Guitar Fair Magazine n14 febrero 2016

AIR GUITAR F magazine Febrero 2016 Nº 14

All about the World of Guitar

CARL VERHEYEN

by Ovidio Lopez

REPORTAJES

Históricos: Gamut Music Española: Aarón García Acústica: Sanzone Guitars Archtop: Verdinero Guitars Eléctrica: Case Guitars Bajos: Stash Stainless Tecnología: Ortiz Luthiers

PROFESIONALES Oscar Guzmán Carl Verheyen

by Ovidio Lopez

El Rincón

Sonoro

Scorpions - Savage Amusement

by Antonio Fernández Morell

Guitar Fair Magazine · Copyright

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Index

CONTENIDO

Oscar Guzmán

Carl Verheyen

Sinceridad Flamenca

Por Ovidio López

REPORTAJES

PROFESIONALES

6 Históricos - Gamut Music, Inc.

18 Oscar Guzmán

Early Music Strings & Handcrafted Instruments..

12 Española - Aarón García Luthierm restaurador e investigador.

Sinceridad Flamenca.

42 Carl Verheyen Por Ovidio López El Artesano de lo Invisible.

30 Acústicas - Sanzone Guitars & Mandolin 36 Archtop Jazz - Verdinero Guitars

EL RINCÓN SONORO

El todo y la ergonomía son siempre las prioridades.

52 Eléctrica - Case Guitars Handcrafted with the very best.

60 Bajos - Stash Stainless Bass Guitars The only 100% stainless steel bass.

64 Scorpions- Savage Amusement (1988) Por Antonio Fernández Morell.

Team GUITAR FAIR MAGAZINE: No. 14 · Febrero 2016 · Año 2 · GEN-

24 Tecnología - Ortiz Luthiers Por Abel Franco Ribbon mics and parts.

Guitar Fair Magazine · Febrero 2016

ERAL MANAGER: José Luis Mármol · GRAPHIC DESIGN: Guitar

Fair Magazine COLABORADORES: Antonio Fernández Morell, Abel Franco, Ovidio López · PORTADA: Carl Verheyen.

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Reflexión

Eduard Punset La música sirve para algo y el resto para casi nada.

E

s fantástico que la ciencia empiece a estudiar la raigambre social de la música. ¿Hay algo que se pegue más que una buena melodía? Lo único que sabemos a ciencia cierta de ella –y ha estado con nosotros desde los orígenes de las primeras tribus humanas– es su universalidad. Parisienses y cameruneses, mayores de edad y niños, todos parecen emocionarse con tonos y tiempos parecidos. No me digan que no resulta increíble que unos y otros coincidan en hurgar en cierta armonía, en un acorde, fruto de darle a una octava, mientras interpretan como discordia, o en todo caso como una señal de tristeza, una melodía demasiado lenta.

Lo único que conocemos de la música es su universalidad… y que se trata de un evento social. Yo no conozco nada que pueda mantener unido a un colectivo durante tanto tiempo; tal vez la religión o el credo político. Ahora bien, lo curioso es que tanto la religión como la política van a menos, mientras las melodías van a más.

Justamente, quizá sea esta falta de utilidad concreta de la música lo que la hace tan querida por todo el mundo. El lenguaje parecería seguirla en cantidad de devotos, aunque por razones muy distintas: todas las personas se precian de poder hablar y transmitir un pensamiento a los

demás. A los neurólogos del futuro les corresponde detectar si la diferencia entre el lenguaje musical y el hablado es tan grande como parece: el primero no parece transmitir gran cosa, mientras que el segundo tiene utilidades: entenderse, concentrarse y encaminarse a la consecución de un objetivo determinado. ¿Pero y si las diferencias no fueran tan nítidas? En los laboratorios se está demostrando con simios y humanos que los recuerdos son mucho más frágiles de lo que se pensaba; la gente tiende a tergiversarlos con una facilidad extrema y a decir ‘Diego’ donde dijo ‘digo’. Además, resulta que los procesos cognitivos del cerebro son tan complicados que ahora sabemos a ciencia cierta que el inconsciente decide por nosotros unas milésimas de segundo antes de que nosotros resolvamos, de forma consciente, comer o no hacerlo, ir a la derecha o a la izquierda, olvidar una idea o recordarla. ¿Y si resultara que la música hubiera precedido al lenguaje, pero que este último hubiera conservado la herencia genética de la primera?

Y que ni una ni otro sirven para gran cosa. Desde luego, cada vez está más claro que más y más gente se arrima

a la música, mientras que aumenta continuamente el número de los que desconfían del lenguaje. Yo siempre digo que un idioma no sirve para entenderse –eso hay que dejárselo al cuerpo y al movimiento–, sino para engañarnos unos a otros; para hacer creer a los demás lo que queremos que crean.

Algún científico por ahí en el mundo me intentaba convencer de que, al contrario de lo que decía el filósofo griego Platón, el pensamiento no era lo más importante, sino el movimiento. Que el cuerpo había conseguido tales argucias y adelantos que el lenguaje o el pensamiento solo se necesitaban para poder acompasarlos, para instrumentarlos. ¿Se han parado a pensar mis lectores en lo inverosímil que resulta –por favor, que me corrijan los matemáticos– la teoría del equilibrio de los animales bípedos, como nosotros? Ni Dios sabe todavía qué es lo que nos permite andar con solo dos piernas sin perder el equilibrio, teniendo que sortear –como nos toca hacer– tantos vericuetos y curvas enrevesadas.

Ya no digamos lo que hacen algunos músicos con el juego mágico de sus dedos interpretando al piano una de las piezas de Mozart. ¿Se han fijado en cómo mueven de memoria sus dedos sin que les tiemble el pulso y respetando siempre la melodía que nos embelesa? A lo mejor lo único que importa es, justamente, lo que nos embelesa: sentir que formamos parte de la manada, empatizar con los demás. A lo mejor la música sirve para algo y el resto, para casi nada.

Eduard Punset Divulgador científico

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G UITAR FAIR Feria internacional de guitarras y bajos custom conciertos, conferencias, clinics, master-class, etc.

Passion for the instruments www.guitarfair.net

info@guitarfair.net

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Históricos

Gamut Music, Inc. Early Music Strings & Handcrafted Instruments

C

omo la mayoría de los chicos jóvenes en la década de 1960, estaba obsesionado con el sonido de la música de rock and roll y en particular con el sonido de la guitarra. Tener un

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equipo para la música eléctrica financieramente era desalentador para mí, y como el movimiento de la música popular se amplió, se me ocurrió que la guitarra acústica era más factible y accesible.

Así que empecé a tocar un instrumento barato, de fabricación japonesa,

y me abrí camino a través de los acordes y los patrones del picking.

Me gustaba mucho tocar, pero nunca logré un nivel que me hiciera pensar en un futuro como músico.

Sin embargo, yo siempre había tenido una cierta habilidad en el trabajo de la madera, así que busqué la manera de asociar dicha habilidad al negocio de la música, el cual me encantaba, sobre todo por la construcción de instrumentos, algo en lo que conseguía sentirme útil.

En 1970 no había apenas lugares donde te pudie-

ran enseñar a construir instrumentos, y viviendo en Baton Rouge, tampoco conocía a nadie que le pudiera interesar este mundo y tener alguna noticia que ayudase, por lo que tuve que investigar, y encontré que había una escuela en Londres, por lo que preparé mi inscripción para asistir a la London College of Furniture.

Inicio Empecé los estudios en el taller de violín porque me parecía que si podía hacer un violín, podría

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Históricos hacer casi cualquier cosa. Tal y como me iba involucrando en la artesanía empezaba a fascinarme con los orígenes y la historia de los instrumentos, además, en la LCF se encontraba el departamento de instrumentos históricos de arco y pulso y púa, por lo que había una cierta energía positiva en relación con la construcción de instrumentos en general. Me presentaron a algunos constructores de instrumentos de época, los cuales ya estaban en mi círculo social, y aquel ambiente empezó a fomentar mis intereses académicos y los primeros retos con instrumentos.

En ese momento todavía estábamos tratando de averiguar las técnicas básicas para la construcción, así

que no había mucho tiempo para la experimentación, la investigación y desarrollo, ya que antes debíamos intentar conseguir terminar algunas copias razonables y que fueran funcionales. Al mismo tiempo, muchos de los músicos también estaban tratando de recuperar las técnicas de interpretación antiguas, y había mucha reflexión y discusión acerca de cómo se hacían estos primeros instrumentos y cómo debían sonar.

Todo aquel proceso, lleno de preguntas, me pareció fascinante, así que decidí centrarme en la tecnología de los instrumentos históricos.

Escuela Soy mayormente autodidacta en

relación a la construcción de guitarras. Durante un año fui instructor en la reparación del violín en el Merton Technical College, en el sur de Londres. El jefe de ese departamento fue John Bailey, el gran constructor de guitarras Inglés que escribió uno de los primeros libros sobre la guitarra que hace para la English Folk and Dance Society, Cecil Sharp House, en 1965. John escribió sobre cómo presentar un Dulcimer de los Apalaches , y fueron dos de los primeros libros disponibles sobre cómo hacer realidad los instrumentos.

Todos nosotros, desde los aspirantes hasta los responsables en Londres, los leímos, casi hasta el punto de memorización. La oportunidad de trabajar con John y discutir las técnicas de construcción con él fue un sueño hecho realidad para mí, y pasamos largos almuerzos en el bar hablando de maderas, herramientas y técnicas. A pesar de que él no fue instructor, sí fue un mentor e una inspiración para mí en mis años de

En guitarras he estado muy influenciado por John Bailey y por David Rubio. formación. Como en aquella época había pocos fabricantes que trabajan con guitarras históricas, apliqué las técnicas básicas de John a las primeras guitarras que encontré en museos, y con ello desarrollé un estilo de construcción que sentí como funcional e históricamente preciso.

Experiencia Los diez primeros años fueron muy difíciles. Aprender a utilizar las

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Históricos Custom El hacer instrumentos “custom” me parece muy extresante. Los músicos a veces pasan años desarrollando el concepto de “instrumento perfecto” en sus mentes, y el proceso de hacer realidad esa visión puede ser difícil. Satisfacer las expectativas de un instrumento personalizado requiere mucha comunicación con el cliente, y todo esto requiere mucho tiempo. Sin embargo, es satisfactorio poder completar un proyecto y tener al cliente encantado con el resultado.

Materiales

herramientas, la forma de trabajar con maderas de tonos y hacer instrumentos con rapidez y eficacia suficiente para ganarse la vida fue estresante; Requirió días muy largos, y yo casi nunca podía tomarme algo de tiempo libre. Muchos instrumentos fueron destruidos porque no sentía que se encontraban al nivel de refinamiento que vi en los instrumentos originales.

Después de casi quince años, aquello empezó a tener otra visión; terminaba modelos que alcanzaban un nivel de artesanía cercano a los originales. Después de veinte años de mucha búsqueda y duro trabajo la construcción de mis instrumentos se ha convertido en algo más fácil. En estos días puedo hacer instrumentos casi sin pensar. La memoria muscular se hace cargo

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y pasa el tiempo agradablemente, como las virutas caen al suelo. En este momento encuentro el taller un lugar feliz donde siento que tengo el control y puedo practicar con resultados predecibles. Después de toda la angustia de aprender el oficio, la fabricación de instrumentos ahora es como una meditación para mí.

El verdadero corazón de una guitarra es la tapa frontal, y yo siempre trato de encontrar la mejor madera posible para la caja de resonancia. Desde que trabajo en el campo histórico, los precedentes son de madera europea, y me parece realmente bueno el abeto alpino italiano, que es el más me solicitan mi clientes. Ya se hablaba en los viejos libros como soñaban con ese trozo de pino, crecido en el lado norte del Matterhorn. En la actualidad, la madera más popular para fabricantes de guitarras es de abeto Sitka, que está siendo cortada de manera agresiva en los EE.UU. y Canadá, pero hay una cierta resistencia a su uso en instrumentos antiguos, y

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En este momento encuentro el taller un lugar feliz donde siento que tengo el control y puedo practicar con resultados predecibles.

la mayoría de los músicos insisten en el uso de especies de madera europeas. Yo disfruto trabajando con cedro rojo, Sitka figurado, o los appalachian spruce, y tengo algo de abeto oriental que creo que es la mejor madera para tapa armónica que he escuchado.

Para maderas duras, yo uso mucho arce figurado y arce bird’s eye. A menudo las vihuelas con trasera abovedadas las termino con pera o caoba, y de vez en cuando utilizo rosewood.

Modelos Mi producción gira en torno a cinco ejemplos históricos; la guitarra del Museo Nacional de la Música en Vermillion, Dakota del Sur atribuida a Domenico Sellas, la guitarra por Belchior Dias en el Royal College of Music de Londres, la vihuela “Chambure” en la Cité de la Musique, París, y una vihuela y guitarra de mi propios diseños. Actualmente estoy desarrollando un nuevo modelo

basado en la guitarra de Joachim Tielke en el museo Royal College of Music, que estará disponible en algún momento de este año.

Donde Casi todas mis ventas vienen a través de la página web Gamut Music. Dentro de esta web hay una tienda virtual donde se pueden realizar pedidos de los instrumentos personalizados, y también hay una sección de instrumentos que están disponibles para su venta inmediata.

También publicamos un boletín electrónico que anuncia instrumentos en venta, nuevos modelos e información general sobre la actividad actual en el taller.

Históricos

Royal College of Music de Londres y en ocasiones me gustaba visitarlo en Cambridge hasta el final de su vida. Teníamos un amigo en común; el violinista y mandolinista Richard Walz, con el me gustaba ir a visitarlo cuando ambos estábamos en Londres. En aquella época fue cuando estaba desarrollando sus métodos de extracción de color desde la raíz, y el perfeccionamiento de su fórmula de varnish ground, por lo que mantuvimos largas conversaciones sobre estos y otros temas. John y David fueron hombres amables y les estaré siempre agradecido por compartir sus conocimientos conmigo de forma libre.

Otros

GAMUT MUSIC, Inc

En guitarras, he estado muy influenciado por John Bailey, como he mencionado anteriormente. Después de él, mi influencia más significativa ha venido de David Rubio. Lo conocí en 1974 en una exposición en el

Daniel Larson www.gamutmusic.com dan@gamutmusic.com 1600 London Road Duluth, MN 55812 USA

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GUITAR m

AR AIR F magazine All about the World of Guitar

Guitar Fair Magazine 路 Copyright

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Española

Aarón García Luthier, restaurador e investigador

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veces las más pequeñas vivencias sirven como punto de inflexión que moldean y trastornan el devenir de una persona, de forma sutil y casi imperceptible. En concreto mi pasión por los instrumentos musicales nació con 8 o 9 años cuando cayó en mis manos una flauta y comencé a jugar con ella y a tocar sencillas melodías. Esto para mí fue una verdadera revelación que me marcó tan vivamente que aún lo recuer-

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do como si fuera hoy. En ese tiempo vi también en televisión una actuación de un grupo boliviano que tocaba unas extrañas flautas que me gustaron mucho, se trataba de quenas y zampoñas, y que no se podían comprar en las tiendas del ramo. Así que decidí construirlas yo mismo basándome en algunas fotografías que conseguí en revistas y haciendo visitas a los cañaverales del barrio.

Tras varios intentos poco satisfactorios conseguí que sonaran y aprendí de forma autodidacta

algo de repertorio. En esa época entré en el coro del colegio y aprendí también a tocar bandurria y algo de guitarra, instrumentos que me habían regalado rotos y que restauré de forma tosca para hacer que funcionaran otra vez, también comencé mis estudios en el conservatorio.

De repente la música y la fabricación de instrumentos se habían instalado definitivamente en mi vida. Por la misma época comencé a coleccionar todo tipo de instrumentos que se ponía a mi alcance, daba igual su procedencia

y forma de ejecución, yo los integraba en mi universo e intentaba tocarlos y conocer su historia y origen.

Actualmente tengo una colección de unos 1000 instrumentos de todas partes del mundo y de cualquier época, muchos restaurados o construidos por mí y, básicamente, sigo haciendo lo mismo que hace 40 años y además con la misma ilusión y empuje.

Inicio Durante años compré

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Española Quien encarga un instrumento de gama alta merece el más esmerado trabajo. todos los libros que podía sobre construcción y restauración de instrumentos e intentaba hacerme aquello que no encontraba en los comercios con pocas herramientas y escasas maderas. Fue mi gran amigo el guitarrero Manuel Fernández quien me enseñó las primeras técnicas y secretos de la construcción de guitarras, me permitía hacer alguna cosa en su taller y me explicaba su concepto sobre el mundo de la guitarrería. Yo siempre lo he considerado mi maestro. Después vino mi graduación universitaria primero como maestro y luego como musicólogo, mi tesina sobre instrumentos populares, un diploma universitario en audio y sonorización. Actualmente estoy

inmerso en mi investigación para la tesis doctoral y publicaciones sobre historia de la guitarra y mi labor docente en la universidad como profesor de un máster sobre conservación del patrimonio musical. Creo que la formación continua es fundamental en este oficio de lutier, violero (antiguamente se llamaba “bigolero”) o guitarrero, como queramos llamarle.

Hay que estar atento a todas las novedades del mercado, quién hace qué cosa, los nuevos materiales y técnicas, las publicaciones sobre guitarras y guitarreros del pasado, etc. Es la única manera de no estancarse y hacer un trabajo coherente con los tiempos que vivimos.

También me han ayudado mucho los

El tipo de instrumento que más trabajo es la guitarra clásica, es la que más me demanda el mercado.

Pero me encuentro igual de cómodo construyendo guitarras flamencas y copias de guitarras antiguas (románticas). Yo en realidad he construido casi todo tipo de instrumentos musicales: charangos, quenas, claves, violas de gamba, bajos, zampoñas, tambores, salterios, guitarras barrocas, cuatros venezolanos, bandu-

rrias, liras griegas, timples canarios, violas de arco, vihuelas y múltiples instrumentos de percusión. Y también está mi actividad como restaurador que me permite, junto con la investigación y el estudio de la bibliografía existente, adquirir conocimientos de acústica que son de gran ayuda en mi trabajo diario.

maderas que son apropiadas para fabricar guitarras. Por otro lado está la tradición y la experiencia de los lutieres que durante siglos han seleccionado determinadas especies de maderas mediante el sistema de ensayo y error. Sinceramente pienso que todavía necesitamos hacer investigaciones serias y científicas que nos permitan demostrar qué hay de cierto y qué de estereotipo en esta tradición. Yo procuro utilizar una

gran variedad de maderas, siempre de acuerdo con el gusto de mis clientes a los cuales también me atrevo a aconsejar según las necesidades que me transmiten. En mi taller dispongo de distintos tipos de palo santo: de India, Rio, Bolivia, Amazonas y Madagascar, ciprés antiguo de talleres granadinos, cocobolo, ziricote, caoba, arce rizado y de ojo de perdiz, pino abeto alemán y engelmann, cedro de Canadá y de Honduras,

Materiales En principio creo que hay muchas

compañeros guitarreros y barnizadores de Granada. Siempre que he necesitado algo he obtenido una ayuda incondicional y desinteresada del “gremio” por lo que les estoy muy agradecido.

Instrumentos

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Española Copia de una José Pernas de 1851.

musutaiba, ébano, granadillo, fresno, olivo, olmo, lacewood, imbuya e incluso una madera que ha permanecido semienterrada en el permafrost de Nueva Zelanda durante 40.000 años llamada kauri. Cada una de estas maderas tiene una utilidad concreta y en mi opinión hay cinco criterios a la hora de seleccionarla: su respuesta acústica; su aspecto estético; sus características mecánicas de resistencia, anisotropía, durabilidad; su facilidad o posibilidad de ser trabajada; y, como he mencionado antes, la tradición. Siempre uso maderas lo suficientemente secas para garantizar la estabilidad dimensional de mis instrumentos, concretamente algunas tienen más de 35 años de secado.

Con los pegamentos ocurre algo parecido, cada tipo puede servir para algunas tareas determinadas pero el que utilizo habitualmente es la cola caliente animal. Una de las razones

es que conservamos muebles egipcios encolados con este material con más de 3.500 años que se mantienen perfectamente y no sabemos en el

futuro qué va a ocurrir con los pegamentos de cianocrilato o basados en resinas alifáticas, por ejemplo.

En mis guitarras clásicas y flamencas he utilizado muchas marcas y modelos diferentes de cuerdas y las que más me gustan son las Alliance de Savarez. Pero cuando se trata de instrumentos antiguos utilizo casi siempre tripa natural debido a su inimitable y aterciopelado sonido. En cuanto a clavijeros opino que hay gran cantidad de marcas aceptables que ofrecen una calidad acorde con el precio que nos cobran, pero si tengo que decantarme por alguno en especial sería sin duda Klaus Scheller, de Alemania.

Copia de la vihuela de Quito.

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Características Mis instrumentos son construidos

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Actualmente tengo una colección de unos 1000 instrumentos de todas partes del mundo y de cualquier época.

Española

Flamenca

Agustín Caro 1826 y copia. uno a uno, ni siquiera realizo tandas o preparo material. Esto permite la máxima concentración en el trabajo y la consecución de una guitarra de sonido único. Busco siempre en mis guitarras un gran volumen sin que aparezca timbre metálico, con unos potentes bajos y que sean equilibradas en todos los registros. Respecto al trabajo de la madera considero que la perfección es el punto de partida y el barnizado siempre es goma laca a muñequilla; quien encarga un instrumento de gama alta merece el más esmerado trabajo. Otro aspecto que cuido mucho es la comodidad en la ejecución, que la “acción” se adapte exactamente al músico.

posibilidades. Y en lo relativo a instrumentos de música antigua es remarcable el exhaustivo estudio organológico preliminar del modelo seleccionado.

Modelos Yo hago básicamente dos modelos de guitarra clásica: uno sigue la más genuina tradición de la escuela

granadina pero aportando mi estilo. Últimamente he desarrollado otro modelo que incorpora numerosas innovaciones como el puerto de sonido, el diapasón sobreelevado en los agudos, hueso con doble compensación de las cuerdas, refuerzos de rejilla en la tapa, etc. con magníficos resultados.

Singularidad Quizá sea la posibilidad de adaptarme a los gustos y requerimientos del cliente. Siempre comentamos todos los aspectos al comenzar un proyecto concretando las distintas

Refuerzos de abanico

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Española

Parte de su colección de cordófonos.

Mis guitarras flamencas son muy sobrias y tradicionales, pequeñas y ligeras de peso pero con un gran sonido.

incluso restauraciones simuladas; de modo análogo a las acústicas o violines “antiqued” (envejecidos).

También realizo réplicas de guitarras románticas según modelos de Agustín Caro, José Pernas o Etienne Laprevotte. Estos instrumentos son ideales para repertorios clásicos y románticos como Aguado, Carulli o Sor. Tienen un sonido muy interesante y en ocasiones les doy un acabado aparentado que son antiguas, que tienen marcas de uso

Trabajo normalmente por encargos directos pero hay grandes distribuidores en Japón, Estados Unidos, Australia o Europa que tienen guitarras mías a la venta, sin necesidad de esperar la lista de clientes.

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Donde

Finalmente quiero agradecer al equipo de Guitar Fair la labor que está realizando en pro de la guitarra

española y especialmente a la revista que nos proporciona contenidos tan interesantes y que en este caso me ha permitido expresar mis opiniones a través de esta entrevista.

AARÓN GARCÍA www.aaron-garcia.com escareador@gmail.com Fb: Guitarras Aarón García Ruiz tlf.: (34) 958 573 474 Churriana de la Vega, Granada. Spain

Concierto De Sevilla

para Guitarra y Orquesta

*Versi贸n 2015, pr贸ximamente en Editorial Reyana.

Compositor

Gallardo delRey

Interpretado en el Teatro de la Maestranza ROSS - Real Orquesta Sinf贸nica de Sevilla Director JOHN AXELROD

Photo by Guillermo Mendo Guitar Fair Magazine 路 Febrero 2016

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Profesionales

Oscar Guzm谩n Sinceridad Flamenca

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Profesionales

M

i pasión por el flamenco surge conjuntamente con mi pasión por la música española en general. Desde que nací mi casa estaba inundada de todo tipo de música española gracias a mi padre. Desde la música clásica, escuchando a Manuel de Falla, Albéniz, etc., hasta zarzuelas, pasodobles, copla, y flamenco por supuesto. Ya en lo relativo a la guitarra flamenca, lo que me llevó a apasionarme específicamente en ello fue un disco recopilatorio de Paco de Lucía, donde además de sus propias composiciones, también interpretaba a otros como Mario Escudero, Esteban de Sanlúcar, etc.

¿Quienes fueron tus maestros?

Estudié con varios maestros.

Me hubiera gustado tener un solo maestro por largo tiempo, como ha pasado con otros guitarristas, pero por circunstancias no fue así. Entre ellos puedo destacar a El Moro, Oscar Herrero, Manolo Franco y José Luis Postigo, y luego tuve la suerte de poder recibir los consejos de Rafael Riqueni durante muchas largas tardes cuando yo vivía en Triana.

Por otra parte, también he aprendido, y sigo aprendiendo, de todos los compañeros con los que tengo la oportunidad de trabajar y compartir escenario.

¿En qué momento empie-

zas a subirte al escenario?

Desde muy joven, la verdad. No recuerdo una edad exacta, pero entre las primeras giras que realicé recuerdo con cariño especial dos giras que realicé por Alemania cuando tenía 20 años, más o menos.

Y me resultó especial precisamente porque toqué en muchas ciudades del este. Recién había caído el muro de Berlín, y toda la gente estaba ávida de asistir a cosas novedosas.

En muchas ciudades era la primera vez que había un concierto de guitarra flamenca! Por otra parte, el irme de casa por primera vez a los 17 años y hacer mi vida también me exigió una cierta continuidad.

¿Participaste en concursos o similares? ¿Potenciaron tu carrera como concertista?

Sí, he participado en algunos concursos, en su momento. Nunca gané un primer premio, pero sí varias veces el segundo premio, y esta circunstancia sí que potenció mi carrera de una manera más efectiva, porque no tuve ese tirón inicial

En muchas ciudades era la primera vez que había un concierto de guitarra flamenca. que te da ganar un concurso pero sí me llevó a sacar conclusiones importantes que me forjaron una línea de trabajo. Más de una vez me he preguntado qué fue de algunos de aquellos que en su momento ganaron ese primer premio y no he vuelto a saber de ellos. Y concluí que lo que verdaderamente te abre un futuro es el trabajo constante, serio,

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Profesionales

ñar me lo monto yo! (risas). Risas aparte, he tenido la oportunidad de acompañar incluso a grandes del cante como Pepe de Lucía, Rafael de Utrera, Jesús Heredia, entre otros.

y el ampliar tus conocimientos más allá de la guitarra, como aprender otros idiomas, etc. De los premios obtenidos me complació especialmente el segundo premio en el Concurso ‘Niño Ricardo’ en Murcia, donde estuvieron en el jurado el Maestro Serranito, Carlos Piñana, el escritor Félix Grande, Norberto Torres, entre otros, y si aquellos me dieron este premio, sería porque valoraron oportunamente mi música, y eso es motivo de satisfacción por supuesto.

¿Tuviste claro desde el principio que querías ser solista?

Bueno, el hecho de que me haya dedicado más a la vertiente instrumental, lo cual también ha sido de alguna manera circunstancial, no

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quiere decir que no acompañe. Lo hago también cuando hace falta o cuando mi propio concierto lo requiere, convocando a diversos bailaores y cantaores. Lo que es más, me lo paso muy bien tocando para baile y cante, pero si es verdad que no me muevo en el medio adecuado para ser requerido constantemente para esto. Cuando quiero acompa-

Háblanos de tus giras ¿A qué festivales sueles ir como concertista?

En cierta forma me complace ser reconocido por mis compañeros, sobre todo por mis contemporáneos, como un guitarrista que realiza muchas giras alrededor del mundo, independientemente de que sea más o menos conocido. Y es verdad, pero realmente nada me ha caído del cielo. Ha sido un trabajo de muchos años, que lo sigue siendo, de labrar

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Profesionales He querido dejar claro que lo más improtante es transmitir, con un mínimo de técnica por supuesto, pero a mí, que me pellizquen el corazón!

una serie de contactos y gente que confíe en ti a través del tiempo, de una actitud de estar abierto a todas las opciones que se presentan, de ver cada propuesta como una oportunidad de sembrar! Algunas veces he participado en festivales de guitarra en los cuales había poco más que para los gastos, pero luego allí he conocido algún representante que me ha organizado una gira de escándalo, o me han vuelto a invitar en mejores condiciones. Todo es sembrar! Y me cuesta mucho convencer de esta actitud a mis compañeros.

Me da mucho coraje cuando algunas veces por 50 pavos más o 50 menos la gente se pierde de conocer lugares nuevos, sabores nuevos, que es lo que realmente queda para toda la vida. El dinero se va rápido, hayas cobrado más, o cobrado algo menos.

¿En cual espectáculo estás trabajando actualmente?

Sigo con la misma base, mi primer disco, “La Calle del Recuerdo”, y ya dependiendo de las condiciones luego defino el formato. Normalmente llevo cante, percusión, luego baile, y si se puede, también una violinista. En otros casos, destaco la trilogía fundamental del flamenco, y aún siendo un concierto de guitarra, vamos guitarrista, cantaor y bailaora, que también gusta mucho.

Háblanos de tu disco ¿Qué podemos encontrar en él?

La idea de hacer un primer disco surge por una parte de plasmar de manera definitiva toda la música que fui creando o recreando desde que empecé con la guitarra. Y por

otra parte, el tener una carta de presentación de mi trabajo que fuera más seria y en un formato de fácil difusión. Ya todos sabemos que hoy en día con los discos no se gana dinero, y ya me doy por bien servido que gracias a las giras puedo recuperar la inversión por los discos que se venden en ellas. Las gestiones adicionales para que el disco estuviera en El Corte Inglés o Fnac fueron ni más ni menos para que mi padre lo viera allí, y darle una satisfacción después de la oportunidad que me dio de oír tanta música maravillosa durante mis primeros años de vida. ¿Qué podemos encontrar en mi disco? Pues inusualmente a lo que se produce hoy en día, de los 8 temas hay 4 solos de guitarra. Los demás son temas más arropados con cante,

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Profesionales baile, bajo, palmas y percusión. Tuve la suerte de poder contar con colaboraciones como las de Pepe de Lucía, Ramón El Portugués o Vicente Gelo, entre otros. ¿Qué quiero aportar?

Uf, esto ya es más complicado. En primer lugar puedo decir que no he tenido la intención de aportar nada.

Y si he aportado algo, mejor que lo digan los demás. Lo que sí es verdad es que he querido dejar claro que lo más importante es transmitir, con un mínimo de técnica por supuesto, pero a mí, que me pellizquen el corazón! Eso es lo que realmente me vale. Ya superé ampliamente esa etapa en que te deslumbra quien se come la guitarra. Mucha gente me manifiesta, como un valor especial, que les transmito mis sentimientos a través de mi música, y por supuesto que quiero creérmelo! (risas)

Dinos tres guitarristas que admires, clásicos y actuales.

Aparte de Paco de Lucía? (risas).

Hombre, lo digo porque para mí sería impensable no nombrar en primer lugar a Paco, y en ambos casos, como guitarrista tradicional y también actual. Dicho esto, en los tradicionales añadiría, y sin intención ordinal, a Sabicas. Me cautivó desde un primer momento, desde niño, su limpieza, su sonido, esa dulzura en su toque y composición. Y también al Maestro Manolo Sanlúcar, al cual nunca podría comparar, por ejemplo, con Paco. Los dos están allí con un mundo para cada uno. Y te digo más, en directo siempre disfruté más a Manolo que a Paco, no sabría explicarlo, quizá porque es más de este mundo. Y de los actuales, pues por una parte Vicente Amigo, porque ha abierto caminos nuevos, y sus composiciones y su sonido me han hecho amar aún más la guitarra. Por

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otra parte, Rafael Riqueni, porque será el genio por excelencia, y con todas las dificultades que ha tenido, sigue estando allí. Y por último, aunque hay muchos más, Tomatito, por su flamencura, y también porque a pesar de haber sido inicialmente conocido por acompañar a Camarón, se ha currado de verdad su sitio como concertista y se ha notado de manera más fehaciente su evolución en este campo.

Para terminar, Oscar ¿Qué esperas del futuro?

De seguir vivo... (risas), en lo profesional espero, principalmente, seguir teniendo la oportunidad de llegar a más corazones, abiertos a nuevas sensaciones y sentimientos, a mi manera, a través de mi música, ya sea a través de conciertos o

nuevos discos. Y en lo personal, pues seguir teniendo la oportunidad de continuar recolectando momentos de felicidad, y de seguir aprendiendo a vivir. Ya alguien dijo que “La vida es tan corta y el oficio de vivir tan difícil, que cuando uno empieza a aprenderlo, ya hay que morirse ....”.

Y de eso se trata! La vida es cada vez más dura y complicada, y los estados constantes no existen. Por lo tanto, mientras más momentos felices, cuanto mejor!.

OSCAR GUZMÁN www.oscarguzman.com mail@oscarguzman.com Teléfono: (+34) 606.383.541

G UITAR FAIR Feria internacional de guitarras y bajos custom conciertos, conferencias, clinics, master-class, etc.

Passion for the instruments www.guitarfair.net info@guitarfair.net +34 - 630 53 63 31

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Tecnología

Ortiz Luthiers

Ribbon Mics and Parts

by Abel Franco

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l mundo de la guitarra a menudo se contempla desde el prisma de la materia prima, de la electrónica accesoria, de elementos externos como

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la estética, los acabados, el estilo, la construcción, etc., pero hay un mundo complejo que complementa de un modo realmente importante al instrumento: la captación de su sonido para plasmarlo en soportes físicos

y/o digitales.

Las grabaciones en estudio y en directo son parte cotidiana del mundo musical y la guitarra, dependiendo de la familia a la que pertenezca, necesitará de un equipo y técnicas específicas para lograr los mejores resultados posibles.

He tenido la suerte de encontrarme en el camino a un constructor de micrófonos de cinta con una filosofía de trabajo

diferente; su concepto de la pasión por su trabajo, dedicación, atención al cliente, calidad, detalles y precios le han otorgado un lugar en mi sección para este número de Guitar Fair Magazine.

He podido disfrutar de sus micrófonos y de hecho he preparado dos videos demostrativos donde se puede apreciar el alto nivel de su trabajo.

Vamos a conocer con más detalle a su creador: Juan Ortiz

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Tecnología La captación de un instrumento también tiene mucha influencia en el timbre, cuando se trata de grabar. Un violín no suena igual grabado con micros distintos.

Es un placer tenerte aquí, Juan. Antes de nada me gustaría que nos explicaras de un modo sencillo qué es un micrófono de cinta.

Hola Abel, también es un placer para mí poder participar en uno de tus artículos.

El micro de cinta se basa en: Cualquier partícula metálica en movimiento (cinta), inmersa en un campo magnético genera una carga eléctrica proporcional a la aceleración de su movimiento. Es también la base de los micros dinámicos, pero el elemento móvil es totalmente distinto.

¿Qué diferencias de cons-

trucción y comportamiento en la captación de sonido existen entre los micrófonos de cinta y los de condensador,muy comúnmente utilizados para grabar guitarras flamencas y clásicas?

La captación del micro de condensador se produce por las diferencias de carga electrostática, entre una placa fija y una lámina móvil.

El espacio entre ambas se convierte en un condensador que se carga (polariza) con una tensión fija, pero que es modulada por las ondas sonoras.

Esta lámina, en comparación con la cinta es rígida y tensa. Un problema de todos los micrófonos de condensador es que su frecuencia de resonancia está dentro de la gama de

audio, entre 1000Hz y 12Khz, según el tipo de cápsula. Cerca de esta frecuencia de resonancia el micrófono es más sensible, lo que provoca un realce bastante acusado, además del cambio de fase anterior y posterior a dicha frecuencia. Los micros de condensador no son sistemas de fase mínima. En los micros de cinta la frecuencia de resonancia propia se ajusta en la banda de subgraves, entre 20 y 35 Hz, de forma que no afecta en toda la banda de audio.

¿Es más compleja y/o costosa la construcción de un micrófono de cinta que otro de diafragma grande (condensador)?

El micro de condensador es más fácil de fabricar en cadena, el micro

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Tecnología de cinta requiere de una alta dosis de manipulación artesanal.

A igualdad de precios en el mercado internacional, se podría decir que existe igualdad de calidad entre un micrófono de cinta y otro de diferente arquitectura?

Tanto en cinta como en condensador existen micrófonos sobrevalorados y no siempre reflejan su calidad. Algunos micros de condensador son muy costosos pero muy versátiles. Los micros de cinta de alta gama son algo más específicos para usos concretos, aunque en la actualidad están compitiendo con los de condensador, con ciertas

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La posibilidad de probar los micros, sin tener que comprarlos previamente, da mucha seguridad al cliente. limitaciones. Es difícil comparar calidad/precio.

La oferta de micrófonos de cinta en el mercado es menor que la de unidades dinámicas o de condensador. En tu opinión, ¿a qué se debe?

Los micros de cinta requieren un flujo magnético muy importante, lo que comportaba en sus comienzos

una gran masa y tamaño. También la delicadeza de la cinta genera cierto miedo en los usuarios. Hoy en día con la aparición del imán de Neodimio han reducido mucho sus proporciones y con ello se ha mejorado el ancho de banda y su sensibilidad, lo que mejora la relación señal/ruido, otro de los caballos de batalla en sus comienzos. Por otro lado, la cinta apenas es afectada por la humedad, al contrario que los

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Tecnología micros de condensador.

En las conversaciones que hemos tenido me ha gustado especialmente tu concepto de trabajo. Me gustaría que la compartieras con nuestros lectores.

El trabajo es íntegramente artesanal. Sólo interviene una persona en todo el proceso. La producción es muy pequeña y personalizada para cada usuario. Se habla mucho con ellos para saber sus necesidades y expectativas. Al final del proceso se hace el envío y la prueba del micro.

Cuando se ha conseguido lo que se buscaba entonces se cierra la operación. De éste modo nuestros clientes acaban siendo amigos. En definitiva es huir del sistema tan hermético de las marcas comerciales.

Una pregunta que me han hecho varias veces y que quiero transmitirte: ¿Por qué “luthiers” si normalmente este término está asociado a la construcción de instrumentos?

Además de la forma de trabajo, que se hace por encargo, el luthier es un artesano que controla todo el proceso, que conoce todos los entresijos del instrumento.

Y de alguna manera la captación de un instrumento también tiene mucha influencia en el timbre, cuando se trata de grabar. Un violín no suena igual grabado con micros distintos.

qué uso concreto destinas cada uno de ellos?

Fabrico tres tipos de motores, uno con imanes muy potentes, pensado para trabajar en pasivo con fuentes sonoras de presiones importantes, y otros dos más pequeños enfocados a trabajar en activo, para fuentes

sonoras más suaves y con un ancho de banda muy amplio, compitiendo en este aspecto con los micros de condensador. Dentro de estos tres grupos existen variables (cinta, amortiguamiento, cajas, transformadores, gasas, etc..) que son las que se adaptan al tipo de uso y sonido que

Además de reparar cualquier tipo de micrófonos y de optimizar su rendimiento, fabricas varios modelos diferentes; ¿para

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Tecnología busca el cliente.

Haces mención especial al transformador, ¿a qué es debido?

El transformador es un elemento muy importante en los micros de cinta. Adaptan la impedancia bajísima de la cinta 0.2 ohmios a la normal de trabajo, de unos 300 ohmios. Esta alta relación es muy crítica a la hora de construir un transformador. Se requiere una baja fuga de inductancia para tener unos agudos coherentes y también una baja capacidad parásita entre primario y secundario para minimizar el ruido captado. Técnicamente ambas son contrapuestas, si quieres tener menos ruido, reduces el ancho de banda, y al revés, de ahí la importancia de un buen compromiso a la hora de fabricarlo.

Como en otros campos imagino que tendrás que luchar contra los negativos efectos de la “marquitis” y el marketing.

La verdad es que no me siento presionado por la marquitis, ya que las personas que buscan este tipo de equipos tienen criterios bastante

claros de lo que buscan. Además la posibilidad de probar los micros, sin tener que comprarlos previamente, da mucha seguridad al cliente. También poder contactar directamente con la persona que fabrica y diseña el micro es muy útil: no existe intermediario y la información es de primera mano.

¿Tienes pensado desarrollar alguna unidad nueva para este 2016?

Por desgracia soy culo de mal asiento y siempre estoy viendo

como hacer cosas nuevas. Quizá sea la parte que más disfruto. Eso de tener nuevos retos me pone mucho.

Ha sido muy enriquecedor tenerte Juan. El equipo de Guitar Fair Magazine y yo especialmente queremos agradecerte tu amabilidad y tu profesionalidad. Que tengas mucho éxito.

Muchas gracias Abel y estoy a disposición tuya y de los lectores para cualquier duda.

ORTIZ LUTHIERS Juan Ortiz www.ortizluthiers.com Email: info@ortizluthiers.com

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Reserved Sounds

Recording Audio Works

Especialistas en grabaciones en vivo para profesionales del Clásico, Jazz, Flamenco, Barroco, Étnico, etc.

Contacto: reservedsoundsspain@gmail.com Guitar Fair Magazine · Febrero 2016

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Acústicas

Sanzone Guitar & Mandolin Co.

E

mpecé tocando un poco el piano cuando era niño, y luego de adolescente me pasé a la guitarra. Siempre he amado la música, y recuerdo como está mi juventud está llena de rock que salía de aquellos vinilos antiguos… La música es todo poderosa y universal.

Inicio Después de graduarme me aventuré a la RobertoVenn School of Lutherie en Arizona. Fue una época intensa y el ambiente creativo era impresionantes, con maestros luthiers como William Eaton y John Reuter enseñando en las clases. Nada más salir de la escuela me fui a trabajar para Music Emporium, haciendo trabajos reparación y restauración.

Fue allí donde conoció a mi amigo Bill Tippin de Tippin Guitars, y con él me fui a trabajar durante 5 años, donde, entre otras, acabé haciendo una increíble guitarra acústica basada en la tradición

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Acústicas

Martin, con más de 50 años de experiencia.

Instrumentos Casi todos los tipos.

Me gusta la variedad y desafío. Hago arco superior, acústicas y clásicas guitarras, mandolinas, bandurrias, mandocellos, eléctricas con cuero hueco y cuerpo sólido, guitarras lap steel, ukeleles, incluso un par de banjos. Este año también lo empecé haciendo 2 violines y 2 violonchelos.

Modelos Guitarras planas: Modelo Orquesta 15 1/4 “ de baja acción, 14th fret neck.

Benevento 14 ¼ “LB, diapasón de12th, clavijero ranurado y puente pirámidal.

Carmela 15 ⅜ “LB, diapasón de14th, small jumbo shape y cutaway opcional.

Della Volpe 16 ⅜ “LB, diapasón de14th, jumbo y cutaway opcional.

Modelos ArchTop: Carmela 15 ⅜ “LB, diapasón de14th y cutaway

opcional.

Della Volpe 16 ⅜ “LB, cutaway opcional.

Gibson Súper 400 copia nuevo proyecto, 18 “LB

ros en F u ovalado, con trasera plana o tallada.

Hauser Clásica modelo 1943.

Mandolinas: Modelo F desde la Lloyd Loar blueprint con agujeros en F. Modelo A John Colfer, tallado superior y aguje-

Prefiero usar abeto europeo y abeto rojo Adirondack para la caja de resonancia. El cuerpo varía con cada instrumento, pero mis favoritos son

Materiales

de rosewood de Brasil, Caoba de Honduras y Cuba, Blackwood africano, y arce, tanto europeos como americanos. Como la mayoría de luthiers, estoy obsesionado con tener la mejor madera, y trato de adquirir piezas especiales siempre que me es posible. Últimamente he estado observando la

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Acústicas

Como la mayoría de luthiers, est y trato de adquirir piezas especia

madera de los viejos violines y chelos, de como la madera envejecida es extremadamente sensible y muy estable.

Características Los músicos que se acercan a mis instrumentos tienen un profundo respeto y aprecio por la artesanía de la vieja escuela. No hay atajos, y todo está hecho completamente a mano.

Dado que todo lo que hago es único, el cliente por lo general tiene interés en participar en el proceso de diseño. Me gusta esta colaboración en este punto del proceso, y el resultado suele ser una amistad para toda la vida. Cualquiera puede comprar una Taylor o una Collings, pero la experiencia que se obtiene con una de mis guitarras es totalmente diferente, y el guitarrista nota una mano de

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Acústicas

toy obsesionado con tener la mejor madera, ales siempre que me es posible.

obra sólida, los mejores materiales y un sentido de la estética que está firmemente arraigado en los diseños tradicionales. Musicalmente, mis instrumentos son conocidos por su sensibilidad y equilibrio. Mi objetivo es superar las expectativas de mis clientes, y seguir progresando en el buen hacer.

Soluciones Crear un instrumento de peso ligero y que pueda mantener su estabilidad es algo que tengo en muy alta consideración. Yo no creo en algunas de las últimas tendencias de cajas de resonancia ultra-delgadas, donde el laminado se prepara con fibra de carbono, o dobles tapas.

Quiero hacer un instrumento sólido que puede durar generaciones, y la comercialización de instrumen-

tos con ideas no probadas es una irresponsabilidad. Me gustan los acabados naturales, incluidos los barnices al aceite y barnices spirit.

La laca tiene un buen look, pero es venenoso y malo para nuestro medio ambiente.

Donde La mayor parte de mi negocio proviene de los clientes a través del boca a boca o de la web. Yo trabajo con dos tiendas en esta zona, Pablo Heumiller de Dream Guitars (www. dreamguitars.com) y Brian Wolfe de Acústica Music.org (www.acousticmusic.org) Ellos son grandes personas que han fomentado el arte de la guitarra hechas a mano, y me siento honrado de tratar con ellos.

Otros John D’Angelico, Lloyd Loar, y John Monteleone son tres figuras que no dejan de inspirarme, con sus archtop y sus mandolinas. En cuanto a guitarras acústicas me usta seguir el trabajo de Michi Matsuda y Jeff Traugott.

SANZONE GUITARS & MANDOLINES Co. Chuck Sanzone www.sanzoneguitars.com sanzoneguitars@gmail.com ph. 001 802 999 1588 11 Moss Glen Falls rd.

Stowe, Vermont USA

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Archtop

Designed by

Verdinero Guitars El tono y la ergonomía son siempre las prioridades.

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M

i pasión por las guitarras comenzó hace unos 6 años. Me compré una guitarra rota en un fleamarket en San Gall, y por supuesto, mi idea inicial era que quería restaurarla yo mismo. Debo confesar, que llegado al momento final, lo conseguido fue un completo desastre.

Pero lo que ocurrió con aquella experiencia fue importante para lo que vendría. El deseo de obtener más información sobre la construcción de los instrumentos era insaciable.

Durante los siguientes 3 meses pasé mucho tiempo en busca de direcciones de constructores de guitarra en Suiza. Escribí correos electrónicos, hice muchas llamadas de teléfono y hablé con algunos Luthier perso-

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y Ralf Martens build by Verdinero Guitars

nalmente, pero era un libro con demasiados candados.

Inicio Cansado de buscar fui a un carpintero cerca del jardín de infancia de mis hijos y le pregunté si podía construir mi primera guitarra en su taller. El aceptó. Compré algunos libros, planos de madera y construcción y empecé... Puede sonar simple y lógico, pero sinceramente, es una experiencia muy valiosa para comenzar. Siempre he tenido pasión por la música de jazz e intérpretes como Wes Montgomery, así que mi primer proyecto quise que fuera un Archtop. ¡Ay! No sabía donde me metía...

para pedir su opinión. Obviamente quedó sorprendido, ya que no podía entender cómo alguien que nunca ha trabajado con madera y no tenía apenas conocimiento, podría gestionar y crear algo como eso.

En aquel momento ya tenía mi

primer cliente. Un buen amigo y colega mío me preguntó si podía construir una guitarra de rock para él. Le terminé una Les Paul con un cuerpo hueco, espalda arqueada, en ébano y arce.

Le doy las gracias por la confian-

Después de un año la “cosa” estaba terminada y fui a un Luthier

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Archtop

Después de la medición, debe de entrar en juego el sentido del tacto y la participación del oído. el maestro. 

za ciega que puso al colocarle un marco/golpeador. Es aún hoy su instrumento favorito. Por supuesto que podría escribir un libro acerca de todo lo que salió mal. Pero la vida es una aventura atrevida.

Me hubiera encantado aprender todo lo que un Maestro Luthier sabe. ¿Cómo utilizar las herramientas? ¿A qué temperatura y humedad se han de doblar los lados? Pero no tenía a nadie alrededor. Al parecer, si el estudiante no está listo no aparece

Hoy, seis años más tarde, como autodidacta, soy feliz de no estar influenciado por ningún famoso luthier o por el patrimonio cultural.

Dejé que mis ideas fluyeran libremente, experimentar y expresar cuál es mi visión del instrumento.

A día de hoy el resultado es similar a los demás instrumentos, en tiempo mucho menor del usado por profesionales con buena formación.

La intuición y visión de futuro a menudo nos ponen en un encuentro con la tradición.

Por desgracia, hoy en día ponemos demasiado énfasis en la inteligencia cristalina, y se desprecia la inteligencia fluida que representa la inteligencia mental y espiritual.

La flexibilidad y la creatividad son dos elementos que se atribuyen a la

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Nunca se puede excluir el lado intuitivo en el proceso.

Archtop

inteligencia fluida. La capacidad de encontrar soluciones rápidas y el pensamiento lógico también entran en el ámbito mental, al igual que la intuición y el desarrollo de nuevas ideas.

No tiene sentido memorizar que la parte superior del instrumento debe ser de 2,5 milímetros de espesor. Si la madera no vibra debe continuar la búsqueda y rebajar. Después de la medición, debe de entrar en juego el sentido del tacto y la participación del oído. Es un proceso increíblemente sensual y un viaje único para cada instrumento.

Instrumentos Hace tan solo dos años que encontré el coraje de abrir mi propia web, abriendo mi taller a más clientes. Mi corazón todavía late por archtops, pero poco a poco también las guitarras acústicas están encon-

trando su lugar en mi casa.

Hasta el momento, estoy tratando de utilizar maderas de la región.

Como ya sabéis, Suiza es un paraíso para los abetos. Las maderas tropicales las utilizo sólo bajo petición.

No debo explicar la razón. Personalmente, me encanta el walnut y muchas otras especies de madera, como cerezo o peral.

Los instrumentos son construidos artesanalmente, o como me dijo un viejo carpintero de 80 años de edad, “de manera primitiva”. Durante la producción, A excepción del inicio, casi no utilizo herramientas eléctricas. Lo que inicialmente era una necesidad, se ha convertido en áreas y filosofía. La madera, que yo veo como un material vivo, se puede comprobar en cualquier momento, su resistencia, su oscilación y su

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Archtop

Por supuesto que podría escribir un libro acerca de todo lo que salió mal. Pero la vida es una aventura atrevida.

calidad. Este enfoque lleva tiempo, pero es la única manera para mí de conseguir el mejor resultado.

Endorsees El que busque músicos famosos con mis guitarras estará buscando en vano. Casi no hay músicos famosos que no estén bajo contrato con una empresa grande. Mis clientes son músicos con el deseo de tocar un instrumento que cubra sus necesidades. Intérpretes que aprecian el diseño, un instrumento con un sonido especial, una guitarra que sea simplemente noble...

Otros Hay muchísimos Luthiers espléndidos, y necesitaríamos mucho más espacio para nombrarlos a todos.

Empezaría por Monteleone con sus guitarras Archtop y mandolinas, a la pareja suiza Claudia y Claudio Pagelli, o Nigel Forster. Descubro casi cada mes nuevos nombres, personas que no tienen una página web, y que han ido acumulando excelentes instrumentos durante más de treinta años..

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Nuncio Verdinero

El futuro Hasta ahora construí modelos propios, pero he conocido un montón de gente en los últimos 6 años que me han dado nuevas ideas. Uno de ellos es Ralf Martens de Alemania. Él ya ha trabajado para diferentes marcas y posee un potencial inagotable de creatividad.

Un día me mostró en lo que estaba trabajando y me golpeó como un rayo. Después de aquell tuve que construirlo!... y nació “Soie”. Es una acústica/eléctrica, con tapa superior plana y cuerdas de acero, diapasón flotante y compensación de la boca de la guitarra,caja de resonancia de abeto alpino y ébano en los bindings y diapasón.

El futuro cercano también trae el deseo de encontrar una nueva ubicación, ya que esta aventura se está haciendo demasiado grande para una persona sola, y posiblemente se incorpore un socio.

Así también 2016 sigue siendo aun emocionante, y todabía queda mucho por aprender y por hacer.

VERDINERO GUITARS Luthier: Nuncio Verdinero http://verdinero-guitars.com/ Email: info@verdinero-guitars.com Phone: +41 76 443 38 16 Zúrich - Suiza.

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Profesionales

Posiblemente Carl Verheyen sea un desconocido para el gran público, pero si decimos que es el guitarrista que acompaña estos últimos años a Supertramp, o que como guitarrista de sesión a trabajado para Bee Gees, Cher, etc. y que además hace años que lidera un trabajo en solitario, realiza una gran labor didáctica tanto en escuelas especializadas como en diferentes publicaciones, entederemos que hablamos de alguien con una brillante trayectoria y un excelente guitarrista.

Vamos a intentar acercarnos a la persona que hay detrás de este brillante profesional.

Ovidio López

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Profesionales

Carl Verheyen

by Ovidio López

El Artesano de lo Invisible

S

iendo de una generación gloriosa de guitarritas, ¿Cómo te enfrentas a las nuevas y jóvenes generaciones de productores?

Siempre me alegra el poder escuchar sonidos frescos y conocer a alguien con un enfoque diferente.

Hago lo que puedo para convencerlos de que cuando los músicos graban juntos en una sala es siempre mejor que volar a trozos, pero la economía no siempre permiten que esto suceda.

¿Cómo se adapta un músico de sesión a las circunstancias de la industria?

Como músico de sesión, músico de gira o en solitario debemos reinventarnos constantemente. La industria está cambiando en todo momento, y el consejo más importante que puedo dar es que asegúrense de tener múltiples fuentes de

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Profesionales ingresos. Tocando con mi banda, o como intérprete acústico en solitario, las oportunidades en formación, producción y merchandise son algunas de las maneras con las que puedo mantener a mi familia, y hay muchas más!

Menos tiempo para grabar en estudio, softwares, sonoridades más electrónicas y menos orgánicas en los arreglos¿Hay que luchar duro para mantener el tipo? ¡Sí! Tengo por costumbre el no grabar mi banda en un estudio casero. Yo prefiero llamar a los mejores

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Hasta ahora nadie ha creado una idea mejor (sonido) con tan solo un “bloque de madera” y 2 o 3 pastillas! músicos, ingenieros y estudios en LA porque tengo que ser capaz de escuchar esta grabación dentro de 20 años. Los trabajos que utilizan los métodos más económicos se escuchan una vez y luego son archivados. Ya se trate de una decisión consciente o subconsciente, no queremos oír de nuevo esa grabación

porque no soportamos esa escucha repetida.

¿En qué ha influido la corriente musical en la elección de nuevos equipos?

Bueno, yo todavía soy muy de la vieja escuela, y sigo usando nada más que amplificadores de tubo y

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Profesionales guitarras con sonido poderoso. Pero sí creo que estamos en una “Edad de Oro” en la construcción de amplificadores y guitarras custom, por lo que a pesar de que la tecnología es vieja, las herramientas todavía son muy inspiradoras.

¿Es posible que se vuelva a la formula de estudio de los 70’s?

Esa fórmula aun no ha desaparecido del todo aquí en Los Ángeles o en Nashville. Todavía nos juntamos músicos en una sala de grabación para grabar pistas a la vez, y es que yo nunca podría hacer una de mis producciones de otra manera.

La música vive y respira cuando los intérpretes pueden interactuar los unos con los otros durante la creación.

Para directo o estudio, ¿Sueles utilizar dos amplificadores? ¿Iguales o distantes? Y ¿por qué?

Mi equipo de directo es MUY diferente a mis equipos de estudio. Para obtener un rendimiento en vivo con mi banda utilizo 4 amplificadores: 2 para un estéreo limpio y dos más

para wet/dry distortion-solo rig.

Cuando toco en vivo con Supertramp agrego un quinto amplificador para tonos crunch o duplicar partes de bajo. En el estudio escojo el amplificador adecuado para el tono que voy a usar y sólo uso eso, a menos que sea un sonido estéreo. Si estoy grabando en estéreo grabo con dos amplificadores. Mi pareja stereo favorita actual es un HiWatt de 1976 (100W) y un Fender Showman del 1966. Suenan gloriosos juntos!

¿Crees que la identidad sonora radica más en una guitarra mono o estéreo? ¡Ambas cosas! Anoche toque en un club con un Vox AC30 ‘64 y con mi ‘65 Strat y justo esto era todo lo que necesitaba para tocar blues.

¿Cuál es su orden preferido en las dinámicas?

Distortion, Delay y Reverb para la salida de solo del equipo.

Stereo Chorus; Stereo Delay y reverb para la salida limpia.

¿Booster antes o después de la cadena?

Yo casi nunca uso un booster!

Tengo 5 pedaleras y no hay booster en ninguna de ellas. Pero sí poseo unos 10 pedales booster así que a veces pongo uno en una cadena de pedales sueltos si es que estoy buscando un sonido en particular.

Cuando uno va al estudio, el cuadro está en blanco... ¿Sientes vértigo por gustar a la primera?

Nunca, porque he estado haciendo esto durante 38 años. Pero cuando

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Profesionales hago una grabación como Carl Verheyen me preocupo de hacer una muy buena pre-producción, y así tengo una idea clara del sonido que quiero y del material que usaré antes de entrar al estudio. Documento mis ideas en un cuaderno, así tengo un lugar para empezar a crear mis ideas cuando preparo un Carl Verheyen Band.

En caso de ir a un escenario de gran formato y con mucho volumen, ¿Que sistema recomiendas o usas?

Mi única necesidad es escucharme a mí mismo sobre el volumen de la batería. En grandes escenarios usamos monitores de oído (in-ear), que hacen que sea más fácil. Pero en

La industria está cambiando en todo momento, y el consejo más importante que puedo dar es que asegúrense de tener múltiples fuentes de ingresos. clubes y teatros necesito un equipo que me permita tocar con mi tacto y feeling, aun cuando un baterista está golpeando duro. En este caso, mis cuatro amplificadores para rig consiguen hacer magia!

Al hilo de esta cuestión, si en gira le piden no tener en el escenario los amplificadores, ¿Como lo resuelves?

Nunca he tenido ese problema, pero si lo hiciera probablemente

podría insistir en usar monitores inear y limitarme a hacer mi trabajo.

El problema es que soy un perfeccionista! (en el sentido obsesivo-compulsivo)! Me gusta darme la vuelta hacia los amplificadores y añadir un poco de agudos, o reverberación, o lo que necesite durante el espectáculo.

Cuando grabas con amplificadores combo, ¿Cómo haces si quieres tocar en el control y el amplificador está en otra sala?

Hago un buen uso del segundo ingeniero o de mi técnico de guitarra, y le pido salir y cambiar el sonido del amplificador. Últimamente tengo mi técnico que me acompaña a las sesiones, y por supuesto insisto en que se paguen sus servicios. Y es que en realidad, esto ahorra tiempo en la sesión.

¿Crees que hay diferencia de feedback tocando justo al lado del amplificador q estando lejos? ¡Sin duda! A veces es necesario salir del control, encajarte los tapones en los oídos y entrar a la sala de grabación con las pantallas.

Cuando grabé “My Back Pages” en Garage Sale Record pusimos una pequeña pantalla en un armario en la sala de control. Cuando avisaba al ingeniero abría la puerta del armario proporcionándome feedback sobre algunas notas sostenidas, incluso a pesar de que la pantalla de 4X12 que se estaba microfoneada estaba fuera de la sala principal. Pero la pequeña

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Profesionales pantalla metida en el armario producía un bucle de retroalimentación con mis pastillas a pesar de que no estaba siendo microfoneada!

¿Que llega con más fidelidad a la grabación, la actitud o el equipo?

Yo diría que ambos. Pero sí es necesario un buen equipo. Dicho esto me llamaron recientemente para reemplazar a un joven guitarrista en un disco de rap. Ellos dijeron que no les gustaba su sonido y que utilizaba equipo de mala calidad.

Preparé racks de efectos y 2 pedal boards, y cuando llegué les pedí escuchar la pista de guitarra grabada por “el niño” que iba a reemplazar.

Pero una vez que lo escuché convencí al productor para que mantuviera ese registro, porque aquello tuvo un grooving tan potente que hizo del tema algo genial! Tan solo rellené con algunos acordes agradables y “expensive sounds” (sonidos caros).

Lance Lerman construye unas guitarras fieles a la mejor época de Leo Fender. ¿Por qué crees que los guitarristas y productores profesionales no han podido resistirse a clásicos como Les Paul, strat, tele, 335 etc.?

Los modelos clásicos producen tonos clásicos y justo esto es lo que esperan oír de nosotros los guitarristas. Cierto es que toda esta tecnología es de la vieja escuela, pero hasta ahora nadie ha creado una idea mejor con tan solo un “bloque de madera” y 2 o 3 pastillas!

¿Está todo dicho ya en el tono de una guitarra?

Soy un firme creyente de que la

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Profesionales acción de las cuerdas tiene más que ver con su tono que con el calibre de las cuerdas. Los guitarristas que se pasan todo el día practicando con calibres en torno a 11 pueden conseguir el mismo sonido si subieran su acción y tocaran con 0.009!

Actualmente resides en LA. Hacer sesiones, giras internacionales y proyecto propio, ¿Se convierte a día de hoy en una necesidad artística o profesional?

En primer lugar, soy un artista porque propongo piezas que suenan diferente a otros artistas. Cuando uno está constantemente acompañando, se está al servicio de la visión musical de otra persona. Eventualmente quieres que la música sea

Estamos en una ”Edad de Oro” en la construcción custom, a pesar de que la tecnología es vieja, las herramientas todavía son muy inspiradoras. tu propia declaración personal, y esto es cuando la mentalidad del artesano toma un asiento atrás a la mentalidad artística.

¿Hasta que punto alguien puede dejar su propia voz o sonido allá donde trabaja?

Siempre depende del proyecto.

En la banda sonora de una película o el fondo sonoro de un tema para TV hay poco más que hacer salvo leer la música e interpretar lo que

quiere el compositor. Pero la mayoría te conoce como artista, y normalmente te llaman por sus ideas musicales, tonos y feeling. Esto se aplica a proyectos discográficos en su mayoría, pero en ocasiones he sido solista principal con orquesta en bandas sonoras para cine.

¿Es esa la mayor recompensa o uno puede ser camaleónico y disfrutar de cada una de las texturas en las que se desenvuelve?

Para muchos músicos esto ya es suficiente. Se encuentran con nuevos compañeros todo el tiempo, tocan música diferente cada día y disfrutan de un horario normal de 9 a 5. Pero yo necesito algo más. Hay demasiada música dentro de mí que necesito sacar! Nada me hace más feliz que tocar mis piezas delante de una gran audiencia!

3 guitarristas clásicos y 3 guitarristas actuales.

Clásicos: Eric Clapton, Mike Bloomfield y Chet Atkins. Actuales: Sonny Landreth, John Scofield y Derek Trucks.

by Ovidio López

CARL VERHEYEN www.carlverheyen.com www.facebook.com/Carl-VerheyenOfficial

Guitar Fair Magazine · Febrero 2016

Guitar Fair Magazine 路 Febrero 2016

G UITAR FAIR Feria internacional de guitarras y bajos custom conciertos, conferencias, clinics, master-class, etc.

Passion for the instruments www.guitarfair.net

info@guitarfair.net

+34 - 630 53 63 31

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Eléctrica

G U I T A R S Handcrafted with the very best tone woods for both sound and looks

Guitar Fair Magazine · Febrero 2016

M

i pasión por las guitarras empezó cuando vi a The Beatles en la televisión. Por aquella época, la televisión estaba en blanco y negro, pero el sonido y el aspecto de las guitarras realmente capturó mi imaginación.

Inicio Hice mi primera guitarra cuando tenía 10 años de edad, pero no fue muy buena, ya que no tenía idea alguna acerca de la construcción de guitarras. La hice con un mastil de

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Eléctrica madera suave que corría a través de un cuerpo de cartón, y era intocable, aun que a mí me parecía genial.

Escuela Yo era autodidacta, pero aprendí mucho en mi escuela de secundaria, donde mis temas favoritos eran la artesanía en madera, arte y dibujo técnico. Una de mis primeras guitarras era una eléctrica Hofner Galaxy que decidí copiar. Eso fue una gran manera de aprender a construir una guitarra, ya que pude tomar todas las medidas que necesitaba y pude ver cómo se armó. Entonces empecé a hacer las guitarras que quería, aquellas que no podía permitirme el lujo de comprar, como una Les Paul, Flying V y, finalmente, el modelo Les Paul Junior TV.

Dejé secundaria y me fui a la Escuela de Arte a estudiar diseño gráfico, pero mi verdadero interés era encontrar otros músicos para formar una banda. Las cosas no funcionaron según lo previsto y conseguí un trabajo en una gráfica. Después de una exitosa carrera en el diseño me di cuenta que había perdido el entusiasmo por construir y tocar mis propias guitarras. Así que en 2000 puse todas las habilidades que había

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Eléctrica de una guitarra estilo Flying V. He ido añadiendo variaciones a la gama, como double cutaways, veneciano y florentine single cutaways que algunos de mis clientes solicitaron.

Materiales

aprendido como diseñador en la creación de una guitarra que me encantase tocar y poseer yo mismo.

Después de construir varios prototipos, empecé a mostrarla a músicos profesionales para obtener sus opiniones. Le gustó tanto a todo el mundo que me dio la confianza suficiente para establecer el sitio web y ofrecer mis guitarras, y posteriormente exponerlas en los espectáculos de guitarra Londinenses.

Instrumentos Todas mis guitarras son eléctricas y de cuerpo sólido, semi-hueco o hueco. Las guitarras sólidas tienen tapas talladas a mano. Las guitarras acústicas de caja semi-hueca tienen arqueadas las tapas y la trasera, y son laminadas con un bloque central. También hago una guitarra acústica semi-hueca que tiene una parte superior plana con un piezo debajo de la “silla de montar”.

Modelos Hay cuatro diseños principales de

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la gama: J1 - Cuerpo sólido 13 ‘’ de ancho.

J2 - Semi-hueco cuerpo 14 ‘’ de ancho.

J3 - Semi-hueco cuerpo 15 1/4 ‘’ de ancho.

JV - versiones sólidas y semi-hueca

Uso caoba hondureña en los cuerpos sólidos y todos mis diapasones son de caoba aserrada. Arce y sicómoro para las copas talladas. En las tapas de arcos laminados utilizo arce, sicómoro, tulipán y caoba hondureña. Diapasones también con rosewood o ébano. Para mis incrustaciones utilizo nácar y abulón. En pick-ups uso Bare Knuckle que me dan una réplica perfecta de lo mejor del sonido de las ‘59 PAF humbucking. El acabado lo hago en pulido con laca de nitrocelulosa de alto brillo.

Tono Los músicos que vienen a mí les encantan mis diseños, y quieren una guitarra exclusiva. Por lo general,

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Eléctrica

Creo que el trabajo de un luthier no sólo es elaborar un instrumento hermoso en imagen y sonido, sino también añadir algo de sí mismo al diseño de la guitarra para crear un instrumento que inspire a otros. han oído hablar de mí, leído en algún medio o han sido recomendados por alguien que tiene una guitarra Case. Normalmente buscan un tono clásico, propio de un instrumento de la década de los 50. También quieren un perfil de diapasón particular y una gran ergonomía. Varios clientes han comentado sobre la exactitud de la afinación en todo el diapasón.

Muy útil cuando se utilizan acordes.

Diseño Todas mis guitarras son asimétricas, de forma que permiten un mayor acceso a los trastes altos, y de esta manera también se equilibra la guitarra, bien cuando estás sentado o de pie. También he desarrollado un sistema de montaje humbucker, que

atornilla el pick-up directamente al cuerpo sin necesidad de un envolvente de plástico. Para la regulación de la altura se accede desde la parte posterior de la guitarra. Así se ve más claro y creo que saca mejor el sonido del pick-up.

Donde He estado en contacto con algu-

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Eléctrica

Después de una exitosa carrera en el diseño me di cuenta que había perdido el entusiasmo por construir y tocar mis propias guitarras. nas tiendas boutique, pero por ahora estoy recibiendo suficientes encargos directos de guitarristas. Al ser construidas totalmente a mano, cada guitarra conlleva bastante tiempo, por lo que tengo pocas posibilidades de tener un buen stock por ahora.

Endorsees Andy Powell de la banda Wishbone Ash toca con dos de mis guitarras. Andy Powell fue uno de mis héroes a la guitarra en los años 70, y fue la inspiración para mi modelo basado en la Flying V. Otros músicos que poseen y tocan mis guitarras son Maxi Jazz de la banda de Faithless, Phil Robson de The Partisans y el cantautor Jamie Woon. El guitarrista y fundador de Bare Knuckle, posee y toca mis dos modelos JV y J1.

Otros Siempre me ha gustado como luthier Tony Zemaitis, quien hizo las guitarras de Eric Clapton, Ronnie Wood y Marc Bolan. Me gustó la forma en que cogió un clásico como la Les Paul y diseñó su propio modelo. Creo que el trabajo de un luthier no sólo es elaborar un instrumento hermoso en imagen y sonido, sino también añadir algo de sí mismo al diseño de la guitarra para crear un instrumento que inspire a otros.

CASE GUITARS Luthier: Jon Case www.caseguitars.co.uk www.facebook.com/Case-Guitarsuk info@caseguitars.co.uk St Nicholas at Wade, Kent, England.

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Bajos

El Stash Stainless Bass no s贸lo es distinto, elegante y moderno, esconde mucho m谩s...

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Bajos

Stash Stainless Bass Guitars The only 100% stainless steel bass

N

o sé exactamente cuando se convirtió en realidad la idea completa, pero lo que sí sé es que la música y el diseño, para este trabajo, es algo que la gente debería explorar constantemente.

Si el “status quo” no hubiera sido cuestionado tantas veces habríamos perdido muchas oportunidades de conseguir grandes avances en estos dos campos. Lo que sí sé es que la idea de construir estos instrumentos no vino de “mirar al techo”.

Desde mi sótano invertí mucho tiempo en estudiar la estructura de los instrumentos y sus detalles.

Si estudias un objeto con tanta pasión y aprendes de algunos de los mejores constructores puedes jugar con las ideas e inspirarte para hacer muchos proyectos. En ocasiones se necesitan varios años, o incluso toda una vida, para poder decidir exactamente cómo quieres abordar esa idea. No tenía ningún interés en hacer lo que se había hecho hasta el momento, producir una guitarra con componentes prefabricados o comprados, o simplemente cambiar

ligeramente la forma de un bajo/guitarra estándar, o añadir un acabado de pintura llamativo. Cualquiera puede hacer eso, y yo lo respeto, pero a mí me gusta romper las reglas, al igual que lo hacen muchos artistas que admiro.

Mucha gente tiene muy buenas ideas, pero que solo las mantienen en sus sueños. Es un sueño brillante, pero perdido, y alguien más puede terminar haciendo algo similar antes o después. Para mí, hacer realidad esta idea requería de una gran autodisciplina y compromiso para llevarlo hasta el final, y de hecho aquí está ya. Porque quise disfrutar de un diseño desafiante, de la creación de prototipos y probarlos, hasta que se convirtió en una realidad. El apoyo y estímulo de mi familia y de mis compañeros músicos me ayudaron mucho. Siempre me mantuvieron en marcha y alimentaron mi energía para seguir aprendiendo!

Mis objetivos para el diseño de Stash fueron: • Explorar diferentes materiales.

• Tratar de lograr un sonido único.

• Crear un instrumento que tenga

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Bajos precisión y calidad en su fabricación.

• Crear un instrumento que fuese muy robusto y duradero.

• Mejorar la ergonomía.

• Crear algo visualmente impactante, expresivo y moderno.

• Que mantenga la máxima estabilidad en condiciones ambientales como la lluvia, humedad, temperatura caliente extrema, que aguante el desgaste o los daños,… o tal vez incluso ser capaz de sobrevivir a la próxima Edad de Hielo!

Instrumentista Soy músico autodidacta, y toco algunos instrumentos, entre ellos el bajo, pero no de forma profesional.

Formación Mis primeras experiencias en la artesanía, y trabajando con el metal y sus herramientas fue en la trasera de la tienda de mi padre, cuando yo era muy joven.

Con el tiempo quise tener una sólida cartera, y me inscribí en la Industrial Design Art and Engineering Academy en Wroclaw, Polonia

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El acero inoxidable es un material increibles.

No se oxida ni se corroe.

Así que, como podéis ver, mi amor por la música y la ingeniería Oluptat modiam, quia mecánica contribuyeron mucho en pre iust quodit od mi preparación.

Modelos

eum qui qui blab il et aut animo et.

Actualmente, mi objetivo principal es el diseño y construcción de bajos. El siguiente producto en la línea sería un bajo sin trastes de cuatro cuerdas (escala de 35 “). De este ya tengo un prototipo avanzado. Y por supuesto, sigo explorando otros instrumentos de cuerda basados en el modelo original Stash Bass.

Características El instrumento no sólo es distinto, elegante y moderno. Tiene un diapasón tubular único que ofrece a los dedos del músico una matriz paralela a las cuerdas alrededor de un radio circular. Esto permite el acceso de los dedos a cada cuerda de una manera natural y cómoda. Este diseño rebaja la tensión muscular que una superficie plana provoca a los dedos, mano y muñeca.

La composición de todo el instru-

mento (cuerpo, diapasón y cuerdas) está hecho del mismo metal, que tiene un coeficiente de expansión térmica. Esto elimina los cambios de dimensión relativa, como resultado de cambios de temperatura extremas. Este diseño mejora la rigidez, estabilidad mecánica y ambiental, calidad de sonido, y la precisión mecánica.

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Este diseño rebaja la tensión muscular que una superficie plana provoca a los dedos, manos y muñeca.

El diapasón está hecho de un solo tubo de acero inoxidable, con los trastes mecanizados en la superficie del tubo. La forma del diapasón es un cambio radical de la técnica anterior, y proporciona ventajas ergonómicas adecuadas a la adherencia natural de la mano humana.

Las propiedades acústicas del tubo, proporciona enriquecimiento en armónicos adicionales. Este diseño permite la fabricación escalable con un alto grado de preci-sión y exactitud. También proporciona una cavidad ideal dentro del tubo para insertar pick-ups con un nuevo diseño, que obviamente están protegidos del ruido eléctrico y acústico externo. El diseño es inherentemente más fuerte que otras propuestas existentes, resultando un instrumento resistente a daños mecánicos, incluso en situaciones de impacto extremo. Básicamente, el bajista no puede destruirlo en medio del concierto!

Acero El acero inoxidable es un material

increíble. No se oxida ni se corroe.

También es anti-magnético, algo muy importante para no bloquear el campo magnético procedente de las pastillas insertadas dentro del tubo.

Al mismo tiempo el tubo de acero protege las bobinas internas y cables de cualquier ruido eléctrico exterior.

También, el mantenimiento de este material es muy fácil.

Bajos

cionales modelos “P” y “J” de Fender a los tonos percusivos del funky moderno con un ligero y metálico tono acústico.

Donde

Tono

En este momento los bajos Stash sólo están disponibles para su compra online en nuestro sitio web, pero estamos avanzando en posibles alianzas que presentaremos dentro de poco.

El bajo Stash crea una amplia gama de sonidos. Desde los tradi-

Otros Hay tantos constructores innovadores, que han contribuido a la evolución del diseño de las modernas guitarras y bajos, que me sería imposible nombrarlos a todos. Realmente respeto a todos ellos, bueno, excepto a los que hacen copias.

STASH STAINLESS Design by Stan Potyrala stashstainlessbass.com http://stashstainlessbass.com/shop Tel 1(647) 639-1935 Mississauga, Ontario - Canada

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El Rincón Sonoro

by Antonio Fernández Morell.

Scorpions

Savage Amusement ”Vivimos bajo el mismo sol, caminamos bajo la misma luna, por qué no podemos vivir como si fuéramos iguales?”

Letra de Under The Same Sun (Face The Heat - 1993) Guitar Fair Magazine · Febrero 2016

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H

ola de nuevo, queridos lectores!!

Este mes os voy a escribir de un disco muy especial para mí, Savage Amusement de Scorpions.

Y digo que es especial porque es una de mis bandas favoritas y además éste año están de celebración, pues cumplen 50 años sobre las tablas, unas auténticas bodas de oro con su público… Casi nada!

La verdad, entre tantos discos buenos me es difícil quedarme solo con uno para hacer este reportaje (Love At First Sting, 1984, Lovedrive, 1979, Animal Magnetism, 1980…

Editaron un total de 19) pero me quedo con éste Savage Amusement (1988)

porque fue el primero que escuché.

Dicho grupazo de Hard Rock fue fundado en Hannover (Alemania) en 1965, y a lo largo de estos 50 años nos han dejado éxitos irrepetibles como Still Loving You, Send me an Angel, Wind of Change (tema que merece una mención especial, ya que estuvo 55 semanas seguidas en las listas de éxitos en Alemania, 11 de ellas como número 1), Rock You Like a Hurricane, Blackout, When The Smoke is going Down, Always Somewhere, y un largo etcétera.

Se estima que entre discos, recopilatorios y sencillos sumados, han permanecido más de 3000 semanas en lista en más de 30 países. Alucinante.

Savage Amusement, el disco sobre el que voy a tratar ahora, se publicó el 16 de Abril de 1988. Se grabó en los estudios Dierks en Colonia.

Mercury Records fue la discográfica.

Con una duración de poco más de 37 minutos y un listado de 9 temas, pronto fue un éxito mundial. Llegó a ser disco de oro en 5 países y de platino en otro dos (incluyendo EEUU donde se vendieron más de un millón de copias) La gira del disco les llevó a lugares tan inéditos como Leningrado (antigua Unión Soviética), siendo la primera banda de rock en tocar en este país.

Dicho esto comenzamos la escucha.

Personalmente me encanta el primer tema, Don´t Stop at The Top. A lo largo de la historia se ha pensado en Scorpions como un grupo más de baladas, y si es cierto que las baladas han sido parte muy importante de esta banda, no podemos perdernos los temas verdaderamente rockeros que nos brindaron. Pues bien, esta canción es una pasada. Hard Rock ochentero con un sonido brutal, unas guitarras afiladas al máximo y un estribillo pegadizo característico de la época. Un auténtico temazo para empezar.

Llegamos a Rhythm of Love con las pulsaciones a tope. Nos encontramos un buen Riff de guitarras en un tema bastante más lento en su composición pero muy bello. Fue el

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El Rincón Sonoro estado puro. Para escucharla a todo volumen una y otra vez. El solo es muy bueno.

Love On The Run es pura velocidad. Parece una canción de Motörhead. Guitarras que no paran de chillar, la batería a mil por hora, muy poten-te, locura total.

Believe in Love es una obra de arte, la balada por excelencia del vinilo.

Archiconocida, fue el segundo single de Savage Amusement. Poco más que decir de algo que no se puede explicar con palabras. Solo os queda escucharla para los que no la conozcan, y volver a disfrutar de la escucha para los que la sentimos y conocemos desde hace tantos años como el que os escribe. primer sencillo del disco, bien elegido porque suena muy comercial. Apuntar también que la banda invitó a la canadiense Lee Aaron para los coros. Las voces suenan de maravilla.

recuerda a temas de Queen, hasta que suenan las guitarras. Guitarras más pesadas y duras, pero con un estribillo que también es muy pegadizo.

Perfecto uso de efectos en las voces. Muy buena.

Con Passion Rules The Game las pulsaciones vuelven arriba. Que canción tan tremenda, no me extraña que la versionaran tantas bandas (en opinión personal, la que hacen To Die For, me parece una barbaridad).

De las mejores del disco sin duda. Protagonismo especial para las guitarras. Fue el tercer y último single del vinilo.

Walking On The Edge es la primera gran balada que nos encontramos.

Como es característico en la banda, unos acordes preciosos que la hacen reconocible al cien por cien y un toque más heavy en el puente de la canción, para volver a adentrarnos en otro estribillo dulce y maravilloso. Una de las mejores baladas de Scorpions, pero es que claro, este Savage Amusement se cierra con Believe in Love y esa es la balada por excelencia

Media Overkill es el nombre del cuarto corte del disco. El comienzo

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de este disco. Escucha obligada.

We Let It Rock You Let It Roll nos vuelve a levantar del sofá. Posiblemente el tema más Heavy de todos. Si no te hace mover el cuerpo, háztelo mirar! Eléctrica por todos los costados. Rock and Roll!! Otro ejemplo de que no solo eran un grupo de baladas.

Every Minute Every Day me gusta mucho por las líneas de bajo tan marcadas y porque la voz de Klaus se sale en este tema. A lo largo de la escucha te vas dando cuenta de que poco o nada hay de relleno en este plástico, que a la vez que corto es intenso. Preciosa canción, Scorpions en

“Baby our love’s got what it takes, to give us one more chance to start once again

Baby our love will find a way, As long as we believe in love…“

Antonio Fernández Morell.

SCORPIONS SAVAGE AMUSEMENT (1988) Klaus Meine - Voz Rudolf Schenker - Guitarra Rítmica Matthias Jabs - Guitarra Solista Francis Buchholz - Bajo Herman Rarebell - Batería

AIR GUITAR F magazine All about the World of Guitar

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