Fashion Photography en Puerto Rico 1970-2008 by Giselle Isali

Introducción El tema a presentarse en el siguiente trabajo investigativo es El Fashion Photography en Puerto Rico desde 1970 al 2008. Las razones por las cuales he escogido el tema son tres: la primera es para suscitar la discusión cultural de este tópico en la comunidad puertorriqueña. La segunda, poder recopilar en un trabajo toda la información posible que de base a un futuro estudio más completo sobre este tema, que aunque contemporáneo y actual, es importante en el campo de la historia del arte, la fotografía y la moda puertorriqueña. Tercera, limitar la investigación desde 1970 al 2008, porque éste modo de fotografía se cultivó desde finales de los setenta y se ha seguido trabajando hasta hoy día, y ha ido evolucionando, además de que ha cambiado su calidad, precisamente compararemos fotografías de diferentes épocas y sus conceptos, con fotografías locales e internacionales.

¿Qué es el Fashion Photography? Es el término en inglés de “la fotografía de moda”. La misma se basa en fotografía que se dedica a promocionar el mercado de la moda, pero es un proceso complejo que no solo incluye a una modelo y la perspectiva del fotógrafo, también

incluye a: maquillistas, “stylist”, peinadores (peluqueros), los

diseñadores de vestuario (casa de la moda). Cada uno tiene una función diferente. Entonces, el maquillista se dedica solo a maquillar a la modelo, el peluquero o peinador se ocupa del pelo de la modelo. “Stylist”, es un término que viene del inglés y se utiliza sin traducción en español para la persona que se ocupa de trabajar con el vestuario de la modelo, cuando se sugiere un tema para un trabajo editorial o de “advertising”, el “stylist” se encarga de combinar los accesorios y el vestuario de la modelo para que la

ropa que esta de moda sobresalga, en muchos de los casos esta persona se ocupa de adaptar un vestuario para que la mujer pueda llevar una combinación de ropa en su vida cotidiana, que se vea bien y sencilla, pero también puede combinar el vestuario y accesorios para exagerar el vestido dependiendo del concepto que se quiera llevar en la fotografía. Y con esto se quiere dejar claro que la parte o la protagonista fundamental del Fashion Photography, es la ropa o moda que se presenta, la cual se supone sea la de la última temporada. Aunque, en ocasiones la moda y ropa pasa a un segundo plano cuando se observa el arte de la fotografía. En síntesis, el fashion photography une dos artes en uno; la fotografía y el diseño de modas. Y a su vez, es sin duda un medio con una iconografía propia. Lo interesante es que la función principal de la fotografía de moda es vender un producto, pero con el tiempo ha ganado valores artísticos.

Cada Fashion Photography o secuencia de fotografías de moda, nos presenta una historia, que se va desarrollando a través de cada obra, puede tener continuidad o simplemente ser una sola fotografía. Cada fotógrafo interpreta esa historia de acuerdo a su punto de vista y el observador debe captar lo que el fotógrafo quiere decir, pero inevitablemente: “Las fotografías (en general) llegan a los demás, al público, de manera directa y cada imagen comunica diversos mensajes. Puede contemplarse una misma fotografía muchas veces y encontrar siempre en ella algún significado o traer un recuerdo; En ocasiones aparecen detalles que no habíamos percibido anteriormente, o la imagen adquiere de repente una dimensión nostálgica. Si varias personas contemplan una misma fotografía, cada una de ellas puede estar observando cosas diferentes”1 Es labor del fotógrafo llevar el mensaje con solo una fotografía, como ejemplar artístico. 1

East man Kodak. El pl acer de fotografi ar a la gente. Barcelona: Edición Folio, 1986. pág. 14

Como la fotografía, y como plantea el ready- made (objeto prefabricado), donde la funcionalidad se elimina para llevar una pieza de construcción industrial a una galería. La moda al vestir, es otro ejemplo de algo funcional que se convierte en algo estéticamente bello y una pieza de arte llevada a la galería. Y no es que un urinal o “la fuente” de Marcel Duchamp sea algo perfectamente bello, sino que cumple con la teoría de la funcionalidad sustraída para crear una pieza de arte. Pues, la ropa, no pierde su funcionabilidad si no que ha ido ganando propiedades estéticas, por que cumple con la idea para la que fue hecha, que es proteger el cuerpo, pero se convierte en arte al tener una originalidad y se comercializa para que las personas sigan unos patrones sociales, pero que luzcan diferentes a los demás, pues cada cual le da su toque de espontaneidad a lo que lleva puesto. Cada pieza de ropa es comercializada como obra de arte independiente. Las grandes casas de moda que venden sus piezas a altos costos, venden una calidad y exclusividad, al no todo el mundo poder costear esa pieza de ropa. Y el que adquiere y compra esa pieza de ropa puede convertirse en un coleccionista de ropa, objeto al que le puede dar una función y el cual se puede apreciar su valor estético de una forma diferente al de un cuadro colocado en la pared. La moda, también puede ser algo muy individual y personal que hace a cada ser humano diferente y único, estéticamente, puede estar bien visto o mal visto. Porque al igual que en las artes visuales, hay arte estéticamente bueno y malo, está quien viste mal y se ve bien y está quien viste bien y se ve mal o viceversa. Es, sin duda, la fotografía una pieza clave en esto para comercializar y documentar la ropa de moda. La mercancía será comercializada por está industria millonaria, debido a que al poder ver la ropa por medio de una fotografía o imagen, se pretende “educar a la gente”, como se debe vestir y lucir

para ser aceptados por la sociedad. Todos estos son procesos de aceptación del individuo ante sus semejantes. Y la fotografia, como arte, logra plasmar lo que las masas o un sector de ésta quiere que el resto siga. La imagen se ha utilizado para educar desde tiempos inmemoriales y, especialmente, con más éxito en la época medieval. Pues en la Edad Media la iglesia utilizaba las imágenes como un recurso icnográfico basado en los escritos religiosos para llegar al público, fuera cristiano o pagano, y especialmente a todos aquellos que no supieran leer para que pudieran entender de una manera rápida de que se trataban las sagradas escrituras. En otras palabras, en ambos caso la imagen se utiliza como mecanismo de propaganda y poder de un sector social sobre otro. Hoy día, estamos en una época más visual y comercial, pues aunque la mayoría de las personas saben leer y escribir prefieren las imágenes para entender la idea con mayor rapidez. Además de que con el tiempo se ha manipulado una idea de lo bello, todos quieren ver las cosas estéticamente bellas y perfectas, dando la impresión de que todo se vea prácticamente igual, y salirse de ese patrón hace la diferencia. También, es una arte saber llamar la atención de los demás y eso es lo que básicamente el que usa ropa a la moda quiere lograr, pues tampoco todo el mundo puede costear todas las exigencias que requiere estar a la moda. Cada vez que compramos una pieza de ropa que nos gusta, esto nos lleva a representar en cierta medida una forma artística de como nos sentimos por dentro porqué mezclarla con otra pieza, nos hace vernos de una manera diferente a los demás. Es una actitud psicológica ante unos patrones sociales. Y esa individualidad es artística, es básicamente esa individualidad lo que se está tratando de buscar, que tiene también colores escogidos por nosotros y nos hace creadores de nuestra propias tendencias. Nos lleva, en cierta medida, a conocernos a nosotros mismos pues podemos

seleccionar las piezas que debemos usar en nuestro cuerpo, y descartar aquellas que no nos favorecen. Es importante señalar esto, porque el proceso artístico luego de los famosos “ismos” de la época contemporánea, por mencionar alguno, el cubismo y como había mencionado antes, el dadaísmo (donde se crea el ready- made); han pautado unas tendencias que han desencadenado en diferentes vertientes. Y aunque el hombre siempre ha buscado la belleza y el balance, hoy día con todos los avances científicos han alcanzado un nivel exagerado de exigencia a lo bello y esto inevitablemente se refleja en todos los aspectos sociales, especialmente en la manera como; debemos vivir, vestir, relacionarnos, etc. Creando una manipulación de los estético colectiva. La moda

que es algo que siempre ha existido y cuando no se utilizaba la

fotografía se podía observar en las pinturas de la época, en las cuales se realzaba la vestimenta y la moda de ese periodo en específico. La moda siempre ha sido algo muy importante para la sociedad porque la define: se establece lo que al ser humano de la época le gusta, le interesa y lo que piensa, sus tendencia s morales y religiosas, entre otras cosas. En resumen, “La moda es el espejo que refleja el alma de una época” 2 . Y se señala esto, por que no se puede hablar del Fashion Photography, sin mencionarse el concepto de la moda, de lo que se busca y de que exista una industria multimillonaria que la controla, que resulta en un monopolio económico. Se debe entender este estilo de fotografía es uno de los medios más importantes para comercializar la moda, y que sin ello ésta última no podría haber llegado al lugar donde se encuentra actualmente.

Hall-Duncan, Nancy. “Fashion is a mirror reflect ing the soul of an era” Yves Saint Laurent. The History of Fashion Photography. New York: Alphine Book Co mpany, 1979. pág. 7.

Finalmente, con el siguiente estudio investigativo se establecerá el fashion photography como instrumento o recurso para el mercadeo de las compañías dedicadas a la moda versus la fotografía y su comparación con las obras de arte. Además de que nos proponemos contestar las siguientes interrogantes: ¿Cuándo surge el fashion photography en Puerto Rico? ¿Qué fotógrafos puertorriqueños y extranjeros se ocupan del fashion photography en nuestro país? ¿Qué revistas o periódicos puertorriqueños se han ocupado de este estilo de fotografía? ¿Cómo Puerto Rico ha formado parte del mercado de arte y la moda internacional con este estilo de fotografía? ¿Qué fotógrafos de moda puertorriqueños se han destacado internacionalmente? ¿Cómo el “centro comercial” puertorriqueño ha tomado un protagonismo importante en las marcas de moda y en la producción de fashion photography?. Estas y otras interrogantes que puedan surgir durante la investigación y redacción de este trabajo.

“When people think of Fashion, they always prefer to see the crazy side, the clichéd side of it. But I think that’s wrong. Fashion is an important part of a woman’s life” Miuccia Prada (2006)

Capítulo 1

Comienzos del “Fashion Photography”

El fashion photography comienza en Francia aproximadamente en el 1881 3 , aunque hay algunas fuentes que establecen el 1920 como la fecha en la cual se comienza a observar la contribución de este modo de la fotografía en el mercado o comercio 4 . Este medio se divide en dos campos: Editorial Fashion 5 y Advertising Fashion 6 . El primero es el trabajo del fotógrafo costeado por la revista o casa editora. Y el segundo, Advertising, es la publicidad costeada por una compañía en específico que quiere vender un producto o varios de una misma línea. A través de los años han surgido varias revistas entre ellas Vogue y Harper’s Bazaar que han establecido y regido la bases estéticas para lograr un imperio en el cual los fotógrafos son escogidos para trabajar las fotos de moda y las marcas de ropa que estas representan. Esto resulta en el equivalente del imperio constituido en Hollywood con la producción de películas y con el acervo de sus actores 7 . Para comenzar, en este trabajo nos dedicaremos particularmente a una de estas revistas, Harper’s Bazaar, entre otras que se mencionaran según sean pertinentes para el desarrollo del texto. Y las dos razones por que ha sido escogidas son: por la importancia de las mismas en la historia del fashion photography y que indirectamente, ha afectado a la realidad puertorriqueña; y, 3

Hall-Duncan, Nancy. Ibi d, pág. 14. East man Kodak. Encyclopedia of Practical Photography. New York: A mphoto, 1978. pág. 1030. 5 Editorial assignments sometimes involve as many as 10 or 12 pages in a single layout, wh ich gives the photographer a broad range of possibilities. The emphasis is on a mood o r story line that will create visual interest and continuity. Much of the planning is done in advance by the art director and editorial staff of the magazine, but the photographer often has a good deal of leeway in the choosing models, location, and props, and in creating the mood and final look of the photographs in terms of lighting, movement, pose, and composition. In some cases, the photographer is given carte blanche to produce and editorial layout in its entirety, fro m in itial concept to finished product. Eastman Kodak, op. cit. pág. 1030. 6 The emphasis is more on the product itself. The idea is to present the product clearly and prominently, to render color accurately, and to play down any effects of mood or narrative that might distract fro m the presentation. The client often exercises complete control over the concept and the shooting itself, sometimes to the point where the photographer becomes little more than a technician carrying out detailed instruction. Eastman Kodak, op. cit. pág. 1030-1032. 7 Hall-Duncan, Nancy, op. cit. pág. 12. 4

para conocer si algún fotógrafo de moda puertorriqueño ha trabajado para las mismas. Esta es una labor que tiene una función comercial pero, este concepto ha ido cambiando con el tiempo así como las modas que representa. Hemos de considerarlo un arte no solo por el arreglo composicional de la fotografía sino también se nutre a la vez de estilos artísticos como: el dadaísmo, el cubismo, el realismo y el surrealismo, entre otros. Es importante entender esto para comprender la trayectoria del fashion photography y como este medio ha evolucionado a nivel internacional, y también, particularmente en Puerto Rico.

A su vez, el Fashion Photography nace junto con la fotografía comercial dado que una depende de la otra 8 . Esta diferencia no se puede marcar en tiempo por que la conciencia de la moda ya existía en Francia desde el siglo XV, al surgir la fotografía, el medio ayudó a su divulgación. Se indica que el Fashion Photography tuvo sus inicios en el daguerrotipo 9 , que precedió a la fotografía que conocemos hoy día. Esencialmente ésta es la razón por la cual la moda ha sido y será uno de los aspectos que seguirá evolucionando y atrayendo al público dado que todos estamos en contacto con ella, sobretodo la mujer, su principal consumidora. Este medio fotográfico crea una imagen con rapidez, y hoy día, el proceso resulta mucho más económico comparado con un siglo atrás. No obstante, en sus comienzos fue más práctico que la pintura convencional, y todavía hoy lo sigue siendo. Por otra parte, tampoco se puede estudiar el Fashion 8

Según Nancy Hall-Duncan, “The earliest published fashion photography appears to have been engraved translations of photographs made for French patterns books around 1881-1882… The first direct reproduction of fashion photographs occurred in the French periodical La Mode Practique in 1982”. Op. cit. pág. 26. 9 Según el lib ro, Modern Art, Daguerreotype “an invention officially announced in 1839, is a photographic process that permits one image at a time to be made on a silver halide-coated copper plate. The image appears in reverse and is quite fragile. Named after one of its inventors, Louis. J.M . Daguerre. He process was eclipsed in popularity after 1851”.

Photography sin tomar en cuenta, la moda. Por eso este será un género, que estará siempre bajo estas dos categorías, y por consiguiente tendrá unas tendencias completamente innovadoras. A la vez, podemos entender el Fashion Photography como algo artístico y algo documental, pues es un documento histórico que representa una época.

El Fashion Photography es un medio muy complejo que incluye el trabajo del lente del fotógrafo, y otros aspectos, como: el maquillaje, el corte de pelo o peinado, el vestuario, etc. Lo interesante del Fashion Photographer es que puede unir todos los elementos que constituyen una fotografía de moda y a la vez crear una pieza de arte completamente contemporánea. Otro factor de importancia será “la personalidad que proyecta la modelo y la relación que mantiene con el fotógrafo” 10 ,y esto es fundamental según nos indico Luis “belleza” Vélez y la modelo Guendali 11 , quienes trabajan para la diseñadora puertorriqueña Miriam Budet. Casi todas las fotografías “por razones de eficacia,… se hacen en un estudio, frecuentemente frente a un fondo de papel continuo”12 . Para el fotógrafo, el fondo de la fotografía puede ser irrelevante dado a que con la tecnología actual se le pueden añadir efectos a través de la computadora y retocar la imagen. No obstante, hay que recalcar, que lo importante es realzar la ropa que es lo que se quiere vender. Lo que hace artístico este trabajo es el estudio que hace el fotógrafo con la luz y la mirada de la modelo, que invita al público a ser observador del trabajo del fotógrafo, como fue anteriormente la labor del pintor al querer inmortalizar a su modelo. 10

Eastman Kodak. El pl acer de fotografiar a l a gente. Barcelona: Ed ición Fo lio, 1986. pág. 210. Entrevista al fotógrafo Luis “Belleza” Vélez. Atelier de Miriam Budet, San Juan, Puerto Rico. 14 de abril de 2008. Y entrev ista a la modelo Guendali. Atelier de M iriam Budet, San Juan, Puerto Rico. 14 de abril de 2008. 12 Ibidem. Nota 7. 11

La razón principal para crear este tipo de fotografía es la ropa. Pero el Fashion Photography no se limita a las marcas de ropa sino que se amplía también a los productos del cabello, las uñas, el maquillaje y otros que estén en el mercado en el momento. Se utilizaran la fotografía para las campañas publicitarias de algunos productos, dándole importancia a la moda, con la intención de llegar a un público en específico.

Ilustración 1. Ropa, zapatos y accesorios. Rafael Collazo.

Histórica y científicamente, según “el placer de fotografiar a la gente” la gente ha sido el motivo predilecto de los fotógrafos. Pero esto no es exclusivo del género debido a que en el Fashion Photography también hay quien hace fotografías de objetos que son accesorios, sin necesariamente presentar a una modelo. Hay fotografías de: ropa, relojes, carteras, zapatos, etc. (Il.1, Rafael Collazo). Cuando se utiliza a una modelo es para que la ropa pueda tener un sentido de corporalidad, es decir, que muestre la idea de cómo lucirá determinado artículo en una persona. Además, trabajar con una modelo, no es lo mismo que con un maniquí, o colocar la ropa acomodada en un lugar, pues con este se pierde la noción de proporción y sentido real. No obstante, el fotógrafo puertorriqueño

Tony Vera apunta que “Depende de lo que se esté buscando. La fotografía puede transmitir elementos de moda independientemente tenga modelos o no”13 . Por otro lado, siempre habrá fotógrafos, como Luis Vélez, quienes prefieren trabajar con una modelo. Hoy día, para entender este medio hemos de considerar que la moda es importante, además de los elementos formales de la composición, la técnica para lograr ese propósito de divulgación, todo es necesario. El título de “vendedor de sueños” es necesario, para señalar a un Fashion photographer, y se utiliza para entender la creación de ese mundo de lo ideal y perfecto (irreal- ilusionario) que el ser humano nunca logrará ser, aunque lo intente.

Entrev ista a Tony Vera por correo electrónico 5 de mayo de 2008.

1.1

El Fashion Photography: vanguardia y contemporaneidad.

Si tuviéramos qué comparar el Fashion Photography con algún movimiento artístico lo podríamos comparar con el Muralismo Mexicano, entre otros, dado a que es un movimiento que logra socializar el arte. Y el Fashion Photography es un modo de fotografía artística que se ha comercializado fuera de la galería, de la idea del salón y del arte convencional. Ambos son artes para el público lejos de la idea del museo y el mercado del arte. Ninguno de los dos se vende sino que es costeado por una empresa pública o privada, respectivamente. Debe estar claro que el muralismo trata de educar al público sobre el nacionalismo mexicano y el Fashion Photography quiere educar al público global a vestir de una forma para vender un producto. El fotógrafo de moda, Bert Stern, insiste que, “lo que me interesa es publicar una imagen en una revista y conseguir que cinco millones de lectores se detengan a mirar cuando vuelvan la página y la vean”14 . Esa conexión con el espectador es lo que busca todo artista. Es decir el Fashion Photographer es un artista y como artista también quiere esa conexión.

Con respecto al muralismo Mexicano, lo que este proponía, era no entrar a la galería y ser parte del pueblo, y fue un arte costeado por el gobierno. El Fashion Photography no es un modo de arte costeado por el gobierno sino por la empresa privada. Podríamos encontrar una relación, directa entre ambos en términos del mercado al que está dirigido, y la intención de integrar a toda clase de público en la discusión artística. Ambos son dos estilos de arte aceptados por el público de su época y ambos pueden 14

Eastman Kodak. El placer de fotografiar a la gente, op.citp., pág. 215.

sobrevivir lejos del mercado de las galerías y a la vez ser pa rte del mismo. En otras palabras, la galería como vendedor principal de arte puede ser el propulsor del fashion photography y comercializarlo a costos elevados, siempre teniendo en mente la trayectoria profesional del Fashion Photographer. Podemos arriesgarnos a señalar que se puede tomar la revista como una micro galería, donde se puede observar el trabajo de los Fashion Photgraphers y a través de la cual el público paga por dar un vistazo a la posibilidad de poseer aquello que resulta inalcanzable para la mayoría de las personas de clase media baja, es decir el 60 % de la población, las que no pueden comprar la mercancía. Aquella que tampoco pueden, en su mayoría, comprar una pintura o escultura.

Con la actual era de la Globalización, que incluye a: Estados Unidos, Inglaterra y Francia, tradicionalmente los centros de la moda, sino también a toda América el resto de Europa, África, y Asia. En una misma visión e intención, la de crear un ambiente con nuevos símbolos, nuevas formas de comunicar a través de la imagen y de la publicidad. El Fashion Photography no es un arte que está ligado solo a la fotografía, sino también es uno que está relacionado con el mundo de la publicidad y del mercadeo, pues necesita uno del otro para subsistir. Por lo tanto los creativos o diseñadores gráficos y publicistas pueden crear grandes campañas para la promoción de un producto “X”, y el fotógrafo hace la idea suya y la convierte en arte. La globalización ha sido un movimiento que ha surgió desde que se popularizó el “internet” dado a la rapidez con que se puede transferir información de un lugar a otro. En cierta medida, antes el mundo estaba intercomunicado pero este nuevo sistema ha

transformado la manera en que se concibe y visualiza la vida y las comunicaciones interpersonales. Este género de fotografía se nutre de los variados estilos de artísticos. Por ejemplo, cuando un Fashion Photographer recrea un momento en particular recurre a imágenes de la época, ya sea fotografías o dibujos y pinturas. El fotógrafo tiene que llevar a cabo un estudio e investigación sobre las tendencias del momento. Hablando del principio de su composición se parecerá a las formas rígidas de los primeros estudios del arte. Tan solo resaltará la ropa y la pose será una hierática y aburrida. Se podría hacer una comparación entre el Fashion Photography y el arte egipcio y griego donde la imagen era rígida y posada, no coqueta y natural. Con respecto a esto, podemos comparar las dos ilustraciones siguientes:

Ilustración 2. Venus de

Ilustración 3. Gibson Girl.

Anonimo Al observar Milo. la postura de la Gibson Girl, de la belle epoque, y de la Venus de Milo, hemos de advertir la falta de movimiento en una de las primeras imágenes del Fashion Photography. Comparándola con la imagen rígida de una reconocida estatua del

tiempo griego. El ligero movimiento o contraposto y la exageración de la curvatura femenina representan el ideal de la perfección del cuerpo según los parámetros de la época. La expresión perdida de la mirada, y la textura e importancia de la tela se aprecia en ambas ilustraciones. La Venus de Milo es un símbolo de belleza y sensualidad de su época, lo mismo que la Gibson Girl 15 , quien con su figurita de reloj de arena, representaba la sensualidad de su época 16 . De la “Belle Epoque” pasamos al surrealismo, de los años veinte y es con esta vanguardia que más relación podemos establecer entre el Fashion Photography y fotógrafos de la época como Man Ray quien re-adapta sus fotografías para algunas revistas, como Harper’s Bazaar. Según Man Ray: “One of the principal accusations against me by sticklers for pure photography, later…. Was that I confused painting with photography. How true, I replied, I was a painter; it was perfectly normal that one should influence the other. Hadn’t I, in my series of airbrush painting, done before I had taken up photography, produced Works that were mistaken for clever photographs?”17 Tomando esto como punto de partida, desde que se inventa la fotografía, esta comenzará a insertarse en el movimiento artístico que este manifestando en un momento histórico, bien sea la “belle epoque”, el dadaísmo, el surrealismo, entre otros.

“Were originally characters created in the fashion illustration of the American Charles Dan a Gibson, but the term came to exemp lify the independent sportswoman, with big hair and tiny waist”. En este trabajo se utilizó la foto de Camille Clifford quien tenia el sobre nombre de “Gibson Girl”. Worsley, Harriet. Decades of Fashion. London: Konemann, 2004. pág. 20. 16 Según Yves Saint Lauren “As a result of photography, the ever changing mutations of fashion are recorded it thus takes its place next to Egyptian basreliefs, statues of Ancient Greece and Ro me, frescoes of Pompeii, Boticelli‟s auroras, Rembrandt‟s gold, Velázquez‟s silvery ships, Watteau‟s pearly rocks, Goya‟s misty Mayas, Delacroix‟s barbarous splendor, Rosetti‟s sensual romanticism. It was all echoed by Sartre when he wrote: “Vermeer‟s realism is so powerful that one might first thing it is photographic”. HallDuncan, op. cit, pág. 6. 17 Martin, Richard. Fashion and Surrealism. New Yo rk: Rizzoli International Publications, 1987. págs. 88

Ilustración 4. Tiempo observatorio, Los amantes. Man Ray (1932-34)

Ilustración 5. Re-adaptación de Tiempo observatorio, los Amantes, para Harper‟s Bazaar. Man Ray. S.f.

Las razones para la readaptación de una fotografía artística en una fotografía de moda pueden tener varias explicaciones: el presupuesto, la idea que el fotógrafo quiera representar y la campaña que quiera llevar la empresa dueña del producto, entre otras. Lo mismo puede pasar con alguna pintura que se quiera recrear para una fotografía de moda específica. En el caso de la obra Tiempo observatorio, los amantes, su autor, Man Ray comentó: “One of these enlargement pair of lips haunted me like a dream remembered; I decided to paint the subject on a scale of superhuman proportions… If there had been a process enabling me to make a photograph of such dimensions and showing the lips floating over a landscape I would certainly have preferred to do it that way… The painting when finish hung over my bed for a while like an open window into space. The red lips floated in a bluish gray sky over a twilit landscape with an observatory and its two domes like breasts dimly indicated o the horizon- an impression of my daily walks through the Luxembourg Gardens. The lips because of their scale, no doubt, suggested two closely joined bodies. Quite Freudian. I wrote the legend at the bottom of the canvas to anticipate subsequent interpretations”18 . En el caso de la readaptación de ésta obra fue por que el artista utilizaba fondos de pinturas, mayormente pintadas por el, sobre esto Man Ray comento: “During my period of fashion photography… I disposed of a budget for backgrounds; I got the well-known sculptor Giacometti to make some bas-reliefs, 18

Martin, Richard. Ibid. p. 88.

units of birds and fishes which were repeated over a surface” 19 . Hall-Duncan, añadió a ésta cita “Another source of low-budget backdrop were his own paintings”20 . Convirtiéndose ésta readaptación en uno de sus más “atractivos trabajos donde presenta a una modelo descansando enfrente de su obra Tiempo observatorio, los amantes”21 . Años después de Man Ray, en el 2004, sucedió un evento importante para el Fashion Photography, el Museo de Arte Contemporáneo en Nueva York llevó a cabo una exposición llamada, Fashioning Fiction in Photography Since 1990. Esta muestra incluyó a varios fotógrafos de moda como Steven Meisel, Larry Sultan, Nan Goldin, entre otros. Allí se estableció la interrogante de cuales son los límites entre la fotografía, la moda y el arte. Pero, lo que pasó realmente, fue que este género entró en un espacio donde su lectura es completamente diferente a las de las páginas de una revista. Para esa ocasión Angel Chang señaló en su artículo: “It is not an easy task bringing the worlds of art and fashion together. While there is something to be said for shows that let images speak for themselves, fashion photography has not built up the dialogue and critique of traditional high art. The viewer must be led through the works as if a student in a lecture…It seems that the problem at hand is a culture clash between and art audience and the general public that the fashion media targets. The challenge is presenting work that as already been digested repeatedly by the public’s psyche, and to reinterpret it within and art-based dialogue… The challenge for an art institution is to present these photographic works in an authentic art context, particularly since magazines have themselves defined how the public understands fashion imagery… The curators… held the discussion panels with invited speakers to raise awareness of the problematic issues involved in presenting a medium that does not fall under the tradition classification of art”22 .

Martin, Richard. Ibid. p. 88. Ibid. p. 88 21 Ibid. p. 88 22 Chang, Angel, “Exhib ition Review: Fashioning Fict ion in Photography since 1990”, Fl ash Theory, pág. 368 20

Mientras para algunos es un asunto problemático clasificar este modo de fotografía como arte, pues no está clasificado bajo las estándares tradicionales del arte, para otros es un arte que lleva un mensaje claro al público de uno o varios lugares. Con una iconografía nueva, que esta totalmente ligada al mundo del consumo y al público, en general.

“El fashion photography como todo arte, en lugar de palabras, se describe un momento, un espíritu para provocar reacciones en el espectador. Pero, la lealtad del público puertorriqueño nos ayuda a que no necesitemos de un museo, ni una galería o de un crítico para llevar nuestro mensaje. ”. Tony Vera (2008)

Capítulo 2

El Fashion Photography en Puerto Rico

En Puerto Rico, la realidad que vivimos cotidianamente nos vende una serie de productos a través de imágenes, que nos representan como individuos y como cultura, especialmente en el campo de la moda. Esta conciencia de la moda tiene más de medio siglo en nuestro país 23 . Citando al fotógrafo, y director de la revista Ego, Francisco Parra si tratáramos de cronologías y: el fashion photography es un género que se comenzó aproximadamente a finales de los „70 en Puerto Rico con el fotógrafo Jochi Melero. Por otra parte, el fotógrafo Tony Vera indicó que: “Durante los años ochenta, la fotografía de moda fue una explosión en el mercado igual que en mundo de las artes, las campañas publicitarias contaban con grandes presup uestos, surgió el culto de las Top Models y llegó el boom”24 . Por ejemplo, en revistas como Ángela Luisa, la mayoría de las fotografías de Fashion Photography que se ilustran son préstamos de Panamerican Press 25 . Esto nos indica que para esta época en Puerto Rico había pocos fotógrafos que se dedicaran a este tipo de arte. La mayoría de las fotografías de moda o las imágenes publicitarias que utilizaban las revistas y las compañías como Velasco, u otras tiendas de ropa, como: Sears, González Padin, etc. eran cintillos de media página, que todavía se presentan en periódicos y revistas actuales, y donde se usaba una imagen tomada por algún fotógrafo de otro país con modelos y fondos internacionales.

López de Pérez, Silvia, La Moda, ¿Qué es?, El Mundo (Puerto Rico Il ustrado), 1 de julio de 1968, pág. 19. 24 Entrevista a Tony Vera. Por correo electrónico. 5 de mayo de 2008. 25 Suplió a la Revista Ángela Luisa con muchas de las fotografías de moda que esto, utilizo hasta aproximadamente el 1976, cuando la revista comenzó a emplear fotógrafos como: Jochi Melero y Olga, entre otros.

No fue, hasta el 1976 o 1979, cuando se comenzó a ver en la revista Ángela Luisa fotografías de moda creadas por Jochi Melero, hijo de Arturo Melero 26 . Aunque Melero no es el único fotógrafo que aparece en la Revista Ángela Luisa, también otros como, Olga. Con relación a la ropa de diseñadores la mayoría era exportada, pero dentro de esté periodo habrán varios diseñadores puertorriqueños que se destacaran entre ellos: Mili Arango, Carlota Alfaro, etc.

Según Ángela Luisa, Arturo Melero fue un gran fotógrafo y quien introduce al mundo de la fotografía a su hijo Jochi. Ángela Lu isa, op. cit. Pág. 30. Según algunas fuentes como Francisco Parra, se nos advirtió que Arturo Melero también había creado fotografías de moda, pero al culmin ar esta investigación nunca se tuvo acceso a las mis mas.

2.1

Influencias estilísticas en el Fashion Photography puertorriqueño.

En este sentido, el Fashion Photography puertorriqueño se nutre de la historia del arte internacional. Utilizando algunos estilos de arte como, La “Belle Epoque” y el Pop Art de 1960‟s, entre otros. También el fotógrafo re-adapta conceptos, temas y pinturas, creando una nueva forma de visualizar la vestimenta y dejándola a la imaginación de su observador.

Ilustración 6. Jochi Melero. Serie belle epoque. 1976. En el caso de ésta fotografía (Ilustración 6), creada por Jochi Melero se advierten elementos de la “Belle epoque”, en el vestuario. Pero se puede observar la tendencia del vestuario de la época, por ejemplo, en la de Melero no se utiliza el corsé y esto hace que la imagen se vea un poco más relajada y natural que la fotografía de la “gibson girl”. En la composición un altar, el fotógrafo ha colocado a la izquierda, y vestuario de los

santeros, seguidores de la santería 27 . La obra tiene una composición sencilla, no obstante presenta variados elementos que la hacen ver recargada. A pesar de ésto, la pose de la modelo es natural, y ella presenta el vestido, tomándolo con su mano izquierda y extendiéndolo para dejar ver sus detalles. Se debe reconocer que este es uno de los primeros trabajos del Fashion Photography. Esta pieza está muy bien presentada en cuanto a su composición y estética.

Ilustración 7. Luis “Belleza” Vélez. Serie Artistes de une moda. 2008.

Ilustración 8. Leonardo Thiller. Serie Arco Iris Primaveral. 2008.

Como hemos mencionamos, estas composiciones presentan varios aspectos influenciados por varios movimientos artísticos. En el caso de la fotografía de Luis Vélez (Ilustración 7), este utiliza el “Pop Art” y la influencia de varios artistas puertorriqueños para crear un fondo donde el estudio de los artistas es fundamental para visualizar el colorido de la ropa. Si lo comparamos con la fotografía de Thiller (ilustración 8), el vestido (mismo vestido que aparece en la ilustración anterior) cobra una importancia diferente y es porqué está en un ambiente menos recargado y donde solo esta 27

Religión que se practica en el caribe, sobre todo en Cuba y algunos países latinoamericanos.

matizado con el tapizado del mueble. La postura de la modelo y la forma de llevar el vestido es distinta, lo que podría pensarse que se tratan de dos vestidos diferentes; pero la realidad es que es el mismo vestido visto a través de dos miradas diferentes.

Ilustración 10. Solve Sundsbo. Serie Swimming Pool. 2007

Ilustración 9. Francisco Parra. Serie Topicalísmo. 2007

En las ilustraciones 9 y 10, con la nueva tecnología los colores han cambiado y podemos ver que se pueden sobresaltar los mismos aún más. Aunque la fotografía de Solve Sundsbo (ilustración 10), es una internacional, y se utiliza en está investigación para comparar el trabajo de Sundsbo con el del fotógrafo Francisco Parra. La prenda del traje de baño de dos piezas, que aunque su función es la misma, en ambos casos tiene colores distintos (es conveniente decir que no es el mismo traje de baño ). Pero la forma de presentarlo también es distinta. En la fotografía de Parra (Ilustración 9), se trata de resaltar lo caribeño que nos hace pensar en que, donde sea es buena tomar el sol, como Puerto Rico es una isla tropical da igual ir a la playa que tomar el sol en el campo. Es que

todos esos elementos en la fotografía caracterizan lo tropical y caribeño, estableciendo elementos icnográficos como los plátanos, y como se me nciono anteriormente, el sol y la belleza del campo. Por el contrario la otra imagen, es contundente, hace referencia al color del agua en toda la composición e invita al observador a disfrutar de la brisa y el sol que ese paisaje sugiere en vez de la playa la escena se presenta en una piscina.

2.2

Fotografía de Estudio y de Pasarela

Ilustración 12. Eugene Gallegos. Serie Beautiful Killer. 2008.

Ilustración 11. Francisco Parra. Pasarela Custo Barcelona y Stella Nolasco. 2007

Las fotografías de estudio se diferencian de las de pasarela en el sentido de que estas de pasarela siempre se ven iguales. En cambio, la composición de una fotografía de estudio es diferente. En esta última, el Fashion Photographer, tiene el control total del momento, también el gusto propio de cómo quiere que se vea la toma, ya lo ha pensado y estudiado con la modelo. En cambio, en la fotografía de pasarela, la modelo tiene el control de la foto. Sus gestos en general son repetidos por las otras modelos que la siguen, y cada fotografía o toma varía la moda o vestuario que se presenta. La espontaneidad de lo que sucede en el momento de la toma es lo que hace cada fotografía única y diferente.

Capítulo 3

Fashion Photographer: Puertorriqueños e Internacionales

En Puerto Rico, el Fashion Photography, lo marcan artistas como Jochi Melero, Iván Batista y Jose Marcano. La generación de fotógrafos jóvenes que actualmente tienen una trayectoria de aproximadamente quince años en la industria. Entre ellos hemos de mencionar: Francisco Parra, Yoel Parilla, Luis “Belleza” Vélez, Tony Vera, Omar Cruz, Franklin Miranda y Daniel Figueroa. El Fashion Photography sigue desarrollándose y seguirá avanzando. Se piensa que en un futuro todos las personas que hacen este arte ya no estarán dividas por un país ni un territorio en particular sino que todos se integraran en uno. Por ejemplo, hoy día muchos Fashion Photographers puertorriqueños como: Francisco Parra, Tony Vera, Luis “belleza Vélez y Yoel Parilla, hacen trabajos no solo para el mercado puertorriqueño sino también para el mercado estadounidense, estableciendo los lazos entre ambos países. Según Luis “Belleza” Vélez y Francisco Parra 28 , uno de los problemas fundamentales en Puerto Rico, y del cual se quejan algunos de los fotógrafos de este campo es que los presupuestos para las campañas son limitados y ellos tienen que constantemente buscar trabajos alternos. En mucho de los casos, estos Fashion Photographers no toman fotos de Fashion photography para una asignación de una revista, dado que el mercado de Fashion en Puerto Rico es uno (que aunque tiene mucha demanda), como se menciono antes, el dinero para costearlo es limitado. Muchos de ellos se dedican a ello, y a veces toman fotografías sin recibir dinero, solo por la satisfacción y fascinación que le da su trabajo. Algunos llevan algunos años en la industria, y tienen una trayectoria exitosa en su profesión. Tal es el caso de Jochi Melero, a quien en la Revista 28

Entrevista a Francisco Parra. Oficinas de Revista Ego, San Juan, Puerto Rico. 20 de febrero de 2008. y Entrevista a Luis “Belleza” Vélez. Atelier de M iriam Budet, San Juan, Puerto Rico. 14 de abril de 2008.

Ángela Luisa, se le reconoce su labor desde muy temprano en su carrera 29 . En la revista se comenta que: “El nombre de Jochi Melero -o simplemente Jochi- aparece muy a menudo al pie de las fotos de modas de nuestros más destacados diseñadores que publican en toda la prensa del país. Y es que Jochi, que es un extraordinario fotógrafo, se ha especializado en este estilo de fotos. Y todas son muy buenas… Sin embargo de él, como persona se sabe menos… Es biólogo de profesión y actualmente estudiante de literatura. Jochi es hijo de otro gran fotógrafo, Arturo Melero, quien fue el que le dio las primeras lecciones a Jochi quien empezó a retratar cuando apenas tenía 10 años de edad. Pero, conciente de que en este mundo competitivo, hay que prepararse bien, Jochi se fue a Nueva York e Italia para estudiar las más modernas técnicas y hace 4 años se estableció como fotógrafo profesional. Y aunque más se le conoce por su especialidad en fotos de moda, Jochi está especializado en fotos publicitarias, artísticas y de interiores” 30 Otro reconocido fotógrafo es Tony Vera. Luego de establecer los 80‟s como punto de partida para el Fashion Photography, contó: “Yo me interesé en la fotografía en el 1990 donde hice mis comienzos en la revista Caras”. Desde entonces: “Gracias a Dios he tenido la oportunidad de laborar para muchas marcas, artistas y revistas internacionales. Ejemplos: Ocean Drive Magazine, Vanidades, Cosmopolitan, Food & Wine Magazine, Time Magazine, People, Latina y Maxim. Personalidades como Ricky Martin, Jeremías, Roselyn Sánchez, Modelos de Cover Girl, Cantante Fanny Lu, Ednita Nazario, Manny Manuel, Miss Universe, Luis Fonsi, Adamari López, Dayanara Torres, campañas de Peps i, Coca-Cola. Nestle, Gillette, Bank of America, Noxema, Dove, Pantene, Clairol, Herbal Essences, Crest, JC Penney, Sears, entre otros” 31 . Toda ésta trayectoria lo hace merecedor de un reconocimiento hoy día. En el renglón de las revistas, es muy importante el trabajo de Vera en Maxim y Comospolitan siendo ambas revistas muy reconocidas, se puede ver como en cierta forma él, como Fashion Photographer, ha contribuido en este campo en los Estados Unidos. Para Vera, 29

Existe un artículo en la revista Ángela Lu isa donde se habla de él y de la Diseñadora Mili Arango. Torregrosa, Ángela Luisa, “Jochi y Mili”, Ángela Luisa (San Juan, Puerto Rico), Vo l. XIII no. 143, mayo 1979, págs. 30. 30 Torregrosa, Ángela Lu isa, “Jochi y Milli”, Ángela Luisa (San Juan, Puerto Rico), Vo l. XIII no. 143, Mayo 1979, págs. 30. 31 Entrevista a Tony Vera. Por correo electrónico. 5 de mayo de 2008.

su trabajo se caracteriza “por ser un medio útil, una técnica al servicio de una práctica donde la foto se pone a la merced de la actitud que finalmente se convierte en una forma de expresión”32 .

Entrevista a Tony Vera. Por correo electrónico. 5 de mayo de 2008.

Capítulo 4

La producción de moda puertorriqueña

Es la moda un campo que, en Puerto Rico, a pesar de ser una industria joven está evolucionando enormemente. La moda en Puerto Rico siempre ha estado en la conciencia del puertorriqueño. Así queda estipulado por algunos artículos de los periódicos desde el 1926 en adelante. La producción de moda en Puerto Rico para estas fechas hasta el 1970, se limitaba a costureras, modistas de pueblo y los trabajos importados de otros diseñadores internacionales reconocidos. La visión puertorriqueña ante la moda siempre ha sido una en donde se antepone: La religión, la comodidad (por el clima), y el factor económico. A pesar de que Puerto Rico es un país que al estar tan unido a Estados Unidos siempre ha estado en contacto con la moda, esto se puede advertir, porque desde el 1950 (aunque podemos asegurar que desde algún tiempo anterior a esta época) en las revistas y periódicos se mencionan las tendencias de Hollywood (Estados Unidos), Paris y el resto de Europa. Se difundían también en los periódicos los patrones para la moda femenina donde se incluían ilustraciones de los estilos de trajes para llevar en la vida diaria. Estos patrones se llevaban a una costurera y era la que establecía, de cierta forma, la moda en la época. La moda esta muy influenciada con la moral porque la visión del puertorriqueño es un poco conservadora dado a la fuerte influencia tanto hispánica y religiosa, católica como cristiana, en general. Hemos de señalar que por nuestra naturaleza insular y posiblemente político dependiente las nuevas tendencias suelen llegar con constante retraso.

Un suceso importante para la moda, ocurrió en el 1970 cuando la diseñadora Milli Arango, pasó a ser una diseñadora importante a nivel internacional. Pues la diseñadora estadounidense Gloria Vanderbilt se interesó en su trabajo y tanto ella como figuras de gran talento artístico como la cantante Nydia Caro hicieron famosos sus diseños durante este momento 33 . Pero no podemos dejar de mencionar a diseñadores actuales, cómo: Miriam Budet, Lisa Capalli, Stella Nolasco, Harry Robles, entre otros. Quienes continúan con labor iniciada por diseñadoras como Mili Arango y Carlota Alfaro, entre otros.

Esta información se encuentra en la Revista Ángela Lu isa de mayo de 1979. pag. 30.

â&#x20AC;&#x153;Girls, girls, girls: sex kittens, sex bombs, seductresses, naughty girls, secretaries, schoolgirls and Kate Mossâ&#x20AC;? Agent Provocateur (Serena Rees y Joseph Corre) (2006)

Capítulo 5

La modelo puertorriqueña e internacional versus el maniquí.

Ilustración 13. Fredrick Salgado. Nono Maldonado. 1999

Ilustración 14. Jesús Fuentes. Serie Diosa Griega. 2001

La importancia de la modelo radica en que sin ella la fotografía de moda no sería lo mismo. Pues con ella el fotógrafo puede lograr ese efecto con la ropa que tanto desea que vea su diseñador, la proporción en el cuerpo de la modelo. Según el libro El placer de fotografiar a la gente la ropa es la “protagonista” principal de la fotografía, y se supone que la figura humana pase a un segundo plano, pues pueden ser mil modelos diferentes con el mismo traje, pero siempre lo q ue se quiere realzar es el vestido para venderlo. Esto resulta interesante, porque rompe con el concepto tradicional de la representación de la mujer que se establece desde el comienzo de la historia del arte y con mayor carácter durante el renacimiento. La mujer supera al hombre en el género del desnudo, y en la representación en obras en general. Y como protagonista, es importante, dado a que la obra es creada para que el hombre posea la imagen y por ende a la mujer representada. Por esta razón algunas de las mujeres representadas eran las esposas o amantes, de quienes las pintaban o mandaban a pintar. Ciertamente, esto establece la

pertenencia de la mujer al hombre, quien como crítico y dueño: la examina y supervisa constantemente; buscando en ella, erotismo, una motivación o simplemente un objeto que le pertenece y está ahí para actuar como él quiere. Pero también hay que aclarar que la mujer es crítico de sí misma, dado a que ésta ha sido criada con ese pensamiento de autoevaluación. La mujer, reconoce que según, sus gestos, opiniones, ropa y gustos; expresa su actitud y establece la forma en que quiere que el hombre la trate, y por ende la manera como el resto de la sociedad la tratará. De la forma en que la mujer se ve y visualiza, se enmarca como un objeto visual mirado por ella misma y por los hombres; de esta manera, es que la mujer se convierte en una “visión”. Por consiguiente, en la pintura como en la fotografía, la mujer es una protagonista conciente de que es observada por un espectador, por esto es que en ocasiones la mujer representada parece mirar no a la acción en la escena sino al público que la mira; o acaso como si ella misma se mirara en un espejo. La mujer se une al espectador porque se contempla a sí misma. Este tipo de gesto o actitud está hecho totalmente a propósito y creado, como hemos mencionado, para un espectador que se piensa así mismo como masculino. Al observar a la mujer como un objeto, podemos descubrir todo lo que expresan y simbolizan sus gestos y lo que la rodea cuando se le representa. La mujer representada es sumisa, personifica las demandas del propietario; ésta puede tener una mirada sensual e incitante y como ejemplo de ello, podemos mencionar a la Venus de Urbino de Tiziano, pero siempre representará lo que el propietario desea, el desnudo femenino o la imagen erótica femenina. Lo curioso del caso es que es lo mismo para el imaginario masculino como para el femenino. En la mayoría de los casos, el espectador que se piensa

masculino, vive en lo cotidiano donde la mujer lo supera en vistosidad, dado que la impresión que causa la mujer en ocasiones no pude ser superada por el ho mbre. Es por esto que, la representación de la mujer se piensa creada para el hombre, pero es creada para ambos y especialmente para la mujer, demostrando que ella es la que tiene el control del deseo del hombre y que si ella no estuviera en la acción de l cuadro y fuera el mismo hombre la representación cambiaría de significado y quizás si el hombre no tuviese esa fuerza o credibilidad no sería recordado, más bien olvidado. En cambio, la mujer representada no tiene que tener esta credibilidad para ser recordada su imagen, simplemente tiene que desnudarse o estar en una obra, para lograr acaparar todas las miradas. 34 En la época actual, de la única forma que la mujer y el hombre se identifican con la modelo de la fotografía de moda es que quieran imitarla en su forma de vestir, porque siempre hay una imagen en particular, de las miles que se ven anualmente, que hace que el individuo quiera copiar. Además de esto las campañas son, en algunos casos, muy sexuales y llaman la atención del hombre y la mujer. La atención principal que se quiere llamar es la de la mujer, quien es la que consume el producto para llegar ha ser observada también como la modelo. Todas las fotografías, en cada detalle, cobran importancia para el individuo que la observa. Pero hay que recordar que todo este producto es arte y como tal, es importante.

En el libro Modos de ver de John Berger, hay un ensayo sobre el “desnudo femen ino” donde se resalta la figura femenina en el arte. Todo este fragmento, que hemos incluido, es parte de un ensayo que se hizo para la clase de Arte Occidental II en el 2006. Se quiso presentar para que se entendiera la importancia de la mirada del observador hacia la figura femenina. Lo que contrasta con el Fashion Photography es que la mu jer sigue siendo la protagonista pero pasa a un segundo plano por que la ropa es la protagonista, pero la mu jer no es la única que ocupa el segundo lugar también el hombre, en síntesis la figura humana en general. Castro, Giselle. Ensayo sobre l a modelo y el desnudo femeni no tomado del li bro Modos de Ver de J ohn Berger. 11 de octubre de 2006. Inédito. 3 págs

Básicamente, lo que el fotógrafo quiere resaltar o debería ser su objetivo, es la ropa o la moda, pero la modelo es igual de importante porqué la mujer es siempre el elemento que marca la composición fotográfica. Aunque haya fotografía de moda de artículos, la modelo es fundamental porque esa representación de la mujer como sumisa, sensual y erótica, es la observadora y la que permite que el espectador entre en su mundo. Y siempre será clave en el arte de la representación sea una pintura, dibujo, grabado o fotografía. Quizás es por ésto que el mercado de la belleza, aunque hoy día tiene un gran número de hombres que quieren seguirlo y ser parte, está creado en su mayoría para la mujer, para que esa imagen de la mujer como fuente de sensualidad, como fuente de la belleza, y en sus demás facetas como base de la familia, es difícil de separar con los años. La figura del hombre es necesaria pero siempre llamará más la atención la imagen de la mujer, tanto para la misma mujer como para el hombre.

Ilustración 15. Yoel Parilla. Serie The Sixth Element. 2008

Ilustración 16. Francisco Parra. Serie Corte Estilo de Cabello.2008

Finalmente, las fotografías de moda también puede n ser de peinados, como se presentan en las fotografías de Parra y Parrilla (Ilustraciones 15 y 16), y son igual de relevantes que la ropa o vestuario. Tiene el mismo enfoque que es conquistar al público a

que se haga un peinado específico o que use un producto en específico. Se hace relevancia al maquillaje, pues las dos modelos están maquilladas, pero tiene un fondo sencillo en blanco, dejando expuesto solo el rostro y el cabello de las modelos. La modelo no es tan solo una joven que vive de está industria la mayor parte de sus años de juventud. También son las “estrellas” de cine y los famosos “socialites”, quienes establecen tendencias y a quienes los diseñadores regalan o les permiten usar sus prendas para cuando sean fotografiados en varias de las galas y actividades, para que se mencionen sus nombres, y adquirir esa fama para que la gente consuma su producto. Pero esto hace que este tema se amplié un poco más, así que solo para propósitos de está investigación nos dedicaremos en las modelos que salen en las revistas. Estas modelos, en su mayoria, pertenecen a una agencia de modelaje y algunas viajan fuera de Puerto Rico, para realizar trabajos internacionales. Ellas siempre están en el ojo público dado a que son las nuevas representantes de la sensualidad de nuestra época.

“I’m here to make people dream, to seduce them into buying beautiful clothes and to strive to make amazing clothing to the best of my ability. That is my duty” John Galliano (2006)

Capítulo 6

Las Agencias de Publicidad y El Fashion Photography versus el Mercado del Arte.

Ilustración 17. Campaña Milk. Anónimo. 2008

Ilustración 18. Campaña Peroni. Anónimo. 2008

Ilustración 19. Beefeater Cosmopolitan. Papel. Tony Vera. s.f.

Las agencias de publicidad usan a los fashion photographers

para algunas

campañas por el concepto del “fashionismo” para atraer a un público en específico. En campañas de productos como: Beefeater, Peroni, Milk, y las Marcas de Moda, en general, podemos ver como la iconografía o lectura de las imágenes se asocia a cosas tan actuales, como las noches para salir a socializar con amistades.

En la Ilustración 19, la Campaña de Beefeater, se utiliza el cuerpo femenino para crear una copa de martini, dando a entender que el color del traje es el color de la bebida y con un fondo completamente manipulado por la computadora que se podría asociar con el cielo. Invita a una ambiente especifico, una imagen de un lugar que mentalmente asociamos a algo que es muy personal, y que cada cual interpreta de manera diferente pero que apela en el subconsciente del observador.

En el caso de la campaña de Milk (Ilustración 17), el tono de la piel de la mujer, sugiera el color de la leche, blanco; pero al ser un “Disco & Lounge”, trae elementos de la discoteca como la paleta o “la bola de discoteca” (de pequeños espejos reflectos) muy popular en la época de los 70, La era Disco. Adicional a esto, el espectador, puede tener una idea de la vestimenta que se debe usar para ir a este lugar. El maquillaje con la exageración de brillo en los labios da la idea de opulencia, pero aún así tiene cierta sencillez en la composición o en la presentación de la modelo. Ella tiene los labios gruesos y brillosos propios de una imagen recargada, pero los accesorios que tiene, y el resto del maquillaje del rostro son simples. Por otra parte, en el caso de la campaña de Peroni (Ilustración 18), vemos un ambiente más relajado que invita al diálogo entre amistades, reunidos en algún local tranquilo en donde se pueda beber un trago y compartir. Es en está fotografía donde en su descripción se hace énfasis en la vestimenta de cada una de las protagonistas. La razón, según el creativo, Manfred Krugger, de McCann- Ericsson: “Es la imagen que quiere llevar la compañía, pues se quiere llegar a un público de mujeres específico, que en su mayoría son, mujeres que están al tanto de la moda y tienen dinero para poder pagar el producto”35 . O según mencionó Tony Vera: “Detrás del vestido, el modelo, el maquillaje, los productores y el fotógrafo hay una gran cadena que es el sistema de la publicidad. En la Isla, a lo que no se le da publicidad no se vende. Y el consumerismo boricua es tal, que las agencias de publicidad invierten miles de dólares anuales para crear campañas publicitarias que terminan siendo fructíferas para las grandes marcas y muy lamentables para el bolsillo del puertorriqueño”. Nos atreveríamos a decir que esto es lo que sucede globalmente.

Entrevista a creativo de McCann-Ericsson, Manfred Krugger. Oficinas de McCann-Ericsson, San Juan, Puerto Rico. 17 de marzo de 2008.

Lo lamentable del caso es que, el Fashion Photography como medio es uno de los más importantes pero “Dentro del arte, es una pena que todavía no se reconozca con nombre y apellido este género y que sean muy pocas las exhibiciones en galerías de arte del talento fotográfico que existe en Puerto Rico”36 , reconoce Vera. Por otra parte, tratando el tema del mercado del arte, la moda y el Fashion Photography en Puerto Rico. Contrario a lo que ocurrió en Nueva York, con la exposic ión en el Museo de Arte Moderno, aún hay esperanzas, porque la aceptación del mundo de la moda en Puerto Rico ha entrado a las galerías, abriendo las puertas de la Moda al mercado del arte. Por ejemplo, galerías en Puerto Rico, como Viota patrocinan las pasarelas de moda de diseñadores como Miriam Budet (Ilustración 20). Lo que invita a que el Fashion Photography forme parte del mismo de una manera concreta y contundente. Y posiblemente en un futuro, sea Puerto Rico, el próximo en hacer una exhibición de nuestros Fashion Photographer en algún museo del país.

Ilustración 20. Luis Belleza Vélez. Pasarela Miriam Budet. 2008. Digital. 36

Entrev ista al fotógrafo Tony Vera. Correo electrónico. 5 de mayo de 2008.

“There’s a place where published some of the greatest artist of the century Holsten, Lagerfeld, De la Renta. And what they did what they create was greater than art because you live your life in it.” The Devil wears Prada (2006)

Capitulo 7

Revistas Puertorriqueñas

Las revistas sociales y algunos periódicos importantes de nuestro país han sido fundamentales para la difusión del Fashion Photography.

Siendo muchas de estas

revistas las que han dedicado secciones a la moda y aunque no eran propiamente revistas de moda, mencionaremos las más importantes, las cuales son: Ángela Luisa (1967-1977), Belleza y Fragancia (1977), Imagen (1986-presente),

Caras (1992-2004), Etiqueta

(1994), Alma Latina, Ellas (Periódico Imparcial), Buena Vida, De Moda, Latina Style, San Juan City Magazine, entre otras. Muchas de ella se dejaron de publicar desde hace algún tiempo como es el caso de Ángela Luisa y Ellas. Aunque actualmente las revistas más importantes que se deben mencionar son: Imagen, Ego, Fotopariseo Magazine, Metro, Noctámbulo, Nueva Vida, Nocturno. Entre otras que son internacionales como: Caras, Vanidades y Cosmopolitan, pero que son muy conocidas e importantes en Puerto Rico.

Se mencionaron todas las revistas incluyendo las de temas sociales, aunque hoy día existen revistas especializadas en este tipo de fotografías, y es que todas son igualmente importantes para el estudio de este tema porque en los comienzos de la difusión del Fashion Photography en Puerto Rico estas revistas especializadas no existían hasta hace varios años atrás. Por otra parte, con la llegada de fotógrafos como Jochi Melero el Fashion Photography, en Puerto Rico, ha evolucionado a su vez con las revistas, y lo podemos ver desde los primeros trabajos de este fotógrafo. Se debe mencionar que antes que Jochi Melero trabajará para la revista Ángela Luisa, el mayor suplidor de imágenes de Fashion Photography para esta revista era el Panamerican press,

en muchas de las ediciones de esta revista este era el “fotógrafo” y aunque las mismas en ocasiones eran fotografías de una calidad compositiva excelente, hasta ahora se desconoce quienes eran los fotógrafos que la producían y las mismas no se añadieron en este trabajo por que decidimos especializarnos en la investigación de imágenes creadas solo por fotógrafos puertorriqueños. Sin embargo, es necesario estudiar todas las revistas publicadas en Puerto Rico, porque de ahí es que se obtiene la mayor cantidad de fotografía de moda que define a la isla a partir de 1950. Aunque para está investigación, solo se estudiaron las revistas: Ángela Luisa, Imagen, Caras, Nocturno, Metro y Ego. Debemos mencionar que de todas estas, la nueva era de revistas de moda puertorriqueñas, y las primeras que están dedicas específicamente a este campo, son: Nocturno, Metro y Ego. Por otra parte, los periódicos como: el Imparcial, El Mundo, y hoy día El Nuevo Día; quienes han dedicado y dedican secciones a la moda y la fotografía de moda, los cuales han sido parte fundamental en los reportajes de la moda y hay una gran cantidad de fotografías de moda documentada. Mucha de esas fotografías han sido tomadas por fotógrafos puertorriqueños y otras simplemente son “cintillos” o readaptaciones de campañas, de casas importantes de la moda, que se llevaron o se están llevando acabo en otros países. Pero que son sumamente importantes en la historiografía del Fashion Photography en la isla.

Conclusión Finalmente, este modo de fotografía es muy importante para la propaganda de casi todos los productos, inclusive para la propaganda de los “Centros Comerciales”, pues lugares como San Patricio Plaza y Plaza las Américas, atraen los clientes para que vayan a comprar a sus tiendas. Especialmente, este último centro comercial actualmente cumple sus 40 años y ha sido una de las mayores contribuciones a este modo de fotografía. Es que, sin la aportación de lugares como este, la evolución del Fashion Photography, quizás hubiera sido más lenta. En un principio, en Puerto Rico, la moda giraba alrededor de la costurera del pueblo y las ilustraciones de moda que ofrecían los periódicos eran los patrones que se seguían para estar a la moda en el momento. Con la llegada del Centro Comercial, y sus grandes tiendas se abrió el camino para que las revistas y los Fashion Photographer entrarán a este mercado. Esto nos ha ayudado ha evolucionar como pueblo y a aspirar a nuevas tendencias y posibilidades.

Han pasado aproximadamente 35 años desde que se comenzó a producir el Fashion Photography en Puerto Rico, y aun queda mucho camino por recorrer incluso que surjan nuevos fotógrafos que lo cultiven. Es interesante, lo que hasta la fecha se ha alcanzado y como a través del tiempo se ha producido buenas piezas de arte en este campo. Lo que se espera es que este trabajo investigativo abra la puerta a futuros estudios y que algún día el trabajo de estos fotógrafos puertorriqueños pueda llegar a los museos y galerías de arte de la isla y del exterior.

Bibliografía Alltti, Vince, “Erotic Wonderland: Fashion, Photography and The seduction of the Brand”, Modern Painters, May 2005, págs. 32-35. Applied Arts 21, “Fashion & Beauty”, no. 4, julio-agosto 2006, págs. 98-107. Castro, Giselle. Ensayo sobre la modelo y el desnudo femenino tomado del libro Modos de Ver de John Berger. 11 de octubre de 2006. Inédito. 3 págs. Chang, Angel, “Exhibition Review: Fashioning Fiction in Photography since 1990”, Flash Theory, vol. 9, no. 35, 2005, págs. 361-368. Creative Review. “Commercial Artist”. Creative Review, vol.24, no. 5, May 2004, págs. 44-48. Custin, Joan. “Fashion boom for Puerto Rico”, San Juan Review, I:1 February, 1964, págs. 32-33 Eastman Kodak. Encyclopedia of Practical Photography. New York: Amphoto, 1978. Págs. 929-1112 (pp.1030-1055). _____________.El placer de fotografiar a la gente. Barcelona: Edición Folio, 1986. 240 págs. Enciclopedia Microsoft Encarta. Microsoft Corporation. 1993-2002 Garner, Phillippe, “I‟ve got the brains, you‟ve got the look… But should fashion photography be making lots of money?”, Art Review (London, England), no. 3 S, 2006, págs. 51-57. Hall-Duncan, Nancy. The History of Fas hion Photography. New York: Alphine Book Company, 1979. 240 Págs. Hunter, Sam. John Jacobus and Daniel Wheeler. Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, Photography. New York: Pearson-Prentice Hall, 2004. 472 págs. Jones, Terry, Susie Rushton. Fashion Now. Colonia, Alemania: Taschen, 2006. 192 págs. López de Pérez, Silvia, La Moda, ¿Qué es?, El Mundo (Puerto Rico Ilustrado), 1 de julio de 1968, pág. 19. Martin, Richard. Fashion and Surrealism. New York: Rizzoli International Publications, 1987. 236 págs. 47

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Anejo