Revista TDD Marzo 2019 by Gonzalo Sánchez

Tiempo de Danza Nยบ 18 Marzo de 2019

ISSN 0719-9643

Revista de distribuciรณn gratuita

BANCH un 2019 recargado

PAMELA QUERO Danzar desde el interior SI ME LLAMAN BOYS hombres en movimiento

> EDITORIAL Empezamos el cuarto año de revista Tiempo de Danza y, si bien hemos encontrado obstáculos de diferente tipo (desde la obtención de la información hasta el siempre escaso dinero), en este momento se nos abre una hermosa puerta en el ámbito de la gestión: nos constituimos como fundación cultural para funcionar con la Ley de Donaciones. ¿Nuestra idea? Conseguir auspicios y retribuir de alguna manera a las empresas que nos han apoyado. Pero eso no es todo. Podremos ayudar a aquell@s artistas de la danza y el teatro que no pueden acceder a las empresas, entregando certificado de donaciones por ell@s, además de postular a fondos regionales y municipales para ampliar nuestro radio de acción con talleres, charlas, coloquios, en fin. Se nos abre un mundo de acciones posibles. Esta gestión fue realizada gracias a la vocación de la abogada Valeria Jaure, quien es también una activista de la difusión cultural. Lo anterior nos permite olvidar que el Ministerio de las Culturas nos quitó la humilde asignación directa que nos dio el ex ministro Ottone para el 2018 y, lo que es peor, que jamás respondió a nuestra apelación, realizada en una reunión el

24 de octubre del año pasado. Nobleza obliga. El número de marzo concentra variedad de manifestaciones dancísticas. En la sección En Profundidad conversamos con Mathieu Guilhaumon, director del BANCH, quien nos cuenta las novedades para esta temporada, y en Protagonista fuimos a fondo con Pamela Quero, destacada bailarina y coreógrafa que trabaja en la calle y alimenta la cueca como un género que tod@s pueden hacer propio. En Escena acoge a una nueva compañía, pero ya muy sonada: Si me llaman Boys y su primera obra, “Intimo”, se ha presentado en diversos escenarios siempre con aplausos. Perspectiva está dedicado a Macehua, agrupación de migrantes salvadoreños que reviven su país a través de sus danzas típicas, y en Visiones les contamos del nacimiento de una nueva compañía de flamenco, liderada por Carolina Cussen y Juan Aguirre. Volvemos con la sección Encuadre, dedicada al reconocido fotógrafo Alejandro Torres y su apasionado trabajo en danza. Seguimos… Gracias por leernos

Marietta Santi M. Directora y editora Revista Tiempo de Danza.

> STAFF Consejo Asesor: Sinattad, Paola Moret, Luis Ortigoza, Luz Lorca, Carmen Aros, Mabel Diana, Karen Connolly, Javier Muñoz Máximo, Carola Cussen, Gladys Acosta, Lucas Siqueira, Lorena Hurtado, Patricio Melo. Directora y editora general: Marietta Santi M. Plumas: Pamela Lagos, Muriel Riveros, Cristián Rojas, Marietta Santi, César Sepúlveda, Ximena Veas Diseño: Gonzalo Sánchez Fotografía portada: Jorge Brantmayer Impresos Mario Aguirre (9-91959926)

Una producción de Santi Teatro & Danza marietta@santi.cl © Santi Teatro & Danza Se autoriza reproducción parcial del contenido citando autor y revista. TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 · 3

> RETAZOS

> ÍNDICE 3 EDITORIAL

Tocarse

4 ÍNDICE

“Háptico” es una obra de danza sobre el tacto y el contacto, que busca representar el pequeño placer que se oculta en este sentido. El propósito es crear una coreografía donde el cuerpo sea fundamento del resto de los sentidos. Para relevar el sentido háptico, los cinco intérpretes se mueven sin ver durante toda la obra. Dirige Ana Carvajal.

5-9 RETAZOS Programación de danza. 10-15 EN PROFUNDIDAD

Coordenadas: M100/ 1 al 10 de marzo Miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo 19:00 horas.

10 17 17

Mathieu Guilhaumon: “El 2019 será una etapa para proyectarse

$5.000 general, $3.000 estudiantes, 3ra edad, miércoles y jueves popular.

en el futuro” 17-21 PROTAGONISTA:

Cambio de rol

más cuerpo” 22-25 ENCUADRE:

Alejandro Torres de la Barra

26-29 PERSPECTIVA:

Coordenadas:

Migrantes salvadoreños

Teatro Universidad de Chile 7, 8 y 9 de marzo, 20:00 horas

danzan sus raíces

31-33 EN ESCENA:

Como una avalancha llegan Si me llaman Boys

34-37 VISIONES Flamenco desde lo sutil

38-39 NOTIDANZA

Siete bailarines del Ballet Nacional Chileno presentarán sus creaciones en el ciclo Laboratorio BANCH. El director de la compañía, Mathieu Guilhaumon, seleccionó piezas diversas que, según él, revean la personalidad de los coreógrafos (Gema Contreras, Nicolás Berrueta, Kike Faúndez, Valentín Keller, Fabián Leguizamón, Rodrigo Opazo y Amaru Piñones). Jorge Brantmayer

Pamela Quero: “A Chile le hace falta

26 39

Sensualidad danzada Siete jóvenes bailarines buscan el lugar que moviliza al ser humano a encontrar el estado que da placer. Mediante un “juego de perversión” dirigido hacia el espectador, los bailarines entran en una experiencia totalmente sensorial, íntima y multidisciplinar. “Playa Negra” explora la libertad sexual en medio del suelo mojado, sin ataduras, sin géneros, sin ropa. Coordenadas:

40-42 SOCIALES REVISTA

4 · TIEMPO DE DANZA

GAM 7 al 24 de marzo Jueves a domingo 20:00 horas $5.000 General., $3.000 3ed. y Estudiantes.

TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 · 5

> RETAZOS

> RETAZOS Aventura en el mar “VaLlena 52” es un espectáculo que une danza urbana con ilustraciones y mapping, para que los más pequeños descubran los misterios de la ballena 52. Una obra imperdible -dirigida por Francisco Medina- que sumerge a adultos y niños en un juego escénico estimulante y que, en tan solo 30 minutos, los transporta a vivir una aventura y descubrir la historia insospechada. Coordenadas: GAM 9 al 31 de marzo Sábado y domingo 16:00 y 18:00 horas. $5.000 Gral. y 3ed., $3.000 Est.

Fusión flamenca Trece bailarines y músicos fusionan el mundo del flamenco con la cultura del hip hop y el break dance en la obra “Titanium”, de la compañía española Rojas y Rodríguez. Con la participación de cuatro músicos en vivo, ocho bailarines despliegan danzas que tienen en común el haber nacido en la calle. La obra muestra que el flamenco sigue siendo un arte de vanguardia. Coordenadas: CA660 20 al 23 de marzo, 20:00 horas Entradas desde $13.000 a $28.000 (www.corpartes.cl

Festival de Danza Estudiantil Dejar Morir En la obra “Peso Muerto”, la chilena Carolina Cifras investiga sobre la muerte, preguntándose cómo el sistema económico actual deja morir a las personas. Indaga en la transformación de la materia, dialogando con la ciencia. También cuestiona sociopolíticamente el vínculo de la muerte con su espectáculo.

Mila Ercoli

Coordenadas:

Obra Premiada

NAVE 15, 16 y 17 de marzo, 20:00 horas General $3.000 $1.500 estudiantes

Coordenadas: Bases disponibles desde el 25 de marzo

El poder del sonido Luego de meses de residencia, la coreógrafa Javiera Peón-Vega presentará “Afectos Sonoros”, experiencia inmersiva a través del sonido y la luz en colaboración con artistas de otras disciplinas. La pieza investiga en los efectos del sonido en el cuerpo, y contempla la participación del músico Diego Noguera y el médico Claudio Muñoz, entre otros.

Coordenadas:

Municipal de Santiago Ópera Nacional 21 al 27 de marzo Más información en www.municipal.cl

Patricio Melo

En 2017, el Círculo de Críticos de Arte premió como Mejor Coreógrafo a Luis Ortigoza por su versión de “Raymonda”, basada en el ballet de Marius Petipa y con música de Alexander Glazunov. Ortigoza sintetizó la pieza, agilizó la coreografía y relevó los roles masculinos. Como la protagonista se alternarán las jóvenes Primeras Bailarinas, Romina Contreras y Katherine Rodríguez.

6 · TIEMPO DE DANZA

La Corporación Ballet Arte Moderno de Santiago de Chile, con el apoyo del Fondart, tiene el agrado de convocar a los establecimientos, estudiantes y profesores de la Región Metropolitana -de 4° Básico a 4° Medio (ambos inclusive)- a inscribir sus obras en danza de cualquier estilo o formato en el Décimo Festival de Danza Estudiantil Metropolitano 2019, cuyas bases estarán disponibles desde 25 de marzo en www.ballet.cl y su cierre de inscripciones será el 7 de julio 2019 a las 23:59 horas. La iniciativa contempla el desarrollo de talleres, workshop y foros dirigidos a estudiantes y profesores.

NAVE 29, 30 y 31 de marzo, 20:00 horas General $3.000 $1.500 estudiantes

TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 · 7

> RETAZOS

> RETAZOS Memoria y danza La compañía Ruta de la Memoria reestrena una de sus obras más emblemáticas: “Cuerpo Quebrado”. A través de la danza butoh, Natalia Cuéllar narra lo sucedido con detenidas desaparecidas que estaban embarazadas al momento de su detención. La crítica especializada relevó esta creación por su sutileza, profundidad y preciso trabajo corporal.

Dos obras de la Compañía Movimiento, con dirección coreográfica de Claude Brumachon/Benjamin Lamarche, se presentarán en el teatro Finis Terrae para celebrar el mes de la danza. La primera es “Los Ruegos”, hito de la danza contemporánea nacional estrenada en 1997, que indaga en las fracturas sociales, familiares y personales derivadas del golpe militar de 1973, funda la compañía y fue declarada Patrimonio de la Danza. Y “Las Arenas del Tiempo”, que reflexiona sobre la crisis mundial del agua y la invasión del plástico, y fue creada especialmente para Chile, inspirada en dos miradas sobre nuestro país: la imponente naturaleza y la urbanidad, tierras desérticas versus tierras sobre pobladas.

Emilio Gallardo

Coordenadas: Teatro Camilo Henríquez 4 al 13 de abril, 20:00 horas General $5000 estud, y tercera edad $3000

“Hiperkinesis”, de Teresa Prieto, es una obra que invita a reflexionar sobre la sociedad actual y sus repercusiones en nuestra vida cotidiana. Por medio de la danza contemporánea y de recursos tecnológicos; cuerpo, luz y sonido se aúnan para condicionar la percepción y generar una experiencia envolvente y real en el espectador. Los intérpretes la hiperquinesia cotidiana.

La colaboración entre Mathieu Guilhaumon, director artístico del BANCH, y el afamado dúo Power Peralta, se materializará en “Hats off!”, atrevida mezcla de baile urbano y danza contemporánea inspirada en el mundo de las comedias musicales de los años ‘30 y ‘40. Los talentosos gemelos se harán parte no sólo como como creadores, sino que también como intérpretes en escena. Jorge Brantmayer

Luis Zamora

GAM Estreno 5 de abril, mes de la danza

De lobos y cuentos

Cómo vive el cuerpo la migración y el desarraigo, es el eje central del nuevo espectáculo de la compañía La Típica, coproducido por Espacio Checoeslovaquia. “El Arrebato”, obra coreográfico-musical con tres bailaores, tres cantaores y dos músicos en escena, se plantea consideran dispositivos tecnológicos que aportarán nuevas dimensiones.

Esta pieza es una nueva versión de “Pedrito y el Lobo”, creada por la bailarina y coreógrafa Carolina Bravo. A través de la danza, los intérpretes indagan en lo que hay detrás de esta historia infantil: invitación a jugar, dejarse llevar por nuevos caminos y descubrir cómo aprendió Pedrito a ser tan valiente.

8 · TIEMPO DE DANZA

“Los Ruegos”, del 12 al 14 de abril Viernes y sábado 20:30 / domingo 19:00 horas

Sin sombrero

Flamenco y desarraigo

GAM 5 al 21 de abril Jueves a domingo, 20 horas Gral. $8.000, estudiantes y adultos mayores $4.000

Teatro Finis Terrae “Las Arenas del Tiempo”, del 5 al 7 de abril

Falta de tiempo

Coordenadas:

Coordenadas: Teatro Universidad de Chile 27 de abril

Coordenadas: GAM 25 abril al 5 mayo Jueves a domingo, 20 horas

TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 · 9

Fabián Cambero

Danza en la Finis

> EN PROFUNDIDAD

> EN PROFUNDIDAD quería ser la estrella de la Ópera de París, por ejemplo, jamás. Siempre fue ser coreógrafo”, precisa.

Mathieu Guilhaumon: “El 2019 será una etapa para proyectarse en el futuro”

- ¿No pasaste por el conflicto juvenil vocacional?

Josefina Pérez

Texto: Cristián Rojas Fotos: Jorge Brantmayer

“Siempre quise salir y viajar, descubrir el mundo. La danza me lo permite también”.

En el lanzamiento de la nueva temporada del Ballet Nacional Chileno (BANCH), hubo dos anuncios sorpresa: el trabajo con los famosos Power Peralta y la gira de la compañía a Francia. Excusas perfectas para conversar con su director

Para Mathieu Guilhaumon (39), el 2019 es especial: se inició con un premio del Círculo de Críticos de Arte, cumplirá 40 años, abrirá aún más su trabajo colaborativo con otras disciplinas y, para terminar, irá de gira con el BANCH a su natal Francia. Un año redondo. Este bailarín - coreógrafo, nacido en Perpignan, comienza sus estudios de danza a la edad de 6 años. “Tuve la suerte de tener padres que siempre me han apoyado en esto, porque era un niño que quería moverse y bailar”, cuenta. Sus padres obviaron los prejuicios -propios de la época- por ser hombre ya los 7 años entra al conservatorio de ballet. En forma paralela estudia jazz. “Desde el minuto en que entro en la escuela jamás salí. Además, ya tenía sueños, sabía que esto iba a ser mi vida. Cuando me preguntaban qué quería ser cuando grande, siempre dije ¡quiero ser coreógrafo! Eso era bien extraño porque no

-No. A nivel de carrera, siempre era danza o quizás profesor de francés en el extranjero. Siempre quise salir y viajar, descubrir el mundo. La danza me lo permite también. Mathieu cuenta que, al contrario de lo que podríamos pensar, en Europa aún se cuestiona tomar una opción artística como carrera por la inseguridad laboral. Siendo el menor de tres hermanos, ninguno de ellos aficionados al arte, nunca dudó. “Mis padres siempre han tenido este discurso: ustedes tienen hacer algo donde se sientan bien, desarrollarse. Si es de manera feliz, mejor; si pueden seguir su pasión, aún mejor; y si además puede vivir de esto, los apoyamos en todo”. No fue fácil estudiar en Nueva York y Suiza, porque no existían becas ni aportes estatales y la familia corría con todos los gastos.

“El Estado debería estar mucho más comprometido” La nueva generación tiene escuelas públicas y privadas en Francia donde estudiar danza y, si bien son de libre acceso, los que más entran son de clase media por un estándar cultural. “La cultura y la carrera artística no son conceptos o temas integrados. O sea, en su propia vida la clase popular no consume cultura”, explica Guilhaumon.

- ¿Qué te pasó cuando conociste nuestra realidad? -Se están haciendo muchos esfuerzos y se está avanzando de a poco, cada vez más. Por la experiencia que tuve en Europa, creo que es súper importante institucionalizar el arte. El Estado debería estar mucho más comprometido, en todos niveles. La danza sigue siendo un arte poco conocido en Chile. Si hablamos del folclor en la danza popular sí, pero si hablamos de danza clásica o contemporánea, estamos hablando de un grupo de personas muy reducido que la practica o la ve.

- ¿Te ha costado entenderlo? -Entender, no. Hay que ver de dónde viene eso y yo creo que tiene que ver con muchos factores, la historia del país es uno de ellos. Es súper difícil tomar una postura crítica porque uno tiene que entender qué hubo antes, porque eso explica todo. Veo que se está mejorando y que hay un esfuerzo, que hay ganas de que esto cambie. Somos todos distintos, y aquí es así. En otros países es de otra manera. Con todas estas premisas, Mathieu siempre entendió que vino a ser un aporte, a compartir su experiencia y jamás imponer su verdad: “La idea no era replicar tal modelo acá, es imposible”. Hubo obstáculos al principio, como en todo lugar, pero también ventajas. Y son éstas las que hoy lo tienen terminando su quinta temporada como director, contento y orgulloso.

TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 ·11

> EN PROFUNDIDAD

> EN PROFUNDIDAD de la nueva temporada 2019: “Hats off!!”, la unión de la danza contemporánea con la danza urbana. En clave de colaboración, el director francés invita a los Power Peralta a cruzar estos dos mundos. “El proceso va muy entretenido, en concepto, situaciones y músicas”, cuenta Mathieu. Los musicales y el universo de los años ´40 ponen la temática de esta puesta en escena, un lugar muy familiar para el director. Lo principal para iniciar el proceso creativo era definir el rol de los Peralta, como coreógrafos y bailarines. Que no sea el BANCH y los Peralta, sino un trabajo en conjunto.

DUPLA LOBOS-GUILHAMON En enero, Mathieu Guilhaumon y Millaray Lobos recibieron del Círculo de Críticos de Arte el premio a Mejor Obra de Danza 2018, por su versión de “Giselle”. Para el director existen dos niveles en este premio: es un honor y reconocimiento a su trabajo junto a Lobos y, además, estimula todo lo que representa el BANCH. “Especialmente con una obra así, con un desafío tan grande. Además, no puedo desconocer que no ha sido fácil mi integración, mi llegada acá como extranjero, pero de alguna manera se superó todo esto y vamos más a lo esencial: danza y un trabajo en conjunto con la apertura a otras artes”, reflexiona Mathieu. Es un hecho que la compañía está en un muy buen momento. “Nos están premiando a nosotros como autores y creadores, pero también a los intérpretes. Sin ellos la obra no existe y también a todos los que participaron en ella: Andrés, que estuvo a cargo de las luces, Carolina del vestuario”, agrega. Los azares de la vida se encargaron de reunir a Millaray Lobos, reconocida actriz en permanente búsqueda, y al director del BANCH, amante de la novedad. Ella trabajó por varios años en Francia, por tanto, había personas y referencias comunes en sus biografías. Su primer trabajo en conjunto fue “Cuéntame la danza”, donde Mathieu invitó a Millaray a hacer la voz en off. Así sembraron la idea de hacer algo juntos alguna vez, lo que se concretó con “La Tempestad”, parte del último ciclo de 2016, titulado “Danza, teatro y orquesta”. 12 · TIEMPO DE DANZA

“En este proceso nos dimos cuenta de que había muchas cosas que nos apasionaban. Además, es un ejercicio que necesita esfuerzo, porque hay que ceder espacio para que el otro pueda entrar en su mundo, y al revés”, revela

“Ahora vamos a tener una real conversación entre dramaturgia, coreografía y música”. - ¿Cómo llegaron a “Giselle”? -Hubo varias etapas. Después de “La Tempestad” vino “ La Boda”, con el Ballet de Santiago, luego “Giselle” y ahora se viene “Artefacto”, donde ingresa Miguel Farías (autor de la ópera “El Cristo de Elqui”). Cada vez es un nuevo desafío, ahora incorporamos la orquesta. Con “Giselle” ya lo habíamos hecho, pero ahora en “Artefacto”

es una composición musical original, entonces partimos de cero: no hay música, no hay dramaturgia, no hay coreografía. A veces uno quiere hacer cosas diferentes, pero está limitado porque la música existe. Ahora vamos a tener una real conversación entre dramaturgia, coreografía y música.

- ¿Qué es “Artefacto”? -Partimos del concepto de la muñeca que toma vida, del fabricar y del hecho de autonomizarse, que tiene que ver con nosotros. Buscar quiénes somos. Tenemos varias referencias: la inteligencia artificial, Pinocho -el más obvio-, y el artefacto como idea de construir cosas. Pero estamos trabajando, no tenemos nada concreto.

CON LA DANZA URBANA Esta es la apuesta más innovadora

- ¿Está funcionando esta conjunción? -Sí. Sin una historia como relato, sino que con escenas ligadas entre sí. Para el público será muy reconocible y para mí será volver a ser pequeño, porque partí con todo esto; con el jazz, con el tap, con toda esa época de los musicales. La colaboración con los Power Peralta está llamando mucho la atención, incluso los Peralta han querido mantener el suspenso entre sus seguidores. “Que las cosas no queden aisladas y separadas, pero tampoco una en contra de la otra. Eso es lo más difícil porque no se logra un diálogo. Las disciplinas están una en contra de la otra, y no es la idea, porque así nunca vamos a avan-

zar, y eso es algo que yo siento mucho acá”, enfatiza.

LOS BAILARINES COREÓGRAFOS La temporada 2019 comenzará con “Laboratorio BANCH”, espacio donde 7 bailarines de la compañía presentarán sus creaciones. “En algún momento tuve la oportunidad de practicar coreografía en buenas condiciones, con bailarines profesionales, en un escenario, con luces y escenografía, es importante hacer el gesto de hacer pasar al otro lado a los bailarines”, comenta Guilhaumon. Como febrero es vacaciones para la compañía, debieron dejar todo listo en enero para solo ajustar detalles en marzo: “Esto ha sido muy importante para mí, y finalmente lo logré concretar para este año. Como sabes seguramente, en muchas compañías se hacen

estos programas especiales donde los integrantes del cuerpo de baile pueden dirigir a sus compañeros y crear”. Con este voluntario ejercicio, los bailarines toman otro lugar y logran percibir lo que antes no podían. “¡Desde este lado se ve todo!, me dijeron algunos. ¿Piensan que por estar al fondo de la sala no se ven, no se notan? Tú ves a los 20 bailarines y puedes saber exactamente cuál es el humor de uno o qué le pasa al otro “.

-Siendo los siete bailarines ¿De dónde sacan las herramientas para hacer coreografías? -Nunca estudié coreografía. Los estudios de coreografía son muy nuevos, antes no se estudiaba. Los coreógrafos, especialmente los más conocidos, ninguno de ellos estudió coreografía. Las cosas han cambiado y está bien que se estén generando y creando escuelas para estudiar esta carrera. Era como un escritor: tú aprendes a leer y a escribir, es lo

> EN PROFUNDIDAD mismo. Uno va mirando, guardando, sacando lo que te interesa y luego de eso, talento personal. Efectivamente hay herramientas, pero se pueden aprender en el momento. Recuerdo un maestro que tuve en Francia, que me decía: para aprender a hacer coreografías, hay que hacer coreografías.

- ¿Cuál es tu función como director dentro de estas creaciones? -Supervisor. Estoy supervisando y les di el marco: 10 minutos cada uno, ocupar los bailarines que quieran, libertad total de música y temática. Ya vi las obras y decidí es el orden, por una cosa de ritmo y de técnica. Para las luces les estoy ayudando, porque algunos no saben. Estoy muy contento con el resultado porque veo 7 cosas muy distintas y se puede reconocer la personalidad de cada uno. Nunca voy a intervenir porque ellos tienen que enfrentarse solos a sus propios demonios. Ninguno quiso renunciar en el camino, algo que podría haber pasado. Sus compañeros también les ayudan y los maestros asistentes están con ellos, entonces están en condiciones de creación como lo estaría un coreógrafo invitado.

GIRANDO POR FRANCIA Como fruto de un gran trabajo de visualización extranjera, el BANCH anunció, en su lanzamiento de la temporada 2019, su Primera Gira Internacional por 5 ciudades francesas como parte del programa “Scènes Nationales Françaises”. 14 · TIEMPO DE DANZA

“Ellos lanzan su programación entre marzo y mayo, por lo que aún no podemos contar en qué localidades estaremos, pero sí que son 6 funciones de la obra Puedo flotar?, de la japonesa Kaori Ito, creada en 2016 para el BANCH. Ella siempre ha presentado cosas en formato pequeño, entonces ver su obra con un grupo tan grande y con el ballet que jamás ha estado en Francia, será muy interesante”, argumenta Guilhaumon.

- ¿Qué se viene más adelante para ti? -Gran pregunta. Hay más: la gira a Francia puede ser un punto de partida. Desde ahí podríamos pensar en otras giras, en otros países, con más repertorio, con más propuestas. Entonces falta por hacer. También quiero seguir con este trabajo colaborativo en las creaciones, porque es algo que se puede potenciar aún más. El nuevo proyecto de Vicuña Mackenna 20 también va a generar nuevas ideas, se pueden implementar nuevas formas de trabajo. Ahora que se compró el teatro Baquedano, vamos a tener una unión entre los dos edificios, es decir, la sala de ensayo va a estar en Vicuña Mackenna 20 y el teatro se va a convertir en el Teatro oficial del Ballet Nacional Chileno. Con mejoras y renovaciones en el escenario, podrá ser en el futuro un polo de danza que reciba compañías en residencia como se hace en otros teatros del mundo, un proyecto que abre un nuevo espacio de posibilidades para la danza.

LOS DESPIDOS Las renovaciones, desvinculaciones, unos que se van, otros nuevos que llegan, son procesos necesarios para tomar nuevos aires. El BANCH no es ajeno a esto y para este año hay algunos cambios importantes en su cuerpo de baile. “Es la vida. Las cosas van cambiando, son ciclos. Incluso yo no soy eterno, y antes de mí hubo otros directores. y después vendrán otros, es normal. Es necesario para la vitalidad de una compañía, no hay nada más qué decir sobre eso”, nos dice Mathieu.

- ¿Cómo se lo toma la compañía? ¿Lo entienden? -Totalmente, además que no es nuevo. Antes de mi llegada se hacían renovaciones, no soy el gran innovador de esto y va a seguir pasando. Pasa en el Municipal, acá, en todas partes. Es triste que un compañero se vaya, pero al momento de llegar también generan nuevos encuentros. Siempre es bueno nutrirse de nuevas miradas, nueva savia para mantenerse activo.

> PROTAGONISTA

CLASES DE

BALLET CLÁSICO

Pamela Quero:

“A Chile le hace falta más cuerpo” texto Marietta Santi fotos gentileza Pamela quero

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Foto: Marietta Santi

> PROTAGONISTA

> PROTAGONISTA con un papá comunista y muy influenciado por la filosofía de los pensadores rusos. En los años ‘70 él consideró que yo tenía que tomar clases de ballet. Hubo que convencer a una maestra de danza que venía de Valparaíso, y me encantó. Esto no lo sabe nadie: hay fotos de Pamela Quero con tutú y zapatillas. Creo que es lo mejor que pudo haber pasado, que mi familia de clase trabajadora, de un pueblito, considerara que su hija pequeña tenía que destinar su tiempo libre al ballet. Había un esfuerzo muy grande de mi papá y mi mamá en pagar esas clases, que eran para una elite. Estuve cuatro o cinco años, después vino otra maestra, seguí tomando clases y después nada.

- ¿Algo quedó?

Pamela Quero está siempre presente a la hora de hablar de danza. Silenciosa, sus ojos oscuros y su cabello largo se asoman en las funciones, las charlas, los seminarios y todo lo que pueda satisfacer su interés por lo que hacen sus colegas. “Voy harto a ver danza, me gusta ¿por qué no hacerlo? Voy siempre que pueda; me gusta ver a los jóvenes que están desarrollando su trabajo, saber qué los mueve, qué los impulsa. Siento que a la danza le hace falta poner más atención a los ciudadanos.

“Hay muchos espacios donde la danza contemporánea tiene que estar”.

18 · TIEMPO DE DANZA

En espacios como éste (GAM), que es un espacio protegido, es fácil convocar y hacer una performance de danza colectiva, pero hay muchos espacios donde la danza contemporánea tiene que estar. Chile es un país muy grande, todavía falta presencia en regiones y también hace falta más presencia en la Región Metropolitana con los más feos, como digo yo. En la marginalidad”, dice de entrada. Su biografía es movida. Estudió donde Valero, la universidad ARCIS y el Centro de Danza Espiral, antes de irse a Europa con la compañía Teatro del Silencio. Es reconocida por sus solos (“La más Antigua”, “Ensimisma”), el incansable trabajo de su compañía -que lleva su nombre- y su trabajo en docencia e investigación en cueca

chilena. Por algo su currículo dice “indagadora”, al lado de performer y creadora escénica. “En lo que he visto últimamente hay mucho desarrollo con el pensamiento, preocupación de qué es lo que se dice en danza, qué se piensa en danza, muchos trabajos que se articulan en la calle, pero los siento muy en un lugar del intérprete solo con el intérprete, y poco vinculado con los otros. Hagamos un ejercicio ¿A quién le interesa la danza contemporánea en Chile hoy en día? Eso siempre me lo pregunto”, sigue cuestionándose.

-Pero ¿cómo partió Pamela? (Sonríe al escuchar la pregunta) -Mis orígenes están en La Ligua,

-Sí, el tomar la corporalidad como algo necesario. Y la fortuna de haber conocido la danza de la mano de las mujeres, porque es un mundo muy femenino. Otra cosa muy bella de mis papás se relaciona con el silencio y el contacto con la naturaleza. Me cuentan que yo andaba bailando arriba de las rocas, con el palito en el agua, en el río. Después llegó una chica a dar clases de danza moderna, que estaba muy vinculada con Gaby Concha. Como a los 16 años vine a Santiago a tomar un seminario de verano y me encantó, porque era danza contemporánea. Con mucho respeto pedí quedarme a mirar el otro seminario, con Gaby, y después la tuve en el Espiral como profesora. Luego de salir del colegio convenció a su papá durante un año para que la dejara estudiar danza en Santiago. Llegó en 1986, había escuelas cerradas y entró donde Va-

lero. “Sin ningún prejuicio, aprendí montones de disciplina y muchas danzas. Paralelamente audicioné al ballet que estaba formando Hugo Urrutia para TVN, llamado Abraxas. No quedé para el ballet, pero sí para el Abraxas junior, algo como el segundo elenco. Teníamos clases con Hugo y otros maestros, de ballet clásico y jazz. Terminó ese año, empecé a ver danza contemporánea y me encontré con algo maravilloso. El año ‘87 ya estaba estudiando la carrera de danza en el ARCIS”. Recuerda que se le olvidaba hasta comer. Junto con estudiar, bailaba con Nelson Avilés, con Elizabeth Rodríguez, y con mucha gente. Pero en Chile estaban pasando cosas atroces, y la joven Pamela tuvo que hacerse cargo: “Se torturaba gente, se estaban desapareciendo los cuerpos y ¿dónde estaba la danza? Se me hizo un quiebre, primero está la persona y después la bailarina, y decidí irme de esa escuela. El Espiral me pareció más acorde con la urgencia del país”.

-Ahí bebiste de la visión de Patricio Bunster, de Joan Turner…

-Todo el rato. Yo tomaba clases con ellos en el Café del Cerro, y cuando instalan la escuela de danza en la casa roja, yo ya estaba haciendo performances en espacios alternativos. Paralelamente a la formación en el Espiral, me vinculé cada vez más con el teatro.

- ¿Cómo sucedió eso?

-Me encontré con Andrés Pérez (lo andaba siguiendo por todos lados), y luego con Mauricio Celedón. Audicioné y pude integrar su compañía franco-chilena. Se viajaba

mucho, cumplía mis expectativas. Sentía que me merecía vivir esa experiencia de trabajo diferente a la que se vivía acá. Donde el cuerpo está instalado de otra manera, donde el cuerpo es muy urgente y político. Había el pulso y la escuela de una gran mujer, Ariane Mnouchkine, maestra de Pérez y Celedón. Durante muchos años, y a mucha honra, me consideré una obrera de las artes escénicas, porque mi formación es de otras disciplinas.

- En el teatro de Pérez y Celedón es importante el trabajo con el colega, el compañero. Para eso hay que dejar el ego.

-El ego lo pongo al servicio, con todos mis demonios. Todos probábamos un personaje, a sabiendas de que no lo íbamos a hacer nosotros. Eso es vivir en comunidad. Eso lo he vivido poco en danza. La experiencia con el Teatro del Silencio me caló hondo como persona. No seguí más porque quedé embarazada y estimé que tenía que vivir esa experiencia sola. Y volví a mi tierra, a mi pueblo, a encontrarme con ese espacio femenino que era mi mamá y mi gente.

EN CRISIS FECUNDA Dos años estuvo criando, en contacto con la tierra, pero cuando su hijo tenía alrededor de ocho meses de vida empezó a trabajar en Petorca. “Desde que tuve a mi hijo nunca más lo solté, hasta su preadolescencia. Viví una época bastante difícil para las madres. Desde entonces he sido madre, padre, gestora y proveedora. Volví a

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> PROTAGONISTA Santiago el ‘98 por la necesidad de trabajo, pero más por la necesidad de danzar”, confidencia. No fue fácil para ella vincularse con el medio de la danza de nuevo, pero otra vez fueron las mujeres las que le abrieron el camino. El ‘99 retomó el contacto con La Vitrina y audicionó para el montaje “Hombres en Círculo”. Al comienzo de la década del 2000 necesitó probar sus propias voces, así empezó a crear los solos que tanto la identifican: “Eché mano de todas las herramientas de las cuales dispongo: el canto, la voz, el teatro, la performance. Es un camino bien marginal, no voy a hablar de independiente, es marginal, porque siempre me he puesto al servicio de ese espacio que está poco visible para la danza contemporánea”.

> PROTAGONISTA presa, y reconozco esos animales que están mordidos, dañados, descosidos. Uno se mueve por amor, no me gusta la palabra convicción. Hay que hacerlo no más, si me lo hubiese cuestionado tal vez habría partido a buscar recursos.

“Me gusta hacer bailar a las personas”. -Falta cueca, ¿no?

“Uno se mueve por amor, no me gusta la palabra convicción”.

- ¿Qué quieres decir con marginal? -Marginal son espacios que están al filo; poblaciones, juntas de vecinos, espacios municipales sin fondos municipales, donde está el contacto directo con la gente, donde hay un proyecto chico, donde se paga a costa de hacer actividades. Me ha tocado trabajar con mujeres y migrantes sin el discurso de hoy. He trabajado con mujeres golpeadas, con gente angustiada, con gente que por todos los medios trata de reinsertarse porque viene de la cana. No he trabajado en la cárcel, pero sí con gente que ha estado 20 · TIEMPO DE DANZA

Averigüé que tocaban en la noche en el Rincón de las Guitarras, en calle Freire, una bohemia familiar. Desde ese día tengo una relación con la ciudadana y el ciudadano, me gusta hacer bailar a las personas, porque creo que la cueca goza de buena salud. Con las herramientas que he tenido, no tan solo de danza, llevo a los otros a que bailen su propia cueca. Su investigación es respetuosa. Y no habla de cueca chora ni brava, sino que prefiere decir urbana para que la mujer no se sienta obligada a ser “la mina”, siempre fuerte y sexy. “No es justo limitarnos”, dice Pamela, quien da clases a adultos, abuelos, mujeres y niños.

- ¿Cómo y cuándo te encontraste con la cueca? -Con la cueca me encuentro trabajando por encargo, para montar un pasacalle. No me acuerdo bien el año, pero como en 2007 fui a hacer un pasacalle a Valparaíso. Uno de los fines de semana previos al evento me quedé en el puerto, y en la Plaza Sotomayor estaban haciendo una prueba de sonido. Era una cueca interesante, llena de energía. Pasa un participante del pasacalle y me dice ¿profe qué hace acá? Resulta que un familiar de él tocaba y, cuento corto, terminé bailando cueca, enganchada a ese otro Valparaíso.

- Sí, es necesario instalarla. Afortunadamente esta cueca es visible todo el año, pero aún hace falta que lo sea en todo el país, porque tiene una soltura, una independencia, una vida diferente a la cueca oficial, que es estructurada en roles. A Chile le hace falta más danza, más cuerpo. Todos los colegas sabemos y sentimos cómo se atrasan las políticas para instalarla en la educación. Hay proyectos que instalan la danza como taller, tal vez un director se atreve en un jardín infantil, en una escuela o una escuela artística, pero no es siempre. Sería tan hermosamente diferente si tuviéramos más corporalidad.

- Yo hice clases a jóvenes en un taller de crítica de danza y les pregunté qué bailan ustedes, y me miraron con

cara rara.

-El año pasado se presen-Eso es la gran mayoría. Hay casos taron en el acto de clausura como en GAM, donde los chicos del proyecto: “Acceso la se toman los espacios para bailar. justicia a personas y grupos A mí me ha tocado hacer clases vulnerables” en el salón de en liceos municipales porque una profesora logró que la dirección del honor de la Corte Suprema. ¿Cómo sucedió? colegio abriera el espacio, donde cuesta levantar la energía de los jóvenes y de las muchachas. Es una realidad preocupante.

- Háblame de tu grupo, ¿cómo surge? - Empecé con algo que se me hizo más fácil, hacer y mover a los otros, conmover y convocar a los otros. Siempre sentí que era más interesante hablar con los otros, que de mí para los otros. Empecé a convocar a las mismas personas que conocía en los espacios comunitarios, y a los alumnos más vinculados a los espacios de arte. Empecé, hasta el día de hoy, a hacer montajes con bailarines, actores, cantores, señoras, señores, gente que se atreve. Ahí está mi mayor proeza: poder reunirlos, que se abuenen, se amen, se acompañen. Entiendan que primero es acompañarse, luego salir a bailar.

-No sé cómo llegaron a mí. Yo ya trabajaba hace mucho tiempo con el tema de los migrantes. Pero para mí son personas; la Lorena, la Valentina, la Nina, la Livia, el Aldemaro. Trabajé menos de una semana para hacer el extracto de diez minutos que presentamos, y no ambicioné más, no prometí más tampoco. En la música tengo la suerte de contar con una persona que resuena con mis espacios, mis colores, mis obsesiones del Valle Central, y pudo hacer notar esos acentos con los flautones, el guitarrón, las percusiones. Mi mayor fortuna es contar con personas que me quieren mucho, no somos amigos, pero me quieren mucho.

“Faltan más espacios para trabajar”.

- ¿En qué estás ahora?

-En una crisis de mujer madura, tengo 51 años, con muchas ganas de crear, tengo muchas cosas que decir y cosas que compartir. A estas alturas de mi vida, no sé, a lo mejor es el ego, pero creo que merecería cierta estabilidad. Faltan más espacios para trabajar, hay espacios que se han cerrado para algunos de nosotros, espacios municipales donde ya no existen los recursos. Me gustaría un espacio de formación y también estoy con ganas de perfeccionarme, de viajar, de ver otras cosas, otros colores, olores. Mi hijo todavía vive conmigo porque está estudiando, pero es un ser autónomo, no me necesita, está ahí por ese vínculo fuerte que tenemos.

- ¿Sientes frustración?

-Algo así, he conversado esto con otros colegas, aquí y en otros cafés. Hay cierta tristeza y frustración de que la danza no esté en esos otros espacios tan necesarios, no hablo de instituciones como las universidades o escuelas de danza, sino del Chile profundo. Como lo decían mujeres tan valiosas como Gabriela Pizarro, la señora Margot Loyola, la señora Patricia Barría.

> ENCUADRE

Alejandro Torres de la Barra

> ENCUADRE

Alejandro Torres de la Barra Fotógrafo profesional, egresado de Comunicación Audiovisual UNIACC. Exposiciones individuales Escalada Libre, exposición itinerante Ángeles Despiertos, Casa Museo Pablo Neruda en Isla Negra; Retratar el Movimiento Casa Museo Vicente Huidobro, Cartagena; Retratos de Chile, Casa Museo Neruda, Santiago. “Me gusta fotografiar personas, de alguna manera mágica se logra comunicar emociones y se logra generar una identidad personal a través de una forma de mirar de un ojo y trasmitir como ves tú, como eres. Fotografío danza desde hace unos 10 años, me cautiva sensorialmente me atrapa la cantidad de imágenes que se suceden vertiginosamente. Uno aprende a concentrar lo que ve en un rectángulo que muestra parte de lo que sucede y esconde otra parte que no se ve”.

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> ENCUADRE

> PERSPECTIVA

Migrantes salvadoreños

DANZA Y CULTURA

danzan sus raíces Texto Pamela Lagos Fotos gentileza Macehua

Macehua, agrupación folclórica salvadoreña, lleva 9 años promoviendo su cultura por diversos lugares de Santiago y alrededores.

En Chile habitan una gran cantidad de migrantes centroamericanos, una minoría de ellos son salvadoreños radicados en Chile por trabajo o por estudios. A muchos de ellos les cuesta adaptarse a nuestro clima, idiosincrasia y diferencias culturales, que se marcan aún más en la vorágine de Santiago, por lo que extrañan su tierra de origen. Gracias a la embajada de El Salvador, motivada por fomentar su cultura, los salvadoreños crearon un proyecto de danza folclórica que sirve a sus integrantes para tener un pedacito de su tierra aquí en Santiago. 26 · TIEMPO DE DANZA

Para informarnos sobre esta agrupación conversamos con el embajador de El Salvador en Chile, Víctor Valle Monterrosa, con la ministra consejera Marta Ramos, y con dos de los bailarines que confirman el grupo, Alexandra Padilla y Arturo Estupinián. Macehua es una palabra en lengua originaria náhuatl que significa danzar o bailar. Así bautizaron al grupo quienes lo fundaron en 2010, por iniciativa de la embajada de El Salvador en Chile. A estas alturas, la iniciativa representa el instrumento de proyección artística y cultural de

la embajada, coordinado por Marta Ramos, encargada de los asuntos culturales. El elenco está formado por cuatro a seis parejas de bailarines, la mayoría estudiantes que vienen a Chile a hacer estudios de maestría, posgrados o doctorados, quienes actúan de forma voluntaria con el patrocinio de la embajada, que ofrece los materiales básicos que requieren: vestuario, transporte, alojamiento y comida, para estar presente en alguna actividad cultural o política.

El Salvador es un país centroamericano con una combinación de culturas e influencias originadas por la interacción de: las comunidades españolas en tiempos de la Colonia, los ritmos afro por la irrupción de contingentes esclavos que llegaron a los países del Caribe, y lo autóctono de sus pueblos originarios, que descienden principalmente de los conglomerados culturales de México (los mayas en la antigüedad remota y los aztecas en un periodo más reciente), que se confrontaron con los españoles “De esas vertientes culturales con sus propios ritmos y sus propios instrumentos tenemos mucho”, explica el embajador Víctor Valle Monterrosa. Una de las danzas que interpretan es el Xuc (se pronuncia Suc), cuya música es un género musical folclórico creado por el salvadoreño Paquito Palaviccini en honor a las fiestas de la caña de azúcar. El nombre se origina de un instrumento de viento de El Salvador llamado juco, que al momento de tocarlo suena “xuc, xuc”. Recién en 1958, 16 años después de la creación del xuc, se creó la primera coreografía de este ritmo. Muchas de las danzas que interpretan son canciones salvadoreñas emblemáticas como: el carnaval de San Miguel, el xuc, el torito Pinto, el sombrero azul, entre otras. También bailan cumbia que, aunque fue creada en Colombia en El Salvador se hicieron algunas adaptaciones y es considerado un ritmo de mucha raigambre popular. Además, danzan baladas y canciones populares, algunas con temas que tienen

que ver con el conflicto armado y la necesidad de la paz, el canto a tradiciones que ya casi no existen (como el vendedor de carbón de casa en casa, la promoción del producto principal que es el café, etc.). “Así como en todas las culturas lo que se presenta es enaltecer el ser nacional y sus costumbres”, resalta el embajador.

“Lo que se presenta es enaltecer el ser nacional y sus costumbres”, embajador Víctor Monterrosa. Los trajes típicos e indumentaria expresan la identidad cultural de una región, en su mayoría del pueblo campesino. Las mujeres ocupan el traje de volcaneña, utilizado originalmente sólo por las mujeres de La Libertad y algunas zonas de la región central, hoy se considera

el más típico del país. Es un vestido amplio confeccionado con tela sedosa de muchos colores, como el arco iris, demostrando la alegría de su pueblo. Aunque también está presente la combinación de azul y blanco de la bandera nacional. El hombre viste el traje típico que se ve en casi todas las regiones de El Salvador, confeccionado de tela llamada manta, con una camisa y pantalón color blanco al que le han agregado parches de colores. En el calzado sandalias o botas, y un sombrero de palma. Además, llevan una matata o cebadera, especie de bolso elaborado con hilo de yute. “Esto rememora a los campesinos que solían cargar sus implementos y alimentos para las largas jornadas de trabajo en el campo”, señala Monterrosa.

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> PERSPECTIVA

RED DE APOYO Alexandra Padilla, bailarina del grupo, está estudiando un posgrado en gestión y políticas públicas en la Universidad de Chile. Se interesó en pertenecer a Macehua por su acercamiento desde los 7 años al ballet clásico y, más tarde, a la danza contemporánea y el folclor. En El Salvador tuvo formación pedagógica que complementó sus estudios universitarios, y enseñó a niños. En el grupo ha sido fundamental su colaboración en el aspecto técnico. Ella enseña los pasos, sus nombres, significado, procedencia y también a ejecutarse correctamente. “Fue un aliciente poder pertenecer al grupo, la proyección de mi país en el exterior y la oportunidad que da la embajada en cuanto a poder tener un pedacito de El Salvador en Chile”, expresa Alejandra. También fue importante el aporte de Luis Campos, quien integró Macehuea y realizó varias de las coreografías de los varones. Su presencia fue significativa para los bailarines, ya que les enseñó la historia de las danzas y perfeccionó la ejecución de sus pasos. Arturo Estupinián, bailarín de Macehua, lleva 8 años en Chile, pero tiene 10 fuera de El Salvador.

“Cuando uno sale de su país es cuando le toma peso a su cultura”, recalca. Recorrió un proceso de adaptación en Chile muy largo, que le tomó años, y aunque hoy se siente parte de la ciudad como un santiaguino más, precisamente se interesó en conformar el gru-

po porque extrañaba sus raíces salvadoreñas. Su acercamiento a la danza folclórica es desde su etapa escolar, en actos culturales y representaciones artísticas en las que participaba bailando. “Me sentía desconectado de mis raíces y el grupo me lo ha devuelto. Ahora tengo la oportunidad de recobrar el sentido de identidad de ser salvadoreño”, comenta. El grupo Macehua permite que sus integrantes tengan una red de apoyo a través de la embajada y de los compañeros que lo conforman, aparte de las que establecen en sus barrios, centros de estudio o trabajos

EL FOLCLOR COMO REFLEJO DE LA SOCIEDAD Al igual que cualquier danza folclórica, que más allá de ser un baile de parejas compuestas por un hombre y una mujer, o coreografías de grupos de mujeres o varones, con pasos que se ajustan a la música que varía dependiendo del lugar, país, continente, geografía, etc., las

danzas reflejan la idiosincrasia de sus pueblos, englobando también su cultura. En el folclor salvadoreño se encuentran particularidades que su gente asume como parte de su identidad. “La mujer salvadoreña se identifica con las cualidades que la representan de manera trabajadora, tenaz, organizada y positiva, porque su folclor remite sobre todo a la mujer campesina, que emprende labores fuera de casa para apoyar a su familia, demostrando una cultura de trabajo y de mucho esfuerzo”, aclara Alexandra Padilla. “El hombre de El Salvador es esforzado y perseverante, se siente reflejado en el campesino siempre con su sombrero, que hace referencia a las largas jornadas que tenía que trabajar bajo el sol para llevar el sustento a su familia. La conjunción entre el hombre y la mujer es muy representativa en nuestros bailes y cultura, que promueven el núcleo familiar como lo más importante”, expone Arturo Estupinián. En los bailes de pareja el varón es muy respetuoso, sobre todo en el

de la canción, realizar un acercamiento hacia la pareja. “El hombre salvadoreño es muy respetuoso hacia la mujer, también en su cotidiano vivir”, dice Estupinián. “En nuestras danzas está presente también la lucha del pueblo salvadoreño, en general tanto mujeres y hombres, somos personas que nos gusta salir adelante, proactivas, positivas y que buscamos el desarrollo a través de todas las actividades que podamos realizar”, agrega Padilla. cortejo hacia la mujer. A diferencia Macehua recibe múltiples invitade las danzas de otros países cenciones, presentándose en comunas troamericanos que tienen un coque- dentro y fuera de Santiago, centros teo más de piel. Por ejemplo, en la educativos, colegios, universidades, cumbia salvadoreña el galanteo es parroquias, ferias culturales, actos de forma gradual porque se inicia de políticos y hasta en el programa manera muy sutil para luego, a mitad Conectados, de TVN. Están siem-

PREVENCIÓN Y REHABILITACIÓN DE LESIONES PARA BAILARINES Y ARTISTAS ESCÉNICOS

KINESIOLOGÍA Y DANZA +56997815557

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pre abiertos a la participación, y hasta el momento lo han hecho en la celebración de la independencia de los países de Centroamérica, el Día Internacional del Migrante, la independencia de El Salvador, la conmemoración del día del Patrono San Salvador del Mundo, el aniversario de la escuela República de El Salvador en Valparaíso, entre muchas otras. Para estar presentes en estas actividades, los bailarines de Macehua adecúan sus tiempos y se juntan a ensayar en cualquier lugar, un parque, parroquia, la casa de alguno del grupo, de día, noche, fin de semana o festivos. Su entusiasmo y compromiso conlleva también sacrificios, al igual que cualquier compañía profesional.

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ROMÁN DÍAZ 82 • PROVIDENCIA

REHABILITACIÓN ACONDICIONAMIENTO FÍSICO MASOTERAPIA STRETCHING CAPACITACIÓN PARA BAILARINES Y ACADEMIAS

NICOLÁS CAUDULLO KINESIÓLOGO

EX BAILARÍN SOLISTA DEL TEATRO MUNICIPAL DE SANTIAGO

> EN ESCENA

Como una avalancha llegan Si me llaman Boys

Foto: Andy Valderrama

Texto César Sepúlveda

Con solo un año y medio desde su formación y una única obra estrenada, se han mostrado por en cuanto lugar son invitados debido a las mismas palabras de su director y coreógrafo Matías Aravena: ¡si nos llaman… VOYS”. Encontrar la fecha para la cita fue complejo, ya que el director del colectivo, Matías Aravena, no para y tampoco pretende hacerlo. Cuando logramos una fecha, un miércoles a las 18:00 horas, en Plaza Italia, media hora antes del encuentro el teléfono registra un mensaje de voz. El audio era la voz de nuestro entrevistado anunciando que llegaría media hora tarde, debido a que le había aparecido algo que no estaba agendado. Pero llegaría. A las 18:30 horas aparece saludando con un fuerte abrazo e

inmediatamente comienza a relatar que estaba mirando el trabajo de estudiantes de danza de la Escuela Moderna, en Bellavista. Luego salta de tema, cuenta en los proyectos en que están enfocados como colectivo y, dos segundos después, comienza a hacer referencias a una escena del próximo montaje. Así brotan cientos de comentarios que provocan la sensación de estar haciendo zapping, solo que ahora son arremetidas de una idea a otra, sin parar de hablar. Aravena es estudiante de danza de

la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, integrante de la “Compañía de Papel” -dirigida por Andrés Cárdenas- además de ser el director y coreógrafo de un colectivo que se ha hecho notar con tan solo una pieza en su repertorio: “Íntimo”. Esta obra nace de la necesidad de representar la no aceptación del hombre heteronormado que se para sobre la mujer sin ningún respeto, pero que también ejerce este poder sobre el mismo hombre, por una necesidad de estar sobre el otro, como una obligación TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 ·31

> EN ESCENA

- ¿Cómo nace el nombre del colectivo? -Estábamos en la casa de unos amigos carreteando y todos éramos bailarines, entre ellos: Ignacio Jara, Sebastián Mesa, Sebastián Meres, Sebastián Sepúlveda y Leonardo Cuadra. Uno de ellos, me dice: ¡hey! amigo no estamos haciendo nada, debiéramos hacer algo y tú debieras hacernos bailar, pero de verdad, haciendo funciones, no solo juntarnos y movernos. Prendimos todos con la idea. Después, otro dice: y por qué no hacemos un colectivo que se llame Si me llaman voy (haciendo referencia a un grupo de música de su colegio). Todo esto entre risas y tomando a chiste lo que estábamos hablando. Pero comenzamos a tomar en serio lo que decíamos y empezamos a tirar ideas como que sea un colectivo solo de hombres, que nos generaría

un sello, y entonces nos llamamos Si me llaman Boys. Todos aceptamos y partimos con la idea. “En junio del 2017 llamamos a audiciones abiertas para hombres al siguiente mes, donde daba lo mismo si eran bailarines profesionales, pero queríamos que fueran bailarines. La idea era que ojalá fueran de diferentes escuelas, como UNIACC, Escuela de Valero, la Universidad de Chile, Escuela Moderna, Humanismo Cristiano, etc.

“Prefiero apañar el trabajo de otro que enjuiciarlo”, Matías Aravena., director Si me llaman Boys. Por ahora somos de las tres últimas y no nos cerramos a nada, pero este año queremos volver hacer audiciones y esperamos que sean de otros lugares”, explica Matías.

- ¿Tiene algún sentido que

sean de diferentes escuelas?

-Claro, así podemos conocernos, generar relaciones con otras escuelas, intercambiar ideas y formas de ver la danza, fundar lazos entre los pares, generar diálogo (se queda pensando por breves segundo y arremete). Siento que hoy se crean rivalidades entre nosotros que más bien son estúpidas. A todos nos cuesta el trabajo, y que nos estemos cuestionando el quehacer del otro no es saludable. Prefiero apañar el trabajo de otro que enjuiciarlo. Conozcámonos, no tengamos miedo al trabajo, nosotros mismos debemos generar más trabajo.

“Nuestro primer trabajo fue en la dirección de deconstruir la norma”. - ¿Qué es lo que busca el colectivo?

-Primero ser un colectivo de varones. Algunas personas solo se

quedan con la idea de que somos un grupo de “colas”, y no es así, no está en nuestros ideales. Yo no soy gay. Ahora claro, nos reímos y jugamos con eso, y yo soy más gay que los gays, porque no sirvo para cuestionar a alguien por lo que es. Yo vivo con ellos, son parte de mi mundo, son mis amigos y por eso nuestro primer trabajo fue en la dirección de deconstruir la norma. Entendiendo el deseo del grupo de hacer un colectivo, teníamos que hacer un discurso y estamos en contra de delimitar el cuerpo en sentido de género. Debemos entender que el cuerpo es libre y uno elige el camino que quiere seguir, y no por ello es más o menos que otro.

- ¿Cómo evalúas el trabajo del colectivo? -Uf... es difícil la respuesta, pero creo que vamos súper bien, estamos por cumplir un año y medio y somos muy constantes desde la primera vez que nos mostramos. Imagina que en julio de 2017 realizamos audiciones y el 21 de agosto estrenamos “Intimo” con solo cinco personas, que eran Sebastián Sepúlveda, Eduardo Cuadra, Sebastián Mieres, Juan Mesa y Felipe González, en el 11º Festival Interdisciplina en el Departamento de Teatro de la Universidad de Chile. En la última función fuimos trece personas, ya que se integraron Moisés Quilodrán, Waldo Hey, Juan Gabriel Mauna, Matías Acuña, Francisco Sallato, Eduardo Cuadra y Sebastián Brown. También hay mujeres, que participan en el área audiovisual, como Paloma Escobar, y Victoria Vergara en producción y

gestión con Rayen Morales, junto con algunos bailarines y yo, que estoy en esta última área. “Creo que lo hemos hecho bien, solo llevamos una obra y ya ustedes (Revista Tiempo de Danza) nos están entrevistando. Mucha gente ya nos conoce como los boys. Imagina que todo partió como un juego, pero un juego que se tomó en serio

Danza Contemporánea de Valdivia, en el Teatro Municipal de Rengo, en La Reina, Espacio la Vitrina, La Escuela Moderna, Sala Agustín Sire y auditorio José Carrasco Tapia (U de Chile). “El mismo nombre lo dice, Si nos llaman Boys (voy), y nosotros vamos porque queremos hacer, queremos estar en movimiento, queremos poner en tensión nuestro trabajo”, precisa el director.

- ¿Cómo tomaste el rol de coreógrafo o director, si son un colectivo y supuestamente debieran trabajar en conjunto para el resultado final? -Las decisiones las tomo yo en lo que queda, en lo que se ve sobre el escenario, pero todos tenemos la capacidad de proponer ideas, que se prueban y evalúan. Este año estamos preparando un trabajo real de colectivo, donde estoy en la dirección y ellos (grupo) son desde un comienzo. Tenemos que los que generaran cosas. Creemos agradecer al departamento de danza que alguien tiene que estar afuera, y de la Universidad de Chile que nos en este caso soy yo. ha dado un espacio para creación. Piensa que todos somos estudian- ¿Qué se viene ahora? tes, por tanto, trabajamos en el -Siempre estamos replanteando, colectivo después de que cada uno conversando qué queremos hatermina en sus respectivos centros cer y para dónde queremos ir. de estudios, y de igual forma nos Pero siempre hay algo presente apoyan”, enfatiza Matías. en nuestro trabajo, el no olvidar Dice que la Escuela Moderna que todos somos estudiantes, que también creyó en ellos, que Sonia tenemos tiempos limitados. No Araus - maestra de esa instituciónqueremos bajarnos del barco, pero los invitó a participar en el encuen- muchas veces hemos dicho que no tro Jóvenes Coreógrafos en 2017, a presentaciones por tiempo. Ahora cuando solo tenían algunos meses nos gustaría que fuera un colectivo trabajando juntos. A la fecha se abierto, donde puedan llegar otros han presentado en el 9° Festival de a trabajar. Jorge Nogales

de imponerse sobre el más débil.

> EN ESCENA

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> VISIONES

Flamenco desde lo sutil Por Carolina Jiménez Fotos: Teresita Pérez

Una compañía de flamenco se está gestando desde 2018, con una nueva propuesta estética. Las experiencias cotidianas vividas fuera del país por Carolina Cussen y Juan Aguirre permean su proceso creativo.

Una tarde calurosa en Santiago nos reunimos en la escuela de danza La Academia, a dialogar acerca de la compañía flamenca de Carola Cussen y Juan Aguirre, titulada Sencillamente Flamenco. Ellos están sumidos en una búsqueda artística desde julio de 2018, momento en que comienzan a trabajar para una creación que presentarían en el Teatro del Lago. En ese sentido, ambos agradecen el apoyo que recibieron desde esta institución, y que gatilló la concreción de una apuesta conjunta en el ámbito flamenco. En cuanto a la relación entre lo escénico y la biografía de los bailarines, habría que señalar variados aspectos relevantes. En primer lugar, que Carola se asienta en Cuba y ahí toma clases de técnica académica, con Gladys Acosta, y de flamenco en el Centro Andaluz de La Habana. Su formación allí fue por alrededor de dos años. En concordancia con su proyecto de vida, Juan eligió vivir en Sevilla, donde se radica por once años. En ese entorno, y considerando la forma de habitar el cuerpo de tal comunidad, su desarrollo como bailarín está íntimamente ligado a la admiración que siente por sus maestros: Juan de los Reyes, Rafael Campallo, El Oruco. Su motivación en Chile es reivindicar a tales mentores y honrar aquello que representan en la ciudad andaluza. A partir de este bagaje, ambos están creando una propuesta artística que aún no se cristaliza en algo fijo. Más bien se están permitiendo un proceso de exploración abierto, muy centrado en la fluidez y flujo que necesitan en este momento de gran creatividad. Sin embargo, su apuesta es decidida: se quieren proyectar como una compañía que realiza su trabajo con criterios profesionales, lo cual muestran en cada gesto: un cuidado vestuario, la música que se interpreta sobre el escenario, iluminación y el registro gráfico de cada presentación. En cuanto al vestuario, llama la atención en sus videos y fotografías que

se los visualice empleando algo más “tradicional”, a pesar de la moda de usar indumentaria más contemporánea y ecléctica. Esto guarda relación con lo anteriormente señalado de crear en el presente, y en Chile, pero teniendo en cuenta lo que acontece en Sevilla.

Para Juan, el taconeo es un lenguaje y trasciende lo que se podría percibir a primera vista. Carola y Juan buscan transmitir una perspectiva lo más genuina posible acerca de las experiencias de la gente. Y en ese sentido desean relevar el valor de la cotidianidad de la vivencia andaluza. Juan enfatiza que su propósito es resguardar la transmisión cultural que ahí se perpetúa en el tiempo, y que habitualmente ocurre en la relación maestro/discípulo. Y se emociona al recordar a Andrés Peña, otro de sus maestros, quien presentó junto a Pilar Ogalla un montaje llamado “A fuego lento”, propuesta bastante minimalista

en lo escénico, pero muy intimista, rica y viva al mismo tiempo. Destaca que ha sido inspiración para él, desde entonces.

Carola y Juan buscan transmitir una perspectiva lo más genuina posible acerca de las experiencias de la gente. Lo anterior implica poner el foco en aquellos gestos mínimos, que no se articulan intencionadamente o de un modo forzado, y que pertenecen al pueblo residente y a quienes aman este modo de relacionarse. Desean ofrecer “espectáculos en los que se perciba lo vivo y sutil que aún emerge en las calles, hogares y bares andaluces”, alejándose de los tópicos convencionales al respecto. Intentan constituir una estética de lo sencillo, resaltando la belleza de lo simple. En esta propuesta, el espectáculo se concibe como un medio para comunicar la intimidad de los sujetos, y del acontecer. El impulso creativo se orienta a la “expresión de lo profundo que está presente en el cante y la música tradicional flamenca”. Más que la forma o la difusión de los prototipos imperantes, el foco es otro, es el fondo que contiene la raigambre cultural. Les interesa dar a conocer una aproximación centrada en la intimidad, en aquello que es universal, porque permite conectar con los sentimientos más vívidos y reales. Juan señala que quisiera seducir al público, y que su desafío como creador y como compañía sería enamorar al espectador con lo que le emocionó al tomar contacto con el flamenco, y con lo que le conmueve hoy. Para Juan, el taconeo es un lenguaje y trasciende lo que se podría percibir a primera vista. Desde su particular punto de vista, y en sintonía con su rigurosa formación en Sevilla, es la práctica regular y constante que forja al bailarín. Relata que en ocasiones TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 ·35

> VISIONES

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habita desea que esté determinado por otras relaciones con nuestro mundo afectivo. Carola también otorga gran relevancia a lo conversado en su labor como docente, e intenta transmitirlo a las niñas y sus padres. Lo fundamental son ellas y sus cuerpos: si un día llega una pequeña sin calzado adecuado, no se complica y la invita a tomar la clase así, descalza, y de este modo sus alumnas tempranamente deben aprender que “el flamenco es mucho más que los zapatos perfectos, o emplear ropa traída de España”, dice. Le gusta ser consciente del desafío que enfrentan los padres, porque sus alumnas

Nacho Rojas

estuvo horas taconeando una coreografía aparentemente muy simple, y que hoy valora mucho más a sus maestros y la exigencia de éstos de repetir reiteradamente la rítmica del flamenco. Con el tiempo se ha ido percatando de que “una secuencia rítmica puede parecer sencilla y sin embargo contener tantos matices que el desafío para los bailaores es interpretativo”. Por ello, en la medida que esos bailaores dominen la base musical pueden fluir e improvisar mostrando los aspectos sutiles e interpretativos de los temas musicales. Así, no importarían tanto las poses o proyectar imágenes bellas en el escenario, como irradiar algo lo más auténtico posible. Una anécdota en ese sentido es que algunos espectadores le han dicho que a veces hace muecas, preguntándole si está bien, y él ha respondido que sí, que sólo está entregándose completamente en el escenario y viviendo un proceso de introspección, muy conectado a los músicos y su interpretación. Cabe destacar que una de las cantaoras es su esposa sevillana. Lo que potencia el trabajo de la compañía. Carola aporta matices en este aspecto. Para ella, el zapateo “abre un espacio de autoconocimiento y contacto con sus propias emociones”. Le invita a “dejarse llevar, a permitir algo que no tiene explicación ni soporte” y, especialmente, “a dejar en silencio” su mente de ingeniera. Ella vive el flamenco desde un ámbito visceral, intuitivo y no convencional de sí misma: le ofrece retos, pero al mismo tiempo es un lugar muy nutritivo. Juan sintoniza con esto, e incluso plantea que muchas veces él se sitúa desde una perspectiva de “resistencia a pensar”. Le importa crear contextos de no racionalidad y, en estricto rigor, parte de su devenir como bailarín y docente de flamenco se ha sustentado en esto. Él subraya la importancia de que “no se siga fomentando la racionalidad en todo contexto y lugar”, y que este espacio de flamenco que él

> VISIONES crecen y sus pies también, y por ende a veces elige ser flexible en cuanto al uso de los zapatos, porque “aunque sean necesarios, no constituyen algo fundamental”. En cambio, la presencia y conciencia de sí mismas es extraordinariamente esencial para ella.

“El flamenco es mucho más que los zapatos perfectos, o emplear ropa traída de España”, Carolina Cussen.

CUERPOS REALES En la actualidad - y cuando la filosofía feminista se ha tomado la agenda pública-surge con fuerza la perentoriedad de pensar qué cuerpos femeninos y masculinos se construye en los distintos espacios culturales, pues en ello se cristalizan adscripciones éticas y estéticas de los creadores. En ese sentido, en nuestro diálogo emerge el respeto por la experiencia y por la madurez interpretativa que puede lograr quien se sostiene por un largo tiempo en la práctica del flamenco, y cuyo efecto concreto es que tal praxis se asienta en el cuerpo. La idea es venerar lo vivido y mostrar sobre el escenario cuerpos reales. Ante el exceso de hiperestetiza-

ción y la difusión de cuerpos jóvenes en la publicidad, anteponen el cuerpo vivido en lo cotidiano, y no les cabe duda en cuanto a plantearse la posibilidad de colaborar con bailaoras o bailaores de mayor edad. La lozanía no necesariamente es una ventaja, y para ellos es atractivo precisamente lo contrario: cuerpos de todas las tallas y, sobre todo, “intérpretes que han incorporado en su corporalidad un acervo rico y variado de emociones, a partir de las cuales pueden irradiar y transmitir la diversidad de sentimientos presentes en el flamenco”. Los palos (ritmos) para ellos son “fuentes de inspiración y creación precisamente por la diversidad de estados de ánimo que evocan, y en ese sentido son inagota-

bles: siempre es posible aproximarse desde un nuevo enfoque a los temas musicales y el ritmo”. En sus espectáculos quieren atrapar a quien los contempla, y hacerlo desde la convicción de que su propuesta es una invitación a viajar imaginariamente a España y Andalucía, y a transitar por diferentes emociones, de un modo nítido y vívido.

AUDIENCIA AMANTE DEL FLAMENCO

En cuanto al público para el cual están creando, Carola y Juan se conciben como una compañía con un espíritu más bien universalista, no de nicho. Están conscientes de que la danza en general tiene una audiencia poco regular, y efímera. Atendiendo a esta realidad, no desean una audiencia específica, y al contrario les motiva conmover a muchas personas, con la mayor amplitud posible. Quieren que quienes sean espectadores en sus obras establezcan un contacto con el arte del flamenco. Lo esencial de su propuesta es emocionar, desean que el dominio sentimental sea el que convoque a públicos de diferentes sitios de Chile a presenciar sus creaciones. En contraposición a nuestra cultura occidental, que resalta en extremo la resolución inteligente de los problemas y la elaboración intelectual de casi todo, anteponen el sentir. Desde ese registro sensorial, sensual, emocional y dúctil del cuerpo, quieren comunicar su aproximación particular al flamenco, en una incitación a vivir con plenitud la cotidianidad, estando enraizados y con un sentido de presencia al contemplar sus obras, y en nuestro diario vivir. Exhortamos a los lectores de Tiempo de Danza: disfrutemos del trabajo de Compañía “Sencillamente Flamenco”, gestada por Carola Cussen y Juan Aguirre, con el apoyo de Teatro del Lago y La Academia. TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 ·37

> NOTIDANZA

Tres obras emblemáticas en palabras

La danza se tomó San Antonio En febrero se llevó a cabo el Sexto Encuentro Danzalmar, esta vez en el centro cultural del renombrado puerto de la V Región.

Gladys Alcaíno investigó el proceso tras “Los Ruegos”, de la compañía Movimiento; “El Cuerpo que Mancha”, de Paulina Mellado; y “Sótano”, de Luis Eduardo Araneda.

Texto Cristián Rojas Fotos Centro Cultural de San Antonio

Acercar la historia de la danza nacional a las nuevas generaciones y poner en valor y salvaguardar el patrimonio artístico material e inmaterial de las artes escénicas, son los objetivos propuestos por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, para el desarrollo de los tres textos de Patrimonio Coreográfico que se lanzaron a fines de enero en el Centro Gabriela Mistral, GAM. Para la ejecución de este proyecto, la escritora e investigadora Gladys Alcaíno Pizarro trabajó durante 2018 recopilando información para publicar los libros que documentan la investigación artística e histórica de las obras “Los Ruegos”, de la compañía Movimiento; “El Cuerpo que Mancha”, de Paulina Mellado; “Sótano”, de Luis Eduardo Araneda; “Sin Respiro”, de Elizabeth Rodríguez; y “Jaula uno, Ave dos”, de Vicky Larraín. La investigación de “Estructuras”, de Carmen Bechaut, fue realizada por Carolina Carstens.

Ciento ochenta bailarines, que desplegaron distintas expresiones dancísticas frente a un público comprometido y de más de mil personas, desfilaron por el escenario del VI Encuentro Danzalmar. La iniciativa, convocada por el Centro Cultural de San Antonio, se vivió el 2 y el 9 de febrero pasado entre la brisa marina y el canto de las gaviotas. Se trata del resumen de las actividades de todo un año de las escuelas de danza y cultores de la zona, al que se suma la presencia de connotados exponentes de la disciplina de la Región Metropolitana. Verónica Palomino, directora del Centro Cultural, hace hincapié en la necesidad de visibilización de estos espectáculos, para que “la capital sepa lo que estamos haciendo acá, un show de alta calidad, gratuito para la gente y con muchos participantes”. El último día el espectáculo fue dividido en dos segmentos: el primero de ellos se inició aún de día, con el mar como telón de fondo, en un equipado y tecnológico escenario. Allí se presentó el grupo folclórico Bafosan, con un cuadro alusivo al norte de Chile, con diabladas y caporales. Luego les tocó el turno a las academias Diamonds Dance Group, Escuela de Danza Moderna

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Esta vez se presentaron las publicaciones de las tres primeras obras, que ya fueron remontadas desde el área de danza de Ministerio de las Culturas. La iniciativa, nacida en 2014, consiste en remontar y volver a presentar a la ciudadanía aquellas coreografías emblemáticas en la historia de la danza nacional. La ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés, estuvo presente en el lanzamiento y destacó que “hoy contamos con estos tres primeros textos que se sumarán a una nueva entrega durante este año, que nos permiten acercar un poco más la historia de la danza nacional a las nuevas generaciones de artistas y a la ciudadanía en general”. “Quiero felicitar a todos los responsables de este trabajo porque no sólo constituye un documento valioso sobre los procesos creativos y contextos en los que nacieron estas obras, sino que además es una acción contundente

de rescate y archivo del patrimonio inmaterial de la danza”, agregó la secretaria de Estado. “Los ruegos”, de Claude Brumachon junto a la Compañía Movimiento fue estrenada en 1997 y remontada en 2014; “El cuerpo que mancha”, de Paulina Mellado; y “Sótano”, de Luis Eduardo Araneda, se estrenaron en 1992 y son los primeros títulos publicados. El segundo set de publicaciones se entregará en el transcurso de este año. Los libros pueden descargarse de: https://www.cultura.gob.cl/wp-content/uploads/2019/01/isbn978-956352-302-7_el-cuerpo.pdf https://www.cultura.gob.cl/publicaciones/patrimonio-coreografico-los-ruegos/ https://www.cultura.gob.cl/publicaciones/patrimonio-coreografico-sotano/

de San Antonio, Escuela de Danza Renato Montoya, Estudio de Danza Shut Up and Dance, y Elenco de Danza Espectáculo del Centro Cultural San Antonio. Poco a poco la luz natural fue retirándose y el escenario comenzó a llenarse de luz y energía. En su pantalla led gigante, cada agrupación proyecta las imágenes que necesita para crear atmósfera. Debemos hacer especial mención a la participación de S.A. Breakers, grupo de bailarines de brake dance que usa los espacios callejeros para crear sus coreografías. Siendo la improvisación la base de la disciplina, ellos hicieron notar su trabajo con una gran puesta en escena. Los bailarines - principiantes, amateurs y profesionales- hicieron vibrar a las casi mil personas que formaban el público, con ballet clásico, danza contemporánea, moderna, urbana y folclor, sin dejar de mencionar lo variado de sus edades. Partiendo de la premisa de que TODOS PUEDEN BAILAR, un grupo de 5 señoras de la tercera edad entregaron pura emoción en un cuadro llamado “Las Viudas”. El segundo bloque, pese a las dos horas de espectáculo, el frío cayendo con la brisa marina y el cansancio, siguió

con fuerza hasta el final. Este fue el segmento de los invitados profesionales de la disciplina, con los destacados exponentes Andrés Salas, coreógrafo en TVN y asistente de coreografía del Festival de Viña del Mar; Davis Sáez, del staff del programa Rojo, y ex bailarín del BANCH; Cris Marambio, bailarín y coreógrafo egresado de la Universidad de Chile; Jean Paul Bauer, figura de la compañía Sara Nieto; Las Players, bailarinas de ritmos urbanos; Santiago City Ballet y Doyo Danza Urbana. “Año a año hacemos el esfuerzo por dar continuidad a este espacio, tanto para las agrupaciones que son de acá como para traer a profesionales de gran nivel, porque sabemos que existe un público creciente para la danza en nuestra provincia. Por eso estamos muy contentos con la convocatoria lograda”, dice Verónica Palomino. Sin dudas este encuentro no debe acabar. Es un espacio que crece año tras año y que hay que cuidar, como promotor de la danza y creador de nuevas audiencias. Su planificación es digna de imitar por su agilidad en escena, ya que dos horas y media de espectáculo no aburren ni cansan. Todo por la danza. TIEMPO DE DANZA · MARZO 2019 ·39

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Tiempo de Danza y Gam lanzan edición N°17

El 5 de diciembre se realizó un nuevo coloquio en la sala de conferencias del espacio cultural, y además celebramos 3 años de vida de nuestra revista. La danza chilena se hizo presente, en toda su gama, desde el folclor al butoh. ¡Mu-

Fotos César Sepúlveda y Marietta Santi

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chas gracias por acompañarnos!

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