Manual de la Preproducción

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Guión Técnico Storyboard Plan de Rodaje

Guión Técnico Si al guión literario se le incluye la planificación a realizar y los movimientos de cámara, nos encontramos con lo que en la industria se denomina el guión técnico.

A este nivel puede deducirse que con el guión literario los actores pueden empezar a aprender sus papeles y los técnicos pueden empezar a preparar las necesidades de sus respectivos departamentos. Aunque sigue existiendo un cierto número de realizadores que mantienen que el tamaño, número de planos y los movimientos de cámara deben decidirse in situ en rodaje tras ver a los actores evolucionando sobre los decorados, el modelo más frecuente de trabajo cinematográfico es la creación de un guión técnico y la planificación previa del director de todas las secuencias o escenas. Este método permite preparar con mayor concreción las necesidades para cada plano. Al respeto máximo a este modelo se le conoce como "guión de hierro", por lo que tiene de inmodificable en el rodaje, y conocidos cineastas de lugares y tiempos muy distintos como Vsevolod Pudovkin, Alfred Hitchcock o Alejandro Amenábar han sido o son sus valedores. En el lado contrario, directores como Roberto Rossellini defendieron que planificar por adelantado era absurdo.

El director redacta el guión técnico señalizando los momentos concretos en los que ha decidido utilizar las distintas herramientas del lenguaje audiovisual: el emplazamiento de la cámara y los tamaños de plano (general, medio, primer plano...), ángulos de la toma (picado, a ras de suelo...), los movimientos de cámara (panorámica, steadycam, travelling...), las transiciones entre planos (fundidos, encadenados, desenfoques...), efectos dramáticos (juegos de luces o sonidos,...) y en ocasiones, si su preparación se lo permite, las focales (objetivos, enfoques de términos,...).

Cuanto más completo y exhaustivo sea este guión, más factible será el proyecto que presentamos. No obstante, hemos de ser conscientes que este guión técnico puede sufrir numerosas modificaciones a lo largo de la producción del vídeo, especialmente tras el rodaje o toma de las imágenes brutas.

Características formales y literarias de un guión técnico: -Existen tantos modelos de presentación como producciones en vídeo.

-El guión técnico es responsabilidad del equipo de realización.

-Generalmente, para que quepa toda la información, se suele utilizar el folio DIN-A4 en formato horizontal (apaisado).

-En la parte superior izquierda deben figurar los siguientes datos: Número de Bloque o Secuencia, Número de Secuencia o Escena, Nombre o Título del Bloque o Secuencia, Exterior o Interior, Lugar y Momento del día.

-El cambio de Bloque o de Secuencia debe suponer el cambio de hoja.

-Entre las columnas a incluir podemos destacar las siguientes: núm. de Bloque, núm. de Secuencia, Tipo de Plano (abreviado: PP, PM, PA, PE, PG, etc.), Descripción del Plano (señalar cuando proceda punto de vista de la cámara –picado, contrapicado, etc.-, movimientos de cámara, composiciones del plano especiales, efectos de iluminación relevantes, etc.) y Sonido, con columnas especificando Pista 1 (CH1), donde incluimos la Voz en Off (se indica el comienzo y el pie del texto redactado, no se transcribe el texto, situando la voz en off en relación con los planos) y los Diálogos (o sonido directo –si es una entrevista o habla un personaje) y Pista 2 (CH2), donde incluiremos el Sonido Ambiente (indicando si debe haber sonidos especiales), Efectos de Sonido (reverberación, eco, retardos, distorsiones, etc.) y Música (indicando el tema musical que suena en cada momento de la acción).

A pesar de que en la redacción del guión técnico prevalecen los gustos de cada director, históricamente se han dado dos modelos centrales de representación escrita.

En Europa ha predominado una forma en que la hoja se dividía en dos columnas; en la parte de la izquierda aparecían los requerimientos técnicos y en la columna de la derecha los diálogos. A su vez, en Estados Unidos han prevalecido los guiones técnicos escritos a una única columna. En la actualidad ésta última manera se ha convertido en hegemónica entre los profesionales. Veamos ahora un ejemplo de guión técnico en el que las siglas P.G corresponden a plano general, las de P.M a plano medio y las de P.AM y PP a las de plano americano y primer plano, respectivamente.

Ejemplo de guión técnico

Te mostramos la especificación en guion técnico de dos escenas de un cortometraje escrito en un taller de cine colectivo en Chile. La primera escena está resuelta con un único plano, y la segunda usando plano y contraplano.

CORTOMETRAJE CONVIVE TÚ ESCENA 7: INT. HABITACION DE RUBEN. NOCHE

PLANO 12: PLANO MEDIO CORTO, CON LA PUERTA EN CUADRO RUBÉN está sentado, estudiando, de espaldas a la puerta.

GUILLERMO (VOZ EN OFF) (euforia de menos a más) ... también podría usar... no, no es suficientemente ácido, rebajará el carbónico de la coca-cola. ¿Y con el permanganato? ¡Claro! Pero no, demasiado volátil... aunque puedo sublimarlo todo... ¡Eso es! Si lo sublimo combinará bien! ¡Claro! ¡Ya lo tengo! (se oye el ruido que hace al levantarse de la silla.) ¡Ya lo tengo!

Se abre la puerta y entra GUILLERMO. GUILLERMO ¡Rubén! ¡Ya lo tengo!

RUBÉN (sin apenas girarse) Vale, me parece muy bien, pero me podrías dejar estudiar.

PLANO 14: PLANO MEDIO LARGO GUILLERMO ¡Ah! Perdona, perdona.

Guillermo retrocede y cierra la puerta.

RUBÉN entra en su cuarto.

PLANO 13: PLANO ENTERO GUILLERMO sigue tocando.

GUILLERMO (VOZ EN OFF) (en tono más bajo) Claro, lo sublimo y ya está. Increíble, cómo no se me había ocurrido antes. Si lo sublimo combinará bien...

Rubén coge un discman que hay a su alcance, se pone los auriculares y le da al play.

PLANO 14: PLANO MEDIO LARGO RUBÉN sale de su cuarto, con el discman en las manos, abierto, con el interior de circuitos a la vista.

RUBÉN Oye, ¿tú me has abierto el discman?

PLANO 13: PLANO ENTERO

ESCENA 8: INT. SALÓN. TARDE GUILLERMO Me hacía falta un poco de cobre, pero te lo volveré a dejar bien, no te preocupes.

PLANO 14: PLANO MEDIO LARGO RUBÉN Ya, bueno, pero la próxima vez pídeme permiso, ¿vale?

PLANO 13: PLANO ENTERO

RUBÉN vuelve a su cuarto, molesto.

GUILLERMO está medio tumbado en el sofá, con aspecto depresivo, tocando en su violín el Canon de Pachenbel (desafinado).

PLANO 13: PLANO ENTERO

PLANO 14: PLANO MEDIO LARGO

GUILLERMO sigue tocando el violín, despreocupado.

RUBÉN, con ropa de calle, llega y se queda mirando a GUILLERMO. RUBÉN ¿Qué, te ha dado por desempolvar el violín?

PLANO 13: PLANO ENTERO GUILLERMO Sí, necesito tocar un poco.

Storyboard El storyboard es ante todo la traducción de un guión en imágenes, secuencias y planos. Él sitúa los ambientes y pone en escena a los personajes dando forma a las ideas del realizador. Es además un documento de comunicación encargado de transmitir a todo el equipo de producción esta creación organizada en continuidad.

Por esta razón, el dibujante de storyboard de serie debe reunir toda la información precisa sobre el formato de la serie, el ritmo, el número de planos necesarios. Antes de comenzar su trabajo es necesario que se impregne del espíritu general de la serie, comprender el estilo de la puesta en escena, el carácter de los personajes, la interrelación entre ellos y sus reacciones. El dibujante de story no debe solamente dialogar con el realizador, sino que igualmente debe leer la “Biblia” y toda la información disponible sobre la serie, a fin de extraer todos los elementos necesarios para la correcta realización de su trabajo.

El storyboard se inserta en una organización más basta y un “planning” más riguroso. Su producción se realiza a la vez por diferentes equipos a menudo diseminados en lugares muy alejados. El dibujante de storyboard debe casi siempre trabajar solo, comunicándose solo con el realizador, sin contacto con el resto del equipo. Debe ser eficaz y rápido, para limitar al mínimo los riesgos de colapso de la producción, ya que él esta casi al principio de todo el proceso de producción.

Un número demasiado pequeño de planos supone el riesgo de dar un ritmo blando y lento a la serie. Al contrario, un gran numero de planos asegura un ritmo sostenido, planos cortos y fáciles de animar.

ELECCION DE ENCUADRES, CONTINUIDAD, CLARIDAD DEL RELATO En función del guión y de la elección de la puesta en escena, la exposición de las situaciones deberá ser clara y estar al servicio de la historia. El dibujante debe situar el fondo o decorado y los personajes de una escena a otra de tal forma que el espectador no pierda el hilo del relato (continuidad).

A cada cambio de plano, el dibujante de Storyboard debe responder precisamente a ciertas cuestiones inconscientes del espectador: a) ¿Dónde estamos? b) ¿Cuándo se sitúa la acción? c) ¿Quién está ahí? d) ¿Qué pasa?

Si el artista olvida responder a alguna de estas cuestiones o responde de manera inadecuada, el espectador corre el riesgo de perder el hilo narrativo. Una de las formas más seguras de responder claramente a estas preguntas es comenzar la construcción por planos largos de exposición para ir progresivamente hacia planos más cerrados.

La elección de los encuadres es por tanto muy importante. De ello pueden depender también los diálogos. Un diálogo que implique en el decorado a varios personajes, será encuadrado en plano general. Si el diálogo dice “...desde lo alto de las pirámides..” lo lógico es dibujar un plano general mostrando las pirámides. Del mismo modo, si un personaje comienza un discurso: “Gracias por una presencia tan abrumadora...”, es natural mostrar un plano general de la muchedumbre escuchando. Un diálogo confidencial contagiará al espectador más emoción si está filmado en un plano corto; las lágrimas, la risa, el miedo, son expresiones difíciles de comunicar en un plano general.

No comenzar en todas las direcciones a la vez; no buscar asombrar o sorprender al espectador en cada escena con encuadres alambicados o exagerados; respetar las bases de la puesta en escena cinematográfica. He aquí algunas reglas a tener en cuenta para conservar una línea clara y precisa del relato.

Es verdad que todas las reglas están hechas para ser transgredidas. Un plano general puede comenzar una secuencia de forma sorprendente: Una escena intimista puede ser filmada en un plano largo para obtener un efecto cómico o dramático si el entorno da más sentido a la escena. Ciertas secuencias de acción, de suspense, maravillosas, de pesadilla o de locura invitan a no respetar las reglas establecidas para dar al espectador una sensación extraña;

RESPETO DE LOS MODELOS Un cierto respeto del dibujo de los modelos de personajes y una relativa precisión son necesarios en la ejecución de los storyboards. Es importante para evitar errores en la fase de “layouts”. Los personajes deben ser reconocibles en cada escena.

El dibujante que se aleja demasiado de los modelos base, puede llegar a dibujar expresiones y actitudes incompatibles con los modelos de base.

LOS FONDOS: CONCEPTO ESPACIAL La indicación de los fondos en cada plano, permite indicar a todos (el equipo de layout y el espectador) donde está la cámara, donde se sitúan los personajes en el espacio escénico.

Por ejemplo, para una misma escena existen diferentes formas de situar la cámara más o menos alta. Cada opción refleja un sentimiento diferente en relación con los personaje de la película (ver dibujos abajo) Varios Fondos Este punto es importante cuando hay mas de un pesonaje en el cuadro. Por ejemplo, un personaje situado en primer plano solo es identificable si el fondo está dibujado dando al espectador una visión de la perspectiva. Sin esta indicación, uno de los personajes puede parecer mayor que el otro (ver siguiente dibujo).

PUESTA EN ESCENA DE LOS PERSONAJES. PRE-POSING La puesta en escena comprende la actuación y la situación de los personajes con respecto a la cámara. Esto debe dar una dimensión expresiva y sentimental al relato. El storyboard debe, pues, comunicar la mayor cantidad de detalles posibles sobre los movimientos y expresiones de los personajes.

El artista debe dibujar la pose más representativa de la acción o de la actuación de los personajes en la primera viñeta y desarrollar, si es necesario, en las viñetas siguientes los cambios importantes de posición o expresión. Es posible, igualmente, añadir pequeños bocetos rápidos debajo de las viñetas.

Instrucciones para realizar un Storyboard La realización previa del Storyboard te permitirá planificar la producción de un cortometraje para garantizar que se van a obtener imágenes de aquellos contenidos sobre los que trata el guión. Si no se hace bien un Storyboard, se observará en la película que las imágenes poco tienen que ver con la narración.

Narración: antes de filmar tu película has escrito el texto del narrador.

Aquí tienes que dividir el texto en tantos fragmentos como desees. Recuerda que es importante su brevedad: el vídeo debe incluir silencios que ayuden a resaltar las imágenes. La narración no debe contar lo que se ve en la película, sino aportar información y explicar lo que se va a ver.

Tomas, tipo de plano, movimiento de la cámara: una vez escrito el texto, piensa en las imágenes que deseas tomar para mostrar y explicar lo que la voz está narrando. Combina planos generales con detalles a medida que son mencionados en la voz. Un texto debe contener múltiples planos. A ser posible, las imágenes deben durar más tiempo que el texto, de modo que se produzcan frecuentes silencios de voz.

Dibujo o imagen: intenta dibujar algún fotograma del plano que has descrito en la columna anterior.

Clip Narración (copia aquí el nº fragmento de la narración que se trate) 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12

Tomas, tipo de plano, cámara…

Dibujo o imagen

Plan de rodaje El siguiente paso a seguir, es hacer el plan de rodaje.

Para esto debemos ir agrupando las hojas de desglose utilizando diferentes criterios. Generalmente el orden cronológico de la historia se rompe para poder economizar en gastos, tiempo y esfuerzo del personal, agrupando las secuencias según sus necesidades.

No existe un orden estricto para formular un plan de rodaje, éste puede tener un sin fin de variaciones y nosotros intentaremos que sea lo más práctico posible, sin embargo, esto dependerá del tipo de producción que estemos haciendo y de diferentes factores.

Lo primero que debemos hacer es establecer las prioridades. Generalmente se comienzan agrupando las secuencias que se desarrollan en las mismas localizaciones, según sean interior o exterior, día o noche y más adelante, por decorados o sets.

La siguiente agrupación está en función de los actores que intervienen en cada secuencia, dando prioridad a los protagonistas e intentando que tengan el menor número de sesiones posibles. Finalmente se agrupan las secuencias con características o problemáticas singulares.

Una vez agrupadas las secuencias, comenzaremos a estimar el tiempo de rodaje, es decir, el tiempo real de la preparación y filmación de cada secuencia, para lo cual debemos seguir ciertos pasos. Lo primero es valorar los tiempos de cada secuencia independientemente del decorado, por ejemplo, que si se ruedan 4 secuencias en el mismo set, no debemos dar por hecho que será más rápido el rodaje porque el equipo esté preparado para la primera secuencia, dando por supuesto que la preparación de las siguientes podría ser la misma. Debemos tomar en cuenta los diferentes emplazamientos de cámara, la preparación de equipo especial como travellings, los ensayos de cada toma, la intervención de diferentes personajes, así como los ajustes de iluminación. Todo ello conlleva un tiempo independiente entre las diferentes secuencias, el cual se revalorizará una vez se ajuste el plan de rodaje. De todas maneras es probable que el tiempo de preparación y rodaje sea menor que el estimado una vez que estemos filmando, sin embargo, siempre será mejor ir un poco holgados de tiempo en el rodaje, que no trabajar bajo una presión absurda en consecuencia de una mala estimación.

Una vez tengamos agrupadas las secuencias y estimado el tiempo de rodaje de cada una, se comienzan a distribuir en días de trabajo, intentando seguir el orden de guión lo mejor posible y haciendo un máximo aprovechamiento del tiempo, tomando siempre en cuenta las horas laborables establecidas por la ley.

En las producciones de anuncios publicitarios esto suele ser una norma, ya que las filmaciones se realizan por lo general en uno o dos días y es más económico el pago de horas extras que contratar a todo el personal y el equipo por un día más de rodaje.

Podría parecer que si trabajáramos más horas en un día de rodaje, el trabajo daría mejores frutos, pero esto es una falacia. Aumentando las horas de rodaje generalmente lo único que se logra es aumentar el cansancio y por lo tanto, el poco rendimiento del personal. En ocasiones es necesario alargar la jornada laboral por situaciones concretas que deben ser evaluadas por el director de producción, inclusive, el mismo día del rodaje. Ejemplos de estos casos podrían ser el tiempo limitado para trabajar en una localización o que surgieran problemas en el rodaje y tuviéramos que repetir algunas tomas ya preparadas y ensayadas, que sería más práctico rodar ese mismo día o posiblemente no tuviéramos otra alternativa porque es imposible hacerlas más adelante.

En la práctica, un director de producción puede llegar a trabajar en varios planes de rodaje, esto se debe a que se van modificando a la par que avanza la producción, una vez que se vaya obteniendo la confirmación de los preparativos, como la disponibilidad de los técnicos y actores, o las características de las localizaciones.

De todas maneras esto está previsto en el presupuesto como “horas extras”. También hay productores que prefieren pagar horas extras al personal antes que aumentar los días de rodaje.

Esto implica una reducción bastante significativa en el presupuesto, ya que el material alquilado suele pagarse por semanas sin importar cuántas horas se utilice. Debemos recordar que esto afectará directamente en la calidad del producto final por lo que deberá de sopesarse y siempre deberán respetarse no sólo las jornadas laborales, sino también los días y horas de descanso que marcan las leyes y convenios laborales según el país en donde filmemos.

A la hora de planificar los días de rodaje se debe tener en cuenta el tiempo de preparación y el desmontaje de cada nuevo día, independientemente del tiempo de preparación de cada secuencia. Si el día anterior se rodó en la misma localización y fue posible dejar parte del equipo montado y preparado para rodar al día siguiente, se agilizarán los tiempos de ese día, pero hay localizaciones en las cuales esto es imposible y es preciso estimar estas horas de trabajo, al igual que en cada cambio de localización. Así mismo, se debe intentar rodar todos los decorados que se encuentren en la misma localización o en

Un plan de rodaje debe tener la mayor flexibilidad posible para poder solucionar las contingencias de última hora, es decir, que sea posible cambiar el rodaje de ciertas secuencias de un día a otro sin que esto suponga una alteración significativa en el presupuesto.

CASO DE CORTOMETRAJES DE BAJO PRESUPUESTO Si por ejemplo, estamos produciendo un cortometraje y contamos con un bajo presupuesto, se debe conocer perfectamente cuales son los elementos que más encarecen la producción. Un apartado que en estos casos se debe tener muy en cuenta es la utilización del equipo especial. Un travelling o un cinejip, por ejemplo, suelen tener un alquiler elevado y es difícil conseguirlos gratuitamente, por lo cual, las secuencias que necesiten este equipo deberán de agruparse para alquilarlo el menor tiempo posible, independientemente de otros factores. Habrá que evaluar en ciertos casos, qué encarece más la producción, si el desplazamiento de todo el equipo de una localización a otra para rodar secuencias en las que se necesite la utilización de estos equipos, o el alquiler de éstos por varios días.

Generalmente sin importar que tan conocidos sean, los actores participan en los cortometrajes sin una retribución económica, por lo que debemos de tener muy en cuenta el tiempo que decidan dedicar a nuestra producción, e intentar que puedan realizar su trabajo lo más cómodamente posible.

Habrán ocasiones en las que se les podrá pedir que los días de rodajes en los que participan se encuentren en días separados, para poder agrupar las secuencias de rodaje bajo otras prioridades ya que esto no encarece el presupuesto.

Antes de realizar la película que tanto deseas y que te ha tomado años escribir, debes tomar especial cuidado a la hora de diseñar el plan de rodaje, una vez que sin él no podrás realizar un trabajo organizado ni llevar el correcto seguimiento de las escenas que se deben producir. Si tú estás a cargo de elaborar el plan, revisa estas recomendaciones para tener éxito en tu labor.

Partiremos de la idea de que tus actores ya están definidos, así como las locaciones aseguradas. Esto es muy importante, pues sólo con la disponibilidad de intérpretes y de locales asignados para el rodaje podrás empezar a elaborar tu diseño. Recuerda que el plan de rodaje es una guía completa de fechas y horarios, pero además de personal (técnico y artístico) y de locaciones y materiales o insumos necesarios.

Además de la evidente organización que se obtendrá a partir de un plan de rodaje bien confeccionado, éste también permitirá optimizar la utilización de los fondos, una vez que los costos de transporte y al im en tac i ón deben ser puntos a contemplarse en el diseño. Esto ocurre porque se trata de aprovechar mejor el tiempo, teniendo en cuenta a los actores y a las locaciones disponibles.

En un rodaje en cine, es muy raro que se filmen las escenas de acuerdo con el orden cronológico de la historia. Y eso es así porque no tiene sentido alguno empezar a rodar en una casa, luego irse a exteriores, volver a la casa, enseguida en una oficina y finalmente otra vez en la casa, en el supuesto de que éste sea el orden de las escenas. La manera correcta de hacerlo es primero rodar todo lo que sea en la habitación, y sólo después lo demás, por una cuestión de ahorro y costos.

Pero aparte de las locaciones, es fundamental considerar a los actores. Si filmas cinco escenas y, entre éstas, en tres interviene Juanito, lo normal es que éstas sean seguidas, para que así puedas liberar antes al artista y no lo hagas perder tiempo. Si son dos escenas, por ejemplo, no tiene sentido en que las programes muy separadas. Si tu película tiene 70 escenas y Juanito sólo participa de tres, deberás agruparlas todas en el mismo día; eso significará economía de tiempo para el actor y economía de dinero para ti, tanto con respecto al sueldo como en temas como alimentación y transporte.

Aun con relación a los actores, es bueno tener sensibilidad a la hora de disponer el orden de las escenas. Por ejemplo, si tienes una escena muy densa emocionalmente, no conviene programarla para el inicio, cuando todavía los actores están fríos y no tan metidos en sus papeles. Tampoco hay que dejarla para el final, cuando el cansancio ya puede cundir en el equipo y jugar en contra para una mejor representación. En la misma línea, si está previsto realizar una escena en que sean necesarios desnudos, no es buena idea planificarla luego de entrada, será siempre mejor incluirla al medio, cuando ya los artistas se sientan más cómodos con el equipo de rodaje.

Otro punto a considerarse es el material, los insumos y los equipos. Esto es sencillo y sigue la misma lógica de los demás elementos mencionados. Si tienes algún tipo de requerimiento para dos escenas, agrúpalas junto. Si requieres una cámara con un lente especial, será mejor programar las escenas en que se la utilice en secuencia. Lo mismo ocurre si hablamos de vestuario, maquillaje y peinados, básicamente por razones de tiempo y por ayudar a la continuidad de la película.

Finalmente, queda pendiente una recomendación muy importante: planificar el rodaje con tiempos realistas. Es muy común pensar que “esta escena se la puede hacer en una hora; esta otra es más fácil, en media hora lo hacemos”. Eso es un gran error. Filmar es algo que requiere tiempo, son muchas tomas, hay que disponer las luces (no es cosa de cinco minutos), hay errores, la gente se cansa, es muy difícil que todo se haga de una manera rápida. Así que no programes diez escenas por día, lo ideal es que no se hagan más de cinco por jornada. Si rompes esta regla, al final del día lo más probable es que estés corriendo y rodando las escenas de cualquier manera y hasta suprimiendo planos. ¡Evita esta situación siendo realista y profesional al diseñar tu plan de rodaje!