Año 4 vol. 34 Agosto-Septiembre de 2015. Santo Domingo. República Dominicana
Entrevistas al elenco y equipo
Entrevistas exclusivas desde Hollywood:
Sophia Loren Juanes
Entrevista al director
José María Cabral
“Detective Willy”
Especial
La Década de los 80 y su Cultura Pop
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i n d i c e
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Críticas The Shining La Gunguna o la Odisea en Colmadón Winter Sleep Force Majeure Inside Out
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Noticias Cortos a participar VI Festival de Cine Fine Arts 2015
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Artículos Festival de Cine de Cannes: Detrás de Cámara Madres Contra Viento y Marea La Década de los 80 y su Cultura Pop Más Allá del Realismo El Cine a la Séptima Potencia
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El Detective Willy de José María Cabral 10 Entrevistas al Elenco y Equipo de La Gunguna Vlad Sosa, Gerardo Mercedes, Teo Terrero Mario Nuñez, Miguel Martínez, Jalsen Santana Miguel Yarull, Rafi Mercado, Ernesto Alemany, Juan Basanta, Patricia Ascuasiati, Nashla Bogart, Panky Saviñon
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El Hombre que hizo reír a Drácula; Entrevista a Francisco Valdez
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Entrevistas Hollywood
Entrevista local
Artículos y Críticas
19 Entrevistas al Elenco y Equipo de La Gunguna
Juanes 16 Sophia Loren 24 Matthew McConaughey
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Cine en Casa 44 La bicicleta verde The Angel’s Share, de Ken Loach Prisoners, no hay otra palabra: ¡formidable!
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e d i t o r
i a l
Cuando
le dedicas amor y pasión a tus proyectos, normalmente rinden frutos. En una economía tan inestable como la actual, sostener un medio no social como Cineasta, no es tarea fácil. No obstante, hace 4 meses vimos nacer nuestra página de internet, www.cineastamag.com, nuestro tercer medio en tan sólo 4 años. Cineasta Radio sigue creciendo en oyentes y la revista mantiene sus seguidores. Agradecemos a nuestros patrocinadores que se han mantenido desde el primer día apoyándonos.
AÑO 4 VOL. 34 AGOSTO-SEPTIEMBRE DE 2015. SANTO DOMINGO. REPÚBLICA DOMINICANA
Entrevistas al elenco y equipo
Entrevistas exclusivas desde Hollywood:
Sophia Loren Juanes
Entrevista al director
José María Cabral
“Detective Willy”
De igual forma no seriamos un medio importante sin la ayuda de nuestros colaboradores, quienes sin lugar a dudas, son los mejores críticos de cine de R.D., y muy en especial de nuestro querido Jorge Cámara, quién desde Los Ángeles y para esta edición, nos brinda tres grandes entrevistas, una de ellas muy especial una con la leyenda del cine Sophia Loren. Sin lugar a dudas, una de las mejores contribuciones que hemos tenido para Cineasta en los últimos años.
Especial
La Década de los 80 y su Cultura Pop
Ilustración de Portada: ANGURRÍA
Presidente Pablo Mustonen revistacineasta@gmail.com
En el plano local, hacemos énfasis en una película que ha venido a cautivar al público dominicano: ‘La Gunguna’, la cual viene a marcar un antes y un después en nuestro cine y nos reitera la fe de que de ahora en adelante pudiésemos estar viendo un producto de mayor valor hecho localmente. Nuestras felicitaciones a su Director, Ernesto Alemany (en su primer trabajo para la gran pantalla) y a su Guionista, Miguel Yarull, por brindarnos una película fresca, diferente y llena de agradables sorpresas de principio a fin. La fusión de su buen guion y dirección, una excelente fotografía y ese gran equipo de actores, hicieron que funcionara todo a la perfección. Esperamos que ustedes disfruten dentro de nuestro contenido, con entrevistas exclusivas para Cineasta hechas a una destacada parte del equipo que participó en esta película. Nos despedimos, reiterando las gracias a nuestros fieles lectores, radioyentes y ahora seguidores de nuestra web, quienes han hecho de Cineasta, uno de los medios más importantes de cine en R.D. Pablo Mustonen
Ventas809 221 7970 Pablo Mustonen José Ferreras Giselle Mustonen
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Vice Presidente Alejandro De Moya ale@cineasta.com.do Dirección y Edición Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com Mercadeo y Ventas Giselle Mustonen Brando Hidalgo brandohidalgo@gmail.com Diseño y Cuidado de Edición Samanta Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com Colaboradores Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes y HFPA Armando Almánzar, Edwin Cruz, Marc Mejía, Ángel Haché, Alfredo García, Lisa García, Patricia García, Luis Martín Gómez, Luis G. Jansen, Sheila Acevedo, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Luis Beiro, Katherine Bautista, Óliver Oller, Fátima González CINEASTA Ave. Bolívar No. 812, Apto. No.17 Villas Bolívar, Santo Domingo, R.D. Cineasta es una publicación bimensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de cineasta.
@revistacineasta Revista Cineasta cineastard
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a r t Í c u l o
Festival de Cine de Cannes: Detrás de Cámara.
El
Festival de Cannes realizó su primera edición en el 1946, a 7 años de su creación (1939). Si bien las primeras ediciones del festival lo convirtieron en un evento mundano durante el cual casi todas las películas recibían un premio, la llegada de estrellas de todo el mundo a sus escaleras y su mediatización siempre en aumento contribuyeron a forjar rápidamente un renombre internacional y legendario a este evento cinematográfico. Acreditado más adelante por la FIAPF (Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos) como festival categoría “A”, distinción que comparte junto a los festivales de Berlín, San Sebastián, Mar del Plata, Venecia entre otros. Desde entonces sus ejecutivos y miembros hacen todo lo posible para ser y mantenerse
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siempre como el principal encuentro de cine de todo el mundo, innovando, agregando atractivos y secciones tanto en el festival como a su selección y entorno. El Festival cuyas proyecciones se concentran en diferentes categorías y miradas, pone a competir y mostrar películas de alta calidad de todas partes del mundo, con una selección que les hace ser un marco de referencia para otros festivales y grandes premiaciones de cine. Entre estas se destacan: La Selección Oficial; Una Cierta Mirada, (estas dos primeras son las competitivas en el festival), La Semana de la Crítica; Cannes en la Playa; Cannes Classics, entre otras. Teniendo como principal galardón “La Palma de Oro”, que es entregado a la mejor película en su Selección Oficial. Ahora bien, vamos a conocer que hay detrás de todo esto en este festival. Una de las piezas claves es La Cinéfondation, una fundación del Festival de Cine de Cannes, creada en el 1998 por Gilles Jacob con el objetivo de inspirar y apoyar a la nueva generación de cineastas alrededor del mundo.
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a r t Í c u l o Short Film Corner se divide en dos partes.
Hoy en día la Cinéfondation se divide en tres secciones: •
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La Selección: dedicada a la búsqueda de nuevos talentos, donde se escogen de quince a veinte proyectos de las escuelas de cine de todo el mundo para ponerlas a competir en el marco del festival. La Residencia: que acoge cada año una docena de jóvenes directores que trabajan allí en su primer o segundo largometraje de ficción, actividad que se realiza en dos sesiones, con una duración de cuatro meses y medio cada una. Cabe destacar que esta sección es interesante, ya que cualquier dominicano que quiera formar parte de ella, solo debe entrar a la página oficial del Cinéfondation y aplicar para la beca, si cubre con los requisitos solicitados recibirá respuestas de su aplicación. L’Atelier: un nuevo paso en su acción para promover la creación de nuevas obras. Cada año, L’Atelier selecciona una quincena de proyectos de largometraje de todo el mundo, e invita a sus directores al Festival de Cannes con el fin de ponerlos en contacto con los profesionales del cine.
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Los cortos que van a competición oficial.
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El Short Film Catalog, donde se ponen a disposición del público una cantidad de más de 2,000 cortometrajes, mediante una sala llena de computadoras instalada en el llamado “Palacio del Festival” y el cual posee además varios espacios de proyección de 9 a 10 butacas para que cada director pueda hacer un pequeño screening de su trabajo, con el fin de presentarlo para su posterior venta, distribución o negociación según sea el caso.
Este año, 5 cortometrajes dominicanos formaron parte de ese catálogo. • • • • •
En los Sueños del Horizonte, de Ramón A. Peña Rodríguez Saneamiento, de María Victoria Hernández El Pintor de Sombras, de Miguel García Calera Trabajo, de Nelson Peña Azrael & Malaquias, de Alexander Viola
Alexander Viola (director Azrael & Malaquias), María Victoria (directora Saneamiento), Ramón A. Peña (director En Los Sueños Del Horizonte) Katherine Bautista (productora En Los Sueños Del Horizonte), hicieron presencia en la edición 68 del festival, dando inicio ya de manera formal a lo que será una inspiración y meta de todo joven cineasta dominicano, que entiende la importancia de crear trabajos de calidad que le permita no solo presentar su potencial cinematográfico, si no que además la oportunidad de romper fronteras y llegar a nuevos horizontes, como lo hicieran ya grandes directores en sus inicios. El Marché du Film, que es la contraparte de negocios del Festival de Cine de Cannes y uno de los mayores mercados de cine en el mundo. Establecido en 1959, se celebra anualmente en conjunto con el Festival de Cannes. Otra de las estructuras del Festival de Cine de Cannes es el Short Film Corner, sección que propone películas de todo el mundo, la mayoría inéditas, así como las películas incluidas en la competición oficial, la Cinéfondation, la Quincena de Realizadores y la Semana de la Crítica. 8
Este espacio nació a medida que la popularidad del festival crecía, un marco ideal para hacer negocios y discutir nuevos proyectos. Así fue como en 1960 tuvo lugar el primer Marché du Film, convirtiéndose a partir de 1961 en parte integrante del festival.
a r t Í c u l o
En la actualidad el mercado recibe más de 12,000 participantes de 108 países de todas partes del mundo, en un espacio de 10 días. Esta oportunidad es aprovechada por la Dirección General de Cine (DGCINE) desde hace ya 3 años, con la misión de dar a conocer el país como industria cinematográfica y como destino de filmación, haciéndolo también en una cita obligatoria para estar presente en la principal actividad del cine de todo el mundo. En este 2015 para la edición en homenaje a Ingrid Bergman, Yvette Marichal como directora de cine, llegó con la iniciativa de darle paso y la oportunidad a todos los productores de películas dominicanas en desarrollo o terminadas, en el cual una gran delegación criolla aprovechó el mercado, en donde los cineastas presentes se abrieron nuevas puertas y fronteras para llevar sus producciones al plano internacional, tanto en las coproducciones como en la distribución de sus proyectos.
El mercado cuenta con una herramienta muy importante para los productores y cineastas, llamada Cinando, lanzada por el Marché du Film - Festival de Cannes en 2003, esta consiste en una base de datos completa de los asistentes a Cannes y otros festivales y mercado que se realizan cada año. Una plataforma que nos permite como país productor de cine seguir en contacto con la industria manteniendo todos las negociaciones activas y en seguimiento, haciendo que cada visita que un productor realice al festival, no termine luego de finalizada la actividad. Sin duda alguna, este festival contempla todos los aspectos para satisfacer las necesidades de todo el amante del cine y del espectáculo; el que quiere conocer y entrar a la industria; el que quiere prepararse para ser parte de ella y la que a la DGCINE más le interesa el de ser parte de ella. Por eso es importante saber que el Festival de Cannes, no es solo unas semanas de apreciar buenas producciones, es además una máquina que mueve la industria. 9
e n t r e v i s t a
EL DETECTIVE WILLY DE JOSÉ MARÍA CABRAL P ablo M ustonen H aché
Siempre
lo hemos admitido, cada vez que José María tiene un proyecto, somos de los primeros que queremos estar en la sala de cine disfrutando del resultado final del mismo. Su cine se siente fresco y acapara nuestra atención. Venimos disfrutando de las ocurrencias y visión de José María desde su cortometraje ¨Un millón por Sobeida¨. Su primer largometraje, Jaque Mate nos gustó. Cabral no hizo una comedia como primer proyecto, hizo un drama, en momentos en que las comedias estaban en su apogeo. Luego vino la fallida Arrobá, aunque admitimos que la idea nos gustaba. El año pasado hizo la muy buena película Despertar, su mejor proyecto hasta la fecha y en las que nos mostró que con un presupuesto bajo y favores, se puede realizar una buena película.
[
José María siempre ha aceptado la crítica y de hecho es de los pocos directores junto a Bladimir Abud, Francis Disla, Francisco Valdez y Laura Guzmán e Israel Cárdenas, que conversan y discuten con los críticos sobre sus proyectos. Creo que esto es muy importante.
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Ahora es el turno de Willy y con él conversamos sobre la misma
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e n t r e v i s t a El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos entre la década de 1930 y 1950 (aunque su pleno apogeo ocurre entre las décadas de 1940 y 1950). Se suele considerar como la primera película de este tipo El halcón maltés, 1941, de John Huston, con Humphrey Bogart . La expresión «cine negro», del francés film noir, fue acuñada por primera vez por el crítico Nino Frank, italiano de padres suizos que realizó su carrera profesional en Francia.
CINEASTA: ¿De qué trata Detective Willy?
que no es tanto ni tan poco para la media de presupuestos de hoy en día.
JOSÉ MARÍA: De un hombre soñador, pero sin dejarse dormir por sus sueños. Willy es un policía de un pueblito, fanático del cine negro de los años 40, y quiere convertirse en un gran detective como en las películas. Aquí es donde entra el “Viaje del Héroe” de Campbell como estructura para el guión cinematográfico. La película se centra en ese arco de Willy, convirtiéndose en lo que tanto soñó, nada más y nada menos que tratando de recuperar un artefacto perdido de patrimonio histórico nacional.
CINEASTA: Por lo que vemos, este puede ser el trabajo como actor más diferente y demandante de Fausto Mata. Fausto Mata es un buen actor y siempre lo hemos querido ver haciendo un papel más demandante ¿Podrías decir que por primera vez lo vemos haciendo un papel atípico al que hemos visto en películas anteriores? ¿Cómo fue la experiencia y el resultado?
C: ¿Qué géneros mezclaste en esta película? Vemos algo de film noir en la misma, ¿qué películas viste cuando estabas escribiendo y al momento de hacerla?, ¿Por qué film noir? J M: Cine negro y comedia. Vi muchas películas, sobre todo El Halcón Maltés para robarle un poco de la trama. También robamos cositas de Gilda, L.A. Confidential, Chinatown, Tacones Lejanos y Ace Ventura. Es homenaje total, pero con aceite verde. C: Notamos una muy buena calidad de producción en Detective Willy ¿Fue una película cara?, ¿Cuál fue el presupuesto de la misma? J M: Sí, trabajamos el presupuesto a favor de la calidad de producción todo el tiempo. Sigo en búsqueda de la post-producción, hasta ahora hemos gastado 31 millones, lo
J M: Ufff... yo soy fan de él desde Perico Ripiao, su carisma me tenía loco y siempre quise trabajar con él. De cierta manera Willy fue escrito para él, no veía otro más que a Fausto. Aquí le construimos un personaje, Él me sirvió de actor y no de comediante, ustedes son los que al final juzgan, pero yo sin duda estoy contento con su trabajo. Ojo, tampoco era matar a Fausto, hay cosas de Fausto que quisimos preservar, otras no, es una mezcla interesante. C: ¿Quiénes conforman el resto del cast? Háblanos un poco del mismo y la selección y papel de cada uno. J M: Mucha gente talentosísima y de distintos medios. Tenemos a Denise Quiñones, Anthony Alvarez, Crystal Jiménez, Hector Aníbal, Kenny Grullón, Manuel Chapuseaux, Christian Álvarez, Josué Guerrero, Patricia Ascuasiati y muchos rostros nuevos y de teatro! Tenemos a I’m Sorry Wilson en un papel, es un “Youtuber” súper cool.
Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizado por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de establecer (caso paradigmático son los detectives privados, frecuentes protagonistas del género, tales como Sam Spade o Philip Marlowe). Las fronteras entre buenos y malos se difuminaban y el héroe acostumbra a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro. El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo fatalista. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la femme fatale, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte. Las novelas de Dashiell Hammett y Raymond Chandler, con sus detectives Spade y Marlowe, son fuentes habituales de los guiones de este género. http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_negro
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e n t r e v i s t a Suecia como en San Pedro puedan disfrutar y aprender de nuestro cine. Reconozco que esto es difícil de lograr. C: Despertar fue una película bien valorada por la crítica dominicana, y hasta hoy consideramos es tu mejor película, aunque sabemos que monetariamente no fue un éxito. Sin embargo consideramos que si se exhibiera fuera del país, quedáramos bien parados y hasta distribución pudiera conseguir: ¿se ha exhibido fuera del país?, ¿Cuál ha sido su recepción? J M: : Hemos ido a festivales internacionales pero no con distribución. La gente ha hablado muy bien de ella y ha generado un “ following” interesante, pero ya se me fue la fiebre y la dejé en una gaveta. C: Siempre vemos un José María inquieto y con ganas de explorar diferentes géneros. ¿Qué género te gustaría dirigir luego de Detective Willy?
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C: ¿Qué opinas sobre el cine dominicano? ¿Crees que debemos hacer cine para exportar, o para consumo local?
J M: ¡Ja!... No te puedo contar todavía, no estoy decidido, pero quiero explorar uno nuevo también. Estoy esperando a ver donde me deja Willy, un paso a la vez.
J M: Exportar y local. Siempre he creído en el punto medio de poder hacer un cine que pueda funcionar tanto aquí como fuera. De nada sirve matarnos para que solo se valore el producto en Suecia, la idea es que tanto en
J M: No sé, prefiero concentrarme en lo que puedo cambiarle a mis películas.
C: ¿Qué cambiarías de la Ley de Cine dominicana?
C: Hasta el día de hoy, ¿cuál película realizada por ti es tu favorita? J M: Me imagino que pasa igual que cuando tienes un nuevo hijo/a, aunque tengas otros, quieres enseñarle a todo el mundo el nuevo bebé. Así que me voy con Detective Willy, por mucho.
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e n t r e v i s t a
JUANES JORGE CAMARA
Hollywood, CA.- Ahora Juanes compone para el cine. No hay que alarmarse, esto no quiere decir que el popular compositor y cantante colombiano esté dirigiendo su carrera a ambiciones diferentes, únicamente que no quiso desaprovechar la oferta de los estudios Disney para componer la canción, “Juntos”, para la película, McFarland, USA. La cinta, basada en hechos reales, tiene lugar en la escuela de una pequeña y pobre ciudad de California, en las que un entrenador (interpretado por Kevin Costner) convierte a los alumnos en un equipo campeón de corredores, explorando en su trama la experiencia y ética de trabajo de inmigrantes latinos. Juan Esteban Aristizábal Vásquez, mejor conocido como Juanes, nació en Medellín, Colombia, el 9 de agosto de 1972, y comenzó a tocar la guitarra a la temprana edad de 7 años. A los 15 años formó su primer grupo musical, “Ekhymosis”, con quien produjo 5 álbumes. En 1997, la banda se desintegró y Juanes comenzó su carrera solo, alcanzando fama internacional gracias al álbum, “Mi Sangre”, estrenado en 2002. Juanes ha ganado tres Grammy Latinos y ha vendido más de 15 millones de álbumes por el mundo entero. Pero nuestra conversación comenzó enfocándose en su conexión con el cine. 14
“...cuando viajé a Alemania, a Japón, a Inglaterra, me di cuenta que al público le gustaba que yo cantara en español.”
e n t r e v i s t a JORGE CAMARA: ¿Cómo es que llegaste a escribir la canción, “Juntos” para la película, McFarland, USA? JUANES: Los estudios de Walt Disney nos llamaron el año pasado, en Agosto u Octubre, y nos dijeron que estaban interesados en que yo escribiera una canción para la película McFarland, USA. Por supuesto yo dije que sí, porque era una oportunidad para dar a conocer mi música a un público diferente. Así que vine a Los Ángeles y vi la película con la directora, Niki Caro, y algunos de los actores, y realmente me gustó mucho. Normalmente, cuando compongo canciones lo hago dependiendo de recuerdos y sentimientos. En este caso fue ver la película y empezar a imaginar melodías y letras. Una experiencia diferente de la cual estoy muy agradecido. J.C.: ¿Algo inesperado o sorpresivo de este nuevo proceso para ti? J.: Bueno, como dije, generalmente compongo mis canciones basándome en mis experiencias, en este caso fue sobre algo que sucedió fuera de mí. La historia de estas personas que vienen a los Estados Unidos a trabajar duro y hacer sus sueños realidad, fue algo que me inspiré, porque pude identificarme con ellos, ya que de alguna manera fue algo que me sucedió a mí.
J.C.: ¿De verdad? ¿En qué sentido te identificaste con ellos? J.: Cuando llegué a este país no hablaba una palabra de inglés, no tenía un contrato, no tenía dinero, nada. Así que pude identificarme. La película me inspiró, e inmediatamente regresé y comencé a trabajar en la canción. Y tuve oportunidad de trabajar con talentosas personas como por ejemplo, Juan Luis Guerra, de la República Dominicana, quien produjo la canción, y con Fonseca de Colombia, y Descerner Bueno de Cuba, con quienes la co-escribí. Fue un equipo realmente bueno y trabajamos muy duro. Para mi fue una experiencia diferente y refrescante. J.C.: Ahora que compones para el cine, ¿te interesaría también trabajar como actor? Hiciste un papel en la serie de televisión, “Jane the Virgin”. J.: Bueno, eso sucedió porque Ben Silverman, el productor de “Jane the Virgin” nos invitó el año pasado a participar en la serie con la música. Al principio, escogió la música y después me dijo, ¿No te gustaría hacer un papel pequeño en la serie? Le dije que nunca había actuado antes, que no sabía si podría, pero podía tratar. Vine a Los Ángeles y grabamos un capítulo de la serie y realmente lo disfruté. Pero nunca me he visto como actor. Siempre me he visto como
J.C.: Además de tus giras y presentaciones personales tienes una fundación de caridad a la que también le dedicas tu tiempo. J.: Si, se llama Fundación Mi Sangre, que comencé hace 7 años en Colombia porque en 1999 escribí la canción, “Fíjate”, que se refería a las minas escondidas en mi país. Cuando la canción salió, varias organizaciones me invitaron a participar en conciertos y campañas educativas, y después de varios años de entender mejor el problema, decidí crear mi propia fundación. Ahora trabajamos con jóvenes que han sido víctimas de violencia en Colombia, a quienes tratamos de ayudar a través de educación, música y las artes.
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e n t r e v i s t a un cantante, como un guitarrista. Esa es mi vida. Pero definitivamente, si en el futuro recibo otra invitación interesante, me gustaría tratar en algo pequeño.
“...es la primera vez que he hecho algo para una película... ... Pero la música es a lo que verdaderamente me dedico.”
J.C.: ¿Has pensado en grabar en inglés? ¿Es importante para ti lo que para un artista que graba en español es el “crossover”?
J.: Si. Al principio pensé que eso era lo que necesitaba, algo que tenía que hacer. Pero después de un tiempo, cuando viajé a Alemania, a Japón, a Inglaterra, me di cuenta que al público le g u s t aba que yo cantara en español. Entonces pensé que no era necesario. Y también porque cantar en otro idioma que no es el tuyo es muy difícil. Si canto en inglés necesito pensar más en la pronunciación y puedo perder el sentimiento. Aunque no creo hacer un álbum 100% en inglés, si me gustaría experimentar, hacer unas canciones en español, otras en “spanglish”, y otras en inglés. Pero lo que realmente amo es poder cantar en español. J.C.: Tu carrera como músico y como artista comenzó a muy temprana edad. ¿Cómo fue eso? J.: No sé exactamente como fue. Lo que si se es que crecí en una familia musical. Mi padre cantaba tango, y mis hermanos tocaban boleros, música ranchera, trova cubana y bossa novas. Crecí con eso en mi ADN. Pero a los 14 o 15 años la música rock, Metallica, Social Distortion y las guitarras eléctricas me volvieron loco. Tuve un grupo de rock por 12 años, y cuando el grupo se disolvió, me mudé a Los Ángeles a comenzar mi carrera solo en el año 2000. Quería encontrar mi sonido propio, y así tuve la oportunidad de conocer al 16
productor y compositor de Argentina, Gustavo Santaolalla, que me contrató para su compañía disquera. J.C.: Pero ahora es difícil definir tu género musical. J.: Regresé a mis raíces. Ahora me gusta mezclar todos esos mundos musicales, la música folklórica, el rock, el reggae, el punk , los ritmos de Colombia, de una manera natural, y al público parece gustarle. Por los últimos 14 años he estado haciendo giras por los Estados Unidos, Centro América, Sudamérica y Europa. J.C.: Después de más de 10 años de vivir en este país, ¿cómo crees que eso ha afectado a tu música? J.: Yo creo que una de las razones por las que me siento muy cómodo viviendo en Miami, es porque en Miami se encuentra una de las comunidades colombianas más grandes de este país. Por la mañana puedes oír radio de Colombia, por la tarde puedes ver todas las noticias de Colombia en televisión. Tus vecinos son de Colombia, o de Venezuela, o de Argentina, de modo que de alguna manera tienes la perspectiva de lo que está sucediendo en Latinoamérica. Pero también estoy aquí por mi carrera, es un muy buen lugar para un músico, Y aunque no estoy en Colombia todos los días, Colombia está en mi corazón. Me mantengo muy conectado con mi familia y mis amigos. La idea de vivir en este país y en Miami es porque es el mejor lugar para trabajar como músico y como artista.
a r t Í c u l o
The Shining L uis B eiro
The Shining (1980) definió mi carrera de cinéfilo. Ni Bergman, ni Fellini, ni el propio Kurosawa movieron mi entusiasmo como aquellos cambios de registros en la mirada del protagonista, Jack Torrance. Más allá de la locura, este hombre, poseído por sus propios fantasmas, fue arrastrado a la demencia por asombros imaginativos, inseguridades y frustraciones. La película también me enseñó la capacidad de un Jack Nicholson quien demostró con su trabajo el precio de la palabra actor. Insomnios y delirios viví al salir de la sala oscura, y durante los primeros días de reflexión sobre el metraje.
personalidad y la inestabilidad que pueden provocar el desequilibrio mental y la ausencia de emociones colectivas. Kubrick trabajó el enfrentamiento entre emoción y locura para demostrar que la muerte no es otra cosa que un estado de piedad ante lo irascible. Junto a sus excelencias éticas y a sus constantes referencias a la ciencia de la parasicología, la obra también cautiva por su perfección formal. The Shining es una cinta donde cada elemento se incluye en el justo lugar que le corresponde, desde la deslumbrante fotografía hasta la soberbia ambientación y la inolvidable puesta en escena.
No pude quedar en paz con mi conciencia hasta volver sobre la cinta dos y tres veces más, en busca de explicaciones al trauma de la incomunicación que, cuando se desata, no respeta lazos familiares ni concepciones humanísticas. Con The Shining, Kubrick enfrentó al hombre contra sí mismo a partir de una madeja de irrealidades relacionadas con los trastornos de la
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Dirección: Stanley Kubrick Guión: Stephen King, Stanley Kubrick Reparto: Jack Nicholson, Shelley Duval, Danny Lloyd Año: 1980 Género: Horror Duración: 146 mins. País: USA/ UK
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i c a
en a e s i d ó l a O dó n Colma E d w in C ru z
hin o I l Duch e E l C ia La Maeñ a n a Pined a Bet Gag o” i Maitín “E l ch u P o it u h C l E l Sangento Do n Ch u Azu ntá s Panch o Mo
c r Íi t
… Hago mutis mental por varios segundos. La sensación desconcertante es en verdad agradable, pues vi cine dominicano con pretensiones comerciales y de autor en plena sinergia. Ernesto Alemany ha dirigido magistralmente un concierto visual de dominicanidad sin postales turísticas ni denuncias sociales vacuas. Los méritos son muchos: Miguel Yarull logra tejer en su guión el aire inasible, anacrónico, y bullanguero de nuestra psique isleña. Sus personajes perfectamente definidos se empujan unos con otros sobrados en carisma. Cuando no delinquen, la apatía y el abandono de un estado aunado a élites feudales empujan al que se dobla, al pueblo, al borde del colapso. Ese es Montás. El hombre de la trama. Que interpreta con gran economía de emociones, como silente samurai, Gerardo “Cuervo” Mercedes. Quien lleva el peso moral. Junto a él, todo el cuerpo actoral trasciende. Pero sigo el énfasis en mis favoritos: la imponente, invencible sacerdotisa de armas Patricia Ascuaciati; Jalsen Santana, etílico rockero exiliado en una república dembowsera. Tan contradictorio como nuestra movilidad social y el constante crecimiento de nuestra economía.
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Dirección: Ernesto Alemany Guión: Miguel Yarull Reparto: Gerardo Mercedes, Jaime Tirelli, Janina Irizarry, Teo Terrero, Patricia Ascuaciati, Jean Gabriel Guerra, Vlad Sosa, Miguel Á. Martínez, Isaac Saviñón (Panky), Nashla Bogaert, Jalsen Santana, Tung Chi Hsu, Rich Wong, Wasen Ou y Toussaint Merionne. Año: 2015 Género: Comedia, Drama Duración: 93 mins. País: República Dominicana
El collage trepidante en la puesta en escena, emula al mejor absurdo humor lacónico de los Coen. El montaje excitante nos recuerda al fresco Guy Ritchie de sus comienzos. Aleluya a la fotografía y colorización, predominante en tonos cálidos -filtro amarilloy adecuadas sombras en la noche. La Gunguna ha fijado el estándar de la industria cinematográfica dominicana. Arte y Negocio. No soy de equilibrios. Pero si la fórmula se da, caigo rendido.
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B rando H idalgo
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VLAD SOSA. Mi personaje es Pancho, un mocano que se va a hacer fechorías a los Estados Unidos, cae preso y luego de cumplir su condena regresa deportado a la República Dominicana. Aquí, como es natural al no tener otro oficio definido, vuelve a dedicarse a los malos pasos y establece un billar y un local de juegos clandestinos. Es un ser que vive engañando y haciendo trampas. Lo que más me gustó de este personaje fue el reto que significó para mí salirme de los papeles de ejecutivo de banco, diputado o funcionario con saco y corbata, en una historia muy original y de un humor negro muy fino, todo esto en un thriller de acción conducido por un director bastante flexible que permite el espacio a sus actores para escuchar sugerencias. GERARDO MERCEDES. Soy un hombre esencialmente de la escena, del teatro. Me fascinó la metáfora visual del pueblo que representa mi personaje de Montás, por lo que me demandaba a mí como ciudadano y como actor al mismo tiempo. Montás es un hombre cercado por las circunstancias, un personaje marginado cuya humanidad contrasta con los demás porque esencialmente es un hombre bueno llevado al límite, el cable a tierra de toda la historia, como lo define el director, un personaje sustancioso, de muchos matices. Para mí ha sido un orgullo ser parte de esta película porque cuenta una historia bien estructurada, que es el talón de Aquiles del cine local. La marginalidad es el común denominador de todos los personajes de La Gunguna. Quisiera destacar que el público se sentirá identificado con cada uno de los componentes de esta película por la estética especial lograda en cuanto al diseño de producción, arte, colores, matices y en particular la atmósfera lograda. Se siente la seriedad y la profesionalidad en esta producción.
TEO TERRERO. Mi personaje de El Sargento es un guardia común, un “vivo” en buen dominicano, un ser humano tradicional que siempre está con los ojos abiertos para aprovechar cualquier circunstancia que se le presente. Es enviado a la frontera y allí encuentra la oportunidad de dedicarse a la actividad que más le gusta: el juego de billar. Es un “tiguere” criado en Villa Consuelo pero con la capacidad de ajustarse a nuevas situaciones y sacarles el mejor provecho. Con Ernesto conversé en una ocasión para trabajar en su película, pero no fue hasta un año después cuando me pide que me entrene en el juego de billar. Pasaron como ocho meses hasta que finalmente me llaman para el casting y luego al set. Debo destacar el equipo súper-profesional de técnicos y actores que encontré, con una comunicación muy fraterna. Siento que el cine local, a partir de la Ley de Cine, se empieza a consolidar con proyectos como este.
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e n t r e v i s t a MARIO NUÑEZ. Encarno al personaje de El Cuervo, aunque en el proyecto me desempeño tanto como director de casting como coach de actores. Cuando Juan Basanta me muestra el guión, que en ese momento se llamaba Una de Canallas, me encantó la visión irónica de estos personajes exagerados en una historia muy dominicana. Desde el primer momento pensé en Vlad Sosa para el personaje de Pancho e inmediatamente empecé a trabajar con él dos meses antes de la preproducción. También tenía claro desde el principio a Miguel Ángel Martínez y a Gerardo Mercedes. Los chinos fueron los más difíciles porque no tenemos chinos actores, no les gusta interpretar localmente. En cuanto a los personajes femeninos es a mi entender una película un poco machista, hay pocos pero excepcionales. El personaje más difícil de conseguir fue el que interpreta Patricia Ascuasiati, como una mujer de la frontera que vende armas. Lo de Nashla no tiene madre, desde que entró en personaje como La Maeña nos dejó a todos con la boca abierta, con aquella magia, con esa naturalidad que la caracteriza… Una gran profesional. Para concluir, el personaje que me dio más trabajo conseguir y entenderlo, que fuera creíble y no se pasara de la raya: El Gago, interpretado por Isaac Saviñón. En La Gunguna ensuciamos un poco nuestro cine, en el sentido de darle una estética más realista y más auténtica, mostrando realmente lo que somos, cómo somos, nuestra ironía y sarcasmo hasta en la desgracia. Y le imprime un color que nos identifica claramente dentro del cine caribeño.
MIGUEL ÁNGEL MARTÍNEZ. Interpreto a Pineda, un hijo de puta desalmado, asqueroso, mezquino, que reúne todas las cualidades negativas que pueda tener una persona. No muestra misericordia ni contemplación con nadie en su condición de prestamista sin alma, su único amigo es el dinero. Tiene todos los antivalores que puedan existir. Además es un mujeriego empedernido e irrespetuoso con la mujeres. Me encantó interpretarlo porque no se corresponde con mi personalidad y por eso fue un gran desafío para mí realizar este personaje. Quiero destacar que me sentí muy bien durante todo el rodaje por el trato fabuloso que nos brindaron a los actores. La atmósfera de respeto y profesionalidad lograda en el set nos proporcionaba la tranquilidad y la armonía que necesitamos los actores para permitirnos concentrarnos en nuestro trabajo y dar lo mejor ante la cámara.
JALSEN SANTANA. Cuando Mario me llama buscando al Puchi a mí en realidad lo que me interesaba era entrar en este proyecto. Hice el casting cinco veces porque era una opción muy peleada y al final me gané el papel. Mi personaje es un tipo borracho, “quillao” con el mundo porque la sociedad cambió y él se quedó atrás en los ochenta, sin entender cómo enfrentarse a este nuevo mundo del Dembou. Me pareció uno de los retos más grandes en mi carrera como actor. De la historia me enamoré porque refleja lo que somos como pueblo, donde hay personajes pintorescos en cada esquina, como un tipo en la calle que tiene problemas porque no puede pagar la luz, en fin, un panorama muy amplio de lo que es la 20
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sociedad dominicana, con sus cosas buenas y malas, nuestro folklore y nuestra esencia como dominicanos… Conocí a Ernesto a través de un corto que hizo en Argentina en solo tres días y sabía que quería trabajar con él. Yo lo defino como la sombra que te acompaña en todo lo que vas haciendo y eso te da confianza, soporte, llevándote hasta el punto exacto de lo que necesita que la película tenga. MIGUEL YARULL (Guionista) La Gunguna es uno de los cuentos que forma parte de mi libro de relatos, que se llamaba originalmente Montás. Arturo Rodríguez Fernández se convirtió en mi especie de mentor desde que participé en aquel concurso de cuentos en el que era Jurado. Hablando con él sentías que participabas de un aprendizaje permanente y pude acercarme a él gracias a la literatura. Recuerdo que una vez me dijo “Y terminas con una pequeña novela negra que perfectamente puede ser el guión de una película”. Ese fue el origen de La Gunguna. El primer draft del guión tenía como 70 páginas y era muy fiel al relato. Con Ernesto trabajamos unos tres años, fue un proceso largo. De los personajes, Montás es definitivamente el protagonista y puedo decir que en mi vida cotidiana (soy ingeniero de profesión) vivo mucho su realidad. Obviamente el personaje está exagerado para fines dramáticos.
RAFI MERCADO (Diseño de Producción). El Diseñador de Producción es como el pintor de la película, no el director de arte, que trabaja conmigo y tiene que ver mucho con la ambientación. Mi función es muy cercana al director y al director de fotografía formando una trilogía en la que juntos creamos el mundo de la película, desde la composición, iluminación, ambientación, vestuario, maquillaje, armas, vehículos, texturas, atmósfera, etc. De esta historia me encantó el humor negro de los personajes y el poder jugar con una realidad casi absurda. Luego de conectarme con el director, partimos de un cuarto en blanco que es como un canvas que utilizo para visualizar la cinta, quitando-añadiendo, quitando-añadiendo, para que los actores se inspiren y todo el departamento entienda hacia donde nos dirigimos. En estos momentos República Dominicana está al tope en términos de cine caribeño independiente. Cuba empezó hace años y Puerto Rico lo hizo, lo hace y lo hará pero me da tristeza porque mi país no es un país. Así que nos vamos a Dominicana donde hace dos años se hicieron 27 películas, buenas y malas. Puerto Rico está más sobre el gringo que viene a hacer una película en Puerto Rico. Hemos hecho Maldeamores, Broche de Oro, Miente (mi película con Frank Perozo) o América de Sonia Fritz, entre otras, pero aquí estamos ante una obra que puede llevar al cine dominicano a nivel internacional. 21
e n t r e v i s t a ERNESTO ALEMANY. (Director) Mi pasión por la historia surgió a partir de ese cuento original, sorprendente y pintoresco de Miguel Yarull. A medida que se iba desarrollando te pegaba bofetadas, con una forma de narrar que no te deja caer. La estructura narrativa era súper-interesante, desde el tipo de denuncia que hacía y como lo hacía, los diálogos, en fin, una historia sumamente rica y cautivante desde que la lees, que maneja un tono de humor negro muy sarcástico e irónico. Respecto a la estructura del guión per se, una vez cerrado, permito a los actores hacer aportes a sus personajes, matizar y darle vueltas, el acento que le impone y como lo enriquece y lo alimenta es un proceso creativo en conjunto. Establecemos un marco definido para la construcción de los personajes. En este caso, desde que leí La Gunguna tenía en mente a Teo Terrero para el Sargento. Lo de Patricia Ascuasiati fue todo un descubrimiento porque le imprime el tono a la película. Viéndola nos mete en la atmósfera de todo el resto de la narración. También quiero destacar el juego con los acentos locales, el cibaeño habla cibaeño y los actores se tomaron su tiempo para irse al interior a empaparse de los acentos. No hicimos ningún esfuerzo por neutralizar los acentos ni hablar correctamente porque los dominicanos no hablamos correctamente (nos comemos las eses, cortamos las palabras por la mitad). Las telenovelas o el teatro tienen otro lenguaje, pero en el cine no. Buscamos la autenticidad en la mayor medida de lo posible. En cuanto a las referencias visuales que me han acompañado en el proceso de creación no dejo dejar de mencionar títulos como Amores Perros, Ciudad de Dios y sobretodo el cineasta mexicano Luis Estrada (El Infierno, La Ley de Herodes y La Dictadura Perfecta), que para mí es genial la manera en que retrata y critica su sociedad con ese tono de humor, sarcasmo y oscuridad risible que le imprime a sus historias. De España admiro a Juanma Bajo Ulloa con Airbag y La Madre Muerta, y de los USA a Ritchie y a Tarantino, pero mi tendencia es más hacia los Coen.
Juan Basanta
Ernesto Alemany
JUAN BASANTA (Productor) En primer lugar la oportunidad de poder contar una historia de humor negro en una película coral según la historia de Miguel Yarull, simplemente me atrapó. Toca temas importantes de nuestro país, cómo se vive en nuestros barrios, como se desvive en otros lugares y como corren las aguas en este Caribe Domínico-Puertorriqueño. Esa mezcla en una isla llena de negros, llena de chinos y cosas diferentes. Ese collage y salirnos con una historia que fluya y se atreva a jugar fue posible gracias a un gran equipo que pudimos armar, frente y detrás de cámaras. Cuando leí el proyecto (que una vez pensé dirigir) y luego encontrar a Ernesto fue muy bello y oportuno. Desde que leí la historia sabía que Gerardo iba a ser Montás. Sorpresa en el cast mágico fue Betania, una semibruja poderosa que todo lo resuelve, por las buenas, por las malas, por el lado, de frente, con la justicia, sin ella…y Patricia, como irreverente artista, obviamente tenía ese personaje atravesado. Mario Alejandro Núñez fue esencial en el proceso del casting. La película es visualmente un Noir Caribeño con colores intensos de alto contraste. Me gusta la piel y la textura de este Caribe contrastado que hemos logrado, con el trabajo de Juan Carlos Franco, un fotógrafo excepcional. Una vez encontramos el lenguaje todos hablamos el mismo idioma y vamos en la misma dirección, convertidos no en aliados sino en co-conspiradores. Esta película no me pertenece, le pertenece al equipo y a todos los que hicieron posible este proyecto. El público va a encontrar sorpresas, se van a encontrar a ellos mismos porque son lugares comunes con una visión del país que convive constantemente. Es un viaje por un Caribe desconocido, una conspiración caribeña. 22
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PATRICIA ASCUASIATI. A mí me puso una multa un AMET por estar hablando por el celular en la 27 de Febrero cuando me llamó Marilyn Gallardo y me cuenta que el teaser de la película lo había visto en Nueva York y que era un escándalo, de una película en la que interpretaba a una mujer malísima que vende armas en la frontera. Yo le decía al agente que era actriz, que soy famosa, que el director me está hablando, pero el hombre no me cree y me dice, páseme la licencia...Y ahí termino este asunto. El tiempo pasa y sigue la gente en la web esperando la película. Lo que pude respirar es un producto hecho por gente muy joven que tiene una gran visión artística y mucho talento. Me llama Mario y me dice que era el último día y que se había probado mucha gente para ese papel. Yo estaba segura que no me iban a seleccionar porque ya no había tiempo de nada y hago la prueba. Esa misma tarde me llamaron y no lo podía creer. En menos de quince días estábamos filmando en Baní. Me tiñeron el pelo y del tratamiento estuve un año con el pelo saliéndoseme... me quedé un año calva por el personaje. Un personaje muy raro, con unas armas con nombres extraños de nuestra religiosidad popular, de nuestras deidades, de nuestra cultura profunda. Betania es un personaje muy bien definido y muy interesante. Me encerré noches preparando con rigor este personaje, preguntando, investigando, leyendo de todo. Tiene una serie de detalles en su físico que me cautivaron, aparte de la escenografía y el trabajo del diseño de producción. Ernesto y Juan son mis amigos y me siento orgullosa de formar parte de este proyecto. NASHLA BOGART. Hago el papel de Bárbara, La Maeña. Es una chica bien fresca, muy fiel a su grupo de amigos y a su familia. Una cibaeña que no es nada fácil y la gente que llega a su lugar de trabajo se topa con su temperamento muy especial. Me siento muy orgullosa de haber trabajado con un amigo al que le tengo mucha fe porque siempre he creído en su talento. Desde que leí la historia supe que se trataba de una joyita de película. Todos estamos locos por verla y de verdad yo se que va a funcionar. La química se nota porque el equipo trabajo de forma armoniosa y apasionada. Bárbara no es un comodín de los personajes masculinos, al contrario, es la reina del lugar, es la única mujer que trabaja allí y por tanto tiene un trato muy especial. Es parte del juego, nunca el adorno o el accesorio. Para mí no fue difícil hablar en cibaeño porque soy de San Francisco de Macorís, de pura cepa cibaeña. Mi padre desde pequeña me educó a pronunciar perfectamente las palabras. El director siempre me recordaba, Eh! La Maeña, y volvía a mi personaje. Esta película representa el poder de la mujer que define muy bien su fuerza y su capacidad para hacer que la historia tome un rumbo diferente.
PANKY SAVIÑON. Llegué al proyecto gracias al actor Manny Pérez, que por motivos de trabajo no pudo asumir el personaje, así conseguí encarnar a Martín el Gago. Es un joker, un burlón mocano y tartamudo que representa exactamente todo lo que no soy, exigiéndome poner todos los demonios de un personaje adulador, arrogante, un truquero con el que en un punto ni yo me soportaba. Leí el guión de una tirada durante un vuelo y ya estaba desesperado por aterrizar para devolverme a filmar. No dormí y ya estaba creando personaje con el equipo. Eso fue una de las cosas más gratificantes para mí como actor, de poder encarnar un personaje que me apasionó desde que lo leí. Lo mejor fue poder demostrarme a mi mismo que era capaz de desdoblarme y convertirme en otra persona totalmente diferente, un tipo realmente insoportable. 23
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SOPHIA LOREN JORGE CAMARA
Hollywood, CA.- Profesionalmente, tres son las razones por las que la legendaria actriz italiana, y estrella internacional de cine, Sophia Loren, ha visitado Hollywood y se ha encontrado con la prensa, dándonos así la oportunidad de poder hablar con ella sobre su vida y su carrera. Una de ellas fue asistir al tributo que el American Film Institute hizo en su honor. Otra es la publicación de su autobiografía titulada, “Yesterday, Today, Tomorrow – My Life”. La tercera –aunque no necesariamente en ese orden– es la promoción de la película corta, “La Voce Umana“, basada en una pieza teatral de Jean Cocteau, en la que fue dirigida por su hijo, Edoardo Ponti. Pero personalmente esta estancia de la actriz en Los Ángeles, es intermitentemente rutinaria, ya que aquí residen sus dos hijos, Carlo, de 45 años, y Edoardo de 41; y su cuatro nietos, Lucia Sofía de 8 años, Vittorio Loene de 7, Leonardo Fortunato de 4, y Beatrice Lara de 2. Luciendo mucho más joven de sus 80 años de edad, con un elegante vestido de su color favorito, rojo, y confirmado su cálida, encantadora y sencilla personalidad, comenzamos nuestra conversación con ella. JORGE CAMARA: ¿Cómo fue que decidió escribir su autobiografía? SOPHIA LOREN: ¿Sabes?, la idea del libro llegó por casualidad. Un día, poniendo mis cosas y mis documentos en orden, encontré mis diarios, 30 años de diarios sobre mi vida, y dije, Dios mío, ¿qué es esto? Los abrí, comencé a leer, y recordar vagamente lo que había hecho, 24
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Si tengo arrugas, son arrugas de felicidad y no arrugas de tristeza.
los momentos que había vivido. Y decidí escribir el libro y destruir los diarios, que acabaron en llamas, porque eran algo que me pertenecían a mí solamente, con cosas muy íntimas, muy personales. No quería que cayeran en otras manos, ni en las de mis hijos. Así fue como escribí mi libro y destruí mis diarios. Si quieres saber de mi, este libro es lo único que puedes leer. J.C.: ¿Y crees entonces ser ahora una persona más sensata, más sabia?
S.L.: ¿Más sabia? No, no creo ser más sabia, porque siempre me he dejado llevar por mis sentimientos. Cuando las cosas van bien, que bueno. Cuando van mal, es una de las reglas de mi vida, ya que comenzó en un período muy difícil en Italia durante la guerra. Fui una niña enferma. Mi madre tuvo problemas con mi padre. Pero es un período que no quiero olvidar porque es en realidad un tesoro interno que te hace fuerte y te enseña a sobrevivir los problemas. J.C.: ¿Crees que es esta la mejor etapa de tu vida? S.L.: No se. Mi vida no ha terminado. No. No. No. Aunque esta si es una etapa muy placentera en la que tengo lo que siempre había querido tener, una maravillosa familia, con muy bellos hijos, y muy bellos nietos. J.C.: Aparte de la familia, ¿hay algo que echas de menos, que no has podido lograr? S.L.: Lo único que de verdad, de verdad, echo de menos es algo que toda mujer quiere, y es casarse con un vestido blanco, porque en mi familia nadie se casó con un vestido blanco. Fue el sueño de toda mi vida, y todavía está dentro de mí. ¿Por qué no? (ríe). J.C.: La fama y el éxito, ¿significan ahora lo mismo que significaron para usted antes? S.L.: Yo nunca pensé que sería rica o famosa. Cuando llegué a Roma con mi madre, no teníamos dinero ni esperanzas. Trabajé como extra en la película, Quo Vadis. Trabajé como extra en muchas otras películas, hasta que poco a poco comencé a aparecer frente a la cámara. Pero tuve la oportunidad de conocer al gran maestro, Vittorio DeSica, que iba a hacer una película de cuatro episodios en Nápoles. Yo soy napolitana y él era napolitano, y me dio el papel. Ese fue el comienzo de lo que fue como un sueño. Trabajé con DeSica por 20 años de mi vida, de manera que puedes imaginarte lo feliz que fui de haberlo conocido. J.C.: Y fue precisamente DeSica quien la dirigió en la película que le dio el Oscar a la Mejor Actriz de 1960, Dos Mujeres (La Cio c ia ra),
que fue la primera vez que una actriz actuando en un idioma extranjero ganaba este premio. S.L.: Si. Originalmente, Anna Magnani, la mejor actriz que Italia ha tenido, iba a hacer el papel de la madre, y yo el de la hija. La madre tenía como 56 años y la hija, 20. Pero ella no quiso, afortunadamente para mí, porque me dio la oportunidad de interpretar el mejor papel que yo había leído. Hicimos a la madre y a la hija un poco más jóvenes. Tuve mucha, mucha suerte, porque esto me permitió continuar actuando y recibiendo satisfacciones que hasta entonces no había tenido. J.C.: Es interesante que en su larga y prolífica carrera no haya trabajado con los otros grandes directores italianos como Federico Fellini, Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolinio o Michelangelo Antonioni. S.L.: Con Visconti hicimos una prueba para una película que pudo ser muy buena, y la prueba resultó muy bien. Pero desgraciadamente en Italia nos engañaron y al día siguiente otro director comenzó a filmar la misma película. Lamentablemente nunca tuve otra oportunidad de trabajar con Visconti, que me hubiera gustado mucho. Antonioni, por otra parte, ya tenía a su diosa, Monica Vitti, e iba en una dirección diferente a la que yo iba. Yo estaba trabajando con DeSica, hacienda cosas que iban muy bien conmigo, con personajes de Nápoles que sufrían y reían al mismo tiempo. Cuando haces una película es muy difícil ir en contra de quien eres. Con DeSica y con Marcello Mastroianni, todos íbamos en la misma dirección. En 20 años hicimos 14 películas juntos, todas con mucho éxito. No es que no hubiera querido hacer otro tipo de películas, pero eran diferentes a las que estábamos haciendo en esa época. J.C.: También trabajó en una época en que Hollywood y el cine internacional hicieron grandes películas. ¿Qué piensa de las películas que se hacen ahora, especialmente en Hollywood? S.L.: Bueno, en Hollywood disfruté trabajar con George Cukor, que hizo películas con
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Greta Garbo; y con Charlie Chaplin, que fue una experiencia maravillosa para mí, de la cual estoy muy orgullosa. Fue para mí un gran orgullo trabajar con él y conocerlo. Ahora, realmente no se mucho de lo que Hollywood produce. Las únicas películas de Hollywood que veo es cuando me las mandan a Suiza porque tengo que votar, y unas me gustan, y otras no mucho. J.C.: Pero hizo Nine, que es la versión de la obra musical basada en la película 8 ½ de Fellini. S.L.: Si, Nine es una película musical, que son mis favoritas, porque adoro la música que es algo que mi familia y yo disfrutamos mucho. Si. Si. Fue una experiencia maravillosa, además de poder trabajar con uno de los actores más bellos y maravillosos, Daniel Day Lewis, a quien adoro.
J.C.: ¿Como es su vida ahora en Suiza? ¿Es una vida tranquila? S.L.: Muy tranquila. No me gusta salir. No me gusta usar la palabra recluida, pero me gusta estar en casa lo más posible. Me despierto a las 4 de la mañana y voy a un parque cercano, no a las 4, sino a las 7. Es una caminata agradable y regreso a casa. Leo mucho, leo guiones. Si me invitan a cenar digo, oh mamma mia, no quiero salir a cenar. Casi nunca salgo a cenar. Estoy en el teléfono mucho hablando a América. Si algo lamento es que mis hijos viven en América y yo vivo en Suiza, pero es su vida y tienen el derecho de escoger donde vivir, aunque eso a veces me hace sentir muy sola.
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J.C.: ¿No lamenta el paso del tiempo? S.L.: No. Es la vida. Uno nace, uno crece, y ya. ¿Por qué va uno a querer ser diferente, y verse como de 18 años? Es imposible. La cirugía plástica no te hacer verte de 18 años, te hace verte como un monstruo. Si tengo arrugas, son arrugas de felicidad y no arrugas de tristeza.
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El secreto de la existencia no consiste solamente en vivir, sino en saber para que se vive.
WINTER SLEEP (2014) H U G O PAG Á N S OTO
Con
Winter Sleep el director turco, Nuri Bilge Ceylan, hace un acercamiento a la naturaleza del ser humano. El hombre siempre ha sido la mayor inspiración para el arte y así como digo inspiración bien podría ser obsesión. Es en la profundidad del existencialismo humano donde siempre se ha hurgado en busca de respuestas. Las andanzas del séptimo arte por las fronteras del pensamiento nos han dejado obras inolvidables. Invitemos a Bergman, un sospechoso habitual en estos menesteres, de manera específica me vuelco sobre una de mis obras favoritas del sueco, Persona (1966). La fuerza de los diálogos y su combinación con los silencios funcionan de forma idéntica en el filme de Bergman y en este de Nuri Bilge Ceylan. Los personajes de Ceylan tienen una urgencia por expresar sus pensamientos, necesitan ser escuchados aún cuando no estén seguros de cómo comunicarse. SIEMPRE HABRÁ UNA VEZ EN ANATOLIA Gökhan Tiryaki, un habitual colaborador de Ceylan, se encarga de llevarnos con su lente al mundo de Aydin (Haluk Bilgine). Nuestro protagonista es propietario de un hotel rural en la región de Anatolia, ya retirado de su carrera como actor de teatro, ahora dedica sus días a escribir para un periódico de la comunidad. Las estampas que nos regala Tiryaki comunican más que mil palabras. Al sutil movimiento de la cámara se asocian las notas de una sonata para piano de Schubert. Esa Cappadocia, que parece encapsulada en el tiempo, cobra vida. El duro invierno se vuelve cómplice de las intenciones del director y profundiza la intensidad del drama que viven los personajes. La dirección de fotografía de Tiryaki es magistral y es un elemento fundamental para lograr la atmósfera que necesita el director para adentrarnos en la realidad que enfrentan los personajes de esta Winter Sleep.
(Fiódor Dostoyeski) sólo asoman por breves instantes. Cada cual tiene sus propias causas y la emoción parece triunfar ante la razón. TEATRO, LO TUYO ES PURO TEATRO El planteamiento que hace Ceylan en esta Winter Sleep, es puro teatro. Su puesta en escena así lo confirma, los personajes entran y salen de las escenas y no dejamos de pensar que estamos viendo una obra de teatro y no una película. Ese Haluk Bilginer que interpreta a Aydin es fenomenal, sus confrontaciones intelectuales con los demás personajes nos dejan exhaustos. Una escena en particular, pone a Aydin en la mesa junto a su esposa Nihal (Melisa Sözen) y su hermana Necla (Demet Akbag), mientras desayunan discuten sobre cómo proceder con las personas que hacen el mal, sobre cómo desalentar a los malvados tomando una posición pasiva ante sus injurias. Lo que resulta de esa diálogo es pura maravilla y se pone de manifiesto la capacidad interpretativa de cada uno de los actores. Es impresionante que a base de puros diálogos el director nos lleve por 3 horas y 16 minutos de metraje sin causarnos ni un sólo bostezo. La fuerza de sus imágenes, lo hipnótico de sus silencios y la contundencia de sus conversaciones nos dejan extasiados. La religión, la política, la desigualdad social, la familia, todos son temas que aborda el discurso del director Nuri Bilge Ceylan. En cada aspecto sus introspecciones nos llevan a reflexionar y a confrontar de manera directa con la reacciones de los personajes.
ESA ES LA CAUSA, ES LA CAUSA, MI ALMA No es casualidad que “Otelo” sea el nombre del hotel que dirige Aydin. La tragedia se adueña del escenario y el sentido del pesimismo pesa sobre cada uno de los personajes. El mundo está lleno de Yagos, de Otelos y de Desdémonas. La amistad, la traición y los celos, también juegan su papel en Winter Sleep. Las intenciones reales de los personajes permanecen ocultas y
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Dirección: Nuri Bilge Ceylan. Guión: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Anton Chekhov (relato). Reparto: Haluk Bilginer, Melisa Sözen, Demet Akbag. Año 2014 Género: Drama. Duración: 196 min. País: Turquía.
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Madres
Contra Viento y Marea M artha A rredondo
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CINEASTA toma esta edición para rendirles tributo a las Madres, a este ser tan especial quien nos dio la vida y que además es uno de los motivos principales de nuestras vidas.
El cine no es la excepción a este tributo y por eso veremos como en los diarios, revistas, internet y por distintos medios, aparecen listas de películas que se recomiendan para verlas con mamá o para que mamá las vea a solas o con sus amigas.
Madres que empiezan de nuevo:
Estas listas van desde las películas muy tradicionales hasta las muy modernas, listas y más listas. Bueno, pues nosotros quisimos también aportar nuestra lista, a la larga lista de listas, y ustedes se preguntarán ¿por qué? Por varias razones, les mencionaré tres… Primera razón: Por si usted o alguna otra persona no ha visto una de las tantas listas, que esta sea una, no es la más completa, ni la mejor, pero tampoco pretende serlo, es solo una más.
Madres que no se dan por vencidas:
Madres que se ilusionan con sus hijos:
Lorenzo’s Oil (Un aceite para Lorenzo), 1992
Bellísima, 1951
Madres que dejan sus carreras para cuidar a sus hijos:
Alice doesn’t live here anymore (Alicia ya no vive aquí), 1974
The Turning Point (Paso de Decisión), 1977 Es una linda película acerca de una bailarina de ballet que deja su carrera muy exitosa para convertirse en madre de familia. Nunca entenderé la mala suerte que tuvo esta película nominada a once Oscars y no ganó ninguno. De todos modos sigue siendo una gran película y será un banquete para quienes gustan del ballet.
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Es la historia de una viuda joven, con un hijo de 12 años que decide comenzar de nuevo, esto incluye retomar a su carrera que la había dejado abandonada. Es una película con ingrediente musical, que la hace muy agradable. Es una de las primeras del muy famoso director Martin Scorsese y donde Ellen Burstyn consigue ganar el Oscar a Mejor Actriz.
Lorenzo es un niño que tiene una enfermedad degenerativa, que le impide llevar una vida como los demás niños. Los médicos no saben qué hacer, sólo dicen: “No tiene cura” y que se va ir complicando cada día más hasta morir. La madre de Lorenzo no se da por vencida, no se rinde, comienza a investigar hasta encontrar un aceite, que quizás pueda ayudar a su hijo. Es una película basada en hechos reales, con una actuación muy destacada de Susan Sarandon.
Dice un viejo refrán: “Hay un solo niño o niña bello en el mundo y cada madre lo tiene”. La madre de ésta película no es la excepción, es una madre humilde, pero está dispuesta a hacer todo su esfuerzo para que su niña sea escogida en un casting que realizan en un estudio cinematográfico. Una película a blanco y negro del maestro Luchino Visconti, es una cinta que toda persona que sea amante del cine disfrutará.
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¡Anímense! Hagan su lista, mientras tanto aquí va la nuestra. Esperemos tener muchas coincidencias con ustedes. Escena de The Blind Side
Segunda razón: En la nuestra están las mismas películas de otras listas, pero aquí les hemos puesto un enunciado, una especie de etiqueta, de la impresión que cada una nos dejó al momento de verlas y les invito a ver si compartimos esta impresión.
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Tercera razón: Hicimos esta lista para que ustedes se entusiasmen, hagan la suya y la compartan con sus amistades y sería un honor si la quisieran compartir con nosotros, ya sea que nos la envíen por correo o nos la muestren cualquier día que nos encontremos en la puerta de algún cine.
Madres con hijos perdidos:
Madres que conviven con su enfermedad:
de las bombas ocurridos en Londres el 7 de julio de 2005, no ha vuelto a saber de su hija, la madre camina toda la ciudad buscando y al igual que ella encuentra a otras personas que también buscan sus familiares.
London River, 2009
Dancer in the Dark (Bailar en la Oscuridad), 2000 Es la historia de una madre soltera que se está quedando ciega por causa de una enfermedad hereditaria y su preocupación por el futuro de su hijo de 10 años. Esa historia que parece tan simple, en manos del director Lars Von Trier, adquiere un sabor de buen cine y es sencillamente maravillosa.
Madres con hijos homosexuales:
Muchas películas tratan el tema de madres cuyos hijos e hijas desaparecen, a mí me impactó London River. Trata acerca de una viuda inglesa que ha perdido a su marido en la guerra de las Malvinas y que ahora después de los atentados
Es una muy buena película, con unas actuaciones estupendas. Es una de esas joyas cinematográficas que podemos disfrutar gracias a la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo.
Reinas, 2005 Tal vez ésta sea una película para el futuro y habrá quienes digan que es de ciencia ficción, algo que está muy lejos de pasar en nuestro país, pero en fin, igual le hablo de ella. Trata sobre madres que tienen hijos gay y los aceptan e incluso van a acudir a la primera boda gay que habrá en España. Es una comedia, que a ratos resulta muy divertida. Una oportunidad para ver juntas a buenas actrices españolas como son: Carmen Maura, Marisa Paredes, Verónica Forqué, Mercedes Sampietro y Betiana Blum.
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Madres que enferman y ya no pueden estar con la familia:
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Madres Apoyadoras: Madres Adoptivas: Madres de Crianza:
El Hijo de la Novia, 2001 La película nos muestra a esta madre que sufre de la enfermedad de Alzheimer y está internada en un asilo para personas de la tercera edad, nos habla de su vida y la de su esposo e hijo. Aunque no lo parezca esta película es una comedia, pero afloran en la trama buenos sentimientos y valores familiares. Fue nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera y es una excelente oportunidad para ver juntos a dos grandes del cine argentino: Ricardo Darín y Norma Aleandro.
Madres que son parejas del padre, de los hijos otros matrimonios (Madrastras):
Animal Kingdom, 2010
The Blind Side, 2009
No sé qué decirles de ésta película, sin caer en la tentación de contársela entera. Es la historia de una familia, todos hombres y ella, que es madre y abuela, pero que como decimos en buen dominicano es capaz de apoyar todo lo mal hecho que hacen sus hijos.
Una madre de raza blanca se hace cargo de un adolescente negro que viene de una familia disfuncional, el chico tiene dotes para ser deportista y ella, su marido y sus dos hijos, deciden ayudarlo a que las desarrolle y se lo llevan a vivir a su casa. Basada en hechos reales esta película nos muestra como la gente de fe, siempre dice presente para ayudar a los demás.
Es una película estupenda, nunca sabemos lo que pasará en la próxima escena y así nos mantiene hasta el final. La actriz Jacki Weaver (que hace de la madre) ganó el premio a Mejor Actriz Secundaria otorgado por la asociación de críticos de Los Ángeles y fue nominada al Oscar en esa misma categoría.
Baby Boom (¿Quién llamó a la Cigüeña?), 1987 Cuenta el extraño caso de una ejecutiva de éxito que vive su vida de soltera muy feliz, junto a su novio y sus amigos y de repente un día un familiar que muere, le deja a su bebita como herencia y allí comienzan sus aprietos con esta maternidad forzada. Es actuada por Diane Keaton y por esta actuación fue nominada a Mejor Actriz en los Globos de Oro y en esos mismos premios estuvo la película nominada a Mejor Comedia del Año.
Esta cinta convirtió a Sandra Bullock en ganadora del Oscar a Mejor Actriz.
Stepmom (Quédate a mi lado), 1998 Es una historia muy de familia, con dos mujeres que pelean por el cuidado y atención de unos hijos. Les recomiendo que aquellas personas sensibles, se preparen para llorar, porque sobran los motivos. Como cine es interesante ver el duelo de dos buenas actrices: Julia Roberts y Susan Sarandon.
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Madres sin Hijos:
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Madres dispuestas a todo por sus hijos:
Madres que traspasan Religiones y Fronteras:
Frozen River, 2008
Not Without My Daughter (No Sin Mi Hija), 1991
Madres que enfrentan Demonios:
Todo Sobre mi Madre, 1999 Cuenta la vida una mujer que trabaja como enfermera en un hospital de Madrid y ve morir a su hijo de 17 años el mismo día de su cumpleaños y tras su muerte, ella decide volver sobre sus pasos y comunicarle al padre acerca de ese hijo que él no supo que tenía. Esta película de Pedro Almodóvar, en total ganó más de 20 premios, 15 de ellos a Mejor Película en distintos festivales. Ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera, ganó el Globo de Oro y el César en la misma categoría. Es la primera película española en ganar el Oscar y el Globo de Oro en el mismo año y es la única que ha ganado el Oscar, Los Globos de Oro y el BAFTA. Almodóvar ganó Mejor Director en los Goya y Mejor Película, Cecilia Roth Mejor Actriz, aparte de Goya en otras categorías.
The Exorcist (El Exorcista), 1973 En mi humilde opinión creo que es una de las películas que todavía hoy, produce terror. Una madre no creyente se enfrenta a la enfermedad de su niña, que presenta unos síntomas extraños, físicos y mentales, pero los médicos no saben que enfermedad tiene la niña. La madre comienza una búsqueda por la salud de su hija. Nominada al Oscar en nueve categorías, incluido Mejor Película y Mejor Director, ganó en dos: Mejor Guión Adaptado y Mejor Sonido. Ganadora en los Globos de Oro de Mejor Película y su director William Friedkin, gana Mejor Director, la actriz Linda Blair que hace de la niña gana el Globo a Mejor Actriz de Reparto. Entorno al elenco de los actores y actrices de la misma se han tejido muchas leyendas, algunas parecen ciertas, otras son solo eso, leyendas urbanas.
Nos cuenta la película acerca de una mujer valiente de mediana edad que no está dispuesta a que sus dos hijos pasen trabajo y cuando se ve abandonada por el padre de ellos y en un clima que no ayuda, rodeada por una serie de circunstancias, y sin empleo, decide agarrar lo que aparece y se mete en un negocio ilegal, y ella lo sabe, pero esto le garantiza el sustento de sus hijos. Aquí vemos a la actriz Melissa Leo en una actuación magistral que le valió su nominación al Oscar a Mejor Actriz. La película ganó el Gran Premio del Jurado en la categoría Dramática en el Festival de Sundance 2008.
Narra lo que sucede a una chica de los Estados Unidos que se casa con un hombre musulmán de Irán, un buen día deciden viajar ella, su esposo y la hija de ambos al país de él, para conocer a su familia, lo que allí sucede envuelve asuntos de política y religión. Basada en hechos reales, la película mantiene un buen ritmo que atrapa al público, con el suspenso que crea logra captar nuestra atención. Interpretada por Sally Fields y Alfred Molina.
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e n t r e v i s t a
MATTHEW McCONAUGHEY JORGE CAMARA
Hollywood, CA.Técnicamente Matthew McConaughey merecidamente ganó el Oscar al Mejor Actor de 2013 por su impactante participación en la película, “Dallas Buyers Club”. Lo que no hay que ignorar es que su actuación en otras dos cintas estrenadas el mismo año contribuyeron definitivamente a este reconocimiento. Si en “Dallas Buyers Club” el actor perdió mas de 20 kilos de peso para encarnar a un hombre infectado de SIDA, en “Mud” interpreta a un desaliñado fugitivo de la ley, y en “The Wolf of Wall Street” a un excéntrico y neurótico agente de bolsa, personajes diferentes y mucho mas complejos a los que nos tenía acostumbrados. Con su primera película, “Dazed and Confused” (1993), McConaughey demostró un innato talento; no obstante fue “A Time to Kill” (1996), la que lo llevó al estrellato, con la crítica considerándolo como un nuevo Paul Newman. Pero comedias románticas como “The Wedding Planner”, “Thirteen Conversations About One Thing”, “How to Loose a Guy in 10 Days”, “Ghosts of Girlfriends Past” o “Failure to Launch”, que estelarizó después, aunque comerciales, no cumplerion esta promesa. Su matrimonio con la modelo brazileña, Camila Alves, y los tres hijos de esta unión, lo llevaron a asesorar su vida y su carrera. Matthew se alejó de la profesión por dos años, de 2009 a 2011. En sus películas posteriores: “The Lincoln Lawyer”, “Bernie”, “Killer Joe”, “The Paperboy” y “Magic Mike” lo encontramos explorando personajes mas intrincados, obscuros y provocativos, ganado gracias a ellos un nuevo respeto en la industria, que obviamente lo ha favorecido con el premio mas codiciado del cine. 32
Conversamos con el actor días antes de que recibiera la dorada estatuilla. JORGE CAMARA: Estamos en medio de lo que se llama “la temporada de premios”. Has ganado prácticamente todos ellos, el Globo de Oro, la Liga de Actores, y docenas mas. ¿Que significan estos premios para ti? ¿Como los pones en perspectiva en tu trabajo, en tu carrera?. MATTHEW McCONAUGHEY: Lo que estos premios significan para mi es que mi trabajo se ha comunicado, que el público lo ha visto. En la mayoría de los casos terminas una película, le haces publicidad, sale al mercado, sale en DVD, y te vas a otra. En el caso de “Dallas Buyers Club”, hace ya año y medio, casi dos años que la hicimos, y aquí estamos. Esto quiere decir que para que una nueva luz la ilumine después de dos años, la historia y las actuaciones se han mantenido vigentes. Y esto es particularmente especial para esta película porque fue un milagro que fuera producida. Y que ahora la gente diga, es una película excelente, las actuaciones son excelentes, significa mucho para mi. J.C.: Eres el favorito a ganar el Oscar. Aunque tu compromiso con el personaje es indiscutible, ¿crees que el perder peso o cambiar físicamente para una película sea uno de los factores mas importantes para ganar un Oscar? M.M.: No sé. Yo perdí 47 libras. No fue algo gratuito. Fue difícil, pero la verdad es que además de darme la estructura para lo que tenía que hacer con el personaje, la pérdida de peso me ayudó en muchas otros aspectos. Necesitaba tres horas menos de sueño por la noche. Y todo el peso que perdí del cuello para abajo lo gané del cuello para arriba. Mis sentidos se agudizaron enormemente. J.C.: ¿No fue peligroso para tu salud en general? M.M.: Lo que primero que hice fue ver a un nutricionista, y me tomé cuatro meses para el tratamiento. Entendí que tenía que controlar mis comidas, solo pescado y vegetales. Básicamente no salí de mi casa y me convertí en un hermintaño por cuatro
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meses. Pero la película la filmamos en solamente 26 o 27 días. J.C.: ¿Como afectó eso a tu familia? M.M.: La verdad es que mi esposa y mis hijos veían la diferencia día tras día, de manera que no les sorprendió. Una vez mi hija me preguntó, ¿papá porque tu cuello se está alargando como el de una jirafa? (ríe). Pero eso fue lo único. Ahora que mi madre, que no me había visto por meses, si se asustó. J.C.: La historia de “Dallas Buyers Club” es verdadera, y el personaje que interpretas, Ron Woodroof, es un personaje real. ¿Hizo eso tu trabajo mas fácil o mas difícil?
...Yo perdí 47 libras. No fue algo gratuito. Fue difícil...
M.M.: Las dos cosas. Pude hacer mucha investigación. Leí sus diarios, vi sus álbums, oí sus grabaciones, sus monólogos, hablé con su familia. Como dije, la pérdida de peso no fue truco. Vi sus fotos. Fue algo muy necesario dadas las circunstancias. Ron y yo fuimos personas muy diferentes. Ron era un racista, muy negativo, pero tan pronto descubre que tiene SIDA se convierte en una de las personas que antes despreciaba, que discriminaba. Su transformación, su activismo, es el resultado de su jornada. J.C.: Rayon, el personaje de Jared Leto, por el que Jared es también favorito a ganar como Actor de Reparto, entiendo es un personaje ficticio. 33
e n t r e v i s t a M.M.: Efectivamente, pero fue necesario crearlo para contar la historia, para poder entender a Ron a través de su relación con Rayon. Muchos actores estuvieron interesados en el papel, pero es un papel que pudo ser sobreactuado, convertido en caricatura. Jared no había actuado en 6 años, y lo interpretó con gran sutileza. Yo no conocía a Jared y realmente no lo llegué a conocer sino hasta después que terminamos la película, antes al único que conocí fue a Rayon, a quien encontré muy humano, alguien con quien fue muy fácil hablar y muy fácil actuar. J.C.: “Dallas Buyers Club” es solamente una de tus últimas películas muy diferentes a las que habías hecho anteriormente. Se dice que te retiraste del cine temporalmente para poder reinventarte y poder interpretar personajes con comportamiento extreme. M.M.: Es cierto (ríe). Fue mi decisión. Pero “Paperboy”, “Killer Joe”, “Magic Mike”, “Mud”, me encontraron a mi durante una época de mi vida en la que no buscaba nada. Estaba en espera de algo que me inspirara, y llegaron estos anti-heroes. Lo estupendo de los anti-heroes es que crean sus propias reglas de comportamiento. Tal vez a eso te refieres cuando hablas de un comportamiento extremo. Tratar de representar a estos personajes como seres humanos sin convertirlos en caricaturas es muy, muy divertido. Para mi, como actor, es una experiencia que disfruto enormemente. J.C.: Otro de estos personajes es Mark Hanna, el agente bolsa en “The Wolf of Wall Street” junto a Leonardo DiCaprio, con quien irónicamente compites por el Oscar. Aunque solamente estás en pantalla unos minutos, tu participación en la película ha llamado poderosamente la atención.
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M.M.: Solamente trabajé en la película 5 días. Me enteré de que Martin Scorsese quería entrevistarse conmigo para ofrecerme un papel en “The Wolf of Wall Street”. En 1992, en la Universidad, estudié las películas de Martin Scorsese. Y 20 años después, llendo a su casa me dije, este es el director que estudiaste su cine y ahora vas a trabajar con él. De lo primero que me di cuenta es lo mucho que sabe de cine y lo mucho que aprecia que alguien sea bromista. De modo que fui, hice mi investigación, me preparé, y después de las primeras tomas ya ni nos comunicábamos en inglés, únicamente con señas. Los golpes de pecho es un ejercicio que siempre he hecho para preparar mi voz antes de una escena, y a Leo se le ocurrió que debía incorporarlo en la toma.. J.C.: Tu nuevo proyecto es la miniserie para HBO, “True Detective”, en la que nuevamente interpretas a un personaje, el detective del título que es extraño y atormentado. ¿Que te llevó a hacer televisión? M.M.: El hecho de que es una serie limitada a 8 partes. La vi como un guión de película de 450 páginas. Fue un trabajo de 6 meses. Fue como hacer otra película, pero mas larga. Lo otro es que para un actor de cine ya no existe el tabú de hacer televisión, algunos de los mejores dramas están en televisión. Ya no es un riesgo cruzar ese puente. Yo estaba en busca de calidad, y después de leer los dos primeros episodios, no tardé ni 5 segundos en decidirme. J.C.: Por cierto tu participación en “True Detective” ha sido también muy elogiada y ya se habla del Emmy. Pero, mientras tanto, mucha suerte la noche del Oscar. M.M.: Muchas gracias.
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La Década de los 80 y su Cultura Pop.. Básicamente, los años 80, fueron la época dorada del cine juvenil, un momento en el que la industria dejó sacar a sus directores y guionistas el niño que todos llevamos dentro. El riesgo económico era relativo y las producciones estaban dirigidas a un mercado descuidado hasta entonces por Hollywood: los niños y los adolescentes. Si la apuesta era un fracaso, no habría grandes pérdidas… pero si triunfaba, la rentabilidad sería alta y se estaría abriendo un nuevo mercado. Un win-win. La apuesta funcionó y el cine cambió para siempre. Fuente: Domingo de Cine.-
Bajo la era de Reagan, el cine se orientó hacia éxitos patrióticos y optimistas (Rambo, Top Gun). Spielberg y Lucas consolidaron sus posiciones como directores/ productores de trilogías muy lucrativas (Star Wars, Indiana Jones, Back to the Future), producciones más suaves, abundantes en efectos especiales y decididamente orientadas hacia el entretenimiento. Películas de acción como Aliens, el regreso y Die Hard se convirtieron en éxitos mundiales y fundaron un nuevo subgénero. La superficialidad de los spots publicitarios y de los videos musicales fue adaptada con éxito a la gran pantalla (Flashdance, 9 semanas y media). Fuente: Wikipedia.-
Adventures in Babysitting, 1987
A continuación, encontrarán una selección de películas (sin orden de preferencia) que de acuerdo a nuestro criterio, marcaron esta época y nos hacen recordar los 80 como la inolvidable década de la “Cultura Pop” Esperamos disfruten y reconozcan esta famosa selección de películas…
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a r t Í c u l o
Indiana Jones and The Temple of Doom- 1984.
Flashdance- 1983.
First Blood- 1982. Ghostbusters 1984.
License of Drive- 1988.
Stand by Me- 1986. Mannequin- 1987.
National Lampoon’s Vacation- 1983.
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a r t Í c u l o
Star Wars Return of the Jedi- 1983.
Bill & Ted’s Excellent Adventure- 1989.
Fast Times at Ridgemont High- 1982.
A Nightmare on Elm Street- 1984.
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a r t Ă? c u l o
Poltergeist- 1982.
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Splash- 1984.
a r t Í c u l o
Friday the 13th- 1980 Gremlins- 1984.
Pee-Wee’s Big Adventure- 1985.
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a r t Ă? c u l o
The Breakfast Club- 1985.
The Legend of Billie Jean- 1985.
The Great Outdoors- 1988.
Streets of Fire1984. The Apartament
The Karate Kid- 1984
Who Framed Roger Rabbit- 1988.
The Lost Boys- 1987.
Weird Science - 1985.
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de Billy Wilder, 1960
a r t Ă? c u l o
E.T. The Extra- Terrestrial. - 1982
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n o t i c i a s
Cortos a participar VI Festival de Cine Fine Arts 2015
Título original Gabriel Año de producción 2015 Género Drama de suspenso Duración 8:00 minutos Director José Maracallo Fotografía Leo Pérez Producción Marthaloidys Guerrero Arte Smayle Domíguez Reparto Etzel Báez, Karla Fatule, Camila Santana Sinopsis Dos mujeres buscan el favor de un hombre, cada una de ellas tendrá métodos diferentes para conseguirlo.
Título original Un día de suerte Año de producción 2013 Género Drama social Duración 13:06 minutos Directo: Fernando R. Blanco Fotografía Leo Pérez Diseño de producción Willian Ogando Música Diomedes Jiménez Sonido Juan Peralta Diseño de sonido Samuel Muñoz Montaje Alfonso Peña Maquillaje Wanda Marte Reparto Francis Roble, Esmerailin Santos, Angelo Rivas, Willy Rivas, Joel Smith Sinopsis En una comunidad latinoamericana, liderada por la desigualdad social, están Ramón, Papo y María. Vendedor de periódicos, delincuente y empresaria respectivamente. Creyentes que conviven en entorno y forma de vida diferentes, hasta que un delito provoca que sus destinos se crucen poniendo a prueba su fe.
Título original Detrás del silencio Año de producción 2014 Género Drama Duración 6:18 minutos Directora Mariluz Acosta Guión Mariluz Acosta Reparto Mariluz Acosta, Richard A. Trujillo Sinopsis Raquel vive con su marido por 10 años sufriendo maltrato emocional, pues es un machista que pretende resolverlo todo con tan sólo hacerle el amor. Hace 5 años Raquel decidió ponerle fin a la situación y decirle a su marido lo miserable que ella se siente a su lado, sin embargo todo se convierte en un círculo vicioso donde ella queda atrapada.
Título original La habitación circular Año de producción 2015 Género Drama Duración 8:00 minutos Director Alberto Paíno Henríquez Guión Oscar Pérez Producción Isabella Bretón Continuista Sixmarling Then Asistente de dirección Miguel de Moya Actores Judith Rodríguez, Oscar Pérez, Angel Tabar, Jorge Pastrano Sinopsis Una mujer se encuentra en una habitación completamente blanca. El constante sonar de un teléfono y la entrada de un hombre rige su destino o quizás el de ambos.
Los premios a los cortos que estarán participando son: PRIMER LUGAR: · Estatuilla · Premio Monetario de RD$30,000.00 · Beca de un año en el ITLA (Estudios relacionados a cine). · Proyección en la clausura. · Programación en la cartelera de FINE ARTS. SEGUNDO LUGAR: · Estatuilla · Premio monetario de RD$30,000.00 · Beca de un año en el ITLA (Estudios relacionados a cine). · Programación en la cartelera de FINE ARTS. PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTO: · Estatuilla · Premio monetario de RD$20,000.00 · Beca de un año en el ITLA (Estudios relacionados a cine). · Programación en la cartelera de FINE ARTS. PREMIOS ESPECIALES: Mención Especial a la Mejor Actuación Femenina. Mención Especial a la Mejor Actuación Masculina.
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Título original Porque quieres Año de producción 2015 Género Drama Duración 7:00 minutos Director Joel Morales Guión Luisito Lora Director de Fotografía Luis Corporán P. Dirección de Arte Joseph Estarlin Morel. Sonido José Vargas. Postproducción Luis Corpor 160n P. Actores Solanyi Gómez, Ramón Emilio Candelario, Belén Sánchez
Título original Angeles rotos Año de producción 2015 Género Drama. Duración 13:51 minutos Directora Lia Chapman Guión Lia Chapman Fotografía Iñigo Olea Edición Roberto Escamilla Garduño. Sonido Roberto Isnaloa Reparto Loles León, Lia Chapman, Cuca Escribano, Inés Pinole, Sonia, Javaga Graner, Lucina Gil, Mercedes Castro, Marina Gutiérrez
Sinopsis Una madre soltera tendrá que tomar la decisión de ir por el camino fácil o luchar por lo que quiere.
Sinopsis Cuando ocho mujeres están en un camino de búsqueda personal, se encuentran. Las vivencias de cada una de ellas repercuten en lo más profundo de la vida de todas.
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La Bicicleta Verde
A rmando A lman z ar
Si ha visto Ud. esta película, La bicicleta verde, Wadjda en su idioma original, y si alguien le pregunta de qué va la historia y le responde que versa sobre una niña de 10 años que desea fervorosamente tener una bicicleta verde, es muy posible que le digan algo como “¿y que tiene de interesante o de importante que una niña quiera una bici? Bien. Pero resulta que la niña de marras se llama Wadjda, y que es de nacionalidad árabe, específicamente de Arabia Saudita.
Y entonces las cosas comienzan a cambiar, porque esa nación no se maneja como los dominicanos, ni como los ingleses o los chinos.
Saudi Arabia es una nación conservadora, regida por los dictados de El Corán, y es por esa sencilla razón que cuando Wadjda ve a su amiguito Abdullah correr vertiginoso en su bici, cuando pasa por una tienda junto a él y ve una linda bicicleta verde y queda prendada de algo para nosotros, para nuestros niños y niñas tan común, y al llegar a su casa y pedirle a su madre que le compre esa bicicleta, a la señora le entran temblores porque ella sabe a ciencia cierta que cuando vean a su querida niña montando en dicho vehículo van a pensar mal de ella, de la niña, de su madre, de su padre, de todos en su familia porque, para los adictos a los preceptos de Alá, ese es un instrumento pecaminoso que atenta contra su femineidad. Pero ese no es el único problema que nos presenta la película, porque, además, la
madre no puede poner demasiada atención a su hija porque tiene otro motivo de preocupación: su esposo está a punto de casarse otra vez, y eso, por si acaso, no implica un divorcio, sino que el muy estimado señor va a tener dos esposas y que la nueva es, por supuesto, más joven que la inicial, y eso es algo normal en esa sociedad y bajo esos preceptos. Dirección: Haifaa AlMansour Guión: Haifaa AlMansour Reparto: Waad Mohammed, Reem Abdullah, Abdullrahman Al Gohani Año 2012 Género: Comedia,
Drama Duración: 98 mins. País: Arabia Saudita | Alemania | EE.UU.| Emiratos Árabes Unidos| Holanda| Jordania
The Angel’s Share, de Ken Loach De entrada, una confesión: no hemos ido con frecuencia a este Festival a pesar de la abundancia de películas de calidad. Ahora bien, de las pocas que hemos visto, una destaca con gran brillo entre todas: The angel’s Share, de Ken Loach. Y nada de extraño porque desde que vimos hace ya más de 40 años una de sus primeras, “Poor cow”, nos percatamos de la firmeza de su mano como realizador Loach es, casi con toda seguridad, el director británico que mejor trata los entresijos de la clase popular inglesa. En esta oportunidad nos enfrenta a un cuarteto de derrelictos sociales que se conocen
mientras prestan servicios comunitarios en una ciudad de Escocia. Todos ellos tienen un pasado de violencia, drogas, hurto, o sea, que son todo menos ciudadanos modelos. Y todos ellos, por supuesto, enfrentan un negro futuro porque son muy escasas las posibilidades que tienen de salir del agujero en que están metidos porque, sobre todo, aunque
desearan (y lo desean en realidad) hacer algo diferente, emprender algo nuevo y productivo dentro de los límites que les traza la sociedad, no cuentan con los medios económicos ni con las relaciones apropiadas para hacerlo. Dirección: Ken Loach Guión: Paul Laverty Reparto: Paul Brannigan, John Henshaw, Roger Allam Año: 2012 Género: Comedia, Crimen, Drama Duración: 101 mins. País: Reino Unido | Francia | Bélgica | Italia
Prisoners, no hay otra palabra: ¡formidable! Denis Villeneuve es, aunque apenas hemos visto dos obras suyas, un maestro. “Incendies” es tan excelsa que se pasa de excelente. Y ahora, “Intriga”, es una de las mejores cintas de este 2013. Ese título es inocuo. El verdadero, el que sí da la idea, es “Prisoners”, porque esta historia original de Aaron Guzikowski nos cuenta sobre personajes que no están encerrados físicamente, pero, mentalmente, son prisioneros de sus formas de pensar, de sus idiosincrasias, de sus creencias. Keller Dover, desde el mismo inicio de la acción, cuando está con su hijo 44
adolescente cazando en el bosque, antes de disparar al ciervo reza a su dios, reza para que sus pecados sean perdonados. Y cuando decide hacer lo que es el nudo de la acción y no podemos revelar, muy a pesar de lo repugnante de lo que se dispone a hacer, también reza para tener fuerzas, para que su dios le ayude en su misión. Y si los secuestradores hacen lo que hacen, también lo hacen en nombre de su dios que, por cierto, es el mismo al que reza el piadoso Keller. Con la excepción de Loki, el policía investigador, todos o casi todos los personajes centrales son prisioneros de su mente, son víctimas de sus creencias, se
convierten, para mal, nunca para bien, en verdaderos seres enloquecidos por la obsesión de un supuesto cumplimiento de su deber, de su misión en la tierra.
Dirección: Denis Villeneuve Guión: Aaron Guzikowski Reparto: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis Año: 2013 Género: Crimen, Drama, Misterio Duración: 153 mins. País: EE.UU.
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FORCE MAJEURE R ubén P eralta R igaud
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ientras veía Force Majeure en su pausada y magistral narración, pensé por varios momentos en Stanley Kubrick, específicamente en dos de sus películas: Eyes Wide Shut y The Shining. Sin lugar a dudas son influencias directas para el guionista y director de Force Majeure, Ruben Ostlund. ¿Por qué? Eyes Wide Shut nos va adentrando en la psiquis del Dr. William Hartford (Tom Cruise) a causa de una conversación cotidiana con su esposa Alice (Nicole Kidman). Pero no solo muestra la exploración de dicha psiquis, sino que a raíz de esa inocente confesión, y ese aparente simple deseo de su esposa, William comienza a dudar de si mismo como hombre y a querer demostrarse a sí mismo que puede hacer cosas, un viaje que no solo explora deseos, sino que explora dudas. En The Shining vemos como la soledad y la locura se va apoderando de Jack Torrance (Jack Nicholson), apoyando por el frío y aburrido entorno. Ambas películas exploran el lado oscuro del ser humano, así como también explora qué tan frágil pueden ser las relaciones. Creo que estas películas son un profundo estudio entre amor, sexo, lujuria y confianza, claro está, sin dejar de lado nuestra protagonista sueca. La familia de Tomas, está de vacaciones en Los Alpes franceses. Son unas felices vacaciones, hasta que en un momento, comiendo el almuerzo, una avalancha cambia la tranquilidad de la familia y ya dichas vacaciones no serán tan placenteras. Cuestionamientos de cuáles deben ser los roles en la familia salen a flote y cuestionan, no solo a los protagonistas, sino a todos.
Lo espectacular de la cinta data en lo breve y pausado que va creando esa atmósfera, una atmósfera de dudas, preguntas e infelicidad, todo por un pequeño “supuesto” error. Creo que sería injusto para mí no mencionar Cache de Michael Haneke, que no cree en el perdón, al menos en su cine. Actuaciones fabulosas de Johannes Kuhnke y Lisa Loven Kongsli apoyan a la estupenda dirección de Ruben Ostlund, que no deja escapar detalles. Desde el más mínimo gesto hasta los diálogos y situaciones creadas por los niños, resultan importantes para su desenlace. No quiero olvidar la perfecta fotografía de Fredik Wenzel. También rompiendo el paradigma musical de que no puedes crear emoción con una sola partitura, Ostlund lo hace, y lo hace perfecto. Injustamente obviada por la academia, Force Majeure es de lo mejor del 2014, y espero que puedan, como lo hice yo, sufrir en carne viva los cuestionamientos morales de esta cinta. Esto es cine. Dirección: Ruben Östlund Guión: Ruben Östlund Reparto: Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Clara Wettergren. Año 2014 Género: Drama. Duración: 120 mins. País: Suecia
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R ubén P eralta R igaud
de historias de Pixar. No importa la edad que tengas, dichas historias siempre te dirán cosas diferentes. Sin importar los años de tu vida que hayan transcurrido, tus ojos y sentir de niño morirán contigo, ahí es donde radica la verdadera magia.
Aún
tengo fresco en mi memoria el recuerdo de la primera vez que vi Toy Story. Sabía que no era una película animada común y corriente, algo mágico había detrás de esos efectos visuales, y al fin pude descubrirlo. Las historias de Pixar son atemporales. Pixar es como El Principito (de Antoine de Saint-Exupéry) del cine. ¿Por qué hago dicha referencia al libro de Saint-Exupéry? A mi entender, ese libro tiene algo de mágico. Puedes leerlo cuando eres un niño y vas a entender algo. Si lo lees cuando eres adolescente lo interpretarás de otra manera, y si lo lees como adulto, no descartarás los conceptos anteriores, pero si entenderás las diferencias entre ellos. Aún no llego a la vejez, pero cuando llegue (ojalá así sea) lo volveré a leer y estoy casi seguro de que mi percepción no será la misma, y tal vez tenga otro Baobab. Esto mismo sucede con la mayoría 46
Cuando se le preY es que, aún escribiendo estas paguntó porque el personaje labras, y haciendo memoria a de Bing Bong se había mantenimis historias favoritas de dicha do en secreto, durante la promocompañía, la emoción y la felición de la película, el director Peter cidad me invitan a re-visitarla, Docter dijo: “Nosotros quisimos aseya que extraño mucho aquella gurar que el fuera una sorpresa para inocencia. la audiencia, porque como cineasta, odio cuando miras los avances y todo Después de que Riley (Kaitlyn se revela en los mismos. Entonces la Dias) se muda de Minnesota gente reacciona y dice: ‘Ok.. Ya a San Francisco con sus padres no tengo entonces que (Voces de Kyle Machlahan y Diane verla”.
Lane) inicia el conflicto en como encajar con amigos nuevos, nueva escuela y la nostalgia, pero ella nunca está sola, ya que dentro de su subconsciente hay un equipo que no la dejará sola: Joy (Amy Poehler), Sad (Phyllis Smith), Fear (Bill Hader), Disgust (Mindy Kaling) y Anger (Lewis Black), todos ellos conforman esas vocecitas que no nos dejan en paz. En dicho caso, esas vocecitas le pertenecen a Riley. Ya quisiera yo poder elegir los actores que representen las mías. El Diseñador de Producción, Ralph Eggleston, trabajo por cinco años y medio en Inside Out. El dijo que es el tiempo más largo en que ha trabajado en una película, y que ha sido el proceso más difícil para él también.
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Lewis Black como Anger.
Bill-Hader como Fear.
Amy Poehler como Joy.
Mindy Kaling como Disgust.
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Pllyllis Smith como Sadness.
L o s Conforme al director Peter Docter, cada emoción esta basada en una forma: Joy (Felicidad) está basada en una estrella, Sadness guionistas (Tristeza) en una lágrima, Anger (Rabia) en un ladrillo consideraron hasta 27 de fuego, Fear (Miedo) es una llaga y Disgust emociones para esta película, (Disgusto) es un brócoli. El director apunto sin pero luego se concentraron embargo, que le encanta el brócoli. El director Peter en 5 (Felicidad, Tristeza, Rabia, Docter puede consagrarMiedo y Disgusto), para hacerla se como una de las mentes más menos complicada. Algunas de las creativas del cine de animaemociones que terminaron no ción. Escritor de la trilogía de pasando la prueba fueron: Toy Story, Wall-E, Up y esta Sorpresa, Orgullo y Inside Out. Todas son credenciaConfianza.
les más que suficientes a la hora de hacer historia, y no solo suficientes, sino necesarias. Él, junto al dibujante Ronaldo Del Carmen, crean el universo extraordinario dentro de la cabeza (y fuera de esta) en la vida de Riley, y nosotros no podemos estar más agradecidos por ello.
No crean que la historia se quede en el desarrollo de las emociones. Es un viaje complicado dentro de la mente y experiencias de un niño, pero dicha complicación resulta tan fácil y maravillosa, y sobre todo divertida y nostálgica. No importa que tan fuerte o maduro te creas ser, estoy seguro que Inside Out te hará llorar de emoción. Aun las lágrimas no corran por tus mejillas, dicha emoción, memorias, personajes y situaciones son intrínsecas en todo ser humano, así que no podrás escapar de ellas. Inside Out es la mejor película de Pixar desde Up, y sin lugar a dudas, la más original, refrescante y nostálgica. Es difícil decir cuál es la mejor entre tantas maravillosas historias de este gran equipo de creadores. Yo como humilde y ansioso espectador, seguiré disfrutando y visitando, mediante sus películas, una niñez que no he olvidado.
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Kaitlyn Dias como Riley. Originalmente, el personaje de Riley iba a tener una mascota y un hermano mas joven. Se decidió que ambos salieran de la historia, para darle mas vulnerabilidad al personaje de Riley.
Psicólogos y otros expertos fueron consultados para que los guionistas pudieran entender más claramente de que manera podían hacer funcionar el cerebro de Riley y que fuera científicamente correcto. Por ejemplo, es una creencia que las memorias de corto plazo que se construyen durante el día son convertidas en memorias a largo plazo durante la noche, cuando se duerme. Esto es exactamente lo que pasa con el cerebro de Riley.
Dirección Pete Docter, Ronaldo Del Carmen. Guión Pete Docter (historia) Michael Arndt (guión) Reparto Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan Año 2015 Género Animación, Comedia, Ficción. Duración 103 min. País EEUU.
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a r t Í c u l o Escena de El Perro Andaluz
MÁS ALLA DEL REALISMO L uis J ansen
“Surrealismo no es una escuela poética, sino un movimiento de liberación (...) Es revolucionario, porque es un retorno a al principio de los principios Octavio Paz
Si
existe un movimiento artístico que ha tenido una firme presencia en la historia del cine, es el Surrealismo. Esto debido a que si bien la pantalla la pantalla grande no puede mentir, puede soñar. Grandes trabajos surrealistas se han producido en filme, y quizás no pudiese uno imaginarse dicho movimiento vanguardista sin el cine. El cine ha sido un catalizador para la evolución y arraigo del Surrealismo. Han sido colegas inseparables en la lucha subversiva contra la mímesis ortodoxa. Desde su inicio hasta el presente, el Surrealismo ha utilizado el cine como instrumento de exteriorización. El Surrealismo nace en Francia a principios del siglo XX, pero prácticamente teórico. Bajo circunstancias políticas las ideas Luis Buñuel
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llegan a España, donde se lleva al campo práctico. Mientras García Lorca y la generación del 27 escribían las páginas de la historia, y Pepín Bello los fotografiaba, otros de sus íntimos amigos creaban obras que definirían el cine de arte. Luis Buñuel y Salvador Dalí, unieron fuerzas en la coautoría de un épico trabajo. Un perro andaluz (1929), cortometraje inspirado en 2 sueños de los autores, posicionó a Buñuel y Dalí en el mapa surrealista y cambió por siempre la forma de hacer cine. Un poco después realizarían juntos la también surrealista y experimental, La edad de oro (1930). Buñuel luego se muda a América, donde en Méjico continúa evolucionando junto al Surrealismo. Realizó algunas de las mejores películas de la historia del cine y que sirvieron de influencia a los grandes cineastas contemporáneos. Salvador Dalí
a r t Í c u l o Wild At Heart
David Lynch Mulholland Drive Jodorowsky
David Lynch
Elementos presentes en los mencionados trabajos de Dalí/ Buñuel, se convirtieron en icíonos esotéricos del Movimiento. Muerte, putrefacción y descomposición, sexualidad, violencia entre otros; se observan en trabajos de directores como Jodorowsky y Lynch. Filmes como Santa Sangre (1989) y Mulholland Drive (2001) son excelentes trabajos que se enmarcan dentro del Movimiento. Wild at Heart (1990) de Lynch, galardonada en Cannes, es una interesante amalgama de road movie, acción, Elvis Presley y Mago de Oz que se apoya en el surrealismo. Imperdibles también los trabajos de Federico Fellini, que encontraron su espacio para expresión dentro del movimiento Surrealista, y también pasaron a ser de los mejores trabajos que se han plasmado en un filme. De Italia también salen los trabajos surrealistas de Pier Paolo Pasolini, quien además nunca ocultó su devoción por Marqués de Sade, personaje que tuvo mucha influencia sobre los primeros surrealistas.
Darren Aronofsky
Fellini
En la nueva generación de directores se ha también experimentado dentro del surrealismo (Hnos. Coen, Del Toro, Jonze). Un contemporáneo que abraza el surrealismo es Darren Aronofsky, quien ha entregado trabajos como Pi (1998) y Cisne Negro (2010). Otro de los más recientes laureados surrealistas es Apichatpong Weerasethakul, quien es responsable de El Tio Boonmee que recuerda sus vidas pasadas (2010), que aún intentamos entender. Latinoamérica ha sido productora de muchas de las grandes películas surrealistas de la historia. La presencia de Buñuel y Jodorowski en Latinoamérica, sentó las bases del sentimiento rupturista de preceptos narrativos convencionales, que han hecho referencial al Nuevo Cine Latinoamericano. El surrealismo continúa vigente, y presente en el cine. Tienen relativamente la misma edad. Juntos seguirán tomados de la mano mientras atraviesan sus procesos evolutivos.
Black Swan
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El Hombre que hizo reír a Drácula; Entrevista a
Francisco Valdez R ubén P eralta R igaud
“Cuando me enteré que Woody Allen hacía una película por año. Ahí caí en cuenta que esto era un trabajo de ponerse en eso y no de sentarse en un arrecife del malecón a esperar a que la inspiración llegue”.
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Nacido
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bajo el nombre de Francisco Adolfo Valdez Collado, es un director de cine que saltó al ojo público gracias a su ópera prima De pez en cuando, una comedia llena de situaciones en la cual un escritor (Luis José Germán) pierde las ganas de vivir y decide con mucha mala suerte quitarse la vida, pero por paradojas de la vida, ese día su vida cambia y poco a poco se ve envuelto en una espiral cómica y peligrosa.
¿Es cierto que un director es un actor frustrado? No. Por lo menos no es mi caso.
De pez en cuando fue un éxito de taquilla y crítica, no es sorpresa ya que presenta algo fresco y diferente en el golpeado género de la comedia dominicana. Francisco parece un hombre tímido y “serio” pero esta entrevista les dejará ver, como lo hizo conmigo, que es un hombre ingenioso, cómico, preparado y lleno de situaciones personales (muy parecidas a las de su película). Recientemente fue nominado al premio Soberano en 3 categorías (Director, Mejor Película y Actor principal).
En una industria donde lo que vende es la comedia burda, tú presentas una comedia algo diferente a lo conocido ¿Te sorprendió cómo el público y la crítica aceptó la película? Yo no leí las críticas, con excepción de una que me envió el crítico directamente. En cuanto al público en general, siento que al dominicano le gusta participar, y cuando se topa con el autor de una obra, no se pierde la oportunidad de dejarle saber lo que no le pareció bien de la obra, así que he recibido mi buena dosis de crítica personalizada. Yo creo que los comentarios de los críticos especializados son para el público y las críticas del público son para mí, y trato de asumirlas para crecer, pero sin entrar en el afán de querer ser complaciente, pues cada obra apunta a un blanco de público y la asimilación en ese blanco es la que determina la efectividad del enfoque.
Nombre completo Francisco Adolfo Valdez Collado ¿Dónde Naciste? Nací en una clínica, pero de eso recuerdo poco. Se armó una bebedera, pero a mí solo me dieron leche. ¿Cómo fue tu infancia? Mi infancia fue privilegiada, por la época que era y por la familia que me tocó. Era una época en la que se jugaba en las calles de tu propio barrio y los vecinos eran una familia extendida. En general, yo era un niño introvertido, pero tenía buenos amigos con los que compartía.
¿Qué es “De Pez en Cuando”? De Pez En Cuando, que inicialmente se llamaba “Sediento”, en el fondo es la historia de una persona que pierde la sed de vivir y que tiene que casi ahogarse, para encontrar la sed de salir con todas sus fuerzas a coger el oxígeno que le hacía falta.
“...siento que al dominicano le gusta participar, y cuando se topa con el autor de una obra, no se pierde la oportunidad de dejarle saber lo que no le pareció bien de la obra, así que he recibido mi buena dosis de crítica personalizada.”
¿Cuál fue tu primer trabajo en el mundo del cine? Mi primer trabajo pagado fue para un pequeñísimo documental en USA. Vivía en NY y me volaron a Oakland. En mi día libre, pude conocer San Francisco con una compañera de trabajo que había vivido allá. Como caminamos mucho, ella se quiso parar a tomar un café y como yo no tomaba café, pedí un té. De ahí en adelante tomo té todos los días. Así que no estuvo nada mal mi primer trabajo. Me pagaron, en una época en la que yo hubiera pagado por trabajar en cine, conocí San Francisco y descubrí mi amor por el té.
¿En qué momento decidiste irte por el cine? ¿Qué pasó? Cada vez que viajaba, compraba revistas de cine, y en una vi un anuncio para estudiar en una escuela de cine. Ahí caí en cuenta de que era algo se podía estudiar. Pero en ese momento yo estaba cursando otra carrera, y no tenía los medios para irme a un sitio a estudiar. Años más tarde, mientras me encontraba en Buenos Aires con la intención de hacer un posgrado, vi que tenían escuelas y me metí. Fue una decisión difícil, pues en aquel momento solo se habían hecho un par de películas en República Dominicana.
En cuanto al enfoque de las comedias dominicanas, yo estaba dudoso de utilizar el adjetivo de comedia para mercadear mi película, para no crear falsas expectativas en un público que tal vez está esperando otra cosa. Recuerdo en esos días haber ido a ver la de Walter Mitty a una sala casi vacía y salir tan satisfecho de ver una comedia redonda, para escuchar a la fila de detrás mío exclamar “que clavaso!”. Ahí dije “nos jodimos’’. Yo no podía aspirar a tener una comedia del nivel de Walter Mitty, y a esa la estaban tirando a la hoguera.
Ya “De pez en cuando” ha viajado mucho, ¿Cuántos festivales lleva? Cerca de 20. Ha habido un poco de todo. Fui, por ejemplo, a uno en que me pusieron el primer screening en una hora muy mala, justo después de un corto buenísimo, que cuando terminó, todo el mundo salió de la sala. Solo quedé yo y una chica con una pierna enyesada. Antes que empezara la película la vi que amagó con coger las muletas, entonces agarré y me presenté diciéndole que yo era el director de la próxima película, por si su intención era coger las muletas para irse. Al final sugestioné a la coja para que se quedara, pero le gustó mucho la película, así que valió la pena. Unos días más tarde tuve otro screening ya con una audiencia más respetable. Tal vez la coja regó la voz. ¿Qué tan difícil es sacar un proyecto que, en papel, no se ve rentable en la industria de cine dominicana? Es muy difícil. En general, pocas 51
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películas se ven rentables en el papel ahora mismo. Pero tenemos FONPROCINE y ayuda de IBERMEDIA. Eso tiene su ruta y complicaciones propias, pero ofrecen cursos para aprender a moverse en esas aguas. Espero mi tercera película poder hacerla con apoyo deIBERMEDIA, pues la segunda ya la estoy encaminando por otra vía. ¿Quién es el Humberto “Che” Castellanos para ti? Primero, es mi amigo. Segundo, un colega que me complementa en muchas facetas de lo que hacemos. Los dos tenemos una formación mixta en el área, pero nunca nos pisamos los pies. En nuestra compañía somos solo nosotros dos, pero por la dinámica y confianza que tenemos, somos muy productivos. ¿Cuál fue la primera película que recuerdas haber visto? Recuerdo haber visto una película con una bruja que volaba en una escoba, pero nunca supe el título y no me he vuelto a topar con ella. Me gustaría encontrarla. Mencióname tus películas favoritas de niños y adolescente De niño: E.T. El extraterrestre y El Imperio Contraataca. E.T. Todavía sigue siendo un referente para mí a nivel de guión, manejo de personajes, tema, sub-trama y otras cosas. A E.T., si le quitas el extraterrestre, sigue siendo un excelente drama familiar visto desde el punto de vista del niño. ¿Dónde conociste a Itahisa Machado? Tengo unos amigos interesados en conocer su historia. ¿Seguro que es su historia que quieren conocer? Yo tengo un par de amigos que también están interesados en “su historia”. Realmente nos conocimos cuando estábamos ya haciendo casting para la película, hicimos click de inmediato. Espero tener la oportunidad de colaborar con ella en un futuro.
Pero volviendo a tu película, ¿no fue algo osado el uso de la voz en off? De mi parte, nunca sentí que fue osado. Surgió de la forma como yo quería presentar al personaje. Para mí era un personaje pasivo que se estaba dejando llevar y ahogar por la corriente, así que quería una voz que representara el presente, pudiendo mirar atrás con cierta sabiduría y cinismo. Por ese mismo desapego temporal y anímico de la voz, fue que evolucionó a convertirse en otro personaje.
¿Cómo se te ocurrió la historia de “De Pez en cuando” y porque decidiste dirigirla tú? Quería hacer una película que lidiara con la felicidad y la falta de ella en casos donde no hay porque estar infeliz… Quería que el agua y su color azul sirvieran para mostrar simbólicamente el ahogamiento del personaje a la misma vez que como elemento depurante, porque el agua, dependiendo en la medida, te puede ahogar o limpiar y dar vida. Así como quería el color azul, quería un toque de color naranja, que contrasta con el color azul y representa lo opuesto al estado de ánimo del personaje. Así que la decisión del personaje del pez, surge más de una decisión de color que otra cosa… En cuanto a por qué la dirigí yo, la había escrito hace un tiempo para dirigirla, pero no se dió. Luego se la había ofrecido a un amigo para que la
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dirigiera, pues yo estaba muy ocupado con otras cosas. Al final me desocupé y decidí hacerla. Realmente a mí lo que más me gusta es dirigir, y escribir es un pretexto para hacerlo, pero no siempre se puede hacer todo. Hacer cine es muy colaborativo y en industrias pequeñas como la nuestra, a veces hay que coger turno para que te toque hacer lo que realmente quieres hacer. La ley de cine ha acelerado ese proceso para muchos. ¿Qué otras habilidades, aparte de escribir y dirigir, te gustaría explorar? Mecerme en una mecedora con un solo pie. Ya lo hago bastante bien, pero me gustaría tener el tiempo para poder practicar más. ¿Tú me vas a decir a mí, que la gente en Transilvania se rieron con tu película? ¿Cómo fue esa experiencia? Jajaja. Los transilvalianos son gente bien. Fuera de relajo, da la casualidad que la película estuvo en dos festivales diferentes en Transilvania, uno en Brasov, donde ganó el premio del público y otro en Cluj-Napoca. Tuve la dicha de poder asistir al de Cluj y la experiencia fue increíble. Son personas sumamente cultas, sensibles, amables y divertidas. Lo más extraño, fue que me topé con un montón de gente que entendía y hablaba español. De vuelta a tu pregunta, si, se rieron con mi película. Todos tenemos un modelo a seguir. ¿Qué personaje del cine ha sido una influencia directa para ti? ¿Por qué? Directa no sé. Tengo gente que me gusta y admiro, pero no siento una influencia directa. Ojalá yo poder decirme a mí mismo “¿qué haría fulano en esta situación?”. En cambio, afronto cada proyecto a partir de la idea y de buscar la forma de contarla que mejor se acople a ella, claro está, con mis limitaciones particulares. La única influencia consciente que puedo nombrar, es la de cuando me enteré que Woody Allen hacía una película por año. Ahí caí en cuenta que esto era un trabajo de ponerse en eso y no de sentarse en un arrecife del Malecón a esperar a que la inspiración llegue. Creo que de ahí en adelante me enfoqué en hacer historias cotidianas, que puedan escribirse y realizarse, sin necesidad de re-inventar la rueda. Ya llegarán excepciones, pero para mí este es el momento de hacer oficio y explorar con lo que se tiene a mano. ¿Qué tanto vas al cine? Lamentablemente poco. Soy amante del cine, pero el estar de este lado de la profesión me consume mucho tiempo ahora mismo, y mis proyectos personales los trabajo en mi tiempo libre, lo cual me deja poco para ir al cine y otras cosas. Por suerte, ya tengo los guiones de mis próximos dos proyectos, así que en teoría se supone tendré un poco más de tiempo libre hasta que empiece la preproducción de mi próximo proyecto. ¿Te gusta comer COCALECAS (Popcorn)? Si. Acabo de salir de ver la película de Pinky en la muestra de cine dominicano en Portugal y era el único con cocaleca. ¿Cómo se llamará tu próxima película? Mi próxima película, que hasta ahora se titula “Flor”, muy bien se podría titular “Las buenas intenciones”. Es eso, una película que intenta explorar la diferencia que puede existir entre hacer el bien y hacer lo correcto, y de cómo una secuencia de buenas acciones, realizadas por una persona bien intencionada, la pueden llevar al borde de convertirla en villana.
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Que verde era mi valle, en la que Donald Crisp ganó el Oscar como mejor actor secundario en 1942.
El Cine a la Séptima Potencia 2 015 de fecha abril H aché C ineasta 3 3 en ( P arte 2 ) Á ngel ado z empe n de artículo C ontinuaci ó
Michael Curtiz Nació en Hungría en 1886 y su fallecimiento fue en Los Ángeles en 1962. Comenzó actuando y luego dirigiendo en su nativa Hungría en 1912. Luego pasó a realizar filmes en Austria y Alemania hasta 1920 y se trasladó a EE. UU en 1926 trabajando para Warner Bros. . Su primera película fue Ma Es Holnap (1912), cuando se llamaba Kertesz Mihaly que luego cambió por Michael Curtiz, con el que mundialmente se dio a conocer. En 1919 en Viena realizó Die Dem Schawrzen Hands. En Alemania Das Spielzeus von Paris (1925). En 1926 se traslada a los EE. UU. y realiza el largometraje The Third Dregree, con Dolores Costello y después de hacer Good Time Charlie (1927), comienza en el cine sonoro con Tenderloins (1928).
Raoul Walsh Estuvo 52 años dirigiendo. Nació en 1887 y murió en 1980. También fue actor y guionista. D.W. Griffith fue su maestro en el arte cinematográfico. Comenzó haciendo cortos desde 1912 en la época del cine mudo. Sus más importantes fueron El Ladrón de Bagdad (1924); El Hijo Pródigo (1925); Los Amores de Carmen (1927); y Sadie Thompson (1931) con Gloria Swanson, su última película muda. Fue uno de los 36 fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.
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El Expresionismo Cinematográfico Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. La iniciaron los alemanes en la pintura, el teatro, la música y la literatura. Fue una respuesta al cataclismo de las matanzas y los estragos de las guerras del siglo XIX. Con la Primera Guerra Mundial se agudiza y comienza el derrumbe de la civilización occidental de ese siglo y por supuesto, esto se refleja en el cine. Las películas del expresionismo alemán tienen un marcado tono metafísico, reivindicando lo gótico y lo romántico. La productora alemana UFA, creada por el gobierno, para contrarrestar la influencia del cine norteamericano e intentar hacerle frente a la poderosa industria estadounidense. Sus características técnicas como la escenografía, adquieren trascendencia. Las calles y perspectivas no tienen profundidad real, hay una gran cantidad de direcciones diagonales, las curvas inesperadas provocan una reacción psíquica distinta a las líneas de corte armónico. Hay un contraste acentuado de luces y sombras para subrayar y destacar con exceso el relieve y contorno de un objeto, a las molduras de un decorado. Para lograrlo se utilizan grandes proyectores sobre los costados. Los personajes son lúgubres y se caracterizan por su ambigüedad y desdoblamiento, visten capas, se maquillan de blanco para dar idea de máscaras, sus movimientos son abruptos y duros, quebrados a mitad de camino. Los directores alemanes más destacados del expresionismo son: Paul Wegener, Robert Wiene, Friederich Murnau, Fritz Lang y Georg W. Pabst. La influencia de este movimiento artístico se expandió por otros países, pero sobre todo a Norteamérica. El Gabinete del Dr. Caligari
King Vidor
Robert Wiene Su primer filme fue rodado en 1913, Die Waffen der Jugend. Reputado director de melodramas, realiza luego su película más famosa El Gabinete del Dr. Caligari (1920), con Conrad Veidt, considerada uno de los mejores ejemplos del Expresionismo Alemán, una de las etapas que marcó el cine. Otras películas suyas son: Las Manos de Orlac (1924); Raskolnikov (1923); El Caballero de la Rosa (1925). Su primer filme en el cine sonoro fue, Der Andere; en 1938 dirige Ultimatum, con Erich von Stroheim.
Nació en 1873 en Alemania y murió de cáncer en París en 1938. Fue actor de teatro, guionista y productor.
Frank Borzage Nació en Utah en 1894 y murió en Los Ángeles en 1962. Primero en ganar un Oscar como Mejor Director. Graduado de Actor participó en westerns y comedias en 1912, hizo de protagonista alternando con villanos. Contratado por la El Séptimo Cielo, Twentieth Century Fox desde 1925 a 1932. En película por la que ganó mejor director muchos de sus filmes combina el romanticisy mejor actriz para mo con la espiritualidad. Además de director Janet Gaynor, también fue productor, su primer cortometra1927 . je fue “The Mystery of Yellow Aster Mine” (1913). Su primer largometraje se tituló El Tumbón (1925). Otros largos notables de su filmografía de la época muda fueron El Ángel de la Calle (1928), con Janet Gaynor: Él Séptimo Cielo (1927), también con Janet Gaynor que le valió un Oscar como mejor actriz, siendo Borzage el primero que gana como Mejor Director. Estrellas Dichosas (1929) fue su primera cinta sonora. 54
Nació en Texas en 1894 y murió en California en 1982. Director, guionista y productor norteamericano que sobrevivió a un terrorífico huracán en 1900. Fue distinguido por la Guinnes World Record, como el realizador de carrera más larga, 67 años. Presidente del Screen Directors Guild (1936-1938). Comenzó su carrera con, The Grand Military Parade (1913) y la terminó en cine sonoro con el documental The Metaphor, en 1980. Hizo con sus películas una radiografía de la sociedad norteamericana y demostró su gusto por los elementos épicos y líricos de la narrativa cinematográfica. Entre las más importantes en su filmografía, algunas consideradas obras maestras, podemos mencionar: El Gran Desfile (1925), con John Gilbert; Vida bohemia (1926); Y el Mundo Marcha (1928), por la que recibió una nominación al Oscar; Espejismos (1928). Fue pionero con su primer largometraje sonoro, ¡Aleluya! (1929), en la que el sonido toma por primera vez una relevancia artística y con King un reparto totalVidor con mente afroameel elenco ricano, logrando de la otra nominación película Aleluya al Oscar como de 1929. Mejor Director. Paul Wegener Nació en 1874 en West Prussia y murió en Berlín en 1948. Estudió leyes e historia. Debutó en el cine como actor en El Estudiante de Praga (1913), que también codirigió. El arte expresionista lo estudió con Max Reinhardt. Como director realizó 19 filmes; en 1915 hizo por primera vez El Golem por el que será recordado principalmente y en 1920 hizo de nuevo, El Golem en un largometraje. A partir del 1937 se dedicó solamente a actuar.
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Charles Chaplin
Donald Crisp
Nació en Londres 1889 y está considerado como uno de los más grandes íconos de la historia del cine. También era guionista. Como actor creó un inolvidable personaje, Charlot, y como Charlie Chaplin director realizó varias obras maestras en su personaje de ”Little tanto en el cine mudo como en el sonoTramp”. ro. Además era: editor, sonidista, compositor y productor. Murió en Suiza en 1977. Su personaje: “Little Tramp”, (vagabundo), mejor conocido como Charlot, que se caracterizaba con un pequeño bigote, sombrero bombín, un bastón, y con una forma de caminar muy especial. Se mudó a California en 1913 y firmó un contrato con Keystone Studios, dirigido por Mack Sennett. Con este estudio hizo 35 películas como actor y director. En 1917 creó el Chaplin Studios, y en 1919, junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David W. Griffith formó United Artist. Su carrera estuvo llena de escándalos amorosos y controversias, nunca aplicó para hacerse ciudadano americano y despertó sospechas del director de la FBI J. Edgar Hoover, que lo acusó de inyectar propaganda comunista en sus películas. Su primer filme sonoro fue El Gran Dictador (1940), pues cuando llegó esta nueva forma de hacer cine él estuvo reacio por varios años.
Director y actor nacido en Londres (1882). Se trasladó a los Estados Unidos donde comenzó su carrera de actor y luego fue asistente del director David W. Griffith. Realizó numerosos cortos desde 1914, entre los más destacados podemos mencionar: “Ramona” (1916); “Johnny Get your Gun’ (1919); “Tell your Children” (1922); el extraordinario film El Navegante (1924), codirigido con Buster Keaton; otros notables largometrajes fueron: Don Q, Hijo del Zorro (1925); El Joven Príncipe (1926); El Cadete (1927) y The Cop (1928), su último fue en 1930. En el cine sonoro ganó un Oscar como Mejor Actor secundario por ¡Qué Verde era mi Valle! (1942), dirigida por John Ford. Murió en El Navegante,1924. California en 1974.
Con su personaje de Charlot, transmitía la supervivencia en un mundo lleno de gran inCharles Chaplin justicia social. Su rostro tenía una variedad en Tiempos notable de expresiones. Envió un telegrama Modernos, a la House Un-American Activities Council, 1936. diciendo que él no era comunista y que nunca había pertenecido a ningún partido u organización. Fue el primer actor en aparecer en la portada de la revista Times. Echaron a Siendo un genial actor y correr el rumor de una gran director nunca rivalidad con Buster Keaton. ganó un Oscar. Siendo un genial actor y director nunca ganó un Oscar. Ganó un premio honorario por su versatilidad en la película El Circo; en el Festival de Venecia ganó “El León de Oro” por su carrera en 1970. Su primer corto confirmado fue “Charlot y la Sonámbula” (1914), y su primer largometraje fue El chico; otros famosos cortos fueron,”Charlot Emigrante” (1917); ”Vida de Perro” (1918) y el mediometraje, ”Armas al Hombro” (1918). Sus mejores películas, varias de ellas consideradas obras maestras son: La Quimera del Oro (1925); la ya mencionada El chico (1921); Una mujer de París (1923); El Circo (1928); Luces de la Ciudad (1931); Tiempos Modernos (1936). En el cine sonoro realizó otras más. Considero a Chaplin como el más genuino representante del cine, la imagen pura.
Benjamin Christensen 1879- 1959, se convirtió en director de Thrillers.
Benjamin Christensen Director, guionista y actor. Nacido en 1879 y fallecido en su país de origen, Dinamarca, en 1959. Rodó 16 películas, fue actor de teatro y cantante de ópera y luego se convirtió en director de thrillers. Comenzó en 1914 con el largometraje, Det hemmelighedsfulde X, film de horror medieval en su momento chocante y controversial. Realizó La Brujería a Través de los “Tiempos (1922), el más notable de todos; otros títulos importantes, El Círculo del Diablo (1926), La Novela de un Mujic (1927) y House of Horror (1929). Su primera película sonora fue Skilsmissens Born (1939) después de esta solo hizo 3 más hasta 1942. Maurice Tourneur (1876-1961) Este director francés fue asistente del famoso escultor Auguste Rodin, luego se dedicó al teatro como actor, más tarde a la filmación de películas y se trasladó a Estados Unidos. Se convirtió en un gran director en la industria de este país. Pocos directores en la historia del cine han manifestado tantas influencias de los 55
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principales movimientos artísticos de finales del siglo XIX y comienzos del XX como evidenció en su dilatada carrera. Con Mary Pickford rodó The Bride of the Clan y La Pobrecita Niña Rica en 1914. Su fama se acrecentó con The Blue Bird (1918); el melodrama Sporting Life (1925). Otros filmes suyos son: El Último de los Mohicanos (1920) asociado al director Clarence Brown. La Isla del Tesoro (1927) y La Isla Misteriosa donde no fue acreditado y volvió a Francia.
Cecil B. DeMille
La Souriante Madame Beudet de 1922, obra maestra de Dulac. La Coquille et le Clergyman, 1928 Filme Surrealista.
Germaine Dulac
Director, editor, guionista y actor (1881-1959). Estudió en la NY Academy of Dramatic Arts, haciendo su debut en 1900 como actor y manager, en 1913 fundó la Paramount Pictures con Jesse L. Lasky y Samuel Goldwyn en California y produjo el suceso “The Squaw Man” (1914) su primer film, desarrolló notablemente la carrera de Gloria Swanson, produjo y dirigió 70 películas. Sus mejores fueron de tema épico bíblico: ‘El rey de Reyes (1927); Los 10 mandamientos (1923), que luego volvería a rodar en el cine sonoro; otras notables: La cama de Oro (1925); La Incrédula (1929). Uno de los 36 fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Fue quizás el único director que hizo dos remakes de uno de sus filmes The Squaw Man (1918) y El Prófugo (1931). Dinamita (1930), fue su primera película sonora. DeMille en una de sus películas épicas, usó varias cámaras para capturar la acción de escenas de batallas, pero luego fue informado que varias cámaras fallaron por diferentes razones, cuando él pensaba que todo había salido bien y gritó ¡corten! Según contó la Swanson”, Cecil creía en la reencarnación. No cambies de esposo (1919) fue su primer largometraje, logrando gran éxito. En 1923 rodó La Costilla de Adan que luego realizaría George Cuckor en 1949 con Katherine Cecil B DeMille 1881-1959, Hepburn y Spencer fundador de Tracy. Se hizo famoParamount so por sus películas Pictures. espectaculares.
(1882-1942) Directora y guionista. Estudió música y ópera, luego fue periodista y crítico de arte, cronológicamente fue la segunda directora francesa. Comienza con Les sœurs Ennemies en 1915. Era una feminista radical, emergió como una figura importante del movimiento impresionista con La fête espagnole (1920); otros de sus filmes fueron; su obra maestra, La Souriante Madame Beudet (1922); Ame D`Artiste (1924), y el filme surrealista, La Coquille et le Clergyman, (1928), cine Avant-Gard. En el cine sonoro rodó, Étude Cinégraphique sur une Arabesque (1920).
Ernst Lubitsch Nació en Berlín en 1892 y murió en Los Ángeles en 1947. Fue además actor, guionista y productor, trabajó en teatro como actor desde los 16 años y en cine, como protagonista, empezó al poco tiempo en comedias tradicionales judías y en 1914 se dedicó a escribir guiones y a escribir sus propios filmes, en los que impuso lo que se llamó el estilo Lubitsch o el toque Lubitsch (comedia sofisticada). Su éxito en Europa lo llevó a Norteamérica donde tuvo contactos con la industria de ese país. Retornó luego a Europa pero regresó de nuevo a los Estados Unidos a dirigir, entre otros, el exitoso largometraje con Mary Pickford Rosita La Cantante Callejera (1923; Los Peligros del Flirt (1924) y Mujer… guarda tu corazón (1924), que le acarrearon excelentes críticas y lo mantuvo haciendo grandes películas.
Mary Pickford en Rosita La Cantante Callejera, 1923.
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Otras de sus mejores cintas fueron: La Princesa de las Ostras (1919); Madame Dubarry con Pola Negri y Emil Jannings (1919); la excelente El Abanico de Lady Windermere (1925), con Ronald Colman, así como la maravillosa El Príncipe Estudiante, que fue su última cinta muda en 1927. En 1928 empezó el cine sonoro con El Patriota con Ramón Novarro.
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