GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.7 Portada por / Cover by: SCOTT WILSON by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Editor Adjunto Jorge Eduardo Morales jorge.morales@glocal.mx Directora de Arte Ruth Vázquez Traducciones Alfonso Maldonado Becaria Marina Peniche RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Diseño Rodrigo Fernández Directora Comercial Daniela Luna ventas@glocal.mx COLABORADORES Diseño: Ruth Vázquez Yolanda López Yañez Ana Cecilia Aviléz Alonso Fotografía Sófocles Hernández Gabriel González La Maga Films

Diseño de Scott Wilson para Glocal Design Magazine, inspirado en la colección SW_1 de Coalesse.

Yolanda Bravo Saldaña Rodrigo Fernández Adrian Moncada Gabriel González José Luis González Cabrero Marcos G. Betanzos Correa Nina Paz Alfonso Maldonado CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Febrero-Marzo 2012. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Offset Santiago. Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada, C.P. 11520, México, D.F.

Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18

Editorial

ara la edición febrero-marzo, presentamos algunos espacios dirigidos a la exhibición museográfica, así como, obviamente, a sus creadores, quienes tienen la responsabilidad de proyectar construcciones novedosas y propositivas, sin olvidar su misión fundamental: Ayudar a la difusión del arte, darle un lugar protagónico y permitir que se aprecie su color, forma y dimensión. Para todo arquitecto, crear espacios que cumplan este requisito, siempre es un desafío, pues no pueden descuidar el delicado balance entre una arquitectura de concepto que, al mismo tiempo, no llame la atención más que las propias colecciones que resguardará. Por otra parte, a partir de este número, nuestra propuesta de forma y color en espacios habitacionales, Casa Glocal, se ve enriquecida por la voz de los diseñadores Glocal Design, quienes, a través de mobiliario de diseño, sugieren ambientes completos para presentar espacios integrales que, en mi opinión, redondean perfectamente esta sección. Confío en que estas propuestas sean de utilidad para nuestros lectores. También, aprovecho para presentar una nueva sección: Objeto Glocal. Creamos este espacio dentro de nuestra publicación, para mostrar a despachos de diseño, en colaboración con la prestigiada marca chilena Masisa, trabajando en conjunto para dar vida a extraordinarios productos. Finalmente, no podíamos pasar por alto la reciente pérdida que el mundo de la arquitectura sufrió hace algunas semanas: La muerte de Ricardo Legorreta. En Glocal Design, presentamos un sentido homenaje, dirigido a los arquitectos jóvenes, quienes tienen la responsabilidad de conocer, estudiar y aprender sobre la obra de este Maestro que, sin lugar a dudas, puso a México dentro del contexto arquitectónico internacional. El talento local es infinito, estoy segura que así continuará. Greta Arcila

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Ed Con itoria ten l ido Tra zos Cas aG loc al Bañ Mé o por Núm xico US ero OA s S rqu illa itec P tur S a uiz n Col a. ton a um . Dis na eño Con en cifr Bau greso as. I m D lím gar A, J ites tne uan Vie r .M w E éxi . Dise Carlo co l ve ñan s Dis do al p stua eño en los Uni asado rio de + em dos . M The pre a A rk B sa r Sho Gla rid tist. U ges s It 36 wro alia . Es n viaj om e t . a S Cap dos ueñ os e Ital ellini. n Tex ia En e vid tile rio. l co 38 s N r Ital a zón odu i a d inn s. T eM Esp ova ape ilán 40 eci t d . e ora s co al . Ita n c 5d ise alid lia Dis ñad eño ad 41 ore Des s . M p éxi MA acho co Enf SIS oqu A. M de Di s 42 e S éxi eño cot coInd t C Est Wil hile ust ado son rial 44 Den . s U . Te tro n c ido nol Pol ogí s aa Rei yforu plic m n 54 BN terp Cult ada KR ret u . r Arq and al S uite o al ique Mo ctu Ma iros b 58 i ra. estr . FAB le M Mé o. u RIC seu x ico A. I tali m. Cu Exp l a t ura For o Dan err Viv m U dy. 64 ant ien s W Al e e. da s i th L tilo Vill ove d nat as Fin . Su el sig ura estr 67 eci lo X leza e. I a XI. . CC nteg Arq raci uite ón c 68 cto on l s. M a éxi co 34

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contenido

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No. 7

NF AN . Fo rna set ti. I tali a

Nic pas olás Sa Hos Mé o, una n Jua pita xico gra n. U lida n d n pe d P ifer ara enc queño d Res ia. s i s ent Tal to & ido us. In ler Bar s. Á teri 13. lva oris Om ro S mo i y LRD a. B anz p Tex 74 . Es ara lo F + onsa tur p A i as aña s REA s pa Alic Arq ra la uite Ro fem e Kna cto ma. ckf Gal 78 e n s. M i u ería na. ss. é B F xico Ma o élg ica rtale Ital ssimo Hom za ia List 82 ena ri. C je Tra r Ric ead duc ard or d cio o Le n eb e Ob 84 g s o elle rre jeto za. t a Glo .M éxi cal co FU

Eve rgr een

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Departamentos ALFONSO REYES 216 Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs. 2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame

trazos

Ángel Madero / Imágenes cortesía firmas invitadas

The Broad Art Museum Diller Scofidio + Renfro Los Ángeles, Estados Unidos. 2013 Diller Scofidio + Renfro es el despacho que propone este proyecto que, tanto en su exterior, como su interior, ofrecerá innovadoras propuestas arquitectónicas para este espacio público que funciona tanto como centro de almacenaje, como un área para disfrutar de muestras y exhibiciones museográficas. Conocido como “El velo y la bóveda”, el diseño del museo fusiona los dos usos claves del edificio: Un espacio de exhibición y un archivo que albergará las actividades de The Broad Art Foundation. Más que relegar el archivo y almacenaje a segundo término, “la bóveda” juega un rol clave en definir la experiencia que otorga el museo desde su entrada hasta la salida. Su pesada masa opaca siempre está a la vista, sostenida a mitad de camino del edificio. Su superficie interior le da forma al lobby que tiene debajo, así como las rutas públicas de circulación. Su superficie superior es el piso del espacio de exhibición. La bóveda está envuelta por todos lados por el “velo”, una ventilada estructura celular en forma de exoesqueleto que se extiende a través de la galería y provee luz natural filtrada. El “velo” del museo se levanta en las esquinas, dando la bienvenida a los visitantes hacia el lobby, con su librería y su espresso bar. El público es conducido hacia arriba mediante una escalera eléctrica, a través de un túnel que cruza el archivo, llegando hasta un espacio de exhibición libre de columnas (de más de un acre de superficie) bañada por luz difusa. Este espacio de gran altura es totalmente flexible para ser adaptado en galerías diferentes, de acuerdo a las necesidades curatorias de cada exhibición. Para salir del área de exhibición, se regresa a través de la bóveda por una escalera que llega hasta las vastas superficies de la colección. www.dsrny.com

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Centro Cultural Islámico y Museo de Armonía Religiosa BIG Tirana, Albania 2011 Este proyecto obtuvo el primer lugar en el concurso que organizó el gobierno de la ciudad de Tirana, en Albania, para renovar un espacio público dedicado a la religión. Las formas de este edificio emergen a partir de dos ejes y requerimientos formales: La ciudad pedía un marco apropiado de su planeación y una identidad urbana coherente, así como también una orientación indispensable de la mezquita hacia la Meca. El propósito de BIG (Bjarke Ingles Group), despacho creador de este innovador concepto, era mantener el trazo urbano de Tirana, al conservar las líneas rectas al nivel del suelo pero que crecen y se expanden en amplias curvas conforme la estructura crece. Estas líneas funcionan para dar espacio a una serie de plazas: dos menores a los lados de la mezquita y una mayor con un minarete al frente –que está semicubierto y funciona como una extensión urbana del espacio de adoración–. De esta manera, se consigue sacar la mezquita del propio edificio para volverla un area pública, que convierte a la religión en algo inclusivo y acogedor ya que este fresco espacio urbano puede ser compartido por todos. La mezquita puede alojar a más de 1,000 personas –en el interior– y muchas más en el exterior –de 5,000 a 10,000–. Como atractivo para los visitantes, las cualidades lumínicas de la mezquita cambian dramáticamente conforme avanza el día, debido al efecto de la luz solar con las fachadas curvas. www.big.dk

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Kimball Art Center BIG + Architectural Nexus Park City, Utah, Estados Unidos. 2013-2015 El Kimball Art Center convocó a un grupo de arquitectos internacionales para entregar diseños para la renovación interior del centro existente y la construcción de un nuevo edificio, adyacente al original, en una céntrica zona de Park City, Utah. El proyecto ganador de BIG está inspirado por el desarrollo urbano de Park City y fue diseñado con la flexibilidad, carácter y personalidad necesarios para convertirse en una “incubadora natural” de la vida pública. Tomando en cuenta la herencia minera de la ciudad, la fachada está construida por elementos de madera apilada que crean un espacio accesible al público. Esta fachada del edificio encierra una escalera de caracol que lleva a los visitantes del piso inferior hasta la extensa terraza del techo, puede ser usada para exposiciones al aire libre o eventos. Tragaluces permiten la entrada de luz a las paredes de la galería que está en el nivel inferior. Entre las dos galerías está el restaurante, que conduce a jardín escultórico en el techo del edificio existente del Kimball Art Center. Este nuevo centro toma ventaja del clima de Park City, con el objetivo de obtener una calificación platinum en LEED al aprovechar los recursos de calor y luz naturales, maximizando la ventilación y reciclando el agua de lluvia. Los generosos tragaluces y las enormes ventanas bañan el edificio con luz natural difusa, reducen enormemente los costos de energía por iluminación. Además, los tragaluces son operables para controlar la ventilación. www.big.dk/kim

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NTCArt Zerafa Architecture Taipéi, Taiwan 2012 El diseño de Zerafa para el Museo de Arte de Taipéi (NTCArt) propone una intervención dramática dentro del paisaje en la forma de una línea curva. La escala monumental del museo obedece a la escala geográfica de los contornos y el movimiento en espiral hacia el interior del parque es una respuesta natural a las cuencas que se encuentran próximas a donde se juntan las aguas de dos ríos. Contenido dentro de esta espiral, los espacios programáticos son organizados en una composición orgánica que cae en cascada, rotando alrededor del vacío central definido por la espiral. Las galerías son concebidas como objetos individuales tridimensionales. Estas “cajas programáticas” son dotadas de escala e identidad. Son agrupadas para crear una forma urbana compleja que evoca la composición densa de los edificios que motean las faldas de la colinas circundantes y rememorando las imágenes de las famosas colinas de Jiufen. La circulación en el museo en cada uno de los niveles se transforma en una experiencia de sorpresa y descubrimiento. La línea espiral ofrece una circulación vertical a través del museo que complementa la función de los elevadores. Esta circulación asciende por escaleras que conectan cada nivel y unen los espacios de descanso entre las “cajas programáticas”, transformándose en un paseo ascendente para los visitantes. Las superficies exteriores de las galerías son entendidos a modo de lienzos capaces de albergar exhibiciones no convencionales. Sera difícil predecir donde serán encontradas las instalaciones artísticas ya que en la configuración tipo cascada, los espacios intermedios o accidentales se transforman en oportunidades para descubrimientos casuales o instalaciones sorpresivas. El arte se revelará ante el observador, ya sea suspendido dentro del vacío, apareciendo en alfeizares y terrazas, proyectado sobre las innumerables superficies y adaptándose a la corporalidad del edificio. www.zerafaarchitecture.com FEBRERO • MARZO 2012

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DISEÑO DE PORTADA

CIUDADANO GLOCAL

CONCURSO

OBJETIVOS: • Dar a conocer nuevos talentos nacionales de las disciplinas que abarca la revista y que compartan espacio con los diseñadores invitados. • Invitar a que los participantes a cuestionarse sobre su identidad como creativos y ciudadanos del mundo con identidad local, y sobre ésta reflexión presenten una propuesta de portada. • Establecer una comunicación con los lectores de Glocal Design Magazine para comprender su visión sobre lo que para ellos es una comunidad glocal. PARTICIPANTES: • Estudiantes de los dos últimos semestres o cuatrimestres de las de las licenciaturas de diseño industrial, diseño gráfico, arquitectura interior, arquitectura, artes visuales. • Recién egresados (cuatro años máximo) de las licenciaturas de diseño industrial, diseño gráfico, arquitectura interior, arquitectura, artes visuales. CATEGORIAS: • Diseño Industrial • Diseño Gráfico • Arquitectura Interior • Arquitectura • Artes Visuales *La participación es individual. *Importante a considerar: el formato portada y la ubicación del logo deben de mantener su estado actual, lo que cambiará es la propuesta gráfica. JURADO: • Consejo Editorial de Glocal Design Magazine ASPECTOS A CALIFICAR: • Presentación • Originalidad de la propuesta • Claridad conceptual • Seriedad y compromiso con su trabajo *El jurado es libre de descalificar las propuestas que evidentemente sean copias de algo ya existente.

PREMIO: • Publicación nacional de su trabajo • Habrá 6 ganadores quienes compartirán portada con el diseñador de la revista de Junio-Julio 2012; cinco portadas serán seleccionadas por el jurado y una por el público, todas serán publicadas. Tendremos 6 portadas diferentes. • El jurado seleccionará a uno de los 6 ganadores para que se vaya a Paris a la segunda edición de Maison & Objet 2012 con avión y hospedaje pagados (5 días, 4 noches). *El triunfador deberá de tener pasaporte vigente para que pueda ser acreedor a este premio. *No transferible.

*Los ganadores se darán a conocer en evento organizado por Glocal Design Magazine, se les notificará de la sede y la fecha. El evento será en la ciudad de México.

ESPECIFICACIONES DE ENTREGA: » Costo de participación: 300 pesos a depositar en la cuenta: Banamex de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V., Banco: BANAMEX; Sucursal: 4271; Cuenta:132512; Clabe: 002180427101325127 *Entregar ficha de depósito en el sobre del participante. »Deberá entregarse en un sobre cerrado que contenga: CD o DVD con los archivos digitales en formato EPS, JPG o TIFF para Machintosh en resolución de 300 dpi, tamaño 24 x 31 cms (el tamaño final de la portada 23 x 30 cms); diseño impreso en papel bond de 250 gramos, en formato real; descripción de su propuesta en una cuartilla. »Carta firmada por el autor en donde se notifique que se ceden los derechos de autor y patrimoniales sobre el trabajo entregado a favor de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Ésta deberá indicar que la empresa arriba mencionada podrá publicar dicho material ya sea en su edición impresa, web o para fines de seguimiento publicitario de la cobertura del concurso. Deberá de entregarse una copia oficial de identificación en donde se vea claramente la firma y fotografía del participante; copia de su diploma para comprobar la veracidad de su estatus como estudiante o recién egresado. Sin estos documentos, se anulará su participación en su totalidad. »Entrega: en las oficinas de Glocal Design Magazine: Manchester no. 13 piso 1, Col. Juárez, C.P. 06600. Fecha límite: lunes 23 de abril 2012 hasta las 19 horas. MAYORES INFORMES : ciudadano@glocal.mx

casa glocal

A finales del año pasado Comex Group presentó la quinta versión de “Culturas que Inspiran”, libro que año con año presenta una interesante lectura de la sociedad actual a través del color. Para este ocasión los invitados a San Francisco, California a este Think Tank fueron: Ariel Rojo, Lorenzo Diaz Campos, Emmanuel Ramírez, Kem Lam, Stuart Geller, Susab Steeves, Susan Traylor, Bill McMullen, Humberto Echevarría y Kenna Stout. Ellos fueron el equipo ideal para romper sus propios esquemas y replantear las nuevas paletas de color que veremos para este año; de tal forma proponen historias con principio y fin, como la propia evolución humana nos ha enseñado: nos demostraron que a través del color se pueden conciliar criterios. Así, tenemos INHALE, tendencia que nos lleva al diario despertar, al momento que respiramos la vida y su belleza. RHYTHM celebra a las personas como parte de la naturaleza, dotándolas de color y animación. URBANAGE busca la reestructuración, innovación del diseño y un completo en etendimiento del ciclo de vida de los productos. DIGITAL reﬂeja la era de Digital Native y su energía creativa y experimentación de nuevas ideas. FEBRERO • MARZO 2012

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Fotografía: Héctor Armando Herrera

casa glocal El baño de la Casa Glocal por usoarquitectura… Al invitar a usoarquitectura a ser parte de Casa Glocal de inmediato nos propusieron diseñar el baño, pero no el habitual, quisieron darle esa connotación ritualista de los baños como un espacio generoso diseñado para el goce, en donde todo era pensado para pasar muchas horas. Los arquitectos pensaron en un baño para el detalle, para la conversación, para los humanos en total libertad e intimidad. ¿Quién es usoarquitectura? usoarquitectura es un equipo de profesionales dedicados a la arquitectura y diseño interior. Entienden la arquitectura como un todo y por eso abordan los proyectos sin preceptos. Es un equipo multidisciplinario integrado por arquitectos, diseñadores, ingenieros y consultores que se desarrollan en todos los campos de la edificación. Creen firmemente que un gran proyecto tiene historias compartidas con un gran cliente, ese que está dispuesto a usar la arquitectura y asumir los riesgos que implican ejecutar las buenas ideas. Para los arquitectos Gabriel Salazar (Universidad La Salle, 1997) y Fernando Castañon (Universidad Nacional Autónoma de México, 2000), socios fundadores de este equipo de creativos, la arquitectura disminuye fronteras y extiende límites; desdibuja lo público y lo privado, el interior y el exterior. Saben, como ciudadanos responsables del mundo, que las cosas en la naturaleza no suceden aisladas y que un acontecimiento desencadena otro… Para ellos lo mismo se traduce en su ejercicio profesional: hacen arquitectura para el mundo que nos corresponde vivir. Para Salazar y Castañon su diario quehacer es más un modo de vida que otra cosa, aseguran ser el punto en donde convergen todos los hilos invisibles que circundan un espacio. Siempre buscan el cliente que gusta usar la arquitectura de muchas maneras ya que detrás de estos diálogos, seguramente habrá muchas más lecturas por descubrir. www.usoarquitectura.com info@usoarquitectura.com @usoarquitectura

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Nota: Estos colores son aproximados a los reales y pueden variar debido a los efectos de impresi贸n o luz. Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx Atenci贸n al consumidor: 01 800 712 66 39

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¿Cuántas actividades ejecutas antes de salir a trabajar? ¿Cuántos espacios necesitas para hacerlas? El baño es un lugar de liberación, purificación e inspiración; es el momento en el que muchos ordenan sus pensamientos. En tiempos pasados el cuarto de baño tenía la misma categoría estética del salón o el dormitorio ¿En qué momento perdió la importancia que este tenía? Aún con un ritmo de vida acelerado, el baño no tiene por qué ser un espacio sólo para entrar y salir, debe ser un espacio que te permita iniciar el día consagrándote a ti mismo, porque consentirse por lo menos una hora al día, es indispensable.

* Estos colores son aproximados a los reales y pueden variar debido a los efectos de impresión o luz. Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx / Atención al consumidor: 01 800 712 66 39

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Lavabos Vox abarca formas redondas, rectangulares y cuadradas. Todos los modelos incluyen una ranura que evita que el agua se desborde, KOHLER 2011

Axor Starck shower set regadera extensible de acero inoxidable para baño, HANSGROHE 2011

Diseñadora Marina Peniche

CONFORT Bienestar y comodidad en esta área de la casa es imprescindible. El confort en el diseño no se logra fácilmente pues no solo se genera por el ambiente en general sino por los detalles y cada mobiliario que integran al espacio. El confort ha adquirido una importancia extrema en nuestros días ya que la cultura del consumismo nos ha llevado a tener expectativas muy altas de cualquier espacio o producto.

Axor Citterio M3hole manijas y grifo de baño de acero inoxidable, HANSGROHE 2011

NUMI inodoro avanzado con pantalla a distancia LCD touchscreen. Funcionalidad de bidé personalizada y desodorizante, hecho de acero inoxidable, con rociado frontral y posterior, ajuste de presión, posición y temperatura, con limpieza automática de luz UV y un filtro que remueve olores., Sistema integrado de música Tapa que se abre y cierra automáticamente. Asiento con calefacción y calentador de pies. KOHLER 2011

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Toobi línea de llaves de baño, KOHLER 2011

SUTIL Al reflejo de la delicadeza y la finura se le llama sutileza y es uno de los atributos más complejos de lograr en cuanto a diseño. Las líneas y colores tenues, las formas sencillas, el uso y combinación de los materiales y la proporción adecuada son una manera para crear una composición basada en la sutileza que huye de la obviedad y persigue la delicadeza y refinamiento.

Regadera de pared Morpho con pantalla táctil y tres interfaces para mando a distancia, NEWFORM por ALTMANS

Islet bathroom el cuarto de baño “islote” tiene una cuenca de fibra de vidrio y una bañera, cubiertas de granito, columnas de roble crudo y se puede utilizar en exteriores, ENKO CREATIO 2011

Ploum por Ronan & Erwan Bouroullec taburete con cubierta hecha de una tela tejida de poliéster y acolchada por los puntos de sutura, LIGNE ROSET 2011

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Shell Chair - CH07 por Hans J. Wegner silla con el asiento respaldo contrachapado presionado y construcción laminada, CARL HANSEN & SON 2011

SMOOTH El concepto de Smooth se utiliza para suavizar ambientes, es por eso que en una recámara se adapta perfectamente este concepto a la sensación que muchas personas están buscando obtener: tranquilidad, relajación, paz y privacidad. Los colores lisos y pasteles; las texturas acolchonadas y suaves; la comodidad, ergonomía y accesibilidad en los espacios y objetos brindarán una sensación smooth al usuario.

Apu por Hanna Ehlers muebles auxiliares de cerámica, blancos con un pie madera maciza, roble y nogal americano, ZEITRAUM 2010

Free Port por Martí Guixé mueble de guardado, BARCELONA DESIGN 2011

Cama Ruché por Inga Sempé cama con estructura de madera sólida y edredón ondulado, LIGNE ROSET 2011

Sail Collection por Piergiorgio & Michelle Cazzaniga silla de plástico, ANDREU WORLD 2011

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Cama Stealth por Mauro Lipparini con estructura de madera y metal con un relleno de poliuretano expandido y una cubierta exterior en cuero o en tejido totalmente desprendible, BONALDO 2011

Prop por Hiroyuki IKEUCHI + DESIGN SOIL estante hecho de madera ABEDUL, DESIGN SOIL 2011

Doze por Formstelle cama, MDF lacado en blanco (RAL 9016), la espalda cojines de tela Lazio 2 362 Kvadrat, ZEITRAUM

GEOMÉTRICO Actuando en virtud del diseño, la geometría es una herramienta que nos ayuda a generar composiciones armónicas de manera ordenada y modular en relación con las longitudes, áreas y volúmenes de cualquier espacio o producto a cualquier escala. Los diseñadores se apoyan con criterios geométricos de diseño (proporción, composición, análisis formal, ritmo, acentos etcétera) para crear espacios integrales y sistémicos.

Elephant por Neuland Industrie Design silla de estructura tapizado en cuero o poliuretano, KRISTALIA 2011

Leaf por Lievore Altherr Molina silla elaborada en acero cromado o lacado en polvo mate, ARPER 2005

CASA GLOCAL

Tapete Dahlia por Claydies tapete circular, NORMANN COPENHAGEN 2011

Prora por Mauro Lipparini mesa con base de acero y superficie de vidrio, BONALDO 2011

SERIEDAD Si algo implica seriedad en un ambiente son las formas no estridentes y el color. La sobriedad espacial y objetual del cuarto debe ser llevada a sus últimas consecuencias para lograr una percepción de serenidad y neutralidad generando un ambiente moderado, evitando todo tipo de saturaciones decorativas. El color negro lleva la batuta en el mundo de la elegancia y sobriedad, sin embargo puede ser sombrío por lo cual debe utilizarse con prudencia.

Cafe Chair por Jonathan Prestwich silla de madera y tela, ARCO 2011

Tuileries por Ferruccio Laviani mesa con base hecha de madera maciza de roble, hecha a mano uno por uno y unidos entre sí, EMMEMOBILI 2011

Palermo por Ferrucio Laviani mesa de madera wengé, EMMEMOBILI 2011

Faz por Ramón Esteve silla fabricada en resina de polipropileno mediante la técnica del moldeo rotacional, VONDOM 2011

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Madie Barcote por Monica Graffeo mueble de guardado con mecanismo de cierre magnético, BIMAX 2011

Gaulino por Oscar Tusquets Blanca silla lounge, GAULINO 2011

Crash por Ferruccio Laviani Aparador de puertas plegables con corte diamante en chapa, EMMEMOBILI 2011

CLÁSICO Evolution por Ferruccio Laviani Mueble de guardado en madera maciza de roble, EMMEMOBILI 2011

Las líneas de muebles clásicos, que llevan en sus trazos tradiciones y costumbres estéticas, nunca dejarán de ser buscadas por diseñadores tratando de conservar lineamientos de belleza establecidos en épocas pasadas e intentando proyectar estas líneas a nuestro momento y traducirlas en sincrónicas.

1009 Club sofá por Prospero Rasulo sillón con estructura interior de acero pintando para exteriores, ZANOTTA 2008

Askew divano por Daniel Fintzi sofá madera maciza de Haya, nogal tapizado en tela o cuero, BILLIANI 2011

CASA GLOCAL

Caustic por Ross Lovegrove Lรกmpara de pared de acero inox. Corte de agua, ARTEMIDE 2011

Anemoon lรกmpara de pared con estructura plรกstica, QUASAR 2011

F13 Kwark por design Karim Rashid Lรกmpara de fundiciรณn de aluminio con estructura reticulada, FABBIAN 2011

Lร MPARAS DE

PARED Y MESA

Para lo que se refiere a iluminaciรณn para el hogar existen en el mercado una amplia gama de modelos de iluminaciรณn. Las lรกmparas de pared y mesa suelen ser muy รบtiles y logran complementar el alumbramiento de una habitaciรณn o pasillo generando efectos รณpticos de iluminaciรณn directa, indirecta o degradada creando una intenciรณn en el ambiente.

Otto Watt por Alberto Meda, Paolo Rizzatto Lรกmpara con brazo flexible y tecnolรณgia LED, Luceplan- LED BY IDEAS 2011

Crane por Benjamin Hubert un banco de LEDs envuelto en aluminio perforado industrial, ORSJO 2011

Halo por Karim Rashid lรกmpara con anillo luminoso de LED, ARTEMIDE 2011

Sensitive Lamp por ENKO lรกmpara gris anodinada exterior en aluminio con cromados interiores e iluminaciรณn LED indirecta, ENKO CREATIO 2011

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Javelot Macro por Odile Decq cuerpo de aluminio pintado, cono difusor de metacrilato satinado, LED BY IDEAS 2011

Nearco por Karim Rashid polietileno trabajado mediante moldeo rotacional con acabado espejo, ARTEMIDE 2011

Woods por Héctor Serrano un producto sostenible al utilizar abedul procedente de bosques controlados, Arturo Álvarez novedades 2011

Cobra System por Jan Pauwels lámpara de techo hecha de níkel, QUASAR 2011

LÁMPARAS DE

TECHO Y PIE Arnaud por Arnaud Lapierre articulada estructura de acero laqueada, LIGNE ROSET 2011

Tomando en cuenta que la decorativa de los techos de cualquier casa (y casi cualquier lugar) son únicamente las lámparas de techo, éstas adquieren un valor ornamental esencial. A nivel de óptica, las luminarias de techo son las principales responsables del control y distribución de la luz en un cuarto. Por lo tanto, es importante cuidar el diseño de su sistema óptico, la forma y distribución de la luz. En contraste, las lámparas de pie suelen utilizarse para una iluminación indirecta para resaltar cierto punto o lugar en específico.

Unno por Nicola Grandess lámpara de piso con estructura de metal pintado con difusor de vidrio soplado brillante blanco, DE MAJO 2011

CASA GLOCAL

números

A partir de esta edición, José Luis González Cabrero nos estará presentando los números detrás del diseño...

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* José Luis González Cabrero, diseñador industrial originario de San Luis Potosí, actualmente radica en Milán donde trabaja como product designer para diversos estudios, también escribe e ilustra sobre temas de diseño para publicaciones en México e Italia. www.gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero

Bibliografía Vemer Panton: The Collected Works, Alexander van Vegesack y Mathias Remmele, Vitra Design Museum, 2000. Loset og Farven (Luz y Color), Verner Panton Kalding, 1998. Verber Panton, Sevend Erik Moller, Copenhague, 1986. Oficina de Prensa Vitra, Marius van Holleben 2011. www.vitra.com www.vemerpanton.com www.iconeye.com

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No. 7

columna

Diseñando en los límites Primer Congreso Interdisciplinario de Diseño IDA Taipéi 2011 Juan Carlos Baumgartner Fotos Sófocles Hernández

n octubre pasado, se llevó a cabo el

La pregunta que se planteó en el congreso fue: “¿Puede el diseño cambiar el rumbo de nuestra sociedad hacia un camino sustentable en el que la innovación no sea la excepción y en el que tengamos sociedades más empáticas?” Y la respuesta contundente fue: “Sí. No sólo agrupa a tres de las asociaciones más imporse puede, sino que es nuestra responsabilidad, tantes de diseño en el mundo: ICSID (Internacomo diseñadores, hacerlo”. tional Council of Societies of Industrial Design), Pero, posiblemente, el primer reto real para ICOGRADA (International Council of Graphic ser parte de esta nueva revolución, es transforDesign Associations) y el IFI (International mar el significado de “diseño”. Por décadas, el Federation of interior Architects/Designers). diseño se ha limitado a objetos pero esto está La visión de IDA es hacer de la comunidad de cambiando. Hoy, el reto es entender al diseño diseño una comunidad que trabaje en conjunto como una forma de ver el mundo, una forma de por un mundo equilibrado, inclusivo y sustentaentender nuestra realidad y sus posibilidades. ble. El congreso reunió a líderes de la industria Estamos viviendo el inicio de una nueva revodel diseño con líderes en el ramo de la tecnología, lución, la revolución del diseño. las migraciones y la biotecnología. Posiblemente, una muestra de lo que signiDurante tres días, se llevaron a cabo confefica esta nueva revolución es Steve Jobs. Jobs rencias y mesas redondas en las que se tratafue uno de los primeros en entender al diseño ron diversos temas con un concepto común: El como una manera diferente de ver el mundo. mundo, como lo conocemos, necesita urgenApple es el ejemplo de una organización estructemente que la sociedad y los individuos que la turada con criterios de diseñador en todas sus conforman generen una nueva gama de aptituáreas, no sólo en las áreas de diseño tradiciodes. Dentro de las personalidades que estuvinal. Este fue el tema de mi conferencia en Taipéi, mos participando en este congreso destacan: “Migraciones Mentales, la revolución del diseño”. Yen-Shiang Shih, Ministro de Economía de China; Estamos viviendo una época de cambios radiLung-Bin Hau, Regente de la ciudad de Taipéi; cales y, la mayoría, no estamos listos para estos David Fisher, Director de Seymourpowell, de cambios. Sin embargo, hay un grupo de profeInglaterra; Carlo Ratti, Director MIT SENSEable siones que lleva un par de cientos de años geneCity Lab, de Estados Unidos; Suan Szenasy, Edirando y trabajando alrededor de muchas de las tora de la revista Metropolis, de Estados Unidos, nuevas aptitudes que serán necesarias para tener así como Ruth Soenius, Directora de User Expeéxito en este nuevo mundo que se nos presenta. rience Siemens, de Alemania. Algunas de estas aptitudes son: Empatía, el fraEl mundo presenta nuevos retos y vivimos caso como parte de tu proceso, la capacidad de una realidad que, hasta hace unos años, hubiera reconocer patrones, capacidad de síntesis, positisido impensable. Casi ninguna economía es susvismo futurista, un cerebro holístico, etc. tentable a largo plazo. Hemos deteriorado el plaEn gran medida, hoy la sociedad es conseneta de forma ya casi irreversible. Actualmente, cuencia y resultado de la Revolución Industrial. educamos a nuestros hijos con métodos, procePor alrededor de 200 años, hemos vivido en un sos y especialidades obsoletas. mundo que ha privilegiado a los individuos, socie-

“En un mundo tan complejo como el IDA, el congreso interdisciplinario más grande del mundo en el International que vivimos, solamente perdiendo Convention Center en Taipéi, Taiwán. Es el priel miedo a fracasar será posible mer evento de este tipo organizado por la innovar de verdad”. alianza internacional de diseño IDA, la cual Juan Carlos Baumgartner

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dades, empresas, todos basados en procesos lineales, lógico-matemáticos, pensamientos secuenciales, etcétera. Lo que hemos generado en estos 200 años, son individuos que utilizan –primordialmente– el lado izquierdo del cerebro y que se han olvidado de utilizar el lado derecho. En la actualidad, la sociedad necesita de profesionistas empáticos. Posiblemente, falta de empatía sea una de las razones principales por las que hemos construido sociedades que destruyen sistemáticamente nuestro entorno. Tal vez, esta sea la razón porque en casi todas las economías tampoco existen diferencias económicas gigantes entre pobres y ricos. Casi ninguna profesión tiene a la empatía como su razón de ser. Sin embargo, una de las características de los buenos diseñadores es ser empáticos, en gran medida porque vivimos resolviendo problemas de alguien más a través del diseño y la única manera de hacer esto exitosamente es siendo empáticos. Otra cualidad de los diseñadores es tener el fracaso como parte de nuestros procesos. Es decir, cualquiera que diseñe algo nuevo sabe que, ‘a la primera’, seguramente no funcionará. Es por esto que, las profesiones de diseño, han generado procesos y métodos que integran el concepto de fracaso en el mismo proceso y, para controlarlo, se hacen prototipos, maquetas, modelos virtuales, etcétera. Estas son formas de asegurar que este “fracaso” sea limitado y mejorado antes de terminar el proceso completo. Esto que parece tan sencillo no es una práctica que tengan otras profesiones como los administradores de empresas, contadores, abogados, etc. En un mundo tan complejo como en el que vivimos, solamente perdiendo el miedo a fracasar será posible innovar de verdad. Reconocer patrones es, sin duda, otra cualidad de los diseñadores que, cada vez, será más solicitada en la sociedad. Cuando –hace 100 años– las cosas les tomaban décadas en cambiar, no existía la necesidad real de tener que reconocer patrones y adelantarse al cambio. Después de su invención, a la radio le tomó décadas penetrar en 50 millones de hogares. A Facebook, le tomó menos de seis meses hacer lo mismo. En la actualidad, no nos podemos dar el lujo de no reconocer patrones y tardar décadas en reaccionar a los cambios. Un buen diseñador, comúnmente, tiene la capacidad de reconocer las ligas ocultas entre las cosas que el resto normalmente no ve. Básicamente, esto es reconocer patrones. Como diseñadores, hemos sido preparados –por años– para lo que está a punto de suceder. Ahora, el reto es lograr traducir estas aptitudes que conforman el diseño al resto del mundo. El futuro del diseño está en hacer del diseño, un cristal con el que veamos el mundo y rediseñemos nuestra realidad desde una postura más empática, más humanista, más equilibrada y equitativa en la que las cosas que produzcamos le den sentido a nuestra vida, sin dañar el medio ambiente. Quienes estamos en la industria del diseño tenemos una oportunidad única de hacer una diferencia a la sociedad y trascender. No desperdiciemos esta oportunidad. FEBRERO • MARZO 2012

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view

Thedise帽o Artist de vestuario Una exhaustiva investigaci贸n por parte del equipo creativo permiti贸 que el vestuario de esta cinta contribuya a llevar al espectador a un inesperado y genuino viaje al pasado.

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Jorge Eduardo Morales Fotos cortesía Videocine

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he Artist, del director Michel Hazanavicius y multipremiada con los galardones más importantes del mundo, es un sincero y entretenido homenaje al cine clásico americano. Ubicada durante el ocaso de la era muda de Hollywood, The Artist cuenta la historia de un actor que se confronta al nuevo mundo de cintas habladas. Mezclando comedia, romance y melodrama, The Artist es una película muda, en blanco y negro, que confía en las imágenes, los actores y la música para conformar su singular encanto. Y, por supuesto, el vestuario fue vital en esta clásica –y a la vez, innovadora– propuesta. Mark Bridges, un admirador del cine mudo, quien recuerda ver clásicos como Wings cuando era niño, fue elegido como diseñador de vestuario. Bridges ha “vestido” películas ubicadas en cada etapa del siglo XX: There will be blood –1900–, Boogie Nights –años setenta y ochenta– y The Fighter –ochenta–, entre otras. Para The Artist, Bridges se sumergió en el estudio de películas mudas, viejos anuncios publicitarios y fotos del día-a-día de aquellos años para documentarse sobre la confección de la época, así como lo que una estrella de cine como George Valentin usaría en su tiempo libre. Para el personaje de Peppy Miller, Bridges se inspiró en las primeras cintas de Joan Crawford, que capturan su evolución de corista a sensual chica del jazz, hasta convertirse en una glamurosa estrella. La comedia muda Show People proveyó pistas de qué usaban los empleados de un estudio. También ayudó el corto 1925, MGM Studio Tour, hecho en el estudio MGM. Bridges halló, tanto prendas como ideas, en los talleres de vestuario de Hollywood. Sombreros Milliner que habían pasado décadas en cajas, fueron desempolvados y acondicionados. Sastres duplicaron la ropa del personaje de Jean Dujardin, mientras expertos zapateros copiaron calzado vintage. Algunas prendas originales estaban en buenas condiciones y se usaron en la cinta. Pero muchos elementos estaban demasiado frágiles como para ser usados, así que fueron copiados y reconfeccionados. En algunos casos, lo viejo se incorporó a lo nuevo para lograr el resultado final.

diseño + empresa

Soñando en vidrio con Glas Italia Marina Peniche Fotos cortesía Glas Italia

l vidrio puede tener características diversas tanto en sus propiedades ópticas como mecánicas: transparente o colorido, duro y frágil a la vez, translúcido totalmente o degradado. Los diseñadores se han dado a la tarea de reﬂejar y materializar estas virtudes, y aprovechando la inspiración y efectos que brinda el vidrio, Glas Italia presenta una línea de mobiliario inventiva. “BOXY”, una serie de moblaje de almacenamiento diseñado por Johanna Grawunder utiliza el espejo reflejando su contexto y llenándolo de fulgor, gracias a los colores que utiliza y a la versión iluminada que emite una suave luz, recurso que ha estado muy en boga en el mundo del mobiliario. Jugando con los tonos altibajos, Piero Lissoni diseña “GHIACCIOLO PONTE”. Una colección de muebles ortogonales fabricados en vidrio transparente con piernas termo-soldadas de diferentes tamaños. Con cubiertas grabadas al azar y lisas logra texturizar entornos sutilmente logrando que las piezas se mimeticen. Para resaltar al máximo la esencia del vidrio y reﬂejar elegantemente la conceptualización de la transparencia está “FAINT”, una mesa monolítica de vidrio ultraligero con superficie templada que desaparece mágicamente en el espacio. Patricia Urquiola logra, a través de un acabado en blanco que se va atenuando poco a poco hasta llegar a la transparencia, ofrecer una visión nueva y con gran fuerza sobre un concepto muy explotado. La evanescencia de la pieza logra un efecto fantasmagórico acentuando la dualidad de lo visible y lo invisible. En México podemos encontrar a Glas Italia en Casa Palacio. www.glasitalia.com www.casapalacio.com.mx

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showroom

Capellini

se viste de amarillo en pleno corazón de Milán Greta Arcila Fotos cortesía Capellini

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hora la calle Santa Cecilia número 4 alberga el nuevo showroom de Capellini en Milán, Italia. Siguiendo con el tema de que cada tienda principal tiene una firma monocromática interior Ωazul en Los Ángeles, roja en Nueva York y púrpura en ParísΩ el color predominante de la nueva tienda en Milán es de color amarillo. En sí, los nuevos interiores han sido rediseñados para responder de manera más estrecha con el gusto de los arquitectos de hoy en día y los diseñadores, además de que el color amarillo siempre ha estado en la paleta de colores de Capellini. En la exposición inaugural “Homenaje a Shiro”, se dedicó y rindió homenaje al célebre arquitecto japonés Shiro Kuramata, quien trabajó en estrecha colaboración con Giulio Cappellini, presidente de la firma de mobiliario. La exposición incluye productos icónicos diseñados por Shiro Kuramata, y que todavía forman parte del catálogo de Cappellini (como Progetti Compiuti, que es un gabinete giratorio y Homenaje a Mondrian), así como reproducciones de dibujos originales, prototipos raros, y una nueva edición de Dina, un producto editado en pocas piezas en los años ochenta y que hoy en día es muy codiciado en las subastas internacionales de diseño contemporáneo. Dina se presentó oficialmente al mercado en enero de 2012 en la Imm Cologne y en Maison & Objet, justo en la sala de exposición de Cappellini París. Cappellini llega a Milán con un toque de magia y la innovación, haciendo de este el espacio único, un destino que es probable que se convierta en una atracción nueva ciudad en sí misma.

textiles

Tapetes de diseñador diseño accesible

Emmanuel Gallina, Clara Giardina - Cailoux

Rodrigo Fernández Barajas Fotos cortesía Nodus

Gallina y Giardina proponen una serie de tapetes que parecieran intersectarse. En diferentes colores y con formas caprichosas, se logra un tapete poco convencional.

Matali Crasset – Pompón Matali presenta un nuevo tapete inspirado en una flor. La sencillez en las líneas de Crasset es visible en este nuevo producto para la casa Nodus. Disponible en cinco diferentes colores, es posible personalizar también el tamaño.

Matteo Ragni - Looking for seeds Ragni, en su propuesta, nos deja un mensaje. Lúdico en sus conceptos, propone un tapete en dos tonos con una gráfica con conciencia social.

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Liliana Ovalle – Patio La mexicana Liliana Ovalle presenta nuevamente un tapete diseñado para la firma Nodus. Trascendiendo las fronteras de lo cotidiano, crea la estilización de un patio con un tapete capaz de habitar en cualquier espacio. Orgullosamente, Ovalle ha trascendido fronteras llevando el nombre de México en alto.

Aoi Huber Kono – Stripes La viuda del reconocido diseñador gráfico Max Huber presenta dos tapetes con una sencillez digna de su propio entorno e influencia. FEBRERO • MARZO 2012

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n ocasión de la edición de invierno del reconocido salón de París, Maison et Objet, la empresa italiana Nodus presentó sus nuevas colecciones de tapetes diseñadas por renombradas figuras del diseño internacional. Alberto Artesani, Matali Crasset, Fernando y Humberto Campana, Emmanuel Gallina y Clara Giardina, Aoi Huber Kono, Samuele Mazza, Matteo Ragni y Rosapaki son los creadores de las nuevas creaciones textiles. Nodus se presenta en París por segunda ocasión y por primera vez en la sección Now! Design à Vivre, espacio dentro de la feria dedicado a las tendencias de vanguardia y donde sólo se reúnen las mejores marcas del mundo enfocadas al diseño y el interiorismo contemporáneo. Los proyectos de Nodus para este 2012 combinan calidad, diseño e innovación a precios accesibles. Los tapetes forman parte de la colección Allover Collection que fue lanzada desde 2011 y cuya característica principal es la selección cuidadosa de las materias primas en diseños fácilmente reproducibles y que no requieren de un tiempo excesivo de fabricación, haciendo mucho más accesible su compra. Para la producción de estos tapetes, Nodus ha seleccionado sólo la técnica de tejido a mano o hand tufted que, a diferencia del anudado o hand knotted, permite crear hermosos tapetes pero a precios moderados. Nodus presenta con esta colección un nuevo reto: el de compartir con un mayor número de personas belleza, calidad y diseño.

Fernando y Humberto Campana – Sushi Los Hermanos Campana presentan un tapete inspirado en su ya famosa silla Sushi. Han tomado el mismo concepto y transportado a la bidimensionalidad con un caprichoso contorno. Disponible en dos gamas de colores distintas, es perfecto para lograr un contraste armónico.

diseño

Radar de Diseño Mexicano Cinco diseñadores mexicanos a los que no hay que perderles la pista Adrián Moncada

PARA CONOCER MÁS A O-LAB Referencias obligadas Diseñador: Jorge Moreno. Persona preferida: “Jesús Salazar, Don Chucho, con quien aprendimos la técnica cerámica”. Libro favorito: “Nuestro primer libro de Técnica Cerámica”. Lugar más importante: “La casa de nuestros amigos en la ciudad de México”. EL DISEÑO DE O-LAB Sabe a: Cítricos. Huele a: Gomitas de colores. Se oye como: Twist and Shout de The Beatles.

www.o-lab.com.mx Twitter: @o_lab

ablando de diseñadores, el talento y el trabajo que existe en nuestro país nos ofrece tanto material como posibilidades podemos imaginar. Conscientes de ello, nos dimos a la tarea de estudiar a aquellos jóvenes que, por su trayectoria, representan dignamente a la nueva generación de diseñadores mexicanos cuyo trabajo ya comienza a resonar en distintos puntos de nuestro país y el mundo. Con tanta tela de donde cortar, seleccionar cinco rostros frescos no ha sido tarea fácil. Sin embargo, intentamos mostrar cinco diseñadores con perfiles distintos, cuya trayectoria y trabajo reciente ponga en evidencia la diversidad y las enormes áreas de oportunidad que tiene el diseño en México. El trabajo de estos diseñadores habla por sí solo y, en esta ocasión, nos hemos acercado a ellos para conocer más a fondo la forma en que trabajan, el vínculo que tienen con la industria y algunas otras cosas que pocas veces tenemos oportunidad de conocer y que seguro les resultarán muy interesantes. Los cinco diseñadores en nuestro Radar de Diseño Mexicano son: Rodrigo Fernández, Miguel Melgarejo, Liliana Ovalle, Christian Vivanco y el estudio O-lab.

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O-lab

Diseño que hace sonreír Fotos cortesía de O-lab

“T

ratamos de asesorarnos con especialistas en los temas que desconocemos y también de especializarnos. Así podemos seguir trabajando para nosotras y hacer lo que más nos gusta, que es diseñar”. O-lab es un estudio dedicado a la cerámica establecido en la ciudad de Querétaro. Se encuentra encabezado por tres diseñadoras industriales: Leticia Perea, Paola Alanís y Arasi Kanthimathinathan. Esta empresa surgió dentro de la incubadora del ITESM donde desarrollaron sus primeros productos, mismos que ya se pueden adquirir en línea y en una gran cantidad de tiendas, galerías y museos en la República Mexicana. Para muchos estudios, parece ser un problema el hecho de que las tres socias sean también las diseñadoras. Sin embargo, O-lab ha descubierto una fórmula que les ha ayudado a llevar esta situación: Cada una de ellas ha decidido especializarse en distintos aspectos de las áreas funcionales de la empresa y con ello han logrado coordinar sus esfuerzos. La cartera de productos y servicios de O-lab es amplia ya que, además de la fabricación y distribución de su línea de productos, cuentan con proyectos de cerámica personalizada y, recientemente, incorporaron los productos obtenidos en colaboración con artesanos del Municipio de Ezequiel Montes, quienes decoraron algunos productos con la técnica de Servín, como un ejercicio de reflexión sobre la cultura nacional y la producción artesanal. Tal ha sido el éxito de O-lab que, muy pronto, dejarán el área que tenían en el Parque Tecnológico para ocupar el espacio que ya han montado en el centro de Querétaro en donde contarán con oficinas, estudio de diseño y su propio showroom. El proceso de diseño en este estudio se encuentra a cargo de las tres diseñadoras y, por tanto, se lleva a cabo de manera colaborativa. Basadas en las necesidades de sus clientes, parten de una lluvia de ideas para definir el concepto y los lineamientos de diseño para después continuar con varias sesiones de bocetaje mediante las cuales pulirán las distintas ideas hasta llegar a una propuesta de producto que comenzará a desarrollarse para llevarse a su fabricación. O-lab nos ofrece un diseño franco que busca revalorar un material como la cerámica con el fin de arrancar una sonrisa a todo aquel que observe una de sus piezas.

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Liliana Ovalle

Diseño a fuego lento Fotos cortesía de Liliana Ovalle

“L

as cosas buenas tardan en suceder. Si, como diseñador, estás tirándole a ser independiente y a desarrollar ese mundo que tienes en la cabeza, necesitas tener mucha perseverancia y mucha paciencia” . Liliana Ovalle es diseñadora industrial egresada de la UNAM y tiene el grado de Maestría por parte del Royal College of Art, en donde realizó “una exploración estética de los objetos y de la forma en cómo la gente se relaciona con ellos y con el contexto”. Como complemento a su trabajo como diseñadora, se encuentra realizando investigación en la Universidad de Goldsmiths en Londres en el área de diseño interactivo. Recientemente, ha diseñado piezas para colecciones independientes y también para la galería PlusDesign en Milán, así como para la empresa Nodus. En México, ha realizando varias propuestas de mobiliario de edición limitada en colaboración con la empresa Dupont y fue seleccionada para formar parte de Destination: Mexico en el MoMA. En los últimos años, Liliana ha desarrollado múltiples proyectos en Europa. Sin embargo, está consciente de lo mucho que puede aportar al diseño de mobiliario en nuestro país. Es por ello que se mantiene muy pendiente de lo que sucede en México. Cada tipo de producto tiene una dinámica de producción diferente y el mobiliario no es la excepción. Es por ello que, hablando de muebles, Liliana nos comenta que “en comparación con otros países, el contexto de México es afortunado porque puedes producir como diseñador a costos no tan elevados. No está fuera de tus manos empezar a hacer una producción independiente”. Liliana afirma que “muchas veces tienes que tener la iniciativa y poner las cosas sobre la mesa. No esperar a que te llamen o te den una oportunidad”. Tal vez sea esta proactividad lo que la ha llevado a espacios como Design Miami y Paul Smith Space en Tokio. Además de su iniciativa, dos de las cualidades más grandes de Liliana son la paciencia y la perseverancia, mismas que le han permitido construir un estilo particular, marcado por la expresividad de sus productos y el carácter discursivo de sus propuestas cargadas de novedad, experimentación e improvisación.

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PARA CONOCER MÁS A LILIANA Referencias obligadas Diseñador: Martino Gamper. Persona preferida: “Elbo, es una persona que me inspira” . Libro favorito: Hard-Boiled Wonderland and the End of the World de Haruki Murakami. Lugar más importante: Punta Allen. EL DISEÑO DE LILIANA OVALLE Sabe a: Vainilla. Huele a: Vainilla. Se oye como: Grillos. www.lilianaovalle.com

Sillas Pee Chair Birch. 2011.

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Christian Vivanco

Diseño que revalora Fotos cortesía de Christian Vivanco

“H

abitualmente, me vienen las mejores ideas justo antes de dormir. Para mí, es cuando empiezan los proyectos”. Christian realizó sus estudios en diseño industrial en la Universidad Autónoma de San Luis Potosí y, posteriormente, estudió un Máster en Conceptualización y Diseño de Producto en la Escuela Elisava en Barcelona. Durante su estancia en España, fue Jefe de Diseño de DesignCode y del estudio de Hiroshi Tsunoda y también fundó The Emotion Lab, junto con otros tres socios. Tiempo después, Christian se dio cuenta de que en México se empezaba a poner más atención a la escena del diseño y fue entonces cuando decidió regresar. Una vez de vuelta en San Luis Potosí, comenzó a dar clases en la Universidad. Pronto descubrió que, desde la Academia, también es posible contribuir e impulsar el diseño y la creación de referencias locales para los diseñadores. Hoy en día, Christian cuenta con su propio estudio de diseño en el que podemos identificar tres líneas de trabajo: La primera enfocada en proyectos para empresas europeas; la segunda consiste en el desarrollo de una colección de productos basada en el trabajo local y el fomento artesanal para el mercado nacional; y una última centrada en la realización de productos de edición limitada para galerías. La forma en que Christian diseña, cambia para cada proyecto que realiza. Sin embargo, como buen diseñador, parte de observar a las personas: Qué hacen, cómo se comportan, para así desarrollar objetos que les funcionen mejor. Motivado por las condiciones locales y la disposición de ciertos materiales en la región en la que se desenvuelve tales como la cantera, la madera, la cerámica y el cuero, Christian ha decidido enfocarse en trabajar de una manera más consistente en el uso honesto y directo de los materiales en sus propuestas, creando objetos en los que “el material se mantenga simple y tome una posición relevante en el diseño”. Nadie puede negar que, en el trabajo de Christian, encontramos una propuesta única y un discurso propio, fuertemente influenciados por factores socioculturales de nuestro país que contrastan con una marcada tendencia a la simplicidad y honestidad de lo mínimo.

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PARA CONOCER MÁS A CHRISTIAN Referencias obligadas Diseñador: Stefan Diez. Persona preferida: Ignacio Rodríguez Malagón. Libro favorito: Rayuela de Julio Cortázar. Lugar más importante: Holbox. EL DISEÑO DE CHRISTIAN VIVANCO Sabe a: Tierra mojada. Huele a: Jícama y agua de jamaica. Se oye como: Risas. www.christianvivanco.com Twitter: @chris_vivanco

Tazmania Ball Room.

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Rodrigo Fernández Diseño con pasión

Fotografías Gabriel González

“L

leno de historias, cosas secretas y sorpresas. Así debe ser un diseñador: curioso por encontrar, por descubrir y por hacer”. Rodrigo Fernández es diseñador industrial egresado del ITESM, especializado en diseño de producto en el Politécnico de Torino. Es director creativo de DIEZ, empresa mexicana dedicada al diseño y fabricación de luminarias de alto nivel para uso residencial y comercial. También participa en la dirección de arte de Tabló y de Gramos de Conciencia. Esta última es una empresa de naturaleza altruista, resultado de una mezcla de filantropía y venta minorista de artículos de diseño. El éxito del negocio que dirige está basado en el estudio de factibilidad de sus productos, pues se enfoca en realizar propuestas viables, en términos de venta. Rodrigo está seguro de que “si un proyecto tiene más limitaciones será más fácil proponer una solución creativa”. Una característica importante del trabajo de Rodrigo es su honestidad en el uso de los materiales. Respeta el lenguaje natural de cada uno, exaltando sus cualidades. De manera complementaria, incorpora procesos como el vidrio soplado y la orfebrería que le dan esa calidez que proviene del trabajo artesanal. Aunado a lo anterior, el acercamiento que tiene con la industria le permite aterrizar sus proyectos desde las primeras propuestas, pues una de las ventajas que tiene como diseñador es que trabaja directamente con la fábrica que produce y vende todos los productos. Rodrigo nos asegura que ese ha sido su mayor reto: “Representar una industria con capacidad de producción, de diseño, de comunicación y de venta”. Sobre el momento del día que dedica a diseñar nos comenta que “el proceso creativo se limita a la noche o al poco tiempo que puedo estar en mi oficina, aunque generalmente es en mi casa”. Debido a sus ritmos de trabajo y la velocidad con la que esperan respuesta sus clientes, la mayoría de sus propuestas están dadas por la conjunción de elementos cuya factibilidad ya ha probado, sin que esto demerite esa cualidad sui géneris de sus productos. La docencia es una faceta que lo complementa como diseñador y, por ello, se encuentra

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PARA CONOCER MÁS A RODRIGO Referencias obligadas Diseñador: Jaime Hayón. Persona preferida: Leonora Carrington. Página favorita: The Element de Ken Robinson. Lugar más importante: Melbourne, Australia. EL DISEÑO DE RODRIGO FERNÁNDEZ Sabe: Agridulce. Huele a: Peonia. www.diezexport.com Twitter: @DIEZEXPORT

trabajando en el Proyecto Satélite, en colaboración con CENTRO, que consiste en una inmersión completa al tema de la producción que “busca relacionar a los alumnos con la industria mediante proyectos de colaboración real”. Rodrigo Fernández es un diseñador que vive el diseño en todas las facetas de su vida: Lo mismo participa en la docencia y el periodismo especializado a la par que mantiene la gestión de proyectos y la línea comercial de DIEZ. Es consciente que, como diseñador, existen muchas cosas que lo complementan y lo hacen crecer como profesional: Enfrentarse a los clientes, a la industria, a sus alumnos y, en general, a todas las personas que están volteando a ver al diseño mexicano. FEBRERO • MARZO 2012

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Miguel Melgarejo

Diseño para la innovación Fotografías: Cortesía de Miguel Melgarejo.

“C

uando diseño, me caso con el problema que estoy resolviendo. Como con él, me baño con él y duermo con él. Insisto en llegar a una solución que me haga feliz y que pueda hacer a otras personas ver la vida de una manera diferente”. Egresado del ITESM y cursando actualmente la Maestría en Diseño Estratégico en TU Delft, Miguel Melgarejo es un diseñador industrial mexicano muy versátil. Su experiencia va, desde colaborar en el rodaje de un documental sobre diseño, hasta sus ya conocidas e icónicas exploraciones a través de propuestas de diseño, tan irreverentes como divertidas. Miguel cree fervientemente en el diseño, sin embargo, está seguro de que diseñar productos no es la respuesta a todos los desafíos que presenta nuestro país. Por esta razón, comenzó a involucrarse en proyectos diversos vinculados directamente con el ejercicio profesional del diseño y la innovación. Una de esas iniciativas fue TOCTOC, un proyecto colectivo que nació como un foro para discutir e intercambiar ideas y, así, incentivar a los creadores mexicanos a ser más autocríticos y evitar esos momentos en los que –a veces– los diseñadores toman distancia del mundo. A la par que cursa su maestría en el extranjero, continúa colaborando en distintos proyectos de una manera mucho más integral. A este respecto, nos confiesa que aún continúa vinculado a sus primeras exploraciones como diseñador ya que estas lo han llevado a exhibir –próximamente– su trabajo en aparadores como el MoMA. Sin embargo, ahora está mucho más interesado en desarrollar estrategias y resolver proyectos más complejos a partir del diseño, o como él dice: “Diseñar dentro de las áreas estratégicas de la innovación”. Miguel cuenta que su trabajo como diseñador “tal vez es ahora menos sexy”, refiriéndose, sin duda, a que ahora posee una carga teórica mayor en la búsqueda de soluciones más complejas. Actualmente, se encuentra realizando un proyecto con la Fundación Bill y Melinda Gates que consiste en desarrollar un sistema sanitario para países en desarrollo, diseñando los servicios, modelos de negocio e, incluso, las capaci-

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PARA CONOCER MÁS A MIGUEL Referencias obligadas Diseñador: Theo Jansen. Persona preferida: “Mis tíos, Enrique y Ricardo Fuentes”. Libro favorito: Arquitectónica de José Ricardo Morales. Lugar más importante: Santiago, Chile. EL DISEÑO DE MIGUEL MELGAREJO Sabe a: Naranja con chile. Huele a: Té turco. Se oye como: La guitarra en el fondo en el minuto 4:05 de la canción Weird Fishes de Radiohead. www.migmel.com Twitter: @miguelmelgarejo

taciones que serían requeridas para la implementación del sistema. Recientemente, participó en el equipo de Design The New Business, un ambicioso documental que explora las nuevas perspectivas para el diseño en relación con las empresas y viceversa. Sin duda, un ejercicio interesante que involucra las distintas perspectivas de industriales, consultores y académicos en torno a las nuevas oportunidades del diseño en otros contextos. El trabajo de Miguel es una muestra clara de las distintas áreas de oportunidad que comienzan a aparecer en el quehacer del diseño mexicano. Será cuestión de esperar a que el trabajo de diseñadores como él, comience a ofrecer resultados dentro de contextos complejos y problemáticas sociales en las cuales la aportación del diseño será una piedra angular. FEBRERO • MARZO 2012

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diseño

Despacho de Diseño Industrial

Construyendo historias Greta Arcila Fotografías cortesía DDI y La Maga Films

Espejo Man. Exhibidor de tequila para José Cuervo.

Mesa TX.

olaborar con proyectos en los que se genere cultura de diseño es uno de los objetivos de Glocal Design Magazine. Y, en esta edición, comenzamos una apuesta muy interesante de la mano de Masisa: Objeto Deco que es, en sí, la creación de piezas temáticas en donde se demuestre cómo un proyecto bien sustentado se convierte en un objeto de valor. Y comenzamos con un equipo profesional que en su corto camino ha demostrado su valía. Hace más de ocho años, conocí a Ricardo Casas, cuando era parte del equipo de Héctor Esrawe. Desde que vi su trabajo –y la pasión con la que lo hacía– supe que en poco tiempo me lo encontraría en proyectos, museos, exposiciones y concursos. Tuve la suerte de verlo nuevamente en el proyecto de El Palacio de Hierro de Nuevo Diseño México Crear-Hogar, con su propia obra, por lo que, cuando se propusieron los nombres para Objeto Deco, el primer creativo en la mesa fue Ricardo Casas, ahora socio de la también diseñadora Marcela Compeán con quien comparte el Despacho de Diseño Industrial (DDI). DDI es un taller que busca mantenerse pequeño para dar la máxima calidad pues saben que, al momento de crecer, el cuidado por el detalle se pierde y las propuestas se merman. Como diseñadores de nuestro tiempo toman para su trabajo referencias de todos lados, y podemos decir que son un tanto poéticos y románticos pues buscan el alma de los conceptos para crear objetos con historia. www.glocal.mx

Casas es egresado de la Universidad Iberoamericana, y ha impartido cátedra en CENTRO y en la Universidad Anáhuac del Norte. Como parte del Colectivo NEL, ha expuesto en el Salón Internacional del Mueble y en diversas galerías. También, ha diseñado colecciones enteras para Móbica, El Palacio de Hierro y Liverpool. Por su parte, Compeán estudió en la Universidad Anáhuac y cuenta con una especialización de diseño de espacios y de producto en Créapole (école du design) en París. Además de su participación con Esrawe Studio, colaboró con RESIN para quienes diseñó luminarias para Saks, Liverpool, Ann Saks, El Palacio de Hierro y Liverpool. DDI es un taller que puede desarrollar proyectos de interiorismo, diseño de objeto y de mobiliario, que logra gestar piezas y espacios que hablan de la importancia de la síntesis en forma y que, al momento de enfrentarse a un proyecto, saben que sus mejores aliados son los materiales pues, éstos, al aprovecharlos al máximo, podrán realmente contar esas historias que buscan dar con su trabajo. http:// DESPACHODI.COM @despachoDI

Departamento en San Miguel Chapultepec.

Silla Zut.

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diseño / OBJETO DECO

» CONTEXTO: Se pidió una pieza que pudiera estar contextualizada en públicos de exhibiciones o exposiciones, en museos o galerías. » MATERIAL: Se contaba con tableros DecoMdf de 12 mm, impregnados de resina melamínica en varios colores, claro, de Masisa.

» NECESIDAD: Dentro de los espacios de exhibición se encuentra la necesidad de separar espacios físicamente, para modular y vestibular áreas y, así, aprovechar mejor los espacios de exposición.

» INSPIRACIÓN: Ilustraciones topográﬁcas de ambas caras de la luna.

DecoMdf: verde lima/gris

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» PROPUESTA: Un sistema modular de mamparas para dividir espacios físicamente. A partir de las formas que genera la topografía lunar, se extraen patrones para el diseño. El corte para lograr las formas es a través de router. Éstos al estar listos se sobreponen de tres en tres, para que una vez que se tiene un panel se hagan en repeticiones de 4 piezas con el objetivo de crear un solo módulo, para éste último se propone un marco metálico como bastidor y nodo de conexión con más módulos.

* La línea que Masisa ha desarrollado para la fabricación de muebles y arquitectura interior. Estructura en MDF, más versátil y con amplia variedad de diseños. El tablero de MDF permite mayores opciones de transformación en ensambles y uniones, posibilidades de cortes curvos y ‘routeado’. Tiene un alto desempeño a nivel industrial con bajo desgaste de la maquinaria y un corte muy limpio.

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Banca hecha con el desperdicio de los módulos

enfoque

Plática con Scott Wilson

El poder de las masas a través del crowd-founding Greta Arcila Fotos cortesía MINIMAL

na de las mentes más brillantes en el ámbito del diseño y que es reconocida porque ha sabido desarrollar productos de la mano con lo más extreme de la tecnología, es Scott Wilson. Su personalidad jovial y espontánea, nos ayuda a que la plática fluya de inmediato. Cuando conversa sobre su trabajo con grandes corporaciones como Nike o IDEO, en donde fungió como director creativo, explica cómo éstas le dieron la perspectiva horizontal para reconocer desde cómo se comporta el mercado de las masas, hasta la visión de acercarse al lado más íntimo del ser

humano. Ha colaborado para las empresas de tecnología punteras en Forbes, como Microsoft, Apple, Motorola y, además, es uno de los casos más sorprendentes de ese fascinante proyecto de crowd-funding llamado Kickstarter. Nosotros lo conocimos a gracias a Coalesse en el marco de NeoCon, y más recientemente en el evento organizado por Steelcase en el Museo Soumaya en donde se presentó el mobiliario diseño de Wilson: La colección completa de la línea SW_1, así como el Power Pod. Actualmente, Wilson, además de dirigir su empresa, es Director Creativo Global de Nike

TikTok + LunaTik

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“Si no hubiera fallado constantemente, no habría tenido el tiempo para hacer TikTok + Lunatik. Antes de llegar a él, pasé tiempos difíciles. Todos sabemos que, como creativos, el fracaso está implícito, pero muchas veces es complicado vivir con ello” Scott Wilson

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Watches. Su estudio, MINIMAL, ubicado en el Fulton Market, West Loop en Chicago, Illinois, es un laboratorio de ideas (que en realidad es un acaso de tradicional arquitectura). La fachada de la casa está totalmente recubierta de ladrillo rojizo. Al llegar, es imposible no observar a los personajes que caminan por la calle, lo que es en cierto punto razonable ya que de unos años a la fecha todo tipo de creativos se apoderaron de ese cosmopolita lugar montando ahí desde talleres hasta sus estudios de producción. Ya dentro de las oficinas, lo primero que nos reciben son cuadros de los portacelulares que realizó para Uncommun, que han sido de los modelos más vendidos de esa

empresa y uno de los proyectos que, a decir de Wilson, le ayudó a saber que estaba por el camino correcto al haber decidido ser diseñador-emprendedor, pues en los momentos de poco trabajo y crisis, saber que un producto creado por ellos había logrado tal aceptación, regresaba la confianza. Sin embargo, subrayó que es indispensable no enamorarse de los proyectos pues siempre existe la posibilidad de que no funcionen comercialmente; comenta que muchos diseñadores no se preocupan por el proceso de producción y menos aún si eso va a servir al público final, sólo atacan al diseño por el diseño mismo, cuando lo más importante de cualquier proyecto es el proceso y el

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“Lo más importante en la vida de un diseñador es mantenerse flexible y perfeccionar las habilidades con las que se disponen. Con esto en cuenta, las herramientas para diseñar se multiplican de inmediato”

SW_1 Collection para Coalesse

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Microsoft Courier

cuidado de éste, pues si una pieza logra tener un sano proceso de experimentación, producción y costos, sin duda será bien recibido por el público al que va dirigido. Pero regresemos a su estudio, pues cada área nos habla de su filosofía de vida. Al centro, hay una sala en donde varios geeks se mantienen absortos en su trabajo; siguiendo el recorrido, nos encontramos con un espacio abierto para juntas; y, sin duda, lo que más agrada es el área dedicada al “descanso”, en donde, vemos un pequeño café-bar, y no podía faltar uno de sus diseños estrella: La consola del Xbox 360 y un Kinect para uso de todos. No puedo dejar de mencionar lo agradable que fue llegar a ahí y ver a varios miembros del equipo “jugando” a bailar salsa.

Para Wilson, comprender la tecnología y a través de ella “crear” el mañana, ha sido toda una experiencia. Sin embargo, reconoce que – muchas veces– las multinacionales gastan millones en estudios de mercadotecnia sin pensar en el consumidor, y por el contario, hay proyectos cibernéticos de crowd-funding que regresan el poder a las masas y ayudan a dar una lectura más precisa de que lo desean, ya que lo que se expone en Kickstarter siempre tiene que ver con la creatividad —sin dejar de reconocer el riesgo de que las ideas sean robadas—, y eso es lo que ahora la gente está buscando, finalmente se sienten parte de algo que les da libertad de selección y alimenta el alma de ser “empresarios” en un mundo en donde ese sueño se ve cada vez más lejano por como funciona la economía. Finalmente, como le dijo su jefe en Nike, Ed Boyd: “Hay que romper reglas, confiar en tus instintos para que el mundo se mueva”, y quizás ésa es la lección más grande que alguien le ha dado y que ahora experimenta día a día. Para él, saber que hay gente en todo el mundo esperando a invertir en sus proyectos y que esto los comunica y empodera, es sumamente alentador. Y estando en el showroom de Steelcase pude ver cómo un joven diseñador se acercó a él pues quería conocer a la persona en la que invirtió su poco dinero para el proyecto del reloj-armazón Lunatik+Tik-Tok, el lazo que se creó en instantes fue impresionante: Dos personas totalmente ajenas se conectaron de manera racional y emocional, compartieron ideas y proyectos de diseño en menos de dos minutos.

LunaTik Touch Pen

World Wildlife Fun

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Colección Uncommon

Para él, así como para muchos diseñadores, lo más importante es contar una historia básica, y que ésta sea parte de la vida del consumidor, y ahora que diseñó para Coalesse, cree haber cumplido ese cometido: En NeoCon pudo observar cómo mucha gente simplemente no se paraba de sus sillas, tocaban la textura de las telas; identificó de inmediato el éxito del producto, aspecto que también fascinó a los directivos de este gigante

Nike Presto

del mobiliario para oficinas pues el trabajo con Wilson fue de lo más enriquecedor ya que realmente empatizó con el equipo del design center de Steelcase pues estuvo pendiente de cada detalle de la producción, y a la pregunta del porqué ese afán de conocer cada paso, contesta y cierra contundente: “Las ideas no sirven de nada si no sabemos cómo se van a ejecutar”. www.mnml.com

Xbox 360, Kinect y volante para Microsoft

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dentro

GalerĂas del Polyforum

Cultural Siqueiros Jorge Eduardo Morales Fotos Jaime Navarro

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ace unos meses, BNKR Arquitectura fue el despacho elegido para intervenir el área de las galerías del Polyforum Cultural Siqueiros. Desde su apertura en la Ciudad de México, en 1971, este impactante espacio concebido por David Alfaro Siqueiros, no había sufrido ninguna remodelación importante. La misión de BNKR era mantener el concepto original y, al mismo tiempo, darle a este espacio una identidad que se adecuara al diseño contemporáneo. El Polyforum Siqueiros es obra de uno de los más grandes artistas plásticos mexicanos, David Alfaro Siqueiros, quien, junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco, fue uno de los tres Maestros del muralismo nacional del siglo XX. El edificio fue concebido como un diamante gigante, completamente recubierto de pintura mural, tanto en el exterior como en su interior, por lo que es considerado el mural más grande del mundo (con más de 8,000 m2). Hoy en día, es un recinto cultural multifuncional que alberga –en su Foro Universal– la obra maestra de Siqueiros: La Marcha de la Humanidad. El edificio, así como sus galerías, fueron diseñados por los arquitectos Joaquín Álvarez Ordóñez, Guillermo Rossel de la Lama y Ramón Miquel Jáuregui, quienes, en 1967, trabajaron con Siqueiros en el diseño y construcción del Polyforum. FEBRERO • MARZO 2012

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“La única ‘pieza de diseño’ que creamos fue la recepción elíptica que acentúa el espacio dinámico de las galerías circulares e invita al usuario a proceder al área de exposiciones. Su acabado rojo al alto brillo contrasta con el espacio sereno de galerías y nos recuerda a los brochazos agresivos y energéticos de las pinturas de Siqueiros”. BNKR Arquitectura

Recientemente, el Polyforum consiguió el patrocinio de un fabricante de pintura para remodelar sus galerías en la planta baja. Estas galerías no habían sido renovadas desde la inauguración del Polyforum, en 1971. Fue BNKR Arquitectura el despacho elegido para realizar este proyecto. Bunker Arquitectura –BNKR– es una oficina de arquitectura, urbanismo e investigación, fundada por Esteban Suárez en sociedad con su hermano, Sebastián Suárez. En su corta carrera, han podido experimentar con la arquitectura en la escala más amplia posible: Desde pequeñas capillas icónicas –para clientes privados– hasta un plan maestro para una ciudad entera. BNKR ha llamado la atención por su acercamiento poco convencional a la arquitectura y está envuelto en proyectos de investigación –autofinanciados– que nutren el lado teórico de su práctica. La intervención de BNKR Arquitectura en el área de las galerías del Polyforum (en colaboración con Julio Amezcua y Érik Ramírez), es una propuesta que se limitó a quitar elementos de las galerías, más allá de un proyecto de diseño como tal, para dar más claridad, limpieza y modernidad al espacio. Para la renovación, se reemplazó la alfombra industrial azul oscuro del piso, así como las escaleras, con un acabado epóxico blanco al alto brillo. El acabado rugoso de los muros que existía hasta ese momento, fue sustituido por uno liso. Los plafones de anillos concéntricos fueron removidos para resaltar los anillos estructurales que cargan el Foro Universal. El plafón original de madera y las escaleras fueron lijados y barnizados en mate. Finalmente, al cristal perimetral que divide las galerías con el exterior, se le colocó una película esmerilada para contener el espacio y prevenir que se fugara. Antes de esta intervención, el exterior provocaba demasiada distracción en el usuario. www. bunkerarquitectura.com

Diseño Arquitectónico: BNKR Arquitectura / Esteban Suárez y Sebastián Suárez. Líder de proyecto: Adrián Aguilar. Equipo de proyecto: Adrián Aguilar y Diego Jasso. Carpintería: La Invencible / Alejandro Tapia. Dimensiones: 680 m2

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Mobile Museum by Fabrica

en The Design Museum de Helsinki

Ángel Madero Fotografías Cortesía Mobile Museum

l Mobile Museum es un museo itinerante, con contenidos generados por gente de todo el mundo. Su colección es cambiante, evoluciona dependiendo del lugar en el que se encuentre, ya que la propia locación determina su temática. Recibe contribuciones de orígenes diversos, ya sea de artistas, diseñadores, ilustradores, fotógrafos, etc. Este peculiar museo siempre recibe materiales nuevos para incluirlos en sus exposiciones. El Mobile Museum tuvo su primer aparición durante el Salone Internazionale del Mobile de Milán, en 2011, bajo el tema “Familia”. La segunda aparición del MM fue en el Victoria and Albert Museum, como parte del programa Friday Late Summer Camp. Más tarde, fue recibida en Bruselas durante el evento conocido como Design September 2011. Ahora, durante 2012 –desde el pasado 27 de enero y hasta el 6 de mayo– se abrió la exposición Mobile Museum by Fabrica (centro de investigación de comunicación de Grupo Benetton) en el marco de Designworld, dentro del Design Museum de Helsinki –en Finlandia–. Esta será una exhibición que considera al diseño en términos de las necesidades básicas del hombre y la sociedad, reﬂejando las distintas formas en que el diseño puede inﬂuenciar en problemas de perspectiva mundial. El tema fundamental es el “Futuro”. Los diseñadores de Fabrica involucrados en este proyecto fueron Dean Brown y Philip Bone. Se eligió el tema del “futuro” para el Mobile Museum ya que Designworld presenta diseño contemporáneo fresco proveniente de todo el mundo desde una amplia perspectiva y a través de una mentalidad abierta. Las exhibiciones del evento incluyen productos, prototipos, conceptos, presentaciones de proyectos e “ideas”. Además, Designworld incluye variados temas coincidentes en los puntos fundamentales de diseño contemporáneo y amplios contextos, como desarrollo sostenible, diseño responsable, diseño desde la perspectiva de bienestar personal y seguridad, así como los nuevos desafíos y tendencias del diseño industrial. www. themobilemuseum.net www.fabrica.it FEBRERO • MARZO 2012

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dentro

The Dandy Exhibition en The Stockholm Nordic Museum

Ángel Madero Fotos The Stockholm Nordic Museum

l término “dandy” fue tipificado por Óscar Wilde, durante el siglo XVIII, para describir a un hombre cuya elegancia en el vestir fuera fundamental, mientras se esforzaba por ser considerado “aristócrata”. Charles Baudelaire definió el término como “alguien que eleva la estética a una religión viviente”. En la época contemporánea, la imagen de este personaje ha evolucionado para dar paso a un estilo de vida sofisticado y moderno. Entonces surgió la idea: ¿Cómo luce un dandy verdaderamente en la actualidad? ¿Cuáles son los elementos inconfundibles para determinar que un hombre es un auténtico dandy? Inspirado por toda esta iconografía del dandy del siglo XXI, el Stockholm Nordic Museum exploró la figura del dandy en la Dandy Exhibition que permaneció entre sus muros el pasado 2011. La exposición Dandy en el Stockholm Nordic Museum tuvo el propósito de determinar quién o qué define al dandy moderno. El sastre Frederik Andersen, el investigador de moda Rickard Lindqvist, el periodista Olaf Enckell, el estilista Lalle Johnson, el autor Björn af Kleen, el diseñador Göran Sundberg y el empresario Christian

Quaglia ofrecieron, a través de Dandy, sus propias interpretaciones. La elegante intervención de la exhibición fue cortesía de Form Us With Love e incluía maniquíes desmembrados, fusionados con cajas de MDF, dando la apariencia de un escultor que había comenzado su trabajo en piezas de piedra pero que solamente terminó las secciones necesarias para la exhibición. Conocido por su estilo e inteligentes propuestas, el despacho sueco mostró su astuta visión al embellecer esta pequeña –pero encantadora– exhibición. El resultado del diálogo entre los autores de la exposición, todos entusiastas del mundo de la moda, no sólo resultó en una demostración de prendas maravillosamente creadas, sino que Dandy se convirtió en un honesto intento de acercarse a la filosofía dandy, definida a través de la estética. Toda la exhibición en el Stockholm Nordic Museum se complementó con el trabajo de Form Us With Love que, con su minimalista propuesta, resaltó cada una de las piezas de la muestra. www.formuswithlove.se www.glocal.mx

vivienda

Villas Finestre

Integración con la naturaleza Jorge Eduardo Morales Fotos Yoshihiro Koitani y Diego Berruecos

Una obra del arquitecto Manuel Cervantes se desplanta sobre un risco en la costa del Pacífico en el estado de Guerrero y forma su volumetría en base al ajuste topográfico en el sitio.

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illas Finestre surgió a partir de la topografía del terreno. Se realizó un proyecto para vender viviendas y se tomó en cuenta un mercado probable. La importancia residía en entender el sitio. El concepto pretendió escalonar el proyecto como lo demandaba la pendiente, dando origen a las plataformas que albergan las viviendas. La consideración primordial era integrar el mar con el interior de las viviendas. Más allá de existir como ‘la vista’ de las viviendas, se buscó que el mar pudiera oírse y que fuera parte de todos los interiores. La brisa del mar y la perspectiva hacia este, son la parte principal del proyecto. Viendo al mar, los espacios quedan orientados buscando el resguardo del sol, dentro de un ambiente sobrio y tranquilo. Esto, con la idea de dejar como protagonista al entorno natural del sitio.

El paisaje se basó en dos etapas. La primera consistía en rescatar la mayor parte de la vegetación del terreno. La que no se pudo respetar, fue trasplantada. La segunda etapa consistió en generar plataformas de contención vegetal, para lograr rescatar la vegetación perdida en el proceso de la obra. Estas plataformas son los jardines, los cuales van desde los 100 hasta los 500 m2. Los materiales elegidos buscan hablar del sitio. El verde de la vegetación, el azul del mar y el café rojizo de la piedra, son los colores principales del proyecto. De ahí surgieron, dentro de la misma gama, el beige del travertino veracruz de los pisos y el café de la madera de parota (madera de la región). El blanco de la estructura arquitectónica busca ser neutral y darle a todos los materiales, anteriormente mencionados, la relevancia que merecen.

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Envolviendo los espacios en prismas de color blanco, los interiores de madera se resguardan del exterior, sin dejar de estar integrados a su contexto. Debido al importante entorno vegetal y visual de la zona, los interiores se mezclan en todo momento con los elementos del exterior. El objetivo del interiorismo del departamento Vertebra era introducir la arquitectura a los interiores. La intensiĂłn en la madera, las piedras, los linos y las telas, es aterrizar la arquitectura y el entorno al detalle mĂnimo del proyecto.

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â&#x20AC;&#x153;Uno de los objetivos primordiales era integrarse al entorno, lo que logramos utilizando materiales locales â&#x20AC;? Manuel Cervantes

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Las necesidades para los interiores son habitar, estar dentro absorbiendo el exterior. Las texturas son muy sutiles pero existen con la idea de permitir que sean agradables al tacto. Los pisos son de travertino al natural y remiten, al andar descalzo, que se está en la playa. La textura de los linos y tapetes pretenden crear la misma sensación. El mobiliario es sumamente sencillo y es parte de la arquitectura. Aparecen solamente dos piezas exteriores que son las sillas. Una de Wegner en madera de parota y una segunda que se restauró y replicó de una pieza encontrada en La Lagunilla. El proyecto de interiores es una colaboración con Rafael Rivera y Javier Claverie de H116. El interiorismo no olvida su objetivo primordial: Ser habitado por familias que buscan una segunda casa, para vacacionar. Un tema importante de la obra es la horizontalidad. En este caso, el mar y el horizonte de la vista, se volvieron un tema recurrente en las lineas de la arquitectura. Constantemente se lee esa línea recta horizontal en el mar, en la alberca, en los plafones... En ocasiones se critican las líneas rectas y tan rígidas en un ambiente como Ixtapa Zihuatanejo pero, si se observa bien al océano, esa línea está siempre frente a nosotros. www. ccarquitectos.com.mx

VILLAS FINESTRE Diseño arquitectónico: Arq. Manuel Cervantes Céspedes Equipo de proyecto: Arq. Omar Rojas Arq. Edson Castillo Arq. Héctor Barroso Superficie del terreno: 22,500 m2. Superficie construida: 9,700 m2. DEPARTAMENTO VERTEBRA Diseño arquitectónico: Arq. Manuel Cervantes Céspedes Arq. Omar Rojas Zúñiga Equipo de proyecto: Arq. Edson Castillo Superficie de construcción: 900 m2.

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evergreen Nina Paz Fotografía: cortesía Taller 13

El ecosistema de Taller 13 Un pequeño paso, una gran diferencia

n la calle de Nicolás San Juan en la colonia Del Valle de la Ciudad de México, encontraremos un edificio que replica la forma de las jacarandas y árboles que lo circundan. Además de la forma, el proyecto ha tomado también como inspiración el sistema de las plantas que da al ambiente lo que de él toma. Es este el primer edificio que recibirá la certificación de Peces por la Secretaría del Medio Ambiente, veamos por qué.

70% de la energía que consumimos es para las ciudades

Taller 13 lleva varios años en el medio y ha pasado por varias etapas de maduración; hace seis o siete años se han concentrado especialmente en el tema del cuidado al medio ambiente a través de su labor como arquitecwww.glocal.mx

“Hacemos lo que hacemos porque amamos los bosques, la biología, los ríos, el mar, las montañas y toda las redes de organismos que conforman nuestro planeta” Elías Cattán

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tos porque saben que “ponerse la verde” no es opcional. “Debemos quitarle el apellido a la arquitectura verde, sostenible y regenerativa” nos dice el arquitecto Elías Cattán –fundador de Taller 13– en entrevista con Glocal Design. Sabemos que cardar una serie de temas e hilarlos para realizar un buen tejido se necesita un buen desarrollo, Proceso de Diseño Integrado es la metodología en la que se basa Taller 13 creada por William G. Reed quien asesoró el proyecto y se basa en generar un equipo multidisciplinario; en el caso de Nicolás San Juan: Juan Casillas colaboró con el sistema de muros de pacas de paja; Raúl de Villafranca con el tema del bambú; Alejandro Lirusso y Héctor Juárez de Plastic Plombers con todo el sistema de captación, tratamiento y reutilización de agua, entre otros especialistas. Nicolás san Juan se basó en cuatro principales temas: agua, energía, materiales y hábitat. El edificio, por su diseño, otorgó 15% de ahorro en acero y concreto, y por su sistema estructural se evitó el uso de pilotes que representó un ahorro de 800 mil pesos aproximadamente, todo por adoptar un proceso creativo integrado en lugar del lineal. Nicolás San Juan no es la ópera prima de Taller 13, pero sí es el primer paso. Delfín Montaña, el biólogo del equipo, enseñó al resto del equipo que un edificio es también un sistema vivo, no en el mismo sentido que tendría un río,

“Nuestra situación en este ecosistema es crítico, defecamos en nuestras venas, esa es una idea garrafal, no es sostenible”. E.C.

un mar o un bosque, pero otorga vida también. Por lo anterior, eligieron diferentes plantas que tienen relación con las distintas migraciones de insectos y aves, un gesto pequeño que sí colabora a generar hábitat: “si hay vida que quitas para poner un edificio encima, ponle vida también al edificio”. Nicolás San Juan usa concreto y acero eficientemente; 60% de sus muros son hechos de pacas de paja (ladrillos de paja, más grandes y mucho más ligeros), uno de los mejores aislantes acústicos y térmicos que se pueden usar actualmente, que además se salva de ser quemado, evitando así la emisión de gases al medio ambiente. Taller 13 organizó talleres gratuitos de construcción alternativa con pacas de paja para quien quisiera tomarlos (alumnos) y también para entrenar a los trabajadores de la obra, personas que se llevaron a sus lugares de origen el método. Taller 13 usó también bambú en el techo del patio, parte integral del diseño y funcionawww.glocal.mx

miento bioclimático. La orientación del edificio, benévola (Este y Norte), y el techo de bambú ayudan a crear un colchón de aire entre departamentos y el exterior, lo que además garantiza un mejor flujo de ventilación. Todos los departamentos ventilan naturalmente y todas sus áreas. El edificio, por otro lado, ahorra de 70% a 80% de agua. En sus instalaciones se encuentra una cisterna que almacena agua potable y otra cisterna —de igual tamaño y litros— de agua pluvial. Ésta última es filtrada y potabilizada para utilizarse de la misma forma en que se usa el agua de red para primeros usos: regadera, lavadero, fregadero, etcétera. Una vez ocupada por primera vez esta agua se va a una planta de tratamiento y se guarda en una cisterna y es constantemente movida hacia los WC (40% del agua potable se usa en el inodoro). El agua sobrante de esta reutilización se destina a riego, no es potable, pero no pone en riesgo al hombre con su contacto. FEBRERO • MARZO 2012

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El edificio tendrá huertos y techos vivos, cada departamento tendrá una “paleta de color vegetal” que además pueden ser usados en tés o como hierbas de olor, no sólo cumplirá como elemento ornamental. En los acabados finales se usó pintura ecológica, que no emite gases; maderas certificadas; las cubiertas de las cocinas son de terrazo (granito fabricado: pedacería de vidrio, grava, cemento, etcétera) y los baños tienen el sistema de doble descarga. www.taller13.com

hospitalidad

Paradisus Playa del Carmen Más que un hotel: un espacio para ser abrazado por los ambientes Greta Arcila Fotografías cortesía Paradisus Playa del Carmen

onversar con personajes tan involucraque uno se sienta abrazado por cada uno de los dos con su trabajo, siempre inspira. En ambientes. esta ocasión, el arquitecto Álvaro Sans Ubicado en Playa del Carmen, Quintana Roo, fue el responsable de hacernos comprender por México, este complejo all-inclusive nace con la intención de recibir al sibarita más exigente, ese qué nos dedicamos a esto. Hace un mes, tuvique no quiere salir de su hotel y que desea lo sirmos la oportunidad de platicar con él después van a detalle, pero que tampoco desea estar de vivir la experiencia de caminar cada rincón encerrado entre cuatro paredes. En 20 hectádel hotel Paradisus Playa del Carmen. Y menreas, Sans logró desarrollar dos conceptos turísciono la palabra ‘vivir’ con toda la intención, pues los espacios desarrollados por Sans logran ticos únicos en un mismo espacio que, en sí, son

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Fernando y Humberto Campana trabajaron el diseño en colaboración con 20 estudiantes locales con el fin de entender la cultura local y hacer un espacio fresco con tradiciones.

dos grandes cuerpos arquitectónicos espejo, unidos por una gran área común denominada “Zócalo” en donde convergen los 12 restaurantes, 10 bares, el YHI SPA, el gimnasio, entre otros servicios. Paradisus Resorts —la línea boutique de Meliá Resorts— cobija bajo su techo dos conceptos: Paradisus La Perla (394 suites sólo para adultos), Paradisus La Esmeralda (521 suites para familias), y a su vez, cada uno cuenta con un área denominada Royal Service que es, digamos, el extremo del lujo y cuidado al visitante: lo boutique dentro de cada cuerpo edilicio. Uno de los aspectos importantes a mencionar es que el hotel cuenta con ventilación cruzada, recomendada para zonas climáticas tropicales húmedas, como una estrategia de refrescamiento pasivo de los edificios. Lo FEBRERO • MARZO 2012

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anterior con el fin de que el aire acondicionado sea usado únicamente cuando lo demande el clima. En voz de Sans, el respeto al entorno era indispensable, además de que era un requerimiento de su cliente —Gabriel Escarrer Juliá, presidente de Meliá Hotels International— ya que pidió que cuidaran y respetan los manglares que están frente al hotel: “Para lograr esto, ‘levantamos’ 10 metros de nivel de piso, y estamos contentos con el resultado pues prácticamente la vegetación está intacta”. Este último aspecto hace que el huésped pueda “recorrer”, a través de puentes, esa parte selvática que cualquier adepto a la naturaleza agradece. Continuando con este tenor responsable, encontramos, en el Paradisus, jardines verticales sostenibles en los muros que dan hacia el Zócalo; un sistema de captación de aguas pluviales, y para

“En el interior buscamos crear ambientes que a través del color transmitieran vida” Álvaro Sans

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su ejecución y levantamiento, sólo se utilizaron materiales y mano de obra locales. Imposible dejar de mencionar que uno de los aspectos que más me sedujo del trabajo logrado por Álvaro Sans fue la ambientación e iluminación de cada espacio; cada restaurante tiene su propio carácter, y claro está, representa el tipo de comida que en su mesa se sirve. Así, el restaurante Mole nos recibe con una escultura de gran formato del artista mexicano Javier Marín en tonos tierra; Passion, con carta del chef internacional Martín Berasetegui, tiene en sus paredes murales que nos recuerdan la época del Romanticismo y sus excesos; el restaurante Vento, que sirve una interesante mezcla de comida mediterránea, nos recibe con un juego de espejos del artista milanés Fornasetti; Hadar, de cocina japonesa, nos lleva a la elegancia de lo básico del arte japonés pero con grandes acentos de color, y así cada uno guarda su unicidad. El interiorismo y la selección de mobiliario también fueron llevados a cabo por el arquitecto español, aspecto que se nota de inmediato por el empeño de colocar mobiliario emblemático siendo éste el detonador del carácter de los espacios. De tal manera, vemos piezas como la silla Out-In de Philippe Starck y Eugeni Quitllet para Driade; la colección Maia de Patricia Urquiola para Kettal, ésta la vemos tanto en la playa como en las albercas; “el sillón” Aster Papposus de los Hermanos Campana para Edra; lámparas de Mooi por Marcel Wanders; Roos Lovegrove y su fantástico luminario Mercury Suspension para Artemide, y un sinfín de piezas que hacen que, en cada espacio, uno se encuentre algo que apreciar, además de las bellas playas del Caribe mexicano. www.paradisusplayadelcarmen.com www.arquitecturahotelera.com

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resto & bar

Bonsáis para la Roma Restaurante Omiya Yolanda Bravo Saldaña Fotos A&S Photographics

fines de noviembre de 2011, fue abierto el restaurante de gastronomía japonesa Omiya, localizado en una casona porfiriana de la colonia Roma del D.F., una mansión bastante demacrada que fue “rejuvenecida” por el grupo de arquitectos e inversionistas LRDF (Los Reyes de la Finca). De entrada, resulta un delicioso aperitivo ver la estructura neogótica veneciana, de la otrora residencia,

realizada en cantera. Un puente de estilo japonés y una lámpara de techo sencilla y elegante, reciben al comensal en lo que fuera el umbral del portón de la antigua casa. Tras cruzar este espacio se arriba a la zona denominada la Terraza, una de las áreas más llamativas del restaurante en el cual se encuentra lo que LRDF llaman la “Biblioteca del bonsái”, un gran librero con cuarenta repisas —hecho de madera, mármol y acero— diseñado ex pro-

feso, de 10 metros por 4 de altura. Se trata de una estantería que alberga diversos tipos de bonsáis de diferentes tamaños, los cuales no solo sirven como ornamentación sino que pueden ser adquiridos por el comensal o visitante. Este espacio —decorado en la parte superior por lámparas que recuerdan el trabajo de origami— resulta ser el más luminoso de todo el restaurante dado que las plantas requieren precisamente de luz natural para estar en buewww.glocal.mx

nas condiciones, nos cuentan los gemelos Ori y Dany Izvitzki, y Alejandro Toussieh —miembros de LRDF—. Otro espacio interesante es donde fue dispuesta la barra de sushi —localizada en una de las otroras habitaciones— cuya ambientación destaca por la texturización basada en los colores del propio sushi: alga (un negro verdoso); wasabi (verde aguacate) y jengibre (un salmón intenso). También destaca la propia barra de sushi –para 19 comensales– que recuerda la textura propia del alga con que se hace un rollo de sushi. Cabe decir que en esta habitación (y en todo el restaurante) sobresale el respeto que se tuvo por el edificio original. En el caso de la zona de tepanyaki, toda la instalación quedó flotando con el fin de respetar también el inmueble. Las barras de tepanyaki serpentean por la habitación que tiene como color principal el azul, mientras que las sillas son de color naranja. La iluminación está orientada hacia muros y alimentos. Este espacio cuenta con una terraza que da a la calle. En la parte alta del inmueble, al cual se accede por una escalera de madera original —y desde donde se puede observar un bello vitral y una lámpara creación de Rodrigo Fernández—, los creadores de Omiya generaron un salón privado y un lounge bar con bancos altos y su propia terraza. www. omiya.com.mx

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texturas

Balance en

Fashion Week de París

Marina Peniche Fotos cortesía Alice Knackfuss

uscando posicionar la moda belga internacionalmente, Flanders Fashion Institute y Wallonie-Bruxelles Design/Mode ofrecen una plataforma para el talento emergente apoyando la presencia de los diseñadores belgas en Showroom Belgium en Fashion Week París de este año. Un número de prometedores diseñadores han sido seleccionados para mostrar su colección a la industria de la moda internacional. Entre estos destacados, se encuentra Alice Knackfuss quien, en febrero de 2011, lanzó su propia colección para mujeres Primavera-Verano 2012: a.KNACKFUSS. El trabajo de Alice es un esfuerzo constante por mostrar la ligera línea que existe entre lo femenino y lo masculino, explorando la conceptualización de la idea de delicadeza contenida en un cuerpo firme y rígido. Con sus vestuarios transmite una imagen fuerte pero femenina. Utiliza como base una túnica holgada como referencia a las piezas del guardarropa masculino clásico. Evocando una cierta idea de la ropa de mujer, usa tableados y pliegues que se adivinan en lo liso de las túnicas, logrando detalles sorpresivos y mucho contraste. Este doble discurso entre sutileza, finura y suavidad encontradas con fortaleza, rigidez y firmeza, se recalca con formas asimétricas logrando la concepción de una pieza de ropa que se usa como un perceptor social. Los materiales se adecuan a las tórridas estaciones con el uso de algodón satinado suave para el verano, loden transparente, georgette y tela encerada. Y, asimismo, recalcan el sentido femenino de la línea. Knackfuss exhibe una colección exponiendo su excelente calidad manufacturera y sólida visión de la moda, contando una historia a través de cada pieza.

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“En texturas que combino hilos brillantes de seda para una sensación futurista y más lana, hilos ásperos para conectar a las cuerdas. Estas cualidades diferentes de hilados dan profundidad a las diferentes piezas. Las telas y cueros que se utilizan son fuertes, gracias a la transparencia de unos, la luz traspasa para destacar la silueta frágil”. Jantine van Peski

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galería

El lente expresionista de

Massimo Listri Jorge Eduardo Morales Fotos cortesía Massimo Listri

ay una diferencia entre “fotografiar la belleza” y “crear la belleza”. Massimo Listri es un artista capaz de hacerlo al capturar en una imagen el lado sensible y estético de la realidad, con una propuesta muy particular. Su talento otorga, al espectador de sus piezas, la gracia y belleza del mundo que nos rodea y las cuales, normalmente, pasamos inadvertidas. Por ello, Listri es considerado uno de los fotógrafos de interiores y arquitectura más influyentes del mundo. Massimo desarrolló su pasión desde muy corta edad, a los 17 años, de manera autodidacta. Aunque cuenta con un extenso portafolio, con la arquitectura y espacios interiores ha conseguido impresionantes imágenes que han atraído la atención del público por su facilidad para percibir atmósferas y convertirlas, a través de una foto, en momentos congelados que generan escenarios y paraísos que conjugan el surrealismo, lo irreal contra lo real, la perspectiva, la profundidad, la composición y un extraordinario manejo de la luz.

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Durante las tres últimas décadas, Listri ha recorrido Europa en búsqueda de formas arquitectónicas y elementos decorativos que han sido abandonados o pasados por alto porque están en malas condiciones o debido a la inaccesibilidad de los sitios que los albergan. Y ha descubierto estos ‘tesoros ocultos’ para abrir los ojos de los espectadores que admiran, en sus fotografías, aspectos fascinantes de espacios por los que pasan todos los días sin darles la atención apropiada. Su obra ha participado en numerosas exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Florencia, en diferentes bienales, museos y cuenta con más de 50 libros y publicaciones. De hecho, Massimo logró lo que nadie había alcanzado antes: Fotografiar el interior del Vaticano, deteniendo el gran flujo de turistas, además de ser el primer fotógrafo que, en vida, expone ahí su trabajo. Actualmente, está preparando un libro de arquitectura mexicana que contendrá arquitectura popular y contemporánea, haciendas y detalles vernáculos. La mayor parte de sus fotografías no tienen la intervención de ningún programa de edición digital. Sin embargo, de vez en cuando se toma, como él lo define, “la libertad poética” de modificar alguna foto, resaltando o cambiando algún color en la imagen, con un sentido estético para destacar alguna intención artística. Algunos prefieren y aprecian el valor de la fotografía pura y a otros les llaman la atención estas mediaciones. Para Listri, no hay escuela que enseñe a captar y ver la esencia de un espacio. Hay que desenvolver la sensibilidad y visión propia. La prerrogativa de su trabajo, más allá de la técnica, es el mensaje que transmite con sus fotos, la búsqueda del espacio, la perspectiva y elegancia.

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No. 7

homenaje

Homenaje a

Ricardo Legorreta Vilchis (1931-2011)

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Marcos Betanzos Fotos cortesía Legorreta + Legorreta

unca tuve la oportunidad de conocerlo en persona y, quizás, una de las cosas que ayudó para que esto fuera así es que nunca pude sentirme seguro de mantener una conversación con él. De la admiración al respeto y del respeto a la distancia, así fue la perspectiva que sostuve con Ricardo Legorreta Vilchis (1931-2011). Me enteré –poco antes de su muerte– que su cuadro de salud no era el mejor. Pronto supe lo inevitable. Al arquitecto Legorreta lo conocí por video, en alguna entrevista o en alguna producción editorial en la cual nunca coincidimos. Lo conocí por sus obras, eso sí: Desde el Papalote Museo del Niño (1993), El Centro Nacional de las Artes-CENART (1994), La torre de Celanese Mexicana –hoy edificio de SEMARNAT– en Av. Revolución (1968), el Museo de Arte Contemporáneo MARCO en Monterrey (1991), la Pershing Square en Los Ángeles California (1992), el Hotel Camino Real en Mariano Escobedo, D.F. (1968), el Conjunto Plaza Juárez (2005). Y, también, por los comentarios –más bien quejas y reproches– de muchos colegas hacia su trabajo que, de acuerdo a ellos, no tenía nada de novedad ni audacia alguna. ¿Debía tenerla? Esa ingratitud y doble discurso se convirtieron, mágicamente, en halagos profundos de su obra que pretendían ser honestos el día en que, mediáticamente, todos sabían que había muerto. “Así es el gremio”, me dijo uno que otro, reconociendo nuestro característico canibalismo. Así es la muerte, pienso yo. Cuando alguien me preguntó si su arquitectura me gustaba, dije que sí, aunque acoté que me causaba conflicto. Reconocía en él esa audacia de saber transformar todo su discurso y búsqueda arquitectónica porque bien se sabe que Legorreta no siempre fue Legorreta o, al menos, nunca tuvo el mismo sello característico en sus obras. Hubo un cambio que le vino a buen tiempo y del cual nunca más volvió a salir, quizá porque no lo dejaron. Puedo especular. Reconozco siempre en él esa capacidad para sintetizar lo que, a los mexicanos en general, se nos impuso como código de identificación universal durante mucho tiempo: el color, la artesanía, la tradición provincial en el espacio, etc. También valoro el hecho de que logró llevar a cabo –sin chistar– el anhelo colectivo de todo arquitecto, al extender en el tiempo la innegable labor e influencia de Luis Barragán, puesto que todos queríamos más y bien sabíamos que del tapatío no habría. Sin embargo, con Legorreta, se nos complació un poco porque sólo él supo dotar de nuevas escalas el trabajo del único Pritzker mexicano, el cual le fue tan cercano como inspirador. Es muy simple: Legorreta se encargó de hacer público lo que Barragán protegió como un tesoro privado y esto es innegable.

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No. 7

homenaje

No sé quién pueda atreverse a juzgar su trabajo restándole méritos a su trayectoria. O quién piense que, por todo lo anterior, su talento se tambalea en el juicio fácil. Hacer esto evidenciaría la carencia de conocimiento de las resonancias que generó su trabajo, de las cualidades espaciales que siempre buscó –quizá con cierta obsesión– y de reducir por infortunio que su obra –en conjunto y bajo toda tipología explorada durante su vida profesional– se reduce al uso reiterativo del color, la robustez y la ortogonalidad. Y es que considero que a Legorreta se le puede agradecer, además, ser el juglar de la arquitectura mexicana durante la mayor parte de su vida porque supo bien contar historias, musicalizarlas y construir leyendas del trabajo de muchos alarifes y artesanos del espacio que bien podrían seguir siendo anónimos. Con la presencia, vida, obra y hoy ausencia del arquitecto más internacional de los últimos años, es mínimamente necesario reconocer que logró, con su andar, dirigir la vista del mundo hacia el país. Quizá sea fácil pensar que esto es una labor sencilla en la actualidad. Bastará reflexionar que, antes, la arquitectura construida era sólo la carta de presentación y lo virtual no tenía espacio para suposiciones ni talentos inventados. No sé si sea necesario replicar algunos datos que ya debieran saberse pero lo haré para cerrar esta pequeña reflexión sobre el arquitecto y su legado. Se graduó como arquitecto en 1953 por la UNAM. Trabajó para José Villagrán García y, dos años más tarde, se convirtió en socio de la firma. En 1960, funda el estudio Legorreta Arquitectos junto a Noé Castro y Carlos Vargas. Fue catedrático de la Facultad de Arquitectura de la UNAM, la Universidad Iberoamericana, UCLA y Harvard. Recibió la medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos, la medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos así como el Premio de Obras Cemex. El Premio Imperial que otorga la Asociación de Arte de Japón coronó la enorme lista de reconocimientos a su obra. La Rotonda de las Personas Ilustres lo recibirá si su familia así lo dispone.

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Legorreta decía que el arquitecto debe pensar en su entorno y no hacerse monumentos a sí mismo. Hablaba de envejecer con dignidad, no sólo físicamente sino mentalmente. Hablaba de evolución y compromiso… De la misma forma envejecerán sus edificios, sus ideas y sus principios. Legorreta+Legorreta tiene hoy la oportunidad única de transformarse y seguir marcando una trayectoria en franco ascenso. Legorreta después de Legorreta es, quizás, el mayor reto que la firma enfrentará. Estoy casi seguro que pronto veremos un cambio inteligente y sutil que, con el tiempo, también construirá su propio camino. Quizá lo inevitable sea, siempre, el cambio. www. legorretalegorreta.com

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No. 7

traducciones

Mexican Design Radar Five Mexican designers to follow their trail

p.44

BY ADRIAN MONCADA PHOTOGRAPHY: COURTESY OF INVITED DESIGNERS.

Most important place: The house of our friends in Mexico City THE DESIGN OF O-LAB Tastes like: Citric Smells like: Colored gumdrops Sounds like: Twist and Shout by The Beatles

LILIANA OVALE DESIGN WITH LOW HEAT PHOTOGRAPHY: COURTESY OF LILIANA OVALLE

TALKING ABOUT designers, the talent and the work that exists in our country offers as much material as possibilities we can imagine. Conscious of that, we took the task of studying the young that, because of their trajectory, represent worthly the new generation of Mexican designers who’s work starts to resonate in different parts of the country and the world. With so much to look around, choosing six fresh faces was not an easy task. However, we tried to show six designers with different profile, with a trajectory and recent work that evidence the diversity and huge areas of opportunity that design has in Mexico. The work of this designers speaks for itself and in this occasion, we have approach them to know more intimately the ways they work, the links they have with the industry and a few other things that we rarely have the chance to know and will result interesting for sure. The six designers in our Mexican Design Radar are: Rodrigo Fernandez, Miguel Melgarejo, Liliana Ovalle, Christian Vivanco and Estudio O-lab.

O-LAB DESIGN THAT MAKES YOU SMILE PHOTOGRAPHY: COURTESY OF O-LAB

“WE TRY TO GET advice from specialists in subjects we ignore and also to specialize. This way we can keep working for ourselves and keep doing what we like, which is to design”. O-lab is a studio dedicated to ceramics located in the city of Queretaro. It’s headed by three industrial designers: Leticia Perea, Paola Alanis and Arasi Kanthimathinathan. This company emerged from the incubator of ITESM where they developed their first line of products, which can be bought online and in many stores, galleries and museums in the Mexican Republic. For many studios, it would seem like a problem that the three partners are also the designers. However, O-lab has discovered a formula that has help them with this situation: Each one of them has decided to specializ in different operation areas of the company and have managed to coordinate their efforts to let O-lab successfully function. The range of products and services of O-lab is wide and includes besides fabrication an distribution of their own line, personalized ceramics projects and recently the incorporation of products in collaboration with artisans from the municipality of Ezequiel Montes, that decorate some of the products with the Servin technique, a reflection exercise on the national culture and craftsmanship. o-lab success has been such that they’ll soon leave the space they had at Parque Tecnologico to occupy a space they have prepared at downtown Queretaro where they’ll have their offices, design studio and their own showroom. The design process of this studio is lead by the three designers and therefore it’s a collaborative process. Based on the needs of their clients, they start with a brainstorm to define the concept and guidelines for the design to later continue with several drawing sessions to improve the different ideas until the product proposal starts to develop for fabrication. With a fresh spirit and novel proposals, O-lab offers a honest design that seeks to revalue materials such as the ceramic with the aim of pulling a smile from anyone that sees them. TO KNOW MORE ABOUT O-LAB Obliged references Favorite designer: Jorge Moreno Favorite Person: Jesus Salazar, Don Chucho, from whom we learned the ceramics technique Favorite book: Our first book of ceramics techniques.

“GOOD THINGS TAKE a long time to happen. If, as a designer, you are aiming at being independent and develop that world you have on your mind, you need a lot of perseverance and a lot of patient”. Liliana Ovalle is an industrial designer graduated from UNAM with a Masters degree from the Royal College of Art, where she made “an aesthetic exploration on the objects and the form in which people relate to them and their context”. As a complement to her work as a designer, she is making a research at the Goldsmiths University in London in the field of interactive design. Recently she has developed pieces for independent collections and also for the PlusDesign Gallery in Milan, as well as for the company Nodus. In Mexico she has made several limited edition furniture pieces in collaboration with Dupont and was selected as part Destination: Mexico at the MoMA. In the last few years, Liliana has developed several projects in Europe. However she is conscious of how much she can give to furniture design in Mexico. That’s why she is always checking what’s going on in Mexico. Each kind has a different production dynamic and furniture is no exception. That’s why that when talking of furniture, Liliana says “in comparison with other countries, Mexico’s context is fortunate because you can produce as a designer with low costs. Making an independent production is not out of reach”. Liliana asserts that “many times you have to take the initiative and put things on the table. Not wait to be called and given the opportunity”. Maybe it’s this proactivness which has led her to spaces like Design Miami and the Paul Smith Space in Tokyo. Besides her initiative, two of the main qualities of Liliana are her patients and perseverance, which have allowed her to build her particular style, marked by the expressiveness of her products and the discursive character of her proposals charged with novelty experimentation and improvisation. TO KNOW MORE ABOUT LILIANA Obliged references Designer: Martino Gamper Favorite person: “Elbo, is a person that inspires me”. Favorite book: Hard-Boiled Wonderland and the End of the World by Haruki Murakami. Most important place: Punta Allen. THE DESIGN OF LILIANA OVALLE Tastes like: Vanilla Smells like: Vanilla Sounds like: Crickets

CHRISTIAN VIVANCO DESIGN THAT REVALUES PHOTOGRAPHY: COURTESY OF CHRISTIAN VIVANCO

“USUALLY, I get the best ideas just before I sleep. For me, that is when projects start”. Christian made his studies of industrial design at the Universidad Autonoma de San Luis Potos and, later on, studied a Master on Product Conceptualization and Design at the Elisava School of Barcelona. During his stay in Spain, he was Chief of Design of DesignCode and of the studio of Hiroshi Tsunoda and also founded The Emotion Lab, with three partners. After a while, Christian realized that there was a growing interest on the design scene in Mexico and decided to return. Back to San Luis Potosi, he started teaching at the university. Soon realizing that, from the faculty, it’s also possible to contribute and boost design and the creation of local references of the designers.

Nowadays, Christian has his own studio in which we can identify three lines of work: The first focused on projects for European companies; the second in the development of a products collection based on the local work and the promotion of crafts for the national market; and the last centered on the realization of limited edition products of galleries. The way Christian designs changes with every project. However, as a good designer, he departs from the observation of people: What they do, how they behave, so that the developed objects work better. Motivated by the local conditions and availability of certain materials in the region where he lives, such as sandstone, wood, ceramics and leather, Christian has decided to focus on in the most consistent way with the honest and direct use of materials in his proposals, creating object in which “the material remains simple and takes a relevant position the design”. Nobody can deny that, in the work of Christian, we find a unique proposal and a proper voice, strongly influenced by the social and cultural factors of our country that contrast with a marked tendency to the simplicity and honestly of the minimal. TO KNOW MORE ABOUT CHRISTIAN Obliged reference Designer: Stefan Diez. Favorite person: Ignacio Rodriguez Malagón Favorite book: Rayuela by Julio Cortazar Most important place: Holbox THE DESIGN OF CHRISTIAN VIVANCO Tastes like: damp earth Smells like: Jicama and hibiscus infusion. Sounds like: Laughter

RODRIGO FERNÁNDEZ DESIGN WITH PASSION PHOTOGRAPHY: GABRIEL GONZÁLEZ

RODRIGO FERNANDEZ is an industrial designer graduated from ITESM, specialized on product design at the Politecnico de Torino. Is the creative director of DIEZ, a Mexican company dedicated to the design and fabrication of high end lighting for residential and commercial use. He also manages the art director of Tabló and Gramos de Conciencia. This last one is a social company that mixes philanthropy and detail design retail. The success of the business he runs is based on the feasibility study of his products, as he focuses on making viable products in terms of sales. Rodrigo is sure that “if a project has its limitations it will be easier to propose a creative solution”. One important characteristic in the work of Rodrigo is his honesty in the use of materials. He respects the natural language of each one, exalting their qualities. Complementary it incorporates processes like blown glass and jewelry that gives the warmth of craftsmanship. Besides all this, the closeness he has with the industry allows him to deliver his projects from the first proposals, as one of the advantages he has a designer is that he works directly with the factory that produces and sells all the products. Rodrigo assures that it has been his greatest challenge: “to represent an industry with production, design, communication and sales capacity”. About the moment of the day he dedicates to design he tells us that “ the creative process is limited to the night or the little time I can be at the office, although generally it’s at my home”. Due to the rhythm of work and the speed with which his clients expect an answer, most of the proposals are given by the conjunction of already proven elements , without diminishing the sui generis quality of his products. Teaching is an aspect that complements him as a designer and, therefore, he is working at the Proyecto Satelite, in collaboration with CENTRO, which consists of a total immersion in the subject of production that “tries to relate the students with the industry with projects of real collaboration”. Rodrigo Fernandez is a designer that lives design in all the aspects of his life: He participates the same on teaching and journalism while maintaining his projects and the commercial line of DIEZ. He is conscious that, as a designer, there are many things that complement his work and www.glocal.mx

make him as a professional.: To face clients, the industry, his students and, in general, all those who are looking towards Mexican design. Follow him on Twitter @Diezexport

Despacho de Diseño Industrial,

TO KNOW MORE ABOUT RODRIGO Obliged references: Designer: Jaime Hayon Favorite person: Leonora Carrington Favorite website: The Element by Ken Robinson Most important place: Melbourne, Australia.

Creating histories

THE DESIGN OF RODRIGO FERNANDEZ Tastes: Bittersweet Smells like: Peony

MIGUEL MELGAREJO DESIGN FOR INNOVATION PHOTOGRAPHY: COURTESY OF MIGUEL MELGAREJO

“WHEN I DESIGN, I marry to the problem I’m solving. I eat with it, bath with eat and sleep with it. I insist in getting to a solution that makes me happy and that make other people see life in a different way”. Graduated from ITESM and currently studying the Master in Strategic Design at TU Delft, Miguel Melgarejo is a very versatile Mexican industrial designer. His experience goes, from collaborating in the filming of a documentary on design, to his well known and iconic explorations trough his design proposals as irreverent as fun. Miguel is a fervent believer of design, however, he is certain that product design is not the answer to all the challenges present In our country. For this reason he got involved in projects directly involved with professional exercise of the design profession and innovation. One of this initiatives was TOCTOC, a collective project that was born as a forum to discuss and exchange ideas and thus incentivize Mexican creators to be more self-critical and avoid those moments in which –sometimes- designers distance themselves from the world. In parallel to his studies abroad, he still collaborates integrally in several projects. In this aspect, he confesses that he is still linked to his first explorations as a designer as they have taken him to exhibit –soon- his work in showcases such as the MoMA. However, he is much more interested now in developing strategies to solve more complex project trough design, or as he says: “design trough the strategic areas of innovation”. Miguel tells that his work as a designer “is less sexy now”, referring, clearly, that he now posses a greater theoretical weight in the search for more complex solutions. Currently he is working on a project for the Bill and Melinda Gates Foundation that consist in developing a sanitary system for developing countries, designing services, business models and even, the training necessary for the implementation of the system. Recently, he participated I the team of Design The New Business, an ambitious documentary that explores new perspectives for design in relation to companies and vice versa. No doubt, an interesting exercise that involves the different perspectives of industrial, consultants and scholars around the opportunities of design in different contexts. The work of Miguel is a clear sample of the different areas of opportunity that begin to appear around Mexican design. It’s a matter of waiting until the work of designers like him starts to give fruits in complex contexts and social problematic in which the contribution of design can be a cornerstone. Follow him on twitter: @miguelmelgarejo and visit www.designthenewbusiness.com TO KNOW MORE ABOUT MIGUEL Obliged references Designer: Theo Jansen Favorite person: My uncles, Enrique and Ricardo Fuentes Favorite book: Arquitectónica by Jose Ricardo Morales. Most important place: Santiago, Chile THE DESIGN OF MIGUEL MELGAREJO Tastes like: Spicy orange Smells like: Turkish tea Sounds like: The background guitar at the minute 4:05 of the song Weird Fishes of Radiohead. FEBRERO • MARZO 2012

No. 7

Conversation with Scott Wilson p.54

The power of the masses trough crowd-

BY GRETA ARCILA PHOTOGRAPHS COURTESY DDI & LA MAGA FILMS

funding

TO COLABORATE with projects in which design culture is fostered is one of the objectives of Glocal Design Magazine and on this edition we starting a very interesting bet along with Masisa: Deco Object, which is by itself the creation of thematic pieces that demonstrates that a well sustained project can become an object of value. And we start with a professional team that in its short path has demonstrated its value. Over 8 years ago I met Ricardo Casas when he was a part of Hector Esrawe’s team, since I saw his work and passion I knew that in a short time I would find him on projects, museums, exhibitions and competitions. I had the luck of meeting him again in Palacio de Hierro’s project Nuevo Diseño Mexico Crear-Hogar, with his own work, for what when the names for Deco Object where proposed, the first creative on the table was Ricardo Casas, now partner with designer Marcela Compean with whom he shares Despacho de Diseño Industrial (DDI). DDI is a workshop that seeks to stay small to maximize the quality as they know that growth means losing control of detail and the proposals are undermined. As a designer of our time they take references from everywhere and we can say they are a little poetic and romantic as they search for the soul of the concepts to create objects with history. Casas studied at the Universidad Iberoamericana and has given classes at Centro and the Universiad Anahuac del Norte. As part of Colectivo NEL, he exhibited at the Salone Internazionale del Mobile in Milan and several galleries. He has also designed collections for Mobica, Palacio de Hierro and Liverpool. On the other hand Compean studied at Universidad Anahuac and has a specialty on space and product design at Creapole (ecole du design) in Paris, besides of her participation at Esrawe Studio, collaborated with RESIN for whom she designed lamps for Saks, Liverpool, Ann Saks, Palacio de Hierro and Liverpool. DDI is a workshop that develop interior design projects, object and furniture design, that can make pieces and spaces that speak of the importance of the synthesis of form and that when faced with a project, know that their best allies are the materials that they use to the maximum to tell the stories they are looking for with their jobs.

BY GRETA ARCILA PHOTOGRAPHY: COURTESY OF MINIMAL

DECO OBJECT » Context: a piece that could be shown at exbition, museums or galleries was requested. » Material: for the construction 12mm MDF panels by Masisa impregnated with a melamine resin in different colors where available. » Necessity: within the exhibition space there’s the need to separate physical spaces to module and distribute areas and therefore have a better use of the exhibition space. Inspiration: topographic illustrations of both sides of the moon » Proposal: a modular system of partitions to physically divide spaces. From the form that generate the topography of the moon patterns are extracted for the design. The forms are cut with a CNC router. When this are ready they are superimposed in sets of three, so that once a panel is formed 4 pieces are repeated so that a single module is created, for this last one a metallic frame is proposed as body and connection node with other modules.

* DecoMDF the line developed by Masisa for the fabrication of furniture and interiors. MDF structure, more versatility and a large range of design. The MDF panel allows for better transformation options in assemblies and unions, curved cuts and routing. They have a high performance at industrial level and a low machinery wear and a very clean cut.

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ONE OF THE BRIGHTEST minds in design that is recognized for developing products with the extreme of high technology is Scott Wilson. His joyful and spontaneous personality helps the flow of the talk right away. When speaking about his work with big corporations like Nike or IDEO where he worked as creative director tells how these gave him the horizontal perspective to recognize from how the massive market behaves, the vision of being able to reach the most intimate side of the human being: the health. He has collaborated with the leading technology companies at Forbes like Microsoft, Apple, Motorola, and also, is one of the most surprising cases in the fascinating crowd-funding project called Kickstarter. We were able to reach him thanks to Coalesse during NeoCon, and more recently at an event organized by Steelcase at the Soumaya Musuem where the furniture Wilson designed was presented: the complete SW_1 line as well as the Power Pod. Currently, Wilson, besides running his company, is the Global Creative Director of Nike Watches. His studio MINIMAL, located at the Fulton Market, West Loop in Chicago, Illinois, is a laboratory of ideas. The façade of the house is completely covered with red bricks. When arriving it is impossible not to notice the characters walking down the street, which to some degree reasonable, as from a few years now all kind of creative professionals have taken over this cosmopolitan places mounting there from workshops to production studios. Once inside the offices, the first thing that receives us are pictures of the cellular holders he designed for Uncommun, which has been one of the best selling models of the company and one of the projects that according to Wilson, helped him know he was heading on the right direction when he decided to become a designer-entrepreneur, that despite the moments of crisis and scarce work, a product created by them had achieved such acceptance, returned them the confidence, however he highlighted its indispensable not to fall in love with the projects as there’s always the chance they might fail commercially; he says that many designers don’t worry about the production process and even less if its destined to the end user, they only carry out the design for the design, when the most important part of any project is the process and the care given to it, and when a piece manages to have a healthy process of experimentation, production and cost, it will be well received by the public that it is intended to. But let’s go back to his study as each area talks about his life philosophy. At the center there is a hall with several geeks caught up on their work; next there’s an open meeting room; and the most likeable part is the space dedicated to rest, where there’s a small café-bar, and of course one of his star designs: an Xbox 360 console and Kinetic for everyone´s enjoyment; when we got there several members of the team where playing a game of dancing salsa. For Wilson understanding technology and create the future trough it has been an experience, however he recognizes that many times the multinationals spend millions on marketing studies without thinking at the consumer and online crowd-funding projects return the power to the masses, since what is shown at Kickstarter is always related to creativity –without mentioning the risk of ideas being stolen-, and that’s what people is looking for, they finally fell part of something that gives them the freedom to choose and feed their entrepreneurial souls in a world which that dream is each time more distances because of the way economy works; finally as his boss in Nike, Ed Boyd, told him: “You have to break rules, trust your instincts for the world to move”, and maybe that’s the biggest lesson that somebody has given to him and now he experiments on a daily basis. For him to know that there’s people in the whole world waiting to invest in his projects and this brings them together, literally empowers them, is really encouraging. And being at the Steelcase showroom I could see how a young designer approached him because he wanted to meet the per-

traducciones

son on which he invested his little money for the frame clock project Lunatik + Tik-Tok, the bond created in instants was impressive: two completely unrelated people connected in a rational and emotional way, shared design ideas and projects in less than two minutes. For him, as for many other designers, the most important thing is to tell simple stories, and that this become a part of the life of the consumer, and now that he designed for Coaless, he believes he has achieved this goal: in NeoCon he could observe how many people would simple wouldn’t move from his chairs, touched the fabrics; he immediately identified the success of the product, an aspect that also fascinated the directors of this office furniture giant as working with Wilson was one of the most enriching experiences as he truly made a team with Steelcase’s design center with Wilson involved with every production detail and when questioned about why this eagerness to know every step he answers and finishes strongly: “Ideas are worthless if we don’t know how to implement them”.

“If I hadn’t failed, I wouldn’t had time to make TikTok+Lunatik, before getting to it I went through rough times, we all know that as creators failure is implicit, but many times it’s complicated to live with it” “what’s most important in a designer’s life is to stay flexible and perfect the abilities one has, with this in mind design tools immediately multiply”.

Polyforum Siqueiros Gallery

p.64

BY JORGE EDUARDO MORALES PHOTOGRAPHY BY JAIME NAVARRO

THE POLYFORUM SIQUEIROS is the work of one of the greatest Mexican artists, David Alfaro Siqueris, who, along with Diego Rivera and Jose Clemente Orozco, was one of the three masters of national muralist movement of the 20th century. The building was conceived as a giant diamond, completely covered with a mural in the inside and outside for what is considered the largest mural in the world (with more than 8,000 square meters). Today is a multifunctional cultural venue that houses –in its universal forum- the masterpiece of Siqueiros: The March of Humanity. El building, as well as its galleries where designed by the architects Joaquin Alvarez Ordoñez, Guillermo Rossel de la Lama and Ramon Miquel Jauregui, who in 1967, worked with Siqueiros on the design and construction of the Polyforum. Recently, the Polyforum received the sponsorship of a paintings manufacturer to refurbish the galleries in the ground floor. This galleries hadn’t been renewed since the opening of the Polyforum in 1971. It was BNKR Arquitectura the firm chosen to make the project. Bunke Arquitectura –BNKR- is an architecture, urbanism and research office founded by Esteban Suarez in partnership with his brother Sebastian Suarez. In its short career, they’ve been able to experiment with architecture in the widest possible scale: from small conic chapels –for private clients- to the master plan of a whole city. BNKR has caught the attention for its un orthodox approach to architecture and is involved in research projects –self funded- that nurture the theoretical side of the practice. The intervention of BNKR Arquitectura for the galleries of the Polyforum, is a proposal that limited to remove elements from the galleries, beyond the project per se, to give more clarity, sharpness and modernity to the space. For that renovation, the industrial blue carpet was removed from the floor and stairs and replaced with a bright epoxy white finish. The rough finish that existed on the walls was substituted with a smooth one. The ceilings with concentric rings where removed to exalt the structural rings that support the universal forum. The original wood ceiling and stairs where sanded and varnished with a matte coating. Finally the

surrounding crystal perimeter that encloses the galleries form the exterior where covered with a frosting coat to contain the space and limit the view to the outside. Before this intervention, the exterior was too distracting for the user.

“The only design piece that we created was the elliptical reception that accentuates the dynamic space of the circular galleries and invites the user to proceed to the exhibition area. Its red high gloss finish contrast with the quiet space of the galleries and reminds us the aggressive and energetic strokes of Siqueiro’s paintings”.

BNKR

Mobile Museum by Fabrica at The Design Museum of Helsinki p.67 BY JORGE EDUARDO MORALES PHOTOGRAPHS COURTESY OF FABRICA

THE MOBILE MUSEUM is an itinerant museum, with contents generated by people from around the world. Its collection is changing, evolves depending on the place in which it stands, as its own disposition determines the themes. It receives contributions and materials from various origins, either artist, designers, illustrators, photographers, etc. The Mobile Museum had its first apparition during the Salone Internazionale del Mobile of Milan in 2011, with the theme Family. The second apparition of the MM was at the Victoria and Albert Museum, as part of the Friday Late Summer Camp. Afterwards it was received in Brussels at an event know as Design September 2011. Now, during 2012 –from January 27th up to May 6th– the exhibition Mobile Museum by Fabrica (communication research center of the Benetton Group) as part of Designworld, within the Design Museum of Helsinki –in Finland–. This will be an exhibition that considers design in terms of the mankind and society basic needs, reflecting the different forms in which design can influence the perspective of global problems. The fundamental subject will be the Future. The designers of Fabrica involved in this project where Dean Brown and Philip Bone. The theme Future was chosen for the Mobile Museum because Designworld presents fresh contemporary design from around the world with a wide perspective and an open mentality. The event exhibitions included products, prototypes, concepts, project presentations and ideas. Also, Designworld includes various coincident points that are fundamental to contemporary design and other contexts, like sustainability, responsible design, design trough the perspective of personal welfare and security, as well as new challenged and tendencies of industrial design.

The Dandy Exhibition at The Stockholm Nordic Museum p.68 BY JORGE EDUARDO MORALES PHOTOS COURTESY FORM US WITH LOVE

THE TERM “DANDY” was established by Oscar Wilde in the eighteenth century to describe a man whose sartorial elegance was essential, while striving to be considered “aristocrat”. Charles Baudelaire defined the term as “someone who elevates aesthetics to a living religion”. Inspired by all this iconography of the XXI century dandy, the Stockholm Nordic Museum explored the figure of the dandy in the Exhibition Dandy remained within its walls the past 2011. The Dandy exhibition at the Stockholm Nordic Museum was intended to determine who or what defines the modern dandy. The tailor Frederik Andersen, Rickard Lindqvist fashion researcher, journalist Olaf Enckell, stylist Lalle Johnson,

the author Björn af Kleen, Göran Sundberg designer and entrepreneur Christian Quaglia offered through Dandy, their own interpretations. The architecture of the exhibition was courtesy of Form Us With Love and included dismembered mannequins, fused MDF boxes, giving the appearance of a sculptor who had begun his work on pieces of stone but only completed the necessary sections for display. Known for his intelligent proposals, the Swedish designers showed their astute vision to beautify this small-but-charming show. The result of dialogue between the authors of the exhibition, all fans of the world of fashion, not only resulted in a show of garments beautifully created, but Dandy became an honest attempt to approach the dandy philosophy. All exhibition at the Stockholm Nordic Museum was complemented by the work of Form Us With Love, with its minimalist proposal, highlighted each of the parts of the sample.

Finestre Villas

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BY JORGE EDUARDO MORALES PHOTOGRAPHY BY YOSHIHIRO KOITANI AND DIEGO BERRUECOS

A PROJECT to sell houses was done taking into account the probable market. The importance resided in understanding the site. Villas Finestre rises from the topography of the land. The design appeared naturally from the slope of the terrain. The concept intended to terrace the project as the slope required, giving origin to the platforms that house the dwellings. The primordial consideration was to integrate the sea with the interior of the homes. Beyond being the “vistas” of the houses, the sea should be seen and heard on the interiors. The sea breeze and its perspective are the main elements of the project. Seeing the sea, the spaces remain oriented to find safeguard from the sun, within a somber and quiet ambiance. Thus, giving the nature, the leading role at the site. The landscape was based on two stages. The first consisting on rescuing as much vegetation as possible on the site. Those who couldn’t be preserved where transplanted. The second part consisted in generating platforms for the containment of the plants, which become the gardens that vary between the 100 and 500 square meters. The material palette speaks about the site. The green vegetation, the blue sea and the redish brown of the stone are the main colors of the project. From there along the same hue, the beige travertine from Veracruz on the floors and the brown of the parota wood. The white of the architectural structure tries to remain neutral and gives the other materials their due relevance. Surrounding the spaces with white prismatic volumes, the wooden interiors are safe from the exterior, being both introverted and integrated to the context. Do to the importance of the vegetal and visual surroundings of the area, the interiors are mixed at every moment with the exteriors. The object of the interior design of the Vertebra apartment was to introduce architecture to the interiors. The intention of the wood, stones, linens and fabrics are to match the architecture and the surroundings to the minimum detail. The sensation that the interior and exterior are a single thing. The need for the interiors is to dwell, be inside absorbing the exterior. The textures are very subtle but exist with the idea of being pleasant to the touch. The floors are a natural travertine and remind when walking barefoot of a walk through the beach. The texture of the linens and carpets create the same sensation. The furniture is very simple and is a part of the architecture. There are only two pieces in the exterior, a chair by Wegner in parota wood and second chair that was replicated and restored from a piece found at La Lagunilla. The interiors project is a collaboration with Rafael Rivera and Javier Claverie of H116. The interior design doesn’t forget its primordial objective: to be occupied by families that look for a second home for the vacations. An important feature of the work is its horizontality. In this case, the sea and the horizon of the view, became a recurring subject on the lines of the architecture. This line can be constantly read in the sea, the pool and the ceilings… In some cases straight and rigid lines can be criticized in a place like Ixtapa but, if you watch the ocean closely, those lines are always there.

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Paradisus Playa del Carmen

Bonsais for the Roma, Omiya Restaurant

More tan a hotel: a space to be embraced by the ambiances

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BY GRETA ARCILA PHOTOGRAPHY: COURTESY OF PARADISUS PLAYA DEL CARMEN

TO TALK WITH CHARACTERS so involved in their work is always inspiring, and in this occasion the architect Alvaro Sans was responsible of making us understand why we do this. A month ago we had the chance of talking with him after having the experience of walking every corner of the Paradisus Playa del Carmen hotel. And mentioned to word living with all the intention as the spaces developed by Sans feel like being embraced by each of the ambiances. Located in Playa del Carmen, Quintana Roo, Mexico, this all inclusive complex is intended for the most demanding sybarite, the one that doesn’t want to leave his hotel and wants to be served with every detail, but doesn’t want to be enclosed by four walls. And with 20 hectares Sans developed two unique touristic concepts in the same space, which are two large mirrored architectural volumes, joined by a grand common area called Zocalo in which the 12 restaurants, 10 bars and the YHI Spa, gym and other services converge. Paradisus Resorts – the boutique line of Melia Resorts- shelters under its roof two concepts: Paradisus La Perla (394 suites for adults only), Paradisus La Esmeralda (521 family suits) and at the same time, each has an area denominated Royal Service, which is, lets say, the top luxury and care for the visitors: the boutique inside each built body. One of the important aspects is that hotel has crossed ventilation, recommended for tropical climates as a passive refreshing strategy for the buildings, to allow for the minimum use of air conditioning. In the voice of Sans, the respect for the environment is essential, besides being a main requirement from his client – Gabriel Escarrer Juliá, president of Melia Hotels International-, who asked for the mangroves in front of the hotel to be cared and respected: “To achieve this, we elevated the floor level 10 meters, and we are happy with the result, as the vegetation is practically untouched”. This finally aspect makes the guests be able to wander through bridges this sylvan area which any nature lover will appreciate. Continuing with this responsible stance, we find vertical sustainable gardens in the walls that lead to the Zocalo; a water collecting system that used only local workers and materials. Impossible not to mention one of the most seductive aspects of the work done by Alvaro Sanz, the ambient and illumination of each space; each restaurant has its own character, and of course, represents the kind of food served on its tables. Therefore, the restaurant Mole welcomes us with a large scale sculpture of the Mexican artist Javier Marin in earthy tones; Passion, with a menu by the international chef Martin Berastegui, has two murals in its walls that remind of the time of romanticism and its excesses; the Vento restaurant, that serves an interesting mixture of Mediterranean cuisine has a set of mirrors by the Milanese artist Forsanetti; Hadar, the Japanese food, takes us to the elegance of the Japanese art but with great accents of color, giving each a sense of uniqueness. Interior design and the selection of furniture was also carried out by the Spanish architect, aspect noticeable on the use of emblematic furniture in certain areas as a detonator of space; so we see pieces like the Out-in chair by Philippe Starck and Eugeni Quitllet for Driade; the Maia collection by Patricia Urquiola for Kettal both on the beach and the pools; the Aster Popposus sofa by the Campana Brothers for Edra; lamps by Marcel Wanders for Mooi; Ross Lovegrove and his fantastic Mercury Suspension lamp for Artemide and an endless list of pieces that gives each space something to look at besides the beautiful Mexican Caribbean.

FEBRERO • MARZO 2012

No. 7

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BY YOLANDA BRAVO SALDAÑA PHOTOGRAPHY: A&S PHOTOGRAPHICS

AT THE END OF NOVEMBER 2011, the Japanese restaurant Omiya opened its doors, located in a turn of the century house at colonia Roma in Mexico City, a rundown manor was rejuvenated by the group of architects and investors LRDF (Los Reyes de la Finca). For starts, it is a delicious appetizer to see the Venetian neo-gothic structure, of the erstwhile residence made of sandstone. A Japanese bridge and a simple and elegant lamp in the ceiling receive the patrons on what were formerly the gates of the house. After crossing the space you reach the area of the terrace, one of the most appealing areas of the restaurant in which one finds what LRDF calls the “Bonsai Library”, a grand bookcase con forty shelves – done in wood, marble and steel- designed expressly, of 10 meters by 4 in height. Shelving that houses different types of bonsais of different sizes, which are not only ornamental, but available for sale. This space –decorated in the upper part with lamps that remind of origami- is actually the most illuminated in the restaurant because of the light required by the plants to be in good shape, as the twins Ori and Dany Izvitzki and Alejandro Toussieh –members of LRDF- tell us. Another interesting space is where the sushi bar was placed –located in the former living quarters- with an ambient based on the textures and colors of sushi: algae (greenish black); wasabi (avocado green) and ginger (deep salmon). The sushi bar is outstanding on itself –for 19 people- that remind of the texture of the algae that rolls the sushi. We most mention that in this room (and the whole restaurant) the respect given to the original building. At the tepanyaki area, the whole installation is floated as a way to respect the building. The tepanyaki bars flow through the room that has blue as its main color, with contrasting orange chairs. The lighting is oriented towards the walls and dishes. This space has a terrace to the street. In the higher part of the building, which is accessible through the original wooden stair –and from where you can see a beautiful stained glass window and a lamp created by Rodrigo Fernandez-, the creators of Omiya placed a private salon and lounge bar with high stools and its own terrace.

Homage to Ricardo Legorreta Vilchis (1931-2011)

p.88

BY MARCOS BETANZOS PHOTOGRAPHY COURTESY OF LEGORRETA + LEGORRETA

I NEVER HAD the chance of meeting him in person and, perhaps, one of the things that made things this way was that I could never feel sure of keeping a conversation with him. From admiration to respect and respect to distance, that was the perspective I held with Ricardo Legorreta Vilchis (1931-2011). I found out that his health was not the best. I soon found out about the inevitable. I met architect Legorreta trough video, in some interview or in an editorial production in which we never concur. I knew him trough his work, indeed: From the Papalote Children’s Museum (1993), the National Arts Centre (1994), the Celanese Mexicana Tower –now SEMARNAT- in Av. Revolucion (1968), the Museum of Contemporary Art MARCO in Monterrey (1991), the Pershing Square in Los Angeles California (1992), the Camino Real Hotel (1968), the Plaza Juarez Complex (2005). And also, from the comments –more like complaints and recriminations– of many colleagues to his work that, according to them, had no novelty or audacity. Should it had to? This ingratitude and double standards became, by art of magic, deep prize the day in which, through mass media, everybody learned of his demise. “So is the guild”, some said, and recognizing our characteristic cannibalism. So is death,

I think. When someone asked me if I liked his architecture, I said yes, but noted that I had conflicts about it. I recognized in him the audacity of being able to transform his discourse and architectural search, as it is well known that Legorreta wasn’t always Legorreta or, at least, didn’t had the same characteristic seal in his work. There was a change that came on good time and from which he never came out, perhaps because they didn’t let him I can presume. I always recognize in him that ability to synthesize what, to Mexicans in general, was imposed as a universal identification code for a long while: color, craftsmanship, the provincial tradition in space, etc. I also value the fact that he manage to realize –without hesitation– the collective yearning of every architect, of extending in time the undeniable work and influence of Luis Barragán, given that we wanted more and knowing that there couldn’t be more from the native of Jalisco. However, with Legorreta, we where a little indulged because only he could give new scales to the work of the only Mexican Pritzker, to whom he was as close as inspirational. Its very simple: Legorreta managed to make public what Barragán kept as a private treasure and this is undeniable. I don’t know who dares to judge his work minimizing merits to his trajectory. Or who thinks that, because of all of the above, his talent shakes in the easy judgment. Doing so would make evident the knowledge deficiencies on the resonance that his work generated, of the spatial qualities that he always sought –perhaps with a certain obsessionand reduces by misfortune that his work– as a whole and trough every typology explored trough his professional life, is reduced to the reiterative use of color, the massiveness and the orthogonality. And I consider we can thank Legorreta, besides being the jester of Mexican architecture for most of his live for being able to tell stories, musicalize them and build legends of the work of many masons and artisans of space that could well still be anonymous. With the presence, life, work and now absence of the most international architect of the latest years, it is minimally necessary to recognize that he achieved, with his path, to draw attention to the country. Perhaps it is easy to believe that this is an easy task nowadays. It only takes to reflect that, before, only the built architecture was the presentation card and the virtual didn’t had space for suppositions or invented talents. I don’t know if it’s necessary to replicate some data that should be known already, but I’ll do it just to close this short reflection on the architect and his legacy. He graduated as an architect in 1953, from UNAM. He worked for Jose Villagran Garcia and, two years later, became a partner in the firm. In 1960, he founds Legorreta Arquitectos with Noé Castro and Carlos Vargas. He was a teacher at the Faculty of Architecture of UNAM, the Universidad Iberoamericana, UCLA and Harvard. Received the Gold Medal of the American Institute of Architecture as well as the Obras Cemex Award. The Premium Imperiale given by the Arts Association of Japan crowns the long list of recognitions to his work. The illustrious people rotunda will receive him if his family decides so. Legorreta said that the architect needs to think about its surroundings and not make monuments to them. He talked about ageing with dignity, not only physically but mentally. He spoke of evolution and commitment… On the same way the buildings, his ideas and his principles will age. Legorreta + Legorreta has now a unique opportunity to transform and keep setting an upward trajectory. Legorreta after Legorreta is, perhaps, the greatest challenge that the firm will face. I’m almost sure that we will soon see a smart and subtle change, that, with time, will build it own path. Perhaps the inevitable will be, always, the change.

objeto glocal

n a f n u F u a e Trum

i t t e s a n de For

Marina Peniche Foto Trumeau

l objeto Glocal de esta edición nos ha enseñado una compleja lectura de las relaciones entre arte y objeto. Lo evidente dista de serlo para construir algo que nos hace mirar más allá de lo formal cayendo en sorpresas y detalles bidimensionales. Podemos rastrear el diseño de Fun fan hasta 1949 cuando Gio Ponti realizó su primera versión, modificada por Piero Fornasetti quien prefirió eliminar la estampa del estilo típico de los cincuenta. Sin embargo Fun Fan es el nombre dado a la última re-intervención de Barnaba Fornasetti en 2011. A partir de la construcción de un gráfico que negocia entre ficción y realidad, crea una ilusión óptica de movimiento inducido y se percibe una mirada de reojo a la cara emblemática de la cantante Lina Cavalieri dejándonos en suspenso y con apetito por abrir las puertas. En el interior de esta pieza de mobiliario, se crea una extraordinaria piel de estampado con detalles conceptuales referentes a la cantante. Entre surrealismo, humor retro y estampados a mano, Fun Fan nos muestra cómo se ha construido un concepto a partir de procesos históricos y acumulaciones metafóricas.