Grupo Diseño y Publicidad - D'SIGNA Magazine O/I 2010

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La revista corporativa de Grupo Dypseño

“Reconocer la necesidad es la principal condición para el diseño”. Charles Eames.

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sumario 8 10 18 22 34 40 44 58 70 80 www.grupodypseno.com

El Lexicón Materia prima La inspiración Marcas de diseño El diseñador La diseñadora Soluciones de diseño Diseños históricos Objetos de diseño Destinos D’signaMagazine

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carta del fundador

Como dice el escritor de cómics americano Brian Reed “Todo está diseñado; pero pocas cosas están bien diseñadas”. Con la pretensión de mostrar que efectivamente esto es así, en Grupo Dypseño lanzamos esta revista. Una publicación elaborada desde el esfuerzo, la dedicación y, sobre todo, la pasión por lo que hacemos. Es un desafío, con el que procuraremos desvelar, número a número, quiénes somos, qué hacemos y por qué lo hacemos. De momento, he aquí un resumen. Somos Grupo Dypseño, el resultado de aunar actividades reflejadas en diferentes empresas, por un lado D y P Diseño y Publicidad que empieza su andadura en el año 1986 teniendo como principal inquietud el diseño de P.L.V. A partir de la colaboración con fabricantes de primera línea en metacrilato, madera o metal; con nuestros conocimientos técnicos; y aportando el diseño como principal disciplina, hemos realizado un material P.L.V., a lo largo de este tiempo, de máxima calidad que ha cumplido sus objetivos de potenciar la venta de los productos expuestos. Hemos contado con una cartera de clientes satisfechos, con los que hemos realizado todo tipo de proyectos, pequeños y grandes, temporales y permanentes. Este afán de colaboración nos llevó, con el tiempo, a proponer más servicios a nuestros clientes. Y empezamos a ofrecer el diseño y la fabricación de construcciones efímeras (stands, implantaciones en tienda, escaparates especiales, personalización de espacios, presentaciones de producto, ruedas de prensa, convenciones, …). Entonces, constituimos la sociedad CRIMA Diseños Asociados. Y en esta última etapa, se han integrado a nuestra estructura responsables de Protocolo y Comunicación, así como de Diseño web y Marketing online, que aportan una visión más moderna y amplia a cada uno de los proyectos en los que participamos.

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En definitiva, somos un gran equipo, en constante renovación, que aspiramos a seguir dando las mejores y más completas soluciones, durante mucho tiempo. A pesar de que actualmente, y debido a la más que renombrada crisis, pasamos por una época en la que frente a las buenas ideas sólo nos fijamos en el precio. Y es que cuando las cosas están hechas, no solemos pensar en el trabajo que suponen. Pero debemos apostar por el valor del diseño. Para terminar, quiero retomar nuestro claim. Como no nos cansaremos de recordar “diseñamos soluciones” en torno a diferentes ámbitos como son la creación de material P.L.V., las construcciones efímeras, el diseño gráfico y web, la organización de actos o protocolo, siempre a la medida de cada uno de nuestros clientes. Pero tal y como se puede leer en nuestra portada lo esencial es reconocer una necesidad, para que se dé el diseño; por ello, como siempre esperamos todas vuestras necesidades para seguir diseñando soluciones.

Manuel Rodríguez Diseñador y fundador de Grupo Dypseño.

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carta del fundador

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El Lex Metatags

Metacrilato

Etiquetas html que se incorporan en el encabezado de una página web, invisibles para los visitantes, pero de gran utilidad para navegadores y otros programas. Sirven para incluir información de refernecia sobre la página: autor, título, palabras clave, descripción, etc. Los robots de búsqueda emplean la información para incluirla en las bases de datos de sus buscadores y mostrarla en el resumen de búsquedas. También se usan para especificar cierta información técnica. <meta name=”” content=””/>

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Producto de polimerización del ácido acrílico o de sus derivados, es un sólido transparente, rígido y resistente a los agentes atmosféricos, y uno de los materiales plásticos más utilizados. www.grupodypseno.com


xicón Calibre

Inglete

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Por primera vez empleado en la obra “Strategic Management: A Stakeholder Approach”, de R.E. Freeman, se refiere a todas aquellas personas, grupos u organizaciones que pueden afectar o ser afectados por las actividades de una empresa, de manera directa -empleados, consumidores, proveedores, clientes, etc.- o indirecta -Administración pública y sociedad en general-.

Stakeholder

' Se llama inglete al angulo de 45º que con cada uno de los catetos forma la hipotenusa del cartabon. En general, se dice de los ensamblajes de una plancha, ' de una moldura en angulo. Pero en particular designa los ensamblajes hechos si' giendo un angulo de 45º. Los marcos, los encuadramien' tos de recuadros, estan formados con molduras talladas a inglete y ensambladas por medio de mortajas o simplemente por claros.

El calibre es un instrumento que sirve para medir diámetros y espesores. Está provisto de un nonius -forma latinizada de P. Nunes (s.XVI), matemático y astrónomo portugués que lo inventó. Se trata de la pieza que se superpone a una escala graduada y permite aumentar la precisión de su medida en una cifra decimal.

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CELULOSA Y GRAFITO

Orígenes del diseño

Normalmente, cualquier diseño comienza a ser tal, a partir de unos cuantos garabatos esbozados con un lápiz sobre una hoja de papel. Por este motivo, le dedicamos unas líneas a las materias primas -celulosa y grafito- con las que se hacen principalmente esas dos herramientas -papel y lápizfundamentales para cualquier diseñador.

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materia prima

La Celulosa Es un hidrato de carbono polimérico que se encuentra en las paredes de las células de las plantas. Se obtiene de la madera, el algodón, el lino, el yute, el cáñamo, la paja y las plantas de crecimiento rápido. Y se usa en la fabricación de papel, celofan, rayón, viscosa, película fotográfica y productos químicos. Se compone de fibras vegetales, es decir, de materia orgániza, o lo que es lo mismo de elementos que están o han estado vivos, por lo que debemos concienciarnos de que, al utilizar papel, estamos aprovechando parte de la riqueza del planeta y hay que cuidarla para no perderla. Desde el principio de la historia hasta nuestros días, el hombre la ha utilizado -papiro, pergamino, fibras vegetales e, inlcuso, papel recilado- para expresar sus pensamientos junto con otros materiales -piedra, tablas de arcilla o de madera-.

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El Grafito Se descubre en 1564 en Cumberland (Inglaterra), próximo a la frontera con Escocia. El grafito es una de las formas en que se puede presentar el carbono. Se encuentra en yacimientos naturales pero también se puede crear artificialmente. El término grafito deriva del griego grapheim y significa escribir. En la corte de Luis XIII (Francia), se introdujo la invención de los lápices de grafito; un instrumento de escritura que consiste en un palillo fino de grafito y arcilla, recubierto por madera, papel o plástico. Fue el francés Jacques-Nicolas Conté quien ideó unos lápices de este material y arcilla, rodeados de madera de cedro. Aunque otros hablan del austríaco Josef Hardtmuth como su verdadero inventor. La dureza de los lápices depende de la proporción entre grafito (una variedad del carbono) y la arcilla. Cuanto más grafito se utilize más blando y oscuro es el trazo del lápiz. En 1812 el estadounidense William Monroe perfeccionó este proceso y John Eberhard (1822) construyó la primera fábrica de lápices a gran escala en Estados Unidos. En las últimas décadas del siglo XX, Brasil era uno de los principales productores de lápices del mundo.

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EL POLIE

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ESTIRENO EL POLIESTIRENO Aunque, a simple vista, el poliestireno expandido pueda parecer corcho, lo cierto es que se trata de un material plástico. Normalmente utilizado como embalaje o aislante, también es muy útil en la creación de material PLV. El poliestireno (PS) es un polímero termoplástico que se obtiene de la polimerización del estireno. Es uno de los plásticos más consumidos, junto con el polietileno, el polipropileno y el PVC. En general, posee elasticidad, cierta resistencia al ataque químico, buena resistencia mecánica, térmica y eléctrica y baja densidad. Sus principales tipologías son: el poliestireno cristal, que es transparente, rígido y quebradizo; el poliestireno de alto impacto, resistente y opaco; el poliestireno expandido, muy ligero; y el poliestireno extrusionado, similar al expandido pero más denso e impermeable. El poliestireno de alto impacto (HIPS - High Impact Plystyrene) es poliestireno al que se le añade caucho en la polimerización. Por su parte, el poliestireno expandido (EPS) está formado por bolitas de plástico de poliestireno que, tras haber pasado por una cámara de vapor a 200ºC, pierden el pentano de su interior y se llenan de aire, aumentando 40 veces su tamaño original, lo que hace que disminuya su densidad. Y finalmente, contamos con el poliestireno extruido (XPS), que se obtiene mediante la inyección de gas al poliestireno cristal fundido. Se trata de una espuma rígida, con propiedades similares al poliestireno expandido, pero impermeable. En sus diferentes variedades tiene múltiples aplicaciones. El poliestireno cristal se utiliza para crear productos de plástico transparentes, baratos, como cajas de CD o perchas. El poliestireno choque se emplea en la fabricación de interiores de frigoríficos, maquinillas de afeitar desechables o juguetes. La variedad expandida www.grupodypseno.com

se usa principalmente como embalaje y aislante témico y acústico. Popularmente es conocido por la marca comercial Poliexpan. Debido a sus propiedades ligeras y amortiguadores, se emplea en la fabricaicón de cascos de ciclismo. También flota en el agua, por lo que es apto para la creación de chalecos salvavidas y otros elementos relacionados con deportes acuáticos. Por último, la versión extruida se aplica como aislante térmico. Los envases de productos lácteos también se hacen con este material -mezcla de poliestireno choque y cristal-, pues su secabilidad permite separar un yogur de otro con un simple movimiento de la mano. Además, es un material muy práctico a tener en cuenta en el ámbito de la PLV (Publicidad en el Lugar de Venta), pues permite la creación de escaparates, rótulos, diseños en volumen, etc. a un coste razonable. Todos los objetos de plástico llevan este símbolo y este código de identificación que indican el tipo de plástico del que está hecho. En este caso, el número 6 y las siglas PS indican que se trata de poliestireno. El triángulo con flechas indica que es un plástico reciclable.

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piraci贸n la inspiraci贸n


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Años 50

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la inspiración

50 a 1959 La última colección presentada por la marca de lujo Louis Vuitton, está claramente marcada por la estética de los cincuenta. Una época fructífera y llena de cambios, que nos siguen inspirando. Los años 50 son una época marcada por la recuperación económica y el comienzo de la Guerra Fría (1947). Tras la Segunda Guerra Mundial, se produce una auténtica revolución en la moda, la mujer vuelve a preocuparse por su aspecto. Y la moda retoma su esplendor: las faldas se acortan, se experimenta el boom del vaquero, los vestidos se ciñen a la cintura, los sujetadores armados realzan el cuerpo femenino, y se llevan las faldas évasé por debajo de la rodilla. Se da gran valor al maquillaje y a los complementos, donde destacan: pañuelos, guantes, cinturones anchos y, por supuesto, los bolsos. Marcan la moda de estos años grandes diseñadores: Pierre Cardin, Cristóbal Balenciaga, Coco Chanel, Christian Dior y Givenchy. En el cine triunfan actores como Marlon Brando, Marilyn Monroe o James Dean. Y en la música acumulan éxitos Elvis Presley y Georgia Gibbs. Mientras tanto, en nuestro país, ya destacan Lola Flores o Carmen Sevilla. Además, el ingeniero sueco Bohlin patentó y demostró la eficacia del cinturón de seguridad de 3 puntos de anclaje; se coronó a Isabel II como monarca de Reino Unido; se lanzó el Sputnik con la perra Laika a bordo; y se filmaron Ben-Hur y Con faldas y a lo loco. Charles & Ray Eames desarrollan interesantes piezas de mobiliario, que se convierten en iconos de la América de los 50; entre las que destaca su famosa Lounge Chair. Y en España se emite el primer spot de televisión. También fue en estos años (1959) cuando nació, en Oxford, el actor Hugh Laurie, veterano intérprete que desde 2004 da vida al talentoso e irrespetuoso médico especialista en enfermedades raras, Gregory House. www.grupodypseno.com

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la marca

Leyendas del Tenis

BABOLAT

Cada vez más destacada gracias a los incesantes triunfos de Nadal; aunque pueda parecernos una marca reciente, lo cierto es que lleva más de 130 años haciendo historia. Fundada en la ciudad francesa de Lyon, en 1875, es la compañía inventora del cordaje para raquetas y la empresa más antigua especializada en deportes de este tipo. Un año después de que Walter Clopton Wingfield inventara el tenis (1874), Pierre Babolat creó los primeros cordajes de tripa natural. Desde entonces, se han sucedido cinco generaciones Babolat, que han trabajado para

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ser y mantenerse como la marca de los tenistas de élite. Actualmente, presente en más de cien países, el valor fundamental sobre el que se sustenta su filosofía es la innovación. Desarrollan sus productos a través de la observación y el análisis del juego de los más grandes. Como es el caso de la puesta a punto de su raqueta Aeroprodrive, a partir del estudio de los movimientos de Rafael Nadal. El campeón español utiliza desde los ocho años sus raquetas, que se caracterizan por tener pintada una doble línea -blanca, negra o amarilla en los marcos y negra o roja en el cordaje-. También emplea sus cordajes, sus grips (puño) y sus bolsas.

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Pierre Babolat crea los primeros cordajes de tripa natural.

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La marca crea el Elascord, primer cordaje sintético Babolat.

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Aparece el logo con “Doble Línea” en la parte inferior del cordaje de las raquetas.

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Lanzamiento de la zapatilla Propulse. Nace de la colaboración entre Babolat y Michelín, y se convierte en la zapatilla exclusiva de Andy Roddick. Por otra parte, Rafa Nadal firma un contrato de 10 años con Babolat. Y gana por tercer año consecutivo Roland Garros.

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Lanzamiento de los cordajes sintéticos multifilamento, que se imponen como el cordaje sintético de gama alta.

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Nadal gana Roland Garros por segundo año consecutivo con raqueta Aeropro Drive y cordaje Babolat.

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Pierra Babolat, entonces Presidente, decide lanzar la primera gama de raquetas. de tenis Babolat. Después de más de un siglo dedicados exclusivamente a los cordajes y los accesorios. Carlos Moya es el primer tenista que gana con una de sus raquetas.

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Lanzamiento de un nuevo concepto de raquetas Aero, adoptado por Rafa Nadal.

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Lanzamiento de la gama de pelotas de tenis en Europa.

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Bajo la dirección de Eric Babolat se lanza la primera zapatilla en colaboración con Michelín. De este modo, la firma propone el equipo técnico total para el jugador de tenis: raquetas, cordajes, calzado, pelotas, prendas de ropa, grips, accesorios y bolsas. Ese mismo año, Andy Roddick gana el US Open con raqueta y cordajes Babolat.

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Juliane Blasi Marc Michael Markefka Benoit Jacob Mario Majdandzič Giorgetto Giugiaro Joji Nagashima Nadya Arnaut Ercole Spada Jochen Paesen Davide Arcangeli Pascal Tanghe Geoff Velazco Boyke Boyer Christopher Weil Paul Bracq Nader Faghihzadeh Daño Lagaay

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Chris Bangle Karim Habib Antoine Andreas Thurner Tomasz Sycha Adrian van Hooydonk Kevin Rice Anne Forschner Pierre Leclercq Karl Elmitt John Peter Gabath Albrecht Graf von Goertz Christoph Nordmann Richard Kim Starke Hans-Bruno Fritz Fiedler Peter Szymanowski Nuccio Bertone la marca

BayerischeMotorenWerke

BMW

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BMW

Deportividad, innovación y mucho diseño.

Boceto del interior del BMW Serie 7 Fuente: www.seriouswheels.com

Desde su fundación en 1916, decenas de diseñadores han pasado por la factoría alemana de vehículos, incluidos grandes nombres de la historia de la automoción como Bertone, Bracq o Giugiario. Entre los díseñadores jefe que ha tenido la marca, el más mediático posiblemente haya sido el americano Chris Bangle, sustitutido en 2009 por Adrian van Hooydonk.

El arte y el diseño son parte fundamental del ADN de la marca germana. 30

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Compañía destacada por la deportividad de sus modelos, el arte y el diseño son, sin duda, parte fundamental del ADN de la marca germana. En BMW se entiende que el diseño es un factor decisivo para el éxito de una empresa. Y como consecuencia de dicha filosofía, siempre han apostado por la creatividad. Más allá de los modelos comerciales, lo demuestran sus Concept Cars -como es el caso del BMW Gina, el BMW Vision EfficientDynamics o el BMW Lovos-, el apoyo permanente a proyectos académicos de escuelas de diseño o sus archiconocidos BMW Art Cars - la colección de 18 modelos decorados por importantes artistas contemporáneos de todo el mundo, como Alexander Calder, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, César Manrique, Esther Mahlangu o Jeff Koons-. Pero esto no es suficiente para BMW, que también cuenta entre su patrimonio con importantes edificios. www.grupodypseno.com


Boceto del BMW Lovos Fuente: www.seriouswheels.com

“El diseño debe representar siempre una expresión de los sentimientos. Cualquiera puede hacer un vehículo que parezca rápido, pero si no lo es, resultará muy decepcionante. La autenticidad es la clave, BMW es como una familia: todos los coches tienen similitudes, pero también diferencias significativas”. Chris Bangle.

BMW Art Cars

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320i Roy Lichtenstein - 1977

M1 Andy Warhol - 1979

635CSi Robert Rauschenberg - 1986

730i César Manrique - 1990

Boceto del BMW Vision EfficientDynamics Fuente: www.seriouswheels.com

Z1 A.R. Penck - 1991

Boceto del BMW Gina Fuente: www.seriouswheels.com M3 Ken Done - 1989

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la marca

München En Munich, la ciudad alemana donde fue creada la marca, se encuentran sus oficinas centrales, el museo BMW, la planta original de la compañía y el edificio BMW Welt (Mundo BMW). La sede central de BMW se ubica en el edificio de los “Cuatro Cilindros”. La fachada se concluyó a tiempo para los Juegos Olímpicos de 1972. Es el centro neurálgico de la compañía, en torno al que se han ido creando nuevos inmuebles, en función de las necesidades de la empresa. Además de acoger las oficinas, también aloja el Museo BMW, en cuya entrada está la famosa escultura cinética. Una pieza compuesta por 714 bolas de acero suspendidas en el aire, que van creando diferentes formas y generan la silueta de algunos modelos emblemáticos de la marca, a partir de un programa informático. El BMW Welt es la construcción que alberga la historia de la marca a través de una exposición de sus coches; el “Junior Campus”, un espacio creado para que los niños puedan experimentar la movilidad; el estudio de Diseño y Tecnología; y el “Doble Cono”, lugar para eventos culturales y exhibiciones. También allí se entregan algunos vehículos a sus dueños. Está abierto al público todos los días del año. 32

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el


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l lugar donde comenzó todo

Edificio oficinas BMW “Cuatro Cilindros” Fuente: commons.wikimedia.org

Interior del BMW Welt Fuente: www.cityscouter.com

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Escultura cinética BMW

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Verner

PANTON

El diseñador industrial danés, que creó la famosa Panton Chair y que siempre destacó por la utilización del plástico y los colores vibrantes en sus creaciones -muebles, lámparas y telas-, soñaba con ser pintor. Nacido en 1926 en Gamtofte -un pequeño pueblo situado en la isla de Funen (Dinamarca)- cuando era niño Verner Panton soñaba con ser pintor, pero sus padres le orientaron a estudiar arquitectura. Asistió a la Escuela Técnica de Odense y, posteriormente, a la Real Academia de Bellas Artes de Copenhague.

Los artistas daneses Poul Henningsen y Arne Jacobsen fueron sus principales mentores en el mundo del diseño. A pesar de sus estudios en el arte de la proyección de edificios, dedicaría su vida al diseño. En ello jugaron un papel fundamental dos hombres: Poul Henningsen (lámpara Artichoke) y Arne Jacobsen (silla Huevo). El primero -destacado diseñador de iluminación danés del siglo XX- llegó a la vida de Panton a finales de los años 40, convirtiéndose en su jefe y profesor. Fue él quien le mostró que debía tener una mentalidad abierta hacia las innovaciones técnicas y tender a la constante resolución de problemas de diseño. Por su parte, Jacobsen -arquitecto y diseñador industrial- le dió la oportunidad de trabajar en su estudio de arquitectura, entre 1950 y 1952. Período durante el cuál tuvo la oportunidad de trabajar en el proyecto de la Ant Chair (Silla Hormiga). www.grupodypseno.com

Cinco años después de haber entrado a formar parte del equipo de Jacobsen, abrió su propio estudio de arquitectura y diseño. Sus primeros pasos en solitario los dió en una furgoneta Volkswagen que compró con los beneficios que obtuvo por la venta de una patente. La adaptó como estudio ambulante y se recorrió Europa, haciendo contactos, atestando conocimientos e inspiración, y descubriendo los avances del diseño internacional. Con la máxima de crear productos económicos y de calidad que pudieran estar al alcance de la mayoría, desde el principio destacó por distanciarse de la tradición danesa y apostar por la utilización de materiales innovadores, colores intensos y formas geométricas impactantes. En 1955 el prestigioso fabricante de muebles Fritz Hansen lanzó la primera producción en serie de una pieza de Panton, la silla Tívoli. Poco después, captó la atención del público con la Cone Chair (1958) la Heart Chair (1959) y la Cone Table (1960), muebles fabricados por la empresa Plus-Linje. Al mismo tiempo, inició su colaboración con las empresas Unika Vaev (textiles) y Louis Poulsen (iluminación). En 1960 realizó el diseño interior del hotel y restaurante Astoria, situado en Trondheim (Noruega). Cubrió el suelo, las paredes y el techo de las estancias con patrones inspitados en el Pop Art. Y con ello, estableció las bases de su concepto de interiorismo: la fusión de las dimensiones del espacio en una, para formar una uniD’signaMagazine

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dad indivisible. Otros ejemplos de su labor como decorador son las exhibiciones “Visiona” (1968) y “Visiona 2” (1970) de la Feria del Mueble de Colonia, las oficinas de la editorial Spiegel (1969) o el restaurante Varna, de Aarhus (1970). De los mencionados anteriormente, es especialmente relevante la exposición Visiona 2 que, comisionada por la compañía Bayer, cada año seleccionaba a un diseñador contemporáneo para su decoración. Verner Panton fue elegido en dos ocasiones, 1968 y 1970. El Fantasy Landscape que ideó para dicha feria le encumbró en el sector del diseño de interiores. Consistió en un paisaje tipo cueva de formas orgánicas y colorido intenso que el danés concibió para que los visitantes pudieran sentarse y tumbarse.

Falleció, a la edad de 72 años, el 5 de septiembre de 1998 en Copenhague. Pero antes, ese mismo año, desarrolló la silla Phantom y proyectó la exposición Light and Colours, que abriría sus puertas días después de su muerte y con la que demostró nuevamente su maestría en el uso del color.

En los años 70, también creó patrones textiles para alfombras y tapicerías que producían un efecto tridimensional. Y a comienzos de esa misma década, inició su colaboración con la firma Vitra, con la que desarrolló su diseño más emblemático: la silla Panton, presentada en 1967. Comenzaban así treinta años de continuo trabajo con el fabricante de muebles.

Fue el primer diseñador en la historia del mobiliario que concibió un asiento inflable de plástico transparente. Su deseo siempre fue que sus muebles, lámparas y telas cambiasen la vida de sus dueños; dotar de vida a las habitaciones, hacerlas vibrar. “Yo he creado muebles para poder disfrutar de una visión diferente del entorno y de una nueva perspectiva sobre la vida”.

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“Yo he creado muebles para poder disfrutar de una visión diferente del entorno y de una nueva perspectiva sobre la vida”.

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55 · Tivoli Chair

59 · Wire Cone Chair

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59 · Heart Cone Chair

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60 · Sillón C1

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64 · Shell Lamp

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70 · Sillón Amoebe

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60 · Moon Lamp

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59/60 · Panton Chair Classic

68 · Flowerpot Lamp

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71 · Sillón Pantonova

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74 · Rocking Chair Relaxer

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VictoireDe

CAST

Entre la realidad y la fantasía; el trabajo y l

Anillo “Cerise” en oro blanco, diamantes, amatista, peridotos, granates tsavoritas y zafiros violetas. Incroyables et Merveilleuses. Sebastien Dolidon / Corbis para TIME

Anillo “Diorella” en oro amarillo, diamantes, amatista, granates espesartita y lacado. Milly-la-Forêt.

Responsable de Dior Joaillerie -la división de alta joyería de una de las firmas francesas más renombradas a nivel mundial- esta mujer, madre de tres hijos y una niña, disfruta haciendo su trabajo pues para ella “es como si siguiera jugando”.

“Es como si siguiera jugando” Con tan sólo cinco años ya convirtió un brazalete de su abuela en un par de pendientes. Y con diez decidió transformar sus medallas de bautismo y comunión en unos anillos. Su objetivo era convertir las joyas familiares en otras “más bonitas”. Anillo “Poisson” en oro blanco, diamantes, berilo verde, zafiros, zafiros multicolor y granates tsavoritas. Incroyables et Merveilleuses.

Procedente de una familia noble, con 17 años llegó a Chanel, bajo la dirección de Karl Lagerfeld, para crear la bisutería de la maison. Y tras pasar más de una década a las órdenes del káiser de la moda, Bernard Arnault -presidente del grupo del lujo LVMH (Louis Vuitton Möet Anillo en oro amarillo, diamantes, citrina y coral. Coffret de Victoire.

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TELLANE

la diversión; las baratijas y las grandes joyas. “Me gusta que la joyería buena parezca falsa”

Anillo “Carnivora Devorus” en oro amarillo, diamantes, turmalinas Paraíba, zafiros rosas, zafiros amarillos, granates y laca. Milly Carnivora.

Anillo “Diorette” en oro amarillo, diamante, amatista, granate mandarina, zafiro rosa, tsavorita y lacado. Milly-la-Forêt.

Henessy)- la eligió en 1998 para diseñar la primera colección de alta joyería de Dior. Una colección que estructuró en torno a tres temas: la costura, el jardín y la aristocracia de los años 50 -época del New Look, perfilado por Monsieur Dior-. Su objetivo, desde el principio, fue sorprender; alejarse de los convencionalismos para reinventar el concepto de alta joyería. Un gran reto (teniendo en cuenta lo tradicional que es el sector) que podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que ha logrado. Creadora de piezas espectaculares, encuentra inspiración en juguetes japoneses, piezas de plástico de colores flúor, dibujos animados, cómics... Elementos que inundan su estudio y la mantienen entre la realidad y la ficción. Adora las joyas grandes porque, como ella misma dice, te hacen sentir “como si fueras pequeña y te pusieras las joyas de tu abuela”. Excéntrica, divertida, original, alegre e infinitamente imaginativa confiesa que su hobby es soñar. Admira al diseñador tunecino Azzedine Alaïa por crear formas que describe como “femeninas pero firmes, casi arquitectónicas, y nunca vulgares”. Le fascina Picasso. Disfruta escuchando a Sinatra y a Madonna. Se siente atraída por Tokyo y el Mediterráneo; le gusta especialmente la costa oeste de Italia -el sur de la Toscana y la costa de Amalfi-. Si no viviera en París le gustaría residir en Nueva York. Le encanta el chocolate. Y si no se dedicara a la joyería, sería psicoanalista porque “la mente es la caja más fascinante de la tierra”.

Anillo “Egratigna Chipie” en oro blanco, diamantes, espinelas y laca. Milly Carnivora.

Anillo “Rose Dior Bagatelle” en oro rojo y diamantes. Milly-la-Forêt.

Pendientes “Rose Dior Pré Catelan” en oro amarillo, diamantes, zafiros rosas y coral blanco. Milly-la-Forêt. Imágenes extraídas de www.diorjoaillerie.com

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soluciones


de dise単o soluciones


soluciones

Solución

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mostrador

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Proyecto presentado por Grupo Dypseño

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soluciones

Briefing: Expositor de mostrador *ÂĄColumn

a y esca lera

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Proyecto realizado por Grupo Dypseño

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Proyecto: Shop in shop, con columna.

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stand feria

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Briefing: Stand conjunto para cuatro m 1 0 2 t e m r u o G

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marcas. 10

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hist贸ricos

dise帽os hist贸ricos


diseños históricos

Fotograma de la película Vacaciones en Roma, en el que aparecen Audrey Hepburn y Gregory Peck sobre una Vespa.

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diseños históricos

La

VESPA

Una “avispa” de bajo coste y con acento italiano para las masas; es el sueño que Enrico Piaggio transformó en realidad. www.grupodypseno.com www.grupodypseno.com

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El origen de la Vespa fue el MP5 (Moto Piaggio 5), un prototipo diseñado por el ingeniero Renzo Spolti y elaborado en 1943-44, en la fábrica de Biellia. Bautizado cariñosamente como Paperino (nombre del Pato Donald en italiano), no gustó nada a Enrico Piaggio -hijo de Rinaldo Piaggio, fundador de la marca italiana fabricante de motocicletas, vagonetas, camiones de mercancías, y otros vehículos-. Sin embargo, Enrico no desistió de su idea de desarrollar un vehículo de bajo coste para las masas y, poco antes de que finalizara la Segunda Guerra Mundial, encargó al diseñador aeronaútico Corradino D’Ascanio que la rediseñara. Debía crear un vehículo sencillo, resistente, económico y elegante, fácil de conducir, que no manchara la ropa de quien lo hiciera y que contara con un asiento para otro pasajero.

“¡Parece una avispa!” exclamó Enrico Piaggio al verla. A D’Ascanio no le gustaban nada las motos porque las consideraba incómodas, sucias y bastas. Esto, en lugar de ser un problema, fue la clave para la creación de la scooter más famosa del mundo, ya que transformó todos los “contras” en “pros”. Para evitar que la cadena de la distribución ensuciara al motorista, creó una carcasa que soportara la tensión y engranaje directo; para mejorar su 62

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conducción, trasladó la palanca de cambio al manillar; para facilitar el cambio de neumáticos, diseño un brazo de suspensión delantero de apoyo; para que no se desaliñara el conductor, creó una carcasa de protección; y para que fuera cómoda, diseñó una nueva posición de conducción más confortable y segura. Se creó así el MP6, al que bautizó el propio Enrico Piaggio cuando exclamó: “¡parece una avispa!”. Se empezó a fabricar en una pequeña planta que la compañía tenía en Pontedera, en abril de 1946. Ese mismo mes, Piaggio & C. S.p.A. registraron en la Oficina Central de Patentes de Florencia una patante para “una motocicleta con un complejo racional de órganos y elementos con una carcasa combinada con el guardabarro y un capó recubriendo las piezas mecánicas”. Al poco tiempo, se presentó en sociedad en el Golf Club de Roma. Las publicaciones “La Moto” y “Motociclismo” la sacaron en sus portadas, suscitando opiniones encontradas entre el público. Y se inició la producción de dos mil unidades de la Vespa de 98 cc. Los concesionarios Lancia fueron los encargados de comercializar la Vespa durante los primeros meses. Un año más tarde (1947), se comercializó la segunda serie de la Vespa 98, que contenía cambios sustanciales con respecto a la primera. Se redujo el tamaño del guardabarros delantero y el orificio de llenado que se encontraba en éste se trasladó. Ese mismo año se concibió la Vespa Corsa. Primera Vespa de carreras, con la que se consiguieron numerosas victorias en la www.grupodypseno.com


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categoría de scooter, como el Gran Premio de Nápoles (1947) o la subida contrarreloj en Rocca di Papa (Roma). En 1948 se lanzó la nueva Vespa. Un modelo de mayor cilindrada: la Vespa 125 cc. Además del motor, se modificó el amortiguador -que se situó en la rueda trasera para hacer más cómoda la conducción- y la suspensión delantera. Y la compañía empezó a crecer vertiginosamente. En 1946 la producción fue de 2.484 scooters, al año siguiente salieron al mercado 10.535, en 1948 casi 20.000 unidades, en 1953 se fabricaron más de 500.000 motos, tres años después se superó el millón, y en 1988 los diez millones.

Los medios hablaban de Italia como “el país de la Vespa”. Y es que se trata de uno de los iconos del país de la bota, junto con la pasta o los gelato. Pero también de una época y un estilo de vida, que dejó su huella en películas, canciones, anuncios y fotografías.

“Un producto completamente italiano, como no veíamos desde los carros romanos”. The Times. Pero además, Enrico Piaggio fomentó la expansión internacional de Vespa, creando una importante red de servicios, y llevando a cabo inumerables iniciativas con las que mantenía una atención permanente y un interés creciente en torno a su producto, como es el caso de los Vespa Clubs. Alcanzó tal popularidad que hasta The Times dijo de la Vespa que era “un producto completamente italiano, como no veíamos desde los carros romanos”. www.grupodypseno.com

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dise単ando soluciones...


Oto単o 2010


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BIC Cristal Se presta, se olvida, se pierde e, inlcuso, se muerde. El BIC Cristal es el bolígrafo más común de todos los tiempos y, a su vez, uno de los objetos más relevantes del siglo XX debido a su gran diseño.

El propósito de la compañía BIC siempre ha sido aportar soluciones simples a necesidades cotidianas. Concebir objetos fiables, que todo el mundo pueda utilizar. Tal y como es el caso de su producto estrella: el BIC Cristal, con punta de bola. Imprescindible en la vuelta al cole, es el elemento básico de escritura. Y a lo largo de sus sesenta años de existencia, se ha convertido en el bolígrafo más vendido del mundo.

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Aportar soluciones simples a necesidades cotidianas.

a las canicas.; en algún momento una de ellas atravesó un charco y al salir de este siguió trazando una línea de agua sobre la superficie seca de la calle. Ya tenía la idea, pero la dificultad consistía en trasladarla a un instrumento de escritura. La dificultad residía en la imposibilidad para desarrollar esferas de un tamaño suficientemente pequeño. Finalmente consiguió producir su invento, pero fallaba y provocaba manchas de tinta. Marcel Bich, años después, lo perfeccionó, lo produjo en masa -haciendo grandes inversiones en maquinaria- y lo comercializó. Para esto último, se empezó a crear la publicidad de la marca, a partir de la que se ideó al personaje con cabeza de bola, que se convertirá en imagen de la marca.

Compuesto de un cuerpo de plástico transparente que simula al de los clásicos lapiceros, de corte hexagonal inspirado en los panales de abejas; supuso una revolución en el sector de la escritura cuando fue lanzado al mercado en 1950, de mano de Marcel Bich, su creador. El capuchón, por su parte, al igual que el tapón, indica el color de cada bolígrafo. Inicialmente puntiagudo, en 1991, se recortó para cumplir las normas de seguridad. La microscópica bola de la punta estaba realizada, en un principio, en acero inoxidable. Pero, posteriormente, esta pequeña esfera de un milímetro de diámetro, se decidió fabricar en , un material mucho más resistente. Fueron necesarios mucho empeño, años y perfeccionamiento técnico para lograr crear este bolígrafo con punta de bola. Su precursor fue Ladislao José Biró, quien a raíz de las molestias que le ocasionaba escribir con su pluma decidió buscar un nuevo mecanismo de escritura. Su inspiración fueron unos niños que jugaban en la calle

De usar y tirar, pero durable, el BIC Cristal es el símbolo de la compañía. Un icono; un éxito internacional, cuya estética permanece intacta desde su concepción. Según Umberto Eco “es el único ejemplo del socialismo realizado pues anula cualquier derecho a la propiedad y toda distinción social”. Tal es la relevancia de este elemento, que el MOMA (Nueva York) y el Centro Georges Pompidou (París) lo han mostrado en diferentes exposiciones.

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escribe normal en números:

1950

El bolígrafo BIC Cristal se lanzó al mercado en 1950, en Francia.

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La compañía está presente en los cinco continentes, en 160 países.

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Sus productos se distribuyen en 3,2 millones de puntos de venta.

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Se venden 15 millones de bolígrafos BIC Cristal, cada día, en todo el mundo.

Cada día se adquieren 24 millones de artículos de papelería de la marca BIC.

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¡Feliz Otoño 2010!

"El futuro pertenece a quienes creen en la belleza de sus sueños." Eleanor Roosevelt.

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El

para

Llegan las lluvias y todos sacamos nuest pero ¿qué sabemos acerca

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aguas

tros paraguas para protegernos del agua, de este invento milenario?

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objetos de diseño Su nombre en inglés umbrella, deriva del término latino umbra, que significa sombra. Originarios de China, como protección frente al sol; mientras su diseño permanece prácticamente igual desde su concepción hace mil setecientos años, su historia está llena de altibajos. Si bien en la antigüedad eran seña de dignidad y status -nobles y reyes eran cubiertos con ellos por sus siervos-, en el siglo XVIII sufrió las burlas y desprecios de los europeos pudientes. En la antigua China, Egipto, y las culturas griegas, romanas y asirias, se usaba el quitasol, pero no el paraguas. Éste fue creado en Europa, cuando en 1730 se incorporaron a las sombrillas -empleadas para evitar que la piel de la damas de la nobleza tomara color- tejidos impermeables. Pero todavía faltaba crear las varillas plegables. Eran pesados y, como consecuencia, incómodos de llevar. Pesaban casi cinco kilos, cada uno. El primer hombre que paseó por las calles de Londres con paraguas fue Joseph Hanway, quien tras haberlo visto en otros países a los que viajó durante su juventud, decidió emplearlo en Inglaterra como protección contra las inclemencias del tiempo. Hasta entonces,

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las mujeres tenían por costumbre usar sombrillas para protegerse del sol, por lo que se consideraba un complemento exclusivo de las señoras. Por ello, cuando los londinenses vieron a Hanway pasear con su paraguas le insultaron e incluso le tiraron piezas de comida -hortalizas, huevos podridos...-. Además, la aristocracia recelaba de ellos porque podían signficar que no se poseía carruaje. Los cocheros entendían que ponían en peligro su negocio. Y había también quien creía que constituían una ofensa contra Dios. Pero, poco a poco, se fueron imponiendo y su uso se generalizó.

La aristocracia recelaba de ellos porque podían signficar que no se poseía carruaje. Los dueños de posadas y cafés solían tener uno para que sus clientes fueran desde la puerta hasta el carruaje, y viceversa. Se comenzó a decir que había tres clases de

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objetos de diseño personas: las que podían permitirse un carruaje, y no necesitaban, por tanto, paraguas; las que podían permitirse el paraguas, pero no un carruaje; y las que no podían, ni siquiera, contar con un paraguas. Adoptado en Reino Unido, pronto se extendió por Europa, y más tarde llegó a América. Los que usamos hoy en día se los debemos a Samuel Fox, quien, en 1852, inventó la estructura de acero, mejoró el varillaje y los dotó de las formas actuales. Antiguamente sólo existían paraguas negros, pero hoy en día hay modelos muy variados. Los más famosos son los conocidos como paraguas Brigg. Piezas elaboradas por la firma inglesa Swaine, Adeney, Brigg & Sons, de más de 250 años de exitencia. Se trata de paraguas de gran calidad, elaborados de forma artesanal, completamente a mano. El modelo típico, cuenta con un eje que se fabrica con madera de abedul, teñida a juego con el mango. Pulido y abrillantado el mango, se pega al eje. A partir de un alambre de plata niquelada se hacen dos resortes, que se doblan en forma triangular, que se insertan y encajan en dos ranuras que se hacen sobre el eje, en la parte inferior y en la superior. Posteriormente, se intro-

duce la guía de latón -pieza que cada uno de nosotros deslizamos por el eje- para abrir y cerrar el paraguas. Se incorpora un tope en la parte superior, cuya función es limitar el recorrido. Y a continuación, se ensamblan las varillas de acero. Resistentes pero flexibles para que adquieran la forma cóncava -al abrir- y luego vuelvan a quedar estiradas -al cerrar-. Para ocultar la unión de la guía con las varillas se crea una roseta decorativa, con una pieza de tela. Por otra parte, se cortan ocho nesgas -paneles de forma triaungular- de nailon. Se cosen las varillas a la tela, tras haber alineado cada una de ellas a las costuras que unen las nesgas. Por último, se enrolla el paraguas. Se termina colocando una anilla decorativa sobre el amarre, en la que se suelen inscribir las iniciales del propietario. Y finalmente, se corona la parte superior del eje con una contera -pieza de latón con punta de acero-. Aparecido como elemento protagonista en películas como Cantando bajo la lluvia y Mary Poppins; o en canciones como la homónima de la cantante americana Rihanna, es un objeto popular imprescindible de nuestro otoño e invierno.

“El banquero es un señor que nos presta el paraguas cuando hace sol y nos lo exige cuando empieza a llover”. Mark Twain.

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SOMBREROS

Llevar la cabeza cubierta ha sido una constante hasta hace cincuenta años. El sombrero era elemento indispensable de la indumentaria masculina y femenina. A día de hoy, van y vienen clásicos que se reinventan como complemento de temporada. Existen cientos de modelos, cuya clave, como no, es el diseño. Veamos algunos de ellos. www.grupodypseno.com

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Cubren la cabeza, y constan de copa y ala...

El Bonbín o Sombrero Hongo

Icono inglés, actualmente se puede ver en Londres, sobre las cabezas de los oficiales de la guardia real cuando van vestidos de civil.

La Chistera o Sombrero de Copa

Se caracteriza por tener ala estrecha y copa alta, casi cilíndrica y plana por encima, e ir generalmente forrado de felpa de seda negra.

El Fedora

De ala blanda, muy similar al borsalino, se trata del sombrero que portaba Indiana Jones en sus aventuras. 78

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El Borsalino

Poca gente sabe que Borsalino, además de designar a este sombrero, también se trata del nombre de la mítica sombrerería italiana.

El Salacot

Originario de Filipinas, su uso es típico en países cálidos de África y Asia. Su nombre proviene del tagalo (calacsac).

El Matelot, Canotier, Boater...

Realizado en paja, de forma redonda y rígido, se convirtió en el sombrero de verano de los años veinte del siglo XX.

El Trilby

En color marrón, es común verlo en las carreras de caballos de Reino Unido. Se caracteriza por la cinta fina con un pequeño lazo de su lado derecho.

El Panamá o Jipijapa

Disponible en dos versiones: la tradicional, que cuenta con una especie de cresta en su parte superior para facilitar su pliegue; y la convencional, de copa “plana”. Curiosamente, su país de procedencia no es Panamá, sino Ecuador. Se hizo popular de mano de los trabajadores norteamericanos del canal del mismo nombre, cuando éstos lo llevaron a su país, convirtiéndolo en indispensable complemeno veraniego. De hecho, Roosevelt usó uno cuando visitó el canal. El verdadero panamá se puede enrollar sin que sufra ningún tipo de deterioro, gracias a las fibras elásticas de las hojas de palmera -carludovica palmata- que lo componen. Es costumbre verlo, cada año, con ocasión del torneo de tenis de Wimbledon. www.grupodypseno.com


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El Sombrero Vaquero

Símbolo americano por excelencia, el tradicional sombrero vaquero, compuesto de una mezcla de pelo de conejo y de castor, suele ser caro debido a su largo proceso de fabricación. Se puede llevar con el ala casi plana o extremadamente curvada, dependiendo del gusto personal.

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El Fez

Normalmente realizado en fieltro rojo, su origen data de la Grecia clásica, aunque su apogeo se debe al reinado del sultán Mahmud Khan II (S. XIX), cuya corte lo vistió como parte del traje oficial, y que rápidamente fue adoptado por el resto del pueblo.

El Sombrero Cónico

Típico de los países del sudeste asiático, en Vietnam se conoce como Nón Lá al que nosostros denominamos “sombrero chino”. Ligero, protege del sol y de la lluvia, por lo que lo usan principalmente agricultores y campesinos.

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Omnium Scientiarum Princeps Salamantica Docet

Omnium Scientiarum Princeps Salamantica Docet

Quod natura non dat, Salamantica non praestat

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En todas las ciencias primeras, Salamanca enseña.

Copyright Patricia 2007

Situada a orillas del Tormes, es la ciudad universitaria por excelencia. Recorrer sus calles es un verdadero placer para los sentidos, gracias a su riqueza artística: catedrales, palacios, iglesias... donde se mezclan tendencias como el románico, gótico, plateresco o barroco. Tranquila y acogedora, fue declarada Ciudad Patrimonio de la Humanidad en 1988. www.grupodypseno.com

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destinos La Plaza Mayor:

La Catedral Vieja:

Edificada entre 1729 y 1755, la Plaza Mayor es el eje de este privilegiado enclave castellano. De estilo barroco, en ella se centra la vida social de la ciudad. Es imprescindible pasear bajo sus soportales y acceder a las diferentes calles a través de sus puertas. Cuadrilátero irregular, ninguna de sus fachadas mide los mismo. De entre ellas, destaca la correspondiente al Ayuntamiento por su altura.

Templo románico, en el que resalta la Torre del Gallo y el retablo mayor. Se erigió entre los siglos XII y XIII, por lo que se puede observar en algunos detalles la influencia del gótico.

La Universidad:

La Catedral Nueva:

Construida entre 1513 y 1733, es la pernúltima catedral gótica de España. Pero, además, en ella se entremezclan elementos barrocos, platerescos y neoclásicos, entre los que destaca la torre de estilo barroco.

Casa de las Conchas:

Edificio de estilo gótico tardío y elementos platerescos, comenzó a construirse en 1493 y se concluyó en 1503. Es característica por las conchas y flores de lis que se encuentran repartidas por toda su fachada. Actualmente alberga una biblioteca pública y la Oficina de Turismo.

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Concebida como “ayuntamiento de maestros y alumnos” según las Siete Partidas de Alfonso X el Sabio, es una tradición buscar la figura de la rana en su fachada plateresca, que constituye un gran tapiz de piedra labrada. Fue el Rey Alfonso IX, quien fundó la Escuela de Salamanca, a la que el Papa Alejandro IV, en 1254, otorgó el privilegio de “Estudio General”, convirtiéndola así en universidad. Un año después le concedió otro privlegio, que consistió en la validez universal de sus títulos. Posteriormente, en época de los Reyes Católicos, se transformó en estatal, con lo que se le dió un gran impulso. Es famosa la anécdota de D. Fray Luis de León, que tras pasar unos años en la cárcel, volvió a su habitual aula y comenzó la clase diciendo a sus alumnos: “Como veíamos ayer...”.

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destinos La Casa de Lis:

El Mercado Central:

Museo de Art Nouveau y Art Decó, en el que se exhiben más de 1600 piezas pertenecientes a estas corrientes artísticas. Ubicado en un antiguo palacete modernista de 1905, desde el que se ve el río Tormes. Destacan sus vidrieras.

Situado junto a la Plaza Mayor, en la Plaza del Mercado, se trata de un edificio de principios del siglo XX, en cuyos puestos se pueden comprar los productos típicos salmantinos, de entre los que destacan las chacinas.

La Clerecía:

Obra esencial del barroco español, fue fundada, en 1611, por la Reina Margarita de Austria como colegio para formar apóstoles y misioneros que combatieran la herejía en Europa. Cuenta con una parte pública -iglesia y escuelas- y una privada -zona de vivienda para los religiosos-. Construida entre 1617 y 1755, debe su nombre a que tras ser expulsados los jesuitas en 1767, pasó a ser propiedad de la Real Clerecía de San Marcos. En 1854 fue de nuevo ocupada por los jesuitas. Pero desde 1940 es sede de la Universidad Pontificia de Salamanca.

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Museo de Historia de la Automoción:

Ubicado en el casco histórico, a orillas del Tormes, desde el 1 de octubre de 2002 -fecha en que abrió sus puertas- muestra la evolución estética del automóvil. Su base está constituida por la Colección Gómez Planche; más de cien vehículos, piezas, accesorios y bibliografía reunida por Demetrio Gómez Planche. A ella, se suman aportaciones de particulares, empresas e instituciones.

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destinos Ciudad Patrimonio de la Humanidad y Capital Europea de la Cultura en 2002, Salamanca es un destino ideal para disfrutar, descansar y pasear.

“Un viajero sabio nunca desprecia su propio país”.

Junto con sus monumentos, destaca su exquisita gastronomía en la que el jamón de Guijuelo, el hornazo -empanada típica-, el lechazo/cochinillo/tostón, el farinato, las chacinas y los dulces merecen especial atención.

Carlo Goldoni.

Ciudad universitaria por excelencia, acoje gran cantidad de actividades de ocio y cultura cada año, que la convierten en un lugar lleno de vida.

Restaurantes Cocina tradicional

Casa Paco c/Plaza del Peso

Cocina creativa

Restaurante Víctor Gutiérrez c/San Pablo, 66-80

De tapas

Taberna Dionisos c/Iscar Peyra, 16

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Hoteles Lujo

Grand Hotel Don Gregorio c/San Pablo, 80-82

Romántico

AC Palacio de San Esteban c/ Arroyo de Santo Domingo, 3

Urbano

Hall 88 Apartahotel Avda. Peña de Francia, s/n

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Venecia en

Londres

El próximo otoño, la National Gallery de Londres acogerá la mayor exposición de pintura venciana desde 1967 bajo el nombre de “Venecia: Canaletto y sus rivales”. La muestra de las vedute (vistas), que será la primera exposición de este tipo organizada en el Reino Unido, reunirá cerca de cincuenta cuadros. En cada sala, se yuxtapondrán las diferentes vistas de la ciudad italiana que Canaletto pintó, frente a las de algunos de sus rivales, como fueron los artistas Luca Carlevarijs, Michele Marieschi, Bellotto Bernardo o Francesco Guardi.

El vedutismo se puso de moda en la primera mitad del siglo XVIII, a raíz del interés que captaron de los milords ingleses, quienes compraban estas pinturas como recuerdos del Grand Tour de Italia. En origen pintor de escenarios teatrales, Giovanni Antonio Canal, Canaletto, se inició en este arte en 1719 y dos décadas después se convirtió en su principal representante. Abierta desde el 13 de octubre de 2010 hasta el 16 de enero de 2011, “Venecia: Canaletto y sus rivales” será un acontecimiento ineludible.

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La National Gallery

Fundada en 1824, no se estableció en su actual sede -diseñada por William Wilkins- hasta 1838. Se ubicó en la plaza de Trafalgar Square por su posición en el centro de Londres, lo que la hace accesible a todos los habitantes de la ciudad. Ha sufrido varias ampliaciones, entre las que destaca el Ala Sainsbury (1991) -diseñada por Venturi, Scott Brown & Associates- que será la que acoja la exposición. Contiene una de las mejores colecciones de pintura europea, en la que se incluyen obras de gran renombre como La Venus del Espejo, de Velázquez; El matrimonio Arnolfini, de Van Eyck; o Los girasoles, de Van Gogh. Además, se pueden contemplar cuadros de Miguel Ángel, Boticelli, Da Vinci, Tiziano, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer, Monet, Manet o Cézanne.

Imagen: 'The Entrance to the Grand Canal, looking East, with Santa Maria della Salute', Canaletto - 1744, The Royal Collection © 2010, Her Majesty Queen Elizabeth II

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“Los viajes son en la juventud una parte de educación y, en la vejez, una parte de experiencia”. Francis Bacon. Capital de Inglaterra y del Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte, es por superficie y población la ciudad más grande de la Unión Europea. Y gracias a sus numerosas ofertas lúdicas y culturales, es un destino muy interesante para visitar.

Si viajas a Londres no puedes dejar de ir a:

El West End, situado en el centro de la ciudad, es punto neurálgico de cines, bares, clubes, teatros, negocios y restaurantes. La ciudad de Westminster, con la Abadía de Westminster, el palacio de Buckingham y Clarence House. El distrito de Kensington y Chelsea, con sus museos (Science Museum, Natural History Museum y Victoria and Albert Museum) y Hyde Park. Así como la catedral de San Pablo, la National Gallery, la Tate Modern, el Tower Bridge y la torre de Londres, la Tate Britain, el Museo Británico y el Big Ben.

1. Detalle de una calle londinense. 2. Abadía de Westminster 3. Tower Bridge 4. Big Ben

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Hoteles Escapada romántica

Blakes 33 Roland Gardens

Restaurantes Familiar

Bank Westminster 1 Kingsway - Aldwych

Familiar

Tradicional

De diseño

Tomar el té

Fraser Place Queen’s Gate 39B Queens Gate Gardens

El metropolitan 19 Old Park Lane

Hotel Boutique

My Hotel Chelsea 35 Ixworth Place

Porters 17 Henrietta Street - Covent Garden

Aquasia Restaurant Chelsea Harbour

Cocina japonesa con estilo

Ubon 34 Westferry Circus - Millwall

Lo que no te puedes perder...

> Los tradicionales pubs donde tomar una pinta o un pastel, rodeado de historia y leyenda local. (Cittie of York / Dog and Duck / El Eagle / The George Inn) www.grupodypseno.com

> Los mercadillos -hay 83 grandes mercados callejeros- en los que se vende desde moda y artesanía retro a antigüedades e ingredientes exóticos.

> Este otoño, la exposición “Venecia: Canaletto y sus rivales” en la National Gallery. Se pueden adquirir las entradas por adelantado en la web del museo. D’signaMagazine

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