Global Grisart Nº 22

SUMARIO

EDITORIAL

RENÉ GROEBLI: “UNA MIRADA JUSTA Y POÉTICA, EL OJO DEL AMOR”

FESTIVAL PANORÀMIC 2022: “EL CUARTO PAISAJE”

Síntesis - “Toros, the marking of a territory” - “La ficción y la foto como herramienta política” - “Paisajes virtuales y de fantasía para llegar a una nueva realidad” - “Viaje en Panoramic 2022...

¡A cabalgar!” - “Nutscell Studies”“Envíame la foto”Cristóbal Ascencio...

ARLES 2022

La escuela Grisart en Arles - Viaje en el centro de Arles

PARÍS PHOTO 2022

Jean-Matthieu Gosselin y Ullic Narducci

ENTREVISTA DE FLAVIO EDREIRA EXPOSICIONES Y FOTOLIBROS

EXCELENCIA

LIBRE OPINIÓN DE CRISTOBAL ASCENCIO

GLOBAL GRISART

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

EDITORIAL

¿Cuáles son los fundamentos de la mirada de un artista, fotógrafo, pintor, escritor...? ¿Qué busca el artista con su mirada? Entre la visión y la imaginación, están escondidas realidades y fantasías. Y si en verdad puedes ver lo visible, también puedes concebir lo invisible. Como apuntaba Baudelaire al describir un paisaje de Cézanne (“La Montagne Sainte Victoire”): “La imaginaciónhaceelpaisaje”.

En las últimas tres décadas, la fotografía ha modificado los axiomas, modelos y paradigmas que tomamos como base de cualquier enfoque descriptivo, interpretativo y hermenéutico; se ha pasado de la narración historiográfica o ficticia, o del lugar fijo que se despliega en el eje del tiempo, yendo del pasado al presente, o del presente al presente, para centrarse en la referencia espacial, el fotógrafo reflexiona sobre las posiciones geográficas, los lugares perdidos, los territorios culturales, la intimidad

y la extimidad hasta la memoria perdida y reconstruida o bien la abstracción pura... Ahora la mirada se confronta a la cuestión del tiempo, de la distancia histórica, de la dilatación espacial, de las diferencias culturales y de lo íntimo. Reflexionando sobre la mirada, Santo Tomás creía sólo lo que veía, mientras que Platón advertía de las sombras en la caverna que vemos y tomamos por “La” realidad, mejor dicho “Una cierta” realidad. James Stewart en “Rear Window” de Hitchcock, registra pero también transforma lo que ve frente a su casa; o bien la carta robada del cuento “The PurloinedLetter” de Edgard Poe, estaba bajo la mirada de todos para no ser vista...

Régis Debray subraya en “Vie et mort de l’image” que “Debemos olvidar el lenguaje delaestéticaparadescubrirlaoriginalidad delo‘visual”...”. Lo esencial es invisible, dijo el principito: ¡da rienda suelta a tu mirada!

Jean-Matthieu Gosselin

RENÉ GROEBLI

René Groebli, nació en 1927 en Zúrich, y formó parte de la generación de fotógrafos suizos que, tras la Segunda Guerra Mundial, imprimieron la historia de la fotografía del siglo XX.

René Groebli creció en el distrito Enge de Zurich, donde completó sus estudios secundarios en el Langzeitgymnasium. A los 15 años, comenzó a fotografiar con la Rolleiflex de su padre. Después él inicia estudios en una escuela de tipo científico, pero se da cuenta rápido de que quiere ser camarógrafo. Pero no existía ninguna formación explicita, por lo que decidió comenzar un aprendizaje como fotógrafo en el taller de Theo Vonow en Zúrich, en 1944. En 1945, asistió a la clase preparatoria de la Universidad de Arte de Zúrich (Kunstgewebeschule) y posteriormente se matriculó en la clase de fotografía, donde seguiría las enseñanzas de Hans Finsler en la célebre clase de fotografía de la escuela de arte de Zúrich, donde también estudiaron Robert Frank, Werner Bischof y René Burri...

Allí René conoció a Rita Dürmüller (1923-2013), su futura espos. Luego continuó su formación como camarógrafo y obtuvo su diploma.

A partir del momento se distinguió por crear imágenes que dan tanta importancia a la emoción como a la información. La gente le considera ya como fotógrafo disidente de todas las clasificaciones profesionales. Hacia fotorre-

«Una mirada justa y poética: el ojo del amor»

© René Groebli

portaje durante un cuarto de siglo y a medida de los años él destacó su creación personal en perpetuo movimiento. René se dio a conocer en 1949, con la serie «LaMagieduRail», una aventura ferroviaria en blanco y negro (un poco como el trabajo de Winston Link en los EE.UU.) El fotógrafo está situado en una locomotora; desde ahí grabó la odisea mecánica de la máquina de vapor y creó una narración cinematográfica que impone el ritmo de otra época, el movimiento toma el tiempo, el paisaje sobrepasa al ritmo de las traviesas y los túneles de piedra que bordean la ruta del tren o los puentes de hierro.... Más tarde empezó trabajos más personales, y más íntimos.

En la década de 1950, trabajó como reportero para la agencia londinense “Black Star” y publicó en las principales revistas de la época, luego abrió un estudio de fotografía publicitaria e industrial que mantuvo hasta su retiro.

Decidió exaltar, en 1953, en «Elojodel amor», el sentimiento amoroso. Y publicó en 1954 un fotolibro precioso: “Das Auge der Liebe” (“L’Œil de l’amour”).

La publicación de estas fotografías íntimas causó cierta polémica a la época -pero este año 2022 fueron exhibida en la exposición colectiva “Love Song” en la primera sala de la expo en la Maison Européenne de la Photographie de Paris junto a 20 otros fotógrafos-, pero sin embargo este trabajo llamó la atención sobre el artista.

René retrata a Rita en un conmovedor, delicado, tan dócil como sutil y, al mismo tiempo, inspirado por un erotismo un poco ligero, testigo de la autenticidad de sus sentimientos por su amada, sumergiendo al espectador en un universo íntimo, suave y sensual.

A través de sus fotografías, tradujo sus sentimientos sensuales y amorosos de recién casado durante la luna de miel con su esposa Rita. Se trata probablemente de una de las más bellas

“Ensayo fotográfico fotografiado en 1949 con Leica y Twinlens Rolleiflex en Francia, principalmente en París y sus suburbios, seguido de un viaje en tren de París a Basilea en una locomotora de vapor exprés.”

RAIL MAGIC

“Una cama sin hacer, un vestido colgado, una botella de vino abierta, un reflejo en el espejo. Y Rita, por supuesto, desde todos los ángulos, desnuda o vestida, en primeros planos o en fragmentos.”, LeMonde, 2017

© René Groebli

© René Groebli

declaraciones de amor de la historia de la fotografía. René siguió este trabajo durante largos años, haciendo fotos de la pareja cada año en la fecha del aniversario de bodas en el mismo hotel en Montparnasse en Paris.

En 1955, algunas fotografías de René Groebli aparecen en la exposición “The FamilyofMan” organizada por Edward Steichen para el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

En los años sesenta, René Groebli fue uno de los exploradores en el uso del color. Ya sea en trabajos por encargo para la industria o en trabajos personales, sus experimentos en torno al desarrollo de la imagen en color son muy buenos. René Groebli se dedicó también a la fotografía publicitaria. Publicó las obras “Variación” (1965) y “Variación 2” (1971) que le valieron fama internacional.

En 1971-1972 rea- lizó un largo viaje a Perú donde fotografió en blanco y negro la vida cotidiana de los habitantes de la Cordillera de los Andes, en el espíritu de lo que había hecho Werner Bischof veinte años antes. Hasta los años 90, siguió desarrollando su mirada única y radicalmente moderna.

Las fotografías de René Groebli son muy técnicas, muy estéticas y reflexivas. El artista se dirige al espectador de forma sencilla, bastante clara y franca. Su imaginación, muy emancipada, de artista completamente “creador libre”, se expresa en muchas de sus series a través de visiones a veces surrealistas que mezclan el erotismo, la exaltación, la naturaleza, la arquitectura y los objetos.

A partir de la década de 1990, Groebli bucea en su pasado y se compromete a revisitar sus archivos personales de sesenta años de una vida de fotógrafo a tiempo completo. También se dedica a la exploración de los desnudos femeninos, jugando con doble-exposiciones y recreación de colores. Después recibió varias distinciones, como el “Schweizer Fotoschaffen Photo 06 Lifetime Award”, así como el “Lifetime Award” de la Academia Suiza de Fotografía”. En 1999, la “Kunsthaus de Zúrich” le dedicó una importante exposición retrospectiva.

René Groebli en su obra desarrolló el desenfoque, lo estimulaba y lo controlaba. Entendía que en fotografía, el

desenfoque puede ser una escritura fuerte del movimiento, siempre que esté asociado a una gramática de lectura indiscutible, es decir: el efecto de alguna nitidez. Al principio Groebli era fanático del blanco y negro; sus trabajos en color posteriores, en los que utilizaba técnicas experimentales, le

valieron también una fama internacional. La obra de Groebli, que puede ser entendida tema por tema y/o por técni ca, es un compendio de la historia de la fotografía del siglo XX.

Jean-Matthieu Gosselin

© René Groebli

© René Groebli

©René

FESTIVAL PANORÀMIC 2022

“El cuarto Paisaje”

El Festival Panoràmic 2022 estuvo centrado en el concepto del “cuartopaisaje”, es decir “esas alteracionesdelentornorealpor realidadesdigitalesovirtuales”. Durante cinco semanas ha reunido a casi un centenar de artistas en más de una veintena de exposiciones, gran parte de ellas ubicadas en la antigua fábrica Roca Umbert, muy escenificadas; el resto en el centro de Granollers en los varios museos, en el cinema Edison, en el antiguo refugio antiaéreo de la ciudad, y también en varios lugares de Barcelona.

Había fotografías, presentaciones audiovisuales, proyecciones de películas e incluso el uso de realidad aumentada y de creaciones con la inteligencia artificial; sin olvidar debates, talleres y conferencias...

Destacaron tres obras famosas: la obra coral del grupo de ex fotoperdiodistas Riverboom, que a partir del perfecto de las imágenes de Ansel Adams, proponen un trabajo hasta el detalle llamado «Bringin intimacy into the Landscape», quizás un título es demasiado obvio en lo relativo a la sutiliza del trabajo. La segunda era la recreación de imágenes icónicas de la mano de Jojakim Cortis y Adrian Sonderegger con el famoso «Icons», aquí comisariado con gusto y mucha voluntad didáctica por Andrés Hispano. Este es un proyecto conocido mundialmente que descubre imágenes emblemáticas de la historia de la fotografía internacional a través de la recreación minuciosa de la imagen en su estudio, incluyendo los rastros del proceso de producción y los instru-

mentos utilizados, mezclando diferentes niveles de realidad e ilusión. La tercera era la instalación audiovisual de la videoartista suiza Ursula Biemman, un proyecto desarrollado en la Amazonia Colombiana «Forest Mind» (2021) durante años y que conjuga varias corrientes de conocimiento alrededor de la inteligencia de las plantas, las relaciones interespecie y la codificación de la vida. Las tres estaban ubicadas en la gran sala de exposición montadas sobre una capa de tierra que cubrían por completo el cemento original.

En otra sala de Roca Umbert se exponía el trabajo de la fotógrafa mexicana Mayra Martell, que mostraba fotografías de la devastación natural de una ciudad minera del Perú, hoy en emergencia climática, y de la devastación urbana de Ciudad Juárez. Es muy potente y obliga a la reflexión sobre la pobreza, el cambio climático y el capitalismo y sus degradaciones. ¡Una muestra formidable!

Txema Salvans exponía en el Museo de Granollers una exposición muy

original comisariada por Albert Gusi y Andres Hispano con un titulo a lo Renoir : «Undomingocualquiera» Una muestra sobre los no-lugares, espacios desérticos, pero no deshabitados, -para nada- que se convierten en espacio de investigación antropológica y sociológico, como lo es el parking de un Carrefour en Catalunya, pero que podría ser en cualquier lugar de la Península, un domingo por la mañana. Una muestra también para entender lo que es la mirada de un fotógrafo.

Por su parte, la artista inglesa Suzanne Moxhay presentó en el Teatro Auditorio de Granollers, a través de sus fotomontajes, como difuminar los límites entre la fotografía y la pintura para crear atmósferas familiares y extrañas.

Otra de las sorpresas fue la exposición de Jaume Parera organizada por Laia Casanova y Mercè Alsina en la calle de la Virgen de Montserrat de Granollers. Se llama «HyperCongost». Es un diálogo entre el pasado y el presente de la ciudad de Grano-

llers a través del uso que se hace del río, entendido como un gran supermercado donde se tira los residuos de nuestro hiperconsumo. Este río, anteriormente contaminado y desierto, se presenta como una nueva área recreativa, donde “se expresa eldeseodere-conectarconelmedio naturaldañadopornuestraacción”. El proyecto de Parera explora la diversidad y la arqueología de los restos en un enfrentamiento entre el hombre y la naturaleza. De todo esto se puede aprender mucho de la historia de la ciudad solamente mirando las imágenes tomadas alrededor del río.

Una muestra de actualidad pero también de emociones fue «Paisajes d’Ucraïna»: un testimonio visual desde la escuela de fotografía de Kiiv, de Konstantin Sova i Dimitri Bogachuk. Comisariada por Dmitry Sakharov, director de la Escuela de Fotografía de Kiiv i Albert Gusi, director de Grisart. Estaba ubicada ni más ni menos que en el refugio antiaéreo de la plaça Maluquer i Salvador. ¡Una idea totalmente brillante!

© Jean-Matthieu Gosselin

“En esta edición del festival Panorámic nos planteamos revisar las expresiones contemporáneas de los géneros clásicos de la fotografía como el del paisaje... Nos dimos cuenta de que, en cierto modo, al mismo tiempo que existe un deseo de paisaje también hay una imposibilidad de representar -lo sin la mediación de idealismos y reducciones que hemos heredado de la pintura o el cine; partiendo de una idea de naturaleza que en todas sus variaciones siempre ha implicadouna teatralización de lo salvaje, silvestre, bien para dramatizarlo, bien para sacralizarlo”.

Andrés HispAno, uno de los comisarios y miembro asesor del festival, en ElPais

La imagen realizada con Inteligencia artificial está presente. ¡Muy presente! En Roca Umbert, de la mano de los artistas Gerard Toledano y Serafín Álvarez.

- En la Biblioteca de Roca Umbert se ubico un espacio interactivo con las gafas VR para que los visitantes del festival pudieran tranquilamente “transitar y explorar” en un paisaje virtual creado por Gérard Toledano, gran especialista de IA et 3D... - Gracias a Serafín Álvarez las calles de la fábrica se llenaran de lonas de gran formato con paisajes de «Umbral», con una isla ficticia construida digitalmente donde se puede ver, tras cargar un codigo QR, a través pantalla de un móvil o una tableta: animales, aves mágicas, girafas, palmeras, etc.

Vinculados al arte digital, el programador galés Andy Kelly, en el museo de Granollers, mostro paisajes nacidos de los videojuegos desde una nueva perspectiva la de la realidad virtual, permitiendo pasear por panoramas de todas las épocas y entender cómo la realidad aumentada modifica el entorno y cómo los jovenes

son muy afectados a la lectura de este tipo de imagen.

En Barcelona la artista Eva Marín revisó de manera crítica el paisaje de montaña en una exposición comisariada por Laia Casanova y Mercè Alsina. En «Cims, conquestes i esquerdes» se explica cómo el paisaje está instrumentalizado desde la política y la cultura local con representaciones arquetípicas de exaltación patriótica; lo hace mediante imágenes del Archivo Fotográfico del Centro Excursionista de Cataluña.

Raquel Friera por su lado propone una reflexión sobre el Archivo de Etnografía y Folclore de Cataluña como instrumento de poder.

«Elherbarioespecular» presentado en la escuela Grisart y en Institut Botànic de Barcelona es un análisis de lo humano en la botánica por parte de Paula Bruna, que defiende una filosofía biocéntrica para aprender cómo funcionan las plantas. Para ella, nuestra sociedad puede extraer una serie de maneras de hacer que nos beneficiarán a todos como un heredado colectivo.

Bajo el título «Elcuartopaisaje», la edición del Panorámic de este año también fue una referencia y homenaje al concepto de “tercerpaisaje”. En 2004 el pensador francés Gilles Clément le acuñó para referirse a aquellos espacios residuales que quedan fuera del ordenamiento.

- El primer paisaje es el que se presenta frente a nuestra vista y está habitado;

- el segundo paisaje es el colonial, el exótico, el descubierto en tierras lejanas después de haber civilizado el nuestro.

- el tercer paisaje es el que ya no consta como rentable, es el territorio indefinido, carente de capacidad simbólica; un mero espacio de realidades fugaces;

- el cuarto espacio es el espacio en el mundo digital y también lo que vendría a ser la derrota de la naturaleza y su sustitución por una naturaleza artificial, que es lo que hemos visto durante este muy gran edición del festival Panoràmic.

Jean-Matthieu Gosselin

© Escola de fotografia de Kiiv

© J_M Gosselin en la exposicion de Mayra Martell

“TOROS, THE MARKING OF A TERRITORY”

MAurizio MontAgn A, fotógrafo de origen italiano que ha puesto en marcha el proyecto «Toros, TheMarkingofaterritory» lo ha mostrado en la sala de exposición de la escuela Grisart. Ha presentado su trabajo expositivo y también su libro, tras una charla de Joan Fontcuberta, frente a una gran audiencia el miércoles 26 de octubre. La inconfundible silueta del toro de Osborne está tan arraigada en nuestra mente que se ha convertido en un objeto vernáculo en fotografía: muy utilizado en arte y cine, debido a su amplia difusión, la poderosa imagen que evoca podría considerarse como una de las más potentes de la última década. En las fotografías de Montagna, el gran Osborne firma un diálogo articulado y polémico con sus alrededores. Se convierten en un medio para describir el paisaje, abriendo una diatriba con el entorno social y natural y revelando el papel de las imágenes como interferencia entre público/y privado, poder/percepción, política y personas. Las imágenes revelan los mecanismos para formar un discutible significado en el paisaje. Lo mas potentes es que el Toro se esconde en el paisaje. De gran figura a su inicio hace 60 años, desaparece hoy -quedan mas o menos 90 en la Península- y Maurizio Montagna lo toma como un detalle deslavado históricamente, como un páramo comercial de una época pasada. En algunas imágenes hay que buscar para verlo... Está y no está. ¡Como una vieja ruina perdida, olvidada!

Grisart

© Jean-Matthieu Gosselin

© JMGFoto en la exposición de Maurizio Montagna

Laficciónylafotocomoherramientapolítica

Este año la selección de fotolibros fue realizada por dos fotógrafas y artistas argentinas, Lucía Morón y María Gutiérrez, un trabajo ya visto en Arles en julio de 2022. En él desarrollan un trabajo potente sobre el fotolibro de América Latina y América Central, un mundo creativo muy rico que contiene muchos mensajes.

La exposición de Panoràmic 2022 tenía más libros que la de Arles y segu-

ro que ellas dos van a enseñar en los años que vienen nuevos tesoros americanos en Europa.

Nos ofrecen una mirada latinoamericana: artistas que trabajan desde el vínculo del cuerpo y el paisaje, la relación con los animales y los desastres ecológicos, la ruina de la imagen, la representación de una región colonizada y la recuperación de las identidades.

Estamos frente a una totalidad que acaba siendo una única versión. Se mezclan las historias íntimas y las fantásticas, las ficciones, los hechos históricos, los lenguajes y las sospechas. Todo puede vincularse en un mismo relato, de diferentes maneras, incluso incoherentes, hasta volverse coherentes. Nada se restringe, el azar lo permite todo.

© Jean-Matthieu Gosselin

© Jean-Matthieu Gosselin

NUEVA TECNOLOGIA

PAISAJES VIRTUALES Y DE FANTASÍA, PARA LLEGAR A UNA NUEVA REALIDAD

El festival Panoràmic 2022 ha abordado los paisajes virtuales y de fantasía, que poco a poco pasan a formar parte de la realidad.

El arte digital es el gran protagonista para recrear el “cuarto paisaje”, ¡eso está claro! Los trabajos del programador galés Andy Kelly sobre los paisajes de los videojuegos que estaban mostrado en màs de 12 televisores en el el museo arqueologico -monstrando

así un contraste de forma- aunque los vídeos pasaban en bucle paisajes de ruinas antiguas (Atenas, por ejemplo), de Roma, de Asia, del Farwest... Al salir de la expo, era imposible no ser consciente que las imágenes nuevas de paisajes mundiales.. ¡ya están en casa!

Tecnologías como la realidad virtual y la aumentada permiten modificar entornos como el del centro cultural Roca

Umbert -como la instalación de Gerard Toledano para viajar por varios paisajes naturales y progresar en el espacio.

Mientras tanto Serafín Álvarez llenaba las calles de la fábrica de lonas de gran formato con paisajes de «Umbral», su isla ficticia construida digitalmente, nos envuelve de fauna y de vegetales virtuales.

¡Una manera de repensar el paisaje!

JMG

© Albert Gusi

© Andy Kelly

DESCUBRIR

VIAJE EN PANORÀMIC 2022... ¡A CABALGAR!

El programa de la sexta edición del festival Panoràmic, ha querido aportar una reflexión profunda y novedosa sobre la noción de paisaje como acto de imagen en el que, por encima de parámetros descriptivos (geográficos, topográficos, representativos), intervienen dispositivos históricos, políticos, culturales y estéticos.

Estos dispositivos fueron analizados, demostrados, ilustrados, criticados y también han tenido unas propuestas posfotográficas partiendo de una conclusión: el paisaje como género está en crisis. Además, la irrupción de la inteligencia artificial ha cambiado totalmente los paradigmas y la manera de ver y criticar, como la de pensar las crea-

ciones de imágenes. Todo eso se reflexionó bajo el umbral del “cuarto espacio”, que es el espacio en el mundo digital y también lo que vendría a ser la derrota de la naturaleza y su sustitución por una naturaleza artificial. Vamos a ver es estas paginas un resumen visual en un viaje en los trabajos presentados.

© Ursula Biemann, “Forest Mind”

©Jojakim Cortis, Adrian Sonderegger, “Icons”

© Jaume Parera

© Jean-Matthieu Gosselin, Granollers, refugio antibombas

© Jean-Matthieu Gosselin, detalle de Corinne Botz

© Escola de fotografia de Kiiv

© Txema Salvans, “Un domingo cualquiera”

««ElcolectivoRiverboom,ungrupode fotoperiodistasdeguerra,cansadosdetanto combate,sangreymuerte,decidierondarle lavueltaalafotografíadocumentalcondiferentesvertientes,asíqueoptaronportomar elmodelodepaisajetradicionaldeAnsel Adams,uncalifornianoqueretratólaexuberanciadelosparquesnacionales.Hasta aquítodoestáenorden:buscaronespacios queseparecieranalosiconosfotografiados porAdamseinclusoreplicaronencuadres enzonasmuyparecidasalasqueélpodría haberencontrado;peroconunañadido,en algunasocasionesmásvisiblequeenotros. Hicieronunaparodiacríticamuydivertida, fotografiandopaisajesquepodríanserlos lugaresqueinspiraronlamiradasutilde AnselAdams,ylodesacreditaronparaque unmiembrodelgruposalieraenseñandoel culo»,como explicó Juan Fontcuberta.

Exposición “Bringing intiMAcy into tHE LAndsc ApE s”

© Jean-Matthieu Gosselin, Exposicion RiverBoom, “Bringing Intimacy into the Landscapes”

© Paula Bruna, “L’herbari especular”

© Suzanne Moxhay

Eva Marín, “Cims, conquestes i esquerdes”

© RiverBoom, “Bringing Intimacy into the Landscapes”

© Serafín Álvarez, “Umbral”

© Raquel Freira, “El poder de l’arxiu”

© Jean-Matthieu Gosselin en la exposicion de Mayra Martell

CORINNE BOTZ

NUTSCELL STUDIES

La exposición «Estudios sobre la muerte inexplicable» en el Festival Panoràmic de Granollers en el Cine Edison muestra que el paisaje puede ser interior, detallado, triste, duro... La exposición, comisionada por Andrés Hispano, es de Corinne Botz, artista visual y educadora que tiene su sede en Nueva York.

Esta muestra es una exploración de una colección de dieciochos modelos

de escenas del crimen en miniatura que fueron construidos en las décadas del 40 y 50 por la criminóloga progresista Frances Glessner Lee (1878 – 1962).

Al realizar miniaturas hiperrealistas de escenas de homicidios en la década de 1940, la estadounidense F. Glessner Lee revolucionó los métodos de investigación criminal en Estados Unidos. A veces la apodan “la madre de la medi-

cina forense”, incluso si su carrera llega tarde. Se caracteriza por la atención al detalle y crea los “Nutshell Studies” en los que todo es rigurosamente fiel a la realidad, a excepción de algunas digresiones artísticas, como la estampa sobre una cortina o sobre un papel pintado. ¡Es casi el paisaje soñado por algunos fotografos “amateurs”!

Grisart

© Corinne Botz

©

Corinne Botz

© Corinne Botz

GADEA BURGAZ

ENVÍAME LA FOTO

En La Térmica de Roca Umbert Fábrica de las Artes se podía ver una exposición que estaba desafortunadamente un poco al margen del nudo central y que, en mi opinión, era potente, tanto por su contenido como por su presentación. Se llama «Envíame la foto», realizada por Gadea Burgaz y Comisariado por Laia Casanova, Alelí Midelman y Alessandra Monachesi.

El proyecto consiste en resaltar el viaje de las imágenes a través de correspon-

dencias postales en una única dirección entre tres sitios. Fotografías del archivo que se transformarán en composiciones escultóricas a lo largo del viaje, desde Casa Planas a 3C y Roca Umbert.

El artista las elige, agrupa, piensa y envía a diario a diferentes destinatarios de Calce. Al mes siguiente, en Calce, estas postales físicas se mezclan con fotografías antiguas familiares de sus habitantes junto con nuevas fotografías digitales de paisaje de la zona.

Las composiciones viajan con el artista a Granollers, donde producirá un montaje libre e indefinido, añadiendo materiales reutilizados, como un pedazo de marco o una gamuza encontrada. El paisaje de las fotos, como la intimidad del texto epistolarios, se mezclan con un otro paisaje el de una escultura que parece a un esqueleto con su carne hecha de papel donde fluye la sangre entintada de la vida. ¡Muy conmovedor y estéticamente exitoso!

Jean-Matthieu Gosselin

© Jean-Matthieu GosselinLa exposición :

la foto» de Gadea Burgaz

© Jean-Matthieu GosselinLa exposición : «Enviame la foto» de Gadea Burgaz

Cristóbal Ascencio es el ganador de opEn pAnoràMic con “Lasfloresmuerendosveces”, un proyecto sobre una reconciliación. Su fue entonces cuando murió por segunda vez. En su carta escribió sobre plantas y se despidió diciendo: “Perdónameycomunícate que establece un diálogo entre la fotografía, la memoria, el

padre, Margarito, “era jardinero y murió cuando cumplí 15 años. 15 años después, supe que su muerte había sido un suicidio y comunícateconmigo”. El trabajo es la respuesta de un hijo a su padre. Él ha utilizado la fotogrametría para realizar un jardín digital el mundo digital y lo orgánico. ¡Muy potente y conmovedor!

Arles 2022

Un programa agUdo, reflexivo y serio

Les Rencontres d’Arles 2022 se han abierto con pocas estrellas internacionales importantes, a excepción de algunos nombres relevantes como pAuL grAHAM, comisario de la mejor y más interesante exposición en mi opinión: «Etpourtant,elle tourne!» de JoAn FontcuBErtA, a quien nos encontramos en dos ocasiones con dos exposiciones muy originales sobre las variaciones visuales y sobre los límites entre lo real y lo virtual (JoAn FontcuBErtA y piLAr ros Ado con «Déjà-vu» en Croisère y «Magnifiqueagonie» en el Saint-Cesaire ). También estaba BABE ttE MAngoLtE, que capta el movimiento en el espacio (pero hubiera merecido una museografía más dinámica y original); BE ttin A grossMAn, figura del «Chelsea HoteldeNuevaYork», artista gráfica y plástica, cuyo trabajo sobre la imagen y la geometría y -obviamente la repetición- marcó los referentes de la vanguardia; LéA HABourdin y sus significativas y originales imágenes de los bosques salvajes que captura con dos métodos: la antotipia, una imagen creada a partir de material vegetal foto sensibley la serigrafía.

Otro autor presente fue JuLiEn LoMBArdi y su excepcional «La tierra donde nació el sol», una excursión de ensueño por el valle de Wirikuta en el centro de México, donde los huicholes acuden cada año en peregrinación para honrar al sol y al fuego...

Y por supuesto, LEE MiLLEr (pero que pudimos haber visto así en el Musée du Jeu de Paume, en París o en Fotocolectania en Barcelona, por lo que

no había nada sorprendente aquí). O MitcH EpstEin, que realizó ocho viajes a la India entre 1979-1989, donde realizó decenas de miles de fotografías. También rodó allí tres películas con su mujer india, la directora Mira Nair. Para conocerlo había que salir de Arles para ir a la Abadía de Montmajour, algo que sin coche, en grupo, con autobuses, era complicado.

Del mismo modo, es aún más frustrante el concepto del “Grand Arles Express” que ofrece exposiciones en toda la región, en particular con MAtHiEu pErnot en el Mucem, THoMA s MAiLAEndEr en el Centro Fotográfico de Marsella y BErn Ard pLossu en el Museo Granet de Aix-en-Provence... Pero este es otro tema. Los transportes desde Arles no son fáciles...

La fotografía fue este año en Arles “el medio del testimonio, el que hace la transicióndelonegativoalopositivo”, el medio que cuenta lo verdadero y lo verosímil: así es con Luk A s HoFFMAnn, para quien todo vive en el encuadre, la orientación de la cámara, luz y contrastes, la profundidad de campo, la riqueza de detalles...; o con noéMiE goudAL que se acerca al paisaje y su percepción; sus fotografías en trampantojo perturban la aprehensión de la imagen y plantean la cuestión de los límites. Se codea con la idea de mucho tiempo en «Phoenix», con películas performativas proyectadas en pantallas gigantes en la iglesia de los Trinitarios. O incluso con el artista Ezio d’Agostino cuestionando el carácter documental de la fotografía y su estatus, particularmente en el imaginario

colectivo. JuLiEn gE stEr, con su «Cette findumondenousauraquandmême donné de beaux couchers de soleil» (título muy bonito y exhibición muy original con cinta de diferentes colores para cada imagen) ofrece una mirada sensible e íntima sobre el mundo, en un ir y venir entre la experimentación y la narración pura, entre el viaje libre y el sketch moviéndose de negativo a positivo con un sutil trabajo de color y contraste.

La exposición «Uneavant-gardeféministe» en el taller Mécanique Générale (Parc des Ateliers, Fundación Luma) ofrecía una relectura minuciosa -ya vista el año pasado en Barcelona en el CCCB con una museografía y un recorrido diferente- y sin duda también demasiado didáctica, de los movimietos

© JMGExpo en “La Bourse du TRavail”: “Love will tear us apart“

feministas de los años 70, a través de la colección Verbundde Viena. Cinco temas muestran la diversidad de feminismos de la época, de los que parecen tomarse hoy todos los movimientos contemporáneos. Se vislumbra entonces la feroz impertinencia e inventiva de las mujeres artistas de los 70, aquellas que hicieron de su cuerpo un arma política.

Con la exposición «Chants du ciel – La photographie,lenuageetlecloud» (en el Monoprix) dimos un aplauso. ¡Y uno grande de verdad! Es chulo, pero había que leer todos los carteles para no perderse. Las cuestiones del entorno, de la red, de los datos, de la Inteligencia Artificial se mezclan para producir un diálogo fructífero y artístico en torno a las tecnologías de hoy y de mañana. ¡Emocionante y muy profundo! La Nube es una excusa, un objeto, una metáfora, un tema.

En la galería Photosynthèses descubrimos el enfoque de BArBArA iwEins, «Katalog», que clasificó y fotografió todos los objetos en su apartamento después de su 11 traslado... ¡Es radiante de inteligencia con muy literario y divertido!

Dejemos para el final lo más destacado del festival para mi gusto: la exposición colectiva «Et pourtant, elle

tourne» realizada por pAuL grAHAM con mimo, gusto y una sutil inteligencia.

Reúne a nueve nombres experimentados en fotografía (todos en torno a los cincuenta años), entre ellos: kristinE pottEr, currAn HAtLEBErg, grEgory HALpErn o VAnE ss A winsHip... La exposición presenta fotografías de la vida tal y como es en los Estados Unidos del siglo XXI. Las narraciones están ancladas en una quietud perezosa poética, contemplativa, triste y azarosa. “El hecho de que no haya historia es lla historia”, explica Paul Graham. El programa de Arles 2022 fue, por lo tanto, agudo, reflexivo y serio, con

muchos artistas europeos; se abrió a horizontes lejanos, a las luchas sociales, a las luchas de las mujeres y sus reivindicaciones; se centró en el medio ambiente, el clima, la naturaleza, e incluso a una naturaleza frágil y especulada, soñada...

No había exhibiciones que fueran locomotoras, pero sí mucha reflexión y seriedad. No siempre juguetón y nunca cómico. Pero obviamente era un muy buen momento para los entusiastas de la fotografía y un muy buen lugar también para los fotolibros.

Jean-Matthieu Gosselin

© JMG -

Arles 2022, Joan Fontcuberta y Pilar Rosado: “ Magnifique agonie

© JMGExpo “Les chants du ciel” Arles 2022

LA ESCUELA GRISART EN ARLES 2022

¡La primera semana de julio de 2022 la escuela Grisart exponia las exposiciones de “Lovewill tearusapart“ en La Bourse du Travail en Arles en colaboración con “Regards&Mémoires”!

Las exposiciones fueron visitadas durante toda esta primera semana de Les Rencontres d’Arles 2022. El conjunto reunía los proyectos : “Teamo. Yotampoco.” de Lucía Morón; “Manualdegestos rusos” de Alba Serra; “Twentyfourhours” una muestra colectiva de lxs alumnxs del Itinerario Técnico de Grisart, y también “Estamoshechos, casiporcompleto,depolvodeestrellas“, una muestra de fotolibros lationamericanos comisariada por María Gutiérrez y Lucía Morón. Un texto genérico presentando una visión común, llamado “Amor fatum”, escrito por Elena Ramirez, introducía toda la muestra.

Tambien Noelia Iniesta, exalumna, exponia en el bar “El Sarto” una seleccion sobre su pasión: el flamenco.

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rEgArds &MéMoirEs es una asociación cultural de Arles liderada por Pascal Bois, con quien la escuela Grisart lleva años trabajando y colaborando en distintos proyectos.

“Lovewilltearusapart“

© J-M Gosselin

© J-M Gosselin

© Grisart

Gosselin

© J-M Gosselin

©Noelia Iniesta

© J-M Gosselin

© J-M Gosselin

© IJ-M Gosselin

© Lucía Morón

Viajemos por este Arles 2022 a través del trabajo de 10 fotógrafos o exposiciones y observemos, en el contrapuente, cómo estudiantes de fotografía, los de la escuela Grisart, venidos de todo el mundo, han captado Arles: sus detalles, su poder, su despreocupación, sus creaciones. Son “El fotógrafo”, como el reformulador de lo que se siente, y no como el reportero de la utopía de una verdad. La 53a edición de los Encuentros Fotográficos de Arles ha centrado su programa en exposiciones que tratan sobre el medio ambiente, las mujeres artistas, los jóvenes creadores, la representación de las minorías, lo social y la exploración de correspondencias entre paisajes...

Fue una reflexión apasionante sobre los diferentes modos de narración posibles en el seno de la fotografía documental contemporánea y sus encuentros con las otras diciplinas

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1 - «Elsa», 1971 © Arxiu Leopoldo Pomés en la muestra colectiva «Diaries» en la galeria Anne Clergue.

© Leopoldo Pomés

© Giovanna Bertold

GIOVANNA BERTOLD

Lukas Hoffmann fotografía en la calle, entre transeúntes, todavía con la cámara obscura, pero sin trípode, sobre la marcha. Obviamente sin control sobre la imagen obtenida. El resultado es una estatura, una actitud, un gesto, una tensión, una textura, un soplo... ya veces la suma de todo ello.

2 - Lukas Hoffmann «Evergreen», série «Strassenbilder, 2018-19», en la exposición en el Monoprix.

Magistral retratista con un reconocido estudio en Nueva York en los albores de la década de 1930, Lee Miller es fotógrafa de moda y publicidad. Estadounidese, fue la musa de los surrealistas, y también una de las primeras corresponsales de guerra.

3 - Lee Miller, (1932-1945), «Petershamonwool», Vogue Studio, Londres, Inglaterra (1944) - Lee Miller Archives, 2022, expuesto en el espacio Van Gogh

© Lee Miller

© David Molero

DAVID MOLERO

El título de la exposición de Klavdij Sluba, «Sneg», que significa nieve en esloveno -la lengua materna del artista-, dio inmediatamente una gran coherencia entre las imágenes, la escenografía, una frescura nórdica y... la ola de calor de Arles. Una visita excepcional..

4 - Klavdij Sluban es un fotógrafo franco-esloveno de 59 años, su conjunto fotográfico se llama «Sneg» y se exhibió en Croisière.

© Klavdij Sluban

© J-M Gosselin

JEAN-MATTHIEU GOSSELIN

5 - Barbara Iweins, «Katalog», à Photosynthèses.

Coleccionista “obsesiva” y casi “fetichista”, la artista belga Barbara Iweins ha inventariado todos los objetos de su ámbito privado, creando una acumulación “ordenada” con motivo de sus mudanzas.

Barbara Iweins ha enumerado todos los rastros materiales que componen su esfera personal, lo mas cercano y obvio, solo para poner un poco de orden en... sus pensamientos.

© Irene Monteagudo

IRENE MONTEAGUDO

(1998), ganadora del Premio de Fotografía Dior 2022

La artista se mueve en un sendero que está en tensión entre la belleza y el significado, el rendimiento y la autenticidad, el humor y la emoción... Su trabajo se mueve entre realismo y fantasia. Diseñadora de vestuario y directora, la joven londinense reinventa el pasado con su fotos contando escenas de la vida a través del prisma de la materialidad y el imaginario influenciado por la estética de los años setenta.

6 - Rachel Fleminger Hudson

© Rachel Fleminger Hudson

Velasco

© JMGexpo de L’Aeensp, élèdes de l’école photo d’Arles

© JMGexpo de L’Aeensp, élèdes de l’école photo d’Arles

MI PRIMER ARLES

En julio 2022 has vivido tu primer Arles. ¿Cuáles son tus impresiones?

Arles para mí fue una experiencia completa. Aventura con amigos, estímulos artísticos constantes, inspiración, calor, mosquitos, fiesta, practicar mi idioma favorito, volver a visitar Francia con su cultura encantadora y estéticamente agradable, un viento que duró 48 horas sin parar, ver libros y encontrar uno de Eggleston maravilloso que compré; una cantidad de fotógrafos en la calle con sus cámaras tomando fotos cada uno a lo que más le interesaba... Ver tantas exposiciones me ayuda a ir refinando mi estilo fotográfico sabiendo lo que quiero hacer y lo que no.

¿Cuáles son las exposiciones que te molaban más?

No podría escoger una sola exposición favorita, pero me encantaron las fotos de Rachel Fleminger que ganó el concurso de Dior, Lukas Hoffman en la exposición de Monoprix, Klavdij Sluban, y en general la expo de la Fundación Manuel Rivera-Ortiz.

Susana Velasco (2021-2022)

© JMGexpo de L’Aeensp, élèdes de l’école photo d’Arles

7 - Frida Orupabo (1986), «¿Quétanrápidocantaremos?», a Mécanique générale

Frida Orupabo, artista noruega de origen nigeriano residente en Oslo, ofrece collages físicos y digitales elaborados a partir de archivos históricos. Esta socióloga convertida al arte, a las artes plásticas y a la fotografía deconstruye en sus obras los estereotipos asociados al imaginario tradicional de la mujer negra en la historia colonial. Destaca el sistema patriarcal de dominación y el racismo transmitido en estos documentos. Muestra obviamente la violencia y las agresiones que sufren todas estas mujeres hasta hoy.

© Frida Orupabo

8 - Shinseungback Kimyonghun (1979), «Cloud-face», 2012, en la exposición «Chantsduciel.Laphotographie, lenuageetlecloud», en Monoprix

En su sucesión de fotos de múltiples nubes generadas con un programa de reconocimiento facial, el coreano Shinseungback Kimyonghun ocultó rostros. Mirando de cerca, o de lejos, podemos descubrirlos...

© JMGShinseungback Kimyonghun (1979), “Cloud-face”

© Marta Segu

MARTA SEGU

9 - Exposición de las “Cruz Roja” y “Medialuna Roja”: «Unmundoquesanar» en El Palacio Arzobispal

El Palacio Arzobispal, en la Place de la République de Arles, acogió bajo el bellísimo título de “Un mundo que sanar” una abundante exposición sobre fotografía humanitaria, compuesta por 600 fotografías desde el siglo XIX hasta nuestros días dibujadas con el muy extenso archivos de la “Cruz Roja” (casi un millón de imágenes) y la “Media Luna Roja” y también carteles muy hermosos reunidos en una sala emocionante (posiblemente la parte más poderosa de la exposición).

© JMGExposición: “Un mundo que sanar”

© Grisart

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10 - Léa Habourdin (1985), «Imágenesdebosques:mundosenexpansión», en Croisière

Léa Habourdin está interesada en los bosques primarios, estos embalses rebosantes de vida vegetal y animal que aparecieron en la Tierra hace 380 millones de años, más o menos. Para representarlo en imágenes eligió una técnica de impresión fotográfica no contaminante a base de plantas. Trituró varias plantas para extraer la clorofila, una sustancia fotosensible, y cepilló las hojas de papel con el jugo obtenido, antes de exponerlas a la luz del sol cubiertas con las transparencias en las que se imprimieron las fotografías, obteniendo así después de varios días o varias semanas de exposición según en el grado de insolación, imágenes llamadas “antotipos”. Este proceso fotográfico muy antiguo tiene un problema: la imagen se desvanece gradualmente cuando se expone a la luz del día. Por esto, diseñó pequeños armarios -una especie de caja protectora- cuyas persianas pueden abrirse para observarlas o no abrirse para conservarlas. La obra, en su realización final, es como una metáfora de nuestra relación con el bosque; tarda mucho en crecer, es frágil y nuestras interacciones pueden destruirlas de la misma manera que destruimos estas imágenes frágiles al mirarlas a la luz.

© Léa Habourdin, “Imágenes de bosques”

MARIA GUTIÉRREZ

© Maria Gutiérrez

11 - RaMell Ross, «Here», en la serie «SouthCounty» (2018), en la exposición «Etpourtant,elletourne».

Exposición colectiva, comisariada por Paul Graham, que presenta una fotografía documental y existencial de la vida tal como es en los Estados Unidos del siglo XXI con visiones itinerantes, tertulias, no-lugar, imágenes de la vida cotidiana, cuestiones económicas y sociales, “elentrelazamientodelpoderdelasimágenesconlasfuerzasdelahistoria”, el mito occidental del destino, todo ello con grandes y pequeños formatos, colores, blanco y negro... Las miradas de grandes fotógrafos: Emanuele manuele Brutti (1984) & Piergiorgio Casotti (1972), Richard Choi (1982), Curran Hatleberg (1982), Gregory Halpern (1977), Kristine Potter (1977), RaMell Ross (1982), Vanessa Winship (1960), Stanley Wolukau-Wanambwa (1980), se enfrentan y entablan un singular diálogo que cristaliza la complejidad de la existencia.

© RaMell Ross, “Here”,

ELENA RAMÍREZ

12 - «Lasmiradas» de Bettina Grossman, «Serie Fotografías / Formas de pared, collage», 1978, en la sala Henri-Comte. Tras un traumático trabajó mucho, como para compensar el tiempo “quemado”. Se acerca a la fotografía, en el vídeo, a la pintura, a la escultura, al collage o al “diseño

traumático incendio que destruyó todo su trabajo de 20 años, la artista, en 1970, se mudó al mítico Hotel Chelsea y, para recuperarse de esta pérdida, “diseño textil”. Sus obras son seriadas, modulares y rigurosas, en blanco y negro o coloreadas según sus inspiraciones y sobre todo las texturas.

© “Las miradas” de Bettina Grossman, “Serie Fotografías / Formas de pared, collage”, 1978

© JMG

© JMG © JMGr

CARRIE MAE WEEMS: REINVINDICAR Y DENUNCIAR

Barcelona acoge en tres lugares a Carrie Mae Weems: en KBR Mapfre, en FotoColectania y en la Capella del MACBA.

Carrie es una mujer que nació negra en 1953, en Oregón, un estado de mayoría caucásica, cuya población afroamericana ronda el dos por ciento en la actualidad, un lugar que tiene un pasado concienzudamente racista.

Es una creadora que centra su obra en reivindicar el papel de la comunidad afroamericana y denunciar el ostracismo al que tradicionalmente ha sido sometida.

La exposicion «Carrie Mae Weems. Un gran giro de lo posible» comisariada por Elvira Dyangani Ose, se presenta como una de las muestras más completas en el mundo sobre esta artista fundamental.

Empezó a interrogar a la historia y a cuestionar la visibilidad o invisibilidad, y también a pensar la situación de la mujer, además de la mujer africana, denunciando siempre los prejuicios raciales. Su primera serie,«Family Pictures & Stories», expresa una profunda crítica al sistema; una critica política, social y cultural. En muchos de sus trabajos

Empezó su carrera en 1974 estudiando fotografía y diseño en el City College de San Francisco, tras haber sido madre a la temprana edad de 16 años

Después de cursar estudios de folclore en la Universidad de Berkeley, en 1993 se mudó a París, donde recibió su primer encargo importante por parte de Weston Naef y el Getty Museum.

¡Ya es una fotografa de calidad!

organiza Storytellings, optando en varias ocasiones por narrar historias mediante su alter ego, una mujer de espaldas que no se puede reconocer, tal como en su serie sobre «Museums» donde ella se confiere un aspecto espectral y acusador; monstrando su espalda a la cámara frente al British Museum, el Louvre, o en el Museo Guggenheim Bilbao cada

uno simbolizando la exclusión a la que estas instituciones han sometido a los colectivos afroamericanos y las mujeres. Una de su serie más emblemática, «ColoredPeople», está compuesta por fotografías de jóvenes y niños afroamericanos que ella ha teñido con amarillos, azules y púrpura que se refiren a las teorías según las cuales una persona de color era “mejor” según la claridad de su piel. Es una artista que investiga a las relaciones familiares, la identidad cultural, el sexismo, los sistemas políticos y las consecuencias del poder. En KBr con una escenografia excepcional y muy potente, y en Fotocolectania con un foco muy claro sobre dos series distintas. JMG

CarrieMaeWeems.‘Ungrangirodeloposible’.KBrFundaciónMapfre.Barcelona.AvenidadelLitoral,30.Hastael15 deenero.FotoColectania.Barcelona.PaseoPicasso,14. Hastael15deenero..MACBA.Barcelona.PlazadelsÀngels, s/n.Hastael15deenero.

© JMGExpo Carrie Mae Weems

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Carrie Mae Weems

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Carrie Mae Weems

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Carrie Mae Weems

PARR O CYNDY SHERMAN?: ¡NO ANTONIA MARDONES!

En el marco de la clase de la Historia de la fotografia” de 2022, los alumnos debían disparar “al modo de...”. He escogido dos referentes.

1 - Escogí A cindy sHErMAn como uno de los referentes porque sabía que me la iba a pasar bien, que lo iba a disfrutar y que podía extender la creatividad en el escenario dramático que me hacia guiños de jovencita Hice varios intentos previos a los que finalmente elegí, intentos en exteriores que me gustaron; pero después de escrutar mejor a la fotógrafa, las atmósferas que creaba, la tensión y los personajes, me encaminé hacia otro lado, buscando hacer fotos que conversaran más entre ellas y que expresaran esos puntos suspensivos que hacía Sherman. Las fotos están hechas en el piso donde tengo el agrado visual de vivir, los espacios y objetos están compuestos intencionalmente. Técnicamente fueron fotos con poca luz, siempre de forma artificial, iluminadas por lámparas dispuestas de manera que acentuaran el clima de suspenso que se buscaba lograr. Las poses pensadas para evocar algún tipo de recorrido y acciones que insistieran en la sensación de ese momento que se ha visto interrumpido por algo.

La posproducción fue usada para eliminar algún detalle moderno que se escapara de la época y para quitar el color y agregar el grano que tan atractivamente completa las fotos.

2- LuEgo E scogi LA s E scEnA s dE MArtrin pArr, cosa fácil conociendo sus series playeras, la excusa perfecta para pasarme los días de “guata al sol”. Mi intención no era esa burla turística característica de Parr, lo pensé así en algún momento pero si ese hubiese sido mi propósito, no hubiera escogido la playa sino otro escenario que genuinamente me despertara la ironía.... Se me había metido en la cabeza que quería hacer algo como “LifeisaBeach” pero la versión “Life is a naked Beach” porque me provoca mucho disfrute ir a la playa, a determinado sector claramente y ver como, principalmente gente “entraditos” en canas se desinhiben de toda vergüenza y el pudor que aburridamente cargamos cuando estamos más verdes.

Antonia Mardones

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Antonia Mardones

© Antonia Mardones

© Antonia Mardones

UN GRAN SENTIDO NARRATIVO

FOTOLIBROS

Jordi Guillumet y Mónica Roselló han sido los ganadores de la última edición

de Fotocanal por “Registropendiente”, cuyo libro ha sido editado con gran calidad por Ediciones Anómalas con una portada de tela verde dulce de buen gusto.

Es un libro sobre la memoria y la historia a través de imágenes de sutil belleza, realizadas en blanco y negro. Las fotográfias de los autores se entregan a la prosa poética, el espíritu y el sentido narrativo de la secuencia, con un sentido narrativo profundo, de forma notable y con trípticos muy elegantes y sutiles. Jordi Guillumet (Barcelona, 1953) y Mónica Roselló (Tarragona, 1961) son fotógrafos que desarrollan su actividad en el terreno artístico, profesional y docente y que manejan las fotos con inteligencia, sentido semán-

tico, y también con un arte plástico y gráfico. En síntesis, este libro trabaja la simulación cognitiva, la memoria y el recuerdo personal y social.

El incipit del libro es potente, con una cita de Joe Brainard (1970): “Meacuerdo de las piedras que recoges por el campoyque,devueltaencasa,tepreguntasparaqué.”

Jordi Guillumet and Mònica Roselló, “Registro pendiente”, Ediciones Anómalas, 2022, 118 paginas,30€€

Es uno de mis favoritos de Arles 2022, el primer libro de Julien Gester con su interminable pero poético título “Este fin del mundo todavía nos habrá dado hermosaspuestasdesol”, que recopila una serie de inmersiones que realizó por todo el mundo durante estos años de imagen documental. Sus imágenes tienen un matiz único, particular, que sólo a él pertenece.

Los dos textos de Jakuta Alikavazovic sobre la mirada, la luz, la impresión de las escenas, son apasionantes, con un final muy fuerte: “Elfinalesimposible, enunamiradatanviva”. Las imágenes se despliegan en forma de enigmáticos dípticos de gráfico a la italiana. Muy bien editado por Actes Sud, este libro realmente merece ser conocido...

Julien Gester, “Cette fin du monde nous aura quand même donné de beaux couchers de soleil”,ActesSud,2021,56paginas,25€

RECREAR UN ALBUM FAMILIAR

Un homenaje a Dave Heath que descubrió la fotografía en su infancia mas tarde trabajó y vivió en la calle y se purificó borrando imágenes de su pasado.

Dave Heath, “One Brief Moment”, ed. Stanley-Barker,2022,120paginas., 47,95€

La vida del fotógrafo Manuel Álvarez Bravo cesó en octubre de 2002. Deja una obra tan perfectamente acabada como inconclusa. Su trayectoria incluye grandes exposiciones en los mayores museos del mundo y todos los honores, el fotografo es clásico, pero tambien se liberaba de todas las etiquetas y límites. La libertad de su mirada exige una apertura de mente de parte de nuestra propia libertad.

El libro “Fotopoesia” con ensayos de John Bainville, Jean-Claude Lemagny y Carlos Fuentes, es una biblia para descubir un fotógrafo increible. Ángeles García escribió para El País que “ÁlvarezBravofueloquesepodríallamar unfotógrafoalacecho,uncazadorde imágenes.Solíacolocareltrípodecon la cámara y esperaba hasta que algo ocurriera. Fue enemigo del pintoresquismo o de las declaraciones explícitamente políticas como las de sus amigosmuralistasDiegoRivera,David AlfaroSiqueirosyJoséClementeOrozco.”

El libro del Instituto Moreira Salles editado en 2011 debería leerse por todos los fotografos a quien gusta la imagen y la poesía. En su obra todo trata de la luz y de la composición: no en vano le llamaban “poetadelaluz”.

Manuel Álvarez Bravo,“Fotopoesia”, Ediciones InstitutoMoreiraSalles,2011,336p.,14.181€$

UN LIBRO DE HUMANIDAD

Darya es ucraniana, asistente de vida. Ella tiene 54 años. Desde 2007, la fotógrafa Jane Evelyne Atwood ha seguido a esta mujer muy valiente que cuida a cuatro señoras entre 77 y 94 años. Darya se encarga de todo. A través de fotografías humanistas y vivas, dignas, íntimas, descubrimos estos pedazos de vida donde se encuentran el final de la existencia y una gran humanidad. La última parte del libro está dedicada a Darya, a quien volvemos a encontrar en su casa, a modo de despedida, aunque no podamos olvidarla cerrando el libro.

“Darya, histoire d’une badante uktainienne”, JaneEvelyneAtwood,éd.LeBecenl’air,224paginas,2022,38€

VIAJE EN L’HERMITAJE

Me encanta la obra de Wijnanda Deroo que, durante 2018 y 2019, trabajó en su proyecto fotografiando las áreas de almacenamiiento y restauración del Museo Hermitage en San Petersburgo. Esta serie fotográfica proporciona un acceso sin precedentes a este mundo del pasado nunca antes visto. La autora se movió a través de estos entornos mundanos con su cámara, utilizando la luz disponible: azul, verde, blanco de la nieve en el exterior, grises de los despachos... sin mover nada. Este libro comparte de manera increíble sus revelaciones.

WijnandaDeroo“BehindtheWallsoftheHermitage”,Lecturis,2021,144paginas,40€€

MIENTRAS DÓNDE

Cuando mirar la poesía te involucra en su vértigo!

El fotógrafo manchego JuAn An rEquEn A publica su segundo fotolibro, “Mientras dónde”, en Ediciones Anómalas, con tres ediciones distintas, que en pocos días quedaron agotadas. Como en todas sus obras, en “Mientras donde” no hay fotografías, o bien las hay, pero no importa; no hay palabras, quizás reflexiones del corazón. En este libro sólo existe lo que queremos que se vea.

En septiembre ha salido «Mientras dónde» de Junan Requena, gran fotógrafo conocido por sus obras, series o sueltas; también por sus talleres que él presenta en la España profunda con su “Caravana”, vehículo útil para mostrar sus trabajos y hacer demostraciones de revelado tradicional, que hace con didactismo, gentileza, gran conocimiento, muchas ideas, pedagogías alternativas, relaciones con la literatura, la música, la natura, la vida personal...

Es conocido también por sus exposiciones en las grandes ferias internacionales como Paris-Photo (Juanan está representado por la agencia “Vu”); así como por su primer libro, ahora obra icónica de la edición hispanófona del photobook : «Al borde de todo mapa»: mejor Libro Español y Mejor Autoeditado en el PHotoEspaña 2017. Ya este primero libro contaba con una parte fija y otra personalizada por el mismo Juanan, es decir, que no había dos ejemplares iguales: al salir de imprenta cada unidad pasó por su taller para ser manipulada, siendo así fiel a su forma de trabajar. Ahora «Al borde de todo mapa» está agotado y esta buscado en los mercados alternativos a precios de libros de artista.

Con este nuevo libro, «Mientras dónde», Juanan Requena y su editora han perfeccionado más las cosas, porque cada ejemplar también es único, pero aún más, ya que ha sido encuadernado manualmente por el autor, escrito y intervenido con mucho cariño por Juanan: él es fotógrafo, poeta, artista visual.

La tirada es de 600 ejemplares. El resultado es que cada ejemplar tiene su orden único, una paginación única, desde las portadas (el plural es importante).

En realidad, Juanan ha intervenido, página por página, incluso en el texto que cada copia ofrece en su interior. Y para parecer más y más perfeccionado, Juanan y Montse proponen tres ediciones distintas: la normal (60 euros); la especial (libro + copia) (200 euros) y la de autor (12 ejemplares que incluye el libro, un leporello exclusivo e intervenido y una fotografía original numerada, firmada y positivada por el autor (gelatina de plata, 7x10cm), todo presentado en una caja de madera (19x14x4 cm) hecha a mano por Ibon Azpilikueta) (600 euros).

El resultado es de una delicadeza y composición muy poética, todo es perfecto. Ningun lector seguirá el mismo

recurrido, compartiremos imágenes, es cierto, pero no en los mismos senderos.

La gente dice que todo eso necesita «paciencia, infinita tenacidad y artesanía»; en realidad, Juanan tiene estas aptitudes, pero no son sus cualidades principales. Es un artista total, un poeta con una imaginación lujuriosa, una capacidad para idear constante y mirífica, un lenguaje singular que no se puede comparar a la escritura de ninguno, una melancolía que va más allá de la tristeza, hasta proponer un complejo contenedor alegórico donde se miran las preguntas del artista creador, hasta erigirse en una biografía visual, un verdadero autorretrato intelectual de Juanan. Lamentablemente ya está agotado. ¡Es el éxito, por supuesto!

Para resumir, es un libro lleno de riffs, poesía, incandescencia, alma... ¡Un vértigo total!

Jean-Matthieu Gosselin

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© JMGEl libro “Mientras Dónde”

© JMGEl libro “Mientras Dónde”

ENTREVISTA A FLAVIO EDREIRA (2018)

«¡La cámara es mi espacio de libertad!»

FLAVio EdrEirA estudió Fotografía Profesional en SENAC (Brasil, 2014) y Curso de Fotografía Narrativa en la Escuela Internacional de Fotografía Internacional GRISART (Barcelona, 2018). Trabajó como fotógrafo freelance en Brasil. Se incorporó a VEO Collective (Barcelona) en 2018. Flávio vive inmerso en la ansiedad; tiene TDAH (trastorno por déficit de atención con Hiperactividad), discapacidad caracterizada por la falta de atención, ansiedad e impulsividad. Ha sido premiado en muchos concursos desde 2018. En 2022 ha publicado un fotolibró titulado: «Hátempos» en Fotô editorial brasileña.

1-¿Por qué podemos decir que 2022 fue un “muy buen año” para Flavio Edreira fotógrafo?

¡2022 fue un gran año para mí, es verdad! He recibido el 1er Premio FestFoto Porto Alegre (Lecturas de Portafolio) y consecuentemente voy a tener una exposición individual en 2023 en Porto Alegre. Además, yo estuve entre los 5 fotógrafos ganadores del Premio Goyazes 2022. En el mes de agosto, se exhibió «Iforgettoremember» durante el Festival.

Al final del verano ha salido mi primer libro en una editorial de fotografía. Esta obra es el fruto de la beca que he ganado el año pasado: mi proyecto fue contemplado por el “EdictodeArtesVisuales-LeyAldir

Blanc - Concurso 03/2021 - SecretaríadeCultura-GobiernoFederal”.

Mi libro «Há tempos» fue publicado para Fotô, una editorial de Sao Paulo, en 500 ejemplares. Con un texto de Eder Chiodetto, el autor

de “El lugar del escritor” (Cosac Naify), ganador del Premio Jabuti (2004), coordinador editorial de la colección de fotografía libros brasileños FotoPortátil, curador de muchas exposiciones. ¡Fue un honor que Eder escribiese para mí libro! También he editado mi narración llamada «I forget to remember» que quería publicar en 2023 en un nuevo fotolibro.

Para ello he trabajado solo y también con fotógrafos reconocidos, como Enric Montes, para ir más allá. He editado una maqueta que la gente amablemente califica de “refinada y muy preciosa.” ¡Es lo que ambicionaba!

Desde la realización de la secuenciación, una parte de mi proyecto fue seleccionada para la exposición colectiva de fotógrafos brasileños contemporáneos y emergentes en el “MedPhoto Fest 2022” en Italia, este verano. ¡Debo decir que fue un fabuloso honor que mis fotos sean elegidas para formar parte de

esta exposición junto a las de tantos grandes fotógrafos brasileños! Debo decir que quiero agradecer a Vittorio Graziano y al 14a edición del Med Photo Fest el permitirme afirmar mi trabajo con fotógrafos brasileños que son de mi gusto.

2 - ¿Cuáles serán las siguientes etapas de tu trabajo?

Ahora mi reto es conseguir editar «I forget to remember» y para ello debo revisar mil veces mi maqueta, y todo el proyecto gráfico y fotográfico. Y como en todos los proyectos, hay que encontrar el dinero: ¿becas, financiación pública, editores ahí o allá, mecenas...? También trabajo para montar una exposición con las fotos de esta narración, en una más selección más pequeña -tengo los primeros contactos-, pero es como todo: hay que discutir, explorar, revisar. Pero conseguiré exponer, ¿y por qué no en Europa?

© Flavio

Edreira

flavio edreira

© Flavio Edreira

«I think I had a dream, I don’t remember, I don’t remember.”

Tengo otro proyecto en marcha. Cuatro veces he marchado al Camino de Santiago. El último fue este año; el primero lo hice en 2011. Como puedes imaginar..., tengo muchas imágenes. Hacer el Camino es siempre una forma de descubrir nuevos secretos, transformando las dudas en sueños, las tensiones y los miedos en superación. Se trata de sonreír. Se trata de lo extraño, lo desconocido. El Camino convierte el dolor en paz. Un lugar donde el tiempo pierde sus sentidos, donde desaparece, donde las emociones no necesitan tiempo. El Camino sirve de consuelo a la frustración. Siempre queremos llegar al final, pero ¿es realmente necesario llegar al final? Este año, en la quinta semana me he roto la cadera. El año pasado fue la pierna. ¡El Camino es arduo! Para mí, este año es difícil no continuar, primero porque me quedaba muy poco para terminarlo, pero era necesario parar, ya que el cuerpo había llegado a sus límites tras 31 días de camino y casi 800 km recorridos. Lo segundo es que el Camino se hizo invisible en mi mente por el dolor. Tuve una caída el día 11, bajo una tormenta; terminé resbalándome y perdiendo el equilibrio. Mi cadera chocó primero y terminó doliéndome. Esto fue en Ostabat, en Francia. Después seguí transitando lentamente por el Camino. En realidad, caminé alrededor de 500 km con este problema de cadera. Pero al llegar a León, España, el dolor aumentó mucho. Acudí a un centro de salud. Me dijeron que uno de mis huesos de la cadera tenía una fisura y que había que dejar de caminar, porque si no yo podía tener consecuencias físicas graves. Decidí entonces acabar mi Camino en León. ¡Extrañaré el Camino...!

Pero con mis archivos quería ofrecer un homenaje a esta vía, a lo que significa, la gente que lo intenta, a quién y lo que encontramos durante los días de paseo. Ya he editado maquetas privadas en 2020.

Pero no me convencen. Quiero hacer algo pequeño, más artesanal, ligero, espiritual, íntimo. Creo que tengo una idea visual muy original, pero me la guardo por el momento, porque primero debo hacer intentos. Voy a cambiar el trabajo que he hecho hace tres años titulado «Cruzando el paralelo», para respirar más, manteniendo solo las imágenes más potentes... ¡Nada sofisticado, algo sencillo.!

3 - ¿Cuál es el tipo de fotografía que te interesa?

Siempre trato realizar imágenes a partir de lo que ya viví, pero casi siempre lo que logro fotografiar es el olvido en todas sus formas, y termino creando recuerdos y experiencias que nunca existieron.El resultado es que las imágenes son a veces como los sonidos que siempre retumban en el interior y estallan en el exterior... Hay un poema del poeta brasileño Manoel de Barros que me gusta y define un poco mi trabajo: “Seiquefazeroinconexoaclaraas loucuras.

Souformadoemdesencontros. Asensatezmeabsurda.

Os delírios “visuais” me terapeutam.”

Estos fragmentos poéticos dicen que lo inconexo aclara la locura, que estamos llenos de desacuerdos, que basta el sentido común y, finalmente, que los delirios “visuales” me curan.

4 - ¿Tenías conciencia desde el principio que fotografías, de que la foto era un lenguaje para ti y esta además por encima de la técnica?

Debemos sentir al mirar; el sentimiento es lo que me gusta.

La sensación, el sentimiento, personalmente los encuentro y los grabo, tal como son en las fotos de Juanan Requeña, de Israel Ariño, o en otro lado (más de fotografía de calle) en el trabajo de Rafa Badia, o bien en las imágenes de David Salcedo... Cuando nos toca enfrentarnos a nuestra mente y nuestras locuras, tenemos que cambiar de mentalidad de hacer las cosas que nos gustan, para hacer cosas que necesitamos para sobrevivir íntimamente. Es por ello que fotografío lo que veo como una instantánea que enfoca más rápidamente las cosas que la visión normal, que juega naturalmente con contrastes, desarmonías si es necesario, juegos mentales...

La técnica no es mi ocupación primaria. Pero me interesa todo lo que me permite ir más allá de la imagen clásica, tanto en el momento de la toma, como después en postproducción o en maquetación. Finalmente al tratar de encontrar imágenes, terminé encontrando algunas “palabras” visuales. Mis secuencias sensoriales son diálogos, narraciones y poesías. Es mi manera de exprimirme ¡La cámara es mi espacio de libertad!

Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin

«Edreira fotografía no para registrar, sino para representar, transformar, y metamorfosear momentos en posibilidades retóricas libres de referente.»

EdEr ChiodEtto

Para el deleite del blanco y negro

La 25ª edición de la feria mundial de fotografía “Paris Photo” reunió del 10 al 13 de noviembre a cerca de 200 galerías y editoriales de una treintena de países. Y en particular los estadounidenses ausentes en años anteriores a causa de la epidemia de Covid. Fue una oportunidad para coleccionistas, aficionados e incluso simples visitantes curiosos de descubrir lo mejor de la creación fotográfica.

UN AÑO MARCADO POR EL FOTOLIBRO

La fotografía fue este año inseparablemente la fiesta del libro: este formato, que ofrece al fotógrafo una gran libertad de expresión y que constituye una extensión de su creatividad. Esta edición “Paris Photo” había invitado a 34 editores a mostrar sus creaciones, además de los editores que estaban en la “Peniche” Polycopies que, aparte de sus 3 plantas habituales, había instalado un toldo junto al barco a orillas del Sena. Hubo multitudes para visitar a los editores de muchos países. En el Efímero Grand Palais hubo 350 firmas de artistas en 4 días de intensa programación. Y soberbios descubrimientos (ver artículo más abajo de nuestra selección): David Salcedo, Alex LLovet, Juanan Requeña, Israel Ariño y Clara Gasul entre los españoles, Pierre Faure, Jean Mounicq, Thomas Boivin, Céline Croze... para los franceses entre otros, y artistas de muchos países: Hans Bol, Nanouk Prins, Andrea Olga Mantovani, Ola Rindal, Wijnanda Deroo, Talia Chetrit, Youqine Lefèvre, Eamonn Doyle, Wolfgang Tillmans, Paola Jiménez Quispe, Arturo Russo, etc.

UN GRAN ÉXITO POPULAR

Para su segunda edición en el Efímero Grand Palais, “Paris Photo” reafirmó su

estatus como la principal feria internacional de fotografía. Crece el interés de más espectadores que el año pasado (61.000 entradas, un 5% más) con un viernes especialmente concurrido. ¡Hasta la saturación! Estaban allí grandes nombres de la fotografía: Martin Parr, Harry Gruyaert, Michael Kenna, Joan Fontcuberta, Rinko Kawauchi... y la generación joven, muy activa, de muchos países: el fotógrafo indio Bharat Sikka, los franceses Camille Gharbi y Matthieu Gafsou, el co-ganador iraní Arash Hanaei del Arts Maker BMW...etc.

NUEVOS TEMAS

Estuvieron representados 1.613 artistas, el 32% de los cuales eran mujeres, en su mayoría de Europa (70%), pero también de Sudáfrica, Irán, Israel, Líbano, Marruecos, China, Japón (aunque en realidad bastantes), Corea del Sur, India, Norte y América del Sur. Confinamiento, aislamiento, guerras -la galerista parisina Suzanne Tarasiève, dedicaba todo su stand al fotógrafo ucraniano Boris Mikhaïlov- genocidios, cambios ecológicos, paisajes (incluso

bajo el agua), en particular, el trabajo excepcional de Nicholas Lefloc’h... ... Los temas de la sexualidad, del género, de la narración de la historia personal, si bien no han desaparecido, están mucho menos presentes. Lo íntimo se vuelve surrealista, la casa familiar o la de los recuerdos personales se convierte en el teatro de una reconstrucción narrativa con objetos -una especie de escenografía de bodegones, como tantos símbolos- y el uso del desenfoque artístico crea una frontera entre el sueño y la realidad, entre el ayer y hoy, entre lo verdadero y lo fabuloso.

JÓVENES ULTRA CREATIVOS

Desde 2015, el sector “Curiosa de Paris Photo” destaca prácticas que renuevan los códigos tradicionales del medio fotográfico. Hemos seleccionado tres artistas que se destacan: Jean-Vincent Simonet (1991, Francia) que practica el ensamblaje, el fotomontaje, el collage, técnicas digitales que fusionan diferentes modos de procesamiento de imágenes. Todo en una forma de

© JMGParis

Photo 2022Photographie de Martin Parr

sobrecarga, exuberancia y entropía narrativa; la estadounidense Leigh Merrill (1978, Nuevo México) que construye nuevas realidades tanto en la naturaleza con el bosque, como en áreas urbanas con baldíos industriales, mediante una creación digital deliberadamente infiel; quedan Elliot & Erick Jiménez (gemelos en 1989), artistas de la primera generación de estadounidenses de origen cubano, afincados en Florida. Los gemelos trabajan a dúo y firman un trabajo fotográfico sobre su común fascinación por la historia del arte y la mitología. Se mezclan simbología, semántica narrativa y luces.

En un otro espacio, en La maison Chloé, la fotógrafa estadounidense Leigh Johnson presenta una instalación sutil, delicada y sobrecogedora, que reúne diez años de fragmentos de la vida cotidiana capturados, a veces con humor, bajo su lente benevolente y extravagante.

MUTACIONES FOTOGRÁFICAS

Las imágenes también mutan, como el neón rastrero “Dami” (2022) de Smith en la Galerie Christophe Gaillard: imagen, traviesa, jugando al escondite con luz de neón; también lo son las cáscaras de fotografías dentro de bombillas de Lisa Sartorio en Binome; o las escenas representadas en los platos de Jordi Vernis Lopez en ADN Galerie.

BLANCO Y NEGRO EN EL FOCO

La fotografía analógica así como el blanco y negro reelaborado con grano o un desenfoque artístico, siguen siendo “La” gran tendencia de esta feria y se encuentran en el corazón de las exposiciones de galeristas y coleccionistas. Hay una ternura por el blanco y negro y su melancolía, algo que ese color no tendría, ¡excepto quizás polaroid!¿Podría ser más bien un misterio? Como si el blanco y negro aportara a la imagen ese precioso “je-ne-sais-quoi” que la convierte en “Una” fotografía, objeto de colección y contemplación.

La escena contemporánea, incluidos los más jóvenes, destaca por su tratamiento del blanco y negro; y en esta “Paris Photo” nos centraremos en: Alexandre Dufaye representado por la galería Catherine Issert en Saint-Paul de Vence con su técnica que recuerda al esfumato en pintura; o Lukas Hoffmann que vive en Berlín -ya visto este año en el Monoprix de Arles- y que ofrece fotos de transeúntes tomadas

al vuelo, con una cámara a visión de

gran formato. Un gesto, una actitud, una prenda, un pelo...: un precioso ensayo fotográfico sobre el minucioso detalle de la vida cotidiana; o Nicolas Floc’h que da cuenta realista del estado de los fondos marinos en un stand Maubert, espectacularmente escenificado...; o incluso Sara Imloul, con su técnica mixta sobre calotipo (negativo de papel), y sus fotografías introspectivas. Obviamente, no hay que olvidar a la fotógrafa y “activista visual” Zanele Muholi que lleva 20 años retratando de forma excepcional poderosos retratos en blanco y negro las identidades LGBTQ+ de una Sudáfrica post-apartheid...

LA AGENCIA MAGNUM CUMPLE SUS 75 AÑOS

Con motivo de esta edición, la agencia Magnum celebró el 75 aniversario de su fundación. En esta ocasión, se organizó una gran retrospectiva bajo la dirección de Martin Parr.

“TAN BUENO COMO EL ORO “

En resumen, la feria de “París Photo” jugó sobre todo la carta de los grandes clásicos (Bertha E. Jaques, Brassaï, Man Ray, Kertesz, Larti-

son, Bob Gruen, Carrie Mae Weems, Diane Arbus, Josef Koudelka, Graciela Iturbide, Nan Goldin, Todd Hido, etc) que no dando paso a nuevas revelaciones. El blanco y negro domina en gran medida y en todas sus acepciones. Rossy De Palma estuvo ahí para dar el lado loco, pero sin la juventud de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”. De hecho, parece que el objetivo era sobre todo seducir a Estados Unidos y que pudieran retomar su negocio con los coleccionistas.

Por lo tanto, si la feria fue una buena cosecha, con buenos momentos, con varios fotógrafos creativos y muchas ideas, Paris Photo fue, para usar el título del diario Le Figaro: “Sagecomme une image” (“fiel como un perrito”). ¿Quizás le faltaba un espíritu rockero, cosa curiosa ya que los americanos habían desembarcadoS...? ¡Un poco como si el Mike Jaeger de la última gira de los Stones estuviera dirigiendo el espectáculo de la Feria!

Jean-Matthieu Gosselin Ullic Narducci

© Gorka PostigoRetrato de Rossy De Palma

© J-M GosselinNicholas Lefloc’h

© J-M GosselinLukas Hoffmann

Nicolas Lefloc’h y la presentación escenográfica en Maubert - Retrato realizado para la Sudáfricana Zanele Muholi - Fotos de Lukas Hoffmann.

©JMGFoto de Zanele Muholi

Matthieu Gafsou, Petrole 1, Serie “Vivants”,

© Matthieu Gafsou

“Vivants”, Prix Maison Ruinart 2022

© Nina Katchadourian

Nina Katchadourian, “Fake Plant #7”, 2022, Catharine Clark Gallery - Harry Gruyaert, “Gum Entrance, Moscow, USSR”, 1989. Gallery Fifty One - Krass Clement, “Drum 81”, 1991, Michael Hoppen Gallery

© Ktass Clement

© Harry Gruyaert

Una visitante de Jorge Alberto Cadi en la Galerie Christian Berst - Muchas firmas de libros; de arriba a bajo: Marin Parr, Michael Kenna, Harry Gruyaert, Rinko Kawauchi.

© J-M Gosselin

© J-M Gosselin

© J-M Gosselin

© J-M Gosselin

Una selección de 10 libros preciosos

Cada año, “Paris Photo” pone el libro en el punto de mira e invita a los editores. De igual forma, durante la misma semana, muchos creadores, fotógrafos y editores se dan cita en “Polycopies”, en una “Peniche” a cerca de la Asamblea Nacional.

Este año había un 16 % más de editores, y de por su parte “Polycopies” tuvo que montar un gran toldo en las orillas del Sena además de su espacio en la “Peniche”. Procedentes de todo el mundo, del Japón a los países nórdicos, de Estados Unidos a la UE, mostraron con placer sus creaciones, y los autores se reunieron con sus lectores, debatieron y firmaron ejemplares... Os proponemos aquí una selección de fotolibros que son tan elegantes tan como singulares, que apreciamos especialmente.

Empty Forest, Nanouk Prins

Encontramos aquí el libro que los dos autores de este artículo han apreciado y tomado al mismo tiempo en la mano.¡Una maravilla! “Empty Forest” trata sobre una mujer llamada Emma Hauck que fue internada en un hospital psiquiátrico en Heidelberg (Alemania) en 1909. La diagnosticaron esquizofrenia.

Lo siguiente es una historia particular: se descubren varias cartas que le escribió a su marido Michael, rogándole que la recogiera. Cada letra está escrita con palabras superpuestas. Algunos están tan condensados que son ilegibles. En algunas se leen “‘herzensschatzi komm’ (cariño, ven)”, en otras solo se repiten las palabras, “‘komm, komm, komm’ (ven)” de miles veces.

Las cartas nunca se enviaron... El libro cuenta la soledad y el aislamiento de Hauck. Las fotos toman imágenes de los campos, los bosques y los arroyos que se pierden en el horizonte. Nanouk Prins atrapa casi la imagen de la brisa que les brinde la oportunidad de escapar, y que ayuda a equilibrarse con paisajes invernales. También capta la evolución de los sentimientos a través de retratos. ¡Una obra brillante!

Undertow, Damien Daufresne

A nosotros nos gusta este libro muy bien imprimido, sobre todo por su poesía. El libro está pensado hasta los últimos detalles; las fotos son preciosas y la narración tiene una capacidad de indagación. La interacción de la fotografía con dibujos y pinturas como vector de comunicación se amalgama perfectamente.

Sleep Creek, Paul Guilmoth y Dylan Hausthor

¡Este libro es absolutamente una obra de arte! Las imágenes son definitivamente impactantes y te llevan a una historia casi surrealista Es un libro diseñado y pensado hasta los últimos detalles. Sleep Creek’ es un paisaje lleno de heridas y bellezas, un libro que bordea las fronteras de la realidad y la ficción, que distorsiona el territorio, el mundo exterior que afecta nuestro paisaje interior.

Messina Centrale, Arturo Russo

Ahora descubramos un libro sobre uno de los barrios más difíciles de la ciudad de Messina, cerca del mar. Las

“No pretendo que mi trabajo informe o describa; mis fotografías no son prueba de algo. Me gusta la idea de entrar en la obra como si estuvieras entrando en un laberinto; debe estar confundido y es posible que no encuentre exactamente lo que estaba buscando.” damien daUfresne, in lfi

LA sELEcción

Empty Forest, Nanouk Prins, Self Publishers United

Undertow, Damien Daufresne, Blow Up Press

Sleep Creek, Paul Guilmoth y Dylan Hausthor, Void Photo

Messina Centrale, Arturo Russo, 89book

TheCloud,TheBirdandthePuddle, Ola Rindal

+, David Salcedo, ediciones Posibles

Lavelocidaddeescape, Alex Llovet, ediciones Posibles

LaPlainedeCésar, Pierre Faure, Sur la Crète éditions

God’sAlliesRevisited, Hans Bol, Recto Verso publications

S’enforester, Andrea Olga Mantovani y Baptiste Morizot, D’une rive à l’autre

© Federico Clavarino

fotografías son crudas y vivas, los colores son como piel viva, el hecho de imprimir en un papel “de calle” nos hace sentir aún más a dentro a la historia.

trabajo de Alex LLovet desde Australia durante 5 años con gran interés. Además, cuando he mirado algunas imágenes, más he pensado que me gusta “The summer almost gone”. Libro muy puro, casi no interesa el diseño gráfico, esta básico, pero la calidad de papel y de la impresión son óptimas. Lo más importante son las imágenes tan claras, depuradas, refinadas que todo el contorno desaparece. Llovet recorre su entorno más cercano a la búsqueda de seres y objetos que huyen de lo que condiciona su libertad.

La Plaine de César, Pierre Faure

la reputación de ser inteligentes, alertas y juguetones, y a menudo se los asocia tanto con la muerte como con la buena fortuna. Es lo que metafóricamente, y simbólicamente, nos narra el autor parrándose en varios paisajes. ¡obra Preciosa!

S’enforester, Andrea Olga Mantovani y Baptiste Morizot

Un libro que hay que comprar y mirar mil veces.

The Cloud, The Bird and the Puddle, Ola Rindal

Un libro de gran delicadeza con fotografías de una poesía dulce y evocadora, entre los recuerdos de la escuela, las calles estrechas, los colores ácidos y el arrullo de las palomas... Una portada elegante, dulce y un diseño sencillo que ofrece lo mejor a las imágenes: el blanco “fantasmagorique”. Ola Rindal es una noruega que vive en la capital francesa. En el París de Rindal vemos imágenes fugaces de la vida parada, al igual que los callejones encargados por Eugène Atget, vacios.

+, David Salcedo

El nuevo David Salcedo, titulado “+” realizado físicamente con una espiral con el fin de poner dos conjuntos de barajas de fotografías en paralelo, para que el lector se convierta en autor de las imágenes finales al combinar las dos fotos alineadas. Sus imágenes proponen una delicada mirada documental, una pulcra ironía como un sosegado misterio y un gran sentido de la metáfora. ¡Un libro fundamental para todos los «amateurs» de fotografía!

La velocidad de escape, Alex Llovet

¿Como no escoger esta obra? Era imposible para mí que he salido de Barcelona en 2018 y he seguido el

Un nuevo Pierre Faure, “LaplainedeCésar”, después de “Les jours couchés” descubierto en “Paris Photo” 2021. La portada de esta nueva obra es pura, poética pero también interrogativa. Pierre Faure prosigue su trabajo sobre el territorio añadiendo a sus poderosas imágenes un texto muy fuerte de Guillaume Jan que narra un lamento ligado a una historia de amor. ¿Una tristeza?

Las fotografías de Faure se esfuerzan capturar fragmentos tomados del paisaje, datos silenciosos en territorios perdidos, silencios y paisajes desolados y... retratos simples y semi-descontextualizados.

Las fotos de Pierre Faure tienen algo de misterioso, se puede ver en ellas esa singular extrañeza que inunda, por ejemplo, los fotolibros de inmersión en lugares rurales, como los de Depardon o de François-Xavier Seren. Entre claroscuros y nitidez de los horizontes, parecen invitar a la reflexión.

Hemos empezado este articulo con “EmptyForest” y acabamos con “S’enforester”. Si este último ha sorprendido a Ullic en razón de su manera de cómo documenta algo de muy real con imágenes conceptuales y al mismo tiempo documentales; no ha sorprendido de la misma manera a Jean-Matthieu que ya había escuchado en la radio France-Inter la entrevista de 20 minutas en el programa matinal de los dos autores: Andrea Olga Mantovani y Baptiste Morizot. “S’enforester”, informa sobre los aspectos mitológicos del bosque de Białowieza para concienciarnos sobre la importancia de todos los bosques del planeta. Los autores hablan de bosques primarios.

El bosque de Bialowieza tiene más de 10.000 años. Es el hogar de ecosistemas únicos en el mundo, y del último bisonte salvaje de Europa. En 2017, se vio amenazado por una invasión de insectos xilófagos y el gobierno polaco anunció una campaña para talar árboles enfermos. ¡Es el inicio de una lucha...!

Publicado por “D’une rive à l’autre” -que lleva un trabajo editorial excepcional-, este trabajo permite crear puentes entre la fotografía y las ciencias humanas, entre la fotografía y la política. El libro nos pareció extremamente bien realizado y los textos apasionantes.

Este es un libro para ver y leer, darle la vuelta y disfrutar. Todo es delicado, la maquetación, la portada, el cuadrifolio central, las fotos, el juego de colores del papel, naranja, crema, blanco, verde oscuro... retrato de un pájaro, pájaros en el cielo, pájaros en el paisaje, alas, juegos de cuasi abstracción... Bol presentó sus fotografías en blanco y negro de cornejas y cuervos; revisita imágenes que representan el lado más oscuro y quizás más divino de estas intrigantes aves. Después de todo, los cuervos y los cuervos se han ganado

El Fotolibro ha ocupado un lugar destacado en “Paris Photo”, ha participado, como la importancia del blanco y negro, en esta necesidad de volver a lo básico para hacer que las imágenes existan fuera de lo digital y de las pantallas con formatos incontrolables.

Ullic Narducci y Jean-Matthieu Gosselin

Hans Bol - God’s Allies Revisited

La extensions de “Polycopies” para acoger más editores y más visitantesLavelocidaddeescape, Alex Llovet, ediciones Posibles

portAdA s dE LiBros, dE izquiErdA A dErEcHA, dE ArriBA A ABAJo:

-EmptyForest, Nanouk Prins, Self Publishers United +, David Salcedo, ediciones Posibles

TheCloud,TheBirdandthePuddle, Ola Rindal SleepCreek, Paul Guilmoth y Dylan Hausthor, Void Photo

LaPlainedeCésar, Pierre Faure, Sur la Crète édition

S’enforester, Andrea Olga Mantovani y Baptiste Morizot, D’une rive à l’autre

EXCELENCIA

LAIA FABREGAT- 2021-2022 (fotógrafa)

«Hay que tener fe en uno mismo. Ahí reside el secreto. » cHArLE s cHApLin

«Un proceso de duelo, desde la tristeza y la melancolía. Dentro de éste, también existe una relación muy íntima con las pequeñas cosas, los detalles, que hacen que esta tristeza se convierta en algo más; una sensación

de bienestar, de crear casa en el propio cuerpo y de dejar espacio dentro de sí misma.», LlindarClara

LLINDAR CLARA GARCIA - 2019-2022 (fotógrafa)

©Llindar

Clara Gracia

«“Un viaje a la inmensidad de lo pequeño que podemos legar a percibir”.

Como a través de los elementos y la luz podemos generar contrastes, texturas, formas,

movimientos y espacios en un entorno cotidiano.», DayannaCorredor

DAYANNA CORREDOR - 2021-2022 (fotógrafa)

© Dayanna Corredor

Bani «En la fotografía he encontrado el ambito expresivo que buscaba. Lo entiendo como un medio para explorar al ser humano y su esencia.

Mi actividad artística está enfocada hacia la transmisión

de lo inmaterial que cada uno de nosotros alberga en su parte más recondita.», LucaBani

LUCA BANI - 2020-2021 (fotógrafo)

«I look inside myself And see my heart is black I see my red door And must have it painted black

Maybe then I’ll fade away And not have to face the facts...»

TheRollingStones(“PaintItInBlack”)

JEAN-MATTHIEU GOSSELIN - 2016-2018 (fotógrafo)

«Un beau jour, Ou peut-être une nuit Près d’un lac, je m’étais endormie Quand soudain, semblant crever le ciel

Et venant de nulle part, Surgit un aigle noir.», Barbara(“L’Aiglenoir”)

ULLIC NARDUCCI - 2018 (fotógrafo)

«En la espesura de su talle me pierdo enamorado esculpiendo una efigie de memoria. Su mirada es tan límpida

que observo el boscaje más allá del cielo de sus ojos.», EloyJauregui

ANTONIA MARDONES - 2021-2022 (fotógrafa)

© Antonia Mardones

«Quizás me ves, tal vez, acaso un día, en una lámpara apagada, en un rincón del cuarto donde duermes,

soy una mancha, un punto en la pared, alguna raya que tus ojos, sin ti, se quedan viendo.», JaimeSabines

IRENE MONTEAGUDO - 2021-2022 (fotógrafa)

© Irene_Monteagudo

«Está bien que se mida con la dura Sombra que una columna en el estío Arroja o con el agua de aquel río En que Heráclito vio nuestra locura

El tiempo, ya que al tiempo y al destino Se parecen los dos: la imponderable»

JorgeLuisBorges(“ElRelojdeArena”)

MARÍA GUTIÉRREZ - 2020-2021 (fotógrafa)

«Nosotros, mi familia y yo, no hablamos de amor. Y si no hablamos de amor, ni de sexo, ni de deseo. Si mano que agarras es la de tu mamà y no la de tu marido i esposa.

Si no entregas tu mano, sino te entregas vos. », Lucía_Morón LUCÍA_MORÓN - 2021-2022 (fotógrafa)

BARCELONA VIAJA CON: “BEFORE MEMORIES FADE”

En septiembre comenzó la exposición de JM Gosselin en Belmont-De-La-Loire, Francia, en el showroom del Ayuntamiento. Se llama: “Before Memories Fade”; duró del 17 de septiembre al 11 de noviembre. . Además, se encontrará en 2023 en al menos una otra ciudad francesa.

Es la tercera parte de su trabajo fotográfico después de su ictus y su rehabilitación (tras “No Surrender” y “Memorial Drive”). Jean-Matthieu ofrece su visión de Barcelona, terreno de su nueva memoria fotográfica. Sus tres exposiciones se suceden y se entrelazan.

1 - Su primer proyecto, NO SURRENDER, expuesto en Grisart y luego en el festival Panoràmic 2019, narraba su proceso de rehabilitación durante los primeros 6 años tras su accidente. Era la historia de su experiencia y su recuperación; allí exploró, a través de sus primeras imágenes fotográficas y sus ejercicios de rehabilitación, cómo la fotografía y la palabra le servían para reconectar, explorar (¿reconocer?) su entorno lo más cerca posible.

2 - Posteriormente, en 2022, produjo MEMORIAL DRIVE, muestra expuesta en Grisart, una obra cen-

trada en su búsqueda de identidad, oscurecida por la amnesia. Intentó hacer un recorrido gráfico, como un escanner, de su aprendizaje artístico, y descubrir quién es a través de autorretratos, así como sumergirse en su memoria literaria.

3 - En esta última exposición ofrece una veintena de fotografías de “su Barcelona”, una ciudad que ofrece mil oportunidades fotográficas. Caminar diariamente lo ayudó a explorar la ciudad y a él mismo... a acercarse y alejarse de su entorno para encontrar la poética de la vida en todo su detalle. Barcelona se ha convertido en su territorio de acciones fotográficas.

A raíz de estos paseos empezados con su tío -belmontés- y de ese acto de fotografiar nació el proyec-

Foto de cover::©Luz Cubas

Foto de primera: ©Lucia Morón Fotos de contra ©Cristobal Ascencio

Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: Jean-Matthieu Gosselin; Andres Hispano; Alba Serra; Lucia Morón; Maria Gutiérrez; Elena Ramirez; Noelia Iniesta; Giovanna Bertold; David Molero Saura; Susana Velasco; Irene Monteagudo; Marta Segu, Ullic Narducci; Flavio Edreira; Blow Up Press; Self Publishers United; Void Photo; 89book; Ediciones Posibles; Sur la Crète éditions; Recto Verso éditions; D’une Rive à l’autre ; Actes-Sud; Ed. Sanley-Baker; Lecturis; Editions le Bec en l’air, Ediciones Anómalas; Fotô Editorial; Laia Fabregat; LLindar Clara Garcia; Dayana Corredor; Luca Bani; Antonia Mardones; Albert Gusi. Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

to “BEFORE MEMORIES FADE”. El resultado sedujo al público, de eso doy fe: yo estuve en Belmont.

Ullic Narducci

https://jmgosselin.com/

Para contactar con los autores y fotógrafos: agusi@grisart.com; www.jmgosselin.com; iferreres@grisart.com; https://www.grisart.com/; http://hispanoandres.blogspot.com/; @ ph.lumo; @susanavelascog; @maru.gut; @gibertoldi.foto; @martasegu_ ; @_pilarrodriguez_ ; https://panoramicgranollers.cat/es/; serraferreralba@gmail.com; @ molerosaura; @antoniamardones_; https://www.parisphoto.com/; @ Kbr Fundación Mapfre Barcelona Photo Center;; https://fotocolectania.org/; ullic.morard@gmail. com; https://www.flavioedreira.com/; https://editionsur- lacrete. com/; https://www.edicionesanomalas; https://www.actes-sud. fr/; @hansbolhansbol; @olarindal; @Molopress; @editionsdunerivealautre; @editionsbessard; @Anouk.Prins; @Tipi_Photobook; https://blowuppress.eu/; https://www.edicionesposibles.com/; https://lecturis.nl/; @jeanmatthieug; https://fotoeditorial.com/; https://www.cristobalascencio.com/

ALBERT GUSI EXPONE A PARTIR DE LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL

Territorio, acciones y registro fotográfico son las nociones que configuran el trabajo de Albert Gusi, pero también la reflexión sobre el futuro de la imagen y de una de sus “armas”, la fotografía. En una exposición reciente en el Centro Cívico “Joan Oliver “Pere Quart” “ muy cerca del Camp Barça, Albert trabajó “Contrasonet del Camp Nou”, un poema de Joan Oliver. Expuso imágenes creadas a partir de la IA que nacían con versos del poema. Las imágenes son brutales, entre pintura contemporánea, película de acción de Marvel, cómics y ciencia ficción. Después estaba previsto, con el poema impreso en una lona, salir del centro cívico y llevarlo al Camp Nou, donde se recitaría en su contexto y con ilusión. ¡El pueblo devuelva así al Barça un poema que es crítico con el fútbol y el club, pero que tiene ya 60 años de existencia y que es cultural! Muchos de estos versos con muy actuales 60 años después de la construcción de estadio y en el momento que se ha emprendido una ampliación de este monumento de la ciudad y del país... De forma sutil y con sentimiento, la ciudadanía responde desde un poema a la invasión que sufre el barrio cada vez que hay un partido. Se mezclan aquí cultura tradicional y modernidad absoluta gracias a las imágenes.

Cristóbal Ascencio (Guadalajara, México, 1988)

obtuvo una licencia en medios audiovisuales y publicidad en el CAAV deJalisco (2012) y un Master en fotografía contemporánea y gestión de proyectos en el EFTI de Madrid (2022).

Su práctica se extiende a nuevas formas de imágenes como la realidad virtual, la manipulación de datos y la fotogrametría. Su trabajo se centra en la relación entre imágenes y memoria y cómo construimos diferentes identidades y realidades a partir de esta correspondencia.

Ha ganado la beca del Festival Panoràmic - Granollers, 2022.

Mi nombre es Cristóbal Ascencio, soy un fotógrafo mexicano. Mi práctica se expande a nuevas formas de la imagen como la realidad virtual, la manipulación de datos y la fotogrametría.

Mi trabajo se centra en la relación que existe entre imágenes y memoria y cómo construimos diferentes identidades y realidades a partir de esta correspondencia. Busco explorar las funciones y las posibilidades dentro del medio fotográfico y nuevos medios digitales. Cuando empecé a trabajar en mi proyecto, “Las flores mueren dos veces”, supe desde el inicio que quería trabajar con el archivo fotografico de mi familia para hablar sobre la memoria y como a partir de lo que recordamos, formamos nuestra identidad.

De alguna manera, una fotografía es un pedazo de información sobre la luz pasada que se puede percibir en el tiempo presente. De manera similar, los recuerdos son lo que queda de nuestras experiencias pasadas en nuestro yo presente. Las

LIBRE OPINIÓN

«Corrompiendo la memoria»

fotografías en este caso, pueden servir como un dispositivo de almacenamiento de memoria y, cuando las vemos, activamos ciertas partes de esta.

En el caso de mi proyecto, me interesa hablar de la memoria y la fotografía como dispositivos propensos al error, o como dispositivos “corrompibles”.

Mi padre murió cuando tenía 15 años, pero no fui informado de que la causa de su muerte había sido un suicidio hasta que cumpli 30 años. A partir de esto, empecé a cuestionarme como esta nueva información estaba afectando mis recuerdos; si mi memoria estaban siendo afectada por esta nueva información, las imágenes asociadas a los recuerdos deberían verse afectadas también. Decidi encontrar una manera en la cual, el mismo proceso de elaboración de las imagenes hablara sobre este intercambio de información. Empecé a intervenir el código que compone las fotografías de mi archivo familiar, y a deconstruir las imágenes y las narrativas

asociadas a ellas utilizando el glitch (el error digital) como herramienta. La técnica que utilizo, se conoce como pixel sorting. Al utilizar esta técnica la información que contiene la imagen se mantiene igual, lo unico que cambia es el el posicionamiento de los pixeles, esto de alguna forma, es una metafora de lo que creo que paso en mi cerebro al recibir esa nueva información y cuestionar mis recuerdos.

De esta manera, la intervención digital en las imagenes, habla sobre ese mismo proceso y propone un dialogo entre el autor, el archivo y la máquina (en este caso un ordenador).

Personalmente, me interesa cómo las intervenciones tecnológicas alteran el significado primigenio de una imagen, expandiendo los medios a nuevas formas de consumo al convirtirse en un territorio nuevo para cosechar, conjurar y proponer nuevos significados y formas de lectura.

cristóbal ascencio