Revista Cineasta No. 33 Junio 2015 by Giselle Mustonen Haché

AÑO 4 VOL. 33 MARZO-ABRIL DE 2015. SANTO DOMINGO. REPÚBLICA DOMINICANA

CAMERON DIAZ

´´Con la única persona que soy competitiva es conmigo misma´´ Lo último en cine: Entrevista

Entrevistas Michael

Fassbender & Mick Jagger

Golden Globes Exclusiva

Cobertura visita

Oliver Stone

a República Dominicana

I N D I C E

2015

Carmita Blanco La DGCINE ofrece programas educativo the Grand Budapest Hotel Cuatro días con Oliver Stone ¿Qué deﬁne a una película como una obra maestra clásica del cine? 50 Obras Maestras Clásicas Inherent Vice El cine a la séptima potencia Caliﬁcación de Cineasta a las películas nominadas.

6 6 8 18 24

ENtrEVIStAS

ArtÍCULOS Y CrÍtICAS

tecnología IMAX Cameron Diaz Michael Fassbender Mick Jagger

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Editorial personal sobre robin Williams

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12 14 20 30

P Banesco.com.do

@Banescord

Banesco República Dominicana

banescord

E D I t O r

I A L

Presidente Pablo Mustonen revistacineasta@gmail.com

Iniciamos el 2015 cargado de nuevas metas y grandes proyectos! Este año tenemos varias sorpresas para todos nuestros seguidores y amantes del cine. Ya lanzamos nuestra página web cineastamag.com donde podrán disfrutar de nuestra revista de forma online y un amplio menú de secciones para el deleite de todos ustedes. Un espacio informativo y de entretenimiento sobre las últimas tendencias de la industria del cine.

Vice Presidente Alejandro De Moya ale@cineasta.com.do

Por cuarto año consecutivo asistimos a nuestro evento favorito del cine, los Golden Globes, del cual le brindamos un extenso reportaje cargado de fotos exclusivas de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood.

Mercadeo y Ventas Lisa García Giselle Mustonen

Como siempre, Jorge Cámara nos brinda entrevistas exclusivas con tres grandes personalidades de Hollywood. La primera, Cameron Diaz, destacada por su participación en grandes papeles estelares de comedias femeninas y su gran sentido del humor. La segunda, con el actor alemán/irlandés, Michael Fassbender, destacado por sus impresionantes personajes en películas artísticas independientes y populares de gran presupuesto. Por último, pero no menos importante, con el legendario y popular intérprete en la historia del rock’n’roll con su banda, The Rolling Stones, Sir Michael Philip Jagger, mejor conocido como Mick Jagger, quien se ha distinguido también en muchos otros aspectos del mundo del espectáculo. De manera particular, quiero agradecer todo el apoyo que recibimos en el evento de Oliver Stone. Gracias a todos los patrocinadores que estuvieron presentes ese día y a todo el equipo que con mucho esfuerzo hizo que este evento fuera posible. ¡Esperamos que disfruten todo el contenido! ¡Hasta la próxima!

Ve 4

809 565 9599 (123, 119 y 110) • 809 212 2352

Pablo Mustonen José Ferreras Lisa García Giselle Mustonen Hugo Pagán Soto

Brando Hidalgo brandohidalgo@gmail.com Diseño y Cuidado de Edición Samanta Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com Colaboradores Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes y HFPA Armando Almánzar, Edwin Cruz, Marc Mejía, Ángel Haché, Alfredo García, Lisa García, Patricia García, Luis Martín Gómez, Luis G. Jansen, Sheila Acevedo, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Luis Beiro, Katherine Bautista, Óliver Oller, Fátima González CiNEASTA Ave. 27 de Febrero No. 260, Edif. Brigitte ii, apto. 203, Santo Domingo, rD. www.cineasta.com.do CiNEASTA es una publicación bimensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de CiNEASTA.

Pablo Mustonen

s a nt

Dirección y Edición Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com

pablomustonen@hotmail.com joseferrerasl@hotmail.com lisagarcia8@hotmail.com giselle.mustonen@gmail.com hpagan14@gmail.com M 829 375 5205

@revistacineasta Revista Cineasta cineastard

C r ÍI t

I C A

Cuando

se rueda, irremediablemente la reminiscencia fluye: no hay forma de evitar esa conexión del director con los estilos que ha visto y estudiado, por interior que sea la travesía. La experiencia como evocación para hacer algo auténtico. Blanco es una especie de delicioso déja vú cinematográfico. Veo santos. Veo gente de a pie. Veo exclusión social. Veo lirismo. Veo vidas grises. Veo un tributo etéreo a personas muy especiales.

BLANCO EDWiN CruZ

Melvin Durán ha debutado con un fi lme tan maduro, tan sobrado en imágenes y contenido. Tan objetivo desde su propia concepción como autor, que no te enrostra ningún tipo de respuestas, y eso se agradece. Sólo deseo lo mejor a este documental. Que aterrice en todos los escenarios posibles, para que el mundo vea un fi lme dominicano, perfecto e inspirador.

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CARMITA

Dirección: Melvin Durán Género: Documental Duración: 1 hora Año: 2014

EDWiN CruZ

primera sensación que me deja el fi lme es la de visionar una versión documental de Sunset Boulevard: un palacete desvencijado, y una glamorosa estrella que no pudo mantener su brillo. La vida de Carmita Ignarra merece ser contada. Esta mirada al presente nano, de una mujer de belleza monumental, que tuvo absolutamente todo a sus pies, y al mismo tiempo mandaba con precisión maestra las oportunidades al carajo.

de la obsolescencia del lugar, ayudando, profanando secretos para comprender a ese ser especial, intempestivo y apasionado, nos representa como espectadores. Road Movies al interior del ser. Es el mantra hasta el momento del tándem Cárdenas-Guzmán. Sin ser chamanes. Sin fi liación religiosa. Así se hace arte. De anónimos. De humanos.

Lo de Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán es un sello más que distintivo: las locaciones cobran vida en sus fi lmes, se funden a sus protagonistas. La presencia de Laura Amelia delante de la cámara, siendo testigo Laura Amelia Guzmán e israel Cárdenas

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Dirección Laura Amelia Guzmán e israel Cárdenas Género Documental Duración 1 hora y 20 minutos Año: 2013

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a r t Í c u l o

La DGCINE ofrece programas educativos a jóvenes en los Centros Tecnológicos Comunitarios (CTC)

a r t Í c u l o

Con

el objetivo de aproximar a jóvenes estudiantes a un entendimiento de los elementos fílmicos que se ponen en juego al momento de hacer una película y de dar a conocer la historia del cine dominicano, la Dirección General de Cine, en coordinación con la Vicepresidencia de la República Dominicana, los Centros Tecnológicos Comunitarios (CTC) y el Instituto Global de Multimedia (IGM), llevaron a cabo programas educativos en Santo Domingo. A partir del mes de abril estos talleres se impartirán en otras provincias, comenzando en Santiago. Se impartieron talleres relacionados a la apreciación cinematográfica y la historia del cine, contando con docentes expertos en estas áreas, como el crítico de cine y profesor universitario, Félix Manuel Lora; la cineasta y productora, Martha Checo y Amelia del Mar Hernández, escritora y productora. Como parte del programa, de ocho horas continuas en cada uno de los eventos, se expusieron los roles del quehacer 9

a r t Í c u l o cinematográfico y un acercamiento a las distintas etapas de trabajo para la realización de una película. Se dieron a conocer los elementos significantes del cine, como planos, ángulos y movimientos, y tuvieron un recorrido por la historia del cine dominicano, el arte del siglo XX, desde su origen hasta la constitución del relato cinematográfico. La primera etapa del cronograma fue durante los meses de febrero y marzo. Se realizaron los talleres de “Apreciación Cinematográfica”, “Cine: sus primero pasos” y “El cine como oficio y como espectáculo en República Dominicana, origen y desarrollo”. Los objetivos principales de estos talleres eran muy precisos. En cuanto al de Apreciación Cinematográfica era tratar de aproximar a los participantes a un entendimiento de los elementos fílmicos que se ponen en juego al momento de hacer una película para dotar a los participantes de las herramientas cognoscitivas necesarias para entender los mecanismos internos del lenguaje cinematográfico. En cuanto al taller Cine: sus primeros pasos, el objetivo principal fue introducir a los estudiantes en el Séptimo Arte a través de un taller que inició con un paso por la historia del nacimiento del cine, luego

Félix Manuel Lora con los estudiantes en el Centro Tecnológico comunitario

trabajando las bases de la narrativa, desde la observación a la práctica y por último con un vistazo a los roles del quehacer cinematográfico y un acercamiento a las distintas etapas de trabajo para la realización de una película. El último taller estuvo a cargo de Félix Manuel Lora, quien conoce a perfección la historia del cine dominicano. Aplaudimos esta labor que viene haciendo la DGCINE en su afán por enseñar a los más jóvenes sobre las bases del cine e incentivarlos a que piensen en esta profesión en su futuro.

P U B L I r E P O r t A J E

TECNOLOGÍA ENTREVISTA

rafael Suárez, Gerente General Palacio del Cine

¿Qué significa IMAX?? IMAX es un sistema de proyección que tiene la capacidad de proporcionar imágenes de mayor tamaño y defi nición que los sistemas convencionales, así como presenta una enorme mejora en el sonido, que hacen que se despierten sus sentidos como nunca antes en un cine. IMAX es creer. Es una experiencia de entretenimiento tan real y tan integradora que sentirán ser parte de la acción. Detrás de ella hay un mundo de alta tecnología: software de propiedad exclusiva, arquitectura y equipamientos patentados e implementados por IMAX, la cual se asocia con los cineastas más celebrados del mundo para mejorar sus películas más taquilleras, y sus más grandes documentales. ¿En qué año nace esta nueva tecnología? La tecnología IMAX se estrenó en el Pabellón de Fuji, en la EXPO 70 de Osaka, Japón. Háblenos un poco de la historia de cómo surge… El proyecto de IMAX Palacio del Cine surge hace un año, cuando nos pusimos en contacto con los representantes de IMAX Corporation, para estudiar la posibilidad de im-

plementar este sistema en la República Dominicana. Se hizo un exhaustivo estudio de mercado, y valoramos posibilidades de ubicación, llegando a la consideración de que la Sala 1 de Blue Mall, por tamaño y localización era la más adecuada, lo que junto al apoyo e involucración en el proyecto por parte del Grupo Velutini, que enseguida se sumo a este emociónate proyecto, marco el inicio de los trabajos para llevar IMAX a todos los dominicanos. ¿En qué consiste esta innovadora tecnología? La innovación va más allá de la tecnología, puesto que para hacer de esta experiencia de película envolvente, IMAX llega hasta la arquitectura de la propia sala, para que el espectador se sienta integrado en la acción de pantalla. Esto es lo que denominamos La Experiencia IMAX. IMAX manufactura las cámaras de más alta resolución en el mundo y las provee a los más ambiciosos y efectivos productores de películas. El proceso de Re-Masterización Digital IMAX, que mejora la imagen y el sonido de la película. El revolucionario Sistema de Proyección IMAX que entrega imágenes superrealistas y claras. El poderoso Sistema de Sonido IMAX, que entrega un audio

ajustado vía láser que usted puede realmente sentir Un diseño propietario IMAX de la sala de cine, que pone a los espectadores en acción. Cuando integradas en conjunto, el resultado proporciona una experiencia tan real que usted olvidara que está en un teatro. ¿Es muy costoso para un Director filmar con este tipo de tecnología? Es más costoso, pero hoy en día gracias la digitalización del proceso se ha abaratado mucho. Antiguamente IMAX usaba formatos de celuloide de 70 mm (el doble que el convencional 35 mm), y el rodaje era muy complicado con cámaras muy pesadas y aparatosas. IMAX cuenta ahora con cámaras digitales de última generación, más versátiles y que ofrecen la mejor calidad solo posible con sus sistemas patentados, llegando a 10 veces más resolución que las cámaras convencionales de cine. Pero no termina allí el proceso, puesto que IMAX se involucra de principio a fi n con los cineastas, y se involucra en la post-producción mediante un sistema patentado de re-masterización Digital o IMAX DMR. ¿Cuántas salas IMAX existen y en cuantos países del mundo? Existen 840 cines IMAX distribuidos en 57 países, solo 2 en todo el Caribe, siendo el

P U B L I r E P O r t A J E

VES MÁS OYES MÁS de Palacio Blue Mall, el más grande de su área geográfica. Siendo pioneros en el mercado… ¿Qué requisitos debe reunir una sala de cine para reproducir este tipo de tecnología? Para cumplir con los criterios de arquitectura de IMAX, la Sala 1 de Blue Mall ha debido ser remodelada profundamente en diversos aspectos: Se ha adelantado y construido una nueva cabina de proyección, para dar cabida al doble proyector característico de IMAX. La pantalla se ha agrandado (15.5 X 8.5 metros) y adelantado la posición de pantalla respecto a patio de butacas, aparte de ser esta ahora cóncava (en curva) y Silver Screen. El espectacular sistema de audio, ahora en gran parte oculto tras pantalla (ver foto de referencia) ha requerido de una estructura especial, fabricada por IMAX, así como refuerzos en las estructuras de techo de las esquinas posteriores, donde hay dos bocinas de considerable tamaño/peso. Toda la sala ha sido insonorizada mediante nuevo recubrimiento acústico, y se han eliminado todo elemento decorativo que pudiera interferir con el audio. Adicionalmente, se han remodelado accesos desde lobby, butacas, y elementos decorativos de la plaza. Todas estas adaptaciones han sido supervisadas por técnicos de IMAX presentes en

todo el pro ceso, y ha supuesto que la sala pase de contar con 356 butacas antiguamente, a un aforo más limitado de 281 butacas.

¿Qué películas pudimos disfrutar en IMAX en el 2014?

SIENTES

¿Cuál es la proyección que tiene Palacio del Cine con este tipo de salas en los próximos años? Por ahora estamos a la expectativa de la respuesta de los espectadores ante esta novedad de valor añadido, antes de valorar la posibilidad de llevarla a mas lugares de RD esta tecnología, estando encantados con la respuesta habida hasta la fecha. ¿Qué puede esperar el público dominicano al sentarse a disfrutar de este tipo de proyección cinematográfica en una sala IMAX? Pueden hacer mucho más que ver una película, ahora pueden vivirla en su máxima intensidad, y sentirse formar parte de ella como nunca antes. ¿Cuál será el precio de la taquilla? El precio boleta es algo que se valoró junto a IMAX, para poder dar un rango de precios que hiciera asequible al máximo número de espectadores el poder disfrutar de la experiencia. Por este motivo el precio es de solo 500 pesos, indistintamente de que el formato sea en 2D ó 3D, lo cual comparado a otros mercados donde IMAX está presente, este es un precio muy competitivo por ejemplo comparado a los 20 a 25 dólares que supone un boleto de IMAX en EEUU.

MÁS

Ese año llegaron la mayor parte de los estrenos más esperados, en este formato, como Transfomers, a la cual le seguió Guardianes de La Galaxia, seguida de Las Tortugas Ninja, Lucy, Interstellar, y El Hobbit: Partida y Regreso... se ha filtrado ya que JJ Abrams está filmando La Guerra de Las Galaxias Episodio VII en IMAX, así que queda clara la apuesta de las mejores producciones para con este formato.

E N t r E V I S t A

Hollywood, CA.-

JOrGE CAMArA

Cameron Di az

de alguien podemos decir que se convirtió en estrella de la noche a la mañana, es de Cameron Diaz, quien lo logró dos décadas atrás, en 1994, con su primera participación en el cine en el papel estelar femenino de la comedia The Mask, junto a Jim Carrey. La joven modelo nunca tuvo que participar en pequeños papeles, como cientos de aspirantes, sencillamente entró al cine por la puerta grande.

Pero fue cuatro años más tarde que, gracias a su belleza, talento y encanto, confirmó su posición como una de las actrices más populares de su generación, gracias a There’s Something About Mary, cinta que inició un nuevo sub-género de irreverentes y crudas comedias que parecen hacerse más y más atrevidas cada día. Nacida el 30 de agosto de 1972 en San Diego California, de padre de origen cubano y madre de origen escocés, irlandés y alemán, Cameron Michelle Diaz, demostró su independencia a muy Diaz ha aparecido en más de temprana edad, viviendo por 5 años en Australia, 40 películas, unas mejores que Francia, México y Morocco, regresando a los 21 años otras; las más significativas de a California para trabajar como modelo.

ellas, Being John Malkovich (1999); la popular franquicia de Charlie’s Angels (2000 y 2003); la trilogía de dibujos animados Shrek (2001, 2004 y 2007) en la que dio voz a la Princesa Fiona; Gangs of New York (2002) bajo la dirección de Martin Scorsese.

JORGE CAMARA: ¿Qué significa para ti ser una de las actrices más poderosas y mejor pagadas de Hollywood? CAMERON DIAZ: Todo mundo percibe esto diferentemente. Creo que es porque mis películas hacen dinero en taquilla. Eso me parece maravilloso y me siento muy afortunada de estar en la posición de darle al público algo por lo que quieran ir al cine una y otra vez. Para mí eso es un logro enorme, y una satisfacción que al público le guste lo que hago. Para los estudios eso significa cientos de millones de dólares, y es el dinero que hago para ellos que me da el poder. J.C.: En The Other Woman tres mujeres se unen en contra de un mujeriego. ¿Qué tema te interesó más, el de la venganza o el de la amistad femenina? C.D.: Me gustaría tener la habilidad de poder cobrar venganza. Posiblemente me hubiera ayudado en el pasado. Todos sabemos lo que es ser traicionado, pero yo creo que la mejor venganza es

En lo personal, la actriz ha vivido muy públicos romances con Matt Dillon, Jared Leto, Justin Timberlake y el pelotero, Alex Rodríguez; ha escrito un muy discutido libro sobre el cuerpo femenino; y hecho controvertidas declaraciones sobre el matrimonio y la maternidad. Pero también ha sido nombrada una de las actrices más poderosas y mejor pagadas de Hollywood. Sobre esto comenzamos nuestra entrevista con ella.

darte la vuelta y alejarte, eso es como clavarle una daga al tipo que te traicionó. Para mí, mis amigas son todo. Tengo amigas muy diferentes, que he conocido en muy diversas circunstancias. Tengo amigas muy extrañas (ríe) y ellas saben quienes son, y probablemente piensan que yo también soy muy extraña. Mis amigas son una parte muy importante de mi vida, especialmente en este negocio. J.C.: Siempre hemos oído que entre actrices hay una gran competencia. C.D.: Desde muy niña mis padres me enseñaron que no debes envidiar lo que otras personas tienen, sino valorar lo que tu tienes y lo que puedes ofrecer. Yo empecé a modelar a los 16 años e iba con mis amigas a buscar trabajo. Todo lo que debes hacer es tratar lo mejor que puedes, no puedes hacer más. Si ves que otra persona tiene más que tu, lo que tiene no es tuyo, no te pertenece. Lo que tu tienes es lo que tu tienes. De manera que aprendí

e n t r e v i s t a

“En su película, la comedia “The Other Woman”, Cameron encarna a una mujer que decide cobrar venganza contra el hombre que la ha engañado al descubrir que es casado”

e n t r e v i s t a Escena de “La Máscara’.

Escena de Cameron Diaz en “Gangs Of New York’ del 2002). Escena de Cameron Diaz y Daniel Day Lewis en “Gangs Of New York’ del 2002).

‘Me gusta el sentimiento de estos filmes independientes. Era gente con la cual yo estaba interesada en trabajar. Los personajes cautivaron mi atención. Y estoy conforme con sus presupuestos’.

Escena de “The Counselor”

Escena de “Being John Malkovich”. Escena de “Something About Mary”.

Escena de “Other Woman” que se espera se estrene en el 2014

Escena de “Los Ángeles de Charlie”.

Escena de “The Counselor”

e n t c r re iv ti is ct aa desde muy joven a no ser competitiva con otras personas. Con la única persona que soy competitiva es conmigo misma. Me pregunto ¿lo hiciste lo mejor que pudiste? Si la respuesta es no, entonces hazlo mejor la próxima vez. J.C.: Has dicho que como actriz y como mujer estás en el mejor momento de tu vida. C.D.: Me siento muy afortunada porque creo que el crecimiento que logras aprendiendo lecciones, es que ya no tienes que preocuparte porque dejas todo atrás. No buscas las mismas cosas, no tienes las mismas listas, porque sabes que no valen nada. Si eres auténtica contigo misma descubres que estás donde debes estar, con la gente con quien debes estar. Y es ahí donde encuentro que estoy creciendo y encontrándome a mí misma, sin preocuparme ya por cosas que no tienen importancia. J.C.: Pero has hecho declaraciones muy controversiales, consideradas en contra del matrimonio y de la maternidad. C.D.: Yo creo que la gente, para sentirse bien con sus elecciones, quiere que escojas las mismas cosas que ellas escogieron. Las personas que escogieron casarse piensan que todo mundo debe casarse, porque si no, ¿no es necesario casarse? ¿Qué quiere decir eso, que yo me casé pero tu no tienes que casarte? Yo creo que esto hace que la gente se sienta muy incómoda con su posición y sus decisiones. Quieren estar seguras de que su decisión es la correcta. Si a alguien le gusta algo quiere que a ti también te guste. La gente debe dejar que otras personas tomen sus propias decisiones sin tratar de entenderlas, aunque no tengan sentido para ellas. J.C.: ¿Crees entonces haber sido malentendida? C.D.: Yo no he tomado ninguna decisión. Todavía estoy viva, toco madera (ríe). No sé que vaya a pasar con mi vida. No hago planes. Nunca he declarado que no me voy a casar. Nunca he declarado que no voy a tener hijos. J.C.: También se ha hablado mucho del libro que escribiste, “Body Book”, muy gráfico en ciertos aspectos, como cuando alabas las virtudes del pelo púbico. C.D.: Lo escribí porque en un momento de mi vida, a los 39 años, oyendo a todas esas mujeres hablando de sus cuerpos, ni entendían sus cuerpos, ni estaban contentos con ellos, y a veces hasta los odiaban. Yo

En el 2013 actuó en la muy atacada, The Counselor.

pensé, es absurdo que puedas vivir en tu cuerpo por cuatro décadas y todavía no entiendas como funciona. En este país no hay un lugar donde podamos aprender de nuestros cuerpos a un nivel celular. Tenemos nuestro cuerpo del nacimiento a la muerte, es algo nuestro. Es nuestra responsabilidad mantenerlo saludable. Sentí que la razón por la que la gente no sabe como comer o como ejercitarse es porque no saben como funcionan sus cuerpos de una manera básica y científica. Escribí el libro porque es muy importante para mí que la gente sea feliz y saludable. Mucha gente ya tiene mi libro, que es la razón por la que lo escribí, de modo que estoy muy contenta. J.C.: ¿Siempre has sido tan franca tocando temas delicados? C.D.: Creo que sí. Hace 17 años, en There’s Something About Mary me puse semen en el pelo (ríe), de modo que siempre he sido franca y no muy delicada para discutir ciertas cosas. J.C.: Volviendo a tu carrera, háblanos un poco de tus ultimas películas, Sex Tape, y una nueva versión del musical Annie, en el que interpretas a la villana Mrs. Hannigan. C.D.: Sex Tape es sobre una pareja con hijos que ha estado casada por 10 años, que decide hacer un video sexual con todas las posiciones posibles. Pero al marido se le olvida borrarlo, y accidentalmente se lo manda a familiares, amigos, compañeros de trabajo y hasta al cartero. Interpretar a Mrs. Hannigan en una muy nueva versión de Annie fue fantástico, pero también muy difícil rehacer algo que todo mundo amaba. Pero creo que Will Gluck, que la escribió y dirigió, ha logrado algo muy especial y muy moderno que completamente respeta la película original. Y me encantó trabajar con todas las niñas; como villana fue muy divertido patearlas, y jalarles la cola de caballo, y gritarles, y tirarles agua. 17

a r t Í c u l o

The Grand Budapest Hotel Luis Beiro

cine de Wes Anderson (Houston, Texas, 1969) reúne actores de primer nivel. En cada una de sus películas, el director norteamericano arrastra en su reparto a su “elenco” tradicional junto a nuevas celebridades. Ahora, lo vuelve a demostrar en “The Grand Budapest Hotel”, su filme más pretencioso y, a la vez, mejor logrado. En el caso que nos ocupa, la manía de Anderson de codearse con “los grandes” lo llevó a no escatimar recursos para sumar figuras de diversas cinematografías, desde la francesa hasta la hindú. Imagino que una obra llena de talentos tan cotizados no haya costado una bagatela. Como tampoco fue un remate comercial el costo de su ambientación y escenografía (propias de principios del siglo XX). Esto le garantizó a su película el aire de caricatura epocal (dentro del género de comedia) con un eficiente grado de credibilidad en sus personajes. Calidad actoral y excelencias técnicas otorgan a “The Grand Budapest Hotel”, un envidiable sello de buen gusto. El espectador disfruta esa exuberante fotografía, esa música esplendorosa y esos planos salidos de la mano de un verdadero maestro. Algo molesta del guión. No he leído los relatos de Stefan Zweig que inspiran el filme, y solo puedo hablar en virtud de 18

la versión de los mismos que el cineasta saca a la luz pública. Dudo que en la Era de la Literatura de Autoayuda, los libros del gran biógrafo suizo lleguen a esta parte del Caribe con la regularidad que merece su prestigio. Pero según se puede olfatear, las aventuras históricas recreadas en la literatura han sido reinterpretadas y preconcebidas por el director. Esto no está mal, pues cine es cine y narrativa, narrativa. Lo que molesta de un filme tan sutil, delicado (amanerado a veces en el mejor sentido de la palabra amanerado) es el simplismo de su desenlace; que la historia del bien contra el mal se vuelva a resumir en el terreno de los tiroteos, persecuciones y muertes gratuitas (como la de la hermana del sacerdote). Esto conspira, pero no obnubila. Hace perder credibilidad, pero mantiene la fe. Solo por disfrutar a esos grandes actores en papeles pequeños, haciendo de idiotas o villanos, vale la pena. Ese ha sido el estilo de Anderson. Su manera de crear. Y aquí, a pesar de sus excesos, ha logrado una buena película. “The Grand Budapest Hotel” se disfruta, se recuerda y se agradece, sobre todo por las actuaciones de ese reparto internacional que transforma lo caricaturesco en una farsa, al estilo de los grandes dramaturgos.

a r t Í c u l o

Sinopsis: Un famoso conserje de un gran hotel de Europa se ve envuelto en el asesinato de su propietaria. Con la ayuda de un joven y leal botones, lucha para restituir su honor y heredar lo que en verdad le pertenece.

Tilda Swinton interpreta a Madame M. con un montón de maquillaje encima. Originalmente, el papel lo iba a interpretar Angela Lansubry, pero la voz de la tetera de La Bella y la Bestia tenía compromisos previos con la producción teatral de Driving Miss Daisy.

El hotel es, en realidad, un centro comercial vacío en la ciudad de Görlitz, en la Alemania sajona. Para montarlo en las montañas, se hizo una gran maqueta del hotel. El resto del centro comercial se acondicionó para parecer una propiedad en la que uno quisiera pasar un agosto.

“... disfrutar a esos grandes actores en papeles pequeños, haciendo de idiotas o villanos, vale la pena.”

Ahora el antiguo centro comercial esta por ser restaurado para revitalizar la economía de la zona Este majestuoso edificio que ha servido de escenario para la película.

País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 99 minutos. Director: Wes Anderson. Guión: Wes Anderson y Hugo Guinness (basada en relatos de Stefan Zweig). Reparto: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Edward Norton, Jeff Goldblum, Willem Dafoe, Jude Law, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Bill Murray y Mathieu Amalric. Premios: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado (2014). Premios David Donatello: Mejor film extranjero.

e n t r e v i s t a

MICHAEL FASSBENDER JORGE CAMARA

A Dangerous Method, 2011

Hollywood, CA.- En solamente unos cuantos años el actor alemán/irlandés, Michael Fassbender, combinando hábilmente su trabajo entre películas artísticas independientes y populares de gran presupuesto, se ha convertido en una de las estrellas masculinas más ocupadas, tanto de Hollywood como del cine internacional. Su interés en la actuación se despertó asistiendo a clases de arte dramático en Killarney, y su primer trabajo profesional fue en una producción teatral de la película de Quentin Tarantino, “Reservoir Dogs”, en la que actuó además de dirigir. Desde entonces lo hemos visto en la miniserie para televisión, “Band of Brothers”; y en la películas como 300; Hunger; Inglorious Bastards; Shame, por la que ganó Mejor Actor en el Festival de Venecia; Prometheus y The Counselor, ambas de Ridley Scott; y 12 Years a Slave, por la que recibió una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto.

En el 2011, Fassbender ganó el premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles al Mejor Actor por su trabajo en cuatro películas: Shame, A Dangerous Method, Jane Eyre y X-Men: First Class. Actualmente, el actor tiene ya cuatro películas más que serán estrenadas próximamente: Frank, de Lenny Abrahamson, junto a Maggie Gyllenhaal; Slow West, de John MacLean; una nueva versión de Macbeth, de Justin Kurzel, junto a Marion Cotillard; y una cinta todavía sin título de Terrence Malick, junto a Christian Bale, Cate Blanchet, Ryan Gosling y Rooney Mara; además de ya anunciadas secuelas de Prometheus y la franquicia de “X-Men”: X-Men: Apocalypse. Nuestro encuentro con él fue durante la promoción de la más reciente secuela de la última de las cintas mencionadas, X-Men: Days of Future Past, en la que repitió a su personaje, Magneto.

e n t r e v i s t a De padre alemán y madre irlandesa, Michael nació en Heidelberg, Alemania, el 2 de abril de 1977, pero creció en Killarney, County Kerry, Irlanda, a donde se mudó con su familia a los dos años de edad.

JORGE CAMARA: Aunque has trabajado en todo tipo de cine, todavía eres tal vez más conocido por tu trabajo con Steve MacQueen en Hunger, Shame y 12 Years a Slave. ¿Cómo escoges que películas quieres hacer y qué te gusta de la franquicia “X-Men”? MICHAEL FASSBENDER: Bueno, todo depende del guión. Fue en 2010 que me mandaron el guión de X-Men: First Class y me pidieron que hiciera una audición. Me gustó mucho la historia. Fue en un momento en el que ofertas de Hollywood comenzaban a llegarme, un momento en el que hasta entonces solamente había trabajado en películas independientes. Fue entonces que tuve que decidir si iba a hacer este tipo de películas o no. Me gustó el guión, disfruté del personaje, había mucho con que trabajar, mucho material, mucha historia, un personaje muy rico. Fue una buena decisión.

Shame

J.C.: Pero la experiencia de hacer la película ha de haber sido muy diferente.

Ing lorio

us Bastards.

M.F.: La experiencia de hacer películas de gran presupuesto es siempre diferente, primordialmente por el tiempo. Por ejemplo, una película como Shame la rodamos en 25 días, y para ésta tardamos, no sé, como cinco meses. Todo se mueve mucho más despacio. Las escenas tardan mucho más en filmarse, y generalmente no disfrutas lo mismo que cuando trabajas más rápido, que es más emocionante. Pero hay otros elementos en este tipo de cine que son divertidos, tienes las secuencias de acción, y un gran reparto. Pero es un proceso más largo y más lento.

Prometheus

J.C.: En X-Men: Days of Future Past, los personajes viajan al pasado para cambiar el presente. ¿Es este un concepto que te interesa? Si la humanidad pudiera revisar el pasado, ¿debería o no hacerlo?

Me X-

n: Days of Futur eP

M.F.: Si pudieran lo harían. Pero yo no soy el tipo de persona a quien le gusta hacer esos juicios, no tengo la preparación para hacerlos. Pero estoy seguro de que si encontramos la manera de hacerlo, lo haremos. Es parte de la naturaleza humana. En cuanto a mí personalmente, es algo que no me interesa particularmente. Tal vez viajaría a ver quien ganó un premio para después apostar (ríe). Pero no creo que quiera cambiar nada, no

soy una persona que pasa gran parte del tiempo preocupándose del pasado. J.C.: Tu personaje, Magneto, trata de eliminar a toda una raza, y ha sido comparado con Hitler o Stalin. ¿Lo ves tú así? M.F.: Es interesante, porque esto es algo que he tenido que confrontar con personajes que he interpretado previamente. La palabra malvado parece repetirse una y otra vez. Pero es una palabra que no me informa mucho, aparte de ser alguien violento o negativo. Yo necesito saber porque una persona hace lo que hace, si es por falta de inteligencia, por algo que le sucedió en el pasado, si tiene prejuicios, o es racista. Esos son elementos que informan a un personaje. En cuanto a Magneto, yo diría que definitivamente hay en él elementos muy peligrosos, muy negativos y muy destructivos. J.C.: ¿Te afecta personalmente interpretar estos personajes negativos y destructivos como los de 12 Years a Slave o Magneto? ¿Sientes que tienes que protegerte de ellos? M.F.: En cuanto a protegerme, yo creo que todos lo hacemos. El ego puede ser bueno o puede ser malo, pero es un lugar en el que puedes protegerte. La niñez de Magneto estuvo rodeada de crueldad y violencia. Es lo que convierte a un hombre a lo que será en el futuro. Yo tuve la gran suerte de tener una niñez muy armoniosa y un buen crecimiento. Yo creo que como actor es importante abrirte, y si empiezas a defenderte o protegerte, tiendes a cerrarte. A mí me gusta mantener las cosas simples. Cuando estoy trabajando estoy en el trabajo, y cuando no estoy trabajando estoy en otra parte, lejos de las luces y de la fama. J.C.: ¿Es eso lo que te mantiene centrado? M.F.: Eso y contar hasta diez. Como todos, a veces pierdo la paciencia. Lo que no tengo es paciencia para cosas pequeñas, como no poder enhilar una aguja. Cosas así me frustran enormemente, aunque problemas más importantes parecen no afectarme. Pero el ejercicio definitivamente me ayuda a centrarme y aclarar mi mente. J.C.: Háblanos de tu actitud interpretando un papel en el que a veces los efectos

E N t r E V I S t A

12 Years a Slave, 2013, Sarah Paulson y Michael Fassbender.

Yo necesito saber porque una persona hace lo que hace, si es por falta de inteligencia, por algo que le sucedió en el pasado, si tiene prejuicios, o es racista.

especiales son más importantes que la actuación misma. M.F.: Es la variedad lo que mantiene a esta profesión interesante. Y también trabajar en proyectos como este me permite tener mi propia compañía productora y hacer 10 películas más como 12 Years a Slave. Es simplemente la manera como funciona esta industria, es un negocio. Pero también, como espectador, me gusta a veces ser entretenido sin tener que profundizarme en un dilema moral o un serio comentario social. Y aunque “X-Men” también maneja estos elementos, es esencialmente una diversión en la que la gente puede desaparecer por dos horas en el cine sin tener que pensar. Ambos tipos de cine tienen su lugar. J.C.: Para ti personalmente, ¿qué es lo que la actuación significa? M.F.: Es mi pasión. Es la manera cómo puedo expresarme a través de una historia. Me encanta 22

Yo creo que como actor es importante abrirte, y si empiezas a defenderte o protegerte, tiendes a cerrarte.

oír historias y me encanta contar historias, pero es la forma de una historia lo que me atrae, y de lo que quiero formar parte. Ya sea en un papel pequeño, o en un papel grande, aunque realmente un papel grande es mejor porque puedes contribuir mas, adoro el proceso de contar una historia. J.C.: Es curioso, has dicho que no te gustan las luces y la fama, pero aquí haciendo entrevistas te ves cómodo y relajado. M.F.: ¿Cómo sabes que estoy cómodo y relajado? A lo mejor solo estoy actuando (ríe). Magneto en X-Men: Days of Future Past

a r t Í c u l o

CUATRO DIAS CON OLIVER STONE P ablo M u stonen H ach é F otog r af í a : H i lda P elle r ano

a r t Í c u l o

finales de noviembre del año pasado (2014) pude vivir una de las experiencias más importantes de mi vida: compartir cuatro días con Oliver Stone. Cineasta, Bou Group y PPI República fueron los encargados de organizar un Seminario en el Auditorio del Banco Central, con el director y guionista ganador de tres OSCAR y cinco GLOBOS DE ORO. Sin dudas Oliver Stone es una de las personas más inteligentes y valientes que he conocido, con un vasto conocimiento de la historia y cultura mundial. Participó en una de las guerras más crudas de los Estados Unidos, Vietnam, donde fue baleado dos veces. Esto no detuvo a Stone, quien no se quedó deprimido en su casa viviendo de su pensión, al contrario, esto quizás le abrió más su inquieta mente y hizo que compartiera sus experiencias y conocimientos a través del medio más importante en la actualidad: el cine. Durante sus cuatro días en el país, tuve la oportunidad de conocer a esta extraordinaria persona, cuyo principal interés es la HONESTIDAD. Luego de esta experiencia admito que si antes creía todo lo que nos contó en Platoon, JFK, Nixon, por nombrar algunas, ahora las califico como 100% hechas con la pura verdad. La llegada de Stone al país ocurrió exactamente el miércoles 26 de noviembre a las 8:30 pm por el Salón de Embajadores del Aeropuerto Internacional de Las Américas, junto a su esposa Chong. Ver de cerca y saludar por primera vez a uno de los directores más importantes e influyentes en mí no tiene descripción. El nerviosismo me entró de repente. Luego de saludarme, sus primeras palabras hacia mí fueron: Who are you? Me le presenté solo con mi primer nombre, el cual no olvidó por el resto de su viaje. Llegó cansado del viaje y no estaba muy de ánimo para fotos. Quería irse a descansar. Ya en el hotel estaba más relajado y hasta bromeó con nosotros en el balcón de su suite. Para ese momento, el nerviosismo me iba ya abandonando. El jueves 27, día de Acción de Gracias, era muy ajetreado. Primero fuimos al encuentro con el Presidente Danilo Medina donde ambos hablaron sobre historia, cine y política. Stone quedó sumamente complacido con el Presidente Medina y lo describió como un gran hombre (A great man). De ahí partimos al Listín Diario donde se realizó un desayuno con la prensa (El día después, el Listín dedicó más de 8 páginas a Oliver Stone y a esta rueda de prensa). Salimos del Listín casi a la una de la tarde ya que el Ministro de Cultura, el Sr. José Antonio Rodríguez y Celinés Toribio, habían organizado un almuerzo con algunos directores dominicanos en las instalaciones del Ministerio. Aquí Oliver Stone probó por primera vez un café preparado como en el campo por el propio Ministro. Ya era hora de descansar, no sin antes darle un pequeño tour por la Zona Colonial. Todavía nos faltaba la cena de Thanksgiving. Gracias a nuestro amigo Erik Malmsten, de los restaurantes Olivia y Francesco, tuvimos una excelente cena con el tradicional pavo y el juego de fútbol americano que Stone quería ver. Oliver ya se estaba sintiendo en casa. Antes de pasar al día del evento quiero resaltar dos cosas de la que se habló en el desayuno en el Listín Diario. Al ser preguntado por sus últimos proyectos, Oliver considera que Alexander es una de sus mejores obras, quizás no apreciada por la crítica cuando salió en los cines. Razón por la cual hizo una nueva edición de la misma que ya salió en DVD y Blu Ray. También aprovechó la ocasión para exhortar al mundo que vea uno de sus últimos trabajos: The Untold History of the United States, el cual le tomó una gran cantidad de años en realizar y del que se siente muy orgulloso. Llegó el día del evento y Oliver lo tomó para relajarse en la piscina y escribir en el hotel sobre su nuevo proyecto sobre Snowden. Es increíble, nunca dejaba de escribir ni de trabajar. Aunque disfrutaba sus momentos de tranquilidad y relajación, siempre el trabajo iba primero. Casi a capacidad, fue ovacionado a las 8PM en el Auditorio del Banco Central donde todos los presentes quedaron perplejos por la inteligencia de nuestro invitado. Siempre preocupado porque todo saliera bien y por los detalles, me preguntaba siempre por las cosas que el público quería escuchar, quienes eran los patrocinadores para darle las gracias, en fin, pendiente a todo. 25

A r t Í C U L O

Foto de Grupo

Quedó muy satisfecho con el evento y me dio consejos sobre cosas para mejorar en los próximos. Luego los principales patrocinadores pudieron tener un encuentro con Stone en el restaurante Olivia, y donde él les manifestó su agradecimiento por apoyar este tipo de eventos. Estaba muy contento. El sábado, gracias al Club Hemingway, pudo disfrutar de las paradisíacas playas de Juan Dolio para cerrar la noche con una magnífica cena en el restaurante SBG, donde llegó el momento de la despedida. Me expresó su gran satisfacción con el viaje y el seminario y su interés de volver, de hecho quería quedarse varios días más, pero sus compromisos no se lo permitían. Al momento de llevarlo al carro para despedirlo sus palabras fueron las siguientes: ¨Thank you for being a great host and a great and honest person¨. Casi no supe que responder. Le dije que iba a ser su amigo dominicano de por vida. Juro haberlo visto triste, como que no se quería ir. Estos fueron mis cuatro días con el gran Oliver Stone. Nos hemos mantenido en contacto por emails donde nunca ha dejado de darnos las gracias por todo y el buen tiempo que pasó aquí en dominicana. No puedo terminar este artículo sin antes agradecer a Jorge Cámara y a Silvia Bizio de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood quienes fueron parte esencial de que Oliver viniera al país y de la organización del mismo. A ustedes, nuevamente mis infi nitas gracias por hacer este sueño realidad y que esperemos sea el principio de muchos más.

Foto de Grupo

Compartiendo con Oliver Stone y su esposa Chong, antes del seminario.

a r t Í c u l o

PATROCINADORES

MAGNA MOTORS (HYUNDAI) BANCO BHD LEON PARVAL (GRUPO RIZEK) ZONA FRANCA DE SAN ISIDRO CLUB HEMINGWAY ORANGE GRUPO DE MEDIOS CORRIPIO LISTÍN DIARIO DGCINE MINISTERIO DE CULTURA CCN RADIO CADENA COMERCIAL UNIBE RESTAURANTE OLIVIA RESTAURANTE FRANCESCO RESTAURANTE SBG MANUEL GONZALEZ CUESTA 28

a r t Í c u l o

Llegada de Oliver Stone al Listín Diario. Rueda de Prensa.

Con Héctor Valdez a la llegada al Auditorio del Banco Central.

Oliver Stone en su entrada al Listín Diario.

Cena en SBG

Con Oliver en Francesco.

e n t r e v i s t a Hollywood, CA.- Sin duda alguna uno de los más importantes, legendarios y populares intérpretes en la historia del rock’n’roll con su banda, The Rolling Stones, Sir Michael Philip Jagger, mejor conocido como Mick Jagger, se ha distinguido también en muchos otros aspectos del mundo del espectáculo.

MICK JAGGER JORGE CAMARA

Jagger ha compuesto varias de sus canciones, incluyendo la música

Cuando era un adolescente y me creía intelectual, veía el cine de (Akira) Kurosawa y películas así. Películas como A Knife in the Water de Roman Polanski. de fondo de la segunda versión de Alfie (2004) y la canción “Old Habits Die Hard” por la que ganó el Globo de Oro junto a David A. Stewart; ha sido co-guionista de la película Blame it on the Night (1984); ha trabajado como actor en la películas Performance (1968) de Nicolas Roeg, Ned Kelly (1970) de Tony Richardson, Bent (1997) de Sean Mathias, y The Man from Elysian Fields (2001) de George Hickenloper; y

en sus funciones como productor que tuvimos oportunidad de conversar con él recientemente. ha participado en varios documentales como operador de cámara y sonido.

Mick Jagger lleva crédito de productor, junto a Brian Grazer, Erica Huggins y Victoria Pearman, en la película, Get On Up de Tate Taylor (The Help), que recuenta la turbulenta vida de otra leyenda del mundo de la música, James Brown.

JORGE CAMARA: ¿Cómo fue que llegaste a producir esta película? ¿Cuál fue el proceso? MICK JAGGER: Brian Grazer había estado tratando de producir esta película por mucho tiempo. Tuvo problemas mientras James Brown estaba vivo, porque cambiaba de opinión, quería esto, quería lo otro, no quería aspectos negativos, blah, blah, blah, lo cual entiendo perfectamente. Pero después de su muerte continuaron las dificultades con los herederos, porque habían muchos, y no creo estar equivocado si digo que había muchas disputas entre

E N T r E V i S T A ellos. Yo tengo a un amigo, Peter Offerman, que es también un socio de negocios, y que es un fanático a rabiar de James Brown, y una enciclopedia de conocimientos sobre él y los Rolling Stones. Peter habló con los herederos y les dijo que yo iba a estar encargado, y me preguntó si quería hacer un documental sobre James Brown, ya que yo había hecho un par de documentales sobre los Rolling Stones. Le dije que sí, pero una mañana desperté queriendo hacer una película, no un documental. Sabía que Brian también estaba interesado, y le dije que nos hiciéramos socios para hacer la película. J.C.: Tú has dicho que tu carrera ha sido influenciada tanto por la música como por el cine. ¿Fue James Brown una de esas influencias? M.J.: Mi primera influencia, cuando era niño eran los cantantes de música country/blues que veía en televisión, y de música religiosa como Sister Rosetta Tharpe y Big Bill Broonzy, a quienes pude ver en el teatro cuando era un poco mayor. Y más tarde a intérpretes de música folklórica, a Otis Redding, etc. Y después, Little Richard fue una gran influencia, aprendí mucho de él en cuanto a cómo presentarte en el escenario.

Estuve muy interesado en tratar de presentar a James Brown correctamente, pero también quise que el público estuviera de su lado. No todo el comportamiento de James Brown en la película es admirable, pero aún así yo quería que el público estuviera de su lado. Eso fue muy importante para mí. También me interesó como se veían su interpretaciones, que canciones íbamos a usar en las secuencias de los conciertos, y la participación de los demás personajes. Y la edición. De manera que hubo mucho en que pensar y que decidir. J.C.: Tu vida y tu experiencia en el mundo de la música, aparte del éxito, es muy diferente a la de James Brown. M.J.: Obviamente él tuvo una niñez muy difícil, en la que sus padres prácticamente lo abandonaron, y creció con su tía en un burdel. Nuestras experiencias fueron muy diferentes, de lo que estoy muy agradecido, porque podemos ver lo importante que es tener una niñez positiva. Pero él pudo lograr la sobrevivencia y permitió que su talento floreciera. Mis padres no querían que estuviera en el mundo de la música, porque no veían al mundo de la música como una verdadera profesión. Para mí, el momento defi nitivo de mi carrera fue cuando decidí dejar la Universidad y cantar rock, no solamente los fi nes de semana, sino todos los días de la semana. Afortunadamente tuve éxito.

J.C.: ¿Y qué cine sientes que te influenció? M.J.: Cuando era un adolescente y me creía intelectual, veía el cine de (Akira) Kurosawa y películas así. Películas como A Knife in the J.C.: Otro aspecto de la vida de James Brown con el que tal vez Water de Roman Polanski. Teníamos un cine club en la escuepuedes identificarte es que él participó en actividades políticas la en el que veíamos ese tipo de películas. De modo que las peque le crearon controversias. ¿Qué opinas tú de artistas que lículas extranjeras me influenciaron mucho. se involucran en causas políticas? M.J.: Yo Pero también me influenciaron las películas creo que no hay problema con artistas que escena de Snowpiercer. inglesas populares de esa época, lo cual no se involucran en causas políticas, siempre tiene nada que ver con James Brown (ríe). y cuando sepan de lo que están hablando. Los artistas siempre han reflejado a la sociedad, es su trabajo reflejar el mundo en J.C.: Volviendo a James Brown, ¿de qué maque vivimos, y si quieren involucrarse en nera sientes que él fue una influencia para ti? causas políticas yo creo que es perfectaM.J.: El fue uno de los artistas más grandes y mente aceptable. completos. Tenía todos los talentos, escribía e interpretaba sus canciones. El, como otros, realmente me influenció de muchas maneJ.C.: La encarnación que Chadwick J.C.: ¿Y del cine de hoy en día? ras. Siempre admiré sus presentaciones y esa Bosman hace de James Brown es verdaM.J.: En cuanto al cine popular, tremenda energía de la que daba un cien por deramente extraordinaria y ya se habla de me gustan mucho las películas ciento; como bailaba, como manejaba al púuna nominación al Oscar. Pero hay críticas de Ridley Scott. Una película blico, la manera como lo tenía en la palma de que la película ha ignorado muchas de que vi el otro día que me gustó de sus manos. Por todas esas y muchas otras las acciones negativas e ilegales en la vida mucho es Snowpiercer, la disrazones siempre lo admiré mucho. de James Brown. M.J.: Bueno, depende. fruté mucho y es un tipo de cine Esta es una película y no un documental, que generalmente no me gusta. de manera que tratamos de enseñar lo que J.C.: La película presenta un concierto en es interesante y conmovedor de su vida, sin el Auditorio de Santa Mónica en la década hacer a un lado lo negativo. Si alguien hide los años 60, en el que los Rolling Stones ciera una película de mi vida, no me gustaría que se enfatizara y James Brown participaron. ¿Ahí lo conociste? M.J.: No. Lo en lo negativo, lo cual es muy fácil de hacer. Pudimos habernos conocí antes. Ya lo había visto en el Teatro Apollo y había comconcentrado en los aspectos negativos de su carácter, pero hupartido con él. No era un extraño para mí. Cuando eres joven biera resultado una película muy desagradable. no te importa nada, y no le tienes miedo a nada (ríe). J.C.: ¿Tus opiniones de él y haberlo conocido te ayudaron en la producción de la película? M.J.: Bueno, mi trabajo como productor tuvo muchas facetas, y no todas tuvieron que ver con la caracterización de James Brown, sino con los aspectos de negocios en la producción de una película. Lo más importante para mí al comenzar una película es que el guión esté lo mejor posible. Tuvimos un buen guión desde el principio, pero hubo elementos que quise cambiar, personajes que quise combinar.

J.C.: Finalmente, ¿qué hay en el futuro para Mick Jagger? M.J.: Bueno, todavía seguiré haciendo presentaciones y giras musicales hasta que ya no pueda hacerlas. Además de la promoción para esta película, también tengo otros proyectos como una serie de televisión para HBO con Martin Scorsese, y una próxima gira en unos meses más.

A r T Í c U L O

¿Qué define a una película como una Obra Maestra Clásica del Cine?? El término obra maestra se defi ne como la creación de un maestro. La obra maestra de todos los tiempos y épocas encarna lo eterno, resiste la erosión del tiempo, la asiduidad de las multitudes, ignora los cambios de gusto o las modas. Una película clásica es aquella obra cinematográfica calificada como obra de arte según valores estéticos, técnicos, temáticos o éticos. Es un cine tradicional, constituido por un sistema de convenciones que constituyen la tradición cinematográfica. Emplea siempre los mismos recursos tradicionales, sin introducir elementos rupturistas, a diferencia del cine independiente (el cual se vuelve más individual).

OBR AS

Maestras Clásicas

Hace ya casi 3 años Rubén Peralta Rigaud y Pablo Mustonen eligieron 50 Obras Maestras Clásicas de todos los tiempos, que todo Cineasta debe ver. Más abajo encontrarán nuestra selección (sin orden de preferencia) de estas películas que trascienden la barrera del tiempo y que han sido calificadas como clásicos. Esperamos disfruten y reconozcan está muy famosa selección de escenas… One Flew Over the Cuckoo’s Nest de Milos Forman, 1975

Raging Bull de Martin Scorcese, 1980 Modern

6 haplin, 193 C e li r a h C Times de

Casablanca de Michael Curtiz, 1942

Paths of Glory de Stanley Kubrick, 1957

A r T Í c U L O

Taxi Driver de Martin Scorcese ,

Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, 1979 1976

The Godfather de Francis Ford Coppola, 1972

8 ½ de Federico Fellini, 1963

1968 ley Kubrick, n ta S e d 1 0 20

Viridiana de Luis Buñuel, 1961 Ran de Akira Kurosawa, 1985

Sunset Boulevard de Billy Wilder, 1950

A r T Ă? c U L O

Dr. Strangelove de Stanley Kubrick, 1964

Blade Runner de Ridley Scott, 1982 The Seventh Seal de Ingmar Bergman, 1957

n Polanski, 1974 a m o R e d n w Chinato

Rear Window de Alfred Hitchcock, 1954

The Decalogue SW Krystof Kieslowski, 1988

Aguirre: The Wrath of God de Werner Herzog, 1972 34

Annie Hall de Woody Allen, 1977

A r T Í c U L O

Psycho de Alfred Hitchcock, 1960

Belle de Jour de Luis Buñuel, 1967

Last Tango in P aris de Bernard

o Bertolucci, 19 73

The Bridge on the River Kwai de David Lean, 1957

Un Chien Andalou de Luis Buñuel, 1928

A r T Ă? c U L O

The Treasure of the Sierra Madre de John Houston, 1948 de David Ly Eraserhead

nch, 1976

Il Gatopardo de Luchino Visconti, 1963

The Apartament de Billy Wilder, 1960

80 anley Kubrick, 19 St e d g in n in h S T he

On the Waterfront de Elia Kazan, 1954

Jaws de Steven Spielberg, 1975

25 harles Chaplin, 19 C e d sh u R ld o T he G

A r T Í c U L O

The Deer Hunter de Michael Cimino, 1978

A Clockwork Orange

Metrópolis de Fritz Lang, 1926

de Stanley Kubrick, 19 71

The 400 Blows de François Truffaut, 1959

Butch Cassidy and the Sundance Kid de George Roy Hill, 1969

Singing in the Rain de Stanley Donen y Gene Kelly, 1952

The Passion of Joan of Arc de Carl Theodor Brayer, 1928

A r T Ă? c U L O

The Duellists de Ridley Scott, 1977 Gone with the Wind de Victor Fleming, 1939

Citizen Kane de Orson Welles, 1941 Persona de Ingmar

Vertigo de Alfred Hitchcock, 1958

Lawrence of Arabia de David Lean, 1962

Bergman, 1966

Young Frankestein de Mel Brooks, 1974

The French Connection de William Friedkin, 1971

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Editorial personal sobre Robin Williams R u b ĂŠ n P e r a lta

a r t Í c u l o

reo que la muerte de Robin Williams, de alguna forma romántica, me afecto como si fuera la muerte de alguien cercano. Nunca tuve la oportunidad de estrechar su mano, es más, ni siquiera verlo de lejos, pero cuando creces en frente de una pantalla como lo hice yo, la mayoría de mis horas y mucha de mi información mientras crecía, vino del cine. Este señor sabía darme el consejo adecuando en el momento perfecto. Quizás esté siendo soñador, pero si hubieras crecido como lo hice yo, entenderías que lo siguiente es netamente basado en la vida real, la mía. Yo perdí a mi madre en el 1996, exactamente el miércoles 23 de octubre de ese año, y fue un proceso algo confuso para mí. Es ese sentir, el de que la vida no tiene sentido alguno, y un despreciable sentimiento de soledad y rabia. Rabia de no tener una explicación y una inconmensurable manía de todo el que te rodea de sentir lástima por ti. Por algún tiempo me quedé aislado, algo que mis amigos más cercanos no permitieron, a quienes les estoy agradecido por ello.

Para el segundo aniversario de su muerte, estaba en casa de un amigo, William, quien era mi compañero de cine. Éramos inseparables y compartíamos mucho. Recuerdo vivamente ese momento cuando pusimos la nueva película de Robin Williams, que había ganado el Oscar a mejor efectos especiales. Nunca he podido decir el nombre correcto de la película en inglés, pero en esta película, Robin es un médico que muere, quien previamente ya había perdido a sus hijos y posteriormente su esposa se suicida. La historia se va desenvolviendo en un lugar que es el cielo, pero un cielo que es particular para cada alma que logra llegar. Mientras la historia se va desarrollando, van sucediendo cosas que a la larga terminan en una supuesta misión ¨suicida¨, en fin, cada vez que la veo y recuerdo esos momentos, no puedo evitar no llorar, porque según esta historia, algún día veré a mi madre de nuevo, y tal vez no sea cierto, pero qué más da, no pierdo nada creyendo en que así será. Si voy a creer, que sea a mi conveniencia. El tiempo pasa, y afortunadamente decido estudiar medicina. De alguna forma en contracorriente me lanzo en el vacío de esta exigente carrera, más que carrera, en este estilo de vida, pero por algunos vaivenes del momento, debo salir de mi casa y mudarme solo. Mi única posibilidad de cumplir este sueño profesional fue buscando un trabajo de noche, y estudiar durante el día. Logro trabajar en una franquicia de helados norteamericana, donde cuando llega mi primer magnifico cheque de 480 pesos, decido románticamente, ir (nada más y nada menos) al cine para celebrarlo, a ver Patch Adams. Solo les quiero confesar que si no hubiera sido por esa decisión, no hubiera terminado mi carrera, ya que esta mediocre película me dio el impulso que en ese momento necesitaba.

Recuerdo vivamente en aquella sala 3 del Palacio del Cine de la 27 de Febrero (Avenida en RD) cuando Patch decía desafiadamente a unos médicos que lo juzgaban ¨Quiero ser médico de todo corazón, quiero convertirme en médico para servir a otros. Es cierto que he perdido mucho, pero también he ganado, he compartido mi tiempo con pacientes y el personal del hospital. Y hemos llorado juntos y reídos juntos, y no importa lo que hoy decidan, me convertiré en el mejor médico que el mundo ha visto….¨ No tienen idea de lo que eso ha significado para mi hasta hoy en día. Es casi seguro que no soy ni cerca el mejor médico del mundo, pero si cumplí un sueño, y creo que al final eso es más satisfactorio que méritos físicos otorgados por otros. El tiempo siguió pasando, y una tarde de domingo, rente ¨La Sociedad de los Poetas Muertos¨. Sé que estaba pasado de tiempo, ya que la película es del 1989, pero el buen cine no envejece. Gracias a esta película, dirigida por un Peter Weir, muchos espectadores (sobre todo los más jóvenes) reemplazaron aquel odiado “Nanu-nanu” con unas palabras mucho más cargadas de sentido: “¡Oh, capitán, mi capitán!”, con el que el poeta Walt Withman coronó ´´La última vez que florecieron las lilas en el huerto, su elegía a Abraham Lincoln, me hizo despertar tras un largo periodo de quejas y malas notas en la universidad, uniendo a mi vida el sentido de pensar y decidir lo que quería, de subirme en ese pupitre y ver las cosas de un modo diferente. Pero no se quedó ahí. Con una extraordinaria conversación con Matt Damon en el parque en ¨Good Will Hunting¨, con el deseo de vivir de ¨Bicentennial Man¨ y con sus innumerables excentricidades cuando con esa gracia única y maravillosa de entretenernos apenas usando su voz en algún dibujo animado, este actor cambio muchos rumbos en mi vida. Sé que muchos pensaran que Robin era un actor que recitaba de memoria textos de un guionista, o que de alguna forma muchos de sus roles fueron influenciados por los directores de turno. Pero hay algo que no cambia, es la elección del actor a estos roles, el estilo que puede poner a dicho personaje y una que otra improvisaciones, de las cuales, Robin era un maestro. Dice Facundo Cabral, ¨¿Quién podría decir que Jesús está muerto? No hay muerte: hay mudanza. Y del otro lado te espera gente maravillosa: Gandhi, Michelangelo, Whitman, San Agustín, la Madre Teresa, tu abuela y mi madre¨, Robin no murió. Por lo que he podido ver en redes sociales, su trabajo llegó a millones de personas, millones lo lloran y lo extrañarán, millones están tristes y escojo no enfocarme en su tristeza cual chiste del payaso Pagliacci, sino en el bien que hizo y interesantísimos personajes que interpretó en el cine.

a r t Ă? c u l o

1996, Aladdin and the King of Thieves, Genio, Voz

a r t Ă? c u l o

mork-and-mindy

Insomnia, Robin Williams y Al Pacino Dead Poets Society

A r T i c U L O

2015 Pa b lO M u StO n en

E S P E c i A L

A r T i c U L O

E S P E c i A L

cabe la menor duda, los Globos de Oro son nuestros premios predilectos y los menos influenciables. Para muestra lo que pasó en este 2015, donde se dejó fuera de las nominaciones a la última película del director Clint Eastwood, American Sniper, a Bradley Cooper quien hace el papel principal en la misma, a Angelina Jolie y su segunda película como directora, Unbroken. Sin embargo, tomaron en cuenta a la excelente película Nightcrawler, un fi lme de bajo presupuesto y que el Oscar obvió por completo, a su actor principal, Jake Gyleenhaal, magistral en un papel que recordaremos para siempre y más importante aún, no olvidaron a la película The Grand Budapest Hotel y hasta la premiaron por encima de las que todos vaticinaban como Mejor Comedia o Musical, Birdman. Fue un año difícil este 2015, muchas buenas películas y sobretodo excelentes actuaciones. Elegir a uno, nos imaginamos que fue una tarea difícil.

La Mejor Película (Drama) recayó sobre Boyhood, nuestra favorita para llevarse este premio.

A r T i c U L O

E S P E c i A L

Look del escenario de los Golden Globe.

Antes de hablar sobre los ganadores y nuestros vaticinios, hablemos un poco sobre el espectáculo. Nuevamente lo podemos describir con dos palabras: Sin desperdicios. Desde la organización de la alfombra roja, la cena, el evento, los cocteles, las fiestas, todo estuvo perfecto. Amy Poehler y Tina Fey nuevamente dieron en el clavo. Deberían permanecer para siempre como “hosts” de este evento. Lástima que hasta ahora, este fue su último año como presentadoras, pero veremos qué pasa de aquí al 2016.

George clooney y esposa, cindy crawford y esposo.

Si algo pudiéramos criticar son dos cosas: Lo primero es que el aire acondicionado estuvo un poco flojo, aunque esto no es error de los organizadores sino del salón del hotel. Lo segundo es que el premio especial de la noche, el Cecil B. DeMille, se lo dieran a George Clooney, quien todavía es joven y tiene mucho futuro por delante. Pero tampoco esto es tan criticable ya que Clooney, además de ser una de las personas más importantes de Hollywood, es un fiel luchador de las labores sociales y la Prensa Extranjera reconoce esto. 46

A r T i c U L O

E S P E c i A L

Wes Anderson y el elenco de The Gand Budapest Hotel.

Una de las sorpresas de la noche y una muy grata para quien suscribe, ya que fue mi película preferida del 2014, fue en la categoría de Mejor Película (Comedia o Musical) donde el galardón recayó en The Grand Budapest Hotel del talentoso cineasta Wes Anderson. La gran favorita era Birdman, que no se fue con las manos vacías y se llevó dos muy merecidos premios en las categorías de Mejor Guión y Mejor Actor en una Comedia o Musical para Michael Keaton.

Merryl Streep hablando con Naomi Watts.

La Mejor Película (Drama) recayó sobre Boyhood, nuestra favorita para llevarse este premio. Es toda una proeza y un riesgo lo que hizo Richard Linklater quien duró 12 años fi lmando esta película. Tuvimos la oportunidad de hablar con la simpatiquísima y agradable Patricia Arquette (ganadora como Mejor Actriz Secundaria) y nos contó que fi lmaban de 5 a 7 días por año y que fue un proceso bastante organizado. A Patricia la conocimos justo luego de haber ganado el premio y estaba súper emocionada y feliz. Boyhood también ganó el Globo a Mejor Director (Richard Linklater), categoría que al día de hoy todavía no decidimos nuestro preferido, tanto que él como Iñarritu hicieron dos grandes obras.

A r T i c U L O

E S P E c i A L

Robert Duvall, Jennifer aniston, Robert Downey Jr.

En la categoría de Mejor Actor (Drama) nuestro favorito era Jake Gyllenhaal (Nightcrawler), sin embargo el Globo fue para Eddie Redmayne (The Theory of Everything) en su también excelente interpretación de Stephen Hawking. Comentaba con el equipo de Cineasta que para mí esta era la categoría más complicada de todas, fue un año lleno de excelentes interpretaciones. Sin embargo, considero que la Asociación de Prensa Extranjera debió haber nominado también a Channing Tatum en su excelente rol en Foxcatcher, quizás por encima de Benedict Cumberbatch.

Ethan Hawke y Michael Keaton.

A r T i c U L O

E S P E c i A L

A r T i c U L O

E S P E c i A L

channing Tatum y su esposa Jenna Dewan.

Desde que vimos el clip de Julianne Moore por su interpretación en Still Alice, sabíamos que iba a ser la gran ganadora de mejor actriz (Drama). Y así fue. Ya mencionamos a Patricia Arquette como Mejor Secundaria en Drama por la película Boyhood, bien merecido también. Amy Adams se llevó el Globo en la categoría de Mejor Actriz en Comedia o Musical por la película de Tim Burton Big Eyes. Maggie y Jake Gyllenhaal.

JK SiMMONS recibe el Globo de Oro como Mejor Actor Secundario.

Gracias a Jorge Cámara y a la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood por invitarnos a este magno evento, del cual ya nos sentimos como familia. En conclusión, los Globos de Oro 2015 los pudiéramos defi nir con dos palabras que pocos críticos usan hoy en día: UNA OBRA MAESTRA. Joaquin Phoenix y robert Duvall.

J.K. Simmons se llevó el premio al Mejor Actor Secundario por su magistral interpretación del respetado profesor Fletcher en la interesante película Whiplash. Este premio también era esperado, y nos recordó un poco a ese Salieri interpretado por F. Murray Abraham en la magistral Amadeus.

c r Í t

i c a

H U G O P A G AN S O T O

“Una vez las cartas están sobre la mesa Paul Thomas Anderson nos lleva en un viaje alucinante colmado de situaciones bizarras y personajes insólitos”

Justo

cuando creíamos que lo habíamos visto todo llega Paul Thomas Anderson con su Inherent Vice para romper todas las reglas, una vez más. ¿Reinventar?... más bien destruir todo un lenguaje y una narrativa para lograr una especie de radiografía bizarra de géneros bien definidos. La parodia se convierte en un elemento de creación que se mezcla con una puesta en escena delirante para parir un filme único. Aquí los puntos de comparación no existen este es un universo con sus propias reglas, un universo que P. T. Anderson se ha robado de la novela de Thomas Pynchon y lo ha plasmado en celuloide.

la némesis del detective y la omnipresente voz en off que nos acompaña como de costumbre.

Desde que vemos la primera imagen en pantalla el Sr. Anderson tiene toda nuestra atención, la textura y el granulado nos hacen viajar en el tiempo y nos ponen en el contexto de la historia. En pleno 2014 y en una sofisticada sala de cine lo que corre en la pantalla parece una cinta de los años 70. No solo el vestuario y la dirección de arte nos llevan al Los Ángeles de 1970, también la técnica de grabación emula a los filmes de la época. Si Mike Hammer o Samuel Spade hubieran coincidido con el furor narcótico setentero, tal vez el resultado hubiera sido el Larry “Doc” Sportello que ahora conocemos en “Inherent Vice”.

Una vez más el director suma fuerzas con Robert Elswit y Jonny Greenwood, el primero nos deleita con su trabajo en la dirección de fotografía y es el principal responsable del maravilloso look del filme. Greenwood quien es el guitarrista de la agrupación Radiohead compuso la música lo que marca su tercera colaboración con Anderson (anteriormente There Will Be Blood y The Master). Sin estos componentes trabajando de manera tan precisa hubiera sido imposible concebir la atmósfera que logra “Inherent Vice”.

El film noir se convierte en objeto del deseo, sus elementos se retuercen y queda como resultado una especie de neo-noir o ultra-noir. Joaquin Phoenix es Doc Sportello, el detective privado de turno con el respectivo caso para romperse la cabeza. Así se van sumando uno tras otro los típicos personajes del film noir clásico, la femme fatale, el policía que es

Phoenix con su Doc Sportello es la fuerza que empuja este filme pero igual la variedad de personajes que salpican la historia le imprimen un sello único elevándola a un estatus de culto. Es imposible olvidar a Bigfoot Bjornsen (Josh Brolin) o a Coy Harlingen (Owen Wilson). Así podríamos seguir con cada uno, desde los que tienen más presencia en escena hasta los que nos llegan por un breve instante. Los estereotipos le sirven a Anderson para parodiar y hacernos reír con las situaciones más inusuales. En el camino el director pasa por la filmografía de algunos de sus similares como Aldrich, Hawks y Buñuel, a este último le hace un guiño irrebatible con la secuencia de «la última cena».

Una vez más Paul Thomas Anderson nos ha hipnotizado con sus trucos y quedamos embriagados de ese “vicio inherente”!

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Dirección Paul Thomas Anderson. Guión Paul Thomas Anderson, Thomas Pynchon (novela). Reparto Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Katherine Waterston, Jena Malone. Género Comedia, Drama. Duración 148 min. País USA. Año 2014.

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El Cine a la Séptima Potencia

Erotikon

1920

( P a r t e 1 ) Á n g e l H a ch é

Estoy

muy entusiasmado con esta nueva columna, pero a decir verdad, no sé si voy a poder cumplir con todo lo que bulle en mi cabeza en referencia a las carreras de directores y actores destacados que hacen una carrera brillante, y otros que se apagan por diversos motivos. Para lograrlo es necesario pasar muchas horas frente a la computadora, buscando documentación, por lo tanto dependerá del tiempo que tenga a disposición para realizar tremenda tarea. Pero nada, a grandes rasgos, haré un poco de historia de un puñado de notables artistas del séptimo arte, de ahí el título de esta columna. Para comenzar, se me ocurrió hacer una síntesis del cine mudo, para que las nuevas, y no tan nuevas generaciones conozcan algo de su nacimiento y de sus primeros directores. El cine mudo ha vuelto a estar de moda con el estreno de El Artista de Michel Hazanavicius y de Blancanieves, de Pablo Berger, que el público dominicano ha tenido la oportunidad de ver en nuestras salas El Nacimiento del Cine Los hermanos Auguste y Louis Lumiere nacieron en 1862 y 1864, diseñaron un sistema que permitía la proyección de películas en grandes espacios, diferente al kinestocopio de 52

Thomas Alva Edison que permitía que sólo una persona, aplicando el ojo a un visor, pudiera ver imágenes en movimiento. Durante largo tiempo hubo una pugna de quien fue el inventor del cine, si los franceses o los norteamericanos, pero está claro que fueron los hermanos Lumiere. Ellos alquilaron en París el Salón Indien, en los sótanos del Grand Café de Capucines, y el 28 de diciembre de 1895, hicieron la sesión inaugural, la entrada costaba un franco y el espectáculo duraba media hora, se proyectaron entre otros: La llegada de un Tren y El Regador Regado. Los 33 asistentes veían los trabajos alucinados y era tanto el verismo para estas personas congregadas por primera vez, que algunos de ellos salieron aterrorizados cuando un tren se acercaba…!y eso que todavía no existía la 3D! Fue un éxito clamoroso y ya a las 3 semanas este descubrimiento reunía a 3,000 personas. En 1903 los hermanos se separaron, Louis se mantuvo al frente de la industria e hizo algunas innovaciones, como la fotografía a color. Auguste abandonó el cine y se dedicó a la biología. El cine se dio a conocer como el séptimo arte. Luego de un tiempo fue perdiendo interés y era considerado como una atracción menor, hasta que Melies, con sus filmes mágicos y efectos especiales, recobró el interés del público.

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Thomas A. Edison

Georges Melies

Aportó al mundo del cine, la película en celuloide de formato 35mm, aunque no pudo patentarlo porque George Eastman ya lo había hecho, pero sí pudo patentar las perforaciones laterales que tiene este tipo de película. En 1893 creó el primer estudio de producción al que llamó “Black Mary”, y también patentó el kinestocopio, un aparato de visión individual que no permitía su proyección sobre una pantalla.

Nacido en París en 1902 1861 y fallecido en 1938. Realizó más de 500 fi lmes, muchos de ellos perdidos. Su más famoso, Viaje a la Luna (1902). Por accidente, creó la “desaparición de un actor” mientras rodaba una escena, en la q u e detuvo la cámara por un momento y cuando volvió a fi lmar, ya no estaba. Otros aportes que hizo fue: la disolución de imágenes y en algunas de sus películas coloreó a mano, fotograma por fotograma, así como el “stopmotion photography” para crear efectos visuales, sin embargo murió en la pobreza. Otros de sus fi lmes son: Les Cartes Vivantes (1904); La Linterna Mágica (1903); El Hombre Orquesta (1900) y A La Conquista del Polo (1912). El Diablo en el Convento, su último fi lme, fue realizado en 1913. Martin Scorsese le dedicó su película Hugo, que trata sobre un niño de 12 años, Hugo Cabret, que adora las películas de Georges Melies. Sus películas tenían duración desde un minuto hasta 30 minutos.

1893

Chaplin dijo que Melies fue “el alquimista de la luz”, y es considerado como el padre de la ciencia ficción.

Alice Guy (1873-1968) Directora y guionista francesa que hizo más de 500 películas. Fue la primera directora de la historia del cine, su primero, La Fee aux Choux (1896). Su último fi lme fue Tarnished Reputations (1920), de 50 minutos de duración, antes de eso había realizado, Vampire, en ese mismo año. Emigra a Estados Unidos donde hace una gran cantidad de películas. Otros títulos de su fi lmografía son: La Vida de Cristo, en la que utilizó los exteriores del bosque de Fontainebleau, de la compañía Gaumont; La Esmeralda; The Pit and The Pendulum y Barricades. Casi todas sus películas se echaron a perder por el nitrato de celulosa.

Charles Pathé (1863-1957) Realizó sus cortos en la misma época de los hermanos lumiere

Nació en Francia y murió en Mónaco. Importador de fonógrafos antes de construir su estudio de fi lmación. Produjo 172 películas desde 1896, entre estas: Yo Acuso largometraje de 1919 y La Rueda su último en 1923.

La Compañía de Cine Gaumont

Edwin S. Porter (1870-1941) Norteamericano, realizó 293 películas. Fue además de director, cinematógrafo, guionista, productor y editor. Comenzó en 1898 con The Cavalier’s Dream; creador del primer western, Asalto y Robo al Tren (1913), donde logra un famoso primer plano y es el iniciador de fi lmes con estructuras narrativas. Solo hizo cortometrajes, utilizó el montaje paralelo en Vida de un Bombero Americano.

Productora de películas francesas fundada en 1895 por el ingeniero, transformado en inventor, Leon Gaumont (18641946). La más antigua del mundo. Empezó a producir cortos en 1897. Manufacturó su propio equipamiento y películas producidas en masa hasta 1907, cuando Louis Feuillade se convierte en su director artístico. La Gaumont también inauguró oficinas en Estados Unidos, los más prestigiosos directores franceses trabajaron para ella.

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Ferdinand Zecca Director, productor y actor de cine francés, nacido en París en 1864 y fallecido en la misma ciudad en 1947. De una prolífica trayectoria en la que también escribe guiones e interviene como actor se destacan los cortos: L’homme invisible (1909); The Red Spectre (1907) co-dirigida con el director español Segundo de Chomón y L’affaire Dreyfus (1908). Su cine estuvo influenciado por Georges Melies.

1913 Louis Feuillade (1873-1925) Su habilidad para la interpretación llamó la atención del productor Charles Pathé, que lo contrató para la realización de películas.

Mack Sennett (1880-1960)

Nació en Canadá y murió en Estados Unidos. Director estadounidense de los estudios Keystone, principal centro de producción de comedias del cine mudo. Fue también actor guionista y productor. Dirigió a Chaplin en 35 Creó el estilo que comedias. Recibió un Oscar se llamó especial en 1938 por ser el “the slapstick maestro de la comedia y descomedy”. cubridor de estrellas. Su primer corto lo realizó en 1910 y su última película ya un largometraje sonoro fue Way Up Thar (1935). Produjo unas 1,000 películas.

Director nacido y fallecido en Francia. Comenzó como periodista y luego fue fichado por la compañía cinematográfica Gaumont. Realizó más de 500 cortos y seriales. Su primero fue Un Coupe de Vent (1906). Hizo comedias, aventuras, temas policiacos, históricos, infantiles, como la serie “Bébé”, y otros empeños mayores como Fantomas (1913); la magnífica Los vampiros (1915), de larga duración y Judex (1916), de 12 episodios, con una gran dosis de realismo. Otro corto muy popular fue La Vie Telle qu’elle est (1911); Fantomas contre Fantomas (1914); Barrabas (1919); Lucette (1924), codirigido con Maurice Champreux.

David W. Griffith (1875-1948)

1915 Influyó a los grandes directores e independizó el cine del teatro.

Director norteamericano que en 1936 ganó un Oscar de la Academia por su labor creativa y su contribución del arte cinematográfico. Hizo cerca de 450 cortos. Uno de los directores más prolíficos que lo llevó a la perfección de la narración fílmica hasta desembocar en El Nacimiento de una Nación (1915). Fue llamado el padre de la técnica cinematográfica. En 1920 estableció la United Artist con Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford. Produjo y dirigió en 1910 la primera película hecha en Hollywood. Su primera sonora fue Abraham Lincoln (1930). Considerado como uno de los grandes maestros del cine y seleccionado como el XV gran director de todos los tiempos por la Entertaintment Weekly. El Nacimiento de una Nación fue criticado como un filme racista, que le llevó entonces a realizar, Intolerancia, para mostrar como la intolerancia de la gente puede ser dañina y peligrosa. También fue considerada como el nacimiento del moderno cine norteamericano. Su película América (1924), supuso el mayor cambio dentro de su carrera. Muchos de los grandes artistas trabajaron por primera vez con él: Mary Pickford, llamada la novia de América; Mack Sennet; Lionel Barrymore y Lillian Gish, que hizo una larga carrera como actriz.

Griffith fue pionero en la edición paralela. The Struggle (1931) fue su última película sonora. Entre sus cortos y largometrajes están: The Adventures of Dollie (1908); Judith de Bethulia (1914); Lirios Rotos (1919); Las dos Tormentas(1920); y Las Dos Huérfanas(1921), las tres últimas con la Gish; Crimen y Castigo (1925) y La batalla de Los Sexos (1928). 54

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Abel Gance (1889-1981) Director parisino que comenzó como actor de teatro. Su debut como director fue en La Digue (1911), antes, fue guionista de varios cortos y comienza a realizar largometrajes y en 1927 rueda, Napoleón, de 240 minutos, uno de los grandes clásicos del cine mudo, una obra maestra. Desde 1931 con La Fin du Monde, sus películas fueron largometrajes sonoros como La Droit a la Vie y Mater Dolorosa (1917). Los dramas sociales eran sus temas predilectos. En 1919, Yo Acuso; La Rueda (1920) admirada por Jean Cocteau y Akira Kurosawa. En Napoleón, hace alarde de innovaciones técnicas, entre estas: cámara en mano, en otra, cámara situada en un lomo de un caballo a galope o colgada de un péndulo moviéndose de un lado a otro. Utilizó en la película un sistema panorámico especial, con tres pantallas y tres proyectores, que le permitían mostrar tres acciones simultáneas en forma de tríptico.

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Lois Weber (1879-1939) Primera directora norteamericana, de religión evangelista, que la llevó a realizar filmes con temas como: el aborto, alcoholismo, adicción a las drogas y prostitución. Dirigió alrededor de 100 películas. No pudo hacer la transición al cine sonoro, salvo en 1934 con White Heat. Su primer corto fue Heroine of 76 (1911), rodó varias cintas de 1 hora y su primer largometraje fue Mary Regan (1919), al igual que las demás que realizó hasta The Angel of Broadway (1927).

La excesiva duración de Napoleón de 6 horas, hizo que se exhibiera en versiones mutiladas.

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Victor Sjostrom (1879-1960) Director y guionista sueco. Fue actor y director de teatro antes de comenzar en el cine en 1912 con Ett Hemligtgiftermal, su largometraje Ingeborg Holm de 1913; El Viento (1928), con Lillian Gish, es considerado un clásico del cine sueco. Luego hizo otras cintas sonoras, su última Bajo el Manto Escarlata (1937). Dignas de mencionar son: The Scarlett Letter (1926) y La Carreta Fantasma (1921), aclamaJunto a Mauritz da como obra maestra. En su etapa Stiller, se le consinorteamericana, desde 1924, cambió dera la figura más importante del cine su apellido por Seastrom. En el cine mudo en Suecia. sonoro es recordado por su maravillosa actuación en Fresas Salvajes de Ingmar Bergman en 1957. Su filmografía como director, que alternaba como guionista, pasa de los 50 filmes. Otras películas suyas son: Los Proscritos (1918); El monasterio de Sendomir (1920); Amor de Padre(1925); La mujer marcada(1926), con Norma Shearer y La Mujer Divina (1928), con Greta Garbo.

Nació en Toronto, Canadá en 1885 y falleció en Los Ángeles, CA en 1981. Su primer corto se tituló The Boss of Lucky Ranch (1911) con Douglas Fairbanks. Realizó algunos largometrajes, el más conocido fue Robin de los bosques (1922), también con Fairbanks y Mary Pickford. Fue además guionista y productor. Hizo varias películas con Gloria Swanson, de la cual Dwan era su director favorito. Su primera cinta sonora fue La Máscara de Hierrro (1927) repitiendo con Fairbanks. Su filmografía sobrepasa los 400 filmes. Fue fundador de la Motion Picture Directors Association en 1917. Otras películas suyas fueron: The Good Bad Man (1916), El moderno Mosquetero(1917); ZaZa (1923); Big Brother (1923). Sentía una gran admiración por héroes colocados entre la bondad y el horror.

Mauritz Stiller (1883-1928) Nació en Finlandia y se trasladó a Suecia donde fallece. Mentor de Greta Garbo a quien llevó a Hollywood, donde esta se labró una exitosa carrera. Sus principales trabajos: La Mejor Película de Thomas Graal (1917); El Tesoro de Arne (1919); Erotikon (1920) y La Saga de Gosta Berling (1924), que fue la última actuación de Greta Garbo antes de irse a Hollywood. Fue actor de teatro. Su primer trabajo como director de cine fue el corto Den Tyranniske Fast Mannen (1912) y su primer largo se tituló For Sin Karleks Skull (1914). Victor Sojstrom actuó en algunos de sus filmes. En Estados Unidos hizo un par de películas con Pola Negri y con Emil Jannings hizo La calle del pecado (1928). Después de realizar esta cinta regresó a Suecia, en ese mismo año, y no realizó ningún filme sonoro. 55

A r T Í c U L O

5.8

American sniper

Calificación de

Cineasta

9.5

Foxcatcher

a las películas nominadas a los

Boyhood

The Grand Budapest Hotel

8.9

9.1 7.4

birdman

8.5

The theory of everything

Hugo Pagán

Rubén Peralta

Pablo Mustonen

José Maracallo

edwin Cruz

Armando Almánzar

Promedio

The Grand Budapest Hotel

8.5

9.1

Birdman

7.5

8.5

Boyhood

8.5

8.9

Foxcatcher

9.5

Whiplash

7.5

7.9

American Sniper

5.8

The Imitation Game

6.5

5.8

The Theory of Everything

7.5

7.4

Nightcrawler

7.5

8.4