cine independiente USA.
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Sinopsis
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as radiaciones procedentes de un satélite provocan un fenómeno terrorífico: los muertos salen de sus tumbas y atacan a los hombres para alimentarse. La acción comienza en un cementerio de Pennsylvania, donde Bárbara, después de ser atacada por un muerto viviente, huye hacía una granja, allí también se ha refugiado Ben, ambos construirán barricadas para defenderse de una multitud de despiadados zombis que sólo pueden ser vencidos por un golpe en la cabeza.
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la vida, la confusión y el eterno deambular por caminos l ser humano como elemento impredecibles es la imagen clave para el desarrollo completa del ser en el mundo. de los mitos ha desembocado una serie de apasionantes, terroríficas y metafóricas criaturas. Análisis de la película Así, nos encontramos con la que actualmente ha sembrado más sto viene a cuento, porque miedo, interés e incluso ha hecho precisamente el cine desaparecer la línea entre ficción y desde sus inicios ha buscado realidad, hablamos del zombi, cuán analizar la complejidad de abundante es la información que hoy en día hay de estos seres en la la sociedad y del individuo. red y ni que hablar de las múltiples Las variaciones en las películas, series y caricaturas que han tramas se dan de acuerdo salido de estos muertos ambulantes. a la realidad que en su Sin embargo poco sabemos momento se está viviendo. y grandiosa, de sus orígenes en la industria Oportuna cinematográfica y en la vida como tal, así definiría a la “Noche de empezaremos por lo más importante los muertos vivientes”, dado ¿A raíz de que se da la construcción que para los pocos efectos de este mito? El concepto viene que existían en ese tiempo, de la religión vudú, para ellos, George Andrew Romero, logro esta figura representa el alma y la proyectar de manera diferente otredad del humano, se relaciona al zombi, relleno los recovecos con la esclavitud y la opresión. que las películas antecesoras no supieron tratar y manifestó El ser humano dentro una nueva conceptualización de la sociedad es un constructo del zombi en el cine. de diversas ideas, pensamientos, religiones, hábitos y costumbres. Apoyándose de los mitos La deformación de nuestra ya existentes, doto al zombi de personalidad es inherente al características que en la actualidad cambio de las circunstancias en el ya son parte esencial de estos seres, entorno, por ello se puede dar a marco la nula personalidad que es entender que el zombi es la criatura evidente en un muerto, los coloco en conjunto como una masa con más similitud al hombre. amorfa de cadáveres hambrientos antropófagos, que se apoyan por el El despojo del alma, número de su grupo compensando la voluntad a merced de algo así su paso lento y atropellado, su invisible, los pasos erráticos por carente visión y su incapacidad
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para
coordinar
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cuerpo.
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Confirmó que en las cosas simples se encuentra el encanto o el truco, pues la trama es de fácil entendimiento, personas muertas infectadas que pueden infectar a personas vivas, el argumento no denota un cansancio intelectual sin embargo, las actuaciones, los efectos y la dirección lograron de manera ejemplar una película de atmósfera “realista” para un emergente cine de terror. Un espectáculo visual y un retrato del significado de la sociedad en las personas, continuamente atrapados en mil mentes que piensan por nosotros, azorados en el acontecer diario para la supervivencia y manipulados para ir coordinados con la corriente y no incitar a la rebelión, pues muchos son fuerza, uno es nada. Así van los zombis tratando de ejercer total control en los humanos “no muertos”, retorciéndose, lamentándose, e incapacitando al que quiera salir y deambular por su cuenta.
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Si se analiza, la película refleja una situación que se vivía o mejor dicho se vive aún, en dónde un grupo selecto de entes sin inteligencia, emociones o capacidad para discernir entre lo bueno y lo malo quieren adueñarse de la voluntad de los que quieren huir de la monotonía, de la gente que piensa y crítica, de los que viven y sufren, respiran y comen, de aquellos que ven el caos y no se unen a la escoria que lo conforma sino que pese a la podredumbre y el hedor y la sujeción de los demás trata de buscar escapatoria, porque lo fácil sería sólo dejarse atrapar y ser uno más.
Quizás por ello, los zombis buscan apoderase del cerebro de los vivos para privarnos de nuestros pensamientos. ¡¡Magnífica metáfora!! En esos tiempos y en estos que bien, si ya no hay como tal esclavitud, aún nos vemos obligados a pensar por los demás y porque todo siga igual, la eterna maña del humano promedio por mantener la calma en un mundo caótico. ¿Una película de 1968 recomendada en el 2014? así es, el cine bien hecho no tienen fecha de caducidad, La noche de los muertos vivientes es el antecedente más importante para la creación del subgénero de los zombis, el trabajo de Romero es magistral en todos sentidos, por ello no pueden decirse cinéfilos si no han visto está película, aunque habría que recordar que estamos en una era rebosante de tecnología e innovación así que recuerden que la cinta se aprecia tomando en cuenta las carencias de la industria cinematográfica en esa época.
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n un oeste simbólico, el pistolero Topo enfrenta a una banda de fetichistas, comandada por un coronel lascivo, que mantiene asolada a una congregación franciscana. Tras liquidarlos, el Topo va en busca de los cuatro Maestros del Revólver y los derrota. Abatido sobre un puente colgante, el Topo es rescatado por un grupo de enanos y minusválidos a quienes intenta liberar sin éxito. Análisis
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iferentes críticas nos indican que Jodorovsky quiso plasmar en esta película una metáfora sobre el hombre, la religión y el sentido de la vida. Para comprender a fondo. El topo tenemos que ir más allá de lo que se
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muestra a simple vista, visualizarla como un todo fragmentado en mensajes que componen la sustancia pura del discurso narrado. Alejandro Jodorovsky, es un personaje complejo al entendimiento más básico, es decir que antes de enfrentarnos a una de sus cintas tenemos la obligación así es la obligación (si es que pretendemos entender algo de lo que nos muestra en sus mensajes ocultos y símbolos extraños) de investigarlo como director y guionista. Es una persona involucrada en ondas místicas y extrañas cuestiones esotéricas, su ideología la proyecta en todos los aspectos posibles dentro de la trama, es controvertido y pionero en las películas de culto, de hecho se afirma que el término – película de culto- fue después del surgimiento de su obra El topo cinta representativa en este género. No se puede dudar de ello, pues El topo, contiene todos los elementos característicos en filmes de este tipo. Personajes atípicos, extraños pasajes, ambientes diferentes y pintorescos, situaciones imposibles de pasar en la vida real, metáforas de las más grandes pasiones y complejos reprimidos del ser humano y una que otra cosa chusca.
Es interesante ver las diferentes reacciones de las personas hacía esta cinta, son miles de sentimientos diferentes y opiniones contrariadas. No es fácil ver a personajes mutilados, parafernalias que hasta cierto punto llegan a ser ridículas y similitudes de algunas escenas con cuestiones de la vida religiosa. Lo que hace Alejandro, es plasmar el bien y el mal dentro del camino en el humano, los serpenteantes laberintos a los que nos vemos internados en nuestra estancia en la tierra y la imagen del hombre como ente errático fuera de cualquier equilibrio emocional mientras se somete a las bajas pasiones. Aquellas personas que no se han adentrado al mundo del cine de culto, es difícil que les llegué a parecer aceptable lo que se nos presenta como una película de dicho estilo, Jodorovsky, acepta el reto de ser odiado por la mayoría y quizá amado por lo que resta, claramente percibimos su cinismo en esta cinta ¿De qué forma? Habrá que ver su disposición de personajes con características repulsivas y su extremo uso de violencia en las escenas. No es descabellado pensar que Alejandro, se regocijo al hacer uso de diferentes símbolos e imágenes en vicisitudes de panoramas religiosos y aspectos de
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otras de sus creencias, realmente es lógico encontrar una serie de simbolismos y referencias a aspectos desconocidos de la magia ya que se trata de una película surrealista, por ello cualquier análisis es corto para ayudar a la comprensión del filme. Una exquisita mezcla de elementos visuales nos llevan al clímax entre escena y escena. En cuanto a los personajes, cada uno está dotado de características muy específicas y particulares, la personalidad de todos resulta ser individualista pese al conglomerado de situaciones que los unifican para dar cara al “mal”. Romper con todos los esquemas establecidos es la gran virtud y desfachatez de Jodorovsky, su nombre pesa no precisamente por ser un director comercial, sino por sus grandes logros en materia de cine y como guionista de cómics, al menos en Latinoamérica se le aclama por sus locos enredos y juegos mentales proyectados en sus cintas. Escabroso, misterioso y loco es la definición para está magistral obra de arte nombrada El topo por ningún motivo se puede dejar de ver, claro que es cuestionable la producción y alguno que otro efecto pero no se puede discutir nada porque nos estamos remitiendo a los 70´s y la industria cinematográfica
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no estaba completamente desarrollada en esos tiempos. Sin embargo, los planos, las escenas y el guión están por arriba del nivel de excelencia, esto es subjetivo, hablando de cine, nada es absoluto y menos alterable. Para considerarse como predecesora de las películas de culto ya existiendo una cantidad considerable de este tipo antes de ella, es de presunción nombrarle como una de las más importantes y estrafalarias de este subgénero. Es evidente que goza de un número incalculable de seguidores en todo el mundo, como olvidar que John Lennon se dejó llevar por su eufórico fanatismo hacía está cinta e incluso compró los derechos para poder distribuirla por todo Estados Unidos. Además este filme ocupa el puesto 42 dentro de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de 25 críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista Somos en julio de 1994. A las palabras estilo Jodorovsky, “Dejémonos llevar por los placeres terrenales y sucumbamos al deleite de ver esta increíble película”. El topo fue, es y será hasta que el cine desaparezca una de las cintas más importantes y revolucionarias de la industria cinematográfica.
Ficha técnica Título original: El topo Año: 1970 País: México Director: Alejandro Jodorowsky Género: Western, fantástico, película de culto y surrealismo
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a naranja mecánica, (conocida también como A Clockwork Orange) es una película británica de ciencia ficción y sátira de 1971, producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick. La película es una adaptación fílmica de la novela homónima de 1962, escrita por Anthony Burgess. El filme narra las fechorías de Alex DeLarge McDowell, un carismático psicópata apasionado de Beethoven, la ultraviolencia y el sexo y su pandilla, “Los Drugos”: Pete (Michael Tarn), Georgie (James Marcus) y Dim (Warren Clarke). Cuando el protagonista, traicionado por sus amigos, es detenido y condenado a 14 años por asesinato, entra en prisión. Allí decide libremente someterse al proceso Ludovico, un tratamiento mediante el cual los actos violentos se asocian con náuseas y malestar físico. Alex y sus “drugos” usan una vestimenta muy particular: camisa y pantalón blanco con tirantes,
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protector testicular, botas de alta caña, un sombrero hongo típico inglés, antifaz en determinados momentos, pestañas postizas en el caso de Alex, pinturas faciales y máscaras cuando recurren a la ultraviolencia,
además de estar armados. Alex utiliza un bastón al igual que Pete y Georgie, no así Dim que carga con unas cadenas. Alex narra la mayoría de la película en lenguaje «nadsat», un argot contemporáneo usado por ellos, que combina el eslávico (especialmente el ruso) con el inglés y el cockney (por ejemplo militso -policía-, drugo -amigo-, chavalco -muchacho- o moloko -leche-). Alex es irreverente y abusa de los demás; vive con sus padres a quienes miente constantemente para no ir a la escuela; su cuarto está armado con altavoces, en su cama tiene un cubrecama cubierto con senos de goma, como mascota tiene una serpiente llamada Basi.
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a película fue candidata a cuatro premios de la Academia (perdiendo contra The French Connection) y revitalizó las ventas de la Novena Sinfonía de Beethoven. También causó controversia y no fue permitida su exhibición en el Reino Un i d o . Para el
Dimensión 7 tiempo de su re-estreno en el 2000, ya había ganado una reputación de película de culto. Muchos críticos y aficionados la consideran como una de las mejores películas jamás hechas. La naranja mecánica ha sido criticada por su violencia excesiva y la falta de aparente humanidad, por grupos moralistas y religiosos, pregonando que sirve como un pésimo ejemplo de ideal de comportamiento para la actual juventud ávida de referentes en que basarse.
La dicotomía a la que se enfrenta es inherente en todas las personas. El proceso de transformación a la que nos sometemos todos los días es propiciado en gran medida por la sociedad, siendo así nos tornamos seres erráticos en busca de complacer a los demás sin alternativa, pues de no adecuarnos a lo general nos arriesgamos al exilio social.
individualidad por la sociedad y los medios masivos y en la ficción de Kubrick, esta es vejada por la autoridad invasiva del gobierno a las acciones de sus gobernados. Datos curiosos
1) El título original nunca se menciona en la película. Por el contrario, en el libro, el autor lo menciona en dos ocasiones. Burguess comentó n la trama que cuenta la película, que éste provenía de una expresión el proceso de cambio en Alex lo cockney (argot del sur de Londres) n Hispanoamérica la película realiza el gobierno, manifestándose “as queer as a clockwork orange”, fue estrenada en 1977, calificada en contra de los actos arbitrarios que significa “tan raro como una para mayores de 21 años, y fue y delictivos, lo someten al choque naranja mecánica”. Sin embargo, recibida con una mezcla de críticas, entre lo bueno y lo malo esto existe la sospecha de que como por un lado, alabando la visión representado por la música y las Burguess había vivido en Malasia, futurista de Kubrick, y por otro escenas de violencia respectivamente. en realidad el título sería El hombre lado la violencia frontal y extrema Si nos damos cuenta, resulta mecánico, ya que “orange” proviene exhibida, calificándose por algunos ser lo mismo por un lado en la vida del término ourang, palabra con raíz grupos conservadores como un real, sufrimos la violación a nuestra en aquel país, y que significa “persona”. mal ejemplo de comportamiento social para las jóvenes generaciones. Stanley Kubrick, ataca de manera contundente al punto de atracción en el que se basa la película y se desarrolla su obra, esto se trata de la observación al condicionamiento humano y su alteración de éste, según los factores que le rodeen o las circunstancias que se le planteen. Siendo una distopía marca perfectamente la ligera línea entre lo que pasa y lo que puede suceder, si se analiza desde un punto de vista psicológico podemos representar en Alex, al humano común aquel que se deja intoxicar por el ambiente de violencia y dominar por el más primitivo de todos los impulsos; la ambición.
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Dimensión 7 2. La historia está basada en un suceso de la vida real sufrido por Burguess. Cuando el autor volvió de Malasia a Londres, en 1944, su esposa, quien estaba embarazada, fue violada por cuatro soldados americanos y, debido a la paliza, la mujer perdió al bebé. Esta tragedia en la vida de Burguess lo inspiró para escribir su obra maestra, y más en específico a recrear la escena de la violación de una mujer a manos de una pandilla. 3. El resultado cinematográfico de Kubrick tuvo un costo de dos millones de dólares; el lanzamiento de la película recaudó más de 40. El 40 por ciento de las ganancias fueron para el director, así lo aseguró en un acuerdo con Warner: él tendría el control total sobre sus filmes. 4. La música corrió a cargo de Walter Carlos (Wendy Carlos después de su cambio de sexo). La fusión entre piezas originales de música clásica y el sintetizador moog, dio como 4. La música corrió a cargo de Walter Carlos (Wendy Carlos después de su cambio de sexo). La fusión entre piezas originales de música clásica y el sintetizador moog, dio como resultado ritmos que se acoplan a las imágenes como si ambas fueran una sola. 5. Durante la inolvidable escena en la que Alex es sometido a ver películas violentas con los ojos abiertos sostenidos por ganchos, su córnea sufrió una lesión y perdió la visión durante algún tiempo. De hecho, el médico que aparece en la película aplicándole gotas era un profesional que prevenía la sequedad de los ojos del actor, quien a partir de este suceso no volvió a utilizar una solución salina.
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abs Johnson (Divine), una mujer que vive con su gorda madre y su hijo en una caravana, acaba de ser nombrada la persona más inmunda del mundo por un periódico local. Pero los Marble, un matrimonio que, entre otras cosas, vende heroína en los colegios y venden bebés a lesbianas, no pueden consentir que Divine les supere en suciedad y depravación, así que deciden tomar cartas en el asunto.
Análisis
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os cuestionamientos hacía esta película son absurdos como su trama, sin embargo, hay algo que resulta calar en todos, llámese morbo, gusto por lo excéntrico o locura, pero al final todos terminan contaminándose de la extrañeza nombrada Divine, cómico, antinatural y bizarro. De pocas películas se ha visto la cantidad de reacciones contradictorias como las que surgieron en esta, los adjetivos existentes para expresar el repudio y el disgusto a la cinta fueron insuficientes. No me valgo de exageraciones para comentar el arrollador impacto que tuvo esta película con el público que se atrevió a verla, fue calificada o mejor dicho descalificada como la peor de todas las películas, su historia es inaudita y traumatizante para algunas personas. Hay que señalar que no se puede hablar de ella sin antes verla pues como en todo hay matices que nos encierran en un complejo dilema “Verla o no verla”. Concretamente Pink Flamingos, no
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es apta para todo público, habrá que saber que las críticas siempre la desfavorecen relegándola incluso a basura y algunos críticos no la consideran una película como tal, los comentarios negativos imperan en esta cinta.
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a mente de todos los humanos es sumamente diferente por ello la frase de que en cada cabeza hay un mundo y ciertamente, describe a la perfección lo que ocurre en la vida cotidiana y nuestras relaciones, la mayoría de veces abandonamos un proyecto o dejamos de ver a alguien porque su carácter o personalidad no nos gustó, es un tanto arbitrario comportarnos así, ya que la decisión no la tomamos desde un punto que balance lo bueno y lo malo, sino, desde el profundo disgusto de vernos obligados a mirar por otros ángulos. ¿De qué estoy hablando? Precisamente del fenómeno Pink Flamingos. Porque lo mismo que describí sobre las relaciones humanas sucede con el efecto que provoca en la gente esta cinta, las variaciones en los comentarios sobre la trama siempre versan en lo mal que les pareció dejando una mala impresión de ella aun en los que no la han visto y en
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Ficha técnica Título original: Pink flamingos Año: 1972 País: Estados Unidos Director: John Waters Género: Comedia negra, cine de explotación
en aquellos valientes que proclaman haberla visto, pues se les cataloga de enfermos o psicóticos. ¡Ay por favor!, debería existir una regla antes de ver películas y ésta sería: “Deje de lado su exceso de moralidad y falso recato ante las probabilidades de que esto exista en la vida”.
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ara ver Pink Flamingos tenemos que tener en la mente que no se trata de algo convencional ¿En serio es necesario tenerlo presente tratándose de una película de culto? Pues resulta que sí, la historia planteada por Waters, es un tanto visceral. Se deja plasmado el comportamiento de la sociedad americana en un discurso ridiculizado de ella; es complejo y a veces estéril el esfuerzo por ver que la película muestra un panorama diferente de los deseos reprimidos en la humanidad. Utilizando metáforas y gustos detestables el director pretendió dar una visión bizarra e insoportable sobre lo que algunas personas son capaces de hacer. No se pueden controlar en todo momento nuestros impulsos animalescos, provenimos de algo desconocido y andamos por caminos que no siempre serán lo más correctos moralmente hablando, pero así es, una vez entrados en las presiones sociales e individualistas ponemos a prueba las capacidades que no sabíamos que teníamos y nos valemos de las
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artimañas que no entran a discusión entre el bien y el mal, pues simplemente están para orientar la satisfacción de los deseos.
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e trata de una película que fue, es y será controversial por todo lo que implica el comprenderla. Hay que reconocerle a Waters su valor indiscutible por hacer este singular trabajo. En la actualidad los cineastas no se atreven a proyectar sus ideas sin filtro, incontables veces nos encontramos con el mismo argumento sólo por considerarse comercialmente atractivo. Su inclusión a películas de culto fue precisamente por la polémica que desató y porque aunque resulte extraño tiene una gran cantidad de seguidores y personas que la odian. Todo ese entramado de público contrariamente variado la posiciona en una de las más raras películas del cine.
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ink Flamingos es un trabajo visual que merece el rescate de críticos que le aprecien en todos sus aspectos dejando de lado la superficialidad con la que se le mira. El objetivo del filme estuvo bien sustentado por el argumento y por la respuesta del público y este era una burla a los prejuicios de la sociedad en general, exactamente lo que se logró, ya que el bullicio y escándalo que estalló después de su proyección demostró la pobreza mental que aún existe para la comprensión de temas aunque aberrantes son parte de la humanidad.
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1972
Sinopsis
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ong Beach (Long Island, Estado de Nueva York), corre el verano de 1945. Don Vito Corleone, el jefe de una de las cinco familias que controlan el crimen organizado en la Ciudad de los Rascacielos, celebra a todo trapo la boda de su hija Connie. Según la tradicional costumbre siciliana, en un día así el padre de la novia Ficha técnica deberá atender las peticiones de sus invitados, siempre que se le formulen con el debido respeto a su posición. Título original: The godfather Como si de un monarca absoluto se tratase, Don Vito reina Año: 1972 con derecho de vida y muerte sobre un auténtico ejército de País: Estados Unidos guardaespaldas, sicarios, contables y estómagos agradecidos, sin olvidarse, Director: Francis Ford Coppola por supuesto, de su propia familia. Su hijo pequeño Michael, todavía de Género: Gángsters y drama uniforme, acaba de volver de la guerra, convertido en un héroe aunque ajeno por completo a la verdadera naturaleza
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de los negocios familiares. Pero muy pronto los acontecimientos colocarán al joven ingenuo y bienintencionado en el ojo del huracán, haciéndole madurar repentina y trágicamente, y obligándole a tomar conciencia del lugar dónde ha nacido y crecido, forzándole a involucrarse, a partido, a mancharse... Análisis
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onsiderada una de las mejores películas en la historia del cine y en la carrera del alabado director Francis Ford Coppola, El Padrino vino a enfrascarnos en una nueva concepción de la mafia, basada en la novela del mismo nombre, del autor Mario Puzo, se consolidó como una de las mejores adaptaciones de libro a la versión cinematográfica, francamente era de esperarse siendo el propio Puzo el encargado
de adaptar su libro al guión de la película. Bajo el mando de Coppola, se adecuó la novela a la perfección, a consecuencia de ello, hoy es reconocida mundialmente y una de las cintas con más seguidores. Es raro siendo considerada de culto, que desde el principio su éxito haya sido avasallador en taquilla pues como es bien sabido, generalmente las películas de culto tienden a ser de bajo presupuesto y con un bajo número de espectadores a su estreno, pero esta cinta fue una excepción al ser notable su éxito a nivel popular. El aura de misterio y lúgubre rumor que se extendía sobre el narcotráfico, logró impactar de manera contundente al público que esperaba el estreno de la película, que ya sea por morbo o curiosidad esperaba ansioso el estreno de la misma. Las encrucijadas y los distintos conflictos entre la mafia y la sociedad ya se habían planteado en otras películas sobre Gángsters, sin embargo, el cuidado que puso Coppola, en los detalles dotó de realidad la trama y estableció los parámetros que serían necesarios para las películas posteriores sobre este género. Partiendo de un presupuesto aproximado de seis millones y medio de dólares, “El Padrino” recaudó en todo el mundo cerca de 270 millones de dólares, y se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia del Cine. Eso en cuanto
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Dimensión 7 aspectos la película al capítulo económico, porque en otros se configuró como uno de los grandes monumentos de la cultura contemporánea, cosechando numerosos premios y galardones (entre ellos, tres de los principales “Oscar” concedidos por la Academia de Hollywood) y ganándose un prestigio crítico que no ha cesado de aumentar con los años. Las adaptaciones de libros al cine por lo general quedan debiendo mucho a los lectores y al autor. Se tiene que reconocer que El Padrino, rebasó los estándares de calidad y producción despuntando incluso más que lo que el libro había alcanzado en cuanto a éxito. A pesar de la trama y sus tintes violentos, está cinta rescata los valores de la familia, la lealtad, el respeto y el deber. Francis Ford Coppola tuvo el acierto de trabajar hombro a hombro con Mario Puzo esto permitió la desenvoltura de una historia rica, controvertida e inigualable. Ver una imponente historia con actores de primera como Marlon Brando, teniendo frases épicas al estilo Don Vito Corleone; “Toda mi vida he estado luchando por no ser una marioneta movida por los hilos de los poderosos.” O una interpretación formidable del ya consolidado actor Al Pacino, nos involucra en la trilogía de su dinastía y los distintos enredos que subyacen alrededor de una atípica familia mafiosa. ¡La familia Corleone vivió, vive y viviría por los siglos de los siglos del buen cine!
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1975
Sinopsis
La parodia de películas de terror fue un aliciente que dotó de una rad y Janet son una pareja inigualable fórmula para el éxito a ésta de enamorados que quedan cinta. El sexo y los cuestionamientos varados en la campiña que le rodean de aspecto moral durante la lluvia cuando fueron primordiales para la burla se dirigen a ver a Dr. Scott. La única que se hace de ellos en la película. Haciendo una mezcla entre via de socorro parece ser un castillo la literatura, el cine y los musicales, al que han visto en el camino. Pero en la mansión son atrapados y la trama se centra en problemas llevados frente a la presencia del puramente ficticios. La relación bizarro Dr. Frank N. Furter, un con el clásico Frankenstein de transexual que está a punto de Mary Shelly, es el punto que desata culminar su máximo experimento: todos los demás vértices. La gran darle vida a un musculoso joven y diferencia consiste en que esta utilizarlo como su juguete sexual. vez no se busca un acompañante Pronto Brad y Janet caen monstruoso ni nada que ponga en bajo las influencias lascivas de peligro la seguridad de terceros: aquí Furter, pero Janet y el joven revivido, vemos a una persona desesperada llamado Rocky, terminan por por satisfacer sus extraños deseos enamorarse. Furter se encuentra sexuales, un hombre en busca de otro por tomar represalias contra ambos hombre con el cual logre materializar cuando visitantes del planeta natal sus extravagantes fantasías, tratando del doctor, Transilvania, llegan a la de alcanzar el grado de perfección tierra y se encuentran decididos a en una invención no humana. Despojémonos de la cercenar su vida de excesos sexuales. insensata moralidad que nos ha impuesto la sociedad Análisis y retomemos este clásico he Rocky Horror Picture Show, del cine de culto. Como es está basada en una ópera de costumbre este tipo de películas al rock inglesa, su estreno fílmico inicio no gozan de popularidad fue en 1975 y desde entonces y en taquilla se quedan sin ha permanecido en el gusto de alcanzar lo propuesto por el un gran número de personas. director, ya sea por la época
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o el momento en el que se proyectan, sus tramas no son de agrado a la gente y en algunas ocasiones son consideradas repulsivas, sin embargo, los jóvenes son más afines a las historias que rompen el esquema de la cotidianidad por ende son los más dispuestos a enfrentarse a las tramas que salen de alguna mente en estado caótico de confusión, entre la plana y monótona realidad y la dinámica, fantástica e increíble dispersión de la ficción. Así fue que con el tiempo la cinta se hizo merecedora de un gran número de fans los cuales abarrotaban los cines para las proyecciones nocturnas de los ya acostumbrados viernes, poco después se tornó toda una fiebre que hizo delirar a más de uno,
consolidándose en diferentes puntos la obra maestra más grande en la historia del cine en cuanto a su género. La película muestra un uso abundante de iconografía sexual, la mayoría oculta en los objetos que se encuentran en el castillo del doctor Frank N. Furter. Existe una serie de connotaciones visuales, de dobles sentidos y de intenciones ocultas; el ritmo de la cinta es irregular pues en algunos momentos pudiese tornarse tedioso y abrumador debido a la carga de música, efectos y referencias sexuales. Para muchos críticos la película es sobrevalorada, hay puntos de vista diversos en cuanto a la notrama de la historia; el conflicto es provocado por el exceso de personajes, su ir y venir sin sentido y la pérdida de contexto a medida que avanza la cinta. La pretensión del director por ir más allá de algo convencional
produjo malestar en muchas personas, su boceto de originalidad fue deformado por sus divagaciones. Los personajes son los que sin duda amortiguan las partes lentas del filme, las situaciones en las que sus destinos se cruzan, sus pasiones reprimidas se exhiben y sus interpretaciones llegan al clímax realzan la trama, y escena a escena se mantiene al espectador en la intrigante espera de la continuación. La pantalla en su momento se la robó Tim Curry, el actor que interpreta al doctor Frank N Furter. Para la época en la que salió era inaudito ver a un hombre comportándose y vistiendo como una mujer, el desarrollo del personaje y su desenvoltura actoral hicieron que traspasara los límites de la normalidad ocasionando incluso cierto morbo por parte del público. La idea de ver un concepto diferente, la propuesta planteada por parte del director, la conocida ópera inglesa y los desafíos que implicaba llevar al cine dicha obra fueron parte de su transformación al culto, la curiosidad también resultó ser protagónica para la propagación de la película. La promesa de orgías heterosexuales y homosexuales y la
permanente manía de exhibir al personaje principal en ropa interior desató los primeros síntomas de fanatismo entre el público. La producción nos deja un sabor agridulce dado que no cumple con las expectativas del buen cine; el guión es flojo y las canciones no son impactantes; el discurso que maneja el director no está bien planteado (esto lo podemos observar a lo largo de la película), y sin duda la ejecución de todos los elementos como un todo quedaron relegados por otras cuestiones. Preguntarán entonces qué hizo de ésta película algo icónico: pues sin duda fue el momento en el que se estrenó y más que la comicidad que se pudiera encontrar fue el planteamiento de la inquietud sexual por buscar y experimentar nuevas formas de relacionarse. Desfiles, disfraces de los personajes, convenciones y un sinfín de alterados fans alzando la bandera de la homosexualidad, del sexo sin pudor, aprobando la existencia de experimentos en las relaciones, tarareando las canciones, y aclamando nuevos conceptos de cine hicieron que The Rocky Horror Pictures Show estuviese incuestionablemente entre las películas más emblemáticas del cine de culto. Fecha técnica
Título original: The rocky horror picture show Año: 1975 País: Gran Bretaña Director: Jim Sharman Género: Musical, comedia, terror.
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TAXI DRIVER Ficha técnica Año 1976 Duración 113 min. País Estados Unidos Director Martin Scorsese Música Bernard Herrmann Reparto Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris, Martin Scorsese, Joe Spinell Distribución Columbia Pictures Presupuesto US$ 1,3 millones (estimado) Recaudación US$ 28.262.574 Género Drama | Película de culto
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Sinopsis
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n día, Travis Bickle (Robert De Niro), ex combatiente en Vietnam, en busca de una solución para su insomnio crónico post guerra, decide trabajar como taxista por las noches en la gran manzana. Sin embargo, más que una cura a sus males, su mente será corrompida al darse cuenta de que la guerra no se
terminó en Asia, sino que tendrá que vivirla cada jornada nocturna. Un hombre solitario adepto a su rutina intenta buscar una luz de esperanza entre la oscuridad de las calles y la encontrará en dos mujeres: Betsy (Cybill Shepherd), una rubia atractiva inmiscuida en campañas políticas a la cual terminará por idolatrar, e Iris (Jodie Foster), una pequeña niña, la cual tras malas decisiones ha terminado en el mundo de la prostitución
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Dimensión 7 acabar con los males de la sociedad? orden psicológico y mental se ha visto alterado tan brutalmente. Crítica Taciturno, solitario, insatisfecho y carente de habilidades sociales: as noches son solitarias; la así es Travis. Un hombre oscuridad sirve para ocultar potencialmente peligroso, quien todos aquellos demonios que sólo espera la llegada de un aunque sabemos existen no “detonante” para dejar salir toda queremos ver. ¿y qué ambiente más su ira. Pero a su vez encuentra una idóneo para conocer la otra cara de pequeña esperanza en las mujeres. Nueva York, más allá del glamour, Por una parte Betsy (Cybill de la vanguardia, e incluso del Shepherd), cautiva lo más profundo arte?. Así es como Paul Schrader lo de su ser, y lo que empieza por ser visualizó en el guión, probablemente un amor platónico termina por haciendo referencia a la etapa de convertirse en idolatría e incluso su vida tan desesperanzadora por en obsesión, ya que en ella ve la cual atravesaba, y así es como reflejadas todas las características Martin Scorsese no dudó en aceptar que ha perdido el mundo antes de la historia para darle su toque convertirse en el lugar repulsivo personal: ese tan perfeccionista que ahora es. Ella representa esa y tan referente a la violencia parte pura y sublime la cual no debe y a la moral del ser humano. ser perturbada, pues eso alteraría el Cada década lleva consigo orden de su existencia (de Travis). una sarta de historias que terminan La segunda chica que lo por definir el comportamiento atrapa (no en un sentido literal) es de una generación y los 70’s no Iris (Jodie Foster), una prostituta fueron la excepción. Travis Bickle menor de edad, quien por podría considerarse el “arquetipo” casualidades del destino entra al Taxi del combatiente que ha vuelto de de Bickle al huir de su proxeneta, la guerra sólo para comenzar una lo cual deja impresionado a nueva batalla: la lucha consigo nuestro protagonista, y así al mismo. Por experiencia propia volverla a encontrar trata de puedo decir que uno no vuelve a acercarse, pero no para solicitar ser el mismo después de presenciar sus servicios sino su redención. actos de violencia e inmundicia, Él le ofrece ayuda, que si bien es los cuales asustan solo de pensar rechazada de primera instancia, que forman parte de los más más tarde será imprescindible bajos instintos de todos los seres para dar desenlace a la historia. humanos, y la actuación de Robert A nivel técnico es una De Niro refleja perfectamente el película muy bien desarrollada: sentir y actuar de alguien cuyo el manejo de la cámara (sobre
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todo en la escena en la cual se retratan los daños hechos por Travis al departamento/edificio del que salva a Iris) es excelente, la banda sonora es simplemente maravillosa y queda para la posteridad (ese blues tan melancólico que acompaña al film no sólo le pone el mood sino que lo deja grabado en nuestra mente y es imposible no volver a relacionarlo con el largometraje), por algo Bernard Herrmann llegó a componer temas incluso para Hitchcock: la música impone y siempre lo hará. También d e b o resaltar e l uso de la voz en off, con la cual De Niro expresa los pensamientos del personaje, y que podría ser mi favorita, de no ser por esa voz tan sublime y emotiva que usa Morgan Freeman en The Shawshank redemption (Sueño de fuga en México). Entre los demás personajes cabe destacar la participación de Scorsese (como en otros de sus filmes) como el “marido loco” que cuenta a Bickle sus planes de venganza con su mujer. También tenemos a Palantine, el político para el cual trabaja Betsy y quien termina por ser (por un momento) el eje de acción de Travis
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Dimensión 7 para cambiar el mundo. No olvidemos que dentro de la desolación el busca terminar con el mal de la sociedad, el cual ya no puede soportar, “Ojalá una lluvia cayera sobre esta ciudad y limpiara toda esta escoria” como él bien dice. Para finalizar me pregunto ¿qué es una película de culto?, ¿es aquella que trasciende a nivel cultural a través del espacio tiempo?, ¿o aquella que simplemente deja su huella en una generación? No importa cual sea la respuesta porque seguramente Taxi Driver podrá cubrir con las expectativas más exigentes de todas las definiciones. Y si no me creen, sólo recuerden la épica escena improvisada en la que Robert De Niro habla consigo mismo en el espejo y piensen en la última vez en la que se preguntaron a sí mismos: “¿Me estás hablando a mí?”.
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The Baseball Furies, The TurnBull AC’s, The Lizzies, The Punks, The Rogues y muchas otras bandas más se encargarán de hacer el camino a Coney Island un verdadero suplicio para The Warriors. La pregunta es ¿llegarán a salvo? Impacto social
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andilleros, armas y una persecución interminable suena como una trama muy vista y desgastada en el cine de nuestra época. Sin embargo, ¿qué pensarían si les digo que, en 1979, a una película de estas características le fueron atribuidos una serie de asesinatos y actos vandálicos? Increíble ciertamente, pero en este contexto surgieron The Warriors. La temática de Los Guerreros: Los amos de la noche, mejor conocida como The Warriors por su título original en inglés, va más allá de la simple violencia reflejada en pantalla. Esta película marcó toda una época en la industria cinematográfica y se atrevió a mostrar una cara de Nueva York nunca antes vista.
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una apocalíptica ciudad de Nueva York, donde parece no haber reglas o algún tipo de orden social; un grupo de bandas de delincuentes juveniles han decidido dar una tregua a sus diferencias y reunirse en un parque a discutir la posibilidad de unir fuerzas para formar una sola gran banda que rija la ciudad. The Warriors es una de esas bandas. Originarios de Coney Island, acuden, como todas las demás bandas de la ciudad, al llamado de Cyrus, líder de The Gramercy Riffs, la pandilla más grande de la ciudad. Ahí es donde la verdadera acción comienza. Cyrus es asesinado y The Warriors son acusados de este crimen. A partir de este momento, Los Guerreros intentarán regresar a Coney Island con dos ligeros ¿De qué trata? inconvenientes: la policía y las demás bandas de la ciudad, a trama de Los Guerreros es quienes intentarán vengar a Cyrus muy simple. Ambientada en y matarlos en su regreso a casa.
n su tiempo, The Warriors marcó el inicio de toda una época en la industria cinematográfica: el cine de acción criminal. A partir de su publicación una gran cantidad de filmes del mismo tipo salieron a la luz: Mad Max: Salvajes de autopista (1979); Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981); The Wanderers (1979); Curso 1984 (1982); Los guerreros del Bronx (1982) y Fuga del Bronx (1983). En el ámbito social, la película muestra una cara nunca antes vista de la ciudad de Nueva York hasta ese momento. Más allá del glamour de La Gran Manzana, Wall Street y Broadway, The Warriors muestra el lado humano de esta ciudad: los barrios de clase media y baja en donde habita la mayoría de su población. Esos barrios donde, como en cualquier otra urbe, hay delincuencia, drogas y problemas vecinales. Y quién mejor para mostrarnos esta cara de la moneda que el fallecido Sol Yurick, autor de la novela homónima en que se basa la
Estos son los ejércitos de la noche. Ellos son 100,000. Superan a la policía cinco a uno. Podrían gobernar la ciudad de Nueva York 34
Frase publicitaria de la película en 1979 revistadimension7.wordpress.com
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película y habitante de estos sectores de la ciudad por muchos años. Más allá de paisajes desconocidos para los propios habitantes de la Unión Americana, cada uno de los miembros de la banda de Coney Island refleja la personalidad de un típico adolescente: su necesidad de pertenencia a un grupo, la realización de acciones con miras a la satisfacción a corto plazo y la lealtad con los amigos. A partir de ello, muchos espectadores podemos identificarnos con alguno de los personajes. De manera más técnica, la película es de gran calidad. A pesar de ser grabada con un presupuesto relativamente bajo (cuatro millones de dólares), la película se ve muy bien. Los colores primarios parecen estallar fuera de la pantalla y el gris del fondo crea una atmósfera Noviembre 2014
de una ciudad de Nueva York en plena descomposición social. Los encuadres y el montaje están sumamente cuidados y combinados con el gran trabajo de fotografía de Andrew Laszl crean una gran estética nocturna. Cada pelea o persecución ha sido filmada de tal manera que la audiencia es capaz de sentir el nervio y la adrenalina de los personajes. Así, cada uno de nosotros nos volvemos parte de la historia a cada momento que pasa. Sin duda, una gran virtud del trabajo de Walter Hill. ¿Por qué de culto?
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l igual que las demás películas de culto, el estreno de The Warriors en 1979 estuvo marcado por la controversia y poco éxito
comercial. También las malas críticas llovieron sobre la obra de Walter Hill tanto en su adaptación, producción y actuaciones. Como ya se mencionaba, la película estuvo manchada de sangre no solo dentro sino fuera de la pantalla. Una serie de asesinatos en complejos cinematográficos de California, Estados Unidos, el 12 de febrero (sólo tres días después de su estreno) fueron atribuidos directamente a la película. Esto provocó que Paramount Pictures se ofreciera a pagar los costos por incrementar la seguridad en 670 salas que así lo solicitaron. La compañía también modificó la publicidad de la película. Antes de ello, el póster de la película incluía la siguiente leyenda: “Estos son los ejércitos de la noche. Ellos son 100,000. Superan a la policía 5 a 1. Podrían
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Dimensión 7 gobernar la ciudad de Nueva York”. Después de lo acontecido, el Dimensión 7 póster solo incluía el logotipo de los Warriors sobre un fondo blanco. El 15 de febrero, a la salida de una estación de metro, dos grupos de jóvenes se vieron envueltos en un altercado, uno de ellos acababa de ver la película y estando borrachos buscaron imitar uno de los enfrentamientos de la película, siendo un joven de 16 años asesinado por una puñalada en el pecho. La situación se volvió insostenible, de modo que, el 16 de febrero, Frank Mancuso, uno de los dirigentes de la Paramount, envío un comunicado eximiendo a las salas de cine sus obligaciones por la proyección de la película. El dirigente de Paramount también dejó a consideración de los dueños de las salas la proyección de la película si consideraban que existía la posibilidad de poner en peligro las vidas de personas. Una docena de salas decidieron retirarla. En el mismo comunicado se declaraba el fin de la campaña publicitaria de la película por parte de Paramount, se retirarían todos los anuncios de radio y televisión, la primera vez en la historia de la productora que sucedía esto. Toda esta polémica no hizo otra cosa que aumentar las ganas del público por ver la película. Pocas eran las salas que aún exhibían la película, pero la audiencia en ellas aumentó. La recaudación final de la película fue de 22 millones 490 mil 39 dólares. México no estuvo exento del fenómeno The Warriors.
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A principios de los años 80, un gran número de pandillas surgieron a lo largo de la ciudad. Dichas pandillas, al igual que en la película, dieron a la ciudad una nueva geografía sociocultural. Sin embargo, la controversia en torno a su estreno y temática del filme, no fueron las únicas características que le atribuyeron a The Warriors su carácter de culto. A medida que han pasado los años, no sólo los críticos han revalorado el arte encerrado tras la película sino que su séquito de fans ha crecido de manera exponencial. A pesar de que han pasado 35 años desde su estreno, The Warriors sigue cautivando a aquellas audiencias que la vieron desde su salida a la pantalla grande y espectadores que ni siquiera habían nacido cuando fue estrenada. Así, cada año se celebra una reunión en la ciudad de Nueva York para conmemorar su estreno. En ocasiones, a dicha reunión acuden miembros del elenco de la película. También se han comercializado con figuras de acción de los personajes de la película, un comic, ropa, videojuegos e inclusive, se reeditó la película en 2005 para presentar la versión del director. En ella se muestra el filme a manera de comic viviente. The Warriors es el vivo ejemplo de una película de cultorevistadimension7.wordpress.com cuyo fanatismo perdura hasta nuestros días sin vislumbrar un fin cercano.
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Méliès, el ilusionista del cine
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Reportaje Dimensión 7
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jalá la pregunta fuese infundada pero lamentablemente, la belleza y el hechizo, que produce la fantasía se tornan efímeras si no hay un constante nombramiento de ellas. Así ocurre cuando dejan de existir los sueños en los niños, la mitificación en la vida, ese dulce sabor de lo imposible derretido en nuestro ser, la fuerza, paciencia y el anheló, de encontrar afuera algo más que deterioro y tristeza, estallido de colores impregnados en paredes llenas de humedad. Encontrar un panorama en donde en lugar de ratas grises y de fealdad descomunal haya pequeños animalillos alados de distinta tonalidad. Con las palabras se pueden describir mil mundos, mil caras y unas cuantas utopías sin final. Así ocurrió con lo visual, el desajuste de la realidad, lo inverosímil, fantástico, creativo y sublime. Si tuviésemos que atribuir el sentido de la magia y la ilusión en la pantalla a alguien, sin duda, se le otorgaría a Méliès, ¿Por qué a él? Hay cien justificaciones y unas más
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para validar el sentido de tal título, pero de manera inmediata se podría empezar diciendo que éste hombre de cabello y barba cana le dio sentido a los pequeños detalles que hacen del todo un espectáculo por demás maravilloso. Observando sus películas y el arte dentro de ellas, se puede sentir la sincronía entre realidad y ficción, es palpable la captura de indistintas quimeras producto de sueños capturados en cada escena e historia planteada por él. Jamás subestimó los panoramas de los que el ser humano es parte, al contrario trataba de enaltecerlos c o n surrealismo propio de una mente sin filtro a la imaginación. Mago y proyector del eterno mundo onírico, G e o r g e s
Méliès fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Fue un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896, y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como é l
é l i revistadimension7.wordpress.com
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«mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su película Le Manoir du Diable (1896). Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa. La literatura es la base del
cine. Sin e m b a r g o los comienzos del cine fueron películas documentales de muy corta duración. En Viaje a la luna, la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acabó aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella. Como ya se había mencionado Méliès, se inspiró en dos novelas míticas de ciencia ficción para rodar Viaje a la Luna, «De la Tierra a la Luna», de Julio Verne, y «Los primeros hombres en la Luna», de G . H . We l l s . Trabajó varias veces con el mito de Fausto y Mefistófeles. Lo recreó
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cuatro veces, y se inspiró tanto en el libro de Goethe como en las óperas de Gounod y Berlioz. La mitología y los cuentos populares también tuvieron gran influencia en su obra, hadas y genios. Méliès, aportó dos características importantes al leguaje escénico del cine. Lo abigarrado de sus formas, elementos visuales, decorados y movimientos de actores (podríamos llamarlo «manierismo»), la exageración de las actuaciones de los actores, que proviene de sus actuaciones teatrales, y el maquillaje, necesario para resaltar los rostros en aquellos tiempos del blanco y negro. El rey del maquillaje (1904) o El taumaturgo chino (1904) son unas muestras. Honor a quien honor merecer, así es desde siempre, por ello es necesario hacer mención de éste mago de la cámara y los efectos. Cuando se habla de películas de culto e historias poco comunes el nombre de Méliès, sale de inmediato de entre los recuerdos de aquellas épocas en donde el cine era la máxima fábrica de sueños.
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El resplandor Ficha técnica Título original: The shining Año: 1980 País: Estados Unidos Director: Staley Kubrick Género: Película de culto, drama, thriller
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ara solventar una crisis creativa, el escritor Jack Torrance acepta pasar todo el invierno cuidando el aislado hotel Overlook junto a su mujer Wendy, y su hijo Danny. Este último posee un poder especial, el resplandor, que le permite cosas que otros no pueden. Gracias a eso, comienza a intuir que el hotel está afectando a la cordura de su padre. Análisis
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í hablamos de clásicos estaríamos cometiendo un pecado omitiendo esta magistral película de Kubrick, El resplandor, el orden de las escenas, los encuadres, y las impecables actuaciones nos arrojan un resultado sin precedentes. Los detalles de la película son
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primordiales para la composición visual que nos ofrece el director, la música acompañada de algunas de las más emblemáticas escenas no sólo a nivel de película sino de la industria cinematográfica, fueron el antecedente directo a lo que hoy conocemos como cine de terror.
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Dimensión 7 Los enormes y largos pasillos, la atmósfera silenciosa, las luces enfocando un sitio en espera de la llegada de un suceso inusual, los lugares vacíos proyectando siluetas del pasado y entonando psicofonías fantasmales de otros tiempos, historias dentro de otras historias y algunas características más que en la actualidad son imprescindibles en las cintas de éste género. La importancia de este filme radica en la inteligencia de Kubrick, por lograr meterse en la mente del espectador, y poder jugar con las emociones sin recurrir a trucos musicales o efectos ruidosos, el perfecto equilibrio entre la atmósfera y la trama allanan el camino para el correcto desarrollo de la cinta. El control de Kubrick, en todos los elementos de la cinta la vuelven aún más emblemática, pues la disposición de los cuartos, pasillos, pisos, ventanas y exteriores como el laberinto, fueron previamente estudiados según la importancia que tendría cada uno dentro de la transformación psíquica del personaje principal. Las historias sobre psicópatas no son nuevas sin embargo, hay algo que coloco a Kubrick, como el maestro de maestros en este género, El resplandor, se distingue porque dentro de su trama y su estructura no guarda secretos ni trucos para provocar miedo, la dupla del director y el actor principal logró una inigualable combinación
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de matices en las que uno llega a experimentar la locura que subsiste en toda la trama, vernos envueltos en el deterioro mental y físico de un estupendo Jack Nicholson como Jack Torrance, es producto de las órdenes precisas de Stanley y el nivel actoral de Nicholson. La película ha ido ganando adeptos hasta considerarse de culto, las representaciones simbólicas, los mensajes ocultos y la proyección del mal en la vida de un humano dispuesta a manera de “ficción” fue un acierto que supo adaptar de manera ejemplar Stanley. La película está basada en un libro de Stephen King, en ese tiempo él ya era reconocido como escritor superventas, después de que triunfará la adaptación cinematográfica que le hicieron a su libro Carrie. Hubieron una serie de conflictos que perduraron hasta después de haber finalizado la grabación de El resplandor, King nunca disimulo el rechazo hacía la adaptación de su libro por parte de Kubrick, en una ocasión llegó a declarar que el director no entendía el género de terror y por ello su fallido intento de lograr algo admisible con su obra. El guión fue escrito por el propio Kubrick, con ayuda de la escritora Diane Johnson, dado que antes había rechazado el guión de Stephen, por considerarlo demasiado literario, los problemas seguían ya que la escritora declaró que la literatura de King no le parecía agradable e incluso la menospreciaba y llegó a decir en una entrevista concedida a la revista positiv lo siguiente: Entre nosotros, The Shining (la novela) no forma parte de la gran literatura. Da miedo, es eficaz y funciona, sin más (…). Pero precisamente es interesante ver cómo un libro bastante malo puede ser también muy eficaz.
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Dimensión 7 (…) es bastante pretencioso. Pero también es cierto que se tienen menos escrúpulos al destrozarlo: una es consciente de que no se está destruyendo una gran obra de arte. Las declaraciones y los cambios radicales de Stanley a la obra de King fueron protagonistas durante y después de acabar la versión fílmica del libro. Los problemas durante el rodaje de una cinta siempre ayudan de una u otra forma a su publicidad, queda claro que no fue una estrategia comercial lo suscitado entre King y Kubrick, pero sin duda permitió que se iniciará una aura de misterio entorno a ella. En cuanto a la música Stanley, abre la proyección con el tema Dies irae, basado en un himno fúnebre latino de la Edad Media
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remezclado con sintetizadores y voces por Wendy Carlos y Rachel Elkind, que ya habían intervenido en la banda sonora de La naranja mecánica.
La fotografía y los movimientos que eligió el director fueron los adecuados para lograr la tensión entre espectador y la película. Cuando uno se pone a ver el resplandor es imposible no inquietarnos con algunas escenas que más que conmocionarnos
nos aturden por la falta de efectos sonoros y logran de manera exitosa ponernos al filo de la butaca en espera de la estocada final. Considerada una obra maestra, sobrevalorada para algunos justificada para otros. El Resplandor se coloca como una digna representación del cine de terror, una obra imprescindible para cualquier cinéfilo, de antemano sabemos que no nos enfrentaremos a monstruos ni a criaturas extrañas sólo a un personaje común y corriente con un matrimonio “estable” y una vida sin percances, lo que lleva el misterio es la pregunta que impera en la vida del humano ¿Hasta qué límite de la frustración podemos llegar antes de alcanzar a la locura?
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1985
Dimensión 7
Volver al futuro Ficha técnica Año 1985 Duración 116 min. País Estados Unidos Director Robert Zemeckis Guión Bob Gale & Robert Zemeckis Música Alan Silvestri Reparto Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Claudia Wells, Thomas F. Wilson, James Tolkan, Billy Zane, Sachi Parker Productora Universal Pictures Género Ciencia ficción. Comedia. Fantástico. Aventuras | Viajes en el tiempo. Comedia juvenil. Adolescencia. Cine familiar Presupuesto
USD 19 000 0002
Recaudación
USD 381 109 7622
Noviembre 2014
Crítica
Sinopsis
M
arty McFly (Michael J. Fox), un adolescente que vive en el año de 1985 es amigo del Dr. Emmett Brown, quien crea una máquina para viajar en el tiempo. Por un error Marty es enviado al año de 1955, año en que sus padres aún no se conocían. Después por un error suyo evita que se conozcan, por lo cual su misión será ayudarlos a estar juntos o de lo contrario su existencia se verá en riesgo.
L
o ridículo sería intentar explicar por qué Volver al futuro (incluyendo sus otros dos filmes) es una película de culto. No recuerdo cuántas veces he pensado en comprar un DeLorean DMC-12 sólo para presumirlo por las calles (aunque pensándolo bien, en la ciudad de México no sería una buena idea), ni cuántas veces he querido reparar un error cometido en el pasado e imaginariamente me he visualizado al lado del Dr. Brown a punto de emprender la aventura.
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Esta no es una película que se pueda juzgar debidamente sólo centrándose en su riqueza argumental, ni en la calidad de los efectos hechos por computadora en 1985, quizá ni siquiera por las actuaciones de sus personajes. Este es un filme de esos que te llenan de sueños y fantasías y en los que los detalles técnicos y de actuación pasan a segundo plano (al menos en mi opinión).
Christopher Lloyd con el Dr Brown. No olvidemos que esta película además de ser ciencia ficción (la decima mejor según el American Film Institute) también cabe dentro del género de comedia por lo que sus actuaciones vienen a ser valoradas a través de la gracia y carisma que logran transmitirnos. Lo cual sin duda alguna llevan a cabo a la perfección: es una película muy divertida y los personajes fueron tan simbólicos que pasaron a formar Michael J. Fox dejó de ser parte de la cultura popular (e incluso Michael J. Fox, todos lo conocemos le hicieron una serie animada). como Marty, porque al igual que lo El tema (el viaje a través del sucedido en los últimos años con Harry Potter y Daniel Radcliffe, se tiempo) no es algo nuevo ni lo era apropió del personaje, al igual que en su época, pero la selección de actores, elementos (por ejemplo,
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el DeLorean, no iba a ser un auto sino un refrigerador), el guión tan emblemático (que surge a partir de una idea de su director: “qué pasaría si hubiera conocido a su padre cuando eran de la misma edad”) hacen de esta película un referente de la generación de los años 80. En cuanto a los efectos especiales, al igual que sucede con otros films de la época como Star wars, Terminator, Robocop, Depredador o algunas películas gore (sí, ¿por qué no mencionarlas?) pudieron haber sido de mayor calidad si hubieran sido producidas en nuestros tiempos, pero a decir verdad, ese toque Vintage es en parte lo que le da vida a la historia
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Dimensión 7 y parte de lo que hizo pensar a los jóvenes de aquella generación acerca de cómo sería el futuro, qué cambios vendrían y qué tantos de los artilugios tecnológicos que aparecían en la pantalla podrían ser realidad (al menos los Nike’s de Marty en Volver al futuro 2 y la patineta voladora serán una realidad el próximo año). El humor siempre ha sido la clave para atraer al público y es el eje principal de la historia, que si bien es entretenida, lo que te mantiene pegado a la pantalla son las ocurrencias absurdas que se van dando a lo largo de una trama que quizá propuesta unas décadas antes pudiera haber parecido un sinsentido.
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19 millones de dólares fue lo que le costo el chiste a Universal Pictures, pero ese chiste se convirtió en uno de aquellos que pasan de generación en generación y siguen dando risa. Lo más caro en cuestiones de producción (principalmente en la primera entrega) fue el diseño y creación de los escenarios (la torre del reloj por ejemplo), además de los 7 autos diferentes que se usaron a lo largo de la trilogía, así como el nitrógeno y otros artefactos usados para obtener esos efectos únicos de la época.
fue de las encargadas de iniciar con una tradición, la de seguir las películas de ciencia ficción, ya que el género fue realmente admirado a partir de ésa época. La torre del reloj, Marty enseñando a sus padres (y sus mayores en tiempos venideros) como se debe de rockear en un escenario (algo así, tan futurístico y emocionante como ver rockear al holograma de Pac en el Coachella 2012), el fuego que dejaba la máquina del tiempo al desaparecer, entre otros elementos, son sólo parte del gran fenómeno que Podría extenderme en Volver al futuro fue en su momento detalles, pero por esta vez sólo haré y que hasta el día de hoy muchos referencia a la primer película que vemos con nostalgia y emoción.
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1990
Dimensión 7
Sinopsis
Ficha técnica
enry Hill, a la edad de 13, decide abandonar la escuela debido a su fascinación por los gangsters de su barrio. Primero empieza como el encargado de los recados, pero conforme pasan los años se gana la confianza de sus jefes y asciende de nivel.
Año 1990 Duración 148 min. País Estados Unidos Director Martin Scorsese Guión Nicholas Pileggi, Martin Scorsese (Novela: Nicholas Pileggi) Reparto Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino, Debi Mazar, Mike Starr, Tony Darrow, Frank Sivero, Frank Vincent, Chuck Low, Frank DiLeo, Productora Warner Bros. Recaudación $46.836.394 Género Thriller. Drama | Mafia. Crimen.
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Crítica
P
ara muchos Goodfellas (Buenos muchachos en México) es la mejor película de Martin Scorsese. ¿La razón?, la primera que me viene a la mente es que esta historia (que extrae de un libro
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de Nicholas Pileggi) es la historia más cercana a él, la que él conocía mejor, y la que podía explicar de mejor manera. Como sabemos Martin se crio en una de las partes más violentas de Nueva York, y a través de esta película expresó lo que es y fue su realidad: su vida. Scorsese deja en claro su talento para crear cine (esta vez prescindiendo de su amigo Paul Schrader como guionista), su selectividad (al saber utilizar recursos que ya han sido utilizados con anterioridad: después de ver el Padrino pareciera que no hay mejor ni otra manera de contar una historia sobre gangsters), su creatividad e ingenio para establecer saltos temporales tan
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adecuados y exactos, el estupendo uso de Voz en off (como en Taxi Driver), la selección de imágenes significativas a lo largo del firme y el manejo excepcional de cámaras (pocos directores saben retratar su entorno como las emociones que lo rodean con tanta sensatez).
en la Mafia. Acompañado de su jefe Pauly (Paul Sorvino), Jimmy Conway (Robert de Niro) y de Tony (Joe Pesci) irá ganando el respeto que tanto añora y la confianza de sus jefes. La vida “hustler” promete, y demasiado, pero a un alto costo.
Henry Hill (Ray Liotta), es un niño apasionado por la vida de gangster. Su deseo más profundo es salir del lugar en el que vive y obtener el poder y el respeto que sólo puede conseguirse
La violencia es el principal eje de la película. Pero no es una violencia sin sentido, sino una que sirve para darle coherencia y solidez a la trama, una que hará entender lo dura que es la vida de los negocios
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turbios (y que claro, si no eres italiano o irlandés no llegarás muy lejos al final). En lo personal no es mi película favorita de Scorsese, pero entiendo perfectamente que se considere como su obra maestra. Después de tantos otros filmes emblemáticos hechos antes, ya sea Toro salvaje (1980), El rey de la comedia (1983), o Taxi Driver (1976), en este largometraje se denota madurez por parte del director: la culminación de su perfeccionismo.
En este logra conjuntar y retratar su visión particular del mundo: la amistad, el trabajo, el placer, la sociedad, los valores, la violencia y la familia. Y pongo la familia hasta el final puesto que aunque pareciera ser el aspecto más cuidado (por parte de los personajes) al final resulta estar lleno de traiciones y engaños. De Niro debido a sus grandes actuaciones y a su amistad con Martin, siempre solía obtener el papel
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Dimensión 7 protagónico, y aunque en esta ocasión no fue él, el eje sobre el que gira la historia, vuelve a lucirse. Aunque después fuera criticado por su actuación en Casino (1995) por las grandes similitudes con Goodfellas, en ambos filmes sale librado. Robert hizo escuela y Scorsese fue el encargado de darle forma a su carrera y de eso no hay duda. La actuación de Ray Liotta es más que acertada, logra transmitir el deseo y la ambición propias de alguien que aspira a llegar a la cima y lucha por ello sin importar el costo. ¿Y qué puedo decirles de Joe Pesci?, nunca he visto a alguien interpretar el papel de “loco” mejor que él: Tony (irónicamente llamado igual que otro que podría arrebatarle el titulo: Tony Montana) es el asesino desquiciado, inestable mentalmente, caprichoso y ambicioso por excelencia. Siempre que se habla de películas de este género, “El padrino” sale a relucir, y bien merecidamente. Don Corleone es el jefe por excelencia, luego sustituido por Al Pacino, quien es otro de esos matones inolvidables, y eso nadie puede negarlo. Sin embargo, si hablamos del ascenso al poder (y del costo que tiene), o sea, de la historia de delincuentes quienes tuvieron que empezar desde cero, Buenos muchachos se lleva el premio. Y por si fuera poco, tomemos en cuenta que el libro de Pileggi, Wiseguy, está basado en hechos reales. Además del Oscar obtenido por Joe Pesci a mejor actor de reparto (¿quién más podía ganarlo?) el filme recibió cinco premios por parte de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión y fue nombrada mejor película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y por la Asociación Nacional de Críticos de Cine. Goodfellas Fue declarada de “importancia cultural” y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.
Escenas de la película Goodfellas
Escenas de la película Goodfellas
No hay discusión, es una película de culto en su género, y así, junto al padrino logra despertar nuestros deseos por la vida fácil (bueno, no tanto), el poder y el dinero. Y al menos a mí siempre me hace cuestionar acerca de lo que debí hacer con mi vida. “Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón, quise ser un gánster”Henry Hill.
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1992
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eservoir Dos, es un filme también conocido como “Perros de Reserva” por su traducción en México; en algunos otros países de Hispanoamérica es conocido como “Perros de la calle”. Es génesis de cineasta Tarantino, el primer largometraje donde se estrenó como director y guionista. La obra vio la luz en el año 1992. Contando con Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney y Michael Madsen como actores principales.
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En sus inicios, Tarantino trabajó como empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a sus amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, un formato de 16 mm y el productor Lawrence Bender sería quien realizaría el papel de “Eddie Cabot”. Sin embargo, el actor Harvey Keitel se involucró en el proyecto por vía de la esposa del profesor de actuación de Bender, la cual entregó una copia del guion a Keitel, quien estuvo no sólo de acuerdo en tener un papel en el film, sino también en coproducirlo.
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Dimensión 7 al momento del robo, y los protagonistas se ven obligados a huir para reunirse en un sitio pactado.
El guion, tan poco rebuscado como sólido, nos permite jugar con la intriga por descubrir qué ha pasado para que el tan estructurado plan se echara por la borda. Los personajes van sufriendo trastornos nerviosos cada vez más elevados, en etapas en donde la desconfianza hacia el otro aumenta progresivamente. La idea de un delator cobra cada vez más firmeza, hasta terminar por desconfiar uno del otro A modo de resumen, visto así el argumento no parece nada excepcional ni del otro mundo pero la importancia no reside en el argumento en si sino en la manera de contarlo, que es mediante sucesivas vueltas atrás en el tiempo conocidas como “Flashbacks”.
Con la ayuda de Keitel, los realizadores fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1,2 millones de dólares para la realización del film, demasiado extenso para una
Estos flashbacks están colocados de manera magistral a lo largo de toda la película y no hacen que en ningún momento perdamos el hilo o nos liemos con tantas vueltas atrás, como bien sucede en la mayoría de películas que implementan esta técnica narrativa, incluso nos proporcionan información y nos aclaran detalles importantes para esclarecer la trama. Dado que al principio de la película no sabemos nada y son los propios flashbacks los que realmente nos van narrando lo ocurrido. Respecto a los personajes todos y cada uno están bien diferenciados y tienen una personalidad que les hacen igualmente carismáticos y hacen que ninguno sobresalga de los demás; todos los personajes brillan en la cinta. Tarantino desarrolla casi toda la película en un solo escenario. Allí construye diversos estados sofocantes, angustiosos, también se las ingenia para ambientar las secuencias con una musicalización sugestiva, algo que de aquí en adelante, se convertiría en otra de las piezas claves en su carrera fílmica.
película realizada de forma independiente, pero una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood. La película desde entonces es vista como un importante y muy influyente filme del cine independiente. El creador nos sumerge en una historia de atracos, en donde una banda bien organizada tiene como encomienda el robo a una importante joyería. Los integrantes de este grupo criminal poseen la particularidad de no conocerse entre sí, llamándose bajo nombres de colores, en donde Harvey Keitel es Mr. White y Steve Buscemi Mr. Pink, por ejemplo. Algo sale mal; ante la llegada de policías
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Quentin llama la atención, por el asomo
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Dimensión 7 de lo que luego sería siempre una característica
innata en sus crónicas: el exceso. Y nos lo enseña con un cuadro retorcido en una de las circunstancias más fuertes de aquellos años, desbordante de violencia y alaridos extremos, en donde Michael Madsen toma el rol principal. Reserver Dogs cuenta con una reproducción de poco más de hora y media, siendo de culto, y por sus características, raramente deja indiferentes a espectadores, es un filme digno de admirar tanto por el público, como personar relacionadas con el medio del cine. Además de recibir grandes ovaciones por parte del público en general, recivio diversos premios, entre los que cabe destacar a mejor director: Quentin Tarantino. Avignon Film Festival (1992). Mejor actor secundario: Steve Buscemi. Independent Spirit Awards (1993). Nuevo director del año: Tarantino.
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London Critics Circle Film Awards (1993). Mejor director y Mejor Guion: Quentin Tarantino. Sitges Catalan International Film Festival (1992). Caballo de oro para Quentin Tarantino. Stockholm Film Festival (1992). Premio de la Crítica Internacional: Tarantino. Festival de Cine de Toronto (1992). Algo debe tener esta película que para que hayan pasado ya 18 años desde su estreno y siga enganchando a la gente y dando de qué hablar. Entre su innovadora técnica narrativa con sus flashbacks, su tensión en toda la película, sus grandiosos y cuidadísimos diálogos que nos harán echar unas risas de vez en cuando. Tarantino se estrenó en el mundo del cine a lo grande creando una obra maestra. Son de esas películas de las que aunque hayas visto 30 veces siempre sacas algo nuevo de ella o te deja con una nueva experiencia. En definitiva un peliculón que nadie amante del séptimo arte debería perderse.
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1994
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ulp Fiction (también llamada Tiempos Violentos), es un film de culto, con gangsters, cómedia negra y drama. Es totalmente creación de Tarantino, desde el guión, hasta la dirección; donde se ve reflejada la realidad de nuestras sociedades, tomando como muestra la sociedad más corrupta: la sociedad Norteamericana. Tarantino refleja en esta película todas las
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perversidades que pueden existir en una comunidad, desde drogas, dinero sucio, asesinatos a mano fría hasta violaciones de hombres a hombres. Lo primero que se debe tomar en cuenta en este gran filme, es su brillante guion, ya que lo hace memorable es la estructura narrativa es que va de adelante hacia atrás, toma atajos, y presenta escenas en un
orden alterado cronológicamente. La historia no es contada de una forma lineal, sino circular; es decir, el inicio es el final pausado de la película y es tarea de uno ir sacando secuencias para ir construyendo la trama de una forma lógica y poder comprender que es lo que Tarantino nos quiere transmitir. La película es narrada por capítulos (clásico de Tarantino), y nos van repartiendo la historia
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de forma inteligente, haciendo que con cada escena que veamos queramos saber más a profundidad que demonio es lo que ocurre. Es un estilo digno de reconocer de este tan enigmático cineasta, difícil de igualar. Su combinación irónica de humor y violencia, y sus múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, que fueron tan utilizadas posteriormente, influyó en la forma de hacer cine.
ganó el Óscar al mejor guion original. También, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones.
El primer borrador de su historia tenía 500 páginas y tras un primer vistazo de los ejecutivos de TriStar, el guión fue rechazado porque “no parecía una película de su estilo”. Curiosamente los distribuidores de ‘Reservoir Dogs’, los hermanos Weinstein, no dudaron que ‘Pulp Fiction’ Se estrenó en mayo de 1994 sería un éxito. Y Miramax se hizo en el Festival de Cine de Cannes, cargo de la producción definitiva. donde consiguió la Palma de Oro. Luego fue galardonada con el Globo Los personajes principales de Oro al mejor guion y obtuvo Son Danny Zucko (John Travolta); siete candidaturas en la 67ª edición Mia (Umma Thurman); Bruce Willis de los Premios Óscar, si bien solo y Samuel L. Jackson, quienes nos
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sumergen en una intrigante historia donde la violencia es el sinónimo del film, y los momentos inesperados están a la vuelta de la esquina. Son personajes divertidos, extraños, magnéticos y explosivos; y entre ellos, hay una química que no se puede negar. Umma Thurman y Jhon Travolta, por su parte, son personajes hechos arte, desde su primer encuentro en que ella lo guía con el megáfono de la casa, pasando por su baile en el restaurante cincuentero, el cuál se instauró en las mentes de los espectadores como si de un clásico instantáneo se tratara; hasta la sobredosis de heroína. A nivel de actuación podemos resaltar también la brutal interpretación de Samuel L. Jackson, que en conjunto con
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Travolta, hacen la pareja perfecta, con momentos donde sus diálogos nos harán reír, y otros donde la violencia se apoderara de la pantalla, además llevan el perfecto equilibro entre tranquilidad y agresividad. Uma Thurman, por otro lado no se queda atrás (no es por nada que se ha convertido en una de las favoritas de Quentin), y Bruce Willis como un hombre sereno, de pocas palabras pero con violencia en su interior. La música no podía ser más acertada, con una combinación de clásicos del Rock n’ Roll, Pop y Soul, con piezas como “Surf Rider” de
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The Lively Ones, “You Never Can Tell” de Chuck Berry o “Misirlou” de Dick Dale & His Del-Tones, “Girl, You’ll Be A Woman Soon” de Urge Overkill por mencionar algunos. Lo cierto es que Tarantino junto con su equipo de producción se encargaron de escoger temas que iban como anillo al dedo, dotando de mayor personalidad al film.
con este tipo de narrativa y de lenguaje cinematográfico fue fuertemente criticada, las mentes estrechas tienden a atacar lo que supera su habilidad de entendimiento, sin embargo, su estructura casi vanguardista, las escenas de violencia y ese panorama pintoresco y curioso de la vida de los criminales logro posicionar a Pulp Fiction, como un ícono del cine de acción.
En ningún momento se podrá llegar a precisar la cantidad de personas que han visto esta película y no se puede discutir su inminente paso a película de culto. Debido a que en 1994, todavía no se presentaba una cinta
Si Pulp Fiction no ha pasado por tu historial de películas vistas, entonces no te imaginas la joya de la que te estás perdiendo, estamos ante una de esas obras que no vemos muy seguido. ¡Una historia inesperada, original y con un desborde de personalidad!
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1996
“
Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige la salud, colesterol bajo y seguros dentales. Elige pagar hipotecas a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos baratos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura.
Elige
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pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado p a r a reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida... ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la
vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?” Estas son las palabras con las que Mark Renton, el protagonista de la película trainspotting comienza a sumergirnos en su historia; él es heroinómano por convicción, y piensa que seguir a la multitud y llevar una vida normal es complicado. El adicto no trabaja, no tiene pareja, no tiene responsabilidades ni moral, solamente tiene que preocuparse de conseguir algo que vender para costear su adicción. No se estresa, no tiene controversias amorosas y es bastante individual. Su filosofía de vida se puede ver resumida en unas cuantas palabras, una pregunta para ser precisos: ¿Para qué elegir un modelo de vida? Sin embargo, con el paso del tiempo, se da cuenta de que no puede estar sumido en un destino circular, por lo que decide salir de las drogas en dos ocasiones: la primera vez que decide intentarlo, no lo logra. Pero la segunda vez, después de haberse metido en un problema, y por presión por parte de sus padres y una condena de rehabilitación forzada, lo logra, y se convence que sí hay algo peor que una vida monótona, aburrida y predecible, es vivir escapando de ella.
Trainspotting
es
una
película escocesa, fue presentada al público en 1996, causando gran controversia, ya que se decía que fomentaba el uso de drogas entre la juventud. Fue un auténtico bombazo tanto por su estética como por su contenido, pues nunca se había tratado de un modo tan crudamente humano el tema de las drogas. Fue dirigida por Danny Boyle. La historia está basada en la novela Trainspotting de Irvine Welsh, solo que el personaje principal es Mikey Forrester, un punk que vive en una habitación con tan solo un colchón. El título Trainspotting tiene un doble significado, por un lado hace referencia a un pasaje del libro en el que Begbie y Renton conocen a un borracho en la estación de trenes. Begbie y Renton usan la estación para hacer sus necesidades y el borracho les pregunta, intentando hacer un chiste, si están haciendo trainspotting. Por otra parte hace referencia al argot escocés en donde el término trainspotting significa ‘buscar una vena para inyectarse droga. El término anglosajón “trainspotting” se utiliza para referirse a la afición relativamente popular en el Reino Unido de observar trenes; este hobby es similar al de planespotting, que tiene por objeto los aviones.
Trainspoting es la obra más importante de Danny Boyle; fueron muy arriesgadas las escenas en su momento, por lo surrealistas que llegan a ser algunas; sobre todo las extrañas alucinaciones de Renton en el camino hacia su recuperación de las drogas. Es importante considerar que hay una gran lucha interna por parte del personaje en su deseo de dejar las drogas como método para recuperar a su vida, pero como en la vida real, las relaciones interpersonales son fundamentales para este proceso. Y es imposible desistir de tentaciones como lo es la heroína para los adictos, teniéndolas enfrente, o socializando con personas que no han logrado salir de las drogas. Trainspotting plantea crudamente la re a l i d a d de aquellos que llevan una lucha interna en contra de las drogas y sus propios demonios internos, una lucha en contra de la
comodidad de la fantasía, una lucha contra la depresión y el sinsentido que le encuentra una persona adicta a la vida después de haber experimentado sensaciones tan fuertes como las que proporciona la heroína. Es difícil después de un trauma así, encontrarle sentido a la vida. Algo que carece de sentido en sí mismo. Al final de la película, Renton toma lo vivido como una especie de aprendizaje, da la espalda a las drogas, sus amigos y reflexiona sobre ello: “Me lo he justificado a mí mismo de todas las maneras. Que no era para tanto, solo una pequeña traición, o que nuestras vidas habían ido por caminos cada vez más distintos, ese tipo de cosas. Pero afrontémoslo: le di el palo a mis supuestos colegas. A mí Bergbie me importaba una mierda, y Sick Boy, él me habría hecho lo mismo si se le hubiese ocurrido primero, y Spud, bueno, lo sentí por Spud, él nunca hizo daño a nadie. Entonces, ¿por qué lo hice? Podría ofrecerles u n millón d e respuestas, todas falsas.
Lo cierto es que soy una mala persona, pero eso va a cambiar, yo voy a cambiar. Es la última vez que hago algo así. Ahora voy a reformarme y dejar esto atrás, ir por el buen camino y elegir la vida. Estoy deseándolo, voy a ser igual que vosotros. El trabajo, la familia, el televisor grande que te cagas, la lavadora, el coche, el equipo de compact disc y el abrelatas eléctrico, buena salud, colesterol bajo, seguro dental, hipoteca, piso piloto, ropa deportiva, traje de marca, bricolaje, teleconcursos, comida basura, niños, paseos por el parque, jornada de nueve a cinco, jugar bien al golf, lavar el coche, jerseys elegantes, navidades en familia, planes de pensiones, desgravación fiscal... ir tirando mirando hacia delante hasta el día en que la palmes.” Boyle ha declarado a los medios que va a preparar la secuela de Trainspotting, que tendrá lugar diez años después de su película original. Está esperando a que los actores originales envejezcan visiblemente. No puedes perderte este film, es una gran propuesta de cine de culto de los años noventa; y la banda sonora elegida es de apreciarse. El tema principal es “Lust for Life” (1990) de Iggy Pop.
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Dimensión 7
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Ficha técnica Título original: Mononoke Hime Dirección: Hayao Miyazaki Guión: Hayao Miyazaki Música: Joe Hisaishi Nacionalidad: Japonesa Año: 1997 Género: Animación, manga Duración:136 min
L
a princesa Mononoke es un maravilloso film capaz de hacernos reflexionar acerca del destino de nuestro planeta. En medio del caos el ser humano ha sido capaz de contaminar el planeta en su esencia y en su ambiente, dando como resultado una lucha interminable entre el hombre y la naturaleza. Lucha que es el eje principal para entender esta película. Pareciera increíble que películas animadas logren captar la atención del público adulto, y más aun, de transmitir emociones del mundo real, y si dudan de ello, deben darle la oportunidad a Hayao Miyazaki de demostrarles
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lo contrario. El prodigioso director da rienda a su imaginación y crea un mundo fantástico en el que el conflicto entre el deseo del hombre por el progreso y la degradación de la naturaleza se hace presente, pero no de cualquier manera.
Durante su viaje conoce a los dioses del bosque y a las criaturas mágicas que lo habitan, y a San, también conocida como la princesa Mononoke, quien está decidida a luchar junto con los dioses contra los humanos provenientes de una ciudad industrializada que se encuentra junto al bosque, ya que desean Todo comienza cuando explotar el medio ambiente para su Ashitaka (el último príncipe de la provecho. Ante esto Ashitaka será tribu Emishi) salva a su aldea del un espectador y nosotros podemos ataque de una criatura endemoniada, apreciar lo que sucede a través de él. quien resulta ser un dios protector La calidad del dibujo (tal como en el del bosque, y como consecuencia anime) es impecable; los japoneses cae sobre él una maldición. Y es así siempre han sabido distinguirse por como Ashitaka decide emprender su manera de dibujar y de dotar de un viaje al centro del bosque para carácter y características humanas (o encontrar una cura a su mal. no humanas) a sus personajes a través revistadimension7.wordpress.com
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de sus trazos. Los personajes, aunque parezcan simples seres irreales, son sorprendentemente tan sensibles y parecidos a nosotros los humanos que nos podemos identificar con ellos. Y del soundtrack, ni se diga, pues encaja perfectamente y en armonía con cada escena. Y así, el mundo irreal de la princesa Mononoke se convierte en una metáfora del mundo real.
actuales calificados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. ¿Cómo es posible que los dibujos puedan transmitirnos tanto acerca del mundo real? No lo sé, pero la magia está ahí, y por eso en dimensión 7 consideramos a Miyazaki como un director destacado que fue capaz de llevarnos a la reflexión y dejar
huella en nosotros. Y por eso La princesa Mononoke es merecedora de un lugar dentro de este conglomerado de películas de culto. Si crees que las “caricaturas” no son lo suficiente maduras para ti, deberías conseguir el filme, verlo y así darte cuenta de que estás en un error, y que el cine animado es tan valioso como aquel que no lo es.
La Princesa Mononoke ganó el Premio a la Mejor Película de la Academia de cine japonesa en 1998, y fue en su momento la cinta más exitosa de todos los tiempos en Japón, recaudando más de 150 millones de dólares en taquilla. Para la realización de los paisajes, se tomaron como modelo bosques japoneses
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1999
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“Bienvenido al Club de la Pelea. La primera regla del Club de la Pelea es no hablar del Club de la Pelea. La segunda regla del Club de la Pelea es NO hablar del Club de la Pelea! La tercera regla del Club de la Pelea es que si alguien pide que se detengan, desfallece, se rinde dando toques, se acabó la pelea. Cuarta regla: sólo dos tipos por pelea. Quinta regla: una pelea a la vez, amigos. Sexta regla: las peleas son a torso desnudo. Sin camisa, sin zapatos, sin armas. Séptima regla: las peleas durarán lo que tengan que durar. Y la octava y última regla: si es tu primea noche en el Club de la Pelea, tienes que pelear”- Tyler Durden.
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i aceptas este sencillo repaso de reglas, tú puedes ingresar al Club de la Pelea, ¿te interesa? Tal vez necesites pensarlo dos veces porque el club de la pelea no es sólo un lugar para “divertirse” lanzando golpes o tirándose los dientes: es toda una ideología. De esta manera fue pensada El Club de la Pelea (The Fight Club, en su versión original en inglés), la novela de Chuck Palahniuk (1996) y la película homónima de David Fincher (1999). ¿Cómo lograr que una película de luchas clandestinas trascienda la superficialidad de salpicar sangre por dinero o por amor? En el ámbito hollywoodense sonaría como una
concepción casi imposible. Sin embargo, El Club de la Pelea es capaz de romper esa barrera a través de personajes comunes y complejos a la vez, diálogos inteligentes y una dirección impoluta. ¿De qué se trata?
A
ntes de intentar develar el trasfondo del Club de la Pelea es necesario darte a conocer de quiénes hablamos. Para introducir a la complejidad del Club de la Pelea es necesario decir que, de entrada, no conocemos el nombre del protagonista a quien el director sólo se refiere como “narrador” (Edward Norton) en los créditos finales. Al realizar una investigación pudimos conocer que su verdadero nombre es Jack.
Jack, cuyo nombre no se menciona una sola vez en el filme, es un treintañero soltero empleado en una gran compañía. Cansado de su rutinaria vida, comienza a asistir a una serie de grupos de autoayuda para personas con serios problemas de salud física o mental a pesar de no estar enfermo de nada. Ahí el narrador conoce a Marla (Helena Bonham Carter), una drogadicta en busca de ayuda psicológica que también asiste a los grupos de autoayuda. Jack continuó con su miserable vida de oficina y constantes viajes. Durante uno de esos vuelos, el narrador conoce a Tyler Durden revistadimension7.wordpress.com (Brad Pitt), un vendedor de jabones
con un estilo de vida relajado y una ideología muy particular. Al llegar a su condominio, el narrador se encuentra con que su departamento ha sido incendiado. Ante esto, se pone en contacto con Tyler para pedirle asilo. Jack lo había perdido todo. Tyler lo cita en un bar, acepta que se quede en su casa y esa misma noche, comienzan con una práctica que desencadenaría un gran imperio ideológico: el Club de la Pelea. Al principio, el Club de la Pelea funge como un lugar de desestrés liderado por Tyler y Jack, sostenido mediante la venta de jabón de humano. Después, el club da un giro cuando Tyler lo convierte en un grupo delincuencial destinado a terminar con todo tipo de orden social, económico,
entre comicidad y drama de este largometraje, los personajes complejos aunados a la gran calidad de la dirección de David Fincher hacen del Club de la Pelea un filme excepcional. La película es sencillamente violenta, profunda y adictiva de muchas maneras. Por un lado, podemos enfocarnos en los temas que trata la historia. La crisis provocada por la excesiva valoración de lo material, la profundidad filosófica en el discurso de Tyler Durden basado en el nihilismo, la crítica al consumismo y el anticorporativismo; y las actitudes homoeróticas entre el narrador y Tyler que provocan esa sensación de incomodidad entre los más sensibles, no te permiten despegarte del asiento. También se encuentra la manera
judicial, político y moral. Jack se da cuenta de todo en lo que se ha convertido el club e intentará resarcir el propósito del club y todos los aspectos de su vida. En el ámbito amoroso, tratará de recuperar el amor de Marla a quien ha tratado muy mal desde su amistad con Tyler. En el aspecto social, tratará de acabar con la maquina humana de destrucción que el mismo, junto a Tyler, ha creado: el Club de la Pelea.
de presentar la historia. Al ser el narrador también el protagonista es común que la película se limite a mostrar sólo la visión del narrador. En El Club de la Pelea se da un giro a esta concepción y cada personaje, a pesar de la “limitada” visión del narrador, tiene autonomía propia dentro del filme. Así podemos seguir la historia desde la óptica de cada personaje. Finalmente se debe resaltar la forma en que el director, David Fincher, retoma uno de los pasajes que parecieran insignificantes dentro de la historia, los mensajes subliminales en las cintas cinematográficas, para convertir a la película en un juego de
¿Qué tiene de trascendente El Club de la Pelea?
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a narración de la trama suena Noviembre 2014 y utópica a un poco común la vez. A pesar de esto, el balance
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“El perfeccionismo es co
sa de gentes débiles;
autodestrucción
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percepción. En la cinta, este tema que es lo en cambio, la no ocupa ni cinco Dimensión minutos nuestra7 atención, pero en la técnica de la hace que la vida realmente merezca la pe na." película, Fincher usa el mensaje subliminal para presentarnos de ello es la cuenta de Twitter @ a Tyler antes de que aparezca ElClubDeLaPeleaEC, abierta hace como personaje en la historia. apenas unas semanas en la que se atroz y una película que si no se veía En los párrafos anteriores convoca a formar un club de pelea en con cuidado podría considerarse tratamos de bosquejar los puntos Ecuador. Al cierre de esta edición, la como un mensaje de aprobación básicos que hacen del Club de la cuenta contaba con 512 seguidores. a la violencia y al nihilismo. Otro ejemplo se halla en Rusia Con el paso de los años, las Pelea una historia imperdible. Sin embargo, esta es una cinta que en donde, a través de Facebook, críticas hacia la película fueron verás una y otra vez; y siempre un grupo de chavos se organiza revaloradas inclusive la película descubrirás algo nuevo. La cantidad para formar un club de pelea. fue nombrada como la película de de aproximadamente culto que define nuestro tiempo por de mensajes contenidos en ella Grupos son simplemente innumerables. 40 personas se reunen en el el periódico The New York Times límite entre las ciudades de y de acuerdo a IMDB, la base de Ekaterimburgo y Cheliábinsk. Gana datos cinematográficos más grande ¿Por qué es una cinta de el equipo que se mantiene en pie. de internet, El Club de la Pelea culto? Además de haber dejado un es la décima mejor película de la legado comprobable hasta nuestros historia. El personaje interpretado a propuesta de hacer de los golpes un medio de escape días, la cinta cumple con las por Brad Pitt, Tyler Durden fue al desestrés fue un modelo de características básicas atribuibles a nombrado como el mejor personaje imitación a principios de los 2000 un filme de culto. A su estreno en de la historia del cine por la en los Estados Unidos, donde se octubre de 1999, la cinta basada en revista de cine británica Empire. En tanto, el dinero perdido en reportó la detención de cientos de la novela de Chuck Palahniuk no personas en clubs clandestinos a tuvo buena recepción en taquilla. La taquilla se recuperó con la venta través de todo el país, meses después cinta fue filmada con un presupuesto de DVDs que desde el año 2000 de la publicación de la película. de 63 millones de dólares y sólo asciende a 6 millones de unidades, Su influencia en el surgimiento de logró recaudar 37 millones de lo que la convierte en una de las clubs de pelea a lo largo del mundo dólares en Canadá y Estado Unidos. cintas más vendidas de la historia Aunado a este fracaso taquillero, en formato casero. La película fue no ha mermado al día de hoy. la película recibió malas críticas re-editada en Blu-Ray y publicada En numerosos países del mundo existen clubs de pelea que siguen de parte de los expertos quienes el 17 de noviembre del 2009. Sin duda, el secreto del encanto el ejemplo de la película. Muestra la tacharon de ser una explosión mental de testosterona. Se le tachó del Club de Pelea es que es, como de ser un thriller irresponsable, dijo David Fincher, ser “una película seria hecha por gente nada seria”. En otras palabras, una película tan dispuesta a abordar cuestiones profundas como a simplemente reírse y contrariarse a sí misma. ¿Qué es El Club de la Pelea sino el producto más comercial de crítica al anti-materialismo? Una película de grandes ideas y profundas ambigüedades que puede ser analizada de muchas maneras. revistadimension7.wordpress.com
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ill Bill es una película ubicada entre los géneros acción y suspenso. Fue escrita y dirigida por Quentin Tarantino. Inicialmente Kill Bill fue propuesta para tener un lanzamiento único en los cines, pero por su extensa duración de más de cuatro horas, fue separada en dos volúmenes: Kill Bill: Volumen 1 lanzada a finales de 2003, y Kill Bill: Volumen 2, lanzada a inicios de 2004. Las dos obras fueron bien acogidas por
sobre el nombre clave que ambas tenían en el Escuadrón Asesino Víbora Letal. Vernita dice que ella debía ser Black Mamba. Algo similar ocurrió entre Mr. Brown y Mr. Pink en Reservoir Dogs. interpretó a Kato. 3.- Cuando Beatrix Kiddo llega a Tokio, se escucha la canción “El vuelo del abejorro”, tema principal de la serie “El avispón verde”, donde Bruce Lee 4.Los antifaces que usaban los miembros de The
la crítica: muchos notando su estilo de dirección y su homenaje a géneros cinematográficos como las películas de artes marciales hongkonesa, las películas de samuráis y spaghetti western. Intentar descubrir todas las referencias y secretos en una película de Quentin Tarantino ¡está en chino!... El mismo Tarantino ofreció un millón de dólares a quien pueda entregar todas las referencias que hace en las dos cintas de Kill Bill. ¡Pero nos conformamos con medio millón!... Aquí unos datos que seguro te motivarán a prestar más atención la próxima vez que te dispongas disfrutar de estas extraordinarias películas! … 1.- Cuando Beatrix Kiddo acepta tomar café con Vernita Green, lo pide “con leche y azúcar”, igual que Mr. Wolf de Pulp Fiction. La tasa es la misma. - 2.- En esa misma escena, se muestra una discusión
Crazy 88, que protagonizaron la pelea con Beatrix Kiddo en el restaurant, son los mismos que usaba Kato. 5.- Sonny Chiba, actor que le dio vida a Hattori Hanzo, hace katanas mas: matar a Bill o saldar cuentas. 6.El nombre Hattori Hanzo también sale en la serie “Shadow Warriors” y hasta en el videojuego “Samurai Shodown”. 7.-En ingles, “bill” también también le propusieron a Kevin Cost-
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significa “cuenta”, así que el nombre de la película puede leerse de dos formas: matar a Bill o saldar cuen-as. 8.- La marca de cigarros “Red Apple” es una invención de Tarantino que sale en casi todos sus trabajos. En Kill Bill Vol. 1 aparece cuando Beatrix Kiddo camina para tomar el avión. 9.-El papel de Bill se le ofreció primero a Warren Beatty, pero Quentin decidió dárselo a David Carradine. Previamente
ner, pero lo rechazó porque estaba trabajando en la película Open Range. 10.- El papel de Uma Thurman fue un regalo que le hizo Tarantino para su cumpleaños número 30. 11.- En los créditos dice que la película está basada en “La Novia, un personaje creado por Q y U”: Quentin Tarantino y Uma Thurman. 12.- Se ocuparon más de 500 litros de sangre falsa para rodar Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol. 2. 13.Las zapatillas amarillas que usa Beatrix Kiddo en la película llevan escrita en su suela “FUCK U”. 14.Los planos del avión donde Beatrix Kiddo va preparando su lista de venganza fueron miniaturas de cartón, tal como se hacía en
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las primeras versiones de Godzilla. 15.La película Lady Snowblood (1973) cuenta la historia de una chiquilla que mata con una katana a los bandidos que violaron a su madre y mataron a su padrastro. 16.- Tarantino estaba tan obsesionado con que no se supiera el nombre del personaje de Uma Thurman que en los guiones escribía “BEEEEP” en vez de Beatrix Kiddo.
al que usó Bruce Lee en”The Chinese Connection” o “Fist of Fury”, película de 1972. 25.- Las dos películas tenían un presupuesto de 55 millones de dólares. 26.- La película parte con una dedicatoria al director japonés Kinji Fukasaku y estuvo inspirada en la película de animación japonesa Blood: The Last Vampire. 27.El restaurant donde se grabó la gran lucha de
2003 17.- Quentin puso en blanco y negro su escena más sangrienta para que no se censurara la película entera. 18.- Tarantino le entregó un alto de películas de artes marciales setenteras a su director de fotografía para que Kill Bill Vol. 1 fuera perfecta. 19.- Uma Thurman no quería utilizar doble y protagonizó casi todas las acrobacias del film. Fue tanto que incluso se cortó con un arma utilizada por David Carradine (Bill). 20.- En Kill Bill Vol. 1 fue la primera vez que Tarantino dirigió fuera de Los Ángeles, California. 21.- Para cada uno de los asesinatos de los miembros del Escuadrón Asesino Víbora Letal, Tarantino utilizó una técnica cinematográfica diferente. 22.- La clásica pelea entre Beatrix Kiddo y los yakuza “The Crazy 88” es muy parecida a la de Bruce Lee en la película Fist Of Fury. 23.- Kill Bill Vol. 1 tiene clasificación +18, a diferencia de Kill Bill Vol. 2, que tiene +16. 24.El traje amarillo que luce Uma Thurman es en
la película realmente existe. Se llama Gonpachi y tiene 3 estrellas en la guía turística Lonely Planet. 28.- Cuando Chiaki Kuriyama (Gogo) estaba grabando la escena en la que lanza su bola con la cadena, golpeó accidentalmente a Tarantino en la cabeza. 29.- Tarantino escuchó por primera vez al grupo que toca en el restaurante en una tienda de ropa de Japón. 30.¡Esperamos un cuartito de millón Tarantino!Kill Bill es una de las favoritas de todos los tiempos. No puedes abandonar este mundo sin verla! B i l l Vol. 1
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Eterno resplandor de
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Quién iba a decir que el fragmento de un poema pudiera inspirar una de las más aclamadas películas sobre amor de todos los tiempos? Esto solo nos hace pensar en el poder de la poesía, ya que como bien dicen, quien no sabe apreciar la poesía, nada sabe sobre los juegos de la seducción. ¡Sí, apreciados lectores!, Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) es poesía pura, o al menos, el film está inspirado en ello; es producto de uno de los versos del extenso, pero exquisito poema “Eloisa to Aberland”, escrito por el brillante poeta inglés Alexander Pope. Cabe señalar que el filme se nutre además de poesía, del argumento de dos libros del escritor francés Boris Vian: La hierba roja y El arrancacorazones. Es en estos libros dónde nace el radiante tema de una máquina para borrar los recuerdos. El tema de la perdida memoria como alivio para el corazón es abordado en ambos escritos. Los nombres de los protagonistas en el filme, Clémentine y Joel, son también los nombres de dos de los personajes de El arrancacorazones. Es muy curioso como la obra creada por Charlie Kaufman fue meditada como guion original,
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Björk, pero ésta lo rechazó porque después de protagonizar Bailar en la oscuridad sufrió una gran depresión y tenía miedo de recaer si volvía a actuar.
y no como adaptado, ¿no creen? Sin embargo, inspirado o no, en poesía y libros, no podemos dudar de que sea un tema muy original producido en la pantalla grande. Nunca antes habíamos disfrutado de un film con dicha temática. Y vale la pena apreciarle más allá de, si se parece o no la historia a la de un par de libros, pues ambas cosas, literatura y cine, son artes diferentes.
Eternal Sunshine es, como bien sabemos, una película estadounidense dirigida por Michel Gondry y protagonizada por Jim Carrey (Joël) y Kate Winslet (Clémentine). El papel de Clementine se esperaba que lo ocupase la cantante islandesa
Fue en el 2004 cuando esta historia vio la luz y brilló con elogios de forma abrumadora con más de treinta y cinco premios cinematográficos. Entre los que destacan el premio al Oscar 2005 a Charlie Kaufman por el mejor guion original, y en el mismo año, el premio BAFTA a Valdís Óskarsdóttir por el mejor montaje. La actuaciónde Winslet como Clementine fue incluido en la lista de la revista Premiere a las “100 mejores actuaciones de todos los tiempos” ubicándola en el No.81. En noviembre de 2009, Time Out New York clasificó la película como la tercera mejor de la década. Se ha calculado que es la segunda película más aclamada por la crítica de los años 2000 (detrás de There Will Be Blood en virtud de su número de apariciones en prominentes listas de “películas de la década”. En el filme, Joel (Jim Carrey) es un hombre solitario y rutinario que
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una mente sin recuerdos se enamora de toda mujer que ve y le presta un poquito de atención. En el 2004 un día despierta y decide, de manera impulsiva, iniciar un viaje en tren hacia una estación desconocida (en Montauk Nueva York). Es muy raro ese impulso de su parte, correr al tren impulsivamente no es hábito suyo. No recuerda haber dejado de escribir en su diario, pero, al parecer no lo hace desde hace dos años. Hay una botella de whisky vacía en la sala, no recuerda haber bebido; su carro está abollado; todo parece ser algo borroso; está confundido. Es un día raro. Lo suficiente como para faltar al trabajo y correr impulsivamente al mar. Ahí conoce a Clementine (Kate Winslet), una mujer impulsiva con cabello color azul. Ella es una una chica con problemas buscando paz espiritual. No busca complementar a nadie ni que nadie la complemente… Pero todo lo que se presenta como obvio en este filme tiene un trasfondo imprevisto, y el espectador va descubriendo poco a poco que esa no es la primera vez que Joel y Clementine se conocen. Se conocieron en realidad dos años antes. En el 2002, en esa misma playa, sólo que ella traía el cabello verde. No lo recuerdan, pero tuvieron una relación de dos años. Clementine durante su relación tenía el cabello rojo-naranja, y fueron muy felices. Pero, tampoco lo recuerdan, pues se han borrado de su mente mutuamente.
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El principio, es entonces el comienzo del final. Pero, ¿Qué habrá pasado para haberse borrado mutuamente de sus memorias? Y ¿El amor, el destino son tan fuertes como para volver a juntarlos? Descúbrelo si no la has visto! Sin duda Dimensión 7 te la recomienda!
marcan los momentos en la película y sirven para guiarse. Verde cuando conoció a Joel, rojo-naranja en los años que estuvo con él y azul, cuando lo vuelve a conocer después de que los dos se habían borrado. También debes tomar en cuenta que es además de drama romántico, es ciencia ficción. Y borrar a Eternal Sunshine es entonces, una personas de tu mente no es posible!… explosión de detalles audiovisuales y Aunque no está tan mal imaginarlo!... narrativos compleja. Diez años después de su estreno, muchos siguen sin entenderla. Para que no te pase esto, y termines confundido, te recomendamos poner atención a los elementos narrativos como planos, ambientación, sonido o ausencia de él, ededición, fotografía, vestuario, y estructura narrativa. Te servirá saber que: Clementine mostró tres c o l o r e s de pelo diferente q u e
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lguna vez te has preguntado si existen películas de culto en el cine nacional. Quizá escasas veces has oído este término al hablar de películas mexicanas, ¿sabes por qué? Simplemente porque a nivel internacional sólo un filme de nuestro país es considerado de culto: El topo de Alejandro Jodorowski. Sin embargo, existen muchos críticos y estudiosos del cine nacional en discrepancia con esta decisión. Inclusive se han tomado la libertad de nombrar cine de culto a numerosas cintas de nuestro país con base en criterios subjetivos. Cine de terror El Vampiro (1957) de Fernando Méndez es hasta ahora la única película mexicana de este género elogiada por la crítica internacional (sobre todo por la elite francesa) y un filme de culto en muchos otros países. ¿Cómo olvidar a Germán Robles degustando un buen cuello? Hoy en día existen 158 películas, 30 novelas, 19 series televisivas, 600 historietas y un musical en Broadway de este personaje siempre ávido de sangre. Las secuelas del conde que casualmente siempre se materializaba en el cuarto de las mujeres no se hicieron esperar. Vino El Ataúd del Vampiro (1957), del mismo Méndez. A pesar del gran legado de El Vampiro, otra película, aunque con la misma temática, es considerada el clímax dentro del cine de culto mexicano: Alucarda, la hija de las tinieblas (1978) de Juan Lòpez Moctezuma. La cinta del colaborador habitual de Alejandro
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Cine de culto mexicano Jodorowski se enclava en el terror de las posesiones diabólicas, blasfemias, sacrilegios, pactos de sangre, violentos exorcismos y gitanos que aparecen espontáneamente en la oscuridad. La trama se oye poco innovadora comparada con El Vampiro, pero dos elementos fungieron como aliciente principal. En primer lugar, la figura de la mujer vampiro incitó la curiosidad del espectador por conocer que puede hacer una mujer en tal posición. En segundo plano, la crítica y el revuelo social vinieron por añadidura con las escenas de lesbianismo. La fórmula para crear una película de culto estaba completa. Tal fue el impacto que causó la cinta que dos admiradores secuestraron a López Moctezuma del hospital psiquiátrico que habitaba para darle un tour por los lugares de filmación de la película. Hoy esos admiradores son los dueños de los derechos de sus películas. Además, hace unos años los fans del director grabaron un documental llamado Alucardos, retrato de un vampiro (2011) en el que se revaloriza al director y a su trabajo.
de lo ocurrido más allá de las versiones alteradas y minimizadas difundidas por el gobierno sobre ese trágico dos de octubre. Increíblemente Rojo Amanecer es uno de sólo dos largometrajes y el único comercialmente conocido sobre lo acontecido con los estudiantes. Antes de esta cinta, en los años 70, el documental El grito, dirigido por Leonardo López y realizado por los estudiantes de cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se exhibió de manera semi-clandestina en los estrechos círculos universitarios y clubes de cine alternativos. Más allá del cine, hasta ese 1989, el trabajo periodístico de Elena Poniatowska en su libro La noche de Tlatelolco era el único punto de referencia común sobre el movimiento estudiantil. Tristemente, hablar de esta cinta parece oportuno ante el panorama de violencia que envuelve a los estudiantes de nuestro país en referencia a la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa y el paro de labores en el Instituto Politécnico Nacional (IPN) en respuesta al nuevo plan de estudios.
Sabías que… Alucarda es el femenino de drácula escrito al revés alucard=drácula al que se le agregó una “a” para feminizar la palabra.
Cine Histórico
Cine documental
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ojo Amanecer (1989) de Jorge Fons fue la primera cinta que se atrevió a romper con el silencio impuesto por el gobierno sobre los hechos del dos de octubre de 1968. A 25 años de su estreno, se ha convertido en una película de culto para una generación que por años fue obligada a permanecer callada sobre lo ocurrido. Jorge Fons se atrevió a desafiar a un gobierno acostumbrado a reprender a quien no seguía la línea oficial y aunque intentaron censurarlo y desprestigiarlo logró hacer accesible a todo el público una visión realista
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l Compadre Mendoza (1933) de Juan Bustillo Oro refleja uno de los mayores
males del mexicano hasta nuestros días: la primacía del individualismo sobre el bien común. Es sorprendente como después de 81 años, la película permanece vigente entre cada miembro de esta sociedad. La cinta basada en el cuento de Mauricio Magdaleno (1906-1986) nos relata la historia de Rosalio Mendoza, un hacendado de Cuautla de la época de la Revolución Mexicana, quien se dedica a hacer negocios con los zapatistas. Cuando tiene un hijo, le pide a un amigo suyo y general zapatista que bautice a su hijo. Durante su estreno, El Compadre Mendoza fue ignorado por el público mexicano. Fue hasta los años 60 cuando Georges Sadoul, profesor de la Sorbona de Paris, vio la película y la llamó la mejor película mexicana, que fue revalorada y captó la atención de los críticos, artistas y la sociedad en general. Cuando se reestrenó, el público se alarmó a causa del final tan crudo y porque se revela lo peor del carácter de Rosalio. La película refleja el rechazo de Bustillo Oro por el típico final feliz del cine hollywoodense y sorprende por su unidad de estilo y fuerza dramática. En El Compadre Mendoza podemos ver reflejados los más bajos instintos del ser humano y hoy, tantos años después de su estreno, todavía nos hace reflexionar sobre por qué muchos mexicanos anteponen sus propios intereses en vez de pensar en los demás. Estos son sólo algunos ejemplos de cintas mexicanas consideradas de culto. Seguramente tú conoces muchas más como la gama de películas de El Santo, las películas que forman parte de la ciencia ficción en el cine mexicano como El baúl macabro (1936), La momia azteca vs. el robot humano (1958) o La nave de los monstruos (1960). En fin, dentro de nuestro país, un amplio número de largometrajes son considerados parte de este universo de culto. Tú, ¿cuáles conoces?
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Soundtrack
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or que sabemos que una película no sería nada sin buena música que la acompañe, en Soundtrack te mostraremos las canciones que han hecho que ir al cine no sea solo un deleite a tu vista sino también toda una experiencia auditiva. En esta ocasión, a propósito de este recuento por las imperdibles del cine de culto, te mostraremos cuales soundtracks se han convertido en verdaderos himnos de culto. Trainspotting
Kill Bill
Psicosis
Este recopilado de Danny Boyle para la versión fílmica de la novela de Irvin Welsh se ha convertido en un ente con vida propia aparte de la película. Aunque cada nota del frenético Lush Life de Iggy Pop al melancólico Perfect Day de Lou Reed nos transportan a momentos memorables de Trainspotting, cada una de las 14 canciones del soundtrack original ya son clásicos para cientos de personas que decidieron vivir su juventud en éxtasis.
Fiel al estilo de Tarantino, Robert Fitzgerald Diggs, mejor conocido como RZA, logró captar en cada canción de este soundtrack la violencia divertida de esta cinta. Ciertamente, esta banda sonora no es para reflexionarla sino para entretenerse aunque no por ello cae en la habitual inclusión de canciones de forma aleatoria con el fin de vender el disco. Desde el inicio con Bang Bang (My Baby Shot My Down) de Nancy Sinatra nos encontramos con una canción que anticipa el sangriento contenido de la cinta.
Aunque no es uno de los soundtracks más fáciles de escuchar, el trabajo de Bernard Herrmann marcó toda una época en el cine de terror. Como olvidar, al creador de ese sonido de cadenas chillantes típico de este tipo de cine. Inclusive, al oir las partituras, Hitchcock adaptó varios de sus escenarios para impactar de la misma manera que lo hacía la música y no quedar relegado visualmente.
Naranja Mecánica No podíamos pretender hacer una lista con los mejores soundtracks de culto sin incluir el gran trabajo electro-clásico de Wendy Carlos en La Naranja Mecánica. Su recopilación sirve de complemento perfecto a la condición psicológica de Alex. El soundtrack logra combinar clásicos de Beethoven, Rossini y Henry Purcell con sonidos electrónicos que hacen viajar al espectador a través de la historia de la música.
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El padrino A diferencia de otros criminales, El Padrino se distinguió por su elegancia y seguridad. No necesitó de una gran producción para recrear escenas de violencia y no por ello dejó de impactar. Al no encontrar nada que se acomodara a estas características, Nino Rota tuvo que crear casi todas las canciones de la cinta. El resultado, uno de los soundtracks más memorables en la historia del cine no menos que la película del crimen familiar de Francis Ford Coppola.
Star Wars
Una de las películas donde la música tiene un papel primordial y hasta la fecha ha marcado a varias generaciones es la producida por John Williams para las primeras películas de Star Wars. Influido por Richard Strauss, , Erich Korngold y Max Steiner; Williams dio a la película de finales de los años 70 un toque futurista hasta hoy muy pocas veces superado mediante la reincorporación al cine de las grandes orquestas y la técnica de leitmotiv, que consiste en dar a cada personaje un tema musical propio. Poco es lo que se puede decir acerca del soundtrack de Star Wars, sin duda, un trabajo memorable de John Williams.
The Rocky Horror Picture Show
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
Hay soundtracks que sirven como complemento perfecto para las películas, pero en este caso la banda sonora lo es todo. Inspirada en un musical, The Rocky Horror Picture Show captura la esencia de la música punk originada en los años 30. Catalogada como uno de los mejores soundtracks en la historia del cine, The Rocky Horror Picture Show es un extraño caso donde la cinta sería nada sin la música.
¿Cómo musicalizar una película de amor sin caer en los clichés? Sin duda todo un desafío para el cantautor Jon Brion encargado de musicalizar esta película. Aunque la película sigue un orden cronológico y un ritmo claro, Brion logró hacer del film de Michel Gondry algo más que ello con el cover de Beck de “Everybody is Gotta Learn Sometimes” de los Korgisi. Con su selección de temas nos hizo pasar por todas las etapas del olvido desde el profundo dolor inicial hasta la superación del objeto o situación de dolor.
Reservoir
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Desde el principio, Tarantino se ha distinguido por sus grandiosos soundtracks y el extensivo uso de diálogos en cada canción. En esta cinta, el director decidió que la musica fuera un contrapunto a la violencia en la pantalla y la acción; y ciertamente lo logró. Ejemplo de ello es la escena de tortura con la melodía de Stuck in the Middle with You de Stealers Wheel. No sólo eso sino que logró ambientar la película en los años 50 usando música de 1970. A través de los años, Tarantino ha logrado hacer de sus películas toda una experiencia audiovisual.
Pulp Fiction En el soundtrack de Pulp Fiction, Quentin Tarantino nos demuestra que no hay nadie como él para visualizar la sexualidad, las amenazas y el absurdo en los clásicos de la música surf. Con esta recopilación, Tarantino logró volver a poner de moda este ritmo clásico en la Unión Americana y sobretodo darle un sentido allende de un beat divertido. Así, You Never Can Tell de Chuck Berry se convirtió en la música ideal para una extraña conquista amorosa y Girl, You’ll Be A Woman Soon de Neil Diamond nunca podrá ser escuchada sin recordar la imagen de Uma Thurman inhalando heroína y tirada a punto de morir en el piso de su departamento.