Revista CINEASTA -Edición No. 37 by Giselle Mustonen Haché

CRÍTICAS

CONTENIDO

EDITORIAL Edición No.37

HAIL, CAESAR! Artículo por Jorge Cámara

LOS MEJORES ESTRENOS DEL 2016 Artículo por Rubén Peralta Rigaud

CINEASTAMAG.COM

JAIE LAPLANTE Entrevista por Rubén Peralta Rigaud

CHINATOWN (1974) Crítica por Hugo Pagán Soto

QUEEN OF KATWEE Crítica por Rubén Peralta Rigaud

WARREN BEATY Entrevista por Jorge Cámara

GUIONISTAS BAJO LA ÓPTICA: AARON SORKIN Artículo por Miguel Yarull

10 PELÍCULAS DIRIGIDAS POR MUJERES Por Violeta Lockhart

ROSEMARY’S BABY Crítica por Brando Hidalgo

SULLY Crítica por Rubén Peralta Rigaud

WOODY ALLEN Entrevista por Jorge Cámara

METACINE Artículo por Luis G. Jansen

CINDERELLA Artículo por Sarah Méndez

IN MEMORIAM: ÁNGEL HACHÉ Por Pablo Mustonen

CRÍTICAS

CINEASTAMAG.COM

THE BIRTH OF A NATION Crítica por Rubén Peralta Rigaud

MERYL STREEP Entrevista por Jorge Cámara

EL PATRIMONIO AUDIOVISUAL DEL CINE DOMINICANO Articulo por DG Cine

MUERTE POR MIL CORTES Entrevista a Jake Kheel por Cineasta Mag

THE GIRL ON THE TRAIN Crítica por Rubén Peralta Rigaud

DE QUE HABLA HOLLYWOOD Entrevista por Jorge Cámara

EL CINE A LA 7MA POTENCIA Por Ángel Haché

SALA 7 PALACIO DEL CINE BLUE MALL Nota de prensa y Cartelera

SANTA TERESA & OTRAS HISTORIAS Crítica por Edwin Cruz

GOLDEN GLOBE 2016 Artículo por Pablo Mustonen

LAS MEJORES SERIES DE TELEVISIÓN 2016 Artículo por Rubén Peralta Rigaud

CITIZEN KANE (1941) Crítica por Hugo Pagán Soto

IN MEMORIAM: ÁNGEL HACHÉ Por Pablo Mustonen

EDITORIAL

CINEASTAMAG.COM

PRESIDENTE

Esta nueva entrega especial de revista Cineas7a la dedicamos a la memoria de nuestro querido tío Ángel Haché, quién siempre fue un ferviente seguidor y admirador del cine además de ser uno de nuestros principales colaboradores desde que iniciamos en el 2010. Escribir para Cineas7a fue tan solo uno de sus tantos talentos, al igual como lo fueron la pintura, actuación, pedagogía, dirección teatral y cinematográfica, ramas del arte que a lo largo de los años supo combinar a la perfección. En fin, fue un destacado artista y en su honor queremos dedicar esta edición. Nuestro contenido además viene cargado de interesantes artículos: Miguel Yarull, nos escribe sobre el ganador del Oscar como mejor guión este año 2016 por la película “Steve Jobs”, el Sr. Aaron Sorkin. Por otro lado, Jorge Cámara nos trae desde Los Ángeles interesantes entrevistas con los hermanos Coen y su última película: “Hail, Caesar!!”; Meryl Streep quien nos habla de su nuevo rol como “Florence Foster Jenkins”; Woody Allen y su cinta “Café Society” y el siempre interesante Warren Beatty quien retorna, luego de 18 años sin filmar, con “Rules Don’t Apply”. Aparte de estas entrevistas, nos envía un interesante resumen “De que habla Hollywood” en la actualidad. Rubén Peralta nos redacta un artículo que ningún amante del buen cine se puede perder: Lo más esperado de este final del 2016. Luis Jansen nos hace un análisis sobre Metacine. Violeta Lockhart nos plasma sus favoritas: “10 películas dirigidas por mujeres” y Sarah Méndez, nos deleita con un vistazo al vestuario de una de las películas nominadas al Oscar este año, “Cenicienta”. En el plano local, tenemos una exclusiva entrevista con Jake Kheel y su interesante documental “Muerte por Mil Cortes”. DGCine también nos trae un interesante artículo sobre la evolución de la Industria Cinematográfica en el País. Aprovechamos para darles buenas noticias y comunicarles sobre nuestro acuerdo estratégico con Palacio del Cine, la cual nos permitirá seguirles llevando nuestro mejor contenido con el apoyo de esta importante cadena de cines del país. Además, podrán ya conseguir nuestra revista de manera bimestral en las salas de Palacio del Cine, Farmacias Carol, Papa John’s (vía Delivery), entre otros. Por ahora nos despedimos, muy entusiasmados.. ¡¡Hasta la próxima edición!!

Pablo Mustonen revistacineasta@gmail.com

DIRECCIÓN Y EDICIÓN Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com Giselle Mustonen giselle.mustonen@gmail.com

MERCADEO Y VENTAS Giselle Mustonen giselle.mustonen@gmail.com Brando Hidalgo Brandohidalgo@gmail.com

DISEÑO DE PORTADA Anny Bell Rodríguez annybellr@gmail.com

DISEÑO EDITORIAL Anny Bell Rodríguez annybellr@gmail.com

COLABORADORES Jorge Cámara- Miembro del Board of Directors Golden Globe y HFPA. Miguel Yarull, Alex Acra, Sarah Méndez, Violeta Lockhart, Edwin Cruz, Marc Mejía, Ángel Haché†, Luis G. Jansen, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Katherine Bautista, Óliver Oller, José Maracallo. CINEASTA Ave. Bolívar No. 812, Apto. No.17 Villas Bolívar, Santo Domingo, R.D.

CINEASTA es una publicación bimestral, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de CINEASTA.

CRÍTICAS

Lupita Nyong’o como Nakku Harriet

QUEEN OF KATWE

CINEASTAMAG.COM

POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

“Queen of Katwe” es una película que resalta el triunfo de la mente de una persona en un lugar en el mundo que, por lo general, no da crédito por el dominio intelectual. La persona real es una niña, el lugar está en el este de África, y su cerebro es una bóveda de estrategias, una destreza que cualquier colonialista hubiera deseado poseer: ser un maestro en el juego de ajedrez. La niña de diez años es Phiona Mutesi (Medina Nalwanga). Phiona no sabe leer, mucho menos escribir su nombre, la educación no es una prioridad para ella o su familia, ya que la real lucha consiste en mantenerse con vida en el barrio llamado Katwe en la capital de Uganda, Kampala. Su madre Nakku Harriet (Lupita Nyong’o), trabajadora y cuasi fanática religiosa, está desesperada por mantener a sus 4 hijos cerca de ella, ya que en tiempo reciente había perdido a su esposo y a una de sus hijas. Mientras que su hija mayor Night (Taryn “Kay” Kyaze) está comenzado a enamorarse, no es la ayuda que necesita Phiona y su hermano Brian (Martin Kabanza) para transportar el agua hacia la casa y salir a vender maíz hervido en medio de la multitud en que Katwe se desarrolla día a día. Entre tantas situaciones que vemos en pantalla, una sucesión de tragedias acompañados de bocanadas de aire fresco, la película va tomando forma, todo esto desde la primera secuencia. La directora Mira Nair empuja a la audiencia a sentir empatía con la familia. Aunque la plataforma es deprimente, ella se las arregla para llenar de colores, música y acción el triste escenario. Sean Bobbitt (12 Years a Slave, Shame, Hunger) utiliza la cámara para hacernos sentir como un observador del desarrollo que los personajes van presentando, y de cómo estos, con miradas y gestos descubren lo

que les gusta o desagrada. Utiliza sabiamente la luz natural, y durante las noches, se enfoca solamente en las acciones de los personajes y sus vestuarios. Robert Katende (David Oyelowo) amante del soccer y el ajedrez, entrena a los niños de manera semanal en un pobre e improvisado local, allí les enseña las estrategias y reglas del ajedrez y también les da de comer mientras aprenden las estrategias y lección del día. Un buen día, Phiona se asoma tímidamente al local y es allí cuando ella descubre una habilidad que desconocía. Poco a poco, Phiona desarrolla de forma natural habilidades para crear hasta 8 movimientos antes de que su contrincante juegue, esta habilidad viene con doble filo, ¿Cómo un niño que no tiene nada, de repente se ve con tanto poder? Como algunas de las mejores películas de deportes, su equipo es el más débil, los niños pobres se logran meter un torneo en contra de los niños arrogantes de escuelas privadas. No es cuestión de raza, pero sí de clase social. Es aquí donde tal vez peca la película, pues se apega tanto a la formula Disney, que con falsas esperanzas quedamos esperando que la traicione, o que al menos la varíe, pero no, al parecer, los estatutos de las historias con dicho sello, no tienen la potestad de cambiar, o al menos de contar algo diferente. No es necesario ser un experto para saber qué pasará, y presenciar cómo nuestros héroes de una forma segura, pero con vicisitudes, lograrán el Olimpo, y no es que esté mal, sino que es aburrido y monótono ya saber lo que les depara. Sabemos que está basado en hechos reales, pero el detalle está en cómo se cuenta, no en la historia en sí. “Queen of Katwe”, es un producto bueno, enfocado a la familia, con una muy buena dirección de Mira Nair, una estupenda fotografía, y una Lupita Nyongo extraordinaria.

CRÍTICAS

Tom Hanks como el Capitán Sully

SULLY POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

A sus 86 años, el incansable Clint Eastwood está de vuelta con una nueva película que no será su última y tampoco es memorable. Hay que decir que dentro del escenario que toma como punto de partida esta historia real, Eastwood narra otro retrato de un héroe americano (y un marido perfecto), un relato de una catástrofe evitada y de una investigación que busca una supuesta verdad, la cual ningún espectador no pone en duda. Sin embargo, ¿puede un personaje interpretado por Tom Hanks no ser ejemplar? (Hasta en “Road to Perdition”) La película comienza con una pesadilla: un avión pilotado por el capitán Chesley “Sully” Sullenberger (Tom Hanks) es golpeado por varios pájaros. Pierde ambas turbinas antes de chocar contra un edificio en Nueva York. Esto obviamente no es lo que realmente sucedió. Algún tiempo después del evento que se llamó “El Milagro en el Hudson”, Chesley Sullenberger comienza a sufrir de ansiedad. Esto hace que tenga sueños despierto y alucinaciones. A pesar del circo mediático que lo rodea (incluyendo entrevistas con Katie Couric y David Letterman), no se considera un héroe, el solo siente que ha hecho su trabajo. Él y su copiloto Jeff Skiles (Aaron Eckhart) están siendo investigados por el NTSB (National Transportation Safety Board) ya que son acusados de aterrizar el avión en el río Hudson, que habría puesto en peligro la vida de los pasajeros. Ellos no escucharon a las instrucciones del controlador de tráfico aéreo para regresar al aeropuerto de ‘’La Guardia’’ y de acuerdo con un informe preliminar, un engranaje funcionaba. Si las simulaciones por computadora no le dan la razón, Chesley perderá su trabajo y su pensión. Su carrera de 42 años podría convertirse en humo. Afortunadamente, él tiene el apoyo de su esposa Lorrie (Laura Linney) con el que se comunica por teléfono. La puesta en escena de Eastwood asegura una buena película. Su clasicismo, que normalmente es impresionante, aquí torna perezoso o muy académico.

Este se las arregla para no brindar un discurso político ni una construcción laboriosa de la narrativa. Tal vez aquí es donde radica la no tan fuerte efectividad de su puesta en escena. Eastwood siempre toma bandos, en esta ocasión se queda en un nivel neutro, incluso a los personajes “villanos” les da cierta redención al final de la cinta. Tom Hanks no falla, y por alguna razón, estos personajes basados en historia real le van como anillo al dedo. La parsimonia del personaje y sus situaciones, son manejadas con una maestría y un claro estilo, Hanks es y será, el punto que define el resultado de una película. Esperen muchas nominaciones ya que tenemos la ecuación para esto: Hanks + personaje de la vida real + héroe americano + Eastwood… es imposible que la academia obvie esto. “Sully” dura 98 minutos, parece ser un poco corto para una película con este tema, pero esto se justifica por la delgadez de la secuencia de comandos. La película toma su tiempo para mostrarnos la secuencia de aterrizaje de emergencia en el río Hudson, centrándose en las consecuencias del incidente. Todo el evento (desde el embarque de pasajeros, el despegue de la aeronave, la colisión con una multitud de aves, aterrizando en las heladas aguas del Hudson, la evacuación y el rescate de los pasajeros y miembros de la tripulación) es presentado a través de un largo flashback. Esta misma escena se repite más adelante en la película, pero se muestra desde el punto de vista de los pilotos en la cabina. Las cámaras IMAX se utilizan con buenos resultados aquí. “Sully” presenta a un verdadero héroe. La decisión del capitán Chesley Sullenberger el día 15 de enero de 2009 salvó al mundo de otra catástrofe aérea. Sully es demasiada blanda para ser digno del talento del gran Clint, pero no deja ser una buena película. Eastwood recibe un soberbio apoyo de su grupo de actores, liderados por el magnífico Tom Hanks y un efectivo Aaron Eckhart. Quédense sentados durante los créditos finales para que vean las fotos del incidente real y la reunión de Sully con la tripulación y los pasajeros. 7

CRÍTICAS

Escena de la película “ The Birth of a Nation”

THE BIRTH OF A NATION

CINEASTAMAG.COM

POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

“The Birth of a Nation” es una película histórica sobre la esclavitud en los Estados Unidos, escrita, dirigida e interpretada por Nate Parker, al cual se le suman en el reparto Armie Hammer (“The Lone Ranger”) y Mark Boone Junior (“Memento”). La película fue estrenada en el festival de Sundance (donde ganó el Gran Premio del Jurado y del Público). Una película sobre la esclavitud, en donde Nate Parker hace su debut detrás de cámaras, “The Birth of a Nation” cuenta la biografía de Nat Turner (interpretado por el propio Parker), esclavo afroamericano que en 1831 dio a luz a una fuerte revuelta en Virginia. En esta rebelión Turner y sus seguidores liberaron a los esclavos y mataron a unos sesenta propietarios blancos: hombres, mujeres y niños. Más tarde, Turner fue capturado, encarcelado y condenado. La esclavitud es una de las páginas más negras en la historia de Estados Unidos, tan controversial que no ha sido objeto de olvido para la industria de Hollywood, quien ha visto el mayor aprovechamiento de dicho tema en los últimos 25 años. Sin embargo, hace sólo unos pocos años solo una película que ha abordado el tema en cuestión ha recibido tres premios de la Academia, incluyendo uno por “Mejor Película”. “12 years a Slave”, de Steve McQueen que cuenta la historia de un afroamericano libre de Nueva York que, a través del engaño, es capturado y vendido como esclavo. Por lo tanto, “TheBirth of a Nation” muestra en la pantalla grande la historia de la esclavitud después de un breve periodo de tiempo de la película de McQueen. “The Birth of a Nation” es una clara referencia a la famosa película de D.W.Griffith en 1915. Desde el punto de vista ideológico, el trabajo de Griffith es exactamente lo contrario a la de Parker, ya que desacredita a los afroamericanos y es “favorable” para el Ku Klux Klan. Sin embargo, la película de Griffith

todavía se considera un capítulo fundamental en la historia del cine, por sus innovaciones en el campo del lenguaje y la narrativa. Con ella, de hecho, es un de las primeras en donde utiliza la edición alternativa. La película es un “tour de force’’ para el público. Con dureza e intransigencia, Parker retrata la vida del esclavo Nat Turner y cómo era la vida en 1831 para los esclavos. Turner es el líder de una revolución con toques religiosos que se torna en una revolución sangrienta. En “The Birth of a Nation” no vemos un aura de esperanza, no tiene el momento inspirador del personaje de Brad Pitt en “12 years a slave” o ese humor sarcástico y con tintes de heroísmos de “Django Unchained”. La película de Parker no ofrece ninguna salida de estas, es una dura confrontación con los pecados del pasado, está (con razón) llena de ira. El creador hasta titula su película con la mencionada película clásica, en tono de rebeldía ante la misma, rebeldía que también destapó algunos pecados del pasado de este novel director. Bajo la dirección de Parker, “The Birth of a Nation” no tiene precedentes, y es (Tal vez) la mejor opera prima para un director negro desde “Hunger” de Steve McQueen, y exploramos las historias en que los afroamericanos están envueltos, “Boyz in the Hood” de John Singleton sería la pionera. La historia de los afroamericanos en las películas en gran medida se ha dividido en varios períodos distintos que ofrecen personalidades dispares y dominantes como Oscar Micheaux, Paul Robeson, Sidney Poitier, Melvin Van Peebles y Spike Lee. Junto con voces emergentes como Ava DuVernay y Ryan Coogler, la visión de Parker sirve como una llamada de atención a sus compañeros, ya que se une a las filas como una voz importante y muy necesaria para la próxima generación de rebeldes cinematográficos negros.

CRÍTICAS

Escena de la película “The Girl on The Train”

THE GIRL ON THE TRAIN POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

Rachel (Emily Blunt) es una mujer que todos los días utiliza la misma rutina, toma un tren que la lleva desde donde vive hasta la ciudad. Mientras esta en el tren, Rachel pasa en frente de la casa donde había vivido con su marido y que ahora comparte con su nueva esposa y su hija. También, en dicho transcurso idealiza la vida perfecta de Megan (Haley Bennett) y Scott (Luke Evans) una pareja que vive a pocas casas de su antiguo hogar, y que también puede ver desde las vías del tren. Un día Rachel se despierta de un sueño pesado (y borrachera), sin recordar lo que había sucedido el día anterior, las memorias turbias se fusionan con una realidad distorsionada, colocándola en el centro de toda una serie de revelaciones aterradoras. El argumento de Erin Cressida Wilson, basado en la novela de Paula Hawkins, recupera el típico género matrimonio-thriller-psicológico en el que una pareja está aparentemente rota, cayendo en la espiral de decadencia mental en el que uno de los cónyuges se deja llevar. Sin embargo, la historia está contada desde tres puntos de vista, Rachel, Megan y Anna, cuentan cada una su versión de la felicidad. En el caso de "The Girl on the Train”, Tate Taylor tenía la tarea de adaptar de una obra literaria muy popular entre el público y algunos sectores críticos, y con un elenco plagado de caras conocidas tales como Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Luke Evans, Justin Theroux, Laura Prepon, Lisa Kudrow, entre otros, con la honrosa excepción de Emily Blunt, presenta una superficialidad latente de enfoque y pobre desarrollo de los temas y personajes,

con una realización des inspirada. Tate Taylor presenta al inicio una trama interesante, pero que ya para el tercer acto cae en lo artificial, y en gran medida, desperdició un interesante punto de giro para convertirlo en producto común. Emily Blunt tiene una interpretación convincente, la banda sonora asigna un tono misterioso a la trama, la premisa inicial es relativamente interesante y despierta nuestra atención, pero Tate Taylor no tiene la capacidad para inculcar el misterio necesario en la obra cinematográfica. Carece de tensión, de sensación de falta, carece de inquietud, y falta la necesidad de querer saber más. Carece del sabor dulce de saber que están manipulando nuestras emociones sutilmente, carece de la capacidad para prestar más atención a los personajes, carece de espacio para dar a los actores y actrices exponer su arte. Es decir, deja mucho en el aire, aunque parece que podría dar mucho. El giro final permite presentar a una faceta desconocida de un personaje, pero este choque es completamente atenuado porque hay toda una construcción de este elemento a lo largo de la narración. En primer lugar este personaje debe ganar nuestra confianza, Tate Taylor toma la alfombra y nos hacen sentir engañado en relación con este elemento. Queremos sentir la curiosidad de Rachel, pero no fue posible, se queda demasiado superficial, demasiado burocrático y carente de emoción. "The Girl on the Train" nos despierta un sentimiento de decepción y la sensación de que Tate Taylor no tenía las ganas de tocar este piano.

CRÍTICAS

Póster de la película Santa Teresa & Otras Historias

CRÍTICAS

SANTA TERESA & OTRAS HISTORIAS POR EDWIN CRUZ

Nelson Carlo De Los Santos Arias huye de las metáforas; constituye un puzzle perfecto pero deliberadamente inconexo. Usa como inspiración y razón de su discurso la violencia femenina que toma lugar en la ficticia Santa Teresa, que bien podría ser cualquier ciudad latinoamericana. Antropólogo-provocador-poeta, va matando las serpientes de la estructura tradicional cinematográfica. Llena el vacío compositivo de sórdidas y hermosas narraciones. Se divisa una fina historia lineal, que luce como excusa ante los impresionantes contextos. Cada toma paciente es combate, un gancho de izquierda a la confección machista societaria. Como Andrei Tarkovsky, el autor dominicano, percibe a la naturaleza muerta. Lastrada. Ataque masivo a nuestras convicciones políticas, artísticas, sociales. Nelson no tiene ínfulas. No pretende. Tiene su propia forma de comunicar. Y tienen muy buen gusto sus reminiscencias. Sabe que vivimos la época acumulativa del conocimiento líquido y obsceno. Hablemos pues. Enfrentemos nuestras contradicciones desde nuestros escombros. Tal vez, eso dice.

CÁMARA EN HOLLYWOOD

CINEASTAMAG.COM

POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- “Hail, Caesar!”, la nueva película de los hermanos Coen, Ethan y Joel, no es la primera que satiriza a Hollywood y sus idiosincrasias. En 1991 fue estrenada, “Barton Fink”, una propuesta mucho más rigurosa y obscura sobre la meca del cine. En ella, John Torturro encarnando al personaje del título, es un escritor neoyorkino que es seducido a trabajar en Hollywood, resultando su decisión en una experiencia virtual y literalmente infernal. “Hail, Caesar!”, por otra parte, es una mirada mucho más ligera, afectuosa y humorística al ego, los caprichos y pecadillos que abundan en la industria que manufactura diversión en celuloide para las masas.

CÁMARA CÁMARA ENEN HOLLYWOOD HOLLYWOOD

La época es la década de los años 50, y en los estudios de cine Capitol Pictures (nombre ficticio), Eddie Mannix (personaje que realmente existió) interpretado por Josh Brolin, es el encargado de resolver conflictos y escándalos que involucran a los actores del estudio. El problema principal es Baird Whitlock (George Clooney), estrella de la película del título, que ha sido secuestrado por un grupo de escritores secretamente comunistas. La sátira no se limita a películas como “Ben Hur”, sino también a figuras como Esther Williams, en el personaje de DeeAnna Moran (Scarlett Johansson), directores temperamentales (Ralph Fiennes), actores bailarines (Channing Tatum), y columnistas determinadas a publicar escándalos (Tilda Swinton), en deliciosa forma interpretando a hermanas gemelas rivales que se odian y lucen exóticos sombreros a la Hedda Hopper, todo esto entre muchos otros personajes que incluyen a Frances McDormand y Jonah Hill en el estelar reparto. “Si quisimos combinar ficción con hechos reales”, confiesa Ethan Coen. “Para los estudios de la Metro-Goldwyn-Mayer trabajó un personaje llamado Eddie Mannix, dedicado a arreglar los problemas legales y morales del estudio. Pero el personaje real es muy diferente a nuestro personaje de ficción. Tienen el mismo nombre, pero aparte de eso, no se parecen en nada. Y también combinamos el personaje de Esther Williams con Loretta Young, que en la vida real tuvo una hija en secreto con Clark Gable.” “Bueno”, dice Joel Coen, “la industria de cine ahora es muy diferente a entonces, y francamente, la mayoría de nuestras películas han sido producidas fuera de la maquinaria de los grandes estudios, aún cuando hemos trabajado para ellos. Esta película la hicimos para los estudios Universal, pero nuestra relación con ellos ha sido la misma que hemos tenido como productores independientes. Y por cierto todo ahora es muy distinto a como era en la época en que esta película tiene lugar. Por otra parte, es un mundo que siempre nos ha fascinado e interesado, y nos pareció un contexto perfecto para esta película”

CÁMARA EN HOLLYWOOD

Los directores Joel y Ethan Coen

CINEASTAMAG.COM

Para George Clooney, a quien podríamos denominar como uno de los actores del equipo de los Coen, esta es la cuarta película en la que trabaja para ellos, después de. “O Brother, Where Art Thou?” (2000), “Intolerable Cruelty” (2003), y “Burn After Reading” (2008).

“Voy a contar una historia graciosa”, ofrece George Clooney. “En 1999 cuando estábamos terminando O Brother Where Art Thou?, los Coen me dijeron, estamos escribiendo esta película, Hail, Caesar!. sobre el viejo Hollywood, en la que interpretas a una estrella de cine que es un verdadero idiota. Yo les dije, ¿por qué piensan en mi como una estrella de cine idiota? (ríe) ¿Cual es la premisa? Y me dijeron, bueno, eres secuestrado por un grupo de comunistas, y un actor vaquero dice, eso es malo para la imagen de todos los actores, y eso fue todo. Yo dije, fantástico. Y yo anuncié a la prensa, mi próxima película será Hail, Caesar! para

los Coen, pero todavía no han escrito el guión. Después de Intolerable Cruelty, dije lo mismo, y después de Burn After Reading, también. Finalmente, hace un año me llamaron y me dijeron, ya escribimos ese maldito guión y empezamos en tres meses. De manera que creo que fui yo quien los forzó a hacer esta película”. Se ha dicho que el personaje de George Clooney en el film, está inspirado aparentemente en Fred MacMurray, cuyas simpatías políticas se inclinaban definitivamente hacia la derecha. “Bueno”, aclara George, “yo conozco bastante el período de los años 50 en Hollywood y la época del McCarthysmo que siempre me ha interesado, y creo que mi personaje es mas como Victor Mature, con el pelo muy negro. Yo soy un admirador de Victor Mature, quien trató de hacerse socio del Country Club y le dijeron, lo sentimos Sr. Mature, pero no aceptamos actores, a lo que él respondió, tengo 75 películas que demuestran que no

CÁMARA CÁMARA ENEN HOLLYWOOD HOLLYWOOD

soy actor (ríe). Joel y Ethan escriben personajes para mí que no son los más inteligentes, por lo que creo que en general eso es lo piensan de mi” (ríe). En cuanto a Channing Tatum, su personaje es el de un bailarín en traje de marinero, que recuerda a Gene Kelly en musicales clásicos como “Anchors Aweigh” (1945) y “On the Town” (1949), o a Fred Astaire en “Follow the Fleet” (1936). “Nunca pensé en hacer un papel como este”, admite Tatum.. “Nunca he bailado Tap, y cuando acepté el papel no sabía que tendría que hacerlo. Lo único que decía el guión era, después ellos bailan y él se desliza de rodillas hacia un cubo de agua. Eso era todo. Cuando me entrevisté con Joel y Ethan me empezaron a enseñar escenas de películas y me preguntaron si sabía bailar Tap, No. Si sabía cantar. No. Si quería tratar de hacerlo, y dije que sí. No me preocupé por lo del canto porque sabía que si no lo hacía bien me podían doblar. Mi esposa, que sabe hacer todo eso porque se ha entrenado en eso toda su vida, no podía creerlo, me dijo, ¿Que vas

a hacer qué? ¿Vas a bailar Tap? . En cuanto a cual es el ambiente y como se trabaja en el set de una película de los hermanos Coen, George Clooney, tiene muy clara la respuesta. “Mira”, dice, “ellos trabajan muy rápido, dos o tres tomas como mucho, y solamente lo que realmente necesitan. No hay Master Shots, ni Close-Ups, ni TwoShots después. Y están editado la película mientras la filman. Desde el momento que recibes el guión, el diálogo nunca cambia, así ha sido en las cuatro películas que he hecho con ellos. Se paran junto al monitor que está junto a la cámara, y se ríen a carcajadas. Puedes oírlos, “Ja, Ja Ja!!”, al punto que el encargado del sonido parece decir, estos tipos están arruinando su propia película. Y nunca los he visto con tensión, nunca he oído que levanten la voz, aún cuando he tratado de poner a uno contra el otro (ríe). Si Joel me dirige, digo, eso es mucho mejor que lo que me dijo Ethan, pero ellos nunca están en desacuerdo, hay una conexión muy fuerte entre ellos, y tienen un gran sentido del humor”.

Alden Ehrenreich y Ralph Fiennes

Scarlett Johansson

15 George Clooney

CINEASTAMAG.COM

CÁMARA EN HOLLYWOOD

16Warren Beatty. Fuente: Google Images

CÁMARA EN HOLLYWOOD

WARREN BEATTY POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- Primero como actor, galán, e ídolo masculino, y después como director, productor y escritor, Warren Beatty ha cimentado una de las más sólidas carreras en la historia de Hollywood Comenzando con "Splendor in the Grass" (1966) dirigida por Elia Kazan, y pasando por cintas clásicas como "Bonnie and Clyde" (1967), "McCabe and Mrs. Miller" (1971) y "Shampoo" (1975) entre muchas otras, Beatty se graduó escribiendo, produciendo, dirigiendo y actuando en "Heaven Can Wait" (1978), "Reds" (1981 - por la que recibió el Oscar al Mejor Director), "Dick Tracy" (1990) y "Bulworth" (1998). Pero desde "Town & Country" (2001), en la que únicamente participó como actor, Beatty no había sido visto por el público hasta ahora que, "Rules Don't Apply", en la que nuevamente funge como escritor, productor, director y actor, se prepara a ser estrenada. En la vida real, Beatty ha stado casado desde 1992 con Annette Bening (a quien conoció durante la filmación de "Bugsy") y es padre de cuatro hijos. No obstante, sus romances previos con figuras como Joan Collins, Natalie Wood, Jane Fonda, Michelle Phillips, Cher, Carly Simon, Julie Christie, Diane Keaton, Diane Sawyer, Leslie Caron, Isabelle Adjani, Madonna, etc., etc., etc., son legendarios. Pero volviendo a "Rules Don't Apply", co-estelarizada por Aiden Ehrenreich y Lily Collins, con Beatty encarnando al legendario Howard Hughes, la cinta cuenta una historia que cuando, en días pasados conversamos con él, quiere inmediatamente aclarar, es ficticia.

CÁMARA EN HOLLYWOOD

JORGE CÁMARA: Has dicho que es muy importante enfatizar que “Rules Don’t Apply” no es una biografía de Howard Hughes. WARREN BEATTY: Efectivamente. Parece haber un mal entendido que esta película es biográfica, y no lo es, aunque Howard Hughes es un personaje importante en ella. Lo que yo quería era contar una historia sobre una joven sureña, Lily Collins, ganadora de un concurso de belleza, que llega a Hollywood esperando ser contratada por Hughes, y un joven metodista de Fresno, Aiden Ehrenrich, que ha crecido con las mismas influencias religiosas que yo crecí, y que trabaja como chofer del magnate. Siempre quise hacer una película que tuviera lugar a fines de los 50 y principios de los 60, sobre una joven con la educación bautista sureña del estado de Virginia, que tiene la suerte de venir a Hollywood. Quería contar la historia de estos jóvenes y su relación con Hughes, que tiene que ver con el poder del dinero y la misoginia que existía en Hollywood a finales de la década de los años 50. Y también sobre el lado cómico, pero también triste, del puritanismo sexual americano.

CINEASTAMAG.COM

J.C.: Tú llegaste a Hollywood durante esa época. ¿Cual fue tu experiencia? W.B.: Yo vine por primera vez a Hollywood en 1958, a una ciudad y una industria fílmica que se encontró de pronto en medio de la revolución feminista. Pero tuve mucha suerte porque tuve un buen comienzo con Kazan en “Splendor in the Grass”, de manera que no tuve que ir por ahí haciendo muchas películas. Llegué muy joven y aprendí mucho, porque gente como Willie Wyler, George Stevens, Billy Wilder, Freddie Zinneman, Sam Goldwyn, fueron muy generosos conmigo. Tuve lo que a veces nos referimos riendo como una vida (aparte de la industria). Y siento que haces tu mejor trabajo cuando no sabes que estás trabajando.

Bonnie and Clyde (1967)

Con Natalie Wood, en Splendor in the Grass (1961)

J.C.: ¿Tuviste la oportunidad de conocer a Howard Hughes durante esa época? W.B.: No, nunca conocí a Howard Hughes, pero conocí prácticamente a todos los que lo conocieron y hablaban de él. Siempre tuve mucha curiosidad sobre Howard Hughes. Cualquier película biográfica que incluye a un personaje famoso es hasta cierto punto ficción. He interpretado a tres personajes de la vida real y pude hacer con ellos lo que quería. Quiero decir que no soy Clyde Barrow en “Bonnie and Clyde”, no soy John Reed en “Reds”, no soy Bugsy Siegel en “Bugsy”. No fueron documentales y me sentí muy libre de usar la esencia de estas personas en mi interpretación. Pero más que sobre Howard Hughes, “Rules Don’t Apply”, es sobre las consecuencias de heredar grandes cantidades de dinero.

Lilly Collins en Rules Don’t Apply (2016)

CÁMARA EN HOLLYWOOD

Jorge Cámara y Warren Beatty

J.C.: Han pasado 15 años desde tu última película, “Town & Country”. ¿Por qué tardó tanto esta en ser producida? W.B.: Todas mis películas han tardado mucho en ser producidas. Tengo muchas dudas. Te voy a pedir que por favor mantengas en secreto lo que voy a decir. ¿Me lo garantizas? (ríe). A veces digo que para mi hacer una película se parece a vomitar. No es que me guste vomitar, no me gusta (ríe). Pero si tienes una idea dándote vueltas en la cabeza, primero te divierte, luego te tortura, y finalmente dices, es mejor si voy y la vomito. Ahí está. Espero y respetes mi demanda de mantener esto en secreto (ríe).

chistoso, y mis palabras son mal interpretadas. J.C.: Como dices, tu vida personal ha cambiado radicalmente. ¿Qué has aprendido de ser marido y padre? ¿Qué te han enseñado tu esposa y tus hijos? W.B.: Bueno, Annette y yo hacemos lo que ellos nos dicen (ríe). Tengo hijos de 24, 21, 19 y 16 años. Me refiero a ellos como cuatro pequeños países orientales europeos. Tengo que negociar con ellos. A veces tengo que mandar embajadores, a veces no es necesario. Son increíbles. Pero también tengo mucho cuidado en proteger su privacidad lo más posible. Pero mi gran ayuda es la perfección de la mujer con la que estoy casado.

J.C.: Tu última película como director, “Bulworth”, se estrenó hace 18 años. ¿Has cambiado como director? ¿Eres un director diferente ahora? W.B.: Yo creo que soy un director diferente ahora a como era hace 6 meses. Lo que quiero decir es que cambias y te ajustas a los grandes cambios, al cambio de film a digital, al cambio de las películas que vemos ahora. Hay que aceptar los resultados de los viernes por la noche (las entradas de taquilla cuando las películas se estrenan), porque ya no tenemos las semanas o meses de preparación que la comunidad crítica permitía. Hay que adaptarse al programa.

J.C.: Lo curioso es que pesar de lo tranquilo por décadas de tu vida familiar, todavía te persigue la reputación de mujeriego. W.B.: Esto es lo que se. Oliver Wendell Holmes dijo que puedes gritar fuego falsamente en un teatro porque legalmente está permitido. Me temo que ahora que todo mundo puede decir lo que sea de todo mundo, y pueden gritar fuego en un teatro, no respondo a preguntas que pueden perpetuar falsedades. Respeto la diversión que ese tipo de preguntas parece generar, pero no respondo a ellas porque son asombrosas las historias que se han acumulado a través de los años, que no tienen nada que ver con la verdad o la realidad. La rapidez con la que la tecnología moderna permite la libertad de palabra, es algo con lo que vamos a tener que lidiar en el futuro.

J.C.: Si te has adaptado al programa, ¿tienes proyectos para el futuro, o van a volver a pasar años antes de volver a ver una película tuya? W.B.: No se. Tengo, como siempre varias historias flotando. Pero soy lento y sé que no tengo que hacerlas. Tener cuatro hijos me ha llevado a un lugar mejor que nada. No solo los hijos, pero mi matrimonio, me han llevado a experimentar cosas que nunca había experimentado antes, y encuentro que prefiero hacer más cosas con mis hijos y con Annette que hacer una película. Por otra parte, cuando has estado por muchos años en el mundo del cine, se dice que si no sufres de paranoia no estás en completo control de tus facultades. No quiero decir más, porque a veces quiero ser

J.C.: También siempre has sido una persona muy política, pero no te hemos oído comentar sobre las insólitas campañas presidenciales. W.B.: Voy a evitar lo obvio, porque si empiezo a hablar no voy a terminar y te vas a arrepentir (ríe). Como has dicho, estás familiarizado con mi pasado, y no he cambiado. De modo que conoces muy bien mi respuesta a tu pregunta. 19

CINEASTAMAG.COM

CÁMARA EN HOLLYWOOD

20Woody Allen. Fuente: Google Images

IN MEMORIAM

WOODY ALLEN POR JORGE CÁMARA

New York, NY.- Woody Allen, a los 81 años de edad, indiscutiblemente el realizador mas prolífico del cine norteamericano, ha estrenado su nueva película como director: ”Café Socety”. Esta es su producción número 45 en 47 años, desde su ópera prima, “Take the Money and Run” en 1969. Y no contamos entre ellas, “What’s Up Tiger Lily” (1966) de Senkichi Taniguchi, que ingeniosamente convirtió en comedia cambiando el diálogo original, ni “New York Stories” (1989), en la que compartió créditos con Francis Coppola y Martin Scorsese, y tampoco sus múltiples incursiones en televisión Naturalmente, en una producción tan vasta, los resultados ha ido de obras maestras –“Annie Hall” (1977), “Manhattan” (1979), “Hannah and Her Sisters” (1986)– a lamentables fracasos –“September” (1987), “Shadows and Fog” (1991)– con la gran mayoría satisfaciendo, de una manera u otra, a sus millones de admiradores. “Café Society”, que cae en esta última categoría, es una nostálgica comedia romántica que tiene lugar durante la década de los años 30, y que recuenta las aventuras de un joven neoyorkino (Jesse Eisenberg) en Hollywood, donde se enamora de la secretaria (Kristen Stewart) de su tío (Steven Carrell), un celebrado agente de estrellas, y posteriormente en la sociedad de cafés y cabarets en Nueva York. A continuación nuestra conversación con el celebrado cineasta.

CÁMARA EN HOLLYWOOD

Jesse Eisenberg y Kristen Stewart en Café Society

JORGE CÁMARA: La mayoría de directores de cine se tardan tres o cuatro años en hacer una película, y se quejan de lo difícil que esto es. Usted con más 80 años hace una cada año.

J.C.: Y tampoco hace grandes super-producciones de gran presupuesto.

W.A.: Exacto. Mis películas son mucho menos caras. Cuando veo esas películas que salen en el verano, una que costó ciento sesenta millones, otra que costó doscientos millones, Yo nunca he trabajado

CINEASTAMAG.COM

WOODY ALLEN: Yo, mientras pueda, seguiré haciendo películas indefinidamente. Tengo una saludable longevidad. Mi padre vivió más de 100 años, y mi madre casi llegó a los 100, de manera que en términos de longevidad, puedo continuar hacienda películas. Por una parte es porque tengo muchas ideas, y por otra, la razón por la que a otros directores les toma tiempo, no es por problemas creativos, sino por la dificultad en conseguir dinero. Mucho tiempo se pierde en juntas para levantar

fondos con actores, y con productores, y con jefes de estudio. Yo no tengo ese problema. Yo consigo el dinero independientemente. En el momento en el que termino mi guión, el dinero ya está ahí. No tengo que esperar que un actor me ayude a conseguir dinero gracias a su nombre, o que a un jefe de estudio le guste mi guión.

22 Annie Hall (1977)

Manhattan (1979)

CÁMARA EN HOLLYWOOD

así. Yo soy infinitamente más barato. Es precisamente por eso, y porque nadie sufre aunque sea una película que nadie quiera ver, debido a que la pérdida es muy pequeña. Claro que no gano las cantidades que esas películas hacen en taquilla. Gano mucho menos. Pierdo menos y gano menos, y es gracias a eso que puedo seguir haciendo películas por muchos, muchos años. Soy un buen riesgo. Y puedo seguir trabajando porque no pierdo el tiempo en juntas y comidas. J.C.: ¿Cual es entonces su actitud hacia el dinero? ¿Qué significa para usted?

W.A.: Es curioso, el dinero nunca ha significado mucho para mí. Cuando tenía dieciséis años y empecé a escribir chistes, inmediatamente me contrataron y me pagaron, y estaba zzganando más de lo que ganaban juntos mis dos padres. Nunca necesité dinero, nunca pensé en el dinero, y nuca hice una película por dinero. En esta película, “Café Society”, invertí todo mi salario, porque hubo costos extras y no quería tratar de sacar más de la gente que me apoya económicamente. Cuando me comprometo a hacer una película, el dinero que me dan es el que gasto, pero esta fue más cara porque es de época, y más elaborada, y tiene lugar en la dos costas. Así que doné mi salario a esta película. No gané ni diez centavos, ni diez centavos. De manera que, porque el dinero nunca ha significado mucho para mí, siempre he hecho dinero. Porque no soy una de esas personas que hace cosas por dinero, o busca el dinero, o piensa en el dinero, el dinero llega a mí. No me he hecho rico. No soy rico. Bueno, soy más rico que si hubiera prestado atención a mi madre y hubiera sido farmacéutico (ríe). Pero comparado con mis colegas, no soy de ninguna manera rico. Pero no importa. Tengo el dinero suficiente para hacer mis películas y vivir muy decentemente. J.C.: Bueno, si el dinero no es importante, ¿qué es entonces lo más importante para usted?

Blue Jazmine (2013)

W.A.: Soy tan cobarde que lo más importante para mi es la salud. No quiero levantarme por la mañana con síntomas de algo. Mi salud y la salud de mis seres queridos es lo más importante para mí. Y trabajar. Y hacer las cosas que hago. Me gusta tocar el clarinete como diversión, Y los deportes, me gusta el baseball y el basketball. Eso es todo, no pido mucho. Me gusta salir a caminar con mi esposa por mi vecindario. No me gusta salir de vacaciones. No tengo un bote. No tengo una casa de campo. Soy feliz trabajando y saliendo a caminar. Entro al cuarto de los niños y los abrazo y me dicen, déjame en paz, (ríe). Voy donde mi esposa y la abrazo y me dice, que es lo quieres, (ríe). Regreso a mi cuarto y trabajo un poco más. Es muy simple. No es una vida complicada. J.C.: Después de contar sus historias en ciudades como Londres, París, Barcelona, ahora la trama tiene lugar en Los Ángeles y Nueva York. W.A.: Bueno, yo soy una persona de ciudades grandes. Me gustan las ciudades. Mucha gente cuando va de vacaciones disfruta la playa, o el campo. Yo no. Para mí las vacaciones son ir a París, o a Londres, o a Madrid, o a Roma. En un lugar cosmopolita no tengo que hacer nada, únicamente caminar. No soy el tipo de persona que llega a un lugar e inmediatamente corre a un museo, porque eso es algo que puedo hacer mucho mejor en Manhattan. Me gusta caminar por las calles, sentarme en los cafés, ver a la gente, ver las casas. No sé porque soy así, crecí apreciando las ciudades. Cuando era niño y pagaba por ver una película, si en la primera escena estaba un hombre buscando un taxi, estaba inmediatamente interesado. Pero si iba a un buzón de correo en el campo, perdía el interés (ríe). Si la cámara se movía por los tejados y los grandes edificios, estaba inmediatamente interesado. Escenas rurales no me interesaban. Tal vez porque las grandes ciudades son centro de sofisticación y cultura. Por eso las hago parte de mis películas, tienen un gran significado para mí.

Midnight in Paris (2011)

IN MEMORIAM

Jorge Cámara y Woody Allen

J.C.: Esta película la presentó en Cannes, donde no todo fue positivo. ¿Cual fue finalmente su experiencia en el festival. W.A.: Siempre me gusta ir a Cannes porque el público es un público que aprecia la experiencia de ver cine. La gente de Cannes siempre ha sido muy amable conmigo, y a mi esposa le gusta ir al Sur de Francia. Yo siempre tengo que dar entrevista tras entrevista, de manera que no disfruto el lugar tanto como ella, Pero siempre me ha gustado ir a Cannes, porque siempre ha sido una experiencia muy placentera para mí J.C.: Acaba de estrenarse “Café Society” y ya está preparando su próxima película, con Kate Winslet y Justin Timberlake. Y también, por primera, vez va a hacer una serie de television para Amazon.

J.C.: ¿Y la serie de televisión? W.A.: Comienza en octubre, es una experiencia muy diferente para mi, y no sé si soy bueno para la televisión. En una serie limitada a seis capítulos. La hice porque me convencieron a hacerla, y pensé ¿por qué no? Creí que iba a ser fácil, pero resultó muy difícil. Pero tuve suerte porque tengo un buen reparto. Elaine May es una de las mujeres más chistosas, y Miley Cyrus es una maravillosa joven actriz. Estuve rodeado de gente muy competente y espero sea divertida. Pero no sé, no puedo garantizarlo. Claro que tampoco puedo garantizar mis películas (ríe). Uno comienza con grandes ambiciones y acaba esperando que el resultado no sea penoso.

CINEASTAMAG.COM

W.A.: Cierto. Para la película, a quien primero le di el papel fue a Kate Winslet, y después a una joven actriz, Juno Temple, y luego a Jim Belushi, que creo es perfecto para el personaje. A Justin Timberlake lo había visto en “The Social

Network”. No sé nada del mundo de la música, pero me pareció un buen actor. Pensando quien sería un actor interesante para interpretar a un salvavidas de la década de los años 50, alguien sugirió a Justin Timberlake. El vino de California y hablamos por dos minutos, porque realmente no hay nada que decir, así que sonreímos, cambiamos insinceridades (ríe), y lo contratamos.

24 Jesse Eisenberg y Kristen Stewart

Blake Lively y Jesse Eisenberg

IN MEMORIAM

&/&30 '&#3&30

È È È È Â¾ È

5BNP&O$JOF 2VF/P5F-P$VFOUFO 25

CINEASTAMAG.COM

IN MEMORIAM

26Meryl Streep. Fuente: Google Images

IN MEMORIAM

MERYL STREEP POR JORGE CÁMARA

New York, NY.- La gran ironía de la nueva película de Meryl Streep, “Florence Foster Jenkins”, es que en ella, la gran actriz de inmensurable talento, considerada la mejor de su generación, encarna a un personaje inconsciente de su total falta de talento. Florence Foster Jenkins es un personaje real, heredera de una gran fortuna, que dominó los círculos sociales de Nueva York durante las décadas de los años 30 y 40, principalmente como la patrona de la Sociedad Verdi, apoyando económicamente a grandes figuras de la música clásica, como Arturo Toscanini. Pero el problema de la buena señora, fue su insistencia en cantar ópera, luciendo elaborados vestuarios, cuando su pobre pronunciación, su falta de tono, e inhabilidad de alcanzar y sostener las notas altas, convertían las arias de Mozart, Strauss o Brahms, en verdaderos aullidos de gato. Protegida por su dinero, su leal marido, un fracasado actor shakeaspearano (interpretado por Hugh Grant), su acompañante de piano (papel a cargo de Simon Hellber), y generalmente amistades y asociados que la rodeaban, Florence insistió en ofrecer un concierto en los augustos escenarios de Carnegie Hall, con trágicos resultados. Por supuesto, es inevitable que las secuencias de “bel canto” convierten al personaje central en ridículo y risible, pero bajo la astuta dirección de Stephen Frears, la nuevamente acertada actuación de Meryl Streep, nos lleva también a comprender y sentir compasión por ella. Conversamos con la actriz sobre su participación en esta cinta que es muy posible la lleve a superar su propio record de ya 19 nominaciones al Oscar.

IN MEMORIAM ENTREVISTAS

Meryl Streep y Hugh Grant en una escena de Florence Foster Jenkins.

JORGE CÁMARA: Esta no es la primera vez que interpretas a un personaje real. Pero, ¿cómo te preparaste para encarnar a Florence Foster Jenkins? MERYL STREEP: Efectivamente, este es un

personaje real. Pero yo pienso que la razón por la que Florence Foster Jenkins fue muy popular en su época y causó sensación, no fue porque cantaba mal, si no porque cantaba mal pero con gran pasión y alegría aproximándose así a lo que quería lograr. Parte de la razón por la que la gente la quería es por la inspiración y la esperanza que su voz ofrecía. Eso fue lo que me atrajo a esta película, la humanidad de la mujer. ¿Qué significa amar algo tanto que quieres hacerlo aunque no lo hagas bien, e insistes, a pesar de que todos te dicen que no lo hagas.

CINEASTAMAG.COM

J.C.: ¿No crees que su insistencia fue un tanto trágica?

M.S.: No se si diría trágica, más bien conmovedora. Es cierto que cuando fracasa y se burlan, algo se derrumba en ella. Pero, ¿sabes?, cuando mis hijos eran niños montábamos escenas navideñas durante la Navidad, y no permitíamos que nadie se riera o saliera del salón. Es esa creencia infantil en las actuaciones que es conmovedora, y si nos reíamos de los niños, también amábamos lo que estaban haciendo. La actitud de Florence era que podían decir lo que fuera de ella, pero hacía lo que amaba hacer. Podían decir que no sabía cantar, pero no podían decir que no cantaba.

J.C.: Bueno, tus hijos han crecido. Tus hijas y tu marido tienen éxito en sus profesiones. Te has de sentir muy orgullosa de ellas y de él.

M.S.: Me siento muy orgullosa de ellas, y también de

mi hijo, que es músico y tiene a su cargo un programa en una escuela de Los Ángeles. Todas mis hijas están trabajando, pero no sé ni en que continente se encuentran porque viajan constantemente. Mi marido va a instalar una escultura frente a la nueva embajada americana en Moscú, lo cual es una comisión muy importante de la que está muy orgulloso. J.C.: Para ti que, como sabemos, cantas bien, ¿fue difícil entrenarte para cantar mal?

M.S.: Bueno, yo tomé esto tan seriamente como

ella. Cuando estaba haciendo la película, “Ricki and the Flash”, con la gran cantante, Audra McDonald, le dije, Audra, tengo que cantar todas estas arias, y ella me dijo, tienes que ir con mi maestro de canto, Arthur Levy, que te dirigirá con el material. Así que estudié con el maestro de Audra, que probablemente va a querer que nadie se entere de esto (ríe). Pero el fue sensacional, muy chistoso, y con gran compasión y comprensión por lo que estábamos tratando de lograr. Básicamente lo que hizo fue enseñarme a cantar las arias tan bien como pudiera, y después dependía de mí, durante la filmación, tratar de cantar como sentía que ella lo hacía. J.C.: Antes de hacer la película, ¿sabías de la existencia de Florence Foster Jenkins?

M.S.: Oh, sí sabía de ella, porque todos los que

fuimos a la escuela de drama e hicimos números con estudiantes en la escuela de música, la conocíamos porque era famosa entre nosotros Había un disco y un casette de ella que llevábamos y tocábamos en las

IN MEMORIAM ENTREVISTAS

Meryl Streep como Florence Foster Jenkins.

fiestas. Pero eso fue hace ya muchos años. Yo creo que artistas entienden lo que es intentar algo grandioso y fracasar por lo difícil que es. Esto es tan hilarante como conmovedor.

locación muy caliente. La iglesia donde filmamos la boda no tenía aire acondicionado y todos estábamos bañados de sudor. Pero fue una experiencia maravillosa.

J.C.: No conozco a otro actor, o actriz, que haya recibido tantos premios o alabanzas como tú. ¿Estás siempre satisfecha con tus actuaciones, o eres una severa crítica contigo misma?

J.C.: Bueno, cambiando un poco de tema, de lo que todo mundo habla ahora es de la situación política y los candidatos a la presidencia de este país. Siendo neoyorkina, ¿has conocido personalmente a Donald Trump?

M.S.: Siempre pienso que pude haber hecho algo mejor. Generalmente cuando trabajo soy muy impaciente. Quiero que las cosas se muevan, me gusta que la gente sea rápida. No me gustan las preparaciones largas, la pantalla verde, lo técnico, los puntos en la cara. Todo eso me aburre. Pero inevitablemente cuando veo la película siempre pienso que me hubiera gustado tener más tiempo, o que no debieron haber cortado ahí. No es una regla general, pero a veces siento que lo importante sucede cuando los personajes dejan de hablar, y precisamente cortan cuando los personajes dejan de hablar. Así que, ¿qué puedo hacer? (ríe)

J.C.: Una de tus primeras películas fue “The Deer Hunter”. Su director, Michael Cimino murió recientemente. ¿Qué recuerdos tienes de trabajar con él? M.S.: Realmente fue una experiencia muy, muy rica. Michael me dio mucha libertad para experimentar. El trabajó muy cerca al gran camarógrafo, Vilmos Zsigmond, y yo realmente fui parte de ese trío. Pero como dije, me dio mucha libertad y no me dirigió mucho. Fue una producción muy difícil, en una

M.S.: Si (ríe), cené con él hace ya mucho tiempo. Y hago una imitación fantástica de él, que no voy a hacer aquí. Todo fue porque estábamos tratando de levantar fondos para el Festival de Shakespeare en el Parque Central de Nueva York. Es algo que hacemos cada primavera. Christine Baranski y yo íbamos a cantar una canción de “Guys and Dolls” sobre cómo conseguir una mujer, y pensamos, ¿quién necesita mujeres? Y así fue como participó. Sobre la situación política actual, este es un tema muy importante y muy serio, del que no tengo ni el tiempo, ni la profundidad que merece discutirlo. Y, francamente, no soy la persona más elocuente para hablar de esto. Si veo problemas, pero no me preocupo. Soy muy optimista y veo lo mejor en la gente. Creo firmemente en lo que Leonard Cohen dice, que en todo hay un agujero por donde entra la luz.

J.C.: Fuiste parte de la convención demócrata, y Woody Allen dice que está muy seguro que Hillary Clinton va a ganar. M.S.: Si, definitivamente yo espero que Hillary gane.

CÁMARA EN HOLLYWOOD CÁMARA EN HOLLYWOOD

Película: The Birth of a Nation

Nate Parker

Woody Allen

DE QUE HABLA HOLLYWOOD POR JORGE CÁMARA

Woody Allen y Miley Cyrus en Crisis in Six Scenes

Angelina Jolie y Brand Pitt

Marion Cotillard y Brad Pitt en “Allied”

Viola Davis y Denzel Washinton en “Fences”

CINEASTAMAG.COM

Mel Gibson

30 Emily Blunt en “The Girl on The Train”

CÁMARA EN HOLLYWOOD

1 1. Miley Cyrus en “Crisis in Six Scenes” 2. Woody Allen y Elaine May 3. Marion Cotillard y Brad Pitt en “Allied”

Hollywood, CA.- Aparte de las próximas elecciones presidenciales (de la que no se puede hablar porque el panorama cambia cada 10 minutos), tal vez el tema mas discutido en Hollywood estos días tiene que ver con la película “The Birth of a Nation”, que acaba de ser estrenada en este país. El dilema, no precisamente novedoso, es si es posible o imperativo, separar el comportamiento personal del artista de su obra. Cuando “The Birth of a Nation” fue vista por vez primera en el Festival de Sundance a principios de año, recibió un prolongada ovación, siendo mencionada inmediatamente como una de las favoritas a ganar el Oscar a la Mejor Película. La compañía, Fox Searchlight, compró rápidamente los derechos y comenzó a preparar una elaborada campaña de promoción. La película (que deliberadamente adoptó el título de la cinta de D.W. Griffith estrenada en 1915, laureada por sus avances técnicos, pero condenada por su extrema visión racista) se enfoca en la historia de Nat Turner, un predicador religioso que en 1831 organizó una rebelión de esclavos en el sur del país. Pero de enero a octubre las cosas han cambiado radicalmente y no a favor del filme. El problema es que Nate Parker, su escritor, productor, director y estrella, acarrea problemas legales de su pasado. Acusado en 1999 de violación junto a su co-escritor, Jean McGianni Celestin, Parker fue absuelto de los cargos dos años más tarde. Celestin, por su parte, si resultó culpable, pero la decisión fue revocada en 2005. La resistencia a Parker, no es necesariamente la acusación de la que fue absuelto, sino la manera como se ha defendido, demostrando poca compasión hacia la víctima del incidente, quien se suicidó años después en 2012.

3 La comunidad parece estar dividida entre los detractores y defensores de Parker. Pero la reciente exhibición de “The Birth of a Nation” en el teatro de la Academia, cuya capacidad de 1,000 butacas vio solamente a 250 de ellas ocupadas, no es un buen augurio. En cuanto al público, a la película no le ha ido mal en taquilla, pero tampoco bien. Curiosamente, aunque no sorpresivamente, los problemas personales de Nate Parker han sacado a relucir nuevamente los de Woody Allen y Mel Gibson. Allen parece haberlos sobrepasado, manteniendo la fidelidad de sus admiradores. En cuanto a Gibson, no hay todavía una decisión definitiva. Por cierto, el nuevo proyecto de Woody Allen, una serie de 6 episodios de media hora para televisión titulada, “Crisis in Six Scenes”, ha recibido trépidas reacciones de la crítica. En lo positivo está la participación de Miley Cyrus, quien demuestra talento para la actuación, y las múltiples secuencias entre Allen y la incomparable, Elaine May. “Blood Father”, la nueva recién estrenada película de Mel Gibson, en la que participa exclusivamente como actor, ha recibido positivas críticas. En asuntos menos serios, todo mundo parece tener una opinión sobre los problemas maritales de Angelina

Mel Gibson en “Blood Father” 31

CINEASTAMAG.COM

CÁMARA EN HOLLYWOOD

Jolie y Brad Pitt. Mientras unos acusan a Pitt de una relación con su co-estrella en la cinta próxima a estrenarse, “Allied”, Marion Cotillard (quien lo negó enfáticamente), y de abuso hacia los seis hijos de la pareja, otros sacan a relucir la historia romántica de Jolie, y los consejos en contra a Pitt, de dos amigas suyas de la Gran Bretaña. Esta es una telenovela de la vida real cuyos capítulos lamentablemente veremos inevitablemente durante los próximos meses. Mientras tanto, hay una película que desde su exhibición en los Festivales de Cannes y Toronto ha recibido unánimemente extraordinarias alabanzas, algo que muy raramente vemos. La cinta, “La La Land”, una carta de amor a la ciudad de Los Ángeles, fue dirigida por Damien Chazelle (cuya segunda película como realizador, “Whiplash” (2013), le ganó un Oscar como Mejor de Actor de Reparto a J.K. Simmons) y es estelarizada por Ryan Gossling, como una pianista de jazz, y Emma Stone, como una aspirante a actriz. Lo extraordinario de “La La Land” es que es una cinta musical original que ha asombrado y deleitado tanto por lo audaz de su realización como por lo insólito de su técnica. Se asegura ya que nadie podrá competir con esta producción en la carrera a la Mejor Película, y con Emma Stone en la carrera a la Mejor Actriz. Veremos. ¿Y quienes competirán con Emma Stone? Todavía a varios meses antes de las nominaciones, la categoría de Mejor Actriz se ve más que atiborrada. Aunque muchas de estas actuaciones todavía no han sido vistas, Amy Adams en “Arrival”, Annette Bening en “20th Century Women”, Kate Beckinsale en “Love & Friendship”, Emily Blunt en “The Girl on the Train”, Jessica Chastain en “Miss Sloane”, Marion Cotillard en “Allied”, Viola Davis en “Fences”, Sally Field en “Hello, My Name is Doris”, Rebecca Hall en “Christine”, Taraji P. Henson en “Hidden Figures”, Isabelle Huppert en “Elle”, Ruth Negga en “Loving”, Natalie Portman en “Jackie”, Susan Sarandon en “The Meddler”, y por supuesto, la inevitable Meryl Streep en “Florence Foster Jenkins”, se mencionan ya como merecedoras de la distinción. Pero recuerden, solo hay lugar para cinco. En su continuo afán de repetir exitosas películas, Hollywood se prepara a estrenar en televisión el refrito de la cinta de improcedente culto, “The Rocky Horror Picture Show”, estrenada en 1975, cuyas celebradas exhibiciones de medianoche llevaron al público por años a vestirse como personajes del film y participar en vivo en sus secuencias. La nueva versión, dirigida por Kenny Ortega (“Newsies”, “Hocus Pocus”) ha añadido a su título el nombre de su más

Emma Stone y Ryan Gosling en la película “La La Land”

Laverne Cox en “The Rocky Horror Picture Show”

CÁMARA EN HOLLYWOOD CÁMARA EN HOLLYWOOD

Cast de “The Rocky Horror Picture Show”

famoso número musical: “Let’s Do the Time Warp Again”, y en papel del transvestista, Dr, Frank-N-Furter, que previamente interpretara Tim Curry, está Laverne Cox, quien en la vida real cambio su sexo de hombre a mujer. Que significado hay en esto, no podríamos decir. Como para prestar respetabilidad al film, Curry lleva ahora el papel del narrador criminologista, pero siendo exhibida en la pantalla chica, esta nueva versión nunca acarreará el impacto cultural de su predecesora. 33

CINEASTAMAG.COM

IN MEMORIAM ARTÍCULOS

Leonardo DiCaprio y Alejandro González Iñárritu

NUESTRO

PASO

POR

ALFOMBRA

ROJA

POR PABLO MUSTONEN

Como todos los años, la expectativa de los Globos de Oro era bastante alta. Después de que Tina Fey y Amy Poehler hicieran tan excelente trabajo, el buscar un host que las reemplazara era un trabajo difícil. Sin embargo, la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood nos volvió a sorprender al seleccionar nuevamente a Ricky Gervais, quien ya había conducido los premios entre los años 2010 y 2012. Ante tal expectativa, recordamos aquel comentario famoso que hizo en una de las entregas de los Globos de Oro, cuando la película The Tourist obtuvo tres nominaciones, donde Gervais se burlaba de la Asociación de Prensa Extranjera afirmando que había nominado a esta película para poder compartir con Johnny Depp y Angelina Jolie. Para rematar añadió que esa no era la única razón, que también aceptaban sobornos. En lo particular a quien suscribe le encanta este tipo de humor y Gervais puede ser uno de los mejores en este estilo. Su forma de ser y carisma es única y es la razón de su éxito, por lo cual entiendo fue acertada su selección y lo demostraron los niveles de audiencia de esta entrega, el tercer evento más visto todos los años. “Pero... ¡Suficiente sobre Gervais!, ahora vamos a hablarles de la ceremonia que, como todos los años, estaba espectacularmente diseñada y ambientada. Siempre recalco que los Globos son un evento donde la armonía y camaradería entre los asistentes es primordial. Es como una fiesta de Hollywood y la fecha es más que ideal, justo después de la Navidad.

IN MEMORIAM ARTÍCULOS

CINEASTAMAG.COM

Ceremonia de los Golden Globe 2016

Culminando nuestra entrada por la alfombra roja nos topamos con el actor Boyd Holbrook de la aclamada serie Narcos, con quien compartimos unos buenos minutos. Hablamos sobre su experiencia en la serie y al enterarse de que éramos dominicanos, comenzó inmediatamente a practicar su español, el cual es muy bueno. Antes de comenzar la ceremonia, compartimos en el área de deshago con Jonn Hamm (Mad Men) quien nos confesó querer venir a República Dominicana, al igual que el comediante Chris Tucker, quien ya si ha visitado Punta Cana. Nos enorgullecía grandemente oír a estas personalidades de Hollywood hablar sobre nuestro país. Quedaban alrededor de cuarenta y cinco minutos para que empezara la ceremonia, cuando de repente nos topamos con el gran Michael Fassbender, quien estaba nominado esa noche por la película “Jobs”, con quien hablamos un poco y quien aceptó de manera muy humilde tomarse una foto con nosotros. Le comenté que esta era mi segunda foto con él, ya que en una ceremonia pasada tuve el placer de hablarle y conocerle, a lo cual él respondió de manera muy sencilla y cómica: “Que cool, así que estaré en el álbum de fotos”. Sobre Fassbender debemos decir que es uno de los mejores actores de Hollywood, y aunque este fue el año de DiCaprio (muy merecido por su trayectoria), creo que de los nominados, Fassbender era el mejor por su papel de Steve Jobs. A este gran actor puede pasarle lo mismo que a DiCaprio, que su Oscar venga por un papel menos importante que los que ya ha realizado, Shame, Hunger, 12 Years a Slave, por mencionar algunos. Ya era tiempo de sentarse y comenzar a disfrutar los Globos. Nos tocó frente a la mesa de Gael García

Bernal, a quien felicitamos al momento de recibir su estatuilla, un orgullo para Latinoamérica. En los breaks normalmente nos parábamos para buscar un trago y compartir con una que otra celebridad. Y así fue, pude también felicitar y compartir con Alejandro G. Iñárritu, a quien le expresé mi agrado y orgullo por lo que ha logrado como latino. Nuestra satisfacción más grande llegó de manera desprevenida, cuando de repente estamos en el Lounge y nos topamos nada más y nada menos que con Quentin Tarantino. Nos regaló varios minutos en el cual pudimos hablar de cine con esta mente brillante. No puedo dejar de pensar en este momento. La ceremonia transcurrió sin sorpresas a mi entender, solo cuando le dieron el Globo como Mejor Actor Secundario a Sylvester Stallone. Creo que fue un premio a su carrera, más que por su actuación. Y claro, no nos sorprendió que The Martian y Matt Damon ganaran como Mejor Película de Comedia y/o Musical y Mejor Actor de Comedia respectivamente, lo que si nos había impactado anteriormente es que esta película haya entrado en esa categoría. Pero ya ese es otro tema. Les dejo con unas cuantas fotos de esa importante noche para la industria cinematográfica y nueva vez agradecer a Jorge Cámara por la invitación que nos hace siempre y por hacer por 5 años consecutivos mí sueño realidad. ¡Me despido hasta la próxima entrega de los Golden Globe 2017!

Will Smith y Quentin Tarantino

ARTICULOS

Alejandro G. IĂąarritĂş y Pablo Mustonen

Pablo Mustonen, Oscar Isaac y Mariella Hazoury

Olivia Palermo y Mariella Hazoury

Pablo Mustonen y Jon Hamm

Pablo Mustonen, Maggie Gyllenhaal y Mariella Hazoury

Pablo Mustonen, Michael Fassbender y Mariella Hazoury

IN MEMORIAM

LOS MEJORES ESTRENOS

DEL 2016

CINEASTAMAG.COM

POR RUBÉN PERALTA

Olvídense de los grandes estrenos de Hollywood por un momento, y vayamos al cine. Este 2016 promete. Promete tanto que me gustaría renunciar a mi trabajo y dedicarme a ver cine, cualquiera con un amor pasional a este arte entendería. Hice un esfuerzo para seleccionar lo que, a mi entender, son las películas más importantes de este 2016, películas que sin lugar a dudas no querremos perdernos. La mayoría de estas serán estrenadas en festivales, y claro está, en miras a los premios más importantes. No les quiero adelantar nombres, pero sé que con cada una de las películas mencionadas, su corazón se acelerara un poquito. Créanme, yo estoy en medicación después de esta selección.

Logan Lerman y Sarah Gadon

INDIGNATION JAMES SCHAMUS

El ex-CEO de Focus Features, productor responsable de iconos del cine independiente norteamericano como es el caso de “Brokeback Mountain”, “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” o “Lost in Translation”, hace suyo el reto de debutar tras la cámara con “Indignation”, una adaptación de la famosa novela de Philip Roth que será protagonizada por Logan Lerman (“The Perks of Being a Wallflower”) y Sarah Gadon (“Maps to the Stars”) y que nos contará la historia de un joven de 18 años que debe enfrentarse al antisemitismo de 1951, la represión sexual y el auge de la Guerra de Corea cuando acude a la Universidad Luterana del Medio Oeste. Tras su estreno mundial en el Festival de Sundance, “Indignation” tendrá su estreno internacional en la Sección Panorama del inminente Festival de Berlín.

Logan Lerman

Sarah Gadon

IN MEMORIAM

Kyle Chandler y Casey Affleck

Rachel Weisz

Imágenes de la película Triple 9

MANCHESTER BY THE SEA Kenneth Lornegan

COMPLETE UNKNOWN Joshua Marston

TRIPLE 9 John Hillcoat

Tras sufrir uno de los procesos de posproducción más traumáticos y definitivamente kafkianos de la historia del cine (su anterior y estupenda “Margaret” estuvo bloqueada durante años por problemas de distribución hasta que finalmente vio la luz con una versión de tres horas), Kenneth Lornegan vuelve al ruedo de la mano de Casey Affleck, Michelle Williams y Kyle Chandler. “Manchester by the Sea” es la historia de un hombre que regresa a su antiguo barrio de la localidad de Massachusetts con motivo de un trágico acontecimiento que vuelve a ponerle en contacto con su hermano y su ex esposa. De Sundance a Berlín, donde competirá en Panorama. Ya ha sido confirmada por ambos festivales.

El responsable de la demoledora “María, llena eres de gracia”, Joshua Marston, regresó en 2011 a primera plana con “The Forgiveness of Blood”, y lo hizo en plan Atom Egoyan, en su tierra, centrando su mirada en el conflicto suscitado entre la antigua tradición y la vida moderna en Albania a través de un retrato tan crudo como tierno y definitivamente memorable y complejo. Cinco años después, Joshua Marston vuelve a la carga con “Complete Unknown”, un thriller dramático que contará con un reparto estelar formado por Rachel Weisz, Michael Shannon, Kathy Bates y Danny Glover, en el que Weisz dará vida a la intrigante huésped de una fiestacena organizada por Tom (Shannon) y su esposa, que están celebrando su cumpleaños. Estamos todos invitados. Anunciada a competición en Sundance.

John Hillcoat y Nick Cave cabalgan de nuevo. Cineasta y músico convertido a guionista, de cuya colaboración conjunta surgió uno de los mejores y más atípicos westerns que nos ha brindado el cine contemporáneo (“La Proposición”), así como una musculada y estilizada película de gangsters de sello carismáticamente añejo que tiene la ley seca como trasfondo (“Lawless”). Estos vuelven a la carga con un atraco imposible a manos de un grupo de policías corruptos entre quienes encontramos a Woody Harrelson, Casey Affleck, Aaron Paul, una femme fatale llamada Kate Winslet y, pueden estar seguros, mucho rock n’ roll. Con su estreno comercial anunciado para finales de Febrero, queda por ver si tendrá como antesala la Berlinale.

Parte del Cast de “Manchester by The Sea”

Parte del Cast de “Complete Unknown”

Casey Affleck y Teresa Palmer

Michael Shannon

Casey Affleck en una escena de Triple 9

Casey Affleck

IN MEMORIAM

Nicolas Cage

PLANETARIUM Rebecca Zlotowski

GOLD Stephen Gaghan

Tras su fastuosa colaboración en la denostada “Dying of the Light”, un patético thriller estrenado el año pasado y repudiado por su principales responsables (Schrader, sus actores principales y hasta su productor, Nicolas Winding Refn) el guionista de “Taxi Driver” vuelve a unir fuerzas con el propio Nicolas Cage (además de Willem Dafoe) para un sucio thriller, ambientado en el mundo criminal de Los Ángeles, que sigue a tres ex-convictos contratados para realizar un secuestro que se acabará torciendo y que les obligará a huir a cualquier precio para no volver a la cárcel. Toca redención.

Con su apabullante segunda película, “Grand Central” (2014), Rebecca Zlotowski se confirmó como una apuesta segura a caballo entre Claire Denis y Mia Hansen-Love. Y lo hizo tras irrumpir en escena de la mano de precisamente, Léa Seydoux (quien repetiría en “Grand Central” junto a Tahar Rahim) con la original y sensible “Belle Epine”. Y claro, como no hay dos sin tres ahora, es turno de “Planetarium”, aunque en este caso con Natalie Portman, Lily Rose Depp y Louis Garrel. En ella, el camino de dos hermanas, que tienen la habilidad de comunicarse con los fantasmas, se complicará cuando sus destinos se crucen con un productor de cine francés mientras están actuando en el París de los años 30. Oh, la la! Su posible estreno: Teniendo en cuenta que sus dos anteriores películas se estrenaron en Cannes, probablemente repita en La Croisette. Queda por ver si será Sección Oficial, Quincena o Un Certain Regard.

El responsable de la magnífica “Syriana” se adentra en las profundidades de la inexplorada jungla de Indonesia en busca del oro. La aventura la emprende junto a dos diamantes en bruto de Hollywood como actualmente lo son Matthew McConaughey y Edgar Ramirez. Su posible estreno: Toronto.

Willem Dafoe

CINEASTAMAG.COM

Matthew McConaughey

DOG EAT DOG Paul Schrader

Su posible estreno: Queda por ver si será un festival de clase A o directamente la cartelera comercial su ventana de estreno mundial.

Natalie Portman

Lily Rose Depp Nicolas Cage y Willem Dafoe

Louis Garrel

Edgar Ramírez

Edgar Ramírez y Matthew McConaughey

IN MEMORIAM

Brendan Gleeson y Michael Fassbender,

Ewan McGregor

Cast de la película “La Comuna”

TRESPASS AGAINST US Adam Smith

AMERICAN PASTORAL Ewan MacGregor

LA COMUNA Thomas Vinterberg

Supone el debut en el cine del director responsable de brindarnos los mejores capítulos de “Doctor Who”, también una nueva banda sonora que lleva el sello de los Chemical Brothers, así como un tête à tête entre los mejores actores irlandeses del momento, como es el caso de Brendan Gleeson y Michael Fassbender, quienes junto a Rory Kinnear interpretan a tres hermanos de una familia irlandesa que se verán enfrentados cuando entran en un conflicto con la ley. Su posible estreno: A pesar de estar el proyecto finalizado, no será en Sundance, tampoco en Berlín, pero sí probablemente en Cannes.

Al igual que James Schamus, el actor británico Ewan McGregor hace suya una adaptación de Philip Roth para debutar en la silla de director tras la renuncia de Philip Noyce, quien en un principio iba a dirigir. Protagonizada por el propio McGregor, además de Jennifer Connelly y Dakota Fanning, “American Pastoral” nos sitúa en una América de la posguerra en la que un legendario atleta se casa con la antigua reina de belleza, heredando así el negocio del padre de ella. La aparente vida perfecta de la familia se verá desmoronada cuando la hija de la pareja comete un mortal acto de terrorismo político relacionado con la Guerra de Vietnam. Su posible estreno: Con su rodaje iniciado el pasado mes de septiembre, su estreno en Toronto parece más que probable.

Terminado el nuevo remake del clásico de 1874 del autor británico, “Lejos del mundanal ruido”, el director danés ya tiene lista “La Comuna”, película que con un presupuesto de 6 millones de dólares se inspira en los orígenes del director durante su etapa en una universidad del norte de Copenhague en los años 70. Descrita como “un humorístico, sensible, pero también doloroso y conmovedor retrato de una era pasada”, e inspirada por las experiencias de Vinterberg en un tiempo cuando libertad y comunidad representaban la idea de vida perfecta, “vivir, hablar, discutir, hacer el amor, inspirarse los unos a los otros”, la película sigue a una joven pareja de académicos, Erik y Ana, quienes se mudan a una comuna en Hellerup con su hija. Al principio, todo parece un sueño, pero cambia cuando permiten a la joven amante de Erik mudarse con ellos. Los actores daneses Ulrich Thomsen y Trine Dyrholm, quienes habían aparecido juntos en dos películas de Vinterberg, incluyendo la película Dogma de 1998 “Celebración”, son los protagonistas. Su posible estreno: Ya ha sido anunciada a competición por la Berlinale.

Escena de Trespass Against Us

Jennifer Connelly Brendan Gleeson

Dakota Fanning

Escena de “La Comuna”

41 Trine Dyrholm

BAJO LA ÓPTICA

AARON SORKIN Maestro del Diálogo

POR MIGUEL YARULL

“Diálogo no es conversación. El diálogo se construye, es más eficiente y creíble que la conversación. El diálogo elimina las intrusiones de la vida real para mostrar carácter y llevar el encuentro a una resolución dramática”

CINEASTAMAG.COM

– John L’Hereux.

BAJO LA Ã&#x201C;PTICA

Aaron Sorkin. Fuente: Google Images

BAJO LA ÓPTICA

“You can’t handle the truth!” Cualquier guionista sueña con escribir una línea como esa. Enterrada en el clímax del último acto de “A Few Good Men”, es capaz de mostrarnos quién en realidad es nuestro antagonista en apenas cinco palabras. Luego de un intercambio de testimonios y medias verdades, aparece un Coronel Jessup con motivaciones propias de su oficio, escudado en una superioridad que – al menos en su mente - se ha ganado. Y mejor aún, es una línea repetida por el público 25 años más tarde. Aaron Sorkin ha escrito decenas de líneas como ésta. Quizás no tan conocidas, pero igual de efectivas. Por momentos pareciese que el famoso “Show me, don’t tell me” no le aplica, y que nos va mejor escuchando lo que tiene que decir éste o aquel personaje antes que verlo robar un banco o saltar de un edificio en llamas. Pocos guionistas llegan a conocerse por tener su propio estilo. Sorkin es la gran excepción de nuestro tiempo. En una industria que aborrece las páginas llenas de letras y los monólogos caprichosos, Sorkin no cede ante la presión, luchando por conseguirle espacio a sus personajes para que se expresen, para que verbalicen su visión del mundo, entre reflexiones y vaivenes morales muchas veces magistrales. Casi siempre paladines liberales, estos personajes se enorgullecen de sus creencias, con las que coexisten en constante conflicto. Para muestra, parte del monólogo final de “The Two Cathedrals”, uno de los mejores episodios de la serie “The West Wing”. Aquí, un presidente Bartlett católico practicante se queda sólo frente a la imagen de Dios, y en la intimidad de una majestuosa catedral le reclama:

CINEASTAMAG.COM

PRESIDENT BARTLETT

You’re a son of a bitch, you know that? She bought her first new car and you hit her with a drunk driver. What, is that supposed to be funny? “You can’t conceive, nor can I, the appalling strangeness of the mercy of God,” says Graham Greene. I don’t know whose ass he was kissing there, because I think you’re just vindictive. What was Josh Lyman, a warning shot? That was my son. What did I ever do to Yours but praise His glory, praise His name? There’s a tropical storm that’s gaining speed and power. They say we haven’t had a storm this bad since you took out that tender ship of mine in the North Atlantic last year. 68 crew - you know what a tender ship does? It fixes the other ships - doesn’t even carry guns - it just goes around and fixes the other ships, delivers the mail - that’s all it can do.

IN MEMORIAM

El cast de la serie “The West Wing”

Este es el mejor ejemplo de cómo respetar a tu audiencia, de considerarla tan inteligente como lo que tienes que decirle, en un medio tan masivo y simplón -si me permiten- como la TV de los finales de los años 90. Su estilo de escribir ha sido bautizado como el “Walk and Talk”. Largas tomas en pasillos y corredores son acompañadas por pasajes y pasajes de texto en los que se profundiza en igual medida en trama y personajes. Sorkin ha escrito para teatro, televisión y cine. Ganó el Oscar a mejor guion adaptado en el 2011 por “The Social Network” y varias veces el Emmy por su trabajo en “The West Wing”. En un mundo de directores,

Sorkin es figura. Todo lo que hace merece atención. Desde sus célebres y documentados arranques en la sala de escritores de “The Newsroom” (cuando las cosas no le salieron cómo esperaba) hasta sus cameos en “Entourage”, Sorkin no se excusa por ser famoso. Sería difícil escoger entre tantas escenas de una carrera tan robusta una favorita, pero si me forzaran, me quedaría con la primera secuencia de “The Social Network”. Más que una secuencia es casi un baile entre dos personajes que nunca se levantan de una mesa: 8 páginas de diálogo, 99 tomas, y un guionista como Sorkin en su mejor momento. 45

ARTICULOS ARTÍCULOS

METACINE

CINEASTAMAG.COM

POR LUIS G. JANSEN.

La miscelánea Chacun son cinema (2007), inestimable trabajo antológico que compone el más hermoso homenaje al cine que conozco, discurre en la profunda abstracción artística. Directores de los 5 continentes, ejecutan 34 realizaciones conjuntas que se someten a la cavilación del medio cinematográfico. Una obra artística cavilosa de su propio medio, es descrita como: meta-arte. El prefijo meta viene del griego meta, y quiere decir que trasciende, que abarca. Indica con su uso, la contemplación propia proveniente del concepto posterior. En el cine, se refiere a hacer cine consciente del cine, un ejercicio cinematográfico que viene a ser un recurso interesante en la introspección cinematográfica. El metacine es la equivalencia a la metaliteratura o a la metafotografía, en esas artes hermanas al séptimo arte. Es entonces una práctica cinematográfica que aboga a la autoreferencia del filme. En cuestiones de forma, es reflexivo y referencial. Usualmente reflexiona sobre el medio que utiliza el artista o sobre el artista en sí, como en el caso de Providence (1977) de Resnais. Puede ser tan lineal como lo es La Ley del Deseo (1987), o tan ambiguo como en La Rosa Púrpura del Cairo (1985). Es, en todo caso, una contemplación del cine, por el cine. Atendiendo la definición por antonomasia de metacine, es entendido como “cine sobre cine”, y sobre esa base explora el presente escrito. Aun así, y para que no sea confundido con el cine metaficcional, respondemos a la obligación de observar las 3 aristas del metacine. La primera forma de metacine, es una película que se reconoce a sí misma como una película. Un filme consciente de las convenciones cinematográficas que rodean la propia obra. Puede ser manifestado a través de una revelación sutil, como el borde de la cinta del celuloide dentro de un encuadre (Fight Club, 1999); al igual que una un poco más explícita, como un dibujo animado que “sale del set de producción” (Get a horse!, 2013; Who framed Roger Rabbit, 1988). Otra forma de expresión metacinematográfica, y quizás la usada con más frecuencia, es la ruptura de la cuarta pared (Annie Hall, 1977). La violación de la cuarta pared puede darse no solo de manera visualmente expresa, sino también de cualquier forma en que la película reconoce la presencia del espectador. Un ejemplo de esta última puede ser la iraní Taxi Teheran (2015), metódica provocación a los preceptos estéticos, que se reconoce consciente de la presencia de un espectador. Además, aquellos trabajos donde la voz superpuesta no se limita a narrar, sino que interactúa con el espectador, como sucede en Sunset Boulevard (1950), y Zentropa (1991).

Escena de la película “Annie Hall”

La tercera forma de realizar metacine y la más ampliamente reconocida, es el arriesgado ejercicio de hacer una película sobre una película. Sobre este particular, detallamos un recuento de algunas grandes películas del patrimonio cinematográfico mundial que han sido metacinematográficas. El primer ejemplo que observaremos, por razones de sentimiento, es el de la película Irma Vep (1996). El análisis a esta película en un taller de cine (que nos cambió la forma de ver el séptimo arte a todos los compañeros, y lo mencionamos en cada chance que tenemos), fue que despertó el interés entender la forma de expresión meta artística. La película, dirigida por Olivier Assayas y protagonizada por Maggie Cheung, muestra la ficticia historia de un remake de la serie francesa histórica Les Vampires (1915-16). Este interesante trabajo fílmico, revisa y critica la realidad industrial del cine de masas. El cortometraje Behind the Screen (1916), del multidisciplinario Charles Chaplin, es el primer ejemplo de metacine en la historia del séptimo arte. Un breve, pero inmensamente vanguardista trabajo silente, que relata las peripecias de una producción cinematográfica. Otro caso es la obra maestra 8½ (1963), de Federico Fellini. Una fantasía arquetípica de la iconoclasia narrativa, que reta los convencionalismos mientras acaricia oníricamente la historia de un director de

cine que trata de vencer un bloqueo creativo. Caso en que la reflexión supera al medio artístico, alcanzando al artista. Contempt (1963) es otra gran película europea sobre metacine. El francés Jean-Luc Godard relata la historia de una adaptación cinematográfica de la Odisea de Homero, con el expresionista Fritz Lang interpretándose a sí mismo. 10 años luego, el mismo Godard también dirige La Nuit Americaine (1973), otra obra maestra que trata sobre el atropellado rodaje de una película. En ambos casos, Godard efectúa un retrato de su propia clase. En Asia, el taiwanés Tsai Ming-Liang dirige Goodbye, Dragon Inn (2003), una amalgama de planos fijos y extendidos que narra la última proyección de cine que cierra sus puertas. Si bien no trata sobre la realización de una película, la manera en que se diluye la trama de la película en la trama de la proyección, la hace meritoria de este listado. En el género musical, una de las más hermosas películas de todos los tiempos, Singin’ in the Rain (1952), trata la hilarante historia de un actor de cine silente que se mal adapta al cambio al cine sonoro. El cine es concepción de sus creadores, quienes constantemente relatan y retratan sus propias inquietudes. El metacine, es consecuencia de ese accionar artístico de reflexionar sobre sí mismo.

Escena de la película “Taxi Teheran”

DGCINE

EL PATRIMONIO AUDIOVISUAL DEL CINE DOMINICANO POR DGCINE

CINEASTAMAG.COM

El auge en las producciones audiovisuales que a creado la Ley No. 108-10 para el Fomento de la Actividad Cinematográfica en la República Dominicana, supone un reto para la disciplina de la conservación, el cual debe responder proponiendo y llevando a cabo estrategias e implementando políticas orientadas a resguardar los materiales que sustentan la memoria audiovisual de nuestro pueblo. El patrimonio audiovisual de la Cinemateca Dominicana está compuesto por 14,198 documentos, donde el 84% es de naturaleza audiovisual, integrado por largometrajes, cortometrajes y documentales, criollos y extranjeros en diferentes formatos. A esto se le suma el material gráfico conformado por fotografías, afiches y panfletos. Una amplia reserva bibliográfica acerca del séptimo arte y una interesante serie de artefactos que testifican la historia y evolución del oficio cinematográfico. La Dirección General de Cine a través de su dependencia, la Cinemateca Dominicana, al ser una institución afiliada a organismos internacionales dedicados a la preservación de los materiales fílmicos y audiovisuales, como lo es la Federación Internacional de Archivos Fílmicos y la Coordinadora

Latinoamericana de Archivos de Imágenes en Movimiento, tiene como misión la salvaguarda, la documentación y difusión del patrimonio audiovisual dominicano. En este sentido y basado en el análisis del estado de conservación que presentan las colecciones, las instalaciones donde se resguardan los materiales y el personal que los manipula, ha elaborado una propuesta de trabajo para la preservación integral de los materiales audiovisuales de su acervo. En consonancia a las normativas mundiales en cuanto a preservación del patrimonio audiovisual, se está implementado el plan de trabajo antes mencionado, llevando a cabo acciones concretas para la salvaguarda de los soportes audiovisuales, que van desde la elaboración de catálogos e inventarios, hasta el mejoramiento de los espacios físicos y la aplicación de tratamientos de conservación, digitalización, restauración digital y preservación de contenidos digitalizados. Con la implementación de este plan, se pretende frenar los avances del deterioro de los materiales audiovisuales que custodia la Cinemateca Dominicana, de tal forma que estos puedan seguir siendo proyectados, consultados y apreciados por el público del presente y de las generaciones venideras. La UNESCO aprobó en 2005 la celebración del Día Mundial del Patrimonio Audiovisual, como mecanismo para concienciar al público sobre la necesidad de tomar medidas urgentes y reconocer la importancia de este tipo de documentos.

IN MEMORIAM

CINEASTAMAG.COM

CRÍTICAS

EL CINE A LA SÉPTIMA POTENCIA (PARTE 4) Continuación del artículo empezado en Cineasta 33 de fecha Abril 2015 POR ÁNGEL HACHÉ

Victor Flemming

CRÍTICAS

Rupert Julian

RUPERT JULIAN

Friedrich Murnau

FRIEDRICH W. MURNAU

Nació en Nueva Zelanda en 1879 y murió en Hollywood en 1943. En su tierra trabajó como actor y a los 34 años se mudó a los EE. UU. donde realizó “The Kaiser, The Beast of Berlin” (1918) fue su primer largometraje. Completó el filme “El Carrusel de la Vida” (1923) cuando Erich von Stroheim fue despedido. Su película más conocida fue “El Fantasma de la Ópera” en 1925 co-dirigida con Lon Chaney quien también la protagonizó y al terminarla fue reemplazado. Dirigió un par de filmes más antes del cine sonoro. No continúo haciendo películas en su declinación en 1930.

Victor Fleming

Nació en 1888 en Alemania y murió en 1831 en Santa Bárbara, California. Director, guionista y productor, estudió arte y literatura en la Universidad de Heidelberg. Fue asistente del director de teatro Max Reinhardt y comenzó a hacer cine en el 1919. Viajó a EE. UU. en el 1926. Sus realizaciones se movían entre el sueño y la realidad. Fue votado como el 33avo más grande director por Entertaintment Weekly. Dirigió 17 películas en Alemania y 4 en Norteamérica, solo 12 sobrevivieron. Fue firmado por William Fox desde 1916 a 1919. Le dieron carta blanca para su costosa producción “Amanecer” (1929), considerada una obra maestra, y por la que recibió un Oscar como mejor película en 1929 debido a su calidad artística, evidentemente expresionista, que fue emulada por otros directores de Hollywood. Janet Gaynor ganó un Oscar como mejor actriz por “Amanecer”. Otra película anterior, también obra maestra fue “Nosferatu, el vampiro” (1922), aclamada por artistas y escritores surrealistas. Tuvo suerte de que no fuera destruida por no tener la autorización de la novela de Bram Stoker. Su primer gran filme fue “A Der Knabe Inblau” (1919), le siguió “Satanás” (1920). Su primer largo también notable fue “La Cabeza de Jano” (1920), con Conrad Veidt que también actúa en “Sehnsucht: (1921). Otra obra maestra fue “El Último” (1924), con una soberbia actuación de Emile Jannings, quien hizo de Tartufo en otro film de Murnau titulado, “El Hipócita” (1925) basado en Moliere, y de Mephisto en la maravillosa “Fausto” (1926). Su primera película sonora fue “Los Cuatro Diablos” (1928) con Janet Gaynor y su última gran película fue “Tabú” (1931), escrita y dirigida por Murnau con Robert J. Flaherty.

CINEASTAMAG.COM

VICTOR FLEMING

Director, cinematógrafo y productor nacido en 1889 en California. Murió en 1949 en Arizona, EE. UU. Hizo diferentes trabajos y luego paso a ser “cameraman” en muchos de los filmes de Douglas Fairbanks. Su primer corto se tituló “When the Clouds Roll By” (1919). Su primer gran hit fue “The Virginian” (1921) con Paramount Pictures. Su mayor éxito fue “Lord Jim” (1925) y en el 1926 llevo a Clara Bow a la fama con “ManTrap” y “Hula” (1927). Continuó con “The Way of All Flesh” (1927) donde actuó Emil Janning, debutando de esa forma en el cine norteamericano y por la que obtuvo el Oscar como mejor actor. En 1929, realiza “El Canto del Lobo” con Gary Cooper y Lupe Velez.

Escena de la película “Nosferatu”

CRÍTICAS El actor Buster Keaton

Erich Von Stroheim

ERICH VON STROHEIM Nació en Viena en 1885 y murió en Francia en 1957. Director, actor y guionista. Emigró a EE. UU. en el 1909. Frecuentemente incluía personajes imbéciles en las películas en las que él era guionista y director, así como era recurrente la aparición de ambulancias en sus filmes. Como actor personificaba a menudo a oficiales alemanes. Sus películas exploraban la naturaleza de la crueldad humana y la pérdida de la inocencia. En varias películas en las que intervenía como actor, usaba monóculos. El mismo se fabricó la historia de que era un aristócrata y oficial del imperio de Austria y sin embargo, no era más que un judío de clase media fabricante de sombreros. Por los cortes que hizo Irving Thalberg a su obra maestra “Avaricia” (1924) con Zasu Pitts, este dijo que Thalberg no tenía nada en su cabeza, solo un sombrero. Dirigió 12 películas, la primera, un largometraje mudo titulado “Corazón Olvidado” (1919) con el cómo actor para Universal y “Esposas Frívolas” (1922) excelente película de 384 minutos, que fue obligado a cortar a 140 minutos, para presentarla en Ontario y le realizó otros cortes más hasta llevarla a 107 minutos. No fue acreditado por problemas en la producción de “El Carrusel de la Vida” (1923) y fue despedido después de 6 semanas de filmación y reemplazado por Rupert Julian. Otro filme extraordinario dirigido por Stroheim fue “La Viuda Alegre” (1925), con John Gilbert, para Metro. Luego realizó “The Honeymoon” (1928), segunda parte de “La Marcha Nupcial” (1928). En 1929 rueda otra gran película, “La Reina Kelly”, también sonora, con la diva Gloria Swanson quién además la produjo. En 1934 realiza su última cinta y desde ese mismo año se dedicó a actuar en el cine sonoro.

luego decayó en su carrera. Aprovecharemos para citar a los directores, también norteamericanos, Marshall Neilan, por su muy bien lograda cinta, “Stella Maris’’ (1918), con Mary Pickford, y a William Beaudine, conocido como “One Shot’’, de una larga filmografía, principalmente cortometrajes. Fue realizador de algunas prestigiosas películas de la época muda como: “La Pequeña Anita” (1925), “Gorriones” (1926), con Mary Pickford y su renombrada “The Canadian” (1926). Nombraremos por igual a dos directores alemanes: El primero de ellos, Carl Boese (1887-1958) que codirigió, “El Golem” (1920) y a Walter Ruttmam (1887-1941), considerado como el principal exponente del cine abstracto experimental. Su mejor obra fue el excelente documental “Berlín, Sinfonía de una Ciudad” (1927) y su corto titulado “Opus” (1921).

Clarence Brown dirigiendo a los actores de “Wonder of Woman”

CLARENCE BROWN

Buster Keaton y Edward Sedwick en “The Cameraman”

EDWARD SEDGWICK Director norteamericano, miembro de una familia de acróbatas. Antes de dirigir, actuó desde 1915 en cortometrajes y realizó varios Westerns para Fox desde 1920 al 1922, para Universal desde 1922 al 1926 y filmó varias películas para Metro desde 1926 al 1932. Fue muy conocido por haber dirigido a Buster Keaton en sus dos últimas comedias mudas: Las estupendas “The Cameraman” (1928) y “El Comparsa” (1929);

Director Norteamericano, graduado de ingeniería mecánica y eléctrica. En New Jersey estudió cine con el director francés Maurice Tourneur e hizo un contrato bastante largo con Metro Goldwyn Mayer, además fue productor y editor. En una ocasión dijo que Greta Garbo expresaba sus emociones con solo pensar en ellas, sin poses, ni movimientos irradiaba, felicidad, esperanza, tragedia, al público. Su primer trabajo fue “The Great Redeemer” (1920) al que siguieron con éxito “Butterfly” (1924), “Smuldering Fires” (1925), “La mujer de los Gansos” (1925), “El Águila Negra” (1925) con Rodolfo Valentino, la extraordinaria “EL Demonio y la Carne” (1926), con la Garbo y John Gilbert, al igual que “La Mujer Ligera” (1928) en la que repetía con ambos actores. Su primera película sonora fue “Wonder of Woman” (1929).

CINE CLÁSICO El director John S. Robertson

JOHN S. ROBERTSON Nació en Canadá en 1878 y murió en California en 1964. Fue director, a c t or y pro du c t or. C omen z ó haciendo cortometrajes en 1916. Sus más notables realizaciones son: “EL Hombre y la Bestia” (1920), “The Spanish Jail” (1922), la sobresaliente “Tess, en el País de las Tempestades” (1922), “The Bright Shawl” y “The Enchanted Cottage” (1924) con Richard Barthelmess, “Shore Leave” (1925) también con Barthelmess, “El Caballero Pirata” (1927) con Ramón Novarro y “The Single Standard” (1929) con Greta Garbo. “Shanghai Lady” fue su primera cinta sonora.

Frances y Robert Flaherty

ROBERT FLAHERTY

Teinosuke Kinugasa

TEINOSUKE KINUGASA

LA MADRE

CINEASTAMAG.COM

VSEVOLOD PUDOVKIN

Director, actor y guionista. Nació en 1883 en Rusia y murió en 1953 en RigaLatvia. Fue herido cuando luchaba en la Primera Guerra mundial. Trabajó para Lev Kuleshov como asistente de director. Como actor usualmente hizo de villano. En 1921 codirigió su primer filme documental “Golod, Golod, Golod”. “La Madre”, su película más conocida, la filmo en 1926 con la extraordinaria actuación de Vera Baranovskaya. Realizó 19 películas. Otras de sus grandes cintas mudas fueron, “El Fin de San Petersburgo” (1927), “Tempestad en Asia” (1928), “Prostoy Sluchay” (1930). “Pobeda” (1938) fue su primera gran película sonora.

Nació en Japón en 1896 y murió en 1982. Actor de teatro Kabuki en el que interpretó personajes femeninos, en un tiempo en que la mayoría de los filmes eran versiones del Kabuki. En 1921 dirigió su primera película “I Moto No Shi”. Sus otros filmes fueron destruidos por el terremoto de 1923 en Tokio. Dirigió 44 películas mudas. Entre sus más significativas con guion propio, están los largometrajes: “Kurutta Ippeji” (1926) y “Jujiro” (1928). Fue el padre del moderno cine japonés. Utilizó técnicas experimentales en la década de los 20. En total dirigió más de 100 películas. La ya mencionada “Kurutta Ippeyi”, rompió con el cine tradicional, llevándolo a una forma abstracta y a un expresionismo surrealista, consiguiendo una alucinante obra muda. Estudió en Rusia con el gran director Sergei Einsenstein. “Jujiro” fue el primer filme japonés que se comercializó en Europa. Su primera película sonora fue “ChushinguraZempen” en 1932.

(1884-1951) Nació en Michigan y murió en Vermont. Orson Welles lo comparó con el gran poeta Walt Whitman. No tomó el cine en serio hasta los 38 años y en el 1948, el New York Times lo llamó el único genio creativo aparecido en el cine. Su primera película fue el magnífico documental “Nanuk, el Esquimal” (1923) género al que se dedicó. Hizo 14 filmes entre 1925 y 1928. Realizó los cortos “The Potterymaker”, “Mohanna” y “24 dollars Island”. En 1933 rodó su primer documental sonoro, “The Glassmakers of England”, un cortometraje.

Jean Epstein

JEAN EPSTEIN Nació en Polonia en 1897 y murió en 1953 en Paris. Publicó poemas a principio de los 20, luego se convirtió en un teórico notable de la “AvantGarde” y más tarde en director de cine, donde también fue guionista y productor. Dirigió 39 filmes. El primero “Pasteur”, codirigido con Jean Benoit-Levy en 1922 y luego siguió con “L’Auberge Rouge” (1923), notable la rgometraje, “Coeur Fidele” (1923), “Mau Frat” (1926), “El Espejo de las 3 Caras” (1927), la extraordinaria “El Hundimiento de la Casa Usher” (1928) y “Finis Terrae” (1929).

CINE CLÁSICO

Frank Capra

FRANK CAPRA

Harol Lloyd en una película de Sam Taylor

SAM TAYLOR Director, escritor y productor estadounidense (1895-1958). Se Unió a Hal Roach como guionista y se convirtió en una parte integral del “Staff” de Harold Lloyd. Dirigió varias películas excelentes con Fred C. Newmeyer, entre ellas: “El Hombre Mosca” (1923), “Why Worry?” (1923), “Casado y con Sueg ra” (1924), “El Tenorio Tímido” (1924), “El Estudiante Novato” (1925), “Mi Madre” (1926) que contó con Harold Lloyd como protagonista. Ya como “único director” realizó: “Cómicos que Pasan” (1926), “La Pequeña Vendedora” (1927), con Mary Pickford. Su primera película sonora fue “Coqueta” (1929). En el 1928 realizó con Henry King “La Mujer Disputada”, protagonizada por Norma Talmadge y Gilbert Roland.

Director, guionista y productor nacido en Sicilia en 1897 y fallecido en California en 1991. En 1903, se trasladó con su familia a New York y luego en tren a California. En el bachillerato se interesó por el teatro y comenzó como luminotécnico. Su familia quería que el trabajara, pero se rehusó porque dijo que había que educarse para conseguir el sueño americano. Se graduó en 1915 y se matriculó en ingeniería química, más adelante se dedicó a escribir y descubrió la poesía. Trabajó de extra para el director John Ford. Lo contrataron como guionista para la serie “Our Gang” y para la productora del comediante Harry Langdon, y también para Mack Sennett. Filmó “El Hombre Cañón”, largometraje mudo, en el 1926 y para Columbia, “Sus Primeros Pantalones”, en 1927. Otros de sus mejores filmes de esta época fueron: “The Matinee Idol” y “Submarine” ambas de 1928. Con Columbia en la década de los 30, obtuvo sus grandes éxitos del cine sonoro, que lo llevaron al estrellato.

Alfred Hitchcock

ALFRED HITCHCOCK Director y productor nacido en Londres en 1899 y fallecido en 1980 en Los Ángeles. Creció bajo la tutela de una estricta familia católica. Estudió con los jesuitas. Desde 1920 diseñó los títulos de las películas realizadas en el Estudio Lasky. Su primer trabajo fue completar “Always Tell your Wife’’ (1923), cuando el director Hugh Croise enfermó. Mas adelante le asignaron su primera dirección en el filme “Number 13” (1922), inacabada y como asistente de Michael Balcon, empezó a escribir guiones. En 1925, dirigió la coproducción “El Jardín de la Alegría” (1925) que lo convirtió en un director muy conocido. En 1920 conoció a Alma Reville, escritora, y comenzó una larga colaboración con ella, en 1927 contrajeron matrimonio. Una de sus películas más notables fue, “El Enemigo de las Rubias” (1927), muda. Su primera película sonora fue “La Muchacha de Londres” (1929). Se asustaba de niños pequeños, policías, lugares altos. En una ocasión, su película preferida fue, “Las Tres Luces” (1921), de Fritz Lang. Con el tiempo, Hitchcock se convertiría en uno de los principales directores de la historia del cine.

Frank Capra

Continuará... 55

CINEASTAMAG.COM

SERIES DE TV

56 Esta fotografía no es de la autoría de Cineastamag

SERIES DE TV

LAS MEJORES SERIES DE TELEVISIÓN DEL 2016 POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

La televisión no da tregua, no se detiene, se reinventa y nos transporta a todo tipo de universos. Hay que amarla. Este año no quedó corto ni de lejos en estrenos, porque no sólo bastó con las nuevas temporadas de todas las series que ya vemos, ahora tuvimos más contenido fresco con el que reventar nuestras agendas de entretenimiento. Las siguientes son apenas una decena de las series más llamativas de este 2016.

Josh Holloway

COLONY 14 DE ENERO

Josh Holloway regresa a la televisión (sí, Sawyer en Lost) en una nueva serie de ciencia ficción que tiene lugar en un futuro cercano medio distópico. Holloway interpreta a un agente del FBI que debe combatir a los rebeldes en una ciudad de Los Ángeles que se encuentra bajo ley marcial gobernada por una extraña fuerza externa invasora ¿ALIENS? Durante el incidente llamado “La llegada” en el que los invasores tomaron el poder, Holloway y su esposa, interpretada por Sarah Wayne Callies (Lori en The Walking Dead), pierden a su hijo, e intentarán recuperarlo a como de lugar. Todo suena muy confuso y raro, pero no deja de ser interesante.

Elenco de la serie “Billions”

BILLIONS

17 DE ENERO

Damian Lewis será el protagonista de esta nueva serie de Showtime, el actor conocido principalmente por su trabajo en Homeland y Band of Brothers interpretará a un multimillonario que se verá involucrado en una gran batalla legal contra un abogado brillante que representa al gobierno estadounidense (Paul Giamatti). Billions es un drama sobre gente muy rica, sobre el crimen de cuello blanco, y sobre el poder y la política que rigen las finanzas de los más adinerados. Además de todo esto la fabulosa Maggie Siff regresa a nuestras vidas (Tara <3).

Escena del primer episodio

CINEASTAMAG.COM

LEGENDS OF TOMORROW 21 DE ENERO

Luego del éxito de Arrow y The Flash, la cadena CW se prepara para lanzar la primera serie de televisión de DC con un gran equipo de superhéroes al estilo Avengers de Marvel. Aunque son todos héroes de bajo perfil, si eres de los que disfrutan de las otras dos series de Greg Berlanti, esta debería entusiasmarte. Son ocho los personajes que unirán fuerzas en Legends of Tomorrow y viajarán al pasado para detener a un villano que destruirá el mundo en el futuro: White Canary, The Atom, Heat Wave, Firestorm, Hawkman, Hawkgirl, y Captain Cold. El tráiler luce bastante vainilla y parece que es una serie costosa, por lo que podría convertirse en un fiasco rápidamente, pero hay que ser optimista.

Sean Galifianakis en Baskets

BASKETS

21 DE ENERO

Louis C.K. ha co-escrito esta nueva serie para el canal FX, protagonizada por Zach Galifianakis, cuenta la historia de un hombre que sueña con ser un payaso profesional. Creo que no hay más nada que decir.

Bobby Cannavale en Vinyl The X-Files

THE X-FILES 24 DE ENERO

Si bien no es una nueva serie, tiene el mismo nombre y los mismos protagonistas, un show que lleva casi 14 años fuera del aire, cuenta en mi libro como un estreno. Los expedientes secretos X regresan a la televisión en menos de 20 días, y mientras gritas y corres en círculos puedes leer sobre los episodios imprescindibles que deberías ver antes.

VINYL

14 DE FEBRERO

Martin Scorsese se juntó con Mick Jagger y Terence Winter para crear una serie de televisión en HBO sobre la industria de la música en los años 70. Si eso no te llama la atención, el elenco cuenta con Bobby Cannavale, Olivia Wilde y Ray Romano en los papeles principales.

Elenco de Fuller House

James Franco en 11.22.63

11.22.63 15 DE FEBRERO

Esta miniserie de Hulu protagonizada por James Franco, Josh Duhamel y Chris Copper se basa en la novela de drama, suspenso, y ciencia ficción de Stephen King que lleva el mismo nombre. Es una historia sobre viajes en el tiempo en el que el personaje de Franco intentará evitar el asesinato de Kennedy. La serie fue producida por el mismo S. King, Bridget Carpenter (Friday Night Lights), y J.J. Abrams.

FULLER HOUSE 26 DE FEBRERO

Uno de los regresos a la televisión más comentados y esperados del año, será Fuller House. En febrero la familia Tanner regresará a su mítica casa en San Francisco gracias a Netflix. Poco es lo que sabemos, pero la mayoría del cast original estará (excepto por las gemelas Olsen).

The night manager

Mike Colter en Jessica Jones

THE NIGHT MANAGER

PRIMAVERA 2016

Si estabas triste por no haber visto hace mucho al Dr. House en la televisión, AMC le pone final a tu dolor. Hugh Laurie será el protagonista de este nuevo drama de la cadena responsable por maravillas como Breaking Bad, Mad Men y The Walking Dead. Laurie interpretará a un hombre de negocios que se involucra en el comercio ilegal de armas, y su contraparte en la serie será nada más y nada menos que Tom Hiddleston.

LUKE CAGE

EN ALGÚN MOMENTO DE 2016

Luego de ser presentado en Jessica Jones, el personaje interpretado por Mike Colter se perfila como otro de los grandes de Marvel. Actualmente en producción, Luke Cage no cuenta con fecha de estreno, pero es sin duda una de las series más esperadas por los fanáticos de la pareja Marvel + Netflix. 59

CINEASTAMAG.COM

ENTREVISTAS

60 Jaie Laplante director del festival de cine de Miami

ENTREVISTAS

JAIE LAPLANTE DIRECTOR DEL FESTIVAL DE CINE DE MIAMI

POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

El interés de Jaie Laplante en el mundo de las películas nunca faltó. Estudió cine en la Universidad York de Toronto, y después de graduarse con una Licenciatura en Bellas Artes, Producción Cinematográfica y de Vídeo, se trasladó a Los Ángeles, donde llegó a conocer la escena del Cine Independiente. Fue protagonista en una película de 1995, “Frisk”, sobre un asesino en serie gay, su única experiencia en la actuación. “Ese no es mi fuerte”, admite Laplante. Y es que sin dudas Jaie no tiene miedo a la hora de tomar riesgos. En el 2001 entra a trabajar en el Miami Gay and Lesbian Film Festival como el operador de los tickets. El festival había acumulado una enorme deuda con algunos patrocinadores, y Laplante pudo negociar dicha deuda. Es así que el festival aun se mantiene en pie. En 2010 toma las riendas del Miami International Film Festival, único festival organizado por un College en todo el país, otro riesgo más que enfrentar. Miami es una ciudad exigente, ya que contiene en ella un sin número de nacionalidades que demandan atención. El reto ahora radicaba en mantener feliz (al menos cinematográficamente hablando), a toda una población que consume arte. Me tomé la libertad de hacerle unas cuantas preguntas de corte profesional y personal. Creo que con sus respuestas, Jaie no solo nos deja ver su amor por el Cine, sino su disciplina en cuanto resultados se refiere.

ENTREVISTAS

“Villegas” película nominada a “Mejor Película Latinoamericana” en el Miami Film Festival 2016

R.P: ¿Donde Naciste? J.L: Nací en Edmonton, Canadá R.P: ¿A que se dedicaban tus padres? J.L: Mi madre era bibliotecaria. Mi padre era el director de un distrito escolar cercano a nuestra ciudad. R.P: ¿Cuál fue el rol más importante que presentaron tus padres durante tu niñez y adolescencia? J.L: Mi madre inspire mi amor por la literatura, lo que más tarde se convertiría en apreciación al arte en general. Mi padre siempre estaba preocupado de que me estuviera aburriendo con lo que me enseñaban en la escuela, así que me motivo a adquirir un hobby en artes visuales, lo cual me hizo comenzar a apreciar las formas, estilos y colores. R.P: ¿Porque te nombraron Jaie? No es un nombre muy común. J.L: Bueno, mis padres se casaron a finales de los años 60, en una época de inconvencionalidad consciente. A mi madre siempre le gusto el nombre “Jay’’, pero siendo una orgullosa francesa-canadiense, le quería dar un toque francés. Así que en conclusión, ella se lo inventó.

CINEASTAMAG.COM

R.P: ¿Cuál es la primera película que recuerdas haber visto? J.L: Se que es cliché, pero la verdad es que la primera película que recuerdo haber visto fue Star Wars. Pase horas en el verano del 1977 soñando con el mundo que esa película había creado.

R.P: Cuéntame como te convertiste en el Director del Festival de Cine de Miami. J.L: Había estado trabajando por varios años en algunos festivales de Miami y New York, y cuando se hizo disponible la posición de director del Festival de Miami, vi una oportunidad para sintetizar mis varios intereses en un solo evento. Así que hable con los coordinadores de la Organización que rige al festival y todos acordamos de que era buena idea intentarlo.

R.P: ¿Es Miami una ciudad diferente en comparación al resto del país? J.L: Miami es totalmente única, y es por eso que la amo. Es como una gran caldera donde hay hispanos de todo el mundo, quienes traen tradiciones culturales únicas de millones de lugares a una sola ciudad, y luego las adaptan a ella. Es una ciudad dinámica que siempre esta cambiando. R.P: ¿Cómo logras dirigir en Festival de Miami sin tener pequeños ataques de ansiedad de vez en cuando? J.L: El secreto está en tener a un gran equipo, y me he pasado los últimos 5 años construyendo y distribuyendo a las personas con las habilidades perfectas para ello. R.P: Siempre se ve lo costoso que puede salir producir una película. ¿Es también costoso producir un Festival? J.L: Si. Lo es. Hay cientos de elementos involucrados al organizar un evento de tan larga escala como lo es el Festival, con sus más de 400 participantes. Recaudar los fondos para cubrir los gastos del mismo es un esfuerzo del año completo. R.P: ¿Has notado alguna evolución significativa en el Festival a través de los años? J.L: El Festival se ha adaptado al cambio climático de las películas desde los años 80 hasta finales del siglo, y en los siguientes 15 años ha seguido evolucionando significativamente más rápido. Creo que la audiencia del Séptimo Arte, en su manera, refleja las tendencias del mundo del cine comercial, y el Festival de manera rápida responde con un formato y programa que mantenga la sorpresa y el descubrimiento de calidad vivos. R.P: ¿Qué crees que es más difícil, organizar el Festival o aguantar las posibles presiones políticas? J.L: ¡Nada es fácil! Con todos los detalles, inevitablemente todo el mundo tienen una opinión diferente sobre la dirección que creen las cosas tienen que tomar. Mantener una consistencia en las estrategias de organización y decisiones políticas, sin perder el estilo, es realmente trabajoso.

CRÍTICAS

Pauline Kael: Critica de cine

R.P: ¿Cómo logras hacer que el Festival luzca como una entidad madura cuando cada año pareciera reinventarse? J.L: Aprendí de mis antepasados. Una sabia mujer de Miami una vez me enseño la importancia de proteger las tradiciones, reconociendo al mismo tiempo la necesidad de crear nuevas tradiciones para generaciones futuras. Es la búsqueda de este balance la que le da al festival su carácter. R.P: He notado un esfuerzo por atraer a una audiencia joven y diversa al Festival. ¿Cuál ha sido tu estrategia para lograr esto? J.L: Cada generación encuentra su estilo de comunicación, y es tarea del Festival encontrar su camino a través de estas conversaciones. Así que no nos limitamos a un estilo de comunicación, y esta diversidad es la que esta atrayendo un amplio rango de la población. R.P: Entre todas las tareas de un Director, ¿también tienes que conseguir patrocinadores para el Festival? J.L: Trabajo con muchas compañías para conseguir su apoyo para nuestros proyectos, y los miembros del equipo del Festival también trabajan por su parte para atraer apoyo de más de 100 socios. R.P: ¿Cuál fue la última película que viste que te impacto, que te dejo sin aliento? J.L: Pienso que “Sicario’’ de Denis Villenueve, fue espectacular. El tomo un tema del cual yo me sentía desesperanzado y lo filmo con su característica vitalidad de manera que te era imposible perder ni un segundo. Lo vi en un teatro lleno y era la primera vez que ni una sola persona ni siquiera pensó en sacar el celular o textear durante la película. Así de intensa fue. R.P: ¿Hay alguna personalidad famosa con la que te gustaría tener una conversación? Puede ser alguien que ya haya fallecido. J.L: Seria Pauline Kael. Su punto de vista sobre una

película formo no solo mi carrera, si no mi manera de enfrentar la vida, desde la edad de 10 años en adelante. Usaría mi tiempo durante toda la conversación con ella en tratar de entender y conocer a la mujer detrás de las palabras. R.P: ¿Qué novedades traes al nuevo Festival del 2016? J.L: Hemos hecho una asociación con Google para enfocarnos en la desigualdad de genero y racial en la industria del cine, que me tiene muy emocionado. Creo que será bien provocativa. R.P: ¿Cuán importante crees que es la critica de cine en la industria contemporánea del Cine? Se que admirabas a Pauline Kael. J.L: El arte existe para ayudarnos a entendernos a nosotros mismos, y la crítica existe para ayudarnos a entender el arte, así que a mi parecer, la crítica es un arte absolutamente esencial. El modelo de negocio contemporáneo de la crítica ha hecho mas difícil a los críticos hacer una profesión de ello, lo cual es lamentable, pero los buenos críticos siempre encuentran como continuar su trabajo. Ellos necesitan hacer críticas tanto como los artistas necesitan hacer películas, y eso lo percibes en la misma crítica. Leer o escuchar sobre una película desde el punto de vista profesional del crítico, es lo mejor que hay luego de ver la película. R.P:¿Hay algún artista en específico que quisieras traer al Festival? J.L: ¡Oh, hay muchos! Me encantaría traer al menos a 1 de cada país al que hemos representado en el evento este año. R.P: ¿Te gusta el cine clásico? Alguna película favorita? J.L: Si, amo el cine clásico. “Notorious”, “Vertigo”, “The Searchers”, “High Noon”, “McCabe & Mrs. Miller”, “Tootsie”. Son películas que puedo ver una y otra vez y se mantienen vivas con mucha pasión en mi.

CINEASTAMAG.COM

ARTICULOS

64Scarlett Johansson interpreta a Charlotte en Lost in Translation

ARTICULOS

10 PELÍCULAS DIRIGIDAS POR MUJERES QUE TODA MUJER DEBE DE VER POR VIOLETA LOCKHART

Desde hace un tiempo las historias contadas por mujeres han llamado mi atención de manera especial, tal vez por la sensibilidad con la que logran acercarse al ser humano y a las relaciones personales y la manera que tratan a los personajes femeninos. En este artículo decidí compartir 10 de mis películas favoritas dirigidas por mujeres, no son todas, tampoco son las mejores, son las que más me han llegado a mí a modo personal.

1-AN EDUCATION (2009) LONE SCHERFIG 1-AN EDUCATION (2009) LONE SCHERFIG Una película que toda mujer debería de ver. Muestra todo el alboroto que causa en la familia iniciar una relación con un buen hombre para los ojos de la sociedad, hasta el punto de considerar como una opción dejar atrás todos los anhelos profesionales, por el fin máximo que significa un matrimonio. Scherfig es conocida también por otras películas como Italian for Beginners y One Day. 2-LAST NIGHT (2010) MASSY TADJEDIN Un filme que transcurre en menos de 24 horas, cuyo personaje principal se reencuentra con un amor del pasado, mientras su esposo está fuera de la ciudad por un compromiso de trabajo acompañado de una compañera muy atractiva. La directora presenta dos puntos de vista de la infidelidad: la física y la mental, contadas de manera paralela desde el punto de vista de cada uno de los que conforman la pareja de casados.

Carey Mulligan y Peter Sarsgaard

2-LAST NIGHT (2010) MASSY TADJEDIN

Keira Knightley y Guillaume Canet

3- OPEN HEARTS (2002) SUSANNE BIER Aunque Bier es mundialmente conocida por In a Better World, por la cual ganó el Oscar a mejor película extranjera en el 2010, preferí resaltar Open Heart, una historia que aprovechando las reglas del Dogma que le proporcionan un auténtico realismo, cuenta como una pareja que está a punto de casarse se separa cuando el chico queda paralítico y la chica se enamora del esposo de la mujer que causó el accidente. Bier es una directora que se especializa en tratar temas que tienen que ver con la familia y retrata en esta película como un affair puede desmoronar este núcleo de la sociedad.

3- OPEN HEARTS (2002) SUSANNE BIER

Sonja Richter y Mads Mikkelsen

4-TAKE THIS WALTZ (2011) SARAH POLLEY Esta historia presenta un personaje femenino que se encuentra atrapado en un matrimonio, y no es hasta que conoce un nuevo amor, que le inyecta chispa y pasión por la vida, que decide dejar lo que tiene para disfrutar. Supera los prejuicios familiares de que las mujeres tienen que quedarse dentro de una relación aunque no sean felices. Polley pasa de la actuación a la dirección con buenas notas con otras películas además de esta como lo son Away from her y Stories we tell.

CINEASTAMAG.COM

5-TE DOY MIS OJOS (2003) ICÍAR BOLLAÍN Una película que retrata la violencia contra la mujer desde el punto de vista de la psicología del maltratador y de la víctima, dejando a un lado el hecho de violencia en sí y concentrándose en las consecuencias que esta tiene en las vidas de los involucrados. Con guión de la misma directora junto a Alicia Luna, presenta una perspectiva en la que claramente hay una visión de género en la construcción de la historia.

4- TAKE THIS WALTZ (2011) SARAH POLLEY

Michelle Williams y Seth Rogen

5- TE DOY MIS OJOS (2003) ICÍAR BOLLAÍN

66 Laia Marull y Luis Tosar

6- STILL THE WATER (2014) NAOMI KAWASE 6- STILL THE WATER (2014) NAOMI KAWASE

Jun Yoshinaga

7- LOST IN TRANSLATION (2003) SOFIA COPPOLA

Scarlett Johansson y Bill Murray

8- LA TETA ASUSTADA (2009) CLAUDIA LLOSA

Magaly Solier y Susi Sánchez

9- GOOD BYE FIRST LOVE (2012) MIA HANSEN LOVE

Sebastian Urzendowsky y Lola Créton

10- JOVEN Y ALOCADA (2012) MARIALY RIVAS

Kawase decide contar en esta película algo tan cercano a toda la humanidad como lo son los ciclos de la vida a través de una adolescente que se está enamorando y que a la vez tiene que enfrentar la muerte de su madre. Lo especial que tiene es la belleza con la que presenta los cierres de estos ciclos a través de imágenes que transmiten espiritualidad y aceptación. 7-LOST IN TRANSLATION (2003) SOFIA COPPOLA Una película que le mereció el Oscar al mejor guión original a su directora, logra transmitir la esencia de los sentimientos que son provocados al encontrarse en un lugar entre tanta gente donde no es posible tener un vínculo de pertenencia, por idioma y cultura. Sin embargo Bob y Charlotte, no solo parecen un poco perdidos en la ciudad de Tokio, sino en la vida en general, y este tipo de sensaciones Coppola logra exponerlas en Lost in Translation de manera magistral. 8- LA TETA ASUSTADA (2009) CLAUDIA LLOSA Llosa cuenta una historia que transmite el temor y la inseguridad de Fausta (Magaly Solier), la protagonista, cuya madre fue violada y según las creencias populares le transmitió este miedo a través de la leche materna, es por esto que se le dificulta establecer contacto con los hombres. La directora aprovecha la hermosa voz de Solier para impregnar de cantos la banda sonora que tiene un papel importante en la película. A este auténtico trabajo del cine latinoamericano se le otorgó el Oso de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Berlín. 9- GOOD BYE FIRST LOVE (2012) MIA H. LOVE La directora Mia Hansen-Løve expone la relación de dos jóvenes que se ve interrumpida por el deseo de el chico de viajar y ver más mundo. La chica sufre mucho hasta que se centra en su carrera de arquitectura y empieza a salir con uno de sus profesores, sin embargo, luego de 8 años se reencuentra con su primer amor y no sabe qué decisión tomar entre el presente y el pasado. Hansen-Løve logra provocar emociones y sentimientos a través de una historia que puede parecer sencilla al tratarse del primer amor, pero la manera en que es presentada y lo que transmite es lo que la hace especial. 10- JOVEN Y ALOCADA (2012) MARIALY RIVAS La ópera prima de Marialy Rivas, directora chilena, causó sensación en Sundance, logrando el premio al mejor guión y no era para menos porque cuenta la historia de Daniela una chica que a través de su blog relata cómo es sometida por su familia y la religión evangélica a suprimir sus deseos sexuales. Lo interesante es la manera en que Rivas utiliza el recurso del blog para hilar toda la película, además de presentar sin tabúes la bisexualidad.

67 Alicia Rodríguez en Joven y Alocada

ARTICULOS ARTÍCULOS

CINDERELLA ‘’Un Cuento de Hadas’’ POR SARAH MÉNDEZ

CINEASTAMAG.COM

¿Qué mujer alguna vez no ha soñado con ser una princesa?, y no cualquier princesa sino la más famosa de los cuentos de Disney: “Cinderella”. Un cuento de hadas que lleva vestidos vaporosos y cristales que te dejan soñando. Así se vió reflejado en el maravilloso trabajo de la tan nominada Sandy Powell en su último film de Cinderella, donde dió cita a la elegancia para hacer realidad el vestuario de una fantasía.

68Lily James es Cinderella en la película dirigida por Kenneth Branagh

CRÍTICAS

ARTÍCULOS

Helena Bonham Carter como el hada madrina

Aunque el cuento es atemporal, Powell estaba apuntando a la apariencia de una película de la década de 1940 donde debía evocar la majestuosa opulencia de un reino de cuento de hadas. No sólo en el vestuario, también en castillos, salones de baile y escaleras gigantescas, Dante Ferretti buscó estilos arquitectónicos de diferentes épocas y lugares, y se basó sobre todo en la Europa de los siglos XVI, XVII y XVIII. Sandy Powell es la diseñadora del vestuario y ganadora de tres Oscars por Shakespeare in Love (1998), The Aviator (2004) y The Young Victoria (2009). La prestigiosa diseñadora de vestuario empezó a trabajar en los looks de los personajes dos años antes del inicio del rodaje. Representa un reto descifrar las visión de tantas cabezas bajo una misma producción y llevar a la vida real la tan aclamada princesa, el príncipe del castillo, la malvada madrasta, sus hermanastras y cada personaje de este cuento bajo un concepto logrando su alquimia, El resultado fue una magnífica explosión de colores y telas que dieron un brillo maravilloso a la historia. “Cinderella fue el personaje más difícil de diseñar, por ser el más icónico”, comenta la diseñadora. “Quise mostrar que el vestido es ligero y sencillo, a pesar de que es enorme. También tenía que lucir bien en movimiento, cuando ella baila y cuando huye, así que utilicé varias capas de las telas más finas que funcionaron muy bien porque parecían flotar”. Para crear a la temible madrastra, Powell se inspiró en un vestido glamoroso pero intimidante que se identificara con este cruel personaje que es uno de los más importantes del cuento, como así también la más esperada hada madrina quien según Powell, “Quería que pareciera que se iluminaba por arte de magia,

El zapato de Cinderella

Cate Blanchet es la madrasta

así que incorporé muchas luces LED que parpadeaban en ciertos momentos”. Casi todos los vestidos y trajes llevan cristales. Swarovski fue la marca protagonista para la creación de los vestuarios tan ostentosos proporcionando más de 1.7 millones de cristales para los atuendos/vestuario, accesorios, joyas, pelucas y maquillaje de todo tipo. “Para mí, los cristales de Swarovski son un ingrediente clave para añadir brillo, profundidad y color a mis trajes. No me podía imaginar diseñar los trajes de Cenicienta sin la inestimable contribución de Swarovski. Su participación agrega los elementos esenciales del glamour y el encanto necesario para dar vida a los personajes de una manera mágica”. Así dijo la diseñadora S. Powell. ZAPATOS

¿Y qué hay sobre el accesorio clave y más famoso de la película? El zapato de cristal fue el reto más grande de todos, ya que este debía ser de cristal a una escala real. Buscaban lograr que fuera deseable y casi de mentira. Swarovski fue la firma encargada de llevar las místicas zapatillas de cristal a la vida real sin perder su esencia. Un equipo de ocho personas trabajó en el desarrollo y creación de los zapatos durante 150 horas aproximadamente en seis versiones diferentes, hasta que se escogió el modelo final. Los deslumbrantes zapatos están tallados en cristal de Swarovski con un tacón de más de 15 cm y con 221 facetas de un revestimiento de cristal azul Aurora Boreal que refleja la luz en toda su magnitud.

Cate Blanchet como la madrasta

El Baile

FASHION CONSULTANT | CREATIVE | FASHION BLOGGER

@AGALLUA â&#x20AC;¢ WWW.AGALLUA.COM

ENTREVISTAS

MUERTE POR MIL CORTES

CINEASTAMAG.COM

ENTREVISTA JAKE KHEEL/ CO-DIRECTOR Y PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL “MUERTE POR MIL CORTES (DEATH BY A THOUSAND CUTS)”.

CINEASTA: ¿Cómo y cuando surge la idea de filmar este documental?

se requiere de mucha creatividad y el cine es una herramienta muy eficaz.

JAKE KHEEL: Mi pasión, hecha carrera, es la protección ambiental. En el 2001, siendo aún estudiante de posgrado de la Universidad de Cornell, realice mi tesis de maestría en el impacto de la deforestación en las altas montañas de la zona fronteriza de la Sierra de Bahoruco. Esa experiencia académica sembró en mí una inquietud y preocupación por esa zona del país y el riesgo de perder uno de los hábitats de mayor importancia ecológica en el Caribe.

C: ¿Cómo te relacionas tú con su co-director Juan Mejía Botero y con su productor Ben Selkow? ¿Cuándo se integran ellos al proyecto?

En el 2011 desarrollé una propuesta para una beca Fullbright. La propuesta documentaba la deforestación en las altas montañas de la Sierra de Bahoruco y la producción ilegal de carbón. Aunque hasta ese momento no había pensado producir una película, la investigación inicial que realice (que no fue aceptado por Fullbright), sirvió como base para lo que inicialmente concebí como un estudio académico. Sin embargo, he entendido para llegar a públicos diversos, concientizar y llamar la atención sobre los retos e importancia de protección ambiental,

J.K: Ben Selkow es un director veterano de documentales sociales, a quien conozco desde hace décadas en la época en que fuimos compañeros universitarios. En una ocasión le mencione casualmente mi interés en la zona fronteriza del país y la situación única de la Española; una isla compartida por dos países con historias y culturas muy distintas. Un caso que invita a estudiar como las consecuencias de la gestión de los recursos naturales y la desigualdad económica pueden impactar la trayectoria de un país. Iniciamos este proyecto con la firme creencia de que los desafíos que enfrenta la isla, podrían servir como advertencia a muchos países, más allá de la Republica Dominicana y Haití.

Hace 5 años Ben y yo nos embarcamos en una misión exploratoria, cubriendo casi 650 kilómetros de caminos y carreteras, atravesando toda la Sierra de Bahoruco.

ENTREVISTAS

Realizamos docenas de entrevistas a guarda parques dominicanos y a campesinos migrantes de Haití para ver de primera mano el rápido avance de la deforestación en las alturas de las montañas y explorar el tema para una película documental. En algunos puntos del recorrido, sentimos incluso el olor del humo de los hornos de carbón por la ventana abierta del vehículo. Ben me convenció que el cine, y sobre todo una historia bien contada, podrían servir como un vehículo poderoso para crear un cambio positivo. Nuestro co-director, Juan Mejía Botero, se integró al equipo en el 2012, tras más de una década trabajando en América Latina, documentando temas de desplazamiento forzado y derechos territoriales. Juan, quien nunca había visitado Republica Dominicana, se llevó una fuerte impresión al presenciar las crecientes tensiones alrededor de los recursos naturales en La Española.

J.K: Desde los inicios del proyecto supimos que la

narración y la cinematografía serían cruciales para producir una película eficaz del medio ambiente. Nuestro lema fue “trabajar desde lo personal hasta la polémica”. Queríamos evitar decirle a la audiencia qué pensar. Preferimos guiarlos a través de un viaje visualmente atractivo y cautivador, presentando los complejos desafíos sociales y ambientales y permitirles llegar a sus propias conclusiones.

C: Háblanos un poco de la pre producción de este documental. ¿Cómo surge la idea de entrelazar temas como la investigación de un asesinato, el conflicto con el carbón y su influencia en el medio ambiente, la situación política y los problemas raciales entre Haití y República Dominicana?

ENTREVISTAS

Fue obvio que más allá de una historia ambiental, el impacto de estas tensiones era verdaderamente humano y lo presentamos a través del asesinato del guarda parques Melaneo Vargas. El asesinato supuestamente fue perpetrado por un productor de carbón haitiano, y el desenvolvimiento del hecho presenta un conflicto mayor que yace entre ambos países. La película trata además otros temas subyacentes, complejos y entrelazados de la desigualdad económica, la historia política y problemáticas de raza.

nivel de confianza y simpatía con esas personas que nos permitió entrar y conocer sus vidas, sus pensamientos y sus inquietudes, además de sus familias. Muchas de esas personas del campo son sencillas y pocas veces tienen la oportunidad de expresarse y compartir sus experiencias de vida. Pero ganar esa confianza de alguien es un proceso que toma tiempo, perseverancia y paciencia.

C: ¿Cómo fue el proceso de filmación?

J.K: Nuestro compromiso fue lograr una visión

¿Entendemos no debió haber sido una tarea fácil, por las zonas geográficas que comprendieron durante su recorrido?

J.K: El equipo de producción estaba integrado por cuatro personas: los co-directores Jake y Juan, el director de fotografía Juan Carlos Castañeda y el productor de campo Juan Yepes. Trabajamos las pistas y grabamos en locaciones remotas a lo largo de la frontera utilizando camiones, motocicletas, barcos motorizados, veleros improvisados y helicóptero, siguiendo la ruta del carbón y descubriendo qué impulsa lo que se ha convertido en una industria muy importante y lucrativa pero sumamente destructiva. Tras arduos y largos días de filmación transcribimos nuestras notas y enviamos fotos del trabajo y Ben nos ayudó a monitorear los acontecimientos de la historia.

Nuestra búsqueda de información sobre el asesinato de Melaneo nos llevó a cruzar la frontera desde la República Dominicana a Haití y de vuelta en múltiples ocasiones. A veces sólo nos acompañaban guías locales y una caravana de mulas para cargar nuestros equipos. Queríamos pistas sobre el asesinato de Melaneo y la oportunidad de escuchar la versión del crimen directamente del supuesto asesino, Pablo Tipal.

CINEASTAMAG.COM

C: ¿Qué tan fácil o difícil fue adentrarse en ese mundo que vivimos a través de este proyecto? ¿Cómo fue la apertura de los principales personajes que intervienen en el mismo?

J.K: Nuestra experiencia con los personajes de la película ha sido uno de los aspectos más impactantes y gratificantes de toda la filmación. A través de cuatro años de rodaje, ganamos un

C: ¿No temieron en algún momento que pudiesen

haber sido ustedes víctimas de esta investigación? balanceada del conflicto entre Haití y República Dominicana, pero también del asesinato de Melaneo. Por eso queríamos pistas sobre el asesinato y buscamos la oportunidad de escuchar la versión del crimen directamente del supuesto asesino, Pablo Tipal. Y aunque encontrar a Tipal no fue la meta de nuestra investigación, a veces, nos daba la impresión de que él nos estaba observando desde las lomas que nos rodeaban. Incluso, nuestros contactos en la frontera nos expresaron en varias ocasiones que él estaba cerca, vigilándonos. Esta sensación se amplificó por el misticismo que permea toda la zona fronteriza de la República Dominicana y Haití. Fue en esos momentos, durante semanas enteras en el campo, que nos sentimos un poco de trepidación. Sin embargo, tuvimos un nivel de apoyo y confianza de todos los colaboradores del proyecto, dominicanos y haitianos, que raras veces nos sentimos en peligro.

C: ¿Qué tiempo duró encompletarse este

proyecto?

J.K: Ben y yo realizamos el primer viaje

exploratorio en el 2011. Aunque hemos completado la película en sí, consideramos que la promoción de la película y producir un cambio positivo a través de la película, nos dictará cuando se complete el proyecto. El documental afirma claramente que no solo los haitianos son culpables de la deforestación de esta Zona, también acusa a los propios dominicanos quienes exportan el carbón como un “lujo” con la autorización de autoridades locales.

C: ¿Cuáles han sido las reacciones en relación a esta declaración?

ENTREVISTAS

J.K: En julio, tuve la oportunidad de presentar

algunos de los hallazgos de Muerte Por Mil Cortes en el almuerzo de la Cámara Americana de Comercio y hacer un llamado de atención al sector privado para enfrentar esa preocupante realidad. Más que una “denuncia,” mi discurso fue una presentación informativa de datos y tendencias arduamente documentada en el campo con fotografía y grabaciones cinematográficas, respaldado por estudios de reconocidos expertos. La reacción del público en general fue de sorpresa e indignación. El público no está consciente de lo que está pasando en sus áreas protegidas, sus bosques o que gran parte del daño lo hacen los mismos dominicanos. Desde la charla de AMCHAM recibimos mucho apoyo del sector

privado y la sociedad civil en general. Propusimos la creación de un movimiento participativo entre la sociedad dominicana y el sector público para buscar soluciones y enfrentar este problema antes de que se agrave aún más. Continuaremos promoviendo el tema para que la sociedad dominicana se empodere de la situación y exija la protección de sus bosques. C: En tu sentir, cuál es el futuro de la frontera

Dominico-Haitiana y del país en general, de no tomarse acciones al respecto con nuestros bosques?

J.K:

Las consecuencias de continuar deforestando la isla de La Hispaniola son significativas. Haití, clasificado como uno de los

ENTREVISTAS

países más vulnerables al cambio climático, es cada vez más susceptible a una variedad de impactos ambientales, incluyendo inundaciones, sequia, huracanes, terremotos, y derrumbes. Cada día más, esa vulnerabilidad amenaza con extenderse hacia su vecino más cercano, la Republica Dominicana. Por las razones expuestas, está en el mejor interés de ambos países buscar una solución binacional a la problemática de la deforestación y el tráfico ilegal del carbón. Las ramificaciones ambientales del problema son claras: falta de agua, pérdida de suelos productivos, extinción de riqueza biológica y eventualmente pobreza tanta ecológica como económica. C: ¿Cuáles son tus opiniones sobre cómo debería manejarse la producción del carbón en nuestro país?

CINEASTAMAG.COM

J.K: Es posible tener una producción razonable y

sostenible de productos maderables, tal como biomasa, madera y hasta carbón, siempre y cuando se cuente con la infraestructura, recursos y voluntad de regular y monitorear esa producción. En el caso particular de la producción de carbón en República Dominicana y el Ministerio de Medioambiente, nuestra experiencia en el campo ha demostrado que la autorización y otorgamiento de permisos ambientales expedidos han generado una demanda mayor a la capacidad actual de supervisión por parte del Ministerio. Los

planes de manejo forestal requieren conocimiento técnico, monitoreo programado y supervisión para garantizar que los productos forestales (sea carbón, maderables u otros) no provengan de fuentes ilegales, no dañan el hábitat de especies importantes o en peligro de extinción y que no se entre en áreas protegidas. Por falta de recursos económicos, los oficiales regionales del Ministerio carecen de equipos de trabajo, combustible, vehículos y personal suficiente. Son estos mismos oficiales regionales, quienes deben de patrullar para evitar la producción ilegal de carbón y además supervisar la producción de carbón autorizado por el mismo Ministerio. Actualmente, no está funcionando. C: ¿Qué mensaje desean se lleve el público al ver este documental? J.K: Aunque no es demasiado tarde para salvar

importantes hábitats en toda la isla, revertir la situación requerirá de un enfoque comprensivo y un plan de trabajo a largo plazo. La aplicación agresiva de control de bosques y la sustitución de carbón vegetal por alternativas de carbón “ecológico”, como solución única, no es suficiente. Mientras exista tanta demanda por el carbón vegetal y la pobreza de las comunidades rurales a ambos lados de la isla sea tan aguda, persistirá el riesgo. La solución comprensiva

ENTREVISTAS

requiere un enfoque colaborativo Dominico-Haitiano que reconozca que la deforestación continua tendrá consecuencias desastrosas para ambos países. Nuestra esperanza es despertar la conciencia sobre eso riesgo y empoderar a los ciudadanos haitianos y dominicanos para juntos buscar soluciones. C: En lo personal. ¿Cómo te impacto toda esta travesía? J.K: Me siento muy afortunado de encontrarme en la posición de poder embarcarme en proyectos personales como esta película y contar con el apoyo de tantas instituciones e individuos, a quienes les estoy profundamente agradecido. Muy en especial al Grupo Puntacana, donde he trabajado esta última década, por el respaldo que me ha ofrecido durante todo el trayecto, a pesar de lo controversial que puede tornarse el tema en ocasiones y a la Fundación Propagas por su enorme apoyo al proyecto y a mi persona. También me siento dichoso de haber colaborado con un equipo de producción tan talentoso y dedicado,

que ofrecieron más de su tiempo y energía del que hubiese imaginado y por encima de lo que pudimos compensarlos. C: Háblanos de la participación de este proyecto fuera

del país. ¿Cuál ha sido su exposición y acogida además de los planes futuros que tienen con el mismo? J.K: Nos honra poder participar en una docena de reconocidos festivales internacionales como el de Toronto, Nueva York, Seattle, Boston, Florida, New Orleans, Washington DC, Milwaukee, México, Colombia, Inglaterra, Haití y República Dominicana, entre otros. Recibimos el galardón a la mejor película documental en el Festival Internacional de Cine de Seattle. También hemos realizado presentaciones en privado con distintas fundaciones, gobiernos y grupos corporativos. De cara al futuro, Muerte Por Mil Cortes tendrá su estreno en televisión en el canal Univisión y eventualmente estará disponible vía Streaming en Itunes y otros medios. 77

CINEASTAMAG.COM ENTREVISTAS

ENTREVISTAS

PALACIO DEL CINE INAUGURA SU NUEVA SALA 7 NOTA DE PRENSA

Con el propósito de llevar a nuestro público a vivir nuevas experiencias nace SALA 7, un espacio donde los amantes del séptimo arte podrán darse cita con grandes clásicos del cine y a la vez disfrutar de las mejores producciones de cine independiente de todas las latitudes. SALA 7 permitirá a todos los cinéfilos revivir la experiencia de ver en pantalla grande y en calidad óptima, las grandes historias que se han inmortalizado en el celuloide. De igual manera el público podrá vivir cintas de corte independiente del cine contemporáneo. Palacio del Cine Blue Mall se convierte en el primer teatro de nuestra cadena en ofrecer a todos nuestros invitados este nuevo concepto. Para dejar formalmente inaugurada SALA 7 se seleccionó una de las películas más emblemáticas de todos los tiempos: “Ciudadano Kane”, la obra de Orson Welles de 1941 que celebra su aniversario número 75 en este año y es una de las piezas de referencia obligatoria cuando de cine se trata. La importancia de “Ciudadano Kane” es innegable y sus aportes al lenguaje cinematográfico fueron determinantes para la evolución del cine. Como todas las obras maestras, la opera prima de Welles ha mantenido su vigencia sin importar el paso de los años. Consideramos que este filme recoge de manera perfecta la esencia de lo que es SALA 7. “Ciudadano Kane” fue premiada con un Oscar en el renglón de mejor guion original y a su vez recibió otras 7 nominaciones.

CARTELERA 2016

PALACIO DEL CINE

CITIZEN KANE (1941)

DEMOLITION (2015)

MAGGIE’S PLAN (2015)

CHINATOWN (1974)

Fecha de estreno: 18 de agosto Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 1 de septiembre Tipo de cine: Independiente

Fecha de estreno: 15 de Septiembre Tipo de cine: Independiente

Fecha de estreno: 29 de Septiembre Tipo de cine: Clásico

THE GODFATHER (1972) Fecha de estreno: 13 de Octubre Tipo de cine: Clásico

THE MEDDLER (2015)

ROSEMARY’S BABY (1968)

MILES AHEAD (2015)

Fecha de estreno: 17 de Noviembre Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 8 de Diciembre Tipo de cine: Independiente

MANCHESTER BY THE SEA (2016)

Fecha de estreno: 3 de Noviembre Tipo de cine: Independiente

Fecha de estreno: 29 de diciembre Tipo de cine: Independiente

CINEASTAMAG.COM

CARTELERA 2017

BREAKFAST AT TIFFANY’S

ELLE (2016)

THE RED TURTLE

AMERICAN BEAUTY

FOOTLOSE

Fecha de estreno: 16 de febrero Tipo de cine: Independiente

Fecha de estreno: 2 de marzo Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 12 de enero Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 2 de febrero Tipo de cine: Independiente

Fecha de estreno: 2 de marzo Tipo de cine: Clásico

CARTELERA 2017

PALACIO DEL CINE

CASINO

PSYCHO

Fecha de estreno: 30 de Marzo Tipo de cine: Clásico

REAR WINDOW

FORREST GUMP

THE SEARCHERS

Fecha de estreno: 13 de abril Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 27 de Abril Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 11 de mayo Tipo de cine: Clásico

SCARFACE

SAVING PRIVATE RYAN

TOP GUN

THE THE NEVER UNTOUCHABLES ENDING STORY

Fecha de estreno: 25 de mayo Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 8 de junio Tipo de cine: Clásico

THE SHAWSHANK REDEMPTION

E.T

Fecha de estreno: 3 de agosto Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 22 de junio Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 6 de junio Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 20 de julio Tipo de cine: Clásico

Fecha de estreno: 17 de agosto Tipo de cine: Clásico 81

SALA 7 CRÍTICAS CINE CLÁSICO

Jerry Thompson en Citizen Kane

CITIZEN KANE (1941)

CINEASTAMAG.COM

POR HUGO PAGÁN SOTO

No importa cuántas veces vuelva a ver Citizen Kane, siempre será como la primera vez. Los científicos han estado obsesionados desde siempre con los viajes en el tiempo, pero un joven llamado Orson Welles descubrió esa fórmula hace ya varios años. La nave tenía forma de celuloide y para emprender su viaje sólo necesitaba la luz de un proyector. De esa forma y a la velocidad de la luz, Welles encontró la manera de trascender el tiempo y el espacio sin necesidad de grandes fórmulas físicas. Con una película, un joven cineasta que se aventuraba al mundo del cine por vez primera, consiguió que el pasar de los años no fuera un sinónimo de envejecer. Para nuestro “Ciudadano Kane” el tiempo es un aliado que le ha ayudado a sentar raíces cada vez más profundas. La primera vez que me topé con Kane debía tener unos dieciséis años y a partir de ahí los encuentros se hicieron recurrentes. Pero como suele suceder a veces nos distanciamos y ya había pasado un buen tiempo desde mi último encuentro con el nombrado ciudadano, las cosas se dieron de tal forma que mi re-encuentro vino de la mejor manera posible. Sucedió algo que en nuestros días parece estar en extinción, pude ver a Citizen Kane en pantalla grande en su formato original para cine. Los medios alternativos han empujado a los consumidores de cine fuera de las salas y hacía las pantallas en los formatos más variados. Si pasa con las cintas de actualidad ya podrán imaginar que será de aquellas que pertenecen a otra época.

Pero regresando a mi encuentro con Charles Foster Kane, debo decir que sin lugar a dudas este filme tiene todos los argumentos necesarios para que cualquiera pueda nombrarlo como el más grande en la historia del cine. La grandeza de esta ópera prima se encuentra tanto en su forma como en su fondo. Argumentos técnicos sobran y bastaría con hablar de Gregg Toland y su trabajo como director de fotografía, pero si nos vamos sobre su estructura el guión de Herman J. Mankiewicz es perfecto. Y qué decir de su elenco con un Orson Welles encabezando la tropa y marcando el paso. ROSEBUD La palabra que pone todo el engranaje en marcha se convierte en la pieza perdida de un rompecabezas, como diría el personaje de Jerry Thompson (William Alland). Rosebud se convierte en la obsesión de un grupo de periodistas que intentan reconstruir la vida de uno de los personajes más enigmáticos cifrando todas sus esperanzas en que el significado de la misma pondrá todo en su lugar. Pero esa palabra representa una parte tan importante de la vida de Kane que es imposible plasmarla en un artículo o descifrarla escudriñando escenas aleatorias de su pasado. Ni todo el oro y el lujo de “Xanadu” pudo sustituir a un viejo trineo que se convirtió en el ancla con un pasado perdido y con una niñez truncada.

SALA SALA 7 7

Jack Nicholson y Faye Dunaway en Chinatown

CHINATOWN (1974) POR HUGO PAGÁN SOTO

Definitivamente Gardel nunca estuvo preso, ¿por qué se le ocurra venir con eso de que veinte años no es nada?… A “Chinatown” de Roman Polanski le han pasado por encima más de cuatro décadas y eso es el doble de los que el popular argentino refería como poca cosa. En el caso del cine los años sí pesan y pesan mucho. El tiempo se convierte en el más exigente de los críticos y puede hacer o destruir cualquier obra que se someta a su prueba. Les puedo asegurar que el reloj puede seguir caminando y el estatus de este filme permanecerá invariable. Tal vez es la estabilidad del triángulo que conforman Robert Towne en el guión, Polanski en la dirección y el viejo (bueno en ese momento no tanto) Jack Nicholson encabezando el elenco. Sin dudas esos tres pilares hacen de esta película una obra excepcional del cine. Como todas las cosas grandes e importantes desde antes de que se gesten ya hay una historia que las precede. Con Chinatown podemos encontrar muchas, desde las peleas en el set entre Nicholson y Polanski hasta la historia de cómo el guionista Robert Towne rechazó una oferta de cientos de miles de dólares para realizar una adaptación de “El Gran Gatsby” y prefirió aceptar una suma muy inferior para escribir su propia historia. Pues así nació esta obra que hoy valoramos como un clásico del cine. Siempre que tengo que escribir sobre una película que tiene aroma de film noir me viene a la mente el nombre de un amigo y devoto cinéfilo, sé que los que se han topado con algunos de mis artículos deben conocerle y me refiero a Oliver Oller. Con él me adentré en un género del cual sólo conocía la superficie y tal vez les canso con toda está cháchara con el sólo objetivo de buscar un punto de apoyo para contarles como el director le tomó prestado muchos de los elementos al muy mencionado cine negro. Eso es Chinatown, cine negro al estilo de Roman Polanski y Robert Towne. Como suele suceder con las historias de detectives, siempre llega un caso que parece simple pero que

resulta ser más complicado que salir por las calles de Santo Domingo en un día lluvioso. El investigador de turno es J.J. Gittes y el caso del día una sospecha de adulterio, todo parece estar en orden en el paraíso, otro caso rutinario y dinero fácil para Gittes y sus colegas. Pero las cosas se complican cuando se suma la que se convertirá en la femme fatale de crónica, Evelyn Mulwray que está caracterizada por una impecable Faye Dunaway. Es con ella, como si de la misma caja de pandora se tratara, que llegan todas las desventuras de Gittes. Pronto nuestro querido detective se encuentra literalmente con el agua al cuello y por favor les pido que me crean cuando digo que es literal lo del agua. Pues si hasta aquí todo parece muy normal y se pregunta que por qué tanto cacareo con una historia que ya han visto un millón de veces les digo que tendrán que averígualo por ustedes mismos. Polanski utiliza como vehículo los convencionalismos del cine negro para narrar su historia que en el fondo es más que un thriller criminal. El drama toma el escenario y es en esa línea donde los personajes marcan su paso. La aventura y la intriga siempre están latentes, pero la fuerza dramática de la historia siempre se impone y hace que conectemos con cada uno de los personajes de los cuales podemos ver distintas capas. Casi sin darnos cuenta, pasamos de una historia policíaca a un intenso e intrincado drama familiar. Como en toda buena historia, la figura del antagonista se engrandece y llega en la forma de Noah Cross interpretado por John Huston, si ese mismo el del famoso Halcón y el Tesoro y también de la famosa Reina Africana. En esta corrida a Huston le toca pararse frente a las cámaras y ofrecerle al público un villano con todas las de la ley. Chinatown es más que un lugar, vemos al personaje transfigurarse en más de una ocasión cuando escucha esa palabra. Es la metáfora de todo lo que nos limita, lo imposible, lo inevitable, lo que Jake quiere cambiar pero no puede. En pocas palabras es… olvídenlo es Chinatown. 83

CINEASTAMAG.COM

CRÍTICAS SALA 7

84 Mia Farrow en Rosemary’s Baby. Fuente: Google Images

SALA 7

ROSEMARY’S BABY POR BRANDO HIDALGO

Una pareja de recién casados, Rosemary (Mia Farrow) y su esposo Guy Woodhouse ( John Cassavettes) se instalan en su nuevo apartamento en Manhattan frente al Central Park. Al poco tiempo ella quedará embarazada y será testigo de una serie de extraños eventos que la harán sospechar que algo tenebroso ronda su ambiente familiar y a sus excéntricos vecinos. Relato gótico en torno a las prácticas de la brujería y el ocultismo, en un estremecedor filme de terror psicológico logrado con maestría a través de la creación de un ambiente asfixiante y perturbador. La interpretación de Mia Farrow es fuera de serie. Logra transmitir su desesperación y su estado de angustia ante lo que la amenaza -pero no logra identificar claramente- de suerte que el miedo que siente se traspasa con igual intensidad al espectador. Polanski, agnóstico confeso, juega con la realidad y la ficción al presentar a Satanás como encarnación del mal sólo en los sueños de la protagonista. El cineasta polaco consigue también excelentes actuaciones de todos sus intérpretes secundarios, en particular de Ralph Bellamy y de Ruth Gordon (que ganara el Oscar ese año como actriz de reparto). Roman Polanski contaba en su biografía que ésta fue la mejor época de su vida. A los 35 años ya era considerado un brillante realizador en todo el mundo por sus trabajos en “The Knife in the Water” (1961), “Repulsion” (1965) y “Cul-De-Sac”(1966). Además

disfrutaba de su boda con Sharon Tate (a la que había conocido y dirigido en “The Fearless Vampire Killers”). Paradójicamente, como si se tratara de una premonición la atmósfera macabra que acababa de plasmar en la pantalla con su film, apenas un año después de su estreno, el mundo se estremecería con el brutal asesinato de Sharon Tate y sus amigos por el clan Manson en agosto del 68 en medio de un ritual satánico. Rodada entre la exitosa parodia “The Fearless Vampire Killers” (1967) y “Macbeth” (1971), Polanski lograría simultáneamente un éxito sin precedentes de público y crítica con la adaptación de la novela homónima recién publicada del norteamericano Ira Levin (1929-2007).t De Levin se había llevado al cine previamente “A Kiss before Dying” (1956), con Robert Wagner, Joanne Woodward y Mary Astor. Posteriormente también serían adaptadas sus novelas “The Stepford Wives” (1972), “The Boys from Brazil(1976), “Sliver”(1991) así como su pieza teatral ‘Deathtrap’ llevada al cine por Sidney Lumet. Dirección: Roman Polanski, 1968 Guión: : Roman Polanski, según la novela de Ira Levin Fotografía: William A. Fraker Música: Krzysztof Komeda Producción: William Castle para Paramount Pictures Intérpretes: Mia Farrow, John Cassavettes, Ruth Gordon, Ralph Bellamy, Elisha Cook Jr.y Charles Grodin

DESPEDIDA

ÁNGEL POR ARMANDO ALMÁNZAR

A decir verdad, no estoy en posición de saber, en estos momentos, si Ángel Haché es un ángel en algún lugar del Paraíso, en caso de que existiera en algún impreciso lugar tan resobado lugar. Tampoco voy a ser de aquellos que, cuando muere alguien importante (aunque no valiera un pepino, porque lo de importancia no confiere calidad humana), siempre saltan exhibicionistas a cantar los por el desaparecido vendiéndose como su “mejor amigo”. Yo no fui amigo íntimo de Ángel Haché, le conocí a través de, sí un mejor amigo, Arturo Rodríguez. Pero, desde que le conocí y fui conociendo de su calidad humana pude poco a poco darme cuenta de que no era uno de tantos. Mi amigo (no íntimo) Ángel, era un ser de convicciones, de una cierta reciedumbre que no reflejaba su estatura ni su expresión, pero sí su devenir entre nosotros. En lo que hacía, era bueno, y no transigía con nadie en su forma de pensar. Por desgracia para mí, como para tantos otros que al parecer estamos condenados a vivir muchos años, lo hemos perdido, como perdimos a Arturo, como perdimos a Humberto. Como hemos perdido a tantos seres valiosos que deberían perdurar, como por desgracia duran (y molestan en el medio) tantos pelafustanes. No sé si te encontraré alguna vez, Ángel, pero, donde estés, ojalá estés mejor lejos de las intrigas y necedades de nuestra “sociedad”.

CINEASTAMAG.COM

Armando Almánzar R.

Ángel Haché

IN MEMORIAM

ESCRITO MUY PERSONAL SOBRE MI TIO

ÁNGEL HACHÉ In Memoriam

POR PABLO MUSTONEN

CINEASTAMAG.COM

Hay días en que todavía pienso que mi tío no se ha ido y que está aquí presente con nosotros. Hay también días en los que ya sabiendo la realidad me encantaría tenerlo cerca para oír su opinión sobre alguna película (algún clásico preferiblemente), y sobre las grandes actuaciones del mundo del cine. Creo que todavía se lo puedo consultar, porque lo conocía tanto que rara vez me equivocaba sobre su percepción de este gran arte que él me enseñó a apreciar con tanto amor, entusiasmo, dedicación y perseverancia.

Porque ese era mi tío al momento de hablar de cine y teatro, o arte en general. El era amor, entusiasmo, dedicación y perseverancia. Perdón que lo repita de nuevo, pero es que era así. Con él aprendí que el cine era un arte, claro, un arte que tiene que rendir sus frutos económicos, pero que por encima de todo era arte. Las cosas hay que hacerlas bien, sino no se hacen.

Ángel Haché

IN MEMORIAM

Desde que yo era pequeño él me llevaba al cine y lo hacía con amor y entusiasmo. Quería que yo apreciara el arte que él tanto amó. Y así fue tío, gracias a ti conocí el verdadero significado del cine. Gracias a ti fue que pude saber que la película que vi una noche en Telecable se llamaba La Naranja Mecánica y que fue dirigida por unos de tus directores favoritos, Stanley Kubrick. Gracias a ti conocí a los más grandes directores de la historia del cine y las más grandes películas de la historia.

tío en el día a día y verlo inmerso en un personaje, eran dos cosas sumamente diferentes. Aunque a veces era fuerte de carácter, como su nombre, era un ángel, de personalidad sencilla e incluso hasta tímido a veces. Cuando veía la transformación que hacía para sus papeles en obras de teatro o en películas, es como si viera a otra persona. A veces me asustaba de cómo podía transformarse tan rápido. Creo que él, como dijo mi primo Jorge Haché en la funeraria en su bello discurso, era el Mejor Actor del Mundo.

Junto con mi tía, su esposa Elsa Núñez, me enseñaron a amar el arte en general. Me vienen a la memoria las innumerables veces en las que iba a casa de ellos a ver el avance de sus pinturas y cuando ya estaban terminadas. Disfrutaba más eso que quizás ir a jugar. Disfrutaba de su compañía. Porque así como mi tía, tío Ángel era increíble pintor.

Siempre he pensado que él hubiese triunfado en España si se hubiera quedado allá, pero sus ganas de volver a su país y de hacer buen arte aquí, hicieron que regresara y luchara por sus ideales. Y así lo fue, desde que llegó al país fundó Casa de Teatro junto a mi tío de cariño, Freddy Ginebra.

Recuerdo cuando sus exposiciones de homenaje al cine tanto en blanco y negro como a color, ir a su casa todos los días a ver lo nuevo que había pintado y el avance que había hecho con las mismas, era una parada obligatoria. Gracias al destino fuimos vecinos casi toda su vida y tío Ángel me iba develando sus grandiosas obras una por una. Me enseñaba las revistas Fotogramas de dónde sacaba las fotos para pintar los cuadros, y no porque era mi familia, pero los cuadros a veces eran mejores que las mismas fotos. Tenía un talento excepcional.

CINEASTAMAG.COM

Actor, productor, director, crítico, pintor, hermano, hijo, esposo, en todo, era un 10/10.

Mi estima hacia él como tío era como la que le tengo a mis padres. De hecho lo considero mi segundo papá. Es que compartimos tantas cosas y teníamos los mismos gustos que mis padres se reían y decían que yo parecía más hijo de él que de ellos. Como actor estudió en España junto a William Layton quien le enseñó actuación bajo el método de Stanislavski. Debo confesar algo, tratar a mi

Asistí a la mayoría de sus obras de teatro y siempre quedaba con ganas de verlo más tiempo en escena. De nuevo, era increíble ver lo fácil con que se transformaba en su personaje. Cuando salía de la obra, era esa persona sencilla, cariñosa y tímida de nuevo. También le agradezco haberme apoyado grandemente en mi revista Cineasta. Desde sus inicios, fue un fiel colaborador y le encantaba escribir sobre historia del cine. Siempre me apoyaba a seguir adelante con ella, pese a las dificultades y tropiezos, y era además un ferviente seguidor de la misma. De hecho, aún conservamos parte de los artículos que dejó, y que seguiremos publicando en su memoria. En cuanto a cine, el año antepasado, tuve el placer de producir Suplicio del director Bladimir Abud, donde mi tío tiene un papel muy importante. Antes de morir pudo verla y la disfrutó muchísimo. De hecho, y al contrario de lo que normalmente le pasaba que no le gustaba verse en una película porque siempre se encontraba errores, en esta dijo que le gustó su participación y que estaba muy orgulloso de su papel.

Ángel Haché

Nos veíamos más de tres veces por semana, ya que siempre en la hora de almuerzo venía a mi casa y ahí nos poníamos al día con todo o simplemente hablábamos de cine. Era un ritual que realmente apreciaba, compartir con él era una experiencia nueva todos los días. En los pasados meses y por razón de compromisos de trabajo, casi no podíamos compartir y me lo reprocho. Por más trabajo que tengamos saquemos tiempo para nuestras personas queridas y cercanas. Después lo lamentaremos.

Tío Ángel, solo quiero decirte que te amo para siempre, y quiero darte las gracias por adentrarme en tu mundo, al igual que tu he entendido que no es fácil hacer arte. Luchaste toda tu vida por esto y por hacerlo bien. Seguiré tu camino. Soy el sobrino más dichoso del mundo.

CINEASTAMAG.COM IN MEMORIAM