Global Grisart Nº 19 by Grisart Escola Internacional de Fotografia

GLOBAL GRISART

DICIEMBRE DE 2021

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

SUMARIO

EDITORIAL

EDITORIAL MEDITAR CON LA FOTOGRAFÍA FESTIVAL PANORÀMIC 2021: “INCERTIDUMBRE, AZAR, PREDICCIÓN” Entrevista a Albert Gusi, codirector del Festival Panoràmic - Erwin Wurm Weronika Gsicka - Entrevista a Natasha Christia - Top Manta - Colectivo sobre afrofututisto - “El dedo en el ojo” por Joan Fontcuberta - Alba Sera - Rosana Antolí Dani Kelberman y Jonathan Brown... PARÍS PHOTO 2021 Jean-Matthieu Gosselin y Flavio Edreira ENTREVISTA DE MARINA PLANA Rodearse de gente artística ENTREVISTA DE FEDERICO CLAVARINO

EXCELENCIA LIBRE OPINIÓN DE EPSE PONS

©David Molero

EXPOSICIONES Y FOTOLIBROS

Este número dedicado tanto a la meditación como a la quinta edición del Festival Panoràmic es la ocasión para decir lo importante que es ir a museos, galerías, festivales, ferias, etc. Este tema es, además, uno de los pilares de la enseñanza de la Escuela Grisart. La escuela organiza visitas, charlas, promueve exposiciones de alumnos, lidera el festival internacional Panoràmic, fundado por Albert Gusi y Fidel Balaguer, mostrado en lugares internacionales como Arles, donde estará en julio 2022 tras un paro debido a la Covid; y expone anualmente a dos o tres alumnos en el espacio expositivo en la escuela en el centro de Barcelona. Pero más que leer un libro de historia, arte o ciencia, más que seguir una clase catedrática, el interactuar con los trabajos de artistas -cual sea la técnica utilizada- ayuda muchísimo en los procesos de aprendizaje. También la visita de las muestras estéticas, de los festivales donde hay creaciones con una temática común; o de

los museos, galerías... Es realmente importante debido a que, a través de estas interacciones, cada uno entra en contacto con las distintas culturas que existen, la historia de cada rincón del mundo, con cada técnica que se puede utilizar -hasta las mas sorprendentes-. Y también con lo que somos como seres civilizados y creadores de imágenes, que pueden comunicarse por la fotografía y/o las Bellas Artes y a través de manifestaciones artísticas, sociológicas, políticas... Por suerte, cada vez más instituciones son conscientes de que la “creación de significado” es dinámica y variable; además de estar en concordancia con los intereses del público, que también se modifican constantemente, y permiten ayudar a la asimilación de los contenidos, de una manera didáctica y hasta lúdica, y propulsar nuestra creación y nuestro potencial de idearnos a nosotros mismos. Jean-Matthieu Gosselin

©Llona Muratel

MEDITAR CON LA FOTOGRAFÍA «Dejar el mundo por una soledad temporal pero profunda»

Los monjes andantes escribían poemas, los copistas medievales meditaban sobre las iniciales, los ermitaños componían canciones espontáneas, los pintores chinos mezclaban pintura y caligrafía en una misma meditación... Edward Steichen, Aaron Siskind, Marc Riboud, Flor Garduno, Bernard Plossu, Sergio Larrain, Joseph Sudek, Gilbert Fastenaekens , Aline Diépois y Thomas Gizolme, Israel Ariño, Juanan Requena, Masao Yamamoto, Claudio Edinger, Matthieu Ricard, Ceren Bulbun, Victoria Siemer, Joel-Peter Witkin, Ricardo Eichenberger, John Dykstra, Marta Sellarés, Yang Yongliang...son ejemplos de fotografos experimentados que, meditando, salen del marco pero saben que si, como escribió Leibniz, “el espacio es el orden de las cosas que coexisten” deben salir de la simple ilusión, liberarse de todas las ilusiones y en particular de las más sostenidas, la de la doble coacción que son permanencia y verdad.

Rafa Badia

UNA NUEVA VISIÓN

Josef Sudek exploró en su trabajo su entorno inmediato, la intimidad que le ofrecía su taller o el jardín que veía desde su ventana; tambien meditó sobre la vida, la eternidad, la finitud de las cosas... creó atmósferas evocadoras, invitó a la reflexión y llegó a dotar de alma a los objetos.

La meditación se centra en una experiencia interior sin intermediarios. La fotografía se ocupa de la producción de imágenes de la realidad o bien de la creación total venida de la imaginación. Tanto la meditación como la fotografía requieren compromiso, disciplina y habilidades técnicas. Se ha de que trabajar en la capacidad de ver el mundo de una manera nueva, así como en tu capacidad de experimentar lo invisible

©Israel Ariño - Atlas

Israel Ariño es un gran y talentoso conocedor de Julien Gracq, en cuya obra literaria de que ha trabajado y meditado durante mucho tiempo. Sus fotografías recuerdan a «Le Rivage des Syrtes» que es, en cierto modo, una meditación abierta sobre el Ser humano, sobre la historia o, al menos, sobre una historia soñada, irreal, cuyas características no se reconocen países y un tiempo conocido, sino bajo una amalgama ficticia con connotaciones a veces reparables, a veces misteriosas: metafóricas, simbólicas y con una creatividad basada en una meditación del «cómo» del fin o del principio, como del «por qué» de cosas ocultas o desconocidas. (Foto in «Atlas», Ediciones Anómalas)

y los sentimientos a través de la experiencia sensible. Después de la experiencia de la meditación, como el cineasta Claude Chabrol, me parece que «El regreso a la norma me parece más preocupante que la locura».

dor con la vida misma; la cámara no es solo una máquina que registra imágenes, sino también «un instrumento de intuición y espontaneidad.» Todo eso para bucear en el fondo de su alma.

UNA RELACIÓN MEDITATIVA ININTERRUMPIDA CON EL MUNDO

«En el arte, la dinámica es producto

de lo contemplativo», escribió Edward Steichen en sus “notas personales”, una forma de meditación que no detiene el tiempo, ni lo congela también, sino que, por el contrario, hace circular el flujo... ¡de existencia aún más fuerte y vívida! «Mira el tema, piénsalo antes de fotografiarlo, míralo hasta que cobre vida y te mire a ti de vuelta», decía siempre Edward Steichen. Podrías ampliar el campo de pensamiento y decir: Mira la imagen, piensa en ella antes de describirla o comentarla, mírala hasta que algo cobre vida y te devuelva tu mirada. De esta manera, las dos claves para meditar con una imagen se logran tanto al crearla como o al mirarla.

Las fotografías de Yamamoto Masao, meditativas y atormentadas, y de color sepia, muestran el Ardeche y también los paisajes de su vida y su trabajo. Son composiciones oníricas, obviamente junguianas, muy meditativas. Yamamoto demuestra lo que a él le parecen inseparables: los mundos vegetal, animal y mineral. “Persiguí las sombras dentro de las luces y las luces dentro de las sombras con mi cámara en este pequeño pueblo de montaña remoto... (...) No sé si capturo algo.” Yamamoto Massao, “Son Album”, T&M Projects, 2021, 64 pp. ,70 $

©Marc RIboud

Henri Cartier Bresson escribió: «Fotografiar: es contener la respiración cuando todas nuestras facultades convergen para captar la realidad fugaz [...] Es poner en la misma línea de visión la cabeza, el ojo y el corazón [...] Es una forma de gritar, de liberarse, no demostrando o reivindicando su originalidad. Es un modo de vida.» Estas palabras del famoso fotógrafo francés definen la fotografía como una relación meditativa ininterrumpida con el mundo. Así explicó que la fotografía no es simplemente un arte, un oficio o una técnica, sino un compromiso libera-

MOVER EL FLUJO DE LA EXISTENCIA

Marc Riboud, gran caminante, meditativo, solitario, e apasionó, en el meridiano de su vida, por las Montañas Amarillas (Huang Shan) de China, aquellas que inspiraron a escritores y artistas chinos, donde las nieblas invaden el espacio y avanzan solo por cumbres y preguntas.

©Edward Steichen

Edward Steichen decía: “La fotografía registra la gama de sentimientos escritos en el rostro humano, la belleza de la tierra y los cielos que el hombre ha heredado, y la riqueza y confusión que el hombre ha creado. [Es] una fuerza importante para explicar de hombre a hombre.”

©Flor Garduno

La obra fotográfica de Flor Garduño se ha caracterizado por desvelar ciertas situaciones que de otra manera permanecerían ocultas e inalcanzables. Mediante la meditación activa, Flor Garduño penetra el espacio, integra los detalles mas pequeños; sus preguntas se transmutan en respuestas sobre el origen de la belleza, de la vida, en un misticismo estético... «Lo que a primera vista parece sólo circunstancial funciona casi como una meditación que le permite aproximarse al encuentro con una dimensión real del espacio que fotografía.» explicaba la Historiadora y crítica de arte Patricia Avena Navarro acerca de las fotos de Garduño.

LIBERARSE DE TODO La fotografía es una práctica meditativa en el sentido de que permite la reconciliación del cuerpo y la mente; llama tanto a la técnica como a lo artístico, tanto al espíritu como a los sentidos, tanto a lo dinámico como a lo atemporal. Está congelada y al mismo tiempo es como una contemplación activa porque es enérgica y abrumadora. Masao Yamamoto explicó que cuando iba a fotografiar no se puse ningún objetivo específico, para no correr el riesgo de perderse algo. Al principio se liberó de todo, por lo que ya estaba en estado de meditación. Estaba disponible para el tiempo, el espacio, y para su alma. No lo estaba provocando. Escuchó, respiró, inhaló, escapó de los significantes obvios, y dejó de escuchar el ruido ensordecedor de la realidad. En este estado recogió

un suspiro aquí, allí una ruptura, una mancha, un ave, o incluso una huella o bien un polvo de vida. El lector, el visitante, el espectador debe llevar el mismo kimono mental, no apropiarse de nada, dejar que suceda algo, dejar la caza a lo bello o al mensaje, aceptar que la nada se instale en sí mismo, en piezas dispares. PARA QUE TODO SEA UN MOMENTO De hecho, meditar con la fotografía es “despertarse a sí mismo”, contemplar la evanescencia, meditar sobre la impermanencia, remontar el río como el salmón para encontrar la primera fuente, redescubrir el aliento vital. Es respirar, volver a mirar sus otros pensamientos y la primera lectura de las cosas; meditar sobre pensamientos hasta el punto de la no identificación e incluso la abstracción. Es entrar libremente en un mundo flotante, cuestionar a su ego, especular sobre su propia

deconstrucción, ir a la escuela de la lentitud...Todo esto para aprehender que la eternidad acabe en un momento solo, como un destello fugaz, pero lleno del Todo. “Ella ha encontrado. ¿Qué? Eternidad. “ Arthur Rimbaud Jean-Matthieu Gosselin PARA LEER SOBRE EL TEMA François Cheng, De l’âme, Albin Michel, 2016 Julien Gracq, El mar de las sirtes, Galaxia Gutenberg, 1998 Torsten Andreas Hoffmann, Photography as Meditation: Tap Into the Source of Your Creativity, Rocky Nook, 2014 Hubert Reeves, El espacio adquiere la forma de mi mirada, Ediciones Granica, 2001 Matthieu Ricard, El arte de la meditacion, Urano, 2009

©Marta Sellarès

Con las obras de Marta Sellarès (a la izquierda: «Donde no nos vean») y Israel Ariño (a la derecha: «Voyage en pays du Clermontois») entendemos que la naturaleza puede adquirir connotaciones espirituales al meditar la conexión con uno mismo, un autoconocimiento en relación con el todo, desde una visión holística de la realidad. En la cultura occidental la razón ha adquirido un protagonismo destacándose en detrimento del conocimiento intuitivo, de la meditación, del sueño, de lo simbólico, estableciendo una desafortunada escisión entre el alma del sujeto y los detalles de los objetos.

©Israel Ariño

©Stéphane Mahé

«Somewhere» de Stéphane Mahé (a la izquierda) es un trabajo de percepción visual y meditativo casi espiritual, que abre capas sucesivas sobre un lugar intangible, que vemos o que imaginamos o que recordamos ... Un lugar inaccesible cuya fotografía resuena, en algún lugar detrás de la meditación del fotógrafo. ¡Aquí es donde se desarrolla todo! Pero también en el momento de la lectura por parte del espectador o lector: primero la percepción, luego la emoción, la intención y, finalmente, el gesto (¿existe en otra parte? ¿Es una mirada?). Es una meditación para “capturar la esencia” de las cosas. André Kertész usa la fotografía no para captar el reflejo de la realidad, para hacer su registro, sino, al contrario, para crear una matriz de nuevas formas, para meditar el espacio. Aquí en el «Taller de Mondrian» (a la derecha) él sitúa al espectador en el corazón de su meditación, en el centro de un lugar, un lugar meditativo. Busca menos representar el espacio que expresar su esencia. Quiere redescubrir el espíritu de geometría que posee el artista. Quiere capturar un retrato del artista y de su espacio creativo y ofrecer una meditación sobre lo que es un artista. Capturó esa imagen, muchos años antes de esta frase el cantante Leonard Cohen: «Hay una grieta, una grieta en todo. Es por esta grieta por donde entra la luz».

©André Kertész

©Juanan Requena

FESTIVAL PANORÀMIC 2021

©Jean-Matthieu Gosselin

“Incertidumbre, Azar, Predicción”

Por quinto año -¡se dice que es el màs difícil, pero fue un gran exito!-, el Festival Panoràmic 2021 fue, durante dos meses, el punto de encuentro para todos los amantes de la imagen fija y en movimiento, del arte, de la creacion y de la refexion filosófica. Bajo la temática “Incertidumbre, Azar, Predicción”, esta edición ha contado tanto en Granollers su base de lanzamiento, como en Barcelona en varios sitios, exposiciones, proyecciones y actividades. Con este tema conceptual se han debatido e interrogado en todas las creaciones posibles en torno a la realidad, la verdad, lo verosimil, lo posible, lo futuro, lo eventual, el destino, la fatalidad, la contingencia, etc. Todo ello en la “sede” de Granollers, como en Roca Umbert, o en el Museo de Granollers o, ya en Barcelona, en la Filmoteca de Cataluña, en Artes Santa Mónica, en La Virreina y en la misma Grisart. Destacaban entre otras cosas, en el Espacio Roca Umbert una exposición de Wurm muy potente, una expo colectiva sobre el afrofuturismo, una instalación inmersiva de Rosana Antolí: la exposición “No place like home” con una mirada sobre el espacio de la casa y la politización de los diferentes espacios, o una intervención “Top Manta” organizada por el Sindicato de Manteros... Además había en el Museo de Ciencias Naturales de Granollers una visualización de datos del seguimiento de una comunidad de topos. Panoràmic es un proyecto artístico que parte tambien de archivos históricos tanto de Granollers como de Barcelona. Lurdes R. Basolí, Ignasi Prat y Laura Torres usaron del Archivo Fotográfico del Centro Excursionista de Catalunya y el Archivo de Etnografía y Folclore de Catalunya; así como diversas fuentes documentales de archivos de imagen de deporte femenino en Granollers. La calle, por su parte, ha sido un lugar muy utilizado.

ENTREVISTA A ALBERT GUSI

©©Marta Sellarès

Director de Grisart Escuela y codirector del Festival Panoràmic

1 - El festival Panoramic 2021 se centró en el tema del azar. Imagino que no se dejó nada al azar. ¿Cuánto tiempo se tarda en programar y organizar un festival internacional, cuántas personas, cuántos socios? ¿Cuántos artistas estuvieron presentes en los diferentes sitios? ¿Y cuántos respondieron a la convocatoria? En tan solo cinco años, el festival Panoràmic ha adquirido una dimensión muy relevante, de gran festival. No sólo está presente en Granollers y desde hace un par de años en Barcelona, sino que también tiene dos exposiciones integrales que están en itinerancia por museos y centros de arte nacionales e internacionales. Para que todo esto sea posible, antes de que termine una edi-

ción ya estamos preparando la siguiente. El corpus del festival lo integran 18 personas con distintas responsabilidades, es decir, hay un equipo de montadores, un equipo de comunicación y diseño, un equipo de producción, un equipo de comisariado y un equipo en la dirección. Contamos con la ayuda de distintas instituciones públicas, sobretodo del ayuntamiento de Granollers y Roca Umbert Fàbrica de les Arts, Diputación de Barcelona, Generalitat de Catalunya y ayuntamiento de Barcelona. También con centros de referencia como la Fundación Mapfre, la Fundación Foto Colectania, La Virreina Centre de la Imatge o la Filmoteca de Catalunya. Además, se implican distintas empresas y organizaciones. En esta edición hemos tenido

la participación de más de 60 artistas entre fotógrafos, cineastas, videocreadores y artistas visuales. Todos respondieron positivamente a la propuesta del festival. 22 – Después de “Extimitat”, el Festival decidió que el tema era “la incertidumbre, el azar y la predicción”; ¿la fotografía contemporánea se centra cada vez más en conceptos intelectuales? ¿Es esta la tendencia? Desde el inicio, nos planteamos un proyecto de festival distinto a otros referentes cercanos. Buscamos la necesidad de explicar conceptos contemporáneos que nos permitiesen un dinamismo y a la vez aportasen conocimiento utilizando disciplinas tan afines

3 - Me parece que en muchas de las exposiciones este año hubo un juego, entre surrealista e irreverente, que invita el espectador a pensar otras maneras de estar en el mundo. ¿Es lo que el Festival quería, o bien es lo que los artistas proponen ahora? Esta es una pregunta muy pertinente. Es cierto que la propuesta expositiva del festival ha contado con proyectos que se han vinculado quizás con el juego, que a su vez es un derivado del azar. A través de las conexiones intelectuales, estas obras están muy cerca de las miradas surrealistas e irreverentes de la fotografía o el arte en general. Y efectivamente, los comisarios artísticos optaron por proyectos donde provocasen estas nuevas miradas, que, en paralelo, eran obras derivadas de un mundo “lúdico”, sin que este concepto reste un ápice de fuerza o intelectualidad. 4 - ¿Cuál es el papel de la escuela Grisart en el Festival Panorámic? Grisart es la organizadora del festival. Como escuela, desde hace mucho tiempo que hemos optado por ofrecer a nuestros alumnos y exalumnos, así como a todo el público en general, un proyecto edu cativo y formativo de calidad, que

©Jean-Matthieu Gosselin

como el cine, la fotografía y las artes visuales. La fotografía tiene la capacidad de explicarse desde múltiples orientaciones, de manera que nos encontramos con proyectos donde prima la estética o la ética o la narración o la escenificación o su proceso, cómo no, desde la conceptualidad. Por suerte, todas estas miradas con compatibles las unas con las otras, y además la enriquecen. Y como bien propones, cada vez es más habitual entre los artistas contemporáneos hacer un uso de la fotografía donde su desarrollo conceptual es la base principal de su expresividad, obligando al espectador a hacerse preguntas y encontrar él mismo las respuestas.

Joan Fontcuberta durante la conferencia de inauguracion de la exposicion “El dedo en el ojo: el inconsciente fotografico”, en el museo de Granollers, el 17 de octubre. La expo muestra como fotografos aprovechan los accidentes al utilizar técnicas fotográficas, para crear...o no.

pasa también por Panoràmic y que es sin duda una apuesta cultural internacional de primer orden. Es una suerte para Grisart, proyectarse en el mundo cultural internacional a través de un festival como Panoràmic. 5 - ¿Cuál es tu primera síntesis después de dos meses del festival? ¿Cuáles son las expectativas del público, según tú? ¿Y cómo exportar, a Europa o al mundo hispanoamericano, por ejemplo, un éxito que ya cumple 5 años? Estamos muy contentos. Este año el festival ha hecho un salto importante en proyección y ambición. Todavía estamos en una fase de cierre y no tenemos cifras, pero vemos los impactos en prensa y son muy satisfactorios. El festival se ha hecho un hueco dentro de la programación cultural de Catalunya. Como decía en la primera respuesta, hoy en día el festival tiene dos exposiciones circulando por distintos centros de arte del país. Por poner un ejemplo, “L’Altre ubic. Migracions del cos fragmentat” se ha visto en los meses de septiembre y octubre en el centro de arte Moritz de Cornellà de Llobregat y a principios de

noviembre ha sido la exposición con que se inauguró el nuevo referentede arte contemporáneo en la ciudad de Tarragona, el Mèdol Centre de les Arts Contemporànies. A partir de enero estará en el Muxart de Martorell y tenemos exposiciones programadas y cerradas hasta el 2023. A nivel internacional tenemos proyectos cerrados en Colombia y vínculos con festivales de Serbia, Canadá e Italia, con los que trabajaremos para intercambios y nuevos proyectos. 6 - ¿Ya puedes anunciar cosas que nos den hambre para 2022, o es un poco temprano? El 2022 girará entorno al concepto de “Naturaleza” pero lo haremos desde una mirada singular. El título, que todavía no podemos dar a conocer, será toda una declaración de intenciones de esta nueva edición del festival. Y como siempre, Global Grisart será uno de nuestros altavoces preferidos. Gracias por ser uno de los protagonistas del festival. Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin

©Grisart

EXPANDE TU MENTE CON: INCERTIDUMBRE, AZAR Y PREDICCIÓN El festival exploraba diversas temáticas relacionadas con la percepción del mundo y con los procesos creativos, poniendo énfasis en las relaciones entre cine y fotografía. La incertidumbre tiene relación con el conocimiento que implica disponer de una información imperfecta o desconocida. Se aplica a las predicciones de eventos futuros, a las medidas físicas ya realizadas o a lo desconocido, y es transversal en todos los ámbitos del conocimiento. De la incertidumbre derivan diferentes aspectos, como el riesgo, las predicciones, las previsiones, los pronósticos o el azar, que nos informan del mundo conocido y también del futuro, de todo aquello que desconocemos y que, con la apertura temática que caracteriza el festival, también fueron incluidos.

©IJean-Matthieu Gosselin

Como decía Séneca, “En tres tiempos se divide la vida: en presente, pasado y futuro. De éstos, el presente es brevísimo; el futuro, dudoso; el pasado, cierto.” Aunque no sabemos si el pasado es cierto... Albert Gusi

©Jean-Matthieu Gosselin

ERWIN WURM

©Grisart

ONE MINUTE FOREVER

En el marco del azar y de la incertidumbre, el Festival ha decidido de destacar, el artista austriaco Erwin Wurm, famoso por sus “esculturas de un minuto”, que involucran al espectador. Son obras efímeras, porque nadie es capaz de aguantar mucho tiempo las posturas absurdas y ridículas que Wurm anima a hacer con su correspondiente manual de instrucciones: sacar las piernas por la ventana, poner-

se los pantalones en la cabeza, sentare en un cubito... por poner ejemplos. Wurm es conocido por su trabajo conceptual que combina la escultura, la performance, el vídeo, el dibujo y la fotografía monumental...todo esto mezclando la ironía, la crítica y la reivindicación. Wurm cuestiona con sarcasmo y cinismo nuestra relación con el cuerpo - que es otra manera preguntarse el papel del ser humano en el mundo - colocando frecuentemente al espectador en una re-

lación paradójica con los objetos cotidianos que él mismo ha creado. Y si en la exposición el mencionado ha golpeado al público, sus fotografias son impecables e impactantes. Hay que repetir que la fotografía como medio siempre ha desempeñado un papel central en su trabajo, tanto para ilustrar y archivar sus obras efímeras y actuaciones, como para ser un medio artístico de gran calidad en sí mismo. JMG

©Grisart

©Jean-Matthieu Gosselin

ENTREVISTA A NATASHA CHRISTIA «La condición del errante se asocia con la temática de la imagen y a la vez con su tránsito por el mundo»

1 - ¿Puedes explicarnos como Édouard Glissant en “Poética de la Relación” propone modos de pensar y de gestionar la incertidumbre dentro y fuera de cuerpo de la imagen?

situaciones/vivencias que se engendran a través de ellas.

En La Poética de Relación, Glissant no habla de imágenes sino a través de imágenes, apelando a la «belleza amenazada del mundo». Según Glissant, «el errante (que no es ya el viajero ni el descubridor ni el conquistador), busca conocer la totalidad del mundo aunque ya sabe que no lo logrará jamás». Es precisamente la experiencia de la relación lo que marca su escritura.

El azar en la fotografía va más allá de los procesos y accidentes del laboratorio.

Ese deambular, que implica caídas, fallos, desorientación, idas y vueltas, se plantea como centro de nuestra existencia en un mundo tan difícil de descifrar. La condición del errante se asocia con la temática de la imagen y a la vez con su tránsito por el mundo. No se refiere solo a la gestación de las imágenes sino también a todas las

2 - ¿Cuál es tu definición del azar? ¿Y como el azar interviene en la fotografía?

Me atrae la idea de «atlas» formulada por Aby Warburg, que llama nuestra atención a los nuevos significados, sentidos y cartografías que las convivencias insólitas de signos visuales producen y desentierran: el azar visto como una cartografía de lagunas — de lo que decidimos obviar o olvidar; y a imagen como meta-comentario del azar, incorporando automatismos que implican una desobediencia hacia relatos o prácticas hegemónicas, y que invitan a experimentar una relación más dinámica de producción y diseminación de significado, dirigida tanto hacia el pasado como hacia el futuro. Una lectura del mundo imaginativa, poética y a la vez despiadada.

3 - ¿Cuáles son los 5 fotolibros que propuestas en tu selección Panoràmic 2021 que a ti te parecen mas potentes? Opto aquí por un mapamundi de los libros que dentro de la selección operan como piezas performativas (cantos de totalidad, en el lenguaje de Glissant). - Falling de Gabby Laurent (Loose Joints, 2021) y Ghost Guessed (Tom Griggs-Paul Kwiatowski, 2018), unas reflexiones sobre la caída (vertical). - Known and Strange Things Pass (Andy Sewell. Skinnerboox, 2020), un magnifico relato sobre los cables submarinos del Internet que cruzan el Atlántico, trazando las rutas coloniales de antaño y una reflexión mística acerca de la cercanía de la piel y la lejanía del mundo digital. - Ícaro (Irene Zottola. Ediciones Anómalas, 2021) sobre el acto de volar, caer, y suspenderse en el vuelo. .../...

Natasha Christia (Atenas, 1976) : Comisaria, escritora, y docente no afiliada. Su investigación se centra en la exploración y reinvención de relatos históricos e ideológicos dominantes por medio de relecturas y apropiaciones interdisciplinares de archivos, libros y ecosistemas visuales de todo tipo.

La Fuga. Breve Atlas de Analogías (Ignasi López. La Bibliogràfica, 2019-2020), donde unas asociaciones aparentemente azarosas dan lugar a relaciones arraigadas. 4 - La incertidumbre, la especulación y el azar son parte inherente de la poética de la narración, o incluso de la imagen en si, ¿piensas que pertenecen al fotolibro en sí? Sí y no. Por lo general, el (foto)libro está regido por el control/dominio absoluto sobre los procesos. Hay casos como The Backup Project (Tiago Casanova – Christiane Peschek, Auto-publicación, 2018), donde el azar interviene, pero son excepciones. Trasladaría estos conceptos más a la vida futura de los libros, en los momentos de lectura individual y colectiva, a cómo los podemos convertir en errantes en el mundo y generar relaciones. . Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin

©Sean Sborlino

©Jean-Matthieu Gosselin

Fotolibros ilustrados Andy Sewell, Known and Strange Things Pass. Skinnerboox, 2020 (Pagina siguiente) Tiago Casanova – Christiane Peschek, The Backup Project. Auto-publicación, 2018 (A bajo)

©Sean Sborlino

Harper Lee

©Jean-Matthieu Gosselin

«El libro para leer no es el que piensa por ti, sino el que te hace pensar. »

WERONIKA GSICKA

NO PLACE LIKE HOME

©Weronika Gsicka

Esta exposicion de la artista Weronika Gsicka, curada por Andrés Hispano, se basada sobre el concepto de un hogar confortable que es, seguramente, un espacio libre de aprensiones, de desconfianzas e inseguridades. «Una fortaleza, cuya consistencia depende de que no se cuestionen sus cimientos». La artista polaca nacida en 1984 trabaja desde la fascinación, el archivo y

la memoria en una elaborada deconstrucción de todo lo que representa el hogar, esa idea de hogar que nos llegó desde la publicidad, la comunicación y las pantallas. A partir de fotografías manipuladas, de collages, de instalaciones y de esculturas, Gsicka recapacita sobre las implicaciones de una estética doméstica que nunca ha sido anodina ni inocente.

Y lo hace con un particular sentido del humor, crítico y sofisticado. El hogar es el pañuelo que seca las lágrimas y acaricia el alma, es la muñeca que huele a infancia y a madurez, es la seguridad y la inseguridad, el lugar que recoge los más preciados secretos, los mayores desvelos y las mejores sonrisas. Flavio Edreira

©Jean-Matthieu Gosselin

TOP MANTA «La ficción como herramienta política»

El sindicato de Manteros (los Top Manta) intervienen en el espacio publico con carteles oficiales, con tag, con grafitis, y defienden así a los manteros; consideran tambien que la lucha puede pasar por el arte.

©JeanMatthieu Gosselin

Las paredes de Roca Umbert desplegaban una genealogía en el espacio público. Una genealogía que hace un recorri-

do por la vida del sindicato «utilizando la ficción como herramienta política que le permitirá reconstruir pasados que reorganizan el presente y el futuro de una manera más justa.» Esta intervención comisariada para Lucia Piedra recuerdaba que cada ser humano tiene derechos humanos, civiles y sociales, y que hay que defenderlos para todos los migrantes; sin olvidar

denunciar «el olvido y el desprecio» de los gobiernos y desmontar fas falsas informaciones que salen a la luz en las noticias diarias. ¡Por eso el arte es una arma de defensa! En este caso se puede escribir que no es por azar que existia este participación de los Top Manta. JMG

©Jean-Matthieu Gosselin

COLECTIVO

IMAGINACIÓN ESPECULATIVA: EL LEGADO AFROFUTURISTICO

©Jean-Matthieu Gosselin

El afrofuturismo es una corriente artística y cultural que desde hace décadas reivindica una nueva identidad a través de la ciencia ficción y la fantasía histórica. La exposicion colectiva comisariada por Mercé Alsina permite imaginar realidades alternativas para el futuro aquí y allá. En este caso la premonición se hace a través de una lente cultural ne-

gra. El tema de imaginación especulativa: el legado afrofuturista, se adentra en la obra de una docena de artistas afrodescendientes que reinventan su identidad a partir de la ciencia ficción, de la historia, de los cómics, y de la fantasía. Una de las fotos es conocida y es una colaboración entre el fotógrafo Fabrice Monteiro y el diseñador de moda Jah

Gal, salida de “The Prophecy” que es una serie de escenas inquietantes que ilustran la crisis ambiental generalizada de Senegal. ¡Una manera de repensar la identitad! JMG

©Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin ©Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Mattheiu Gosselin

COLECTIVO

EL DEDO EN EL OJO: EL INCONSCIENTE FOTOGRAFICO

©Jean-Matthieu Gosselin

En el Museu de Granollers, Joan Fontcuberta, codirector del festival, había reunido con un título medio en serio, medio en broma: «El dedo en el ojo: fotografía inconsciente» a un buen número de creadores y fotografos que trabajan en torno a la idea de lo imprevisto y del azar. Fontcuberta se refirió desde Christian Allen, que cede su autoría a una gata que se pasea con una cámara colgada en el cuello y un disparador

programado, a Juana Gosto, que trabaja con la aleatoriedad de los algoritmos de búsqueda de imágenes en Google, deteniéndose en Joachim Schmid, que trabaja con las fotos tiradas a la basura y recuperadas paseando por diferentes ciudades; o bien Philip Schüette, que aprovecha la masificación de imágenes disponibles en Internet para visualizar la idea de serendipia, o Sylvie Bussière, artista residente en Roca Umbert

Fábrica de las Artes de Granollers, que deja que una grafía automática y espontánea replique los grafismos inesperados de la naturaleza.... ¡Una exposicion que revela lo inesperado que hay en la vida y la creación. Una muestra de gran riqueza plástica y conceptual! JMG https://panoramicgranollers.cat/ es/21237-2/

©Jean-Matthieu Gosselin

©Grisart

ROSANA ANTOLÍ

THE IMMORTAL JELLYFISH

©Grisart

En la Térmica de Roca Umbert, Rosana Antolí, española nacida en Alicante y que reside en Londres, artista pluridisciplinar con una carga conceptual muy fuerte que usa vídeo, coregrafia, imagenes,... presenta una instalación “site specific”. ¿De que habla este trabajo? Ella quiere «construir paisajes permeables desde los que imaginar una nueva realidad. Para esta intervención Antolí asocia las altas temperaturas que albergó la central térmica, con el cambio climático, y propone una ficción donde

dicha central es el refugio de la medusa inmortal (T.Dohrnii) sobre la que ha trabajado en otras ocasiones como en las exposiciones The Kick Inside, The Loop Outside, una instalación realizada para TATE Exchange en Londres en 2019, o Una Edad de Oro: Pulso, pálpito, deriva, celebrada en Centro Centro Madrid en 2020.». Su presencia en este festival es más que obvio por que ella trabaja en el entendimiento del movimiento en relación con las artes visuales -y esto es el

hijo del azar, del caos, de lo casual, de la premonición alguna veces -, y busca una poética en las tareas de nuestro día a día, en la repetición y en la absurdidad. También en el ser capaz de escuchar y observar la coreografía que nosotros tal como los objetos realizamos diariamente, así como la relación entre todos estos elementos. ¡Además, Rosana lo realizó en una inmersión visual y mental total! Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin

©Grisart

ALBA SERA

MANUAL DE GESTOS RUSOS

En esta serie fotográfica Alba se interroga a sí misma, cuestionando cómo las imágenes pueden resignificarse con el tiempo. Ella acumulaba durante 2 años fotografías de lugares que por trabajo fueron tránsitos breves y, en paralelo, tomaba instantáneas de su vida privada siempre que vuelve a su ciudad de base, es decir que tomaba: hoteles, amigos, desconocidos, detalles, bodegones de la vida, rincones, etc. . Todo ello se convierte en ficciones de un mismo paisaje mental. «Manual de Gestos Rusos» se editó justo cuando su relación de pareja se desdibuja y acaba después de 12 años. Pero no hay melancolia, tampoco violencia o acritud. En las imágenes, secuenciadas sin orden narrativo lineal evidente, se borran las diferencias entre lo ajeno y lo personal, lo local y lo extranjero, lo íntimo y la extimitad. El título, nos explicaba la autora, sugiere un necesario distanciamiento irónico de lo aparentemente parecería un diario íntimo. Aqui hay que decir que entre el desplegue impreso (fotolibro) y la exposicion de Panoramic 2021, leemos dos naraciones diferentes. Es excactamente como lo considera Sophie Calle: «“escribir” para la pared es mucho más complicado porque hay que tener un lenguaje sobrio, un idioma rápido, corto, ofrecer un mensaje conciso y contundente para un publico que visita una exposición de pie, en un tiempo definido.» En poco tiempo, el proyecto se convirtió, inevitablemente, en un ensayo visual sobre lo incierto; sobre todo porque la temporalización es deliberadamente imprecisa y porque la autora juega con parejas, doble parejas repetidas, cortes abruptos, y porque se ve que todo el razonamiento se diluye en casi una sola imágen. Alba reflexiona acerca de cómo la ficción -y la ficción metaforica y poética- forma parte íntima de las imágenes y de nuestra historia.. Jean-Matthieu Gosselin

©Jean-Matthieu Gosselin

En «Manual de gestos rusos», comisariada por Ivan Ferreres, Alba Serra muestra su trabajo de dos años fotografiando lugares de tránsito en paralelo con instantáneas de su vida privada cuando vuelve a la ciudad.

©Jean-Matthieu Gosselin

©Ivan Ferreres

DINA KELBERMAN Y JONATHAN BROWN EN ARTS SANTA MÒNICA “Una nueva ecologia visual”

©Jean-Matthieu Gosselin

Como una «nueva economía visual» en las paredes de «Arts Santa Mònica», con la curadoría de Fèlix Perez-Hita y Andres Hispano se encuentran los trabajos de dos artistas multidiciplinares fundado en la apropiación y ordenación de material ajeno. Ambos representan mundos muy diferentes, «pero tienen en común esa pulsión por coleccionar imágenes modestas para ponerlas en un orden lleno de ecos que las enriquece.» Cada visitante hace asociaciones visualmente dis-

tintas y siente resonar en «su inconsciente acordes propios y exóticos». Dina Kelberman de ella son las obras de la cual dan título a la muestra. Ella ha creado proyectos como «I’m Google»que se fundan en unas imágenes que se vinculan con otras imágenes de la red a partir de afinidades morfológicas o semánticas. Son imagenes sin interes pero de la vida diara que ella formaba y maquetaba como un especie de ...«reacción en cadena» que parece no tener fin.

Jonathan Brown con su exposicion «Reacción en cadena», es un artista universal, nacido en Taiwán, que vivió en Barcelona desde 1994 hasta 2003 fundando el colectivo de archiveros, proyeccionistas de súper-8 y artistas Los Superocheros y trabajó en la serie de videoarte de betevé Boing Boing Buddha. Ahora vive en Ámsterdam, donde trabaja la escultura, pero también el collage. Se apropiá las imagenes y propone con ellas un nuevo relato. JMG

©Jean-Matthieu Gosselin

LA ESCUELA GRISART EN VISITA EN PANORÀMIC 2021 El espectáculo está en la sala del museo

El pasado 28 de Nobiembre fuimos a visitar la Fabrica de las Artes en Granollers, donde se celebró la 5ª edición del Festival Panoràmic.

Después de una mañana llena de estimulos llegé a la conclusión de que habia ido a muchas exposiciones pero Panoràmic destacó por su hetereogeneidad. Marta Segú

©Grisart

Festival que va más allá de la imagen fija y en movimiento, explora la relación entre la fotografia y el cine e incentiva el uso de nuevas narrativas audiovisuales. No hizo falta visitar todas las exposiciones para ver que se trata de una apuesta creativa, arriesgada y contemporánea. Albert Gusi, fundador del festival y director de la escuela, nos invitó a dejarnos llevar por algunas de las exposiciones que acoge este maravilloso lugar. Iniciamos el recorrido con “Imaginación especulativa: el legado del afrofuturismo” un espacio donde explorar diferentes trabajos que conectan con el imaginario afrofuturista del S.XX. Todas las imagenes me parecieron impactantes, con un fuerte carácter reivindicativo, cosa que no puedo decir del texto que las acompañaba. Ancladas en tópicos y sin mucho trasfondo, las palabras no hacían justicia a las imágenes. La segunda parada, y para mi la mejor de las que vimos, fue “One minute forever”, trabajo del austriaco Erwin Wurn que te empuja a dejar la vergüenza a un lado para poder disfrutar su obra, haciendote partícipe de ella. Sin darte cuenta se genera un albun colectivo lleno de humor. Erwin compartió espacio con Weronica Gsicka, con su desconstrucción del hogar y “Open Circle, lived relation” 34 fotolibros nacionales e internacionales, cada cual más interesante. Acabamos en la central térmica, donde Rosana Antolí me descolocó con “The immortal jellyfish”. Un espacio totalmente sensorial donde la artista combina sonido, vídeos y estructuras como coreografia performativa de su obra. Propone la Térmica como el espacio donde sobrevive la medusa. No es fácil de entender, pero es interesante ver que percepcion saca cada uno, da margen a muchas interpretaciones.

©Grisart

FESTIVAL PANORÀMIC 2021 Una prensa ditirámbica y laudatoria

OPEN PANORÀMIC 2021 El Open Panoràmic es una convocatoria para participar al festival destinada a todo el mundo. Esta convocatoria se articula como un punto de encuentro a partir del cual se genera una red de interacción entre creadores, programadores y público. Se recibieron más de un centenar de proyectos de todo el mundo de los cuales se seleccionaron doce. Los proyectos seleccionados fueron exhibidos en los festivales colaboradores del Panoràmic durante la edición de 2021. Los artistas escogidos en esta edición son: Enric Maurí y Nathalie Rey (Cataluña y Francia), Albert Gironès y Anna Vilamú Bosch (Cataluña), Juan Carlos García-Sampedro (España), Vicenç Vidal (Cataluña), Èrick Suárez (Colòmbia – Catalunya), Ullic Narducci (Italia), Lisa Fonderflick (Francia), Florence Girardeau (Francia), Ricardo Muñoz (Colombia), Vanessa Pey (Cataluña). https://panoramicgranollers.cat/es/open-panoramic-2021/

TODO SOBRE PANORÀMIC Para descubrir aún más el festival Panoràmic se cuenta con una web muy potente. Se puede acceder ahí a la edición 2021, pero también a la totalidad de las ediciones desde 2017. Panoràmic es el festival que tiene la fotografía como protagonista que se expresa de manera expendida a través de disciplinas afines como el cine, el vídeo, las instalaciones y otras practicas artísticas contempoáneas. Una propuesta cultural singular y única. Es el festival de la fotografía expresada no solo por los fotógrafos sino también más allá de los fotógrafos; desde el cine pero también mas allá del cine; desde una mirada dentro de la fotografía pero, sobre todo, desde una mirada periférica de la fotografía; desde el anverso y desde el reverso de aquello fotográfico; desde las prácticas más contemporáneas hasta las mas arriesgadas. https://panoramicgranollers.cat/es/

PARIS PHOTO 2021

Tras la cancelación de la edición 2020, el París Photo 2021, del 11 al 14 de noviembre, se celebró en el Grand Palais Éphémère al mismo tiempo que París aumentaba sus actividades fotográficas: Polycopies con una barcaza llena de libros, las «Obras maestras fotográficas del Moma» en el Museo du Jeu de Paume, la exposición «Vivian Maier» en el Museo du Luxembourg, «Samuel Fosso» en la Maison européenne de la photographie, «La imagen y su doble» en el Centre Pompidou... y múltiples exposiciones en galerías como Vu o Polka, por ejemplo. Suficientes cosas para disfrutar de 4 días potentes en el mundo de la fotografía. Paris Photo es uno de los principales puntos de encuentro del mercado de la fotografía junto a Londres, Nueva York y Tokio. Debido a que El Grand Palais cerrado por razones de obras «olímpicas», se ha levantado en París una efímera sala de exposiciones en el Champs de Mars, lugar donde, desde la Revolución francesa, se han llevado a cabo una serie de representaciones: «la fiesta del Ser Supremo», «la Fiesta de la Federación», la primera exposición de los productos industriales franceses, las Exposiciones Universales de París en 1867, 1878, 1889, 1900 y 1937 ... y allí también se erigió la Torre Eiffel y se dieron megaconciertos como los de Jean-Michel Jarre o bien Tokio Hotel, etc. ¡Y este año la foto estaba aquí como centro de todas las atenciones! Estuvieron representados una treintena de editoriales. Fue una

oportunidad para el gran publico de descubrir ediciones únicas y raras, así como libros de artista, pero también para irse con una dedicatoria. En total, se organizaron más de 300 sesiones, reuniendo artistas como Antoine d’Agata, Mohamed Bourouissa, Sophie Calle, Raymond Depardon, Claudio Edinger, Mario Testino, Paolo Ventura, Alex y Rebecca Norris Webb, Stéphane Duroy..., y muchos más. Desde el analógica hasta la fotografía digital, desde lo documental o conceptual, desde el color hasta el blanco y negro, o bien el CGI...todo tenía cabida en Paris Photo 2021. Pero si tuviéramos que resumir esta sesión 2021, diríamos que además, como cada temporada, de las huellas de los clásicos en las grandes galerías (este año: Herbert List, uno de los maestros del blanco y negro en la galería Karsten Greve, Cy Twombly pintor y fotógrafo en la galeria Gagosian, la serie de Helmut Newton en Hamiltons, los paisajes de Sebastião Salgado en Polka y Bene Taschen, o incluso de William Klein en Le Réverbère ...) los temas destacado eran los siguientes: -La meditación: en este sentido destacaba el stand de la galería Vu con Israel Ariño, Juanan Requena -fotógrafos conocidos por nuestros lectores-, Juan Manuel Castro Prieto quien impone sus visiones tanto mentales como inquietantes en su realismo, con un viaje entre sueños y materialidad, Aline Diepois & Thomas Gizolme que meditan sobre la luz, el silencio y la ausencia (sus obras expuestas en la feria fueron mis favoritas de estos 4 días), Martin

©Cy Twombly

Una visión mundial y dinámica del arte de la fotografía

Bogren con sus figuras metafísicas..., pero también Maso Yamamoto en la Galería Camera obscura meditando sobre el misterio de las cosas, o Claudio Edinger en Lume de Sao Paulo con piezas de muy gran formato meditando sobre el alma de Brasil .... - Y si Paris Photo sigue apostando por la mujer en la fotografía, el lugar de la mujer como homo faber fotográfico ha conseguido ser importante. Pilar Alabarracin, en Georges-Phillipe y Nathalie Vallois, autora que vive y trabaja en Sevilla y Madrid, aporta sus imágenes estereotipadas de la mujer española, tomada a la moda Almodóvar, hechas de parodia, de falsa ligereza, que destaca por un talento inmenso y al mismo tiempo por ser activista y secuestradora de imágenes. Otras artistas femeninas se detienen en la moda como Anastasia Samoylova en la Galeria Caroline O’Breen, o Almuneda Romero, ganadora de la Residencia BMW 2020 -artista visual que trabaja principalmente con materiales vegetales-: ambas tienen una mirada particular respecto a la naturaleza. Por otra parte, Almudena Romero explica el enfoque de las mujeres artistas de la siguiente manera: «No creo que necesitemos una mirada de mujer, sino una mirada feminista.»

alcanzar la calidad de la obra de Antoine d’Agata, en la galería Les Filles du Calvaire. En tres colores y en un trimestre de 2020, equipado con una cámara térmica, el fotográfo tomó el pulso y la temperatura de un mundo abandonado por la pandemia y golpeado por el caos, como si estuviera tratando de capturar este virus invisible, en el corazón de los parisinos perdidos, de contornos indecisos, poblado por el aura de los vivos. ¡Claro que el Covid estuvo muy presente en todas las mentes, a través de las máscaras de los visitantes, en las discusiones y por este trabajo excepcio-

nal! Nada puede igualar la calidad de la obra de Antoine d’Agata, expuesta en París. Con un naranja potente el fotógrafo de Magnum, entre ciencia ficción y realidad, ilusiona y metafísica, náusea y coraje, ofrece el entusiasmo que de todo puede renacer. Para acabar con este resumen de Paris Photo 2021 es importante decir que, a pesar de la nueva y más pequeña ubicación de exposición, la primera feria de fotografía del mundo atrajo a 58.000 visitantes en cuatro días en el efímero Grand Palais, que dos tercios de las 149 galerías eran extranjeras y que los editores de fotolibros que estaban en la barcaza de Polycopies nunca habían vendido tantos libros. En definitiva, la venta de obras han sido muy importante. El diario económico «Les Echos» da un precio medio de venta en torno a los 2.200 euros, con precios que oscilaban entre los 800 euros y los 500.000 euros, con una mayoría entre los 1.000 y los 5.000 euros. También «Les Echos» explica que entre las ventas emblemáticas se encuentran «Girl Behind Bottle» de Irving Penn, vendido por 210.000 dólares, un portafolio de Carrie Mae Weems ofrecido a 400.000 euros y los siete carteles de Shinjuku estación de Hiro salieron por 175.000 euros. Además, se ofreció una feria virtual en paralelo que permitió albergar galerías más distantes, sobre todo japonesas. Jean-Matthieu Gosselin y Flavio Edreira

©Jean-Matthieu Gosselin

Y obviamente en Paris Photo 2021 el covid estuvo presente, pero nada pudo

©Jean-Matthieu Gosselin - Shinji Nagabe, “Republica das bananas”

- El género era un tema en sí mismo. Muchos artistas se detienen ahí. Dimakatso Mathopa, originario de Sudáfrica, en la galería sur-africana Afronova, está interesada en los estereotipos de género y raza. Nos encontramos con imágenes que reflexionan sobre las cuestiones de identidad y las diferencias de género pero que, de manera diferente, también curan heridas. Astrid Kruse Jensen, con «Her», en The artist & Martin Asbæk Gallery, introduce preguntas inquietantes. El programa Curiosa de este año arrojó luz sobre nuevas tendencias en la práctica fotográfica contemporánea, incluyendo nuevos enfoques y temas documentales centrados en la identidad y el género bien aceptado, con nuevos fotógrafos como Maisie Cousins. - Las palabras y la narración están en el corazón de muchas realizaciones, como la de Elsa & Johanna en la Galería La Forest Divonne (¡otra de mis favoritas!) con su autoficción «Find the Truth», llevada a cabo en el suroeste de Canadá. Reproducen, narrativamente, vidas e intimidades. ¡Es un trabajo apasionante! Lo vinculo con «El poder de las palabras» de Alfredo Jaar, en Jean-Kenta Gauthier, quien declaró hace casi 40 años que la imagen inundará el espacio y desbordará nuestras mentes. La ironía no mata la palabra en ningún caso, tampoco la narración.

©Jean-Matthieu Gosselin

©Mame-Diarra Niang

FOTÓGRAFOS, EN ORDEN DE APARICIÓN EN EL ARTÍCULO (DE IZQUIERDA A DERECHA) Cy Twombly, en la Galeria Gagosian, New York Shinji Nagabe, “Republica das bananas”, ed. Galeria da Gavea, Rio de Janeiro Mame-Diarra Niang, Galeria Stevenson, Ciudad del Cabo Claudio Edinger, en Galeria Lume, Sao Paulo Alfredo Jarre, The Power of Words, en Galeria Jean-Kenta Gauthier, Paris Pilar Alabarracin, en Galeria Georges-Phillipe y Nathalie Vallois, Paris Elsa & Johanna, Galerie La Forest Divonne, Paris Sébastien Reuzé, en UN-SPACED Paris Raymond Depardon, en Galeria RX, Paris Antoine d’Agata, Galeria Les Filles du Calvaire, Paris Andrea Torres Balaguer, Galertia In Camera, Paris

©Claudio Edinger

©Flavio Edreira

©Jean-Matthieu Gosselin - en la cama oscura de Alfredo Jarre

©Pilar Alabarracin

©Jean-Matthieu Gosselin - Detalle del stan de Elsa & Johanna

©Raymond Depardon

©Jean-Matthieu Gosselin - Obras Sébastien Reuzé

©Jean-Matthieu Gosselin

©Andrea Torres Balaguer

«¿Alguna vez te resulta extraño ser tú mismo?», Escribió Clarice Lispector. Esta frase refleja más o menos lo que sentí en Paris-Photo 2021, durante cinco días impresionantes y asombrosos en la capital francesa. ¡La impresión general es que en este festival todo es extraño y raro! A mi me gusta ver no tantas intervenciones físicas, pero prefiero ver la simplicidad, la pura sencillez, la fragilidad, el alma! Además saboreo cuando la imaginación respira. Prefiero cuando las intervenciones son hechas por el pensamiento, el ánimo, o por la cavilación. Paris-Photo es demasiado complicado, hay demasiada gente, ¡es muy sofocante! Los tesoros no siempre son asequibles. ¿Y la emoción en todo esto? Solo que había una multitud. Y pararse en los pasillos, perturbado, empujado por los visitantes que pasaban por los corredores como en un tunel, no eran las mejores condiciones. De todos modos, durante 5 días, me sumergí en una maravillosa luz del otoño que el festival convirtió en «la cámara oscura de Paris-Photo»; me sumergí en los museos estupendos como el Jeu de Paume o el centro Pompidou, en múltiples galerías, o en un barco lleno de libros ... ¡Una aventura extraordinaria! Flavio Edreira

©Antoine d’Agata

UN BRASILEÑO EN PARIS PHOTO 2021

©Marina Plana

“Autorretrato en la cocina”, 2020, Marina Plana

INTERVIEW DE MARINA PLANA (2019-2021)

©Marina Plana

“Rodearse de gente que te motive artísticamente”

1 – ¿De dónde vienes y cuales son tus formaciones iniciales? ¿Cómo llegas a la fotografía y que te interesa en el acto de fotografiar? Siempre he estado en contacto con actividades artísticas; recuerdo salir del colegio e ir a clases de cerámica, pintura, fotografía, baile contemporáneo, solfeo, batería, acordeón... (el cual toqué religiosamente durante más de 6 años). Mientras cursaba el Bachillerato Humanístico, empecé un canal de Youtube en el que hablaba de moda y maquillaje, me grababa y editaba. También empecé a hacer sesiones fotográficas con amigas. Este fue el punto de inflexión para mí, me di cuenta que quería explorar el mundo audiovisual. Me mudé a Barcelona para estudiar Realización Audiovisual y seguí haciendo fotos a mis amigos. Después de trabajar en Colonia y Amberes, volví a Barcelona para investigar mi parte fotográfica. Hice el Curso Básico en Grisart y me gustó tanto la escuela que decidí estudiar el curso Profesional. Me interesa usar la fotografía como medio de expresión para dar voz a mis pensamientos y emociones.

Después de vivir 17 años en Girona, Marina Plana se mudó a Barcelona para estudiar un Ciclo Superior de Realización Audiovisual y Espectáculos. Después de trabajar en Colonia y Amberes, volvió a Barcelona y empezó a estudiar Fotografía en Grisart. Le interesa cuestionarse, desde un punto de vista íntimo y personal, problemáticas sociales a través de la práctica fotográfica.

2 – ¿Puedes explicar tu proyecto “Behave” que has expuesto en el Instituto Mare de Déu de La Mercè este año? “Behave” surge de la necesidad de conocerme a mi misma, de cuestionarme como mujer, los roles impuestos en nuestra sociedad patriarcal y ver que hay más allá del género binario. Consta de autorretratos en analógico de 2018 a 2021. Estudié en el Instituto Mare de Déu de La Mercè, tengo buenos recuerdos de esa época. Me propusieron exponer y no lo pensé dos veces. 3 - ¿Cuales son tus referencias fotográficas y artísticas? Me empapo mucho de ir a exposiciones, encuentro inspiración y descubro artistas nuevos. Me interesa el arte contemporáneo y las nuevas formas de crear arte que se están desarrollando en Internet en los últimos años, pero es verdad que siento admiración por artistas clásicos como Nan Goldin, Diane Arbus o Helmut Newton. 4 - ¿Qué tipo de estilo o de arte fotográfico, después de estos años de formación y primeros trabajos ex-

puestos, quieres explorar, o reforzar, ahora? Me gusta la conexión que se genera entre modelo y fotógrafa; los retratos son algo que va a seguir presente en mi vida. Quiero explorar otras técnicas cómo el uso del scanner, cianotipia, pintura con fotografía, collage... Además siento que nunca voy a parar de autorretratarme, es terapéutico para mí. Me gustaría seguir haciendo proyectos como “Behave” en el cual me cuestiono problemáticas sociales a través de la práctica fotográfica. 5 - ¿Cuáles son tus proyectos fotográficos actuales y cuáles son tus consejos a los jóvenes fotógrafos que empiezan a trabajar? Estoy muy centrada en “Behave”, tengo tres exposiciones en marcha para 2022, quiero seguir dando a conocer el proyecto y hacerlo llegar a más gente. Lo más guay es rodearte de gente que te motive artísticamente, que os ayudéis. Es muy importante ser constante y paciente, todo llega a su debido tiempo.

Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin

WORLD PRESS PHOTO 2021: COVID Y CRISIS CLIMÁTICA

Por el resto, hay que decir que el Covid y la crisis climatica que son los ganadores en termino de calidad fotografica y de narración, y obviamente porque en el año 2020, con los toques de queda y la cancelacion de los viajes, fue compicado para los fotografos viajar. Hay que decir tambien que hay un efecto de «déjà vu» bastante fuerte en la selección. Esperamos que los nuevos requisitos en favor de las mujeres y de la pre-

©Laurence Geai

El fotógrafo danés Mads Nissen ganó el World Press Photo 2021 con una imagen de la crisis del Covid-19 «símbolo de la esperanza», una foto que podría publicarse en cualquier periódico del mundo. Esta imagen de una anciana abrazando a una enfermera protegida del Covid-19 por plástico en Brasil ya ha dado la vuelta al mundo.

Agence France-Presse con sede en Lima, ganó el segundo premio en la categoría «Instantáneas de actualidad, reportajes» con una serie de imágenes tomadas durante las protestas contra el expresidente peruano Martin Vizcarra en noviembre. La serie es muy «World Press Photo» y de muy alta calidad.

©Newsha Tavakolian

©Tomasz Markowski

El premio «Foto del año» fue gana

La serie ganadora del «Reportaje del año» («World Press Photo Story of the Year»), un esperado y importante premio nuevo presentado en 2019, narra historias de amor condicionadas por el conflicto israelí-palestino realizados por el fotógrafo italiano Antonio Faccilongo para Getty Reportage. También Ernesto Benavides, fotógrafo autónomo que trabaja para la

©Mads Nissen

sencia de periodistas y documentalistas de los cinco continentes cambien un poco el rumbo

do por el fotógrafo de AFP Yasuyoshi Chiba, por una imagen de un joven recitando un poema entre manifestantes en Sudán. Dos fotos sobre el covid marcan al público: la serie de Laurence Geai sobre el covid en Francia en abril de 2020, así como la imagen del

cuerpo de una presunta víctima del Covid-19, enrollada en un plástico amarillo para residuos infecciosos. esperando una bolsa para cadáveres en un hospital en Indonesia (es una foto del indonesio Joshua Irwandi), es muy impactante. El primer premio en la categoría «Medio ambiente, reportaje fotográfico» se llama «Pantanal en llamas». Cuenta la historia de los bomberos frente a un incendio en São Francisco.: ¡es muy fuerte! Así mismo el tercer premio en «deporte» con la caída ciclista es espectacular... JMG

©Txema Salvans ©Jean-Matthieu Gosselin

Fotocolectania ha presentado este otoño la exposición provocadora y de análisis social y antropológica de Txeman Salvans «Perfect day». En esta reúne imágenes de los largos años del fotógrafo buceando en lo cotidiano a lo largo del Mediterráneo español. Es un viaje fotográfico por el tiempo libre a orillas del mar Mediterráneo, aunque esta, precisamente, nunca se ve en las fotos. ¡Jamas! Salvans (Barcelona, 1971) lleva 15 años recorriendo el litoral, de Girona hasta Algeciras, buceando con imágenes la cotidianidad de la gente (y no de turistas extranjeros) y del comportamiento humano en su sentido más amplio, en un trabajo a medio camino entre lo politico, lo social, el artístico y lo antropológico. En una visita reservada a los alumnos de Grisart Escuela, Txeman Salvans explicaba su trabajo con su furgoneta y su cámara analógica de gran formato, su preparación, sus metodos, como trabaja diaramente, etc. Habla de su formación, de su espacio mental y emocional, de su técnica, de su proceso de edición muy cuidadoso, de su rechazo de las fotos de bromas, de su obra «Perfect day» publicada como libro por la editorial británica Mack... Él, además, explica porqué nunca pide permiso al protagonista captado, porque «no son retratos, y el trabajo hecho es inherente a la fotografía documental» y añade que él queria hablar del Mediterráneo como un ejemplo de lo que se denomina «la tragedia de los bienes comunes». Su ironía -que no es burla- nos ayuda a entender la dimensión de la tragedia de este lugar y de lo que ha pasado en los 40 ultimos años en el litoral; nos invita a cuestionarnos todos los estereotipos que asumimos en relación con el Mediterráneo y también habla de la prodigiosa resiliencia tanto física como emocional de la especie humana. JMG http://fotocolectania.org/

©Lucas Salter

TXEMA SALVANS: EL LITORAL SIN MAR

FOTOLIBROS

TODO MARC RIBOUD

tálogo razonado que se merece, tras la gran exposición realizada por el museo Guimet en la primavera de 2021. En 1955, con 33 años, Riboud viajó hacia Oriente en un road-trip, como un vagabundo. Durante tres años, Marc Riboud puso su mirada tierna, humana y empática, pero también su ojo riguroso y muy fotográfico en Turquía, Afganistán, Nepal, India, China y Japón .... Ya era el fotógrafo da la famosa ”Pintor de la Torre Eiffel “, pero todavía no era el icono de la” Chica con una flor frente a las bayonetas “durante una manifestación contra la guerra de Vietnam en Washington en 1967.

Fotógrafo en Magnum, viajero incanable y poeta metafísico, Riboud finalmente ha conseguido encontrar el ca-

Riboud, no era realmente un fotoperiodista, era más bien un documentalista

avanzado a su época. Y sin embargo, siguió todos los trastornos de la Historia en Vietnam, Camboya y China, esta última a la que regresó en numerosas ocasiones, que van desde la Revolución china, hasta las tomas de las Montañas Amarillas, resultado de la influencia pictórica proveniente de los Song y Yuan. Sus imágenes tienen un gran valor, con belleza, encuadre y composición impecable y además de originalidad. Este catálogo acompañó la exposición retrospectiva del Museo Guimet a la que Riboud legó todo su patrimonio fotográfico. €JMG

“Marc Riboud, Histoires possibles“, colectivo, Éditions Rmn - Grand Palais, coeditado con el Museo Nacional de Arte Asiático-Guimet, 272 pp, 260 fotos, 35 €

UN PIONERO HUMANISTA

UN LIBRO DE GUERRILLA

desarrollando un juego de docuficción sobre la política actual desde el humor, el color y el absurdo. Shinji Nagabe (Brasil, 1975) es periodista y lleva trabajando en proyectos artísticos con fotografías desde 2004. Ha organizado exposiciones individuales y colectivas, principalmente en Francia, España y Brasil. Sus diversos proyectos han recibido varios premios. «Republica das Bananas”, Shinjo Nagabe, 2019, Galeria da Gavea, R$150, https://www. ipsispub.com.br/product-page/rep%C3%BAblica-das-bananas

Pionero de la fotografía, Joseph Philibert Girault de Prangey (1804-1892) se considera que aprendió a hacer daguerrotipo de la mano del propio Daguerre. Tras descubrir la fotografía en la década de 1840 en Francia, partió para un largo viaje por todo el Mediterráneo, pasando por Italia, Egipto, donde enfocó su mirada curiosa su mirada curiosa y artística. También fue pintor, arqueólogo, historiador, botánico, en una palabra un humanista, un caballero. Habría dejado a la posteridad al menos 1000 placas (¡encontradas!), Sin mencionar sus obras menos conocidas en papel. Sus fascinantes imágenes se descubren en el libro publicado por Hazan con motivo de la exposición que le dedicó en el Museo d’Orsay de París. “Girault de Prangey, fotógrafo”, colectivo, Musée d’Orsay-Hazan, 256 pp, 49,95 €

DISCURSO SOBRE LA VENTANA Gilles Verneret (en francés) propone una reflexión sobre la fotografía en constelación y no cronológicamente para reconstruir una historia donde las jerarquías se aflojan a favor de poderosas ideas y afirmaciones de gustos. G. Vernet, “Le discours sur la fenêtre”, Loco, 22 €

“República das Bananas” es el título de un fotolibro político, social y reivindicativo, realizado por Shinji Nagabe, con fotografías de brasileños, lugares y bodegones entre realismo y surrealismo. Este libro pretende ser una respuesta al estado de desilusión y desencanto político y social que vive Brasil - o una república, inventada por Nagabe, que está bajo el gobierno de un dictador cruel y populista desde hace años. Cual sea el lugar, parte del pueblo permanece ciego o construye frágiles facetas de aceptación, cuando toda la sociedad en sí se derrumba... Más allá de la gran pobreza y corrupción, hay varios aspectos inaceptables. La rebelión usa el plátano como símbolo, el mismo plátano que ciega y censura para fabricar armas y bombas caseras. Es un libro de guerrilla, un enfrentamiento directo a la visión retrógrada y conservadora que el gobierno quiere poner en marcha. El libro aborda la violencia, la religiosidad extrema, el retorno al control de las costumbres, el armamento individual, etc. Nagabe expone las contradicciones y tensiones de la sociedad mostrando esta república ficticia donde parece que todos eligen su camino,

LA GRAVEDAD DE LA VIDA

Me encanta la obra de Stéphane Duroy desde hace mucho tiempo, con “L’Europe du Silence”. En el stand de las ediciones Bessard durante París Photos descubrí este libro de 36 páginas impreso en 300 copias y firmado por el autor ... Allí puedes encontrar fotos irónicas de su obra, algunas de las cuales son algunas de “L’Europe du Silence” además. Este duodécimo número de la nueva colección de ediciones de Bessard, “Atelier Risographique”, está dedicado a fotografías en blanco y negro realizadas por él. La secuencia de imágenes es fuerte con espacios, paisajes urbanos, retratos..c.on los que explora Europa, la gravedad de la vida y la soledad. ¡Es un slow motion sobre un fotógrafo importante! Stéphane Duroy, “Slow motion”, editions Bessard, 36 pp, 29 €€

©Espe Pons

SOTA LA LLUM DEL MAR

©Espe Pons

Un nuevo relato histórico evocando un pasado que se nos hace presente a través paisajes cargados de luces y sombras.

Descubrí en la Feria Arts Libris 2021 un formidable fotolibro sobre la memoria histórica, la memoria familiar, la memoria en sí ...: “Sota la llum de mar” producido por Espe Pons. Se trata de una investigación narrativa basada en la historia del hermano menor del abuelo de la fotógrafa, Tomás Pons Albesa, que fusilaron en el Camp de la Bota, Barcelona, en 1941, con tan solo 31 años. Espe pons explica que «este trabajo pretende dignificar a todas y cada una de las víctimas del franquismo en la España de la guerra civil y posguerra». El franquismo fue una de las etapas más duras de la historia de España, que muchos aún tratan de olvidar, y que todavía queda por investigar a nivel de la nación. Varios trabajos históricos, literarios, y obviamente fotográficos recuerdan que: «no podemos olvidar el pasado». Y este es el

Espe Pons (Barcelona, 1973) se especializa en fotografía de reportaje y artística, y su actividad profesional se mueve entre la fotografía realizada por encargo y su creación personal. Desde una mirada estática, su producción abre caminos hacia la reflexión interior y la evocación de la memoria; ha trabajado sobre sobre el lugar, el retrato, etc.

lema de Espe Pons. Ella en su libro atraviesa un largo camino, hecho de calabozos, pasillos y secretos, y lo hace de una manera sensible, inspirada, histórica, poética y casi ficcional. Teje los vínculos entre intimidad, extimitad de todos los protagonistas, incluso consigo misma.

y, obviamente a la forma narrativa, con una estrecha conexión entre lo más íntimo y lo familiar.

Plantea una mirada dolorosa y también apaciguada (el peso de su trabajo seguro) que evoca recuerdos frágiles pero obstinados, aunque el tiempo haya sido distorsionado y lavado por los espasmos de la historia, el no-dicho y las ausencias. El trabajo de Espe Pons busca trascender “la imagen” y no quedarse en la superficie de las cosas. ¡La memoria se vuelve espesa! Espe explora muy poéticamente un recuerdo particular y de su familia y también de forma documental recurriendo mucho a la metáfora, al símbolo, a la profundidad del alma

El 12 de noviembre Espe Pons presentando su libro en Grisart escuela.

El diseño al igual que la narración, son soberbios; el texto está en castellano, catalán e inglés. ¡Un descubrimiento más que bonito! ! ¡Un libro fantástico!; quería decirlo. Jean-Matthieu Gosselin

ENTREVISTA A FEDERICO CLAVARINO: «GHOST STORIES», ANÓMALAS

©Anómalas

«¡El tiempo no es homogéneo y vacío! La historia es plural, son las historias con las cuales podemos promover análisis críticos.»

Como Alexandre Dumas “me encantan los fantasmas, nunca oí decir que los muertos han hecho tanto daño en seis mil años como los vivos en un día”; el libro de Federico Clavarino se convirtió en uno de mis compañeros de viaje desde que lo tuve por primera vez en mis manos, hace casi seis meses. Es meta-literatura, va más allá de ser un fotolibro; es una narración de cuentos y fábulas, una creación que ofrece una vibración enérgica y una sensibilidad aguda. No es fácil de descifrarlo sin dedicar tiempo, sin detenerse en “lo que es el libro en sí mismo”, sin entender los resortes de la narración y el juego -irónico y a veces perverso- entre imágenes y textos. Por eso me pareció importante encontrarnos con este autor abierto, amable, divertido, creador, filósofo y que actúa tanto en la práctica fotográfica como en las reflexiones teóricas.

Federico Clavarino (Turín, 1984) estudió literatura y técnicas de la narración en la Scuola Holden de Alessandro Baricco. En 2007 se mudó a Madrid y comenzó a estudiar fotografía en la escuela BlankPaper. Ha publicado varios libros y expuesto en varios lugares. Es autor premiado: con el PhotoEspaña Award, ganador del patrocinio de la Fundación La Caixa FotoPress, finalist at the Kassel Dummy Award, etc.

1 - Hay en tu libro, a mi juicio, un aspecto lúdico sin normas reales desde un primer vistazo, como si hicieras una búsqueda del tesoro hacia la infancia: Dumas, El Principito, Rinocerontes... Los ingleses utilizan dos palabras para el juego: Play y Game, uno con total libertad, el otro con requisitos y puntos. Nosotros en español o francés tenemos una palabra sola: Jugar o Jouer del latino iocus. ¿Tu trabajo esta de Play o de Game? Para mi era fundamental poner unas reglas del juego, y aquí es donde entramos en el “Game”. Hay unas reglas porque eso es lo que hace que uno pueda acceder al contenido. Para empezar, decido que esas tres historias, y no otras, son relevantes. También estoy poniendo unos límites a lo que vamos a ver desde el momento en el que decido que algunas cosas van a ser fotogra-

fiadas en color y otras en blanco y negro; me estoy poniendo unas reglas cuando decido que voy a fotografiar una serie de imágenes de rinocerontes que responden a un modelo iconográfico especifico; me estoy imponiendo unas reglas en el instante que decido que voy a atar la historia de Dumas con unas direcciones precisas en el París; también estoy poniendo una reglas del juego cuando digo de que la norma va a ser esa y no otra. Pero claro, a mí me interesa que quien esté leyendo el libro siente que esas decisiones son inevitables, mientras en realidad hay un margen de arbitrariedad y de libertad enorme. Este “Play” se hace visible en la secuencia de imágenes del libro, en el que tenemos la sensación de que estamos en una deriva. Creo que el libro vive de esa tensión entre algo que parece muy coreografiado y una lectura del absurdo que tiene que ver

con el momento en el que nos damos cuenta de que las elecciones del fotógrafo son insensatas y arbitrarias. 2 - ¿Cual es tu tesis sobre el concepto de la historia y luego sobre el de la narración? Lo interesante de la idea del fantasma es lo que te permite cruzar las barreras que existen en nuestro pensamiento entre presente y el pasado o entre un lugar y un otro, o la vida y la muerte. A este viaje en el tiempo y en el espacio le llamamos Historia. Pero sería incorrecto hablar de una Historia, es más necesario hablar de historias en plural; así se entiende el título del libro: «Ghost Stories». Hablar en plural, hablar de historias, incluso llegar a confundir esto con la idea de narraciones, nos permite tener categorías mucho menos rígidas de lo que pensábamos. Por ejemplo, el rinoceronte, Ganda, aparece cuando se cruzan tanto la historia del arte occidental con la historia de nuestras ciencias. Es interesante ver como sobre un ser que venia de otro lugar se proyectaban todas esas miradas cargadas de otras historias, todos nuestros fantasmas en el sentido de “seres imaginarios”, hasta llegar a la creación de monstruos. Lo interesante del rinoceronte de Durero es que no se vende como un producto exclusivo de la imaginación, sino como una anticipación del fotoperiodismo, ya que Durero se proponía a través de su arte extraer la esencia de la naturaleza, y que esta imagen llegó a una gran difusión gracias a los inventos tecnológicos de la epoca. Existe a medio camino entre el invento artistico y una imagen científica de lo que se estaba encontrando en lugares lejanos. ¡Esto nos dice mucho sobre cómo construimos nuestro proprio relato! La flecha del tempo no va desde el pasado hacia el futuro sin rupturas;

«“Monte-cristo”, esta novela de Dumas, nos recuerda que no había una sola historia, ¡sino que hay más!» yo creo que esto esta en contradicción tanto con nuestra experiencia del tiempo como con las ideas que la física contemporánea nos propone del tiempo: algo mucho más fragmentario y discontinuo. El tiempo como lo vivimos subjetivamente tiene muchísimo que ver con la idea de memoria, con la idea de la anticipación y del deseo. Nos coloca en el presente porque recordamos el pasado. Ademas tenemos memorias porque intentamos hacer previsiones de futuro. Y todas estas cosas, recuerdos y sueños, son fragmentos, no es una línea. Somos archipielagos, como el Frioul. 3- Trabajaste en un lugar único, mezclando cronologías, hechos, autores literarios, técnicas artísticas... un mundo con universos incomponibles pero unidos en un mismo espacio. ¿Crees que la ficción precede a la realidad, o incluso va a producir la? Mi opinión es que la ficción tiene la posibilidad de producir la realidad. No hay nada en lo real que sea del todo objetivo o inamovible, hay un campo complejo de experiencias individuales y colectivas. Las islas no son un único lugar que es un contenedor de historias. En realidad, más que un contenedor, es un nudo. La narración también es un nudo de diferentes capas de ficción en la que se ubican el narrador, el fotografo y

las historias que el encuentra. Hay una capa en la que se produce la experiencia del fotógrafo, hay una capa en la que se reproducen las propias historias que se cuentan. La idea es que cualquier sitio, aunque sea un montículo de rocas en el medio del Mediterráneo, nos transporta a otros sitios y a otros tiempos: a las calles de París, los museos de Europa, un pueblo en Marruecos 4- ¿Crees que no hay azar, sino encuentros fortuitos, casuales y que para captar los acontecimientos cotidianos que ocurren de acuerdo con la lógica cuántica hay que estar atento y tener la capacidad de pensar fuera del campo de lo tradicional? Para mi el azar es una herramienta metodológica como fotógrafo, como practicante, como artista. Herramienta con la cual creo las condiciones para que pueda ocurrir lo inesperado. Entonces es cuando descubro lo nuevo en mi mente. El azar es un metodo. Por ejemplo, hubiera podido usar imágenes prexistentes de los rinocerontes, pedir a museos y colecciones que me enviaran reproducciones en alta resolución, pero yo necesita-

Es lo que me ha pasado cuando me fui a un museo cerca de Burdeos. Quería fotografiar allí un rinoceronte. Desde el museo me proponían fotos oficiales, pero a mí me interesa viajar a la Aquitania y hacer la foto yo mismo. Me interesaba ver si podía ocurrir algo y voy y me encuentro con un señor que trabajaba en ese museo. Este tenía un enorme gabinete de curiosidades, una sala llena de taxidermia, muy interesante. El señor me hablaba de su manera de entender el mundo, de catalogar, de pensar el arte. Todo esto era relevante para mi proyecto. Pero lo que no podía prever de ninguna manera es que él se había dedicado a pintar todas las paredes del gabinete de curiosidades donde estaban esos animales disecados, para que los niños, únicos visitantes de este museo de provincias, disfrutaran más de la visita. Aunque esto es algo que no conseguí fotografiar, para mí fue importante en el desarrollo de mi trabajo.

4 - El íncipit (descripción inicial) de tu libro es la siguiente frase de Antoine de Saint-Exupéry: «Cuando quieres ser gracioso, sucede que mientes un poco». Esta frase abre el capítulo XVII de El Principito, ¿es ese tu diseño de la creación artística? La ultima oración de este mismo capítulo es «... pero ¿por qué siempre hablas con acertijos? Los soluciono todos, dijo la serpiente.», ¿Te gusta solucionar una dificultad con fotos? Ese segmento final del capitulo VII de «El Principito» creo que tiene que ver con el rol de la imaginación, y en eso apunta tanto al método de construcción de mi trabajo como a algunos de sus temas, como por ejemplo el rol que tienen las mentiras o las ficciones en crear realidades. También el libro plantea desde el primer momento una serie de acertijos que hay que descifrar, pero descifrar esos enigmas es algo extremadamente complejo y al final concede solo respuestas parciales. La muerte, quizás simbolizada en el libro de Saint-Exupery por la serpiente, resuelve todos los acertijos, pero no es el fin de todo, y por eso

«Cuando uno pretende mostrarse ingenioso, a veces se miente un poco», Capitulo XVII, El Principito, Antoine de Saint- Exupèry

«El íncipit apunta tanto al método de construcción de mi trabajo, como a algunos de sus temas como la mentira: “la otra ficción”.»

los fantasmas son tan importantes. Los fantasmas nos enseñan que es gracias a ellos que construimos nuestras ficciones futuras. Los fantasmas tienen una importancia enorme en todas las culturas. 5 - A nivel fotográfico, mezclas anécdotas de la historia de la región de Marsella con retratos de los jóvenes que la atraviesan, ¿consideras esta obra como una obra documental? ¡Pregunta muy interesante! En primer lugar debo decir que las

ba ir y ver donde estaban y que pasaba allí, y emprender un viaje. Desplazarme en un sitio para hacer unas fotos significa ir donde ocurren cosas que no puedo predecir o imaginar.

fotos de jóvenes que aparecen en el libro están hechas en París; lo puse en las notas finales. Conectan de forma metafórica el tema del mar, presente en las tres historias “encontradas” con historias contemporáneas; Son cosas que conservo del aspecto documental, elementos que se sitúan al borde de lo ficticio porque su significado tiene que ver bastante explícitamente con una ficción, sin embargo no con gran precisión. Pero son fotos que se hicieron en aquel lugar en nuestra época. El valor documental de la fotografía depende en gran medida del espacio discursivo con el que la situamos. Como lo sabemos de muchos pensadores, o de las operaciones, por ejemplo, de Joan Fontcuberta en un trabajo como «Fauna», hay una inyección de ficción dentro del espacio de la verdad “objetiva”, pero a mí no me interesa tanto esto. En mi trabajo hay fotos que siguen un estilo documental, fotos de algo que hice en cierto lugar en un momento especifico con una intención determinada, que dialogan con una

serie de ficciones. La ficción del documento y el documento de la ficción están en tensión constante, y este es el motor del libro. 6 – ¿Cuanto tiempo ha durado la preparación de este trabajo y su edición? Me tomó varios años; pero debo decir que suelo trabajar más de una cosa a la vez. Además, tuve que hacer viajes muy puntuales, he viajado no sé cuántas veces a las islas del Frioul, iba a ver mi amigo en Marsella, el del principio del libro, que existe realmente. También había que fijar citas con museos para hacer fotos; aproveché ciertos momentos que tenía que estar en París por otras razones para hacer fotos. Algunas veces viajé por temas diversos pocos días para un detalle aquí o una búsqueda allá. Luego vino el tiempo de la selección, de la secuenciación, de la edición de las fotografías. Los textos fueron escritos en el momento final, durante el último año de trabajo del proyecto.

7 – ¿Cuáles son tus próximos proyectos y/o libros? Ahora estoy trabajando en la finalización de un proyecto que involucra fotografias y esculturas que he desarrollado con mi pareja, una cosa muy curiosa sobre nuestra coexistencia. Tengo un proyecto en marcha sobre un archivo que está en la universidad de Harvard; de este último tendré un primer prototipo de trabajo el año que viene. Luego me acabo de embarcar en un doctorado: es una investigación teórica y práctica que tiene que ver con el mirar en la fotografía a través del noción de trampa, por lo cual, entre otras cosas, estoy construyendo trampas para la cámara. Son todas cosas nuevas para mi y me hacen sentir feliz y tonto a la vez. Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin https://www.edicionesanomalas.com/ en/ producto/ghost-stories-3/ Este trabajo recibió el Premi Mallorca de Fotografia Contemporània 2019

EXCELENCIA

«Chariots of fire are on my way Chariots of fire are the best I love chariots of fire»

Evangelos Papathanassiou

JEAN-MATTHIEU GOSSELIN- 2016-2018 (fotógrafo)

«Here comes the sun do, do, do Here comes the sun And I say it’s all right Little darling, it’s been a long cold lonely winter

Little darling, it seems like years since it’s been here», The Beatles ALEJANDRO ALFONSO - 2019-2021 (fotógrafo)

«¿Por qué te miro así tan abatida, pobre flor? ¿En dónde están las galas de tu vida y el color?

Díme, ¿por qué tan triste te consumes, dulce bien?», Manuel Acuña CORREDOR DAYANNA - 2021-2022 (fotógrafa)

«El alba y el ocaso cruzan manos, y así, a la silla de la reina, al día ya la noche, rendidos soberanos, Los llevan a enterrar. Triste sería

que al despertar de nuestros sueños varios luz y sombra lucharán a porfía.», Miguel Unamuno SUSANA VELAZCO - 2020-2021 (fotógrafa)

«All made up and nowhere to go Welcome to this one man show Just take a seat they’re always free No surprise, no mystery

In this theater that I call my soul I always play the starring role» The Police IRENE MONTEAGUDO - 2021-2012 (fotógrafa)

«...igual que un artesano, separarse a mirar cómo la luz emerge de la sutil textura.

Así es el viejo oficio del poeta, que comienza...», José Agustín Goytisolo PATRICIA HERNANDEZ - 2021-2022 (fotógrafa)

«...tu mano está en el aire, tan desnuda, tan simple como tu risa que no tiene filo,

o como tu mirada, tan sencilla...», Manuel del Cabral BERTOLDI GIOVANA - 2021-2022 (fotógrafa)

«Si vos le presumís barbiponiente, muy de mañana madrugó el aviso, y si a la cara hacéis moldura, friso, lo mismo es en la barba que en la frente.

Donde concurren tantos desengaños...», Lope de Vega PILAR RODRIGUEZ - 2021-2022 (fotógrafa)

«I was eight years old And running with a dime in my hand To the bus stop to pick Up a paper for my old man

I’d sit on his lap in that big old Buick And steer as we drove through town» Bruce Springsteen YOLANDA BERZOSA - 2020-2021 (fotógrafa)

©David Ortiz

«No dices nada, niña. Y nace del silencio la vida en una ola de música amarilla;

su dorada marea nos alza a plenitudes...», Octavio Paz DAVID ORTIZ - 2021-2022 (fotógrafo)

SYNECDEMUS: ENTENDER A LA MIGRACIÓN

lidad complicada: la migración hoy en día. Elementos como: ¿migrar porque y como?, la identidad, la pertenencia a un grupo y a una cultura... son los principales ejes de este trabajo esencialmente fotográfico y videográfico.

Aleix Mateu, videasta, fotógrafo expone en varios ciudades de Cataluña (como en Nys Polygon Arts, Castellbisbal; etc.) un proyecto llamado “Synecdemus”, del nombre del esclavo Caius Trocina Synecdemus de origen africano que se estableció en el valle del Llobregat y que se dedicó a la construcción de ánforas. Su estampa conocida está cerca de Can Pedreros de Baix (Castellbisbal).

Para saber más cosas:

https://nys.cat/videocreacio-aleix-mateu/

©IAleix Mateu

Esta huella recuerda el problema de la migración actual y una realidad que todavía demuestra que durante la historia habían muchas migraciones, y que se mezclaban las cuestiones de identidad y de singularizar. Por lo tanto, el concepto de migrante se debe pensar

El videoartista Aleix Mateu presenta una instalación visual de denuncia de las redes de tráfico de personas dentro de uno de los camiones de la FERCAM.

de la manera mas abierta posible. En su trabajo vídeoartístico Aleix Mateu conversa con migrantes. Él propone conexiones remodeladas con el tiempo pasado y las devuelven a una rea-

Foto de cover::©David Molero Foto de primera: ©Llona Muratel Fotos de contra ©Espe Pons Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona. Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin Textos/Imagenes: Jean-Matthieu Gosselin;Natasha Christia; Sindicato de los Manteros;Elisa Miralles; Ivan Ferreres;Flavio Edreira; Alba Serra; Alejandro Alfonso; Corredor Dayanna; Susana Velazco; Irene Monteagudo; PatriciaHernández; Bertoldi Giovana; Pilar Rodríguez; Yolanda Berzosa; David Ortiz;Marina Plana; Ediciones Anómalas; Federico Clavarino; Aleix Mateu;Espe Pons. Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

PARA CONTACTAR CON LOS AUTORES Y FOTÓGRAFOS: agusi@grisart.com; www.jmgosselin.com; @jeanmatthieug; iferreres@grisart.com; https://www.grisart.com/; https://panoramicgranollers.cat/es/; serraferreralba@gmail.com; seansborlino@gmail.com; https://www.parisphoto.com/; https://www.worldpressphoto.org/; ttp://fotocolectania.org/; davidortizrico@hotmail.com; https://www.flavioedreira.com/; https://www.marinaplana.com/; @lucassalter; https://www.edicionesanomalas.com/; https://www.guimet.fr/; https://www.musee-orsay.fr/fr; https://www.ipsispub.com.br/ product-page/rep%C3%BAblica-das-bananas; https://editionsbessard.com/; https://federicoclavarino.com/; http://espepons.com/

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©Espe Pons

Espe Pons (Barcelona, 1973), fotógrafa freelance, estudió fotografía en Escola IDEP y Escola Groc de Barcelona, donde se especializó en fotografía de reportaje y artística. Desarrolla proyectos fotográficos que tienen como núcleo fundamental la memoria y el paisaje, a partir de los cuales crea una poética visual llena de silencios. En el año 2019 fue seleccionada para llevar a cabo un programa de residencia artística en el Three Shadows Photography Art Center, Pekín, junto a Jordi Jové. Expone su obra en numerosos festivales y galerías, como: Primavera Fotográfica, Barcelona; PHotoESPAÑA, Madrid; Festival Voies Off, Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, o bien exposiciones en Shanghai o Belgrado...

LIBRE OPINIÓN «Me gusta esa mirada subjetiva e intuitiva»

El núcleo fundamental de mi trabajo es la memoria y el paisaje. A menudo la construcción de los proyectos parte de una cierta poética visual llena de silencios. En otros la fotografía se sitúa justo en el límite del propio medio, evidenciando así sus propias convenciones. Me siento cómoda en la idea de un paisaje atemporal, desdibujado a veces, o apenas perceptible, como metáfora esencial fotográfica, ver y no ver o ver hacia dentro. Los pintores chinos de paisaje reflexionaron profundamente sobre este “no-lugar” que es la memoria del artista. Este paisaje más primigenio y pictórico me ayuda a conectar con mi paisaje interior. La fotografía deviene entonces íntima y onírica. Aunque no hay una bús-

queda de inspiración en la pintura, me gusta esa mirada subjetiva e intuitiva, tal vez es un flotar en la imagen. En los últimos trabajos, Portraits, Bajo la luz del mar y Tierra se evidencia una mirada más crítica y comprometida, sin dejar de lado esa posición intuitiva. En el caso de Sota la llum del mar estas palabras que escribe Vicenç Altaió (escritor y crítico) en el fotolibro creo que explican muy bien el sentido: «Las imágenes, en lugar de constituir un relato de aproximación estrictamente biográfica, o un reportaje periodístico, intentan hacer revivir desde el silencio

de la imagen y la sensibilidad de la artista aquello que el tiempo borra de la historia. Las imágenes callan y hablan al mismo tiempo desde la verdad callada a la que, ahora, se le ofrece la luz. La fotografía necesita de la luz. La historia también necesita de la verdad. Y no obstante este relato, más que dar la fuerza a lo razonado por la historia otra, explora desde el arte la similitud de lo real. Más relacionado que razonado». Espe Pons