GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 35 Portada por / Cover by: MATERIA by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

77 500041 500041

060238 060238

35 34

Piso: Urban Lyon; Muro: Cabana black; Tina y llave marca Interceramic pisos • azulejos • muebles para baño • cocinas • materiales de instalación México • Estados Unidos • Canadá • Centroamérica • China

Altair Jarabo

Calidad I InnovaciĂłn I DiseĂąo www.interceramic.com

Chocolate Buffalo -5617 Ivory Croc - 5623

Grey Thunder Croc - 5619

El nuevo dECOLeather es un producto elaborado a partir de piel reciclada, que trae un lujo sustentable a los espacios interiores. Disponible en 18 colores y 3 texturas.

Formica, el logo del Yunque de Formica, son marcas comerciales registradas de The Diller Corporation. dECOLEather, Formica Surfaces For Real son marcas comerciales de The Diller Corporation. Todos los derechos reservados. ©2016 The Diller Corporation. Miembro de Fletcher Building Group. Las imágenes que se muestran son de carácter ilustrativo.

formica.com

5617

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com

DIRECTORA GENERAL

CONSEJO EDITORIAL

EDITORA EN JEFE

PRESIDENCIA HONORARIA

Greta Arcila

Gina Diez Barroso

greta.arcila@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS EDITORA

Arturo Aispuro Coronel

Martha Lydia Anaya

Miguel Ángel Aragonés

marthe@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

COORDINADORA EDITORIAL

Juan Carlos Baumgartner

Itayedzin Aragón

Fernando Camacho Nieto

itayedzin@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

REDACCIÓN

Rodrigo Fernández

Cristina Cruz

Jorge Gamboa de Buen

Cecilia Avila

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

DISEÑO

Carlos Pascal

Andrea Flores

Gerard Pascal Ariel Rojo

EDITOR MACROTENDENCIAS

Fernando Rovzar

Germán Velasco

Sagrario Saraid

COLABORADORES

CONTABILIDAD

Juan Carlos Baumgartner

Víctor Villareal

Guillermo Prestegui

Arturo Xochipa

María Laura Salinas Flavio Rivera

CONTACTO

Jorge Maceo

glocal.mx

Owen Behan

info@glocal.mx Mánchester 13, piso 1,

FOTOGRAFÍA

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

Gabriel González

México, D.F.

José Margaleff

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

PORTADA Materia Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: octubre-noviembre 2016. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

uchos hemos sido los involucrados para que suceda algo relevante que eleve el discurso sobre diseño en México. Discursos sobran —y faltan muchas más voces y acciones—. Escuchamos, hablamos y vemos sobre calidad, mercado, actores locales, promotores, diseñadores, empresas. Muchas derrotas se han ganado y perdido para que se escuche a la comunidad creativa… y parece que ya comienza a abrirse la más buscada: el interés social y político; que las autoridades hayan apostado por ver y actuar de la mano con los creativos del país puede ser el detonante para que realmente seamos un país en donde el diseño sea un factor de cambio, como lo ha sido en países como Alemania, Italia, Canadá, Suiza, entre muchos otros. Sí, el cambio está sucediendo. Hoy, en cierre editorial lo viví muy de cerca: recibí más de 50 invitaciones para eventos relacionados con diseño, todos con cosas interesantes que mostrar. Hace 6 años no me imaginé tal nivel actividad y calidad, lo que celebro de pie. Ahora a esperar que estas acciones sean realmente algo de lo que en 10 años podamos sentirnos orgullosos, parece ser que estamos siendo testigos y actores de un momento histórico en el mundo del diseño. Me congratulo por todos los actores y les agradezco no desistir, pues el

Glocal Design Magazine Greta Arcila

camino no ha sido fácil; y si es que el cambio viene como esperamos, el trabajo que se necesitará será mayor; que así sea, trabajemos para un bien común. Festejemos pues, el mes del diseño en México. En esta ocasión tenemos el privilegio que tener en portada un taller de arquitectura que ha logrado colocarse rápidamente —casi 10 años—, como un grupo que no tiene límites creativos al tiempo de buscar no caer en discursos repetitivos que desgasten su entidad propositiva: Materia, liderado por Gustavo Carmona y Lisa Beltrán. Este dinámico equipo supo del valor de la materia desde la maestría y comprendió que esta lo es todo y cómo buscando todas sus angulosidades encontrarían infinitas posibilidades para vivir en constante evolución creativa; lo que vemos y sentimos en cada una de sus obras. Yo tuve la suerte de conocerles hace tres años en Design House, en donde participaron con el proyecto de la casa de árbol, y su sencillez y manejo de la luz en un espacio tan reducido, captó de inmediato la atención. Hoy, presentamos una breve perspectiva de su obra, sabemos que gozarán cada página.

Greta Arcila EDITORA EN JEFE

@Glocal Design @gretaarcila

glocal_design arcilagreta

CONTENIDO EDITORIAL AGENDA

4 9

RESEÑA Rijks, Masters of the Golden Age Via Valetta

MISCELÁNEA

SHOWROOM

013 014

Design Primario Anthiope

024

TALLER Danskina Formando espacios desde abajo

028

DISEÑO + EMPRESA Actiu EXPORMIM AmoAto

031

FOODIE Jacinto y Paz

ILUMINACIÓN Sensorial

016

TEXTIL Repetición

018

TECHNO Bamboo Wacom

021

AUTOMOTRIZ Volvo Cars Sedán S90

022

HOST El Ganzo

036 038

MACROTENDENCIAS

041

COLUMNA Finance & Design Martha Lydia Anaya

049

LBR & A Arquitectos

Los espacios que diseñamos nos diseñan de regreso Juan Carlos Baumgartner

C Cúbica Arquitectos + Serafini Associati

La Bauhaus y su impacto Germán Velasco

arquitectura y diseño de interiores textil y moda

080

industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

Fernanda Canales Arquitectura

ESPECIAL BAUHAUS Walter Gropius Hannes Meyer Ludwig Mies van der Rohe

PREMIO NOLDI SCRECK

053

AS/D Asociación de Diseño Estudio5 + Dimorestudio Sordo Madaleno Arquitectos A|911 + Steelcase Design

CIUDAD

Weber Arquitectos

Casa de Suiza Dellekamp Arquitectos

Habitación 116 + Pasquinel Studio + Central de Arquitectura

056

Esrawe Studio

ENTREVISTAS Carlos Alonso Horas en cuenta regresiva

Shine Architecture

058

Manada + Katerina Alatzia

Christoph Korner El talento de romper con fronteras inamovibles Óscar Hagermn Diseño Cooperativo

DWM 2016

Jennifer Dunlop La creatividad y el cambio

Entrevista Emilio Cabrero

HOMENAJE Teodoro González de León El oficio de vivir

Inédito

067

ENFOQUE Materia La conciencia del detalle

070

OBJETO GLOCAL

107

Rayuela Álvaro Catalán de Ocón

128

Design House

LONDON DESIGN FESTIVAL Cuando lo irreverente se encuentra con el diseño

119 7

OCTUBRE NOVIEMBRE

AGENDA

©Vitra Design Museum, Mark Niederman

THE VITRA DESIGN MUSEUM COLLECTION 1800 TO THE PRESENT Exhibición permanente de la colección Vitra, que cuenta con cerca de 20 mil piezas y se encuentra en crecimiento permanente. El pabellón denominado Schaudepot, diseñado por la firma Herzog & de Meuron, contiene por el momento 7 mil piezas de mobiliario, más de mil objetos de iluminación y numerosos archivos de diseñadores reconocidos, como: Charles & Ray Eames, Verner Panton y Alexander Girard. La columna vertebral de la exposición está conformada por íconos del modernismo: mobiliario de Le Corbusier, Alvar Aalto y Gerrit Rietveld, entre otros.

Permanente VITRA CAMPUS Charles-Eames-Str. 2, D-79576 Weil am Rhein, Alemania +49 7621 702 3200 www.design-museum.de

ISAAC JULIEN. PLAYTIME & KAPITAL

Eclipse (Playtime), 2013

Septiembre 10 — noviembre 28, 2016 MUSEO AMPARO 2 Sur 708 Centro Histórico, 72000, Puebla +52 (222) 229 3850 www.museoamparo.com

Exposición realizada en colaboración con el Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM, con la curaduría de Amanda de la Garza, en la que se exhibe obra en torno a problemáticas sociales marcadas por raza, género y migración. Julien se ha enfocado a la videoinstalación incorporado al montaje, narración, tecnología audiovisual y espacialidad de la imagen para crear obras de ficción donde se abordan temáticas actuales. La muestra toma su nombre de videoinstalaciones producidas en 2013 y 2014.

PAPALOTE MUSEO DEL NIÑO Siguiendo con el tradicional lema “Toco, juego y aprendo”, el recientemente renovado Papalote abre al público mejores espacios y servicios para niños y adultos, con nuevos contenidos museográficos e instalaciones rediseñadas por el despacho Legorreta, además del área al aire libre desarrollada por Ambrosi/Etchegaray en colaboración con Entorno Taller de Paisaje, quienes crearon nuevos jardines. A través del juego, el Museo contribuye a desarrollar habilidades de aprendizaje en los pequeños.

Muestra que exhibe los trabajos realizados entre la artista Chris Antemann y la reconocida productora de cerámica Meissen. Desde 2011, Antemann ha trabajado en piezas de serie limitada inspiradas en las figuras de porcelana del siglo xviii y el arte decorativo con sus propias interpretaciones. Dentro de la muestra destacan: un candelabro de nueve candiles, la pieza central Love Temple (2013) inspirada en el modelo homónimo de Johann Joachim Kändler, realizado en 1750 también para Meissen.

MUSEUM OF ARTS AND DESIGN 2 Columbus Circle New York, NY 10019 212 299 7777 www.madmuseum.org

Fotografía: Jaime Navarro

PAPALOTE MUSEO DEL NIÑO Constituyentes 268 Daniel Garza, 2ª sec. del Bosque de Chapultepec, 11830, CDMX (55) 5237 1781 www.papalote.org.mx

KAZUYA SAKAI EN MÉXICO

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Bosque de Chapultepec, 11580, CDMX (55) 8647 5530 www.museoartemoderno.com

CHRIS ANTEMANN: FORBIDDEN FRUIT

Septiembre 22, 2016 — febrero 5, 2017

Permanente

A partir de octubre 5, 2016

Little Maid, 2014. MEISSEN®

Sakai fue un artista argentino de origen japonés que vivió en México entre 1965 y 1977, durante ese periodo realizó obra denominada como abstracción geométrica —algo que décadas después se calificó como geometrismo mexicano—. Esta muestra, organizada en colaboración con la Embajada de Japón, la Embajada de Argentina y la Fundación México-Japón, es ideal para entender lo que se conoce como “abstracción” y ejemplificar la pintura no figurativa dentro de la historia del arte de la segunda mitad del siglo xx en México.

YOU SAY YOU WANT A REVOLUTION? RECORDS AND REBELS 1966 - 1970 Muestra que explora el significado e impacto de los últimos años de la década de los 60, desde iniciativas sobre los derechos civiles, el multiculturalismo, pasando por el ambientalismo, la computación moderna, hasta las políticas neoliberales. El mundo en el que vivimos ha sido fuertemente influenciado por cinco años revolucionarios: de 1966 a 1970, la evidencia es a través de manifiestos, carteles, discos, vestimenta, mobiliario y objetos de uso cotidiano que nos lo recuerdan. Septiembre 10, 2016 — febrero 26, 2017 VICTORIA & ALBERT MUSEUM Cromwell Road SW7 2RL, Londres +44 (0)20 7942 2000 www.vam.ac.uk

Souper Dress (1966). Fotografía Kerry Taylor Auctions

OTTO DIX. VIOLENCIA Y PASIÓN Como gran observador, Otto Dix retrató con postura crítica a su época, dejando un testimonio de la realidad que nadie quiso ver. Con más de 150 cuadros y trabajos sobre papel provenientes de diversas colecciones, la exhibición ofrece una mirada amplia en la obra del pintor alemán marcado por las dos guerras mundiales, su violencia, pasión y división. Esta muestra sucede en el marco del año dual México-Alemania y cuenta con la curaduría de la Dra. Ulrike Lorenz, Directora del Kunsthalle Mannheim.

Fotografía: Marcos García

Octubre 11, 2016 — enero 15, 2017

Sturmtruppe gent unter Gas vor, 1924

MUSEO NACIONAL DE ARTE Tacuba 8 Centro Histórico, 06010, CDMX (55) 8647 5430 www.munal.com.mx

©Otto Dix/Bildjunst/SOMAAP/México/2016

TOUJOURS, EL MUSEO COMO TESTIGO. UNA SELECCIÓN DE OBRAS DE LA COLECCIÓN DEL CAPC MUSÉE D’ART CONTEMPORAIN DE BORDEAUX

Selección de obras representativas de diferentes etapas de la historia del CAPC. La muestra de 32 obras, abarca desde su fundación, pasando por momentos emblemáticos de la década de los 80, hasta su rol esencial en la presentación de una nueva generación de artistas y curadores que incluye dibujos, esculturas, videos, fotografía e instalaciones bajo la curaduría de Anne Sophie Dinant y María Inés Rodríguez en colaboración con Anne Cadenet, jefe de colección CAPC musée.

Agosto 12, 2016 — enero 8, 2017 MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MONTERREY Zuazua y Jardón s/n Centro, 64000, Monterrey, Nuevo León (81) 8262 4500 www.marco.org.mx

DON SHOEMAKER

Silla Lounge (circa 1960)

A partir de octubre 5, 2016 MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Bosque de Chapultepec, 11580, CDMX (55) 8647 5530 www.museoartemoderno.com

Muestra que celebra la trayectoria del diseñador estadounidense que marcó tendencia en la fabricación y el diseño de mobiliario en los años 60 y 70 al abrir la fábrica Señal S.A. en Morelia, Michoacán. Siendo la primera exposición retrospectiva del diseñador, integrada por cerca de 150 piezas de mobiliario: sillas, mesas, salas, comedores, revisteros y accesorios de Shoemaker que dialogan con otros diseños de sus contemporáneos como: Clara Porset, Oscar Hagerman o Michael van Beuren bajo la curaduría de Iñaki Herranz.

VIAJE ALREDEDOR DEL MUNDO Presentación simultánea entre el Instituto Cultural Cabañas y el Museo de Arte de Zapopan, con cerca de 400 obras de arte de más de 100 artistas alemanes, organizada por el GoetheInstitut Mexiko en el marco del Año Dual Alemania-México, en colaboración con el Gobierno del Estado de Jalisco, con la curaduría de Matthias Flügge y Matthias Winzen. La muestra del Instituto para las Relaciones Culturales Internacionales (IFA) es una visión general sobre los movimientos artísticos más importantes desde 1949 hasta la fecha. Agosto 11, 2016 — febrero 12, 2017 INSTITUTO CULTURAL CABAÑAS Cabañas 8 Las Fresas, 44360, Guadalajara, Jalisco (33) 3818 2800 www.hospiciocabanas.jalisco.gob.mx MUSEO DE ARTE DE ZAPOPAN Andador 20 de noviembre 166 Centro Histórico, 45100, Zapopan, Jalisco (33) 3818 2575 www.mazmuseo.com

DEL PLATO A LA BOCA. COCINA, UTENSILIOS Y DISEÑO Curada por Ana Elena Mallet, esta muestra recorre la historia de la cocina como espacio social y privado, con utensilios, recetarios, electrodomésticos y demás protagonistas del entorno culinario. Ubicando un periodo temporal que abarca desde finales del siglo xix hasta nuestros días, dividida en seis núcleos temáticos diferentes. Además, se presenta una selección de objetos contemporáneos relacionados a la mesa y la cocina hechos por diseñadores mexicanos. Septiembre 20, 2016 — febrero 27, 2017 MUSEO DEL OBJETO DEL OBJETO Colima 145, Roma Norte, 06700, CDMX (55) 5533 9637 www.elmodo.mx

Tenedores para ostras y caracoles, 1930

reseña

RIJKS, MASTERS OF THE GOLDEN AGE

HOMENAJE AL ARTE HOLANDÉS Texto Pamela Ruiz Fotografía Cortesía Via Valetta

uando Marcel Wanders, afamado diseñador holandés, ganador de varios certámenes y nombrado por el New York Times como “el Lady Gaga del diseño” por su excentricidad e innovación, pensó en la publicación de Rijks, Masters of the Golden Age (Rijks, Maestros del Siglo de Oro, Via Valetta, Edición Limitada, 2016), seguramente tenía en mente la frase del poeta inglés Charles Caleb Colton: “La imitación es la forma más sincera de adulación”. Rijks, Masters of the Golden Age apareció en abril del presente año, como un homenaje al arte holandés del siglo XVII. Presenta una selección de 60 obras icónicas del arte flamenco y de sus grandes exponentes, como los pintores Johannes Vermeer y Rembrant van Rijin, cuyas obras forman parte de la colección del Rijksmuseum en Holanda. La reproducción de las imágenes está acompañada por el análisis de expertos contemporáneos y su reflexión en torno a cómo estas representaciones han influenciado la forma en que se ve el mundo, presentando así, una nueva

visión sobre reconocidas obras maestras. Wanders logra combinar la maestría en el manejo de materiales, técnicas innovadoras de impresión y los testimonios de expertos alrededor del mundo. Buscando recrear las técnicas artesanales, la versión de lujo de este libro está encuadernada con auténtico cuero, además de que cada obra va acompañada por textos en hermosa caligrafía y una impecable técnica de impresión. Rijks, Masters of the Golden Age es el resultado de la inquietud por unir al diseñador con el artista y los lectores a través del proceso de producción, en el que la frialdad de la tecnología busca ser suplantada por soluciones holísticas y procesos artesanales. En el universo de Wanders, la frialdad del industrialismo es sustituida por la poesía y el romance, lo que hace de esta publicación una verdadera obra de arte y un ferviente homenaje para la tradición artística y cultural que lo inspiró. www.marcelwanders.com

miscelánea

MISCELÁNEA Objetos de uso cotidiano que conbinan tecnología, diseño y oficio artesanal Fotografía Cortesía de las marcas participantes

BANG&OLUFSEN | AUDÍFONOS BEOPLAY H5

MISSANA | BOOMERANG

Los Beoplay H5 son los primeros audífonos in ear y wireless de la marca Bang&Olufsen. Están diseñados para que te acompañen a todas partes sin un cable de plástico que te moleste la nuca o el cuello. Estos auriculares tienen un único cable trenzado con built-in remoto, control de reproducción y volumen. Son resistentes al agua y al polvo, y lo mejor es que, te ofrecen cinco horas de música continua.

Inspirada en el objeto que le da nombre, surge una colección diseñada por Cardeoli, que consta de un banco y una silla. Su diseño mínimo hace que sean perfectos para cualquier espacio. Ambos son ligeros, ergonómicos y su tapicería se puede personalizar fácilmente para adaptarlo al gusto del usuario. www.missana.es

www.bang-olufsen.com

FERRARI | I P H O N E C A S E Una funda innovadora para las versiones iPhone 6 y 6s, que contiene 25 ml de Scuderia Ferrari Black o Red, dos de las exclusivas fragancias icónicas que le han dado sello de identidad a la marca desde hace casi un siglo. Ligero, con una textura suave y fácil de utilizar, gracias a su diseño y seguridad mantiene la fragancia a salvo del calor de la batería o derrames. www.store.ferrari.com

HP | O M E N GEOIDE | CRÁNEO TAZÓN Como una manera de rendir tributo a la comida y sus placeres, Geoide presenta la versión tazón de su afamado cráneo, con ello contribuye al sentido del humor que algunos comensales encuentren en degustar alimentos directos de una osamenta de cerámica con acabado en esmalte brillante negro. Geoide

Una línea de artículos específicamente desarrollados para gamers que incluye: computadora de escritorio, dos notebooks (uno de 15.6” y otro de 17.3”), todos con pantallas IPS Full HD, efectos de sonido con audio de Bang&Olufsen y HP Audio Boost, además de accesorios SteelSeries, básicos para cualquier aficionado a los videojuegos. www.hp.com

miscelánea

KARL L AGERFELD + FABER-CASTELL | KARL BOX

PIERGIL FOURQUIÉ | MURSI Set de dos mesas auxiliares, su base es una burbuja de vidrio metalizado, ya sea en color plata, rosa o dorado. La colección hace honor a las técnicas tradicionales de los maestros vidrieros en República Checa. La superficie que parece flotar es un disco de metal con cuero decorado con pigmentos metálicos que crean un patrón de múltiples y diminutos cubos.

Elegante caja negra diseñada, en edición limitada, por el famoso artista alemán, Karl Lagerfeld. Contiene más de 300 herramientas de alta calidad para el dibujo y la pintura de grandes creadores, con cajones individuales desmontables para ordenarlas de acuerdo al trabajo de cada uno. www.colours-in-black.com

www.galeriegosserez.com

L AURA GREBNER | GLASBASE

SANDRA FIGUEROL A | RUSTIC CHIC

Esta lámpara colgante, aparentemente hecha con burbujas de jabón, pareciera que está a punto de estallar, pero no, afortunadamente está hecha de vidrio soplado. Glasbase es realizada en series pequeñas que garantizan su buena manufactura, única en su tipo por su esmalte que recrea la iridiscencia del jabón combinada con tecnología LED.

Diseñada para GAN, Rustic Chic es una colección hecha a mano con materiales naturales como el yute y la lana, que se combinan con dibujos florales o geométricos, remates asimétricos y colores vibrantes. La colección mezcla estilos disímiles, como lo vintage con lo contemporáneo en alfombras y cojines. www.gan-rugs.com

www.lauraluisagrebner.de

PETER OPSVIK | V A R I A B L E B A L A N S Variable Balans es el tipo de silla que se vuelve indispensable para cualquier persona que pasa mucho tiempo sentada. Por su estructura puede usarse con las piernas recargadas en sus soportes frontales, o bien, descansar los pies como en una silla estándar, con los pies en la tierra. Inspirada en la silla Balans, ícono de Hans Chr. Mengshoel. www.varierfurniture.com

iluminación

ILUMINACIÓN SENSORIAL

La iluminación tiene la virtud de crear ambientes intocables, estimular a quien la mira a imaginar otras realidades o que las propias sean más atractivas, en esta ocasión les presentamos cuatro instalaciones que se atreven a sumarle tecnología, música, emociones e interacción. Fotografía Cortesía de las instalaciones participantes

IMPULSE POR LATERAL OFFICE & CS DESIGN + EGP GROUP PARA LUMINOTHÉRAPIE Fotografía Ulysse Lemerise/OSA

Instalación interactiva para Place des Festivals, que consistió en 30 sube y baja con luz y sonido instalado a lo largo de una acera de la Plaza de Artes en Montréal, Canadá. Para activarlos, los visitantes debían utilizar los balancines de manera normal que producían iluminación y música en armonía con el movimiento, creando una instalación efímera y única. Impulse contó con el diseño de sonido de Mitchell Akiyama, que fue producido por Générique Design Electronic y la producción interactiva y electrónica corrió a cargo de Robocut Studio.

www.lateraloffice.com www.designcs.ca www.quartierdesspectacles.com

CIRRUS POR CARLOS GARCÍA NORIEGA + QUARSO PARA MONO Fotografía Ignacio Miranda

Mono es un club nocturno ubicado en la colonia Juárez de la CDMX, inaugurado en 2013 después de una colaboración entre Grupo Sicario y Archipiélago. En agosto de este año, como parte de una renovación, se incluyó la escultura Cirrus, que fue desarrollada con un software de video mapping para controlar proyecciones de luz sobre su forma geométrica. Las proyecciones mutan a partir de la música, ya sea que se controle de manera programada o en tiempo real. La experiencia antes sonora, ahora se vuelve audiovisual. www.quarso.mx www.gruposicario.co www.archipielagomx.com 16

iluminación

UNDA POR ANJALI SRINIVASAN PARA SWAROVSKI Fotografía Mark Cocksedge

En cuanto al manejo de vidrio, Anjali Srinivasan es una artista, por ello fue premiada por Swarovski como Diseñadora del Futuro durante Design Miami/Basel 2016. Por lo cual, realizó Unda, instalación inspirada en la belleza y el impacto de los movimientos humanos en la Tierra, donde se explora el uso de sensores táctiles, iluminación responsiva y se exaltan los efectos visuales del cristal. La instalación de seis metros de largo cuenta con 3 mil cristales Swarovski y 5 mil piezas de vidrio soplado producido en el taller de Anjali en Dubai, además de 1,500 cristales con tecnología LED. www.anjalisrinivasan.com www.swarovskigroup.com

HARA POR GUILLAUME MARMIN & FRÉDÉRIC MAROLLEAU PARA CHROMATIC Fotografía Guillaume Marmin

Presentada en la séptima edición del Festival Chromatic, Hara es una instalación audiovisual inmersiva, inspirada en el origen anatómico de la energía según las creencias japonesas. La música y el movimiento de luces se trasladan entre tensión y calma, creando para cada visitante una experiencia contemplativa única de colores vibrantes, que en ocasiones llenan el espacio de un solo tono, o bien, crean armonía multicolor, acompañados por la música de Frédéric Marolleau y las notas de violín de Christelle Lassort. La producción fue a través de Tetro+A, MASSIVart y STRP. www.guillaumemarmin.com www.chromatic.ca 17

textil

TEXTILES

R E P E T I C I Ó N Cojines y más cojines, solo un ejemplo sencillo de aplicación textil, accesorio básico para el hogar. Fotografía Cortesía de las marcas participantes

DAKAR, MALABO, LEIPZIG Y ALTA POR MARIANNE DIEMER PARA ROUGE DU RHIN

Cojines pertenecientes a la colección AW 2016-2017 de la marca Parisina, de la que se crearon dos familias de patrones inspirados en las líneas verticales, diagonales y la intensidad del color de grandes paisajes desérticos. www.rougedurhin.com 18

textil

ORILLO BRICK & ORILLO PINK DE ANDREW MARTIN

AMAZILIA DE HARLEQUIN STUDIO

Los cojines Orillo pertenecen a la colección Ipanema, hechos con tejidos —compuestos por algodón, viscosa y lino— que retoman los patrones del kilim, alfombra oriental de colores vivos cuya característica principal es el uso de motivos geométricos repetitivos.

Basada en temas tropicales, Amazilia es una colección de telas y papeles de colores extravagantes, sus motivos repiten figuras llamativas como colibríes, elefantes y mariposas, de la que se desprende el modelo Papilio, compuesta por viscosa y lino.

www.andrewmartin.co.uk

www.harlequin.uk.com

SIKSAK & GRID POR SYLVAIN WILLENZ PARA HEM La repetición de líneas rectas puede crear un entramado sencillo, como en Grid o bien líneas desordenadas y aparentemente realizadas como un garabato en Siksak, ambos ejemplos comparten el uso de los colores blanco y negro. www.hem.com

NIMA POR FARAH EBRAHIMI PARA E15 La compañía alemana, ofrece el modelo Nima en diferentes colores, además del patrón escocés clásico. La textura se moderniza con fibras originarias de Bélgica, Italia y Escocia. Disponible en seis tamaños diferentes hechos con tartán de lana al 100%. www.e15.com 19

techno

BS MAA RMT P BA D OS YOL Á P|I C EWS DAI GCI T AOL EMS Recientemente en Berlín, Wacom presentó sus últimas aportaciones en herramientas para convertir cualquier trazo hecho a mano en archivos digitales, desde smartpads hasta lápices digitales como, Stylus o Intous 3D. Texto David Romero Fotografía Cortesía de Wacom

undada en Japón en 1983, Wacom es una compañía que ha trabajado para organizaciones y personas creativas con el objetivo de potenciar su inspiración y equiparlos para facilitar la transmisión de sus ideas. Para mejorar la experiencia de digitalización inmediata, Wacom presentó toda una gama de productos digitales. Empezamos con los smartpads, el Bamboo Slate y Bamboo Folio, que ofrecen una experiencia de toma de notas digital fácil e intuitiva, combinando las bondades del trazo manual con el flujo de trabajo digital sumado a las nuevas características de su aplicación. Ambos dispositivos son de diseño atractivo, presentados en tamaños adaptados de formatos existentes en papel: el A4 (tamaño media carta) y el A5 (tamaño carta). Basados en la tecnología de lápiz EMR (Resonancia Electromagnética, por sus siglas en inglés) y hacen uso de WILL™, la tinta digital de Wacom. Esto permite a los usuarios iniciar sus ideas con una pluma en su papel favorito y convertirlas en archivos digitales con tal sólo apretar un botón. Por otro lado. está la familia de lápices digitales Stylus: Bamboo Omni, Bamboo Solo y Bamboo Duo, que permiten lograr un rápido ingreso y una respuesta precisa. Por ejemplo, Bamboo Omni es un lápiz de punta fina que funciona al instante con la mayoría de pantallas iOS y Android. Bamboo Solo y Bamboo Duo cuentan con un renovado diseño, cómodo para una navegación precisa. Los lápices digitales usan tecnología RES (Reflectante Electrostático, por sus siglas en inglés) y se cargan a través de un puerto USB, además cuentan con un diseño triangular que mejora su ergonomía. Al final, queda Intous 3D, una pen tablet que presenta características ideales para el desarrollo tridimensional con software ZBrushCore de Pixologic, desarrollado para crear y modelar diseños listos para imprimir. La facilidad de digitalizar queda sellada con la aplicación Wacom Inkspace, que almacena todas las notas de manera segura en la nube, facilitando su edición y exportación. La aplicación exporta en formatos: JPG, PNG, PDF o WILL™ y los hace disponibles para Bamboo Paper, Inkspace, Dropbox, Evernote y OneNote. www.wacom.com

automotriz

‘MARTILLOS’ Y MÁS TECNOLOGÍA SEDÁN S90 | VOLVO CARS | SUECIA Una nueva mirada que se inspira en la mitología nórdica con los martillos del dios Thor, dispuestos horizontalmente en el marco de sus faros, da vida a la nueva imagen de los autos Volvo. Texto Martha Lydia Anaya

Fotografía Cortesía Volvo Cars

n la mitología nórdica, Thor —hijo del dios mayor Odín— es uno de los dioses más poderosos y venerados; siempre representado con su martillo de guerra es la deidad a la que se encomendaban vikingos y germanos en sus viajes y batallas.

automotriz

Hoy, la ‘fuerza’ del dios Thor es tomada como fuente de inspiración para diseñar los faros de los autos Volvo, como uno de los rasgos más personales y llamativos de los modelos de la marca escandinava de ahora en adelante. Esta nueva señal de identidad, se combina con el uso de luces LED y, sobre todo, con una fila de diodos que trabajan a modo de iluminación diurna, los cuales sus diseñadores quisieron utilizar para crear una mirada más sofisticada y cautivante en el frente de sus automóviles. El nuevo sedán Volvo S90 —presentado hace unos meses en México— no solo presume de este sello innovador en sus exteriores, sino que también incluye una parrilla cóncava de líneas verticales, que armoniza con una paleta de materiales que representa un minimalismo que asombra en su interior. Detalles con maderas de poros abiertos decoran el tablero, así como la consola central y las puertas. La perilla central y la del interruptor del motor están hechas de metal y con bordes biselados, al igual que los controles de las ventilas del aire acondicionado, que destacan por su diseño singular y elegante. De igual modo, la presencia mínima de botones en el tablero es un cambio tanto visual como funcional, el cual según el equipo de diseñadores e ingenieros de la marca nórdica representa una nueva y atractiva opción para el mercado premium, que ha dejado atrás sus preferencias por los autos de imagen ‘recatada’ y se inclina cada vez más por los perfiles de vehículos frescos, fuertes y audaces. Fueron cuatro años durante los que Volvo no presentó ninguna novedad en su portafolio con el fin de darse el tiempo para preparar su total resurgimiento, que llegó en el 2015 y ahora se encuentra en su segunda etapa. Primero, la compañía sorprendió con la renovación de su crossover Volvo XC90, y luego con la reinvención de su sedán ejecutivo Volvo S80. Hoy, con el sedán ejecutivo Volvo S90 se materializa su segunda fase de renacimiento a través de una redefinición de la sofisticación y el desarrollo automotor. El Volvo S90 es piedra angular del fabricante sueco en términos de tecnología, conectividad, diseño y sofisticación. Torben Eckardt, nuevo director general de Volvo en México y quien hizo la presentación del auto, comenta al respecto: “Hoy somos testigos de una total reconfiguración en todos los niveles que componen Volvo y que han permeado ya en nuestros productos, objetivos de negocio, desarrollos e innovaciones. El futuro de la compañía me resulta poderosamente atractivo y queremos compartirlo”. Y es que el Volvo S90 encarna una mezcla exquisita entre diseño, elegancia, potencia y lujo; es un auto que llega como reemplazo del S80, y cuya espera ha valido la pena según los expertos de la industria. En el tema tecnológico, las principales novedades de este vehículo son: el ‘pilot assist’, un sistema de control de manejo semiautónomo, estándar en todas sus versiones, que permite mantener la velocidad y distancia establecidas por el conductor hasta llevar a un frenado total sin que el auto se salga de su carril de conducción; el ‘sistema de detección de animales grandes’ y las mejoras de ‘sensus conect’, que es el sistema de información, conectividad, control y entretenimiento desarrollado por Volvo.

www.volvocars.com

showroom

DESIGN PRIMARIO DE EUROPA PARA MÉXICO

Sofás diseñados por el multifacético Philippe Nigro, modernas piezas de comedor propuestas por Pierre Paulin o los nuevos materiales explorados por el cubano René Barba, son parte de la exclusividad y del estilo contemporáneo de la marca francesa. Entrevista Martha Lydia Anaya Fotos Gabriel González | Cortesía Design Primario

ace 20 años, cuando el joven arquitecto Guillermo Quintana regresó a México luego de estudiar su maestría en Diseño Industrial en Europa; tuvo la idea de importar mobiliario, accesorios y luminarias de diseño de vanguardia. “En aquel entonces —relata— no había nada en nuestro país, apenas una que otra revista de arquitectura e interiorismo en los anaqueles y las piezas de algunos diseñadores independientes que empezaban a producir y a crear ‘objetos de autor’. Todo era un ‘fusil’ (copia de algo). Prácticamente, fui de los pioneros en traer muebles de marca con firma de diseñador, sobre todo de líneas francesas, que en México eran poco conocidas”. Fue así como la marca Ligne Roset llegó a tierra azteca, representada por Design Primario. “Mientras estuve en Italia, estudiando la maestría, me familiaricé mucho con la marca por su gusto y sofisticación.

Poco a poco me di cuenta que su catálogo ofrecía un poco de todo tanto en residencial como en oficina, y lo que quería era una marca que me diera todo para tener un solo proveedor y enfocarme en sus valores. La experiencia hasta ahora ha sido muy gratificante”, cuenta Guillermo, rodeado de las piezas exquisitas en su showroom de Polanco, en la ciudad de México, con más de 400 m 2 cuadrados para la exhibición de Ligne Roset y otras tres marcas importantes. Guillermo nos comparte que si algo ha cambiado en este par de décadas es la difusión y mayor conocimiento que gracias a la tecnología ya existe tanto de talentos emergentes como de los nombres de diseñadores y marcas famosas. “La gente ha afianzado su gusto. Sin duda, el precio de los objetos es importante —enfatiza—, pero más que nada lo que define el diseño es que nos identifica con un estilo de vida y revela

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Guillermo Quintana

nuestra esencia. Todos somos iguales, pero ‘el mismo par de tenis de marca’ que compramos aquí o en China, se puede lucir diferente; todo depende de cómo lo combines”. El gusto del mexicano, por ejemplo, tiende a ser más de estilo europeo que americano. “Muchos creen que somos ‘muy coloridos’, pero en realidad nuestro gusto es más sobrio y frío que el del típico ‘gringo de playa”, comenta el arquitecto, quien se siente muy honrado y satisfecho de tener una amistad muy cercana con Antoine y Michel, descendientes de la familia Roset. Esta camaradería personal y profesional ha favorecido el crecimiento de la marca en México y otra decena de países, la cual fue fundada en 1860 y cuyos inicios se remontan a la fabricación de paraguas de madera, bastones y marcos de sillas en Montagnieu, en la provincia de Ain de Francia. La explosión de creatividad se dio en los años 60’s y 70’s, cuando la empresa empezó a revitalizarse con la mancuerna que hizo con arquitectos y diseñadores de interiores. Hoy, esos 150 años de historia de la compañía son el reflejo de un sinnúmero de creaciones y de colaboraciones interesantes con los diseñadores más reconocidos, así como con los jóvenes talentos más prometedores de todo el orbe. Guillermo asume con entusiasmo el compromiso de la marca de seguir explorando el mundo del diseño y, junto con la familia Roset, no descarta las oportunidades de continuar ‘seduciendo’ a los mexicanos con piezas de mobiliario de alta gama. Son esos muebles y accesorios los que, en su aparente y normal tranquilidad, desvelan el estilo y los detalles esenciales de los moradores de un espacio. www.designprimario.com www.ligne-roset.com

showroom

ANTHIOPE

ATMÓSFERA CONTEMPORÁNEA Denominada como una concept-store, Anthiope recrea ambientes cercanos al arte, ocupando los amplios espacios de una casona tapatía de los años 40’s, ubicada en el efervescente barrio de Lafayette en Guadalajara, Jalisco. Texto Ana María Galvis Fotografía Cortesía de Anthiope

a casa que fuera proyectada por el arquitecto, Ignacio Díaz Morales, cuenta con un patio interior de doble altura y diferentes espacios transformados por Florencio Quezada, que viste cada espacio con obras de arte, objetos decorativos, muebles y moda. La identidad de Anthiope se define por su atmósfera contemporánea conformada por obras de autor, piezas únicas y accesibles, que abren paso a diversas antigüedades, maderas envejecidas y óleos.

showroom

La organización y oferta de cada espacio cambia periódicamente, gracias a ello la concept-store se mantiene fresca, tanto para los clientes que la visitan como para los diseñadores que representa. La tienda multimarca alberga productos y propuestas de diseño nacional, con más de 50 artistas y diseñadores que se desenvuelven en marroquinería, moda, joyería, decoración y arte. Entre ellos se cuenta con Octágono, Nina de Juan, Álvarez Tostado, Ediciones Acapulco, Ricardo Luévanos y José Silva. Todos los objetos expuestos en Anthiope deben ser diseñados por mexicanos o elaborados en México, por ello se han consolidado como una alternativa que apoya al comercio local y el talento joven, además de seleccionar cada objeto con sumo cuidado para ofrecer la mejor calidad disponible.

Anthiope

Los espacios de una casona tapatía de los años 40’s adquieren una identidad, vestida con obras de arte y piezas únicas, que abren paso a diversas antigüedades, maderas envejecidas y óleos.

taller

DANSKINA

FORMANDO ESPACIOS DESDE ABAJO Las alfombras hacen la diferencia entre una habitación fría o una cálida, el simple acto de incluir un tapete transforma el piso; afecta directamente cómo se siente un espacio, cómo suena, cómo se ve. Y entre todas sus características, incluso cómo se coloque puede marcar un notable contraste. Texto Marisol Guerrero Fotografía Cortesía Danskina

iet e Ina van Eijken fundaron Danskina en 1973, desde entonces, la compañía ha ganado una fuerte reputación por ofrecer diseño contemporáneo con distribución enfocada a arquitectos y diseñadores de interiores. En 2013, ya bajo el liderazgo de Kvadrat y Maharam, Hella Jongerius se une a Danskina como Directora de Diseño. Hella ha sido líder en el mundo del diseño de producto desde sus primeros trabajos, en Danskina ha colaborado con otros diseñadores igual de talentosos y con las manos prodigio de maestros artesanos, quienes han implementado métodos tradicionales a tendencias de diseño. Como pioneros en técnicas de manufactura, los artesanos experimentados, el detalle hecho a mano y los materiales de

calidad premium trabajan en conjunto para ofrecer diseños frescos producidos hábilmente en los Países Bajos, Escocia, Alemania, Nepal e India. Además de trabajar materiales naturales como: lino, lana, corcho o bambú, que se caracterizan por ser resistentes; han implementado hilados como el Tencel, cuyas fibras se extraen de árboles de Eucalipto, su textura ofrece propiedades excelentes para teñidos.

www.danskina.com

taller

TÉCNICAS PUNTO ANUDADO Hecho a mano o máquina. Se parte de una base textil tensada en un marco, la base recibe fibras que se anudan de una en una. Para hacerlo manualmente se utiliza una pistola de anudado que crea patrones y formas con la ayuda de la destreza de quien la opere. Si el proceso es más industrial el resultado es uniforme y se pueden crear patrones de líneas rectas.

TEJIDO El tejido combina dos sistemas diferentes de hilado: la urdimbre y la trama. La urdimbre es el hilado que se traza de manera longitudinal, mientras que la trama marca su camino a lo ancho del tejido. Esta técnica tradicional puede hacerse de manera manual o bajo producción industrial. La mayoría de los tapetes de Danskina se hacen a mano.

ANUDADO Método tradicional en el que el sentido del hilado parte de la base y pueden crearse figuras a partir del sentido de los nudos. Danskina ha desarrollado una técnica donde se unen piezas textiles a base de nudos especiales.

LUZ PARA MUSEOS

Antiguo Colegio de San Ildefonso 路 Palacio Nacional 路 Museo Amparo 路 Museo Internacional del Barroco

Studio Spazio S.A. de C.V. Avenida Revoluci贸n 1349-F San Angel, CP 01040 Contacto: info@studiospazio.com.mx Tel: 55939694 http://studiospazio.com.mx

advertorial

ACTIU Una empresa socialmente responsable. Con el objetivo de convertirse en una prescriptora de tendencias, la compañía brinda asesoría en la configuración de entornos de trabajo en los que mobiliario y espacio sean las herramientas para mejorar y aportar bienestar a las personas. Texto Redacción

Imágenes Cortesía

e origen valenciano, fundada por Vicente Berbegal en 1968, Actiu cuenta con más de 45 años diseñando espacios públicos y de trabajo. Cerca del 51% de sus ventas proceden de más de 90 países en los que está presente a través de una sólida red de distribuidores y showrooms. En México, Actiu es distribuida por Organitec desde hace 25 años. Todos sus procesos son de producción propia, desde la mecanización de la madera, el metal o la matricería hasta la aplicación de los acabados. Muchas de sus piezas han sido galardonadas con reconocimientos, como el premio alemán de diseño Red Dot, los premios Delta o los If Design, entre otros. Hace unos meses, la compañía organizó su primera exposición en Chicago, Estados Unidos, donde fue distinguida con el premio NeoCon Gold Award en la categoría ‘Lounge Furniture Collections’ con el producto Longo. El año 2008 supuso un parteaguas para la empresa con la inauguración de su Parque Tecnológico, un complejo de unos 200,000 metros cuadrados, ubicado en Castalla, Alicante, en España. Diseñado por el arquitecto José María Tomás Llavador, se trata de un conjunto de edificios, amable y respetuoso con el medio ambiente que albergan oficinas, área logística, naves productivas y una extensa zona verde.

Parque Tecnológico Actiu en Castalla, España. Certificado LEED Gold por el USGBC en 2011.

Esto le ha valido la obtención, en 2011, de la certificación LEED® Gold por la institución US Green Building Council, que abandera la producción industrial sostenible, la construcción responsable, la eficiencia logística y el ecodiseño. De hecho, Actiu genera 7 veces más de energía limpia, lo que supone un total de 7 millones kwh/año por el buen uso y mantenimiento de la instalación fotovoltaica; y también es capaz de reservar y ser autosuficiente en el uso de agua hasta 8 meses. Actiu estará presente en la Feria Internacional Orgatec (25-29 oct, 2016), que se llevará a cabo en la ciudad de Colonia, Alemania. www.actiu.com www.organitec.com.mx

www.actiu.com www.organitec.com.mx

Silla Wing

BEST of NEOCON GOLD AWARD

Lounge Furniture Collections

Mobiliario Longo

diseño + empresa

EXPORMIM EL KNOW HOW DE ARTESANOS

Con más de 50 años de trayectoria, la compañía está en continuo proceso de modernización, con especial empeño en la mejora de los procesos de fabricación, la selección de materias primas y el cuidado diseño de su catálogo de mobiliario de exterior e interior. Texto Redacción Fotos Cortesía

l trabajo artesano requiere de una particular destreza en el tejido manual basada en la intuición y una larga experiencia que otorga expresividad y valor emocional a cada pieza. Es un arte que solo puede ser creado por manos habilidosas y dedicadas, tal y como lo ha hecho Expormim a lo largo de más de 50 años. Fue en noviembre de 1960 cuando se crea ‘La Exportadora del Mimbre’ (Expormim), que es una empresa que nace con una marcada vocación exportadora de producto fabricado a partir de mimbre. Su fundador y abogado de profesión, Miguel Laso Tortosa, emprendió este negocio luego de largas estancias en Europa. Había detectado la carencia de producto natural en una emergente Europa, y la necesidad de industrialización y modernización del pequeño pueblo agrícola de Moixent, en Valencia, España. Poco a poco, a la fabricación tradicional de cestos y accesorios en mimbre se fue agregando la manufactura de sillones y tumbonas, siempre bajo la premisa de origen: cumplir con los estándares de calidad y confort, exigidos por el mercado. Ese catálogo siguió creciendo con mesas, aparadores, camas y todo lo necesario para cubrir las necesidades de amueblamiento de las residencias que se construían en las costas españolas.

diseño + empresa

Sin embargo, a mediados de los 90’s, el rattan empezó a ser rechazado en algunos mercados. Expormim se adapta a las nuevas demandas y crea una colección de muebles de madera de haya, imitando la caña, la cual tiene gran éxito durante esos años. Ahora, el mobiliario de Expormim da vida y color a apartamentos, cafeterías y hoteles por todo el mundo. Más de 50 países han confiado en sus productos, de diseños sofisticados y cosmopolitas. Es Miguel Laso Galbis, uno de los dueños de la empresa, quien trae la marca a México y asienta las oficinas en la CDMX. Él decide crear su marca a partir de la experiencia que tuvo con Expormim y la llama Cima Contract. El joven arquitecto Luis Montelongo, gerente de proyectos de la marca, es quien tiene a su cargo la tarea de comercialización. Al respecto, cuenta que actualmente tienen proyectos de colaboración con los despachos más importantes de arquitectura e interiorismo en la ciudad de México y que también cuentan con dos distribuidores exclusivos para venta al público: Artelínea, en Blend y las tiendas de MarqCó de Covadonga Hernández. ¿Cómo ha evolucionado el gusto de la gente por los muebles de diseño? Luis concluye: “El interés de las personas por el diseño va cada vez más, y más, en aumento; ya no solo es acerca del confort y la calidad sino que también buscan piezas con las que se identifiquen y representen su estilo de vida”. www.expormim.es

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Héctor Esrawe

AmoAto

PAPEL, COLOR Y GEOMETRÍA Con la originalidad que las distingue, las industrias creativas pueden aportar su granito de arena a diferentes causas sociales, como prevenir la extinción del jaguar. Piezas únicas creadas por 35 talentos de distintos ámbitos artísticos se unen a esta labor. Entrevista Martha Lydia Anaya Fotografías Cortesía

diseño + empresa

l estudio de diseño AmoAto -integrado por Melissa Falcón, Raymundo Botello y Saraí Noguez- propone el papel como material protagonista. La geometría, el color y lo innovador de sus diseños han hecho de este despacho una marca muy divertida y original. Para celebrar su 5° aniversario presentan Papirodermi5, una iniciativa que reúne el talento de 35 artistas del mundo de la moda, el arte, la comunicación y el diseño, a través de la intervención de una pieza blanca de su colección de cabezas de papel papirodermia. “En un inicio, pensábamos hacer un evento de aniversario muy sencillo, pero poco a poco la idea se fue transformando y no pensamos que fuera a concluir de esta manera. A todos nos ha encantado el proyecto, y cada uno de los talentos involucrados han aportado empeño, curiosidad e innovación en la elaboración de sus obras” platica Melissa, fundadora e integrante del equipo de jóvenes creativos de AmoAto. Agrega que “ha sido un proyecto propio, que surgió luego de pensar cómo festejar con ‘algo’ que tuviera un sentido social y que pudiera ir más allá de solo celebrar. Desde el año pasado un porcentaje de nuestras ventas las donamos a Naturalia, una asociación civil dedicada a proteger la biodiversidad mexicana; de ahí que se nos ocurriera que podíamos hacer una muy buena mancuerna con ellos. Por otra parte, también pensamos que era un proyecto que se prestaba para la intervención artística porque podíamos reunir a toda esa gente que a lo largo de estos primeros cinco años que llevamos de existencia, también ha creído en nosotros y nos ha apoyado”. Déjate Querer

Melissa enfatiza que, además de fortalecer lazos de amistad con muchos colegas, Papirodermi5 también ha sido una excusa para conocer gente que admiran y con quienes comparten valores éticos y sociales. Fue así como se hizo la selección de los 35 talentos que comparten este proyecto con el despacho de diseño: C Cúbica, Studio Roca, Jorge E. Tellaeche, Prince Láuder, Ariel Rojo, Bárbara Berger, Nino Bauti (Tane), Martínez&Sordo, Cecilia Beaven, Círculo Cuadrado, Ricardo Casas, Marco Colín, Rococo, Déjate Querer, Comex, Serrano Monjaraz Arquitectos, Pineda Covalin, Esrawe Studio, Miguel de la Torre y Annie Lask, entre otros. Raymundo, otro de los fundadores de AmoAto, interviene en la agradable charla y de manera entusiasta platica que “Naturalia, en específico nos comentó del proyecto Operación Jaguar. El organismo tiene una reserva en Sonora donde vive una población importante de jaguares y consideramos que era muy buena oportunidad para canalizar recursos a esa reserva con todos los esfuerzos de este proyecto. Hoy, Papirodermi5 es una historia de éxito, que nos llena de satisfacción y nos deja un muy buen sabor de boca por su aporte creativo”. “Estamos muy contentos, sorprendidos y agradecidos con la reacción de toda la gente que se sumó al proyecto, y no solamente me refiero a los 35 talentos sino también a los medios de comunicación y a las marcas, como El Palacio de Hierro, que exhibió las piezas intervenidas en su sucursal de Polanco, en la ciudad de México”, dice Saraí, quien junto con Melissa y Raymundo han contribuido al reconocimiento de AmoAto. Comex

www.amoatostudio.com

foodie

JACINTO Y PAZ

INTERIORES VERÓNICA SERVIN LEWIS CHEF MICHAEL ÁLVAREZ Texto Cristina Cruz

Fotografías Cortesía Jacinto y Paz

foodie

Al concentrar un gran equipo se obtienen grandes resultados, así es la sinergia que emana Jacinto y Paz, de donde se departe un menú inspirado en memorias, emociones y sensaciones.

n plato humeante, una copa de vino, el postre favorito y una charla entre amigos son los ingredientes necesarios para compartir la mesa ideal. Jacinto y Paz es, sin duda, un gran exponente del buen comer en la Ciudad de México, cuya oferta gastronómica ha crecido a pasos agigantados los últimos años. Jacinto y Paz está ubicado en el corazón de San Ángel, específicamente en Avenida de la Paz; una zona inigualable por su arquitectura, su historia, sus habitantes, su vida nocturna y por supuesto, su oferta cultural. El talento gastronómico de Jacinto y Paz es liderado por el Chef Michael Álvarez quien inyecta pasión y disciplina al equipo de cocina, sumado a la sommelier Paola Rangel, encargada de abrirle paso a la cultura del buen vino entre los paladares más exigentes. Para vestir la mesa y alimentar el cuerpo nada mejor que un Pork Belly con elote o el Extraviado en Beurre Blanc o el estupendo Pato en Salsa de Chorizo acompañado con una copa de vino nacional o internacional y, para endulzar el paladar, un postre como la Piña y Queso Azul o Dulce de Papaya en la propia versión del chef Álvarez. Es notable el esfuerzo grupal de todo el personal de Jacinto y Paz, el propio Álvarez lo reconoce: “somos un equipo de personas que hemos puesto todo el corazón y depositado nuestras memorias en maravillosas creaciones. Hemos olido la tierra donde provienen nuestros insumos, saboreado sus procesos y es por eso que queremos transmitirlos por medio de experiencias fine dining y sensaciones de placer y gusto”. Con una capacidad general de 150 comensales, una amplia terraza para 70 personas, sonido de alto nivel para ambientar el espacio y una pantalla de cuatro metros de longitud, Jacinto y Paz ofrece un ambiente agradable y un gran servicio. Adicionalmente cuenta con tres salones privados, planeados para la comodidad de seis, 10 y hasta 15 personas respectivamente, todos ellos equipados con wi-fi, televisiores y servicio personalizado con accesos a la más selecta cava de vinos. Definitivamente Jacinto y Paz es un espacio gastronómico que llegó para quedarse, por su ambiente casual y servicio enfocado a los detalles. www.jacintoypaz.com

host

EL GANZO PABLO SÁNCHEZ NAVARRO

Con una personalidad vibrante desde su exterior hasta su interior, este hotel que renace tras un huracán, ahora es un refugio para sibaritas. Con detalles rústicos y tonos brillantes, además de una increíble vista al mar azul de los Cabos, en Baja California, nos abre sus puertas. Texto Cristina Cruz

Fotografía Cortesía Photomexico/Francisco Estrada

espués del devastador huracán Odile ocurrido en Los Cabos, en 2014, el Hotel El Ganzo no había quedado en muy buen estado. Pero ahora se alza nuevamente con la remodelación al frente del arquitecto y también dueño del hotel, Pablo Sánchez Navarro: “Fue una lástima lo que sucedió, pero también una oportunidad para hacer algunos cambios módicos en la infraestructura. Por fortuna, la estructura en sí del hotel no fue afectada”, dice. El Ganzo, ubicado en La Playita, San José del Cabo, es un proyecto de hotel boutique, que abriga a la comunidad artística con residencias e intercambios, además de un programa de obra de arte plástico, que ha sido curado y seleccionado por Luzma Moctezuma, restableciendo y mejorando la selección, pese a la gran parte de su colección perdida por el huracán.

Hotel: El Ganzo (¡sí!, con ‘z’) ¿Dónde?: La Playita, San José del Cabo. A 20 minutos del aeropuerto. Arquitecto: Pablo Sánchez Navarro Concepto: Diseño minimalista y un declarado interés por las artes plásticas y la música. Ideado como un recinto para el descanso, el arte y la creatividad. Detalles representativos: Pisos de cemento pulido y amplias superficies blancas, para que los artistas puedan pintar y dejarse llevar por la creatividad y el color.

host

Desde su apertura, este hotel siempre quiso celebrar la creatividad y el gozo por la vida; por eso, Pablo y su equipo idearon la manera de cómo ofrecerle una experiencia inolvidable a sus huéspedes. “Ya sea de placer o de negocios, lo que queríamos era: transformar cualquier viaje”, relata el fundador de El Ganzo. Así surgió el plan de crear un lugar donde arte, música, descanso y gastronomía convivieran con la magia del sol y la playa. Esto explica por qué, entre sus amenidades, incluye la curaduría de arte, además de diversos programas musicales y la base marina del Puerto Los Cabos para tener full access al sinfín de actividades de una de las playas más memorables de Baja California Sur. Hoy, el renovado Hotel El Ganzo se concibe desde lo simple y utilitario con conceptos de diseño de interiores, caracterizados por los pisos de cemento pulido y las amplias superficies blancas, en las que los artistas pueden pintar y dejarse llevar por la creatividad y el color. Para desarrollar la parte musical, el equipo de Pablo no dudó en considerar el espacio para un estudio de grabación subterráneo: The Underground, al que han ido tanto estrellas del pop como músicos independientes. Artistas como Café Tacuba o Slash, guitarrista de Gun’s & Roses, entre otros, no solo se han dado el tiempo para conocer el estudio sino que también han realizado presentaciones para los huéspedes, además de convivir en otro tipo de actividades. The Underground está hecho con madera reciclada y buena acústica lograda con la construcción de un búnker desde la excavación. Por su peculiaridad, es uno de los pocos lugares donde los músicos pueden desconectarse del mundo y dar rienda suelta a la inspiración, como lo hizo la cantante mexicana Natalia Lafourcade durante la producción de alguno de sus materiales discográficos. Frente a los ventanales del techo del hotel, se encuentra una alberca con un gran jacuzzi de vidrio templado, que se dispone como el área principal para tomar el sol y descansar. Mirando desde los camastros, las aguas contenidas en la alberca parecieran fundirse con el mar, provisto de una espectacular vista.

www.elganzo.com

macrotendencias

[MACROTENDENCIAS] [DISEÑO DE INTERIORES] [MOBILIARIO] [MODA] [ARTE] [ACCESORIOS]

Concepto creativo: Germán Velasco Arquitectos + Greta Arcila • Colaboración con: María Luisa Salinas • Producción: Germán Velasco Arquitectos + Glocal Design Magazine • Equipo creativo: Carmina Cué • Fotografía: Owen Behan • Estilismo de moda: Jorge • Maceo para ElefantPR • Asistente de estilismo de moda: Daniel Galvéz • Cabello y maquillaje: Penélope Marballe • Modelos Julieta M @Queta Rojas | Michael Ramm @GHManagement • Locación: Esencial (Goldsmith 60, Polanco, CDMX).

Arte: Extrapolación 13, 2016. PVC, madera, barra roscada y pijas. 32 x 31 x 27 cm. Quirarte + Ornelas

macrotendencias

Él Abrigo Brook Brothers vintage Suéter cuello de tortuga Purificación García Sudadera JPEG para Common People Pantalones Carla Fernández Zapatos Prada

macrotendencias

Ella Total look Raquel Orozco Botines Guess

Espacio: Lámpara de suspensión Leukon | Antonio Citterio para Maxalto • Espejos dorados: Atelier Mirror | Republic of Fritz Hansen • Mesa comedor: Tobi Ishi de Edward Barber + Jay Osgerby para B&B Italia • Floreros de cerámica blanca: Jonathan Adler • Florero verde: V Rose | Henry Dean • Sillas tubulares en piel roja y cromo | Trouvé • Arte: Extrapolación 16 | Quirarte + Ornelas.

macrotendencias

Él Camisa Purificación García Corbata Doce Cero Tres Suéter Vivienne Westwood para Common People Pantalones Y-3 Zapatos Doce Cero Tres

macrotendencias

Ella Jumpsuit Vivienne Westwood para Common People SuĂŠter cuello de tortuga Angel Grave Collar y brazalete Oscar Figueroa Jewels Zapatos Calvin Klein

Ella Camisa blanca Sandro Crop Top Nadine Levy para Common People Pantalones Angel Grave Capa Forever 21 Zapatos Calvin Klein

Ă&#x2030;l Camisa, pantalones, chamarra y botines Doce Cero Tres T-Shirt rosa y negro Y-3

Agradecemos a Esencial por las facilidades otorgadas para realizar la toma fotogrĂĄfica.

columna

FINANCE & DESIGN EL DISEÑO ¿ES EFÍMERO? Por Martha Lydia Anaya

uego de leer y compartir algunos comentarios de las columnas de nuestros amigos y colegas, los arquitectos Juan Carlos Baumgartner y Germán Velasco (quienes también escriben en esta edición de Glocal Design Magazine), mi caminata habitual por las calles ya no es igual. Ahora, el enfoque de mi mirada es otro, lo mismo que mis emociones. Empaparme de lo que es la arquitectura, su significado, su historia e impacto social es un tema que empieza a tomar forma en mi cabeza, gracias al expertise y las anécdotas que ellos ponen por escrito en sus respectivos textos. Estoy aprendiendo a ‘comprender’ aquellos trazos escondidos entre los planos que, literalmente, se forman para construir desde la casa más sencilla y modesta hasta el edificio más moderno y vanguardista con numerosos pisos de altura y que, por lo general, se impone en las avenidas más transitadas y concurridas de la Ciudad de México. Creo que para el común de las personas, nuestro andar se ha convertido en un cotidiano y estresante ‘ir y venir’ por las calles, mirando el reloj y apresurando el paso para llegar a tiempo a ‘quien sabe dónde’. Solo el mood de gente cien por ciento volcada en el quehacer creativo, como Juan Carlos y Germán, nos detiene un poco el ritmo y nos enseña a disfrutar de la dimensión de los espacios, del sinnúmero de materiales con que están hechas las cosas, del diseño de los objetos, de los colores de una pieza de mobiliario cualquiera, de las historias ocultas entre las paredes de cada inmueble, de las ideas ‘locas’ de los artistas…

Me atrevería a decir que, en la cotidianidad de nuestras actividades nos hemos acostumbrado a mirar en un solo plano y únicamente en ‘blanco y negro’, sin apreciar que en los tonos grises y oscuros de las paredes, muros y el sinfín de construcciones con los que nos topamos alrededor, también se impregna el ‘color’ de decenas de historias, proyectos e ideas atrevidas de interioristas, arquitectos y diseñadores. A final de cuentas, es un prisma creativo que, la mayor parte de las veces, lo pasamos desapercibido; pero que en la medida de lo posible sería bueno que nos tomáramos el tiempo de percibir, de disfrutar, de sentir. No siempre todo se ajusta a lo ‘cuadrado’ ni tampoco se diluye entre los sutiles ‘círculos’ de lo efímero y subjetivo. Como bien cita Germán en su respectiva columna: el embajador de Alemania en México, Heinrich von Eckardt (conocido por ser a quien iba dirigido el telegrama de Zimmermann), decía que la estética llegará a abarcar todos los ámbitos de la vida cotidiana “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo”. Y es muy cierto. A diario convivimos con la arquitectura, el diseño y el interiorismo, guardando lo que nos gusta en el subconsciente para luego revivirlo en experiencias de vida que, como complementa Juan Carlos en su artículo correspondiente, “todo lo que diseñamos nos diseña de regreso, y estamos activamente diseñados por lo que hemos diseñado”. Al diseñar espacios, los arquitectos no solo son responsables de los espacios sino también del loop de retroalimentación que moldeará y remoldeará

a las personas que usamos esos espacios. Faltan pocos días para que la Ciudad de México se vista de ‘diseño’ durante los días de Design Week (evento al que hemos dedicado buena parte del contenido de nuestra revista impresa), y creo que es muy buena oportunidad para atrevernos a mirar el mundo con otros ojos, desde otra perspectiva, con otro punto de vista más allá del que nos ha dado el trajín del día a día… Somos seres humanos sensibles, emocionales, ‘llenos de color’ en el interior de lo que transmitimos en apariencia, una imagen que, a veces, nos empeñamos en cuidar en exceso y, en esas exageraciones, se queda vestida de sombras, sin vivir el diseño de los espacios, ambientes y detalles con los que a diario convivimos.

columna

LOS ESPACIOS QUE DISEÑAMOS NOS DISEÑAN DE REGRESO Por Juan Carlos Baumgartner

n artículo de la revista Scientific America recién hablaba de una teoría que argumenta que las experiencias que un ser humano vive, pueden no solo modificar su marco cognitivo (el cual, a su vez, ayuda a dar significado a esas mismas experiencias), sino que también las experiencias tienen el potencial de cambiar nuestra biología. En palabras de Steve Cole, las células son herramientas que transforman experiencias en biología, lo que le han llamado gene expression. Jason Silva, el filósofo contemporáneo basado en las teorías de Cole, genera un cuestionamiento: ¿Somos entonces seres predeterminados por nuestro contenido genético? o ¿somos moldeados por nuestras experiencias en un loop casi infinito, en el que nos definimos y redefinimos en cada experiencia que vivimos? Esta idea cambia radicalmente muchos de los conceptos alrededor de los cuales hemos entendido al diseño y a la arquitectura, y no solo los conceptos básicos sino también la responsabilidad y trascendencia de ambas disciplinas. El espacio, de acuerdo con Cole, sería uno de los grandes elementos transformadores de nuestra biología; la arquitectura es un elemento

fundamental de esta experiencia que transforma nuestros códigos biológicos y que, sin saberlo, articula y re-articula quiénes somos. Entonces, existe una relación entre cómo armamos nuestro marco cognitivo y de cómo le damos significado a nuestra vida con las experiencias que vivimos y, a su vez, las experiencias que vivimos están determinadas por los contenedores espaciales en los que suceden. Y es en este nuevo contexto en el que el diseño comienza a tomar un papel y una importancia nunca antes vista. El oficio de diseñar también es el oficio de escribir y re-escribir nuestro código biológico. El diseño es un loop infinito casi como un dibujo de Escher, en el que la mano dibuja a la mano que a su vez es dibujada, o como lo decía Marshall McLuhan: “construimos las herramientas que después nos construyen”, un loop que modifica profundamente quién somos continuamente. Es así como surge la idea de ontological design. Estemos conscientes o no, todo lo que diseñamos nos diseña de regreso, estamos activamente diseñados por lo que hemos diseñado. Lo que está sucediendo en el país en el marco de Design Week México es entonces de suma trascendencia, comenzar cada vez más a entender los layers de sofisticación y complejidad

del diseño, entendiendo que al diseñar espacios no solo somos responsables de los espacios sino también somos responsables de diseñar el loop de retroalimentación que moldeará y re-moldeará a las personas que usan nuestros espacios. Crear una cultura que le dé su lugar al diseño y que comience a entender que el diseño importa, que la arquitectura importa, es el primer gran paso en el camino de crear una cultura consciente de la responsabilidad que nuestro entorno tiene, y no solo desde una perspectiva estética sino también en sus repercusiones cognitivas y biológicas. Es así como en esta semana del diseño, los exhorto a recordar esta maravillosa idea de que los espacios que diseñamos nos diseñan de regreso.

@jcbaumgartner @baumgarj

columna

LA BAUHAUS Y SU IMPACTO Por Germán Velasco

“La forma sigue a la función” Walter Gropius

Algo de Historia… El nombre de Bauhaus deriva de dos palabras en alemán: Bau construcción o edificio, y Haus casa; es decir, ‘La casa de la arquitectura’. La Bauhaus fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, Alemania. Gropius une la Escuela de las Bellas Artes con la de Artes Aplicadas convirtiéndola en la primera escuela de diseño en el mundo, Escuela de Artes y Oficios. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo: dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de: ebanistería, diseño, teatro, cerámica, piedra, tejido, metalurgia y vidrio. Se crea esta escuela con la convicción de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época. Walter Adolph Georg Gropius buscaba la unión entre el uso y la estética. Siempre planteó la solución de la producción en serie. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica: Los objetivos de la escuela fundada por Gropius, en su Manifiesto decía: “La Bauhaus debe de centrar esfuerzos en recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesanal al mismo nivel de las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”.

La segunda fase (1923-1925) abre sus puertas en Dessau, es mucho más racionalista. En esta época surge paralelamente con Theo van Doesburg en los Países Bajos el movimiento De Stijl, Piet Mondrian es uno de los exponentes más conocidos de este movimiento. La tercera fase (1925-1933) alcanzó su mayor reconocimiento bajo la dirección de Mies Van der Rohe, en Berlin, pero fue ordenada su clausura por las autoridades alemanas nazis por ser considerada una institución privada socialista, internacionalista y judía muy mal vista por el nuevo régimen reinante. Finalmente la Escuela es cerrada y ciertos profesores perseguidos por el nuevo gobierno huyeron y se instalaron en Estados Unidos en donde siguieron con la ideología de la Bauhaus; entre los profesores que inmigraron se encuentran: Gropius (nombrado como profesor de la Universidad de Harvard) y Lazlo MoholyNagy quien estableció el Instituto de Diseño de Chicago, conocido como la New Bauhaus (basándose en los principios de la Escuela del Bauhaus) y Mies Van der Rohe que influye mucho en la arquitectura de Chicago.

Relación con el diseño La Bauhaus influyó poderosamente en la arquitectura moderna, a tal grado de marcar la pauta. Se creó una nueva estética. El estilo de la Bauhaus se caracteriza por la ausencia de ornamentación incluso en las fachadas, así como por la armonía entre función y forma. Con su tipología de edificios rectangulares de concreto y cristal se intensificó la funcionalidad y la nueva

estética en la exposición de materiales básicos. Esta nueva propuesta sigue hoy vigente en cuanto a conceptos de jerarquías, modulaciones y proporciones. Asimismo, la Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la creación de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo: Heinrich von Eckardt”. Hoy en día hemos aprendido a vivir con el diseño alrededor. Dejó de sorprendernos que una cosa responda a una función, pero también a una estética de manera simultánea, Ya no es raro que un objeto tenga diseño sino por lo contrario… que no lo tenga. @GeVeArq @germanvelascoespinosa german@velascoarquitectos.com

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ESCUELA DE LA BAUHAUS WA LT E R G R O P I U S , H A N N ES M E Y E R Y LUDWIG MIES VAN DER ROHE

¿Quiénes son los pilares de la escuela de diseño, arte y arquitectura más importante desde principios hasta mediados del siglo xx? Texto Cristina Cruz Ilustración Guillermo Prestegui

WALTER GROPIUS Arquitecto, diseñador y urbanista, Gropius es conocido por haber fundado la Escuela de la Bauhaus (Staatliches Bauhaus) y haber sido un gran precursor del racionalismo. Proveniente de una familia de arquitectos, Walter eligió el mismo camino colaborando con Peter Behrens en sus comienzos. Perteneció al movimiento Deutscher Werkbund —una asociación de arquitectos, artistas y diseñadores— que apelaba por la integración de los oficios y la producción industrial con el objetivo de colocar a Alemania como potencia mundial en tiempos de posguerra. Con Walter Gropius al frente de la escuela ubicada en Weimar, se impulsó la enseñanza mediante centros de asesoramientos y talleres donde trabajarían un material base como Muebles donde Gropius impartía clase. El edificio de la Bauhaus en Dessau (1925-1932), fue un proyecto con visión a las necesidades educativas en el campo creativo. Su obra se caracterizó por fachadas lisas y acristaladas, estructuras metálicas y formas ortogonales convirtiéndose en precursor de la arquitectura moderna con edificaciones como la Fabrica Fagus y la Casa Sommerfeld en Berlín. Tras dejar la dirección de la escuela a causa del partido nazi, se traslada a Inglaterra y posteriormente a Estados Unidos donde fundó un equipo de trabajo con jóvenes arquitectos denominados The Architects Collaborative Inc. Realiza obras durante este periodo como el Graduate Center en la Universidad de Harvard y el Pan Am Airways Building en Nueva York; fallece en 1969 a la edad de 86 años.

“Queremos crear una construcción puramente orgánica, emanando valientemente de sus propias leyes, libre de falsedades y ornamentación”.

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H AN N ES ME YE R Arquitecto y urbanista suizo, director de la Bauhaus durante dos años cuando se trasladó a Dessau y a la renuncia de Gropius. Bajo su dirección se instala un nuevo departamento de arquitectura y en 1930 es destituido por Mies van der Rohe a causa de cuestiones políticas. También defensor del racionalismo, realiza obras en colaboración con Hans Witter como la Escuela Federal ADGB en Bernau (1928-1930) y el edificio Erweiterung der Siedlung en Dessau; dedicándose principalmente a proyectar vivienda residencial. Se traslada a Moscú donde fue profesor en la Escuela Superior de Arquitectura Wasi. Llega a México por invitación de Lázaro Cárdenas como profesor de planificación y urbanismo en la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del IPN y realizó la planificación urbana de Tlanepantla, entro otros proyectos. Su postura ante la arquitectura moderna se caracterizó por mirar hacia las necesidades de las personas que habitan los espacios edificados negando el factor estético en la disciplina y reemplazándolo por un proceso lógico y racional. Dejando atrás el valor artístico y creativo en la arquitectura, Meyer enfatizaba —en su manifiesto “La construcción es un proceso biológico”—, el término ‘NeueSachlichkeit’ (Nueva objetividad) donde la funcionalidad y la producción industrial tomaban protagonismo.

“Construir es sólo organización: organización social, técnica, económica, psicológica.”

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LUD W I G MI ES VA N D E R R O H E Uno de los grandes arquitectos y diseñadores más influyentes del siglo XX junto con Le Corbusier, Walter Gropius y Frank Lloyd Wright. Comenzó en el taller de piedra con su padre y más adelante colaboró en los estudios de Bruno Paul y Peter Behrens. Influido en sus inicios por la arquitectura neoclásica, se enfoca posteriormente a movimientos de vanguardia —como Novembergruppe y De Stijl— influido por su estancia en los Países Bajos. Con crecientes encargos oficiales, realiza un complejo de vivienda para la Exposición de Stuttgart en 1927 denominado Weissenhof Siedlung, en colaboración con otros arquitectos. Dos años después, Mies fue encomendado para diseñar el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, una obra caracterizada por su concepto de planta libre, continuidad y fluidez de espacios; con materiales como vidrio, acero y diferentes tipos de mármol que aportaron un nuevo carácter estético. El mobiliario también fue diseñado por Mies, donde crearía una de las piezas icono del diseño, la Silla Barcelona; rediseñada en 1950, con perfil tubular de acero inoxidable, como una de las aportaciones de la Escuela Bauhaus donde Mies van der Rohe fungió como director en 1930. Entre su trabajo —después de dejar Alemania— se encuentra el rascacielos Seagan Building en Nueva York (1958-1959), la Neue Nationalgalerie de Berlín (1962-1968) y las oficinas de Bacardí (1957-1961) en Tultitlán, Ciudad de México; este único registro de su obra en nuestro país con el sello característico del arquitecto, provisto de vidrio, acero y travertino. Muere en Chicago a la edad de 83 años.

"La arquitectura es la voluntad de la época traducida a espacio".

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CASA DE SUIZA DELLEKAMP ARQUITECTOS MÉXICO-SUIZA Si vas caminado por Paseo de la Reforma y, de repente, te topas con una estructura de madera. Satisface tu curiosidad y disfruta de un espacio de diálogo, intercambio y convivencia, que celebra las relaciones diplomáticas México-Suiza. Texto Redacción Fotos Cortesía

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uiza es reconocida por sus extraordinarios arquitectos. La relación existente entre valores típicos del país de Europa central, como la precisión e innovación, combinados con las excelentes oportunidades de formación profesional ha posibilitado convertir a numerosos talentos creativos suizos en referentes internacionales. Uno de los personajes clave en el desarrollo de la teoría y la práctica arquitectónica, desde los años veinte del siglo pasado hasta la actualidad, ha sido Charles Édouard Jeanneret-Gris (1887-1965) conocido como Le Corbusier, quien es considerado como uno de los padres fundadores de la arquitectura moderna. Su obra ingresó a la lista del patrimonio de la humanidad por la UNESCO en 2016. De igual modo, entre los ejemplos de la influencia de la arquitectura suiza que se pueden mencionar en la región latinoamericana, destacan los arquitectos mexicanos Luis Barragán, Mario Pani y Juan O’Gorman. Esta vez, y para cerrar con broche de oro las actividades organizadas en torno al 70 aniversario de las relaciones diplomáticas México-Suiza (que

abrieron con la visita del consejero federal Didier Burkhalter en mayo de 2015), el despacho mexicanosuizo Dellekamp Arquitectos ha diseñado el pabellón Casa de Suiza, ubicada en el Bosque de Chapultepec, entre la banqueta del Paseo de la Reforma y el Museo Rufino Tamayo. Se trata de una estructura modular de 571 m 2 , distribuidos en dos plantas hechas de madera certificada respetuosa del medio ambiente, la cual se adapta a la configuración del espacio de recepción. El principio rector de este pabellón es el de sostenibilidad, lo que también se refleja a través de su sistema integrado de purificación del agua. Casa de Suiza permanecerá abierta del 27 de octubre al 4 de diciembre próximo, y ahí, la gente tendrá la oportunidad de acercarse a diferentes temáticas asociadas con la Confederación Helvética a través de eventos, como degustaciones, artículos swiss made y las exposiciones: Grandes suizos en México, democracia y educación; Riesgos y seguros; Sustentabilidad y alta tecnología, y Nutrición y bienestar, entre otras.

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CA R LOS ALON S O H O R AS E N C U E N TA R E G R E S I VA

Pronto las manecillas marcarán la hora exacta para que el Salón Internacional de la Alta Relojería (SIAR) abra sus puertas. Maquinarias de movimientos de gran complicación y exquisito diseño artesanal nutren el mundo de la haute horlogerie. Entrevista Martha Lydia Anaya Retrato José Margaleff

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as horas van en cuenta regresiva para que dé inicio el Salón Internacional de la Alta Relojería (18-20 oct.) en el hotel St. Regis de la ciudad de México. Lo que empezó como una modesta iniciativa y quizá poco creíble para algunos, hoy se ha convertido en un escaparate de gran impacto y prestigio tanto para fabricantes como para artesanos y nuevos talentos que aportan ideas frescas a la complicada maquinaria que se mueve detrás del mundo de los minutos y las horas. En una amena charla con Carlos Alonso, director general de SIAR, nos comparte que en esta, que será la décima edición del Salón, se concilian todos los ingredientes de madurez y utilidad necesarios: es un evento digno representante en una región emergente, que está destinado a medios y audiencias con notable nivel de conocimiento y que, sin duda, se ha consolidado como una plataforma idónea de desarrollo para un sector que todavía debate su eficiencia entre la artesanía tradicional y la era digital. “No hay mayor satisfacción que comprobar cómo las decenas de factores con los que hay que lidiar durante 365 días se alinean de forma propicia para finalmente convertirse en una experiencia única de tres intensos días. Curiosamente este año llegamos a un punto importante en la organización, pues cumplimos 10 años y el contexto global en el que nos estamos moviendo no es del todo favorable. Estoy muy expectante por ver que pasará. Por una parte, estoy convencido de que será una llamada de éxito, en la que participarán hasta 40 marcas de relojes de alto prestigio; pero por otra, sé que la dinámica comercial del mundo relojero va bastante lenta, con cifras de ventas trastocadas por factores de desaceleración económica en muchos países”.

Tourbillon Saphir Bell&Ross

Aerogot Bell&Ross

Aun así, los puntos medulares que Carlos ha notado en el desarrollo y evolución del SIAR durante esta primera década se resumen en que: a principios de los años 2000, los mexicanos con alto poder adquisitivo y un gusto marcado por los relojes de haute horlogerie se preocupaban más por viajar alrededor del mundo para buscar esas piezas que cumplieran con sus expectativas. Luego de la apertura comercial, ese timing ha cambiado. “Lo bueno siempre se lo compraban en Estados Unidos, pero ahora es posible encontrar guardatiempos de manufactura de gran complicación y exquisito valor artesanal en reconocidas joyerías de las ciudades más importantes del país”. Esto generó un boom en el mercado y las marcas comenzaron a conocer mejor a sus audiencias finales, para quienes organizaban eventos ‘a la carta’, exclusivos y privados, en los que les presentaban piezas únicas o de colección. “Se trataba de fiestas divinas, en palacios espectaculares, con degustaciones de platillos gourmet y a los que asistían los presidentes de las grandes marcas”, cuenta el director general del SIAR. Fue en ese contexto en que el SIAR se materializó y cumplió con las expectativas de ser un salón de alto prestigio. “Un timing idóneo que ha dado pauta para que el sector vaya aprendiendo del SIAR y viceversa”, enfatiza Carlos. Al principio fue mucho de formación y de ir creando un mercado. Todo estaba muy revuelto en el sentido de que marcas, fabricantes, joyeros, artesanos y público en general convivían en un mismo espacio, y no siempre sus intereses coincidían. Hoy, SIAR es un evento maduro y al que acude gente conocedora del lenguaje relojero, tanto en la parte técnica como en la calidad del diseño de cada pieza y sus creadores. www.salonaltarelojeria.com

C H R ISTOP H KOR NER EL TAL E N TO D E RO MPER CO N F R O N T E R AS I N A MOVI BLES

La arquitectura puede cambiar al mundo, pues lo enriquece con espacios agradables y lugares inspiradores, capaces de hacer que las personas experimenten emociones y sentimientos nuevos. Entrevista Greta Arcila Texto Cecilia Avila Retrato Juan MartĂn del Campo J.

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l arquitecto Christoph Korner, quien estará de visita en México para participar en DWM (5-9 oct.) como conferencista del simposio Creativity & Change, dirige el equipo de GRAFT (Laboratorio de Arquitectura de origen alemán) desde su oficina afincada en la ciudad de Los Àngeles, California. La cultura mexicana no le es ajena porque ya ha estado en nuestro país y porque se ha involucrado con su folklore e idiosincrasia desde diferentes áreas. “Conozco la arquitectura mexicana, sobre todo me ha llamado la atención la mezcla que hay entre la arquitectura moderna y los edificios muy tradicionales. También he disfrutado mucho de su gastronomía y de la cultura vinícola, pues hace unos meses estuve en Baja California, donde también tuve oportunidad de conocer a los arquitectos y diseñadores de Ensenada”, platica Christoph, quien además está muy contento y emocionado de volver a México durante DWM, el evento de diseño más esperado para la comunidad creativa. “Me encanta la idea de que haya una semana dedicada al diseño de todo tipo, y durante la cual se van a reunir los arquitectos, interioristas y creativos para presentar sus diferentes trabajos y visiones del mundo. Donde lo mismo puedes encontrar lo clásico que lo contemporáneo o una mezcla de ambos y, además también vas a encontrar todo tipo de muebles, libros y objetos”, añade. Durante su estancia en México, Christoph quiere conocer el Museo Anahuacalli, pues nunca ha tenido oportunidad de visitarlo y ha visto fotos que lo han dejado impresionado. También quiere visitar las pequeñas galerías de arte que hay en la Ciudad para conocer las propuestas más nuevas del arte mexicano. Para él, la arquitectura puede cambiar al mundo y entre sus objetivos está hacer de este mundo un lugar más rico, no solo en el sentido financiero sino de enriquecerlo a través de diversas experiencias y anécdotas. “Cuando digo que la arquitectura puede enriquecer al mundo, no me refiero a que las personas tengan más dinero, sino a que

Old Mill Hotel Belgrade ©Tobias Hein

accedan a espacios más agradables que los hagan experimentar emociones y sentimientos nuevos. Lugares inspiradores, no importa que sean solo un lugar donde ‘te puedas lavar las manos’, nuestro objetivo es que ahí, en ese sitio, la gente viva una experiencia placentera, eso es muy importante para nosotros. Crear experiencias agradables para todos nuestros clientes de la forma más simple posible”. Alemania es el país invitado de la octava edición de DWM y Christoph considera que los diseñadores mexicanos pueden aprender mucho de los alemanes durante este evento, y viceversa. “Me parece sobre todo que los mexicanos pueden aprender cómo hacen los jóvenes diseñadores alemanes para expandir sus productos a nivel internacional, algo que siento que hace falta en México”, concluye el director general de GRAFT, laboratorio de arquitectos de origen alemán, que tiene oficinas en Berlín, Beijing y Los Ángeles. www.graftlab.com

Apassionata Park Munich

Ó S CA R H AG E R M AN DISEÑO COOPERATIVO

Desde que estaba en la Universidad, a Óscar le interesó el diseño de muebles, la relación del mueble con el cuerpo humano, en sus palabras: “sentía que los muebles eran parte muy importante del interior de la arquitectura” Entrevista Itayedzin Aragón Retrato José Margaleff

n un día de trabajo, Óscar nos recibió en su estudio, donde tuvimos una charla tranquila e inspiradora, rodeados de sus sillas, en escala 1:1 y en múltiples modelos de trabajo pequeños, pero con un gran conocimiento trazado en cada línea.

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El arquitecto de origen español lo mismo ha diseñado mobiliario que edificado casas y escuelas en México, especialmente para comunidades rurales y cooperativas sociales. Es profesor en el Centro de Investigaciones de Diseño Industrial en la UNAM, además de colaborar constantemente para la Universidad Iberoamericana, el Centro de Estudios para el Desarrollo Rural, la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, en la facultad del Hábitat, entre otras instituciones. Luego de salir de la Universidad, Óscar comenzó a trabajar con la Cooperativa Artesanal Don Emiliano, en Ciudad Nezahualcóyotl, donde hizo una línea de muebles para el hogar y el diseño de la silla Arrullo, inspirada en una silla popular, “yo creo que por eso tuvo tanta aceptación y regresó al pueblo, la venden en carreteras, mercados y esquinas. La Cooperativa fue mi escuela, con ellos aprendí a diseñar muebles. En eso estoy todavía.” A Óscar le interesan las técnicas, tanto las de producción industrial como la artesanal. Hoy en día trabaja más con artesanos, asombrado de sus capacidades y sus conocimientos. “Me gusta verlos trabajar las maderas y tejer un asiento o un respaldo con tule o palma, de ellos he aprendido muchas cosas que conozco hoy. Pero, también me gusta ver cómo trabaja una máquina CNC y la precisión de sus cortes”. Le preguntamos cómo decide hacia qué tipo de proyecto acercarse, ya que ha creado una red entre artesanos de diferentes lugares del país: “Me gusta trabajar con las personas, aprender de ellas, me gusta que usen mis diseños y se sientan cómodos, que les guste sentarse en mis sillas. A estas alturas de mi vida trato de hacer el trabajo que más me gusta”.

En los últimos años el diseño en México se ha vuelto importante y Óscar ha visto su ascenso, para él los eventos que se realizan anualmente en nuestro país sirven para dar difusión y sobre todo para abrir oportunidades. A los diseñadores de nuestros tiempos les deja un mensaje a través de sus clases porque para él, “enseñar es una manera de permanecer, cuando uno deje de trabajar los jóvenes que aprendieron de ti seguirán haciendo diseños, un poco apoyándose en lo que aprendieron de tus clases, así como nosotros hicimos diseños apoyándonos en lo que aprendimos de nuestros maestros”. En general, Óscar percibe al diseño como un servicio a la comunidad ya que el punto de partida de todo diseño es el usuario, para él se deben considerar no sólo las necesidades físicas sino las necesidades emocionales en el diseño. “Yo creo que el diseño, así como todas las profesiones y trabajos deberían de ser para servir a los demás, para contribuir a mejorar, poco a poco, la vida de las personas de nuestro planeta, siempre en mis trabajos de arquitectura y diseño pienso en esto”.

www.oscarhagerman.wordpress.com Canto Furniture

Sillas colibrí de descanso, hechas con madera de Ayacahuite y Tzalam

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JE N N I F E R D UN LOP F LE TC HER

LA CREATIVIDAD Y EL CAMBIO La especialista en Curaduría de Arte Contemporáneo se confiesa emocionada de participar en DWM y compartir con diseñadores, arquitectos e interioristas mexicanos su expertise en temas, como realidad virtual y realidad aumentada. Entrevista Greta Arcila Texto Cecilia Avila Fotografía Cortesía Retrato Katherine Dutiel, SFMOMA

ennifer Dunlop Fletcher es Jefa del Departamento de Diseño y Arquitectura del Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA, por sus siglas en inglés) en California, Estados Unidos y, en ocasión de Design Week Mexico (DWM, 5-9 oct.), está de visita en nuestro país como una de las conferencistas del simposio ‘Creativty & Change’. Glocal Design Magazine platicó con ella acerca de su participación en este evento y sobre su opinión acerca del diseño en México. En lo que será su primera visita a tierra azteca, Jennifer quiere conocer y ponerse al tanto de lo que sucede en la Ciudad en cuanto a diseño contemporáneo. “DWM me parece una excelente oportunidad para conocer a los artistas y diseñadores contemporáneos y para ponerme al tanto de lo que sucede en general con el arte en este momento. Conocer a los nuevos grupos y saber qué es lo que están compartiendo, familiarizarme con la escuela emergente y saber de los proyectos que tienen en puerta”, comenta. Egresada de la Universidad de Nueva York y con estudios de Maestría en el Bard College y la Universidad de Harvard, la especialista en Curaduría de Arte Contemporáneo dictará una conferencia durante el simposio que se realizará en el marco de DWM, donde abordará el tema: La creatividad y el cambio.

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Alexander Calder‘s, sin título ,1963

Expansión del nuevo SFMOMA; 2016

“Todos los artistas desarrollan su obra en un contexto social y político específico, se ven influidos por estos temas y algunas de sus propuestas artísticas son críticas, nos alertan de las áreas en las que debe haber un cambio. Creo que ellos, a través de su obra, nos hacen sugerencias para realizar cambios a nivel social y generan conocimiento nuevo acerca de nuestra sociedad”, explica la curadora, quien percibe a los arquitectos y diseñadores como artistas, críticos sociales y no únicamente como decoradores urbanos. Durante su participación en DWM, Jennifer también compartirá con el público mexicano su experiencia como Jefa del Área de Arquitectura y Diseño del SFMoMA y hablará sobre algunas de las exposiciones que recientemente se han realizado en este recinto, como la del arquitecto Lebbeus Woods. Está lista y mucho más que entusiasmada para intercambiar opiniones, experiencias y anécdotas con los mexicanos. Localizado muy cerca del Sillicon Valley, una de las principales zonas donde se realiza investigación en el área de la tecnología, el SFMoMA está a la vanguardia en cuanto a la manera en que acerca a sus visitantes al Museo por medio de la tecnología. “En todo Estados Unidos, la investigación y el desarrollo tecnológico es muy fuerte, pero especialmente en el SFMoMA estamos haciendo una investigación sobre cómo podemos aprovechar este conocimiento para mejorar la presentación e interrelación de nuestras colecciones de arte y exhibiciones con las audiencias que día a día nos visitan. Cómo podemos exhibir mejor nuestras colecciones de arte a través del uso de la tecnología y del software de las computadoras”, explica Jennifer, para quien una de las principales áreas de investigación en el rubro de museos es la realidad virtual y el uso de la tercera dimensión. “Sillicon Valley está a la vanguardia de la investigación en realidad virtual y realidad aumentada. Están poniendo énfasis en cómo desarrollarla y en el uso que le están dando a estos dos nuevos conceptos los diseñadores”, agrega la experta, quien piensa que el siglo xxi es aún muy joven y los investigadores apenas están tratando de ver hacia dónde se dirigen los cambios. Para Jennifer, es muy excitante tener la posibilidad de intercambiar puntos de vista acerca del diseño y la arquitectura contemporáneos con colegas de todo el mundo; de ahí, que le haya emocionado mucho saber que vendría a México a participar en DWM.

Jennifer Dunlop

www.sfmoma.org

Retrato Carlos Madrid FofotgrafĂas Pedro Hiriart, Jorge del Olmo

homenaje

“Gracias por escuchar este relato de cómo aprender el oficio de vivir…” nos dijo don Teodoro al terminar su discurso esa noche del 20 de agosto de 2015 en el Museo Franz Mayer cuando Glocal Design Magazine honró su trayectoria. Hoy, nosotros le agradecemos por compartir sus anécdotas, expertise, talento y tiempo de vida. Rememoramos sus palabras en homenaje póstumo.

ago arquitectura, pienso en arquitectura, todos los días desde hace 70 años: para mí no es un oficio, es mi forma de vida que me conecta con la ciudad, con las ciudades que son arquitectura colectiva que se hace en el tiempo y es el tiempo que hace y deshace las ciudades. La arquitectura me conecta con la escultura, con la pintura y con la música. Me hace viajar, me obliga a conocer los edificios del pasado y las obras actuales del tema que me han encomendado. Una forma de vida que me conduce a visitar las exhibiciones en museos y galerías de las ciudades que visito. Sé que la arquitectura se nutre de las artes plásticas, de la música y, tal vez, de la literatura, pero ignoro cómo ésto sucede. ¿Será un proceso subconsciente dentro de nuestro cerebro?... Desde los once años descubrí la música y la pintura, fueron mis pasiones juveniles, junto a las excursiones y la natación, la cual sigo practicando todos los días. Desde hace 75 años dibujo con la mano los esbozos de mis pinturas, ensamblajes, esculturas y los de todos mis edificios. Creo que el dibujo es el instrumento que descifra la complejidad de una pintura y el misterio espacial de la escultura y la arquitectura. Me apasionan las medidas, los números y sus relaciones misteriosas, las proporciones que forman las tramas invisibles que arman mis composiciones plásticas y las organizaciones espaciales de mis edificios. También aprendí que las proporciones son metafísicas, no se pueden comprobar; las sigo utilizando como satisfacción personal de encontrar que una versión —entre miles de variantes posibles— se ajusta a los números y las cierra.

Remodelacion del Auditorio Nacional, CDMX (1989), En colaboración con el arquitecto Abraham Zabludovsky

homenaje

Museo universitario Arte Contemporáneo, CDMX (2006-2008)

Es con la lectura que he ido aprendiendo a conocer a los otros, mujeres y hombres y, poco a poco, a mí mismo. No creo en el psicoanálisis (tampoco lo desprecio). Me apasiona la historia, leo mucha ciencia que nos habla de nuestra soledad abismal en un universo cada vez más grande y del otro universo insondable, de lo más pequeño, de la materia de que estamos construidos y del misterio de la consciencia de nuestro cerebro. La narración, la literatura, que como arte retrata a nuestros semejantes de manera profunda y directa, nos asombra y nos emociona. Nunca sabremos si todo ese conocimiento nos ayuda a hacer mejores edificios, pero sí siento que me conozco más. Pienso que todo tiempo pasado nunca fue mejor, en ninguna época. Creo en el presente, que es cada vez más complejo, más intenso para mí. No pienso en el futuro que es impredecible —a corto y a largo plazo— porque es resultado de millones de voluntades disímbolas. Sólo lo podemos enfrentar con el conocimiento profundo del pasado de todas las áreas en que trabajamos. Yo nunca he podido elegir mis obras, es la sociedad, los clientes que me las encomiendan, directamente o a través de

la fortuna de ganar un concurso. Desarrollo mis proyectos y mis obras, junto con mis clientes. A veces éstos piensan “con ideas arquitectónicas” que acepto y celebro; otras, a la inversa, les hago cambiar el programa. Es una tarea difícil, rasposa, y dura el tiempo de la obra. Por eso digo que el cliente es también autor del proyecto. La arquitectura se realiza en equipo. Un equipo que se va formando en el tiempo y, para mí, nunca mayor de 25 personas. Es el tamaño que me permite participar a fondo, con todo detalle, en los proyectos que se desarrollan simultáneamente, y gracias a un núcleo de colaboradores que se han hecho paralelamente a mi experiencia, que tienen que estar al día aprendiendo nuevos sistemas de representación que los obligan a nuevos entrenamientos y requieren de cambios constantes de los equipos electrónicos. Vamos al día. Mi tarea diaria de revisión de dibujos en pantallas, se ha complicado. Pero yo sigo entregando dibujos a mano para su interpretación electrónica.

“La materia es la sustancia de todas las cosas, es sensible, es el momento… es ‘algo’ que recibe el cambio sin dejar de ser ella misma, puede transformarse en muchas cosas, pero en esencia es lo mismo”, coinciden Lisa y Gustavo, arquitectos fundadores del despacho Materia. Entrevista Greta Arcila Texto Cecilia Avila Retratos Gabriel González Fotografías Cortesía de Materia

enfoque

Para Materia es esencial mantener una relación estrecha con sus clientes, pues son los que le dan sentido a su quehacer como arquitectos. “El arquitecto tiene el privilegio de conectar profundamente con ellos”.

onstruir un proyecto profesional en pareja fue algo que se les dio de manera muy natural a Lisa Beltrán y Gustavo Carmona, jóvenes y emprendedores arquitectos que se conocieron en Arizona, California, cuando ambos realizaban sus estudios de Maestría en Arizona State University, ahí se gestó la idea de su despacho Materia que actualmente cuenta con diez años de experiencia en el mercado de la construcción en México. Glocal Design Magazine platicó con ellos para que nos relataran la historia de su empresa. Cuando Lisa, de origen puertorriqueño y Gustavo, mexicano, se conocieron en Arizona, comenzaron a trabajar juntos en los proyectos

que realizaban en la Universidad. “Siempre que me preguntan cómo le hacemos para trabajar juntos, les contesto que fue así como nos conocimos: trabajando”, dice Gustavo, quien recuerda que una vez que terminaron sus estudios de maestría, él y Lisa decidieron mudarse a San Francisco. Gustavo tuvo la oportunidad de trabajar en esa ciudad en un despacho de arquitectos de nombre Smith Group, en el que colaboró durante tres años. “Fue ahí cuando los dos nos cansamos un poco de la dinámica de trabajo y empezamos a sentirnos inquietos. Comenzamos a imaginar, en la cocina de nuestra casa, cómo sería tener nuestro propio despacho, cómo se iba a llamar

enfoque

“La sociedad respeta más el trabajo de los arquitectos. Cuando empecé a trabajar, los ingenieros eran los que ‘partían el queso’ y los que hacían todas las obras. Ahora, cada quien tiene su lugar”.

y hasta hicimos un logo que pegamos en la cocina”, relata Gustavo mientras Lisa trata de recordar a quién se le ocurrió primero la idea. “Hasta hoy, no sé quién fue el primero que tuvo la idea”, platica Lisa. Y los dos están de acuerdo en que fue un proceso en el que ambos estuvieron muy involucrados y muy de acuerdo desde un principio. Con esa idea en mente, la joven pareja se mudó a la Ciudad de México para iniciar su proyecto. Como todos los inicios, este tampoco fue sencillo. Uno de los primeros obstáculos con los que se encontraron fue con la recepción del nombre de su despacho: Materia. “Cuando le presentamos la idea a Ignacio Cadena no le gustó nada el nombre, pero ya después lo pensó mejor y vino a decirnos que no había mejor nombre para el proyecto”, dice Gustavo. Ya en México, este despacho empezó a trabajar con muy pocos recursos y con la ayuda de los padres de Gustavo con quienes planeaban quedarse a vivir un mes, pero se quedaron un año, con dos hijas pequeñas. Uno de sus primeros proyectos fue la ampliación de una casa. Para Gustavo, abrirse camino después de haber estado un tiempo fuera de su país fue bastante complicado, sobre todo porque en esta ciudad, la mayoría de las veces, los trabajos y proyectos se consiguen por recomendación de amigos y conocidos. “Nos dimos cuenta de que Gustavo es más social que yo y él fue el que tuvo que empezar a salir a ofrecer, antes que nada, su amistad y a ganarse la confianza de la gente”, dice Lisa. En esa primera parte del proyecto, Gustavo y Lisa hacían de todo. “Tienes que ser el maestro de la obra, el que paga la raya, el que va por los clavos y el director general”, dice el joven arquitecto y recuerda que en todos lados entregaba unas tarjetas de presentación muy fancy, en las que su nombre aparecía como Director de la empresa. En los momentos en que Gustavo dudaba, Lisa le daba ánimos para continuar. Y un buen día, la suerte empezó a cambiar. Una de esas tarjetas entregadas rindió frutos y un cliente los contactó para el diseño y la obra de una cadena de

Para nosotros, el detalle no es el ‘cachito chiquito’ del mueble de la esquina, es más una intención consciente en el quehacer de la arquitectura, puede ser todo el edificio. Es la conciencia lo que hace el detalle.

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tiendas en San Miguel de Allende e Irapuato, Guanajuato. “Le dije que sí al cliente sin conocer a nadie en Guanajuato. Me fui con un amigo y empezamos a buscar gente para trabajar en la obra. Preguntábamos en los centros comerciales, con los jefes de mantenimiento, teníamos que conseguir personal, sí o sí”, cuenta Gustavo. Más tarde, los proyectos continuaron gracias a las recomendaciones. Fue así como un día les encargaron un proyecto de rehabilitación de una casa antigua en Porto, Portugal. “En este caso no ganamos nada, pero aprendimos mucho. Viajamos mucho a Portugal, se trataba de una casa hermosa, de 300 años de antigüedad”, recuerda el creativo. Luego, Materia se abrió paso en otro rubro: el de la fabricación de corners para luxury stores de marcas como Burberry. “Los corners fueron un buen proyecto que nos daba para pagar las cuentas”, dice Gustavo. Para entonces, esta firma ya se había dado cuenta de que se fijaban mucho en el detalle, cualidad que les sirvió para conseguir uno de sus próximos clientes: nada más y nada menos que la firma de origen francés, Louis Vuitton.

A Gustavo le gusta mucho recordar la historia del día en que le dieron la noticia de que la marca Louis Vuitton sería uno de sus clientes. “Es una historia que me gusta mucho porque comienza cuando Lisa y yo estábamos en Arizona y, un día, uno de nuestros maestros nos llevó a Las Vegas a ver una exposición de Frank Gehry. Ahí nos tomaron una foto, afuera de la sucursal de Louis Vuitton, una de esas tiendas que por entonces solo veíamos por fuera”. Años más tarde, este joven arquitecto recibió la noticia de que la firma francesa sería su cliente justo afuera de esa misma tienda. Trabajar con el equipo de Louis Vuitton fue una experiencia muy gratificante para la firma, de la que aprendieron mucho y donde reforzaron algunos de sus valores como la pasión por el detalle. A partir de ese momento, comenzaron a fabricar tanto accesorios para baño como muebles, pues lo que había en el mercado no los convencía. “Nos dimos cuenta de que para nosotros el detalle no es el ‘cachito chiquito’ del mueble de la esquina; el detalle es más una intención consciente en el quehacer de la arquitectura, puede ser

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todo el edificio, es la conciencia lo que hace el detalle”, dice Gustavo. Agrega que Materia se ha caracterizado siempre por crear atmósferas y ofrecer experiencias a todos sus clientes. Para la firma es esencial mantener una relación estrecha con ellos, pues son los que le dan sentido a su quehacer como arquitectos. “El arquitecto tiene el privilegio de conectar profundamente con su cliente”. Con el paso del tiempo, el nombre del despacho tiene más sentido y más significados para sus fundadores. “La materia es la sustancia de todas las cosas, es sensible, es el momento. Nos gusta mucho jugar con la luz es el material que no pesa, el que te regalan, el que es gratis, el que hace que todo tenga sentido. Y también existe materia natural que usamos como el metal, la arcilla, la madera. La transformas, haces un lugar con ella y eso me emociona mucho”, dice Gustavo mientras que para Lisa, “la materia es ‘algo’ que recibe el cambio sin dejar de ser ella misma, puede transformarse en muchas cosas, pero en esencia es lo mismo”, y de estas definiciones se deriva gran parte de su filosofía. Actualmente, Materia se ha consolidado como una firma de arquitectos joven que se ha desempeñado en diferentes tipos de construcción como casas habitación y de playa, hoteles de lujo, boutiques, etc. Y en diferentes países como Barbados, Aruba, Colombia, Panamá, Chile y Puerto Rico, entre otros “No nos gusta que nos digan que tenemos un estilo específico. Nos gusta hacer de todo y aprender de cada uno de nuestros proyectos. Cada uno de ellos es diferente, cada uno tiene sus características especiales y, sobre todo, el sello personal de nuestros clientes”, finaliza Gustavo. www.materiarq.com

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PREMIO NOLDI SCHRECK

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TERCERA EDICIÓN CELEBRACIÓN DE LOS PROYECTOS DESTACADOS EN LAS DIEZ CATEGORÍAS DE ARQUITECTURA E INTERIORISMO EN MÉXICO. Texto Cristina Cruz

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GANADORES Y FINALISTAS PREMIO NOLDI SCHRECK 2016 ARQUITECTURA CORPORATIVA Torre Reforma | L. Benjamín Romano Arquitectos Pabellón PLATAH | a|911 + AECOM Reforma Latino | Landa Arquitectos

on la oportunidad de conocer los proyectos realizados en México y celebrar la calidad y talento de los profesionales en nuestro país, Glocal Design Magazine se complace en presentar la tercera edición del Premio Noldi Schreck. En esta ocasión, las categorías participantes fueron: Arquitectura Residencial, Interiorismo Residencial, Arquitectura Corporativa, Interiorismo Corporativo, Hotel Gran Turismo, Hotel Boutique, Arquitectura Institucional, Arquitectura Efímera, Restaurant & Bar y Stand. Con una recepción de más de 250 proyectos, casi el doble que la edición pasada, la convocatoria se vislumbró competida, sobre todo en las categorías de Arquitectura Residencial, Interiorismo Residencial e Interiorismo Corporativo. El jurado estuvo integrado por Beata Nowicka, Ariel Rojo, Juan Manuel Lemus, Armando Carranco, Homero Hernández, Carlos Coronel, Carlos Pascal y Rodrigo Fernández; quienes decidieron otorgar —además de las diez categorías participantes, entre ellas un empate— un premio del jurado a un proyecto que destacó por su propuesta innovadora entre los participantes. Personajes y profesionales de la arquitectura se dieron cita en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), luego de cinco meses de convocatoria, la cual culminó con la premiación de proyectos con gran madurez arquitectónica y el homenaje, a la trayectoria de un personaje que ha contribuido en la arquitectura nacional, el arquitecto Francisco Serrano. Entusiasmados por llevar a cabo muchas ediciones más, el Premio Noldi Schreck está en camino de posicionarse como un concurso de gran convocatoria y reconocimiento. Agradecemos a Kohler, Masisa, DanPal, Monólogo y ExpoCihac por ser parte de esta celebración y por supuesto, un agradecimiento a todos los que participaron y fueron parte del Premio Noldi Schreck 2016, los esperamos en la próxima edición.

ARQUITECTURA EFÍMERA Pabellón Tamayo | C Cúbica Arquitectos + Palomba Serafini Associati Cámara de Duración | Materia Estructuras Comunicantes | Anónima Arquitectura ARQUITECTURA INSTITUCIONAL Salas de Lectura | Fernanda Canales Arquitectura ARQUITECTURA RESIDENCIAL Casa 4.1.4 | AS/D Asociación de Diseño Casa Oliva | ZD+A + Yuri Zagorin Casa Tlaui | Taller Arquitectura Capital HOTEL BOUTIQUE Casa Fayette | Estudio5 + Dimorestudio Hotel Dos Casas | Germán Velasco Arquitectos Hotel Mi Amor | Muro Rojo Arquitectura + Studio Arquitectos HOTEL GRAN TURISMO Grand Hyatt Playa del Carmen | Sordo Madaleno Arquitectos Thompson Down Town | Niz + Chauvet Arquitectos W Punta de Mita | ASET/AOMA + Mister Important Design INTERIORISMO CORPORATIVO Steelcase Worklife México | a|911 + Steelcase Design WRK | Weber Arquitectos Oficinas Prado Norte | Arroyo Solís Agraz EA Games | KMD Architects México Latam Autos | A-001 Taller de Arquitectura Oficinas Paseo Castelar | Hansi Arquitectura INTERIORISMO RESIDENCIAL Casa Cinco | Weber Arquitectos Casa Desnuda | Taller Estilo Arquitectura Departamento Palmeras | AWP Architectural Workshop and Partners Casa Cinco Patios | Almazán y Arquitectos Asociados RESTAURANT & BAR Aromas | Habitación 116 + Pasquinel Studio + Central de Arquitectura Tierra Garat | Esrawe Studio Merci | Materia Arquitectura Xaman Bar | Estudio Atemporal STAND Bidasem | Shine Architecture

*Fe de erratas: Durante el evento de premiación del Premio Noldi Schreck, no se mencionó al despacho Alamazán y Arquitectos Asociados como finalista en la categoría de Interiorismo Residencial con el proyecto Casa Cinco Patios, nos disculpamos ante la omisión.

PREMIO DEL JURADO Ensayo Nº 4 | MANADA + Katerina Alatzia

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ARQUITECTURA CORPORATIVA

LBR&A ARQUITECTOS

TORRE REFORMA 1ER LUGAR Fotografía L. Benjamín Romano Arquitectos Año 2016 Ubicación Ciudad de México

istinguido por su forma triangular, el edificio de 57 pisos se organiza en 14 clústers de 4 pisos cada uno, compuesto por dos muros de concreto aparente de 246 metros de altura haciendo a la Torre Reforma, la más alta de la Ciudad de México. Los muros están empotrados a 60 metros bajo el nivel del suelo originando nueve sótanos de estacionamiento y cimiento a la torre; su complejo proceso de construcción e ingeniería está diseñado para soportar un sismo de 8.5 grados en la escala de Richter. “El programa arquitectónico contempló la rehabilitación —aprobada por el INBA— de una casona histórica integrándola al vestíbulo principal donde tuvo que ser desplazada 18 metros para cimentar el terreno y proceder con la construcción donde se disfruta el trato con los trabajadores y el proceso de obra”, dice el arquitecto Benjamín Romano.

Incluye jardines interiores —que mejoran el ambiente en las oficinas—, áreas para instalaciones deportivas, restaurantes y bares, espacios abiertos, terrazas y un auditorio con vista panorámica al Bosque de Chapultepec. La tercera fachada tiene tensores metálicos y paneles de cristal, que permite espacios libres de columnas y reducción en el consumo de energía dentro de la torre. El edificio es acreedor a la pre-certificación LEED Platino (Leadership in Energy and Environmental Desing) por la U.S. Green Building Council.

www.lbrarquitectos.com

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Torre Reforma es un edificio único en América Latina porque genera espacios dinámicos y abiertos.

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ARQUITECTURA EFÍMERA

C CÚBICA ARQUITECTOS + PALOMBA SERAFINI ASSOCIATI PABELLÓN TAMAYO 1ER LUGAR Fotografía Víctor Benítez, Agustín Garza y René Enríquez Año 2015 Ubicación Ciudad de México

resentado durante Design Week México 2015, el Pabellón Tamayo se integró y unificó al Museo como un proyecto multidisciplinario, ubicado en el jardín posterior del recinto. Es una instalación de estructura rectangular, formada por la continuación de líneas en tres planos; dicho prisma, se intersecta en el área principal del edificio sobre el talud conformado por diferentes espacios. “El volumen de acero que conformaba el cuerpo principal de la instalación fue pensado para contrastar con el carácter brutalista del museo. Al ser una estructura efímera se buscó que todos los materiales pudieran ser reutilizados tras su desmantelamiento”, comenta el arquitecto Israel Ruiz. La escalinata de acceso es un foro multiusos que alberga una ‘cocina experimental’ y un huerto para fomentar una conciencia sobre el consumo sustentable en entornos urbanos. Ya que se conectan los jardines del Museo y la azotea, el entorno se transforma en un espacio público apto para actividades y visitas que fomentan una nueva convivencia en el Museo. “Lo que más disfrutamos durante el proceso de diseño del Pabellón Tamayo fue el reto de intervenir un edificio tan icónico de la Ciudad de México, como lo es el Museo Tamayo. Además, también nos resultó sumamente enriquecedora la colaboración entre despachos, Palomba Serafini en Italia y C Cúbica en México”, dice el arquitecto Israel.

www.palombaseafini.com

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Una instalaciรณn de estructura rectangular que se ubica en el รกrea principal del Museo Rufino Tamayo.

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ARQUITECTURA INSTITUCIONAL

FERNANDA CANALES ARQUITECTURA SALAS DE LECTURA 1ER LUGAR Fotografía Jaime Navarro Año 2015 Ubicación Interior de la República

alas de Lectura es un proyecto que cubre la necesidad de servicios culturales y espacios de convivencia en algunas comunidades del interior de la República Mexicana. El prototipo es un módulo mínimo de 2.5 x 5 metros de crecimiento progresivo con la unión de más módulos en sentido vertical o planta. Dicho cubo funciona como un espacio de trabajo para talleres, eventos comunitarios o lectura, diseñado con un concepto de transparencia y ventilación cruzada natural. El objetivo es integrarse al espacio público, por lo que el módulo está abierto y visible desde el exterior además de contar con iluminación por las noches. “Es una oportunidad para aprender de los usuarios y del poder que tienen las comunidades cuando se aporta un espacio propio para que lo llenen de nuevos significados”, dice Fernanda Canales, arquitecta encargada del proyecto.

El proyecto conjunto estuvo a cargo del Instituto del Fondo Nacional de la Vivienda para los Trabajadores (Infonavit) y el aún Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de México (Conaculta), que realizó la donación de libros para cada unidad. Estas Salas de Lectura están ubicadas en los estados de Campeche, Nayarit, Oaxaca, Puebla y Quintana Roo, por mencionar algunos. Los materiales aparentes fueron seleccionados por su durabilidad y economía con facilidad de ejecución sin requerir mano de obra cualificada para su construcción; por eso, se adaptan a cualquier contexto y función. “Se han construido en más de 12 estados en el país y puede aparecer una nueva Sala de Lectura cualquier día y en cualquier parte. Los autores del proyecto serán en realidad las propias comunidades”, comenta Fernanda. www.fernandacanales.com

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Cubos que funcionan como un espacio de trabajo para talleres, eventos comunitarios o lectura, y que están diseñados bajo un concepto de transparencia y ventilación cruzada natural.

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ARQUITECTURA RESIDENCIAL

AS/D ASOCIACIÓN DE DISEÑO CASA 4.1.4 1ER LUGAR Fotografía Rafael Gamo Fassi Año 2014 Ubicación Jurica, Querétaro, México

oncebida en un juego de cuatro volúmenes, la residencia de descanso tiene una casa principal, tres suites independientes y una plaza central rodeados por cuatro patios, de ahí el origen del nombre. “Lo que buscamos fue crear una casa que, no teniendo un contexto exterior interesante, la misma arquitectura de dichos volúmenes dispersados alrededor de una plaza, pudiese crear un espacio propio junto con la vegetación propuesta”, comenta Paola Morales, socia y cofundadora de AS/D. La casa central de 155 m2 cuenta con la cocina, comedor, sala y recámara principal. Las suites en cambio, son cubos de 25 m2 que contienen una habitación, área de servicio, clóset y servibar para operar de manera independiente manteniendo la privacidad. “Desfragmentar el programa en volúmenes independientes, nos condujo a pensar en muchos detalles tanto programáticos como espaciales de cómo en realidad la casa fuera a ser habitada”, dice Paola. Todos los espacios generan una correspondencia entre la arquitectura y el paisaje, conservando vistas no obstruidas y una relación entre los espacios interiores y exteriores.

www.as-d.mx

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Todos los espacios generan una correspondencia entre la arquitectura y el paisaje, conservando vistas no obstruidas y una relaciรณn entre los espacios interiores y exteriores.

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HOTEL BOUTIQUE

ESTUDIO5 + DIMORESTUDIO CASA FAYETTE 1ER LUGAR Fotografía Undine Pröhl Año 2015 Ubicación Guadalajara, Jalisco

l diseño arquitectónico estuvo a cargo de Rodrigo Ramos de Estudio5 y Vanesa López, mientras que el diseño de interiores fue realizado por el despacho italiano Dimorestudio, en coordinación con Grupo Habita. El proyecto comprende una convivencia entre la historia y la contemporaneidad, integrando una arquitectura clásica —en una colonia fundada a principios del siglo xx— con una nueva propuesta. El hotel está concebido por dos construcciones: la primera, por la casa original restaurada conservando su diseño como aperturas arquitectónicas y accesos principales y, la segunda, es una nueva edificación de nueve niveles que se complementa con la casa. En el área restaurada se encuentra el lobby, un restaurante, bares, alberca, terraza y un salón de descanso, mientras que los niveles superiores contienen 37 habitaciones diferentes en ocho pisos y un spa en el noveno nivel. Las dos construcciones principales se unifican a través de un patio en la planta baja que se dispone para eventos y actividades del Hotel Fayette. www.e5.com.mx www.dimorestudio.eu

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Una casa de la Colonia Lafayette de principios del siglo xx se une a una torre contemporánea de nueva construcción, con 37 habitaciones y suites.

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HOTEL GRAN TURISMO

SORDO MADALENO ARQUITECTOS

GRAND HYATT PLAYA DEL CARMEN 1ER LUGAR Fotografía Paul Rivera Año 2015 Ubicación Cancún, Quintana Roo

ocalizado en un área protegida de manglares, el Gran Hyatt se alza en un predio irregular de 140 metros de frente de playa en una topografía descendente. Dicho proyecto implicó varios estudios de distribución, para crear un partido arquitectónico que se divide en tres bloques: El primero se conforma por una calle peatonal y vehicular colindando con locales comerciales; el segundo —donde se encuentran los jardines de Mangles— dispone de un jardín central que, por encima, posee un paseo peatonal techado llamado ‘El Paseo’ con acceso escalonado desde la entrada hasta el océano y, finalmente, el tercer bloque — y el más cercano al mar— con una gran ventana de 55 m de claro y 12 m de alto, que permite apreciar el azul horizonte.

Cabe destacar el principal elemento del spa que consiste en un gran volumen cónico recubierto de piedra, evocando los apacibles pozos naturales y silenciosos cenotes; un rincón bañado por la luz natural que se filtra desde una pequeña abertura en la parte superior. El spa también cuenta con cuerpos de agua para que el huésped pueda relajarse y disfrutar de la creación del hombre y la naturaleza en armonía.

www.sordomadaleno.mx

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Espacios originales e inolvidables, en donde los huéspedes encontrarán características sutiles y el espíritu de Playa del Carmen a través de los elementos naturales, obras de arte, texturas y luz.

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INTERIORISMO CORPORATIVO

A|911 + STEELCASE DESIGN

Un ecosistema de espacios interconectado e interdependientes, diseñado para apoyar e bienestar físico, cognitivo y emocional de los equipos de trabajo.

STEELCASE WORKLIFE MÉXICO 1ER LUGAR Fotografía Jaime Navarro Año 2015 Ubicación Miguel Hidalgo, Ciudad de México

n colaboración con Steelcase Design, el despacho a|911 se encargó del diseño de interiores para la sede en Ciudad de México de una de las empresas líderes en diseño de mobiliario para oficinas. En un corredor de 80 metros de largo, se encuentran áreas públicas y privadas conformadas por un espacio de exhibición, una cafetería, un pequeño parque y el distrito del staff. Localizado en la Torre Virreyes, la recepción con celosías de madera orienta hacia una ‘calle’ que se dirige a una zona abierta con espacios de uso flexible y áreas delimitadas a través de nubes de fieltro gris, que permiten zonas privadas y permanentes. Del otro lado del acceso, se ubica un espacio público destinado para la sala de clientes y la cafetería, a

un lado de esta, espacios privados como el distrito del staff y el ‘campo nómada’, además de las imprescindibles estaciones de trabajo de Steelcase, distribuidas cuidadosamente. Dispuesta en tonalidades claras y centrando la atención en la sala de exhibición, los elementos se conjugan para disponer de nuevos espacios y modificaciones cuando se requiera.

www.arq911.com

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terconectados o para apoyar el mocional de los

Un ecosistema de espacios interconectados e interdependientes, diseĂąado para apoyar el bienestar fĂsico, cognitivo y emocional de los equipos de trabajo.

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INTERIORISMO RESIDENCIAL

WEBER ARQUITECTOS CASA CINCO 1ER LUGAR Fotografía Rafael Gamo Año 2015 Ubicación Avándaro, Valle de Bravo, Estado de México

l diseño de interiores de Casa Cinco fue realizado a la par del plan arquitectónico de Cinco Casas a cargo de Weber Arquitectos. En un área de 300 m2, la casa está dividida en dos zonas: un área social compuesta por sala, comedor, cocina abierta y terraza mientras que el área privada cuenta con dos recámaras para niños y una recámara de visitas con terraza privada. El uso de materiales locales resalta las cualidades estéticas y formales de Casa Cinco. Texturas y acabados naturales que armonizan con el entorno, por ejemplo, la duela de oyamel en pisos y techos en contraste con la piedra volcánica para el muro de la chimenea. “Queríamos crear una atmósfera cálida para un refugio contemporáneo estando siempre en contacto con la naturaleza”, comentan Fernando Weber y Anina Schulte-Trux. En la paleta de colores están presentes los tonos neutros, grises cálidos y verdes que hacen del lugar un espacio acogedor y sereno, proyectada con una orientación hacia el sur abriendo la vista hacia el bosque. www.weberarquitectos.com

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El uso de materiales locales resalta las cualidades estĂŠticas de Casa Cinco, cuya paleta de colores se compone de tonos neutros, grises cĂĄlidos y verdes que la hacen un espacio acogedor y sereno. 97

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RESTAURANT & BAR

HABITACIÓN 116 + CENTRAL DE ARQUITECTURA + PASQUINEL STUDIO AROMAS 1ER LUGAR Fotografía Paul Czitrom Año 2015 Ubicación Lomas de Chapultepec, Ciudad de México

romas es el trabajo conjunto de tres despachos, Pasquinel Studio y Central de Arquitectura, a cargo del programa arquitectónico y Habitación 116 del diseño de los interiores y del mobiliario. El resultado es un espacio acogedor e íntimo, que destaca por la armonía de los materiales logrando la esencia de una panadería tradicional. Desarrollado en 323 m2, Aromas consta de dos niveles: la planta baja para elaboración y venta de pan, y planta alta para el restaurante en un contexto de terraza. “En particular nos gustó mucho desarrollar el área de la terraza; cuya intención es integrar exterior e interior; y por medio de un pergolado, generar un juego de luz y sombras interesantes”, explica Ferhnando Tristán de Pasquinel. En el diseño de interiores, Rafael Rivera, de Habitación 116 comentó: “…todas las piezas y detalles se van acomodando y adecuando para finalmente crear un concepto íntegro en todas sus partes, desde las nociones de diseño hasta la creación de

platillos”. Una propuesta que generó espacios unificados para recibir a los comensales en un espacio amigable y relajante, “…reinterpretando los materiales naturales y de producción nacional como el recinto, la parota y la cerámica esmaltada, elementos protagonistas que ayudaron a generar la monocromía en la textura y los escenarios buscados para el diseño, siempre aplicados en formatos distintos y especialmente dedicados para éste proyecto.” dice Rafael. *Actualmente el jurado está delimitando si el proyecto Aromas procede como ganador, ya que la autoría está en duda. En la siguiente edición se anunciará el fallo del jurado.

www.habitacion116.com www.pasquinel.mx www.centraldearquitectura.mx

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Materiales como parota, azulejo esmaltado, lambrĂn, herrerĂa y cemento pulido con una paleta de colores monocromĂĄtica hacen de Aromas un espacio amigable y relajante.

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RESTAURANT & BAR

ESRAWE STUDIO

TIERRA GARAT 1ER LUGAR Fotografía Jaime Navarro Año 2016 Ubicación Roma, Ciudad de México

n colaboración con Cadena + Asociados Branding, se creó el diseño de interiores y concepto del café gourmet Tierra Garat. La ambientación del lugar es concebida por materiales y tonalidades que evocan la tradición e historia del café mexicano. Recreando las cualidades de la bebida en una paleta de color ocre, el ladrillo es un elemento clave en el interior del lugar. Las baldosas y ladrillos en barras y paredes logran un agradable juego de texturas en compañía del mobiliario. Sillas de madera y tejidos contrastan con la ligereza de los asientos de cuero bordado, y la iluminación cálida proyectada desde el techo por anillos de arcilla, son un selecto complemento. Caracterizado por un lenguaje vernáculo, Tierra Garat fue pensado hasta el más mínimo detalle en elementos como la vajilla, los accesorios y la identidad gráfica en congruencia con el concepto, un café que abriga a sus visitantes en un espacio acogedor y elegante.

www.esrawe.com

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El concepto integral de Tierra Garat nos transporta a la magia de las fincas cafetaleras; por eso, se construye de texturas y aromas como el cuero, la tierra, el hierro y los costales.

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STAND

SHINE ARCHITECTURE BIDASEM 1ER LUGAR Fotografía Shine Architecture Año 2015 Ubicación Celaya, Gto. México

n un área de 35 m2, el Stand Bidasem fue pensado para un montaje rápido aprovechando las propiedades de la madera como ligereza y modulación. Eduardo Reynoso, arquitecto de Shine Architecture, platica a Glocal: “Disfrutamos el hecho de generar una idea, parametrizarla, y luego construirla el equipo completo. Llevándolo de la idea a la ejecución, el ejercicio de hacer pieza por pieza en el taller de carpintería y tener a un experto en ingeniería de madera lo hizo tanto más enriquecedor”. El modelo constructivo consiste en la repetición modular para contraerse o extenderse a preferencia del usuario, la

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distribución de sus elementos organiza la planta en dos áreas donde toman protagonismo los detalles de unión, libres de pegamento y tornillos. El diseño genera un pulcro entramado y ligera estructura sin aislar al usuario de su entorno. Eduardo comenta sobre la participación de Shine Architecture en la tercera edición del Premio Noldi Schreck: “Nos parece una excelente convocatoria a un concurso nacional con tanto peso y con una perspectiva emergente como nuestro taller”. www. shinearchitecture.com

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El modelo constructivo del stand Bidasem consiste en la repeticiรณn modular para contraerse o extenderse, mientras que la distribuciรณn de sus elementos organiza la planta en dos รกreas donde resaltan los detalles de uniรณn, libres de pegamento y tornillos.

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PREMIO DEL JURADO

MANADA + KATERINA ALATZIA

ENSAYO Nº 4 1ER LUGAR Fotografía Jaime Navarro Año 2016 Ubicación Condesa, Ciudad de México

ste proyecto consistió en la ampliación de una casa para el área de estudio y terraza del cliente, quien también participó como arquitecto diseñador; “…definitivamente el cliente cómplice es un valor importantísimo en nuestra práctica”, explica Manada para Glocal Design Magazine. La propuesta consiste en una estructura de madera de encino que soporta un mezzanine —el área del estudio dentro del departamento—, conectado a la terraza a través de una escalera hasta el exterior. Dicha área cuenta con un huerto vertical y una continuación de la estructura para delimitar el espacio que también favorece el uso versátil del mismo. “Hasta el momento tenemos siete ensayos, que son pequeñas oportunidades para explorar nuestras ideas, con toda libertad exploramos el espacio, sus comportamientos y sus sistemas de construcción. Este es el cuarto” dice el equipo de arquitectos. En contraste con los materiales existentes del edificio, como acero y cemento, Ensayo no. 4 se presenta como una sola pieza, logrando escenarios que conviven y se complementan en la residencia.

www.katerinaalatzia.com

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DESIGN WEEK MÉ XICO Texto Redacción

esign Week Mexico llega a su octava edición como una de las plataformas más completas en las que se exhibe lo mejor del diseño hecho en México. Como cada año, se reúnen un nutrido número de diseñadores en diferentes eventos para intercambiar experiencias y mostrar su trabajo. En esta edición y en el marco del Año Dual Mexico-Alemania, la Semana del Diseño tendrá como invitado al país germano. Los diseñadores alemanes participarán como conferencistas en el Simposio Creativity & Change y compartirán su trabajo con los diseñadores tapatíos en Visión y Tradición, ya que este año, Jalisco es el estado mexicano invitado. Asimismo, los mejores despachos de diseñadores de interiores se congregarán en Design House para intervenir una casa de la emblemática colonia Polanco en la Ciudad de Mèxico y convertirla en un Hotel Boutique. Este es el lugar perfecto para conocer las nuevas propuestas de los especialistas en interiorismo y cuáles son las últimas tendencias. En el Museo Tamayo se exhibirán piezas que nunca antes han sido mostradas al público en Inèdito, un evento que reúne el trabajo más reciente de los despachos de diseño y arquitectura que lograron ganarse un espacio en este recinto gracias a sus innovadoras propuestas. Por otra parte, el Museo Arte Moderno abrirá sus puertas a la exhibición de la obra de Don Shoemaker, uno de los diseñadores más famosos del siglo xx y de Kasuya Sakai, artista argentino de origen japonés que vivió en México. DWM se caracteriza por abarcar diferentes áreas en las que se involucra el diseño como la cultural, la educativa y la de los negocios.

www.designweekmexico.com

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EMILIO CABRERO

E SCA PA R ATE PA R A EL DISEÑO La semana más importante de diseño, arquitectura e interiorismo en México está lista. El itinerario creativo arranca en el Museo de Arte Moderno y continúa en los jardines del Museo Tamayo Entrevista Greta Arcila Texto Martha Lydia Anaya Retrato José Margaleff

etrás de la 9ª edición de Design Week México (DWM) no solo hay mucho trabajo sino también un puñado de alegrías y frustraciones que se confunden en emociones encontradas, con el objetivo común de que este se consolide como el evento de diseño, arquitectura e interiorismo más importante del país. Sin duda, se trata de los esfuerzos materializados de un equipo de creativos encabezados por Emilio Cabrero, pero al mismo tiempo de un escenario en el que el protagonista es el talento. Recapitulando un poco: la idea de realizar DWM surgió básicamente de poner en el calendario de la Ciudad de México un evento que ya existía en otras ciudades importantes del mundo, como Tokio, París, Londres, Nueva York, etc. “Es algo que hacía falta en la agenda nacional, y por eso comenzamos esta iniciativa”, platica Emilio. Hoy, esa idea ha demostrado la gran capacidad de crecimiento que tiene el proyecto y el plan es hacerlo cada vez más inclusivo. “Por eso, ahora estamos trabajando en varias plataformas: con los talentos jóvenes, los artistas ya consolidados y el público en general. Esto le da un matiz muy interesante, además de incluir exposiciones, conferencias y otras actividades enfocadas a los temas de arquitectura, diseño industrial e interiorismo”. Emilio hace hincapié en que DWM promueve la creatividad como valor del desarrollo social, económico y cultural de la sociedad. Con el reciente nombramiento de México como capital del diseño para 2018 habrá propuestas que se van a beneficiar a través del espacio público y la intervención con el diseño. La ciudad deberá implementar una serie de eventos y de iniciativas, y DWM encaja muy bien en este contexto sobre todo porque en el terreno del diseño tendremos acceso a más contenido relevante, así como a más colaboraciones internacionales que suponen la participación de instituciones y personalidades que han marcado pauta en el mundo creativo. A final de cuentas, la sociedad será la más beneficiada y motivada pues tendrá más opciones para ver y conocer el panorama del diseño actual. Para esta edición, Alemania y Jalisco serán el país y el estado invitados, respectivamente. Emilio nos comparte que con la nación europea se encontró la sinergia dentro del marco del Año Dual México-Alemania, además de que el gobierno alemán tiene una plataforma muy clara de fortalecer las relaciones diplomáticas con nuestro país y de potencializar a las industrias creativas.

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“Mucho del acercamiento que estamos haciendo con ellos es a través de sus eventos del año dual, los cuales veo muy hacia la concepción de la creatividad y la experimentación de diferentes formas de comunicación”, dice Emilio. Uno de los proyectos más interesantes que traen es el espacio público Platoon Hub México, que además de ser un lugar activo para generar enlaces entre las industrias creativas a través de diferentes proyectos y formatos, como arte, diseño, música electrónica, moda, cine, performance, arte urbano, etc.; también es la visión global y emocional de aquellas personas que no son originarias de Alemania pero que, por alguna razón, han radicado en ese país y han tenido alguna producción contemporánea que expresa cómo se han posicionado como seres humanos en el mundo. Emilio enfatiza en que hay una corriente de diseñadores, arquitectos y galerías posicionando la Ciudad de México

a nivel internacional. Las autoridades ya reconocen que el diseño puede ser una herramienta de promoción turística y generadora de recursos muy importante para nuestro país. “Es muy difícil ser el evangelizador de una causa. El valor del diseño es reconocido intelectualmente, pero no prácticamente. Somos una sociedad muy complicada, muy grande y con diferentes problemáticas, pero lo que sí es muy cierto es que iniciativas como DWM suman esfuerzos y plataformas de apoyo y colaboración. Esta ciudad no se puede transformar sola, ni completa, con un solo proyecto... lo importante es dar esos pasos y seguir caminando”, concluye Emilio.

www.ccubicaarquitectos.com

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INÉDITO

TA L ENTO EMERGENTE Fotografía Gabriel González

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Por segundo año consecutivo se lleva a cabo la feria de diseño Inédito, espacio en el que diferentes creativos exhiben un trabajo que nunca antes ha sido mostrado al público. La exhibición se realizará al interior del Museo Tamayo Arte Contemporáneo y contará con la participación de 40 firmas mexicanas, entre las cuales se encuentran algunas del estado de Jalisco. Descubre quiénes son en Glocal News.

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DESIGN HOUSE

MUSEO V I V IENTE Y EFÍMERO Un grupo de renombrados diseñadores y arquitectos transforman los diferentes espacios de una casa en Polanco, la cual sirve como una exposición de estilo de interiorismo y vanguardia. Cada año, este evento recauda fondos para diferentes fundaciones. Entrevistas Martha Lydia Anaya, Cecilia Avila e Itayedzin Aragón Retratos Gabriel González

esign House es uno de los ejercicios más esperados de DWM tanto por los profesionales del área, como por el público que asiste para conocer cuáles son las últimas tendencias y quiénes son los protagonistas de la escena del diseño de interiores en México. Como cada año, desde hace ya ocho, los interioristas intervendrán un espacio con un tema y en una casa, previamente elegidos por los organizadores de DWM. Ahí, ellos mostrarán sus propuestas de diseño y, en esta edición, el tema será un Hotel Boutique. La casa a transformar será la ubicada en la esquina de las calles Anatole France y Luis G. Urbina, en el corazón de la emblemática colonia Polanco, en la Ciudad de México. Para Andrea Cesarman, una de las organizadoras del evento y curadora de Design House, esta es una exhibición de lo mejor del diseño de interiores en México. “Un museo

viviente y efímero que sólo se muestra al público durante dos semanas y que vale mucho la pena visitar. Es un esfuerzo increíble, la suma de talento de muchas personas y de recursos materiales. Design House es un ejercicio de realeza de interiores en el que participan diseñadores increíbles”, dice. El reto es transformar un inmueble que tiene un estilo neobarroco y es considerado una joya arquitectónica “Se trata de respetar el estilo original de la casa, por lo que cada despacho tiene que realizar una intervención muy cuidadosa y hacer un ejercicio de arte muy respetuoso”, explica Andrea. Este año, la casa está espectacular, hay mucho arte, arteobjeto propuestas muy interesantes. Además, está súper bien ubicada y vinculada con el resto de las actividades que se llevarán a cabo durante DWM, debe ser parte del recorrido de todos los amantes del diseño.

AMOATO STUDIO Desde su fundación, este estudio se ha dedicado a transformar las ideas de sus clientes en diseños y arte en papel, este ha sido el sello que los caracteriza, sin embargo, durante su participación en Design House quieren demostrar que la parte creativa del estudio no sólo se limita al papel. “En el Studio también realizamos diseño de interiores, mobiliario, iluminación y color. Nos emociona mucho mostrar esta parte de nuestro trabajo”. Esta será la primera vez que este estudio participa en Design House transformando uno de los espacios de la casa en un lugar donde los huéspedes podrán relajarse, leer un libro y pasarla bien. Un espacio pequeño que conservará el estilo de la casa, pero al que le darán color. “Vamos a crear un ambiente con color, pero clásico, para que vaya de acuerdo con el resto del estilo de la casa”. www.amoatostudio.com

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CRISTINA GRAPPIN + EZEQUIEL FARCA Crear un spa en uno de los espacios exteriores de la casa fue la encomienda que les dieron a esta firma de arquitectos. Una de las particularidades de este espacio es que no tiene ningún valor arquitectónico como el resto del inmueble. “Nos tocó un anexo construido mucho tiempo después que el resto de la casa, por lo que en nuestro caso no hay ningún obstáculo para intervenir totalmente el espacio”, dice la arquitecta Cristina Grappin. El despacho decidió cubrir los muros y los plafones y transformar el lugar completamente para crear un espacio místico. “Vamos a tener pocos elementos, muy pocos muebles sueltos. Lo que llamará la atención de la gente, de entrada, será una celosía de madera con un diseño que hicimos nosotros. Quisimos integrar elementos naturales en el spa como el agua, la madera y la piedra”, explica. La iluminación será uno de los elementos esenciales en este espacio para transportar al usuario a otro lugar. “Tendremos un área obscura, con muy poca luz en la que se escuchará el sonido del agua. El movimiento del agua, con el efecto de la iluminación y la celosía, van a hacer un juego de luz y sombra muy interesante”. www.ezequielfarca.com

GAIA PROJECTS BY MARION CORTINA Este es el primer año que GAIA participa en Design House. La encomienda que le dieron a esta firma de diseño que se autodefine como fresco, joven e innovador, fue construir un spa en uno de los cuartos localizados al exterior de la casa. La propuesta es un lugar muy zen con un plafón de madera en el techo para hacer de este, un espacio muy cálido. Destacan los materiales naturales, como la madera de encino; en la parte trasera de los muros, una piedra que se asemeja mucho a la cantera, y plantas que colgarán del techo. “Al entrar al espacio un mural del artista David Gogantrois le dará la bienvenida al público. El artista transforma diseño de origami en resina en tonos negros para que se comunique con un wallpaper que tiene dibujados unos sillones de Gaia en las paredes”. En la sala de espera del spa donde las personas se registran podrán estar cómodamente tomando un té para esperar su turno. www.gaiadesign.com.mx

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GRUPO DE DISEÑADORES | AMIN S. Y JOSHUA B. El restaurante de un Hotel Boutique es el espacio que les tocó crear a esta firma de diseñadores cuyo objetivo principal durante la intervención de esta casa es preservar su estilo neobarroco y otorgarle el toque contemporáneo al espacio con los pisos, con los colores; que van de los tonos obscuros a los grises y a colores muy claros en las paredes como el rosa y el lila, y con la iluminación. “Tenemos una casa preciosa y queremos enaltecerla, resaltar la época en la que se construyó. Tiene un trabajo en yeso que difícilmente vas a encontrar en otro lugar, por eso queremos preservarlo. Corregimos los detalles que estaban mal hechos para que se vea original”. Con su intervención, esta firma manda un mensaje claro, en el que el respeto por la arquitectura del inmueble es fundamental. “Pocas veces hemos tenido la oportunidad de presentar en un Design House un espacio como este con tanta historia, con tanta arquitectura, una casa catalogada y que tengamos hoy en día la oportunidad de intervenirla es padrísimo, nos da oportunidad de enaltecer mucho nuestro pasado cultural”. www.grupodedisenadores.com

JIMENA FERNÁNDEZ + SPACE ARQUITECTOS + GLOCAL DESIGN MAGAZINE La diseñadora, Jimena Fernández y la Revista Glocal unen esfuerzos para intervenir uno de los espacios más escondidos de la casa de Polanco y convertirlo en una biblioteca-tienda. “Queremos hacer de este espacio una especie de sorpresa y utilizar la ventana como un marco, para que si estás afuera te invite a entrar. Es una biblioteca, es una tienda y lo que queremos es que te den ganas de sentarte, de quedarte, hacer un espacio muy atemporal”, explica Jimena y agrega que se inspiró en la idea de un caos ordenado para el diseño del lugar. Los colores de la biblioteca- tienda serán obscuros, combinados con tonos dorados. “Queremos un espacio muy lineal, de primera impresión podrías pensar que es muy tradicional, pero después volteas la cabeza y encuentras unos aviones de papel que te invitan a entrar al espacio y te va llevando a un recorrido y que una vez que tocan la mesa se convierten en un elemento artístico que se vuelve cerámica, la idea es que siempre encuentres qué ver y que tengas diferentes experiencias”, dice Jimena. Libros, piezas de arte, una banca de lectura con vista hacia el exterior, un sillón, una lámpara de pie y unas mesas Florence Knoll; con los artículos que estarán a la venta, son algunos de los elementos que se encontrarán en esta biblioteca- tienda que invitará a los huéspedes a quedarse ahí por un tiempo indefinido. www.spacemex.com www.glocal.mx 114

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MUMO Este es el segundo año que la firma participa en Design House. En esta ocasión se sienten más seguros, mejor organizados y muy contentos con la casa y el espacio que les tocó intervenir. “Nos tocó un salón para escuchar música. Queremos hacer un homenaje a la manera antigua de escuchar música. En este espacio, el huésped va a poder escuchar viniles en unos aparatos que usan bulbos. Estamos cuidando mucho esa parte, que la música se escuche muy bien”. En este salón, los diseñadores de la firma aprovechan los arcos de la casa y exaltan la arquitectura del inmueble utilizando piezas que también usan arcos en su estructura. “Más que transformar la arquitectura del espacio, quisimos exaltarla, rendirle un homenaje”. www.mumo.com.mx

MARQCO | COVADONGA HERNÁNDEZ Este es el cuarto año que esta firma participa en Design House y cada edición ha sido, para la diseñadora, Covadonga Hernández, todo un reto. “Como persona creativa, esto es lo que busco realizar algo diferente cada día”. Este año les tocó intervenir la entrada de la casa, un espacio exterior que si bien no tiene tantos elementos arquitectónicos de valor histórico, si tiene que ser congruente con todo el estilo de los demás espacios del inmueble. “Haremos un espacio totalmente abierto con muy pocos elementos, un espacio muy conceptual, sin muebles, sin lámparas y sin accesorios donde colocaremos un auto BMW 8 que flotará en agua para que el público no pueda tocarlo y únicamente pueda verlo a un metro de distancia”, explica Covadonga. El lugar tendrá una mezcla de tecnología, con arquitectura e interiorismo, además de un toque natural, ya que estará rodeado de árboles de olivo y muros verdes que ayudarán a resaltar y enmarcar el auto, que estará colocado sobre una superficie de forma geométrica, de la cual sobresalen algunos volúmenes de diferentes alturas que podrán utilizarse como bancas para sentarse alrededor del vehículo y que las personas se inspiren y realicen algunos bocetos. www.marqco.com

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PEDRO ÁVILA Los creativos de este despacho se sienten muy honrados y felices de participar en esta edición de Design House ya que, “muchos de los que intervienen la casa son personas que nosotros admiramos”. El espacio que les tocó intervenir está en el exterior de la casa y lo convirtieron en una cocina. “Ahí comenzó el reto, cómo hacer una cocina en la terraza. Una cocina viva en la que siempre esté un chef atendiendo a los huéspedes. La filosofía de nuestro espacio es la hospitalidad y se basa en la frase ‘Tu casa es mi casa’ queremos consentir en todo momento a los huéspedes”. En medio del patio donde estará la cocina hay un árbol de olivo que, para este despacho, es un símbolo de triunfo y de fertilidad. “El olivo también tiene que ver con la comida, con el aceite y las aceitunas. Para nosotros era importante tener un árbol majestuoso que pueda verse desde cualquier punto de la casa. Alrededor de este olivo vamos a poner el comedor”. www.pedroavila.com.mx

RCDESIGN | RICARDO CASAS Esta es la primera vez que este despacho participa en Design House, para Ricardo Casas intervenir un inmueble como el de Polanco es una gran oportunidad, además de que considera que su ubicación la hace doblemente especial este año. “Que la casa esté en el corazón de la colonia Polanco va a generar una afluencia muy interesante, la casa va a tener mucho flujo de personas”, dice Ricardo. A la firma le asignaron un espacio pequeño, de aproximadamente diez metros cuadrados, donde anteriormente estaba una cocina y que ahora, durante la DWM, se convertirá en el antro bar de un Hotel Boutique. “Dividiremos el espacio en dos secciones, el antro y el bar. En este último vamos a dejar algunas preexistencias de la casa como un plafón reticulado para realizar una especie de homenaje a lo que ya estaba en el inmueble antes de ser intervenido”, explica. La otra sección de este espacio será el antro, un dance floor, escenario donde el DJ podrá tocar música. “El antro se convertirá en un espacio infinito gracias a que forraremos las paredes con materiales reflectivos forradas de algo parecido a un espejo”. El plafón se convertirá en un techo luminoso que dará luz a todo el espacio “En el antro bar la noche va a brillar, habrá un juego de reflejos, brillos, sombras, luces para disfrutar la música, los elementos se vuelven contrastantes, la paleta de color es toda en tonos metálicos pero de un lado son plateados y del otro dorados para crear una dualidad. Todo el lugar está pensado para disfrutar la noche”. www.rcdesign.mx

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SOFÍA ASPE La entrada principal de la casa es el espacio que le tocó intervenir a esta diseñadora de interiores que por primera vez participa en Design House. “Para mí es todo un reto intervenir este espacio por su tamaño, pero estoy encantada de que me haya tocado este lugar que voy a transformar en el lobby del hotel, un espacio que va a recibir a los huéspedes que llegan a una de las colonias más importantes de la ciudad en donde pasa de todo: negocios, arte y eventos sociales”, dice Sofía, quien durante su intervención va a respetar el estilo neobarroco de la casa, con sus molduras, las florituras de yeso y sus columnas. Una chimenea que va perfecto con el estilo de la casa es la que dará la bienvenida a los viajeros en un lobby que tendrá muchos toques vintage, pero también un estilo contemporáneo a través del mobiliario, diseñado por artistas internacionales que se han convertido en íconos. “Quise también darle un toque de mexicanidad a través de arte, pues me interesa demostrar que los artistas mexicanos tienen mucho que aportar. Elegí piezas de artistas mexicanos que han exhibido su trabajo en galerías y ferias internacionales y de artistas extranjeros que radican en México”. www.sofiaaspe.com

STUDIO SPAZIO | CARLOS AVILES En esta ocasión a Carlos Avilés le tocó iluminar los exteriores de la casa de Polanco, que este año son especialmente importantes, debido a que el inmueble está en una esquina principal enfrente del Parque Lincoln “Los árboles del parque son muy hermosos. Vamos a iluminar los árboles, la banqueta y la calle. Después vamos a apoyar a todos los diseñadores para iluminar sus intervenciones y hacer que luzcan aún más”. En cuestión de tecnología, Aviles utiliza la alemana y la italiana principalmente, y también algunas marcas nacionales como apoyo, todo en LED tanto para el exterior como para el interior del inmueble. “La iluminación es un elemento importantísimo porque tiene que integrar todos los espacios y resaltar cada una de las obras que están presentando los diferentes diseñadores”. www.studiospazio.mx

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URIBE KRAYER Ofelia Uribe y Erika Krayer son las dos diseñadoras que integran esta firma y el espacio asignado para que realicen su intervención es el que se ubica junto al lobby del Hotel, un lounge donde los huéspedes pueden tomarse una copa, leer un libro o una revista y relajarse. “En el área principal de este lounge vamos a hacer un librero con un espejo al fondo y una barra para sentarse, será un espacio amplio para que las personas lo recorran”, explica Ofelia. Otro espacio que van a intervenir es el baño, en el que las diseñadoras realizarán un vestíbulo, un espacio misterioso donde habrá un velo y muchas sorpresas para los visitantes. “Nos tocó un espacio muy bonito de la casa en el que hay un plafón que luce mucho, vamos a respetar el estilo neobarroco del inmueble. Haremos una intervención contemporánea muy sencilla, con mucho respeto para que lo que resalte sea la arquitectura del espacio y su entorno”. Los pisos de este lounge serán de madera un material muy característico de la época de la casa. “Vamos a usar la madera de manera más contemporánea aprovechando que en la época de la casa se usaban pisos de madera. Pondremos espejos para que haya muchos reflejos. Que la gente se refleje en ellos y que a su vez se refleje el glamour de la época, el brillo de los metales y al mismo tiempo queremos que el espacio sea muy acogedor”, dice Erika. www.uribekrayer.com

VIEYRA ARQUITECTOS A Lorena Vieyra le tocó intervenir el mirador, una de las partes más altas de la casa, un espacio pequeño donde los huéspedes del hotel podrán sentarse a tomar algo y admirar una pieza del artista Guillermo Roel quien se caracteriza por crear obras que flotan en el espacio donde se exhiben. “Más que mirar hacia afuera quisimos hacer con este mirador un ejercicio de introspección, un lugar que te invite a mirar hacia adentro, independientemente de la vista que tengas hacia el exterior”, dice Lorena Vieyra. Este mirador será un espacio agradable, muy sobrio y elegante, con pocos muebles, en el que el huésped podrá dedicarse a la contemplación. “Vamos a atraer la vista del exterior por medio de la iluminación, vamos a jugar con los reflejos de la luz. Al centro del lugar habrá un espejo de agua que también jugará con los reflejos de la luz. La pieza de Guillermo Roel cambia según el lugar desde donde la mires, desde la entrada tienes una perspectiva que va a ser distinta si te acercas a ella, pues va a tener un juego con el reflejo del piso”. www.vieyrarquitectos.com

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LONDON DESIGN FESTIVAL

CUANDO LO IRREVERENTE SE ENCUENTRA CON EL DISEÑO Una vez más las calles de la capital inglesa recibieron más de 400 eventos e instalaciones exhibiendo al mundo cómo se vive el diseño en un país en el que lo vívido y el frío hacen el par perfecto. Texto Greta Arcila

ondres. Fascinante, excéntrica, tradicional, histórica y muy, muy irreverente. Por eso, una vez que se visitan tierras anglosajonas es imposible no quedarse anclado a ese humorismo, inteligente y audaz y, al mismo tiempo, recatado. En temas de diseño, se visita Londres sin la intención de ver tendencias de colores, ni de materiales, todos sabemos que éstos son sólo la materia –exquisita a veces- para un resultado que abrirá, en el mejor de los casos, un nuevo camino para el quehacer diseñístico. Una pisa la capital inglesa con la seguridad de que en el camino se encontrará proyectos conceptuales que llevarán a los espectadores a repensar si lo que existe en temas y conversaciones de diseño es válido o no, ya que la especulación es parte fundamental de la sangre que corre en todos los proyectos que se presentan en el contexto del London Design Festival (LDF), tema que hoy nos interesa. Caminar por distintas ferias del mundo me ha dado el privilegio de ver y conocer cuáles son las virtudes de cada una, por lo que estoy segura de que el mayor logro de este festival anual de diseño es haberse colocado como la meca de las instalaciones colaborativas entre diseño, industria, ciudad y sociedad. Lo más bello del LDF es que te obliga a caminar la ciudad y descubrir rincones que años atrás no eran un destino de diseño, como lo es ahora el mítico distrito

de Shoreditch, en donde, hasta el taller de Jasper Morrison abre las puertas por esas épocas para que la gente pueda apreciar el proceso de trabajo de él y su equipo. Chelsea, más al centro de la ciudad, nos envuelve de irreverencia y sorpresa en cada espacio. La primera edición del LDF se celebró en el año 2003, y desde esa vez tuvo como intención hacer que el mundo volteara a ver cómo el diseño puede ser un factor de cambio social. Hoy en día, esta organización logra 400 eventos más las instalaciones en puntos icónicos de la ciudad, así como intervenciones y exposiciones en los museos más importantes de esa urbe como lo es el Victoria & Albert Museum. Todo esto es posible gracias al liderazgo de Sir John Sorrell, quien con mucho empeño logró unir a toda la comunidad creativa inglesa, y abrir puertas a creativos de distintas partes del mundo. Y si con el festival no fuera suficiente, también sucedió London Design Biennale, en donde 37 naciones expusieron lo mejor de sus líneas de diseño en el Somerset House.

www.londondesignfestival.com

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LANDMARK PROJECT MINI LIVING ‘FORESTS’ INSTALACIÓN POR ASIF KHAN Para esta edición, MINI se asoció con Asif Khan para explorar el concepto de 'third places' que, en sí, es el denominativo en inglés para el espacio que surge entre nuestra casa y el trabajo: el transitar por la calle y cómo convivimos en esta experiencia y cómo nos relacionamos con los demás a través de este recorrido. Asif Khan diseñó una familia de instalaciones arquitectónicas en Shoreditch. Estos oasis urbanos buscaron representar una nueva visión para la ciudad.

THE SMILE, INSTALACIÓN DE ALISON BROOKS ARCHITECTS The Smile es un proyecto patrocinado por la American Hardwood Export Council y The University Arts of London, diseñado por Alison Brooks Architects con la ingeniería de Arup. Esta escultural pieza estuvo situada en el patio del Chelsea Arts College y fue uno de los proyectos de referencia del Festival este 2016. En sí una estructura de madera la cual podía ser habitada y explorada por el público y ofrecía una forma lúdica de ver Londres, pero lo importante de esta es cómo visualmente desafiaba la gravedad, lo que obligaba a la gente a ver y explorar el proyecto.

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V&A ENGINEERING SEASON, ELYNTRA FILAMENTO PAVILLION V&A Engineering Season habla de la importancia de la ingeniería en nuestra vida diaria y considera a los ingenieros como los 'héroes anónimos' del diseño, ya que juegan un papel vital en la creación de nuestro entorno construido. La instalación, ubicada en el jardín John Madejski del Victoria and Albert Museum, estuvo a cargo de varios genios del diseño e ingeniería: el arquitecto Achim Menges, el ingeniero estructural Moritz Dörstelmann, el ingeniero climático Ene Knippers, y el ingeniero Thomas Auer. El pabellón Elytra Filamento (18 de mayo - 9 de octubre de 2016) explora el impacto de las nuevas tecnologías robóticas en el diseño de arquitectura, ingeniería y fabricación. Inspirado por la construcción básica de la naturaleza, las estructuras fibrosas de las conchas de los escarabajos voladores conocidos como los élitros, el pabellón es un dosel ondulante de las células de fibra de carbono creadas mediante un nuevo proceso de producción robótica. Seguirá creciendo a lo largo de la temporada de V&A Ingeniería en respuesta a los datos sobre el comportamiento estructural y patrones de estancia del jardín que es capturada por los sensores en tiempo real en sus fibras dosel.

FOIL DE BENJAMIN HUBERT Y LAYER Dentro de las Tapestry Galleries del V&A Museum, un espacio que ha albergado varios proyectos de alto perfil del LDF, se instaló el proyecto de Benjamin Hubert y LAYER, con el apoyo de Braun. 'FOIL' es una instalación en constante movimiento que incorpora el metal, la luz y la tecnología logrando un efecto de reflejos sumamente impresionante. En sí el proyecto fue una base giratoria de 20 metros de largo con 50,000 paneles metálicos individuales que emulan la forma de ingeniería de precisión de la máquina de afeitar Braun. Era un proyecto que en sí mismo guardaba cierto protagonismo, pero se creó con la filosofía de la compañía de "menos pero mejor", una declaración muy valorada por Dieter Rams, su legendario ex jefe de diseño.

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LIQUID MARBLE DE MATHIEU LEHANNEUR Esta instalación de mármol negro pulido a mano de Mathieu Lehanneur, abraza la forma escultórica y la calidad de textura del mármol, se presentó también en el Victoria and Albert Museum. Liquid Marble es parte de una serie de Lehanneur en donde explora la materialidad de mármol, él es altamente reconocido por su habilidad de fusionar arte y tecnología usando la ciencia como herramienta de diseño. La intención de Lehanneur era dar una visión surrealista de la mar al tiempo de imitar la apariencia de la ondulación del agua. Las ondas de mármol estaban diseñadas utilizando una combinación de innovación digital, incluyendo los algoritmos y software 3D, así como el hábil pulido a mano del mármol. Liquid Marble tenía 4.5 metros de largo y 2 metros de ancho, y se presentó en un pedestal de 45 cm de altura.

BELOVED DE TABANLIOGLU ARCHITECTS La firma de arquitectura con sede en Estambul, Tabanlıoglu Architecs, reinterpretó la clásica novela de 1943 de Sabahattin Ali, Madonna en un abrigo de piel, a través de una instalación evocadora, multisensorial ubicado sobre uno de los puentes de las galerías medievales y renacentistas del Victoria and Albert Museum. Madonna en un abrigo de piel es una de las más grandes novelas de la literatura turca, dice Murat Tabanlıoglu: “Queríamos introducir el libro a un nuevo público en Londres, ya que el libro ha sido publicado recientemente en la traducción inglés por primera vez en su historia de 73 años”. Los arquitectos Tabanlıoglu eligieron ubicar la instalación en el puente que conecta la galería dedicada a la industria siderúrgica del Museo con una escalera de vidrio para ayudar a reflejar los temas de la novela. Habla de la relación entre un joven turco y una mujer alemana enigmática, la cual se vive en las ciudades Berlín y Ankara en el período de entreguerras, el puente ayuda a proporcionar una metáfora física para describir los temas de la novela.

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THE GREEN ROOM POR GLITHERO En una escalera de seis pisos en el ala oeste del V&A Museum, el despacho inglés Glithero presentó una instalación cinética centrada ideológicamente alrededor del paso del tiempo. Diseñada en colaboración con Panerai, esta instalación dramática y compleja -que puede ser vista desde varios ángulos y niveles de los visitantes de la V & A- explora el concepto de tiempo a través de la disposición cuidadosa de las capas y las longitudes de cable de silicón. En tonos de color de bloque de neón-naranja, rosa y púrpura, los velos de cable se desplazan y se mezclan a medida que cuelgan de un brazo giratorio motorizado CAM. Imitando el movimiento circular de los brazos de un reloj, Glithero ha colocado los cables a manera de que el movimiento de las cuerdas creen una ilusión óptica.

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NORTHERN LIGHTS, V&A MUSEUM OF DESIGN DUNDEE Una muestra del trabajo de diez diseñadores quienes han realizado su labor profesional en Escocia, reflejando la escena contemporánea de la disciplina en aquel país con el objetivo de generar un impacto positivo en la economía local. Entre las piezas seleccionadas se encuentra joyería en cerámica y accesorios de Beth Lamont en colaboración con el estudio Tom Pigeon; mobiliario de Angus Ross, Isabelle Moore y Scott Jarvie así como indumentaria sustentable de Kelly Dawn Riot. El director de V&A Dundee, Philip Long comenta: “Escocia tiene una gran historia de diseño que se reúne aquí hoy, muchos diseñadores y productores creando nuevos productos impecables, servicios e innovadores cambios en el estilo de vida alrededor del país.” En alianza con V&A Dundee y Scottish Enterprise and Creative Dundee, también celebran el Año de la Innovación, Arquitectura y Diseño 2016 como iniciativa del gobierno escocés para contribuir al desarrollo del país. Por otra parte, V&A Dundee anuncia la apertura de un nuevo museo de diseño, innovación y aprendizaje de primer nivel que estará abierto al público a partir de 2018. El nuevo espacio estará ubicado en el centro de Dundee con un costo de un millón de euros.

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L’EDEN, PERRIERJOUËT L’Eden es una instalación que provee de una singular experiencia y visión de la naturaleza, a través de un espacio idóneo para la relajación en los suburbios de Soho. Abarcado en el primer piso de la avenida Central de Londres, el diseñador parisino Duchaufour-Lawrance se encargó de curar una instalación interactiva que incluye un sistema vertical de impresión 3D de elementos suspendidos y soportados por tubos de césped y ramas que van formando un entramado sobre una pérgola. La instalación es un homenaje también, a uno de los emblemas del Art Nouveau con los frascos de PerrierJouët BelleEpoque diseñados por la artista del cristal Emile Gallé, que datan de 1902. Con una selección de mobiliario de Bernhardt Design, L’Eden es el primer sistema bioresponsivo con plantas.

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LONDON DESIGN BIENNALE En colaboración con Jaguar and Somerset House, se lleva a cabo la Primera Bienal de Londres que presentó instalación, diseño, prototipos y arte generado en 37 ciudades que exploraron el rol del diseño en el futuro. Los visitantes exploraron el trabajo de líderes en el mundo de la arquitectura y diseño a través de la exhibición de instalaciones digitales, pop-ups culinarios y presentaciones VR acerca del futuro. El tema de la primera edición fue con motivo de la celebración del 500 aniversario de la publicación de Tomas Moro titulado Utopia. El público tuvo la posibilidad de acudir a presentaciones de la recreación de la construcción de la calle de Beirut de Karim Kassar en Líbano o apreciar lugares como Santander en una pequeña ciudad de España, en 2100 a través de realidad virtual. También se exhibieron proyectos relacionados a diversas temáticas como la sustentabilidad, migración, crecimiento urbano, entre otros. Estuvo presente el arquitecto mexicano Fernando Romero, quien exploró la frontera trasnacional como una solución a la migración y el aumento poblacional. Representando a Londres, los diseñadores Edward Barber and Jay Osgerby y curaduría del Victoria and Albert Museum, que explora los vínculos entre las naciones en una escultura cinética de 14 metros en el centro de Edmond J. Safra Fountain Court. Con un montaje y curaduría de tres semanas, la ciudad de Londres brindó una de las semanas culturales de mayor efervescencia en el ámbito creativo.

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COLECCION CIRCUS

ALESSI | MARCEL WANDERS Texto Itayedzin Aragón Fotografía Cortesía de Alessi

l mundo mágico de Alessi recibe una nueva colección inspirada en el imaginario circense, sus icónicos personajes y colorido vibrante; una familia de objetos para uso doméstico que sorprende por el acero inoxidable de color, material que la marca ha sabido manufacturar con alta precisión y que, poco a poco, se ha convertido en parte de su firma. El estudio de Wanders desarrolló durante cinco años, 29 piezas —entre platos, tazas, vasos y recipientes— además de 5 piezas de edición limitada que representan a personajes específicos que desempeñan funciones de entretenimiento y gozo, integrados por: The Strongman (un objeto para cascar nueces), The Jester (sacacorchos), The Ballerina (caja musical), The Ringleader (campanilla de servicio) y The Candyman (dispensador de dulces). Todas las piezas fueron hechas con acero inoxidable, cada una decorada de manera singular con patrones de líneas, lunares, rombos y triángulos, coloreados en perfecto balance, alternando blanco, amarillo, rojo o azul con aplicaciones en plateado y dorado; también se hizo uso de vidrio y porcelana. Alessi Circus es sin duda una colección viva que captura los sentidos y nos recuerda el deleite que alguna vez representaron los circos.

www.alessi.com

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